Portraits à l'aquarelle - Atmosphère dynamique et teints de peau fantaisie | Arleesha Yetzer | Skillshare
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Portraits à l'aquarelle - Atmosphère dynamique et teints de peau fantaisie

teacher avatar Arleesha Yetzer, Watercolor Illustrator & YouTube Artist

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Introduction

      0:46

    • 2.

      Matériaux

      1:49

    • 3.

      Mélange des couleurs pour la peau

      3:48

    • 4.

      Concevoir des palettes de couleurs

      3:32

    • 5.

      De l'importance de l'ébauche de miniatures

      3:36

    • 6.

      EXEMPLE 1 : croquis et définition de l'humeur

      4:34

    • 7.

      EXEMPLE 1 : Ajouter du contraste

      5:13

    • 8.

      EXEMPLE 1 : Touches de finition

      2:47

    • 9.

      EXEMPLE 2 : croquis et atmosphère

      6:15

    • 10.

      EXEMPLE 2 : Ajouter du contraste et de la structure

      7:16

    • 11.

      EXEMPLE 2 : Derniers détails

      3:08

  • --
  • Niveau débutant
  • Niveau intermédiaire
  • Niveau avancé
  • Tous niveaux

Généré par la communauté

Le niveau est déterminé par l'opinion majoritaire des apprenants qui ont évalué ce cours. La recommandation de l'enseignant est affichée jusqu'à ce qu'au moins 5 réponses d'apprenants soient collectées.

8 707

apprenants

100

projets

À propos de ce cours

Le portrait à l'aquarelle permet de faire ressortir la beauté et les expressions. Dans ce cours, je présente quelques techniques pour flouter les différentes tonalités de la peau, et concevoir une palette de couleurs cohérentes. Je vous guide étape par étape pour préparer et concevoir des portraits à l'aquarelle aériens aux couleurs vives. 

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Teacher Profile Image

Arleesha Yetzer

Watercolor Illustrator & YouTube Artist

Enseignant·e

Arleesha is a watercolor artist and YouTube creator based in the northeastern United States. Her work primarily features dynamic and whimsical representations of the human figure. Primary professional endeavors include her budding YouTube channel with a current subscriber community of over 100 thousand as well as this growing library of Skillshare classes!

Here, you'll find classes on anatomy, figure drawing, and watercolor techniques - all directed to help you improve your portrayals of the human figure. 

If you'd like to connect with me and see more of my work, you can follow me on Instagram or check out my YouTube channel, where I post videos every week. 

