Transcription
1. Introduction: Je vais vous apprendre les bases de la photographie que vous puissiez prendre de meilleures photos, et progresser en tant que photographe. Je m'appelle Evangelos Anagnostou, et je suis vidéaste et photographe qui aime tirer sur les gens et les paysages. Dans le cours d'aujourd'hui, nous discuterons des bases de la photographie. comprenant le fonctionnement de notre appareil photo, nous serons en mesure de comprendre ce qu'est l'exposition, et comment nous pouvons obtenir l'exposition optimale pour une belle image. Je pense vraiment que la photographie, n'est pas la science des fusées. Ce n'est pas si difficile. Une fois que vous aurez compris les bases, et avec beaucoup de pratique, d' essais et d'erreurs, vous serez en mesure de prendre des photos impressionnantes. Mais faisons un retour en arrière. C' est moi, un gamin de 14 ans, achète mon premier appareil photo compact, et commence à documenter ma vie. A ce moment-là, mes photos craignent. Je ne savais pas comment définir les paramètres de mon appareil photo. Je tournais en mode auto, ma composition était vraiment mauvaise, et je ne racontais aucune histoire. Ce n'est que lorsque j'ai compris les bases de la photographie que j'ai commencé à améliorer mes photos. Après avoir exploré ce qu'est la composition, et une fois que j'ai appris la technique de la photographie, ce qui est l'ouverture, ce qui est la vitesse de braquage, ce qui est l'ISO, seulement alors que j'ai commencé à avoir un contrôle créatif sur mes photos. Le but est que vous devez être celui qui décide comment vos photos vont se passer. bref, dans ce cours, nous allons découvrir comment choisir les bons paramètres de la caméra pour obtenir une exposition optimale, comment utiliser la mise au point manuelle et automatique avec succès, ce qui est la balance des blancs et comment nous pouvons l'ajuster. Comment obtenir une composition visuellement intéressante, et dans cette partie les gars, nous aurons un projet de cours cool. Comment manipuler la lumière. Aussi, je vais vous donner quelques conseils d'édition cool pendant que je retouche des photos de zéro à la fin. Nous allons également découvrir pourquoi il est préférable de tirer en RAW, et quand prendre des photos en JPEG, et s'il est préférable d'acheter un appareil photo plein ou un facteur de recadrage si vous venez de commencer maintenant. Pour conclure, ce cours est fait pour tous ceux qui veulent améliorer leurs compétences en photographie et être en mesure de prendre de meilleures photos. Maintenant, si vous n'avez pas de reflex numérique ou d'appareil photo sans miroir, c'est toujours bon. Votre smartphone fonctionne également puisque les principes fondamentaux ou la photographie sont les mêmes pour chaque appareil photo. Fêtons la photographie. Commençons.
2. Projet du cours: C' est l'heure de notre projet de cours. J' ai fait le même projet en 2018 quand je suivais un cours de photographie à l'Université de Laponie et ce projet m'a aidé massivement à mieux composer mes photos, donc je vous le recommande fortement aussi. Le projet est de regarder des copies papier de magazines ou de journaux que vous avez déjà disponibles dans votre maison. Trouver cinq photos qu'ils sont frappants et inspirent vous les découper avec un ciseau, les
coller au mur de votre chambre, ou les coller à votre journal et il peut être tout type de photo, photographie de
rue, mode, portraits, paysages, architecture, tout ce que vous aimez. Être capable de regarder tous les jours un art cool qui vous excite, rend votre cerveau familier avec la composition de ces photos. Cela vous aidera inconsciemment à appliquer ce style de composition dans vos propres photos aussi. Je pense qu'il est vraiment important de voir et de sentir de temps en temps des photographies imprimées. Depuis ces jours, la majorité de la photographie avec
laquelle nous interagissons est dans les médias sociaux. De plus, avec cette façon, vous créez un joli coin d'art dans votre chambre. Lorsque vous avez fini avec les cinq photos, prenez une photo de ce collage que vous venez de créer, partagez-le avec moi et la communauté en revenant dans ce cours et en publiant ce collage photo dans la section projet. J' aimerais vous donner mes commentaires. Sentez-vous libre au fil des temps pour élargir votre collage avec de nouvelles photos intéressantes. Va m'impressionner avec tes cartes et tes sélections. J' ai hâte de voir ce que tu vas trouver.
3. Comment fonctionne votre appareil photo: Expliquons rapidement comment un appareil photo reflex numérique et comment fonctionne réellement un appareil photo sans miroir. C' est une partie importante car si vous comprenez le fonctionnement de votre appareil photo, vous pouvez être beaucoup plus créatif avec votre photographie. Que signifie DSLR ? DSLR signifie appareil photo numérique à objectif unique reflex. Numérique parce que c'est un appareil photo numérique et nous n'utilisons pas de film. seul objectif parce que nous avons juste un seul objectif devant la centrale et puis réflexe parce que la lumière provenant de l'objectif frappe un miroir, rebondit dans un prisme, puis finit dans le viseur d'où nous pouvons voir précisément ce que la lentille voit à ce moment précis. Dès le début, c'est un corps de caméra et c'est un objectif. La lumière pénètre dans l'appareil photo à travers l'objectif, puis les objectifs ont plusieurs éléments en verre qu'ils peuvent concentrer la lumière sur le film, ou dans notre cas, sur le capteur de l'appareil photo, qui est positionné à l'intérieur du corps de la caméra. Maintenant, si vous tournez l'anneau de zoom
, les éléments de verre de l'objectif se déplacent également et cela entraîne un changement de grossissement de ce que vous capturez. Il y a un autre anneau sur votre objectif, la bague de mise au point et lorsque vous effectuez des ajustements, d'autres parties de votre objectif sont en mouvement qui contrôlent la partie de votre photo mise au point. Maintenant, au milieu de l'objectif, il y a un autre mécanisme appelé ouverture. Aperture possède plusieurs lames qui peuvent s'ouvrir ou se fermer, ce qui permet à plus ou moins de lumière d'entrer dans le capteur de la caméra. Lorsque l'ouverture est large, alors plus de lumière pénètre et frappe le capteur de plusieurs directions différentes, créant une faible profondeur de champ d'autre part, lorsque vous fermez cette ouverture, moins de lumière entre, frappant le capteur d'une direction droite, créant une profondeur de champ plus profonde, mais nous allons plonger plus profondément dans le chapitre suivant, apprenant comment l'ouverture fonctionne et comment elle affecte notre photo de manière créative. Maintenant, lorsque vous appuyez sur le bouton de l'obturateur, le miroir se retourne pour permettre à la lumière de poursuivre son voyage vers le capteur de la caméra. Juste après que le miroir est levé, l'obturateur s'ouvre, exposant le capteur à la lumière. Lorsque l'exposition est terminée, l'obturateur se ferme et le miroir recule à la position précédente, ce qui nous permet de regarder à nouveau à travers le viseur comme nous l'avions fait auparavant. Dans la dernière étape, la lumière frappe le capteur de la caméra et l'image projetée est enregistrée. Un appareil photo sans miroir fonctionne maintenant exactement de la même manière, mais il n'y a pas de miroir entre l'objectif de l'appareil photo et le capteur de l'appareil photo. En outre, au lieu du viseur optique, nous avons dans le viseur électronique qui utilise le capteur réel pour prévisualiser ce que nous allons capturer.
