Dessiner des personnes et des scènes dans Procreate : illustration et composition de personnages

1. Introduction: Dessiner des gens et créer des scènes avec des personnages, c'est beaucoup de plaisir. Il peut ajouter beaucoup de personnalité et d'histoires à vos illustrations. Si vous voulez vous sentir plus à l'aise de dessiner des gens dans des environnements et dans des compositions intéressantes, alors cette classe est pour vous. Bonjour, je m'appelle Eva Miklos, et je suis illustratrice et designer basée en Europe centrale. Créer des illustrations de personnages dans des environnements engageants m'a aidé à travailler avec succès sur de nombreux projets, grands et petits comme LEGO Friends, la série animée diffusée sur Netflix, des illustrations pour logiciels entreprises, magazines, illustrations de produits et illustrations explicatives pour divers clients, pour leurs sites Web et présentations. Après avoir suivi mes cours sur la conception de personnages stylisés et les gestes et poses de personnages, beaucoup d'entre vous ont dit que vous aimeriez en apprendre davantage sur le dessin personnes dans des environnements et la création de scènes attrayantes. Dans cette classe, je vais vous emmener à travers le chemin de la conception de personnages stylisés et concepts de mise en page à l'aide de formes simples afin que vous puissiez dessiner des personnages plus confortables dans l'espace, interagissant les uns avec les autres. Pour fêter l'été et réaliser bien le dessin, nous allons placer les personnages dans le cadre amusant petite histoire d'un pique-nique-estival dans le jardin au bord de la mer sur la prairie forestière ou tout ce que vous voulez. Dans cette classe, vous découvrirez l'illustration plate et réaliste, la perspective, la profondeur, le volume, l'échelle, chevauchement, le cadrage, le point de vue, et comment ils vous aident à créer des scènes et des environnements avec des personnages et différents objets. Vous apprendrez également les bases d'un processus utilisé dans l'illustration de concept. En s'appuyant sur mes précédentes classes de design de personnages, cette classe vous aidera à acquérir une solide compétence pour développer votre style de conception de personnages. À la fin du cours, vous aurez une illustration que vous pourriez imprimer pour votre maison, donner à un membre de votre famille, ou encore aller plus loin et même l'utiliser dans votre portfolio si vous créez votre propre pique-nique personnalisé illustration. J' utiliserai Procreate, mais n'hésitez pas à utiliser tout autre logiciel de dessin ou support que vous préférez. En outre, vous obtiendrez également un tas de cadeaux, que vous pouvez trouver dans la description de la classe. Enfin, avant de commencer, n' oubliez pas de me suivre ici sur Skillshare pour être averti quand je sortirai de nouvelles classes et faire des annonces spéciales sur les cadeaux. Je vous invite également à me suivre sur Instagram où vous pourrez voir mes œuvres les plus récentes et suivre les histoires de ma vie d'artiste. Commençons par élargir vos horizons et dessiner des scènes de personnages impressionnants. se voit dans la classe. 2. Projet: Comme projet pour ce cours, illustrons un pique-nique-estival décontracté que vous pouvez avoir avec votre famille, amis, vos animaux de compagnie dans le parc, la mer bord dela mer ou au milieu de la forêt. J' ai pensé à ce concept parce qu'il a été assez long que nous avons dû passer temps à la maison en raison de divers blocages et règles d'éloignement social. Je voudrais que nous créions un beau souvenir de notre temps avec la famille et les amis ou simplement visualisions une journée idéale à l'extérieur sous une forme d'une belle illustration. Il y a beaucoup d'options sur la façon d'aborder cette classe, mais le plus important est que vous ayez du plaisir et que vous en ayez la vôtre. Utilisez votre imagination ou basez-la sur votre propre photo de la fête de jardin de la famille ou des amis. Ou vous pouvez faire la même composition que moi avec quatre caractères autour de la table et essayer différents arrière-plans ou couleurs différentes. Je vais vous montrer six esquisses de concepts similaires dans l'une des leçons. Si vous ne vous sentez pas à l'aise avec dessiner tous les arrière-plans et que vous voulez pratiquer seulement des personnages, hésitez pas à vous concentrer sur eux et peut-être ajouter une couverture, peu d'herbe, ou tout simplement vert sous la couverture dans le pour établir votre environnement. Aussi, si vous ne vous sentez pas comme vous voulez dessiner les vêtements sur les personnages en détail, s'il vous plaît vous entraîner à dessiner la figure de bâton et la composition pour garder le personnage simple dans le pantalon long et les chemises à manches longues lâches, comme je vous a montré dans la classe sur le dessin stylisé caractères design. Dans la leçon suivante, vous découvrirez le style et le design d'illustration plat ou réaliste. se voit dans la vidéo suivante. 3. Illustration plate ou réaliste: Dans cette leçon, parlons de la différence entre le remplissage plat et 3D ou type d'illustration plus réaliste avec plus de volume et de forme dans les objets et les caractères créant de la profondeur. Prenez l'une des brosses d'esquisse, vous pouvez toujours utiliser n'importe quel pinceau du dossier. Je l'aime actuellement. Ensuite, je vais continuer à esquisser avec du gris foncé pour les contours et du gris clair pour les ombres. Tout d'abord, parlons un peu du style d'illustration plate. L' illustration plate met l'accent sur l'approche minimaliste du design. Lors de la création d'illustrations plates, l'accent est mis sur les lignes épurées, les bords nets et souvent les couleurs vives, comme vous pouvez l'imaginer, deux dimensions ou en d'autres termes, les illustrations plates. Ce style de conception a généralement une netteté et une clarté que vous pouvez obtenir en se débarrassant d'autres effets et détails en trois dimensions. Le design plat facilite l'ajustement à plusieurs tailles d'écran sans graphiques supplémentaires et inutiles. En outre, ce style d'illustration provient principalement du web et de la conception graphique et contribue à donner vie et histoire aux conceptions sur l'écran d'ordinateur et les supports imprimés. Parlons maintenant du style d'illustration plus réaliste. Ici, je pense toujours à la simplicité dans les formes cependant. Vous pouvez voir ce type de style d'illustration assez souvent dans les livres pour enfants ou dans les œuvres de développement visuel, dans l'animation et les jeux informatiques. Si vous avez déjà rêvé de travailler dans ce domaine de l'art, c'est certainement un style très intéressant à explorer et une compétence précieuse à avoir. Qu' est-ce que cela signifie en termes d'illustration ? Dans ce style, qui est plus réaliste, nous devons considérer la perspective. Comme vous le savez vous-même, nous avons l'habitude de voir des objets, des scènes et des personnes en perspective et en volume parce que nous voyons le monde en 3D. Par conséquent, je suis en train d'imaginer l'horizon et d'ajuster tous les éléments à travers cette ligne d'horizon. Je vais parler un peu plus des lignes d'horizon dans l'une des leçons à venir. Si vous voulez en savoir plus, s'il vous plaît regarder mon cours sur la perspective si vous ne l'avez pas encore fait. Ici, en plus d'ajuster l'objet en fonction de la perspective, je considère également le volume de l'objet. Pour afficher et afficher le volume de l'objet, j'utilise les ombres. Très souvent, je n'utilisais que des ombres et très peu de points forts pour montrer le volume de l'objet. Bien sûr, c'est à vous et à vos préférences de style, mais je pense que les ombres aident beaucoup à définir le volume tout en utilisant moins de lumières réduit un peu la complexité de l'ensemble de la scène. Dans la leçon suivante, nous commencerons à placer des personnages dans l'espace et vous apprendrez à travailler avec les proportions des personnages lorsque la perspective devient importante. se voit dans la vidéo suivante. 4. Proportions: Parlons maintenant des proportions de caractère. Je vais vous montrer comment j'imagine les proportions de personnages en dessinant des gens dans L'espace où la perspective joue un rôle. Dans un cas que vous avez déjà vu et pratiqué avec mes autres classes sur le design de personnages, voici un petit résumé sur les proportions de personnages. abord, je dessine un rectangle où je placerai mon personnage. Pour trouver plus facilement le milieu du personnage, tracez des lignes qui traversent le rectangle du haut au bas des coins qui se croisent au milieu. Ensuite, je vais esquisser des caractères simplifiés avec le milieu approximatif au centre de ce rectangle. Dessiner des cercles simples comme des articulations m'aide à vérifier les proportions lors du dessin des gens. Si vous vous demandez quelle est la taille de l'humain moyen, vous pouvez simplement utiliser une formule d'un être humain moyen de huit têtes de haut, et vous pouvez juste dessiner huit cercles à côté de votre personnage debout. Un cercle est 1/8 de la pleine hauteur. Maintenant, transformons le rectangle en une boîte et plaçons le caractère dedans. Comme une boîte pour une poupée dans un magasin. D' habitude, ça aide mon imagination. Si vous avez du mal à imaginer cela, essayez de trouver une boîte similaire à la maison et regardez-la sous un léger angle, ou allez au magasin et regardez les étagères avec des poupées. Lorsque vous imaginez le personnage dans la boîte, j'utilise le même principe de huit têtes de haut caractère humain moyen et d'ajouter du volume aux formes simples. Ou vous pouvez obtenir des figures de dessin [inaudibles] ou plus sophistiquées appelées mannequins comme ceux-ci. Comme vous pouvez l'imaginer, vous pouvez poser ces figures comme vous le souhaitez pour votre illustration. Ici, j'ai aussi intitulé l'épaule et la tête légèrement pour un intérêt plus visuel. Ensuite, je peux ajouter les lignes qui définissent les formes simples du personnage. Ensuite, je peux ajouter des ombres pour créer du volume et ajuster les proportions à mon goût. Je pense que c'est un grand exercice quand vous pouvez imaginer la boîte sous différents angles et pratiquer à dessiner des personnages debout dans l'espace. Parce que les lignes extérieures de la boîte vous aideront à placer le personnage correctement dans l'environnement avec perspective. Dans la leçon suivante, vous apprendrez ce qu'il faut considérer lorsque vous voulez placer plus de personnages ensemble dans l'espace. se voit dans la vidéo suivante. 