Processus d'illustration freelance dans Procreate : suivre un dossier client

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Eva, et je suis une illustratrice et designer professionnelle basée en Europe. Dans ce cours, j'aimerais partager avec vous le processus que j'ai généralement suivi lors de la création illustrations pour les clients afin que vous deviez plus confiant lorsque vous vous présentez en tant qu'illustrateur professionnel, livrant des illustrations à vos clients va adorer. Au cours de ma carrière, j'ai eu la chance de travailler à la fois comme client et comme illustrateur interne et indépendant. En travaillant avec Lego, la société de jouets, je faisais partie de l'équipe de planification et d'exécution du projet de création, et j'étais responsable de la rédaction de mémoires, la gestion du projet et de la rétroaction aux pigistes. même temps, en tant qu'illustrateur interne, j'ai travaillé sur des illustrations conceptuelles, des storyboards, des scripts en couleur et des illustrations de personnages. J' ai également expérimenté le processus créatif de l'autre côté tout en travaillant comme freelance, suivant les mémoires créatifs de sociétés locales et internationales, comme Procter & Gamble, et de leurs marques comme Ariel et [inaudible] En plus de ceux-ci, j'ai travaillé sur des concepts publicitaires, des illustrations commerciales et la conception d'emballages. Je veux partager avec vous ce que j'ai appris pour vous aider à renforcer votre confiance lorsque vous travaillez avec des clients, présentez votre travail, communiquez professionnellement et développez votre propre processus afin que vous puissiez participer à des activités de plus en plus intéressantes. projets. Dans ce cours, je vais vous montrer et expliquer mon processus étape par étape à partir du mémoire client, du budget et du prix, de la planification, du brainstorming, de la création, de la finalisation et de la présentation de vos illustrations. Nous allons vous parler de ce qui fait une composition forte, comment tester les couleurs pour qu'elles fonctionnent bien ensemble ainsi que comment vous pouvez commencer à développer votre série d'illustrations. En comprenant mon processus, vous pouvez créer le vôtre et développer votre approche professionnelle pour travailler avec les clients. Ce cours est principalement destiné aux artistes débutants et illustrateurs qui sont curieux de travailler avec des clients, ou qui commencent tout juste à travailler sur un projet client, et ils ne sont pas sûrs à quoi s'attendre ce cours vous aidera à savoir quelles questions vous poser et comment communiquer avec les clients. Plus vous en savez, plus vous apparaissez professionnel, et vous avez plus de chances d'obtenir le travail. J' utiliserai Procreate, mais n'hésitez pas à utiliser n'importe quel autre logiciel de dessin numérique. À la fin, j'utiliserai Photoshop pour vous montrer comment appliquer votre art à des maquettes, pour présenter votre travail dans le portfolio. Travailler avec les clients peut être assez excitant. Que vous soyez débutant, que vous commenciez à apprendre l'illustration commerciale, ou que vous soyez un artiste un peu plus expérimenté, curieux du processus d'un autre Illustrator, ces cours sont faits pour vous. Alors commençons à créer ces illustrations géniales. 2. Présentation du projet et du cours: Au cours de ce cours, j'aimerais que vous créez un ensemble d' illustrations que vous pouvez utiliser pour votre portfolio. Vous pouvez vous entraîner à mes côtés en suivant le brief de l'illustration sur l'emballage D, je vais vous montrer mon processus d'approche étape par étape du descriptif. Je vais vous expliquer pourquoi je fais certains choix de conception. Dans la première partie de la classe, avant de commencer à illustrer, je vais partager avec vous le mémoire d'illustration et nous aborderons également façon de penser à la tarification de votre travail quand on vous demande, combien vous facturez pour votre illustration. Vous n'avez pas d'agent pour vous dire quel devrait être votre prix. Je vais vous montrer mes ressources préférées qui peuvent vous aider à définir vos prix pour vos illustrations. Après avoir reçu tous les détails du client, je vais vous montrer comment vous pouvez combiner et remuer vos concepts d'illustration pour remplir le mémoire. Je vais également partager avec vous les conseils pour trouver l'inspiration et nous allons discuter de la façon dont vous pouvez combiner les références avec vos idées dans vos conceptions pour le projet. Je parlerai également de ce que je prends en compte lors de la création d'esquisses et de vignettes d'illustration avant de les envoyer pour approbation du client. Dans la deuxième partie de la classe, nous allons polir et finaliser l'illustration. Je vais vous montrer les paramètres de mes pinceaux et comment j'applique des textures à mes illustrations. Je vais également vous montrer comment j'ai construit des illustrations avec plus de calques. Nous examinerons également comment vous pouvez créer des éléments visuels tels que des maquettes de produits pour présenter votre travail dans votre portefeuille. Tout cela est sous une forme de démonstrations pour que vous puissiez vous entraîner aux côtés de moi. L' une des rares choses qui feront de vous un illustrateur professionnel est que vous devriez être en mesure de planifier votre processus créatif et de le communiquer avec le client. Ils se sentent à l'aise que vous savez ce que vous faites et ils vous permettent d'expérimenter votre processus créatif et même de recommander choses à ajouter ou à ajuster dans les designs et le dossier. Le plus important, à mon avis, est que vous compreniez le contexte de vos illustrations et comment cela profitera à votre client. Le client apprécie toujours quand vous comprenez ce qu'il veut communiquer avec les illustrations au client final et comment l'illustration doit faire ressentir aux clients. Tout cela devrait influencer le raisonnement derrière vos choix de conception. Lorsque vous comprenez le but des illustrations et la limitation du projet, vous pouvez être créatif dans ces limites et laisser votre créativité briller à travers votre art tout en fournissant des résultats à votre client. Pour le projet de classe, j'aimerais que vous imaginiez une mission d'illustration sur laquelle vous aimeriez travailler à l'avenir. Par exemple, si vous avez toujours voulu voir votre art sur des produits, vous pouvez commencer par l'illustration de l'emballage du thé ou du café. Comme je l'ai déjà mentionné, pour les exercices du projet de démonstration, j'utiliserai un mémoire de projet pour un ensemble d'illustration pour un emballage de thé. Vous pouvez télécharger le mémoire mentionné avec la palette de couleurs suggérée dans la section ressource. Je vais également inclure mes croquis pour les illustrations au cas où vous vouliez pratiquer la coloration sur mes exemples. Mais je suis sûr que vous aurez beaucoup d'autres idées pour votre propre mise en page avec votre propre style. Vous êtes plus que bienvenu pour pratiquer la coloration des illustrations dans mon style. Mais le monde a besoin de créations plus différentes et uniques et il a besoin de plus de vous. Pourquoi ne pas pratiquer dans votre propre style ? Je suis super excité de commencer. 