4. Paramètres d'exposition: Le mot Photographie dérive des mots grecs anciens phos ou lumière et grapho ou écrire. photographie signifie écrire avec la lumière, tandis que l'art de l'écriture, c'est sur le point de raconter une histoire avec une bonne façon. C' est aussi le regard avec la photographie. Au lieu de penser à ces mots lisibles sur une histoire, nous choisissons la bonne quantité et la bonne qualité de lumière afin que nous puissions capturer une superbe photo. Voici l'exposition. L' exposition est la quantité de lumière qui atteint le capteur de votre appareil photo. Il détermine l'obscurité ou la luminosité de vos photos et il y a trois paramètres principaux dans votre appareil photo qui affectent l'exposition,
l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO, pour être honnête, l'exposition est un sujet déroutant même pour photographes expérimentés. Rappelez-vous que nous n'essayons pas seulement de prendre une photo avec une luminosité correcte parce que cette chose peut être fait aussi bien à partir de nos caméras lorsque nous tournons en mode auto, nous voulons obtenir une bonne exposition mais aussi en même temps, nous profitent des effets créatifs secondaires uniques que la vitesse d'obturation et l'ouverture ont. Notre mission est d'équilibrer la vitesse d'obturation, l'ouverture et l'ISO. Le reste de la photo se sent et semble bien. Commençons par la vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation est la durée pendant laquelle l'obturateur reste ouvert, exposant le capteur de la caméra à la lumière. Nous mesurons la vitesse d'obturation en secondes et la gamme la plus courante de vitesses d'obturation s'étend de 30 secondes à un huitième millième de seconde. Comme nous l'expliquons, lorsque nous appuyons sur le bouton de
l'obturateur, la lumière passe à travers
la lentille, le miroir tourne vers le haut et le premier rideau de l'obturateur tombe, exposant notre centrale à la lumière. Cela se produira pendant le temps que nous avons choisi en réglant la vitesse d'obturation. Lorsque l'exposition est terminée, le second rideau est relâché pour recouvrir le capteur. Voyons voir et entendre maintenant ensemble, comment est d'avoir une vitesse d'obturation rapide. Je vais régler ma vitesse d'obturation à un quatre millième de seconde. C' est assez rapide. Dans ce cas, nous ne laissons pas beaucoup de lumière atteindre notre capteur. Maintenant, je veux montrer comment est d'avoir une vitesse d'obturation lente. Réglons notre vitesse d'obturation à deux secondes. Entendons encore ça. C' est beaucoup plus lent, donc nous laissons entrer beaucoup de lumière dans notre capteur de caméra. Voyons maintenant quel est l'effet créatif secondaire que vitesse d'
obturation offre à une photo et cet effet est de geler ou de brouiller le mouvement. En utilisant une vitesse d'obturation rapide, nous pouvons geler le mouvement sans avoir de flou du tout comme ce photographe qui a pu geler le moment en utilisant une vitesse d'obturation rapide et en attrapant ce claquement de guépard. D' un autre côté, en utilisant une vitesse d'obturation lente, nous pouvons mettre en valeur le flou de mouvement sur les parties mobiles de la scène que nous tournons. Par exemple, ces grands sentiers avaient besoin d'une vitesse d'obturation lente pour être capturés. Maintenant, ce diagramme présente la relation entre la vitesse d'obturation, la lumière et le mouvement. En utilisant une vitesse d'obturation rapide, moins de lumière atteint le capteur et nous gelons le mouvement. En utilisant une vitesse d'obturation lente maintenant, nous laissons plus de lumière pour atteindre notre centrale, mais nous sommes en train de brouiller le mouvement. Une autre chose que nous pouvons contrôler avec la vitesse d'obturation est le tremblement de la caméra. Même si nous essayons de maintenir notre appareil photo stable pour obtenir la photo, il y a toujours un mouvement subtil de la caméra à moins que nous n'utilisions le trépied. Si vous obtenez une image floue ou lorsque vous photographiez à main, alors la solution est d'augmenter la vitesse d'obturation. Avoir une vitesse d'obturation plus rapide. Je recommande quelque chose comme cent cinquantième de seconde pour obtenir un résultat net. Une astuce supplémentaire est que lorsque vous photographiez avec un objectif à longue distance focale, comme un téléobjectif, vous devriez utiliser une vitesse d'obturation encore plus rapide afin d'éviter les secousses de l'appareil photo. Cependant, de nos jours, de nombreux objectifs ont une stabilisation optique et certains corps de caméra, ils ont la technologie qui est appelée IBIS, comme dans la stabilisation de l'image corporelle, une technologie qui déplace le capteur à l'intérieur la caméra dans afin de compenser le tremblement de la caméra. La combinaison de ces méthodes de stabilisation nous permet de tirer avec des vitesses d'obturation plus lentes. Malgré toutes ces nouvelles technologies de stabilisation d'image, je vous recommande fortement de mettre vos mains dans votre appareil photo, jouer avec vos réglages de vitesse d'obturation et les différents objectifs que vous avez, puis d'examiner les photos que vous prenez . Chaque appareil photo est différent et avec des objectifs différents crée des résultats différents. Comme nous l'avons dit, l'ouverture d'une lentille est l'ouverture à travers laquelle la lumière passe sur son chemin vers le capteur. En contrôlant l'ouverture, nous contrôlons la quantité de lumière enregistrée sur une photo. l'ouverture est grande, plus
la lumière est enregistrée, lorsque l'ouverture est plus petite, moins la lumière atteint le capteur. ouverture est représentée par le symbole F, F2.8, F3, F4, F6, F11, et si nous examinons réellement une lentille, nous pouvons voir qu'en changeant l'ouverture, s'ouvre et se ferme, permettant plus ou moins de lumière d'entrer. Une chose qui cause beaucoup de nouveaux photographes confusion est que la grande ouverture où beaucoup de lumière passe à travers,
ont des numéros d'arrêt F plus petits, où l'ouverture plus petite, où moins de lumière passe à travers, ont une plus grande Numéros d'arrêt F. Maintenant, à l'exception de la lumière, l'ouverture contrôle secondaire et créatif la profondeur du champ. profondeur de champ est la distance qui est, nette autour de votre point de mise au point. Comme vous le verrez dans le diagramme, les ouvertures
plus grandes se traduisent par une faible profondeur de champ, où moins est tranchant, tandis que les ouvertures plus petites se traduiront par une plus grande profondeur de champ où plus est tranchant. Voyons un exemple ici. J' ai pris cette photo avec une grande ouverture de 2,8 et c'est un petit numéro F créant
un petit champ, peu profond. Vous pouvez voir que l'arrière-plan est floue et que juste notre modèle est net
, sortant de celui-ci. J' ai repris la même photo mais maintenant avec un numéro F plus grand, F16, et vous pouvez voir que nous obtenons une plus grande profondeur de champ ayant notre modèle et plus de l'arrière-plan en focus. Nous pouvons voir que la fontaine est maintenant plus nette. Je vois beaucoup de nouveaux photographes filmer large et aller toujours pour ces photos cassées. Mais je pense que nous devrions être créatifs et tourner avec toute
la gamme d'ouvertures, surtout au début. Pour la photographie de paysage, nous utilisons des ouvertures plus petites avec des nombres F élevés, généralement de F13 à F22, par
exemple, juste parce que nous avons besoin de
