Cours magistral sur le portrait à la gouache - du monochrome à la couleur !

1. Introduction: Salut. Je m'appelle Arleesha Yetzer, et je suis artiste et créateur de contenu YouTube. Eh bien, j'aime explorer plusieurs médiums différents dans mon art et sur ma chaîne. Gouache a toujours été l'une de mes préférées, et on ne peut nier que j'aime peindre des portraits. Aujourd'hui, je suis vraiment excité de vous accompagner dans ma classe de maître de portrait à la gouache. Ce sera une classe étendue pour vous aider à connaître votre gouache, de la couleur à la structure et à la valeur du bâtiment. Nous allons marcher à travers plusieurs exercices préliminaires avant de sauter dans non pas un, mais deux portraits de gouache finis. Au cours de ces exercices préliminaires, nous allons nous concentrer sur deux composantes clés : la couleur et la valeur. Pour la couleur, nous allons expérimenter plusieurs combinaisons différentes de couleurs primaires, et voir étape par étape comment déplacer légèrement ces couleurs peut nous aider à créer des palettes de couleurs très différentes. Ensuite, nous allons prendre un peu de temps pour nous concentrer sur la valeur. Nous allons faire une échelle de valeur simple, puis passer à une étude de valeur complète. Je sépare la couleur de la valeur ici parce que sont deux compétences complètement essentielles, donc nous allons les aborder une à la fois, et étape par étape. N' hésitez pas à compléter autant ou moins de ces exercices préliminaires que vous le souhaitez. Si vous savez déjà quelles couleurs vous voulez utiliser et vous avez l'impression d'avoir une bonne maîtrise de la valeur, vous pouvez passer directement à nos portraits. Mais comme toujours, si vous voulez marcher à travers les choses pas à pas à côté de moi, je serais plus qu'heureux de vous accueillir pour le tour. Nous allons couvrir beaucoup de principes fondamentaux et développer beaucoup de compétences qui vont juste rendre notre portrait beaucoup plus facile, et garder un œil sur cette icône pendant nos exercices préliminaires pour un tas de conseils et astuces. Une fois que nous aurons fait ces exercices fondamentaux ou que nous nous sentons confiants et que nous serons prêts à sauter dans nos portraits, je vais faire quelque chose de nouveau pour la première fois avec ce cours, et vous trouverez des versions téléchargeables sur des croquis que nous allons utiliser pour nos portraits finaux dans la section Ressources de cette classe. Vous pouvez les saisir, les télécharger, les transférer avec une boîte lumineuse, tenir jusqu'à une fenêtre et l'utiliser comme une boîte lumineuse. Copiez le croquis, quelle que soit la manière dont vous voulez prendre ces croquis, et utilisez-les pour créer vos portraits finaux, ils sont là pour vous afin que nous puissions parcourir chaque étape - par - pas ensemble à partir de la même fondation. Si vous voulez savoir ce qu'est la gouache, ainsi que comment commencer avec quelques exercices de carnet de croquis plus occasionnels, vous pouvez consulter mon cours de gouache précédent. Il y a beaucoup à faire, et je suis tellement excité de sauter dans ce cours avec toi, alors allons peindre. 2. Matériaux: Commençons par les matériaux. sautant dans les choses avec du papier, j'ai découvert que Gouache peut être relativement pardonneur en ce qui concerne le papier que vous choisissez d'utiliser. Pour moi, je trouve souvent que même un simple pad de médias mixtes ou réaliser papier aquarelle va très bien fonctionner, surtout quand vous n'utilisez pas une tonne d'eau avec votre gouache. Une autre chose qui est relativement indulgent est un crayon et une gomme. Souvent, j'aime utiliser un crayon de couleur pour les aquarelles et une gomme pétrie, donc je ne suis pas trop abrasif sur le papier, mais avec de la gouache parce qu'elle est opaque, nous allons couvrir nos marques de crayon. J' ai tendance à rester avec un crayon graphite standard, crayon mécanique est vraiment agréable et puis une gomme à corriger au besoin. Pour les pinceaux, c'est une autre chose que nous gardons assez simple. J' ai quelques brosses synthétiques bon marché et je vais laisser autant de liens vers les produits que je peux, dans la section ressources de cette classe. Ce ne sont que quelques brosses synthétiques de différentes tailles qui sont livrées en ensembles tant que nous avons quelque chose de grand pour faire lavages et quelque chose de plus petit pour les détails, vous serez prêt à partir. J' ai quelques différents types de bande ici, nous pouvons les utiliser pour coller les bords, mais je vais aussi les utiliser pour tracer l'extérieur de ces cercles pour notre prochain exercice quand nous fabriquons nos roues de couleur. En parlant d'exercices futurs, si vous avez une boîte lumineuse, vous voudrez peut-être saisir cela juste parce que pour la première fois dans cette classe, je vais fournir des versions téléchargeables de mes croquis afin que vous puissiez peindre avec moi avec les mêmes croquis que je vais utiliser. Si vous décidez d'imprimer mes croquis ou si vous avez cette capacité, vous pouvez utiliser une boîte lumineuse pour transférer ce croquis sur du papier aquarelle, ou vous pouvez le tenir contre la fenêtre et utiliser la lumière naturelle comme une boîte lumineuse. Quand il s'agit de choisir la peinture, nous voulons surtout nous en tenir au blanc et à quelques triades primaires de magenta, cyan jaune, ou rouge, jaune, bleu. Dans notre prochaine leçon, nous allons parler de quelques variations sur cette triade primaire, mais il y a beaucoup de façons différentes que votre configuration particulière pourrait ressembler, si vous êtes à la recherche d'un ensemble particulier, je recommande, M Graham a un très bel ensemble de mixage qui ressemble à ça. Parce que je vais utiliser des aquarelles qui sortent du tube ici. Je vais aussi avoir un palais, un service de mélange, que je vais nettoyer avant d'utiliser, puis une serviette pour nettoyer et essuyer ma brosse. J' ai commencé à utiliser des serviettes comme ça au lieu de serviettes en papier parce qu'elles sont réutilisables, ce que j'aime vraiment et ensuite nous finirons avec quelques récipients d'eau. J' aimerais en avoir deux pour le squash parce que c'est plus rapide qu'avec les aquarelles. Une fois que tout a été mis en place, on est prêts à partir. Passons donc à notre premier exercice et parlons de la création de votre palette de couleurs. 3. Exercice 1 : Roues couleur: Ensuite, nous allons apprendre à connaître nos couleurs choisies et expérimenter avec quelques roues de couleur. Dans cette leçon, je veux parler un peu plus longuement dans les classes précédentes sur la construction de votre palette. Quelles variations sur différentes combinaisons de rouge, jaune et bleu peuvent faire pour affecter l'aspect général de votre peinture que nous allons créer à la fin de ce cours. Nous allons marcher à travers quelques variantes différentes. Peignez des roues de couleur, et je vais vous expliquer comment ces trois couleurs fonctionnent ensemble de différentes manières pour créer des palettes avec des looks différents, des atmosphères différentes et des combinaisons de couleurs différentes. Nous allons commencer ici avec quelque chose de assez standard pour la palette numéro 1, comment ce modèle va fonctionner et vous êtes invités à suivre si vous le souhaitez. Ne va pas analyser chacune des trois couleurs individuellement, puis faire une roue de couleur qui va inclure les couleurs primaires ainsi que les couleurs secondaires. Mélanges de chacun d'entre eux étant orange, vert et violet. Peut-être pas dans ces endroits exacts, mais nous allons faire ces couleurs, les couleurs primaires ici et les couleurs secondaires dans notre roue. Juste pour voir ce que cette palette peut faire, commençant par la ligne de base, puis nous allons faire quelques variations. Je vais commencer par regarder ma lecture et ajouter un petit peu d' eau juste pour aider cette peinture à couler un peu plus. Si vous souhaitez étiqueter ces couleurs individuelles au fur et à mesure, vous êtes les bienvenus pour le faire, pour garder une trace de ce que vous utilisez. Ensuite est notre jaune, et voici Ezo jaune de M. Graham, partie de l'ensemble de mixage que j'ai mentionné. C' est un beau jaune vif et notre bleu est un bleu cobalt. brosses synthétiques sont agréables pour le lavage, elles sont bon marché et faciles à obtenir. Ils ne tiennent pas une tonne d'eau , c'est pourquoi vous me voyez utiliser autant de coups que moi pour répandre ça. Vous pouvez les placer partout où vous le souhaitez sur le volant. Je viens de prendre l'habitude de le faire de cette façon, donc je vais juste mettre notre rouge sur le dessus. Je vais travailler mon chemin et en mélangeant dans l'orange, vous devez faire attention à ne pas utiliser trop de rouge parce que le jaune va être la couleur avec le moins de force de teinture. Vous allez finir par utiliser beaucoup plus de jaune que de rouge dans votre mélange pour l'orange. Nous en parlerons davantage dans les leçons à venir. Mais lorsque vous essayez d'obtenir comme un dégradé lisse d'une couleur à l'autre, une façon de le faire, nous allons parler d'autres façons à l'avenir est de travailler pendant que votre peinture est humide, ce qui peut être utile. Si vous faites cet exercice, travailler de cette façon peut vous aider à obtenir une transition en douceur autour de la roue plutôt que de faire les couleurs primaires et de revenir ensuite aux couleurs secondaires. Voici le jaune pur maintenant et ma peinture est encore un peu humide ce qui aide ces bords à se mélanger un peu plus. Puis à partir du jaune, nous nous déplacions dans notre bleu. Vous pouvez voir que j'ai épuisé presque tout mon jaune déjà avec une petite touche de bleu et nous commencerons lentement à faire la transition vers le vert, commençant par un vert plus chaud. chaud parce qu'il est actuellement plus proche jaune et donc orange et rouge qu'il est trop bleu qui est une couleur plus fraîche. Maintenant, j'ai ajouté beaucoup de vert et nous pouvons mélanger une couleur intermédiaire juste ici sur notre papier. Avec un pinceau propre, il suffit d'ajouter un peu d'eau à cette zone, en déplaçant notre peinture tout en l'agitant le moins possible. n'est pas une transition parfaite, mais il est là et nous devons mettre notre bleu ici, c'est du bleu pur. Si vous souhaitez mélanger une couleur plus spécifiquement entre eux, vous êtes le bienvenu de le faire. Je pourrais même essayer d'obtenir un vert moyen un peu plus fort et là je vais et maintenant entre un rouge et un bleu nous allons travailler vers le violet. Encore une fois parce que nous partons de l'extrémité bleue, nous allons commencer par principalement bleu avec un petit peu de rouge. Nous pouvons juste adoucir ce bord avec un peu d'eau où vous pouvez toujours passer dessus avec plus de peinture et c'est en fait ma peinture ici est mince, elle n'est pas super épaisse. On pourrait mélanger la couleur entre deux ou trois façons. On pourrait juste agiter nos deux couleurs ensemble ici, il est plus facile de mélanger la couleur, obtenir là, et de la poser. Parce que vous jouez à un jeu d'équilibrage entre agiter la couleur pour mélanger avec la couleur à côté de lui. Juste très doucement les mélanger ensemble et ne pas vouloir simplement tout soulever et irriter votre papier trop. Nous allons changer nos couleurs ici un peu et pour mon rouge, je vais me rapprocher un peu du violet et utiliser des lignes de quinacridone notre jaune va être un peu plus frais, et nous allons avoir un jaune citron. Notre bleu va être si brillant, ce qui serait techniquement un bleu qui tombe un peu plus près du vert qu'il ne le fait vers le milieu ou vers le violet. C' est un peu un bleu plus frais par opposition à un bleu plus chaud qui serait plus proche du violet. Lorsque vous regardez une roue de couleur individuelle tout seul, il peut être difficile de voir à quel point cette roue est unique, de sorte que la création de plusieurs roues peut être vraiment utile pour comprendre comment les couleurs se mélangent en regardant ces choses côte à côte. En comparant mes deux premières palettes, vous pouvez même voir que certains des mélanges globaux dans ce ici, cette roue jaune magenta couleur cyan produit couleurs plus propres dans l'ensemble, surtout dans les verts et même dans certains des violets. Ensuite, quand vous regardez ce mélange ici, qui va vous donner un peu plus chaud rouge. Les couleurs plus chaudes ont tendance à se mélanger les unes avec les autres, donc un rouge plus chaud va mélanger des oranges plus vives et plus vibrantes et il va avoir du mal à mélanger le violet. Ces violets sont un peu plus poussiéreux, et bien qu'il soit encore très profond lorsqu'il est mélangé à notre bleu cobalt, le bleu cobalt peut se pencher un peu plus vers l'ultra marin et comme un bleu prussien, ce serait plus proche du violet, alors il souffre un peu d'aller dans la direction opposée, ce qui signifie que nos verts deviennent un peu plus agaçants. Ils ne sont pas mauvais verts, bien sûr, et c'est vraiment une question de préférence personnelle. Mais même en regardant dans ces deux premières triades, vous pouvez voir beaucoup de différences, beaucoup de subtilités, et beaucoup de façons que vous pourriez préférer l'une à l'autre. Une chose qui pourrait être une bonne option est lorsque vous travaillez avec une palette limitée pour avoir les six de ces couleurs et ensuite vous pouvez mélanger toutes ces variations et ce serait juste une belle palette standard. J' aime garder les choses assez limitées lorsque vous travaillez sur un projet comme celui-ci, donc je dirais choisir l'un ou l'autre. Mais pour votre palette de tous les jours, vous voudrez peut-être avoir accès à toutes ces couleurs juste pour que vous puissiez mélanger certains de ces plus terreux, plus tous les verts, et en même temps vous pouvez obtenir quelques-uns des ces couleurs plus propres et agréables que vous voyez ici. C' est vraiment à vous et à vos préférences personnelles. Pour ma troisième palette, je voulais ajouter beaucoup de variations afin que vous puissiez voir ce qui se passe lorsque nous changeons beaucoup ces couleurs. Je vais utiliser des lignes, qui vont être similaires à nos lignes quinacridone de l'exemple de couleur précédent. Mais mon jaune va varier beaucoup et je vais utiliser le jaune och-re, ce qui est beaucoup plus terreux, et vous allez voir comment cela change les oranges et les verts que nous sommes en mesure de mélanger. Je vais aussi utiliser le gris de Payne au lieu du bleu. Donc, cette palette globale va varier le plus significativement de nos deux précédents. Une autre façon de faire une palette vraiment terreuse avec ces trois couleurs serait en fait d' échanger les lignes contre quelque chose de plus proche comme un cramoisi alizarin qui serait vraiment joli aussi. Sauvegarder un peu ici, nous pouvons voir toutes nos roues de couleur ensemble à la fois. Je pense que c'est vraiment fascinant. Ce ne sont que trois exemples et il semble qu'il y a tellement de variations différentes que vous pourriez créer en faisant simplement varier ces trois couleurs. Nous le gardons toujours dans cette zone rouge, jaune, bleu, mais nous changeons beaucoup les choses et il peut être vraiment utile de voir comment avoir certaines couleurs peut vous aider à obtenir l'effet désiré plus tôt. En utilisant och-re jaune que vous êtes jaune par opposition à quelque chose d'un peu plus primaire va vous amener à ces tons naturels de peau beaucoup, beaucoup plus rapide. Je l'aime beaucoup et je vais probablement inclure och-re jaune dans mon mélange final. Ensuite, une fois que vous commencez à combiner ces couleurs avec le blanc, vous ajoutez juste encore plus de variété et encore plus de subtilité et possibilité de variation. fait d'avoir trop d'options de couleur peut rendre l'apprentissage du contraste et des valeurs encore plus difficile. Commencez avec une seule triade ajouter un peu de blanc et aller de là. Si vous avez suivi avec moi et créé vos propres roues de couleur et des variations sur cette palette de couleurs limitée, j'aimerais le voir, alors s'il vous plaît ne partagez cela avec moi dans la section des projets de classe. Allons de l'avant et passons à notre prochain exercice où nous allons mettre notre couleur côté un peu et nous concentrer sur la valeur et la forme de construction. 