Production musicale : concepts mélodiques expliqués ained

1. Intro: Bonjour, et bienvenue dans mon cours sur les concepts mélodiques dans la production musicale De nombreux étudiants sont venus me voir au fil des ans pour demander : « Comment créer une mélodie Je suis doué pour créer des rythmes ou peut-être des lignes de base. Mais lorsqu'il s'agit de certaines fonctions harmoniques et mélodiques plus techniques, d'autres plus théoriques, c'est là que de nombreux étudiants ont besoin d'un peu plus d'assistance C'est pourquoi j'ai créé ce cours pour m' assurer que vous comprenez bien comment créer une mélodie entraînante qui fonctionnera dans vos productions Nous allons parler de certains concepts mélodiques qui sont davantage basés sur la production, tels que la façon d'appliquer le swing ou de maintenir un rythme droit, plupart de ces concepts sont en fait un peu juxtaposés au cours d'harmonie que j'ai créé, où il portait davantage sur les techniques de production axées sur techniques de production Cela portera un peu plus sur la théorie de la création d' une mélodie et de son intégration dans vos productions Nous parlerons de la densité rythmique des thèmes mélodiques , des mélodies larges par rapport aux mélodies étroites, et bien L'idée est de m'assurer que si vous avez une production qui contient à peu près tout sauf une mélodie convaincante, je sois en mesure de vous donner une série d' étapes afin que vous compreniez comment l'intégrer stylistiquement, ce que vous devez faire pour aborder les bonnes notes et les bons rythmes votre mélodie et, en général , vous assurer de la masser pour qu'elle vous aide. complétez ce son entièrement produit. Maintenant, il existe de nombreux styles. Il existe de nombreuses façons d'aborder ce sujet. Je vais essayer de vous donner quelque chose d' universel que vous pouvez utiliser pour aller de l'avant, même si vous voulez explorer piano classique ou créer une mélodie pour un chanteur pop ou créer une mélodie de chip tune ou un ostinato pour un Quoi qu'il en soit, je veux m'assurer que ce que je vous offre est non seulement intemporel, mais qu'il pourra également s'adapter au style que vous produisez. Maintenant, il va y avoir un projet de classe dans le cadre de ce cours. Assurez-vous donc de consulter le cours qui vous donne tous les détails de ce projet. L'idée est de prendre une mélodie que vous avez créée et de la décomposer en expliquant comment les différents conseils et astuces que je vous ai donnés dans ce cours s'appliquent à la mélodie que vous avez Mais bien sûr, jetez un œil au cours qui décrit tous les détails afin que je puisse approfondir la description de ce projet. Donc, si vous essayez d'améliorer votre écriture mélodique en tant que producteur, ce cours est totalement pour vous Assurez-vous d' être prêt à appliquer ces techniques dans vos propres productions et à vous ces techniques dans vos propres productions et lancer dans la pratique dont vous avez besoin pour faire de ces concepts une seconde nature. J'ai hâte de commencer cela avec vous. Je te retrouverai au premier cours. 2. Projet de classe: Pour ce projet de classe, vous allez utiliser quelque chose de préexistant et vous allez voir comment le contenu de ce cours est décomposé au sein de quelque chose que vous avez déjà créé. Supposons que vous travailliez sur une chanson qui possède déjà une mélodie Je veux juste que tu solos la mélodie. Vous pouvez peut-être opter pour la mélodie et l'harmonie, mais nous ne pensons pas à une production globale pour le moment Nous réfléchissons à la théorie de votre mélodie. Je veux que vous preniez cette mélodie et que vous décriviez les différents concepts mélodiques que je vous ai donnés et comment ils sont utilisés dans cette mélodie en particulier Ainsi, par exemple, peut-être que la densité rythmique change tout au long Vers la fin, vous utilisez un peu de chromatisme, et vous prenez également note de la façon dont vous utilisez des éléments tels que voisins, les tons qui passent, etc. Vous analysez votre propre mélodie afin de pouvoir le faire ultérieurement avec les mélodies d'autres artistes Si vous avez toujours aimé la façon dont Chopin crée mélodies ou la façon dont Hans Zimmer crée des mélodies, après ce cours et après ce projet en particulier, vous aurez les outils nécessaires pour analyser ce que quelqu'un d'autre a fait afin de pouvoir analyser ce que quelqu'un d'autre a fait afin essentiellement recréer ces mêmes techniques dans votre ces mêmes techniques Encore une fois, pour créer notre propre style, nous devons identifier ce que nous aimons chez les autres artistes et trouver de petits moyens voler ces techniques et de les fusionner avec celles d'autres artistes afin de créer notre propre style en fin de compte. Maintenant, les points bonus pour ce projet sont si vous prenez la mélodie que vous avez déjà créée et que vous essayez de les appliquer deux des techniques de ce cours que vous n'avez pas appliquées vous n'avez pas appliquées à cette mélodie Supposons donc qu'il n' y ait pas de chromatisme dans votre mélodie et que vous soyez curieux de l' essayer et de voir comment cela pourrait améliorer votre mélodie. Vous pourriez ensuite réenregistrer la mélodie en utilisant certain chromatisme et éventuellement une autre technique un certain chromatisme et éventuellement une autre technique de ce cours également. Donc, prenez la mélodie préexistante, développez-la et voyez comment l'ajout de certaines de ces autres techniques a changé votre mélodie Une fois que vous aurez enregistré et exporté des éléments , de préférence au format MP Threes, vous allez m'envoyer un lien public via SoundCloud, via YouTube, sur fond noir, via Google Drive, quel que soit le support que vous souhaitez utiliser comme support pour partager avec moi Assurez-vous simplement que vous partagez un lien public afin que je puisse accéder facilement à votre projet À partir de là, je vais vous faire part de mes commentaires sur ce que vous avez fait de mieux et sur les points à améliorer. Maintenant, prends ton temps avec ça. Ce n'est pas fait pour être précipité. Je veux m'assurer que vous êtes satisfait de ce que vous soumettez, mais en fin de compte, il n'est pas nécessaire que ce soit un chef-d'œuvre. Alors trouvez le point idéal : j'y ai consacré du travail, mais je suis assez heureuse de savoir que ce n'est pas parfait, puis soumettez-le. Bien entendu, si vous avez des questions en cours de route, hésitez pas à nous contacter et à les poser. J'espère que ce projet vous plaira, et je vous retrouverai au prochain cours. 3. Métal et aimants ets: Très bien, dès le départ, nous allons parler du métal et des aimants, les accords et la mélodie relation entre les accords et la mélodie dans un décor produit. Allons y jeter un œil. Donc, dès le départ, je tiens à mentionner que j'ai une partie de batterie et une progression d' accords de base Vous pouvez voir nos trois éléments principaux ici : batterie, les accords et la mélodie Melody avec laquelle nous n'avons pas encore travaillé car c'est ce nous allons créer ensemble aujourd'hui Mais ce que j'ai jusqu'à présent, c'est un peu un battement de batterie Kana ish dans une discothèque Ensuite, la progression des accords est en sol mineur sept, mi bémol majeur sept, do mineur sept Nous sommes donc dans la tonalité de sol mineur. Il s'agit d'un one flat 64. Maintenant, je sais que je suis en sol mineur parce que c'est la progression d'accords que j'ai créée Nous aurions pu choisir n'importe quelle touche, mais nous voulons nous assurer que notre mode de mise à l'échelle ci-dessus est réglé sur sol mineur. Cela aidera particulièrement les débutants qui suivent ce cours qui suivent ce cours, car cela nous aidera à mettre en évidence certains nœuds importants dans notre clé. Nous nous sommes donc installés en sol mineur. Écoutons la boucle que nous avons. De plus, pour rappel, vous pouvez cliquer sur certaines chaînes dans Ableton, et lorsque vous cliquez avec le bouton droit sur attribuer une couleur de piste aux clips, vous pouvez maintenant voir que nos clips sont jaunes sur la ligne jaune, violets sur la ligne violette Ça suffit de parler. Voici comment ça sonne. OK, c'est donc notre boucle de base. Nous allons mettre l'accent sur ce domaine. Nous pourrions simplement jouer quelque chose, appuyer sur le bouton d' enregistrement ici, puis nous pourrions jouer une sorte de mélodie Pour l'instant, je vais faire un Control Shift M dans ce domaine. Si vous êtes sur Mac, c'est Command Shift M. Et maintenant, nous avons cette zone midi dans laquelle nous pouvons travailler, que nous voulions prendre des notes au crayon ou les jouer dans les deux options. Ce qui est vraiment cool, c'est qu'une fois que nous avons créé une mélodie, nous pouvons contrôler, cliquer sur l'harmonie pour voir comment les deux sont liées C'est très important dans des domaines tels que les partitions d'orchestre, et vous pouvez voir ce type de flux de travail C'est très répandu dans la logique et la base de repères. Et si vous faites ce clic de contrôle entre plusieurs clips, alors dans Ableton, vous y avez également accès Alors, qu'est-ce que je veux dire par métal et aimants ? Je veux que vous considériez l'harmonie comme un ensemble d'aimants pour votre mélodie Et votre mélodie ressemble à de petits morceaux de métal qui veulent se déplacer vers ces aimants Le premier accord que j'ai mentionné était donc le sept en sol mineur. Techniquement, je pense au sol mineur neuf. Nos notes sont donc en sol, ré, fa, A et si bémol, ce qui finit par sonner comme ça Donc n'importe laquelle de ces notes, si je devais la jouer vers le haut et l' octave ou vers le bas et l'octave, devrait sonner assez bien avec cet ensemble de notes original, car ce sont les mêmes notes simplement déplacées vers le haut ou vers le bas et Donc, si je les joue ici que ça sonne bien et que je les joue ici, ça sonne pareil, juste plus haut, puis ici, ça sonne pareil, plus bas. Quand je dis que le son est le même, je ne parle pas du ton ou texte, juste en termes de hauteur Donc, si un groupe de notes sonne bien et que je peux le déplacer vers le bas ou vers le haut en octave, et qu'il sonne bien, et si je sélectionnais simplement l'une de ces notes dans ce groupe Cela sonnerait sûrement bien, non ? C'est très sûr, au contraire, et nous pouvons prendre cette seule note de ce groupe et la représenter comme notre mélodie simple, si j'ai un accord en do majeur, regardez le petit clavier midi situé juste en dessous de moi. Voici notre accord en do majeur, CEG. Si je joue un accord de do majeur ici, ça sonne toujours bien. donc jouer n'importe laquelle de ces trois notes de la main droite, Je pourrais donc jouer n'importe laquelle de ces trois notes de la main droite, qui sont les mêmes que celles de la main gauche. Donc, que ce soit en C, E ou G, le son sera excellent. Voilà donc la mélodie qui atterrit sur l'un des aimants. Il atterrit sur l'une des notes d'accord. Et quand je parle de notes d' accords, je veux dire l'ensemble du clavier Si mon accord est en do majeur et que j'ai un CEG, alors tous les C, tous les E, tous les G pourraient fonctionner Mais n'oubliez pas qu'une mélodie a tendance à se situer dans la gamme de la voix humaine, là où nos oreilles sont un peu plus sensibles Je ne dis donc pas qu'il faut jouer votre mélodie dans la partie la plus basse du piano dans la partie la plus basse du piano. Si vous êtes assis au piano, votre épaule droite représentera une large gamme de mélodie C'est en quelque sorte au milieu de la clé triple. Mais cela étant dit, encore une fois, ces notes CEG fonctionnent partout avec votre harmonie Vous remarquerez donc si nous savons dans quelle tonalité nous sommes, et pour le moment nous ne représentons qu'en do majeur. Mais si nous savons dans quelle tonalité nous nous trouvons, et que vous connaissez toutes les notes de cette touche ou si vous connaissez, en d'autres termes, l' échelle de cette touche, alors vous connaissez les notes disponibles. Donc CEG joue, donc CE ou G seraient d' excellentes notes mélodiques D, F, A et B sont les quatre autres notes de cette gamme en do majeur. Nous devons donc nous demander si je joue un D, cela sonne plus coloré et il faudra passer à l'un des aimants, soit C. Maintenant, cela semble résolu, soit nous avons ce son coloré. Jusqu'au E, un autre aimant. Il en va de même pour F. Le F n'est pas dans notre fil. Il y a un peu plus de tension et il veut tirer sur l'un des aimants. Il peut être tiré vers le bas ou, dans ce cas, vers le haut. Maintenant, A n'est pas, encore une fois, un aimant. Il va vouloir tirer vers G. Il peut passer au C suivant, mais ce serait un saut, ce qui est très bien, ou nous pouvons simplement gravir les échelons d' un nœud à la fois jusqu'à ce que nous atteignions ce point. Il en va de même pour le B, le dernier nœud. B n'est pas dans notre langage, donc il va falloir passer à une tonalité de corde, à l'un des aimants, et peut-être que passer à C serait une bonne option, mais aussi descendre quelques notes pourrait également fonctionner. Maintenant, il y a certains mouvements dont vous devez tenir compte et qui se produisent plus souvent. Par exemple, le D se déplacerait de deux demi-tons vers le bas vers le do ou de deux demi-tons vers le haut jusqu'à E. En d'autres termes, il déplace un ton pour le résoudre sur l'une ou l'autre de ces hauteurs Mais quelque chose comme F n'est qu'à un demi-ton de E. C'est aussi un ton éloigné de G. C'est donc plus proche du E. En pensant à cette analogie avec le métal et les aimants, le F veut évidemment tirer un peu plus vers le E les deux tiers des cas, il souhaitera passer à la note la plus proche, mais environ un tiers du temps, il pourrait tout aussi bien passer à l'autre note. Cela dit, le B en haut va également vouloir passer à C parce qu'il est nettement plus proche de C que de G. Devrait-il monter d'un demi-ton ou descendre de quatre Même si nous descendons par étapes, encore assez loin de cette destination. Ce ne sont donc que des règles légères. Vous pouvez enfreindre toutes les règles au fur et à mesure que vous vous y habituez, mais c'est un excellent point de départ. Et la dernière chose que je vais dire avant de plonger dans notre mélodie, c'est que vous pouvez sauter un peu sur ces notes d'accord et vous en tirer avec un son correct Comme beaucoup de musique militaire ancienne et de clairons, comme les premières trompettes Même les partitions de John Williams sont influencées par ce type de son. Ce ne sont que des notes d'accord. Ce ne sont que des aimants, et pourtant ça sonne bien. Faisons donc une petite expérience. Je vais créer une petite mélodie, puis nous allons examiner le lien entre l'harmonie et la mélodie puis en discuter dans cette atmosphère métal et d' aimant Essayons-le. Dans, un, deux, trois, quatre. Pour le bien de ce que nous faisons pour le moment, cela devrait fonctionner. Je vais faire un contrôle A pour sélectionner O, un contrôle U pour quantifier. Tout est donc un peu plus normal. Vous verrez donc ce que je veux dire lorsque je sélectionne ce clip MIDI, encore une fois, sélectionne la zone de la barre supérieure, puis que je clique sur l'harmonie. Et vous pouvez commencer à voir la mélodie l'harmonie et leur relation Comme vous pouvez le voir, la mélodie est représentée par des notes bleues, et l'harmonie est représentée par ces notes violettes Encore une fois, les couleurs que nous avons sélectionnées pour ces chaînes individuelles. Ableton est donc assez intelligent pour nous montrer ces informations. Maintenant, le problème tient en partie fait que certaines notes sont bloquées. Par exemple, vous remarquerez que cette note d'harmonie est bloquée sur cette note mélodique Donc, si je fais défiler l'écran jusqu'à l'endroit où se trouve cette mélodie, ligne bleue. Il me montre toutes les notes de la mélodie, et je vais simplement cliquer dessus pour qu'elles affichent maintenant les informations harmoniques Il convient de mentionner que toutes les touches violettes sur la gauche sont les notes qui se trouvent en sol mineur. Vous vous souvenez quand nous avons sélectionné Sol mineur vers le haut dans notre mode échelle ? Eh bien, toutes ces notes violettes seront des notes qui fonctionneront dans la tonalité. Et vous remarquerez que je n'ai choisi aucune note qui ne soit pas violette. Le violet s'étend tout le long de la touche, alors regardez ça. Violet, violet, violet. Tout est violet. Si je sélectionnais une note qui n'est pas violette, cela peut sembler un peu trop aventureux, mais essayez simplement de la faire correspondre à l'une des notes violettes, surtout s'il s'agit d'une note d'accord Donc, dès le départ, je vais juste m'installer ici pour que tu puisses voir les choses un peu mieux. Mais