tout concentrer , du premier plan à l'arrière-plan. C' est aussi ce qu'on appelle les ouvertures de narration parce que nous révélons beaucoup d'informations dans l'image qu'ils peuvent potentiellement raconter une histoire. Pour la photographie de rue et les sujets en mouvement, j'utilise des ouvertures médianes de sept à 11 environ. De cette façon, j'ai une profondeur de
champ moyenne sûre et cela me donne de la flexibilité car une plus grande partie de ma photo sera mise au point. J' ai plus de chances que mon sujet soit mis au point, et en même temps avec cette ouverture du milieu, je peux aussi obtenir un peu de fond floue. Enfin, quand nous voulons créer l'isolement pour notre sujet, nous pouvons tirer avec une grande ouverture avec un petit nombre F comme de F4 à F1.2 et avec cette façon nous obtenons une faible profondeur de champ, qui est vraiment utile pour le portrait la photographie, par exemple. Ces techniques sont également utiles lorsque notre arrière-plan est moche ou destructeur et que nous voulons le cacher. Une règle qui n'est pas vraiment populaire est que votre sélection d'objectif peut avoir un impact sur la profondeur de champ. Plus le grossissement de l'objectif est grand,
plus la profondeur de champ qu'il crée est faible et vice versa. Cela signifie pratiquement que si vous photographiez le même sujet avec un objectif de 24 millimètres à F4 et avec le 200 millimètre un téléobjectif. Encore une fois, à F4, vous obtiendrez une profondeur de champ moins profonde, vous obtiendrez un arrière-plan plus floue lorsque vous photographiez avec un objectif de 200 millimètres. Parlons maintenant de l'ISO, le troisième facteur qui peut affecter notre exposition. ISO décrit la sensibilité de notre capteur de caméra. ISO est représenté par un nombre commençant par ISO 100, un ISO faible, et il peut aller jusqu'à 25 000 ISO ou même dans certains cas plus haut. Plus l'ISO est élevée, plus
la sensibilité est essentielle, sorte que notre photo s'avère plus lumineuse. Pour cette raison, l'ISO peut vous aider à prendre des photos dans des environnements plus
sombres et à être plus flexible pour vos réglages d'ouverture et de vitesse d'obturation. Cependant, la contribution lumineuse de l'ISO à l'image vient avec un coût, le bruit numérique, plus nous augmentons l'ISO, plus notre image deviendra bruyante, plus granuleuse. J' ai pris ces photos qu'ils mettent en valeur. Comment en augmentant l'ISO, notre image devient de plus en plus granuleuse et bruyante. La règle générale est que nous devrions donner l'ISO le plus bas possible. Vous ne devez augmenter votre ISO que lorsque vous n'êtes pas en mesure de donner la luminosité à votre image en utilisant l'ouverture et la vitesse d'obturation. Maintenant que nous avons examiné ce qu'est la vitesse d'
obturation , l'ouverture
et l'ISO, et comment ils affectent nos photos, examinons maintenant tous ensemble. Dans la prochaine leçon, nous verrons comment nous pouvons équilibrer le triangle d'exposition en combinant ces trois éléments.
5. Équilibrer l'exposition: Puisque nous avons compris les éléments de l'exposition, la vitesse d'obturation, l'ouverture et l'ISO, la compréhension de la façon dont nous pouvons équilibrer l'exposition vient naturellement. La question est maintenant, comment savons-nous que la quantité de lumière qui pénètre dans la caméra est optimale ? Pas trop, pas trop peu ? Eh bien, la réponse est avec un compteur de lumière, presque toutes les caméras de nos jours ont un compteur de lumière et nous pouvons le voir sur le dessus de la caméra, sur le moniteur de la caméra, et aussi dans le viseur de la caméra. Lorsque l'indicateur est sur la zone moins gauche, cela signifie
que nous sommes sous-exposés. Quand il est sur la zone plus droite, cela signifie
que nous sommes surexposés, et quand il est au milieu à zéro, cela signifie
que notre exposition est théoriquement optimale. Light meter peut le faire en prenant la partie la plus brillante de la scène et la partie la plus sombre de la scène, vous
donnant la moyenne. Lorsque votre appareil photo est en mode automatique, il utilise le compteur de lumière afin de vous donner des photos avec une bonne exposition. Cependant, notre objectif est de tirer en mode manuel. regardant notre compteur de lumière, nous choisissons la bonne quantité de vitesse d'obturation, ouverture et d'ISO pour notre photo. Mais maintenant, sur cette étape, vous devez vous demander quelle est la bonne combinaison de vitesse d'obturation, d'ouverture et d'ISO. Prenons ça pas à pas. Au début, vous devez vous demander, quel est l'élément d'exposition le plus important pour la photo que vous voulez capturer. C' est la vitesse d'obturation ? S' agit-il de l'ouverture ou de l'ISO ? Est-ce que je veux manipuler le mouvement avec le gel ou l'affichage du mouvement ? Ou je veux mettre en valeur la profondeur du champ ; peu profonde ou plus grande profondeur de champ ? Si le mouvement est plus crucial pour vous, vous commencerez par ajuster cette autre vitesse. D' un autre côté, lorsque vous voulez mettre en évidence votre profondeur de champ, vous commencerez par définir votre ouverture. Voyons maintenant ces processus de prise de décision avec de vrais exemples. J' ai pris cette photo dans le centre de Londres, en photographiant la proposition de ce beau couple. Je voulais que le couple soit isolé de l'arrière-plan parce que je voulais toute l'attention sur eux. Le gars est prêt à révéler la bague et je mets mon appareil photo pour prendre cette photo. L'ouverture est le premier réglage qui compte pour moi. Je le mettrai à 2.8, le plus large sur mon objectif. Cela donne à la photo beaucoup de lumière, et en même temps, une faible profondeur de champ. La photo est encore sombre parce que le soleil vient de se coucher. Je rends cette autre vitesse plus lente, réglant d'un à un centième de seconde. Cela permet de capturer plus de lumière et en même temps, je gèle le mouvement, évitant ainsi le tremblement de la caméra. Maintenant, j'ai encore besoin de plus de lumière, mais j'ai maximisé mon ouverture. En outre, je ne peux pas utiliser une vitesse d'obturation plus lente car alors j'aurai un flou de mouvement indésirable dans mon image. Pour obtenir la bonne exposition maintenant, je vais augmenter un peu l'ISO, je vais régler l'ISO à 400 ISO. L' indicateur dans le compteur de lumière est au milieu maintenant, mon exposition est équilibrée, donc j'appuie sur le bouton d'obturateur pour capturer le tir. Équilibrons ensemble maintenant, une photo de plus. Notre modèle sort de la mer et les vagues frappent le rivage. Il y a une motion dans ce plan et nous voulons la geler. C' est pourquoi nous réglons d'abord notre vitesse d'obturation. Nous allons le fixer à cinq millième de seconde. utilisation d'une vitesse d'obturation rapide gèle l'action et nous donne une image nette. Cependant, nous ne laissons pas beaucoup de lumière frapper la centrale parce que la vitesse d'obturation est vraiment rapide, donc nous avons besoin de plus de lumière. Ensuite, nous allons régler l'ouverture à 3.2, une ouverture relativement large qui permet à beaucoup de lumière de frapper le capteur. Il séparera également le sujet de l'arrière-plan et du premier plan. Enfin, puisque le compteur de lumière montre que nous avons déjà une exposition équilibrée, nous allons fixer l'ISO à 100. On n'a plus besoin de lumière. Rappelez-vous que nous n'utilisons l'ISO qu'en dernier recours. C' est les gars, l'état d'esprit sur l'équilibre de l'exposition, considérez ce qui est le plus important pour votre tir pour contrôler le mouvement ou la profondeur de champ. En conséquence, réglez d'abord la vitesse d'obturation ou l'ouverture et l'ISO à la fin,
en dernier recours, si vous voulez ajouter plus de lumière à la prise de vue.