4. Exercice 2 : Échelle: Commençons par nous concentrer sur la valeur en créant une échelle de valeur simple. Pour cet exercice, nous n'aurons besoin que de deux couleurs, juste du blanc titane et du gris de Payne. J' ai tendance à avoir toujours un tube plus grand de poids, en particulier le titane blanc un ensemble de couleur, je passe par très rapidement. J' ai aussi une petite feuille de papier aquarelle. Vous avez peut-être remarqué que le geste avec mes mains peut ne pas correspondre à ce que je dis en ce moment, mais c'est parce que lorsque j'ai filmé cette section de la classe, je pensais que mon microphone était allumé et qu'il était en fait, pas allumé. Pour ce premier croquis, nous allons le parcourir assez rapidement parce que je veux vous montrer un exemple d'échauffement, puis nous irons plus en temps réel, où j'aurai mon microphone allumé et vous peut entendre ce dont je parle en fait, va utiliser une petite brosse plate pour ce premier. Comment j'aime faire ces exercices est de commencer par ma valeur blanche. Je sais que regarder du blanc sur du papier blanc n'est pas super efficace dans mesure où être visuellement est stimulant, mais c'est là. Ensuite, nous allons progressivement ajouter plus de notre couleur foncée à ce blanc jusqu'à ce que nous arrivions à la couleur foncée tout seul. J' utilise le gris de Payne ici, mais vous pouvez aussi utiliser le noir ou toute autre couleur qui a un ton de masse très sombre lorsqu'il est utilisé par lui-même. Quelque chose comme l'ombre brûlée ou même un violet ou un rouge quinacridone. N' importe lequel d'entre eux pourrait fonctionner très bien, tant que votre couleur plus foncée, peut être très sombre, sorte que vous pouvez obtenir un large éventail de valeurs. Dans ce premier exemple, je me précipitais un peu. Nous avons des traces de couleur et aussi des zones où ma consistance rose aurait pu être meilleure. Allons dans notre deuxième exemple et je vais parler quelques conseils pour rendre cet exercice un peu plus efficace, surtout parce que je me suis tellement précipité le premier. Avec notre premier exemple fait ici, je pensais qu'il pourrait être utile d'en essayer un de plus, et que nous avons l'essentiel de l'exercice, et cette fois je vais parler un peu plus intentionnel. Prenez mon temps et voyez combien de progrès je peux faire avec quelques changements de couleur plus subtils. Comme je l'ai dit, je pense qu'il est un peu plus facile de commencer à partir de votre couleur la plus claire et de travailler ajouter progressivement un peu de couleur à la fois, parce qu'une fois que vous êtes sombre, vous devez ajouter beaucoup de blanc pour que cette couleur soit plus claire. Il peut être un peu plus efficace de travailler de cette façon. Comme vous pouvez le voir, je vais juste ajouter un peu plus de ma couleur plus foncée, que Payne est gris à ma zone blanche au fur et à mesure que nous allons. Chacun va juste avoir un peu plus de gris de Payne dedans, et ce serait beaucoup plus un combat de travailler dans la direction opposée. Je trouve également utile de travailler dans une zone limitée, même juste à côté de ma palette lorsque j'essaie de garder les choses un peu plus subtiles et un peu plus progressives. Cela fonctionne non seulement avec un système monochromatique comme celui-ci, mais aussi avec la couleur. Quand je mélange mes couleurs, j'aime essayer de tirer de la même zone et avoir des petits morceaux de mes autres couleurs dans mes mélanges. C' est une transition beaucoup plus graduelle que nous voyons ici. J'avais pas besoin de ça. Eh bien, peut-être que je le ferai. Tu vois maintenant, je suis un peu en arrière parce que ma peinture est juste un peu mince. Beaucoup de choses à apprendre ici, parce que je n'avais pas assez de peinture dans ce mélange initial pour faire toute l'échelle de mon blanc même, donc nous pouvons juste ajouter un peu plus. Ce que je fais maintenant, c'est que cette couleur ne semble pas beaucoup plus sombre que ça, mais je vérifie pour voir. Ouais, comme vous pouvez le voir, il a l'air un peu plus sombre de la palette à ici. C' est peut-être parce qu'on le voit à côté d'une couleur sombre ici. On ne voit pas la vraie valeur. En outre, la gouache a juste tendance à paraître un peu différente sur le papier, surtout une fois qu'elle sèche. Vous pouvez vraiment voir un peu plus de bleu dans cette couleur maintenant, quand le blanc a été ajouté par opposition à quand nous avions l'habitude tonalité en masse pour nos roues de couleur, qui a certainement juste regardé un peu plus près du noir, et ici nous peut voir un peu plus de ce bleu ayant le blanc pour ajouter une certaine opacité aide vraiment à montrer à quel point cela est différent d'un vrai noir. C' est le progrès que nous avons fait jusqu'à présent avec notre blanc en haut de cette bande et en descendant, nous faisons de beaux progrès. Certainement un peu plus subtil que la dernière fois. C' est un exercice visuel et que nous observons avec nos yeux ou voyons le changement de couleur avec nos yeux, mais c'est aussi un exercice pratique parce que vous passez du temps utiliser la peinture et à vous familiariser avec la consistance , parce que bien que beaucoup de gens pensent à la gouache comme étant ce milieu complètement opaque, il peut avoir beaucoup de variété dans l'opacité, puis la texture. Cette nuance se sent un peu plus de couleur d'eau comme, je sais que mes échantillons deviennent un peu plus indisciplinés à mesure que nous progressons à travers la page. Je n'ai pas vraiment gardé une trace maintenant du nombre d'échantillons que j'avais fait, je viens d'ajouter progressivement plus de gris de notre Payne. Vous pouvez commencer à voir nos changements devenir un peu plus vieux, un peu plus frappants alors que nous approchons de la fin de notre feuille de papier, et je veux certainement frapper ce dernier ton. Voyons à quel point nous sommes loin de notre ton le plus sombre. Je vais juste sauter directement à ça. Attrape cette droite Payne est grise. On y va. Nous avons nos deux échelles différentes ici. Certainement à l'air très différent les uns des autres. Celui-ci a beaucoup plus d'un changement progressif et surtout au tout début avec un peu de nivellement ici vers le milieu, puis devient très sombre. Une peinture était aussi un peu plus épaisse ici. Je viens de le faire, on ajoute un nouveau jour aujourd'hui. C' était ce qui est ma peinture fraîche, et une partie de la peinture a été en fait séchée sur la palette que j'ai utilisée pour celle-là d'hier. Cela peut également affecter votre consistance, surtout si vous ne donnez pas à cela une tonne de temps pour vraiment vous asseoir et ré-mouiller avant de commencer à travailler avec. Il y a juste beaucoup de variations et aucune d'entre elles n'a pris beaucoup de temps, donc il peut être très utile de prendre votre temps et de faire autant d'entre elles que vous le souhaitez, et aussi d'expérimenter avec d'autres couleurs comme le rouge, le bleu ou le vert. Nous voulons quelque chose avec un ton de masse sombre pour que vous puissiez obtenir ce beau changement. Vous pouvez voir comment le blanc de titane spécifiquement comme un blanc vraiment opaque, vous verrez comment cela peut changer la teinte de votre couleur ainsi. Un blanc opaque comme celui-ci a tendance à rendre la couleur un peu plus fraîche aussi, ce que vous pouvez vraiment voir se produire si vous voulez faire une échelle comme celle-ci avec un rouge ou quelque chose comme ça. Si vous essayez cet exercice, vous pouvez le partager avec vos roues de couleur dans la section projet de classe, mais être capable de discerner les valeurs, être capable de voir comment les choses sont comparées les unes aux autres et ce qu'elles ressemblent à être assis à côté de l'autre, et comment manipuler vos couleurs pour les amener à ce point, va être vraiment important quand il s'agit de faire un portrait efficace. C' est quelque chose que vous apprenez au fil du temps, donc il n'a pas besoin d'être parfait dans chacun d'entre eux, mais des choses comme celle-ci seront vraiment fondamentales à mesure que nous avançons. 5. Exercice 3 : Croquis de valeur partie 1: Pour notre dernier exercice avant de sauter dans notre portrait, nous allons faire un croquis de valeur d'une simple forme tridimensionnelle. Pour notre prochain exercice, nous allons peindre cette sphère. Je vais utiliser, comme sur notre pratique de la valeur, je vais utiliser juste du blanc de titane et du gris de peinture. Vous pouvez utiliser du noir si vous le souhaitez ou tout autre qui va devenir très sombre quand il est juste utilisé par lui-même. Le but de cet exercice est de vous montrer comment travailler avec un peu humide sur des techniques humides et un peu humide sur sec. Nous allons utiliser notre étude de valeurs précédente ici pour jauger certaines des valeurs et estimer où nous en sommes, et nous parlerons un peu de la différence entre une ombre coulée et une ombre de forme. Je viens d'utiliser l'intérieur de ma bande de masquage ici pour obtenir ce beau cercle, et je vais aussi aller de l'avant et esquisser certaines des autres choses que je vois dans cette référence juste pour un peu de contexte. Je vais utiliser ce morceau de papier plat pour entrer dans la ligne qui passe derrière c'est le bord de la table que je vois, et ensuite on peut reprendre cette ligne comme ça. Ensuite, je veux aussi capturer l'autre bord car la table remonte un peu moins d'un angle comme ça. Ça n'a pas besoin d'être super parfait, je veux juste donner un peu de contexte à notre forme ici. Je vais aussi esquisser grossièrement sous la forme de notre ombre. Ce que je fais maintenant, c'est mesurer. Je cherche à voir à quel point l'ombre vient en haut de notre forme, où elle commence. Ça n'a pas besoin d'être complètement parfait. Nous n'allons pas nécessairement pour le réalisme photo ici, notre plus grand objectif est en fait juste de comprendre la gamme de valeurs et d'obtenir quelque chose qui ressemble moins à une forme plate et plus tridimensionnelle. D' accord. On a quelque chose de dur ici. Maintenant, vous voudrez peut-être sauter tout de suite et commencer à peindre notre sphère, mais je veux analyser rapidement certaines de nos valeurs et obtenir des tonalités générales avant de commencer. En fait, on va commencer par l'arrière-plan. Au lieu de nettoyer ma palette ici et juste de me débarrasser de toute la peinture que j'ai déjà posée, je peux poser juste un peu de peinture fraîche grade donc j'ai cela pour travailler avec, mais je vais généralement laisser ce qui est ici et travailler avec une partie de l'humidité et la peinture qui est déjà sur ma palette que ce quelque chose que vous pouvez faire aussi. Je veux garder ma palette aussi visible que possible afin que vous puissiez voir comment je mélange mes couleurs et ce que je fais pour arriver là où nous allons aller. Nous allons commencer par l'arrière-plan et en commençant par l'arrière-plan, cela va nous aider à évaluer nos valeurs un peu plus tôt et ce que je vois c'est que je vois un dégradé de quelque chose de légèrement plus clair sur le côté à plus sombre de ce côté. Mais tout ça tombe dans notre valeur médiane. Si vous avez votre échelle de valeur, vous pouvez regarder l'image de référence. J' ai le mien sur mon téléphone et vous pouvez juste mesurer où ça tombe si vous plissez dessus pour voir les valeurs. Où est-ce que ça tombe ici dans cette gamme parce qu'il n'est pas aussi sombre que notre obscurité la plus sombre. Quelque part au milieu, peut-être juste ici pour notre arrière-plan d'un côté et ensuite il devient plus sombre de l'autre côté. Avoir cette petite échelle de valeur que nous avons fait à portée de main peut être super utile. Je vais commencer par quelque chose d'un peu plus sombre à laquelle je vais ajouter du blanc. Une chose qui arrive généralement avec moi qui pose cette première couleur est que je dois le rendre un peu plus léger que ce que je pense qu'il devrait être, juste parce qu'il a toujours tendance soit à regarder plus sombre sur la page ou à sec plus sombre. Si vous voulez enregistrer ça, vous êtes le bienvenu pour le faire. Je vais juste laisser la mienne lâche car c'est juste un peu d'exercice à ce stade. En utilisant une brosse plate qui en théorie m'aidera à obtenir lignes plus nettes et juste couvrir une plus grande surface, mais je n'essaie pas non plus d'être super précis. Donc ça pourrait devenir un peu désordonné. Alors que notre peinture est encore humide, je veux aller de l'avant et assombrir cette couleur ainsi que nous passons de l'autre côté. Je vais utiliser une partie de la peinture qui est déjà sur ma palette comme je l'ai déjà dit. Il maintient tout un peu plus cohésif même si nous ne travaillons qu' avec le blanc et notre gris foncé foncé foncé foncé. Juste augmenter progressivement dans la quantité de peinture gris que nous utilisons, et nous pouvons même aller en baisse dans un peu plus de cette couleur plus foncée vers la fin parce que je peux voir que ce coin en particulier, juste ici au bord de la table obtient Particulièrement sombre. Si vous faites un gâchis, ne vous inquiétez pas , c'est du squash, c'est opaque, nous allons pouvoir récupérer un peu ces lignes nettes. Si vous regardez de très près, je peux aussi voir que le bord de la table est un peu plus sombre, même ici. Maintenant, je ne sais pas forcément si je veux que ça soit aussi sombre que notre ton le plus sombre. Les valeurs sont drôles comme ça, il peut sembler qu'il fait sombre, mais si vous deviez réellement mettre ces deux côte à côte, pourrait ne pas être tout à fait un début. C'est bon. Juste quelque chose dans la zone rugueuse est bien pour commencer. Si on veut revenir et affiner ça plus tard, on peut le faire. Notre valeur de table va être beaucoup plus légère mais a encore un peu de ce gradient qui passe de quelque chose de particulièrement lumineux dans ce coin à devenir progressivement sombre car il s'estompe avec l'arrière-plan un peu plus ici. Mais maintenant que notre valeur d'arrière-plan est dans, je pense en fait à entrer avec notre prochaine valeur très sombre, qui est la forme d'ombre. Les ombres sont vraiment intéressantes car elles ont tendance à se diffuser au fur et à mesure que vous vous éloignez de votre sujet en fonction de l'angle de l'éclairage et de la façon dont tout fonctionne. Je suis juste en train