Aquarelle pour débutants - Comment aborder les paysages - Partie 3

1. Introduction: Bonjour et bienvenue dans mon studio. Je m'appelle Rachel Bradwell et je suis professeur d'art ici sur le partage des compétences. Bienvenue à la troisième partie de l'aquarelle pour les débutants. Dans cette classe, nous nous appuierons sur les applications et les concepts de base que nous avons appris dans les parties 12 et commencerons à explorer quelques stratégies simples pour la peinture paysagère à l'aquarelle. Toutes les peintures à l'aquarelle, quelle que soit la complexité apparente, sont construites sur des applications simples et des variations de valeur et de bords. Et maintenant, nous allons aussi examiner une théorie des couleurs pour créer un sentiment de profondeur dans nos paysages. De nombreux nouveaux artistes se sentent intimidés en dessinant pour leurs peintures. Mais dans ce cours, je vais vous montrer que vous dessinez n' a pas besoin d'être complexe ou même terriblement précis pour créer de belles peintures à l'aquarelle va commencer le cours en regardant quelques peintures à l'aquarelle par les maîtres pour voir comment ils ont utilisé techniques et des concepts très simples pour créer des œuvres étonnantes. Ensuite, nous appliquerons ces idées à nos propres peintures, tout en mettant l'accent sur une approche lâche et ludique. Tout comme dans les parties 12, nous utiliserons un ensemble minimaliste de matériaux pour explorer ces concepts. Les projets de ce cours vont passer de simples à de plus en plus complexes. Cependant, je mettrai l'accent sur l'utilisation des techniques de base tout au long du cours parce que c'est ainsi que nous pouvons créer des peintures qui semblent avancées. Pour le projet Capstone, je commencerai à vous montrer comment même la représentation la plus élémentaire des figures humaines peut donner un sens du contexte et de la narration à votre peinture de paysage. Ce cours est la troisième partie de ma série sur l'aquarelle pour les débutants. Assurez-vous donc de consulter les parties 12, et n'oubliez pas de me suivre ici sur les partages de compétences afin que vous soyez averti lorsque je publie d'autres cours. Bon, allons chercher Painting. 2. Une enquête des aquarelles par les maîtres: Avant de commencer à peindre aujourd'hui, je veux prendre quelques minutes juste pour faire un rapide aperçu de quelques peintures à l'aquarelle de maîtres artistes. Je vais passer par quelques diapositives. Ceux-ci ne sont pas dans un ordre particulier. Je suis allé sur Wiki art.org pour obtenir ces images. Vous verrez donc que le nom de l'artiste est sur la gauche en bas, puis le titre de la peinture est sur la droite. Mais ce que je vais faire, c'est qu'on va passer par ces peintures à l' aquarelle et je vais zoomer juste pour attirer votre attention sur certaines choses qui, à mon avis rendent ces aquarelles très intéressantes. Et je tiens également à souligner certaines des techniques de base que nous avons apprises et comment elles ont été appliquées à ces peintures. Et le gros plat que j'espère que vous obtiendrez de cela est à quel point ces applications peuvent être simples. Et donc la peinture à l'aquarelle ne devrait vraiment pas être quelque chose d'intimidant qui vous fait peur de faire des erreurs. Vous devriez vraiment aborder la peinture à l'aquarelle du point de vue de juste s'amuser et se détendre. Alors nous allons zoomer ici sur ce tableau. Et ce que je veux que vous voyez, c'est à quel point ces formes sont simples. Maintenant, je pense que cet artiste a probablement combiné Inc, peut-être avec son aquarelle. Mais regardez tous ces chiffres maintenant, encore à distance. On voit clairement que c'est une foule de gens qui regardent une course de chevaux. Mais si nous accordons plus d'attention, nous pouvons voir à quel point c'est simple, même au point que ce cheval est vert. Et pourtant cette forme de base de ces jambes qui sont en quelque sorte tentacées et le cavalier sur le dessus. On a juste l'impression générale d'un cheval. Et la même chose avec ces chiffres, nous pouvons voir quelques indications de parapluies. Mais vraiment quand on regarde ces chiffres, ne sont qu'un tas de lignes, presque des chiffres collent. J' espère donc que vous garderez cela à l'esprit au fur et à mesure que nous progresserons dans ce cours. Parce que même une composition très complexe et peut-être intimidante peut être simplifiée de cette façon. Maintenant, je veux que vous fassiez attention dans ce tableau de John Singer Sargent, que beaucoup de gens oublient le fait qu'il a fait beaucoup d' aquarelles parce qu'il est le plus connu pour ses peintures à l'huile. Mais c'était une aquarelle très prolifique qui la peint et donc je vous encourage à vérifier ses peintures à l'aquarelle. Ce que je veux que vous remarquiez ici, c'est que le visage de cette femme est presque inexistence. C' est très impressionniste. C' est vraiment juste une indication des ombres. Et c'est suffisant pour que nous puissions lire cela comme une phase. Et puis si nous regardons à certains des coups qu'il a appliqués dans l'eau, très, très simple et pourtant donne cette indication des ondulations dans l'eau. Et ce sont ces applications simples et basiques de peinture qui nous engagent vraiment et rendent nos peintures très intéressantes. Voici un tableau qui se lit vraiment, je pense comme très orageux et sombre. Et pourtant, quand on y regarde vraiment, il n' y a pas beaucoup ici pour indiquer ce qui se passe, mais on a ce sentiment général d'humeur et d'énergie. Et tout cela est créé grâce à beaucoup de ces applications de lavages humides dans les lavages humides, permettant aux couleurs de fusionner vraiment ensemble de manière inattendue. C' est très chaotique et énergique. Et pour la navigation de plaisance presque. Et pourtant, cet artiste n'a pas eu à utiliser beaucoup de séchage littéral ou des indications d'un paysage ou d'un C qu'il lit juste comme une tempête au-dessus de quelques eaux très actives. Maintenant, c'est un artiste intéressant, et je pense que nous reconnaissons tous Mondrian de ce travail ici à droite avec les grilles et les carrés dans les couleurs primaires. Et je pense que beaucoup de gens prennent cet artiste pour acquis et ne comprennent pas tout à fait ce qu'il essayait de réaliser. Maintenant, les carrés et les rectangles et les grilles. Ce sont ses œuvres ultérieures. Ses œuvres antérieures étaient plus comme ça et il a fait beaucoup de travail à l'aquarelle. J' ai donc jeté certaines de ces images supplémentaires pour lui juste pour vous montrer comment il a évolué en tant qu'artiste et comment il a vu le monde. Et je pense que vous pouvez commencer à le voir dans certaines de ses peintures où il commence à regarder le monde à travers les grilles naturelles qui sont créées. Mais il a aussi fait beaucoup de ses études et peintures à l'aquarelle. Et vous pouvez voir qu'il a abordé le très différemment. Puis cet artiste, cet artiste, je pense que c'était plus expressif. Il était un peu plus contrôlé avec son aquarelle. Et nous allons voir beaucoup de variations entre ces artistes dans leurs techniques et leur approche de ce médium. Et j'ai jeté ce tableau ici juste pour vous montrer combien d'informations peuvent être communiquées en quelques coups. Nous pouvons donc voir clairement qu'il s'agit d'une peinture de quelques arbres stériles. Et essentiellement le papier est juste laissé comme il est pour indiquer la neige. Et pourtant, il communique tellement. Donc, une peinture à l'aquarelle n'est pas une question de passer des heures minutieusement à détailler tout ce que vous voyez dans un paysage. Il s'agit vraiment de donner une impression et de créer une ambiance. C' est par le même artiste et j'ai inclus cela parce que évidemment la peinture est très belle et minimaliste. Mais je contraste aussi avec le très long titre qu'il a donné à ce tableau, qui est Empreintes in the Snow à côté du nouveau pair sur la rivière Cooper. Et pourtant, la peinture elle-même est si minimaliste et pourtant elle se lit comme un paysage enneigé. Et puis voici une étude de paysages monochromatiques. Et nous allons en faire un dans cette classe parce que je veux vraiment souligner à nouveau combien il est important de penser à la valeur et au contrôle des bords dans l'aquarelle. Plus encore que la couleur parce que nous pouvons vraiment communiquer une composition très efficace juste à travers la valeur et nos bords. Et nous n'avons pas vraiment à nous soucier trop de la couleur. On peut laisser tomber ça. Nous n'avons pas besoin de nous soucier de faire correspondre les couleurs à ce que nous observons dans une référence photo ou si nous peignons de la vie, il est vraiment plus important de se concentrer sur vos valeurs et vos bords. Voici un tableau d'Anders Zorn. C' est un autre artiste impressionniste dont le plus connu pour ses peintures à l'huile. Mais il a fait beaucoup de ses études en aquarelle, et elles sont très belles. Et ce que je veux que vous remarquiez ici, c'est le contraste entre le grand ciel lumineux, le lac qui reflète ce ciel, et ensuite un peu de pinceau sec sur les zones qui indiquent les masses terrestres. Et je ne veux pas zoomer parce que je sais que c'est une photo qui est en fait une très basse résolution. Je vais, je vais zoomer un peu, mais vous pouvez voir que nous avons une impression de beaucoup de bateaux dans l'eau, des structures sur la terre, des arbres, mais ceux-ci sont tous vraiment créés par trébuchement et brosse sèche et en utilisant plutôt que d'entrer et de dessiner méticuleusement chaque élément. Voici un autre tableau qui est presque en bordure d'être plus réaliste. Et pourtant, c'est très simple. En fait, si nous regardons simplement l'arrière-plan, nous pouvons vraiment voir trois valeurs principales. Il y a cette valeur lumineuse du ciel et puis il y a deux valeurs qui créent ces montagnes lointaines. Le tigre est vraiment une sorte de quelques éclaboussures d'orange, une valeur plus légère montrant à travers. Et puis la structure est donnée au tigre en ajoutant ces marques plus sombres sur le dessus. Et puis nous avons une technique de brosse sèche au premier plan pour donner un peu de texture. Et il fait une peinture très efficace, même si dans l'ensemble c'est très simple. Voici une autre peinture qui, je pense, est un excellent exemple de la façon dont nous pouvons juste nous amuser avec notre aquarelle et ne pas trop nous soucier d'avoir des dessins parfaits et d'être très détaillé. Jetons un coup d'oeil à ces figures dans ce tableau. Vous pouvez voir que, je veux dire, vraiment, ce sont essentiellement des figurines en bâton peintes avec un pinceau. Très