Portraits d'animaux à l'aquarelle

1. Introduction: Bonjour et bienvenue dans mon studio. Je m'appelle Rachel Broad Wall et je suis professeur d'art ici sur Skillshare. Dans ce cours, nous utiliserons des techniques de base à l'aquarelle et quelques couleurs pour créer de beaux portraits d'animaux domestiques et d'animaux. portraits d'animaux de compagnie sont d'excellents cadeaux et sont l'un des sujets les plus populaires pour les œuvres d'art commandées. peinture d'animaux est donc une excellente compétence à maîtriser pour tous les artistes. Dans la première partie de ce cours, je vais démontrer en détail les concepts et les processus de peinture d'un chaton mignon et flou. Après avoir passé en revue ce processus simple qui peut être appliqué à la peinture de n'importe quel sujet. Nous allons ensuite examiner quelques variations que nous rencontrons lorsque nous peignons des animaux, telles que des taches, des rayures, de l'irisation et des écailles. Je vais discuter des façons de modifier l'environnement de fond de votre portrait, ainsi que de la façon de décider ce que vous devez inclure ou laisser de côté des portraits d'animaux de compagnie. Je vais également vous montrer une excellente technique pour créer une sous-peinture à l'encre pour votre portrait aquarelle. Enfin, il y a une vidéo bonus dans laquelle nous passons en revue le processus de peinture à l'aquarelle appliqué à un cheval. Nous discuterons également de la façon d'identifier le sous-ton de votre peinture et de la façon d'utiliser la couleur de manière à favoriser l'harmonie dans toute la composition. Toutes les références photo que j'utiliserai dans mes démonstrations sont disponibles pour que vous puissiez télécharger dans la section projets et ressources de ce cours. Pour accéder à la session de projet, vous devrez peut-être vous connecter à Skillshare sur un navigateur si vous ne le voyez pas dans l'application Skillshare. Les techniques et le matériel de ce cours sont simples et minimaux, et il est conçu pour être convivial pour tous les niveaux de compétence. J'espère que vous vous joindrez à moi dans ce cours et j'aimerais voir vos portraits d'animaux de compagnie publiés dans les projets. Je suis heureux de donner des commentaires et de répondre à toutes vos questions. J'espère vraiment que vous vous joindrez à moi dans ce cours. Et je tiens à vous informer immédiatement que si vous avez des questions ou avez besoin précisions sur quoi que ce soit, vous pouvez poster vos questions dans la section discussion de ce cours. Je tiens également à vous encourager à publier vos projets en peintures dans la section projets de ce cours. Et je peux vous donner des commentaires et vous pouvez également me faire savoir si vous avez des difficultés avec quelque chose en particulier, et je suis heureux de vous aider. Je tiens également à vous faire savoir que j'ai plusieurs cours de Skillshare qui vont des fondamentaux de la peinture à des techniques plus intermédiaires et avancées. Je vous encourage donc à me suivre ici sur Skillshare pour recevoir des notifications sur les nouveaux cours qui sortent et consultez mon catalogue de tous les cours que j'ai mis en place ici sur Skillshare. Très bien, allons peindre. 2. FOURNITURES: Bon, alors commençons par parler des fournitures dont nous aurons besoin pour ce cours. Évidemment, vous aurez besoin d'aquarelle. Mais je veux que vous sachiez que vous n'avez pas besoin de beaucoup de couleurs. En fait, je ne vais utiliser que trois couleurs. Pour ce cours. J' utiliserai le bleu outremer français, le pérylène, la lecture, et le milieu jaune Hansa. Maintenant, ces trois couleurs viennent dans un ensemble de Daniel Smith. C' est leur ensemble principal, donc c'est très abordable et c'est vraiment de l'aquarelle de haute qualité. Et j'encourage toujours les gens, que vous soyez débutant ou intermédiaire, ou même si vous êtes avancé, vous savez, essayez de réduire à une palette très limitée de seulement vos couleurs primaires parce que cela va aider vous apprenez vraiment à utiliser vos couleurs efficacement. La seule autre chose que je vais utiliser, c'est un peu de badigeon. Et c'est quelque chose que je vais utiliser principalement à la fin juste pour ajouter comme des moustaches et des choses comme ça, je ne vais pas utiliser de liquide de masquage pour ce cours. Et donc je trouve ces petits détails comme des moustaches, que l'on voit souvent sur les animaux. Il est préférable de ne pas s'inquiéter de laisser le blanc du papier pour ceux à moins que vous n'utilisiez du liquide de masquage. Donc juste oublier les moustaches que nous procédons à travers le processus de peinture viendra avec un peu de badigeon à la fin. Maintenant, pour mon dieu, je préfère la marque M Graham juste parce qu'elle réactive beaucoup plus facilement que certaines des autres marques de guage avec lesquelles j'ai eu de l'expérience jusqu'à présent. Donc, ce ne sont que mes recommandations, mais je tiens aussi à souligner que vous n'avez pas besoin de ces trois couleurs spécifiques. Mais je vous encourage à avoir un bleu, un rouge et un jaune, et peu importe quelle marque. Si vous n'avez pas encore ces peintures de haute qualité et que vous êtes encore une sorte d'exploration avec des peintures moins chères. C' est tout à fait bien. C' est ainsi que j'ai commencé et cela m'a aidé à me sentir plus à l'aise avec les matériaux avant de décider d'investir. Ensuite, parlons de pinceaux. Ce sont en fait les deux seuls pinceaux que j'utilise pour ce cours. Si vous avez plus de pinceaux, c'est très bien. Mais je tiens vraiment à souligner que vous pouvez faire tant avec très peu de matériaux. J' ai donc une belle brosse plate. C' est ce que je vais utiliser pour appliquer de l'eau sur mon papier et aussi quelques lavages initiaux. Et puis j'ai un pinceau rond. C' est une taille 12. Oh, et au fait, c'est juste trois quarts de pouce. Peu importe quelle taille ils sont. Mais je dirais que pour vos lavages, vous voulez vraiment utiliser la plus grande brosse que vous pouvez, surtout en relation avec la taille de votre papier. Donc c'est un pinceau rond, c'est une taille 12. Et vous pouvez voir que ce sera une brosse très polyvalente parce que même si je peux l'utiliser pour appliquer beaucoup d'eau et beaucoup de coups larges. Il en vient à un point agréable afin que je puisse aussi l'utiliser pour faire beaucoup de détails que je vais faire. Et je n'ai pas vraiment l'intention d'avoir comme beaucoup de détails vraiment complexes dans ces portraits d'animaux parce que j'aime les garder très lâches et impressionnistes. Mais ce que je trouve fait tout ce que je veux faire. Maintenant, ces brosses sont des écureuils synthétiques. Cela signifie qu'ils ne sont pas faits de poils naturels ou réels d'écureuil, mais ils imitent les propriétés des pinceaux comme ça. Donc, ils tiennent beaucoup d'eau. Et si vous êtes intéressé par ceux-ci, ils sont fabriqués par Creative Mark. Et ils sont appelés mimic, qui est orthographié MIMO IK. Et ils ne sont pas trop chers. Et je les utilise depuis très longtemps et je trouve juste que leur excellente qualité et vraiment, vraiment heureux avec eux. Donc je les recommande, mais bien sûr, utilisez tout ce que vous avez. J' ai aussi un crayon ici. Et c'est évidemment pour le séchage ou le transfert, dont nous parlerons dans un peu. C' est le journal. Je vais utiliser ça comme un bloc d'aquarelle. Il est fabriqué par Fabriano et il est 100 % coton. Et c'est un peu le meilleur papier que vous pouvez utiliser pour l'aquarelle. Cependant, quand j'ai commencé, je n'utilisais certainement pas de papier 100% coton parce que c'est assez cher. Alors utilisez tout ce que vous avez. Je dirais que ce qui est le plus important, c'est le poids. Donc, ça fait 140 livres. Et c'est le poids que je recommanderais, quel que soit le type de papier que vous utilisez. Donc, même si c'est un papier moins cher. Ce n'est pas 100 % coton. Au moins, assurez-vous que c'est un 140 livres afin qu'il ne bouclera pas trop et qu'il puisse contenir beaucoup d'eau. Et ce n'est que cinq pouces sur sept pouces. Et j'ai l'impression que c'est une très bonne taille pour offrir un cadeau. Les gens n'aiment pas toujours avoir la plus grande peinture sur leurs murs. Les gens aiment avoir plusieurs peintures sur leurs murs. Donc j'aime cette taille. J' aime vraiment peindre sur un peu plus petit, mais bien sûr, vous devriez payer sur n'importe quelle taille avec laquelle vous vous sentez à l'aise. Si vous êtes un débutant, je trouve qu'il est plus facile de commencer plus petit. J' ai aussi un carnet de croquis à l'aquarelle ici, donc cela n'a pas de papier 100% coton dedans et c'est tout à fait bien. Mais avant de commencer, j'aime faire comme une étude de valeur au moins. Donc, j'aime faire un peu de croquis et juste commencer à penser aux valeurs et aussi aux bords souples par rapport aux bords durs que je vais employer dans la peinture. Nous allons donc faire un petit croquis comme exemple pour vous montrer comment j'ai travaillé dans ce processus. J' aime aussi avoir du papier rebut. Donc cela peut être du papier que quand je l'ai coupé à la taille dont j'avais besoin, j'avais quelques restes comme celui-ci ou celui-ci est en fait une autre peinture que j'avais faite de l'autre côté. Je ne m'en fous pas vraiment. Donc, j'utilise l'autre côté pour pratiquer simplement parce que parfois quand on mélange nos aquarelles, la couleur que nous voyons sur la palette est un peu différente de celle qui est appliquée. Donc, ce que nous voulons vraiment nous assurer, c'est que lorsque nous appliquons nos aquarelles, qui sont notre papier, nous ne voulons pas qu'il soit nécessairement plus sombre que ce que nous attendions. Parce qu'avec l'aquarelle, comme nous allons le discuter, nous travaillons à partir de nos valeurs de lumière et ensuite nous construisons nos valeurs sombres. Il est donc important, surtout au début, que vous sachiez où se trouve votre mélange sur l'échelle de valeur. Et je trouve que la meilleure façon d'évaluer cela est juste d' avoir un peu de papier à gratter sur le côté. Vous pouvez tester une petite nuance avant de l'appliquer à votre peinture réelle. Ceci est du papier de transfert et vous pouvez voir que j'ai beaucoup utilisé cela pour beaucoup de projets différents. Et j'adore le papier de transfert parce qu'il vous permet de ne pas vous inquiéter du dessin. Bien sûr, travailler sur vos compétences en dessin est important, mais parfois surtout quand vous faites un cadeau pour quelqu'un ou que vous voulez faire un portrait, vous ne voulez pas nécessairement passer par toutes les douleurs d'apprendre à dessiner avec précision pendant que vous essayez de donner un cadeau à quelqu'un. C' est donc idéal à utiliser lorsque vous avez juste besoin d'un dessin précis. Et ce que je fais, vous pouvez voir que j'ai imprimé quelques animaux ici, juste ceci est un papier imprimé sur mon imprimante à partir de mon ordinateur. Et donc ce que nous allons faire juste pour vous donner un bref exemple, c'est que je placerai la photo sur le papier aquarelle. Et puis je l'enfoncerai en place pour qu'il ne bouge pas et ne bouge pas. Et puis avec le papier de transfert, je le mettrai face cachée entre la photo et le papier aquarelle. Et alors que j'applique de la pression avec mon crayon sur la photo, les lignes que j'appuie sur le bas vont ensuite être transférées sur mon papier aquarelle. Donc, cela prend beaucoup de l'anxiété d'avoir à dessiner avec précision. Et si le dessin n'est même pas votre intérêt, vous êtes plus intéressé à plonger dans la peinture et à entrer dans les techniques de peinture. Je recommande vraiment d'obtenir du papier de transfert. Sur. C' est ça. Le papier de transfert est un peu sympa parce qu'il est en fait comme vous peignez, il va s'estomper. autre papier de transfert que les gens utilisent pour les machines à écrire et des choses comme ça est un peu plus permanent, ce qui n'a rien de mal à ça. Je l'utilise parfois aussi. Mais sachez juste que cela va s'estomper et les taches que vous peignez dessus et donc ces lignes disparaîtront un peu. Et d'autres types de papier peuvent ne pas faire autant. À droite ? Et en parlant de ces photos, sont en fait toutes des photos d'animaux que j'ai retirés d'un site appelé pixabay. Et Pixabay a juste beaucoup de photos gratuites que vous pouvez utiliser. Les gens téléchargent leurs photos en sachant que les gens les utiliseront. Il n'y a pas de frais de redevance à payer. Il n'y a aucun type de cerceaux que vous devez parcourir pour utiliser ces photos. Ils sont téléchargés dans l'intention que quiconque puisse les utiliser. Donc, quand j'imprime, je PR pour juste imprimer en noir et blanc, je ne vois pas vraiment de point dans l'impression couleur parce que je sens que la couleur imprimée, surtout sur mon imprimante bon marché, ne va pas être excellente de toute façon. Donc, je suis vraiment juste en utilisant ces pour obtenir la forme initiale comme un transfert à mon papier aquarelle. Et puis c'est aussi une sorte de guide en termes de valeur. Donc, en ce qui concerne la couleur, je préfère juste regarder l'image sur ma tablette ici. Donc, vous pouvez voir ce sont les sites pixabay. Désolé pour l'éblouissement. Mais c'est comme ça que je regarde la couleur. Je le regarde juste sur mon écran et je ne m'inquiète pas de l'impression de la couleur. D' accord, alors ensuite, évidemment juste un peu de ruban adhésif de masquage. Je préfère ce ruban de peintre bon marché de la quincaillerie. n'y a rien de mal à ça. Je sais qu'il y a la cassette d'Artist que vous pouvez utiliser. C' est un peu plus cher. Je n'ai jamais eu de problème avec le ruban de peintre avec mes papiers d'aquarelle. Je sais que des gens ont dit qu'ils pourraient déchirer le journal. Je n'ai pas vraiment vécu ça moi-même personnellement, donc j'utilise presque toujours la cassette du peintre. Évidemment. Ayez quelques serviettes en papier à portée de main. Et bien sûr, vous voulez avoir de l'eau. Et puis j'ai aussi ce petit flacon pulvérisateur parce que c'est comme ça que j'active mes aquarelles avant de commencer et que je décide juste, non, je sais que vous pouvez voir qu'il y a d'autres couleurs sur ma palette, mais je vais seulement utiliser ces trois couleurs. Et cette palette est une palettes en céramique. Donc je trouve qu'il est vraiment agréable de mélanger des couleurs sur une palette en céramique, mais peu importe ce que vous avez, que ce soit en plastique ou en céramique ou tout ce que vous choisissez d'utiliser, c'est tout à fait bien. Mais je recommande que votre palette soit juste blanche parce que l'aquarelle est transparente et il est donc difficile de juger la couleur si vous la mélangez sur une surface qui a sa propre couleur. Bon, donc je pense que ça couvre toutes nos fournitures et je pense que nous allons aller de l'avant et commencer à peindre. 