vous remarquerez que nous avons ces quatre notes harmoniques ici, et la mélodie est en fait juste au-dessus de cette note d'harmonie, et celle-ci se chevauche, et celle-ci Vous pouvez voir que je commence par ces aimants. Maintenant, l'accord est un peu jazzy. Mais si vous ajoutez des notes jazzy à un accord, celles-ci deviennent désormais Peu importe donc qu'il s'agisse d'un majeur ou mineur, d'un neuf accord mineur ou d'un accord dominant comme un accord alter dominant ou quelque chose de fantaisiste comme ça Ça n'a pas d'importance. Toutes les notes l'accord sont disponibles sous forme d'aimants Maintenant, vous remarquerez que j'ai joué très prudemment. Tout est violet. Chacune de mes notes mélodiques est violette. Cependant, toutes les notes de mélodie ne se trouvent pas sur une note harmonique ou sur l'un des choix de notes d'accord Ce mi bémol en est donc un excellent exemple. Vous remarquerez que c'est sur une note violette. C'est dans notre tonalité, mais ce n'est pas sur l'une de ces notes d'accord ici. Alors, qu'est-ce que j'ai fait ? Peu de temps après, je suis passé de ce mi à un ré, jusqu'à l'un des choix de notes harmoniques. Bien sûr, je le remonte pour créer un peu de tension. Ensuite, nous passons à ce do, qui semble à première vue ne pas atterrir sur une note d'accord Mais c'est juste pour ce registre. Si je fais défiler l'écran vers le bas, nous verrons qu'il y a en fait un C dans l'accord Il s'agit finalement d'un accord en do mineur. Il y a en fait quelques C ici. Il y en a un ici. Il y en a un ici. C'est juste dans cette octave, il n'y a pas de do, mais la note mélodique fonctionne vraiment bien à ce stade Ensuite, nous faisons un petit saut, certes, mais nous choisissons l'une des notes de notre De là, je passe à une autre note d'accord. Nous évitons une autre note violette. Ce n'est pas dans notre accord, mais nous nous contentons à nouveau terminer sur l'une de nos notes d'accord Nous avons donc commencé sur une note d'accord. Nous avons terminé sur une note d'accord, et une, deux, trois ou quatre notes ne faisaient pas partie de l'accord qui se produisait sur le moment, mais c'étaient des notes violettes Ils étaient dans les limites de la clé et, à un moment donné, assez brièvement, ils ont pris une note appropriée. Voici comment la mélodie sonne une fois de plus avec toutes ces informations à l'esprit Oui, la quantification a un peu sali le rythme. Je crois que je l'ai joué avec un peu plus de groove ou de flare au départ. Je vais juste y aller et corriger ça parce que nous travaillons peut-être un peu plus sur cette mélodie Alors écoutons-le encore une fois, juste pour te montrer comment je pourrais nettoyer un truc rythmique comme celui-ci Cela devrait être là. Alors c'est comme si c'était ça ? Non Peut-être ceci. Allons-y. Quelque chose comme ça. Nous y voilà. OK, donc, je pense que la mélodie que j'avais en tête quand je l'ai jouée une fois de plus en partant du haut, juste pour but de mettre les choses au clair. Maintenant, vous remarquerez que tout est assez lié jusqu'à présent, puis il y a une petite pause, puis nous terminons avec cette petite phrase plus petite ici. Nous parlerons du phrasé plus tard. Mais ce que je dois dire, c'est que de petites pauses dans votre mélodie ne sont pas une mauvaise chose si votre mélodie dure, par exemple, huit ou 16 temps Nous avons donc parlé de la nécessité de bien comprendre quel accord joue en L'accord va changer d'un bout à l'autre. Cela fait partie de la progression des accords. Do majeur, sol majeur, fa mineur F. Il y a quatre accords de base Au moment où je joue ma mélodie, produit nous voulons nous demander lequel de ces accords se Et quelles que soient les notes de cet accord, elles deviennent disponibles sous forme aimants vers lesquels notre mélodie veut se diriger Lorsque nous ne sommes pas sur une note magnétique, l'une des notes de l'accord, en d'autres termes, nous voulons être sur l'une des notes violettes, l'une des notes qui se trouvent dans la touche Dans ce cas, nous sommes en sol mineur, nous voulons donc au moins jouer avec tonalité ou cette gamme de sol mineur. Si nous ne jouons pas une note d'accord, nous voulons éventuellement passer à l'une des notes d'accord, tout conscients et en nous demandant si je suis à un demi-ton d'une note d'accord ? Est-ce que je suis tendu ou est-ce que je suis un peu sourd ? Est-ce un peu plus coloré ? Ce sont donc les concepts de base que je voulais aborder dans ce cours. Ce que nous allons faire ensuite, c'est parler tonalités voisines et des tonalités passagères. Ils sont déjà en quelque sorte intégrés ce petit exemple mélodique, donc nous allons continuer Nous allons le détailler plus en détail, et je vous verrai dans le prochain cours. 4. Notes de voisin et notes de passage: Bien. Passons maintenant aux tonalités voisines et aux tonalités passagères. Les tonalités voisines sont en quelque sorte un pas de côté vers une note qui n'est pas liée à un accord , puis un retour à une note d'accord et notes de passage commencent sur un endroit sûr, l'une des notes d'accord et passant d' une note moins sûre à la note sûre suivante Donc, une note d'accord, une note sans accord, vers une autre note d'accord. Des notes de voisins, des notes de passage. Nous parlons des deux. Allons-y. Pour l'instant, je vais juste garder mon écran allumé ici. Je pense que cela ne gêne pas les informations MIDI, et j'espère que plus tard , je n'aurai rien à montrer en détail sur le côté droit, mais pour le moment, je me sens en sécurité. Donc, comme expliqué brièvement dans l'introduction, une note de voisin, c'est comme si vous alliez chez votre voisin et que vous reveniez Disons que je suis une note mélodique et que je commence par un ton d'accord sûr L'accord est donc en do majeur, CEG, et ma note mélodique, moi, je suis un do, je suis en sécurité Eh bien, je devrais peut-être m'éloigner un peu de la zone de sécurité, peut-être en passant à la note suivante de la gamme, qui est D, ou peut-être en baisse d'une note, qui est un B. Je peux me déplacer dans les deux sens, je peux monter ou descendre, mais le fait est que je reviens à ma note de sécurité, la même que celle que j'ai commencée. note du voisin supérieur se déplacerait vers le D et le B. Une note du voisin inférieur se déplacerait vers le B et vice versa. Donc, dans cet exemple, vous pouvez voir que nous partons d'un ton d'accord Nous descendons chez un voisin et revenons. Ce voisin est en fait sûr car ce premier accord est tellement coloré Des choix de notes supplémentaires sont disponibles, mais même idée. Je considérerais en fait que c' est une note plus stable en sol mineur. C'est l'une des trois notes principales d'un accord en sol mineur. C'est ce qu'on appelle un deux ou un neuf. C'était dans l'accord que j'ai joué, mais ça a tendance à être un peu plus coloré C'est en quelque sorte sa fonction. Donc stabilité, note du voisin inférieur, puis sauvegarde. La même chose est vraie ici, mais c'est un peu l'inverse maintenant. En ce moment, mon accord n'a pas de mi bémol. En fait, je commence par un moment de tension, passe à un moment de résolution, puis je reviens à la tension avant de passer à ce C. Maintenant, en fait, j'ai un peu foiré lors du dernier cours J'ai dit que c'était plus coloré. En l'arrêtant, j'ai montré qu' n' y avait pas de C. Il y a un C ici. C'était donc un peu plus calculé au moment où je m'en suis donné le mérite. Parce que ce mi bémol anticipe le son de l'accord en do mineur. Je ne pense pas à ce mi bémol au moment du sol, et vous remarquerez que l' accord de sol a également un peu d'espace y a donc pas vraiment de conflit, mais je pense que ce mi bémol passera au prochain accord. Vous remarquerez que le mi bémol est l'une des notes de notre accord en do mineur Nous avons donc ce genre de voisin étrange qui se produit ici, jusqu'à un moment de résolution et qui retombe dans ce que nous pourrions appeler une tension. Mais c'est uniquement en relation avec cette corde ici, l'accord en sol Encore une fois, je pense que c'est une anticipation pour le prochain accord Le but ici est donc vraiment de vous montrer que vous pouvez avoir un ton de voisin traditionnel dans lequel vous commencez par la stabilité, passez à la couleur et revenez. Vous pouvez également commencer par instabilité et passer à l'une de vos notes d'accord, puis revenir en arrière En fin de compte, c'est mieux que de simplement tenir une note tendue en permanence, car vous n'obtiendrez pas le soulagement ou du moins le soulagement temporaire de passer à une note qui fonctionne avec le cordon avant de revenir en arrière. Donc, honnêtement, 80 à 90 % du temps, vous utiliserez cette première méthode où vous commencez prudemment, vous plongez dans le danger, vous plongez dans la couleur, quel que soit le nom que vous voulez, puis vous revenez. Vous pouvez également l'essayer dans l' autre sens, mais vous constaterez peut-être qu'il faut un peu d'essais et d' erreurs et d'expérimentation Cela a particulièrement fonctionné, je pense, grâce à ce mi bémol qui anticipait ce do ici Voici donc deux exemples de notes voisines ou de tonalités voisines, des termes interchangeables. Nous avions également des notes de passage, et nous pouvons voir quelque part ici qu'une note de passage est en train de se produire. Peux-tu le trouver ? C'est ici ? C'est ici ? Mais Bingo. C'est par ici. Nous partons donc d'une note stable, l'une des notes de notre accord, puis nous passons à une note plus colorée, qui se situe toujours dans la zone violette. Cela fait toujours partie de notre tonalité de sol mineur. Ensuite, je passe à une autre note stable. Dans ce cas, G, qui fait également partie de notre accord. Encore une fois, si vous avez une note mélodique particulière, si vous ne savez pas si elle se trouve dans l'accord et si vous ne la voyez pas parfaitement alignée avec l' une de ces notes d'accord, assurez-vous de faire défiler la page vers le bas vérifier si d'autres Il y en a, alors c'est parfaitement normal jouer cette note mélodique pendant que cet accord joue, et vous aurez l'impression d'avoir cette expérience magnétique Elle sera stable, elle se sentira installée. Maintenant, autre chose à considérer, c'est que ce si bémol avec la note de passage en sol majeur, nous aurions également pu passer à la note d' accord suivante disponible Donc, à partir du si bémol, je passe par une autre note violette, une autre note dans la tonalité, jusqu'à la note d'accord suivante. Cela ressemblerait à ceci. Et ça marche toujours, non ? Maintenant, je vais le remettre là où il était juste pour que nous gardions notre mélodie initiale intacte Donc, que vous fassiez une note de transmission vers le bas ou une note de transmission vers le haut, les deux peuvent sembler parfaitement acceptables, mais il faut tenir compte du fait que parfois vous serez sur une note qui passera pas simplement par une note pour passer à la note stable suivante. Voici un exemple, C, E et G. Nous pouvons voir sur le petit clavier situé en dessous de moi qu' il y a une note entre chacune de ces notes surlignées en bleu. Mais que se passerait-il si j'ajoutais mon prochain C, et que je changeais juste le son du patch ici ? Voici donc notre top C. La note suivante dans cet accord, comme si je faisais un autre accord ici, vous remarquerez que ce sol en do vous remarquerez que ce contient deux notes entre les deux se peut donc que vous deviez parfois faire une double note de passage où vous passez par deux notes violettes qui ne sont pas une tonalité d'accord jusqu'à ce que vous atteigniez la tonalité d'accord suivante Par exemple, si j'ai cet accord en do majeur et que le sol est dans ma mélodie, peut que je veuille passer deux notes avant de passer à ma prochaine tonalité stable en va de même pour le do descendant, j' ai deux notes à passer. Avant de passer au sol, il faut donc garder à l'esprit que de temps en temps vous obtenez ces doubles sons de passage, et ce, de la quinte à la racine de la corde ou la racine à la quinte si vous travaillez uniquement avec des accords majeurs et mineurs de base Dans cet exemple que je vous ai donné ici, G est le cinquième de notre accord do est la racine, mais vous remarquerez que le si bémol a été ajouté comme note d'accord C'est ce qu'on appelle le septième. C'est une jolie petite façon jazzy et colorée de colorier les accords Donc, comme c'est disponible, je n'aurais pas à utiliser ces doubles tonalités passagères. C'est comme s'il y avait une petite aire de repos disponible en cours de route. Encore une fois, pour récapituler, Neighbor Tones, vous commencez par une note d'accord Vous commencez par un aimant. Vous passez à une note violette et revenez à une note violette et vice-versa. Les notes violettes sont une note dans votre tonalité qui, dans ce cas, n'est pas une note d'accord Maintenant, vous pouvez également commencer par la note violette qui n'est pas une note d'accord, puis descendre jusqu' à une note d'accord et vice versa Et on peut dire que c'est mieux la plupart du temps que de simplement maintenir la tension d'une note sans accord au nom de mélodies pop. Pour ceux qui n'ont pas l' oreille très audacieuse et harmonieuse, vous devez vous assurer de les adapter parfois afin de trouver une certaine résolution avant de jouer avec vous devez vous assurer de les adapter parfois afin mélodies pop. Pour ceux qui n'ont pas l' oreille très audacieuse et harmonieuse, vous devez vous assurer de les adapter parfois afin de trouver une certaine résolution avant de jouer avec le degré de tension tu ajoutes. Vous devez vous assurer de les adapter en vous plongeant parfois dans des moments de résolution, afin de ne pas simplement maintenir la tension tout le temps Pour nos notes de passage, je dirais qu'il ne faut pas commencer sur une note sans accord, comme nous l'avons fait avec les sons voisins Même ça, c'est assez rare. Mais pour ce qui est des tons passants, je dirais de commencer par une note d'accord sûre , de passer par une note dans votre tonalité, une note violette, jusqu'à la note d'accord suivante Tu peux monter, tu peux descendre. Nous avons des voisins supérieurs, voisins inférieurs, des passages supérieurs, passages inférieurs et nous nous souvenons que vous pouvez parfois obtenir ces notes à double passage entre la cinquième et la racine supérieure. Tout cela est contextuel. Combien y a-t-il de notes dans l'accord ? Quelle couleur de son recherchez-vous sur le plan harmonique ? Cela va ouvrir plus de notes afin qu'elles soient disponibles dans votre mélodie De plus, vous voudrez peut-être avoir de la tension. Vous voudrez peut-être avoir un accord en do majeur avec un fa dans la mélodie. C'est bon. Si vous aimez la tension et que vous optez pour quelque chose d'un peu plus aventureux, alors c'est totalement une option Mon travail ici, je crois, est de vous proposer une approche sûre, et à partir de là, vous pouvez choisir d'expérimenter autant que vous le souhaitez. Voilà pour ce cours sur notes voisines et les notes de passage Dans notre prochain cours, nous parlerons du phrasé. Je t'y verrai. 