3. Brief, Planification et Tarification: Dans cette leçon, je vais vous montrer une partie du mémoire client, que nous utiliserons comme guide pour notre projet. Ce bref d'illustration est basé sur d'autres projets sur lesquels j'ai travaillé. Nous parlerons aussi brièvement du budget et des prix pour des illustrations comme celle-ci. Voici la partie du mémoire. Nous aimerions avoir un ensemble de visuels modernes et minimalistes illustrés, pour la série limitée de nos emballages de thé. Les illustrations doivent incorporer l'emblématique ainsi que le paysage car il est étroitement lié à notre tradition. Les illustrations devraient avoir une sensation similaire et lier la série ensemble. Nous avons trois mélanges de thé signature. Nous prévoyons que chacun des emballages aura une couleur différente. Un sera vert, un jaune et un rose rougeâtre. Nous voulons aussi incorporer les couleurs vertes de l'entreprise dans les illustrations. Vous trouverez les palettes de couleurs dans les directives de la marque. Ce serait bien d'avoir des roses, rouges et des jaunes dans les illustrations aussi. Les illustrations seront placées sur un format d'emballage long avec un rapport 1:1 .468. Le design final de l'emballage, y compris les textes et autres éléments graphiques, sera réalisé par notre graphiste. Nous aimerions potentiellement utiliser l'une des illustrations sur une affiche A3, sorte que les fichiers devraient être réalisés dans une résolution plus élevée avec 300 DPI et un modèle couleur CMJN. C' était le mémoire et j'ai essayé de résumer la partie la plus importante. Selon le projet sur lequel vous travaillerez, vous obtiendrez différents mémoires et souhaits exprès du client. Le bon mémoire doit être aussi détaillé que possible, même de quelques pages. Avant de commencer à travailler sur des slips, n'oubliez pas de vous mettre d'accord sur l'aspect final de vos designs. En tant que client, lequel de vos illustrations ils aiment et pourquoi. Par exemple, est-il texture aspect vectoriel avec des lignes nettes, des dégradés, la façon dont vous dessinez les yeux peut être d'autres lignes détaillées que vous utilisez pour les ombrages, aspect géométrique ou d'autres détails. Essayez d'obtenir autant d'informations que possible, ce qu'ils aiment sur votre art. Si vous ne comprenez pas quelque chose ou si vous manquez des informations, n'ayez pas peur de demander. Le mieux est d'avoir un appel avec un client ou une réunion personnelle pour s'entendre sur les détails et l'exécution. Vous pouvez avoir des questions supplémentaires comme, par exemple, existe-t-il une limitation de couleur pour une impression ? Quelle est la date limite à laquelle vous devez livrer les œuvres ? Combien de temps va prendre pour obtenir les commentaires pour la première ronde de croquis afin que vous sachiez comment bien planifier votre temps dans le calendrier. Ou veulent-ils aussi des personnages dans les paysages ? Souhaitent-ils inclure l'architecture et les animaux, ou simplement des paysages plaines et de la verdure ? Avoir un bref clair et clarifié les attentes au début du projet, vous permettra d'économiser beaucoup de temps à vous et au client. En revenant à notre projet et au mémoire, disons que nous sommes d'accord avec le client sur ce qui suit : Ils veulent surtout avoir des paysages dans les visuels. Nous pouvons avoir des maisons et de l'architecture, mais pas comme un objectif principal. Pour décrire le paysage, nous pouvons utiliser des plantes, des fleurs et des arbres. Les fleurs ne devraient pas apparaître trop féminines. Ils peuvent être géométriques ou très simplifiés. Dans ce cas, ils ne veulent pas avoir un personnage humain de premier plan dans les scènes principales de l'emballage. Cela peut fonctionner comme une petite figure dans la distance, mais ils ne sont pas si sûrs à ce sujet. Nous n'avons pas besoin d'inclure les personnages en ce moment. C' est une excellente pratique lorsque vous prenez des notes pendant les réunions avec les clients et que vous résumez tout ce que vous avez convenu dans l'e-mail. Cela vous aidera également à créer une offre de prix. mieux est de demander au client quel est son budget et ensuite vous pouvez calculer ce que vous êtes en mesure de livrer dans ce budget. Pensez à combien de temps vous avez besoin pour créer une certaine quantité d'œuvres d'art et combien de boucles de rétroaction sont incluses dans votre prix. J' inclut généralement une boucle de rétroaction dans la phase d'esquisse et une boucle de rétroaction pour les ajustements de détail après la livraison des illustrations finales. Vous pouvez choisir un taux horaire ou un taux de projet. Il y a cependant des avantages et des inconvénients aux deux. Ma ressource préférée pour la tarification est ce livre ; Pricing and Ethical Guidelines, où ils incluent la tarification de différents secteurs de l'industrie. Ils mentionnent ici que les illustrations sur les produits de détail avec distribution nationale pour les produits alimentaires ou les boissons, comme notre exemple, varient globalement de 1 000$ à 4,5 000$. Comme je l'ai déjà mentionné, chaque projet est très unique et ce ne sont que quelques exemples. En règle générale, si vous avez une expérience professionnelle avec différentes marques et quelques années dans l'industrie, il est courant de facturer un taux horaire supérieur à 100$. Par exemple, aux États-Unis, au Royaume-Uni ou en Europe occidentale. Si vous commencez à avoir très peu d'expérience, par conséquent, plus de chances de ne pas répondre aux attentes des clients, vous devriez vous attendre à 20$ à 40$ l'heure. Le client et l'artiste sont toujours libres de négocier et chaque artiste décide indépendamment du prix de son travail après avoir pris en compte tous les facteurs et les détails du projet. La tarification d'un projet est logique si vous êtes expérimenté et que vous pouvez faire le travail rapidement. Dans un tel cas, un taux horaire vous pénaliserait et ce n'est pas bon. Vous devriez également considérer que ce n'est pas seulement votre temps que vous passez sur les illustrations, mais en tant que pigiste, vous payez pour un logiciel licences, hébergement, soins de santé, assurance sociale, et ainsi de suite. Vous ne devriez pas vous sentir mal de demander des prix justes et de ne pas travailler pour des frais les plus bas. Vous pouvez trouver plus sur les prix dans le blog que j'ai trouvé. Je vais énumérer l'ourlet dans la section des ressources aussi. Dans la prochaine leçon, nous allons planifier les illustrations. On se voit là-bas. 4. Brainstorming et style du design: Après avoir obtenu toutes les informations du client et avoir convenu du budget, nous pouvons commencer à planifier. Je noterai les choses dont nous avons discuté au cours de la séance d'information, et j'écrirai d'autres idées que je veux inclure dans mes illustrations. Vous pouvez faire cette partie sur le papier si vous préférez, mais j'aime faire les notes et croquis déjà sous forme numérique. Maintenant, commençons par un remue-méninges, et parce que nous concevons p-packaging, nous voulons probablement inclure des feuilles de thé dans les conceptions. Les fleurs de la région fonctionneraient bien. La plantation de thé et je pense aussi montagnes