5. Plus de personnages: Dans cette leçon, nous allons examiner ce qu'il faut considérer lorsque nous voulons ajouter plus de personnages dans l'environnement et que la scène est en perspective. Pour continuer à partir de la dernière leçon, nous avons un personnage dans la boîte. Toujours imaginer le personnage comme la poupée dans l'emballage sur l'étagère dans le magasin. Vous souvenez-vous de la géométrie lorsque vous avez appris les objets en 3D ? Il y a eu une discussion sur les axes x et y, et plus tard l'axe z. Les axes x et y étaient tous sur la hauteur et la largeur de l'espace. Là où nous voulions ajouter de la profondeur, tout était sur l'axe z, qui va à la distance. Ce qui m'aide à penser à l'espace en considérant plus de personnages et d'objets est la grille de l'environnement. Parce que de cette façon, vous pouvez voir combien les personnages et les objets devraient être grands ou petits, en fonction de la distance qu'ils sont les uns par rapport aux autres et à nous, les téléspectateurs. La grille sur le sol est créée à partir des lignes qui se rencontrent dans le point de fuite. En bref, le point de fuite est l'endroit où les lignes ou les bords de l'objet se rencontrent à l'horizon. Bien sûr, si vous voulez comprendre et pratiquer les bases du sujet de perspective encore plus, s'il vous plaît consulter ma classe sur la perspective. Comme vous pouvez le voir ici, nous prenons chaque personnage dans une boîte et l'alignons avec une grille de perspective ici. Lorsque nous déplacons la boîte du personnage juste sur l'axe des x, toujours près de nous, la taille de la boîte ne changera pas de notre point de vue. Mais si nous déplacons la boîte avec le personnage sur l'axe z plus loin de nous, elle commencera à paraître plus petite. Plus loin et plus près de l'horizon, nous déplaçons la boîte, plus le personnage sera petit et petit de notre point de vue. Si vous voulez imaginer cela dans la vraie vie, un magasin de jouets normal pourrait ne pas être assez grand. Imaginez ces énormes magasins où vous pouvez acheter en vrac. Lorsque vous vous tenez dans l'allée de l'un de ces magasins et regardez au loin, vous verrez les choses plus loin de vous assez petites. Dans la leçon suivante, vous apprendrez comment conserver vos scènes avec un symbole de caractère pour éviter la complexité et peut-être comme une mise au point dans l'illustration. Je te vois dans la prochaine vidéo. 6. Scène chargée ou simple: Dans cette leçon, regardons comment nous pouvons garder notre illustration équilibrée et facile à décoder tout en montrant beaucoup de vie et d'activité dans une scène. Imaginez que vous voulez créer un environnement avec plus de caractères et d'objets, pas seulement pour les personnages debout de base que nous avons fait dans la dernière leçon. Comment l'aborderiez-vous et comment le planifieriez-vous ? Plus de personnages que vous envisagez d'ajouter à la scène, plus vous devez réfléchir à la façon de souligner et d'attirer attention sur la partie que vous voulez que les gens regardent d'abord. Si vous voulez la garder simple et facile à décoder, essayez de ne pas trop compliquer l'illustration avec trop de choses qui se produisent. Dans cet exemple, lorsque les choses deviennent trop occupées dans l'illustration, j'imagine une journée au parc où les gens font beaucoup de choses, ou un grand festival en plein air comme Coachella, quand vous prenez une photo aléatoire et vous voyez des gens autour de marcher dans des directions différentes faisant toutes sortes de choses, peut-être même sauter autour ou pendre à un arbre. En tant qu'humains, nous sommes généralement attirés par les autres et nous voulons voir ce qu'ils font. S' il y a beaucoup de personnages dans la composition, vous voulez généralement voir ce que tout le monde fait, comme les livres Where Waldo. Beaucoup d'enfants et d'adultes aiment découvrir ce que tout le monde fait dans ces scènes, pas seulement trouver Waldo. Vous pouvez imaginer, vous pouvez être assez confus si la scène n' est pas claire et que vous voulez regarder partout à la fois. En tant qu'illustrateurs ou artistes, nous pouvons décider de la composition, et nous pouvons rendre l'image plus facile à regarder en fonction du but de cette illustration. Avec de nombreux personnages dans la scène, vous pouvez jouer avec l'ajustement de la composition en pensant zones occupées avec beaucoup de détails et une zone plus calme et plus vide dans votre scène. Vous pouvez jouer avec le contraste et comment les gens interagissent les uns avec les autres. Même si vous voulez concevoir des scènes avec beaucoup de personnages comme dans les livres Where Waldo, vous pouvez le faire, mais vous avez juste besoin de réfléchir à la façon équilibrer comme ils le font dans ces livres. Dans ce cours, nous voulons que notre public se concentre sur une seule histoire et c'est pourquoi nous allons rester simple en illustrant un groupe d'amis qui font un pique-niquage ou un brunch et nous n'ajouterons pas beaucoup d'autres personnages dans notre scène. Au lieu de cela, nous allons jouer avec l'ajout d'objets pour équilibrer la composition, pour attirer l'attention et l'attention sur nos personnages. Dans la leçon suivante, nous nous entraînerons à appliquer toutes les règles que vous avez apprises dans la leçon précédente et nous formerons notre cerveau à construire une mémoire visuelle d'objet dans l'espace. se voit dans la leçon suivante. 7. Exercice I: Maintenant, c'est l'heure de notre mini-exercice. Cet exercice, c'est comme une pratique pour notre cerveau de construire une bibliothèque visuelle. Je garderai mes deux objets de référence, la boîte et la balle sur le côté. Cela me rappellera de garder les choses simples à l'ombre en fonction de la forme. Quand je pense aux ombres, je considère les ombres soit plus comme sur cette boîte et ses ombres juste sur les côtés, ou comme sur la balle, l' ombre incurvée suivant la forme ronde. Je vais ouvrir une de mes références et prendre un des pinceaux à croquis. Vous pouvez toujours utiliser n'importe quel pinceau du dossier d'esquisse. Je l'aime actuellement. Ensuite, je continuerai à esquisser avec du gris foncé pour les contours, et du gris clair pour les ombres. abord, je vais esquisser une version simplifiée des lampes suspendues comme vous pouvez le voir dans cette référence. J' ajouterai les ombres comme sur la balle dans le coin gauche. Vous pouvez considérer cet exercice comme un remue-méninges pour ce que vous incluez dans votre scène. Comme vous le savez dans certains de mes cours précédents, j'aime faire cet exercice parfois en écrivant simplement les mots et en faisant quelques croquis. Cependant, cette fois, cet exercice est également un excellent moyen pour vous de construire votre mémoire visuelle d'objets dans l'espace, de sorte que vous pouvez vous sentir plus à l'aise avec les dessins sans regarder les images de référence plus tard dans le processus. Plus vous cassez ces objets, plus il est facile d'imaginer comment les dessiner à l'avenir sans références. Ici, je m'entraîne à dessiner le chemin des sièges. D' un côté du chemin, l'ombre est semblable à celle de la balle en raison de sa forme incurvée, mais en bas du chemin, l'ombre suit la ligne droite parce qu'elle est au sol et plus droite. La forme suit le matériau dur appelé rotin, et j'imagine qu'il n'est pas aussi doux que le coussin. Ensuite, je vais m'entraîner à dessiner une bougie dans la lanterne. Ici, je me concentre sur le maintien des formes d'ellipse alignées pour que la lanterne n'ait pas l'air de tomber sur le côté. Si vous vous concentrez sur ces ellipses à aligner, nous avons le bas et le haut de l'ellipse de la lanterne et les ellipses sur les formes de bougie à nouveau, en bas et en haut. Ensuite, je peux aussi ajouter le reflet à travers ces formes de verre. Plus tard, j'adopte une approche similaire en dessinant les lunettes et j'ajoute aussi une petite ligne de réflexion sur le côté du verre. Prenons une autre image de référence, la tente. J' aime la forme et la texture de cette tente. Il peut être très agréable au milieu de notre composition, complétée par d'autres éléments comme les lumières et les drapeaux. J' ai l'impression que la tente apporterait une très belle sensation de confort à toute l'illustration. Lorsque vous dessinez la tente pour simplifier les ombres, je retourne la lumière de la référence et j'imagine que le tissu est plus lourd et qu'il n'y a pas de lumière à l'intérieur de la tente, juste l'ombre. Comme vous pouvez le voir, c'est le sens inverse dans la référence. Le tissu est léger et nous pouvons voir les tons et les nuances plus clairs dans la tente sur l'image de référence. Ensuite, nous allons pratiquer à dessiner quelques types différents de nourriture dans des formes simples. Prenons ceux qui sont reconnaissables à distance parce qu'ils seront probablement assez petits dans l'illustration. Par exemple, une pastèque peut être tout à fait reconnaissable à la distance par les formes coupées en triangle et la couleur. Ensuite, vous pouvez esquisser plus de votre nourriture préférée en fonction des références. Peut-être une planche à découper avec des fraises. J' aime les fraises et les pastèques en fait parce que je pense que les fraises sont mon fruit préféré. Nous avions beaucoup d'entre eux dans le jardin quand je grandissais, et je les mangeais directement dans les buissons quand nous passons des jours dans le jardin avec mes parents et grands-parents. Vous pouvez imaginer que cela contribue probablement à que les fraises soient mon fruit préféré en plus de leur goût. Avant de continuer, entraînez-vous à esquisser d'autres objets à partir des références. Pour cette illustration, cause de la narration, j'essaie de choisir des objets qui ajoutent un confortable et décorent le champ à toute la scène, comme des coussins, par exemple. Je pense que les précautions ajoutent toujours la sensation confortable et vous pouvez presque sentir les vraies jambes en les regardant. Puis des fleurs. Je pense qu'ils sont belle décoration à presque n'importe quelle illustration. Beaucoup de ces objets que nous pratiquons juste dessiner les fruits, les coussins, et les fleurs sont grands dans la scène parce que lors de la coloration, il me donne l'occasion d'apporter des couleurs vives dans la composition. Passons maintenant à la leçon suivante où vous en apprendrez plus sur les conseils sur l'ajout d'objets dans la scène à l'aide du chevauchement, échelle ou de la taille et de l'encadrement de la composition. se voit dans la vidéo suivante. 