5. La phrase: Ce prochain cours portera sur le phrasé Ce sera un cours plus court car phrasé est un concept relativement simple Je voulais aborder le phrasé au début de ce cours, car c'est un concept très important que je pense que beaucoup de débutants négligent Mais encore une fois, ce cours sera un peu plus court car le concept en lui-même n'est pas si difficile. Parlons du phrasé. Allons-y. En bref, le phrasé est essentiellement la longueur de votre phrase mélodique, pour ainsi dire Réfléchissez à la façon dont nous décomposons le langage. C'est une sorte de rafale d'informations. Puis, quand nous étions enfants, on nous a dit que lorsqu'il y a des règles, il faut faire une courte pause avant de passer au point suivant. Nous avons tous entendu cette personne qui parle régulièrement sans interruption, et à un moment donné, cela ressemble à une vague d' informations, nous n'avons aucune sorte de répit ou de rupture entre ses pensées, et cela finit par diluer en quelque sorte ce qu'elle essaie de quelque sorte ce qu'elle essaie C'est pareil en musique. Si vous faites de la randonnée, si vous jouez un peu partout sans pause, à un moment donné, je veux dire, au début, cela peut sembler génial, mais à un moment donné, ce sera comme si, OK, ils n'avaient pas vraiment d'idées. C'est juste un tas de choses toutes liées entre elles. Nous voulons montrer nos idées mélodiques sous forme rafales d'informations, avec un peu d'espace entre les deux Et vous vous souvenez peut-être qu'avant que je ne parle du fait que dans cette mélodie, j'ai volontairement laissé un peu d'espace ici Toutes ces notes bleues seraient une phrase un peu plus longue. Voici une phrase plus courte. Toutes les phrases ne doivent pas nécessairement avoir la même longueur. Mais en général, vous remarquerez une, deux, trois, quatre, cinq, six, sept, huit notes. Disons que pour l'instant, en règle générale, essayez de faire en sorte que vos phrases soient d'environ 12 notes ou moins et que les phrases courtes soient trois notes ou plus. Écoutons encore une fois la mélodie , juste pour qu' elle reste fraîche dans notre esprit Vous pouvez donc entendre qu'il y a presque un moment de respiration dans la mélodie qui se passe ici Et si vous pensez aux chanteurs et aux cornistes, ils ont besoin de respirer. Donc, un très bon point de repos naturel dans vos mélodies est le moment où vous aurez besoin de respirer de toute façon Cela pourrait sembler normal s'il ne s'agissait que d'une seule phrase, mais nous voulons nous assurer de limiter notre propre écriture mélodique, que ce soit au piano, à la guitare ou dans le cadre de la production musicale, aux mêmes contraintes que celles auxquelles les gens seraient s' ils utilisaient le souffle pour créer cette mélodie Donc, si je chante tout au long de ce da da da di dee da da dum. Il y a comme cette respiration naturelle que je dois prendre à ce moment-là. Quoi qu'il en soit Si cette phrase est plus courte, c'est en partie parce que je pensais qu'il s'agissait d'une longue phrase, mais je me suis permis de respirer un peu avant de jouer les notes finales. J'aurais pu tenir cette note et respirer ici, mais écoutons ce que cela signifie. C'est comme si un petit enfant te parle et qu'il te dit : « Hé, est-ce que je t'ai dit l'autre jour que c'était le cas ? Et ils respirent aux endroits les plus étranges, comme au milieu de la phrase. Vous devez penser au flux, dans ce cas, de la mélodie qui monte puis redescend, nous respirons, puis une sorte de mini-bosse de haut en bas. Nous sommes debout. Nous sommes déprimés. La phrase est terminée. La deuxième phrase est beaucoup plus petite. Et encore une fois, c'est normal que la deuxième phrase soit plus petite. Peut-être les phrases « Hé, est-ce que je t'ai dit que l'autre jour je suis allée chez le prêteur sur gages et que j'ai fini par acheter des patins à roulettes  ? C'était une bonne affaire. Il n'est donc pas nécessaire que ce soit toujours dans le cas de la langue que nous ayons des phrases moyennement longues ou longues à chaque fois. Dans ce cas, tout comme pour le phrasé, nous pouvons combiner les médiums, les courts et les longs Maintenant, je vous encourage à vous fier dans certaine mesure à votre instinct naturel pour le phrasé Nous avons tous entendu des tonnes de musique, et nous finissons par entendre à maintes reprises où ces phrases résolvent naturellement ou lorsqu' elles font naturellement des pauses. Je pourrais passer en revue et faire une pause sur cette note. Je pourrais faire une pause sur cette note, et je te promets que tout cela semblerait bizarre. Il y a juste cette tendance naturelle à faire une pause après le contour de ce sentier de haut en bas avant de faire un autre saut plus haut, ce qui semblait être un endroit naturel pour le faire. Mais pour être honnête, je ne pensais pas au phrasé lorsque j'ai écrit ceci En tant que pianiste, j'ai suffisamment travaillé pour savoir comment le phrasé doit être ressenti naturellement Donc, si vous n'êtes pas chanteur et que vous voulez passer en revue et demander ma phrase est d'une longueur appropriée ou est-elle trop longue ? Si vous craignez que ce soit trop long, je veux que vous expiriez naturellement pendant la phrase Pas comme lorsque vous expirez rapidement tout l'air ou lorsque vous êtes très lent, mais quelque chose de naturel Peut-être quelque chose comme ça où nous avons une certaine tension, une certaine résistance au flux d'air, mais cela ne semble pas vraiment significatif Essayons cela pendant que nous interprétons cette phrase. Waouh, j'étais à bout de souffle juste au moment où G a frappé. Encore une fois, c'est un peu subjectif. Quelle pression d'air devriez-vous avoir ? Je dirais une pression d'air moyenne , comme lorsque vous parlez de même quantité de débit d'air Mais vous l'entendrez dans des solos de jazz, surtout si vous ne jouez pas d'un instrument qui nécessite de l'air Vous l'entendrez souvent avec des contrebassistes lorsqu'ils Ce sera fait de la bile, do. Allez, faites, faites, huez, je le fais. Et vous les entendrez entre deux phrases sur ces vieux enregistrements. Quelle belle façon de sentir naturellement la longueur de phrase qui serait appropriée. Nous nous limitons en termes de débit d'air de la même manière que nous le ferions si nous étions chanteurs Donc, pour tous ceux qui lisent des partitions, nos phrases sont les mêmes que les insultes legato Ce sont des sortes d'arcs-en-ciel noirs au-dessus ou un petit smiley en dessous d'une série de notes Non seulement nous jouons ces notes de manière fluide et connectée, mais au bout de ce petit sourire arc-en-ciel ou de toute autre forme que nous avons, cela représente une petite respiration, une petite pause. Même si à la fin de cette phrase, j'ai une note à un rythme suivie d'une autre note à un rythme pour commencer la phrase suivante, je modifierais quand même cette note un peu, peut-être d'un quart ou même de la moitié de sa valeur pour créer l'espace nécessaire pour commencer la phrase suivante Il s'agit de compartimenter vos idées mélodiques, afin de ne pas vous lancer dans des divagations, mais de ne pas créer un tas de Vous devez vous assurer que, tout comme le langage, mélodie et le phrasé de la mélodie circulent naturellement, mais encore une fois, faites confiance à votre instinct Tu as entendu des tonnes de musique. Vous aurez un assez bon penchant pour ce qui semble être une phrase trop longue ou trop courte. Si vous vous sentez coincé, suivez mes conseils, essayez d'expirer et assurez-vous de faire une pause dans votre mélodie à un moment autre si elle est un peu plus longue Voilà pour ce cours sur le phrasé. Pour notre prochain cours, nous allons parler de thèmes mélodiques Je te retrouverai dans ce cours. 6. Concepts mélodiques ts: Bien. Très bien, parlons des concepts mélodiques Nous allons parler de trois formes différentes, passant par les questions et réponses, appels et les réponses, et les thèmes et les variations. Ce sont trois approches mélodiques très populaires. Parlons-en. Allons-y. Parlons donc d'abord de la question et de la réponse, en tant que concept mélodique Nous allons utiliser l'Ode à la joie de Beethoven comme source d'analyse La mélodie sonne quelque chose comme ça. Vous remarquerez qu'il existe deux sortes de parties distinctes da da, da, da, d, d, d, d, d, d, d, d, d, d. Voici notre question. Mais, petit, gros, nous, nous, mordons, huons. Voici notre réponse. Mais qu'est-ce qui fait que l'une est une question et qu'est-ce qui fait de l'autre une réponse ? Eh bien, nous devons réfléchir à la clé dans laquelle nous nous trouvons. Je jouais cette mélodie dans la tonalité de do majeur. Nous avons donc expliqué à quel point le do, mi et le sol, lorsque nous jouons un accord en do majeur, sont des notes très importantes Ce sont nos aimants, mais la note la plus importante serait le do majeur. Nous sommes en do majeur. C est le port d'attache. C'est la vedette de l'émission. C'est la note la plus importante. En tant que tel, terminer une phrase en C ressemble à cette réponse. Cela semble très déterminé, sûr et finalisé. Mais terminer sur une question, c'est peut-être terminer sur l'une des notes situées à côté du do, comme un si ou un D. Les deux notes proviennent de la tonalité de do majeur, et elles se situent suffisamment près du do pour créer un peu de tension. Et puis, lorsque nous répétons notre phrase, nous pouvons terminer sur le C comme réponse. Maintenant, il n'est pas nécessaire que ce soit le B et le D. Ce ne sont que des choix de notes sûrs. Mais l'idée est qu'il y aurait probablement une légère tension ou couleur pour terminer la première phrase et une résolution pour terminer la deuxième phrase. Donc, si nous écoutons, si je le termine là, pas l'impression d'être finalisé. J'ai l'impression que cette question persiste. Maintenant, quand je vais à la mer, vous pouvez même entendre juste pour terminer cette phrase : « La mer semble maintenant finalisée ». Pour mettre les deux ensemble , écoutez-la. On dirait que c'est fini. Donc, cette idée de question et réponse a vraiment à voir avec le fait d'avoir deux phrases similaires. Le premier se termine par un peu de couleur ou de tension, et le second se termine par une résolution plus prononcée. Maintenant, il est très courant de terminer la question, pas sur le premier accord Nous sommes donc dans la tonalité de do majeur. Ce ré, il n'envisage pas un accord de do majeur à ce moment-là Je vais changer les sons pour apporter plus d' harmonie. Mais voici notre question. Ce ré n'est pas censé se produire avec un accord en do majeur. Cela se produit avec l'un des cordons qui a un D. Donc, en soi, le problème est résolu à ce moment-là, mais il s'agit de jouer avec un cordon qui représente en quelque sorte la tension en soi. Ce cinq accords, CDEFG le cinquième accord en do majeur, est une excellente corde pour représenter la tension. C'est une gravité. Il s'attarde vers le haut et veut baisser. Donc G étant l'accord le plus tendu et C étant l'accord le plus résolu. Ce qui est intéressant, c'est que vous pouvez vous en tirer avec ces deux accords pour toute cette question et cette réponse dans cette chanson Alors regarde juste le petit clavier en dessous de moi. Notre accord de do, c' est notre résolution. Notre corde en sol, c'est notre tension. Il y a donc notre accord tendu avec une note qui fonctionne avec, nous tenons un D et notre accord de sol a un D. Maintenant, nous terminons sur l'accord de do et nous terminons sur un C. Je pourrais plonger trop profondément dans le vortex de l'harmonie à ce stade, mais ce que je tiens à mentionner, c'est qu'avec les questions et réponses comme approche mélodique, tant que vous avez une certaine tension à la fin pourrais plonger trop profondément dans le vortex de l'harmonie à ce stade, mais ce que je tiens à mentionner, c'est qu'avec questions et réponses comme approche mélodique, tant que vous avez avec une note qui fonctionne avec, nous tenons un D et notre accord de sol a un D. Maintenant, nous terminons sur l'accord de do et nous terminons sur un C. Je pourrais plonger trop profondément dans le vortex de l'harmonie à ce stade, mais ce que je tiens à mentionner, c'est qu'avec les questions et réponses comme approche mélodique, tant que vous avez une certaine tension à la fin entre la première phrase et une résolution à la fin de la seconde, vous êtes dans la bonne position. Il existe des moyens de mal le faire. Il existe des moyens de le faire paraître fantastique. Mais en tant que concept global, il est important de reconnaître que ce n'est pas à chaque fois que vous terminez une phrase qu'elle doit sembler finalisée. Il y a quelque chose de bien dans cette question et cette réponse. Cela divise les choses de telle sorte que tout n'est pas toujours résolu. Et si vous pensez à certaines des meilleures histoires, même à des émissions pour enfants, il va y avoir de la tension. Il y a un méchant. Il y a de la tourmente. Il y a quelques erreurs. Et en général, au final, les choses sont rectifiées. Le méchant va en prison, les erreurs ont été réparées, quelles qu'elles soient. Les phrases fonctionnent de la même façon. C'est agréable d'avoir un peu de tension et ensuite une partie de cette résolution. la même manière, notre phrasé et mélodie fonctionnent avec tension et résolution Comme je l'ai mentionné, les accords fonctionnent également. C, dans ce cas, étant un accord de résolution et G étant un fil de tension C'est une légère tension. Cela fonctionne toujours bien. Mais dans le monde de l'harmonie, cet accord à cinq accords, en l'occurrence en sol majeur, fonctionne très bien comme lieu de repos pour une légère tension avant de revenir à un accord, dans ce cas, en do majeur C'est donc une question et une réponse, mais qu'est-ce qu'un appel et une réponse ? Cela semble un peu similaire. Eh bien, si nous prenons en compte cette idée selon laquelle les chanteurs de blues chantent souvent une phrase et demandent ensuite aux gens d'y répondre, peu comme aller sur le marché, sur le marché. Je vais acheter des pommes. Je vais acheter des pommes, non ? Il s'agit de l'appel et de la réponse. C'est une approche fantastique si vous riffez un peu plus Par exemple, j'utilise un peu plus cette approche si j' utilise des gammes pentatoniques ou de blues Disons que je suis en do mineur et ma progression d'accords va de do mineur à fa mineur J'ai peut-être quelque chose comme « Ce pas exactement les mêmes notes, mais vous verrez que cela ressemble à une réponse au premier appel, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da. Rythmiquement, c'est pareil. C'est ce que nous appellerions un motif rythmique. J'utilise le même rythme, mais je le remplace par une autre série de notes. Je pourrais aussi jouer avec le même jeu de notes, mais en changeant un peu le rythme. Peut-être quelque chose comme le fait le retarder un peu puis de passer en revue la phrase complète Ce sont deux excellentes façons de passer un appel et de répondre. Un motif rythmique ou un motif mélodique. Est-ce que je garde le même rythme ou est-ce que je garde la même mélodie Vous pouvez même faire les deux, mais avec des changements de registre en général, quelque chose comme Donc, vous pouvez voir que je joue les mêmes notes, mais en descendant d'une octave Ainsi, l'appel et la réponse consistent généralement à avoir une phrase plus courte à laquelle on répond avec un rythme similaire, des notes similaires en termes de mélodie, ou tout est exactement pareil avec un changement de registre Si vous ne déplacez pas le registre, il fonctionne toujours. Techniquement, c'est toujours un appel et une réponse. C'est juste un peu plus ennuyeux, je pense. Cela ressemblerait à ceci. En fait, ce n'est qu'une petite phrase courte et répétée. Pour moi, cela ne ressemble pas à un appel et à une réponse classiques où nous en avons fait quelque chose. Même dans les champs où les travailleurs chantaient entre eux, une personne appelait et, en général, quelques personnes répondaient. OK, donc c'est une différence. Nous avons une seule voix pour plusieurs voix. L'appel et la réponse veulent généralement une sorte de différence dans la réponse, mais ils veulent aussi se lier à l'appel rythmiquement ou mélodiquement, la plupart Donc, si votre force réside dans le rythme, alors je dirais rester sur la même série de notes et de jouer avec les variations rythmiques Si votre force réside dans les notes mélodiques, et je veux dire, vous suivez ce cours, alors j'imagine que vous avez besoin d'aide pour cela Mais supposons que votre force réside dans les notes mélodiques Vous pouvez alors modifier le jeu de notes en fonction de votre réponse, mais vous garderez le même rythme, car je suppose que vous ne voulez pas être trop aventureux sur le plan rythmique, alors changez simplement l'ensemble de notes avec lequel vous travaillez Dupliquons donc notre chaîne mélodique ici, et je vais désactiver la chaîne supérieure, et nous allons créer une nouvelle mélodie en utilisant les appels OK, donc nous allons jeter un coup d'œil, je vais faire un contrôle A, tout sélectionner, contrôler U pour quantifier. Da da, da, da, da, da, da, des notes changeantes. Da da, da, da, da, da, alors nous sommes de retour. Da da, da, da, da, da, et puis D D, D D D D en profondeur. Maintenant, pourquoi n'ai-je pas gardé ce rythme en dehors de simplement le répéter ici et ici, pourquoi ne l'ai-je pas gardé à la toute fin ? Eh bien, pour moi, c' était une bonne réponse. Si nous considérons que telle est la question, nous avons une bonne chanson vraiment résolue, do dy do, qui joue vraiment avec les notes d'accord. Cet accord est en do mineur Le mi bémol et le do font partie de cet accord. La plupart des informations présentées ici sont donc très résolues sur cet accord Nous pourrions également considérer cette partie du thème et de la variation, dont nous parlerons ensuite. Mais l'essentiel, c'est que vous ne voulez pas être trop redondant lorsque vous répétez des choses. Nous avons Okay. Oh, il y a une réponse à cela. Nous revenons à la première idée, puis nous clôturons en quelque sorte l'idée, montrant que la mélodie touche à sa fin en variant En fin de compte, les gens aiment se sentir intelligents. Ils aiment savoir, quelque sorte, lorsqu'ils écoutent de la musique. Oh, cela ressemble à la fin de cette phrase, la fin de cette mélodie, la fin de cette phrase, comme vous voulez voir Mais ils veulent être capables