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Level: Intermediate

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Transcription

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Alisha Yates et je suis illustrateur aquarelle et artiste YouTube. Les portraits à l'aquarelle sont ma passion, donc je suis très heureux de partager ce cours avec vous. Portraits à l'aquarelle, atmosphère dynamique et tons de peau fantaisistes. Nous allons parler brièvement des matériaux dont vous aurez besoin avant de commencer à mélanger les tons de peau et à créer des palettes de couleurs uniques et vibrantes. Nous allons passer du temps à parler de la création de valeurs efficaces avec croquis miniatures avant de plonger dans notre projet de classe, où je vais diviser mon processus de peinture de portrait en étapes et vous parler à travers chacun d'eux. Donc, si vous êtes prêt à expérimenter avec de beaux portraits d'aquarelle lâches , commençons. 2. Matériaux: Commençons par parler de matériaux, ce que je recommande, et de quelques choses que j'aime vraiment. En commençant par deux récipients d'eau. La raison pour laquelle je recommande deux au lieu d'un seul, c' est que l'un va agir comme notre eau sale pour les rinçages initiaux, et l'autre va rester propre pour nous permettre mélanger de nouvelles couleurs sans les contaminer ; et il vous donne un peu plus de temps avant d'avoir à vous procurer de l'eau fraîche. Bien sûr, nous allons vouloir avoir un carnet de croquis et des crayons pour faire tomber les idées. J' ai cet ensemble de crayons à croquis de Staedtler ou Staedtler avec différents harnais. Ceux-ci vont vous permettre d'obtenir une plus grande variété de tons sombres à clairs. Mais si tout ce que vous avez est un crayon HB numéro 2 standard, cela va faire le travail, si c'est tout ce que vous avez à portée de main. J' ai aussi du papier aquarelle bon marché ici, ainsi que mon pinceau préféré. Maintenant, ce n'est pas un secret que les pinceaux viennent dans une tonne de tailles, de formes et de styles différents. Alors que la collecte de différents types peut être amusant, tout ce dont vous avez vraiment besoin est une bonne brosse ronde de taille moyenne. Vraiment, vous serez surpris de ce qu'une brosse ronde de bonne qualité peut faire pour vous. J' ai cette petite boîte ici de couleurs primaires de différentes marques. Il est également très pratique pour ranger une petite brosse de voyage et je peux l'emmener partout où je vais. On va parler du mélange des primaires, d'abord. J' utiliserai aussi mon plus grand ensemble d' aquarelles Sennelier et quelques serviettes en papier et nous sommes prêts à commencer. Si vous souhaitez en savoir plus sur l'un de ces matériaux, j'aurai des liens vers autant que possible dans la section à propos de cette classe. Bon, commençons. 3. Mélange des couleurs pour la peau: On va parler de mélanger les tons de peau. Nous commencerons par le rouge, le jaune et le bleu. Après cela, je vais partager avec vous quelques-unes de mes couleurs prémélangées ou préfabriquées préférées pour la peau. La plupart des tons de peau ont tendance à se ramifier d'une sorte de zone orangée, alors commençons par là. Votre peau va probablement varier vers un rose ou un brun. Comment on y arrive ? Commençons par cette base orangée. Selon la façon dont vous envisagez de styliser votre portrait, cela pourrait fonctionner mais si nous voulions quelque chose de plus désaturé, comment y arriverons-nous ? Si vous regardez une roue de couleur, vous remarquez que directement en face de l'orange est bleu, donc en ajoutant le complément ou la couleur opposée à n'importe quelle couleur vous désaturez cette couleur. Maintenant qu'on a un peu tonifié ça, ça ressemble beaucoup plus à la peau. Il est temps d'expérimenter. Peut-être que vous voulez une couleur de base un peu plus chaude, un peu plus marron. Ça a l'air sympa. En ajoutant une touche de rouge à cette couleur spécifique, nous aurions un fard à joues que nous pourrions utiliser dans cette palette particulière pour les zones de flux sanguin plus élevé comme les joues ou le nez ou les oreilles et des choses comme ça. Soyez prudent en ajoutant du rouge car il peut facilement dominer vos autres couleurs. Ajouter un petit peu de bleu à ce mélange nous donnera une belle couleur pourpre que nous pouvons utiliser pour les ombres et les zones plus sombres dans cette même palette. Continuez à jouer, remplissez une page avec différentes combinaisons de ces couleurs et voyez ce que vous pouvez faire. sombre, plus léger, plus chaud, plus frais. Les possibilités sont presque infinies. Commencez par la tonalité de base que vous aimez et ajoutez un peu de rouge et un peu de bleu à cette couleur pour obtenir des variations dans cette palette. Cette expérience va grandement approfondir votre compréhension du mélange de couleurs. Après cela, nous pouvons jeter un oeil à quelques tons prémélangés. Mais comme vous pouvez le voir, seulement les primaires elles-mêmes peuvent nous donner une très large gamme de différents tons de peau et il ne doit pas nécessairement être dans un type spécifique d'ethnicité ou quelque chose du genre. Avec seulement le rouge, le jaune et le bleu, sans doute nos couleurs primaires, nous pouvons faire à peu près n'importe quoi. En ce qui concerne les tons prémix, j'ai quelques favoris. En commençant par celui-ci, c'est le jaune de Naples profond. C' est une belle couleur chaude. C' est une très belle base jaunâtre pour la peau. J' aime aussi vraiment la sienne crue. C' est un très beau brun transparent qui fonctionne très bien pour mélanger avec d'autres couleurs. Ceci est brun transparent : une belle valeur brun plus foncé pour obtenir des tons de peau plus foncés. Cette belle pourpre s'appelle caput mortum. Même si ça sonne comme quelque chose qui est mort, c'est un beau violet pour les ombres. Comme un rouge, j'aime vraiment alizarin cramoisi. C' est une belle couleur claire, rapide, transparente qui a déjà un peu de désaturation et fonctionne vraiment bien en ajoutant à d'autres palettes. Vous pouvez voir ici qu'en ajoutant une deuxième couche de la même couleur dans cette marque particulière, nous pouvons vraiment augmenter le dynamisme, mais toute bonne aquarelle transparente va se comporter de la même manière. Ce sont quelques tons que j'ai mélangés de mes tons prémélange comme le jaune de Naples, sienne brute, le caput mortum. Toutes ces couleurs différentes ont été mélangées à partir de couleurs comme celles-ci. Ensuite, nous allons parler de prendre ces couleurs et de créer des palettes de couleurs harmonieuses basées sur l'atmosphère et le sujet. 