en arrière-plan. Les oiseaux peuvent aussi bien travailler dans la conception, et même peut-être les abeilles. Ensuite, je voudrais inclure de l'eau pour avoir de la variété dans le paysage. Nous pouvons avoir des routes ou des chemins, et nous pouvons les utiliser comme lignes directrices, et diviser l'image en quelques parties. Nous verrons comment cela fonctionnera, et si nous voulons les utiliser du tout. Alors comme nous étions d'accord avec le client, je pense aux maisons parce qu'elles vont ajouter l'idée de la vie à un paysage si nous n'avons pas de personnages humains. Pour encadrer l'image, nous pouvons dessiner différentes branches et feuilles. Regardons maintenant quelques illustrations inspirantes sur l'emballage. Si vous n'avez pas encore d'idée concrète pour votre conception, vous pouvez regarder différentes illustrations de conception d'emballage pour l'inspiration, comme je l'ai mentionné. Au fil du temps, j'ai rassemblé un grand nombre de références différentes pour les conceptions d'emballages et les illustrations sur Pinterest. Bien sûr, vous ne voulez pas simplement copier différents modèles. Vous regardez différentes exécutions, comment elles simplifient les idées d'un paysage ou d'une nature, et différentes mises en page peuvent vous inspirer pour vos propres designs uniques. Vous pouvez collecter vos images sur Pinterest ou regarder mon tableau Pinterest, que j'ai créé. Je mettrai le lien dans les ressources également. Je vous suggère d'explorer certains des designs ici, mais n'enregistrez aucune des images de référence sur votre appareil, afin que vous ne soyez pas trop influencé par les conceptions. Pour l'instant, il suffit d'observer le niveau de simplification des paysages, la quantité de détails, les éléments, les palettes de couleurs. Pensez à la mise en page, et à la composition dans différents modèles, et essayez de savoir ce qui est inclus dans les illustrations où vous pouvez voir certains paysages. Par exemple, ont-ils des montagnes ? Ont-ils du ciel, de la rivière, des arbres, des fleurs ? Comment sont-elles simplifiées ? Ont-ils un design plat, des formes très simples ? Sont-ils géométriques ? Ont-ils une forme fluide ? Inclure les ombres et les textures. Essayez de prendre tous ces éléments et commencez déjà imaginer comment vous allez concevoir vos propres paysages. En outre, parce que nous concevons une collection de trois illustrations d'emballage, regardez également différentes séries de collections. Remarquez ce qu'ils ont en commun. Est-ce la combinaison de couleurs ? Peut-être le même arbre dans toutes les illustrations ? Ou le motif de feuille qui traverse la série ? Ou une chaîne de montagnes similaire dans chaque design de la collection ? Comme vous pouvez le voir ici dans cet exemple, les conceptions peuvent être liées ensemble avec un élément, comme dans cet exemple. Il pourrait être la forme de la bouilloire à thé, qui est utilisé comme une forme sombre dans le fond pour que les autres éléments se démarquent. Ici, vous pouvez également remarquer qu'ils utilisent peu d'éléments similaires répétant sur les trois modèles d'emballage, comme les feuilles de conception comparablement combinées avec des animaux dans chaque illustration. Vous pouvez également remarquer que les animaux sont conçus de telle sorte qu'ils n'utilisent qu'une seule couleur, sorte qu'ils ont l'air assez plat. Ensuite, ils le combinent avec du blanc pour quelques détails sur ces animaux. Ensuite, les éléments autour de ces animaux sont dans des tons verts combinés avec peu d'éléments de fruits dans des tons chauds dans chaque illustration. Cette série Illustration serait cohérente sur ces illustrations d'emballage. Ensuite, vous pouvez également voir que dans ce cas, les paquets diffèrent par la couleur du sac ainsi que les clients ne les mélangent pas par accident. Si tous les paquets sont blancs, par exemple, vous devriez envisager de concevoir vos illustrations avec différentes couleurs afin qu'elles soient faciles à distinguer. Par exemple, une illustration peut avoir une couleur jaune prédominante ou juste un fond jaune très fort. L' autre illustration peut avoir principalement des tons bleus ou juste un fond bleu très fort si vous faites un paysage. Faites défiler les différentes illustrations d'emballage, et remarquez quels éléments et couleurs les lient ensemble, ainsi comment ils diffèrent les uns des autres afin que les clients ne soient pas confus. Après avoir fait vos propres recherches sur les éléments et les styles que vous aimez, il est temps de commencer à esquisser. Pensez à quelques formes pour les feuilles et les fleurs que vous aimeriez inclure dans votre conception. Comme je l'ai mentionné brièvement, nous devrions réfléchir aux éléments de conception qui lieront nos trois illustrations ensemble. Il peut y avoir peu de formes différentes de feuilles, mais dans l'ensemble avec un style similaire pour attacher le design ensemble. Vous pouvez penser à cette partie comme un échauffement de croquis. Presque tous les bons artistes dessinent des échauffements tous les jours, alors pourquoi ne pas l'essayer si vous ne faites pas encore les échauffements de croquis. Lorsque vous esquissez vos idées de feuilles, pensez à la forme globale. Allez-vous utiliser des feuilles symétriques avec bords tranchants ou préférez-vous utiliser des bords arrondis sur les feuilles, et des détails comme celui-ci ? Vous devriez également considérer et penser, comment la feuille de thé ressemble à de sorte que vous pouvez être inclus dans votre conception. Ici, vous pouvez esquisser des feuilles plus petites et plus grandes, et vous pouvez également basé sur quelques idées de base pour les fleurs. Lorsque vous obtenez peu d'idées esquissées, pensez à celles que vous aimez le plus, et vous aimeriez utiliser dans vos conceptions. Vous pourriez finir par aimer peut-être un ou deux, mais peut-être tous. Ici, par exemple, j'aime les petites fleurs en combinaison avec des feuilles avec des bords tranchants. Je pense que le beau contraste avec cela sera le sol organique simplifié à la recherche de trois formes, donc je prévois d'utiliser celles-ci. Passons à la leçon suivante où nous allons esquisser les premières idées pour une mise en page de paysages. Je suis sûr que vous en avez déjà à l'esprit. On se voit là 5. Idées de mise en page: Dans cette leçon, nous allons commencer à obtenir les idées de vignettes pour le paysage. Nous avons mentionné les feuilles et le style de la nature verdoyante et maintenant, sortons quelques idées pour la mise en page complète du paysage. Comme nous l'avons écrit dans les notes, ce qui serait bien d'avoir à inclure dans la conception, nous pouvons commencer par les formes globales de la plantation de thé. Ensuite, nous pouvons ajouter des montagnes et de l'eau, comme le lac ou la mer, parce que nous voulons avoir un effet calmant dans les illustrations et la surface plane de l'eau aide à ce sentiment. Ici, je pense aussi à des formes rondes pour les collines et les montagnes pour avoir un look convivial et convivial. Les montagnes pointues et les objets pointus peuvent évoquer un sentiment très mal à l'aise. On ne veut pas ça dans ce cas. Comme vous pouvez le voir, j'utilise également des formes d'arbre ronds simples que nous