8. Superposer: Après que nous nous sommes entraînés à dessiner différents objets dans la leçon précédente, parlons de ce qu'il faut considérer quand nous voulons les mettre dans une scène. Dans cet exemple, j'utiliserai des objets simples, rectangle, cercle et triangle. D' abord, je vais les dessiner l'un à côté de l'autre. Pour avoir l'air plus amusant, imaginons ces objets comme des vases sur la table avec des fleurs et de l'eau dedans. J' utilise les idées sur la façon de dessiner l'eau dans les rayons et les fleurs des exercices précédents. Maintenant, quand on regarde ces formes, on dirait qu'elles ne sont pas vraiment dans l'espace. Ils sont probablement placés sur la table, mais ils peuvent avoir l'air assez plat. L' eau dans les vases, et la façon dont nous l'avons dessinée nous aide à imaginer un peu de volume à ces vases et un peu d'espace. Mais qu'en est-il quand on cache ces fleurs et les détails de l'eau dans les vases. Comme s'il n'y a pas d'eau dans ces objets, comment pouvons-nous faire en sorte que ce triangle, rectangle et le cercle ressemblent davantage à ce qu'ils soient dans l'espace. Vous l'avez probablement deviné à partir du titre. En chevauchant ces objets, nous pouvons suggérer qu'il y a de la profondeur dans notre scène. Je cache les fleurs pour l'instant pour qu'on puisse se concentrer uniquement sur les objets simples. Dessinons le chevauchement à comparer. Je dessine à nouveau l'objet et je déplace un peu l'ordre parce que je pense que le mélange de formes, les lignes droites dans le triangle semble plus intéressant à côté du vase rond. Je veux dire le cercle. Notez que j'évite les tangentes et dessine les bords et les coins dans différents endroits, sorte que les formes sont plus lisibles pour le spectateur. Ensuite, je peux ajouter l'eau et les fleurs à nouveau, ainsi que l'ombre sur le sol pour nous aider à imaginer qu'elles sont comme posées sur la table. Notez également que la ligne de base de chaque objet du groupe à droite est à un niveau différent ou la hauteur par rapport au groupe des objets à gauche. Tous les objets du groupe de gauche sont sur une ligne dans l'environnement, ou en d'autres termes, en perspective. En plus de cela, si les objets du bon groupe sont plus en profondeur de l'espace, ils auront également l'air légèrement plus petits. Comme le rectangle à l'arrière, dans le groupe à droite. Vous pouvez l'imaginer en vous souvenant quand nous avons parlé des étagères dans les grands magasins. Plus vous regardez loin, les objets semblent plus petits. Comme vous le savez déjà, cela est dû à la perspective, et en termes techniques, c'est ce qu'on appelle l'échelle. Regardons une échelle dans la leçon suivante. se voit dans la vidéo suivante. 9. Échelle: Comme vous le savez déjà, en raison de la perspective, l'objet plus loin de nous semble plus petit. Lorsque nous les dessinons à l'aide d'échelles et de tailles différentes, nous montrons la profondeur dans nos illustrations. Maintenant, regardons plus d'exemples. J' ouvrirai le dessin d'avant, et j'aimerais que vous remarquiez les fleurs. Si vous voulez afficher la profondeur dans la scène, il est utile d'utiliser des objets similaires. Ici, les fleurs au premier plan sont un peu plus grandes et les fleurs en arrière-plan sont un peu plus petites en raison de la perspective et des tailles que nous avons mentionnées précédemment. Laissez-moi vous montrer un autre exemple. Je resterai dans le thème de la nature. Utilisons les buissons et les arbres. abord, je vais dessiner un buisson, des fleurs et l'arbre dans le coin gauche, qui sera plus proche de nous. Ensuite, arbre similaire à la recherche sur le côté droit, qui sera plus loin de nous et donc, apparaîtra plus petit en raison de la perspective. L' utilisation d'objets similaires ou d'un même objet à différentes échelles dans les scènes aide le spectateur à imaginer la perspective et la profondeur de l'environnement. En raison des formes organiques des éléments naturels comme les arbres, nous n'avons pas à nous inquiéter autant de l'alignement des lignes avec les lignes de la grille de perspective. Comme si vous dessinez des objets plus angulaires comme des maisons, par exemple, où nous devons accorder plus d'attention aux lignes dans la grille de perspective. Si vous êtes toujours intéressé par le dessin de maisons en perspective, j'utilise des exemples de maison dans la classe de notre perspective, afin que nous puissions facilement voir comment ils sont alignés avec la grille de perspective. Si vous dessinez plus de formes organiques, vous pouvez éviter de ne pas être parfaitement aligné avec la grille de perspective, ce qui est parfois utile. La seule chose que je veux que vous fassiez attention ici, ce côté de l'échelle, bien sûr, c'est le placement dans l'espace. Si vous regardez les deux arbres, essayez de remarquer où commence le tronc de l'arbre ou en d'autres termes, le fond de l'arbre où il touche le sol. L' arbre à gauche, plus près de nous, a le fond du tronc plus ou moins aligné avec le cadre du dessin. L' arbre à droite, plus loin de nous est placé, et a la partie inférieure du tronc d'arbre plus haut dans le dessin, sorte que l'arbre est placé dans le tiers de notre scène ou dans le dessin. Vous connaissez peut-être déjà la raison. C' est parce que l'arbre plus petit sur le côté droit, plus loin de nous, est plus proche de l'horizon dans la distance, et donc, il semble plus petit et il est placé plus haut sur la grille de perspective. Une autre chose que nous faisons que vous pouvez utiliser pour afficher la profondeur dans la scène est la valeur ou la couleur des objets. Les objets plus proches de nous semblent généralement plus sombres, et l'objet plus éloigné de nous semble généralement légèrement plus clair dans les tons et les valeurs qui sont dues à la concentration de diverses particules dans l'air. Si vous le souhaitez, vous pouvez également dessiner d'autres objets dans la scène pour afficher la profondeur et la perspective. Par exemple, les roches sur le sol deviennent de plus en plus petites plus loin ils sont loin de nous, comme le spectateur. 10. Encadrement: Dans cette leçon, vous apprendrez un autre conseil sur la façon de montrer la profondeur et de créer des compositions intéressantes dans vos œuvres d'art. Je vais garder le dessin avec les arbres sur la gauche et dessiner une nouvelle idée de composition sur la droite pour vous montrer une autre astuce que l'on appelle le cadrage. Qu' est-ce que vous pourriez demander ? Il s'agit d'un concept de composition où vous pouvez utiliser des éléments et des objets pour encadrer l'image afin de créer une sensation de profondeur dans votre espace. Il aide la personne qui regarde votre dessin à passer du premier plan à plus de détails en arrière-plan ou au milieu de la composition. Je dessine à nouveau un arbre sur la gauche pour vous montrer un cadrage. L' ajout d'objets au premier plan et le cadrage de votre composition contribuent également à créer un équilibre visuel et à attirer l'attention sur l'autre objet de votre composition. Vous pouvez imaginer regarder le parc à travers l'arbre au premier plan, ce qui bloque votre vue. Comme vous pouvez le remarquer en ajoutant l'arbre, buisson et les drapeaux dans mon dessin, j'aide le spectateur à mettre l'accent sur les personnages au milieu de ma composition en bloquant d'autres parties de l'image avec quelque chose dans la scène. Vous pouvez également utiliser le cadrage comme une plus grande partie de votre composition le long des bords de votre dessin, ainsi que plus près du centre, en prenant plus d'espace dans cette composition. Par exemple, lorsque vous regardez votre œuvre à travers une porte, ou lorsque vous regardez votre dessin à travers une petite fenêtre ou un trou de serrure sur la porte. Vous pouvez imaginer la grande partie de la porte comme une plus grande partie de la composition et la plus petite partie comme le trou de serrure comme le foyer de votre composition. Vous pouvez ajuster le cadre pour qu'il soit plus petit ou plus grande partie de votre composition. De cette façon, vous allez ajuster la mise au point de votre illustration. Dans la leçon suivante, nous discuterons de l'influence du point de vue et de l'emplacement de l'horizon dans votre thème. se voit dans la leçon suivante. 11. Horizon et point de vue: Dans cette leçon, nous examinerons différents points de vue dans nos scènes en appliquant le réalisme de la perspective. abord, parlons de l'horizon et de la ligne horizontale dans la distance de votre vue. Vous pourriez penser, pourquoi devriez-vous faire attention à l'horizon, je vais juste le placer quelque part. Eh bien, quand vous voulez transmettre le réalisme et la profondeur dans vos scènes et compositions, nous avons besoin d'aide du point de vue. La ligne horizontale est l'une des premières choses auxquelles je fais attention lorsque regarde et pratique des compositions de dessin et les scènes de références. Avant de regarder les quelques références, voici un rafraîchissement rapide de ce que sont le point de fuite et la ligne d'horizon. Je vais dessiner une grille de perspective de base et placer notre table de pique-niques dans la composition comme référence. Nous avons un objet dans cet environnement avec la grille de perspective. Cet exemple est une perspective à un point et il a des lignes qui se rencontrent à l'horizon, et ce point est appelé un point de fuite. Si nous pensons au point de vue, le premier exemple en haut à gauche est une grille où l'horizon serait approximativement à notre niveau des yeux en tant que spectateur. Dans le deuxième thème, l'horizon serait plus bas, et dans le troisième thème, l'horizon serait au-dessus de notre ligne de vue. Ici, j'aime utiliser l'aide d'une caméra imaginaire pour vous aider à imaginer de quoi je parle en mentionnant le point de vue. Par le placement de la caméra, vous pouvez imaginer la vue sous laquelle nous regardons les exemples de scène et comment cela serait stocké, les objets et les personnages dans l'espace. L' angle de la caméra vous aide à capturer la vue subjective du personnage de la scène. Lorsque vous créez une scène, pensez à peu de choses ; êtes-vous au niveau des yeux du sujet de votre scène ? Tu regardes vers le bas sur le sujet ? Tu regardes le sujet ? À quel point êtes-vous proche du sujet ? Le sujet de votre scène peut être un personnage ou un vase avec des fleurs, ou quelque chose de plus simple comme une pomme ou un panier de fruits sur la table. Lorsque vous êtes au niveau des yeux avec le sujet, nous nous battons personnellement avec le sujet, même si ce n'est pas un humain. Avec le point de vue de la scène au niveau des yeux, c'est le moyen le plus simple d'aider le spectateur à se connecter émotionnellement avec le concept et votre dessin, car il peut imaginer qu'il regarde la scène elle-même. Lorsque vous créez une scène, lorsque vous recherchez en dessous un sujet ou un personnage, vous pouvez donner au spectateur l'impression que le personnage est sous le contrôle de la situation. Ces vues sont souvent utilisées dans les films lorsque vous regardez vers le haut le héros d'action fort. Le héros n'est pas le contrôle ou hors de la portée du spectateur. Opposition à quand regarder par le haut, permet au spectateur de se sentir supérieur au sujet. En outre, le spectateur dans cette vue peut avoir l'impression qu' peut regarder la scène sans être dérangé car il est loin. Comment ces points de vue influencent les proportions