simple. Et pourtant, quand on regarde la composition dans son ensemble, il est très évident que c'est une composition peuplée de beaucoup de gens qui a beaucoup d'activité et d'énergie pour elle. Et pourtant très, très simples applications. Et même les arbres au loin, vous pouvez voir à quel point ils sont simples. Donc beaucoup de fois avec l'aquarelle, et bien sûr cela va dépendre de vos ambitions en tant qu'artiste et de ce qui est important pour vous. Mais je pense que ce que j'espère que vous obtiendrez de cela est un état d'esprit très détendu pour savoir qu'une composition se réunit dans son ensemble. Et vous ne serez pas jugé sur votre capacité à reproduire des objets dans la vie dans un dessin que vous peignez ensuite dessus. C' est vraiment un médium insouciant et je pense que nous devrions l'accepter. Voici une peinture plus réaliste et oui, je veux attirer votre attention sur la simplicité globale. Regardons juste les couleurs de cette peinture. Il y a beaucoup de verts, un peu de jaune, et un peu de chaleur ici dans la grange pour donner un peu de contraste. Mais je crois que la façon dont cela a été probablement peint était juste avec beaucoup de éclaboussures de vert et quelques lavages légers, beaucoup de bords mous. Et puis l'artiste pourrait venir plus tard et ajouter quelques coups de pinceau secs plus foncés pour donner plus de texture. Par exemple, aux détails de la grange, aux troncs des arbres. Ce sont des choses que nous sommes probablement tous ajoutés vers la fin du processus de peinture. Et si nous regardons cela avant qu'ils ne soient ajoutés, et je pense que ce que nous verrions, c'est juste beaucoup de taches de verts et de jaunes, quelques variations entre les valeurs. Mais vraiment dans l'ensemble, une peinture très abstraite. Voici une belle peinture qui embrasse vraiment les bords doux. L' artiste a donc choisi de minimiser le nombre de bords durs qu'il avait dans ce tableau. Alors regardons ici où nous voyons le ciel se fondre avec ces collines et ces sommets lointains. Mais ici, nous avons un pic qui traverse cette brume. Et donc cela attire beaucoup d'attention sur lui-même. C' est très beau. En bas dans l'eau, nous avons des bords plus doux et puis nous avons juste quelques très petits bords durs je pense qui indiquent un peu d'activité humaine au premier plan. Mais il n'y a pas assez de détails pour que nous puissions vraiment déterminer ce qui se passe. Et pourtant, il donne beaucoup de contexte à cette peinture. Voici une autre aquarelle de John Singer Sargent. Et la même chose se passe ici que dans l'autre tableau de la femme sur la télécabine. Donc, nous pouvons clairement voir que c'est une peinture du Sphinx. Et pourtant, quand nous regardons de très près le visage, Il n'est pas allé là-bas et a essayé de payer dans les yeux, le nez, la bouche et de le faire ressembler à un portrait du Sphinx. Il l'a laissé très général. Et je pense que cela ajoute vraiment beaucoup d' intérêt à une peinture parce qu'elle active nos esprits. Il nous invite à participer en quelque sorte à la peinture. Et encore une fois, je pense que c'est une excellente façon de penser à approcher un tableau, savoir que ce n'est pas à vous en tant qu'artiste de tout écrire pour votre spectateur. Parce qu'en tant que téléspectateurs, nous aimons vraiment être engagés dans l'art. Nous aimons qu'il y ait un peu de mystère. Donc, vous devriez utiliser cela comme une sorte de permission juste pour être très lâche et fantaisiste dans votre approche. Voici une belle peinture. Et je veux que vous voyiez qu'il y a tellement de contraste de valeur ici et beaucoup de contraste et de bords. Donc, si nous regardons le ciel, nous pouvons voir beaucoup de bords mous. Et alors que l'artiste construit plus de l'avant-plan de ce tableau, il utilise des valeurs plus sombres, des bords plus durs. Et une autre raison pour laquelle j'ai inclus ce tableau est en fait parce que c'est évidemment une peinture d'un arc-en-ciel. Mais ça a l'air. Oh, fané et pâle et vous pourriez vous demander pourquoi l'artiste l'a peint de cette façon. Eh bien, je suppose qu'il l'a probablement fait. Il a probablement utilisé des couleurs très vives pour cet arc-en-ciel. Mais une chose à savoir sur la peinture à l'aquarelle et les pigments à l'eau est que beaucoup de fois ces couleurs plus vives et vives, ils ont tendance à être plus fugaces en termes de C permanent, ce qui signifie qu'ils vont disparaître au fil du temps. Et je pense que c'est probablement ce qui s'est passé avec cet arc-en-ciel. Il est donc important de prêter attention à la cote C permanente sur les peintures que vous choisissez. Je sais que quand j'ai commencé à peindre des aquarelles et que j' utilisais des pigments de qualité étudiante vraiment peu coûteux. J' ai remarqué que ces peintures que j' ai encore des années plus tard ont disparu à presque rien. Donc, il est vraiment important de faire attention à cela parce que vous pourriez peindre quelque chose que vous aimez vraiment. Et avec le temps, il peut s'estomper si vous ne faites pas attention à la cote C permanente de vos peintures. Mais pour certains pigments qui ne peuvent pas être aidés, Il y a quelques pigments qui vont juste être fugitifs, peu importe comment l'inégalité élevée que vous achetez. Voici une autre peinture que je pense qui montre beaucoup de contraste étonnant entre les bords doux, surtout dans le ciel. Toutes ces couleurs fusionnent un peu ces falaises distinctes créent vraiment un bord doux entre le ciel, leur permettant d'apparaître plus atmosphérique, un peu plus brumeux. Et alors que nous avançons au premier plan, nous avons des bords plus durs, des valeurs plus sombres. Mais remarquez aussi à quel point ces chiffres sont simplistes, même le chiffre qui est le plus au premier plan. Il est très simpliste. Et pourtant, quand on regarde la composition dans son ensemble, les cerceaux, on voit que cela se rassemble et que nous avons toute cette activité humaine, même si aucune de ces figures n'est dessinée en détail ou peinte de manière détaillée. Voici un autre tableau que je voulais montrer seulement quatre, vraiment sa simplicité parce que quand je pense à déconstruire ce tableau, ce que je vois sont des éclaboussures de jaune, de vert et d'orange. Et puis une fois que tout cela a été laissé sécher, l'artiste a pu entrer et ajouter les troncs et les branches de ces arbres plus tard. Et il est donc important de savoir que vous êtes, peintures à l' aquarelle vont presque toujours commencer par être très abstraites, très douces. Et nous ajouterons de la structure et nos valeurs plus sombres au fur et à mesure que nous allons. Voici une autre peinture qui, je pense, montre vraiment comment dessin simpliste devrait être pour une peinture à l'aquarelle en général. Je veux que vous remarquiez tous ces bords mous sur ces arbres lointains. Tous ces arbres se fondent un peu ensemble. Chauffage entrer et essayer de peindre chaque arbre individuel l'un de l'autre. Il est entré et a permis à ces couleurs de fusionner. Puis il a créé un regard plus distingué quand il a ajouté plus tard les troncs et les branches des arbres. Et remarquez aussi comment il a permis à ces branches se briser là où les feuilles les chevauchaient. Et cela donne un sens naturel et organique vraiment agréable. Donc, la peinture globale. Et remarquez aussi dans la réflexion qu'il n'a pas eu à copier exactement toutes les marques qu'il a faites dans les arbres vers le bas dans le reflet. Ce que nous voulons, c'est juste des indications générales, impressions générales, plutôt que d'être très méticuleux dans nos dessins. Et puis pour contraste avec beaucoup de ces autres peintures, j'ai jeté celle-ci parce qu'elle est très, très détaillée, très serrée. Cela a beaucoup de brossage à sec. Et évidemment, l'élément de séchage dans cette peinture est beaucoup plus fort. Et encore une fois, cela dépendra de votre style personnel et de vos objectifs en tant qu' artiste quant au niveau de détail que vous voulez, à la précision que vous voulez que votre dessin soit, parce que vous pouvez vraiment aller dans l'une ou l'autre direction. Mais je vous encourage, même si votre but ultime est d'être un peintre très réaliste, à approcher l'aquarelle avec un état d'esprit très insouciant car une grande partie du réalisme d'une peinture va s'accumuler à la fin. Et cela aide vraiment à avoir plus d'une base insouciante pour toute peinture à l'aquarelle. Et je pense que vous pouvez voir ici, vous savez, là, il y a des marques lâches, surtout au loin. Je suis sûr qu'il a commencé avec un très beau lavage léger de bords doux. Et puis il a construit toute la structure au-dessus de cette fondation. Et puis le dernier tableau que je veux vous montrer n'est qu'un bel exemple de peinture négative. Donc, comme je l'ai dit plus tôt, dans cette série, quand nous peignons à l'aquarelle, nous construisons à partir de nos valeurs les plus légères et ensuite nous travaillons à nos valeurs plus sombres qui peuvent présenter un petit défi quand vous avez un qui est plus sombre que le premier plan, cela signifie que vous allez peindre autour des éléments qui sont dans votre premier plan. Et c'est exactement ce qui se passe ici. Donc, pour tous ces ballons lumineux sont des lampes ici, ont tous été peints en premier, puis les valeurs plus sombres ont été ajoutées autour de ces belles couleurs vives. D' accord, donc c'est tout pour notre enquête sur les maitres aquarelles. Et allons de l'avant et nous allons dans la peinture. On doit ? 