avons esquissé à l'étape précédente. Je garde les horizons droits pour souligner ce sentiment de calme. D' un autre côté, si je voulais créer le sentiment d'aventure ou de tension, j'utiliserais plus de diagonales dans la mise en page. Par exemple, ligne diagonale inclinée pour un horizon. Dans l'ensemble, je veux équilibrer les mises en page avec les zones avec plus de détails et les zones avec moins de détails. Quand quelqu'un regarde l'image pour la première fois, il remarquerait ce contraste entre les deux zones assez rapidement. J' ai donc l'intention d'avoir plus de détails autour des fleurs et des branches d'arbres, et moins de détails sur la surface de l'eau. Si tout avait beaucoup de détails et avait ces zones de haute intensité tout autour, vous ne sauriez pas où regarder en premier et vous pourriez être confus en tant que spectateur. Par conséquent, nous voulons créer un équilibre avec les détails et les formes. Nous nous concentrerons davantage sur ces équilibres dans les étapes ultérieures lorsque nous commencerons à nettoyer et à définir les esquisses. Comme vous pouvez le voir dans les croquis suivants, j'utilise des lignes simplifiées pour les collines pour suggérer les rangées de plantation de thé. Comme étape suivante, je vais tester rapidement mes idées de croquis avec des couleurs. Comme nous le savons à partir du mémoire, nous voulons avoir des verts dans la combinaison avec des jaunes et du rose rougeâtre. abord, je teste les couleurs sur les éléments de feuille si j'aime la combinaison de tons de couleur, puis, je vais passer aux mises en page. Comme vous vous en souvenez, nous avons les tons de base des couleurs du slip. Aussi ce qui a été mentionné dans le mémoire, ce qui différenciera l'emballage du thé sera la couleur du sac en papier. Par conséquent, les conceptions peuvent être assez similaires dans les choix de couleurs. Si les sacs étaient de la même couleur, vous voudriez avoir les conceptions plus différenciées en couleur afin que les clients ne les mélangent pas dans la boutique, comme je l'ai mentionné dans la leçon précédente. Donc, ici, comme vous pouvez le voir dans les conceptions, les couleurs sont assez similaires, et je pense, nous pouvons les différencier avec des détails comme un oiseau dans la conception, peut-être peu de routes et de fleurs différentes. Donc, pour résumer les premières idées des mises en page, ce que j'avais en tête, j'utilise des formes rondes douces pour le look amical. Puis ici et là, je combine le design avec des feuilles plus nettes pour créer une variété de formes à travers les visuels. Un autre élément auquel je pense est l'espace et l'équilibre dans l'image. En d'autres termes, l'espace négatif ou les zones à haute intensité et faible intensité en termes de détails. Comme je l'ai dit, cela signifie comment équilibrer les domaines avec moins de détails dans les domaines avec plus de détails. J' espère donc que vous êtes inspiré et que vous avez déjà pensé à quelques esquisses de mise en page. Avant de passer à la leçon suivante, essayez différentes idées sous forme de miniatures rapides. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer comment j'utilise les références relais pour améliorer les idées de croquis pour le paysage que nous avons déjà. 6. Améliorer les designs et la composition: Comme nous le savons d'après le mémoire, les illustrations devraient ressembler comme toujours. Si vous ne savez pas, les Açores sont un archipel insulaire au milieu de l'océan Atlantique, et ils appartiennent au Portugal. L' île principale des Açores, Sao Miguel, est le seul endroit appartenant à l'Union européenne qui a des plantations de thé, et il est bon de regarder quelques références photo pour apprendre à connaître l'endroit, sauf si vous pouvez visiter pour un voyage d'exploration pour obtenir le références, ce qui est super sympa. Quoi qu'il en soit, regardons quelques références photo pour regarder plus en détail sur certains éléments emblématiques. J' ai déjà enregistré quelques images des Açores sur un tableau Pinterest. Donc, vous pouvez juste regarder ce tableau si vous concevez des illustrations inspirées par les Açores aussi avec moi. Le lien est à nouveau dans les ressources. Parce que l'un des principaux éléments de l'illustration devrait être la plantation de thé, j'ai enregistré un certain nombre d'images avec ces visuels à l'esprit. Dans les références, je voulais voir comment les plantations peuvent ressembler sous différents angles. Par exemple, dois-je les dessiner simplifiés avec beaucoup de courbes ou plus avec les lignes droites ? J' ai également trouvé une image où vous pouvez voir mieux la forme des feuilles de thé et donc, il sera plus facile de référencer la forme lors du dessin. En regardant les références photo, vous pouvez obtenir quelques nouvelles idées pour une mise en page intéressante et peut-être comment vous pouvez combiner différents éléments de différentes références photo en un seul modèle de mise en page. Parce que je voulais inclure quelques fleurs dans le design aussi, je regarde quelles fleurs sont les plus emblématiques pour l'endroit. Je peux voir que beaucoup de photos des lieux sont à venir avec hydrogène dedans. Donc ce serait une de mes fleurs préférées pour dessiner dans les illustrations. Sur la base d'un remue-méninges rapide que nous avons fait au début, j'avais des montagnes, de l'eau comme les lacs ou la mer, et des oiseaux. J' ai donc trouvé quelques images de ces éléments pour m'aider à améliorer les designs. Si vous concevez différents emplacements pour vos illustrations, essayez de trouver différentes images pour les représenter. Observez quelles fleurs récurrentes, quelles plantes et formes d'arbres sont les plus emblématiques, et peut-être quels animaux et oiseaux sont indigènes de l'endroit. Si vous acceptez d'inclure également certains animaux dans vos dessins avec votre client. Maintenant, revenons au dessin. Comme je l'ai vu sur les images de référence, j'esquisse la fleur hydrogène. Je me concentre sur le contour global de la feuille et pas tant sur les détails de l'aspect photoréaliste de la fleur. Ce que je remarque de la photo de référence, c'est que la fleur a des feuilles rondes avec extrémités pointues et que les feuilles se chevauchent. Deuxième fleur, je veux mettre en œuvre est la fleur de jasmin. Comme je l'ai découvert, il apparaît aussi aux Açores. Dans ce cas, il n'y avait pas de demandes spécifiques pour le type de cette fleur dans le mémoire client, mais si vous savez déjà dès le début que si vous voulez mettre en œuvre des fleurs dans votre conception, vous pouvez demander au client si ils ont une préférence pour les types de fleurs. Une autre plante à laquelle je n'avais pas pensé auparavant était une feuille de banane ou une feuille de palmier. Donc, j'esquisse cette idée aussi et je vais les implémenter dans les conceptions aussi. Maintenant, je combine simplement les idées pour les mises en page que j'avais avec quelques-unes des nouvelles idées et des détails des références photo dans les vignettes de croquis. Comme vous pouvez le voir, je suis toujours en train de dessiner à distance comme une miniature et je ne fais pas de zoom sur l'image. Cela me force à regarder les images dans leur ensemble et à garder formes simples dans la mise en page et ne pas me concentrer sur les détails pour l'instant, et je garde toujours à l'esprit que le bref était garder les dessins avec un look et une sensation similaires, mais avec des éléments légèrement différents. J' ai donc maintenant tous les éléments que je voulais inclure dans mes designs et maintenant je choisis trois modèles qui, selon moi, fonctionnent le mieux. Toutes ces trois images que j'ai sélectionnées ont les plantations de thé, mais la première, aura hydrogène au premier plan de l'image. La deuxième disposition que j'ai choisie, aura une grande montagne en arrière-plan et différentes fleurs au premier plan, probablement le jasmin. Le troisième, aura un oiseau dedans. Donc, selon le mémoire, ils sont similaires mais légèrement différents. Dans la leçon suivante, je vais vous montrer comment je prépare les fichiers à envoyer pour approbation d'un client. 