3. Utiliser le papier de transfert: Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment utiliser le papier de transfert pour obtenir une belle image de vos animaux de compagnie sur votre papier aquarelle. Une des choses difficiles à propos du papier aquarelle est que vous ne pouvez pas tracer dessus. Donc c'est assez épais d'être un 140 livres. Et c'est par ramette, pas par feuille évidemment, mais c'est un papier très épais. Et donc, même si vous avez une boîte lumineuse, il vous serait difficile de placer votre papier aquarelle sur une photo et de pouvoir tracer la photo sous le papier, même avec une boîte lumineuse. Et donc le papier de transfert est un excellent moyen de contourner cela. Oh, et au fait, si vous utilisez un bloc d'aquarelle comme moi, alors il est collé de chaque côté. Je devrais en fait retirer le papier du bloc pour même essayer de tracer une image dessus. Et ce genre de défait le but d'acheter un bloc d'aquarelle. Bloc aquarelle est vraiment sympa parce que vous n'avez pas vraiment besoin de ruban adhésif sur les bords. Donc, beaucoup de fois si je dois utiliser une plus grande feuille de papier ou si je n'ai pas de bloc, alors je vais en fait coller mon papier sur ma surface avec du ruban adhésif pour qu'il ne bouclera pas autant. Mais les blocs d'aquarelle enlèvent le besoin de le faire parce qu' ils sont collés sur chaque site et donc ils ne vont pas se boucler. Et donc c'est une façon vraiment agréable de pouvoir peindre avec de l'aquarelle parce que je peux déplacer ça pendant que je peins si elle est collée sur ma surface, je vais évidemment avoir plus de mal à déplacer et à le faire tourner si j'en ai besoin. Le papier de transfert est donc très peu coûteux. Vous pouvez l'obtenir en ligne. Vous pouvez également obtenir le papier carbone pour les machines à écrire comme. J' ai presque n'importe quel magasin de fournitures de bureau même maintenant. Je veux dire, les gens n'utilisent plus vraiment les machines à écrire. Et peut-être qu'il y a un autre but pour le papier carbone auquel je ne pense pas, mais c'est très bon marché. Vous obtenez généralement tout un tas de feuilles, et chaque feuille dure vraiment, vraiment longtemps. Le papier de transfert que j'ai s'appelle le cerveau. Donc je pense que ça s'appelle SA, RA L. Et c'est un peu plus pour les arts et l'artisanat que pour le bureau par but. Et donc, en fait, et ça ne dure pas aussi longtemps. Je trouve que chaque feuille s'use un peu plus vite que le papier carbone typique d'un magasin de bureau. Mais j'aime ça parce que les lions vont en fait se dissiper un peu lorsque vous appliquez votre aquarelle. Les lignes sont donc un peu moins permanentes. J' ai donc ma photo imprimée en place sur mon papier aquarelle, comme vous pouvez le voir ici. Et c'est juste pour qu'à mesure que je passe en revue, ça ne change pas au fur et à mesure que je travaille. Et puis je vais placer mon papier de transfert face cachée. Donc vous pouvez voir que ce côté est là où tout le pigment est qui va transférer le côté. Vous pouvez dire qu'il n'a pas ce pigment appliqué, donc ce côté ne se transfère pas. Donc, nous voulons le côté transfert face vers le bas sur notre papier aquarelle. Il suffit de mettre ça en place. Ok, maintenant le truc avec les animaux est qu'il y a tous ces bords mous, donc je ne veux pas nécessairement dessiner comme une ligne épaisse et solide. Alors ce que je vais faire, c'est que je vais faire, je vais juste faire un peu d' indication des lignes où nous avons tous ces bords souples au lieu d'une ligne solide. Et dans certains endroits, je peux aller de l'avant avec une ligne solide comme ici sur l'oreille. Je peux juste aller là-bas et appliquer de la pression ou autour des yeux. Je peux utiliser une ligne plus solide. Et vous n'avez pas à transférer tous les détails sur votre papier. Ce que je cherche, ce sont les traits saillants comme les yeux, le nez. Et puis nous voulons juste une indication générale de la forme globale de l'animal. Et puis j'aime aussi réfléchir à l'endroit où sont ces faits saillants. Je vais donc essayer d'être très prudent en indiquant où sont tous ces faits saillants. Parce que ceux-ci vont être très importants pour cette peinture en particulier, parce que les faits saillants et la façon dont la lumière frappe le chat sont une sorte de ce qui rend cette photo vraiment belle. Donc je veux m'assurer que je maintiens ça. Donc, vous pouvez voir ici sur ce bord doux où il y a ferme, juste en quelque sorte de faire quelques indications là-bas, affirmez. Et puis, de l'autre côté de ce point culminant, je vais faire la même chose. Et puis de temps en temps, vous pouvez simplement soulever les choses et voir comment ça se transfère. Si vous n'avez jamais utilisé de papier de transfert auparavant, je vous recommande de pratiquer un peu avant d'y entrer, juste pour que vous puissiez avoir une idée de la pression à appliquer si vous utilisez du papier carbone, ce qui est plus permanent que je dirais, il est plus important de faire attention à ne pas exercer trop de pression. Donc, vous voudriez une pression plus légère pour que vos lignes ne soient pas à proéminence. Et tant que vous avez votre photo enregistrée en place, vous pouvez la retourner autant de fois que vous le souhaitez et vous n'avez pas à vous soucier de la réaligner. Donc c'est une grande raison. J' ai besoin de tout prendre en place. Donc, comme je l'ai dit, les yeux sont vraiment importants pour indiquer exactement où ils sont parce que c'est une de ces choses comme si vous faites un visage d'animal ou un visage humain. Si c'est désactivé, c'est généralement la première chose qui dérange les gens. Et encore une fois, ici, j'essaie juste d'indiquer où sont certains de ces faits saillants sans utiliser de lignes trop solides. Mais je ne vais pas vraiment m'inquiéter trop pour comme si je ne vais pas faire moustaches du tout parce que je vais faire ceux avec badigeon à la toute fin. Donc, on ne va même pas y penser en ce moment. Donc ce sont juste un peu de lignes hachurées. Les seules marques que je vais vraiment indiquer ici sont en quelque sorte où sont ces rayures. Et donc je ne vais pas les décrire, mais je vais juste appliquer un peu de pression. Et je vais juste les griffonner en quelque sorte pour indiquer certaines de ces marques importantes. Bon, alors vérifions. Nous ne voulons pas transférer trop de détails. Je pense que c'est en fait une très bonne quantité. Donc je vais vous montrer un peu plus près ici. Donc pas trop. Et encore une fois, si vous utilisez du papier de transfert comme celui-ci, vous n'avez même pas vraiment à vous soucier obscurité de vos lignes car elles vont se dissiper lorsque nous appliquons de l'aquarelle. Ok, donc maintenant nous avons fait notre transfert, mais avant de commencer à peindre directement dessus, je veux juste faire un petit croquis, une étude de valeur dans mon carnet de croquis. Donc c'est ce que nous allons faire ensuite. 4. Croquis de valeur: Pour mon croquis, je ne vais pas transférer le dessin sur mon papier de carnet de croquis parce que pour cette phase, il s'agit plus d'explorer les relations de valeur que d'obtenir une peinture précise du chat. Donc tout ce que je vais faire, c'est juste un peu croquis très lâchement. Et je ne vais même pas, c'est un carré par opposition au rectangle de cinq par sept que ma peinture sera. Mais je ne vais pas vraiment m'inquiéter des détails de fond ici. Donc, je vais juste esquisser rapidement dans très lâche, juste généralement la forme globale du chat. Et je me concentre évidemment plus sur le visage parce que c'est là que beaucoup de détails vont être. Donc, cela n'a pas besoin d'être un dessin précis par n'importe quel étirement. Mais, vous savez, le croquis est un excellent moyen de travailler sur vos compétences de dessin. Et c'est en quelque sorte sans risque parce que ce n'est qu'un croquis. Tu es le seul à avoir demandé à le voir. C' est donc une très bonne occasion de travailler sur vos compétences en dessin et en observation. Et je ne vais pas vraiment avoir beaucoup de détails en termes de dessin ici non plus C'est juste que je suis vraiment je vais juste sortir de mon transfert en ce moment. Juste pour indiquer où seront les faits saillants. D' accord. Donc, pour cette étude, allons de l'avant et juste un peu, je vais tremper ma brosse dans mon eau et je vais juste obtenir généralement cette zone de whets. Je vais faire un peu de fond, mais pas vraiment beaucoup en arrière-plan pour cette peinture est en fait très simple de toute façon. Et je vais faire cette lumière monochromatique. Maintenant. Vous pouvez faire deux ou trois choses différentes. Vous pouvez utiliser juste une seule couleur et je recommanderais qu'elle soit bleue juste parce que le bleu aura la plus grande plage de valeur car il a une valeur locale sombre, par opposition au jaune, où même à son plus sombre ça ne va pas devenir très, très sombre. Le rouge va bien aussi. C' est un peu au milieu en termes de valeur locale. Mais je recommande d'utiliser du bleu, sinon mélanger une violette, qui est ce que je vais faire. Donc je veux beaucoup d'eau parce que je vais commencer avec ma valeur la plus légère. Bien sûr. Je vais juste ajouter un peu de rouge ici. Donc on a une belle violette. Et si vous vouliez juste une couleur neutre, vous pourriez aussi y ajouter un peu de jaune, mais parce que c' est juste une étude de valeur, je ne vais pas m'inquiéter à ce sujet. Mais j'ai l'impression que la violette me donne une belle gamme de valeur. Donc je vais commencer très, très léger ici, et je vais juste appliquer un lavage partout. Maintenant, vous avez la possibilité de laisser un peu les faits saillants. Blancs purs. Et le je trouve qu'il semble un peu plus naturel si vous pouvez ajouter juste même un peu de couleur même dans les faits saillants. Donc c'est comme ça que je vais aborder ce tableau dans son ensemble. Alors maintenant, j'ai un lavage, mon papier est encore très humide. Je vais ajouter un peu plus de pigment dans ce mélange pour que je puisse obtenir une bonne valeur moyenne ici aller. Et pendant que le papier est encore mouillé, je vais aller de l'avant et commencer à perdre un peu plus de valeur pour que nous puissions obtenir de beaux bords doux. Donc je vais commencer en arrière-plan et je suis un NB. Je vais juste faire le tour. Et encore une fois, le papier est très humide, donc des choses comme ça vont juste se produire. Et ça fait partie du plaisir de l'aquarelle en fait. Alors laisse tomber. Ce n'est qu'un croquis de toute façon. Mais j'essaie globalement d'éviter les zones de surbrillance et je peux vous montrer si quelque chose comme ça se produit dans vous avez besoin d'alléger un peu une zone. Je vais vous montrer comment gérer ça. Alors je vais ajouter cette valeur moyenne dans le corps du chat. Encore une fois, il suffit d'essayer d'éviter les domaines qui devraient rester dans les faits saillants. Et je sais qu'il est difficile à ce stade même de voir mon dessin, donc je m'excuse pour ça, mais c'est juste une sorte de la nature de l'art. Parfois, les choses s'obscurcissent. Avec une serviette en papier, enroulez-la autour de votre doigt. Et puis tu pourras rentrer pendant qu'il est encore mouillé et ramasser un peu de ce pigment à nouveau. D' accord. Donc, à ce stade, j'ai besoin que ça sèche un peu. Donc, je vais prendre mon sèche-cheveux et je vais juste couper la vidéo pendant que je fais ça et je vais probablement l'accélérer aussi. D' accord. Laisse-moi te montrer ce gros plan. Vous pouvez toujours voir le dessin à travers l'aquarelle. J' ai deux valeurs appliquées à ce stade. Je suis donc entré avec mon lavage très léger au départ. Et donc vous pouvez encore voir ça juste autour des bords du chat. Mais je suis entré avec un peu plus de pigment pour obtenir une bonne valeur moyenne. Maintenant, je veux seulement, pour cette valeur stable appliquer peut-être une ou deux valeurs de plus. Donc ça va rester vraiment lâche. C' est juste pour, encore une fois, m' aider à comprendre les relations de valeur et aussi réfléchir à la façon dont je vais aborder les peintures. Donc je vais ajouter plus de pigment à ce mélange maintenant. Et ça va être une bonne occasion d'utiliser du papier à gratter ici pour que je sache au moins ce que je vais obtenir. Et donc une partie de l'arrière-plan est un peu plus sombre. Donc je vais un peu faire le tour ici et maintenant que tout est sec, n'ai pas à vous inquiéter qu'il saigne presque autant dans les faits saillants. Il est donc un peu plus difficile d'obtenir des bords souples quand vous voulez gagner vos papiers, conduire. Voici ce que vous pouvez faire pour adoucir certains de ces bords. Il suffit de tremper votre pinceau dans votre eau sans ajouter de pigment. Et puis juste aller un peu sur ces bords pour que le pigment humide puisse se fondre dans le pigment plus léger qui est déjà sec. Et puis même en buvant votre pinceau sur une serviette en papier pour sortir une partie de cette eau, vous pouvez commencer à utiliser un peu de brosse sèche pour créer également l'illusion de quelques bords plus doux. Même lorsque votre papier est relativement sec. Et il ajoute un peu de texture agréable là-dedans aussi. Et puis c'est une bonne technique à utiliser autour des zones de l'animal qui sont un peu fureur comme ici. On va avoir des cheveux scintillants pour que je puisse couper dans cette zone avec un peu de pigment. Et tant qu'ils n'ont pas trop d'eau sur ma brosse, alors je peux avoir beaucoup de contrôle avec ça. Et ici aussi. Ok, donc c'est tout ce que je vais faire avec l'arrière-plan et je veux juste avoir de bonnes relations de valeur. Parce que le foyer de cette peinture, évidemment étant le chat, mais secondairement étant les lumières autour du chat. Ce sera un intérêt majeur de très bon point focal pour ce tableau. Donc la prochaine chose que je vais faire avec mes valeurs comme je vais un peu entrer et regarder quelques-unes des caractéristiques du chat. Donc, comme le nez, les yeux, certaines marques autour du chat. Donc je vais chercher des zones ici qui ont juste besoin d'être assombries un peu. Pour les yeux. Je vais juste les contourner pour l'instant. Sauf que je suis plus dans l'ombre. Je vais juste passer en revue ça. Et n'ayez pas peur de le faire avec l'aquarelle, vous allez obtenir un bien meilleur effet si vous peignez très largement. Au lieu d'essayer de préserver tous les détails. C' est ce qui va vous donner cette belle apparence lâche. Donc ici, je veux m'assurer que je maintiens ce point culminant sur le nez. Alors j'irai ici et vous pourrez voir ce petit coin. Je vais laisser cette valeur plus légère. Je vais juste faire le tour de cet œil pour l'instant. Xor est un peu un point culminant dans les yeux que je veux m'assurer de ne pas perdre. Et parfois ils ont juste besoin de sécher un peu mon pinceau. Il n'enlève pas tout le pigment de la brosse pour l'essuyer sur votre serviette en papier. Mais cela vous donnera une belle brosse sèche pour ces bords doux ici. Et je sais que ça peut ressentir un peu dérangeant de commencer à perdre le travail que vous faites. Mais sachez qu'à la caméra, il peut être difficile de voir où c'est, mais en personne je peux le voir assez bien. Ne vous inquiétez pas trop à ce sujet. En regardant cette vidéo. Ne pensez pas que vous allez devoir perdre complètement votre dessin, vous ne le faites pas vraiment. C' est juste difficile pour l'appareil photo d'obtenir ces très légers détails. Ok, et puis je sais que cette partie du chat est encore un peu plus dans l'ombre. Je vais juste ajouter un peu de pigment ici. vous inquiétez pas de l'équilibre exact entre le rouge et le bleu, parce que évidemment ce n'est pas une question de couleur, c'est juste une question de valeur. Maintenant, ça pourrait être encore un peu humide. Mais je vais voir si je peux commencer à découper où ces autres ions juste pour que vous puissiez le voir un peu plus clairement. Mais ceux-ci resteront des bords très doux. Et puis nous regarderons ce genre de bande proéminente juste ici. Et nous allons garder ça très doux pour l'instant aussi. Ok, alors maintenant regardons ça. Moi, comme nous le faisons, je veux voir s'il y a un petit point culminant ou un reflet dans les yeux parce que cela donnera beaucoup de vie à votre peinture pour le maintenir. Donc il va y avoir juste un petit point culminant ici. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais me tailler autour de ça avec un beau bord dur. Et puis je vais aller de l'avant et peindre dans le reste de l'œil. Et je me trompe toujours du côté de peut-être rendre le point culminant trop grand parce qu'il est plus facile de revenir en arrière et de le rendre plus petit plus tard. Si, si vous en avez besoin, alors c'est pour obtenir plus de blanc. Si vous rendez le surlignage trop petit, il sera beaucoup plus difficile de revenir en arrière et d'agrandir ce surlignage. Et au fur et à mesure que nous esquissons, nous faisons vraiment beaucoup du travail difficile, la prise de décision difficile que nous allons faire dans notre peinture avec la couleur. Mais quand vous faites une étude de valeur, tout ce qui vous inquiète vraiment, c'est d'appliquer les bonnes valeurs. Et aussi, vous savez, penser à vos bords mous par rapport à vos bords durs. Et il enlève tout cet élément de couleur. Et donc cela vous aide à résoudre ces problèmes difficiles sans le défi supplémentaire de la couleur. C' est pourquoi c'est une étape vraiment, vraiment importante. Et je trouve que si je ne dessine pas avant de peindre, alors ma première peinture finit par être un croquis parce que je finis habituellement par devoir le refaire de toute façon. Donc, ce n'est jamais une perte de temps, peu importe à quel point vous vous sentez pressé, ce n'est jamais une perte de temps de faire un petit croquis avant de commencer votre peinture finale. si vous utilisez du papier ou des pigments coûteux ou autre chose, vous allez vous sentir comme. Si vous gâchez votre première tentative de peinture, vous pourriez avoir l' impression d'avoir gaspillé un peu d'argent ou autre. Donc j'aime juste éviter ça. Et je ferai un croquis avant de commencer. Donc ici, je pense un peu à une partie de la texture de la fourrure. J' ai laissé ces points forts peut-être un peu trop grands, mais encore une fois, je préférerais que mes zones les plus légères soient trop grandes pour que je puisse les réduire comme je le suis en ce moment. Qu' ils soient trop petits parce qu'il est plus difficile de les récupérer plus tard. Et maintenant aussi, comme je suis un peu en train de jouer avec certains de ces trucs, j'attends vraiment que cette zone sèche pour que je puisse entrer et finir ces détails sur les chats. Donc c'est bon d'avoir quelque chose à jouer pour que vous ne soyez pas impatient et puis retournez là où je veux ajouter des bords durs, mais c'est encore un peu doux là-dedans. Peut-être. Ok, et donc ma valeur la plus sombre que je vais réserver pour le moins de zones. Alors que nous progressons dans nos valeurs, vous avez probablement remarqué, que j'ai travaillé sur cette étude de valeur, que ma valeur la plus légère était quelque chose que j'ai appliqué partout. Mais au fur et à mesure que je progresse et que mes valeurs deviennent un peu plus sombres à chaque fois, elles sont appliquées à des zones de plus en plus petites. Donc, ce n'est pas parce que vous avez une valeur que vous devez trouver un endroit partout dans vos peintures qui l'appliquent. Donc, avec ma valeur la plus sombre ici, ça va vraiment être réservé aux yeux et un peu en avant les marques. Donc, j'ai beaucoup de pigment dans mon mélange et pas autant d'eau et je vais même juste essuyer ça sur ma serviette en papier et je vais l'analyser. Donc je sais ce que je reçois. Et faire une nuance vous indique non seulement la valeur ou la couleur que vous allez obtenir, mais il peut également vous montrer la quantité d'eau que vous avez. Donc, si vous appliquez ceci et que vous avez l'impression qu'il est trop liquide, vous pouvez l'effacer un peu plus sur votre serviette en papier si vous en avez besoin. Mais cela vous aide à savoir ce que vous allez obtenir avant de l'appliquer sur votre peinture. Donc, je vais juste aller dans les yeux. Les yeux sont très, très importants. Évidemment quand on fait n'importe quel portrait, qu'il s'agisse d'un humain ou d'un animal. Ils ont donc tendance à être très, très importants. Et si mon chat finit par avoir l'air un peu croisé et ce croquis, c'est bon. Parfois, ça arrive. Parfois, il est un peu difficile de placer les élèves exactement à droite. Donc ici, je suis juste un peu de faire le tour et d'appliquer les traits les plus sombres autour des yeux et constamment regarder de mon côté et non, vous ne pouvez pas vraiment le voir, mais je suis juste constamment à regarder ma référence. Et pour votre étude de valeur, tout ce dont vous avez vraiment besoin est votre, si vous faites une impression en noir et blanc, C'est vraiment tout ce dont vous avez besoin pour cette étape est juste de regarder vos impressions en noir et blanc. Mais c'est aussi une bonne pratique de faire réellement votre étude de valeur pendant que vous regardez la photo complète avec la couleur et tout, car cela vous aide à commencer à être en mesure de voir la valeur à travers la couleur, ce qui peut être très, très stimulant. Donc, pour ces marques, je veux que ma brosse soit relativement sèche. Il y a encore un bon pigment dessus, mais je ne veux pas mais je ne veux pastrop d'eau ici parce que je veux juste ajouter ces petits filets pour les rayures donner cette belle sensation de fourrure. Et puis il y a quelques marques ici qui sont un peu moins importantes. Alors je vais y aller. Ma brosse est encore très, très sèche, donc il n'y a pas beaucoup d'eau et c'est comme ça que je peux obtenir ces belles textures ici. Et je vais être très, très lâche et général avec toutes ces marques. D' accord ? Donc, c'est vraiment tout ce dont vous avez besoin pour une étude de valeur. Tu sais, je pense que ça vaut toujours la peine de prendre le temps de faire une étude rapide comme celle-ci, encore une fois, parce que ça t'aide à apprendre tellement. Je ne vais pas m'embêter avec des moustaches ou quelque chose comme ça dans mon étude de valeur. Bien que quand nous arriverons à moustaches, je vais vous montrer comment faire une sorte de pratique pour que vos lignes soient ce que vous voulez qu'elles ne soient pas trop épaisses ou ne pas diluer ou quoi que ce soit du genre. Donc on parlera de moustaches quand on y arrivera. Mais c'est un excellent exercice à faire, apprendre à connaître votre sujet et les relations de valeur et commencer à penser à vos bords souples par rapport à vos bords durs. 5. Appliquer des lavages: D' accord, donc je vais y aller et mettre mon croquis de côté. Bien que je le veuille quelque part où je peux le voir. Il ne sera pas en vue de la caméra, mais je trouve juste qu'il est très utile de garder cela à mon avis afin que je puisse y faire référence quand j'en ai besoin. Et puis j'ai aussi ma petite tablette sur le côté. Donc, je regarde mon image de couleur comme je peins. Et je vais aller de l'avant et mettre ça ici. Et puis on peut aller de l'avant et commencer à peindre. Donc je vais juste laisser ce mélange ici. J' aime avoir de belles couleurs en sourdine et mes peintures, donc j'essaie de réutiliser les mélanges précédents de toutes les façons que je peux. Et tant de serviettes en papier. Je vais juste garder ça bien, gentil et propre ici parce que c'est là que je vais un peu avoir certaines de mes couleurs plus pures que je veux garder. Donc la première chose que je vais faire maintenant, comme je l'ai fait sur mon croquis, je vais juste mouiller le papier entier. Vous pourriez voir un peu de couleur violette dans mon eau juste parce que j'ai encore l'eau que j'utilisais pour mon croquis. Ce n'est pas quelque chose à craindre trop. Ce que vous pourriez commencer à remarquer, c'est que mes lignes commencent déjà à se dissiper. Donc c'est juste quelque chose à garder à l'esprit. Mais je veux obtenir ce beau et humide pour que je puisse avoir de bons bords doux. Et mon lavage initial ici que j'applique va juste être jaune. Je veux que ce soit très, très aqueux. Si je veux avoir n'importe quelle sorte de jaune pur dans n'importe quelle peinture, je commence toujours par le jaune comme première couleur et ils ne mettent rien d'autre dedans. Et pour ce tableau, je veux que les faits saillants autour du chat soient si gentils, jaune clair. Donc, je vais juste l'appliquer partout et cela fonctionne parce que le chat lui-même est orange et puis le fond va être principalement vert. Donc, ces deux piliers secondaires ont du jaune en eux. Donc, je peux juste aller de l'avant et appliquer librement le jaune partout et ne pas m'inquiéter de quoi que ce soit. Maintenant, si vous utilisez ce papier de transfert qui s'estompe en quelque sorte, ce que vous pouvez faire avec certaines des fonctionnalités que vous avez vraiment besoin de maintenir est juste entrer avec un crayon, qui ne se fanera pas presque autant. Donc je pourrais le faire juste dans quelques domaines clés, comme les yeux juste ici. Et vous pouvez appliquer un crayon même lorsque votre papier est encore très humide. Je fais attention à ne pas appliquer mes marques de crayon trop foncées. Mais certaines de ces caractéristiques importantes, je ne veux pas perdre leur place. Peut-être juste quelques patchs ici et là. Tout comme une sorte d'indication de certains de ces bords qui ne vont pas être des bords durs par aucun moyen. D' accord ? Donc c'est toujours agréable et humide. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais aller de l'avant et commencer à travailler sur le fond. Donc, quelques jolis verts. Je vais ajouter un peu plus de jaune ici, prendre du bleu. Encore une fois, je ne veux pas aller trop sombre avec mes valeurs à ce stade parce que je veux travailler de la lumière à l'obscurité. Mais alors que c'est pourquoi il peut obtenir quelques très beaux bords doux ici. Et si ça tombe dans le visage de mon chat ici, ne va pas trop m'inquiéter parce que je peux utiliser, encore une fois ma serviette en papier pour soulever une partie de ça si j'en ai besoin, tout comme je vous l'ai montré dans la phase de croquis. Mais je ne veux pas trop couper ces points forts. Donc je nous donne juste un peu un tout avec le vert. Parce que encore une fois, le très beau jaune clair qui ne va vraiment apparaître que dans les faits saillants autour du chat. Alors maintenant, je peux faire un peu d'orange. Et je vais juste nettoyer ça pour l'instant pour que tu puisses le voir. Si jaune, juste un peu de rouge. Je sais que mon rouge est très, très fort, donc je ne veux pas mettre trop de rouge à la fois. Donc, je vais juste ajouter lentement ça. Et maintenant, nous pouvons donner un peu au chat un joli ensemble avec l'orange. Juste éviter ces zones de surbrillance à nouveau. Et pendant que vous faites ces phases avec les bords souples, il est assez important de travailler rapidement. Ne vous inquiétez pas trop pour les détails. Je vais en quelque sorte éviter les yeux ici. Mais pour l'instant, nous voulons juste nous assurer que nous avons un beau manteau ici pendant que les bords sont encore beaux et doux. Et une chose à propos de la peinture, vous savez, que ce soit l'aquarelle ou tout autre média. Et souvent, au fur et à mesure que vous commencez, les choses vont paraître un peu bizarres au début. Et c'est, peut être très difficile d'imaginer qu'il va plus loin. Mais j'encourage vraiment, vous savez, importance au début à quel point ça a l'air bizarre et maladroit. Continuez, continuez à travailler dessus parce que c'est un processus et il est important de garder cela à l'esprit, je pense, et il est facile de se décourager ou perdre de vue l'ensemble de la situation au fur et à mesure que vous travaillez tout au long du processus. Alors maintenant, je vais revenir à l'arrière-plan, et maintenant je vais juste commencer à utiliser ce mélange parce qu'ils n'ont pas vraiment besoin que ce soit un vert pur. Donc c'est normal qu'il ait un peu de rouge ici qui va en quelque sorte le tonifier un peu et le rendre plus naturel. Donc je vais aller dans certaines zones de fond qui ont besoin d'un peu plus d'une valeur sombre. Alors qu'il est encore agréable et humide. Laissant juste peut-être un petit halo de ce vert clair autour du chat. À ce stade. J'utilise toujours mon gros pinceau parce que je veux de beaux coups. détail à ce stade n'est tout simplement pas dans mon esprit. Et puis un peu de l'eau sortir de là pour que je puisse faire un petit pinceau sec juste ici autour du chat. Et il peut être facile d'essayer de suivre de très près avec votre référence photo en termes de fond. Maintenant, pour cette photo, l'arrière-plan est agréable et floue, ce qui est un peu très utile. Mais même s'il y a beaucoup de détails en arrière-plan, il est préférable de garder vos arrière-plans très, très lâches et de ne pas entrer dans tous les détails que vous pourriez voir car cela va distraire votre tableau en général. Et je voulais vraiment tirer le fond du chemin à ce stade. Donc, je vais dans autant que je peux et j' applique juste beaucoup de valeur dans les domaines où j'en ai besoin afin que je puisse passer le reste de mon temps vraiment à me concentrer sur le chat. Et j'attends aussi que le chat sèche à ce stade. Donc, être en mesure d'entrer et un peu obtenir l'arrière-plan de la route va être utile pour, vous savez, évidemment, sortir ça de la route, ne plus avoir à s'inquiéter à ce sujet, mais aussi pour permettre à l'eau sur le chat sur le sujet à sécher un peu de sorte que lorsque nous allons et travailler dessus, nous pouvons un peu commencer à nouveau. Je ne veux pas passer en revue tout le fond avec une valeur sombre, mais je vais faire juste un petit pinceau sec ici pour que nous ayons un peu de variété là-bas sans qu'il en soit trop. Et puis je pense que je vais faire un peu de bleu plus foncé ici aussi, pour un peu plus de variation. Donc je pense que je vais adoucir ça ici. Donc j'utilise juste mon essuie-tout autour de mon doigt pour soulever un peu juste là parce que j'avais l'impression que cette ligne était devenue un peu gênante. ne sais pas vraiment ce que je ressens. Et puis pour écrire dans ces domaines autour, mettre en évidence ces zones libres genre. Je veux juste être en mesure d'utiliser une belle brosse sèche ici parce que je veux que ce bord soit agréable et doux. Donc je ne veux pas trop de contraste ici. Donc je veux que ma brosse soit assez sèche sans trop de pigment dessus. Donc je peux une sorte de plume qui est un peu juste ici le long des bords. Ok, donc je pense que je vais avoir fini avec ce plus gros pinceau. Alors je vais mettre ça de côté. On va aller de l'avant et commencer à travailler sur le bétail un peu plus. 6. Fur, Pt. 1: Donc je vais construire mes couleurs pour le chat à partir de ça. Eh bien, en ce moment, vous pouvez voir que c'est une orange très jaune et que vous n'avez pas de bleu ici. Mais au fur et à mesure, je commencerai à ajouter plus de bleu dans mon orange et aussi un peu plus de rouge. Le bleu et l'orange. Évidemment, le bleu et l'orange sont des couleurs complémentaires. Donc, quand vous les mélangez ensemble, vous obtenez une couleur plus sourde, naturelle, terreuse. Et cela va venir avec l'application de plus de valeur. Donc en ce moment, nous allons en quelque sorte coller avec un gentil, c'est un peu juste votre moyen typique, orange. Et on va commencer à entrer ici et à bloquer certaines zones. Veiller à laisser les points forts intacts. Et je ne veux pas trop de brosse ou je suis désolé, je ne veux pas trop d'eau sur la brosse pour l'instant. Je veux que les bords restent un peu doux, doux que possible de toute façon. Même si je ne travaille pas mouillé dans mouillé. Mais ce que j'essaie vraiment de faire ici, c'est juste d'entrer et de définir certains points forts pour que je puisse m'assurer de les maintenir. Et c'est vraiment la puissance de ces pinceaux ronds parce que je peux l'utiliser vraiment