3. Projet 1 : étude de valeur et de bordure: La première chose que nous allons faire aujourd'hui est une petite étude de la valeur d'échauffement et de l' avantage basée sur certains des principes que nous avions appris dans le cours précédent. Et je vais vous montrer comment vous pouvez vraiment simplifier n'importe quel sujet et mieux le comprendre en faisant d'abord une étude simple de valeur et de bord. Donc, même si vous êtes assez expérimenté avec la peinture, mais que vous vous sentez intimidé par un certain sujet, je vous recommande vraiment de commencer de cette façon où vous utilisez juste une couleur et vous travaillez simplement sur comprendre ces concepts très importants de valeur et d'arêtes. Parce que, encore une fois, ça fait vraiment beaucoup de ce qu'est la peinture à l'aquarelle. Et si vous pouvez décomposer une composition en ces principes de base, alors vous allez vraiment la comprendre beaucoup mieux. Et vous n'aurez pas ce facteur de couleur jeté dans le mélange tout de suite. Cela peut rendre la prise de décision un peu plus difficile. J' aime donc faire mes études de valeurs en bleu juste parce que je reçois une gamme plus complète de valeur, je peux aller très sombre avec elle, et je peux aussi aller très léger. Donc je ne ferais jamais une étude de valeur avec disons, jaune, peut-être lire. Mais vous n'allez pas obtenir les valeurs les plus profondes. Et en fait, dans ce tableau, quand j'ai besoin de ma valeur la plus sombre, je vais découvrir que même mon bleu n'est pas assez sombre. Donc, je vais en fait ajouter un peu de rouge là juste pour assombrir un peu cette valeur. Donc ici, je commence avec mes valeurs les plus légères et mes bords souples. Et quand nous peignons des paysages, une chose à laquelle nous voulons toujours penser est la perspective atmosphérique. Et en ce qui concerne la perspective atmosphérique, ce que nous verrons généralement, c'est que notre plus faible valeur dans la composition sera dans le ciel. C' est vrai presque tout le temps, bien sûr, sauf si vous peignez une Nocturne, qui est une peinture de paysage que vous peignez avec un ciel nocturne. Ou si vous avez un ciel très orageux avec beaucoup de nuages de tempête que votre ciel, peut-être plus sombre que les autres éléments de la peinture. Mais pour la plupart, si nous faisons une scène de jour, notre ciel sera nos éléments les plus légers, donc nous avons tendance à peindre cela d'abord. Et je peux juste aller de l'avant et appliquer une sorte de lavage moyen léger sur toute la peinture. Parce qu'à l'aquarelle, nous peignons de nos valeurs les plus légères à nos valeurs les plus sombres. Et cela signifie que nous pouvons toujours appliquer nos valeurs plus sombres sur tout le reste. Donc, quand nous commencerons une peinture à l'aquarelle, nous allons être très généraux dans la recherche de ces valeurs plus légères. Donc vous avez vu que j'ai utilisé mon sèche-cheveux juste pour sécher ça un peu pour que ces bords soient un peu plus durs. J' ai permis à mon papier de rester juste un peu humide parce que je ne veux pas que ces bords soient trop durs parce que c'est un peu le milieu du sol. Donc je regarde ces arbres qui sont en quelque sorte dans le milieu de gamme. Et vous pouvez voir que dans cette référence photo nous avons une très belle Hayes qui se passe. Et cela aide à booster vraiment cette perspective atmosphérique, c'est pourquoi j'ai choisi cette photo. Et je tiens également à mentionner que toutes ces références photo seront disponibles pour téléchargement ou visionnement. Et ces références de photos que j'utilise pour ce cours, elles proviennent toutes d'un site web appelé pixabay.com. C' est une excellente ressource pour les artistes car elle est libre de droits, ce qui signifie que vous n'avez pas à payer pour l'utilisation des images, et elle est également libre de droits d'auteur, sorte que vous n'avez pas à vous soucier des implications juridiques de l'utilisation de ces références photo. Et si vous allez à la source d'origine pour toutes ces références photo que j'utilise. Vous allez remarquer qu'ils sont un peu différents de ce que vous voyez ici à l'écran. C' est juste parce que je les ai recadrés de sorte que la composition est un peu plus en ligne avec ce que j'ai une fois. Donc vous pouvez voir que maintenant que j'ai ces arbres de milieu de gamme en place, j'avais utilisé à nouveau mon sèche-cheveux juste pour les sécher parce que maintenant je veux vraiment entrer avec mes bords plus durs et créer un peu de texture. Et je vais utiliser beaucoup de brosse sèche. Et cela fonctionne très bien avec les valeurs plus sombres parce que je veux charger plus de pigment sur ma brosse et ne pas avoir autant d'eau sur ma brosse pour obtenir ces valeurs plus sombres. Et je vais aussi être en mesure d'obtenir plus de texture. Il peut être un peu difficile de transférer la peinture de votre pinceau sur votre papier lorsque vous utilisez une technique de brosse sèche. Mais c'est juste une question d'ajouter un petit peu d'eau peut être juste tremper la pointe de votre brosse dans l'eau afin que vous puissiez obtenir assez de fluidité pour effectuer ce transfert. Et vous pouvez également voir ici, c'est là que j'ai ajouté juste un peu de rouge dans ce mélange, juste pour que je puisse distinguer ces valeurs de ces valeurs de milieu de gamme un peu mieux. Et là, vous pouvez voir que quand je fais cette technique de brosse sèche, je n'ai pas beaucoup d'eau sur mon pinceau. Et si j'avais beaucoup d'eau sur mon pinceau, ce que je ferais c'est de bloquer mon Bruxelles sur une serviette en papier pour enlever une partie de cette humidité. Et je tiens mon pinceau à un angle très bas. Et en utilisant vraiment cela pour faire cette technique de trébuchement sur le reste de la peinture afin que j'obtienne une belle texture. Je veux m'assurer qu'au fur et à mesure que je construis ma peinture, je ne vais jamais couvrir complètement ces valeurs précédentes parce que, bien sûr, je les ai appliquées pour une raison quelconque. Ils sont importants. Mais nous voulons créer suffisamment de variations et de superpositions pour donner un sens de l'atmosphère et de la profondeur dans nos peintures. Et vous pouvez voir ici que même sans couleur, nous pouvons vraiment faire passer un message fort. Et vous pouvez commencer à penser aux différentes techniques que vous voulez utiliser dans votre peinture finale. Et vous commencez à travailler sur certains des problèmes que vous pourriez rencontrer avec la peinture. Il est donc vraiment génial de toujours faire une étude de valeur et de bord avant d' aborder un sujet que vous pourriez trouver un peu difficile ou vous n'êtes pas tout à fait sûr de la façon dont cela va fonctionner. Et puis je fais aussi un peu de trébuchement et de brosse sèche ici dans l'herbe juste pour donner un peu de texture ici. Et c'est très important aussi, lorsque vous peignez des paysages, surtout de commencer à réfléchir à la façon dont vous allez créer des effets différents sans entrer et essayer de peindre. Par exemple, les feuilles individuelles sont des branches individuelles sont des lames d'herbe. Donc, ce que j'aime faire juste pour ajouter un peu de texture et cette impression d'herbe au premier plan est juste de faire un peu de brossage sec ou de brouillage pour donner un peu de texture jusqu'à ce que ces valeurs dans la distance être plus léger et les bords pour être beaucoup plus doux. Et à mesure que je passe au premier plan, je peux utiliser plus de bords durs et mes valeurs plus sombres. Et cela donne beaucoup de contexte à la peinture et aide vraiment tout à se réunir. Donc ici vous pouvez voir la peinture finale. Et même si nous n'avons vraiment utilisé que le bleu minuscule ou lu, il est vraiment venu ensemble. 4. Projet 2 : arbres d'humeur: Et maintenant que nous avons fait une étude rapide des valeurs, allons de l'avant et essayons cette même composition en utilisant la couleur. Donc ce que je vais faire, c'est parler un peu de dessin pour des peintures à l'aquarelle parce que je sais que c'est quelque chose que les nouveaux artistes se sentent très intimidés par. Ils n'ont pas l'impression d'être des tiroirs forts. Ils craignent qu'ils aient besoin de travailler sur leurs compétences de dessin avant d'entrer dans l'aquarelle. Et peut-être que certaines personnes ne sont pas très intéressées par le dessin. Eh bien, j'ai de bonnes nouvelles pour vous parce que beaucoup de fois nous sommes mieux de garder nos dessins très lâches et simples et de ne pas trop travailler sur les détails ou être capable de dessiner tout ce que nous pensons doit aller dans un bonne peinture. Et j'espère que vous avez vu quand nous avons passé cette enquête de maitres peintures aquarelles, que vraiment les dessins peuvent être très lâches et très indulgents dans ce processus. Parce que ce sur quoi nous sommes vraiment concentrés, encore une fois, ce sont les valeurs, les bords. Et maintenant, nous allons aussi nous lancer dans la construction de couleurs très intéressantes. Donc, quand je fais une peinture de paysage à l'aquarelle, je commence mon dessin habituellement en trouvant la ligne d'horizon, en mettant cela dans et peut-être en trouvant la ligne principale qui sépare le ciel de certains autres sujets. Et j'aime le faire assez léger que vous pouvez voir ici. Et ne vous inquiétez pas si vos marques de crayon apparaissent à travers votre peinture à l'aquarelle, vous allez développer une sensation sur la pression à appliquer avec votre crayon au fil du temps. Et honnêtement, certaines personnes aiment vraiment les marques de crayon montrant à travers elle donne un peu de structure et aide la peinture à l'aquarelle juste se sentir très lâche et facile et détendu. Et c'est ce que nous voulons vraiment réaliser avec nos peintures à l'aquarelle. Pas seulement dans le résultat de la peinture, mais nous voulons être très détendus et avoir un état d'esprit très facile quand nous faisons des peintures à l'aquarelle. Ne vous inquiétez pas trop pour le dessin. Ne vous inquiétez pas que vos marques de crayon apparaissent à travers. Et viens juste à la partie peinture parce que c'est vraiment pour ça qu'on est là. Je pense. Encore une fois, je commence avec mes valeurs les plus légères et mes bords les plus doux, mais maintenant je travaille plus avec les couleurs. Donc, je suis allé de l'avant et j'ai trouvé la couleur la plus claire et la plus brillante dans cette composition, qui est cette petite série de jaune dans le ciel. Et ce serait donc le premier pilier pour moi à postuler. Et vous avez vu que j'ai aiguillé mon papier avant d'appliquer n'importe quelle couleur juste pour m'assurer que j'ai un très beau bord doux entre toutes ces couleurs pour que le ciel ait l'impression qu'il est brillant et vivant. Et même quand tout est encore mouillé et je vais aller de l'avant et mettre dans ces arbres les plus lointains. Et j'ai mélangé une belle violette pastel douce. Et je garde la valeur très légère. Donc j'ai beaucoup d'eau dans ce mélange. Et je veux que ces arbres lointains se fondent dans le ciel juste un peu. Ainsi, vous pourriez constater que lorsque vous travaillez humide dans des couleurs humides, commencez à fusionner de manière que vous ne vous attendiez pas ou une seule fois. Mais je vous encourage à les laisser partir. Parce que plus vous trempez votre pinceau dans votre peinture et essayez de changer ces couleurs comme vous pensez qu'elles sont censées aller. Plus vos couleurs vont finir par avoir l'air très boueux et surchargé. Donc peu importe ce qui se passe, engagez-vous à laisser les couleurs couler ensemble comme elles Eh bien, parce que je vous garantis qu'à la fin, vous allez oublier que c'était quelque chose que vous ne vouliez pas arriver. Et vous allez finir avec beaucoup de ces mélanges inattendus qui rendent les peintures à l'aquarelle si