7. Préparer les designs pour approbation: D' accord. Maintenant, il est temps de nettoyer mes croquis et préparer un aperçu à envoyer pour approbation au client. L' étape du processus réduit les arrière-plans du fil et vous aide, en tant qu'illustrateur, à consacrer moins de temps à apporter des modifications inutiles à l'illustration lorsque l'illustration est plus définitive. Il vous aide également à gérer les attentes des clients. En passant, vous pouvez également utiliser ces croquis dans votre portefeuille pour montrer votre processus aux futurs clients. Ceux-ci les aideront à voir que vous avez planifié le processus pour votre travail et ils peuvent compter sur vous. Ils peuvent aussi imaginer à quoi s'attendre s'ils commençaient à travailler avec vous. Comme vous pouvez le voir, j'ai mis à l'échelle mes esquisses et réduit l'opacité de ce calque, et j'ai créé un nouveau calque ci-dessus, où j'ai commencé à créer un nouveau dessin plus détaillé avec des éléments plus définis. Si vous avez déjà esquissé certains des éléments comme je l' ai fait ici sur le côté gauche de ma toile, nous avons les feuilles de banane et les fleurs, et vous pouvez simplement les copier et les coller dans les nouvelles mises en page pour les tester. Comme je l'ai mentionné précédemment, je pense également à la façon de distribuer le niveau de détails et de me concentrer sur la mise en page de l'illustration. Donc ici, je crée plus de détails dans les éléments floraux et les branches à l'avant de l'image, comme je l'ai mentionné précédemment. J' ajouterai plus de détails aux maisons et aux petits arbres dans la distance pour équilibrer l'image. La zone de l'eau dans le ciel restera avec le moins de détails. Nous pouvons les considérer comme un espace négatif dans notre mise en page. [ MUSIQUE] Si vous ne savez toujours pas comment dessiner certains éléments de l'illustration à partir de votre mémoire et de votre imagination, vous pouvez toujours avoir la référence pour ceux qui sont ouverts sur votre deuxième moniteur ou sur votre téléphone à côté de vous lorsque vous dessinez les détails comme différents pétales de fleurs, petites maisons, ou d'autres formes comme l'anatomie d'un oiseau, et des détails comme le bec de l'oiseau, ou la queue, parce qu'ils peuvent parfois être très difficiles à représenter exactement l'oiseau que vous voulez. Vous avez peut-être aussi remarqué que j'utilise une forme similaire de l'arbre à travers les images. Certains des arbres sont affichés sous forme de grandes formes à l'échelle au premier plan, et certains trois sont affichés sous forme de petites formes à la distance. Cette répartition des arbres de différentes tailles aide le spectateur à sentir la profondeur de l'image. Essayez donc de répéter le même élément, par exemple, un arbre dans votre mise en page afin qu'il soit une forme mise à l'échelle près de la visionneuse et certains seraient loin dans la distance, montrer comme une petite forme. Les éléments de la nature, comme les feuilles ou les arbres, sont les plus faciles à lire à travers ces agencements. Alors pensez à ce qui peut être la forme, vous avez déjà fait à travers. Maintenant, avec des détails plus définis dans les croquis, un client pourra mieux voir si j'ai l'intention de dessiner une feuille de banane, ou une herbe comme élément naturel dans les illustrations et s'ils aiment ces détails dans les dessins. Il y a une autre chose que vous pouvez faire avant d'envoyer des croquis pour l'approbation, et il est rapidement tester les couleurs sur vos dessins. Cette coloration rapide aide à tester l'équilibre des couleurs dans vos designs. Cela prend moins de temps que de changer les couleurs des éléments lorsque vous avez fini avec des illustrations plus propres et polies avec des textures et d'autres détails. [MUSIQUE] Comme vous pouvez le voir, je distribue les couleurs pour équilibrer à nouveau la composition de l'image. Quand quelqu'un regarde l'image, il regarde d'abord les zones avec le contraste le plus élevé. Nous l'avons déjà mentionné avec un niveau de détails avec les zones de haute intensité et les zones de faible intensité dans les croquis. Mais ils sont acquis de plusieurs façons comment vous pouvez créer un intérêt visuel et le contraste dans vos images. Dans ce cas, j'utilise des couleurs chaudes contre les tons froids dans les couleurs sombres par rapport aux couleurs claires. Vous pouvez voir que le vert foncé est réparti uniformément autour des images. Par exemple, si vous n'utilisez que des tons verts et bleus dans ces images, il y aura beaucoup d'attention sur ces zones vert foncé et par conséquent, vous regarderez d'abord ces zones vert foncé, et vous ne remarquerez presque pas le reste de l'image. Pour cette raison, j'utilise les fleurs jaunes et roses et les arbres roses et jaunes dans les autres parties de l'image pour créer des zones de mise au point différentes à travers l'image. Les gens sont généralement plus attirés par les tons chauds plutôt que les tons froids et par conséquent, tons chauds peuvent également être appelés des couleurs actives, comme les oranges, le rouge et les jaunes. Mais encore une fois, si toute l'image sera juste des tons de couleur chauds, les arbres roses et jaunes ne se distingueraient pas autant. Le beige pâle sur le fond et le bleu clair sur l'eau soutiennent les couleurs car ils sont très proches en ton de couleur du vert clair nous utilisons sur les feuilles de thé et les montagnes. Lorsque vous êtes satisfait des tons colorés supplémentaires, n'oubliez pas de les enregistrer dans vos palettes de couleurs afin que vous puissiez les échantillonner rapidement quand vous en avez besoin. Ici, je veux aussi vous montrer un aperçu rapide de la palette de couleurs. Ce qu'ils aiment faire est d'organiser les couleurs dans la palette de couleurs, la façon dont j'utilise les couleurs les unes à côté des autres. Donc, je me souviens dans les étapes ultérieures si je veux les utiliser. Par exemple, je regroupe les tons les uns à côté des autres. Donc, certains de ces tons de couleur sont des couleurs supplémentaires que j'ai inclus dans les illustrations. Mais les autres, comme vous le savez dans le mémoire, sont des couleurs qui sont définies à partir du guide de style du client, et le client a inclus les codes de couleur hexadécimaux de leur site Web. Nous n'utilisons donc pas d'utilisation de couleurs très différentes dans nos illustrations. Vous pouvez également supprimer les tons de couleur que vous ne souhaitez plus utiliser, afin de ne pas vous confondre plus tard lorsque vous finissez l'illustration. Comme vous pouvez le voir, j'ai également testé les couleurs de l'emballage potentiel pour voir si mes illustrations correspondent à la couleur de fond. Essayez donc toujours de réfléchir au contexte et à la façon dont vos illustrations seront utilisées dans une mise en page finale. Maintenant, nous sommes tous prêts à préparer ces fichiers à télécharger pour les commentaires d'un client. Lorsque vous téléchargez les fichiers pour le client, n'oubliez pas de lui envoyer un e-mail que vous avez chargé vos fichiers et d'inclure la courte description, ce que vous avez fait et pourquoi vous pouvez choisir la discussion à partir de là. Maintenant, vous attendez juste les commentaires d'un client. Dans la prochaine leçon, nous continuerons à travailler sur les illustrations comme étape suivante, après les commentaires des clients. 