6. La composition: Parlons maintenant de la composition de vos photos. La composition est simplement la façon dont vous organisez les éléments dans votre cadre. La composition est vraiment cruciale parce que c'est une façon de guider les yeux de
votre spectateur vers les éléments les plus importants de votre photo. Une bonne composition peut faire une image brillante même hors d'un sujet ordinaire dans un environnement simple. D' autre part, une mauvaise composition peut ruiner une photo malgré l'intérêt du sujet. Quand il s'agit de composition, c'est quelque chose de difficile à enseigner, et il faut beaucoup de temps pour apprendre. Il a une nature subjective, et la plupart du temps il n'y a pas de bonne ou mauvaise composition. Tout est ouvert à l'interprétation. Parlons maintenant de quelques concepts de composition et des conseils qu'ils peuvent améliorer considérablement vos photos. En premier lieu, il est important de déplacer votre appareil photo. Chaque photographie a deux facteurs clés : la position du sujet et la déposition
du photographe qui est la même que celle du spectateur. Maintenant, si vous changez l'un de ces
trucs, vous changez comment votre tir se sent, et quelle histoire il raconte. Prenez toujours vos photos à partir de positions différentes et essayez différents angles. Si vous faites juste une étape sur le côté, peut être une belle forme sera révélée sur le fond, et alors peut-être que cette chose viendra compléter votre photo globale. En outre, réfléchissez bien à l'angle que vous allez utiliser. C' est un moyen vraiment puissant de déterminer ce que vous voulez que vos spectateurs pensent et ressentent lorsqu'ils voient votre photo. La prise de vue à partir du niveau de l'œil de votre sujet peut rendre votre sujet vulnérable ou faible, mais peut également faire en sorte que le spectateur se sent vraiment puissant. Le spectateur est un observateur de privilèges et ne fait pas partie de la scène. Cependant, si vous tirez à partir du niveau des yeux, vous faites partie de la scène. Vous connaissez votre sujet et vous vous sentez proche de votre sujet. Une prise de vue sous le niveau des yeux du sujet donne l'impression que le spectateur les regarde d'un point de vue inférieur. Ce type de tir peut donner l'impression
au spectateur que le sujet est plus puissant, héroïque ou même dangereux. Un autre concept intéressant est la règle des tiers. Règle des tiers provient de la peinture et a été inventé par le peintre anglais Joshua Reynolds. Reynolds fait référence à la Règle des tiers comme principe général de l'équilibre entre la lumière et l'obscurité dans une œuvre d'art. Elle sera ensuite transformée en système de grille que nous connaissons aujourd'hui. La règle des tiers stipule que toute photo doit être divisée en une grille, avec deux lignes verticales et deux lignes horizontales créant neuf cases à proportion égale. Ensuite, vous devez placer les éléments importants de votre short sur les lignes ou à leurs intersections. Il en résulte des compositions dynamiques et intéressantes qui attirent les yeux du spectateur à travers la scène. Une autre astuce pour quand vous appliquez la Règle des tiers est que vous devriez donner à
votre sujet un espace pour regarder ou aller dans la scène, parce que de cette façon, cela semble beaucoup plus naturel. En général, il est extrêmement important de considérer comment votre photo se sent comme un tout. Règle des tiers n'a pas l'air bien tout le temps. Parfois, votre sujet peut être mieux placé au centre, et d'autres fois votre photo pourrait s'avérer vide et déséquilibrée si vous ne contrebalancez pas. Une autre chose qui peut également améliorer votre composition est de faire attention aux bords. Surveillez toujours les bordures de votre cadre. Essayez de ne pas couper les gens en deux quand ils sont sur les bords. Essayez de ne pas couper les bâtiments, les
arbres et d'autres parties du corps. Cela semble anormal et peut distraire le spectateur du sujet principal. La prochaine technique de composition dont je veux parler est des lignes directrices. Les lignes de tête sont l'une des idées les plus simples dans la composition, mais aussi l'une des plus puissantes. C' est parce que nous utilisons des éléments dans notre environnement pour créer un parcours visuel qui conduit nos spectateurs vers le sujet principal. Le monde qui nous entoure est plein de lignes et nous devons exercer notre cerveau et nos yeux afin de les distinguer et de les mettre en œuvre dans nos photos. Par exemple, cette route n'est pas une structure en béton, mais plutôt une série de lignes parallèles qui
guident l'œil du spectateur vers les montagnes en arrière-plan. Encore une fois, toutes ces lignes dans cette salle de feu du ciel mènent avec succès au modèle. Une autre chose importante est que les lignes de début sont plus efficaces lorsqu'il s'agit de lignes diagonales ou de lignes courbées, parce que ce type de lignes peut briser le format carré de vos photos et aider l'œil du spectateur à traverser l'ensemble ce qui rend votre photo plus puissante. Une stratégie de composition plus puissante est de remplir le cadre. Si votre tir risque de perdre son impact parce que le fond est occupé et bruyant, recadrez à partir de votre point de concentration principal. Pour ce faire, vous éliminez votre arrière-plan afin que toute l'attention soit portée à votre sujet principal. Cela peut bien fonctionner avec les portraits lorsque vous essayez de capturer quelque chose de plus intime. Maintenant, nous allons faire exactement le contraire de remplir le cadre. Nous allons vivre beaucoup d'espace négatif. Laisser beaucoup d'espace négatif vide autour votre sujet peut être très intéressant visuellement, créant un sentiment de minimalisme et de simplicité. En utilisant la technique de composition de l'espace négatif, nous pouvons créer une photo qui se sent dramatique conduisant les yeux de notre spectateur vers la zone plus petite, vers l'espace positif où se trouve notre sujet principal. Laissez de l'espace négatif et n'ayez pas peur de supprimer les éléments distrayants de votre cadre. En conclusion, quand il s'agit de maîtriser votre composition, je pense qu'il est vraiment important de s'inspirer du travail d'autres photographes. Faire notre projet de cours vous
familiarisera progressivement avec le genre de composition qui vous excite car avoir ces photos constamment autour vous vous donnera beaucoup d'occasions de les voir. Je vous conseille également de commencer une technique de composition à la fois, puis de sortir et de tourner et de la refilmer, cette composition que vous étudiez actuellement, puis de passer à d'autres compositions. Concentrez-vous sur quelque chose, maîtrisez-le et continuez avec autre chose.