intéressantes. Donc je vous encourage vraiment à laisser tomber ça. Maintenant, j'ai toutes mes valeurs de lumière en place. Et vous pouvez voir que j'ai appliqué un beau lavage léger sur toute la composition. Je ne voulais pas vraiment laisser quelque chose de blanc pour ça. Et il n'y a vraiment pas besoin de le faire parce que je vais construire mes valeurs plus sombres sur le dessus. Et pendant que ce papier est encore un peu mouillé, eh bien, je ne dirais pas quoi ? Je dirais. Peut-être humide. Je vais aller de l'avant et mettre certains de ces arbres au milieu du sol. Et si vous vous souvenez de mon étude de valeur, j'ai utilisé mon sèche-cheveux et j'ai séché ça avant de les appliquer dans cette valeur stable. Mais j'ai décidé à partir de ce processus d'essai et d'erreur de faire cette étude de valeur que ceux-ci pourraient être mieux servis comme étant un peu plus doux. C' est pourquoi j'ai décidé d'aller de l'avant et de les placer alors que mon papier était encore un peu humide que je reçoive encore un peu plus de distance et un peu plus de perspective atmosphérique. Et encore une fois, même si c'est encore bien, je vais aller de l'avant et commencer à ajouter des couleurs plus riches, des valeurs légèrement plus sombres au premier plan pour que je puisse construire ma technique de brosse sèche en plus de cela. Et ici, je suis enfin en train de sécher ça avant d'entrer dans mes valeurs les plus sombres. Donc maintenant je veux avoir beaucoup de pigment, pas beaucoup d'eau dans ma brosse, mais assez pour que je puisse au moins obtenir une bonne couverture. Donc, je suis un peu juste le tester ici après que j'ai effacé ça sur ma serviette en papier, je veux que certaines de ces valeurs moyennes montrent à travers pour donner une impression que ces arbres ne sont pas des blocs complètement solides, mais surtout comme ils se rapprochent du sommet il va y avoir un peu plus de formes brisées. Donc j'utilise plus de cette technique de brosse sèche au sommet des arbres. Et alors que je descends au fond de l'arbre, est-ce qu'il y aura un peu plus solide ? Et donc je peux avoir plus d'eau sur mon pinceau et faire des coups plus grands. Mais ici, vous pouvez voir que je fais ma technique de brosse sèche où je tiens mon pinceau à un angle très bas, presque plat, presque parallèle à la surface de peinture. Et j'utilise juste le côté large de la brosse pour faire de courts mouvements de balayage à obtenir. Une partie de cette brosse sèche et de la technique de trébuchement. Et je travaille dur pour garder mes valeurs plutôt sombres d'ajouter beaucoup plus de bleu à ce mélange. Alors qu'au sommet de ces arbres plus sombres, c'était un peu plus violette. Et maintenant, je veux travailler plus près d'un noir, donc j'ai besoin de mélanger un peu plus de jaune. Parce que rappelez-vous quand nous mélangeons les neutres et les noirs allaient avoir une combinaison des trois couleurs primaires. Et si nous voulons vraiment un beau noir riche que nous voulons que ce mélange se penche un peu plus près du bleu. Mais nous avons aussi besoin d'avoir du rouge et du jaune là-dedans aussi. Et je suis de nouveau là, appliquant un peu de pinceau trébuchant et sec sur l'herbe au premier plan pour lui donner un peu de texture. Et vous pouvez voir ici que les choses sont encore un peu légères. Mais si vous remarquez le ciel et ensuite ces arbres les plus lointains, ils se mélangent vraiment très bien et ils créent un effet atmosphérique très subtil. Donc je vais aller de l'avant et complètement sécher ça à nouveau avant d'entrer avec ma valeur la plus sombre et mes bords les plus durs. Donc je vais commencer avec le jaune juste pour m'assurer que j'en ai assez là-dedans. Peu importe l'ordre que vous mélangez vos couleurs lorsque vous essayez de mélanger un neutre ou un noir. Mais je pense que vous voulez un peu penser à l'avance, avez-vous besoin de cela pour être plus d'un neutre brun chaud ou avez-vous besoin de cela pour être un neutre noir cool parce que cela va avoir un impact sur la quantité de chaque couleur que vous mettez dans le mélange. Donc je voulais que ça soit un peu plus chaud. C' est pour ça que j'ai commencé avec mon jaune et mon tour, puis j'ai ajouté du bleu à ça. Pour que cela se penche un peu plus près de ces couleurs plus chaudes et soit un peu plus d'un brun. Et cela donne un beau contraste aussi avec les arbres qui sont surtout violets au milieu du sol. Alors voici où je commence à construire les formes les plus solides dans cette zone de premier plan. Et vous pouvez voir ici que j'utilise plus de trébuchement, plus de brossage sec au sommet où ce grand arbre va être. Il ne fait pas aussi sombre que ça va l'être, mais je veux commencer plus léger. Quand tu peins à l'aquarelle. Si vous n'êtes pas sûr d'une valeur, il est toujours préférable de se tromper du côté d'aller à la lumière car avec l'aquarelle, nous pouvons toujours ajouter nos sombres, mais nous ne pouvons pas ramener une valeur plus claire. Donc, il vaut mieux, si vous voulez faire une erreur, faire l'erreur de rendre les choses trop légères, puis vous pouvez l'évaluer plus tard et l'assombrir au besoin. Encore une fois, je veux que les formes soient un peu plus brisées vers le sommet de ces arbres. Et puis quand il arrive au fond où les choses sont un peu plus condensées parce qu'il y a une sorte de mélange de plantes courtes avec les plantes hautes, donc nous obtenons une forme plus solide ici. Mais vous pouvez voir que même si nous avons ajouté beaucoup de couleurs ici et que nous avons utilisé beaucoup de neutres que nous avons pu vraiment, encore une fois, communique efficacement ce paysageà encore une fois, communique efficacement ce paysage travers l'utilisation de la valeur et des bords principalement. Faire un peu plus sec brosse vers le bas en bas avant que je finisse cela, en ajoutant un peu plus sombre. Donc ici je suis juste entré avec un peu de bleu et je pose juste ça au-dessus de ces neutres plus chauds juste pour donner un peu plus de profondeur à ces arbres pour qu'ils n'aient pas l'air complètement plat. Et maintenant, je regarde juste autour de la composition, voir s'il y a des ajustements que je dois faire avant de retirer la cassette. Peut-être juste un peu plus de brossage sec pour rendre ces formes ici un peu plus solides. Mais cela devrait être fondamentalement le cas. Pour cela, il est vraiment important de commencer à penser à quel point vous voulez arrêter. Et comme pour tous mes cours de peinture, j'insiste vraiment sur le fait de prendre un peu de temps loin de votre peinture si vous commencez à douter de savoir si c'est fait ou non, à y revenir avec des yeux frais et à l'évaluer à ce moment-là. Parce que beaucoup de fois, vous trouverez que moins c'est plus avec la peinture. Et la pire chose à faire est de surmenage une peinture avec des aquarelles. Nous voulons certainement les garder très simples, fantaisistes et détendus. 5. Projet 3 : arbres d'automne: Pour notre prochain projet, je veux vous montrer comment la même approche pour l'aquarelle va s'appliquer même lorsque vous avez un paysage qui n'a pas autant de profondeur et de présence de perspective atmosphérique. Donc nous allons peindre cette belle scène d'automne. Et encore une fois, cette référence photo est de pixabay.com. Ça va être lié dans les projets. Et vous verrez que j'ai fait du recadrage ici juste pour rendre la composition un peu plus simple. Beaucoup de fois, quand on fait de la peinture, peu importe votre expérience. Beaucoup de fois avoir une composition plus simple va être mieux et parfois cela ne se traduit pas par des photographies. Et donc beaucoup de fois si nous utilisons une référence photo, que vous ayez pris la photo vous-même ou que vous utilisiez un site comme pixabay.com, vous allez découvrir que beaucoup de fois vous allez profiter beaucoup en allant dans et en recadrant le photo dans une composition qui est un peu plus simple. Ça va faire mieux traduire votre peinture. Ce sera, bien sûr, plus facile à peindre et plus facile à comprendre. Je vous encourage à toujours jouer avec ça. Donc, dans ma peinture, vous avez vu que j'ai commencé par mouiller mon papier, puis j'ai cherché la valeur la plus légère de la photo, qui sur la photo, j'ai l'air en fait blanche. Et beaucoup de fois avec des photos allaient se faire souffler des zones qui semblent être blanches. Avec la peinture, nous voulons généralement les traduire en une valeur très légère. Et donc pour cela, j'ai choisi un jaune très clair. Et en descendant mon chemin sur ce tableau, je garde tous mes bords très doux et mes valeurs, bien sûr, très légères. Mais je cherche juste un petit indice des couleurs que je vais construire sur ce tableau. Et donc juste au centre de la peinture que vous avez vu que je mélange une sorte de belle couleur chaude, neutre, presque un gris. Et puis en dessous et ensuite un joli vert neutre. Et puis en bas, c'est une très belle orange terreuse. Et je vais aller de l'avant et sécher ça complètement avant de passer à autre chose. Aller avec plus de rouge et de jaune ici, parce que je ne regarde pas seulement la valeur suivante, donc un peu dans la valeur moyenne, mais je regarde aussi quelle couleur va vraiment être le centre de cette peinture, la focale points, et je vois bien sûr beaucoup d'orange et beaucoup de rouge. Donc je vais commencer avec mon orange. Et vous pouvez voir ici que j'utilise une sorte de combinaison d'avoir un peu d'eau dans mes poils. Mais quand je déplace ce coup vers l'extérieur, je laisse ce coup devenir un peu plus sec pour que j'obtienne certains de ces beaux bords durs. Et cela apporte beaucoup d'énergie à la peinture. Et c'est quelque chose qui est vraiment amusant à faire, je pense, surtout avec les arbres et le feuillage. Alors commencez avec un peu d'eau sur vos poils. Mais alors que vous déplacez le pinceau sur votre papier, vous allez naturellement perdre une partie de cette humidité. Donc laissez juste ce coup se dissiper en un stylo de bord plus dur d'une trébuche. Je vais le faire très insouciant sur tout le tableau. J' ai ajouté plus de jaune dans ce mélange pour donner un peu de variation. Et je suis juste à la recherche de zones où je peux ajouter beaucoup de cette très belle couleur vive. Donc, à ce stade, je ne mélange pas vraiment les neutres, mais il y aura beaucoup de neutres dans ce tableau en général. Alors maintenant, je vais mélanger un peu de vert. Je veux qu'il se penche vraiment à ce stade vers le jaune parce que lorsque j'ajoute plus de bleu au vert, il va obtenir une valeur plus sombre. Et bien sûr en ce moment, je regarde juste les valeurs moyennes, mais vous pouvez certainement voir que j'autorise beaucoup de