du personnage ? Si l'angle de la vue est très net ou grand en levant les yeux, les jambes du personnage sembleront allongées et la tête plus petite. Opposé à lorsque vous regardez vers le bas vers le bas à la tête du personnage, sera plus grand et les pieds plus petits. Beaucoup de gens prennent ces selfies parce qu'ils ont l'air plus mignon et plus petit. Je suis sûr que vous connaissez ces [inaudibles] sur les médias sociaux. Lorsque vous pratiquez la perspective et que vous remarquez des lignes d'horizon dans les images de référence, essayez également de remarquer le point de vue. Perspective de niveau des yeux, regarder vers le haut ou regarder vers le bas revenir en arrière, ces exemples, nous utilisons la perspective à un point. Il y a aussi deux et trois points de vue. Pour mieux comprendre et pratiquer, s'il vous plaît regarder mon cours de perspective. Sinon, cette classe deviendrait très longue. Voici quelques exemples de dessins où vous pouvez remarquer des différences de point de vue. Comme référence rapide, voici un exemple quand un point de fuite est plus à gauche et l'autre est à l'extrême droite en dehors de la scène. Dans l'image de référence, vous pouvez noter que c'est le plus sur les lignes et la silhouette de la table. Comment est-il aligné et placé dans la perspective ? Permettez-moi de vous montrer d'autres exemples. Ici, vous pouvez voir deux croquis du concept de pique-nique et comment je prendrais une vue en perspective d'un point et la composition d'esquisse avec plus d'objets comme la tente et les coussins sur l'exemple en haut à droite, et la perspective en deux points droite sous elle. Ces deux croquis sont dans la vue au niveau des yeux, sorte que le spectateur peut s'imaginer être là. J' utiliserai aussi une vue de niveau des yeux pour le projet final. Le concept de la narration, ce sera comme si vous étiez dans le parc en tant que spectateur et vous pouvez voir vos amis à proximité, et vous êtes sur le point de les rejoindre. Maintenant, quand nous avons parlé du point de vue et du chevauchement du cadrage d'objet de la scène, nous allons casser cette esquisse les personnages. se voit dans la vidéo suivante. 12. Exercice II: Maintenant, nous allons utiliser tous les conseils que vous avez appris dans les leçons précédentes pour esquisser les personnages de notre projet. Je vais vous montrer comment je pourrais esquisser les caractères de référence maintenant. Je choisis des références où l'angle de la caméra ou le point de vue n'est pas trop extrême afin que nos personnages ne soient pas trop déformés en perspective. Prenons ça gentil et facile. Je pense que ce premier exemple a un très bel angle et pose, ce qui peut même bien s'intégrer dans mon projet final. C' est dans ma classe de personnages stylisés, je commence la pose avec la figurine de bâton. Cercle et la forme de goutte pour la tête, et les cercles pour les placements articulaires. Lors de l'esquisse, je pense à des formes simples pour les parties du corps et tous les autres éléments. Faire des formes lors de l'esquisse des mains, triangles pour les pieds, et des formes de cylindre pour les jambes et les bras. Ensuite, j'ajoute des formes simples pour les vêtements et l'objet, je trouve intéressant dans la pose. Dans ce cas, j'aime vraiment le chapeau d'été et la boisson dans la main du personnage. En rappelant le chevauchement d'objets et de formes, vous pouvez remarquer le chevauchement de formes également sur ce personnage. La jambe droite du personnage est plus proche de nous et la jambe gauche du personnage est plus loin. À notre avis, la jambe droite chevauche la jambe gauche dans cette scène. Aussi, comme vous pouvez le voir, j'ai arrondi le dos un peu plus pour créer plus expressif et le réel exposé par rapport à la référence. Le personnage de cette référence photo est assis trop droit et passe donc à travers un peu moins détendu, comme je voudrais qu'il soit dans ce moment particulier quand on regarde l'océan et qu'on fait un pique-nique. J' ai aussi rendu les cheveux plus stylisés. Comme vous pouvez le voir, ils ont plus de volume que sur la photo de référence. Lorsque je suis satisfait de la structure, je peux redessiner le personnage sur un calque séparé. Ou comme je le fais souvent lorsque je pratique et croquis, je supprime des parties dont je n'ai plus besoin. Ensuite, pour créer un sens du volume, j'ajoute des ombres comme nous l'avons fait sur les objets avant. Dans ce cas, la photo de référence peut m'aider. Vous pouvez voir qu'il y a une ombre sur son dos et sur la partie arrière de la tête d'été. Je peux le dessiner similaire à ce que je vois dans la référence. L' ombre dans la référence est moins visible sur les jambes en raison du tissu sombre sur le pantalon. Mais je peux juste suivre les ombres des parties mentionnées précédemment. Toutes les ombres sur le personnage dans la référence sont plus sur le côté gauche et plus vers le bas car le soleil brille de haut à droite. J' ajoute toutes les ombres sur la partie inférieure des jambes et sous le personnage sur le sol pour aider le personnage à être plus établi ou placé dans l'environnement. Dans la prochaine leçon, nous allons casser cela plus et nous allons continuer à esquisser des personnages. Je te vois dans la prochaine vidéo. 13. Exercice III: Plus vous pratiquez, plus il est facile pour vous de dessiner ce que vous imaginez. Faisons un autre mini-exercice, et maintenant avec deux personnages. Je vais ouvrir une autre image de référence, et cette fois avec deux caractères. Pour le rendre un peu plus difficile avec la perspective des diapositives et un peu de distorsion des personnages dans l'espace. La couverture de pique-niques nous aidera à bien voir la perspective dans l'espace. La partie arrière de la couverture plus éloignée de nous est légèrement plus courte ou plus petite que la partie avant de la couverture plus proche de nous. J' ajoute aussi la ligne sur la tête où je veux placer les yeux. En faisant cela, cela m'aide également à imaginer où les autres caractéristiques de visage seront placées. Je dessine cette courbe de ligne vers le bas comme les personnages regardent vers le bas. Redémarrer avec la figure de bâton pour les personnages m' aide à garder simple lorsque vous placez les articulations, le torse, les hanches, les bras et les jambes. Quand je suis satisfait de la pose initiale, j'ajouterai des cheveux. Encore une fois, ils sont un peu plus exagérés puisque les personnages sont légèrement stylisés. Lorsque vous ajoutez des chiffons simples, essayez de remarquer la silhouette des tenues sur le corps. Par exemple, le bord inférieur des chemises sur les deux personnages, ou la ligne de clivage de la chemise, ou le haut du personnage, car ceux-ci vous aideront à définir et à suggérer la forme du corps du personnage aussi. Sur le personnage à droite, vous pouvez également remarquer la silhouette du court et ses bords. La façon dont je dessine le short ici m'aide à définir les jambes de ce personnage aussi. Similaire à notre pratique consistant à esquisser les objets dans les leçons précédentes, cet exercice vous aide à construire une bibliothèque visuelle. Comme mentionné précédemment, il vous aidera à dessiner des personnages de la mémoire dans le futur, et il vous permettra de passer plus de temps à explorer concepts et des idées pour vos scènes et personnages, plutôt que de chercher photos de référence spécifiques. Ensuite, je vais supprimer des parties de l'esquisse que j'ai utilisées comme guide et dont je n'ai plus besoin, et ajouter des ombres pour ajouter du volume aux formes de caractères. Nous avons le soleil brille dans le coin supérieur droit, encore une fois dans la référence, sorte que nous pouvons ajouter des ombres en bas à gauche des personnages. Parce que nous avons pratiqué le dessin des pastèques avant, je peux maintenant les dessiner dans la scène, au lieu de copier exactement ce qui est dans la photo de référence. C' est toujours plus amusant lorsque vous personnalisez et ajoutez vos petites histoires et choses que vous aimez dans l'illustration. Vos préférences et vos goûts vous aideront aussi à créer votre propre style. Il y a une autre chose que j'aimerais que vous remarquiez sur cette référence. Vous pouvez voir que le pied du personnage dans le haut jaune, ses pieds plus près de notre point de vue et les épaules plus loin. Ils semblent légèrement plus petits en perspective que si le personnage n'est pas déformé en perspective. Je veux juste que vous le remarquiez, mais vous n'avez pas à appliquer trop fortement lors de l'esquisse de ces deux caractères. Mais vous pouvez le remarquer dans mon croquis, est que j'ai dessiné les pieds du personnage sur la droite légèrement plus grand que les pieds sur le personnage sur la gauche. Pour résumer ces deux exercices, ces esquisses ne sont que deux exemples de la façon d'aborder le dessin à partir de la référence. J' espère que je n'ai pas l'air d'un disque brisé, mais plus vous faites de croquis, plus il vous sera facile de créer des concepts sans références à l'avenir. Pour équilibrer les esquisses, regardant la première esquisse, je peux aussi définir les lignes et les formes. Ils ont l'air similaire dans la finition et le style avec le deuxième croquis. Passons maintenant à la création de concepts pour notre scène. se voit dans la leçon suivante. 