8. Préparation d'un nouveau document et d'un pinceau: Imaginons que vous avez reçu les commentaires des clients. Parfois, les clients peuvent être très orientés sur le détail et disons sur la base des croquis, ils aiment l'illustration, mais ils mentionnent qu'ils aimeraient avoir l'hydrogène ou les fleurs semblent plus cool et audacieux dans la finale et pas trop détaillé pour éviter une illustration trop réaliste, vous pouvez demander si cela aiderait à les rendre un peu plus géométriques et les envoyer sur l'idée ou avoir un appel sur les derniers détails avant de finaliser tous vos concepts. Comme je l'ai mentionné dans la première leçon, est toujours bon de clarifier toutes les nouvelles idées, changements, suggestions ou questions que vous pourriez avoir dans le processus. Maintenant, il est temps de finaliser vos jolis designs qui sont maintenant approuvés pour aller de l'avant par le client. Si vous vous souvenez du mémoire, le client veut garder l'option d'utiliser les illustrations comme affiche A3, et par conséquent, nous devons créer un fichier document plus volumineux avec ces dimensions. Si vous ne connaissez pas la taille de A3 en centimètres ou pouces, vous pouvez toujours le Google. Si vous finalisiez vos illustrations dans Adobe Illustrator, le document n' aurait pas à être si volumineux car les vecteurs peuvent être mis à l'échelle même pour être utilisés sur un panneau d'affichage. Cependant, je préfère généralement les programmes basés sur les pixels parce qu'il ne peut pas utiliser les mêmes textures et techniques que dans des programmes comme Photoshop ou Procreate. C' est pourquoi nous devons nous assurer que nous avons les paramètres corrects dans les documents. Lorsque vous configurez le document, n'oubliez pas de vérifier si votre fichier est configuré CMJN car il s'agit du modèle couleur pour l'impression et de la résolution 300 ppp, ce qui est généralement suffisant pour une impression de qualité. Parfois, les clients ont besoin d'une résolution de 600 ppp ou plus, mais cela dépend vraiment du projet sur lequel vous travaillez. Il est bon de les clarifier au début. Comme indiqué dans le mémoire, le rapport du fichier sera de un à 1,468, ce qui est d'environ un à 1,5, ce qui est le même que le rapport A3. Je vais juste mettre à l'échelle les croquis pour s'adapter à l'A3. Maintenant, je peux simplement aller à mon fichier d'esquisse et faire glisser les calques avec l'esquisse et la version couleur vers mon nouveau document. Vous pouvez également dupliquer des calques dans le nouveau fichier dans Photoshop. Là, il suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris sur une couche et de sélectionner en double. Maintenant, je vais garder les esquisses colorées sur le calque inférieur pour une référence et réduire l'opposé de ce calque également. Je garderai ce calque d'esquisse sur le dessus et le mettrai pour se multiplier afin que je puisse colorer en dessous et l'utiliser comme référence si nécessaire. Je finaliserai la plupart des éléments sur des calques séparés au cas où j'aurais besoin de changer la couleur. Mais surtout parce qu'il est facile pour moi d'appliquer des textures, des ombres ou des reflets. Parce que nous avons défini toutes les couleurs dans les étapes précédentes, ceux-ci devraient être très facile et amusant partie. Pour avoir des bords propres, j'utilise l'outil de sélection et pour colorer les formes, j'utilise la brosse de lavage pour avoir un aspect texturé plus traditionnel. Je vais vous montrer comment je vais aborder toute la coloration de l'illustration sur ces feuilles de banane ici sur le bord. Comme je l'ai mentionné, je vais utiliser l'outil de sélection que vous pouvez choisir en haut à gauche, dans Procreate, puis sélectionner l'option à main levée en bas, vous pouvez utiliser l'outil lasso dans Photoshop pour travailler de cette façon également. Ensuite, je vais simplement créer la sélection basée sur le dessin de référence que nous avons créé précédemment. Ensuite, j'irai à mes brosses et vous pouvez voir que j'ai un outil de brosse acrylique humide ici, et trois versions de celui-ci. Avec des bases acryliques, filtrer et multiplier. Vous pouvez trouver le pinceau acrylique humide de base dans les pinceaux de peinture prédéfinis dans Procreate, et vous pouvez le glisser et le déposer dans votre dossier de brosse préféré. Si vous voulez en savoir plus sur les trucs et astuces, comment organiser et améliorer votre flux de travail dans Procreate, vous pouvez consulter mon guide pratique pour Procreate classe où je parle de ces choses plus en détail. Maintenant, pour créer l'écran et multiplier la version de la brosse, il suffit de glisser vers la gauche et de dupliquer la brosse. Cliquez sur le pinceau et, dans les paramètres de rendu, modifiez le mode de mélange du pinceau à l'écran. Cliquez ensuite sur ce pinceau en bas à gauche et changez le nom du pinceau en haut, il est facile pour vous de le trouver plus tard dans tous les pinceaux. Si vous créez vos propres pinceaux uniques avec vos propres textures, vous pouvez également écrire votre nom ici, et vous pouvez créer la même version de ce pinceau avec le paramètre multiplier. Après avoir appliqué la couleur verte de base à la feuille, je fais une nouvelle sélection en tant que moitié de ma feuille, puis je crée journal Alpha sur cette couche et je peins sur la feuille avec le même vert, mais nous n'avons pas multiplié le réglage du pinceau pour obtenir le ton plus sombre. Maintenant, je peux créer deux autres feuilles avec la même technique et chaque feuille est sur une couche séparée. Comme la dernière touche pour créer la variété dans les couleurs, j'ajoute un peu de ton bleu au fond de ces feuilles vertes, où l'ombre serait. C' est tout pour cette étape. Dans la leçon suivante, je vais colorer le reste de l'illustration et peut-être ajuster quelques détails si j'ai besoin d'équilibrer la composition de l'illustration. 