ces valeurs plus légères à montrer à travers. Et si vous regardez dans le coin supérieur droit où j'ai appliqué ce léger lavage de jaune. À ce stade, cette zone semble presque blanche, mais vous verrez quand je retirerai la bande à la fin du processus de peinture que c'est un beau jaune vif. Il n'est pas complètement blanc, mais il donne cette belle impression lumineuse d'un ciel lumineux dans ces arbres sont un peu rétroéclairés. Donc ici, je mélange plus neutre. J' ai ajouté du bleu dans ce mélange et je vais aller de l'avant et commencer à brosser légèrement quelques branches. Et une chose que j'aime dire aux gens sur la peinture des arbres est que vous ne devriez pas essayer copier chaque branche et une brindille que vous voyez dans la référence photo, car bien sûr une photographie capture tout et nous n'avons pas besoin de copier cela. Donc, ce que je dirais est de ne pas avoir trop d'eau dans votre brosse, mais assez pour vous les peintures ou couler et utiliser une sorte de lignes pointues, déchiquetées. Ne vous inquiétez pas pour les lignes droites. Et aussi permettre à ces lignes de se briser, surtout lorsque vous arrivez au sommet de l'arbre, il peut en fait apporter une belle sensation de lumière ici peintures ou avoir ceux brisés de sorte que vous n'avez pas besoin de lignes solides. Et pour ces arbres qui sont plus loin, vous pouvez voir que j'ai ajouté un peu d'eau dans ce mélange pour qu'ils se mélangent un peu avec le fond. Cela va donner une impression très subtile des arbres au loin sans attirer trop d'attention sur eux-mêmes. Et ici, j'ajoute juste un peu plus de bleu pour rendre cette valeur un peu plus sombre. Et je fais un peu de brosse sèche au fond où nous avons des feuilles mortes qui s'accumulent. Et cela va nous donner une belle sensation de profondeur dans ce tableau qui, vous savez, parce que nous avons tous ces arbres qui sont si proches du point de vue du spectateur. Il n'y a pas beaucoup de profondeur en termes d'atmosphère ici, mais nous pouvons créer cela simplement en utilisant plus de notre texture et sont des bords plus durs au premier plan. Et puis dans la distance que nous utilisons sont des valeurs plus légères et sont des bords plus doux. Donc encore une fois, ces arbres qui sont plus au loin, je suis très prudent de ne pas avoir. Couleurs très saturées pour ceux-ci parce que je veux qu'ils soient là pour donner un peu de cette texture dans la distance. Mais je ne veux pas qu'ils ajoutent trop de contraste parce que cela va trop attirer notre attention au loin et créer une peinture un peu chaotique. Donc, tout ce que je peins plus au loin, je vais laisser une valeur plus légère et permettre juste de fusionner avec l'environnement. Et encore une fois, en peignant certaines de ces branches, je ne m'inquiète pas du tout de copier les arbres que je vois sur la photo. J' utilise vraiment plus d'une approche gestuelle. Donc je vais juste entrer avec ma brosse et je le clignote. Je permet à la peinture et au pinceau de faire exactement ce qu'il va faire et cela va créer des marques plus naturelles. Alors si j'essayais de dessiner méticuleusement en copie toutes les branches que je vois. Et honnêtement, j'ajoute beaucoup de branches dans ma peinture juste parce que j'ai l' impression que la référence photo manque un peu en termes de structure pour ce tableau. Alors n'hésitez pas à faire ce que vous voulez. Vous voudrez peut-être garder vos arbres plus minimes et vous concentrer davantage sur le feuillage et les couleurs en voulant avoir juste un peu de cette structure subtile au loin. D' accord, alors que je me dirige vers les objets qui sont plus au premier plan de ce tableau, je vais ajouter plus de pigment à mon mélange, donc moins d'eau, plus enceinte, beaucoup plus de mon bleu, bien que cela se penche encore beaucoup vers le côté rouge. Jusqu' à présent, j'ajoute beaucoup de bleu ici, un peu plus de rouge. Et vous allez trouver, vous savez, quelles que soient les couleurs que vous utilisez. Vous allez découvrir qu'un de vos pigments est beaucoup plus fort que tous vos autres pigments. Et dans mon cas, le rouge est très accablant. Donc, même quand j'ajoute un peu de rouge et qu'il prend vraiment le dessus sur le côté rouge de ce mélange. Donc, si je veux que ce soit, sinon, je dois généralement ajouter plus de bleu dans ce cas afin que j'obtienne cette valeur plus sombre. Alors maintenant je commence à travailler sur les troncs d'arbre qui sont plus au premier plan. Donc, bien sûr, j'ai besoin que ceux-ci soient beaucoup plus sombres, beaucoup plus saturés. Et je laisse les bords être beaucoup plus définis et plus difficiles. Et il est important de juste planter ces arbres. Donc j'ajoute un peu d'ombre coulée où ils se rencontrent avec le sol pour qu'ils n'aient pas l'air de flotter. Et encore une fois, remarquez le geste que je fais quand je peins les branches. Ce n'est pas quelque chose que vous pourriez considérer comme un dessin. Donc je tiens mon pinceau très lâche, un peu vers l'arrière du pinceau. Et je vous encourage vraiment à le faire parce que ça va desserrer vos coups. Et vous allez en fait obtenir plus de marques naturalistes en utilisant une poignée très lâche sur votre brosse. Et je n'ai pas beaucoup d'eau ici, donc je peux avoir ces bords plus durs, mais je n'essaie pas trop de contrôler ces lignes. Et quand je me déplace vers le bas de certaines de ces branches et troncs, je vais utiliser plus de bleu là-dedans juste pour qu'il soit un peu plus sombre. Et ne vous inquiétez pas si toutes les branches que vous payez sur votre arbre entrent en contact avec le tronc. Parce que encore une fois, il ne s'agit pas de copier la ressemblance exacte de ces arbres. Il s'agit vraiment de capturer le geste des arbres et de créer une impression et une texture. Et sur cet arbre qui est fini à l'extrême droite de la composition, il est un peu brisé par certaines des feuilles qui se trouvent devant lui. Donc, il est vraiment important que je ne paie pas une ligne solide tout le chemin du bas de la composition jusqu'au sommet parce que je veux donner l'impression qu' il y a effectivement des feuilles qui chevauchent cet arbre. Donc je vais utiliser beaucoup de lignes brisées dans cette zone, beaucoup de trébuchements. Et maintenant, je regarde un peu plus à essayer de penser que s'il y a autre chose que je dois faire, c'est important encore une fois de prendre un peu de recul par rapport à votre peinture. Faites une pause, revenez à elle et voyez ce que vous en pensez. Parce que cela pourrait être fait ou vous pourriez voir certains domaines qui ont juste besoin d'un peu plus d'améliorations. Donc ce que j'ai décidé que je devais faire ici, c'était juste pour égayer certains de ces jaunes. Maintenant aquarelle des cours, un milieu très transparent. Donc ces jaunes que j'applique ici pendant qu'ils sont mouillés, dirait que ça fait une grande différence, mais à mesure qu'il sèche, il va devenir très transparent dans cet effet sera beaucoup plus subtil. Je vais faire quelques trébuchements avec du rouge ici en bas parce que je sais que j'ai besoin de valeurs plus sombres en bas pour que cette peinture, encore une fois, ait ce beau sens de la profondeur et de la texture. Et j'ai aussi décidé que parce que j'ai toutes ces oranges et jaunes et j'avais besoin d'un peu plus de variation dans les feuilles elles-mêmes. Donc je trébuche avec juste un peu de rouge ici. Et je vais faire des éclaboussures avec le rouge aussi. Et c'est une technique qui peut être vraiment amusante à utiliser à l'aquarelle. Je ne l'ai pas couvert dans la classe de techniques de texte de base parce qu'il n'y a pas vraiment moyen de le démontrer sur un petit carré. Vous pouvez voir ici que j'ai chargé ma brosse. Il y a un peu de pigment et un peu d'eau dedans parce que nous avons besoin de ce pigment pour pouvoir se détacher des poils et sur la peinture. C' est donc un équilibre entre avoir assez d'eau et suffisamment de pigments pour qu'il apparaisse. Et avec une scène comme celle-ci où nous avons beaucoup de feuillage, C'est un excellent moyen juste d'ajouter un peu plus de texture dans les parties supérieures des arbres. Et vous devrez juste faire une sorte d'expérience avec savoir où l'eau va atterrir quand vous éclaboussez. Et aussi, bien sûr, vous voulez être dans un espace de travail où cela ne vous dérange pas que les choses deviennent un peu désordonnées. Les peintures à l'aquarelle peuvent être très colorantes et permanentes. Donc, si vous faites cette technique, assurez-vous juste que vous n'avez rien autour de vous que vous ne voulez pas éclabousser parce qu'il est assez difficile de contrôler exactement où vont les fondateurs. Et je pense avec ça, et peut-être juste un peu plus de valeur sur certaines de ces branches, en particulier les branches de premier plan. Et en fait ce que j'ai décidé ici, c'est que cette branche ou ce tronc avait besoin d'être un peu plus épais parce que je ne pensais pas qu'il y avait assez de variation entre l'épaisseur des troncs. J' y ai donc ajouté un peu d'épaisseur avec une valeur très sombre. Et je vais neutraliser ça juste un peu plus avec un peu de jaune. Va ici, il y a des feuilles dans le coin supérieur. Peut-être que j'aurais dû les oublier, mais tu sais, tu prends des décisions à la volée et parfois elles fonctionnent et parfois elles ne le font pas. Donc, je pense que dans l'ensemble, ce tableau a assez bien fonctionné. Et cela, je pense, est juste une partie de savoir quand arrêter et quand vraiment les choses ont l'air assez bien pour voir qu'il pourrait y avoir des choses dans votre référence photo qui n'ont pas nécessairement besoin d'aller dans votre peinture pour le faire fonctionner. Donc, je dirais que c'était le cas ici. Je n'avais pas vraiment besoin d'ajouter ces derniers coups, mais, tu sais, tu fais ce que tu fais et tu apprends. Et dans l'ensemble, cependant, cette composition, je pense, a assez bien fonctionné, et c'est assez simple. 