14. Concepts de scène: Dans cette leçon, nous examinerons plus de références et entraînerons à simplifier lors de l'ajout de personnages à la scène. Je vais faire apparaître des photos de référence et dessiner des scènes de mise en page basées sur ces références pour entrer dans le flux de ce concept. abord, je vais vous montrer comment j'aborderais en utilisant une référence, puis en créant plus d'idées de scène à partir de là. N' hésitez pas à trouver vos propres photos de référence ou à créer vos propres compositions à partir des mêmes références à ce stade. Lorsque vous esquissez ce concept, essayez d'ajouter 2, 3, 4 caractères ou plus. Si vous en avez deux, il peut aussi s'agir d'un humain et d'un chien ou d'un chat se rafraîchissant dans le parc sur la couverture. Soyez aussi créatif que vous le souhaitez. Le ciel est la limite. Vous pouvez essayer différentes mises en page, paysage, rapport portrait, ou même un ratio carré. Je resterai dans le paysage. Pour dessiner le concept, je veux créer six boîtes similaires pour m'aider à rester dans la mise en page. Comme vous pouvez le voir, parfois la main vacille et ne crée pas les formes exactement comme vous l'imaginiez. Pour m'aider à créer ces boîtes, je vais activer la grille de guide de dessin pour mieux voir la taille ces boîtes de mise en page Si je veux en avoir six sur mon Canvas. Vous pouvez ajuster les proportions de la grille et d'autres paramètres ici en fonction de votre goût. Je garderai la taille de la grille assez petite dans ce cas et cela devrait fonctionner très bien comme mon guide. Pour accélérer mon processus, je peux dessiner une boîte sur un calque séparé et créer des copies que je peux distribuer uniformément autour de mon Canvas. Lorsque je suis satisfait de ma distribution des boîtes pour la mise en page, j'afficherai à nouveau la fenêtre de référence. Dans cette première scène, comme nous l'avons déjà discuté, je vais d'abord établir la ligne d'horizon pour définir le point de vue dans la scène. Pour simplifier, je ne crée que deux formes de buisson en arrière-plan au lieu de toute la forêt, puis j'ajoute la table en tant que centre de la composition ici, approximativement dans l'angle que je vois dans l'image de référence. Ensuite, pour simplifier, je n'ajoute que deux cases pour que les personnages s'assoient. Comme vous pouvez le voir, je me concentre sur le dessin d'un chevauchement pour créer le sens de la profondeur. J' ai l'impression que je n'ai pas besoin d'une chaise à l'avant pour ce concept par rapport à l'image de référence. Ensuite, j'ajoute des formes simples pour suggérer le premier caractère. Triangle pour la poitrine, bâtons simples pour les bras, et demi-formes ovales pour les jambes. Comme vous pouvez le voir, j'ai gardé les jambes semblables à la référence, mais j'ai ajusté les bras à ce que je pense peut être une belle pose joyeuse pour ce réglage, parce que je peux imaginer faire le geste moi-même. Pour le deuxième personnage, je pose les pieds sur le sol car c'est plus simple que de comprendre les jambes croisées et le placement là. Pour le troisième personnage, je viens d'esquisser le simple torse et un bras avec boisson surélevée pour interagir avec d'autres personnages. Pour terminer ce concept, j'ajoute un encadrement sous la forme de guirlandes et d'ombres pour ajouter du volume aux objets. Pour la deuxième scène, j'ouvrirai une autre référence. Cette fois, je crée une scène plus rapprochée où les personnages prennent plus de place dans la composition. Ce type de composition crée un sentiment plus intime. Comme ça, vous pouvez transmettre une amitié plus étroite ou même une relation romantique. Nous avons eu l'exemple similaire des deux amis dans les exercices de pratique. Ils étaient encore plus proches avec les épaules touchantes, mais la composition était plus zoomée et il y avait plus d'espace négatif autour d'eux dans la composition. Essayez de remarquer dans les films quand ils montrent des amis proches ou une conversation sincère, très souvent le cadre est zoomé et les personnages occupent une grande partie de l'espace dans la composition. Vous pouvez travailler avec les deux. Si vous voulez utiliser ce type de personnages de narration rapprochés et également zoomé dans la composition. Aussi parce que la nourriture ici est plus au premier plan, nous pouvons le voir mieux dans l'illustration. Si vous êtes d'humeur à faire la nourriture, concentrez-vous sur leur illustration avec leurs personnages. La composition zoomée peut être une chose pour vous. Vous pouvez également prendre les croquis que vous avez fait dans la leçon précédente et ajuster les formes des plaques pour s'adapter à cette composition et perspective, parce que cette fois vous regardez la nourriture sur la plaque et plus par le haut. Dans les croquis précédents, nous avons fait plus de vue latérale où les plaques ressemblent plus à une ligne droite dans le dessin. Dans ce point de vue, il sera plus dans la forme d'élite. forme organique de la nourriture aura l'air calme similaire dans cette vue. Pour remplir la composition, j'utilise l'arbre, le buisson et les lumières suspendues comme cadre sur le dessus, puis la nourriture et le vase avec des fleurs au milieu pour équilibrer l'espace vide. En tant que troisième scène, nous pouvons utiliser la première esquisse comme référence et créer des détails d'horizon similaires et la table au milieu. Je peux placer la table telle que nous l'avons examinée dans l'exemple d'une perspective à un point. Cette fois, la table est plus loin de nous en tant que spectateur, donc elle est plus petite et j'ai plus d'espace pour ajouter des caractères. Les bords du tableau sont alignés avec le bord de l'image et l'horizon. Les poses de personnages sont similaires à celles que nous avons pratiquées auparavant, donc j'ai l'impression que je n'ai plus besoin de référence pour cela. Je peux ajouter des cheveux aux personnages dans la valeur sombre cette fois pour mettre l'accent sur eux car cela crée plus de contraste. Comme vous le savez peut-être dans la classe de composition, le contraste vous aide à mettre l'accent sur le sujet dans la composition. Avant de passer à la leçon suivante, j'ajouterai aussi des ombres et des détails à ce croquis. Dans la prochaine leçon, je vais vous montrer d'autres exemples et parler des interactions avec les personnages. se voit dans la vidéo suivante. 15. Interaction de personnage: Dans cette leçon, nous allons parler de ce qu'il faut considérer lors de l'affichage de caractères interagissant les uns avec les autres. Dans cette quatrième scène, je vais esquisser une idée similaire à celle du troisième concept, mais j'ajouterai une tente derrière la table. Cela m'aidera à ancrer la composition et à rendre toute la scène plus confortable. Pour cette composition, j'utiliserai les lampes suspendues et les guirlandes pour conduire l'œil du spectateur vers le centre de la composition. Pendant que j'esquisse ceci, permettez-moi de vous en dire plus sur les interactions entre les personnages et si je pense à l'esquisse des poses et des scènes. Parce qu'il ajoute tellement à vos illustrations lorsque vous avez plus d'un seul personnage dans la scène. J' ai mentionné ce sujet également dans la classe de caractères stylisés. Vous pensez peut-être que c'est déjà assez difficile de penser à façon de concevoir et de placer un personnage dans la scène, puis le niveau suivant est de penser à deux personnages ou même plus dans la scène. Ensuite, je veux que vous conceviez également comment ils interagissent les uns avec les autres, avec un mal de tête. Ne t'inquiète pas, je t'ai eu. Ce que nous voulons réaliser avec nos illustrations et notre groupe de personnages dans la scène doit toujours être aussi clair que possible. Prenons ça pas à pas. Essayez de vous poser les questions suivantes ; pourquoi ces personnages sont-ils là ? Est-ce qu'ils s'aiment ? Quelle est l'histoire là-bas ? Ou peut-être qu'un ou plusieurs d'entre eux ne s'aiment pas ? Il y a peut-être un drame qui souffle. Peut-être qu'ils évitent le regard de l'autre. Peut-être même l'un d'eux est sur le point de dire, « Comment as-tu pu me faire ça ? » Peut-être que vous pouvez vous inspirer par l'un de vos films préférés. Ou peut-être aussi simple que ça, ils sont vraiment heureux de se voir après une longue période, et ils apprécient vraiment la compagnie de l'autre. Essayez de mettre en œuvre votre histoire. Donc ici, je vais essayer de garder cela simple. L' idée que je veux transmettre ici est que les personnages se ressemblent, et ils veulent être en compagnie de l'autre. J' essaie de le montrer par un langage corporel détendu, et ils se penchent l'un vers l'autre avec leur corps. En plus de ceux-ci, j'utilise les acclamations avec les boissons, qui dans de nombreuses parties du monde crée généralement des souvenirs heureux. Pour la cinquième scène, je prends la première esquisse comme exemple et je crée lignes diagonales pour les bords de la table au milieu. Mais cette fois, la forme de la table carrée peut devenir une couverture de balisage, et les personnages seront assis sur le sol, comme dans le troisième concept. Assis sur le sol peut évoquer sensation encore plus détendue et décontractée par rapport à s'asseoir sur les chaises lors d'un pique-Nique plus chic et organisé avec de véritables tables et coussins. Même si les deux concepts sont assez relaxants. En outre, cette scène est encadrée d'un arbre et de la brousse pour évoquer un environnement confortable et sûr et pour souligner l'endroit heureux. Je me concentre également sur les lignes de tête et l'espace négatif dans la composition à ce stade quand je sais ce que les poses peuvent bien fonctionner dans cette interaction de personnage. Comparé aux autres compositions, celle-ci est plus zoomée et dans une vue d'oiseau, regardant par le haut. Regarder du haut peut se sentir plus éloigné que les autres scènes avec un point de vue au niveau des yeux. regardant du haut, en d'autres termes, la vue de l'oiseau est plus observationnelle et peut avoir l'impression d'avoir moins de liens émotionnels avec la scène. Je pense que la vue de l'oiseau est toujours agréable lorsque vous voulez montrer l'environnement dans les films avant de zoomer sur la conversation du personnage. Dans cette scène, les personnages sont également plus éloignés les uns des autres et l'espace est plus vide dans la couverture au milieu. Donc, comme ceux-ci, il peut se sentir comme, et vous pouvez transmettre qu'ils ne sont pas un ami si proche que ceux dans le deuxième concept. Pour terminer la phase conceptuelle, dans la sixième idée, je vais dessiner la table au milieu et quatre personnages, mais cette fois je vais remplir la composition plus avec beaucoup de lanternes et d'oreillers pour le rendre vraiment confortable. En faisant cela, nous devons nous arrêter à un moment donné pour que la composition ne se sente pas trop bondée et donc en quelque sorte inconfortable et déroutant à regarder. Essayez toujours de distribuer l'équilibre de trop d'éléments et trop d'espace vide. Dans la leçon suivante, nous allons choisir une scène avec laquelle travailler plus loin en tant que projet, et nous allons tester quelques palettes de couleurs. Je te vois dans la prochaine vidéo. 