4. Concevoir des palettes de couleurs: Maintenant que nous savons comment faire des tons de peau, prenons cette connaissance et appliquons-la à la création palettes de couleurs uniques pour nos portraits. Personnellement, j'aime travailler avec ces formes de cercle ici lors de tests de couleurs. Vous pouvez dessiner vos propres cercles sur du papier aquarelle et suivre. Ces nombreuses palettes vont être divisées en trois couleurs différentes. Un ton de base, un fard à joues et un ton d'ombre. Dans ce cas précis, je commence par le ton de fard à joues. Le concept général ici est d'avoir vos trois couleurs disposées les unes à côté des autres pour voir comment les couleurs ressemblent réellement ensemble. N' oubliez pas d'appliquer toutes les choses que nous avons apprises dans le dernier segment. Basez vos couleurs les unes sur les autres. Pour créer ma tonalité de base, j'ai mélangé une partie de mon ton fard à joues, et pour créer mon ton d'ombre, j'ai fait la même chose. Cela aide à garder nos couleurs plus cohésives quand elles ont des morceaux les uns des autres en eux. J' aime aussi avoir des petits échantillons à côté de mon cercle. Si les couleurs mélangent le tout à l'intérieur du cercle, j'ai les différents ensemble, séparément, donc je sais ce que j'y ai mis. Ce second est une palette plus fraîche. J' ai vraiment aimé ce ton violet et j'ai décidé au lieu de l'utiliser comme une ombre, j'allais l'utiliser comme mon ton fard à joues. Voici une autre technique, si vous mouillez tout le cercle, vos couleurs se mélangeront un peu mieux, et vous aurez un peu plus d'une idée de ce à quoi ressembleront les couleurs quand elles se touchent, quand ils se mélangent et quand ils commencent à se mélanger sur le papier. Je recommande fortement d'expérimenter avec beaucoup de combinaisons de couleurs différentes. Parfois comme celui-ci, vos couleurs peuvent être basées sur la température. Peut-être que je veux quelque chose de vraiment cool avec beaucoup de bleus et de violets. Ne vous inquiétez pas trop du réalisme ici. Il s'agit d'expérimenter. Ou si je veux quelque chose de plus chaud, je pourrais choisir une couleur de base comme Quinacridone, Or ou Sienne brute. N' ayez pas l'impression de devoir suivre une mise en page spécifique lorsque vous assemblez vos couleurs. L' important est d'avoir un petit espace où les couleurs peuvent interagir les unes avec les autres, et vous pouvez avoir un aperçu à l'avance de ce à quoi elles vont ressembler. Aussi, ne vous sentez pas que vous êtes des ombres doivent toujours être la même température. Dans les précédentes, mes ombres ont été des tons violets plus froids. Ici, j'ai réchauffé cette ombre avec une ombre brûlée et j'aime vraiment la façon dont elle a l'air quand elle interagit avec cette couleur rougeâtre. Remplissez autant de cercles que vous le souhaitez. C' est le moment de voir à quoi ressemblent vos couleurs. Vous pouvez choisir des couleurs en fonction de l'humeur, la température, ou tout simplement commencer avec une couleur que vous aimez vraiment et construisez à partir de là. Votre couleur de base sera souvent un peu plus chaude ou plus vive, quelque chose qui représente la couleur naturelle de la peau. Alors que vos ombres peuvent être plus chaudes comme un rouge ou rose, ou plus fraîches comme un bleu ou un violet. n'y a pas de règles quand il s'agit de ces expériences. Il suffit de rassembler les couleurs et de voir comment vous aimez la façon dont elles interagissent les unes avec les autres. Je ne fais que six exemples différents ici, mais plus vous en faites, mieux c'est. Si vous faites vos cercles un peu plus petits, vous pouvez en placer plus de six sur une seule page. Profitez du processus. Apprenez-en plus sur vos peintures à l'aquarelle et découvrez comment les couleurs interagissent les unes avec les autres. N' hésitez pas à prendre votre temps avec cette étape car c'est vraiment un bon processus de remue-méninges pour créer une palette de couleurs qui est cohésive, harmonieuse et vraiment agréable silice. 5. De l'importance de l'ébauche de miniatures: Nous sommes prêts à sauter dans nos portraits. Mais avant de le faire, mettons nos peintures de côté et travaillons sur des croquis de vignettes de valeur. C' est là que ces crayons de croquis seront certainement utiles. Je vais référencer mes conseils Pinterest pour ces petites études. Vous pouvez trouver un lien vers ces liens dans la section À propos. Dans le cadre de cet exercice, je vais me concentrer sur les images en noir et blanc. Cela facilitera la décomposition des zones claires et sombres de notre sujet. L' utilisation de références comme celle-ci est idéale pour les études. Mais rappelez-vous que ces photos appartiennent aux personnes qui les ont prises. Donc c'est juste pour l'entraînement. Comme vous pouvez le voir, un autre élément clé de cet exercice est de garder vos croquis petits. Ce carnet de croquis mesure environ 7 x 10 pouces. Donc celui-ci n'a que quelques centimètres de haut. C' est pour ça qu'on les appelle des vignettes. On va en faire deux et ils vont tous être assez petits. Ce que je veux vraiment me concentrer ici, ce sont les plus grands blocs de zones claires et sombres. Je ne pense pas vraiment à dessiner une fille devant un mur. Je me concentre sur les formes géométriques d'ombre et de lumière, sculptant les tons moyens et les reflets de mon ombre. Vous pouvez voir que la première couche d'ombre se mélange avec les cheveux, la chemise et le côté du visage qui est dans l'ombre. Cela nous aide à nous souvenir de notre source de lumière et de nos valeurs. Alors essayez de ne pas penser à dessiner un œil et des cheveux, etc. Pensez-y plus comme découper la lumière et l'ombre en gros morceaux, puis sculpter plus profondément pour les zones qui sont encore plus sombres. Ne vous inquiétez pas trop des proportions et de rendre tout parfait. Il s'agit vraiment de comprendre comment l'équilibre des valeurs peut aider à affecter le ton de l'ensemble de la pièce. Dans le second, je voulais très tôt couvrir toute la zone dans un ton moyen léger et effacer plus tard quelques taches plus légères avec ma gomme malaxée. L' objectif ici n'est évidemment pas d'essayer d'obtenir des proportions super précises. Nous voulons juste mieux comprendre comment la valeur et la composition travaillent ensemble pour créer de l'humeur et de l'atmosphère. Comme vous pouvez le voir sur le second, il y a une grande partie du haut de la tête et du visage qui est à peu près tout