chargé avec de la peinture dans l'eau et juste faire des coups vraiment larges. Mais je peux aussi travailler sur beaucoup de ces détails. Mais j'essaie vraiment de maintenir beaucoup de relâchement ici. Et j'essaie d'appliquer la couleur très généralement. part peut-être autour des yeux. Vous pouvez voir. J' ai ajouté juste un peu trop de rouge là-dedans. Comme vous apprenez à connaître vos pigments particuliers que vous utilisez, même si vous n'utilisez pas les mêmes que moi. Vous remarquerez que certains de vos pigments sont très, très forts. C' est généralement rouge. Les rouges sont généralement vos pigments les plus forts. Donc, quand vous les ajoutez dans des mélanges, ils vont très facilement dominer les autres couleurs dans le mélange. Donc, c'est quelque chose juste pour, c'est une, c'est une propriété pour apprendre à connaître dans votre ensemble de couleurs et comment gérer cela. Mais même si vous obtenez un mélange, ce n'est pas tout à fait ce que vous attendiez. C' est, ce n'est certainement pas la fin du monde. Vous pouvez toujours l'ajuster un peu plus si vous en avez besoin, ou vous pouvez simplement aller avec. Et j'ai décidé d'y aller parce que dans cette zone du chat de toute façon, ça va être plus sombre. Donc, ça n'a pas vraiment d'importance si ce n'est pas tout à fait l'orange que je voulais initialement. Parce que ça va, je vais recommencer avec des couleurs plus sourdes et plus sombres de toute façon. Et ici, j'essaie juste d'adoucir ce bord autour du point culminant à nouveau. Ok, donc maintenant je vais voir, je suppose que je vais mettre un peu sur mes mélanges dans ces petits puits. Je vais faire un joli rose clair pour le nez et les oreilles. Donc ça va être assez aqueux et lumineux à ce stade, mais ça va être un peu rouge. Et nous allons juste un peu à quel point ça a l'air bien. Testez ça un peu avant de l'appliquer. Peut-être que ça doit être juste un peu plus léger ici. Et puis sur le nouveau, les yeux vont être à peu près la dernière chose que j' aborde dans ma peinture parce que c'est là que le plus de détails va être. J' aime donc, non seulement à l'aquarelle, j'aime travailler de mes valeurs les plus légères à mes valeurs les plus sombres. J' aime travailler de large à spécifique. Donc c'est quelque chose que je pense que beaucoup d'artistes vont entendre. Et c'est une partie de la raison pour laquelle les peintures semblent si gênantes dans les phases initiales. Parce qu'avant que nous ayons ces détails qui rassemblent vraiment tout, ça ne semble pas tout à fait correct. Donc c'est quelque chose que nous devons tous apprendre à travailler. Mais comme je l'ai dit, respectez le processus et vous serez récompensé de le faire. Alors maintenant, j'ajoute un peu de bleu dans ce mélange d'orange. Donc, vous pouvez vraiment voir cela presque fait comme un beau, riche brun chaud, une très belle couleur neutre. Donc, je vais commencer à aller dans, faire quelques zones sombres et même commencer à mettre dans les rayures un peu. Donc je veux que ma brosse soit relativement sèche ici. Et certainement, même si c'est évidemment une valeur un peu plus sombre, je ne voulais pas faire trop de saut en valeur parce que je veux qu'il soit agréable et naturel. Donc, si nous avons un changement spectaculaire de valeur, cela va nuire à la douceur de l'entreprise où nous avons un peu besoin de changements de valeur plus progressifs. Ici, je peux dire que mon papier est encore assez humide, donc je sais que je vais avoir de beaux bords doux. Et il va être un peu plus sombre ici de toute façon. Donc je ne vais pas vraiment m'inquiéter des rayures que je peux voir à ce stade. Je veux juste ajouter un peu plus de valeur. Tu peux dire que j'utilise vraiment ma serviette en papier jusqu'à ce que ce soit une sorte de pulpie mouillée. Et parfois je vais même après avoir utilisé une serviette en papier, je vais juste l'étaler à plat comme ça et je vais juste le laisser sécher et ensuite je l'utiliserai à nouveau. Et vous pouvez utiliser vos serviettes en papier encore et encore. Vous pouvez en voir deux, alors que je construis mes valeurs, j'applique la peinture à moins de zones, de moins en plus petites, de sorte que ces valeurs plus légères que j'avais appliquées, je ne veux pas les perdre en les passant trop avec des valeurs plus sombres, il est vraiment important dans l'aquarelle de maintenir les valeurs plus légères qui sont importantes pour la peinture. 7. Fur, Pt. 2: Et avec beaucoup aussi, nous ne voulons pas en faire trop. Donc, je suis en fait à peu près fini avec la fourrure, même si c'est très simple à ce stade. Et encore une fois, je sais que ce tableau est toujours un peu maladroit, mais c'est vraiment juste parce que nous n'avons pas encore fait les traits du visage. Donc, une fois qu'on les aura, tu vas vraiment commencer à voir ça se réunir. Bon, donc je veux une belle couleur terreuse ici. Donc, cela va avoir juste un peu plus de bleu dans le mélange et beaucoup plus de pigment. Et puis je vais aller de l'avant et commencer à mettre certaines de ces rayures ici, les laissant vraiment gentils et doux. Non, tu sais, je regarde ma référence photo, mais je n'essaie pas de copier tous les détails de chaque bande. Je veux juste donner l'impression de ces rayures sans les faire trop de points focaux. Et maintenant je vais aller de l'avant et sécher ce pinceau un peu. Et puis nous allons entrer dans certains de ces détails sur le visage. Et puisque c'est pour ça que je ne veux pas mettre ma main dedans. Donc je fais un peu attention juste pour garder ma main loin et ne pas reposer ma main sur mon papier. Un peu plus de pigments. Et en fait, j'ai apporté un peu de ce pigment près des yeux. Donc je vais juste voir si je peux le ramasser un peu. C'est assez bon. ce moment, je suis juste un peu en train de balayer tout. Je veux m'assurer que tu n'en fais pas trop avec cette couleur juste parce que je l'ai mélangée. Je ne veux pas juste commencer à le placer hors de commodité si ce n'est pas vraiment là. Parfois, je déplaçais juste mon pinceau comme une sorte de numériser tout le tableau. Et deuxièmement, vous remarquerez probablement que lorsque je passe à travers la peinture, j'utilise de plus en plus de brosse sèche au fur et à mesure que je passe. Donc, au début, j'utilise une brosse très humide. Et alors que je passe à travers la peinture, je finis par utiliser de plus en plus de techniques de brosse sèche. Ok, donc je vais retourner dans l'IRS et trouver certaines de ces valeurs où ce n'est pas nécessairement orange, mais c'est une sorte de violet muette. Donc je vais réutiliser ce mélange ici, juste ajouter un peu de rouge dedans pour obtenir une belle violette ici. Vous pouvez voir que ce n'est pas comme une couleur violette très brillante, c'est très, très sourd. Et c'est peut-être un peu sombre. Laisse-moi le tester sur mon papier à gratter. Donc s'il fait un peu sombre, je peux la tremper dans mon eau et ensuite je peux aussi récupérer une partie de cette eau. Maintenant, j'ai une valeur plus légère. Alors je vais un peu sécher ça. Et puis je vais juste placer ça très délicatement, surtout sur les oreilles où c'est un peu translucide. Un peu plus d'eau là-dedans pour alléger cette valeur. Et puis je peux aussi utiliser un peu de cela sur le nez. Je pense. Bien qu'il puisse vouloir revenir en arrière avec un peu plus, il suffit de lire sur le nez aussi. Alors prenez juste un peu plus de rouge. Je ne veux pas qu'elle soit trop saturée, mais un peu plus saturée qu'avant. Et je peux pousser un peu ça parce qu'il y a tellement de vert et d'orange dedans. J' ai l'impression que juste un peu de rouge représente juste le plus petit peu d'intérêts là-bas. Et je vais utiliser un pinceau sec pour ajouter un peu plus de rouge ici. Les zones roses et certaines parties des oreilles. Hey, donc je vais retourner dans cette belle violette sourdine. Et je vais en fait utiliser ça en plus de certaines marques. Donc je vais tester ça. Juste un peu de glaçure sur certaines de ces marques ici. Et commence aussi à faire le tour des yeux un peu. Et aussi vers le bas autour de la bouche. C' est un peu difficile de vraiment choisir la couleur précise ici, mais je vais juste faire une sorte de glaçage sur cette zone avec juste un peu de ce violet sourd. Parce que ça va aller au-dessus de ce jaune et on va avoir une belle couleur neutre. Donc, nous n'avons pas vraiment à nous soucier de la sélection des épingles exactement de la couleur que c'est parce que c'est une sorte de couleur neutre. Donc, nous allons juste garder ça très doux. Et puis ces zones qui sont un peu plus dans l'ombre et vont glacer sur celles avec un peu de ce violet sourd. Mélangez un peu plus de ça. Et je vais prendre un peu d'orange ici pour la jeter dedans. Donc on a une belle violette chaude. Et donc nous allons réduire une partie de ce qui est plus dans l'ombre ici aussi. Parce que nos couleurs les plus brillantes devraient être là où la lumière frappe le plus. Et au fur et à mesure que nous passons dans l'ombre, nous allons à Mu nos couleurs plus. Et je pense qu'on peut aller encore un peu plus loin. Et si vous vous sentez mal à l'aise avec ces couleurs en sourdine, vous ne comprenez pas tout à fait ce qui se passe. Je dirais que beaucoup de gens ont cette tendance à juste éviter les couleurs sourdes parce qu'ils craignent qu'ils ne paraissent boueux. Et pour démystifier cela, certains de mes cours d'aquarelle débutants que j'ai disponibles ici vont vraiment dans des couleurs neutres. Et vraiment ce qui rend la peinture boueuse, c'est quand vous vous retrouvez avec une sorte de méli-mélo de couleurs partout dans l'endroit sorte de façon aveugle. Mais ce que nous faisons, c'est que nous contrastons ces couleurs neutres avec ces couleurs plus pures là où se trouve la lumière. C' est pourquoi cela aide à créer une peinture qui est très naturelle et une peinture qui a l'impression qu'elle est pleine de lumière et de vie. Donc, l'utilisation de couleurs sourdes ne rendra pas votre peinture boueuse, mais vous devez comprendre leur but et comment les mélanger afin que vous puissiez les utiliser à bon escient. Et vous pouvez voir aussi que les rayures ici en eux sont ombragées partie du chat. Ils doivent être plus foncés que les rayures qui sont sur le visage parce qu'ils sont dans l'ombre. Et il y aura aussi moins de contraste dans cette zone d'ombre que dans les zones qui reçoivent plus de lumières. D' accord, donc on a vraiment le chat dans un bon endroit à ce stade. Et pour que nous puissions commencer à passer aux détails ensuite. 8. Caractéristiques et détails: Ok, donc on va enfin commencer à travailler sur certains détails plus petits, les traits du visage du chi. Et nous allons aussi adoucir une partie de la fourrure un peu plus. Donc, cette zone ici est agréable et sèche. Donc je peux enfin commencer à entrer et travailler sur certains de ces détails sans me soucier de mes peintures à l'aquarelle qui coule partout. Je vais juste nettoyer ce puits, pas trop parce que nous n'avons pas besoin de ces couleurs à nouveau pour être complètement pures par tous les moyens. Mais je vais commencer à travailler sur les yeux maintenant. Donc je vais mélanger un joli genre de vert sourd de couleur noisette pour les yeux de ce chat. Vous avez besoin de beaucoup d'héritage jaune ? Et puis pour un peu tonifier ça juste un peu, je vais prendre un peu de cette serviette orange et juste l'ajouter un peu. Ok, donc je vais zoomer sur ce que je suis ici pour que vous puissiez voir ce que je fais. Maintenant, une chose que je réalise est que même si j'ai appliqué un beau lavage jaune partout, je me sens comme ça soit c'est juste un peu trop blanc là-dedans et même les points forts de l'œil, comme vous pouvez le voir dans la référence photo, n'est pas blanc pur. Donc avant d'appliquer le vert, je vais juste entrer avec un peu de ce jaune pour un peu me débarrasser de ça. Ce n'est pas blanc pur, il a certainement un peu de jaune là-bas, mais il a beaucoup disparu, donc c'est un peu plus léger que ce que je veux. Alors pendant qu'on laisse ça, je sèche un peu, Allons travailler sur cet œil plus large. Donc je vais rendre ce vert un peu plus sombre ici parce que cet œil n'a pas vraiment de points forts qui le frappent. Et c'est aussi un peu plus dans l'ombre des chats qui ne reçoivent pas vraiment de lumière directe, donc nous n'avons pas besoin de l'avoir trop de lumière en valeur. Donc je vais juste aller sur tout ça. Moi, avec ce vert ici. Ne vous inquiétez pas d'éviter l'élève parce qu'il va être vraiment sombre. On va juste appliquer ça sur le vert. J' ai l'impression de pouvoir assombrir un peu ça. Et j'ai aussi besoin de le tonifier toujours aussi légèrement en ajoutant juste un peu de rouge là-dedans. Donc je vais juste laisser tomber un peu de ce vert plus foncé dans sa chambre, l'œil. Nous pouvons laisser juste un peu aller dans ce vert plus léger là-dedans, juste pour ajouter un peu d'intérêt. Ok, et maintenant revenons à ce que je suis ici. Donc un peu la même chose. Peut-être juste un peu plus jaune ici parce que nous avons plus de lumière sur ce que je viens de tester qui a l'air plutôt bon. Donc d'accord, juste ici, nous voulons nous assurer de garder un peu de ce point culminant ici dans le coin. Donc je vais juste faire un peu autour de ça. C' est un petit détail, mais c'est vraiment important. Et encore une fois, à l'aquarelle, nous travaillons du large au spécifique. Donc, nous allons enfin entrer dans les détails de ce tableau. Alors laissons les deux yeux s'asseoir. Je vais zoomer ici. Et nous allons commencer à faire un peu de brosse sèche autour des bords mous. Je vais ajouter du jaune ici, ajouter peu à peu un peu de rouge. Et oui, il y avait un peu de vert là-dedans et pas une grosse affaire. Parce que nous avons vraiment beaucoup de belles oranges neutres à ce stade. Nous voulons vraiment embrasser. Alors allons juste par ici. Pas trop d'eau dans la brosse, pas trop de pigment non plus. Je vais juste adoucir certains de ces bords. Et je cherche juste des zones qui ont peut-être besoin d'un peu de correction, un peu de texture. Nous pouvons ajouter quelques jolis sillons qui vont dans le point culminant pour ramollir le bord entre la couleur locale et ensuite que la mise en évidence là. Et puis de retour ici, je peux en fait aller un peu plus sur le point culminant un peu plus parce que ce point culminant ici n'est tout simplement pas aussi lumineux que tous les autres faits saillants. Donc, je peux juste entrer et ajouter un peu de texture pour ramollir ça et le rendre un peu moins lumineux. Et ensuite on peut faire la même chose avec son rouge. Essayons ça. Juste dans quelques uns. C' est un peu trop brillant. Donc je vais bloquer ça. Un peu de brossage sec ici et là sur l'oreille aussi bien. Et j'exagère les roses dans l'oreille. Mais j'ai l'impression que c'est juste une petite touche de couleur amusante. Même si peut-être les rouges, si je voulais être totalement naturaliste, je les mettrais un peu plus en sourdine. J' aime vraiment avoir ces petits accents de lecture, surtout quand j'ai une composition avec tellement de vert parce que c'est un si beau compliments. Faisons un peu un autre genre de couleur violette neutre ici aussi. Encore une fois. Je vais sécher ça sur un test. Je veux que ce soit agréable et sec. Et puis je vais faire un peu de brossage à sec dans certains de ces traits plus sombres à nouveau. Donc je vais aller de l'avant et passer sur ces oranges avec cette belle violette silencieuse, qui fera deux choses. Ça va un peu tonifier la couleur, rendre plus naturelle. Et puis il fait aussi baisser la valeur et juste un peu, mais pas trop. Puis