de poser quelque chose qui va être une jauge à ce stade, et j'ai déjà mon expérience. Ça va m'aider parce que ça va déjà m' aider à mieux évaluer autre chose que le blanc du papier. Si je n'avais pas mon expérience, je pourrais ne pas rendre ça assez sombre, mais parce que nous avons déjà quelques valeurs en bas, je peux voir un peu mieux ce que je fais et comment j'arrive là où je suis. Quelque chose de grand comme ça va être très bien pour commencer. Si je veux nettoyer un peu ce bord, je peux. Même les ombres vont avoir des bords tranchants et des bords plus doux. Au fur et à mesure que nous nous éloignons, la blancheur augmentera. Une autre chose que vous pouvez faire avec les glaciers, vous n'avez pas nécessairement à couvrir toutes les surfaces de peinture complètement opaque. Je prends juste un peu de peinture mouillée maintenant pour enduire ce bord. Tout comme avec les aquarelles, je peux ajouter un peu d'eau ici pour alléger le bord extérieur même si c'est fini, juste notre ombre, et déjà vous commencez à avoir une idée approximative d'où vient notre lumière et le fait que c'est quelque chose avec un peu plus de forme par opposition à juste une forme plate déjà avec seulement quelques minutes de peinture. Disons que nous voulions que notre sphère soit relativement lisse. Nous ne voulions pas nécessairement des lignes super dures pour ce premier exemple. Une chose que vous pouvez faire est juste mouiller votre zone avant de commencer à peindre et simplement travailler humide sur mouillé. Avoir du papier mouillé va permettre à votre peinture de couler un peu plus facilement. C' est la même chose que vous pourriez faire avec les aquarelles. tomber notre peinture humide sur notre papier humide va permettre à cela de couler. Je commence par une valeur plus sombre ici, et ma peinture est plutôt lâche en ce moment. Beaucoup d'eau dedans. C'est très bien. Une autre chose que vous voulez mesurer est le contraste et la différence d'une valeur à l'autre. Je peux voir qu'en bas il va rester un peu plus léger en fin de compte, comparé à notre ombre. Il y a une lumière réfléchie qui met en évidence ce bord inférieur juste ici. Il fait donc très sombre au fond de notre sphère alors que nous perdons cette lumière. Ensuite, il y a un peu de lumière réfléchissante juste entre cet espace avant de passer à notre ombre de transition ici. Je travaille aussi entre mes zones de mélange, donc je tire un peu d'un endroit à l'autre, et quand je regarde le contraste, je veux garder à l'esprit que cette balle est techniquement une boule blanche assise sur une table, ou au moins la balle très légèrement colorée que je ne connais pas. Cette image a été faite en échelle de gris ou si c'était toujours de cette façon, mais je suis juste en train de déplacer les choses autour de bouger dans la peinture que j'ai déjà, pour obtenir ce beau et doux. Déjà, nous avons une bonne quantité de forme. Nous voulons penser à cela comme des morceaux de lumière et d'ombre au lieu d'aller, ok, je sais que c'est une balle, je sais que c'est une sphère, et je sais à quoi ça devrait ressembler. Vous devez jeter vos idées préconçues un peu par la fenêtre. Je veux penser aux zones les plus légères aussi où ma sphère va regarder la plus légère. Bien sûr, nous avons ce point culminant blanc, tout le monde aime ces reflets blancs, mais aussi tout ce bord de cette sphère je veux qu'il y ait beaucoup de contraste parce que nous voulons aussi penser à la couleur par rapport aux couleurs qui l'entourent. Il y a beaucoup de contraste de ce bord à l'arrière-plan et je veux garder ça assez propre. Parce que notre papier est encore assez humide, je peux enlever une partie de la couleur que nous avions déjà posée. Si vous êtes comme moi et que vous avez votre photo de référence sur votre téléphone ou un appareil plus petit qui peut en fait être assez utile pour l'avoir sur un appareil plus petit, parce qu'il vous aide à voir l'image comme si vous plisiez à elle. Vous le voyez d'un peu plus loin parce que c'est petit. Alors n'essayez pas de le rapporter très près de vos yeux tôt en essayant de voir chaque petit détail, parce que cela va probablement vous aider encore plus à plisser dessus pour voir les transitions plus grandes, le plus grand formes d'ombre et de lumière. Je laisse toute cette zone d'ombre se fondre une avec l'autre pour que vous puissiez voir que je glisse sur non seulement mon ombre, mais aussi un peu de l'orbite, parce que c'est certainement une chose qui se passe dans les ombres, vous perdre une trace des détails dans une ombre. J' essaie de laisser un peu d'espace pour notre lumière réfléchissante, qui tombe juste dans cette zone. Ma brosse est très mouillée ici, mais on fait de beaux progrès. À ce stade, il vous suffit de décider quand vous en êtes satisfait. Mon papier sèche, donc nous commençons à voir nos coups de pinceau un peu plus, donc la lumière vient de cette direction ici et est frappante ici et à mesure que notre forme s'éloigne de la lumière, nous obtenons un peu un peu moins de lumière et ensuite dans notre ombre réelle de ce côté ici. Sur l'orbite elle-même, toutes ces transitions sont assez douces. Vous pouvez voir si je devais laisser cette ligne trop nette, ça ruine l'idée d'un orbe doux et parfaitement rond. À ce stade, j'ai bloqué beaucoup de mes formes plus grandes et ce qui va vraiment vendre le réalisme de cela et le rendre vraiment efficace, c'est juste d' effacer certains de nos bords et de vraiment définir le contraste. Garder ce contraste fort est si important ici et cela va être aussi très important avec nos portraits. J' essaie donc de contourner ma forme sphérique et de m'assurer que cette ombre la plus profonde où nos deux formes se rencontrent réellement pour toucher, elle a ce niveau de contraste élevé que nous voulons. Je regarde notre ombre pour voir où elle est la plus sombre, où elle est la plus profonde et aussi l'ombre elle-même est relativement nette le long de ce bord. Je veux le maintenir un peu sans que ça soit trop désordonné. 6. Croquis de valeur - Partie 2: Nous allons suivre en direction de l'arrière. Mais pour cette zone initiale où cette lumière est très forte, je veux que cette ombre soit relativement bien définie. Je veux aussi regarder la couleur de la partie la plus profonde de notre sphère. Cette valeur à venir autour de ce bord et considérez comment sombre qui est et d'où cette obscurité vient et s'étend à. Encore une fois, parce que ce n'est pas vraiment une ombre coulée ici, ce qui signifie que nous ne voulons pas qu'elle soit super dure, c'est plus juste une ombre tournante et l'ombre se produit parce que la forme se détourne de la lumière. Nous ne voulons pas que ce soit une ombre super dure. Je veux aussi maintenir notre lumière réfléchissante, qui traverse cette zone. Je vais entrer avec un ton moyen et ajouter un peu plus de blanc à cela alors que nous nous rapprocherons de l'endroit où la lumière frappe très fortement la table, ce qui fait que cette lumière rebondir de notre sphère. Je fais juste des petits ajustements maintenant, en ajoutant un peu plus de blanc à certains endroits, un peu plus de gris de Payne à certains endroits. Tweaking peut être correct tant qu'il est peaufiné avec un but. Mon papier est en fait relativement sec maintenant. Je travaille moins humide sur mouillé et un peu plus juste mouillé sur sec. Je dois faire attention à la façon dont je fais ça. Alors je veux juste adoucir ce bord avec un peu d'eau. On se rapproche parce que je ne veux pas trop faire ça. Il y a quelques choses à ce stade qui perturbent la réalité globale de notre image, juste quelques petites choses subtiles. Par exemple, nous n'avons pas vraiment peint beaucoup de notre table, ce qui est un peu difficile et je l'ai gardé pour la fin intentionnellement parce que je voulais avoir les valeurs environnantes en place pour que notre table puisse juste être relative couleur. Maintenant, je fais de ce bord le plus sombre pour notre table. Ce sera aussi l'occasion d'obtenir cela aussi net ou aussi floue que nous le voulons, et aussi direct que nous le voulons. Essayez de l'obtenir où vous vouliez et puis ne pas avoir à agiter cela à nouveau. J' y vais avec un ton plus clair pour la table, mais ça va changer un peu au fur et à mesure que nous nous rapprocherons de notre forme, de notre sphère. Au fur et à mesure que nous nous rapprocherons de cette source lumineuse, elle deviendra un peu plus légère. Je permet à ces bords de se rencontrer et cela va aussi m'aider à effacer ce bord de ma sphère et à nettoyer un peu ça. Quand il est temps que nos deux formes se rencontrent ici en termes de table et d'ombre jetée, nous voulons aussi considérer la netteté de cette ombre. Là où l'ombre rencontre le plateau de table sur ce bord, elle démarre nettement puis s'estompe. Je veux créer cet effet en ajoutant une ligne nette de ce côté, puis permettant à cette transition se produire là où notre peinture devient un peu plus humide et juste un peu plus douce dans l'ensemble. On pense surtout à la valeur relative. Quelle couleur est quelque chose par rapport à la couleur à côté de lui ? Nous pensons également aux bords souples et aux bords durs. Nous avons des bords durs dans notre ombre, sur les bords de notre table. Nous avons également des bords souples dans notre sphère elle-même et avons une combinaison de ces choses et comme vous le verrez quand nous arriverons à la forme humaine, ce ne sera pas les pièces séparées que certaines ont des bords souples et d'autres ont des bords durs. Vous allez voir ça dans la tête elle-même. Il va y avoir beaucoup de combinaisons de douces et dures, car il y a différents types d'ombres qui se produisent. Quand vous avez une ombre coulée, une ombre vraiment forte, cela va créer un bord plus dur et nous en parlerons plus ici. Par exemple, une ombre coulée serait l'ombre qui est projetée par notre sphère, par notre orbe. Comme la lumière frappe ici, elle jette l'ombre sur le sol et c'est une ombre très nette, par opposition à une ombre transitoire, qui serait, par exemple, notre orbe lui-même. La lumière brille d'un côté et comme la forme s'éloigne de nous, elle crée cette ombre plus douce. Obtenir certaines valeurs pour notre table maintenant va être vraiment utile parce que cela va nous permettre de voir quelque chose de très proche de nos valeurs finales. Ensuite, nous pouvons passer à placer les derniers morceaux de tout ce dont nous avons besoin. Je laisse ma peinture être très aqueuse ici parce qu'on n'a pas besoin d'une tonne de couleur. Notre plateau est très, très léger. En pensant à ce bord de lumière et à quel point je veux que les valeurs d'être à côté de notre orbe. Sont-ils très similaires ou sont-ils tous les deux très légers ? Y a-t-il un contraste avec ce bord ? Vous pouvez voir que notre ligne de crayon perturbe réellement la réalité globale parce que c'est une ligne très dure et des lignes dures comme ça n'existent pas vraiment dans la nature. Ce que je vais faire, c'est que je vais ajouter un bord un peu plus sombre ici, juste là où notre table va derrière cette sphère et ensuite juste manipuler ça un petit peu. Mon journal est curling maintenant, ce que vous ne connaîtrez pas autant si vous enfoncez le vôtre. Ce n'est pas trop mal avec l'annulation. Ce n'est pas aussi bien que l'aquarelle, c'est bon. Nous sommes assez proches ici. Je n'ai pas encore mis de blanc droit sur notre pièce, ce que je pense faire. Vous pouvez penser qu'il y a des valeurs ici qui sont déjà très proches du blanc et bien que cela soit vrai, si vous n'avez pas ajouté de blanc droit, juste 100 pour cent rien d'autre que le blanc, vous pouvez être surpris par la quantité d'une différence qu'il peut faire. Le contraste sera le point de vente numéro un de la réalité et de l'efficacité. Quand il s'agit de peindre avec des médiums opaques ou n'importe quel support vraiment. Même si vous avez une très belle couleurs que vous avez mélangé très bien, faible contraste va rendre vraiment difficile pour le spectateur d'engager avec votre sujet. J' ai du blanc de rue que je mets ici pour cette lumière réfléchissante. Il va vouloir se mélanger avec nos autres couleurs parce que cette peinture est humide et parce que notre papier est encore un peu humide, ils vont vouloir se mélanger les uns avec les autres, ce qui est juste la nature de glotch. Tu devras décider combien tu veux laisser ça arriver. Il y a un peu de blanc croustillant. Ensuite, lorsque vous travaillez avec du badigeon, plus vous y ajoutez d'eau, plus il s'estompe au fur et à mesure qu'il sèche, plus cette couleur s'assombrit et disparaît. Quand je vais à l'intérieur avec mes reflets les plus blancs, j'essaie d'utiliser le moins d'eau possible. Quelque part ici est là où notre lumière va frapper. Nous avons aussi un bord très léger ici et je veux voir si je peux perturber un peu ce crayon. Ne vous laissez pas emporter et mettez ça sur tout le bord. Ça ruinera l'effet si tu en as trop. Je veux laisser tomber un peu de notre blanc sur le bord de notre sphère pour que nous puissions disparaître. Parce que comme je l'ai dit, cette lumière se reflète un peu. Nous avons quelque chose de très léger ici, et je peux le faire soit en ajoutant de l'eau pour rendre cette transition plus douce ou en ajoutant de la peinture, et je pense que je préférerais ajouter de la peinture pour garder un peu d'opacité, par opposition pour simplement ajouter trop d'eau. Vous devez faire attention à ne pas perturber nos bords à ce stade, qui est difficile à faire et vous pouvez toujours y revenir si vous faites quelque chose ou si vous pouvez obtenir de la peinture sur un endroit où vous n'avez peut-être pas essayé de le faire. médiums opaques sont assez pardonnants de cette façon. Juste adoucir un peu ça. Apprendre à observer de cette façon, en regardant votre référence et en regardant d'avant en arrière. C' est si important de pouvoir prendre le temps de le faire. Ce n'est peut-être pas aussi excitant que de peindre toutes ces couleurs dans un portrait et de sauter directement dans les trucs amusants, mais il y a tellement de choses à apprendre ici, et je pourrais faire cet exercice tous les jours pendant des années et des années, et ça ne m'aiderait que si je l'aborder avec l'intention de vouloir apprendre et réfléchir de façon critique à ce que je pourrais faire mieux la prochaine fois. Il y a beaucoup à apprendre en prenant le temps de faire des choses comme ça. Je pense que celui-ci est à peu près terminé maintenant. raison de la perspective de notre référence, ce bord arrière est en fait un peu floue, et je suis curieux de savoir à quoi cela ressemblerait si je devais juste adoucir le bord arrière de cette table. Ce n'est pas tout à fait concentré. Il suffit de laisser cela s'estomper en arrière-plan un peu plus. Nous avons toujours le bord implicite de notre table, mais elle s'estompe un peu. Alors bien sûr, nous allons garder le bord plus près du premier plan ici. Gardez ça un peu plus net, mais faites-le disparaître de ce bord arrière. Je suis plutôt content de l'endroit où c'est actuellement. Je sais que je pourrais le modifier et le modifier et continuer à faire petits changements, mais l'une des choses les plus importantes est de savoir quand tu as fini. Cela ne signifie pas nécessairement que c'est parfait, mais vous dites que j'ai appris ce que je voulais apprendre ou autant que je peux