dans l'ombre, ainsi que la partie inférieure des vêtements. En changeant de dureté différente des crayons de croquis, je suis capable d'obtenir une plus grande variété de tons pour ces petites vignettes. Le troisième que je fais référence ici est en fait un peu plus d'un gros plan et il y a beaucoup d'ombre dans celui-ci. Ce que vous allez pouvoir voir tout de suite, c'est comment la quantité d'obscurité donne un effet très dramatique. obscurité couvre l'ensemble de l'arrière-plan ainsi que la moitié du visage. Le côté ombragé du visage se fond vraiment juste dans l'arrière-plan. Ce que vous allez voir dans l'ensemble, c'est faire ces petits exercices va vous aider à mieux établir l'humeur et l' atmosphère et vraiment avoir une meilleure maîtrise des valeurs avant de sauter dans des choses comme ça avec la couleur. Faites autant de ces petits croquis que vous le souhaitez. Comme avec tous les autres exercices que nous avons pratiqués pendant ce cours, c'est certainement une excellente idée de commencer à assembler les choses ensemble et à faire un projet de classe. Je suis sûr que moi-même, ainsi que les autres élèves de la classe aimerions voir comment vous assemblez toutes ces choses. N' ayez donc pas peur de partager vos progrès et laissez-nous voir ce sur quoi vous travailliez, ainsi que de partager vos questions. 6. EXEMPLE 1 : croquis et définition de l'humeur: Maintenant, nous sommes prêts à commencer notre projet de classe et à parler de croquis et de créer de l'ambiance pour notre portrait à l'aquarelle. La première chose que je vais faire ici est de m'installer pour commencer à peindre. J' ai mon papier aquarelle ici et mon ruban adhésif, et je vais aller de l'avant et enregistrer ça dans un presse-papiers. Clipboards sont très pratiques car vous pouvez les utiliser encore et encore et les déplacer pendant que vous peignez. Ce que je vous montre ici, ce sont quelques pages de mon carnet de croquis que je viens de parcourir en préparation de ce tableau. J' ai fait beaucoup de différents petits croquis miniatures, choses pour la valeur et différents éléments que je pensais vouloir inclure dans la pièce, en plus de tester quelques couleurs différentes. Pour notre esquisse ici, vous pouvez voir que j'utilise une autre de mes références Pinterest en noir et blanc. Encore une fois, mon objectif n'est pas nécessairement de dessiner ce que je vois, une fille debout, inclinée d'un côté avec une ombre sur son visage. Bien sûr, oui, c'est mon but. Ce sont les choses que je garde à l'esprit. Mais en esquissant, je pense aux formes. Je pense à la forme de son œil, la forme des ombres, la forme de la lumière, et je m'assure que ces choses sont représentées avec précision, ainsi qu'à essayer de garder les proportions du visage comme précis que possible. Je n'essaie pas nécessairement de créer une dernière pièce finie dans mon croquis. Ce serait redondant parce que je veux affiner beaucoup de mes valeurs, les formes et l'humeur de la composition et des choses comme ça pendant que je peins. Le dessin et la peinture peuvent être des choses très différentes. Si vous créez et dessinez, vous allez probablement vous concentrer plus de temps sur le rendu avec votre crayon, tout de suite, et quand je peins, le but du crayon est de créer un cadre pour moi. Son but est d'établir des lignes directrices parce que le travail va se produire lorsque nous commencerons à peindre. Pour commencer notre peinture, je vais aller de l'avant et commencer par notre histoire. Cela va vraiment aider à établir l'humeur un peu plus et me donner un meilleur juge pour nos valeurs qui vont de l'avant. En ayant autre chose que le blanc de la page quand je commence à travailler, surtout sur la peau, ça va être vraiment utile pour que mes tons de peau ne finissent pas trop clairs parce que la seule chose à laquelle je dois les comparer, est le blanc de la page. J' utilise une brosse de calligraphie plus grande ici parce qu'elle contient plus d'eau et il est vraiment utile de m'aider à couvrir de plus grandes surfaces. Ce que je vais faire, c'est que je pose dans ce fond de couleur verte, puis que je floue ces bords avec de l'eau pour créer un effet de lumière douce. J' utilise aussi quelques nuances de vert. Ce que cela va me permettre de faire est de créer des pools de couleurs plus sombres dans les zones sombres des ombres afin qu'elles ne soient pas toutes la même valeur. Il ajoute un peu plus de contraste et juste un peu plus d'intérêt à l'ensemble de la pièce. Avec les aquarelles en général, surtout dans ces premières couches, vous pouvez aller dans un peu plus lourd, surtout lorsque vous travaillez avec une peinture humide parce que la couleur se disperse et sèche aussi, juste un peu plus léger. Au fur et à mesure que nous pénétrons dans notre peau, j'ai mouillé la majeure partie de la zone avec de l'eau avant de commencer à appliquer ma peinture. Aussi, encore une fois, même chose, certaines de ces couleurs quand elles sont couchées, peuvent sembler beaucoup trop brillantes et trop décalées, mais une fois que nous les avons emmenés à leur place et que la peinture sèche, vous allez pour remarquer qu'ils s'étalent vraiment très bien, et tout d'un coup ils ont l'air super légers et vous pouvez dire que nous allons avoir besoin de plus de couches pour construire notre contraste. Cette couleur que j'utilise est une belle orange chaude. Je crois que la couleur spécifique est appelée orange chinoise, et c'est vraiment agréable pour la pose dans quelques belles couleurs chaudes blush. Je suis entré avec un ton légèrement plus frais, presque violet pour commencer à travailler sur mes ombres. La même chose que nous ferions avec notre crayon à croquis. Vous pourriez utiliser un crayon plus léger et ombre toute une zone qui était dans l'ombre, j'utilise cette valeur plus légère et la pose sur toutes les zones que je veux être plus dans l'ombre. Nous allons définir des tons plus spécifiques et de légers changements de valeur un peu plus tard, mais pour l'instant, je veux vraiment me concentrer sur l'établissement de l'ambiance de notre pièce. Avec cette grande ombre coulée et cette zone d'ombre sous ses cheveux, j'ai vraiment voulu établir ces choses d'abord et aller de l'avant avec elles dans le futur. J' ai un peu de variance dans mes couleurs chaudes et fraîches à ce stade, mais pas vraiment une tonne. 