9. Créer une illustration en couche: Après avoir créé quelques feuilles de banane en bas à droite, je vais créer les branches avec des feuilles et le haut de l'image avec la même technique. C' est à vous de décider si vous préférez travailler à partir du bas de l'image ou du premier plan. Donc, vous pouvez commencer peut-être avec le ciel, les montagnes et le lac, ou vous pouvez commencer comme moi avec les fleurs et les détails au premier plan parce que pour moi ceux-ci sont plus importants dans ces mises en page. Je vais équilibrer l'arrière-plan pour travailler avec le premier plan de l'image. J' utilise le dessin couleur en bas comme référence pour pouvoir voir les couleurs que je mélange pour cette illustration. Aux étapes ultérieures pour certains éléments, j'utiliserai également l'esquisse de ligne pour une référence que j'ai comme couche supérieure et elle est cachée en ce moment. Donc ici, j'ajoute des taches plus sombres sur le dessus des feuilles pour garder l'aspect géométrique que nous avons sur les feuilles de palmier avec la maison plus sombre. J' aurai également une couche séparée pour les fleurs dans le coin gauche, et ici j'ajoute aussi la nuance plus foncée à la moitié des pétales de fleurs, comme je l'ai fait sur la moitié des feuilles de banane à droite pour garder le style cohérent. Si vous vous souvenez des commentaires que j'ai mentionnés, le client voulait ces fleurs plus géométriques et cool. Par conséquent, j'ajoute aussi ces ombres font la moitié de ces pétales pour les faire paraître plus audacieux, géométrie et avec moins de détails que la vraie fleur aurait. Ensuite, j'ajoute une couche supplémentaire pour toutes les fleurs jaunes et les arbres. Une fois que la couleur de base est créée, je vais refaire un journal Alpha sur ce calque et jette un surlignement sur les arbres. Pour garder la complexité de l'image aussi faible que possible, je crée soit seulement l'ombre sous forme d'un ton plus sombre, soit une mise en évidence sous forme d'une nuance plus claire sur chaque élément. Par exemple, comme vous pouvez le voir sur ces arbres. Plus tard, j'ajouterai des détails et un peu plus de réalisme à d'autres éléments. Par exemple, je pense à la suggestion de branches sur les arbres et les buissons, mais je garde ces détails très subtils, similaires en couleur à l'objet. Par exemple, comme vous pouvez le voir, si l'arbre est jaune, les branches ici sont beige, donc elles ne créent pas trop de contraste et donc trop d'attention à cette partie de l'image. Lorsque je crée la maison, j'utilise l'outil de sélection de rectangle pour m'assurer que la base de la maison et la base des toits sont alignés horizontalement avec l'image entière. Si je les dessinais avec un outil de sélection à main levée, il y a plus de chances pour eux de paraître tordu. Maintenant, pour enlever des parties des toits que je viens de créer, je peux utiliser l'outil de sélection de la main libre, puis inverser la sélection et j'efface simplement la partie dont je n'ai pas besoin. Pour créer les couches pour la plantation de thé, j'utilise à nouveau l'outil de sélection de la main libre, et je suis en train de suivre le croquis ci-dessous pour créer la profondeur de l'image. Si vous voulez briser ces encore plus sur la perspective, j'ai une classe dédiée à cela aussi. Comme étape suivante, je crée un calque pour la partie plus foncée des feuilles et un calque ci-dessous pour la base verte globale. J' ajoute un peu d'ombre à ces calques dans le ton plus sombre à gauche et droite de l'image pour créer plus de sens de la profondeur dans toute l'image. Comme étape suivante, je suis en train de réévaluer et de regarder l'image dans son ensemble, et maintenant je pense que la composition a besoin de quelques éléments comme un diviseur où les deux plantations de thé se rencontrent, parce qu'elles se mélangent trop ensemble. Probablement un buisson irait là tout simplement bien, ou un autre élément naturel, ce qui ne changerait pas l'idée de l'ensemble de la mise en page. Parce qu'avoir un seul buisson dans cette zone ne serait pas trop naturel, j'en ai ajouté quelques autres petits près des maisons. Cela aide également dans ce domaine à briser les lignes nettes des objets artificiels afin que les maisons se fondent davantage dans ce cadre naturel. J' avais tous les buissons sur une seule couche et les buissons ont couvert certains éléments que je ne voulais pas qu'ils couvrent. Par exemple, les trois jaunes sur la droite. Pour supprimer ces parties parce que je suis limité avec des calques, je vais au calque avec mes trois jaunes, cliquez sur le calque, choisissez « Sélectionner », revenez au calque avec buisson vert, et supprimez la partie couvrant l'arbre jaune sur le droit. Comme ça, nous avons la sélection exacte que nous voulons que vous supprimiez. Dans ce cas, je peux simplement supprimer une partie de ces buissons parce que je n'ai pas l'intention de les déplacer parce que nous avons déjà convenu de l'ensemble du concept de mise en page. Si vous avez une quantité illimitée de calques, vous pouvez simplement avoir chaque élément sur le calque séparé et organiser tout dans des dossiers. Mais ici, parce que le fichier est grand et que je suis limité en quantité de couches, je dois le résoudre comme ceci. Maintenant, je vais à l'arrière-plan pour un ciel et l'eau, j'utilise à nouveau l'outil de sélection de rectangle, et je crée des réflexions d'eau légère pour briser la grande surface de l'eau fuie avec quelques détails intéressants. Si vous voulez créer encore plus de profondeur dans l'image, vous pouvez commencer à créer des formes plus grandes des réflexions au premier plan et rapprocher les formes plus petites et plus petites de ces réflexions de l'horizon. Pour créer ces reflets d'eau plus légers sur l'eau, j'utilise l'outil rectangle avec un autre outil de sélection pour créer ces formes géométriques. Vous pouvez également créer ces formes dans Adobe Illustrator, ce qui est idéal pour la création de formes géométriques, puis importer ces formes dans votre logiciel de dessin en pixels tel que Procreate ou Photoshop. Je le fais assez souvent si j'ai besoin de créer beaucoup de formes géométriques dans mes illustrations. Quand il est temps de partager votre œuvre avec un client, certains clients seraient d'accord simplement l'envoyer par e-mail, mais meilleure pratique professionnelle est de le partager soit via Google Drive ou leur système interne, peut-être leur propre Dropbox. Assurez-vous donc toujours de trouver la meilleure façon de partager vos œuvres d'art finales avec le client. À la fin, j'ajouterai un grain de selle à l'image en créant un calque gris sur le dessus, juste rempli de couleur grise. Ici, dans Procreate, vous pouvez aller dans « Filtres », choisir « Bruit » et faire glisser votre doigt vers la droite pour ajouter la quantité de bruit désirée. Réduisez la saturation de l'effet de bruit car nous n'avons pas besoin ou ne voulons pas de couleurs supplémentaires pour le moment. Vous pouvez définir le calque à superposer et réduire l'opacité de ce calque. Vous pouvez également appliquer un filtre de bruit dans Photoshop. Maintenant, nous pouvons appeler cette illustration terminée. Je terminerai les deux autres illustrations avec les mêmes techniques et approches. Maintenant, c'est à votre tour d'illustrer vos idées avec un look et une sensation plus polies. Si vous voulez plus d'inspiration, vous pouvez regarder un time-lapse de mon processus d'illustration des illustrations 2 et 3. Comme je l'ai mentionné, j'utiliserai les mêmes techniques que ici. Mais peut-être plus tard, je peux réutiliser certains éléments comme des branches déjà illustrées ou des feuilles avec des textures dans les nouvelles mises en page. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer comment vous pouvez appliquer vos illustrations finies, à des maquettes, afin que vous puissiez les montrer dans leur portefeuille et attirer de nouveaux clients à l'avenir. 10. Mettre les designs sur les maquettes: Maintenant, nous avons toutes les illustrations finies et prêtes à mettre sur le produit final. Comme je l'ai mentionné, la plupart du temps, les clients ont leur propre graphiste, donc vous n'avez pas à faire cette étape. Vous pouvez simplement demander si vous pouvez utiliser l'aperçu fini du produit lorsqu'il est présenté sur le site Web ou dans la campagne, cependant, il est agréable de savoir comment le faire vous-même. Alors faisons-le. Donc, comme vous le savez probablement, vous pouvez trouver des maquettes gratuites et payantes sur Internet. Pour notre cas, j'ai cherché une maquette de sachet de thé et j'ai trouvé un que j'ai aimé sur Envato Elements où j'ai un abonnement et je peux également télécharger des logos et des photos pour mes projets ici. Je vais lier la maquette que j'ai utilisée dans la section des ressources. Lorsque j'ouvre le fichier maquette dans Photoshop, je peux voir une forme de base vierge pour l'emballage. Habituellement, vous pouvez changer l'arrière-plan de l'image pour mur de briques ou une table en bois ou une pièce peut-être. Mais je veux le garder blanc parce que c'est mieux dans ce cas que les designs colorés se démarquent. Sur la plupart des fichiers maquettes, il y a une couche appelée votre conception. Maintenant, je vais simplement faire glisser et déposer mon fichier d'illustration finale jpeg sur le calque au-dessus de la couche d'emballage de base et au-dessous de l'exemple de la conception. Je vais créer un masque d'écrêtage avec un clic droit sur le calque. Donc, mon illustration sera coupée à la forme de l'emballage. Maintenant, je vais cacher l'exemple du dessin qu'ils ont utilisé sur le calque au-dessus de mon illustration et je vais activer les effets comme la brillance sur le calque supérieur en cliquant sur l'icône des yeux sur le calque. Maintenant, je peux remarquer que mon illustration ne suit pas la forme exacte de l'emballage, donc je vais devoir l'ajuster. Je vais aller à l'image et transformer dans le menu supérieur ou utiliser le raccourci « Commande » et je vais sélectionner l'outil de transformation de distorsion pour pouvoir ajuster et arrondir le bas de mon illustration. Si vous rencontrez des problèmes pour accéder à l'outil Transformation, votre image peut être un objet dynamique. Vous devrez donc peut-être le rastériser avant de faire des ajustements. Si tel est le cas, bouton droit de la souris sur le calque et sélectionnez rasterize. Maintenant, vous pouvez facilement changer cela en utilisant les poignées. Pour créer plus de réalisme, j'importe aussi un logo que j'ai obtenu d' Envato Elements et je le place sur l'emballage. Vous pouvez également faire glisser le guide de la règle de gauche vers le milieu de l'emballage pour voir si le logo se trouve au milieu. Pour voir ces règles, il vous suffit d'aller à afficher et afficher et sélectionner la règle. Maintenant, je veux changer la couleur de l'emballage parce que nous savons qu'ils devraient avoir des couleurs différentes. Certaines maquettes est plus facile de changer la couleur de l'emballage et ils ont désigné des couches juste pour changer la couleur. Mais celui-ci ne l'a pas donc je vais juste créer un nouveau calque au-dessus de la forme de l'emballage de base et je vais le remplir avec la couleur. Si vous n'êtes pas sûr de la façon d'accéder et de changer la couleur, vous pouvez simplement double-cliquer sur l'icône de couleur carrée à gauche, en bas du panneau d'outils. Je vais utiliser l'outil de seau, puis sélectionner le code de couleur hexadécimal de nos conceptions. Ensuite, je peux créer un masque d'écrêtage sur le calque avec couleur et le clipser sur la couche d'emballage de base. Ainsi, vous verrez la petite flèche pointant vers le calque au-dessous. Maintenant, je vais tout sélectionner et créer le groupe. Je serai donc en mesure de dupliquer l'ensemble du groupe d'emballage avec l'illustration. Je vais sélectionner tous les calques que je veux avoir dans le groupe, puis en cliquant sur l'icône du dossier en bas de la fenêtre avec les calques, il va créer un groupe pour moi. Avec la nouvelle version d'Adobe CC pour pouvoir sélectionner et déplacer l'ensemble du groupe, non pas un seul calque, regardez la barre du panneau supérieur lorsque l'outil de sélection est activé et modifiez la sélection externe d'un calque à un autre. Maintenant, en maintenant la vieille clé, vous pouvez faire glisser le groupe entier et Photoshop va créer la copie du tout pour vous. Comme vous pouvez le voir, j'ai créé trois copies et je vais juste commencer remplacer l'illustration finale comme nous l'avons fait à l'étape précédente. Pour accéder rapidement aux illustrations du groupe, dans le menu de la barre supérieure, je passe à la sélection automatique du calque. Cela me permet d'accéder directement au calque avec mon illustration lorsque je clique sur l'image. Comme je l'ai mentionné maintenant, je peux importer deux autres illustrations de la même manière. Je les ajuste à nouveau avec l'outil de transformation pour remplir l'emballage et ajuster la couleur de chaque emballage de cette maquette de pochette. Je pense que cela a l'air assez agréable et comme je l'ai mentionné, c'est agréable d'utiliser ce type d'avant-premières dans le portfolio avec leurs croquis, miniatures et dans les illustrations finales pour créer cet aperçu global de vos projets. 11. BONUS Timelapses: 12. Dernières réflexions: Félicitations, vous avez fini le cours. Merci beaucoup d'être ici et j'espère que vous apprendrez beaucoup de nouvelles choses sur les mémoires clients et le processus d' illustration et que vous vous sentez plus confiant de travailler en tant que freelancer avec des clients et comme un projet de classe, je aimerait que vous pratiquiez et créez un ensemble d'illustrations que vous pouvez utiliser sur un emballage de thé ou peut-être de café si cela vous plaît plus. S' il vous plaît partager vos créations avec d'autres camarades dans la section projet et j'ai hâte de voir toutes vos œuvres d'art impressionnantes et si vous voulez que je partage également vos œuvres d'art sur un réseau social, veuillez envoyer le lien à votre site Web ou les médias sociaux que je puisse vous aider et votre art à être découvert par plus de gens, et si vous aimez la classe, s'il vous plaît laisser un commentaire parce que tout d'abord, j'apprécie tellement et deuxièmement, vous aussi aider d'autres élèves à découvrir la classe et vous pourriez contribuer à leur parcours artistique. Si vous avez un ami qui aime l'illustration et que vous voulez essayer un processus bref créatif, ce serait bien si vous partagez ce cours avec eux, et si vous avez des questions ou des suggestions, s'il vous plaît laisser un commentaire dans la section discussion, J' adorerais aider. Je vous remercie encore une fois d'être ici et de vous voir dans la prochaine classe.