apprendre de cet exemple. Parfois, le résultat sera que vous commencez immédiatement un nouveau, ce qui est très bien. Mais si vous êtes à l'aise avec ce que vous avez appris dans ce cas, c'est bon d'y aller. J' ai fini, je vais m'éloigner, et ça va se passer. Parce qu'on travaillait mouillé sur mouillé, on en avait beaucoup. Nous faisions un peu de contact avec notre journal lui-même, poussant beaucoup de choses dans notre sphère. Mais j'aime vraiment l'effet global de celui-ci comme un dernier petit conseil. Lorsque vous voulez vraiment pousser votre blanc, parfois simplement mettre du blanc sur le blanc peut être vraiment utile. Parce que comme je l'ai dit, surtout ici, le blanc veut se fondre avec votre couche précédente. Cela restera vrai dans les couches supplémentaires. Le blanc que j'ajoute maintenant est au-dessus de plus blanc. La couche entière en dessous, mais elle peut vouloir se fondre avec, est juste blanche. Je vais ajouter un petit peu de blanc ici que je veux me fondre pour obtenir ce pond réfléchissant un peu plus. Je garde ma brosse humide pour que je puisse laisser cette couleur se mélanger et saigner parce que ce n'est pas aussi blanc que notre point culminant. Bien que je veuille qu'il soit plus léger, je ne veux pas qu'il soit si léger qu'il détourne de la forme qui est là où il est en ce moment. C' est un peu trop léger. Voyez maintenant, je suis juste en train de jouer. Ça a l'air beaucoup mieux. Si vous décidez de faire votre propre sphère, je vous recommande de garder votre petit tableau de valeur que nous avons fait à portée de main pour consulter lorsque vous allez regarder les zones les plus légères, même notre lumière réfléchissante en dessous, comme vous pouvez le voir, peut être plus sombre ici. Il est léger, mais il ne sera pas aussi léger que nos zones les plus légères ici. La table a un beau contraste où l'avant de la table est un peu plus léger et l'arrière de la table tombe un peu plus loin sur notre échelle. La même chose avec nos antécédents. Bien qu'il soit plus sombre dans l'ensemble, même de ce côté, une fois que nous arrivons à ces autres extrémités, il devient beaucoup plus sombre à notre échelle. Transition agréable et subtile. Je suis content de cela comme exemple. Si vous décidez de faire cet exercice aussi, veuillez l'ajouter à votre projet de classe. J' adorerais voir ce que vous venez avec. Encore une fois, cela a été fait avec notre blanc titane et notre gris Payne. 7. Portrait monochromatique - partie 1: nos exercices de base terminés, nous sommes prêts à plonger dans notre portrait de gouache monochromatique. Pour nos deux portraits, je vais travailler avec mon bloc aquarelle, soutenu sur un chevalet de table. Cela va m'aider à le voir d'un point de vue légèrement meilleur, et j'aurai mon image de référence sur le côté aussi, juste à côté de tous mes matériaux. Maintenant que nous sommes tous prêts, j'ai de la peinture fraîche pressée sur ma palette, et nous sommes prêts à commencer avec notre premier portrait en échelle de gris. Mon intention ici sera de se concentrer sur les valeurs, dans la structure de la base, et vous pouvez trouver la version téléchargeable de l'esquisse dans la section ressources de cette classe. Vous pouvez télécharger ce croquis si vous le souhaitez, et vous pouvez copier le croquis, imprimer et le transférer via une boîte lumineuse ou maintenir le croquis contre une fenêtre avec votre papier aquarelle, ou Tout ce que vous peignez, sur le dessus, et travaillez de cette façon. Cependant, vous aimeriez avoir ce croquis, parce que je veux me concentrer sur la structure, je ne voulais pas que le croquis soit trop un tracas pour vous. Si vous voulez juste peindre exactement ce que je peins, vous pouvez aller de l'avant et télécharger cette version de mon croquis, et peindre avec moi. Comme la dernière fois, nous allons aller de l'avant et commencer avec notre expérience, et selon notre référence, nous avons beaucoup de valeurs moyennes et plus sombres, qui se passent dans ce domaine. Nous ne voulons rien de trop léger en arrière-plan, nous voulons qu'il soit subtil, et juste traîner là-bas. Je vais commencer avec la plus grande taille de pinceau que j'ai ici, et diminuer lentement en taille pour des pinceaux plus petits, seulement si nécessaire. Vous voulez commencer avec un pinceau plus grand, et garder avec ce pinceau aussi longtemps que vous le pouvez. Cela va vous aider à bloquer les formes plus grandes en démarrant, et vous empêcher de vous concentrer trop tôt sur les détails, car vous ne voulez pas sauter dans ces détails tout de suite. Nous voulons bloquer nos grandes formes, puis affiner les choses au fur et à mesure. Votre peinture n'a pas besoin d'être super épaisse. Au fur et à mesure que vous commencez, vous pouvez ajouter plus d'eau, surtout en arrière-plan. Nous pouvons toujours regrouper les choses aussi nécessaires que nous allons. J' aime vraiment le contraste le long de ce bord ici, où le fond a besoin de la peau. Il y a des valeurs vraiment sombres là-bas. Je veux vraiment capturer ça. Nous voulons que l'arrière-plan ait quelques intérêts en ce qui concerne les valeurs, juste un peu de variation, donc ce n'est pas complètement plat dans ce cas, mais il n'a pas besoin d'être super fantaisie. Travailler la peinture humide en peinture humide, va aider les choses à se fondre ensemble. Si vous souhaitez passer à un pinceau plus petit, pour découper certains de ces bords intérieurs, vous êtes le bienvenu de le faire si vous avez l' impression que vous n'avez pas autant de contrôle avec un pinceau plus grand. Je pense aussi à ce stade à la différence entre la valeur des cheveux, et la valeur de l'arrière-plan. Il y a des endroits où les cheveux sont plus légers que le fond, comme ici, ce bord. Nous pouvons laisser notre arrière-plan être un peu plus sombre, et il y a des endroits où les cheveux sont plus foncés que l'arrière-plan, en particulier ici. Surtout le long de ce bord ici, nous allons ajouter un peu de légèreté à notre arrière-plan, sorte que nos cheveux contrastent quand nous arriverons à ce point, et ensuite les choses vont être très sombres, en bas ici, comme la forme des cheveux va fusionner avec le fond, et c'est une autre chose importante est que nous voulons penser à toutes ces différentes pièces comme des formes géométriques, avant de les décomposer en ce qu'elles sont réellement. Je vais directement dans la zone des cheveux maintenant. Nous avons quelques-unes de nos valeurs les plus sombres ici dans les cheveux. C' est à vous de décider si vous voulez commencer avec les valeurs les plus sombres, ou un ton moyen. Comme je l'ai dit, j'aime commencer par l'arrière-plan, dans des cas comme celui-ci où je veux que mes valeurs soient visibles et fortes, et je pense aux cheveux comme une grande masse, et ensuite on peut décomposer les morceaux. Tu veux y penser comme sculpter. J' ai utilisé cet exemple plusieurs fois dans divers cas. Nous découvrons d'abord les plus grandes formes, puis nous reviendrons et découvrons des détails plus fins. Si vous y pensez de cette façon, cela peut vraiment aider à accélérer le processus aussi. Couvrir autant de surface que possible pour commencer, sans trop se concentrer sur les détails, en particulier dans cette première couleur intérieure de pose, et nous allons constamment comparer nos valeurs. Je regarde et je vois que l'ombre jetée par la tête sur le cou est plus claire que la valeur de nos cheveux, mais en même temps elle est plus sombre que la peau qui l'entoure. Nous voulons qu'il soit quelque part entre ces deux valeurs, et parce que cette peinture est humide, vous pouvez voir que c'est [inaudible] mélanger ensemble cette forme d'ombre géante ici. C' est très bien. Je vais aussi entrer et ajouter un peu d'ombre ici, puis belle et sombre dans le coin, et nous pouvons manipuler certaines de ces formes plus tard. Un bord que je ne veux pas me perdre, c'est là où se trouve le menton. Je veux que le bord du menton soit assez visible, mais en même temps, je veux certainement lire comme une ombre, et nous reviendrons pour adoucir ce bord, car c'est une ombre de forme. Comme la joue s'évanouit et la mâchoire se courbe vers le bas, nous obtenons un peu plus d'ombre là-bas, et c'est plus une chose de transition. Je veux m'assurer que nous réfléchissons à la forme, dans tous ces cas. Comme je l'ai dit, je me concentre sur mon plus gros pinceau possible. Je ne veux pas passer à quelque chose de plus petit trop tôt. Il peut être très facile de commencer à perdre votre croquis pendant que vous travaillez, et c'est bon. Si vous commencez à découvrir que vous masquez votre croquis, et peut-être que vous changez certaines fonctionnalités à mesure que vous le faites, ne vous inquiétez pas, vous pouvez toujours revenir et retravailler les choses. Espérons que vous avez votre référence devant vous, de sorte que vous avez cela à regarder. Maintenant, les ombres de ce côté du visage, le côté plus léger du visage, même les ombres elles-mêmes vont être beaucoup plus légères, que les ombres de ce côté. Bien que nous ayons une ombre sur la joue ici, elle peut même finir plus légère que ce que vous voyez maintenant à la fin. Je regarde juste où je vois des ombres, et bloque ces espaces dedans. Ça n'a pas besoin d'être parfait pour le moment. J' ai fait un croquis au crayon cette fois, parce que je voulais que ce soit quelque chose qui puisse être facilement évaluable pour toi, mais souvent quand je fais des portraits à la gouache, comme ça, je finis par dessiner directement avec ma gouache, et j'ai trouvé cela très, très utile, pour établir une certaine valeur et poser dans mon croquis en même temps. La plupart de nos cheveux vont être plus foncés ici. Je vais aller de l'avant et je vais m'en occuper, et nous reviendrons et définirons nos formes un peu mieux plus tard. À ce stade, nous commençons déjà à voir certaines de nos valeurs se concrétiser. Il y a une chose intéressante qui se passe sur le cou ici où nous avons l'ombre coulée là-bas, mais il y a aussi un peu d'ombre de forme. Comme le cou, si vous le considérez comme un cylindre, est courbé loin de la lumière aussi. On a quelque chose de léger là-bas. Une autre valeur plus sombre importante que je vois, à part bien sûr, les traits sur les yeux est la forme des cheveux, et plus vous êtes précis maintenant, moins vous devrez y revenir plus tard. Si vous couvrez quelque chose ou que vous avez besoin de faire des ajustements, il est normal de faire des ajustements, mais la patience pourrait maintenant vous faire gagner du temps plus tard si c'est quelque chose qui vous préoccupe. C' est l'un de ces cas où je veux que la partie inférieure des cheveux soit plus sombre que notre arrière-plan. Si c'est quelque chose que je ne suis pas en mesure d'atteindre facilement, juste en posant ma valeur la plus sombre, je pourrais avoir besoin d'alléger l'arrière-plan environnant. Tu me verras prendre des décisions ici. J' utilise une gouache plus légère, donc je peux encore voir mon croquis en dessous, j'ai l'intention de construire dessus. Je vais couvrir cette zone des yeux, avec une couleur légèrement plus foncée. Juste pour me rappeler que ce côté du visage est dans l'ombre, et même si dans mon cerveau je sais que le blanc de l'œil est blanc, la couleur va être relative. Tout va être comparé aux couleurs qui l'entourent. Ce coin intérieur de l'œil va être plus blanc, que ce côté du blanc de l'œil. J' essaie de garder ces choses à l'esprit. Il y a aussi un peu d'ombre coulée sous le nez ici. Il y a un peu de haute lumière là-bas. Une fois que nous commencerons à obtenir davantage de nos autres valeurs autour de cela, les formes deviendront plus apparentes. Maintenant que nous avons beaucoup de blocs de trucs ici, je veux y aller et définir certaines zones avec un peu plus de détails. J' essaie d'être conscient du fait de savoir que j'ai un peu changé la forme, et je veux réfléchir à la façon dont cela change l'ensemble des traits du visage. Je pense qu'une chose qui va être importante est de sculpter le visage, qu'il ne devienne pas trop large ici le long de la mâchoire. On le fera en façonnant les cheveux. Voyons voir si je peux obtenir une gouache ronde légèrement plus grande, et ici, alors que l'épaule est relativement légère, cette partie ici, je vais le tonifier juste un peu, et c'est une chose de prise de décision, je veux tonifier ce bas, juste parce que je ne veux pas que l'épaule elle-même soit le point focal, je veux garder l'accent sur la base. Je vais mettre un peu plus de cela dans l'ombre, que ce que je pourrais voir dans ma référence. Juste donner un meilleur contraste pour ce bord supérieur. Il y a aussi un peu de lumière qui brille sur la clavicule, ce dont j'aime vraiment l'apparence. Même si je ne finalise pas ça maintenant, je peux juste placer cette forme maintenant, pour me rappeler qu'elle est là. 8. Portrait monochromatique - partie 2: Continuons notre portrait et misons sur notre gamme de valeur. Là où nous en sommes maintenant, je veux commencer à voir le visage se rassembler un peu plus. Nous avons de gros blocs, et maintenant je vais sauter en tirant des choses sur le point central étant le visage. Je vais commencer avec mon oeil sur de ce côté, et c'est mes broches assez droites gris. Je pose ça, je peux faire quelques petits ajustements d'où l'oeil plus tard dans mon croquis. Vous n'avez pas à vous soucier de dissimuler ce surlignement, car vous pourrez toujours revenir plus tard. J' ai juste une forme d'oeil rugueuse là-dedans. Aussi bien que nous allons mettre le pli de la paupière ainsi. Cela va être super utile pour voir notre valeur la plus sombre, et garder certaines choses un peu plus définies. Également couvrir un peu de cette mâchoire que cette ombre aussi très sombre. forme sombre dans cette zone va être sourcil, qui n'a pas besoin d'être parfait en ce moment, nous voulons juste obtenir la forme générale dans. Il y a une ombre sombre qui coule dans le pli. Ici, ce pli sous le brun, la courbe de la douille oculaire. Je vais alléger ça juste un peu, mais toujours garder cette forme d'ombre globale juste par ici. Ma peinture est beaucoup plus épaisse maintenant, et puis nous avons aussi cette ombre sous les yeux et elle est grande. Je veux penser à la plus grande forme d'ombre qui s'étend aussi ici dans le front, et je veux que tout cela soit une grande ombre. Donc, je vais connecter toute la zone autour de là. Je pense aussi à la façon dont ce blanc de l'œil, comme je l'ai dit, il fait sombre. J' ai de l'ombre par ici. Je pense d'abord aux valeurs, comme nous le faisons ici, avant même de commencer par la couleur. Vous pourriez passer tellement de temps dans cette zone apprendre et vous permettre de vous donner le temps de voir la couleur relative. Quelque chose comme une couleur qui peut sembler très sombre dans un espace, peut sembler beaucoup plus clair lorsque vous mettez cette même couleur ailleurs, et prendre le temps de voir comment les couleurs se rapportent les unes aux autres. C' est tout à fait inestimable. C' est si important. J' aime aussi l'ombre du nez, et comment il y a encore tant de variation dans la valeur dans le nez. Plus près, disons, du bout du nez, il y a un peu plus léger car cela attrape un peu de lumière réfléchissante, donc nous pouvons le faire un peu plus tard. Quelque chose qui peut être une valeur plus légère dans le nez