7. La balance des blancs: Qu' est-ce que c'est exactement la balance des blancs ? Pour répondre à cela, nous devons d'abord expliquer quelle est la température de couleur. Tout d'abord, chaque source de lumière a une couleur. Par exemple, un coucher de soleil est chaud et doré, tandis qu'un jour de pluie est bleuâtre et froid. Les lumières artificielles de nos maisons ont différentes autres températures de couleur. Certaines lumières peuvent être plus fraîches, plus proches du bleu, et d'autres peuvent être plus chaudes près de l'orange. Ça guide la température de couleur. Il est mesuré en Kelvin et varie entre 2 000 Kelvin et 10 000 Kelvin. Avec 10 000 Kelvin le plus chaud et 2 000 Kelvin le plus froid, et la température du jour étant quelque part au milieu à 5 500 Kelvin, mais pourquoi nous avons besoin de la balance des blancs ? Eh bien, si vous nommez votre appareil photo sur une surface blanche qui reflète la lumière bleuâtre, vos yeux peuvent la voir comme une surface blanche, mais votre appareil photo le voit comme une lumière bleuâtre. Cela arrive parce que nos yeux peuvent s'adapter dans les différentes couleurs de la lumière dans un processus que nous ne réalisons même pas est en train de se produire. D' un autre côté, nous devons dire à nos caméras, à quelle lumière ils regardent. C' est parce qu'ils ne peuvent enregistrer que la longueur d'onde réelle de la lumière, frappant l'essentiel. En bref, la balance des blancs est le processus d'équilibrage de la température des couleurs dans notre appareil photo afin qu'elle puisse représenter la lumière aussi précisément qu'elle l'apparaît dans la vie réelle. Si une photo est trop chaude, votre appareil photo refroidit l'image en ajoutant plus de bleu. Si votre photo est trop froide, l'appareil photo réchauffera l'image en ajoutant plus d'orange. La plupart du temps, ma balance des blancs l'a
configurée en mode automatique parce qu'elle fait du bon travail. Cependant, lorsque nous voulons avoir le contrôle total ou lorsque nous photographions ou filmons endroits avec plusieurs sources lumineuses avec une température de couleur différente, nous devons aider nos appareils photo et régler manuellement la balance des blancs. Dans chaque caméra il y a le menu de la balance des blancs avec l'échelle Kelvin où nous pouvons régler manuellement
la balance des blancs en sélectionnant le nombre exact de Kelvin avec lequel nous voulons filmer. Il y a aussi les options prédéfinies comme la lumière du jour, l'ombre, le nuageux, la lumière de tungstène. Cependant, il n'y a pas de règles précises sur la façon dont nous devons établir notre balance des blancs. Il n'y a aucune obligation de documenter les couleurs avec une température exacte. Donc, par exemple, si nous photographions un coucher de soleil, nous pouvons augmenter, en fait la balance des blancs et le coucher du soleil apparaîtront encore plus chauds, dorés, plus agréables. N' oubliez pas que la photographie est un art et nous pouvons enfreindre toutes les règles si ces choses nous aident à mieux raconter nos histoires.
8. Modes de focalisation: Parlons maintenant des modes de mise au point. Selon ce que vous photographiez, vous devez utiliser un mode de mise au point différent. Bref, il existe deux types de modes de mise au point : la mise au point automatique et la mise au point manuelle. Avec la mise au point automatique, nous demandons au processeur de la caméra de mettre l'objectif au point pour nous, tandis qu'avec la mise au point manuelle, nous faisons le même processus par nous-mêmes. Personnellement, la plupart du temps, j'utilise la mise au point automatique parce que nos jours la mise au point automatique est vraiment précise et fiable. Cependant, la mise au point manuelle est utile lorsque je tourne une vidéo et que je veux le contrôle complet de la mise au point manuellement pour le contrôler avec mes mains et être vraiment précis et aussi lorsque nous photographions dans une situation de faible luminosité, puis la mise au point automatique la plupart du temps ne peut pas tenir très bien, puis nous utilisons à nouveau le mode manuel. Par exemple, j'ai trouvé très pratique la mise au point manuelle lorsque j'ai pris cette astrophotographie, la photo boréale. Il faisait vraiment sombre et j'ai dû faire quatre reprises, me
concentrer et me recentrer manuellement, jusqu'à ce que j'aie les étoiles dans cette mise au point. Examinons maintenant un peu plus du mode de mise au point automatique. Nous pouvons sélectionner le mode de mise au point automatique simple ou
le mode Autofocus continu Servo pour la mise au point continue. Chaque fabricant l'appelle un peu différemment, mais ils font tous fondamentalement la même fonction. Un seul coup ou un seul autofocus signifie que vous verrouillez votre mise au point et tant que vous appuyez à moitié sur le bouton d'obturateur, le point de mise au point ne va pas bouger, il se verrouille. Ce mode est parfait pour les sujets statiques comme lorsque vous filmez, portraits
d'état, par exemple. Parce que si vous voulez recomposer votre photo, vous pouvez continuer à appuyer à moitié sur le bouton de l'obturateur et déplacer votre appareil photo sans perdre la mise au point. Cependant, soyez prudent car si le modèle que vous
tournez se déplace même un peu vers l'avant ou vers l'arrière, alors vous risquez de perdre le focus, puis vous devez vous concentrer à nouveau. D' un autre côté,
avec le mode Servo ou Autofocus continu, tant que vous appuyez à moitié sur le bouton d'obturateur, la mise au point va se déplacer continuellement et vous suivez votre sujet. Vous pouvez donc utiliser ce mode lorsque vous prenez des photos d'action ou de sport,
ou lorsque vous jouez autour de vous ou de la faune. Fondamentalement, dans chaque situation dont vous avez besoin pour suivre votre sujet.
9. Éclairage: Parlons maintenant de l'éclairage. L' éclairage est un sujet très compliqué que nous ne l'analyserons pas en profondeur dans ce cours. Mon but ici est de vous donner quelques idées et conseils en termes de lumière. Ainsi, vous pouvez être plus confiant pour sortir, mieux
voir la lumière, comprendre la lumière et maximiser son potentiel. La lumière est vitale pour la photographie parce que nous avons l'impression qu'il n'y a pas de photo. Le type de source de lumière de vos photos affectera leur caractère et leur humeur. Généralement, nous pouvons classer la lumière à la lumière naturelle et à la lumière artificielle. Dans ce cas, dans ce cours, nous allons nous en tenir à la lumière naturelle pour de nombreuses raisons. Parce que d'abord, c'est gratuit, le soleil est abondant et très facile à trouver. Vous n'avez pas besoin d'acheter de l'équipement supplémentaire , des
lumières, des flux, etc. L' autre raison pour laquelle je veux que vous vous concentriez sur la lumière
naturelle, c'est parce qu'elle nous donne de la variété. Prendre la même photo pendant l'heure d'or et pendant le midi, vous
donnera des résultats complètement différents et puis parce que c'est juste vraiment bon et naturel. C' est une lumière très douce. La lumière naturelle est toute lumière créée par la lumière du soleil. La lumière ambiante, maintenant, elle est considérée comme la lumière naturelle aussi. C' est la lumière, par exemple, dans nos maisons, qui passe par la fenêtre. Afin de mieux comprendre que la lumière naturelle, nous examinerons ses attributs et comment ces attributs affectent nos photos. Nous soulignerons quatre attributs de la lumière : la température, la direction, l'intensité et la qualité de la lumière. Commençons par la température. Comme nous l'avons discuté lors de la leçon sur
la balance des blancs, la température de la lumière est mesurée sur
l'échelle Kelvin, de l'extrémité bleutée plus froide du spectre à la température orange plus chaude. température de couleur change tout au long de
la journée en fonction de l'heure de la journée et de la quantité de nuages dans le ciel. A l'aube, le ciel apparaît bleu clair. Au coucher du soleil, le ciel apparaît orange et au crépuscule, le ciel apparaît bleu violet. L' intensité de la lumière, c'est une mesure de sa luminosité et détermine combien de lumière il y a sur une photo. Vous pouvez estimer l'intensité de la lumière en fonction de l'équilibre entre les ombres, les zones sombres de votre image et les reflets, les zones plus claires de votre image. L' écart entre les reflets et les ombres est ce que nous appelons le contraste. La lumière est plus intense en milieu de journée lorsque le soleil fait face au sujet au-dessus. Les photos prises à cette heure de la journée, ont
principalement un contraste élevé et des ombres fortes. Cependant, si nous essayons de prendre des photos le matin ou l'après-midi, elles ne seront pas si contrastées. Quand il s'agit de qualité, la lumière peut être dure et directe ou douce et diffuse. Plus la source lumineuse est petite, plus
la qualité est difficile. Au fur et à mesure que la source de lumière se propage et s'agrandit, la qualité de la lumière devient plus douce. Une autre chose qui affecte la qualité de la lumière est la distance entre la source de lumière et le sujet. À midi, parce que le soleil est plus proche de la terre, la lumière est plus chaude et directe tandis que le matin ou l'après-midi, la lumière est beaucoup plus douce. Parlons maintenant de la direction de la lumière. La direction de la lumière change à cause du mouvement du soleil. Puisque le soleil est au-dessous de l'horizon à l'aube et au crépuscule, presque horizontal au coucher du soleil et au lever du soleil, et il est haut et vertical à midi, photographiant à ces moments complètement différents de la journée, produit complètement différentes photos. Regardez, par exemple, ces énormes ombres que nous ne pouvons avoir que lorsque le soleil se couche. En conclusion, il n'y a pas de mauvaise et de bonne lumière. La lumière est adaptée ou ne vous convient pas. Pour trouver la meilleure lumière que vous pouvez obtenir, si vous avez juste à déterminer le type d'images que vous voulez créer, alors il suffit de décider quelle heure de la journée peut
vous aider à prendre ces photos étonnantes que vous avez dans votre esprit.