d'anticiper les choses avec quelques surprises. Oui, nous aimons être un peu surpris, mais nous voulons aussi être assez intelligents savoir où quelque chose se passe dans la musique. Donc, si je vous disais quelque chose comme « Oh, mon Dieu, le truc le plus fou s'est produit aujourd'hui, truc le plus fou s'est produit aujourd'hui, vous ne croiriez pas ce qui s'est passé au déjeuner C'était la chose la plus dingue qui soit. Es-tu prêt ? À la fin, ça, êtes-vous prêt ? C'est un peu comme ça que j'ai dit la même chose, Ish, trois fois. Ce truc le plus dingue s'est produit aujourd'hui. Vous n'imaginez pas ce qui s'est passé au déjeuner. Oh, mon Dieu, c'était complètement dingue. Je n'ai rien dit au-delà ce point initial, mais êtes-vous prêt ? Ça vous pousse en quelque sorte à écouter. Oh, ça y est. Je suis intelligent en ce moment, sachant que l'histoire est sur le point de se produire maintenant. C'est peut-être une analogie un peu obscure, mais en pensant à cette mélodie en particulier et à son lien avec le langage, c'est un peu comme ça que j'imagine cette petite fin de mélodie Vous n'êtes pas obligé de suivre exactement le même rythme à chaque fois. Nous avons reçu notre appel, nous avons eu notre réponse. Nous avons reçu notre premier appel, puis nous avons arrêté l'idée mélodique Il s'agit donc essentiellement d' un appel et d'une réponse. Cela utilise un motif rythmique. Essayons-le encore une fois avec un motif mélodique. Allons-y. Un, deux, trois, quatre. Nous avons donc les trois mêmes notes. Dum, boum, boum, mais , euh, mais, euh, m. Et puis, encore une fois, j'ai fait quelques variations à la fin pour terminer l'idée. Un peu comme une question plus longue et une réponse finale. Bien que j'aie fini sur un peu de couleur, la réponse est un peu colorée, pour ainsi dire, mais cela étant dit, écoutez encore une fois, nous avons notre rythme initial. Le rythme change, il change encore, mais j'ai conservé les trois mêmes notes. Encore une fois, nous allons quantifier. Écoutons-le. Maintenant, cela a tendance à mieux sonner lorsque vous ajoutez des mots parce que vous avez juste l' impression que certaines choses arrivent en retard, mais c'est intentionnel, et le rythme est toujours suffisamment logique pour que cela ne soit pas faux. Mais avec des mots, on pourrait dire quelque chose comme suis allée au club, et je cherchais ce D spécial, mais boum, mais boum, peu importe ce que c'est ». Mais avec les mots, toutes ces petites séries de notes répétées avec des changements rythmiques semblent beaucoup plus naturelles Il faut donc tenir compte du fait que la création d'une mélodie pour une partie instrumentale et pour une partie vocale comporte quelques différences subtiles Je m'y prendrais de la même façon, mais lorsque vous travaillez avec des paroles ou des mots, il y a autre chose qui distrait l' Ils écoutent l'histoire. L'idée de la simplicité de la répétition de ces trois notes est donc un peu enveloppée par l'idée que « Oh, j'écoute également cette autre dimension de la mélodie, les mots Un saxophoniste, un guitariste, un pianiste, nous n'en avons pas encore, peut-être qu'un saxophoniste grognera sur certaines notes ou qu'un guitariste appuiera sur une pédale de distorsion ou des virages Nous trouvons des moyens d'ajouter plus d'intrigue et d'intérêt à nos mélodies de base, car nous ne travaillons pas avec des choses aussi complexes que les mots Enfin, nous arrivons au thème et à la variation. Le thème et la variation sont très similaires à ceux de l'appel et de la réponse. Nous avons une sorte de thème dans lequel une pépite d'informations est diffusée puis modifiée Peut-être que cette variation est une variation rythmique. Nous venons de le faire, ou peut-être que c'est une variation mélodique. Peut-être que nous changeons les notes tout en gardant le même rythme. Et c'est ce que nous avons fait également. Vous pouvez voir que l'appel et la réponse le thème et la variation sont très similaires. Mais le thème et les variations peuvent être un peu plus approfondis. Et si je prenais la mélodie et que je la renversais ? Et si j'inversais le rythme, pour que la note longue de la fin soit désormais la note longue du début. Cela ne semble pas être un appel et une réponse naturels. Cela semble un peu plus théorique et plus profond. Pour moi, le thème et la variation se recoupent beaucoup avec l'appel et la réponse, mais cela peut aller beaucoup plus loin lorsque vous travaillez réellement avec un crayon et du papier et que vous voyez comment je peux créer différentes variantes de ce thème qui soient uniques et intéressantes. Et je pense que le meilleur exemple en est la cinquième symphonie de Beethoven Bump up, bum, bump up, up, bum, écoutez ça et voyez de combien de façons il a pu varier le thème. Il travaille à différentes vitesses. Il fait d'abord déplacer le thème vers le bas. Est-ce que ça a marché ? L'a fait ? Mais plus tard, D da da da da do do do do da da da do. Ça monte de plus en plus haut. Il a donc pensé à toutes ces manières de prendre une phrase ou un thème très court et de le varier Maintenant, dans le cours sur le phrasé, j'ai expliqué que nous ne voulions pas avoir beaucoup de courtes rafales de Ce serait comme parler comme ça tout le temps. Mais lorsque vous commencez à faire quelque chose d'aussi intéressant que le thème et les variations, les choses semblent suffisamment intentionnelles et liées entre elles pour qu'elles ressemblent toujours à une véritable phrase mélodique Considère ça comme du di da dum. C'est la mini-phrase principale, mais en réalité data ta da da da dum. Cela ressemble à la phrase complète qui serait chantée. Vous pouvez donc avoir ce genre de petites phrases dans ces phrases plus grandes Tant que cela semble naturel et que votre auditeur est à l'aise pour entendre ces petites phrases dans cet environnement, tout va bien Je ne dis pas que vous ne pouvez jamais jouer de petites phrases, mais si vous le faites, essayez de faire preuve d'un peu de créativité en utilisant quelque chose comme le thème et les variations. Bien que je pense que notre dernier exemple fonctionne en quelque sorte dans cette atmosphère de thème et de variation, voyons si je peux jouer quelque chose d'autre qui fonctionne également très bien en termes de thème et de variation. Allons-y. Dans, un, deux, trois, quatre. OK, donc ça, je pense, fonctionne bien. Nous avons donc notre thème initial, qui est une note, vers le haut, haut, vers le bas, une répétition. Nous l'avons fait dans un registre différent, partant d'une note différente. Nous l'avons inversé. Nous sommes descendus d'un saut au lieu de monter, descendu un saut, puis nous avons ralenti le rythme vers la fin. Ils sont tous dans des registres différents, mais j'ai toujours pensé à l'accord à ce moment-là En ce moment, notre accord est en sol mineur Les bémoires G et B sont des notes de sécurité. Ce sont des aimants, et nous avons une note de passage. L'accord suivant est en mi bémol majeur. Encore une fois, vous pouvez voir que j' ai mi bémol et sol, qui sont dans l'accord et une note de passage Ensuite, nous passons au do mineur. Ici, je pense au do mineur sept. Nous avons donc le sept, qui est un si bémol passant de A à G. Ces notes sont toutes dans l'accord et nous avons une note de passage appropriée Et puis pour terminer, nous avons le do mineur, le do, qui passe du ré au mi bémol. Ce sont toutes des notes d'accord. Trois de nos quatre notes sont donc des notes accord avec une note passagère Ainsi, au moment de créer des thèmes et variations et de tenir compte des accords que vous jouez, cela vient en partie de l'expérience acquise en termes de jeu sur place J'ai eu la chance que c'était la première fois que je le faisais, et je vous ai donné un bon exemple. Mais en général, en ce qui concerne le thème et les variations, j'opte plutôt pour une approche crayon et papier ou pour travailler avec informations MIDI et expérimenter jusqu'à ce que vous soyez satisfait des variations que vous avez proposées Vous pourrez peut-être trouver le thème très rapidement, mais les variations peuvent être un peu difficiles à explorer sur le moment, à moins d'avoir une certaine expérience de l'instrument. Alors c'est tout. Nous avons abordé les questions et réponses, les appels et les réponses, ainsi que le thème et les variations. Je voudrais faire un petit ajustement. Quand j'ai dit au quatrième accord que nous étions en quelque sorte en train de répondre, ce n'est pas vraiment là que vous répondez C'est généralement lorsque vous êtes renvoyé en boucle pour en battre un. Et puis, alors qu'une boucle se répète pour battre un, c'est comme le dernier type d'accord. C'est généralement là que vous obtenez votre réponse. Mais ce dont je parlais à propos de l'appel et de la réponse, cette quatrième phrase étant un peu différente, c' est qu'il fonctionne de la même manière qu' une réponse en ce sens qu'il semble résolu à ce moment-là après une petite tension torride Si vous voulez une vraie question et une vraie réponse, examinez sérieusement les bases des cadences parfaites, d' un accord, de cinq accords et de mélodies se terminant sur une note non résolue, c' un accord, de cinq accords et mélodies se terminant sur une note non résolue, est-à-dire avec les cinq accords, et la deuxième fois en terminant sur une note résolue, c' est-à-dire avec un est-à-dire Tout cela est un peu hors contexte pour ce cours en particulier, mais je voulais m' assurer couvrir toutes mes bases autant que possible. J'ai plein d'autres cours qui plongent profondément dans l'harmonie. Je vous recommande donc, si cela vous intéresse, de consulter les accords et les progressions d'accords 101-20-1301, qui vous permettront de bien comprendre ce vortex d'harmonie. Ainsi, lorsque vous reviendrez à ces concepts mélodiques, vous aurez un meilleur cadre ce vortex d'harmonie. Ainsi, lorsque vous reviendrez à ces concepts mélodiques, vous aurez un reviendrez à ces concepts mélodiques, vous cela vous intéresse, de consulter les accords et les progressions d'accords 101-20-1301, qui vous permettront de bien comprendre ce vortex d'harmonie. Ainsi, lorsque vous reviendrez à ces concepts mélodiques, vous aurez un meilleur cadre de travail harmonique. Dans notre prochain cours, nous parlerons de votre mélodie adaptée au style de musique que vous jouez Je te verrai au prochain cours. 7. Style de mélodie: Bien. Ensuite, parlons de l'adéquation de votre mélodie au style de musique que vous produisez Jusqu'à présent, les concepts fondamentaux que je vous ai présentés proviennent de la musique classique occidentale et trouvent souvent leur place dans la musique pop moderne. Mais certains styles de musique adoptent approches légèrement différentes lorsqu' il s'agit de créer leurs mélodies Nous allons parler de deux styles spécifiques, car en fin de compte, je ne peux pas aborder tous les styles dans ce cours, mais nous allons parler de funk et de transe, alors allons-y. Ainsi, dans le cas de la musique funk et du dubstep, ils utilisent une technique appelée Hocket et un Hockett consiste essentiellement en quelques notes courtes de chaque instrument mélodique, et ensemble, ils créent une mélodie et ensemble Cela pourrait donc être aussi simple que créer une mélodie comme lors du dernier cours et déléguer les premières notes à une guitare, les secondes à un cor, comme une trompette Les notes suivantes peuvent être faites avec un scat vocal ou une partie de basse Il existe de nombreuses options différentes. Mais je vais jouer quelque chose de nouveau, et je vais ajouter de nouveaux sons. Mettons-nous un peu plus au synthé et ajoutons du sérum. Je vais supprimer l' appel en réponse ainsi les éléments de thème et de variation que nous avons créés la dernière fois. Je garde ma mélodie initiale intacte, mais je vais la désactiver pour le moment Maintenant, je sais que vous ne pouvez pas voir grand-chose de ce qui se passe derrière ma vidéo ici, mais je viens de créer trois nouvelles instances de sérum, et je vais passer en revue chacune trouver un son qui me plaît. Alors, donne-moi un moment, et je te répondrai. OK, donc j'ai trois sons. Ils ne sont pas tous nivelés. Il faudrait probablement que je crée le jarret au début, puis retravailler un peu les niveaux , mais ils sonnent comme ça Le second est beaucoup, beaucoup plus fort. Je vais le baisser d'environ 5 décibels. Et le dernier en abaissera deux comme bref point de départ. Maintenant, je vais dupliquer cette partie d' accord initiale afin jouer quelques accords plus de ce que nous avons déjà Et c'est très courant, même dans le funk, d'entendre « De de, de de Bob, chuk chuk. Bit et point. Ce petit chat de poulet à la guitare, cette petite partie de guitare funk fait en quelque sorte partie de la En le chantant dans votre tête, vous faites ce petit chia chukacha dans votre Je vais donc commencer par créer un petit coup d'accord sur le troisième accord, disons Nous allons donc entrer dans un, deux, trois, quatre. Rien de trop fou. Il suffit de poignarder avec quelques accords. On pourrait appeler ça un coup de corde. Je vais juste améliorer le chronométrage. Passons maintenant à notre premier synthé et créons une partie d'une mélodie OK, nous avons donc quelques notes ici. Nous allons passer à notre prochain synthé. OK, vous pouvez déjà commencer à voir comment tout cela se passe. Troisième sinth. Je ne veux pas trop superposer les accords. J'ai vraiment envie de le réentendre. Cela a très bien fonctionné avec l' appel, encore une fois, en réponse à cette petite partie supplémentaire que j'ai ajoutée. Voici donc notre réponse à l'appel, appel, réponse. Donc ça finit par sonner comme ça. C'est donc en quelque sorte cette approche du hockey. Maintenant, si j'utilise des sons de synthétiseur, surtout s'ils ressemblent à des sons de synthétiseur Web avec des LFO lourds, vous allez adopter une sorte d'approche dub Je n'ai pas de guitare branchée pour le moment pour vous montrer approche la plus cool, mais elle fonctionne de la Par exemple, vous auriez, disons, un saxophone, puis ici vous avez une trompette, et puis ici vous avez une guitare, peut-être un deuxième guitariste jouant un rythme funky et un guitariste principal jouant un morceau Quoi qu'il en soit, l'instrumentation est la seule chose qui a changé. Le concept de base de ce qu' est un hockey est encore très incertain. Mon utilisation préférée d'un Hocket dans le dubstep est la chanson Vancouver Beat Down de Zomboe ZOMBOY . Regarde cette chanson. Lorsque j'écoute le drop, je suis toujours capable de le jouer dans ma tête comme une mélodie complète, mais il y a tellement d' instruments différents qui composent ce drop que c'est un excellent exemple de hocket dans En termes de funk, vous pouvez regarder peu près n'importe quoi de James Brown Je parie que même la première chanson qu'il écoute utiliserait une technique de hockey Ensuite, parlons de transe. Nous allons créer une partie de synthé trance très simple Donc, dans le sérum, nous avons un préréglage initialisé. Juste avec quelques ondes en dents de scie, je vais les dérégler complètement. Et nous sommes déjà dans ce genre d'atmosphère capricieuse. Nous pouvons notamment tenir compte du fait que la sensibilité à la vélocité et l'intensité laquelle je joue la note peuvent affecter le filtre. Je vais donc aller de l'avant et réduire la vélocité jusqu'à la limite. Donc, si je joue légèrement plutôt que fort, le filtre s'ouvrira davantage Je veux donc un point de départ où, lorsque je joue légèrement, nous pouvons l'entendre légèrement, et lorsque je joue plus fort, vous pouvez entendre les fréquences s' ouvrir davantage En plus de cela, nous pourrions ajouter un peu de réverbération. Peut-être un peu de retard. Et avec le retard, retirons ces commentaires. Je vais également passer aux notes de huitième dans les haut-parleurs gauche et droit et réduire le mixage. Quelque chose de très court. Donc un peu de retard, un peu de réverbération, un peu de désaccordage sur une vague en dents de C'est le point de départ d'un synthé trance. Nous allons travailler ici avec ce on appelle un rythme homophonique. Je vais vous présenter les accords que nous avions déjà. Donc en sol mineur, mi bémol en do majeur, et je vais également jouer le même rythme pour la mélodie Donc quel que soit mon rythme, disons que c'est da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da, da je jouerais quelque chose comme , je jouerais quelque chose comme So my chords are stabbing, et la mélodie ci-dessus joue un rythme homophonique, le même rythme le même Pour l'instant, mettons en sourdine toutes les parties que nous avons eues transe est un genre sonore très spécifique Je ne veux pas les vieux sons rétro des années 80 ou une sorte de Wurlitzer Nous sommes donc un