peut être utilisé comme une ombre dans certaines de ces autres zones. Parce que, comme je l'ai dit, cette couleur est relative, et même ici, elle peut être utilisée pour les faits saillants. Donc j'utilise la même peinture sur ma course pour faire un surlignement ici, ombre ici, et puis je vais mettre en évidence ici à nouveau, c'est la même couleur qui semble différente dans différents endroits. Ensuite, marchez dans des endroits comme notre ombre la plus sombre sur cet œil. Je n'ai rien fait avec mon pinceau jusqu'ici. J' utilise juste la même peinture sur ruée pour poser certaines des valeurs d'ombre ici. Ensuite, nous aurons une partie des ténèbres dans cet autre œil aussi. Cette forme est un peu désordonnée car je tire mon pinceau à un angle bizarre et essaie aussi de rester hors de la voie de mon appareil photo. Là, nous avons un peu de nos valeurs plus sombres là-dedans, et ça fait une grande différence et j'ai presque oublié les narines. Un autre point de repère pour les valeurs sombres dans le nez. J' aime vraiment comment ce côté de la lèvre est aussi très sombre. Je veux juste dire à nouveau que l'ombre va dans la direction qu'elle est. Nous pouvons renforcer la forme du menton en y plaçant également notre valeur sombre. Nous faisons déjà beaucoup de progrès, aimons ça. J' essaie d'être conscient que je peins des changements que je n'aime peut-être pas qui se produisent. Par exemple, je peux voir que le visage lui-même semble être un peu plus large lorsque je peins et remplis des zones et que je sors de mon croquis pour permettre aux choses de devenir un peu plus larges. Je fais globalement comme le look du visage. Je suis assez satisfait de la structure, et puis je dois juste décider à ce stade à quel point je veux m'éloigner de ma référence. Avec les lèvres ici, encore une fois, je pense à des blocs de valeur. La lèvre supérieure est globalement plus foncée avec la lèvre inférieure parce qu'elle est en fait orientée vers le haut attire beaucoup plus de cette lumière. Donc, nous pouvons laisser beaucoup plus de points forts dans cette lèvre inférieure poser dans quelque chose qui est une valeur très légère juste pour couvrir un peu d'espace que j'avais laissé blanc. Ce n'est pas complètement blanc ici, mais ça va toujours être une valeur très légère dans l'ensemble. On y va. Il suffit d'éliminer une partie du dernier blanc sur la page. Nous arrivons à un point où vous pouvez choisir à quel moment vous voulez faire. Je peux penser aux choses que je voudrais changer. Des choses que je pourrais vouloir être différentes, comme sculpter à nouveau la forme de la mâchoire, et ramener ça. Je trouve cela très intéressant avec des portraits regardant quelque chose à cette phase, et me disant que, ça pourrait être fait, ça pourrait être fait. Maintenant, je pourrais m'éloigner et savoir que si je choisis d'y consacrer plus de temps, ce doit être de prendre des décisions précises. Je dois me dire comment ça peut être mieux, ce que je peux faire pour m'améliorer, et sachant que si je n'ai pas un but clair en tête, tout ce que je fais c'est de jouer pour le violon. Tellement saleté pour être conscient. Je vais avec un autocollant, couleur très claire ici et je remarque que c'est en fait un peu trop léger. Parce que comme je l'ai déjà dit, avec la couleur étant relative, une couleur qui peut fonctionner comme un point culminant de ce côté du visage ici sur le côté plus léger, peut être trop tard pour un surlignement de l'autre côté du visage , ce qui, je crois, est ce qui se passe ici. Donc, je vais en fait assombrir le point culminant sur le côté ombragé du visage de celui-ci. Tonifiez ça. Donc ça ne sort pas autant. Rappelons également que c'est une ombre de forme ici, la courbe du sourcil, donc nous voulons que ce soit subtil et un peu plus doux comme l'ombre. Vous pouvez voir qu'en augmentant la zone plus légère, en faisant glisser cette lumière autour, j'ai en fait changé un peu la structure faciale. Je suis allé endiguer ce backend. C' est un peu une poussée et une traction, tirant et poussant et tirant à ce point. Il suffit de changer les formes et de les amener à un endroit où je suis heureux avec elles. À ce stade, je veux aussi penser aux fonctionnalités sur lesquelles je veux me concentrer, faire ressortir et définir un peu plus, et que je veux laisser plus abstrait, ce qui est quelque chose dans mon travail que j'apprécie vraiment. Vous voudrez peut-être ajouter une tonne de détails partout et vous avez totalement la liberté de le faire. Personnellement, j'aime avoir un point focal, donc avoir un domaine où je sais que je vais travailler plus, et permettre que d'autres choses soient moins importantes et moins définies. Je vais entrer maintenant et mettre comme entre les valeurs. Sur cet œil particulier, nous avons des valeurs sombres, nous avons des valeurs de lumière, et je veux travailler sur les espaces entre les deux. Maintenant, nous nous déplaçons au moins dans cette zone du visage loin des blocs de couleur et dans un peu plus de penser à la conception des formes individuelles. Je vais courber ma forme tailler un peu du côté ici. J' ai l'impression que c'est un peu large. On y va. Remarquant aussi que nous avons fait la même chose de ce côté-ci. Il est juste devenu un peu large dans l'ensemble. Donc, j'utilise une valeur sombre pour courber cette forme dans un peu. Aussi le nez est un peu large juste parce que nous n'avons pas fait une tonne avec le rétrécissement du nez. Il ne faut pas grand-chose à faire, juste donner un peu d'ombre à certains des autres domaines. Il y a tellement de zones ici où la forme se courbe sur une face. On a beaucoup de formes, toutes construites ensemble. J' ai le plus grand dôme du front. Comment cela descend et s'enfonce dans les prises des yeux. Le nez sort comme un coin. Une chose que j'aime est en fait d'éliminer beaucoup de blanc de la sclérotique, le poids de l'œil peut être vraiment utile pour rendre votre chemin de lumières blanches sur parce qu'ils ne sont pas en concurrence comme la dernière partie de l'œil avec certains des les autres parties. Je vais tonifier cela pour que mon point culminant blanc, que je pense que je veux être en mesure de placer plus spécifiquement. En fait, je vais couvrir certaines des choses que j'avais laissées avant. Alors que j'ai cette couleur la plus sombre sur mon pinceau, je vais retirer certaines des valeurs les plus sombres à nouveau. 9. Portrait monochromatique - partie 3: Finissons notre portrait monochromatique avec les derniers détails et ces derniers faits saillants. Je recule ici, donc nous voulons flotter entre penser à détails plus petits et penser à des détails plus grands. Rappelez-vous que le contraste est votre meilleur ami, et si vous avez l'impression perdre des détails ou que vous ne pouvez pas vraiment voir ce qui se passe, vous pouvez toujours ajouter plus de votre valeur la plus sombre ou plus de votre valeur la plus légère. Je voudrais dire si mon blanc met en évidence les valeurs les plus blanches et les plus légères pour la dernière. Mais ça va vraiment faire éclater tout. J' aime vraiment l'expérience de mettre dans ces faits saillants blancs en dernier. À ce stade, j'aime mieux définir la forme réelle des cheveux. On a beaucoup de valeurs sombres ici. Je veux que cela devienne très clair. Maintenant que nous avons certaines de nos autres valeurs les plus sombres dans, il est beaucoup plus facile de voir la forme que les cheveux devraient être et la valeur qu'ils devraient être. Je veux garder certains des détails dans cette plus grande forme d'ombre, assez lâche et vague. Ajouter trop de détails à une zone d'ombre est un excellent moyen de perdre votre effet d'ombre global. Les choses se perdent et se cachent dans l'ombre dans la nature, et je ne veux pas perdre ça ici avec ma pièce. Je veux relier certaines de mes plus grandes formes d'ombre. L' un d'eux est l'ombre jetée par le nez ici. Amenez cela vers la bouche, et connectez cela à la forme de la forme des ombres de la mâchoire, des lèvres et des joues comme ça et aide à renforcer notre source de lumière. Je remarque de minuscules petits détails maintenant comme comment cette mâchoire a chuté un peu bas. Nous allons juste les courber un peu. Juste plein de petites choses qui peuvent être amusantes à changer. Je veux m'assurer que la forme des cheveux, en particulier même la racine des cheveux, est claire et visible et nous pouvons voir l'écoulement des cheveux et décider où nous voulons que cela commence dans le front. Peut-être certaines zones comme ici où la ligne entre les cheveux et l'arrière-plan qui devient un peu floue. Vous pouvez voir exactement où l'un commence et l'autre commence, le faisant avec un mélange d'eau et de peinture. En fait, j'aime vraiment le peu d'argent de la lumière, ce soit un point culminant des cheveux ou de la lumière de l'arrière-plan qui pousse à travers ici. J' aime beaucoup ça. Obtenir un peu plus gestuel maintenant, car je veux ajouter juste un peu plus d'intérêts de mes coups de pinceau ici. Quelques choses vont commencer à se produire alors que j'ai l'impression que j'approche de la fin. Ce sera des détails finaux et aussi des choix stylistiques. Je ne voulais pas faire ça plus tôt. Mais c'est un point où je voudrais envisager d'ajouter des mèches de cheveux individuelles pour ajouter un peu d'intérêt visuel, flux, de rythme et de style, à notre pièce. Vous pouvez passer à un pinceau plus petit ou moins si vous le souhaitez. Je finis par souhaiter l'avoir si je ne le fais pas. Je vais renforcer les ténèbres de ce bord. Rappelez-vous, nous pensons en termes de lumière et d'ombre. C' est presque tout le but de cet exercice. Au lieu d'y aller, je peins une mèche de cheveux. Nous voulons réfléchir à la valeur générale de ce que nous faisons. Une chose que j'aime, même quand vous êtes juste peindre dans des mèches individuelles de cheveux que vous voudrez peut-être aller autour de cette couleur sombre que j'ai ici, qui est à peu près une peinture droite gris, et mettre des mèches de cheveux partout avec cette couleur. Mais ce n'est pas ce qu'on voit. Il y a quelques brins qui attrapent la lumière plus que d'autres. Alors que certains des verrous individuels et brins peut-être sombres, ils seront tous. Certains d'entre eux vont attraper la lumière. Je pense que je suis à un point où je suis à l'aise pour passer maintenant à nos points forts. Pendant tout ce temps, j'ai utilisé ces deux brosses, les deux plus grandes brosses et seulement maintenant à ce stade je vais passer à un pinceau pointu plus petit et même ce tour, l'étiquette est la plupart du temps partie, mais je crois que est d'environ la taille sept. Maintenant même une brosse super minuscule, mais je vais passer à cela maintenant pour mes reflets blancs. Certains de cela va inclure juste brins de valeur vraiment léger pour certains de nos cheveux. C' est là que nous allons commencer à voir beaucoup de vie s'ajouter. Par exemple, de ce côté léger de la tête, nous allons essayer de le faire du mieux qu'ils peuvent sous cet angle. Nous pouvons ajouter quelques traits, de la texture, juste quelques endroits où la lumière va frapper, et attraper, et réfléchir. Si nous voulons revenir avec une valeur encore plus légère, nous pouvons le faire. Pas de pression pour l'obtenir exactement maintenant. C' est toujours amusant de construire les faits saillants et de les laisser couler, entrer et disparaître à nouveau. Écoute toujours ton pinceau. Si vous avez l'impression d'obtenir beaucoup de brossage à sec, des coups qui n'ont pas de ton de peinture sur eux, vous pouvez toujours ajouter un peu plus d'eau si vous le souhaitez ou non. Vous pouvez laisser cette texture de brossage sèche se produire. Mais vous avez toujours le contrôle de la quantité de peinture et d'eau sur votre pinceau et dans quelle combinaison et vous avez juste à être prêt à écouter ce que vous ressentez. C' est encore plus léger ici. Contraste va être votre ami pour faire ressortir les blancs. Si vous trouvez que vous mettez une valeur super lumineuse et qu'elle n'apparaît pas autant que vous le vouliez, cela pourrait être en partie parce que la zone autour d'elle n'est pas assez sombre. Ensuite, vous pouvez décider si vous voulez ou non aller et ajuster les zones environnantes. Aller ajouter un peu d'un point culminant au fond du nez ici, ainsi qu'à l'arc du Cupidon, ce côté de la paupière, ainsi que cette courbe ici. Ils vont attraper un peu plus de lumière ainsi que le bord interne de l'œil.Ce coin intérieur a toujours tendance à être assez léger. Je sais ce que vous pensez de ces faits saillants blancs dans l'élève et je les garde pour la fin. Ils sont très frappants et ont un très bon effet sur rassembler les choses. Parfois, la peinture ne se sent même pas faite jusqu'à ce qu'ils soient dedans, mais nous y arriverons. Je savoure juste le moment. Je veux ajouter un peu plus de contraste à ce bord supérieur ici. Je vais prendre ma couleur plus foncée, apporter ça. Je dois penser à combien je veux faire du violon. Voulez-vous que cette forme d'ombre soit un peu différente ? et se rendre compte ? Parce qu'une chose qui se passe, c'est les courbes du front ici, juste ici. Mais alors la pommette commence et c'est un changement définitif dans les plans du visage. Alors que cela se courbe vers le bas de la lumière, nous commençons dans la pommette, il tourne vers le haut vers la lumière. Cette surface commence en fait à attraper plus de lumière. Juste en laissant cela comme un bord dur, vous montrez ce décalage d'avion parce que nous ne parlons pas d'une ombre de forme. Nous parlons spécifiquement du changement dans les avions. Nous voulons un avantage dur juste là, ce qui, je pense, est très agréable et assez efficace. Nous nous rapprochons de nos points forts blancs. Je sais, tu attends avec anticipation pour le moment. Je vais alléger cette couche juste un petit peu. En fait assombrir celui-ci, il [inaudible] blanchir le papier dedans. Parfois, avec de la gouache, retournez à ma palette juste vouloir plus de peinture. Mais si les choses ont commencé à se dessécher, je devrais peut-être aussi ajouter plus d'eau. C' est une combinaison d'ajouter de la peinture et d'ajouter de l'eau parfois. Ce qui, bien sûr, peut affecter votre cohérence. Mais la pratique va être la clé pour maîtriser la cohérence avec la gouache. Je vais juste te donner un peu de temps. Une chose que je vais presque sursouligner parce que je l'aime tellement est la lumière qui attrape ce bord de la mâchoire. Je suis un grand fan de ça. Je l'aime beaucoup, donc je vais laisser ça plus léger qu'il ne le serait en fait. Je pourrais entrer juste de ce côté de la mâchoire juste un peu et ajouter un petit peu de lumière là-bas. Ou si je pense que c'est trop, bloquez ça avec mon doigt un petit petit peu. D'accord. On y est presque. Je veux impliquer un peu de légèreté au coin de l'œil. Là où la paupière rencontre le globe oculaire. Même de ce côté-ci. Comme ça. Il y a plusieurs choses qui peuvent changer l'expression dans un morceau. Nous n'avons pas parlé de l'expression à son tour. Mais ce n'est pas seulement que la personne fronce les sourcils ou sourit en regardant la bouche, il y a beaucoup d'autres choses. L' angle du sourcil, qu'il soit assis très haut, comme une surprise ou écrasé bas dans un cuir chevelu. Il y a beaucoup de choses qui peuvent changer l'expression. Ces