7. EXEMPLE 1 : Ajouter du contraste: D' accord, on a nos premières couches. Allons de l'avant et travaillons sur le contraste de construction. C' est la partie de la peinture où vous voulez vraiment commencer à penser comme un sculpteur. Ce que je veux dire par là, c'est que tu veux commencer à tailler les plans du visage. Alors maintenant, je veux commencer à penser plus en détail sur les endroits qui vont être dans les ombres plus profondes, comme les narines, sous les yeux, le haut du cou où le menton jette encore plus d'ombre, et je veux commencer à vraiment commencer à penser aux différences dans mes zones d'ombre et de lumière globales parce qu'elles ne seront pas toutes exactement les mêmes. Une chose que je veux essayer de garder à l'esprit pendant que je travaille sur cette zone d'ombre, et vous me verrez lutter un peu, c' est que les zones qui sont dans l'ombre ont tendance à être un peu moins concentrées en général. Alors que je pose beaucoup de valeurs d'ombre, je ne veux pas qu'il y ait une tonne de lignes dures dans mon ombre globale. Par exemple, en ce moment, et vous me verrez travailler dessus quelques fois tout au long de la pièce, il y a une ombre dure où son visage se termine et ses cheveux commencent. Je ne veux pas vraiment que cette ombre dure soit là, en fin de compte. L' avion qui est dans l'ombre, tout se brouille ensemble. C' est toute cette idée de quand il fait noir, on ne voit pas aussi bien. Je ne veux pas que ces zones soient définies même si elles sont toutes là. Bien sûr, son visage le fait, et ses cheveux commencent, et c'est une différence très nette. Mais je veux la garder douce, garder subtile parce qu'on peint. Nous ne sommes pas seulement en train de créer quelque chose de réaliste, nous essayons de donner l'atmosphère de lumière et d'ombre. Je veux aussi garder à l'esprit mes objectifs pour l'ambiance générale de cette pièce. J' ai mis beaucoup de couleurs chaudes jusqu'à ce point et j'aimerais vraiment le garder de cette façon. J' aimerais garder ça comme quelque chose de chaud et d'été, peut-être parce que c'est le milieu de l'hiver maintenant. Il y a des tonnes de neige dehors et je rêve de jours plus chauds. Mais de toute façon, je veux vraiment garder mes objectifs généraux pour cette pièce à l'esprit pendant que je travaille. L' une des meilleures façons de garder votre ombre douce est de garder toute la zone humide pendant que vous travaillez. Cela peut être vraiment utile pour aider vos couleurs à se fondre un peu ensemble tout en gardant les différentes valeurs séparées les unes des autres. Tu me verras sortir mon outil de chauffage de temps en temps. C' est quelque chose que j'aime vraiment utiliser pour accélérer mon temps de séchage, donc je n'ai pas à attendre aussi longtemps que les différentes couches sèchent. C' est un outil de gaufrage et bien sûr, il sera ainsi que tous les autres matériaux que j'utilise, énumérés dans la section à propos de la classe. Lorsque je construis couche après couche, je veux garder à l'esprit les couleurs sur lesquelles je superpose. Si je change trop et que les couleurs deviennent trop séparées les unes des autres sur la roue de couleur, donc plus je me rapproche des couleurs complémentaires. Rappelez-vous que le mélange d'une couleur avec son complément désaturera la couleur, rendant finalement brun. Si je pose deux couleurs trop différentes les unes sur les autres, ça va vraiment bousiller mes valeurs et ça ne va pas être aussi agréable dans l'ensemble. Je perdrai cette chaleur et je finirai avec quelque chose qui air boueux et sale et bien trop surchargé. À ce stade de la peinture, c'est toujours l'étape préoccupée pour moi où vous commencez à ajouter du contraste, mais ce n'est pas tout à fait ensemble. Mais ne vous inquiétez pas, la plupart des peintures ont des scènes comme ça. Continuez à travailler, continuez à construire, continuez à sculpter, et vous y arriverez. Une fois arrivé au point où je commençais à ajouter un peu plus de mes valeurs rouges pour renforcer les zones blushy et que je prenais vraiment dans mes sombres sombres pour les ombres, j'ai commencé à me sentir beaucoup mieux sur la peinture globale. Dans cette étape, rappelez-vous, l'accent est de construire un contraste. Sculptez vos caractéristiques, pensez à la façon dont les différentes parties du visage sont confrontées. Par exemple, même si l'un des côtés de son visage n'est pas de l'ombre, nous pouvons voir qu'il y a un peu de lumière qui attrape son œil parce que cette rondeur de l'œil est en fait orientée vers la lumière et est un peu soulevée. J' ai essayé de garder un peu plus d'un point culminant. Quand je travaille avec des aquarelles, j'aime travailler doucement au début. Donc avoir beaucoup d'humidité et avoir les couleurs se fondre ensemble. Plus je couche, plus j'aime laisser ces bords durs un peu plus, pour définir les plans un peu plus, et ça lui donne un look plus abstrait. C' est totalement à toi de décider. Vous obtiendrez quelque chose de plus réaliste si vous mélangez vos bords plus et gardez tout vraiment doux parce qu'il n'y a évidemment pas de lignes vraiment dures entre les différentes couleurs dans un portrait réaliste. Mais j'aime vraiment inclure des lignes plus dures car cela me permet d'apprécier la texture de l'aquarelle un peu plus et cela crée des effets vraiment intéressants qui sont agréables à regarder. Mais nous avons toujours ces différences dans les plans et les différences de couleur, et vous pouvez toujours voir toutes ces choses vraiment clairement. Une fois que nous avons construit notre contraste, nous allons travailler sur quelques touches de finition et faire les dernières choses sur lesquelles nous devons travailler pour regrouper la pièce. 8. EXEMPLE 1 : Touches de finition: Tu as atteint la dernière étape, la dernière poussée. C' est l'heure de nos finitions. Ce sont les dernières choses que nous allons faire pour rassembler notre pièce et nous assurer que tout est comme nous le voulons. Pour moi, cela signifiait commencer par ajouter une partie de ce feuillage que j'avais en tête que vous vous souvenez avoir vu de mon carnet de croquis. Maintenant, je ne les ai pas inclus dans mon croquis initial pour ce tableau parce que je voulais qu'ils soient spontanés. Je voulais qu'ils soient des coups de pinceau organiques qui ne devaient pas vraiment représenter un feuillage spécifique, types spécifiques de plantes ou de fleurs ou quoi que ce soit du genre. Je voulais pouvoir être lâche avec eux sans me sentir trop contraint. J' avais vraiment essayé de sculpter et de construire quand il était venu dans les plaines du visage. Je voulais que cela soit un peu plus lâche dans l'ensemble de la peinture. Je suis vraiment content d'avoir travaillé comme ça. Je voulais