peu plus proches de ce son de transe. Bien que nous n'ayons pas de rythme de transe, cela nous rapproche un peu plus Alors essayons-le. Ça ressemble à ça. Maintenant, je pourrais y réfléchir après avoir quantifié tout régler sur Gatto afin que tout soit fluide et connecté C'est un peu trop lissé, donc une fois que j'ai tout touché, vous pouvez simplement créer une subtile séparation Ensuite, j'ai vraiment envie d'ajouter un filtre automatique et d' ouvrir lentement ce filtre au fil du temps. Essayons donc quelque chose comme ça, boum, pour boum, pour augmenter un peu la motivation. Maintenant, c'est l'idée de base. Et je dois mentionner que je ne suis pas spécifiquement un producteur de transe J'ai un peu plongé mes orteils transe et la citrance Ma conception sonore de ce synthé était donc assez élémentaire, rien de trop fou. Et pour ce qui est de la partie elle-même, j'aimerais m'entraîner un peu plus au fil du temps. Mais l'essentiel ici pour vous montrer, c'est que les accords et la mélodie ont exactement le même rythme Vous pourriez ensuite passer à d' autres notes violettes, mais je ne sais même pas comment cela va sonner. Passons à d' autres notes violettes. Ça sonne toujours bien, non ? Les notes violettes sont donc tes amies. C'est le même rythme que l'harmonie. Ensuite, essayez de réfléchir aux notes qui apparaissent dans mon accord, et ma mélodie devrait décrire ces notes Ce sont donc deux exemples d' une approche spécifique de votre mélodie basée sur le style que vous produisez La meilleure chose que vous puissiez faire en ce moment est de sortir, d'écouter une grande partie du style que vous essayez de produire et de vous demander à quoi sert la mélodie Quel est le lien avec l'harmonie ? Comment les différents instruments fonctionnent-ils ensemble ? En d'autres termes, que se passe-t-il avec la mélodie et comment puis-je la recréer ? Habituellement, il s'agit d'une ou deux astuces simples, et une fois que vous les avez comprises, vous pouvez vraiment vous adapter à ce genre en particulier. Ce n'est pas comme si cela allait changer chaque chanson, sauf si c'est quelque chose de très aventureux, comme le néoclassique ou quelque chose comme ça Mais dans l'ensemble, vous serez capable d'apprendre quelques techniques mélodiques simples, comme hokets et les rythmes homophoniques, et appliquer à l' avenir afin que votre style soit plus précis et avenir afin que votre style vous serez capable d'apprendre quelques techniques mélodiques simples, comme les hokets et les rythmes homophoniques, et de les appliquer à l' avenir afin que votre style soit plus précis et plus convaincant. Voilà pour ce cours sur l'adaptation votre mélodie au style que vous produisez Dans notre prochain cours, nous allons parler de densité rythmique. Je t'y verrai. 8. Densité rythmique: Bien. Dans ce cours, nous allons parler de densité rythmique C'est juste un terme amusant qui dit à quel point les rythmes sont rapides ? Quelle est la rapidité du rythme du couplet par rapport au rythme du refrain en fonction de ce que fait votre mélodie ? À quelle vitesse joue le reste du groupe ? Si c'est mon travail de créer une mélodie, quelle doit être la vitesse de ma mélodie par rapport au reste du groupe ? Ce sont les types de concepts dont nous allons parler. Allons-y. Donc, tout d'abord, je vais étendre notre mini-chanson en deux sections. Pour le moment, le rythme du tambour restera le même. Cela changerait probablement d'une section à l' autre, mais pour le moment, nous nous concentrons principalement sur l'harmonie , la mélodie et leur relation Donc, dans la deuxième partie du morceau, je vais légèrement modifier la progression, et je vais également modifier sa densité rythmique Écoutez l'harmonie ici. Tout avance très lentement, non ? Par exemple, nous avons ces accords qui tiennent vraiment le coup. Ce que je vais faire dans cette deuxième section, et maintenant vous pouvez le constater , veut se répéter. Il s'agit de sections très courtes. Dans la deuxième section, je vais créer des accords légèrement différents, et je vais jouer quelque chose d'un peu plus pulsé La densité rythmique a donc changé au profit de l'harmonie. Alors essayons-le. Quelque chose comme un, deux, trois, quatre. OK, donc il y a un petit pouls. Nous suscitons un certain intérêt rythmique. Contrôle A, contrôle pour quantifier toutes ces informations. Maintenant, quelle est notre mélodie, je vais me débarrasser de ce hacket d'avant Ce que fait notre mélodie par rapport à cette harmonie, c'est parce que les choses sont plus fluides et plus longues, qui nous laisse souvent un peu plus de place pour être plus denses sur le plan rythmique, pour ajouter Mais il y a une limite à cela. Si les gens jouent des accords de ballade légers et que vous jouez une ballade, vous pouvez certainement jouer un vous pouvez certainement jouer un peu plus Mais jusqu'où pourrais-tu aller avant qu'il n'y ait trop d'énergie pour une ballade ? Encore une fois, tout cela dépend du style, mais je veux juste dire que si un groupe fait beaucoup de choses sur le plan rythmique et votre mélodie fait beaucoup de choses sur le plan rythmique, c'est parfois un peu trop Si vous utilisez un rythme homophonique avec le reste du groupe, comme dans l' exemple de transe du dernier cours, cela fonctionnera peut-être bien, mais vous devez être capable de le peaufiner correctement. Maintenant, ralentir avec lent fonctionne. Rapide et rapide fonctionnent, mais si vous craignez encombrer un morceau, essayez Si le groupe joue les parties d' harmonie plus lentement, votre mélodie a un peu plus de place pour être mélodiquement et rythmiquement dense Pour en revenir au son des années 80, disons que nous avons quelque chose comme W, deux, trois, quatre. Maintenant, pour la section suivante, nous pourrions avoir. Maintenant, vous pouvez voir dans les deux moitiés de cet exemple plus la densité rythmique est rapide, plus la densité rythmique est lente , contraste quelle que soit l'harmonie Écoutons-le sans batterie. Ça ressemble à ça. Il y a donc deux points essentiels que je vous montre ici. L'un d'eux est ce contraste. Que fait le groupe en termes de densité rythmique Et mon travail en tant qu'auteur mélodique consiste essentiellement à faire une version subtile du contraire Pas à chaque fois, c'est juste une approche assez sûre. Ensuite, au fur et à mesure que nous parcourons les différentes sections, si vous voulez vraiment définir les différentes sections, modifiez la densité rythmique des parties Commencez par votre section rythmique, comme la batterie et la basse. Les accords peuvent également suivre cela, et votre mélodie va assez souvent donne un excellent contraste entre les sections Les gens ne se demandent donc pas s'il s'agit d'une variante du verset. Au lieu de cela, ils disent : Oh, non, cela ressemble à un avant-refrain C'est très différent de ce que nous venons entendre dans le couplet, mais c'est dans la même tonalité. Il suit des motifs rythmiques et mélodiques. Cela semble lié au fait que c'est dans la même chanson, mais c'est différent en termes de section. Donc, vraiment, c'est ça. C'est un cours de courte durée. Il y a les deux angles de la densité rythmique. Dans une section donnée, un peu de contraste peut être une bonne chose, et entre les sections, un contraste peut être une bonne chose. Dans une section, écoutez ce que fait le groupe et faites une version subtile du contraire en termes de densité rythmique Si vous avez défini cette section et que vous êtes prêt à passer à une autre, mais que vous ne savez pas quoi faire en termes de densité rythmique, essayez de la contraster et voyez comment cela sonne Ce n'était donc pas notre concept le plus intense. C'est relativement simple, mais je pense que c'est quelque chose qui est souvent négligé. Réfléchissez à l'effet de votre densité rythmique dans section donnée et entre les sections, une section donnée et entre les sections, et par conséquent, vos parties mélodiques et vos sections apparaîtront d'autant plus Voilà pour ce cours sur la densité rythmique. Dans notre prochain cours, nous allons commencer à jouer les notes non violettes, les notes situées entre les notes de notre gamme ou de notre tonalité. Ceci est représenté par le mot chromatisme. Nous allons parler du chromatisme dans notre prochain cours. Je t'y verrai. 9. Chromatisme: Très bien, parlons du chromatisme. Jouez des notes entre les notes de votre gamme. Ça va paraître un peu plus coloré, un peu plus aventureux. Allons-y. OK, alors reprenons là où nous nous sommes arrêtés. Nous faisions un certain contraste de densité rythmique entre les sections et entre les parties Ça a fini par sonner comme ça. J'essaie de le penser , comme vous pouvez le voir, il n'y a pas une seule note dans cette mélodie qui ne soit sur une piste violette En d'autres termes, chaque note que j'ai choisie était dans la tonalité de sol mineur. Et nous pouvons voir que notre tonalité principale ici est le sol mineur, et chacune de ces notes est sur la piste violette. Cela signifie donc que rien de tout cela n'est réellement chromatique. La chromatique sera représentée par ces notes noires, pas nécessairement par les touches noires du piano, mais par ces lignes noires que nous pouvons voir imprégner toutes les informations MIDI Nous pourrions simplement contourner n'importe laquelle de ces notes pour une note noire et voir comment elle sonne, mais je vous promets que cela ne sonnera pas correctement. Je vais vérifier. C'est très troublant. Les accords et la mélodie ne fonctionnent pas ensemble. Nous ne pouvons pas dire dans quel centre clé nous nous trouvons, réduire l'échelle que nous utilisons Il y a donc certaines manières d' aborder le jeu de ces notes qui ne sont pas dans la tonalité. Ce ne sont pas les notes violettes. Maintenant, la première chose que je veux mentionner, c'est que mouvement chromatique fonctionne mieux sur les pulsations. Quand on compte un et deux, trois et quatre. Nous avons nos principaux downbeats, un, deux, trois, quatre, et les upbeats, et et et mettre ces notes chromatiques à la fin va fonctionner un peu mieux, car ce sont, après tout, les notes les plus Donc, en les mettant sur le rythme le moins stable , le battement un stable et le battement deux obtiennent des notes plus stables. L'optimisme laisse une certaine marge expérimentation dans le domaine du chromatisme C'est donc juste une sorte de remarque que je veux que vous preniez en compte. Mais ce dont nous allons parler, ce sont chromatiques voisines et les notes de passage chromatiques, la continuité de ce dont nous avons parlé précédemment Maintenant, je ne suis pas certain d'avoir évoqué le terme diatonique dans ce cours, mais diatonique signifie fidèle Cela signifie que vous jouez toutes les notes violettes et que tous les accords que vous jouez sont des notes appropriées dans cette touche Il y a donc le diatonique, fidèle à une tonalité, et le chromatique. Toutes les notes peuvent être prises en compte. L'approche que nous adoptons ici sera diatonique avec un certain chromatisme, quelques expérimentations chromatiques avec certaines de ces notes qui, une fois de plus, atterrissent sur ces lignes noires En commençant par les tons chromatiques voisins, prenons l'une des notes qui se trouve sur une note violette, et nous allons la déplacer vers une note noire et inversement s'agit donc d'un ton voisin supérieur, et il est chromatique car il ne repose pas sur l'une des notes violettes de la touche. Écoutons-le. OK, un peu aventureux. Cela ne semble pas terrible, mais ce n'est pas nécessairement génial. Il faut vraiment faire attention à l' utilisation du chromatisme en termes Si vous faites quelque chose comme le néo-soul, le funk, hip hop, le RMB, vous serez capable de vous en sortir un peu plus avec le chromatisme Tout ce qui est inspiré par le jazz, en fait. Si vous jouez quelque chose de plus direct, comme une chanson comme celle-ci, une chanson électronique ou pop, il sera un peu plus difficile de faire ces notes conviennent aux oreilles qui veulent écouter ce style. Quelqu'un qui veut écouter de la musique pop ne sera pas forcément prêt à affronter des tonnes de chromatisme Mais encore une fois, je m'égare. Je voulais vous montrer que vous pouviez commencer par une note violette, par exemple. Il est en tonalité, déplacez-vous vers le haut ou vers le bas sur un ton voisin, une note voisine, quel que soit le nom que vous voulez pour une note non diatonique ou une note qui n'est pas dans Voici l'exemple d' une tonalité voisine plus basse. OK, c'est un peu aventureux pour cette chanson en particulier. Mais c'est en fait une belle occasion pour nous de parler d'une tonalité chromatique, et c'est ici ou ici À tout moment, vraiment, nous passons d' une note violette à une autre note violette avec un noir entre les deux. C'est vrai pour Key. Celui-ci ne l'est pas. C'est vrai pour Key. J' aimerais donc essayer d' expérimenter cette partie ici et d'y ajouter une note de passage chromatique. Écoutons-le. OK, donc ça commence à sembler un peu plus approprié. Cela ressemble aussi un peu à un jeu vidéo. Une grande partie de la musique du jeu vidéo Mario, qui a en quelque sorte créé de nombreuses autres musiques de jeux vidéo était très influencée par le jazz utilisait pas mal de chromatisme mesure que vous aborderez cette question, À mesure que vous aborderez cette question, vous aurez l' impression de consommer un peu moins d'EDM ou de musique électronique standard et de vous tourner un peu plus vers les styles de jeux vidéo électroniques Maintenant, cela peut rapidement être exagéré. Commençons par remplir un tas de ces notes avec des notes de passage chromatiques Il semble qu'il se déplacera toujours plus bas dans cette section. Ici, dans la section suivante, nous avons l'occasion de faire une note de passage chromatique supérieure Alors écoutons tout ça. Cela ne va pas sembler parfait, mais c'est l'idée de base. J'ai davantage aimé ça. Je pense que cela fonctionnait mieux comme ton de passe chromatique plus lent, une fois de plus. Il s'agit donc d'une extrémité, deux extrémités, trois extrémités, quatre extrémités. C'est une extrémité, deux, trois d. Voici donc les trois extrémités de ce rythme en particulier, et nous pouvons voir que la note chromatique se produit à la fin C'est en partie pour cela que cela semblait tout à fait approprié. Ici, tout était écrit en 16e note. C'était un peu rapide et frénétique. Rien de mal à être rapide et effréné, comme le vol du bourdon, par exemple, qui est C'est très rapide et frénétique. Mais il faut expérimenter un peu et explorer pour s'assurer que ces notes chromatiques ne tombent pas sur les rythmes principaux, surtout trop souvent Et deuxièmement, que ça sonne juste. Parfois, cela semble fonctionner et cela ne semble pas fantastique. chromatisme peut être assez sensible en ce qui concerne ce qui le fait fonctionner et ce qui le met un peu trop au défi pour l' oreille Alors revenons en arrière et annulons un tas de choses que je viens de faire, toutes ces choses supplémentaires. Oups, c'est trop loin. Et je dirais qu' il faut garder cette petite note juste pour le fun, juste pour ajouter un peu plus de saveur. Gardez donc à l'esprit que vous pouvez toujours avoir des notes de passage pour le voisin supérieur, le voisin inférieur ou les notes de passage supérieures ou inférieures. Mais dans ce cas, vous ne passez pas du violet au violet à une autre note violette. Nous n'allons pas rester dans le vif du sujet. Nous passons du violet à une note qui ne l'est pas à une autre note violette. Nous sommes donc en train de passer du statut de clé, et non de clé temporaire, à celui de clé. Et cette note qui n'est pas temporairement dans la clé devrait préférence atterrir sur un rythme optimiste Pourquoi ne pas créer quelque chose de totalement nouveau ? Et je vais essayer d' intégrer plus de chromatisme. Et pour moi, ce sera un processus très naturel car j'ai beaucoup joué du piano jazz, mais nous pouvons ensuite le décomposer un peu. Écoutons-le. Cela peut ressembler à ceci dans un, deux, trois, quatre. OK, voilà pour notre première section. C'est plus chromatique que ce que j'ai habitude de jouer pour ce style, mais vous aurez une idée de base Je suis donc déjà en train d'enfreindre une règle. C'est un et deux, et j'ai raison sur ces deux points, principal point négatif du si deux, et je suis chromatique Mais c'est, d'après ce que j'ai compris, l' une des notes chromatiques les plus sûres à jouer Je pensais en fait à la gamme de blues en sol mineur, et la note que je jouais était la note bleue. Il s'agit donc d'un ré bémol ou do dièse, connu sous le nom de note bleue. C'est peut-être un moment où vous pourriez le mettre sur un rythme décevant, mais je vous conseille de travailler