sourcils sont levés et un peu doux. Ça nous donne, presque comme si le personnage regardait vers le haut. Elle sourit aussi un petit peu. J' ai un peu de douceur à son expression, à son cas. Mettons ces reflets blancs dedans, sur les yeux. Ensuite, nous pouvons voir s'il y a des dernières touches que nous voulons faire une fois qu'ils sont entrés, voir s'il y a quelque chose d'autre qui semble toujours manquer. Pour les reflets blancs, la lumière va frapper les yeux à peu près dans le même angle. Nous voulons que ces deux-là soient pour la plupart au même endroit sur les yeux, comme ça. Vous n'avez pas à être exactement la même forme. Habituellement, ce qui provoque la mise en évidence va être la même pour les deux yeux, sorte que les formes peuvent être similaires. Ensuite, nous pouvons penser à d'autres endroits que nous voulons aussi la même légèreté. Je pense spécifiquement à ces bords ici. Je veux peut-être faire ressortir le dessous du nez où la lumière rebondit sur la peau. La lumière se reflète à l'intérieur. Même chose dans certains des bords de la lèvre inférieure, ils ont tendance à briller un peu dans ce bord supérieur. Il suffit de retirer quelques-unes de ces zones de surbrillance et se rappeler que le lavage de réveil réactive les couches en dessous, vous risquez de perdre une partie de la légèreté de votre couleur. Comme vous travaillez dans une zone, nous allons définir un peu cette pommette. Je suis allé un peu trop loin ici et en fait perturbé la courbe du visage comme il se courbe vers le bas d'une manière qu'il devient un peu plus sombre, donc je ne veux pas trop perturber ça. Je vais garder ce peu plus sombre. Comme vous pouvez le voir ici, il y a des choses structurelles que je pourrais changer, il y a des choses structurelles que je pourrais changer, des petites choses que je pourrais continuer à jouer avec. Mais notre portrait est à peu près fait. C' est intéressant parce que j'ai l'impression que ça ressemblait beaucoup à ça il y a même 15 minutes. Le blocage initial dans l'étape, et obtenir 80 pour cent du chemin là-bas, même 90 pour cent de la façon il se passe relativement rapidement. Notre peinture est à peu près terminée maintenant et j'ai passé moins d'une heure, ce qui pour un portrait est assez rapide, je pense. Ça n'a pas besoin de prendre beaucoup de temps. Vous pouvez vous ralentir beaucoup en commençant par des pinceaux trop petits et en jouant trop avec les détails avant d'avoir verrouillé certaines de vos plus grandes formes. La seule chose que je pourrais faire est en fait de retourner à un pinceau plus grand et d'ajouter un peu plus d'intérêt et de valeur à notre arrière-plan. Plus précisément quand je pense est que je veux un peu de légèreté ici, je veux que cela contraste un peu plus notre forme de cheveux et je peux tailler cette forme de cheveux un peu plus aussi. Quelque chose d'un peu plus léger. Alors quelque chose d'un peu plus léger ici. Voyons voir, comme ça dans ce coin. Vous pouvez choisir combien vous voulez mélanger ces coups en ce que vous pouvez le laisser vraiment coups de pinceau comme je l'ai actuellement. Vous pouvez aller avec un peu plus d'eau et ajuster ces bords. Une autre chose importante à noter est que j'ai ajouté des morceaux de peinture grade à ma palette car j'ai travaillé parce que j'ai tout utilisé. Mon blanc s'étire un peu plus loin, mais parfois il faut ajouter un peu plus de peinture à ma palette et cela arrive. Si ça t'arrive, en ajouterai un peu plus. J' ai l'impression d'avoir un peu perdu cette forme. C'est bon. Je veux une forme relativement croustillante ici pour les cheveux, alors gardez ça en place. J' ai l'impression d'en avoir perdu certains, je ne veux pas dire des choses clés, mais j'ai vraiment perdu encore un peu plus de ma ressemblance en peignant ici. Ce croquis n'était pas déjà précis à 100 % par rapport à la photo de référence. Mais comme je l'ai peint, c'est encore plus une vie à part entière. Ce personnage est juste à l'air même différent, un peu plus unique, ce qui est très bien. Nous allons plus pour la valeur et la structure comme point d'étude que pour la ressemblance et la précision à 100 % à cet égard. À ce stade, je dois juste regarder mon portrait et décider s'il y a quelque chose que je veux changer. J' ai pensé à ciseler cette forme de la mâchoire un peu plus. J' ai aussi pensé à ajouter des cils, mais je ne pense pas que je vais le faire. Je suis assez content de l'endroit où se trouve ce portrait est différent de ma référence. Mais en me concentrant sur les valeurs, je suis capable d'obtenir quelque chose qui me satisfait relativement. La seule chose que je pense que je vais changer. Bien sûr, une fois que vous commencez à déplacer une chose, vous finissez par déplacer beaucoup de choses, c'est que je veux que l'ombre sur le côté du visage soit un peu plus sombre dans certaines zones. Comme spécifiquement d'ici et d'ici en haut. Je veux qu'il s'estompe un peu plus dans cet autre domaine. Très bien, je suis assis ici à regarder ce truc depuis quelques minutes, et je pense que c'est fini. S' il y a un des exercices que vous avez choisi ne pas faire jusqu'ici, c'est tout à fait bien. Vous pouvez choisir ce que vous aimeriez faire tout au long de ce cours. Mais si vous voulez commencer n'importe où, je recommande au moins de commencer ici. Certains de nos exercices précédents, comme notre sphère et notre échelle de valeur, ce sont deux qui vont être très utiles rendre ce projet beaucoup plus facile pour vous. Vous serez beaucoup plus familier avec la façon de comprendre vos valeurs et comment établir différents types d'ombres. Ces trois fonctionnent très bien ensemble. Mais maintenant, nous allons apporter notre couleur, obtenir notre palette de couleurs finale ensemble et travailler sur notre portrait de couleur final. 10. Analyser notre référence !: Avant de sauter dans notre portrait de couleur, prenons une minute pour analyser notre référence et choisir nos couleurs finales. Donc, avant de nous lancer dans notre portrait de couleur, je veux revenir sur quelques choses préparatoires avec vous, particulier la palette de couleurs que j'ai sélectionnée, en plus d'examiner notre photo de référence ici. Comme vous pouvez le voir ici, j'ai une variation sur notre triade primaire. Le rouge que je vais utiliser sera la quinacridone rose. Mon jaune va être ocre jaune, et mon bleu sera bleu céruléen. J' ai choisi ces couleurs spécifiquement parce que je veux quelque chose qui va se mélanger. Mélanges qui sont un peu moins saturés en fait. La rose de la quinacridone étant un peu plus fraîche, rapprochant un peu plus du violet, mélangée à notre ocre jaune va obtenir des oranges vraiment terreux, moins saturées, pas super brillantes, moins saturées, pas super brillantes,vibrantes, qui est quelque chose qui va être vraiment utile pour la référence à utiliser. La même chose avec le bleu céruléen et la quinacridone rose. Les violets que nous obtiendrons de ce mélange vont être différents que si nous avions utilisé autre chose. Je suis vraiment excité par ce mélange particulier. Si vous allez peindre à partir de la même référence de moi, pour laquelle je vais également fournir une version téléchargeable de mon croquis, et que vous avez des couleurs similaires à celles-ci, je recommanderais quelque chose comme ceci si vous aimerait faire quelque chose de très similaire à ce que je fais. Alors, bien sûr, on ne peut pas oublier un beau tube de blanc. Si vous avez un tube plus grand, j'ai beaucoup de gouache blanche parce qu'il semble être la couleur utilisée le plus de. Quelques autres couleurs que je vais avoir à portée de main, mais je n'ai pas encore décidé si je vais les utiliser. Je suis presque sûr que je vais vouloir briller parce que nous avons beaucoup de brun dans cette référence. Je vais prendre un petit raccourci au lieu de mélanger mon propre brun à chaque fois et probablement incorporer un peu d'ombre brûlée dans nos mélanges. Cela va également être très utile de mélanger avec notre bleu pour obtenir des tons sombres et très profonds dans certaines zones où nos valeurs sont les plus sombres. Les deux autres couleurs que je garde à proximité, je ne sais pas si je vais les utiliser ou non, est un rouge plus chaud. Quelque chose de plus proche de l'orange, et un jaune plus vrai, plus pur que notre ocre jaune. Je n'ai pas décidé si je veux les utiliser ou si elles vont distraire de la palette de couleurs que nous avons ici ou non. Mais je les garde à proximité juste au cas où, si je les utilise, bien sûr, je vous le ferai savoir. Pour être honnête, j'aimerais vraiment voir ce que nous pouvons faire avec ces couleurs ici. J' ai également imprimé ma photo de référence. Vous trouverez les liens vers des photos de référence dans la section Ressources à côté des croquis. J' ai ceci ici pour que je puisse avoir une référence régulière et visible à regarder. Je peux donc jauger la structure faciale et les valeurs. Vous remarquerez que tout comme notre peinture monochromatique qu'on a fait avant, je ne vais pas chercher une image exacte ici. J' utilise surtout ma référence pour les changements de couleur, les changements de valeur, la structure faciale, choses comme ça, et j'ai omis la main ici aussi. Parce que je veux me concentrer sur les tons de peau. J' ai imprimé une deuxième version avec un gros plan sur le visage afin que nous puissions mieux voir les transitions et la couleur. Pour une raison quelconque, mon imprimante a imprimé quelques petits cercles sombres ici, vous pouvez ignorer ceux-ci, bien sûr, ils ne font pas réellement partie de la référence. Ce que je veux vraiment voir dans un gros plan, ce sont les changements de couleur. Laisse-moi te rapprocher un peu. Nous allons parler de ce que je veux dire par changements de couleur et comment nous allons amplifier et exagérer ceux de notre peinture. Exagérer des changements subtils de couleur est l'un des plus grands outils que j'utilise pour créer des portraits très colorés qui semblent toujours fonctionner et avoir du sens. Commençons par exemple, j'ai l'impression que les rouges sont les plus faciles à retirer. Nous avons des valeurs plus rouges sur la courbe de la joue ici, ainsi que là où les cheveux jettent un peu d'ombre ici le long de la racine des cheveux. Donc ces rouges sont très évidents à voir. On a un peu de rouge ici dans la courbure de la forme du front jusqu' à l'os du sourcil. Ensuite, bien sûr, nous avons d'autres rouges autour nos lèvres et même ici près du menton. Un profil de couleur vraiment intéressant que je vois dans cette référence particulière est la combinaison de rouges et de verts. Maintenant, tu regardes peut-être ce dicton « vert, quoi parles-tu ? Je ne vois pas de vert. » Mais je parle de couleur relative et comment les choses peuvent juste apparaître un peu plus vert. Par exemple, si vous prenez cette couleur ici, le rouge comme il se déplace vers le bas dans la mâchoire, cette couleur ici est un peu plus verte, puis le rouge ici. Avoir ces couleurs complémentaires les unes à côté des autres les aide à y apparaître un peu plus visible. Un autre exemple que vous pouvez voir un peu plus clairement. Laisse-moi t'amener aussi près que possible. Si nous arrivons très près ici, vous pouvez voir un changement subtil se produire. On a un peu de rouge sur le menton se déplaçant dans une couleur moins rouge, mais ce n'est pas aussi marron qu'ici. Ce que je peux faire, c'est avoir du rouge , un peu plus brun, puis ajouter un peu de vert au mélange ici au bas de la mâchoire. Bien sûr, nous ne allons pas juste mettre de la quinacridone droite, ombre brûlée, et un mélange de vert ici. Toutes ces couleurs vont avoir des morceaux les uns des autres, et c'est ce qui va faire fonctionner la palette de couleurs. Je vais aussi probablement ajouter une bonne quantité de vert au mélange d'ombre sur le cou ici. Afin de garder mon palais relativement cohésif, il y a de bonnes chances que j'utilise un mélange de vert et de bleu grisâtre dans les yeux, que nous puissions vraiment tirer cette palette de marron, de rouge, vert, vraiment terreux sorte de couleurs automne automne tout à fait pour notre portrait. Nous pouvons voir un peu plus de vert sur ce bord ici ainsi qu'ici et dans les ombres profondes de l'oculaire, dans cette zone incurvée, et peut-être sous les yeux. Je voulais juste prendre une minute pour parler de certains de ces changements subtils de couleur parce que ce sont les choses que nous allons exagérer et amplifier dans notre portrait final. Nous avons une belle couleur chaude ici au bout du nez qui s'éclaircit et devient plus rouge à mesure que nous approchons du pont, puis de la courbure vers le haut dans l'os du sourcil. Si nous regardons notre référence pour notre portrait couleur à côté de la peinture monochromatique que nous avons déjà terminée, une chose que j'ai remarqué presque tout de suite est que l'éclairage de notre portrait couleur va être beaucoup plus ambiant et moins dur. Alors qu'avec l'éclairage sur notre portrait monochromatique, nous avions une source de lumière très forte de cette zone qui jette beaucoup de ce côté du visage dans l'ombre. Nous n'avons pas ce scénario d'éclairage fort presque autant à ce sujet. Les ombres qui se produisent dans ce portrait sont beaucoup plus basées sur les courbures naturelles de la phase. Donc nous nous retrouvons avec beaucoup d'ombres naturelles, comme les cheveux jetant une ombre sur le front tandis que la douille des yeux se courbe vers le bas par les yeux de ces ombres, ombres projetées par la courbure de la sphère du globe oculaire sous les yeux, créant les poches des yeux, puis vers le bas sous le nez, bien sûr, comme le nez sort sur le reste de la base et un peu d' ombre vers le bas sur la région de la lèvre supérieure. Une des ombres les plus grandes et les plus fortes que vous pouvez voir est ici alors que la tête jette une ombre vers le bas sur le cou. Bien sûr, nous allons avoir des valeurs plus profondes dans les plis, les yeux, et l'endroit où la paupière rencontre le globe oculaire, ainsi que l'endroit où les cheveux plus foncés, qui est déjà une valeur naturellement plus foncée, va avoir beaucoup d'obscurité en elle, et les parties des cheveux qui attrapent moins de lumière vont être plus sombres que les bords supérieurs des cheveux où il y a moins de poils autour de l'extérieur et crée cet effet de halo vraiment agréable que nous peut amplifier et exagérer dans notre portrait final. En regardant notre référence à côté de notre esquisse de portrait, vous pouvez voir que les caractéristiques elles-mêmes sont différentes. Il y a quelques similitudes et la forme, et dans la structure faciale bien sûr, mais il y a aussi beaucoup de façons qu'ils sont différents, ce qui me plaît vraiment. C' est la différence entre aller pour le réalisme photo et simplement utiliser votre référence comme référence pour vous guider pendant que vous créez votre propre portrait unique. Maintenant que nous avons parlé de notre référence, nous avons parlé de nos couleurs, allons de l'avant et mettons en place notre croquis et notre palette afin que nous puissions commencer à peindre. 