incorporer plus de vert autour de son visage aussi. Nous l'avions en arrière-plan, mais je n'avais pas vraiment de vert au premier plan ou autour du personnage lui-même. En incluant cette couleur dans le personnage, cela contribue à rendre la palette plus cohésive. En ajoutant des couleurs à différentes parties de la peinture, vous pouvez vraiment aider à tout rassembler et renforcer le fait que ces différentes pièces appartiennent ensemble. Tout ce que j'avais à faire était d'y aller et d'ajouter un peu plus de contraste et un peu plus de définition à ces domaines aussi. Nous pouvons utiliser ce même outil de mélange de couleurs à notre avantage en ajoutant un peu de jaune à sa peau ainsi qu'à son visage. Cela va aider le contexte et le sujet à devenir plus cohérent. Comme s'ils appartenaient ensemble, comme les différentes couleurs de cette peinture étaient censées se produire ensemble. Garder ses couleurs trop séparées peut parfois donner impression qu'elle n'appartient pas à cet environnement. Ou comme si les choses ne se mélangeaient pas vraiment. Avec cela, nous avons un portrait d'aquarelle fini. J' espère que vous avez aimé regarder ce cours. La dernière étape, bien sûr, est toujours de retirer notre bande et de signer notre peinture. J' espère que vous avez apprécié ce processus avec moi aussi. Ça a été très amusant de partager ça avec toi. J' ai hâte de jeter un coup d'oeil à vos projets, pour voir quelles peintures vous ferez. S' il vous plaît partagez-les avec nous. Nous aimerions voir quelles peintures vous allez assembler. Parce que tout ce que vous allez faire sera unique et il sera vraiment intéressant de voir comment les projets de chacun varient les uns des autres. Merci beaucoup d'avoir pris le temps de vérifier ce cours, et je vous verrai dans le prochain. Joyeux tableau. 9. EXEMPLE 2 : croquis et atmosphère: Avec tous nos outils fondamentaux en place, nous sommes prêts à commencer notre projet de classe. J' ai mon image de référence de choix ici. Vous le voyez en couleur, mais dans un instant, nous deviendrons rouge et noir et blanc, comme nous l' avons été lors de la création de nos esquisses miniatures. J' ai aussi fait un petit croquis de miniatures. Celle-ci est un peu plus détaillée que ce que j'ai d'habitude avec mes croquis miniatures. Je sais si juste en parle, mais c'était aussi un peu d'exercice d'échauffement pour moi. J' ai fait quelques notes sur le côté sur ce que je voulais passer de cette miniature à la dernière pièce. Quand je travaillerai sur mes croquis, vous remarquerez quelques choses. J' ai un bloc d'aquarelle ici donc il est gommé sur le côté, donc je n'ai pas à m'inquiéter de la déformation et de la flexion du papier. Je le tiens à un peu d'angle pour ne pas le voir à un angle incliné comme si c'était plat sur la table et que je faisais des croquis. Vous remarquerez également que j'ai commencé avec la forme globale de la tête avant d'entrer en place l'une de mes caractéristiques. Vous voulez y penser un peu comme sculpter. Si vous aviez un morceau d'argile géant et que vous vouliez sculpter une tête, vous ne commencerez pas par plonger dans un endroit précis et sculpter un œil, alors vous devrez juste travailler en arrière pour obtenir la forme globale de la tête, donc c'est là que je commence . Je commence avec la plus grande forme des cheveux et de la tête, et une fois que je suis heureux avec cela, je commence à sculpter dans cette pièce plus grande pour créer les caractéristiques, commençant par les caractéristiques qui ont tendance à dépasser et à dépasser le plus, à savoir les oreilles, et le nez. Une fois qu'ils sont placés, j'ai quelques bons points de repère pour obtenir les autres caractéristiques dans les endroits où ils appartiennent. Je fais la bouche suivante et généralement tendance à laisser les yeux pour le dernier. Dans les portraits, les yeux ont généralement tendance à être les points focaux. Je veux m'assurer que j'ai une bonne base solide pour les placer sur, assurer que toutes mes autres fonctionnalités sont correctement placées, et puis je suis heureux avec l'angle de la tête, est vraiment important. Je ne veux pas dessiner une paire d'yeux que j'aime sur une mauvaise base ou une tête mal dessinée. Vous remarquerez avec ce croquis particulier que j'ai effectivement effacé et redessiné les yeux plusieurs fois. J' avais des problèmes à les placer au bon endroit, avec mon petit croquis miniature. Je les avais mis trop bas et ils étaient un peu trop grands, donc mon personnage ressemblait à un enfant. C' est très amusant, mais ce n'était pas ce que j'allais faire pour cette pièce en particulier. En travaillant sur ce dernier croquis, les yeux étaient un peu trop petits, et un peu trop haut au début, donc le personnage avait l'air un peu trop vieux. J' essayais de trouver un équilibre au milieu. J' en suis arrivé à un point où j'ai dû arrêter d'essayer si fort pour que mon portrait ressemble exactement à ma référence. Une fois que j'ai réalisé que, c'était ce qui me stressait, c'était beaucoup plus facile à sauvegarder, et permettre à ce que ce soit son propre portrait unique, et explorer ce qui se passait organiquement sur la page. Une fois que je serai satisfait de mon croquis, je vais l'alléger avec une gomme pétrie. Je ne veux pas frotter avec une gomme régulière sur mon papier aquarelle, car cela endommagerait le papier. J' utilise habituellement un crayon de couleur au lieu de graphite pour cela, mais je voulais qu'il soit plus visible pour vous les gars, dans le but de ce cours. Avec notre croquis ici, je vais passer à définir le ton général de la pièce. Cela va avoir beaucoup à voir avec la distribution de nos valeurs. Je vais exagérer ce que je vois sur notre photo de référence ici. Évidemment, nous avons des cheveux très foncés, une chemise mi-teinte, et puis beaucoup de valeurs variables dans le visage qui, cette combinaison de différents niveaux de contraste est ce qui fait du visage le point focal, et il est encadré par ces valeurs plus sombres des cheveux, et le pull. Ce que je vais faire, c'est je vais avoir la plus grande gamme de valeurs, ici, et je vais aussi le faire en tonifiant l'arrière-plan, donc je pourrais mettre un léger lavage de couleur, afin qu'il n'y ait pas de blanc pur dans l'arrière-plan, qui va permettre à la structure de notre visage, se démarquer le plus. Je voulais juste prendre une seconde pour en parler avant de commencer à peindre, pour que vous ayez une idée d'où je viens et de ce que je fais. Nous voulons que tout le reste s'estompe, et qu'il structure, et