16. Concepts de palette de couleurs: Nous avons pensé à quelques idées de mise en page différentes et maintenant il est temps d'en choisir une et rapidement il y a quelques palettes de couleurs. Je vais sélectionner le concept 4 parce que j'aime le confort de la tente et l' interaction des quatre personnages applaudissant avec les boissons car il évoque généralement des moments heureux avec des amis. Je garderai le croquis sur un calque séparé et je le copierai quatre fois. Fusionnez ces calques avec ces quatre esquisses. Définissez le calque avec ces esquisses pour multiplier et dessiner le test de couleur sur le calque ci-dessous. Je vais prendre un plus grand pinceau fui donc il me forcera à dessiner les couleurs dans des formes plus grandes et à ne pas me concentrer sur les détails pour l'instant. Je prends une image de référence pour m'inspirer pour la première palette de couleurs. Une des premières choses que je regarde, ce sont les verts. Remarquant de cette référence que le vert est plus léger loin de nous à cause de la lumière et plus sombre près de nous, probablement à cause de l'ombre de l'arbre au premier plan. Ces dégradés de couleur s'intègrent bien dans ma composition. Ensuite, j'aime la table blanche et les coussins et comment ils contrastent bien avec les verts de la scène. Si vous remarquez sur la référence, le rose, jaune et le bleu sont de jolis accents de couleur. Donc je peux les ajouter à la scène aussi. Je peux utiliser le jaune et le rose pour l'objet et peut-être tester le bleu sur les personnages de ma scène. Maintenant en regardant ça, je ne suis pas un si grand fan du bleu clair. Mais pour l'instant, je vais le garder et on verra. Peut-être que j'ai ajusté plus tard, mais c'est un bon test. Autre que le bleu, j'aime beaucoup cette combinaison de couleurs donc je peux copier ce test de couleur, et j'essaierai d'échanger le bleu clair contre autre chose. Par exemple, rose plus foncé ou bleu plus foncé, j'aime beaucoup cette combinaison. Pour aider la tente au milieu à se démarquer, je vais assombrir le buisson en arrière-plan. Maintenant, pour la troisième idée de palette de couleurs, je vais prendre une autre image de référence, celle que nous avons utilisée auparavant, et appliquer les couleurs. Parce que nous esquissons une idée différente, cette façon je ne copie pas exactement la référence mais je suis juste inspiré par les couleurs et une eau en arrière-plan. Ce que je peux ajouter à cette palette de couleurs, c'est la couleur des oreillers rose foncé que nous avons utilisés dans la deuxième version de couleur et je peux aussi l'appliquer à ces palette de couleurs. Cela m'arrive assez souvent. Un IBS en pare un autre, et vous pourriez finir avec un nouveau résultat que vous aimez vraiment. Comme ici, combinant des morceaux et des pièces que vous aimez de différentes versions. Même si je n'ai pas apprécié le bleu dans la deuxième version de la tenue, je l'aime bien ici comme l'eau en arrière-plan donc je vais donner au bleu une autre chance dans ces concepts. Je me souviens qu'il y avait une couverture bleue dans l'une des photos de référence, donc je vais l'ouvrir et m'inspirer pour la palette de couleurs de la référence. Aussi, si vous vous souvenez, la tente était aussi blanche et bleue et nous pouvons utiliser le mieux et l'inspiration ici aussi. En regardant ces références, les verts sont une lumière calme par rapport aux ombres et vous pouvez voir de beaux motifs d'ombres sur l'herbe. Mais dans ce cas, je n'ajouterai pas ces motifs d'ombre sur l'herbe parce que je pense que cela créerait de l'agitation sur la zone d'herbe et je veux le garder simple dans cette zone parce qu'il est déjà occupé avec les personnages et toute la nourriture délicieuse au premier plan. Ce que j'aime dans cette référence, j'avais des bâtiments en arrière-plan qui crée un cadre très intéressant, comme faire un pique-niquer dans le Central Park à New York. Lequel est votre favori ou avez-vous utilisé différentes références, peut-être coucher de soleil ou même des couleurs de nuit ? J' aime la deuxième version le plus ici. Les beaux verts et jaune foncé et rose exons avec des tons saturés, attirant l'attention sur les personnages. Je vais donc prendre cette palette de couleurs pour mon projet. Chaque fois que nous testons la palette de couleurs, si vous aimez certaines combinaisons de couleurs, n'oubliez pas de les sauvegarder pour plus tard. Ils pourraient également s'insérer dans d'autres illustrations à l'avenir. Dans la leçon suivante, nous augmenterons et ajusterons notre concept avant la coloration finale et le rendu. se voit dans la vidéo suivante. 17. Ajustements de l'ébauche: Maintenant, je vais augmenter l'esquisse pour voir si j'ai besoin d'ajuster les détails ou simplifier la composition lorsque je regarde le concept à une plus grande échelle et non pas comme une miniature. cadre de mon processus, je veux avoir une idée assez claire des éléments et des détails avant de faire la coloration finale parce que je veux l'aborder comme juste après le travail de ligne et non pas l'expérimentation en cours de route. Je vais ajuster et créer une nouvelle esquisse sur un calque séparé ci-dessus. Un moyen rapide parce que dans ce cas, je n'ai pas besoin d'un arrière-plan transparent est de prendre une capture d'écran et de l'apporter dans le nouveau Canvas. Vous pouvez voir les détails de mes paramètres Canvas ici. Mais vous pouvez choisir vos propres paramètres pour le canevas en fonction de l'endroit où vous souhaitez utiliser l'illustration finale. Ensuite, je vais mettre à l'échelle le croquis, la toile complète. Je vais ajuster et créer une nouvelle esquisse sur un calque séparé ci-dessus et prendre l'un des pinceaux d'esquisse de texture. J' utilise le même pinceau que pour les vignettes. Maintenant, en regardant le croquis, je veux simplifier donc je vais réduire la quantité des drapeaux sur la guirlande. Ce que je pense m'aidera également à simplifier la composition et toute l'illustration sera la belle symétrie des drapeaux des deux côtés, donc je vais changer cela. Je pense que je l'aime plus maintenant avec la symétrie. Les lanternes me semblent bien du croquis de vignettes précédent. Ensuite, j'ajouterai plus de feuilles et de fleurs au premier plan puisque les buissons étaient trop plats et vides à mon goût par rapport aux décorations suspendues et à tous les détails autour des personnages. Aussi créer plus d'intérêt visuel le premier plan m'aidera à équilibrer la composition. Mais ce que je vais encore faire maintenant est d'ajouter quelques lames d'herbe pour briser la ligne droite dans la composition en arrière-plan du champ d'herbe. Je vais garder l'herbe et les buissons en arrière-plan assez simple pour que les spectateurs aient un endroit agréable pour reposer leurs yeux sur un espace plus plat et vide. Nous pouvons toujours ajouter quelques détails subtils plus tard si nous en avons envie. Ensuite, je vais décrire les caractères en fonction de l'esquisse de la structure à partir de la vignette. Si vous n'êtes pas sûr, veuillez utiliser des références pour les vêtements et les cheveux. Je marquerai aussi le placement approximatif pour les entités faciales et plus tard, je prévois de définir les caractères plus sur un calque séparé avant de déplacer la couleur. Mais pour l'instant, c'est bon. Comme mentionné, cela m'aide à accélérer le processus quand j'ai un croquis assez clair lorsque je travaille dans ce style. En ce qui concerne les tenues, je vais garder les vêtements assez simples, peut-être en ajustant un peu ici et dessiner des shorts, des pantalons, des chemises simples, et des t-shirts lâches. Je vais également ajuster et définir les coiffures à ce stade. Maintenant, je vais travailler plus sur les détails du personnage sur un calque séparé au-dessus de l'autre esquisse. Je vais réduire la taille du pinceau et plus haut dans la rationalisation ce qui m'aidera à créer des lignes plus lisses. Comme je l'ai mentionné précédemment, lorsque vous définissez les caractères, cela dépend de votre style préféré et nombre de détails que vous souhaitez ajouter, et de la façon dont vous stylez les caractères. Comme je parle beaucoup dans mes autres classes de personnages, j'aime garder les formes assez simples et en ajoutant quelques détails comme des lignes dans les cheveux, quelques brins lâches dans les coiffures, et quelques détails sur les vêtements, je suis essayer de garder les personnages simples, aussi un peu plus réels tout en essayant de les garder stylisés. Bien sûr, n'hésitez pas et créatif pour garder les vêtements. Nous n'avons pas de plis et de détails alors je crée ici. Aussi avec d'autres détails, anatomie peut être assez difficile. Si vous avez du mal à définir les mains, ne vous inquiétez pas, elles sont difficiles à faire. J' ai parfois besoin de quelques essais pour le faire correctement et essayer d'utiliser des références. Si j'en ai besoin, je prends habituellement une photo de ma propre main devant le miroir tenant un objet similaire que je veux dessiner. Aussi pour simplifier lors de l'esquisse de la main, je commence toujours avec la forme de la mitaine, puis j'ajoute les doigts. Comme vous pouvez le constater, je suis aussi inspiré par les tenues des images de référence que nous avions regardées auparavant. Beaucoup de personnages dans ces environnements avaient soit des shorts, t-shirts à manches courtes, ou des robes. J' essaie de créer une variété ainsi que des similitudes. Par exemple, deux filles sont en bref, mais l'une a chemise plus lâche et l'autre a chemise plus serrée. En outre, deux filles sont en chemises lâches, mais l'une a court et l'autre a un pantalon long et ainsi de suite. La même chose avec le dessin des cheveux, j'essaie de créer une certaine variété dans les coiffures même si tous ont des cheveux longs. Essayez d'être créatif ici aussi. Vous pouvez bien sûr créer encore plus de variété dans les coiffures et la tenue si vous le souhaitez. Je suis assez heureux avec cela, j'espère que vous êtes aussi bien avec votre concept. Passons maintenant à la leçon suivante où nous allons faire des tests de couleur du concept final. se voit dans la vidéo suivante. 18. Test de couleur: Après avoir ajusté la composition, je vais faire un autre test de couleur rugueuse pour voir si j'ai besoin d'équilibrer les choix de couleur que j'ai faits sur la vignette pour mettre l'accent sur certaines zones. Définissez le calque avec ces esquisses pour multiplier et dessiner le test de couleur sur le calque ci-dessous. Je vais prendre un plus grand pinceau fui donc il me forcera à dessiner les couleurs dans des formes plus grandes et à ne pas me concentrer sur les détails pour l'instant. Basé sur la vignette de couleur choisie, je pose rapidement les couleurs que j'ai d'abord choisies, puis je pense, si j'ai besoin d'équilibrer la mise au point dans la composition plus. Nous avons mentionné le cadrage, l'espace occupé et vide, les lignes de tête et le contraste, pour vous aider à mettre l'accent sur votre sujet dans la composition. Un autre outil que vous pouvez utiliser pour mettre l'accent sur votre sujet est la couleur. Si vous avez regardé mon cours de composition, vous avez déjà entendu parler de ça. Si ce n'est pas le cas, s'il vous plaît aller voir cette classe aussi pour construire dessus. Dans ce test de couleur, je me concentre sur la couleur et le contraste dans les valeurs. Avec les couleurs à l'esprit, j'utilise des tons plus chauds et vibrants pour aider à mettre l'accent sur mes personnages dans la composition. En ce qui concerne le contraste, j'utilise les valeurs de lumière contre les valeurs sombres, que vous pouvez voir est des buissons sombres en arrière-plan pour mettre l'accent au centre de la composition dans mes personnages. Aussi, si vous voulez construire sur le récit visuel et comment travailler avec l'accent sur votre sujet dans l'illustration, vous pouvez également regarder ma masterclass couleur et lumière, où je vous montre encore plus d'exemples sur la façon de le faire. Comme vous pouvez le voir pour les personnages, j'essaie d'équilibrer la variété dans l'illustration, et dessiner des personnages avec différents tons de couleur de peau et différentes couleurs de cheveux. J' aime vraiment la variété dans le monde et la façon dont le groupe d'amis peut être international. Chacun a sa propre histoire de vie et son contexte différent, ce qui rend la vie quotidienne plus intéressante et vibrante. J' aime toujours entendre parler des histoires de vie des gens, des expériences de voyage, des conseils alimentaires, etc. Chaque fois que nous voyageons, j'essaie d'aller à des groupes Meetups locaux pour apprendre à connaître de nouvelles personnes et peut-être essayer un nouveau sport, nourriture et des passe-temps. Tu as essayé ça aussi ? Quoi qu'il en soit, s'il vous plaît rester en sécurité et si vous y allez seul,assurez-vous toujours de dire à quelqu'un où vous allez et qui vous rencontrez plaît rester en sécurité et si vous y allez seul, , et quand vous revenez. Je vais généralement à des groupes Meetups sportifs, visites guidées de la ville, visites de musées d'art ou à des groupes Meetups café. Assez sur le voyage, revenons à notre illustration. Pour revenir à cette illustration, comme vous pouvez le voir, j'utilise la plupart des couleurs vives autour des personnages pour garder le focus là-bas. Par conséquent, lorsque je colore les lanternes et les lumières au-dessus de la composition, je les garde dans des tons plus stables et neutres, puisque je ne veux pas trop d'attention dans cette partie de l'illustration. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez dessiner ici l'apparence de vos amis ou de votre famille ou l'imagerie d'une situation future parfaite. Par exemple, vous pouvez aller à la rencontre de pique-niques à Central Park à New York et rencontrer un tas de nouvelles personnes ou imaginer un autre endroit où vous voulez aller. Je pense que je suis content de ce test de couleur et je crois qu'il est bien équilibré. Ensuite, je vais nettoyer l'illustration avec des bords lisses et des formes propres. Comme mentionné précédemment, cela dépend de votre style et vous pouvez toujours prendre une approche plus picturale. Si vous n'aimez pas le style et les formes de découpe de papier propre dans l'illustration. Maintenant, passons à la leçon suivante afin que je puisse vous montrer comment j'aborderais ce type de coloration. se voit dans la vidéo suivante. 19. Couleurs de base: Nous avons testé les couleurs et les compositions, et maintenant il est temps de finaliser l'illustration. Cela, bien sûr, dépend de vos préférences de style. Pour cela, je vais copier ma toile et préparer de nouvelles couches. Je vais supprimer le calque d'esquisse d'origine, et je l'ai toujours sur le canevas copié d'avant si j'ai besoin d'y revenir. Je garderai mon test de couleur dans la fenêtre de référence en haut à gauche afin que je puisse vérifier et regarder en arrière tout en dessinant. Je vais fusionner les calques d'art linéaire de référence et le définir pour se multiplier, et je vais travailler sur les couleurs sur les calques ci-dessous. Pour ce cadran, je vais choisir une brosse avec des bords lisses. J' aime actuellement celui-ci, mais vous pouvez choisir n'importe quel autre pinceau que vous aimez. Je vais travailler avec la palette de couleurs que j'ai testée sur les vignettes et j'en ai sauvé quelques tons colorés en cours de route. N' hésitez pas à utiliser d'autres couleurs que vous pourriez avoir testées en cours de route. Chaque fois que nous testons une palette de couleurs, si vous aimez certaines combinaisons de couleurs, n'oubliez pas de les sauvegarder pour plus tard. Ils pourraient également s'insérer dans d'autres illustrations à l'avenir. Ici, d'abord je vais créer des formes pour les buissons avant et la plante. Avec le pinceau lisse, je vais dessiner un contour suivant mon travail de ligne d'avant, puis simplement glisser et déposer la couleur dans cette forme. À ce stade, je n'ai pas besoin de réfléchir beaucoup aux couleurs car j'ai pris la plupart de ces décisions dans les étapes précédentes. Ceci, je suis limité avec les calques, je vais diviser l'illustration en parties de vue. La plupart du temps, j'ai scindé mes illustrations en premier plan, milieu de terrain, en arrière-plan et en caractères. J' ai trouvé cela très utile quand j'ai besoin d'ajuster les pièces et peut-être peindre derrière certains éléments ou déplacer les personnages si j'en ai besoin. Pour le milieu du sol, je vais créer un dégradé de couleur de l'obscurité à la lumière comme nous l'avons vu précédemment dans la référence. Pour cet effet, j'utiliserai un outil de flou gaussien sur la couche ou vous pouvez peindre cet effet avec une brosse douce. Il y a plusieurs façons de finaliser les couleurs. Dans cette classe, je vous montre une combinaison de séparer certains éléments en couches et d'utiliser un pinceau au lieu d'un outil lasso. Parce que j'utiliserai une toile plus grande, je serai limité avec des calques, comme je l'ai mentionné, et c'est pourquoi je devrai combiner quelques calques et parties des illustrations sur certains calques. Autre approche, j'utilise parfois avec des illustrations est d'utiliser des pinceaux pour peindre les couleurs plus organiquement et scalped avec des couleurs sur un seul calque. J' aime vraiment cette approche et cette option pour un projet personnel. Une autre approche consiste à utiliser l'outil lasso pour définir chaque forme sur un calque séparé. Si vous avez chaque couleur ou chaque objet sur un calque séparé, il est plus facile d'utiliser des pinceaux de texture. J' utilise souvent cette façon plus organisée pour un projet client. En raison de cette taille de toile, et en raison de la RAM de mon iPad, j'ai 12 couches disponibles. Je peux évidemment créer plus de couches. Ce ne sont que le premier plan, le milieu, arrière-plan et les personnages, que j'ai déjà mentionnés. Mais c'est mon idée générale pour les calques, ou un contour, comment organiser mes calques. Comme vous pouvez le voir, je travaille mon chemin à travers les couches illustrant d'abord les éléments naturels, pour créer l'environnement. Si vous le souhaitez, vous pouvez également commencer avec les caractères en premier. J' ai séparé les couches dans les feuilles avant, les buissons, les arbres, l'herbe et le ciel, et ensuite, j'ai fait des couches pour les lanternes, drapeaux et autres objets décoratifs. Ensuite, je crée une couche pour la tente, la table et la couverture ensemble sur une couche séparée. Dans une couche séparée pour les détails sur la table, donc je peux facilement les déplacer à différents endroits sur la table si je le veux. Lorsque vous dessinez de la nourriture sur la table, n' hésitez pas à ouvrir les références. Mais comme vous le savez, nous avons déjà pratiqué la pastèque, donc je n'ouvrirai pas de référence pour celui-ci. Mais pour les croissants que j'aime, mais je ne peux pas manger à cause de l'intolérance au gluten, j'ouvrirai à nouveau une photo de référence. Pour rester simple, je dessine une couleur pour la base et les tons plus clairs pour mettre ses plis dans la pâte des croissants. Maintenant, je veux vraiment manger des croissants. Je ne devrais pas dessiner des croissants probablement dans les illustrations ou je devrais faire cuire un peu sans gluten à la maison. Eh bien, quand vous êtes satisfait de la forme d'un croissant illustré, vous pouvez simplement la copier sur d'autres plaques pour accélérer le processus d'illustration. Ensuite, je peux passer à ajouter des couleurs de base pour les caractères. Ici, je peux simplement suivre les formes que j'ai définies au niveau de l'esquisse avec les mêmes couleurs que sur le test de couleur dans la référence. Parce que j'ai déjà fait toutes les formes et décisions de couleur, je peux garder toutes les formes de personnage sur un seul calque facilement. Lorsque vous illustrez les verres avec des boissons, j'ajoute un melon pour apporter plus de couleur à l'illustration. Aussi, j'imagine qu'ils boivent du jus ou d'autres boissons aux fruits. Pour montrer seulement le matériau en verre transparent, je n'utilise qu'un contour blanc. Pour montrer l'effet de l'eau, je fais la paille plus foncée dans l'eau et un ton de couleur plus clair au-dessus de l'eau. À la fin de ce processus de couleur de base, j'ajoute de la couleur pour les arbres, ce que j'ai oublié à ce stade quand je coloriais les arbres. Eh bien, alors j'ajoute quelques fleurs au premier plan car j'ai l'impression qu'elles ne sont presque jamais trop de fleurs autour. Mais, bien sûr, c'est à vous de décider. J' aime juste les illustrations avec beaucoup de fleurs et de plantes en eux. Dans la leçon suivante, nous ajouterons des ombres pour créer une impression de volume dans l'illustration. se voit dans la vidéo suivante. 20. Ombres: Maintenant, quand j'ai toutes les couleurs de base, j'ajouterai des ombres simples pour créer un sentiment de volume dans l'illustration. Avant de travailler sur les ombres, je vais copier le Canvas au cas où j'aurais besoin de fusionner des calques. J' utiliserai la technique de sélection automatique et l'outil pour sélectionner les zones où je veux ajouter l'ombre. Parce que j'ai toutes les différentes parties des personnages sur un seul calque, cette technique m'aide à accélérer le processus et ne pas m'inquiéter d'être précis dans certains domaines. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire sur le T-shirt de ce personnage. Je vais aller à l'outil de sélection automatique et cliquer sur la zone que je veux sélectionner, et sans soulever le stylo, je vais faire glisser vers la droite sur la toile. En haut de votre écran, vous pouvez voir le pourcentage de seuil. Indique combien de la zone et les pixels environnants seront sélectionnés. Pour ce style, je vais choisir une brosse avec des bords lisses, mais vous pouvez choisir n'importe quelle autre brosse que vous aimez. Quand j'ai la sélection prête, je peux dessiner l'ombre et je n'ai pas à m'inquiéter de tous les bords que je dessine. Je peux être plus lâche, par exemple, dans la zone de la taille et le dos du personnage où cette ombre est proche des bords de la silhouette de la chemise. Je vais continuer à sélectionner une pièce à l'aide de l'outil de sélection automatique toujours à partir du calque de couleurs de base, puis dessiner les ombres sur le calque d'ombres , puis répéter et répéter. Je pense à l'objet angulaire comme une tente, une table, et le pique-nique où les ombres seront plus droites en suivant les formes de ces objets. Ensuite, nous avons les ombres qui suivront les formes organiques des formes plus arrondies comme les personnages et la nature, comme nous pratiquons sur le ballon et les bulks dans les leçons précédentes. En fin de compte, j'ajoute aussi des formes subtiles comme des ombres à l'arrière-plan sur les buissons plus sombres et sur l'herbe pour briser les grandes zones vides. Comme je l'ai déjà dit, nous ne voulons pas trop d'attention dans ce domaine parce que je veux garder l'accent sur les personnages. Mais il est également agréable d'ajouter une subtile variété de couleurs, de texture et de détails dans de grandes surfaces plus vides comme le fond de l'herbe et les buissons dans ce cas. Dans la prochaine leçon, nous ajouterons des faits saillants qui nous aideront à rassembler toute l'illustration. se voit dans la vidéo suivante. 