11. Portrait de couleur - partie 1: Maintenant que nous comprenons mieux notre référence, sortons notre croquis et commençons à peindre. [ MUSIQUE] Alors que nous nous préparons à commencer notre peinture, je dois décider par où commencer. Je pense que ce serait une bonne idée d'obtenir une valeur sombre en premier, qui pourrait être soit l'arrière-plan ou commencer à se poser dans certaines des nuances plus sombres des cheveux. Encore une fois, ce que je vais commencer avec la plus grande brosse que je peux. J' ai une grande brosse plate de trois quarts de pouces ici que je vais utiliser pour commencer à bloquer en couleur. Je vais m'en servir aussi longtemps que je peux. Je pense que je vais aller de l'avant et commencer avec les valeurs plus sombres des cheveux et pour cela, je vais mélanger l'ombre brûlée avec un beau bleu céruléen. Une chose qui me semble vraiment intéressante à propos du bleu céruléen est le fait qu'il est un peu plus proche du vert. Ce qu'il va faire lorsqu'il est mélangé à notre umber brûlé qui est un peu chaud et un peu orange, va créer quelque chose qui a une teinte légèrement verte. Il n'y a pas beaucoup d'eau dans ma peinture ici. Je vais juste bloquer la couleur. Parfois, ce que je vais faire au lieu de peindre de cette façon, c'est que je vais commencer avec des lavages très lâches parce que si vous allez peindre avec lavage et que vous voulez utiliser des couches plus lâches, surtout quand vous bloquez en couleur à ce début vous voulez commencer avec ces couches de loser si c'est ce que vous allez faire. Pour ce tableau particulier, je veux juste commencer à bloquer mes valeurs plus sombres maintenant. Je vais réellement étendre les cheveux un peu au-delà de ce que j'avais à l'origine esquissé avec quelque chose comme ça. J' ai le sentiment que la forme des cheveux va changer au fur et à mesure que nous continuons à peindre. Je ne veux pas entrer et mettre cette couleur sur les sourcils ou autre chose comme ça actuellement, juste parce que je veux qu'elle ait cette valeur sombre. Je pourrais aller dans et bloquer dans des formes plus grandes et les sourcils ont tendance à être une forme plus petite. Si je commence à travailler sur eux maintenant, il y a de très bonnes chances qu'ils vont juste se couvrir plus tard alors que je peins dans le reste de la peau autour d'eux donc je ne vais pas le faire. Juste à titre d'exemple, dans une couleur légèrement changeante, je vais maintenant faire une couleur plus claire dans les cheveux. Pour cela, je mélange un peu de blanc dans mon mélange d'ombre brûlé, celui que j'utilisais déjà et le blanc a tendance à refroidir la couleur un peu. J' ajoute également une partie de mon och-re jaune et un peu de mon Quinacridone Rose pour donner à la couleur un peu de chaleur et puis quelques umber brûlé où je veux qu'il soit plus brun. moment, pour les cheveux, je veux que ça soit bloqué et lâche, je vais ajouter un peu plus d'eau à ma peinture. Je n'essaie pas de le rendre parfait maintenant de quelque façon que ce soit. Je fais juste entrer les couleurs et je pense à ce que j'ai et où je pourrais vouloir aller ensuite. Rappelez-vous, rien ne doit être parfait à ce stade, nous avons littéralement commencé à peindre et à poser en couleur. [ BRUIT]. Maintenant que nous avons un peu de valeur, je veux aller de l'avant et travailler dans la peau. Je vais ajouter un peu de ma Quinacridone Rose au bord de notre mélange brun pour obtenir quelque chose qui soit un peu plus rouge. C' est aussi assez lâche. C' est un lavage assez léger. Je vais juste placer cela autour de notre bord ici, et peut-être avec un peu plus jaune och-re pour réchauffer que nous le poussons avec le jaune och-re, il va juste devenir plus brun aussi bien. Je pensais juste que pendant que je travaillais sur ces calques initiaux, il pourrait être utile d'avoir plus de ma palette visible afin que vous puissiez voir comment je mélange mes couleurs. Gardez à l'esprit que rien ne doit être complètement parfait à ce stade. Nous bloquons les choses et apprenons vraiment à connaître la peinture si cela a du sens à ce stade et nous prenons des notes pour nous-mêmes d'une certaine façon. À ce stade, je me rappelle que je veux que ce côté du cou soit plus léger et il y a aussi certaines zones que je veux être plus chaud, certaines zones que je veux avoir plus de rouge et plus de jaune. Je garde cela aussi en considération et nous allons juste bloquer les choses à ce stade. Si vous gardez votre peinture plus transparente ici, ce qui signifie qu'elle contient plus d'eau, l'avantage de cela sera que vous pouvez toujours voir votre croquis en dessous. Je regarde ma référence et je pense à la valeur. Je pense aussi, comme nous l'avons dit, ces changements subtils de couleur. Blocage juste dans certaines zones qui ne sont pas nécessairement super points forts, mais qu'ils sont si relativement chauds. C' est mon objectif à ce stade et ensuite penser, qu'est-ce que cela a besoin de plus avant que je fasse ma prochaine couleur ? J' ai ajouté un petit peu de rouge à ce mélange et je peux commencer à ajouter des valeurs qui sont un peu plus rouges, si vous couvrez quelque chose d'autre, c'est totalement bien. Beaucoup de rouge ici près de cette pommette et nous allons mettre un peu sur le bout du nez aussi. Comme je l'ai dit, vous pouvez penser à cette couche initiale, juste cette pose de couleur lâche comme quelque chose dans le domaine de prendre des notes pour vous-même sur la façon dont vous pourriez vouloir que la pièce ressemble au fur et à mesure que nous progressons. Une chose que j'aime vraiment faire avec les portraits de lavage est de garder l'oreille relativement rouge contrairement à beaucoup de rouge dans les oreilles. C' est juste une préférence personnelle de ma part avec les oreilles et aussi autour des yeux, cela ajoute beaucoup d'émotion quand vous pouvez garder un peu de rouge dans ces zones. J' ai aussi tendance à me retrouver très sujette à oublier de peindre les lèvres du tout. Souvent, quand je commence, mes lèvres n'ont rien sur eux du tout pendant très longtemps et puis je pense, plus tard, je suppose que je devrais probablement mettre un peu de couleur sur les lèvres. Je pense qu'on doit entrer dans ce vert dont je vous ai parlé avant. Vous allez remarquer que ce n'est pas une couleur super verte. Je le mélange ici, juste avec des morceaux de jaune et de brun. Il va juste lire comme plus vert que les couleurs que nous avons mises jusqu'à présent et c'est vraiment l'objectif. J' utilise également cela comme une couleur d'ombre, ce qui est très important à noter. Dans certaines zones, l'ombre va sembler plus sombre que dans d'autres zones. Il a l'air sombre quand je le place ici autour des yeux. Mais quand je me rapproche du fond où j'avais déjà établi des couleurs plus sombres, il ne lit pas tout à fait ce sombre. Je vais en fait mélanger ce quelque chose d'un peu plus sombre juste en tirant des morceaux de couleur, en le gardant autour du bord de mon mélange. Si je devais mettre cela comme il est en ce moment, cette couleur ici serait assez saturée et pourrait être assez distrayant. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire en le faisant. Si je devais laisser tomber ça là-dedans. C' est certainement très vert, parce qu'il fait tellement sombre, ce n'est pas trop mal en fait. Je peux même le laisser pour un petit moment, j'aime ça. Oui, certainement beaucoup plus vert que les autres couleurs que nous avions utilisées. Pour approfondir et contraster le reste de l'ombre. Le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires, ce qui signifie évidemment qu'ils se complètent très bien lorsqu'ils sont placés l'un à côté de l'autre. Mais lorsqu'ils sont mélangés, ils se neutralisent les uns les autres. En mélangeant mon rouge et mon vert, je reçois ce beau brun désaturé, qui va me donner un ton plus profond pour certaines de mes zones d'ombre. Je peux laisser ça dans des endroits plus sombres. Puisque j'ai cette couleur foncée sur mon pinceau, je peux y aller et le placer dans certaines de mes zones plus sombres. C' est là que je sentirai certainement que j'utilise un pinceau un peu trop grand pour le travail, mais c'est bon. Nous allons également bloquer dans quelques formes approximatives de sourcils ici. Ce ne sont évidemment pas les formes finales que nous utiliserons. Mais nous les mettrons là-dedans. Ce sourcil essayant de s'enfuir, n'est-ce pas ? Je dois prendre des décisions sur ce bord du visage ici. Comme dans notre référence, il y a un coup de main là-bas. Ça va être quelque chose qui dépend un peu de notre imagination quant à ce à quoi ça va ressembler. Mais déjà, nous avons un formage de couleur très agréable. Ce qui a généralement tendance à se produire chez moi, c'est qu'à ce stade, je vois des zones que je laisse blanc que je veux couvrir pour que je puisse me concentrer sur des zones plus petites. Je dois prendre des décisions sur le ton de certaines zones plus légères. Faire de bons progrès jusqu'à présent et cela ne fait que quelques minutes. Une grande partie de cela a à voir avec un gros pinceau tout de suite. En pensant à mes faits saillants, l' une des premières choses que vous pouvez faire est évidemment de commencer à ajouter du blanc. Ce que je vais faire, c'est juste ajouter du blanc à une zone que nous avons déjà et poser quelque chose et voir ce que nous avons. Vous pouvez voir cela semble relativement gris par rapport à nos autres couleurs très chaudes. C' est juste parce que la lumière a un effet de refroidissement naturel sur d'autres couleurs. Cela va naturellement rendre les choses plus fraîches et plus proches du bleu. Je finirai par couvrir beaucoup de ça. Même cela est plus chaud mais pas super chaud, il peut sembler un peu sale. Une chose que vous ne voulez pas faire ce que je peux ou ne pas faire en ce moment est si vous savez qu'une couleur est mauvaise, si vous savez que ce n'est pas ce que vous voulez et pas nécessairement, cela ne fait même pas partie de votre processus de prise de notes où Tu ne fais que poser des choses et pour commencer, c'est une chose et c'est bon. Mais si vous ne faites pas ça et que vous êtes juste couché dans une couleur et que vous savez, ce n'est pas correct, ne le mettez pas là. Si vous savez déjà que ce n'est pas ce que vous voulez et que cela ne vous aide pas à vous rapprocher de ce que vous voulez, ce peut être une bonne idée de simplement passer le temps supplémentaire à mélanger et à se rapprocher de ce que vous voulez. ce moment, je cherche un rouge plus terreux qui soit peu plus sombre pour les bords de notre nez ici. Je ne veux pas perdre le pli du sourcil. Oui. Maintenant, je suis très proche de me sentir comme si ma brosse était trop grande, car j'ai couvert beaucoup de la zone et utiliser une taille sans balai va très bientôt commencer à me mettre sur mon chemin. C' est maintenant que je veux commencer à penser à passer à une brosse plus petite ou juste à peu près là, à coup sûr. Je mélange un peu plus rouge, un peu plus marron. Bien sûr, lorsque vous ajoutez plus de peinture, vous allez probablement vouloir ajouter plus d'eau parce que votre peinture va lentement sécher. J' aime la façon dont nous avons établi des formes en bloc ici. Mais je vois qu'une forme commence à se perdre. Je pense qu'il est temps de passer à un pinceau plus petit et de rétablir une partie de la forme. Je ne veux pas passer à quelque chose de trop petit à ce stade donc j' utilise juste une brosse ronde relativement grande. J' aimerais vous dire quelle taille c' est, mais c'est un peu usé et n'a pas beaucoup. Juste pour référence, c'est une taille six ou huit à côté ici. Vous pouvez voir que c'est encore un pinceau rond relativement grand. Je passe à cela maintenant pour que je puisse établir quelques repères. Maintenant que nous avons une structure de base, la couleur que je mélange maintenant est ma combinaison de bleu et de brun. Je vais chercher quelque chose de très sombre parce que notre bleu céruléen est si proche du vert. J' ai peut-être même besoin d'un peu de rouge pour tonifier la couleur et l'obtenir belle et profonde. Presque comme si nous les mélangions violet avec brun au lieu de bleu avec brun, qui est essentiellement ce qui se passe ici. Je vais entrer et établir les yeux pour qu' ils ne commencent pas à dériver pendant que je les construis. Je veux garder ces repères sombres en place. On a des ténèbres là-dedans pour nos yeux. Encore une fois, j'aime profiter d'une couleur pendant que je l'utilise. Je vais aussi l'utiliser pour certaines des valeurs les plus sombres des cheveux. Autour du bas où les cheveux courbent vers le bas et loin de la lumière si vous pensez que cela comme une grande sorte de forme d'orbe, nous pouvons obtenir une partie de cette obscurité là-dedans. Peut-être même sous notre menton où nous avons commencé à perdre la forme du menton. On peut redéfinir ça un peu avec quelque chose d'un peu plus sombre. Comme je l'ai dit, les détails semblent disparaître dans l'ombre. Nous ne voulons pas avoir trop de lignes dures ici pour notre valeur d'ombre. En prenant une brosse propre et humide, je vais juste mélanger ça en un peu. Cela peut être, bien sûr, une bonne occasion de redéfinir certaines de nos caractéristiques. Alors que nous abordons un peu plus de détails maintenant, je trouve que la chose la plus importante à faire une fois que vous avez bloqué en couleur est de mettre ces repères dans les plus brefs délais afin que vos fonctionnalités ne se perdent pas seulement. Je pense à la courbe des nœuds ici en essayant de garder la main sur cela. C' est bon, on peut aller chercher les détails. Dans un futur pas, vous remarquerez que j'ai fait cette forme d'œil très, cette obscurité est très épaisse. Une partie de mon but pour cela est que je veux agrandir l'œil dans son ensemble. Encore une fois, c'est moi me faire une note que j'ai remarqué que j'étais conduit permettant à l'œil de devenir un peu petit peu petit, celui-ci en particulier. Quand j'y reviendrai, je vais vouloir le rendre plus sombre. Mes sourcils peuvent rester très semblables à ce qu'ils sont maintenant quand la pièce est terminée. Je ne ferai peut-être pas beaucoup plus pour eux, car je ne veux pas qu'ils soient nécessairement un point focal important, mais je veux qu'ils soient là. Encore une fois, toujours juste en utilisant cette couleur foncée parce que je l'ai sur mon pinceau. Beaucoup de ces notes que nous avons faites pour nous-mêmes dans les premières étapes ont été vraiment utiles. Maintenant, nous commençons à aller dans un travail un peu plus détaillé. Nous pouvons le faire confortablement et sans crainte. On y pense presque de la basse résolution à la haute résolution , ce qui est une analogie que j'ai entendue récemment un artiste. J' adore cette idée. Nous affirmons que si vous deviez plisser sur votre tableau, et que vous ne pouvez voir que certains détails, vous ne pouvez voir que les gros morceaux de valeur, quoi cela ressemblerait ? Les choses que vous verriez quand vous plissez, seraient les zones sombres et les zones claires. Une fois que vous pouvez obtenir certaines de ces valeurs dans, vous pouvez les faire établir. Ensuite, vous pouvez plisser un peu moins ou vous rapprocher un peu cette résolution et voir les détails un peu plus clairement. Une chose dont je ne veux pas faire l'erreur est de faire toute la structure faciale et d'ignorer l'arrière-plan, et de devoir le faire plus tard, ce qui pourrait être un problème si nous empiétons sur certains de nos autres domaines. Je ne veux pas faire trop de détails maintenant seulement besoin de les peindre plus tard. Avec notre arrière-plan, si nous regardons notre photo de référence plus grande, il y a beaucoup d'obscurité qui contraste la peau plus claire. Mais aussi ici, il y a quelques valeurs plus légères qui contraste l'obscurité des cheveux. Je pense que je vais jouer avec la couleur de fond et la rendre différente de ce que nous voyons ici, mais en gardant ces aspects fondamentaux de la valeur. Des valeurs plus sombres ici en bas pour contraster la peau avec quelque chose de plus léger autour du haut pour contraster les cheveux peut-être laissant un peu de place pour cet effet halo. Nous voulons un peu de contraste là avec peut-être un peu plus sombre autour du bord des cheveux pour le fond mais encore quelque chose, quelques morceaux de légèreté pour contraste l'obscurité globale. Nous devrions trouver quelque chose ici pour la zone des chemises aussi bien qui va être très lâche et pas super défini. 