6. Projet 4 : Grand Canyon: Maintenant que nous avons peint des compositions plus simples, allons de l'avant et commençons à regarder des compositions plus complexes pour voir comment nous pouvons utiliser tous ces mêmes concepts et techniques très simples pour les appliquer à n'importe quelle composition. Et pour celle-là, on va peindre le Grand Canyon. Et le Grand Canyon est un très grand sujet et vous trouverez, bien sûr, beaucoup d'artistes peignant le Grand Canyon, idéalement de la vie si vous pouvez vraiment aller visiter. Mais dans notre cas, nous allons simplement utiliser une autre référence photo de pixabay.com. Et encore une fois, si vous regardez la référence de la photo originale, vous allez voir que j'ai recadré ça un peu. C' était vraiment une vue panoramique. Mais la raison pour laquelle le Grand Canyon est si incroyable pour les peintures est parce que nous avons une vue incroyable sur tant de distance. Donc, nous pouvons voir des miles et des miles parce que nous sommes si élevés et nous avons un point de vue très clair typiquement. Et donc ce que nous allons obtenir, c'est beaucoup de perspective atmosphérique très forte, ce qui rend la peinture si intéressante. Et les variations de couleur vont être très nuancées et amusantes à mélanger et bien sûr belles à regarder. Encore une fois, je commence par un dessin très, très simple, gardant mes formes au premier plan comme rigide et aggedy. Donc, en tenant mon crayon très lâche , bien sûr, comme je le fais avec mon pinceau. Parce que encore une fois, nous n'allons pas vraiment pour un dessin très serré ou sa peinture en hauteur. Nous voulons le garder très fantaisiste et léger. Donc encore une fois, ne soyez pas trop enveloppé dans le dessin, il suffit de trouver certains de ces bords les plus basiques que nous devons distinguer. Et je sais que vous pouvez à peine le voir, mais j'ai juste très légèrement crayonné dans le sommet le plus éloigné du canyon. Et encore une fois, ne pas essayer de copier cette forme exactement. Et je pense qu'une bonne façon de vous tenir au contrôle pour vous assurer que vous n'êtes pas trop préoccupé par la précision de votre dessin, c'est que la photo fait référence à un point de saut pour vous. Les gens vont pouvoir regarder votre peinture et savoir ce que vous avez peint. Et ils ne diront pas, hé, tu sais, il y a un angle là-bas que tu n'as pas tout à fait bien parce qu'ils vont regarder ton tableau. Ils ne vont pas regarder votre peinture ici, référence photo et les comparer. Ce n'est pas ce qu'on fait. Nous avons adoré les peintures parce qu'elles sont faites par nous avec nos mains et qu'elles ont cette qualité pour eux. Alors je vais aller de l'avant et commencer à peindre le ciel. Il y a beaucoup de couverture dans le cloud ici. Je veux donc un peu de variation de valeur dans mon ciel. J' ai donc un peu de valeurs plus légères sur le coin supérieur droit de ce Skype. Alors j'ai laissé ça un peu plus léger et puis je suis entré avec d'autres Violet sur le côté gauche. Et maintenant, alors que c'est toujours ce que je vais juste commencer très lâchement à mettre au sommet de ce canyon le plus lointain. Je vais laisser ça fusionner avec le ciel où qu'il fasse. Je vais juste le laisser. Aller avec plus de pigment et moins d'eau. Et cela aidera à contrôler ce bord juste un peu. Mais bien sûr, parce que tout est mouillé va tout simplement fusionner et créer une fusion douce vraiment agréable. Et maintenant, je regarde plus le Kenyan qui, je dirais, est dans le milieu de gamme. Donc, nous avons un canyon vraiment loin dans la distance qui va lire comme un peu plus d'un violet bleu. Et dans le milieu de gamme, nous allons avoir un canyon un peu plus chaud. J' ai donc ajouté beaucoup plus orange et jaune. Donc, mais nous allons le neutraliser un peu pour que nos couleurs les plus saturées soient le premier plan où se trouvent les points de vue. Donc encore une fois, en gardant ce très abstrait, très lâche, tout est juste un grand lavage de valeurs de lumière, bords doux et de couleurs vives à ce stade. Et cela va être le fondement de ce que nous pouvons construire cette peinture. Donc, c'est très important de ne pas aller en essayant de peindre des éléments individuels dans la peinture à ce stade, mais de sorte de capturer ce sens général des bords doux, couleurs vives, des valeurs de lumière. Et vraiment même si les choses à ce stade ne vont pas comme vous le pensiez. Peut-être que certaines couleurs fusionnent d'une manière que vous n'aimez pas nécessairement à ce stade. Ces valeurs seront toutes telles qu'à la fin, elles ne seront même pas perceptibles. Maintenant, je viens d'ajouter un peu de bleu ici à ce Canyon le plus lointain, alors que c'est encore doux pour que je puisse obtenir quelques très beaux bords doux ici. Mais je ne veux pas exagérer ce bleu, donc je dois le garder assez léger. Et je vais avoir des fleurs. Et encore une fois, c'est juste une autre chose que vous ne planifiez peut-être pas. Mais je dirais juste que ça arrive. Parce que je pense qu'à la fin du tableau, tout d'abord, il ne va pas attirer trop d'attention sur lui-même, et cela va ajouter beaucoup de caractère à votre peinture. Maintenant que j'ai séché ça, je vais y aller et je vais avoir certains de ces Kenyans plus distincts être un peu plus définis par je dois faire attention à garder mes valeurs très légères. Donc beaucoup d'eau dans le mélange, parce que je ne veux pas avoir trop de contraste entre le ciel et ces bords les plus éloignés du Canyon. Parce que, encore une fois, cela va juste attirer trop d'attention visuelle dans la distance et faire croire que c'est le point focal quand vraiment nous voulons que cela soit là pour le contexte. Mais ce n'est pas vraiment le point focal. Le premier plan sera les points focaux. Alors maintenant, j'ajoute des tons plus chauds à ce côté du canyon dans le milieu de gamme, faisant un peu de brossage à sec juste pour capturer certaines des stries de toutes les formes rocheuses. Et ce que j'ai vraiment besoin de faire pour ce canyon qui est en quelque sorte à milieu de gamme, c'est que je dois le neutraliser maintenant. Il fait un peu trop chaud. Pas grand-chose à ce stade parce que nous pouvons passer sur ces couleurs chaudes avec couleurs neutres et faire un peu de vitrage pour les tonifier un peu. Mais c'est quelque chose que je dois commencer à penser à ce stade. Parce que quand nous avons tant de formations, qui bien sûr tous ces canyons sont essentiellement faits des mêmes matériaux. Et donc nous obtenons cette couleur bleuâtre, violette, brumeuse seulement à cause des particules dans l'atmosphère qui s'accumulent entre le point de vue et ces falaises. Et c'est ce qui change notre perception de la couleur. Et donc, quand nous peignons, nous devons garder cela à l'esprit que même si tous ces plus proches sont fabriqués à partir du même matériau, et si nous étions debout sur une autre falaise, ça aurait l'air très chaud et a un peu cette couleur orange rougeâtre à elle, tout comme le premier plan ici. Mais parce qu'il y a tant de particules ou de molécules d'atmosphère, d'oxygène entre nous et ces falaises, c'est ce qui crée cette belle brume atmosphérique. Nous devons donc veiller à ce que ces couleurs soient neutralisées conformément à ce concept de perspective atmosphérique. Et alors que je passe maintenant au premier plan, j'y vais avec une couleur chaude très vive, beaucoup de jaune, un peu de rouge et juste un peu de bleu. Je vais commencer à construire un peu de cette texture. Donc je n'appellerais pas forcément cette brosse sèche. Je voudrais appeler ce genre de mouillé sur Drive parce que je ne fais pas de trébuchement. Mais je laisse une partie de cette valeur plus légère juste pour montrer à travers. Mais ce que je dois faire ici, c'est vraiment commencer à construire ces couleurs plus vives et saturées afin qu'elles se distinguent des falaises et des canyons qui sont plus au loin. Et quelque chose que j'espère que vous commencerez à remarquer comme un motif mesure que nous traversons toutes ces peintures, c'est que nous allons passer la plupart de notre temps et de nos efforts dans les domaines de la peinture qui sont plus des points focaux. Donc, là où nous voulons plus d'intérêt visuel, c'est là que nous allons vraiment passer la plupart de notre temps. Et j'ai mentionné cela parce qu'il est important de savoir qu' avec des parties de la peinture qui ne sont pas votre point focal, peut-être qu'elles sont plus loin. Il est vraiment important de vous empêcher de jouer trop avec ces zones parce qu'elles peuvent devenir surchargées. Et plus nous passons de temps sur une zone de la peinture, plus nous prendrons d'attention parce que nous avons mis trop d'informations là-bas essentiellement. Donc, nous devons nous assurer que nous gardons ces zones vraiment plus du côté d'être défaites ou inachevées. Et très léger et n'ont pas beaucoup d'informations visuelles dans ces domaines. Et puis dans la zone où nous voulons que le spectateur passe la plupart de son temps à regarder. C' est là que nous allons passer la plupart de notre temps à peindre. Donc, à ce stade, je vais partir. Tout ce qui est au loin et au milieu du sol seul. Et je vais passer le reste de mon temps à travailler au premier plan sur ce tableau, à construire des textures intéressantes, de belles valeurs sombres. Et vous remarquerez aussi que nous avons beaucoup de plantes au premier plan, et je n'ai même pas encore commencé à peindre aucune de ces plantes. Et c'est parce que je veux vraiment me concentrer davantage sur les domaines au premier plan qui sont plus légers. Bien sûr, ces plantes sont presque toutes une valeur plus sombre et donc je n'ai pas besoin de m'en soucier du tout juste pour le fait que je peux peindre dans des sombres au-dessus de toutes ces valeurs plus claires dans la peinture à l'aquarelle. Qui encore une fois, est vraiment la chose incroyable à propos l'utilisation d'un médium transparent comme la couleur de l'eau. Parce qu'on n'a pas à tout planifier à l'avance. Nous pouvons vraiment nous concentrer sur le grand tableau d'abord. Et puis, au fur et à mesure que nous progressons dans la peinture, nous pouvons nous intéresser davantage à ces détails de finition. Donc en ce moment, je me concentre vraiment sur la construction la chroma ou la saturation de toutes ces formations rocheuses au premier plan où se trouve le point de vue. Et après avoir tout cela en place, je vais aller de l'avant et commencer à ajouter certains de ces petits détails. Donc, je suis allé de l'avant et je l'ai séché complètement parce que maintenant que j'ai beaucoup de bords logiciels en place que j'ai une fois, je vais commencer à utiliser plus de pigment, moins d'eau, et vraiment construire certains des détails ici dans le premier plan. Donc la première chose que je vais faire, c'est que je vais mélanger un joli vert jaune. Donc beaucoup de pigment jaune, et nous devons utiliser beaucoup de ce pigment jaune parce qu'ajouter trop d'eau dans ce pigment jaune va juste faire disparaître ça sur notre papier parce qu'il va être trop léger. Donc parce que je voulais mettre du jaune sur certaines de ces caractéristiques au premier plan, j'ai besoin de beaucoup de pigment. Et à ce stade, pas beaucoup de vert parce que nous pouvons, je suis désolé, pas autant de bleu parce que nous pouvons ajouter plus de bleu que nous allons. Encore une fois. Le bleu a une valeur