21. Points saillants: Je pourrais garder l'illustration sans les faits saillants parce que je pense que cela fonctionne bien déjà. Mais les points forts peuvent ajouter ces belles parlé à certains éléments et même rapprocher toute l'illustration. Vous pouvez voir ce que je veux dire, décider par vous-même si vous voulez des faits saillants ou non. Je copierai à nouveau mon illustration, puisque j'ajouterai directement les surlignements sur les calques. Avant d'ajouter des surlignements à l'illustration, je vais essayer d'ajouter du jaune dans le ciel. Parce que dans l'ensemble, je pense que ce serait bien d' avoir un plus chaud faits saillants dans l'illustration. En plus des tons chauds subtils en arrière-plan, cette lumière jaune dans le ciel créera textures plus intéressantes dans cette zone avec le dégradé doux. Ces petits ajustements aideront également à briser ces grands espaces vides là sans attirer trop d'attention sur cette zone. Afin d'utiliser les formes des éléments sans redessiner les bords, j'utilise Alpha look sur chaque calque où je dessine le surlignement. Ce processus me fera gagner du temps car je n'ai pas besoin d'être précis et je n'ai pas à dessiner les bords de chaque objet séparément à nouveau. Après avoir créé cette forme, j'ai l'impression qu'il y a trop de dominance dans la composition et qu'il faut trop d'attention, et c'est enlever l'attention aux personnages en créant ce contraste dans les formes. Pour réduire le contraste, j'utilise un pinceau avec une texture pour adoucir les bords. J' utilise une couleur similaire à la couleur de base de l'objet, puis j'ai décidé d'essayer si j'aime ce ton jaune comme point culminant. J' essaie même un peu de texture dans les faits saillants, et même ici. Après avoir créé un surlignement lumineux sur le tronc de l'arbre, je réduit l'intensité avec la couleur similaire à la couleur de base de l'arbre. Pour les surlignements sur les caractères, je crée un calque séparé et utilise un masque d'écrêtage au-dessus du calque avec des caractères. Cela me permettra de tester et d'ajuster rapidement les surlignements car je pourrais vouloir essayer différentes versions de ces surlignées par rapport à des formes plus simples de l'objet dans la composition. Les personnages sont toujours plus compliqués, comme vous le savez peut-être déjà. Le masque d'écrêtage et le dessin sur un calque séparé me permettent d'être plus flexible. Si j'ai un nombre illimité de calques, j'utiliserais le masque d'écrêtage pour tous les éléments de l'illustration. Après avoir regardé l'illustration dans son ensemble, avec les faits saillants aujourd'hui, je voulais créer, fait. J' ai décidé de simplifier les faits saillants sur la verdure et d'utiliser des couleurs plus subtiles sans aucune texture. Cela m'aidera à équilibrer la composition et l'accent. Dans ma version finale, j'utiliserai des tons plus clairs comme point culminant de chaque élément couleur sur chaque élément. Notez également que j'utilise un ton de couleur plus claire de chaque couleur d'élément au lieu d'un blanc pur pour garder les reflets toujours colorés. Je pense que c'est assez ou surlignements pour cette illustration à mon goût, et finissons l'illustration dans la leçon suivante, où je vais vous montrer quelques-uns de mes détails et ajustements préférés. se voit dans la vidéo suivante. 22. Détails finaux: Dans cette leçon, je vais vous montrer quelques choses que vous pourriez ajuster comme détails finaux. Nous examinerons les lanternes et les lanternes cordes, la texture de la tente, les visages, détails du plan, les oreillers, les réglages de contraste, rétroéclairage et une certaine texture. D' abord la longueur et les cordes. Après avoir regardé l'illustration, j'ai remarqué qu'il serait bien d'avoir les cordes ou les lignes pour les petites lumières sur le dessus de l'illustration plus visibles. On dirait actuellement qu'il est juste suspendu en l'air. J' essaie ici quelques couleurs et puis atterrissent sur le dégradé de la lumière à l'obscurité afin qu'ils se fondent bien dans l'environnement. Maintenant, pour la tente. Si vous vous souvenez, il y avait une belle texture sur la tente dans nos photos de référence. Au début, je n'étais pas sûr que l'ajout du motif à la tente ne prendrait pas trop d'attention de la part des personnages. Si vous pensez, puis-je utiliser des textures pour attirer l'attention sur les objets ? Eh bien, oui, vous pouvez. Par exemple, si l'un des personnages a une chemise rayée noire et blanche, nous remarquerions ce personnage encore plus dans la composition. Si vous voulez ajouter de la texture à la tente, il doit être très subtil pour ne pas trop se concentrer sur les personnages. Par conséquent, j'utilise seulement un ton de couleur légèrement plus clair que la couleur beige clair de la tente. Maintenant, pour les visages comme l'étape suivante, je veux attirer plus d'attention sur les visages des personnages. Donc, je vais rendre leurs traits plus foncés et ils vont plus contraster avec la peau. Comme vous pouvez le voir, j'utilise des tons plus foncés pour les sourcils, les yeux, et j'ajoute une couleur subtile aux lèvres. Selon vos préférences de style, vous pouvez rendre les lèvres plus grandes ou plus petites, ou simplement dessiner une ligne sans utiliser de couleurs plus chaudes et plus saturées pour les lèvres. Vous pouvez également ajouter du blanc aux yeux pour faire ressortir les yeux plus sur le visage. C' est à vous de décider. Essayez d'expérimenter et vous pouvez regarder plus d'artistes que vous aimez et suivre comment ils abordent les traits du visage. Maintenant, si vous regardez les plantes au premier plan, j'ajouterai aussi quelques lignes sur les feuilles pour définir la forme de ces feuilles et apporter plus de réalisme naturel à l'illustration stylisée. En plus de cela, je vais ajouter quelques formes de couleurs pour suggérer les fleurs en arrière-plan. Comme vous pouvez le voir pour suggérer ces fleurs, je ne fais que dessiner des formes simples. En ajoutant plus de fleurs à travers la composition, je pense que cela rend l'illustration plus confortable et accueillante. Lorsque nous parlons d'ambiance accueillante et relaxante, ajoutons quelques oreillers supplémentaires dans la tente. Si vous vous souvenez, je les avais aussi à l'étape du concept, et je ne les ai pas dessinés lors de la définition des tons de couleur de base. L' ajout des oreillers dans le groupe m'a également aidé à apporter plus de couleur au centre de l'illustration afin que le spectateur puisse en explorer plus à partir de là. Lorsque nous pensons à attirer l'attention du spectateur, les yeux de tous les personnages au milieu agissent également comme une ligne de conduite vers les personnages de la tente. Nous menons l'œil du spectateur vers eux, puis les personnages se regardent les uns les autres, ce qui ramènera le spectateur au centre de la composition. Nous gardons l'accent là-bas. Maintenant sur le réglage du contraste. Pour apporter encore plus de concentration à nos personnages et au centre de la composition, je vais rendre les ombres sous les personnages et la table plus foncée. Rappelez-vous, le contraste des valeurs crée également une mise au point dans la composition. A ce stade, je vais également vérifier l'illustration et fixer quelques bords que je n'aime pas ou peut-être que j'ai manqué quelque chose. En plus de cela, j'ai décidé de brouiller le bord de l'ombre sur la chemise car j'ai remarqué qu'il est un peu trop défini à mon goût et créer un contraste inutile dans ce domaine. C' est juste une préférence personnelle et vous pouvez décider de garder les ombres comme vous le souhaitez. Ensuite, nous pouvons parler du rétro-éclairage et du ciel. En regardant l'illustration, la silhouette du buisson est également tout à fait définie à mon goût dans cette illustration. Je réduirai l'accent sur cette silhouette définie ou en d'autres termes, le bord du buisson sombre en arrière-plan et j'ajouterai une douce lueur du ciel. J' utilise une brosse douce sur une couche séparée dans la couleur bleue plus claire. Ensuite, je vais changer le calque en mode de fusion d'écran et je réduis l'opacité. Ce petit changement apporte également plus de réalisme à l'illustration où l'on imagine que le ciel brille un peu et qu'il y a de la lumière qui vient de là. Comme l'une des dernières étapes, je vais ajouter un peu de texture. Pour imiter une impression artistique plus artisanale ou traditionnelle de l'illustration à la fin, vous pouvez ajouter de la texture en ajoutant du bruit sur le calque séparé au-dessus de l'illustration, comme je le fais ici. Je vais le définir sur le mode de fusion superposé et je réduit l'opacité. Ou vous pouvez numériser un papier aquarelle, ce que j'aime faire assez souvent, ou vous pouvez simplement acheter ce papier de texture aquarelle sur une plate-forme de stock et ajouter sur un calque séparé au-dessus de l'illustration, puis vous il suffit de changer le mode de fusion. Ok, je pense que je ne ferai plus de changements ou d'ajustements à ce stade. Appelons cette illustration terminée. 23. Réflexions finales: Comment ça s'est passé ? J' espère que vous avez eu beaucoup de plaisir à créer votre propre illustration inspirée de l'été, et vous vous sentez maintenant plus confiant d'illustrer des personnages dans des environnements, interagissant les uns avec les autres. Pour résumer de la classe, si vous voulez approfondir les connaissances que vous avez apprises dans cette classe, vous pouvez regarder mes autres classes sur les personnages appelés design stylisé, et les gestes de personnages, et mes sur les compositions et la perspective. Vous pouvez simplement visiter mon profil d'enseignant pour les trouver. N' oubliez pas de partager vos projets de classe dans la section projet. J' ai hâte de voir toutes vos œuvres impressionnantes, et si vous voulez que je partage également vos illustrations sur Instagram, s'il vous plaît ajouter votre handle Instagram afin que je puisse vous aider et votre art à être découvert par plus de gens. Si vous aimez la classe, veuillez laisser un commentaire parce que, tout d' abord, je l'apprécie beaucoup, et deuxièmement, vous aiderez également d'autres élèves à découvrir la classe, et vous pourriez aussi contribuer à leur parcours artistique. 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