ici dans cette bande, je veux juste ajouter un peu de texture avec ce violet plus foncé sur ce genre de rayures orange sourdine. Et là, nous avons là où les moustaches sortent. Mais au lieu d'entrer et de faire tous ces petits points et d'ajouter ces traits très légers ici. Pour donner l'impression que je veux. Prenons un peu plus de bleu ici. Et puis dans l'oreille peut avoir un peu plus de ce joli violet sourd sentir comme il aide un peu plus il se sent plus translucide, veloutée. Et on verra à nouveau les zones sombres sur les rayures. Et j'ai l'impression que dans certaines de ces rayures, il y a un peu trop de bleu. Donc, si j'ajoute un peu plus de rouge au mélange, je pense que je peux dire aux genoux et les faire paraître en place. Un peu plus naturel. Encore une fois. C' est un peu de travail pour adoucir ça. Passons entre les ombres et la lumière sur le visage. D' accord. Alors maintenant, je pense que mes yeux sont assez secs pour que je puisse revenir en arrière. Ce que je vais faire, c'est que je vais mélanger un beau vert foncé. Ça veut dire un peu plus bleu. Va un peu de jaune là-dedans. Bleu. Et puis je vais le tonifier avec le plus petit peu de rouge à nouveau. Je ne veux pas trop d'eau là-dedans. Et ça nous a dit que je ne mettrai pas ma main dans la partie humide du chat parce que j'ai besoin d'avoir ma main assez stable ici. Donc je vais juste autour des yeux. Je ne veux pas assombrir complètement l'ensemble je parie que certaines des zones autour du bord peuvent certainement être plus sombres et il peut commencer à ajouter un bloc dans lequel les élèves vont être. Les élèves. Je trouve toujours un peu difficile. Parce que sur la photo, je veux dire que je suis assez sombre. C' est un peu difficile de voir exactement où se trouve l'élève. Donc je fais juste de mon mieux, au moins pour m'assurer que cette élève et cette élève s'alignent d'une manière qui sens et qui semble naturel pour que mon chat n'ait pas l'air croisé. Vous pouvez voir comment certains de ces détails vraiment, vraiment minuscules que nous ajoutons maintenant commencent vraiment à rassembler tout le tableau. Alors qu'il est passé de l'air très, très lâche et maladroit à maintenant, il commence à avoir plus de sens. Et là encore, c'est juste le processus lequel nous devons devenir un peu plus à l'aise. Même moi personnellement, j'ai encore beaucoup de mal avec ça. Il est donc facile de sentir que vous peignez n' est pas sur la bonne voie dans les premières étapes. Mais la seule façon de combattre cela est de vous faire travailler à travers des peintures même quand elles ne se sentent pas bien. Donc, même si vous ne vous sentez pas vraiment bien avec votre peinture, je vous encourage vraiment juste à rester avec elle, continuer, continuer à travailler dessus. Parce que même si à la fin il ne se sent toujours pas tout à fait juste ou ce que vous vouliez qu'il soit. Vous allez en apprendre beaucoup plus en voyant un tableau à travers tout le chemin, puis en le jetant de côté. Ok, Donc à ce stade, nous pouvons réellement laisser le visage sécher un peu plus et ensuite aller dans le fond et découper certains de ces faits saillants pour les adoucir un peu. Donc on a juste laissé ça être. Mais maintenant, on peut y aller et dire ça. Je vais donc ajouter un peu plus de jaune dans ce mélange parce que je ne veux pas mon vert le plus foncé contre mes points forts. Et nous allons juste adoucir certaines de ces zones ici. Et en me laissant vraiment des moments forts généreux, alors je suis capable de revenir en arrière et de couper là où j'en ai besoin. Mais s'ils essayaient de garder mes moments forts comme vraiment, vraiment précis au début, je n'aurais pas cette marge de manœuvre pour revenir et faire des ajustements. Et j'ajoute plus d'eau à cela juste pour vraiment le garder agréable et léger et de la valeur. Et surtout ici, je n'ai pas besoin d'autant de points forts que devant le chat où il y a beaucoup plus de lumière directe. Donc ça va être une sorte de jante très étroite ou une sorte de halo ici. Et c'est un peu comme ça que je pense à ces moments forts quand il y a rétro-éclairage et que vous obtenez un peu cette lueur autour du bord de la figure. Je pense à ça comme un halo ou une jante. Et puis vous pouvez voir ici que j'ai mis ma main en arrière-plan alors qu'il était encore mouillé, donc je peux passer en revue ça à ce stade et un peu correct et un peu ou vous pouvez le laisser. Ce n'est pas mal, mais j'ai l'impression que c'est juste un peu distrayant. Je veux garder l'arrière-plan vraiment basique. Donc je ne veux pas trop de texture ici. Ok, donc on a l'air plutôt bien à ce stade. Et ce que nous allons faire ensuite, c'est que nous allons juste ajouter les derniers détails dans les yeux et ensuite nous allons faire des moustaches ensuite. 9. Détails finaux et mouillages: Ok, donc maintenant ce que je vais faire, c'est ajouter les parties les plus sombres des yeux. Sinon, on en a vraiment fini avec le reste du chat. J' aime tout laisser très gentil et doux et lâche et brushy et vous savez, impressionniste. Donc, je ne vais pas entrer et ajouter plus de texture à la fourrure ou quoi que ce soit comme ça. Donc je vais aller dans les yeux et je vais utiliser ce mélange ici, un peu vert foncé. Mais je veux presque qu'il soit noir, donc je vais ajouter plus de rouge et beaucoup et beaucoup plus de bleu. Donc je veux vraiment, vraiment une valeur sombre et ça ne va pas être pur noir. C' est tout à fait correct. Parfois, l'utilisation du noir pur n'a pas l'air tout à fait naturel. Donc, ce sera juste une impression très sombre. Je le décrirais comme une violette en sourdine. Et je ne veux pas beaucoup de pigment sur mon pinceau. Et donc je peux juste voir que je veux qu'il soit un peu plus sombre autour de cet œil ici. Et puis je vais aller de l'avant et juste un peu marquer dans l'élève. Et je ne veux pas que ce soit vraiment comme un contour, donc je ne vais pas faire le tour de l'allée comme si c'était un eye-liner ou quelque chose comme ça, laissez-le très minime. Encore une fois, plus la valeur est sombre, moins je vais l'appliquer. Cet élève est vraiment difficile à voir ici. Donc je vais faire de mon mieux. Je vais juste le mettre dedans. Voyons voir. Je vais juste jeter un coup d'oeil, m' assurer que les yeux regardent bien ici. Je pense que je suis plutôt content d'eux. Je ne veux pas en faire trop. Il peut être très facile d'être tenté d'imprimer. Je veux les rendre super, super parfaits, mais résistent à cette envie. Alors ce qu'on va faire pour commencer à travailler sur les moustaches. Donc je vais utiliser mon pinceau blanc pour cela et un presser juste un peu plus pour qu'il puisse être agréable et épais. Donc je vais faire les moustaches et deux étapes ici. Je vais mélanger du blanc avec du jaune. Oups, il y a un peu de violet sur ma brosse, donc je vais juste nettoyer ça. Donc parce que j'ai les points forts autour du chat un peu ce halo est une sorte de jaune très clair. Je veux que certains de mes moustaches soient ça aussi. Donc je vais encore chercher un peu de pourquoi sortir d'ici. Un peu de jaune hors d'ici. Et je veux que ma gouache blanche soit vraiment, vraiment, vraiment épaisse, donc je ne veux pas trop l'arroser. Je peux dire qu'il y a un peu d'eau là-dedans, donc je vais sécher ma brosse ici et en prendre un peu plus. Ça devrait être bon. Maintenant avant d'entrer et de commencer à mettre des moustaches sur ma peinture. Je veux tester mon accident vasculaire cérébral. Donc je vais prendre mon papier à gratter ici. Et je ne suis que des clips, je vais juste m'entraîner sur certaines de ces nuances sombres. Nous allons donc utiliser une touche très légère. J' utilise la pointe même de mon pinceau rond ici. Et encore une fois, il n'y a pas beaucoup d'eau ici. Donc vous pouvez voir qu'on a cette belle torsion. Ce que je ne veux pas que tu t'inquiètes, c'est comme dessiner une ligne comme laisser le trait sauter ici, tu n'as pas besoin d'une ligne solide. Et si vous obtenez un peu ces coups de pinceau secs, c'est très bien aussi. Donc juste un peu s'entrainer à faire des gestes très rapides. Parce que c'est tout ce que vont être ces moustaches. Ils ne seront pas parfaits. Ce ne seront pas des lignes solides. On veut juste avoir l'impression générale de ça. Commençons donc dans une zone un peu moins conséquente. Je dirais peut-être ici dans l'oreille et juste un peu ajouter quelques saucisses sortant du point culminant dans la zone verte. Et puis on peut ramollir certains de ces bords ici un peu. Il y a juste un peu de jaune mélangé dans cette courge. Et nous allons juste, pour certaines de ces zones à fourrure, juste quelques coups courts. Et là, nous allons trouver une sorte de beau naturel à la recherche. Ok, maintenant, allons de l'avant et commençons à mettre quelques moustaches. Ce n'est que quelques gestes très rapides. Laissez les lignes juste être brisées ici dedans. Ne les faites pas tous exactement la même longueur. Vraiment. Pensez à changer la direction au fur et à mesure que vous continuez Et moi, en regardant ma photo de référence, je n'essaie pas de capturer chaque murmure, mais ce que je regarde, c'est une sorte de direction des moustaches, comment ils courbent. Et c'est tout ce que j'essaie vraiment de me concentrer ici. Donc, ne pas avoir toutes les largeurs, chuchoter ou mousteter, je suis désolé. Je les considère comme des petits scintillement. Donc chuchoter je suppose est approprié pour ce que ceux-ci sont. Mais encore une fois, juste un peu cette direction générale. Pas tous les moustaches et vous savez, ils n'ont pas besoin d'être parfaitement maigre. Petites lignes. Allez-y et laissez-les briser. Laissez-les être comme un peu épais et agglumés ensemble. Donc, comme ici. Et avec Dieu, beaucoup de fois ce que vous trouverez , c'est que lorsque vous appliquez d'abord le garage, il a l'air très blanc et puis quand il sèche, il s'estompe un peu. Ajoutez juste un peu plus de jaune ici en fait. Mais on ne veut pas exagérer les moustaches. Alors soyez un peu judicieux dans combien vous appliquez. Il peut être facile d'en faire trop. Donc, vous pouvez voir que ceux-ci sont très, très doux à la recherche. Ils n'ont pas besoin de se démarquer trop. Et je pense que c'est quelque chose que vous pouvez rencontrer avec des moustaches est qu'il y a trop d'accent sur eux quand ils devraient vraiment être un peu doux et juste une sorte de mélange dans. Et puis un autre endroit où nous pouvons les mettre comme en fait sur l'oreille. Et je vois qu'il y a juste un minuscule élément rose qui pourrait être trop rouge. D' accord ? Donc ça va être un peu rose ici, là où sont certains de ces scintilements de pour au-dessus de l'oreille. Et encore une fois, nous allons être très délicats et subtils à ce sujet. Nous avons déjà fait la plupart du travail avec les couleurs que nous avons appliquées. Ce n'est donc que les détails très, très finaux et très subtils. Parfois, parce que nous remarquons les détails, nous avons tendance à les sursouligner quand nous peignons. Maintenant, j'ai ce genre de moustaches jaunes. Et maintenant je vais faire juste un peu de blanc pur et juste quelques zones. Donc, je ne veux pas vraiment ajouter d'eau à ça. Et encore une fois, nous allons juste voir comment ça ressemble à partir du papier à gratter. Et puis juste quelques domaines. Ici, je peux ajouter quelques reflets blancs. Mais ceux-ci vont être très minimes. Et c'est un peu notre dernier pas. Et je peux voir des moustaches retourner ici que je n'avais pas remarqué tout à fait avant. Donc je vais finir avec ce blanc pur et ensuite je vais retourner dans ce genre de couleur pêche pour en faire quelques-uns. Alors rincer ça et puis je vais le sécher parce que encore une fois, je ne veux pas trop d'eau. Et revenons ici. Et nous allons juste en ajouter quelques-unes ici. Et ils vont être très, très subtils. Ils ont l'air de se démarquer beaucoup en ce moment, mais ils vont s'estomper. D' accord ? Donc c'est vraiment ça. C' est ainsi que vous pouvez utiliser l'aquarelle pour créer comme un portrait d'animal impressionniste. Et c'est tellement amusant à faire. Il faut de la pratique, surtout avec certains de ces bords vraiment doux. Et une sorte d'obtenir cette texture de la fourrure juste sans entrer avec trop de détails. Donc je vais vous donner quelques exemples de plus. Et je vais parler de certains des différents défis et comment aborder ceux de la peinture à l'aquarelle quand il s'agit de portraits d'animaux de compagnie. Mais c'était vraiment le processus de base. Et si vous avez des questions, faites-le moi savoir. 10. Utiliser l'encre étanche comme Underpainting: Dans cette vidéo, je vais vous montrer une technique que j'utilise parfois mais pas toujours. Je vais créer un sous-tableau avec de l'encre imperméable. Et c'est quelque chose que j'aime faire à chaque fois que je veux simplement faire mon étude de valeur et ma peinture en même temps. Ce qui est vraiment important de savoir ici, c'est que le type d' encre que vous utilisez doit être étanche. Par exemple, je vais utiliser de l'encre de Inde. Ensuite, vous devez également laisser sécher complètement l'encre avant de pouvoir la recouvrir avec votre aquarelle. Donc, même si vous avez de l'encre et qu'elle s'appelle de l'encre d'Inde, je vous recommande vraiment de la tester juste pour votre tranquillité d' esprit et de vous assurer que lorsque vous peignez dessus avec votre aquarelle, elle ne se tache pas ou ne perd pas. votre aquarelle. Donc, l'encre d'Inde, celle que j'utilise ici est complètement imperméable à l'eau tant que je la laisse sécher complètement. Je peux peindre ça avec mon aquarelle. Cela va donc m'aider à faire une étude de valeur. Et cela va aussi me faire préserver mon dessin. Comparer vraiment ce processus au processus de peinture à l'huile où vous pouvez faire une sous-peinture, puis le laisser sécher, puis le glacer avec vos peintures à l'huile pour obtenir les couleurs que vous voulez. Donc, essentiellement, nous créons nos valeurs et ensuite nous allons appliquer la couleur sur le dessus. Donc, dans cette vidéo, je vais seulement parler de faire ça sous la peinture à l'encre. Et je vais vraiment aborder cela comme je le ferais, comme si je peignais à l'aquarelle. Et d'ailleurs, si vous n'avez pas d'encre de Inde ou d'autre encre étanche, vous pouvez le faire uniquement avec de l'aquarelle. Donc, tout comme je vous l'ai montré dans ce croquis constant de première valeur que j'ai fait avec le chat. Vous pouvez mélanger une couleur ou simplement utiliser le bleu ou quelque chose comme ça. Ou vous pouvez mélanger un gris clair avec les trois primaires. Et vous pouvez appliquer une étude de valeur vraiment légère à votre dessin, puis le laisser sécher complètement. Maintenant, le seul inconvénient est que l'aquarelle que vous appliquez même après l'avoir laissée sécher complètement, il y a une chance qu'elle puisse se réactiver et commencer à interférer avec les couleurs que vous placez dessus. Mais si vous pensez simplement que c'est du vitrage à l'aquarelle, c'est quelque chose dont je parle un peu dans mes cours d'introduction à l'aquarelle. Et c'est une technique que j'aime vraiment utiliser tant que vous ne frottez pas ces couleurs en plus de votre étude de valeur, vous allez pouvoir obtenir un très bel effet glacé. Mais pour les besoins de cette vidéo, nous allons simplement coller à la sous-peinture à l'encre. Vous pouvez donc voir ici que j'applique d' abord mes valeurs les plus légères et que je vais presque partout , à l'exception des zones que dans ce cas je veux laisser complètement blanches. Une chose importante à savoir sur l'application d'une