avec ce type de chromatisme sur Mais cela vous montre aussi que cela peut sonner bien et que cela peut fonctionner. Maintenant, vers le second semestre, nous l'avons fait. OK. Encore une fois, j'enfreint certaines règles dans ce D bémol qui est, encore une fois, décevant Mais encore une fois, je pense que c'est la note chromatique la plus sûre à jouer J'ai une autre note chromatique qui se passe ici. C'est ce que l'on pourrait appeler une enceinte. J'essaie essentiellement d'arriver sur cette note de sécurité, et je le fais en encerclant ce terrain. Nous avons une note stable, une enceinte chromatique qui nous mène à une autre note diatonique ou sûre Mais cette fois, je suis au bout du rythme. Donc, si c'est un , deux, trois, quatre et un, et que je suis à la fin du deuxième battement, dans ce cas. Donc, si vous voulez placer notes chromatiques sur des downbeats, essayez de choisir celles qui sont sûres, comme celles qui existent déjà dans Par exemple, les gammes B Bop et les gammes bleues ne sont pas incluses dans le contexte de ce cours, mais n'hésitez pas à les examiner Il y a de petits moments où deux demi-tons se succèdent, et ce petit demi-ton au milieu peut être une note chromatique avec laquelle vous pouvez jouer Nous nous sommes également penchés un peu sur les annexes, cette idée d'avoir une note cible et de l'entourer, une note au-dessus d'une note en dessous pour ensuite arriver Parfois, il peut s' agir d'une note en dessous d'une note ci-dessus, puis d'arriver. Vous pouvez même commencer à mettre deux notes sur les parties ci-dessus ou ci-dessous. Les boîtiers peuvent être formés de nombreuses manières différentes , en dehors du contexte de ce cours Ce serait pour, par exemple, de l'improvisation jazz. J'ai ajouté des annexes à mon cours de tours de piano jazz, mais n'hésitez pas à y jeter un œil . Tu n'es pas obligée. Ce n'est que si vous voulez vraiment en savoir plus, en particulier sur les boîtiers, qui jouent un rôle important dans ce son jazz donc tenir compte du fait que dans la musique baroque, faut donc tenir compte du fait que dans la musique baroque, il y avait pas mal de chromatisme Il n'y avait pas nécessairement d'accords complets avec les autres notes Il y avait beaucoup de contrepoints. Ainsi, les lignes à note unique et les autres lignes à note unique se déroulent généralement comme un clavecin Pensez à JS Bach, par exemple. Si vous regardez sa musique, c'est juste ce qui ressemble à une mélodie vraiment intense et à une autre mélodie vraiment intense quelques petites notes qui se situent en quelque sorte entre ce que nous pourrions appeler le leadership vocal intérieur Mais en fait, les choses sont devenues assez chromatiques. En fait, j'ai découvert qu'une fois que la musique classique est apparue, le chromaticisme, j'ai eu l'impression qu'il y avait Et je ne sais pas si c'est parce que l' harmonie bloquée a été introduite, et que le frottement d'une note l'harmonie s'est fait sentir un peu plus fort. Mais cela a en quelque sorte pris du recul par rapport au chromatisme. Et puis, à l'époque romantique, est-ce qu'ils ont déjà ramené les couleurs et le chromatisme et un tas de façons d' expérimenter ensemble les sons de la mélodie et de l' mélodie et de Avancez, vous entrez un peu plus dans le piano contemporain et le piano jazz, et le chromaticisme était totalement disponible à ce moment-là Une petite astuce chromatique que je vais essayer de vous encourager à essayer, et je la trouve auprès de Chopin et d'autres compositeurs romantiques Vous allez donc jouer un accord, et cela fonctionne très bien avec des sons mineurs Disons que nous jouons en la mineur. Et dans la main droite, tu joueras la Cinquième. Donc, cette note de tête de l'accord. Vous pouvez jouer avec les demi-tons chaque côté de ce cinquième, et c'est l'endroit idéal pour expérimenter avec chromatiques. Cela ressemble donc à ceci. Cela semble un peu sinistre, un peu étrange. C'est un endroit vraiment amusant pour jouer. Hein ? Cela me rappelle un peu Chopin, mais aussi Danny Elfman qui aborde ce côté plus sombre Et cela se fait par chromatisme. Maintenant, très honnêtement, la note au-dessus de la cinquième. Donc, au-dessus de ce E, nous avons un F, un demi-ton vers le haut. Ce n'est pas chromatique. Cela fait en fait partie de l'échelle. Mais quand on passe d'un demi-ton en dessous du cinquième, c'est la note chromatique C'est en fait la même note que celle que j'ai mise pour en battre un dans l' exemple précédent. Mais tout cela pour dire qu'il y a certains endroits où ce chromatisme fonctionnera le mieux Vous voulez savoir comment fonctionne le chromatisme dans le genre que vous essayez Est-ce même autorisé ? Est-ce même préférable ? Et si c'est le cas, est-ce que c'est autour d'un certain terrain ? S'il est utilisé fréquemment ou rarement, le genre de questions que vous voulez commencer à vous poser Il s'agit donc essentiellement de chromatisme dans l'affichage de vos Nous jouons les notes entre les notes violettes, et nous faisons preuve de prudence quant à la façon dont nous procédons. Nous essayons de placer les notes chromatiques sur les rythmes ascendants, c'est-à-dire entre nos rythmes principaux À moins qu'il ne s'agisse d'une note chromatique dont vous êtes très sûr, elle sonnera bien sur une note négative Nous avons parlé de tonalités chromatiques voisines au-dessus ou en dessous, tonalités chromatiques passantes au-dessus ou en dessous, et nous avons même plongé un peu Voilà pour ce cours. Dans la prochaine, nous allons parler d'une large par rapport à une mélodie étroite. Je t'y verrai. 10. Étroit ou large Wi: Deux. Très bien, ensuite, nous allons parler de mélodies larges ou étroites Lorsque nous ne changeons pas beaucoup notre mélodie en termes de sauts entre les notes, cela devient une mélodie plus étroite Mais quand je saute quelque chose d'un quart, d'un cinquième ou plus, cela serait considéré comme une mélodie plus large Nous aimons trouver un équilibre entre l'étroit et le large, et il existe certaines façons de procéder. Parlons-en. J'ai donc créé ici une mélodie qui va de pair avec les deux parties que nous avions créées auparavant Je commence avec une plus grande densité rythmique parce que l'harmonie fait des choses simples, et je termine avec une densité rythmique moindre parce que l'harmonie est plus En d'autres termes, lorsque l'harmonie fait plus de choses rythmiques, la mélodie fait moins de choses rythmiques Vous remarquerez également qu'il y a de nombreuses sections étroites dans cette mélodie, se déplacent par étapes, peut-être par sauts Et puis il y a ces sauts étranges, ces grands sauts entre les notes, comme ce A à ce F. Mais dans l'ensemble, vous remarquerez que c'est le plus étroit qui gagne. Pense à ça. Si je joue une mélodie comme celle-ci, c'est très étroit, mais ça marche. C'est très chantable Maintenant, si j'essaie une mélodie très large cette fois, bonne chance pour la chanter Ça va être tellement dur. Au bout du compte, c'est si étroit que le gagnant. Nous voulons donc dire : OK, comment puis-je être étroit de 80 à 90 % et utiliser quelques sauts de grande taille de manière appropriée Donc, une fois que j'ai sauté, qu'est-ce que j'ai fait ? J'ai emprunté un passage plus étroit, et je suis revenu vers le milieu pour que ce saut soit en quelque sorte un peu complété. Cela se produit également ici, car il s'agit quelque sorte d'une version répétée de la phrase. La première moitié ressemble donc à ceci. Vous pouvez donc constater, encore une fois, qu' après ces grands sauts, nous sommes en train de gagner du terrain, et il n'y a vraiment qu'un seul grand pas en avant dans cette section Maintenant, plus loin dans la section la plus lente, nous sautons un peu plus Les sauts sont un peu plus indulgents lorsque nous ne sommes pas aussi denses sur le plan rythmique . Réfléchis à ça. Voulez-vous passer souvent d'une note à l'autre ? Probablement pas. Vous voulez le faire à un rythme rapide ? Probablement pas. Vous pouvez donc vous en tirer avec quelques sauts supplémentaires ou une mélodie plus large dans les moments où vous jouez la mélodie un En d'autres termes, il y a moins de densité rythmique. La seconde moitié de notre mélodie ressemble à ceci. Maintenant, vous pouvez également entendre le chromatisme qui se produit dans cette Ce petit do dièse, comme vous pouvez le voir, se trouve sur l'une de ces notes noires non diatoniques Cela ne se passe pas sur cette ligne ici. Cela ne se produit pas sur ce rythme, mais plutôt sur une note positive ou optimiste Donc, encore une fois, c'est le cinquième de la tonalité, qui est un demi-ton en ré au-dessus du demi-ton en dessous, ce genre de truc chopinsque Ces sauts ici, par exemple, A jusqu'à D, D est le cinquième de la clé et G est la racine de la clé Je suis donc très attaché à certaines notes de sécurité contenues dans cette clé, malgré le fait que je saute un peu plus que d'habitude, et ce n'est pas une tonne Quand on y pense, je saute ici, je pars d' ici, puis je redescends entre les deux Donc trois sauts, mais avec des notes plus sûres et dans un environnement où les choses sont suffisamment lentes pour que les sauts puissent toujours être chantés plus facilement Le tout ressemble à ceci. Il faut donc tenir compte du fait que le saut entre cette note et cette note entre les sections est assez important. Mais il y a tellement de temps entre les deux que ce soit au niveau vocal ou sur notre instrument Nous avons le temps de nous préparer à cette hauteur, que soit avec la tension des lèvres et en nous concentrant sur la trompette ou avec la tension vocale en tant que chanteur Ce cours n'a pas besoin d'être particulièrement long. Limitez vos mélodies. Pourquoi ? Ils sont donc plus faciles à chanter. Si vous voulez être plus dense sur le plan rythmique, en d'autres termes, si vous voulez insérer plus de notes dans un espace, c'est très important c'est très important, car à moins d' avoir un chanteur très agile capable de faire des tonnes de sauts à un rythme très rapide, il sera difficile d'être rapide et bondissant en même temps. ce qui est d'ajouter de la largeur à vos mélodies, elles seront généralement en quelque sorte prises en sandwich entre des sections plus étroites Partie facile à chanter, un peu d'agilité tant que chanteur pour revenir à une partie facilement chantable De plus, lorsque vous sautez vers le haut, vous remplissez généralement un peu vers le bas, et lorsque vous sautez vers le bas, vous le remplissez un peu vers le haut, généralement avec des pas ou des sauts, quelque chose d'un peu plus convivial et facile à chanter Maintenant, c'est tout, si vous essayez de créer une mélodie chantable, vous aimerez peut-être le son de Something like that Est-ce qu'on appelle ça une mélodie ? Je ne le ferais pas nécessairement, mais si vous recherchez un rôle influencé par la mélodie et que vous êtes prêt à le faire très saillant, je dirais simplement d'envisager de le faire dans la musique instrumentale et de ne pas penser que votre chanteur sera capable de suivre le rythme d'une telle et que vous êtes prêt à le faire très saillant, je dirais simplement d'envisager faire dans la musique instrumentale et ne pas penser que votre chanteur mélodie Voilà pour ce cours sur les mélodies étroites par rapport aux mélodies larges. C'est une question simple. Je vous ai donné un excellent cadre de travail. Si, pour une raison ou une autre, votre mélodie ne fonctionne pas , regardez à quel point elle est étroite et large, à quelle fréquence vous faites ces sauts et à quelle vitesse vos notes sont jouées Ce sont tous des éléments à prendre en compte. Bien que le concept soit simple, je recommande de suivre ce cours quelques fois de plus, car je pense que c'est quelque chose qui passe entre les mailles du filet et que beaucoup d' auteurs de mélodies débutants pourraient oublier Dans notre prochain cours, nous allons parler de mélodies droites mélodies swung. Je t'y verrai. 11. Droit vs oscillé: Très bien, parlons de mélodies droites et de mélodies swung Tout d'abord, savez-vous ce qu'est un rythme droit ? Sais-tu ce qu'est un rythme oscillant ? Et si c'est le cas, savez-vous quels styles devraient généralement être joués directement et lesquels devraient être joués en swung est le genre de choses dont nous allons parler dans ce cours. Allons-y. Donc, si vous ne savez pas ce qu' est un rythme droit par rapport à un rythme oscillant, permettez-moi de vous le démontrer de l'une des manières les plus simples en applaudissant Un rythme droit serait quelque chose comme un et deux, et trois et quatre se terminent. Notez que les chiffres sont plus forts que les extrémités du s un, deux, trois et quatre Lorsque nous oscillons, nous allongons les nombres et nous raccourcissons le s. Le ratio est essentiellement des deux tiers pour un tiers, mais le swing peut être ajusté en conséquence à partir de là Nous finissons donc par obtenir quelque chose comme un et deux, trois et quatre et. Notez également que les chiffres et sont plus forts que les chiffres un et deux, trois et quatre, et Ces deux éléments, à savoir l'ajustement rythmique et la façon dont nous accentuons, les notes qui sont jouées le plus fort, constituent les principes fondamentaux du swing Maintenant, pour ce qui est de l'application du groove ou du swing avec Ableton, il existe des tonnes de variations Nous pouvons faire en sorte que le rythme bourré de Jdilla fasse une sorte de swing MPE. Mais en fin de compte, nous parlons de mélodies et de la façon dont vous pouvez vous sentir à l'aise pour jouer ou programmer ces mélodies Nous allons également jouer avec le pool à rainures, mais je voulais m'assurer de mentionner dès le départ. Nous allons également jouer avec le groove pool, mais ce n'est pas quelque chose par lequel nous allons commencer. Maintenant, le fait que votre mélodie soit droite ou oscillante dépend du style. Par exemple, dans le jazz, le tambour bat. Est balancé. Nous voulons donc nous assurer que tous les autres éléments instrumentaux sont également alternés. Cela sonnera très mal si votre battement de batterie est balancé, mais que vous jouez une mélodie directe ou Il est donc en quelque sorte convenu que l'ensemble du groupe joue ensemble soit sur un rythme droit, soit sur un rythme swung Maintenant, si vous avez un swing fort ou un swing léger, quelle mesure vous ajustez ces deux tiers, un tiers. Encore une fois, c'est une chose à laquelle tout le groupe serait attaché. Si c'est quelque chose comme un, deux, trois et quatre, et que c'est une grosse balançoire. Alternativement, vous pourriez avoir quelque chose comme un et deux, et trois, et quatre et. C'est une balançoire assez légère. C'est presque 50. Mais en général, vous voulez penser comme : un, deux, trois, un, deux, trois, un, deux, trois, un, deux, trois, un, où le un, deux est léger et le trois est plus lourd. Un, deux, trois, un, deux, trois, un, deux, trois, un, deux, trois. Nous allons donc en quelque sorte aller dans les profondeurs de l'océan ici. Nous allons créer une mélodie qui commence par un G. Et je vais passer en mode off scale Nous ne voulons pas voir de violet pour le moment. Nous commençons à être un peu plus confiants, espérons-le, dans nos choix de notes. Je ne dis pas que vous devriez l'être à la fin de ce cours ou à ce stade, mais disons que vous le faites depuis un et que vous êtes de plus en plus confiant, désactivez-les dès que possible. C'est comme une béquille Vous ne voulez pas utiliser de béquille une fois que votre jambe est guérie. Mettez-les dans le placard, renforcez leur force. Dans ce cas, la force dont je parle est votre théorie musicale, vos connaissances. Donc pour le moment, je vais créer une mélodie qui utilise un rythme droit Cette mélodie ne va pas être fantastique. La plupart du temps, il s'agit simplement de parcourir les notes de notre gamme de haut en bas, peut-être avec une note qui tient un peu. Nous avons donc quelque chose comme, nan deux, trois, quatre, et un. Maintenant, il faut garder à l'esprit que vous ne jouez pas directement ou au swung si vous ne jouez que des downbeats Comme ça, un, deux, trois, quatre. Bien que cela semble assez simple, tout est très égal. La balançoire se fait sur le s, non ? Donc, si notre rythme de batterie est juste boum, boum, boum, boum. Vous pouvez jouer une huitième note d' affilée par-dessus ou balancer une huitième note Donc ce que je vais faire, c'est que c'est un peu sournois, mais je vais juste le faire et je ne le recommanderais pas nécessairement, mais je vais désactiver cette petite partie ici, qui se trouve en quelque sorte sur la quatrième et 16e qui se trouve en quelque sorte sur la quatrième la suite de cela, nous allons finir par avoir un rythme de batterie beaucoup plus direct, et nous le