locale plus foncée. Il est donc très important de se tromper du côté d'être trop léger pour nous parce que nous pouvons revenir avec les sombres, mais nous ne pouvons pas revenir en arrière et ajouter des valeurs plus claires avec une peinture à l'aquarelle. Donc vous pouvez voir ici maintenant que j'ai un peu bloqué dans certaines des plantes qui sont plus au premier plan là-bas attraper un peu plus de lumières. Et ils vont être un peu plus jaunes. Je les ai en place. Maintenant, j'ai ajouté un peu plus de bleu à ce mélange et je peux commencer à travailler sur une partie de la vie végétale qui est plus loin. Et ça va être un peu plus sombre. Et puis celle-là qui est un peu plus au premier plan aussi. Et vous pouvez voir que je fais des ajustements à partir de la référence photo sur ma peinture. Je n'ai pas besoin de peindre les plantes exactement là où elles se trouvent dans la référence photo. Je peux changer ça pour une meilleure composition. Donc c'est ce que je fais et j'ai déplacé une de ces plantes au premier plan immédiat afin qu'il n'y ait pas autant d'espace vide juste là dans cette zone immédiate de premier plan. Et comme je l'ajoute, je ne l'appellerais pas, encore une fois une technique de brosse sèche parce qu'ils ont un peu d'eau dans les poils. Mais cela va être une technique sèche ou je suis désolé, une technique humide sur sec donc je suis capable de contrôler le débit de l'eau dans la peinture que j'applique parce qu'il n'y a pas beaucoup d'eau ici. J' ai beaucoup de douleur à beaucoup de pigments et assez d'eau pour obtenir un bon transfert de ma brosse sur mon papier. Mais je ne vais pas à ce stade pour une technique de brosse sèche. Je vais vraiment commencer à ce stade. Et maintenant, j'ajoute une valeur deux plus foncée, le fond de ces plantes parce que ça va aider à les broyer un peu plus pour qu'elles n'aient pas l'air disjointes ou comme elles flottent. Ça leur donne un peu plus de profondeur. Bien sûr, être sûr de ne pas dominer les valeurs plus légères que j'avais appliquées. Laisser passer beaucoup de ces valeurs de lumière. Donc je suis un peu plus minimaliste avec ces valeurs plus sombres. Et souvent, quand j'ai besoin d'une valeur plus foncée sur un objet vert, c'est une bonne idée d'ajouter beaucoup plus lecture dans ce mélange parce que le rouge est la couleur complémentaire du vert. Et donc nous allons obtenir un beau contraste entre les verts et ensuite ces valeurs plus sombres. Et ça va aussi stimuler l'apparence des verts pour avoir un peu de rouge dans le mélange. Et ici, je commence à faire un peu plus de brosse sèche. Donc, je ne vais pas beaucoup dans mon eau. Seulement assez juste pour que la peinture soit plus malléable et puisse transférer de mon pinceau à ma peinture. Et j'y vais et je regarde certaines des crevasses dans le sol et encore une fois, ajoutant un peu plus de profondeur à certaines plantes juste à la base d'elles, juste pour leur donner un peu plus d'une base solide. Et c'est le moment où je vais commencer à évaluer les choses juste pour voir si j'atteint vraiment assez de profondeur. Si ce n'est pas le cas, commencez à penser à ce que je peux faire pour surmonter ça. 7. Projet 5 : lever du soleil sur le lac: À ce stade, j'espère vraiment que vous commencez à voir que peu importe la complexité du sujet, il s'agit vraiment d'appliquer ces techniques de base que nous avons déjà apprises. Et puis ces concepts de valeur et contrôle des bords qui peuvent vraiment faire ou casser votre peinture. Et si vous commencez à penser à la peinture que vous voulez faire en termes de première valeur et de bord suivant. Je pense que vous trouverez que vous pouvez très facilement simplifier n'importe quel sujet. Donc, pour ce projet, je veux faire une composition qui pourrait sembler un peu plus complexe juste pour le bien de cela a quelques sujets humains dedans. Et je veux vous montrer tout de suite que je fais le dessin, quel point vos dessins peuvent être simples. Donc je ne vais pas entrer et essayer de faire Ticulate principalement copier la forme exacte du bateau ou des gens. Je regarde essentiellement la taille du bateau et sa forme relative. Et même pour les gens, ce que je vais avoir, c'est un petit cercle où la tête va être et où se trouve le corps. Ce sera juste une sorte de rectangle. Et je vais juste l'incliner de la façon dont le corps est notre position et ça va vraiment être les bras ne sont vraiment rien de plus que quelques lignes. Et ce que j'aime à ajouter des chiffres à un tableau, surtout quand les chiffres sont en quelque sorte au loin, c'est qu'avec des marques très simples, nous pouvons vraiment créer l'impression des gens et nous pouvons même leur donner un sens de l'action très facilement. Et nous n'avons pas à nous soucier d'avoir une connaissance détaillée ou intime de l'anatomie humaine pour tirer ça, c'est très, très simple. Et nous voulons garder ça très lâche parce que ça donne beaucoup de vie à la peinture. J' espère que vous pouvez voir ces chiffres comme ils sont simplement dessinés. Je ne suis pas entré et dessiné petites courbures pour indiquer où sont leurs muscles ou quoi que ce soit du genre. Donc très, très simple. Et encore une fois, pour certains de ces points de rupture primaires où nous avons des bords, je suis très, très lâche et je peux être un peu plus sombre et lourd avec mon coup dans les bords où la valeur va être la plus sombre. Et en remontant, vous pouvez voir que j'utilise un coup beaucoup plus léger, moins de pression sur mon crayon pour que ces lignes ne soient pas trop sombres. Je ne vais pas dessiner un cercle pour le fils. Je vais vous montrer à la place, je pense qu'un moyen plus facile de peindre quelque chose comme ça, plutôt que de dessiner le cercle et d'essayer de peindre autour de ce cercle. Donc ce que je vais faire, c'est que je vais commencer avec juste une belle touche de jaune audacieuse. Et quand j'ai commencé ça, j'essayais de peindre un cercle, mais j'ai réalisé, tu sais quoi, je n'ai pas à faire ça. Donc, je vais juste prendre un peu de ce jaune et juste une sorte de là on y va. Fais juste un peu le bordel juste là parce que je vais faire le tour avec cette belle orange vif. La chose importante ici est que si vous voulez un joli bord dur pour indiquer où est votre fils, vous devrez d'abord sécher ce jaune pour que votre orange ne saigne pas dans le jaune. Mais honnêtement, vous pourriez aller dans les deux sens. Vous pourriez avoir un joli bord doux là-bas. Et ce fils aurait l'air un peu plus brumeux et il aurait toujours l'air très, très gentil. Donc ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai ajouté juste un peu de rouge à ce jaune. C' est toujours une valeur très légère. Et en fait, ce que je finirai par découvrir, c'est presque trop léger de valeur. J' ai besoin de plus de contraste entre ce ciel orange et le beau soleil jaune vif pour vraiment créer ce sentiment de lumière. Mais cela va faire pour l'instant. Encore une fois, comme je l'ai déjà dit, il est toujours préférable dans la peinture à l'aquarelle de se tromper du côté d'aller à la lumière, parce que nous pouvons toujours y aller avec des couleurs plus vives, valeurs plus sombres très, très facilement. Donc ici, j'ai ajouté un peu plus de rouge, mais je vais aller pour une couverture générale sur toute cette composition, entière parce que vraiment je pense à cela comme avoir tout vraiment se prélasser dans ces belles lumières chaudes. Donc je vais passer en revue toute la composition. Les chiffres vont être plus sombres. Donc, bien sûr, je n'ai pas besoin de laisser d'espace pour eux parce que je peux appliquer la valeur plus foncée juste au-dessus de toutes ces valeurs plus légères. Et j'ajoute même un peu de bleu dans ce mélange pour cette zone du ciel qui est un peu plus loin du soleil. Encore une fois, juste pour donner un peu de variation, je ne pense pas qu'il soit nécessaire d'essayer d'entrer et avoir la couverture la plus uniforme sur toute la peinture. Je pense que beaucoup de gens stressent à ce sujet. Un peu trop. Être capable d'obtenir un beau lavage uniforme. Mais dans la nature, on ne le voit presque jamais. Nous voyons toujours un peu de changements de couleur, des variations de valeur. Donc je pense qu'il est important juste d'être très expérimental, surtout à ce stade de la peinture où tout est vraiment un peu non engagement. Nous pouvons nous amuser beaucoup et être très lâches à ce stade de la peinture. Et cela ne va pas avoir un impact énorme sur le résultat final. Et l'impact qu'il a, je trouve généralement qu'il est universellement positif. Donc maintenant je vais entrer avec une valeur légèrement plus sombre pour les arbres les plus lointains qui sont en quelque sorte sur une colline lointaine là-bas. Ajouté un peu plus de bleu là-dedans. Mais encore une fois, typiquement avec une perspective atmosphérique, ce que nous allons voir, c'est que les objets en arrière-plan ont un ton plus frais ou plus bleu pour eux. Mais cela s'applique surtout aux peintures de jour. Pour un tableau comme celui-ci où il est tôt le matin, le soleil se lève et le ciel est très chaud. choses au loin vont avoir le même ton chaud. Donc nous ne voulons pas y retourner avec un tas de bleu pour ces arbres plus lointains parce que cela va créer beaucoup de contraste entre le ciel orange et ensuite quelques arbres bleus. Et cela va, encore une fois attirer notre attention sur la distance trop, créer trop d'un point focal involontaire là-bas. Et ça va se sentir un peu gênant. Il est donc important de remarquer que lorsque vous peignez, il y a quelques principes généraux. Comme je l'ai dit. manière générale, avec une perspective atmosphérique, les choses au loin vont avoir un aspect plus bleu et brumeux. Mais ce ne sera pas vrai quand on peint un lever de soleil ou un coucher de soleil. Et à mesure que je me rapproche des arbres plus au milieu du sol, je vais juste dans un peu plus avec cette violette, laissant beaucoup de rouges là-dedans. Encore une fois, parce que nous voulons que ces arbres ressemblent à un peu prélasser dans cette belle lumière du matin. Si vous regardez mon fils, vous pouvez voir que maintenant il y a des fleurs parce que j'ai essayé de retourner autour du soleil avec un peu de couleur blanche, donc il y a Bloom apparaît. Je n'en veux pas nécessairement, mais encore une fois, je ne vais pas m'inquiéter du tout. Dans la peinture à l'aquarelle, nous devons juste laisser les choses se passer comme elles vont le faire. Parce que plus nous retournerons avec notre pinceau et essayons de manipuler les choses par nous-mêmes, plus nous aurons des couleurs boueuses. Et il y a presque toujours un remède pour tout problème