encre sous peinture est que n'importe quelle couleur que vous appliquez au-dessus de l'encre, vous n'obtiendrez aucune sorte de couleurs pures ou super vibrantes, entièrement saturées car elles vont se fondre de manière optique avec l'encre sur laquelle vous peignez. Donc, n'importe quelle zone que vous souhaitez conserver une couleur vraiment, vraiment brillante ou avoir une couleur pure là-bas, je vous recommande de laisser ces zones complètement blanches. J'aime donc vraiment refaire ça dans les cas où je souhaite maintenir un peu mieux mon dessin. Mais j'aime aussi le faire dans les cas où je suis très conscient du fait que le sujet va être difficile à modéliser. Maintenant, ce dalmate, comme vous pouvez le constater, est un animal noir et blanc. Et je pense qu'il peut être un peu difficile d' obtenir les valeurs avec précision tout en essayant de se concentrer sur la couleur en même temps. Je trouve donc faire une doublure ou je suis désolé, un sous-tableau. Très utile que ce soit à l'encre ou à l'aquarelle. Et comme il s'agit d'un animal noir et blanc, vous n'avez pas trop à vous soucier de la couleur que vous appliquez en dessous. En fait, dans la vidéo suivante , je vais appliquer de la couleur au-dessus de ce sous-tableau. Vous allez voir comment j'y ajoute de la couleur. Je ne vois pas forcément sur la photo. Et c'est juste parce que je veux m'assurer que le tableau y a beaucoup d'intérêt. Et quand vous avez affaire à un animal noir et blanc, il peut être très difficile d'obtenir une bonne variété de couleurs là-dedans. Et si vous ne voulez pas que cela ressemble vraiment à une étude des valeurs en noir et blanc. Ensuite, il est vraiment important de savoir où vous pouvez pousser ces couleurs et exagérer un peu. Maintenant, j'y vais avec une valeur un peu plus sombre ici. Et je dois être très judicieux quant à la façon dont j'applique cela. Parce qu'une autre chose importante dans une peinture comme celle-ci est que je ne veux pas qu'aucune de mes valeurs devienne trop sombre parce que je veux pouvoir accomplir la plupart de ces choses avec mon aquarelle réelle. Mon sous-tableau va donc dans l'ensemble rester assez léger en valeur. Ainsi, même les traits les plus sombres , par exemple, les narines sur le nez. Je ne vais pas faire ces noirs purs avec mon encre, même si je le pouvais facilement. Et ensuite, conserver les détails des yeux peut être beaucoup plus facile si vous utilisez un sous-tableau comme celui-ci afin que vous puissiez le recouvrir avec de l'aquarelle et ne pas inquiéter de perdre les lignes qui composent ces caractéristiques. Chez ce chien, il se trouve qu'il y a des yeux très intéressants. Donc, si vous regardez la référence de la photo dans le coin, vous pouvez voir qu'un œil est bleu et l'autre yeux bruns. Je veux donc juste m'assurer de capturer ça. Et quand je travaille Lee monochromatique, et c'est beaucoup plus facile pour moi de ne pas perdre de vue de petits détails comme ça. Vous pouvez voir ici que j'essaie vraiment de ne pas trop m' inquiéter d'obtenir valeurs super sombres et d'essayer de laisser les choses relativement légères, alors même que je commence à placer les taches sur le chien. Je ne veux pas qu'ils soient trop sombres car je vais appliquer de la couleur réelle par-dessus tout cela afin de le rendre moins plat et beaucoup plus intéressant. Et si je deviens trop sombre avec mon encre, les aquarelles que j' applique sur le dessus ne vont tout simplement pas apparaître à peu près autant. Et voici juste un conseil sur la peinture. Tout type d'animal qui a des taches ou des rayures. N'entrez pas et ne peignez pas ces taches et ces rayures. Ainsi, vous pouvez notamment voir, par exemple, les taches sur le dessus de la tête du chien. Je les mets dans une lumière vraiment, vraiment et même si je vais passer en revue et assombrir celles avec l'aquarelle plus tard, il est vraiment important de savoir que si vous ne voulez pas qu'elles paraissent plates, vous devriez commencer par une valeur de lumière et ensuite vous pouvez placer une valeur plus foncée sur le dessus pour donner à ces points un peu plus de dimension. Parce que si vous y réfléchissez et si vous regardez de très près, les taches, surtout autour des bords extérieurs, elles sont un peu plus douces là où elles se fondent dans la fourrure blanche. Chez un animal avec des sponsors, les rayures peuvent sembler un peu accablantes car nous ressentons beaucoup de pression pour trouver chaque endroit exactement au bon endroit et pour nous assurer que nous ne manquons aucun endroit parce que c'est important pour le animal. Mais je dirais, vous savez, faire de votre mieux que vous pouvez, mais ne vous inquiétez pas trop de rendre ces endroits complètement parfaits. Je pense que tant que vous en aurez le juste et surtout si vous obtenez ceux autour du visage, vous obtiendrez vraiment une bonne ressemblance de l'animal que vous peignez. Je dirais sur une échelle de 1 à 10, une étant une valeur lumineuse, presque blanche, dix étant la valeur la plus sombre. Je ne veux vraiment pas passer la valeur de cinq dans aucune partie de ce sous-tableau. Cela me donne beaucoup de place pour travailler sur ces valeurs avec les peintures. Et là, je m'assure juste qu'il soit complètement sec. Il faut qu'il soit 100 % sec avant de le recouvrir avec l'aquarelle. 11. Appliquer la couleur à une Applying à l'encre: Très bien, nous allons donc continuer notre portrait dalmate, mais nous allons maintenant commencer à appliquer la couleur. C'est donc mon encre sous peinture et je l'ai fait avec une encre imperméable. Il s'agit en particulier de l'encre de Inde. Et je l'ai laissé sécher complètement avant de commencer le tableau. Une chose que je vais faire ici, c'est que je vais vraiment changer le contexte dans lequel se trouve le chien. Donc le chien est déjà dehors, vous pouvez le voir, mais je vais leur donner un fond herbeux. Et la première décision que je dois prendre est de savoir quoi faire avec les valeurs les plus légères. Et comme vous le savez, avec mon ancien tableau, je n'aime pas vraiment laisser une zone complètement blanche. Ce que je fais ici, c'est que j'utilise un bleu très délavé, très aqueux, et c'est juste un bleu outremer pur. Et je l'applique presque partout. Et la raison pour laquelle j'ai choisi le bleu comme valeur la plus légère est que si je pense que le chien est à l'extérieur, et donc la lumière qui brille sur le chien va être très cool. Ce sera une sorte de lucarne. Donc je sais que vous pouvez à peine le dire, mais j'ai l'impression que ces petits détails font une grande différence. Une autre chose que vous allez me voir faire vers le bas de cette peinture est éclabousser un peu de ce vert sur la face inférieure du chien. C'est quelque chose que j'aime vraiment faire, surtout si le sujet a une couleur vraiment claire parce que nous allons obtenir une partie de cette lumière réfléchie de l'herbe sur la face inférieure du chien. C'est pourquoi vous me voyez un peu éclabousser un peu de vert là-bas, ce que je vais continuer à faire. Alors ici, je vais aller de l'avant et peindre très lâchement sur un joli fond vert. Je veux qu'il y ait un peu de variation, mais je ne vais pas m'inquiéter d'aucun détail ou de quoi que ce soit de ce genre. C'est juste un peu inventé. Parce que je pense que c'est un peu plus beau que le fond de la photo. Et c'est juste quelque chose auquel vous voulez toujours penser lorsque vous avez une référence photo. Donc, si vous voulez inclure des antécédents, essayez de réfléchir, qu'est-ce que j'aime ou qu'est-ce que nous n'aimons pas ce contexte et qu'est-ce que je peux changer ? Donc, si l'arrière-plan n'est pas quelque chose qui vous intéresse, ou peut-être que c'est distrayant ou peut-être que c'est une photo intérieure et que vous voulez la rendre plus extérieure. Ce sont toujours des choses auxquelles je pense lorsque je travaille à partir d'une référence photo. quoi dois-je ressembler ma peinture par rapport à quoi dois-je travailler ? Dans une référence photo, c'est toujours juste un saut de points. Vous ne serez jamais redevable d'une référence photo à moins, bien sûr, vous le fassiez pour quelqu'un d'autre et qu'il ait une demande spécifique. Donc je dirais, vous savez, apprenez juste à jouer avec ce genre de choses. Cela rend le processus de peinture beaucoup plus amusant. Très bien, j'ajoute un peu de rouge dans ce même mélange. Un peu de jaune ici. J'ai donc un joli violet en sourdine et je vais l' appliquer partout dans l'ombre maintenant c'est comme ça que je commence à jouer avec les couleurs. Et comme je l'ai mentionné dans la vidéo précédente, lorsque je travaille avec un sujet en noir et blanc et aux couleurs locales. J'aime essayer de trouver des façons amusantes d'incorporer des couleurs à cet animal pour qu'il ne soit pas plat ou monochromatique. Et si vous y réfléchissez, lorsque vous regardez une photo, elle aplatit souvent les couleurs que nous verrions naturellement. Je vous encourage donc chaque fois que vous êtes dehors et prendrez vraiment le temps d'observer autour de vous. Et remarquez en quelque sorte la façon dont la lumière se reflète sur d'autres objets. Parce que vous allez vraiment voir qu'il y a de la couleur partout, endroits auxquels vous ne vous attendez vraiment pas. Et c'est vraiment une bonne pratique de commencer à observer cela afin que vous puissiez commencer à l'intégrer dans votre œuvre d'art. Et cela vous aide vraiment à vous développer, surtout si vous allez beaucoup travailler à partir de références photo. Je suis donc toujours en train de parcourir toutes ces zones qui sont en quelque sorte dans l' ombre avec cette couleur violette sourde qui se mélange davantage au fur et à mesure que j'en ai besoin. Il suffit de passer en revue toutes les zones grises de l'encre sous la peinture. Maintenant, je mélange une valeur encore plus sombre. Il y avait donc beaucoup plus de bleu et de rouge dedans, mais il y a encore du jaune pour que ce n'est pas seulement une couleur violette, c'est une couleur très discrète. Et ici, vous pouvez voir tout comme je parlais dans la vidéo précédente spots et d'avoir une valeur plus claire sous une valeur plus sombre. Ici, j'applique une valeur plus sombre sur ces points, mais je ne vais pas aller jusqu'au bout. Je laisse les bords de ces points être plus légers. Cela les rend beaucoup plus naturels et beaucoup plus doux sur un animal qui a de la fourrure. Et deuxièmement, je veux parler un peu plus de taches et de rayures. J'en sais un peu plus dans les vidéos précédentes. Mais lorsque vous avez des rayures, il est vraiment important d'obtenir la valeur sous-jacente, la modélisation de l'objet ou de l'animal que vous peignez avant d'ajouter les taches, car celles-ci peuvent vraiment devenir des distractions pour vous et vous pouvez passer à côté des occasions de faire des valeurs et des modélisations qui donnent réellement vie à l'animal. Je fais donc toujours des taches et des rayures et fais d'abord toutes les modélisations et les valeurs sous-jacentes. Et ici, j'utilise ce même type de violet foncé et sourd pour faire une partie de la modélisation autour de la couleur. La couleur va en fait être une belle brillante, écrivez-la. Il y aura un peu plus de lumière et ma peinture que sur la photo. Parce que j'ai aussi l'impression que c'est un bon complément à tout le vert en arrière-plan. Et il ajoute juste une très belle touche de couleur. Et un objet comme un nez peut être un peu difficile car il fait tellement sombre vous pourriez être tenté d'entrer et de commencer à ajouter des détails que vous ne voyez pas vraiment sur la photo. Par exemple, vous pourriez essayer de rendre les narines beaucoup plus foncées que le reste du nez. Mais si vous regardez la référence de la photo, vous pouvez à peine voir une indication de l'endroit où se trouvent les narines. C'est donc vraiment difficile pour nous de le faire. C'est un peu l'une de ces choses où c'est plus facile à dire qu'à faire. Mais ne peignez que ce que vous pouvez voir réellement. Si vous ne pouvez pas le voir, n' essayez pas de le peindre. Nous avons tendance à utiliser le côté logique de notre cerveau lorsque nous savons que ces détails sont là et que nous voulons pouvoir les articuler. Mais il n'aura pas l'air naturel. La référence de la photo, c'est juste le point de départ, donc vous n'avez pas besoin de vous en tenir strictement. Cependant, je dirais que pour ce genre de choses, c'est un pari sûr que si sur la photo vous ne voyez pas très bien ce détail que dans votre peinture ce ne sera pas très naturel si vous insistez trop sur certains de ces détails. Vous pouvez donc voir que le nez, il y a juste un peu d'indication de l'endroit où se trouvent les narines, mais ce n'est pas très détaillé et c'est très, très lâche. Ici. Je suis juste en train d'entrer avec une valeur plus légère. Une fois encore. Parfois, je finis par faire un peu d' allers-retours si j'ai l'impression qu'il restait trop de blancs dans le tableau. Ou par exemple, je veux que la partie arrière du chien recule en arrière-plan. C'est pourquoi je l'ai revu avec une sorte de violet bleuté juste pour le pousser dans l' arrière-plan ici sur la couleur et en faire un glaçage avec un rouge complètement vif. Et donc, certaines de ces valeurs que j'avais déjà placées vont beaucoup aider dans la modélisation et où la lumière frappe vraiment cette couleur. Je permets qu'il soit vraiment, vraiment sympa et lumineux. Et maintenant j'ai mélangé un brun, et c'est un brun très chaud pour cet EI, donc c'est surtout rouge, un peu bleu puis un peu jaune là-dedans. Et puis je l'utilise de nouveau juste du côté obscur de l'autre œil, juste parce que c'est une valeur sombre. Une chose que je pense que j'aurais pu faire mieux dans ce tableau, c'est que j'aurais pu ajouter un peu de rouge très clair autour du museau, autour du nez du chien. Je ne pense pas que j'ai vraiment fini par le faire, mais je pense que cela aurait ajouté une très belle touche de couleur subtile à la composition. Et parfois, il y a des choses que lorsque vous êtes juste au cœur de la peinture, vous ne remarquez pas vraiment, vous n'y pensez pas vraiment. Mais plus vous peignez, plus vous commencerez à reprendre ces choses et à être plus cohérent pour les obtenir. Et puis j'ai décidé que je voulais vraiment égayer un peu plus cet arrière-plan. J'ai donc mélangé tout un tas de jaune. Je vais le laisser assez aqueux. Je vais essentiellement l'appliquer comme un glaçage sur le fond. Ce ne sont donc là qu'un de ces petits ajustements que vous pouvez toujours effectuer par vitrage. Donc, le simple fait d'ajouter un joli jaune aqueux sur tout ce vert va juste égayer beaucoup ce fond. C'était un peu trop cool pour moi avant. Et je laisse un peu de ce vert descendre aussi sur les bords inférieurs des oreilles. Et je vais éclaircir un peu plus la couleur parce que j'ai l'impression qu'après avoir appliqué ce lavage initial, elle pourrait s'améliorer un peu. J'ajoute donc quelques touches de rouge vif vraiment beau ici et là. Et puis plus de violet juste pour souligner à nouveau certaines des zones plus sombres. Et sur les portraits d'animaux de compagnie, j'ai toujours l'impression que les yeux sont vraiment, vraiment importants, surtout lorsque l'animal regarde directement le spectateur. Je veux donc vraiment mettre l'accent sur les yeux et m' assurer qu'ils reflètent vraiment l'animal. Alors ici, je suis juste en train de finir à chercher des domaines d'amélioration que, bien sûr, vous ne voulez pas surcharger votre peinture. Il est donc important de savoir quand aller de l'avant et s'arrêter. Et sur un sujet comme celui-ci, il peut être très facile de vouloir en faire trop. Mais je pense que nous sommes à un bon moment avec ce tableau. Et maintenant, je pense que nous sommes prêts à aller de l'avant. 