10. Conseils de montage photo: Éditons maintenant ensemble. La retouche photo est également importante car elle détermine l'apparence de votre photo à la fin. Le montage est un excellent moyen de se démarquer et différencier votre travail du travail des autres photographes. Nous pouvons dire que le avec l'édition, vous créez des émotions avec des couleurs. Je pense vraiment qu'avec le montage, vous pouvez amplifier le message de votre histoire. n'y a pas de modification correcte et incorrecte, mais généralement, une bonne philosophie pour l'édition est que votre résultat final devrait être naturel. Si quelqu'un pense immédiatement que vos photos semblent fausses, alors il y a peut-être un problème à moins que vous ne vouliez que les couleurs soient trop traitées. Dans ce cas, je vais utiliser Adobe Lightroom pour éditer, recréer deux de mes photos. Si vous n'avez pas le Lightroom, c'est toujours bien parce que la majorité des programmes
de retouche photo ont les mêmes fonctions de base. Nous voilà, je veux éditer ces deux photos. Je vais ouvrir Lightroom, puis je vais créer un fichier et créer un nouveau catalogue. Donnons-le un nom, letsedit, et créons ça. Si nous allons sur le bureau, un nouveau dossier, letsedit est créé et dans ce dossier j'ai gardé toutes les informations, toutes les modifications que nous allons faire dans notre nouveau catalogue Lightroom. Revenons maintenant dans Lightroom et faisons glisser et déposer nos deux photos à l'intérieur du programme. Cliquez sur l'importation maintenant et maintenant nos photos sont importées dans Lightroom. J' ai pris cette photo à Rhodes Grèce
sur la plage d'Anthony Quinn pendant que je photographiais ces bateaux de croisière. J' ai pris cette photo à Londres derrière la cathédrale Saint-Paul pendant que je faisais une séance photo de mode. Commençons par celle-là. Celui-ci était un tir difficile parce que mon assistant qui allumait le mannequin, n'a pas pu le faire ce jour-là. L' arrière-plan, la cathédrale est beaucoup plus brillante que mon modèle, mais je décide quand même de prendre cette photo. Je mets mon exposition de manière à pouvoir donner autant de lumière que possible dans mon modèle tout en ne surexposant pas complètement. Je ne brûle pas mes antécédents. Assez dit, réparons cette photo ensemble et allons nous développer. Ici, en mode développement, nous allons passer la majeure partie de notre temps d'édition puisque j'utilise rarement cette carte, livre, impression de diaporama et sections web. Dans cette barre latérale de droite, il y a les curseurs de post-traitement où nous effectuons nos modifications. Avant de commencer à changer vos curseurs principaux comme l'exposition, le contraste, les reflets, les ombres, les blancs, descendez dans les sections de correction de l'objectif ici. Cliquez sur supprimer l'aberration chromatique et trouver l'objectif que vous avez tourné cette image, pour moi, c'était le Tamron SP 24-70 millimètre et de cette façon, vous éliminez les inconvénients de cette lentille particulière, la distorsion et plus de choses. Maintenant, comme nous l'avons dit avec cette méthode, nous éliminons complètement le vignettage et si nous voulons plus de vignettage, il est bon de revenir à la fin de l'édition et de l'ajouter manuellement en déplaçant ce curseur. Continuant maintenant avec les modifications de base, nous allons tout le chemin vers le haut et ici nous pouvons voir la température qu'il définit cette chaleur de couleur dans votre image de plus froid à plus chaud, mais nous allons changer la température d'une autre façon plus tard dans cette modifier. Je laisserai l'exposition à zéro, le contraste à zéro, puis je diminuerai mon point culminant afin de pouvoir corriger un peu mon arrière-plan surexposé. Je vais augmenter mes ombres à environ 60, donc de cette façon je donne des raids dynamiques à mon image. J' augmenterai maintenant mes blancs de 10, puis j'augmenterai aussi un peu mes noirs, disons 10. En appuyant sur ce dernier bouton, nous pouvons le voir avant et si nous le frappons à nouveau, nous pouvons revenir là où nous sommes en ce moment. Nous pouvons dire qu'il y a déjà une grande différence dans notre photo, mais continuons l'édition. Augmentons maintenant juste un peu la clarté par disons 5, et laissons la vibrance et la saturation à zéro pour l'instant. Dans cette étape, nous allons utiliser l'outil recadrer et redresser afin que nous puissions changer le rapport d'aspect et l'angle de notre photo. Dans ce cas, je ne veux pas changer mon rapport d'aspect parce qu'il va changer complètement ma composition, et je ne veux pas cela donc je vais le laisser comme shot. Mais dans l'angle, nous pouvons le changer manuellement ou mieux, nous pouvons simplement frapper l'auto et ensuite il fixe l'angle automatiquement, puis cliquez sur fait. Maintenant, je veux que les couleurs apparaissent un peu alors je vais augmenter juste un peu, la vibrance, quelque chose comme 10 et je ne fais pas ça avec saturation parce que c'est beaucoup plus flatteur si on le fait avec de la vibrance. Je vous recommande de jouer avec la saturation seulement lorsque vous voulez faire votre photo en noir et blanc. Voici l'outil de courbe de tonalité qui représente tous les tons de votre image. En ajoutant ces points, vous pouvez manipuler votre courbe de tonalité avec différents résultats. Cependant, prenez soin de ne pas exagérer parce que vous pouvez avoir des résultats fous. Dans ce scénario, je ne vais rien faire avec la courbe de tonalité puisque la photo est déjà récupérée parce que j'ai eu une exposition excessive. Je n'ai pas beaucoup de place pour faire des changements dans la courbe de ton. À ce stade, nous pouvons voir que notre modèle a encore besoin d'un peu plus de
lumière pour être équilibré avec l'exposition du reste de la photographie. Nous devons faire un changement partiel et nous allons utiliser le filtre radial, celui-ci ici, nous cliquons dessus. Ensuite, nous allons essayer de créer un cercle, puis déplacer le cercle vers le bas. Notez que si vous appuyez sur le zéro, cette chose rouge peut disparaître et ce
n'est qu'un indicateur sur l'endroit où vous appliquez l'effet. Nous allons affiner le cercle, le
tourner un peu,le