ferons également pour cette dernière moitié Maintenant, les tambours sonnent comme ça. OK, il y a toujours un petit son supplémentaire là-dedans. Encore une fois, nous devrions peut-être même être plus précis, juste pour m' assurer que je fasse bien comprendre que si votre batterie est droite, votre mélodie doit être Si vos tambours sont balancés, votre mélodie doit être balancée. Nous éliminons tous les éléments droits ou oscillants de la batterie afin que je puisse démontrer la mélodie balancée dans ce genre Cela ressemble donc à ceci. Bien. Juste un coup de pied. C'est bon pour le moment. Je ne voulais juste pas te donner un rythme de batterie direct et jouer une mélodie oscillante par-dessus Je serais un peu hypocrite si je le faisais. Donc, ce que nous allons faire maintenant pour faire cette mélodie, si vous pouviez simplement la jouer, par exemple, si vous pouviez jouer quelque chose comme Then, super Joue-le en balançoire. Mais pour l'instant, supposons que vous ne maîtrisez pas le clavier et que vous espérez tout programmer avec le crayon. Ce que je vous recommande, c'est de passer à la grille des triplets. Vous allez cliquer avec le bouton droit de la souris et accéder à la grille Triplet, puis vous allez définir C'est difficile à voir, mais c'est de cette façon. Alors jetez un œil. Vous allez passer de ce triplet de 64e note à un triplet de huitième note Et regardez à quel point cela rend cette grille encore plus épaisse Nous pouvons voir très clairement les deux tiers et le tiers à cet endroit. Boum, boum, et puis il y a notre prochaine note. Même chose ici. Nous allons ajuster, même chose ici. Et c'est ce que nous ferons pour chacune de ces notes. Et puis après, vous pouvez déjà voir que ça va basculer. Allons y jeter un œil. C'est assez oscillant, non ? Mais vous pouvez le prendre et l'ajuster, pour qu'il soit un peu décalé ou un peu tard à cette extrémité pour créer un swing assez extrême. Et ce swing plus extrême est en fait assez courant, comme dans la musique de danse des années 90 qui tic tick tack titi tack tick, tick, tick tack en quelque sorte, sauf près de la cloche et je ne sais pas, comme une sorte de swing très vieux des années 80 et jusque dans les années 90 Très prononcé, peut-être un peu un retour au swing plus basique du jazz Mais vous pouvez voir ici que nous pensons aux deux tiers d'un battement, à un tiers de battement. Si vous vouliez être plus précis, vous devriez également l'afficher et être un peu plus fort Maintenant, ce synthé en particulier n' est pas sensible à la vélocité. Peu importe que je les mette en haut ou en bas, le volume sera toujours le même. Mais si vous travaillez avec quelque chose comme un Wurlitzer ou un Rhodes, toutes ces notes courtes, toutes ces notes courtes vous pouvez simplement maintenir la touche Maj enfoncée et les sélectionner Si vous maintenez la touche Alt au-dessus de l'un d'eux, vous allez cliquer et faire glisser le pointeur vers le haut, puis vous pouvez régler ces s, ces décalages, pour qu' ils soient un peu plus forts Si les notes principales sont trop fortes, encore une fois, sélectionnez toutes ces longues notes basses Cliquez avec la touche Maj, maintenez la touche Alt enfoncée, puis faites glisser le pointeur vers le bas. Mais encore une fois, ce synthé n'est pas sensible à la vélocité, il ne fonctionne donc pas vraiment avec celui-ci Si j'en arrivais aux accords, nous l'aurions fait, vous pouvez vraiment entendre ce swing puissant À partir de là, vous voudrez peut-être vous adapter en conséquence et trouver le point idéal qui vous convient. Donc, quelque chose comme le jazz, soul, la néo-soul, le hip hop, ce seront des styles qui seront traditionnels. Quelque chose comme le disco ou le funk, vous pourriez penser que c'est du swing parce que c'est assez groovy, mais le swing Quand on se lance dans la musique pop, c'est plutôt direct, mais parfois, elle est suffisamment influencée par un autre genre pour l'être un peu Le rock sera direct presque 100 % du temps, la musique classique, le même genre d'idée. Vous voulez donc vous assurer que vous réfléchissez style que j'essaie de composer pour Produce ? Et est-ce que c'est balancé ? Si c'est le cas, quel est le poids de cette balançoire ? Même quelque chose comme la gamme pentatonique, quelque chose comme si je joue en ligne droite ou en swung, je veux que tu me dises, peux-tu me dire quelle est la nationalité des deux ? Par exemple, comment cela évolue-t-il en ce qui concerne le domaine de la musique auquel vous pensez dans votre esprit ? Regarde ça, quelque chose comme. Essayons-le un peu différemment avec le swing cette fois. La première méthode ressemble un peu plus à de la musique asiatique traditionnelle, tandis que la seconde ressemble un peu plus à un jig irlandais Ainsi, même avec le même jeu de notes, fait que vous changiez ou non déterminera le style que vous jouez Maintenant, je ne dis pas qu'on ne peut pas jouer du hip hop directement, et je ne dis pas qu'on ne peut pas adopter une approche classique un peu plus branchée. En fait, dans le domaine de la musique classique, lorsque vous arrivez à 68, un, deux, trois, quatre, cinq, six, vous êtes maintenant sur une grille qui peut très bien fonctionner pour le swing ou pour imiter le swing Mais la grande différence ici, c' est que lorsque vous regardez deux notes en huitième, vous ne les lisez pas de la même manière. Donc, généralement, lorsque vous voyez deux huitième notes, c'est une et deux, et trois et quatre par petites paires. Une extrémité, deux extrémités, trois, quatre extrémités. Vous le sauriez si vous étiez musicien de jazz, mais lorsque vous voyez deux notes de huitième associées à plusieurs reprises dans le jazz, vous ne lisez pas à une et à deux. Tu l'as lu un et deux. Le swing est donc implicite dans ces 8èmes notes. Alors que cet exemple classique date de 68, il n'est pas techniquement biaisé. C'est littéralement un, deux, trois, quatre, cinq, six, pour ce qui est de la façon dont ils envisagent ces rythmes. De plus, l'optimisme, les A ne sont pas accentués. En classique, ce serait tout de même accentuer les rythmes les plus bas Dans ce cas, un et quatre, un, deux, trois, quatre, cinq, six, un, deux, trois, quatre, cinq, six. L'équivalent en jazz ou dans un genre swung serait un, deux, trois, quatre, cinq, six Le troisième battement de chacun de ces petits groupes de trois serait le rythme accentué Maintenant que nos batteries sont plutôt neutres. Maintenant que notre batterie est assez neutre, trouvons une partie droite et oscillante pour cette première moitié de la chanson Cela ne fonctionne pas en seconde période parce que je ne perds pas ces notes quand je joue ce inchin gen chin chin chin chin En ce qui concerne les accords, si je le mettais en mode triplet, je pourrais maintenant l'ajuster Cela ressemblerait à ceci. Hein ? Donc ça va être un peu plus décalé. Mais nous n'essayons pas de développer une chanson entière ici. Encore une fois, je ne fais que donner des exemples. Nous allons donc travailler avec la première moitié où nous ne faisons que tenir les accords. Jouons une mélodie directe, ce que j'ai déjà beaucoup fait, mais je vais faire une mélodie directe, puis une mélodie swing Très bien, jetez-y un coup d'œil. Quelque chose comme ça en un, deux, trois, quatre. C'est assez droit devant. J'utilise la gamme pentatonique, similaire à ce que j'ai fait dans le jig irlandais, un exemple similaire à celui que j'ai utilisé plus tôt Voici un bon exemple de question et de réponse, il y a donc la question et la réponse un peu plus résolues. Si je devais adopter le même type de concept, peut-être pas exactement les mêmes notes, mais que je jouais du swung, cela ressemblerait à ceci en un, deux, trois ou quatre Encore une fois, des notes différentes, mais la même gamme, la gamme pentatonique en sol mineur, et maintenant ça sonne comme ça La balançoire pourrait être un peu nettoyée. N'allez pas quantifier tout de suite, car vous pouvez voir que chaque battement est divisé en quarts Nous voulons le diviser en trois, ce qui est, encore une fois, la grille des triplets Et je recommande généralement que vous soyez sur une grille de triplet de huitième note si votre mélodie n'est pas très rapide Donc, si vous voulez corriger les choses à la main, voici comment vous vous y prendriez dans cette vue. Mais bien sûr, si vous cliquez avec le bouton droit sur les paramètres de quantification ou si vous passez simplement dans la section de transformation sur le côté gauche, vous pouvez également définir la grille des triplets avec ce petit bouton, des triplets de huitième note Maintenant, quand je sélectionne tout et que je quantifie, je quantifie selon cette grille Écoutons-le. Alors, lequel avez-vous le plus aimé ? Tu as préféré la mélodie directe ou la mélodie swung ? Cela pourrait vous indiquer le type de styles que vous pourriez vouloir étudier plus en profondeur en termes de styles que vous pourriez vouloir produire. Si vous préférez la mélodie swung, jetez un œil au hip hop. Découvrez le jazz, le R&B et la soul. Si vous préférez la version directe, peut-être que la pop, le rock ou le classique vous conviennent mieux. Enfin, nous allons utiliser le pool à rainures pour créer une balançoire. En fait, je vais juste modifier Annuler jusqu'à ce que nous revenions à la version originale. Je vais réinitialiser la quantification. C'est donc sur les 16es notes et non sur un triplet. Ça ressemble à ça. Appliquons maintenant un peu de swing à ces notes. Nous allons d'abord le faire à l'arrière, puis à avant, où vous pourrez voir visuellement la balançoire. Permettez-moi de vous expliquer. Vous pouvez donc monter sur le côté gauche ici, et vous allez chercher des rainures. Et lorsque vous sélectionnez des rainures, je vous recommande la plupart du temps d'opter pour des rainures MPC Vous pouvez le voir ici, il est écrit MPC swing et ce que nous utilisons en ce moment , c'est une grille de huitième note Voyez-vous qu'il s'agit, par exemple, d'un EN. C'est notre rythme principal divisé en quatre, mais nous ne jouons généralement aucune note sur ce deuxième ou ce quatrième petit carré. Ce sont toujours les deux premiers ou les deux derniers, le un ou le ou dans ce cas, le quatre et le, quel que soit le rythme sur lequel vous vous trouvez. Donc, en fait, nous voulons considérer cela comme huitième note en termes de swing, car nous ne jouons que des huitième notes. C'est pourquoi c'est important, si vous regardez sur le côté gauche, vous remarquerez qu'il y a le swing MPC huitième et le swing MPC 16e Un EN pour deux eNA, trois eNA, quatre Eanda, un et deux, et trois et quatre se terminent Nous allons donc en prendre 64, ce qui aura un effet assez solide. Considérez 54 comme le plus faible swing et considérez notre 74 plus fort comme le plus grand swing. 64 se situe quelque part au milieu , mais c'est assez visible. Maintenant, il y a trois endroits principaux où vous pouvez faire votre groove ou, dans ce cas, vous balancer une fois que vous avez trouvé celui avec lequel vous voulez jouer. Encore une fois, n'hésitez pas à cliquer dessus et à écouter le swing jusqu'à ce que vous ayez l' impression qu'il se balance comme vous le souhaitez Vous pouvez le faire glisser sur les informations MIDI elles-mêmes. Vous pouvez le faire glisser vers le bas jusqu'à la zone de rainure, située sur le côté gauche des informations MIDI. Et une fois que vous l'avez fait glisser vers l'un de ces deux endroits, si vous ne pouviez pas déjà voir ce pool de rainures, il est désormais disponible, mais vous pourrez généralement le voir Et c'est un autre endroit où vous pouvez également faire glisser vos rainures. Vous pouvez avoir plusieurs rainures, puis sélectionner l'une d'entre elles pour voir laquelle vous préférez. Ou si vous en avez trouvé un qui vous plaît et que vous décidez plus tard que vous en aimez un autre, faites simplement glisser l'autre par-dessus le premier, et il remplacera tous les éléments de votre chanson qui utilisent ce groove. Donc, dans ce cas, nous avons introduit le MPC 3 864. Encore une fois, une balançoire assez notable. Écoutons cette mélodie avec le swing désormais appliqué. Vous pouvez donc entendre sur ces 8èmes notes ce qui se passe, elles ne sont pas droites. Ce n'est pas da, da, da, da, c'est d, d, d, d, d, non ? Nous avons cette balançoire en cours. Mais assistons-nous à une évolution des informations MIDI ? Non, on l'entend juste en arrière-plan. Il est joué comme s'il était balancé, mais nous voyons les choses clairement. C'est ainsi que fonctionne l'exemple de partition que j'ai mentionné plus tôt. Vous voyez une huitième note droite sur la page, mais vous les jouez de manière alternée en fonction des instructions qu'ils vous donneront sur la page Comme, diront-ils, jouez votre huitième note balançant, ce genre d'idée Maintenant, ce qui est vraiment cool, c'est que vous pouvez également voir ces changements si, juste au-dessus de cette petite zone de rainure, vous sélectionnez cette flèche. agit du bouton Commit, et lorsque vous cliquez dessus, je veux que vous regardiez ce qu' advient de toutes ces informations MIDI ici. Je vais cliquer dessus et boum, il y a quelques ajustements. Regarde ça. Cela a été ajusté un peu. Celui-ci a été légèrement ajusté, donc il ne correspond pas à cette grille. Maintenant, si j'active la grille à triplets, jetez un œil. Est-ce que c'est exactement la ligne du triplet ? Non, ça ne l'est pas. Cela me dit donc que 64 n'est toujours pas aussi oscillant qu'une grille à triplets standard Maintenant, il convient de noter qu' une fois que vous avez validé le groove, vous remarquerez qu'il ne fonctionne plus avec ce petit outil de sélection de groove à ce stade, car ils ne veulent pas que vous ajoutiez du swing sur le dessus du swing sur le swing. Cela devient confus. Assurez-vous toujours de partir d'un point d'un rythme droit, puis essayez d'appliquer différentes oscillations à ce rythme droit Si le swing ne fonctionne pas, annulez-le et essayez-en un autre. Si cela ne fonctionne pas, annulez et essayez-en un autre. Mais ce que vous remarquerez, c'est que même sur la grille à triplets, notes qui sont balancées ne s'y trouvent pas parfaitement En d'autres termes, 64 en tant que rainure ne correspond pas parfaitement à une grille à triplets en termes de swing. C'est un peu plus léger. Annulons pour que notre swing soit à nouveau disponible, et essayons 68 puis essayons de l'appliquer. Oh, 68, c'est un peu trop. Mais encore une fois, c'est à peu près aux deux tiers du beat. J'aime bien que celui-ci soit un peu devant, l'autre un peu en retard, parce que c'est facile pour moi de le faire à la main pour que tout se passe bien sur la grille Mais en tant qu'humains, nous ne sommes pas parfaits. Il est donc assez courant que nous jouions d' un côté ou de l'autre de ce rythme, plutôt que de jouer parfaitement sur la grille de départ. Vous avez donc appris que les rythmes droits, un et deux, trois et quatre, accentuent les battements, et tout est divisé en demi-battements Le swing est généralement un, deux et trois, et quatre et. Nous accentuons les rythmes ou les rythmes optimistes, et nous jouons environ les deux tiers d'un battement, un tiers de Ce que vous choisirez en termes de swung ou de straight dépendra du style Vous devez donc vous assurer qu' avant de commencer à produire, vous avez une idée si vous voulez changer de rythme. Maintenant, une autre chose que je voudrais mentionner est que nous revenons à notre rythme de batterie de base que nous avions auparavant, comprenant qu'il sonne presque un peu décalé Je ne sais pas si techniquement c'est le cas. Maintenant, comme dernier point, encore une fois. Nous allons revenir à un rythme de batterie complet. Cette fois, c'est balancé. Écoute-le. Jack, Chip, Jack, nana, Jack, Chi, Jack, check, Jack, chat entre filles Ce n'est pas un rythme de batterie parfaitement droit. Vous pouvez voir assez souvent, vous pouvez voir certaines de ces notes ou celles-ci, vous pouvez voir que certains de ces coups de batterie ne sont pas parfaitement adaptés au rythme Certains d'entre eux ressemblent à nos principaux points faibles, mais ils sont un peu décalés C'est un peu groovy. Donc, ce que je vais faire c'est extraire le groove de ce battement de batterie. Vous pouvez le faire en cliquant ici dans ce type de version disséquée du battement de batterie ou en haut le long de cette barre jaune, dans ce cas, sur la partie supérieure du clip, en cliquant avec le bouton droit sur l'un de ces endroits, et vous allez sélectionner À partir de là, il va analyser la boucle et se demander : y a-t-il un swing qui se produit ? Et si oui, comment est aménagée la balançoire ? Boum, nous avons maintenant un nouvel algorithme que nous pouvons appliquer à notre