12. Comment peindre des animaux de Paint - Peindre un poisson Betta: Souvent, lorsque nous pensons aux animaux de compagnie, nous pensons à nos amis à fourrure, mais parfois nous avons des animaux de compagnie qui ne sont pas des Ferrari. Et dans cette vidéo, je veux vraiment insister sur le fait d'avoir un look irisé. Et cela s'applique vraiment beaucoup aux poissons et aux oiseaux, et peut-être aux amphibiens, peut-être même aux reptiles. Nous allons donc simplement nous concentrer sur la peinture de ce petit poisson meilleur dans cette vidéo. Et ce dont je vais vraiment passer la plupart du temps à parler , c'est comment créer un look irisé. Maintenant, tout de suite, je veux vous faire savoir que les couleurs que j'ai utilisées jusqu'à présent, donc mon bleu, mon rouge et mon jaune ne suffiront pas à obtenir ce turquoise irisé, beau et lumineux que l'on peut voir dans le poisson. J'ajouterai donc une couleur supplémentaire à ma palette pendant ce tableau. Alors restez à l'écoute pour ça. Je vais commencer par le contexte. Maintenant, une chose importante à savoir pour obtenir un look irisé est que tout est question de contraste. Il s'agit donc moins de la couleur elle-même. Si j'en avais vraiment besoin, je pourrais certainement utiliser ces trois couleurs primaires pour obtenir le même effet que celui que je vais obtenir grâce à l'utilisation d'un turquoise, puis je vais ajouter ici. Donc, ce que vous devez vraiment savoir, c'est que l'irisation est un peu ce contraste entre des couleurs très sombres et douces et des couleurs pures vives. C'est donc essentiellement ce que nous allons accomplir dans ce tableau. Je commence par le fond, y vais un peu avec cette belle couleur sombre et sourde, principalement bleue, un peu de rouge et un peu de jaune là-dedans. Et je vais probablement y aller et assombrir un peu plus ici. J'y vais donc avec plus de bleu, plus de rouge, et juste un tout petit peu de jaune pour que je puisse obtenir un très joli fond sombre. Il n'a pas besoin d'être noir pur comme il semble sur la photo. Parce qu'une chose que j'aime vraiment avec l'aquarelle, c'est que vous obtenez toutes ces granulations vraiment intéressantes et vous risquez de perdre cela si vous essayez de faire trop sombre. ce moment, je vais juste rester concentré sur l'intégration de toutes les valeurs sombres. Et essentiellement, je vais refaire un peu de sous-peinture avec ça, sauf qu'au lieu d'utiliser de l'encre, je vais simplement utiliser de l'aquarelle pour tout cela. Et en gros, mon sous-tableau sera ce violet muet. Donc, une fois que j'aurai trouvé l'arrière-plan où je le veux, je vais commencer à appliquer des valeurs au corps du poisson. Et essentiellement ce que je vais faire, c'est que toutes les zones que je veux rester vraiment, vraiment brillantes et aérées ne le font pas, je vais laisser ces blancs, mais je vais appliquer cette violette en sourdine sur tout le poisson là où je vois ombres et possibilités de modélisation. Vous pouvez donc voir que je vais enfin entrer dans le corps du poisson. Et je suis juste en train de chercher la forme du poisson qui essaie d'obtenir ce modèle. C'est donc essentiellement quelque chose que je considère comme une étude de valeur supplémentaire. Je ne m'inquiète pas des écailles ou de la texture pour le moment. C'est quelque chose que nous parviendrons un peu plus tard. Essayez donc de ne pas trop vous inquiéter à ce sujet. Nous devons vraiment nous concentrer sur le travail du général au plus spécifique. Nous allons donc commencer par nos valeurs générales et notre modélisation avant même de commencer à penser à n'importe quel type de texture comme les écailles ou même les striations des nageoires. Vous pouvez donc voir ici que j'ai commencé par mes valeurs plus claires , puis je commence à utiliser certaines des valeurs les plus sombres. Et j'identifie les zones sur les poissons qui n'ont pas besoin d'être super, super brillantes et colorées. Et en particulier, je suis vraiment attiré par cette couleur turquoise du poisson. Et c'est donc précisément ce que je vais laisser, blanc pour qu'il puisse paraître le plus brillant. Et certains de ces rouges sont également très brillants. Je vais donc laisser quelques zones blanches où elle finira par appliquer des rouges. Mais à l'heure actuelle, il s'agit vraiment d'une étude de valeur monochromatique. Et sous la peinture tout en un. Et tant que vous commencez avec vos valeurs les plus légères et que vous commencez à calquer les valeurs au-dessus de ces valeurs plus claires, vous obtiendrez une accumulation de valeurs vraiment agréable, graduelle et naturelle qui n'aura pas l'air trop contrastée. Et ici, je viens d'ajouter cette couleur supplémentaire. Ce n'est donc qu'un turquoise. Je crois que c'est une marque Daniel Smith. Et ce sera une couleur que j' appliquerai à toutes les zones vraiment bleues. même les zones qui, sur les poissons qui n'ont pas nécessairement l'air turquoise, je peux toujours superposer une partie de mon bleu outremer sur ce turquoise en sachant simplement que c'est la couleur que je veux souligner. Je vais donc commencer relativement léger. Il y a beaucoup d'eau ici. Et je vais essentiellement appliquer ça partout sur le poisson que je vois du bleu. Et je peux toujours le revoir avec un mélange plus saturé. Mais pour l'instant, je vais juste le garder vraiment beau et léger. Et je n'ai pas non plus à me soucier d'être trop précis où j'ai appliqué cela. Parce que je sais que si je l'applique dans une zone qui finira par être rouge, le rouge va facilement dominer cette couleur. Je préférerais donc appliquer cela de façon plus générale et ensuite le revoir avec d'autres couleurs plus tard. Alors ratez l'occasion d'avoir cette couleur là où j'aimerais être. Vous pouvez donc déjà voir à quel point c'est lumineux par rapport à ce violet sourd qui est partout ailleurs. J'ai donc ajouté un peu de bleu outremer dans le mélange, que je puisse commencer à faire ressortir ces tons plus bleus qui contrastent avec le turquoise. Et même plus tard, je finirai par passer un peu sur la turquoise avec un mélange composé de turquoise et de jaune. Et cela va vraiment faire ressortir certaines de ces couleurs plus aigue-marine que vous voyez comme dans la nageoire queue et dans la nageoire dorsale. Pour l'instant, je lui donne un traitement complet avec ce mélange de turquoise et de bleu outremer. Maintenant, j'y vais avec mes rouges. Je ne veux pas commencer trop saturé. Il fallait donc ajouter beaucoup d'eau dans ce mélange car c'est une couleur si forte. Et maintenant, je peux généralement appliquer ce mélange aqueux rouge clair partout. peu près partout qui n'est pas bleu à ce stade, je peux aller de l'avant et être rouge en toute sécurité. Et encore une fois, si j'avais un peu de bleu et une zone qui doit vraiment être rouge, le rouge dominera facilement cette couleur turquoise à ce stade. Donc, une fois que j'ai fait appliquer tout ce rouge, nous ne devrions vraiment plus avoir d'espaces blancs restants. Mais vous pouvez vraiment voir, je pense à ce stade que le fait de laisser les espaces blancs plutôt que d'ajouter une valeur quelconque à cette zone avec le sous-tableau permet à la couleur d'être vraiment très brillante et pure. Et c'est exactement ce qui va nous aider à recréer ce regard irisé. Et encore une fois, c'est quelque chose que vous trouverez sur beaucoup de poissons, bien sûr, et aussi sur les oiseaux. Je trouve que lorsque je peins des oiseaux, je vois beaucoup d'irisation et il peut être très difficile de savoir comment capturer cela. Mais encore une fois, il s'agit toujours de contraste. Ainsi, les zones que vous voulez être les plus brillantes et les plus irisées laissent ces couleurs très, très pures. Mais partout ailleurs dans votre tableau, vous devez vraiment avoir des couleurs plus sourdes et peut-être même des couleurs plus foncées. Très bien, donc nous avons à peu près effacé tout le blanc de ce nom de peinture. Je peux donc commencer à entrer et à être un peu plus audacieux avec mes couleurs. J'ajoute donc un peu de jaune et de turquoise dans mon mélange. Et cela va en quelque sorte aider à distinguer certaines des zones les plus aigue-marines des zones qui sont simplement turquoises. Et si je n'avais pas cette couleur turquoise, je finirais par utiliser mon bleu outremer avec beaucoup de jaune. Ce serait donc un vert très jaune que je créerais. Il n'y a donc que quelques zones où je vois vraiment cette couleur. Et je veux l'appliquer de façon très judicieuse car souvent aussi, lorsque nous avons une couleur qui attire vraiment notre attention, n'est pas parce qu'il prend beaucoup de peinture, mais parce qu'il est très lumineux et qu'il prend généralement de l'ampleur. une très petite partie du tableau. Pensez à ce que si vous regardez une sorte de cristal ou de diamant ou quelque chose comme ça, il n'est pas nécessaire qu'il soit grand pour capturer votre œil, il doit simplement briller. Et c'est vraiment comme ça que nous voulons penser à avoir nos couleurs. Sur un sujet irisé comme celui-ci, il suffit de quelques zones vraiment éclaircies pour attirer l'attention et créer cela. Illusion d'irisation. Et j'y vais avec du rouge. Et le rouge fait quelques choses. Bien sûr, il y aura quelques zones vraiment belles et rouge vif. Mais je peux aussi glacer le rouge au-dessus de certains sous-tableaux sous-jacents qui ont un peu coupé le violet pour créer encore plus de profondeur et de modélisation. Et je l'utilise également pour aider à créer ces striations vraiment subtiles dans les nageoires. Et maintenant, je suis sur le point de mettre une partie de la texture de la balance. Vous pouvez voir que j'ai mélangé une autre violette vraiment sourde ici. Et je ne vais pas appliquer la texture de l'écaille sur tout le poisson, mais vraiment sur la partie supérieure du corps. Ainsi, comme vous pouvez le voir ici, j'utilise presque une technique de pinceau sec au pointillisme et je me contente de placer quelques points. Je ne vais pas essayer de dessiner des échelles individuelles ou quoi que ce soit de ce genre. Je ne fais que créer une texture. Et c'est suffisant pour donner l'illusion des écailles. Mais encore une fois, je ne veux pas les mettre partout car cela peut devenir distrayant. Et ce que je veux, bien sûr, c'est avoir mon point central B, l'irisation de ce poisson et la douceur des nageoires. Donc, si j'ajoute trop de texture, cela va vraiment détourner l'attention de ce qui est vraiment mes points focaux. Et je vais juste faire un peu plus de mannequinat ici sur la tête. Il semble un peu trop léger sur la photo, la tête est vraiment dans l'ombre. Je ne veux pas nécessairement que ma peinture soit aussi sombre, mais j'aurai besoin d'un peu sombre dans cette zone pour le rendre un peu plus naturel. Il s'agit donc simplement d'un bleu pur. Alors que je le glaçais au-dessus de certains de ces rouges, il recrée ce joli violet feutré que j'ai utilisé dans la peinture sous la peinture. Et pour les dernières étapes d'un sujet comme celui-ci, c'est vraiment beaucoup de brosse sèche. Tous les lavages seront donc toujours au début du processus de peinture, quels que soient les sujets que je peins. C'est vraiment le même processus où je commence par mes lavages les plus légers. Et alors que je passe à travers la peinture et que je commencerai à travailler de plus en plus sur les détails, je vais finir avec beaucoup plus de techniques de pinceau à sec plutôt que de laver ici et simplement ajouter beaucoup de bleu sur le fond. J'ai l'impression que ça pourrait rendre ça un peu plus naturel. Ne pas être trop précis à ce sujet. Et ce n'est pas vraiment pour assombrir la valeur autant que pour ajouter un joli ton bleu dans l'ensemble. Très bien, donc c'est tout pour ce poisson. Et dans la vidéo suivante, je vais vous montrer comment peindre un reptile. Alors restez à l'écoute pour ça. 13. Créer de la texture pour les animaux de Texture - Peindre un Dragon de barrée: Très bien, nous allons donc peindre ce dragon barbu dans cette vidéo. Et cette vidéo, l'accent sera vraiment mis sur la texture. Vous pouvez donc voir que cette barbe traînante a ces pointes, ce qui lui donne sa barbe. Je commence donc ici. J'ai déjà appliqué quelques lavages à l'arrière-plan de ce tableau. Et je vais juste faire un autre lavage ici de la valeur locale que je peux voir. Maintenant, j'aurais pu faire de cela un orange vraiment jaunâtre, mais j'ai eu l'impression que je pourrais probablement y parvenir grâce à des glaçures. Je vais donc passer en revue le fond. Le contexte ici va être vraiment, vraiment simple. J'ai décidé que la photographie elle-même ne contient que beaucoup de jaunes et d'oranges. Et donc le fond étant plus neutre et chaleureux, j'ai décidé de changer cela pour devenir un peu plus un vert neutre. C'est donc le principal changement que je vais apporter à cette composition à partir de la photographie. Donc maintenant, je mélange une belle couleur neutre, donc beaucoup de jaune, bien sûr il y avait un peu de bleu dedans auparavant. Et puis j'ajoute un peu de rouge. Donc, c'est un peu me donner de belles lumières. Je dirais que c'est l'orange jaunâtre que je décrirais cela. Et c'est ainsi que je vais commencer par une partie de la modélisation. Maintenant, tout comme pour les taches, les rayures ou les écailles, je veux d' abord faire l'étude de la valeur sous-jacente avant de m'inquiéter de ces textures ou de ces détails. C'est donc ce que je vais faire pour la première partie de cette vidéo. Je vais juste passer en revue et faire de mon mieux pour ignorer certains de ces détails. Donc, certaines de ces taches sur le ventre du dragon barbu, puis les pointes autour de la tête. Je vais juste les ignorer complètement. Et c'est quelque chose qui prend vraiment de la pratique parce que encore une fois, nos yeux sont en quelque sorte à la recherche de détails. C'est ce qui est important. C'est ce que notre cerveau est formé à surveiller, car ces petits détails peuvent être très importants pour nous dans l'environnement. Mais quand nous peignons, nous devons presque inverser ce que nous peignons. Nous devons donc commencer par la valeur sous-jacente et ensuite placer la texture sur le dessus. Et je pense que c'est là que beaucoup de nouveaux artistes se battent le plus parce qu'ils veulent peindre ce qu'ils voient et ce qu'ils voient sont tous ces petits détails. Et dans les premières étapes de la peinture, si vous les soulignez trop, vous allez vous retrouver avec un tableau un peu disjoint et plat. J'ai donc mélangé un peu plus une orange moyenne pour parcourir toutes les zones ombragées. Et encore une fois, lorsque j'utilise une référence photo, je considère les couleurs de la référence photo comme un point de départ. Mais je sais que l'objectif d'un appareil photo a tendance à s'aplatir et à décolorer la couleur. Donc, toujours, et cherchant à exagérer un peu la couleur, je rends peut-être un peu plus saturée, plus chromatique que ce que je vois sur la photo parce que je pense que cela ajoute beaucoup d' intérêts et que cela aide à amener le sujet à la vie est vraiment bien. Alors que j'utilise une sorte de violet en sourdine, fais beaucoup de modelage sur le poisson dans la vidéo précédente. Cela ne fonctionnerait pas vraiment pour ce sujet. Parce que je pense qu'il serait juste un peu trop plat. Le sujet est globalement très chaud et coloré. Et donc même dans l'ombre, je vois beaucoup de chaleur ici. J'ajoute un peu de bleu dans cette orange. Je veux m'assurer qu'il ne soit pas trop sombre, mais