que vous pourriez rencontrer et qui vous semble vraiment être un problème. Malheureusement, parce que j'ai peint mon ciel à la lumière d'une valeur, j'ai vraiment besoin de revenir sur tout le ciel avec un orange rougeâtre plus vif. Alors maintenant, j'ai tout laissé sécher complètement et je peux y retourner et redéfinir le signe. Et parce que je passe en revue ces valeurs plus claires avec une valeur plus foncée qui a beaucoup plus de chroma ou de saturation en elle. Il est très facile de redéfinir ces bords et vous ne remarquerez même plus ces fleurs. Maintenant, en comparaison de la façon dont j'ai peint ce gars avant, ça semble vraiment dramatique. Mais j'ai réalisé que pour créer ce beau sentiment de luminosité dans le panneau, j'ai vraiment besoin d'avoir autant de contraste. Donc je vais être très courageux et très expérimental ici. Je vais juste faire un glaçage sur tout ce ciel avec ce mélange qui est principalement rouge, petit peu de jaune. Et alors que je me déplace vers les bords extérieurs du fils, je vais ajouter encore plus de saturation de lecture dans cette peinture. Et comme il est encore mouillé, ça va juste créer de très belles fusions. Et puis, comme un mouvement vers le bord de la peinture plus loin du soleil, j'ai juste ajouté un peu plus de bleu là-dedans pour donner un peu de variation. Et maintenant que j'ai réajusté le ciel, je dois aussi réajuster ces arbres les plus lointains. Donc, il suffit de retourner là-bas avec une valeur légèrement plus foncée et de vitrage juste au-dessus de ces arbres. Et donc parce que cette composition comprend le fils réel, le ciel qui l'entoure doit être une valeur plus sombre et cela va pousser un peu plus la valeur de l'ensemble de la peinture vers le bord sombre. Donc, quand j'arriverai aux arbres qui sont les plus proches du point de vue, je vais vraiment devoir faire beaucoup d'efforts pour construire la valeur. Donc, il fait assez sombre pour donner. Il contraste entre les deux. C' est moi dans ce genre d'arbres de milieu de gamme ici, que vous pouvez voir en ce moment, je peins assez sombre. Je laisse ces bords être un peu mous. Je n'ai pas séché ça depuis que j'ai peint les arbres les plus lointains, donc ceux-ci vont se fondre très bien ensemble. Et maintenant, j'ai aussi besoin d'avoir l'eau correspondant à l'intensité du ciel. Et c'est quelque chose que je pense quand on peint l'eau qui peut se sentir un peu intimidant. Souvent, les gens se sentent comme, surtout s'il y a un reflet dans l'eau, qu'ils doivent créer un duplicata exact à l'envers de tout ce qui est réfléchi. Mais je veux vraiment que tu penses à l'eau comme vraiment tu vas la peindre de la même façon que tu peindrais le ciel. Et donc ça va être une reproduction de ce que nous voyons dans le ciel, surtout si c'est encore de l'eau comme ce que nous avons ici. Donc je vais essayer de faire correspondre cette intensité de couleur à l'eau. Et pendant que ça sèche, je vais aller de l'avant et commencer à travailler sur certaines des valeurs les plus sombres. Donc beaucoup de bleu, beaucoup de rouge, minuscule peu de jaune pour le neutraliser. Donc ce n'est pas juste complètement violet. Et puis nous allons voir si ça va être une valeur assez sombre. Bien sûr, je veux m'assurer que tout est vraiment sec parce que voici où je veux que certains de mes bords plus durs ajoutent un peu plus de jaune parce que je peux déjà dire que je dois distinguer cette couleur et la valeur un peu plus de ces arbres de milieu de gamme. Et ça va être un petit défi ici. Je vais devoir utiliser beaucoup de pigments. Cela va essentiellement être une couche de base et je vais devoir construire une certaine valeur en plus de cela. Et cela, encore une fois, c'est une autre grande chose à propos de l'aquarelle. Pour que nous puissions créer une couche de base. peut que nous ne soyons pas en mesure d'obtenir une valeur aussi foncée que nécessaire tout de suite, mais en superposant notre pigment, nous allons être en mesure de créer une bonne impression d'une valeur sombre juste en superposant des pigments sur les pigments. Et au sommet de ces arbres, je laisse passer un peu plus de cette technique de brosse sèche et créer de belles lignes brisées pour les sommets de ces arbres. Et donc je ne vais pas aller par-dessus bord en termes de vie végétale que l'on peut voir piquer dans l'eau. Mais je veux donner un peu de sens de la vie végétale. Et donc j'utilise un pinceau sec juste pour ajouter une partie de cela, pas tout ce que je vois sur la photo, mais juste quelques indications sur l'endroit où certaines de ces hautes herbes apparaissent à travers l'eau. Parce que je pense que ça donne beaucoup de très beaux contextes. Et j'attends aussi que ces arbres de premier plan conduisent pour que je puisse superposer un peu plus de pigment et intensifier la valeur là-bas. Donc je vais aller de l'avant et utiliser le même mélange sombre pour commencer à bloquer dans l'arc dans les chiffres. Et une chose que vous pourriez remarquer est que si vous regardez de près la référence photo, qui vous est fourni à nouveau dans la section projet. Vous serez en mesure de déterminer que la couleur de l'arc est jaune. Mais cela ne veut pas dire que nous allons peindre ce jaune parce que le soleil est au loin, nous obtenons un effet rétro-éclairé sur toute cette composition, qui signifie que le bateau va réellement apparaître plus sombre en valeur que ce qu'un jaune permettrait. Donc on ne va pas peindre le bateau en jaune. Mais je pense que cela peut être très déroutant parce que nous sommes capables de regarder cela et de voir que c'est un bateau jaune. Mais cela ne se traduit pas nécessairement par sa couleur réelle. Donc, c'est la couleur réelle n'est pas la même que sa couleur locale. La couleur locale est jaune, mais la couleur réelle, parce que c' est un peu une silhouette, va être beaucoup plus sombre que ce que nous pourrions peindre, un jaune à b. Donc maintenant que ces arbres sont conduite, juste en les repassant avec plus de pigment, plus de brossage sec juste pour commencer à construire des valeurs plus sombres afin que nous puissions obtenir la quantité de contraste appropriée. Et vous pouvez voir que j'ai laissé les chiffres dans le bateau et le bateau lui-même très inachevés à ce stade parce que je bloque juste cette zone dedans. Et à ce stade, j'essaie juste de réfléchir à la façon d'aborder certaines de ces couleurs. Par exemple, les pêcheurs sur le bateau ou portant des gilets de sauvetage, ils sont très rouge vif. Je ne sais pas que je veux nécessairement les peindre cette couleur rouge vif vif parce que je veux vraiment que le point focal soit sur les chiffres dans leur ensemble et non sur la couleur de leurs gilets. Et chaque fois que nous ajoutons des figures humaines dans une composition, elles deviennent automatiquement les points focaux, même si elles sont très, très petites et non détaillées. C' est la façon dont notre cerveau humain fonctionne. Nous allons choisir des formes humaines et cela va attirer beaucoup de notre attention. Il est important de garder cela à l'esprit. Et je pense que cela va vous aider aussi à ne pas vous sentir comme si vous deviez entrer et créer une peinture très détaillée de ces figures. Parce que juste cette forme générale d'une forme humaine va attirer notre attention et notre cerveau peut juste automatiquement lire cela et comprendre ce qui se passe. Qu' il y a un élément humain là-dedans et que ça va attirer la plus grande partie de notre attention. Et notre cerveau va juste lire cela comme information importante parce que c'est la forme générale des humains. Donc, nous n'avons certainement pas besoin de nous soucier d'ajouter beaucoup de détails ou de porter trop d'attention à ce domaine. Parce que nous voulons qu'il se lise comme une sorte de récit ici. Nous voulons réfléchir davantage à la sensation ou à l'humeur de la peinture puis à un portrait détaillé de deux pêcheurs sortis tôt le matin. Donc c'est juste un rappel pour garder votre esprit sur la situation générale et ne pas être trop enveloppé dans ces détails. Donc maintenant, nous avons essentiellement mis les pêcheurs en place. Je pourrais y apporter quelques ajustements supplémentaires au fur et à mesure que nous irons. Une chose que j'ai décidé de faire est de briser ce rivage ici pour qu'il ne soit pas complètement droit de l'autre côté. Donc, ici sur la main gauche, juste en bas un peu pour que nous ayons plus d'un rivage brisé, pas seulement une ligne d'horizon droite. Et j'ai réalisé aussi, que dans beaucoup d'autres peintures que j'ai faites pour ce cours, nous avions juste une ligne d' horizon droite autre que peut-être la peinture du Grand Canyon. Donc je voulais juste briser ça un peu, le faire tomber un peu. Et maintenant, je vais ajouter un peu plus d'un pigment sombre. Donc, juste quelques zones des pêcheurs, principalement les têtes, puis les bras, puis une partie du détail dans les gilets de sauvetage. Parce que je pense que cela donne un peu plus de contextes que ce sont des gilets de sauvetage et pas seulement des chemises rouges. Donc je pense que nous allons dire que cela est fait à ce stade et nous allons aller de l'avant et juste regarder de plus près comment cela s'est passé. Et j'espère vraiment que vous pouvez voir que même si tout ce que nous avons fait était basé sur toutes ces techniques simples que nous avons apprises dans la première partie de cette série. Et puis nous nous sommes concentrés sur nos valeurs et nos limites. Nous avons pu communiquer une image très complète. Et l'élément humain rend automatiquement une composition un peu plus intéressante pour nous les humains, et ajoute une sorte de sens de la narration, je pense, à la composition globale. Ne vous sentez donc pas intimidé d'ajouter de petites figures au premier plan ou même au milieu de vos tableaux. Vous n'avez certainement pas besoin d'être un expert en anatomie humaine pour ajouter fondamentalement des petites figures de bâton dans votre tableau. Et cela crée tellement de contexte et rend la peinture beaucoup plus intéressante. 8. Conclusion: Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' apprécie vraiment ça. J' espère vraiment voir vos projets en peinture dans la section projet de ce cours. Et encore une fois, si vous avez des questions ou si vous avez besoin de précisions, hésitez pas à poster toutes les questions que vous avez dans la section de discussion de ce cours. Et n'oubliez pas de consulter mon catalogue d'autres cours de peinture ici sur le partage de compétences, vous trouverez beaucoup d'informations et j'ajoute toujours de nouveaux cours, alors assurez-vous de me suivre. Et comme toujours, la peinture heureuse.