mélodie Nous pourrions également l'essayer sur l' harmonie. Je ne pense pas que cela va faire grand-chose, mais nous pouvons l'appliquer dans ce domaine. Ensuite, nous pouvons également l'appliquer ici. Et encore une fois, nous recherchons cette zone de rainure et ce HKDRM 125 C'est le nom du battement de batterie au cas où vous ne l'auriez pas remarqué. Maintenant, cela devrait sonner assez étroitement lié à la mélodie et l'harmonie, car tout fonctionne sur le même rythme Donc, si vous avez une boucle et qu'un groove y est intégré et que vous vous dites « Je ne sais pas quel algorithme choisir parmi mes algorithmes de swing », suffit d'extraire le groove du il suffit d'extraire le groove du rythme lui-même, puis de l' appliquer aux autres parties. Ça ressemble à ça. Maintenant, la balançoire est vraiment légère, mais je peux dire que les choses semblent plutôt bloquées. C'est donc quelque chose avec lequel vous pouvez jouer en fonction de la quantité de groove que vous avez dans votre rythme de batterie. Si vous ne savez même pas si votre rythme de batterie oscille ou non, extrayez quand même le groove Appliquez-le à vos données MIDI simples. S'il n'y a pas eu de balançoire, elle ne s'appliquera pas. S'il y en a eu, ce sera le cas. C'est donc un peu comme si les enjeux étaient très faibles, une manière ou d'une autre, extrayez le sillon et n'hésitez pas à l'utiliser. vous voulez utiliser le groove pool ou les algorithmes Swing Ableton, si vous faites tout à la main, disons que c'est vous qui créez ces boucles, vous pouvez alors essayer des choses En général, avec Swing, je ne recommande pas de tout mettre au crayon Je dirais soit de le jouer avec du swing, soit jouer en ligne droite, puis d'y appliquer une sorte de groove. De plus, si vous passez aux groove une fois de plus, vous remarquerez qu'il y a un bouton de genre en haut dance hall, disco, funk, hip hop Donc, selon le style que vous créez, certains algorithmes de swing seront associés à ces genres. J'ai dit que le disco et le funk ne se balancent pas toujours beaucoup, mais ils le peuvent Ils sont assez polyvalents de cette façon, en particulier le disco. Le disco est très souvent direct, mais il plonge aussi un peu dans le swing . C'est tout pour ce cours sur les droites par rapport aux mélodies swung Réfléchissez au genre auquel vous appliquez tout cela Assurez-vous de bien comprendre l'idée selon laquelle les battements droits auront des pulsations accentuées , un, deux, trois, quatre, et que les battements oscillants auront généralement des upbeats accentués, soit un, deux, Une ligne droite, c'est comme la moitié d' un battement, la moitié d'un battement. swung est d'environ les deux tiers, un tiers, mais cela peut être ajusté fonction de la sensation de balancement que vous souhaitez lui donner De nos jours, je me retrouve de plus en plus à appliquer du swing, ne serait-ce qu'un tout petit peu, à mes productions. Ils ont tendance à ajouter un peu plus de groove et une touche un peu plus humanisée J'espère que tu t'es bien amusé dans ce cours. Dans notre prochain cours, nous allons parler d' une mélodie basée sur l'astonado. Je t'y verrai. 12. Mélodies basées sur Ostinato dies: Ensuite, parlons de la création d'une mélodie basée sur Astonato Un astonato que l'on peut considérer comme une sorte de partie de basse dans la musique latine en est souvent l'origine Je fais en quelque sorte do do, do mec, dd do dog, do do do do do do dog doo Cela fonctionne comme une mélodie, mais aussi un peu comme un riff C'est chantable, mais c'est très lupable et répété. C'est un peu comme des refrains qui chantent à plusieurs reprises. Est-ce un ostinato ? S'agit-il plutôt d'un phrasé court dans un refrain ? Cela devient un peu gris de toute façon, nous allons parler de la création d' une mélodie basée sur Astonato Voici quelques-unes de mes mélodies préférées à créer, car elles sont très lupb et fonctionnent très bien dans la musique électronique Disons que je prends un synthé et que je crée une mélodie basée sur Astonato Cela peut ressembler à ceci dans un, deux, trois, quatre. Et il se peut que cela se répète. Nous pourrions appliquer un filtrage ou d'autres éléments au fil temps pour obtenir quelque chose comme ça, mais nous pouvons trouver des moyens de façonner la mélodie ou, dans ce cas, l'ostinato Peux-tu le chanter ? Bien sûr, c'est chantable Mais il n'est pas nécessaire que ce soit chantable. O sonados peut également être un peu aléatoire, et vous pouvez aussi jouer avec des choses de cette façon, parce qu' elles se répètent tellement de fois, même si c'est difficile pour nous de les chanter dans notre tête Si cela se produit suffisamment de fois, cela devient un peu plus facile. Peut-être quelque chose comme ça, un, deux, trois, quatre. Donc, dupliquons cela, et encore une fois, nous allons utiliser notre petite astuce de filtrage pour que cela ressemble à ceci. Vous pouvez donc le considérer comme un si, et cela fonctionne très bien dans la musique électronique, mais cela ne doit pas nécessairement être restreint. Vous pouvez également être assez large avec ces mélodies. Bien entendu, les ostinatos peuvent également être droits ou balancés. Nous pourrions prendre le même groove que celui que nous avons ici, et dans le dernier cours, nous avons effectivement extrait ce groove, ce HK DRM 125 Appliquons-le et voyons si nous pouvons entendre une grande différence. Mais d'abord, je veux quantifier les informations dont je dispose afin que le swing soit correctement appliqué à ces informations MIDI nettoyées Ça ressemble à ça. Le swing est très subtil, peu importe ce que nous avons retenu de ce rythme de batterie pour extraire ce groove Mais on peut entendre que la batterie et cette partie instrumentale s'intègrent très bien. Maintenant, tout ce que j'ai joué, pour la plupart c'est à peu près à égalité des notes. Il n'est pas nécessaire que toutes les notes aient la même valeur. Vous pourriez avoir quelque chose comme ça, trois ou quatre. Vous remarquerez qu'à la toute fin, j'ai encore changé les choses. En musique, il est très courant d'avoir une idée, répéter, de la répéter, puis de la modifier. Encore une fois, nous allons quantifier, Bush, et nous allons ajouter le groove. Vérifions-le. Cette dernière partie va probablement sembler un peu dingue, mais nous allons essayer. Même avec les sauts, ça sonne bien parce que ce que nous entendons vraiment c'est boum, boum, boum, boum, boum, boum Boum, boum, boum. Dee. Hein ? Ces notes basses ici ressemblent plus à une partie de basse. Ils se sentent un peu déconnectés de la mélodie. Ici, nous avons ce qui ressemble à de petits fragments mélodiques, mais tout fonctionne en quelque sorte ensemble C'est comme si la partie basse et les notes supérieures fonctionnaient ensemble. Maintenant, si vous voulez y ajouter une partie de basse, vous devez vous assurer que votre ostinato laisse de la place pour cela vous devez vous assurer que votre ostinato laisse de la place pour Peut-être que vous filtrez certaines basses fréquences ou que vous faites quelque chose comme prendre toutes ces basses notes et les faire monter en octave Ça va sonner différemment, mais ça pourrait marcher. Ça ressemble à ça. Maintenant, vous remarquerez que cette note a été supprimée. C'est parce que lorsque cette note est tirée vers le haut, elle se chevauche légèrement peut donc que vous deviez nettoyer les choses un peu pour vous assurer qu'il n'y ait pas de chevauchements avant de commencer, de prendre les informations et de les faire passer à l'octave Veillez donc à ne pas superposer le midi de telle sorte qu' il supprime certaines notes C'est. C'est une mélodie basée sur l'ostinato Je veux dire, c'est vraiment la boîte de Pandore. C'est grand ouvert. Dans la plupart des cas, tout est permis avec la musique électronique, surtout lorsque vous répétez ces petites boucles à quatre ou huit temps, même si elles ne sont pas fantastiques, vous les répétez suffisamment. Finalement, cela légitime le son de cette boucle. Il peut s'agir de sons laser. Il peut s'agir simplement de déchets déformés, quels qu'ils soient. Au fait, j'adore les pièces déformées comme des poubelles. Tout ce qui est sale avec beaucoup de distorsion. J'adore ça. Mais cela étant dit, vous pouvez vous en tirer avec beaucoup de choses en ce qui concerne ces ostinatos Nous n' essayons donc pas toujours de créer la prochaine mélodie du Fantôme de l'Opéra ou quoi que ce soit Parfois, il veut simplement être simple. Cela ne doit pas toujours être complexe. Ce sont certains de mes jeux préférés parce que je peux juste riffer et jouer sur les touches Et selon le type de préréglage que vous choisissez, cela changera le type d' Ostenato que vous jouez Lorsque j'appuie sur une touche, est-ce que j' entends un son immédiatement ? Si c'est le cas, je peux être agile dans ma façon de jouer avec mon Astanato. Mais si le son évolue lentement au fil du temps, je suis obligé de jouer des parties plus lentes Si je joue trop vite, aucun son ne sera suffisamment évolué pour être entendu. Vous pouvez donc laisser le preset que vous choisissez ou le design sonore que vous avez créé dicter la meilleure façon dont l'astonao fonctionnera le mieux Voilà pour ce cours sur les mélodies de style étonnant. Dans notre prochain cours, nous allons parler de la création d'une mélodie dans votre zone de confort Nous avons passé en revue de nombreuses techniques différentes, de nombreux concepts différents. Je veux m'assurer que tout ce que vous postulez à la fin de la journée est quelque chose sur lequel vous pouvez travailler immédiatement, quelque chose avec lequel vous êtes à l' aise Nous aurons un cours complet à ce sujet à venir Je t'y verrai. 13. Zone de confort mélodique: Pour ce dernier cours, nous allons juste parler comme ça. Nous n'avons pas besoin d'être à Abelton en ce moment, car nous allons parler du fait que vous composez dans votre zone de confort mélodique Tout d'abord, je voudrais vous demander : êtes-vous un bon joueur de clés ? Si c'est le cas, essayez de jouer un plus grand nombre de vos mélodies sur les touches et évitez de tout écrire au crayon. La principale raison pour laquelle je dis cela est liée au toucher, à la force avec laquelle vous jouez chaque note. Lorsque vous saisissez des informations MIDI , tout aura la même vélocité, le même volume Et vous pouvez modifier les vitesses. Savoir intuitivement comment les modifier et lesquels doivent être bruyants et lesquels doivent être silencieux va probablement créer beaucoup d'essais et d' erreurs de votre part. Essayez donc de jouer quelques mélodies au piano. Si vous n'êtes pas un bon pianiste ou un bon claviériste, privilégiez la simplicité et fixez-vous pour objectif, au fil du temps, d'accroître la complexité de vos mélodies Laissez-vous influencer par d'autres claviéristes, d'autres chanteurs, d'autres saxophonistes , qui que ce soit, par quelqu'un dont vous êtes influencé par écriture de ses mélodies et essayez de transcrire ou d'imiter lentement son son au fil du temps transcrire ou Par transcrire, je veux dire écrire littéralement leurs solos et essayer de les jouer de la même manière Et par imiter, je veux dire, il suffit d'écouter et de faire de son mieux pour copier leur style Bref, gardez vos mélodies simples, mais entraînez-vous en dehors de votre zone de confort afin de pouvoir appliquer une partie de ce que vous avez pratiqué lorsque vous reviendrez dans une production vous avez pratiqué lorsque vous reviendrez Maintenant, avec le temps, votre complexité mélodique peut augmenter, mais ce n'est pas nécessaire Il n'y a aucune raison de jouer vite et avec brio. Si vous voulez que les choses restent simples, soyez simples. Mais vos doigts sur les touches, plus vous jouez, plus ils seront agiles et vous serez capable de jouer passages plus rapides ou des arpèges ou des sauts plus larges , si vous Mais encore une fois, votre complexité peut avoir le potentiel de croître, mais cela dépend du style que vous choisissez de produire et si vous souhaitez même augmenter cette complexité. Pour moi, j'avais une sorte de courbe en cloche, car j'ai commencé en tant que simple joueur. Je suis devenu trop complexe, puis je l'ai recomposé Si j'avais su à l'époque ce que je sais aujourd'hui, j'aurais peut-être gardé mes mélodies un peu plus simples et me serais concentré sur l'amélioration d'autres domaines de ma production Mais en fin de compte, je ne savais pas que je ne voulais pas mélodies complexes avant commencer à jouer des mélodies plus complexes J'aime les astonados. J'aime les boucles. Ils fonctionnent bien dans la musique électronique et le hip hop, deux des styles que j'aime produire. Mais lorsque je fais un passage orchestral et que j'ai besoin d'un violon pour faire un run over top tape-à-l'œil, quelque chose de mélodique, je suis heureuse de pouvoir puiser dans certaines de mélodies plus complexes écrites ici et là quand j'en ai besoin Déterminez donc le style que vous souhaitez exécuter. Écrivez l'écriture mélodique sur dix en termes de complexité et essayez de trouver votre propre jeu dans cette zone idéale Si c'est un huit sur dix ou un sept sur dix, mais que vous êtes un joueur de trois sur dix, entraînez-vous pour augmenter de plus en plus votre niveau en fonction du niveau de complexité que vous visez. En d'autres termes, produisez dans votre zone de confort mélodique, mais entraînez-vous légèrement en dehors de celle-ci pour vous aider à vous améliorer dans l' environnement à faibles enjeux de votre pratique Voilà pour ce cours sur concepts mélodiques et la production musicale Nous allons avoir une vidéo d'introduction dans laquelle je vais vous dire au revoir en bonne et due forme, mais je tiens juste à vous dire que si vous êtes jusqu'ici, félicitations J'espère que votre écriture mélodique s'améliore et que vous avez appris des tonnes de petites informations qui vous aideront à progresser en tant que producteur Comme toujours, cela a été un plaisir. Je vous retrouverai dans la vidéo d'ouverture. 14. Outro: Merci d'avoir suivi ce cours sur les concepts mélodiques dans le domaine de la production musicale À présent, vous devriez avoir une idée assez précise de l'approche que vous souhaitez adopter lorsque vous créez des mélodies pour vos propres productions Encore une fois, ces techniques devraient couvrir de nombreux styles différents. Assurez-vous donc d'écouter une grande partie du style que vous souhaitez produire et de voir comment ces techniques sont mises en œuvre dans ce style. Appliquez chacune de ces techniques plusieurs fois pour qu'elle devienne une seconde nature. Et vous ne pensez pas tant à la densité rythmique larges par rapport aux sauts étroits ou à la ligne droite par rapport au swung, mais vous avez plutôt une bonne compréhension de ce qui est nécessaire pour une production en particulier, et vous ne réfléchissez pas trop à la théorie, vous vous contentez de percevoir la mélodie, je pense que c'est ce que nous voulons tous aborder en tant que producteurs ou interprètes Mais en fin de compte, il faut de la pratique et, bien sûr, de bonnes instructions pour y arriver. N'oubliez pas qu'il existe un projet de cours pour ce cours. Tous les détails sont décrits dans le cours pour ce projet. Donc, assurez-vous d'y jeter un œil, soumettre un projet afin que nous puissions nous connecter un peu, et je pourrai vous donner quelques commentaires façon dont vous avez réalisé le projet, mais aussi vous donner une bonne idée du type d'astuces et de techniques que vous utilisez dans le cadre de votre propre écriture mélodique pour vous aider à comprendre du type d'astuces et de techniques que vous utilisez dans le cadre de votre propre écriture mélodique pour vous aider à quel est votre style d'écriture mélodique en tant que producteur De plus, vous méritez toutes nos félicitations pour avoir suivi ce cours. Ce n'était pas nécessairement simple. Il y a eu beaucoup de théories en cours de route. Mais même en suivant ce cours, vous vous montrez que vous prenez production musicale très au sérieux et que vous essayez vraiment vous vous montrez que vous prenez la production musicale très au sérieux et que vous essayez vraiment de transformer chaque étape en cours de route pour vous assurer que vous comprenez tous les éléments nécessaires pour faire de vous un excellent producteur. N'hésitez donc pas à parcourir les cours que j'ai créés, voir si d'autres vous intéressent, puis à améliorer progressivement éléments de base qui vous aideront à vous démarquer en tant que musicien Encore une fois, je tiens à vous remercier d'avoir suivi ce cours , et encore une fois, à vous féliciter. Si vous avez des suggestions de cours, contactez-moi, faites-le moi savoir. C'était un plaisir. Je te retrouverai au prochain cours.