déplacer, le rendre plus tourner un peu, grand, plus large. Augmentons l'exposition dans cette zone rouge particulière, disons de 0, 38 et nous pouvons voir ici dans le navigateur comment cela affecte notre photo. Si nous zoomons maintenant, nous pouvons voir que notre modèle est beaucoup plus éclaircir. Mais j'ai encore besoin de l'allumer dans son visage, donc je vais cliquer à nouveau dans le filtre radial et j'ajouterai un cercle droit dans son visage. J' essaie de faire correspondre le cercle avec son visage. Ça a l'air bien. Je vais augmenter ici l'exposition avec 032, par exemple. Augmentons également la netteté de huit. Cliquez sur « Terminé » et voir son beaucoup mieux. Un conseil ici est de ne pas en faire trop avec un filtre radial car il peut sembler vraiment anormal. Maintenant, je veux faire ma photo un peu plus de cerfs en sortant de la lumière du ciel et en la rendant plus sombre. Dans ce cas, je vais utiliser le filtre gradué ici et je vais dessiner une ligne puis tourner la ligne et à nouveau dans cette zone rougeâtre j'appliquerai mon effet. L' augmentation et la diminution de cette ligne rendent le filtre plus ou moins progressif. Laissons-le quelque part ici. Allons tout droit. Encore une fois, si vous regardez le navigateur, vous pouvez voir le résultat. Voici le surexposé et voici le sous-exposé. Diminons-le comme nous définissons l'exposition juste de moins 036. Réduisons également les faits saillants de moins 21. Cliquez sur « Terminé » et vous pouvez voir cette différence maintenant. Passons maintenant à l'HSL. HSL signifie Énorme Saturation dans la Luminance. La teinte traite des tons de couleur réels de l'image, comme le déplacement des tons de couleur vers une plage de tons différente. saturation traite de la puissance ou de la saturation d'une couleur spécifique, tandis que la luminance traite de la luminosité d'une certaine couleur. Pour cette image, je voudrais changer la teinte du bleu et en faire quelque chose comme moins 20, pas trop. Je vais augmenter un peu la luminance de cinq. Nous pouvons voir ici comment le ton de couleur de ses vêtements a changé juste à cause de la teinte. Passons maintenant à la couleur rouge. Nous pouvons voir que la construction est principalement rougeâtre et augmentons la luminance. Faisons 60. Ça a l'air bien. Maintenant, de temps en temps, je vous recommande fortement d'appuyer sur le bouton L une fois et une de plus, deux fois, afin que vous puissiez voir non distrait, ce que vous avez créé jusqu'à présent. Maintenant, nous allons utiliser la tonification split afin de pouvoir ajuster la balance des blancs uniquement des reflets ou des ombres. C' est un excellent outil créatif parce qu'il crée un look cinématographique. Fondamentalement maintenant, je vais augmenter ma saturation au maximum afin que je puisse voir le plein effet de la tonification split. Ensuite, je vais sélectionner ma teinte et allons-y pour ce joli jaune. Alors bien sûr maintenant je vais diminuer ma saturation, quelque chose comme ça. Terminons maintenant notre édition en ajoutant un peu de vignettage qui attirent nos yeux vers le centre. Je vais aussi maintenant augmenter un peu le grain afin que je puisse améliorer ce look de film. Remontons à nouveau dans les curseurs de base et augmentons peut-être juste un peu plus les ombres. Ça a l'air bien. Si nous frappons maintenant ce dernier bouton, nous pouvons voir l'avant et l'après, et je pense que cette différence est évidente. Je suis heureux. Allons modifier notre prochaine photo. Modifions maintenant cette image. À mes yeux, ça a déjà l'air bien, mais nous ferons quelques ajustements mineurs pour le rendre encore meilleur. Commençons par un outil recadrer et redresser, puis déplacons un peu l'angle afin que nous
puissions rendre la composition encore plus dynamique. Appuyez sur Entrée. Voyons ce qu'on peut faire avec la température. Je pense que je voudrais un peu plus chaud. L' exposition est bien. Réduisons maintenant les faits saillants parce que nous pouvons voir ici dans le bateau qu'il est un peu surexposé. En faisant glisser les lumières vers le bas, nous éliminons un peu de lumière. Augmentons un peu les ombres pour donner des grains plus dynamiques. Laissons les blancs comme ça et augmentons légèrement le noir. Je vais augmenter la clarté de huit et ensuite j'utiliserai la vibrance pour faire éclater les couleurs un peu. Juste un peu, quelque chose comme six. C' est très bien. On ne va pas gâcher la courbe de ton. allant maintenant à la HSL, je veux changer les couleurs de la mer et les faire comme ça, moins 25, c'est bon. Maintenant, je vais augmenter un peu la saturation à quelque chose comme 15, et la luminance à quelque chose comme 20. Je ne vais pas gâcher avec la tonification split parce que j'aime déjà la température de la photo. descendant aux corrections de l'objectif, je vais supprimer l'aberration chromatique mais je n'
activerai aucune correction de profil car je suis déjà satisfait du résultat. Maintenant, je vais remonter dans la teinte en fait et je vais vérifier à nouveau la teinte parce que je pense qu'il semble un peu faux l'eau. Je veux diminuer moins la teinte à quelque chose comme 13. Ouais, je pense que ça a l'air mieux. Maintenant, dans cette étape, je veux rendre le rouge un peu moins puissant. J' irai au rouge et je diminuerai la saturation et j'augmenterai légèrement la luminance. Maintenant, je pense toujours que le bateau est un peu surexposé. Je vais utiliser cet outil, la brosse de réglage, et bien sûr, j'augmenterai la taille pour pouvoir couvrir le bateau et nous le traînons. Je vais effectivement peindre avec ce pinceau le bateau et ensuite je
vais le rendre un peu plus petit pour atteindre cette partie ici. Maintenant, je vais diminuer juste un peu les faits saillants et juste un peu l'exposition, juste moins dix, rien de trop. Ça a l'air mieux. Maintenant, je veux me concentrer un peu plus sur ces gens ici et ici, et je veux les rendre un peu plus clairs. Je vais utiliser à nouveau la brosse de réglage. Je vais les marquer et j'augmenterai légèrement la clarté, disons 35, cliquez sur « Terminé ». Appuyez maintenant sur ce dernier bouton pour voir l'avant et maintenant l'après. Je suis vraiment heureux et je vais exporter cette photo. Bingo, nous sommes prêts. C' était le processus d'édition de mes photos. Rappelez-vous qu'il n'y a pas de modification correcte et incorrecte. Cependant, prenez soin de ne pas suréditer vos photos afin qu'elles ne soient pas fausses.