construit autour, et attire l'attention sur cette zone centrale, en particulier les yeux. Dans les yeux, vous pouvez voir que nous avons nos valeurs les plus sombres, beaucoup d'obscurité dans les yeux, mais nous avons aussi des valeurs très claires dans le blanc des yeux. Je veux vraiment souligner les yeux comme point focal du portrait. Commençons à utiliser nos aquarelles et nous allons de l'avant et travailler à établir l'ambiance et l'atmosphère générales de notre peinture. Quelque chose d'important que je veux que vous notiez, c'est que , si vous regardez mon plateau de mélange là-bas, vous pouvez voir que toutes les couleurs que je vais mélanger, cette partie de la peinture vont toutes venir exactement du même endroit. Je vais faire pour la plupart juste des variations de couleur subtiles, pour créer quelque chose qui est lâche, léger. Toutes les couleurs sont assez humides et couleront les unes dans les autres beaucoup, mais toutes ces couleurs vont à peu près avoir des petits morceaux les uns des autres en eux. Prenons un cercle comme exemple. Imaginez simplement une forme de cercle dans votre tête. Allez-y. Imaginez que toute la forme du cercle est toute la peinture. Comme vous pouvez le voir ici, nous avons déjà couvert la majeure partie du blanc de notre peinture en quelques minutes seulement. C' est accéléré environ cinq fois la vitesse normale et toute la peinture m'a pris environ une heure. Mais couvrir la majeure partie de ma peinture au premier lavage n'a pris qu'une minute ou deux. Vous voulez commencer par le cercle entier, remplissez autant que vous le pouvez. Comme vous travaillez de plus en plus petits et vers les deux côtés vers le centre de votre cercle, si nous pensons qu'il est plus comme une cible, nous approchons du centre, plus nous allons ralentissez, concentrez-vous sur les détails et prenez notre temps. Certains de ces domaines, comme le contexte en particulier, peuvent rester à peu près exactement à quoi ils ressemblent maintenant. Les premiers lavages initiaux sont juste d'obtenir un peu d'humeur avec la couleur, donc en posant quelques morceaux de couleur de base, et en commençant lâche puis en resserrant lentement les détails dans des zones focales spécifiques, nous allons avoir beaucoup plus peinture dramatique et atmosphérique à la fin. 10. EXEMPLE 2 : Ajouter du contraste et de la structure: Maintenant que nous avons notre solide esquisse fondamentale en place, ainsi que les premiers lavages atmosphériques plus lâches, nous allons maintenant commencer à nous concentrer sur cette cible de cercle métaphorique pour commencer à nous concentrer sur un peu plus de la structure. À ce stade, nous n'allons pas encore entrer dans les détails finaux précis, mais nous allons découper davantage le visage. Comme nous l'avons déjà dit, construire un contraste et établir des valeurs fortes sera la clé la plus importante pour avoir un portrait qui fonctionne. J' ai vert sur le bas du menton, violet dans les lèvres, bleu et noir et brun et rouge, des tonnes de couleurs différentes partout. Mais ça n'a pas vraiment d'importance, ou plutôt je devrais dire que je peux m'amuser beaucoup plus avec les couleurs quand je sais que mes valeurs sont solides, quand elles fonctionnent toutes ensemble. Une autre chose qui va vraiment aider nos couleurs à travailler ensemble est de garder une palette de couleurs relativement limitée. Comme quand nous avons travaillé sur nos palettes de couleurs circulaires Sears avant. Pour cette pièce, j'ai surtout commencé avec une palette limitée de bleu céruléen, lumière rouge cadmium et d'ocre jaune. Ces couleurs créent une variété vraiment intéressante de combinaisons que j'ai pu utiliser pour mes lavages plus légers. Parce que le bleu céruléen n'est pas une couleur très sombre dans le ton de masse, je voulais aussi ajouter un bleu que je pourrais utiliser pour mélanger des couleurs plus foncées. J' ai donc ajouté cet indigo ou la couleur grise de Payne. Quand il arrive à la section des cheveux, j'inclurai aussi un brun. Je crois que j'ai utilisé quelque chose de plus chaud mais encore relativement profond dans le ton comme un rouge indien. Vous remarquerez à mesure que nous passons plus dans les détails que je prends ma brosse un peu plus près de la virole près de la pointe de la brosse, par opposition aux coups de balayage plus lâches où je tiendrais l'extrémité de ma brosse pour le début de la pièce. J' ai un peu plus d'adhérence maintenant et c'est parce que nous travaillons sur plus de détails. Vous serez en mesure de voir très clairement que je passe plus de temps dans chaque zone car au lieu de sculpter les gros morceaux, j'effectue ces mêmes exercices de sculpture sur des zones plus petites. Au lieu de sculpter toute la tête, maintenant je ne pense qu'à un seul œil et je travaille sur ces parties plus profondes, les valeurs de ton moyen et laisse quelques zones plus claires pour les reflets. Je le ferai pour chaque œil, puis je me déplacerai dans d'autres zones comme le nez, la bouche, et je traiterai chaque section du visage comme sa propre petite sculpture. Il y a des bords que je laisserai un peu plus dur. La forme de l'iris et ces plis profonds dans les yeux, j'aime avoir des bords plus nets là-bas. En revanche, lorsque l'os du front se courbe vers le bas sur les bords extérieurs du visage, ces transitions peuvent être un peu plus douces, car il s'agit plus d'une courbure du crâne qu'une véritable ombre profonde. Avoir une combinaison de bords durs et bords souples va créer beaucoup plus d'intérêt pour votre pièce, et vous allez créer beaucoup plus d'espaces pour l'œil des spectateurs et leur donner plus de choses à regarder. Si votre pièce est composée de bords presque entièrement souples, ce qui signifie que vous mélangez tout et que tout est super, super doux, il peut presque ressembler à l'aérographe. Si vous avez seulement des bords durs, alors la pièce peut presque se sentir trop abrasive. Si vous n'adoucissez jamais quoi que ce soit ou laissez votre peinture être très humide et se fondre dans d'autres zones, il peut être trop dur et un peu trop difficile de discerner ce qui se passe réellement dans la pièce. Une combinaison de courbes douces où la structure du visage est juste en train de passer dans et hors de la lumière et des bords plus durs, jeter des ombres ou des formes définies comme les sourcils et les yeux, cette combinaison va être vraiment utile. Nous avons parlé de cette idée générale de la sculpture telle qu'elle s'applique à la fabrication d'art, mais je voulais aussi être un peu