cela aidera aussi à pousser certaines de ces valeurs plus sombres que je vois. Et vous pouvez certainement voir que le motif de lumière dans la référence photo est que la lumière vient du côté supérieur gauche. C'est donc là que je vais avoir mes points forts. Ce sont les zones que je vais laisser un peu de jaune pur. Et ensuite, partout ailleurs, il faudra avoir une valeur un peu plus sombre pour créer une modélisation vraiment convaincante. Et encore une fois, comme pour mes sujets et autres vidéos, l'arrière-plan, je veux rester très simple. Bien sûr, il est un peu soutenu sur ce rocher ou cette bûche, quoi qu'il soit. Je vais ajouter un peu de détails ici, mais vraiment pas grand-chose parce que ce ne sera évidemment pas mon point focal. Je veux donc le capturer d'une manière qui lui donne un aspect tridimensionnel. Mais je ne veux pas entrer et essayer de capturer tous les petits détails que je vois dans l'objet. L'ajout d'un peu plus sombre sous la main ou l'horloge du dragon barbu aide à le broyer et à lui donner l'impression qu'il a du poids. Comme si c'était vraiment debout sur ce rocher et pas simplement flotter au-dessus de lui en allant ici avec juste un peu plus de valeur pour vraiment faire ressortir certaines de ces caractéristiques. Commencez vraiment à regarder. Moi et la modélisation autour de ça, encore une fois, je ne vais peindre aucun des pointes ou des taches pour l'instant. Je veux vraiment que ma modélisation soit presque terminée. Maintenant, je peux toujours glacer sur la texture que j'ai posée. Mais je trouve vraiment que pour déterminer au mieux la valeur dont j'ai besoin pour faire ces petits détails, je veux vraiment que mes valeurs soient mises en place le mieux possible. Donc, je vais aller de l'avant et sécher ça ici, assurer qu'il soit complètement sec car quand j'entrerai avec les détails, je ne veux pas nécessairement qu'ils soient très doux. Je veux donc pouvoir avoir des bords durs lorsque j'aborde certains de ces détails. Et vous pouvez voir qu'avec cette valeur foncée F, on y ajoute continuellement des rouges et des jaunes afin de l'empêcher de refroidir à température. Parce que encore une fois, je pense que dans l'ensemble, il est vraiment important d'avoir un beau ton chaud. Maintenant, comme je l'ai fait avec le poisson, les détails que je commence à ajouter ici avec une sorte de pinceau sec. Je fais presque du pointillisme ou des pointillages pour en ajouter un peu. Ce n'est donc pas comme si j'allais zoomer sur ma photo et essayer de voir la forme exacte de tous ces petits pointes et écailles autour du dragon barbu. Mais ce que je fais, c'est que j'essaie simplement de créer une texture qui donne l'impression d'écailles et de pointes. Et ils ne veulent pas entrer dans une valeur trop sombre. En fait, vous n'avez vraiment pas besoin de mélanger une valeur super sombre pour cela car lorsque vous glacez la couleur au-dessus de ces couleurs sous-jacentes, les valeurs vont naturellement s'accumuler. Et donc, ce que vous ne voulez pas faire, c'est passer en plus de toute votre modélisation avec une valeur si sombre qu'elle ne semble pas à sa place. Vous voulez donc qu'il se fonde dans la modélisation en dessous et qu'il ne se démarque pas trop. Bien sûr, plus la texture est dure, plus vous aurez de contraste. Mais il est toujours préférable de se tromper du côté d'être un peu trop lumineux, puis y ajouter de la valeur plutôt que d'aller trop sombre dès le départ. Ici, vous pouvez voir que je n'utilise que la pointe même de ma brosse ronde et que je dois constamment enlever une partie de l'eau pour qu'elle ne soit pas trop humide pour que je puisse obtenir ces belles lignes dures. C'est donc une façon très simple de penser à construire de la texture plutôt que d'essayer de voir chaque détail ou de reproduire exactement les choses. Savoir comment vous pouvez utiliser différents traits et différentes techniques pour créer une impression de texture vous amènera vraiment à un bon endroit où il n'a pas l'air surmené, mais cela semble très naturel et nous obtenons toutes ces variations dans texture que nous voulons vraiment. Et dans les zones où il y a plus d'ombre, ils peuvent bien sûr utiliser une valeur un peu plus sombre pour créer ces textures. Et puis je dois être conscient que lorsque j'ajoute de la texture à des parties du dragon barbu qui ont un peu plus de lumière frappent ces zones. Je n'ai pas besoin d'un mélange concentré. Il devrait donc être un peu plus aqueux et dilué afin de ne pas avoir trop de contraste dans les zones que nous voulons vraiment sentir que la lumière frappe. En fait, l'une des décisions que j'ai tendance à prendre est de choisir les zones claires ou les zones d'ombre pour ajouter des détails. Donc, dans ce cas, j'ajoute la plupart des détails aux zones d'ombre. Mais il y a peut-être des moments où je laisse les ombres très simples et j'ajoute des détails et donc les zones claires, mais je recommande de choisir l'ombre ou les zones claires pour vraiment concentrer vos détails et ne pas faire les deux, car cela peut aussi rendre le tableau très occupé et surchargé. Donc, nous en avons presque fini ici. À ce stade. Je suis en quelque sorte dans ma phase de piquetage, ce que je pense que chaque artiste fait dans une certaine mesure, la chose sur laquelle vous devez travailler est parfois juste rester en retrait et de savoir quand vous peignez est terminé. Donc, je ne fais qu'ajouter quelques touches de couleur. ensemble, le dragon barbu est principalement jaune et orange et les ombres sont en quelque sorte de couleur marron chaud. Mais je suis à la recherche de zones que je peux ajouter juste un peu de ce rouge vif pour ajouter un peu d'intérêts visuels et de variations à la peinture. Ce ne sera donc pas comme une quantité écrasante de rouge, mais j'ai vraiment l'impression que cela ajoute beaucoup de profondeur de couleur. C'est donc l'une de ces choses que je ferai dans mon étape de la peinture, c'est que je vais chercher des occasions d'ajouter de petites touches de couleur. Et encore une fois, je retourne toujours dans les yeux parce que j'ai l'impression que c'est tellement important. Même sur un reptile comme celui-ci. Je pense que les yeux sont en quelque sorte là où l'on cherche le plus de personnalité. Et il y a beaucoup de choses que je ne vois pas vraiment sur la photo et je ne veux pas trop le choisir, mais j'aime ajouter un peu de contraste supplémentaire autour des contours des yeux juste pour le souligner. Et si vous faites un portrait d'animal de compagnie pour quelqu'un, c'est généralement, vous savez, en plus des taches, des rayures et des choses comme ça, c'est un peu l'un des aspects les plus importants en termes de personnalité de l'animal de compagnie. Alors ici, j'ajoute juste un peu de valeur autour de la bouche, en réalisant que c'est peut-être un peu trop lumineux. Mais c'est un peu l'avantage de laisser vos zones les plus légères tranquilles, c'est que vous pouvez toujours y retourner et y ajouter de la valeur. Mais si vous allez dans les zones sombres et que vous souhaitez qu'elles soient plus légères, c'est un peu plus difficile à gérer. Il est donc toujours préférable de se tromper du côté de laisser les choses à la lumière, puis de pouvoir revenir avec une valeur supplémentaire à un stade ultérieur lorsque vous êtes mieux placé pour juger votre peinture. 14. Aperçu du processus - Peindre un cheval: Très bien, donc dans cette vidéo, je vais faire ce tableau de chevaux juste pour m'amuser. Et simplement pour réitérer ce processus global et vraiment souligner comment le processus est vraiment cohérent, quel que soit votre sujet. La première chose que je cherche toujours est que puis-je faire pour le ton général de ce tableau et quelle est ma couleur la plus claire ? Maintenant, il peut être un peu difficile de voir sur cette photo que je vais choisir l'orange comme sous-ton pour ce tableau et pour ma valeur la plus légère. Et encore une fois, c'est parce que lorsque vous faites des arts, il ne s'agit pas vraiment d'imiter les couleurs précises que vous voyez sur la photo. Il s'agit vraiment d'ajouter votre propre petit peu de style et d'interprétation. Donc, quand j'interprète cette photo, je pense qu'elle est très chaude. Même la zone grise derrière le cheval, j'ai l'impression que c'est un gris très chaud et j'ai l'impression que les points forts du cheval sont très beaux et chauds. Et donc, pour vraiment souligner la chaleur de cette composition générale, je vais commencer par ce joli orange jaunâtre ici. Maintenant, j'ajoute un peu de rouge et même un peu de bleu ici. Et ensuite, je vais utiliser cette couleur locale pour le cheval. Et oui, c'est très lumineux. Pour l'instant, c'est un peu anormal. Et encore une fois, vous savez, lorsque nous construisons un tableau et que nous avons vraiment confiance dans le processus. Nous devons peut-être nous rappeler sans cesse que les premières phases de la peinture portent sur des généralisations et que les détails arriveront plus tard. J'ai donc ajouté un peu plus de bleu dans ce mélange pour capturer un peu les ombres sur le dos du cheval. Et je commence à me mettre dans l'essentiel. On voit que dans l'ensemble, la peinture est encore très humide et que tout ce que j'applique va être très doux. Il va fusionner. Je ne vais donc pas essayer de le contrôler trop. Je n'utilise vraiment que ça comme un premier bloc. Et ce bleu qui passe sur le jaune en arrière-plan, imite vraiment très bien ce gris que l'on voit derrière le cheval dans la référence photo. Donc, dans ce tableau, ce que vous me verrez faire beaucoup, c'est simplement réutiliser le même mélange encore et encore. Et j'y ajoute constamment de la couleur pour déplacer la couleur et la valeur dans la direction que je veux. Dans l'ensemble, ce tableau contient beaucoup de bruns. Beaucoup de beaux bruns chauds. Il est donc très facile et amusant de pouvoir réutiliser le même mélange tout au long de la peinture parce que cela lui donne beaucoup d'unité, je pense que c'est aussi un excellent moyen d'explorer la théorie des couleurs. Et je n'ai pas utilisé mon sèche-cheveux ou quoi que ce soit là-dessus, je ne l'ai pas laissé reposer donc il reste immobile même s'il sèche progressivement dans certaines zones, ensemble, il est encore très humide. C'est pourquoi je reçois tous ces jolis bords doux. Et c'est très bien à faire dans les premières étapes de la peinture, car alors que vous ajouterez plus de détails avec un pinceau de séchage, ces bords doux en dessous seront ce qui rend la peinture très unifiée et naturel. Je vais donc ici avec certaines des valeurs les plus sombres l'ombre qui tombe sur le dos du cheval. Et en utilisant cela pour créer la texture principale ici. Mais encore une fois, je veux laisser une partie de ce jaune apparaître à travers ce joli orange jaunâtre parce que c'est là que nous allons obtenir certains de ces reflets du soleil qui frappe. Et je vais les exagérer un peu. Je fais juste un peu plus d'application de certaines valeurs plus sombres dans tout le cheval juste pour obtenir une partie de cette modélisation. Pour l'instant, je laisse cette mariée seule. Il va passer dessus avec du bleu, mais je n'ai pas besoin que ce soit un bleu vif comme sur la photo, c'est pourquoi je suis allé de l'avant et je l'ai revu avec le même orange parce que lorsque j'applique du bleu dessus, nous pouvons l'obtenir à penchez-vous vers le côté bleu des choses. Mais dans l'ensemble, je le fais pour être gentil et neutre pour qu'il ne se démarque pas trop. Il s'agit donc d'une application un peu plus intéressante du visage du cheval pour vraiment commencer à faire ressortir la forme de la tête du cheval. Donc, il suffit de chercher des zones plus lumineuses que des zones plus ombragées ici. Et alors que je travaille sur mes valeurs plus sombres, vous pouvez voir que je les applique. Un peu plus parcimonieusement et être très judicieux avec eux parce que je dois évidemment m'assurer de conserver beaucoup de ces points forts. Et si vous regardez la référence de la photo, vous pouvez voir un deuxième cheval dans la porte de la grange. J'ai décidé de laisser ce cheval de côté entièrement parce que j'avais l' impression que ce serait un peu distrayant ou que j'essaierais d'ajouter au tableau. Et en ce qui concerne le sujet, cela n'ajoute pas grand-chose à la peinture pour aider un cheval là-bas. Encore une fois, ce n'est pas parce que vous voyez quelque chose sur la photo que vous devez le peindre dans votre tableau. Vous pouvez donc prendre ces décisions sur ce qui est important pour vous, quels types de détails que vous souhaitez ajouter ou exagérer dans votre peinture à partir de votre référence photo et quelles choses préféreriez-vous simplement laisser de côté ? Et encore une fois, en pensant au contexte de cela, je veux vraiment laisser les choses très simples car il y a évidemment beaucoup d'oranges et de bruns sur cette photo. Et je veux vraiment que le cheval soit le point focal. Je veux donc avoir tous mes détails sur mes détails forts dans le cheval lui-même et pas vraiment en arrière-plan, car cela le rendrait très distrayant. Et je ne vois pas beaucoup de détails dans l'œil du cheval sur la photo. Je quitte donc l'œil très, très général sur cette photo. n'ai pas été formé pour ajouter des détails que je ne vois pas vraiment dans la référence. Appliquer quelques glaçures sur le fond juste pour le rendre un peu plus unifié. Je ne veux pas vraiment beaucoup de contraste en arrière-plan, car encore une fois, le contraste devrait être réservé au sujet ou au point focal de la peinture. Donc, passer en revue tout avec un glaçage aide à l' unifier et à le rendre moins contrasté. Ici, je vais entrer dans la bride avec juste un peu de bleu. Donc, quand je glaçais le bleu au-dessus de cet orange jaunâtre, il devient vraiment plus neutre. Mais je pense que c'est encore assez cool en valeur. Et puis je vais juste glacer le fond avec un peu plus de bleu, ce qui permet à certaines des couleurs plus chaudes de se montrer un peu plus. Mais surtout dans la zone ombragée, cela créera un très beau contraste entre cette porte sombre et le museau du cheval. Je voulais donc juste aller glacer ça avec un peu de bleu ici. Et encore une fois, cette glaçure vraiment cool. Je peux aussi l'appliquer sur certaines zones d'ombre du cheval, juste pour prier un peu plus de contraste à l'intérieur du cheval. Par conséquent, espérons-le, vous pouvez vraiment voir comment appliquer les mêmes techniques quel que soit le sujet, pour créer une peinture unifiée vraiment agréable basée sur une référence photo. Nous allons donc commencer par l'application générale de nombreux lavages à valeur légère. Et ensuite, nous allons progressivement développer nos valeurs. Et puis, à la fin, nous allons utiliser plus de techniques de pinceau sec pour créer de la texture et mettre en valeur les détails importants de la peinture. Et bien sûr, vous pouvez toujours utiliser le vitrage. J'espère donc que cela vous a plu et j'espère voir vos projets d'apparence postés en classe. 15. Merci !: Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Je l'apprécie vraiment. J'espère vraiment voir vos projets en peinture dans la section projets de ce cours. Et encore une fois, si vous avez des questions ou si vous avez besoin de précisions supplémentaires, hésitez pas à poster toutes les questions que vous avez dans la section discussion de ce cours. Et n'oubliez pas de consulter mon catalogue d'autres cours de peinture ici sur Skillshare, vous trouverez beaucoup d'informations et j'ajoute toujours de nouveaux cours, alors n'oubliez pas de me suivre. Et comme toujours, une peinture heureuse.