11. RAW et JPEG: RAW contre JPEG, quelle est la différence ? Les deux ont leurs avantages et leurs inconvénients. Mais découvrons ce qui est mieux pour vous. Très probablement, JPEG sera le format par défaut de votre appareil photo car le fabricant ne veut pas déranger le photographe débutant avec les étapes supplémentaires de retouche photo. JPEG est traité à l'intérieur de l'appareil photo, puis il est complètement prêt à être utilisé. Vous pouvez poster la photo immédiatement sur les réseaux sociaux, vous pouvez l'imprimer et vous pouvez l'utiliser comme vous le souhaitez. Lorsque vous photographiez en JPEG, l'appareil photo ajoute des blocs, du contraste, de la réduction du bruit , de la
netteté, puis il entre le fichier photo dans un JPEG, un JPEG compressé. Pourquoi il est déjà traité ? Vous n'avez pas beaucoup de flexibilité pour éditer votre photo et apporter des modifications. Un grand avantage du format JPEG est qu'il est beaucoup plus petit que le format RAW. La plupart du temps, JPEG est trois fois plus petit, ce qui signifie que vous pouvez économiser beaucoup d'espace sur vos cartes mémoire et sur vos disques durs. En outre, vous pouvez prendre beaucoup plus de photos en mode rafale avant que votre tampon mémoire soit plein. Parlons maintenant du format RAW. Eh bien, quand vous filmez dans un RAW, vous capturez presque toutes les informations du capteur. Donc, vous avez terminé avec votre prise de vue, vous transférez vos fichiers dans l'ordinateur, et vous découvrirez que les fichiers RAW sont plats et sombres et vous ne pouvez pas les utiliser tout de suite. Vous ne pouvez pas les imprimer et vous ne pouvez pas les télécharger sur vos réseaux sociaux. Vous devez d'abord les éditer. C' est aussi le plus grand avantage d'un fichier RAW. Vous êtes capable de traiter une image RAW de plusieurs façons. Vous devez utiliser une application de retouche photo comme Adobe Lightroom ou Photoshop, afin de pouvoir modifier vos RAW puis les exporter dans des fichiers JPEG. prise de vue RAW vous offre une image de meilleure qualité et une plus grande flexibilité lors de l'édition. Aussi avec RAW, vous obtenez une gamme dynamique et une gamme de couleurs plus larges. Pour la récupération de surbrillance et d'ombre maintenant, lorsque vous avez plus ou sous exposé une photo, le fichier RAW peut faire un excellent travail. Mais testons cette chose ensemble. J' ai pris cette photo en
format RAW et JPEG et je l'ai surexposée intentionnellement. Ensuite, j'ai essayé de les réparer tous les deux. Comme vous pouvez le voir, j'ai pu récupérer mon fichier RAW surexposé mais pas mon fichier JPEG. La différence est énorme et c'est la magie du tir en RAW. Ce que je fais personnellement, c'est que je tourne toujours en RAW. Bien qu'il ne soit pas question pour mon travail client, je tourne en RAW même lorsque je tourne pour mes amis et ma famille. C' est parce que vous ne savez jamais quand vous obtiendrez une photo incroyable que vous voudrez l'éditer en plus. La seule situation que je tourne en JPEG est quand je veux livrer les photos instantanément, dans une compétition en direct par exemple. Si vous avez aussi parfois besoin de prendre des photos en JPEG, assurez-vous que vous utilisez les réglages de fond blanc corrects et l'exposition correcte, car alors vous serez limité dans la post-production.
12. Plein cadre et facteur de reclage: Plein cadre par rapport au facteur de culture. Quelle est la différence entre les capteurs plein format et les capteurs de facteur de culture ? Mais qu'est-ce que le plein cadre ? Le terme plein format fait référence à la taille du capteur qui a les mêmes dimensions que le format de film 35 millimètres du format pré-numérique tardif, tandis que le format de film 35 millimètres est la norme dans l'industrie cinématographique depuis 1909 en raison de son équilibre dans le coût et la qualité de l'image. D' un autre côté, un capteur de facteur de recadrage est tout autre capteur qui est plus petit que le capteur de caméra plein format de 35 millimètres. types courants de capteurs de culture sont le capteur APS-C et le capteur Micro quatre tiers. Examinons maintenant les autres différences entre un capteur de caméra plein format et le capteur de caméra de facteur de recadrage, en
dehors de leurs différences de taille physique. Une différence majeure est le champ de vision. Les caméras pleine image ont un plus grand champ de vision. Si vous prenez une photo à la même distance avec le même objectif, avec un appareil photo plein format et l'avec un facteur de recadrage 1, la caméra capteur de recadrage capturera un champ de vision plus serré. Mais voyons cela dans la pratique. J' ai utilisé mon objectif de 50 millimètres sur mon appareil photo plein format, prenant une photo de ce pulvérisateur. Ensuite, j'ai attaché le même objectif de 50 millimètres sur la caméra du capteur de recadrage et j'ai découvert que la caméra plein format me donnait effectivement un champ de vision plus grand. De plus, en général, une caméra plein format peut fournir une meilleure performance de faible luminosité. Avec le capteur plein format étant plus grand que le capteur rogné, cela signifie également que chaque pixel individuel du capteur plein format sera également plus grand. Dans un capteur de recadrage, les fabricants doivent adapter la même quantité de pixels dans une zone beaucoup plus petite, ce qui pourrait entraîner plus de bruit numérique dans des conditions d'éclairage difficiles. Cependant, au fur et à mesure que la technologie progresse, nous voyons des caméras à facteur de culture qu'elles peuvent mieux
gérer le bruit numérique dans des conditions de faible luminosité. Un autre avantage d'une caméra plein format est qu'elle aura une profondeur de champ moins profonde qu'une caméra à facteur de recadrage. faible profondeur de champ signifie, comme nous l'avons dit, que nous aurons une photo avec Boca, avec un fond flou. Cela se produit parce que pour atteindre un ensemble et une unité de champ de vision, l'objectif avec une distance focale plus longue lorsque nous utilisons des caméras pleine image. De l'autre côté, l'utilisation d'une caméra à facteur de recadrage peut être très efficace pour photographie téléobjectif et c'est parce que nous
gagnons des lectures supplémentaires à partir du multiplicateur de capteur de recadrage. Un objectif de 50 millimètres sur une caméra pleine image donne un champ de vision de 50 millimètres, mais le même objectif de 50 millimètres sur un corps de facteur de culture nous donnera 50 fois 1,5 à 75 millimètres de champ de vision. Cela peut être très utile lorsque vous photographiez des sports, de la faune, des photojournalistes, et en général, ce que vous voulez vous rapprocher de votre sujet. Un autre avantage d'une caméra à facteur de culture haut de gamme est qu'elle peut fournir une qualité similaire avec une caméra pleine image à un prix moins cher. En conclusion, il n'y a pas qu'une seule réponse dans la question, devrais-je acheter une caméra pleine image ou un facteur de recadrage ? Je conseille aux débutants de commencer avec une caméra à capteur de recadrage. Les modèles d'entrée de gamme sont moins chers, légers, et vous pouvez toujours prendre de superbes photos. Apprenez l'appareil photo et profitez au maximum avant d'envisager la mise à niveau vers un modèle plein format. Cependant, si vous voulez plus de fonctionnalités professionnelles, une meilleure ergonomie et de meilleures performances globales, vous devez choisir un modèle plein format.
13. Conclusion: Félicitations, vous avez fait jusqu'à la fin du cours. Maintenant que nous avons parlé des éléments d'exposition, l'éclairage, de la composition ,
et généralement des bases, vous avez une base solide que vous pouvez travailler dessus. Maintenant, il est temps pour vous de sortir et de photographier de voir vos photos et de les publier, partager vos photos, d'obtenir des commentaires, puis de les améliorer. Imprimez vos photos, collez-les au mur, donnez-les en cadeau, et aussi, bien
sûr, laissez-vous inspirer par d'autres photographes. C' est la seule façon d'améliorer les gars en tant que photographe. Pour moi, c'était super amusant de travailler sur ce projet et j'espère que vous avez apprécié aussi. Aussi, n'oubliez pas de faire votre projet, faire votre collage, de le partager avec nous, vous inspirer et de nous inspirer. Si vous avez des questions, je serai ravi d'y répondre. Aussi, j'aimerais vraiment me faire vos commentaires et laisser un commentaire pour ce cours. Il aide vraiment de cette façon, sa crédibilité à grandir. Merci d'avoir suivi ce cours. Prends soin de toi, continue de tirer, et à bientôt.
Evangelos Anagnostou, Filmmaker and Photographer