plus spécifique et parler de nos aquarelles. Parce que oui, je suis en train de construire, de sculpter et peindre, mais je travaille aussi avec un média humide transparent. J' adore les superpositions et les aquarelles. C' est un processus fascinant de créer ces fleurs douces de couleur, puis de les poser sur des bords plus durs ou vice versa. Rappelez-vous votre médium, travailler dans couches expressives lentes peut être si gratifiant quand il s'agit d'aquarelles. Vous pouvez ajouter autant de caractère à une couleur lorsque la couleur que quelqu'un voit dans une zone particulière est en fait une combinaison de plusieurs calques. Les cheveux vont être en contraste avec cette idée. Nous voulons avoir beaucoup de variété, beaucoup de valeur, et beaucoup d'intérêt pour le visage car cela va être le point central de la pièce. Ce qui veut dire que nous voulons partout ailleurs être en mesure de s'asseoir au bord du chemin et pas autant d'importance. Quand nous serons à nos cheveux, vous remarquerez que je vais juste utiliser des coups très lâches. Je vais appuyer ma main sur ce pinceau, me tenir un peu plus près de la fin parce que je ne veux pas serrer sur mon pinceau et me concentrer trop sur les détails. Je me concentre plus dans les cheveux, je suis juste en train de créer des formes intéressantes et de le garder relativement lâche. Dans notre prochaine section, quand nous allons dans les derniers détails, je vais faire un peu d'ombrage dans les cheveux juste pour lui donner un peu plus de profondeur donc ce n'est pas tellement une forme plate, mais ça ne va pas être aussi détaillé et je ne vais pas y passer presque autant de temps que je le ferai dans le visage réel. La même chose vaut pour la zone de chemise de ce personnage. Je mets surtout juste dans un grand lavage solide de rouge, que je veux agir comme une couleur d'accent. Mais encore une fois, ça ne sera pas aussi détaillé. Je veux réfléchir à la façon dont mes couleurs travaillent ensemble pour créer une atmosphère spécifique. En choisissant le rouge comme couleur accentuée, il ajoute ce sentiment de tension et d'urgence à l'ensemble de la pièce. rouge peut être une couleur qui amène le spectateur à penser à colère, à la douleur ou à une sorte d'inconfort. Pour moi, cette pièce et la combinaison de couleurs me fait penser au calme avant la tempête. Un moment de calme très intense, presque stagnante avant que les choses ne dégénèrent en rage, en colère ou même en tristesse. C' est un peu sombre, mais penser à ce genre de décisions atmosphériques pendant que vous peignez, va vraiment vous aider à affiner ce que vous voulez que la pièce soit, au lieu de tout jeter dessus et avoir quelque chose qui ne fonctionne pas vraiment. Comme une autre petite note de côté sur le sujet du papier, j'utilise ici un papier aquarelle presse à froid. Vous remarquerez peut-être, surtout à ce stade dans les cheveux, que les cheveux sont beaucoup plus légers qu'ils ne l'étaient quand nous les avons peints à l'origine. Cela s'est produit tout au long du processus de cette peinture avec toutes nos couches. Lorsque vous utilisez du papier presse à froid, la peinture a tendance à se déposer dans les rainures et les crêtes et les dépressions du papier un peu plus, et la couleur peut sécher un peu moins vive alors qu'il est plus indulgent quand vous parlez de bords durs par rapport aux bords mous. Le papier presse à froid peut être vraiment agréable pour avoir des bords qui coulent les uns dans les autres. Il allège notre couleur car il sèche un peu plus que du papier de presse chaud. Mais c'est la raison pour laquelle nous construisons nos valeurs au fil du temps. 11. EXEMPLE 2 : Derniers détails: Maintenant, il est temps pour les détails finaux et les finitions. À ce stade, il est vraiment important que vous, en tant qu'artiste, décidiez quand vous avez terminé. Ces derniers détails peuvent se sentir un peu ennuyeux et il est très facile de surmenage votre peinture et de se laisser emporter à ce stade. Bien que vous ne puissiez pas toujours avoir une idée claire de ce que vous voulez d'un tableau fini, il est important de garder quelques objectifs à l'esprit pour qu'à ce stade, vous peignez ne soit pas ruiné ou comme je l'ai dit, complètement surchargé. Par exemple, dans ce document, mes objectifs finaux étaient de m'assurer que mon point focal était clair, précis et intense, et que tout le reste était en quelque sorte complémentaire à ce point focal. Donc, comme je l'ai dit, je suis entré et j'ai ajouté un petit peu plus de contraste aux cheveux, pas trop, juste un peu plus et j'ai aussi ajouté quelques couches supplémentaires à la zone autour des yeux que je veux que ce soit la zone qui attire le plus attention. Donc, il va avoir le plus de contraste, la plus large gamme de valeur et le plus de détails et tout le reste va juste contraste et ancrer cette zone centrale. Comme nos couleurs sèchent sur un papier presse à froid, comme mentionné précédemment, ces couleurs peuvent s'adoucir et s'éclaircir et devenir un peu plus ternes. Je peux donc ajouter une autre couche ou deux pour ramener de petites quantités de saturation. Quand je suis relativement satisfait de la gamme de valeurs, j'aime aller parfois avec de la gouache blanche pour nettoyer toutes les zones. Donc spécifiquement pour celui-ci, je suis allé autour de l'œil d'un côté où l'iris était devenu un peu trop grand et rendu un peu plus petit avec ma gouache blanche et j'ai également ajouté mes reflets blancs à les élèves. C' est un peu un acte d'équilibrage à ce stade et comme vous ajoutez des valeurs vraiment sombres, vous trouverez peut-être que vous avez besoin de quelques tons moyens et les zones autour, juste pour vous assurer que tout est équilibré. C' est normal d'avoir un peu de finicky, mais faites des pauses régulières pour vous demander si les changements que vous faites sont complètement nécessaires ou si vous êtes juste en train de jouer. Gardez des objectifs clairs à l'esprit et sachez quand votre pièce est terminée. J' espère que vous avez apprécié ce projet supplémentaire de deuxième classe. J' ai beaucoup aimé le mettre ensemble pour vous, et j'ai hâte de voir votre projet de classe, alors s'il vous plaît ne partagez ce sur quoi vous travaillez. Merci encore de m'avoir rejoint dans ce cours et je te verrai la prochaine fois. Regardez devant, la mer arrive. Je sais qu'on a traversé beaucoup de choses, mais attendez. Attendez des jours meilleurs pour venir et nous porter comme du vent dans nos voiles. Attends serré, je sens le rivage juste en face de moi.