12. Portrait de couleur - partie 2: Avec nos fondations en place, nous sommes prêts à ajouter du style avec notre arrière-plan et quelques détails amusants. La couleur que j'ai sur mon pinceau en ce moment est un mélange d'ocre jaune, un petit peu de bleu céruléen et beaucoup de blanc. Je suis juste curieux de savoir comment cela ressemblerait sur notre arrière-plan et juste en plaçant cela dans le coin, je sens que c'est très similaire à nos tons de peau. Si j'ajoute un peu plus de bleu, il devient un tout petit peu vert et ce que je ressens dans l'ensemble, c'est que ces deux couleurs sont très semblables à certaines des couleurs que j'ai dans la peau. Maintenant, si je veux garder les choses super cohésives, c'est tout à fait bien. Je peux jouer avec ce mélange de couleurs comme c'est le cas. Mais je veux essayer quelque chose d'un peu différent, qui commence par le blanc, ajouter un peu de bleu et obtenir quelque chose d'un peu plus propre. Jouer avec quelque chose qui va contraster notre fond et jouer avec quelque chose qui va contraster nos traits du visage un peu plus et les couleurs de la peau. Comme vous le savez à ce stade, j'ai épuisé presque tout mon badigeon frais, j'ai du blanc séché en dessous duquel je tire juste, mais ça ne prend pas longtemps pour passer par un badigeon, mais ça ne prend pas longtemps pour passer par un badigeon,c'est pourquoi c'est quelque chose que j'aime toujours avoir un plus grand tube de quand je peux. Je veux obtenir un peu plus de ce bleu céruléen propre mélangé avec beaucoup de blanc, donc je peux avoir quelque chose qui a moins de jaune dedans quelque part. Avoir quelque chose de trop semblable à nos tons de peau ferait que cela se fondre directement dans. Je veux bien sûr garder mes valeurs à l' esprit et me demander si je veux le fond soit plus clair ou plus foncé que la peau. Comme je l'ai dit, je voulais qu'il soit plus sombre dans la zone plus proche de la peau, puis plus clair dans certains endroits près des cheveux. En ajoutant ce mélange bleuâtre foncé ici à la base, je peux alors simplement ajouter du blanc ou même simplement ajouter de l'eau à cette couleur près du haut pour contraster les cheveux. Ce Brown sera encore plus sombre que la couleur qu'on avait. À ce stade de la peinture, je veux me concentrer davantage sur les yeux. Je les ai laissés relativement non peints jusqu'à présent, mais je ne veux pas qu'ils restent comme ça. Parce que les yeux vont être un grand point focal pour la peinture. Je veux avoir des détails sur eux maintenant. Ce que je fais maintenant, c'est que je mélange une couleur relativement claire pour les blancs des yeux. Je veux que ce soit un peu cool. Il y a un peu de bleu dedans, mais je ne veux pas qu'il soit bleu comme notre fond, il y a aussi un peu de rouge dedans pour changer la teinte de la couleur. Une erreur courante qui est faite quand les gens peignent les yeux est qu'ils vont rendre le blanc de l'œil trop blanc et parfois faire cela peut vraiment vous gâcher. Parce que lorsque vous allez mettre dans les faits saillants, il n'y a pas assez de contraste entre le point culminant et le reste de l'œil. Je n'utilise pas un blanc pur ici. Je suis couché dans une couleur bleu légèrement grisâtre et il est toujours correct de passer sur les espaces si je veux changer les formes des choses. J' ai une couleur très neutre de notre bleu et brun mélangés ensemble en ce moment et je vais juste nous obtenir cette couleur vraiment sombre dedans. Juste parce qu'à ce stade je dois jauger la forme de l'iris et de la pupille dans son ensemble avant d'essayer de différencier les deux. Tout comme avec notre plus grande peinture globale, nous voulions d'abord obtenir les gros morceaux et ensuite travailler sur les détails. Nous faisons la même chose ici, juste dans une zone plus petite, ces gros morceaux d'abord et ensuite nous pouvons aller travailler sur les détails. Une fois que nous sommes sûrs que ces pièces sont justes et déjà je suis beaucoup plus heureux avec cela. Les yeux, parce que je veux qu'ils soient un point focal, ils sont souvent un endroit agréable pour ajouter des touches de couleur et ma couleur préférée pour apparaître dans les yeux est définitivement rouge. Je pense que ça peut ajouter beaucoup d'émotion aux morceaux. J' ai tendance à, dans les coins des yeux, ajouter un peu plus de rouge. Je vais éclaircir le fond du blanc de l' œil et laisser le haut un peu plus sombre juste pour montrer qu'il y a une ombre créée par la paupière. En observant les différences entre mes deux yeux, je peux voir que cet œil se courbe un peu plus dans le coin et je veux garder ce bord beau et haut. Si vous allez peindre sur la couleur précédente comme je le fais ici, vous voulez vous assurer de garder votre peinture relativement épaisse et pas trop humide. Vous devrez peut-être faire quelques couches, surtout si vous couvrez une couleur plus foncée avec une couleur plus claire. Mais si vous gardez votre peinture un peu plus épaisse que l'eau, elle ne réactivera pas presque autant votre peinture. Nous avons maintenant une belle couleur plate pour nos yeux et je vais expérimenter quelque chose de vraiment vert, mais quelque chose qui devrait être relativement léger, juste pour apparaître dans une valeur plus légère au bas de l'iris. En bas, comme ça. Cela peut ajouter beaucoup de lumière et de vie à vos yeux assez simplement et ensuite avec une brosse humide et propre, je peux le mélanger. Comme vous pouvez le voir, j'ai maintenu un anneau sombre rarement autour l'extérieur de l'œil et cet iris est un peu trop petit. Je veux ajouter une valeur encore plus légère à la lumière de mon œil et j'aime vraiment construire progressivement des valeurs plus légères comme celle-ci et je dois faire attention à savoir si cette peinture est encore humide ou non. Parce que si j'ajoute juste plus de couleur à la peinture humide, ça va se fondre ensemble, ce que je veux peut-être, ou ça peut simplement bousiller mes couleurs. Je dois être très conscient quand j'ajoute ma peinture. Comme vous pouvez le voir en quelques minutes, nos yeux sont beaucoup plus vivants qu'ils ne l'étaient avant que nous ne commencions. Je finis souvent par sauter d'avant en arrière à ce stade pour corriger les erreurs que je fais. À ce stade, nous allons travailler sur quelques objectifs vraiment simples. On dirait que je saute beaucoup, mais je me concentre sur quelques choses. Tout d'abord, je voulais ajouter un peu plus de variété de couleurs. Je suis entré et j'ai ajouté un peu plus de rouge pour équilibrer tous les jaunes et les bruns que nous sommes dans le visage. Après cela, j'ai voulu récupérer et rétablir certaines des valeurs plus légères et ces avions plus légers, les zones du visage qui vont faire face un peu plus vers le haut et attraper un peu plus de lumière, comme les pommettes et l'os du sourcil, le haut de la lèvre. Je voulais les rendre plus légers pour que les plans du visage se démarquent un peu plus et que nous donnions plus de dimension et de forme à notre portrait. Une fois que j'ai ces valeurs plus légères dans, je peux construire ce contraste encore plus en revenant et en établissant des zones plus sombres. Encore une fois, je travaille vraiment sur des changements subtils dans la variété des couleurs et construit notre contraste pour rendre cette structure encore plus solide. Je vais aussi retourner et remplir certaines zones que j'avais auparavant permis d'être un peu plus transparentes, certaines zones où je viens de poser dans des lavages plus légers, je reviens maintenant pour augmenter la opacité globale afin que tout soit uniforme tout au long de la pièce. À ce stade de notre peinture, nous sommes à un stade où nous pourrions très facilement nous perdre un peu. Il y a beaucoup de structure qui est déjà définie ici. Si nous regardons une image de notre tableau en niveaux de gris actuellement, nous verrons qu'il n'y a pas une tonne de variation de valeur. Nous avons des taches claires qui sont un peu plus sombres. Bien que nous ayons plusieurs nuances différentes dans la base, nos valeurs globales sont relativement plates et notre photo de référence est également relativement plate, en ce qui concerne la valeur. Donc je ne suis pas trop inquiet à ce sujet. Mais il y a quelques changements que nous pouvons apporter pour tout rassembler alors que, nous l'espérons, nous entrons dans les étapes de la finalisation de ce portrait. Une chose qui, je pense, va être très utile pour nous y rendre, est de ne pas avoir une zone qui a la plage de valeur complète. Eh bien, avant d'attendre la toute dernière étape pour ajouter les faits saillants à nos yeux, je vais aller de l'avant et le faire maintenant. J' ai une zone de mon visage qui a toute la gamme de valeurs. Nos yeux vont avoir la valeur la plus sombre et nous allons déposer un point culminant, sorte qu'il aura également une valeur la plus légère. Ensuite, nous pouvons tout mettre en conformité avec cette gamme. Pour moi actuellement, cela fait quelques jours que j'ai fait les premières sections de ce tableau. Je travaille avec de la gouache réactivée aujourd'hui. Si vous cherchez quelque chose de vraiment opaque et serait facile est d'utiliser la consistance sur une journée fraîche, vous pouvez toujours presser de la peinture fraîche. Je vais juste faire un point culminant en haut de l'œil, juste là. C' est vraiment utile pour mesurer où nous en sommes et où nous voulons être et je vais laisser tomber cette couleur claire très doucement au bas de l'œil. Ce que cela aide à faire est de garder l'œil sphérique. À mesure que le globe oculaire recule dans l'espace vers le haut, il devient plus sombre quand il disparaît derrière la paupière. Maintenant, nous avons beaucoup de portée là-dedans. Je veux simplement m'assurer que les valeurs dans les autres domaines sont très claires. À ce stade, j'aime parfois aussi, cela peut sembler un peu contre-intuitif, mais j'ai tendance à commencer à ignorer un peu ma photo de référence. Ce que je veux dire par là, c'est que c'est l'étape où je veux laisser de la place pour une interprétation créative. Ce que je vais faire, c'est que je vais juste commencer à me concentrer un peu sur ce que je veux communiquer avec cette pièce. S' il y a une atmosphère spécifique que je pense que j'aimerais que cette pièce partage et communique, c'est le moment de le faire. En outre, pour obtenir des couleurs plus fraîches, nous avons des valeurs très chaudes actuellement. Je pense que le contraste un peu avec quelque chose d'un peu plus cool pourrait être vraiment utile. Cette couleur est une couleur grisâtre, mais elle a beaucoup plus d'une barbade et de bleu et je veux que ce soit une valeur sombre. Lorsque vous introduisez une nouvelle couleur dans vos pièces, l' une des meilleures choses que vous pouvez faire est de vous assurer que, cette couleur existe dans plus d'un endroit. Il peut sembler vraiment hors de propos quand vous avez une couleur, vous l'apportez et il ne va qu'à un seul endroit. Quand je travaille sur un portrait, il y a très peu de cas où j'ajouterai une couleur droite, entièrement saturée sans la mélanger avec quoi que ce soit d'autre. Habituellement, c'est un moyen vraiment facile de gâcher les choses, si vous avez trop de saturation partout, vos couleurs ne fonctionneront pas les unes avec les autres. Pour moi, l'exception à cela est généralement une couleur d'accent. Une couleur que je choisis spécifiquement pour permettre d'être beaucoup plus saturé. Neuf fois sur 10, cette couleur est rouge, pour moi. Surtout lorsque vous travaillez avec des portraits, rouge peut souvent signifier la chaleur de la peau dans une zone où le flux sanguin est plus élevé. J' ai l'impression que c'est une couleur qui fait un excellent travail de simplement ajouter plus d'émotion aux pièces. J' ai mon pinceau un peu mouillé ici et je ramollit certains de ces bords. Je le fais un peu sélectivement parce que je veux que le rouge se démarque. Mais je ne veux pas que ça soit distrayant dans certaines régions. Mais je veux que ce rouge soit une combinaison de bords durs et de bords souples. Il y aura des endroits où je vais ramollir ça, et dans d'autres endroits je vais juste le laisser beau et croustillant. J' aime quand la rougeur se fond aussi dans l'œil. On y va. Une autre chose qui me manque vraiment dans cette pièce sont quelques valeurs très légères dans la peau. Je sens que la peau, même nos zones plus légères, ils ont été un peu grisés. Je vais essayer d'ajouter un peu de chaleur aux reflets de la peau, avec juste du blanc et une touche d'ocre jaune. Essayez de garder cette couleur aussi propre que possible. Il devrait également rester relativement opaque. Si cette couleur devient trop aqueuse, elle va juste réactiver les couches en dessous. Je pose ça, ça me semble encore assez aqueux. Mais nous allons commencer ici et si le résultat est que nous avons besoin de couches sur un peu plus de couleur au-dessus de cela, c'est bon. J' essaie juste de retirer certains de mes faits saillants sur la peau, et il y a beaucoup de zones lumineuses dans cet exemple particulier. J' ai un brun très riche sur mon pinceau en ce moment que je suis juste de tester, c'est la couleur qui principalement jusqu'à ce point a été réservé un peu plus pour les cheveux. Je voudrais peut-être l'utiliser pour ajouter de la chaleur à notre visage. Vous pouvez décider en tant qu'artiste, combien vous voulez penser sur votre papier, ou si vous voulez prendre ces décisions avant de peindre. Choisir de penser sur votre papier, ce qui est quelque chose que je fais un peu ici, comme juste poser une couleur et ensuite décider ce que je ressens à ce sujet. Le danger de faire quelque chose comme ça, bien sûr, est que si vous pensez à quelque chose et que vous changez d'avis, par exemple, alors vous êtes responsable de changer vos couleurs. Il peut y avoir beaucoup d'aller-retour de cette façon. Je suis aussi à ce stade faire beaucoup de plisser à mon papier pour jauger les valeurs et voir les zones qui sont plus sombres, voir les grandes formes un peu mieux. Je pense que je vais adoucir un peu ce bord. 13. Portrait de couleur - partie 3: On y est presque. Ajoutons quelques touches de finition. Maintenant que le visage est à peu près comme nous voulions, il est temps de travailler sur les cheveux. Le visage dans l'ensemble a beaucoup de grandes formes plus lisses donc je voulais que les cheveux contrastent cela. Je voulais des valeurs plus profondes, sombres dans l'ensemble et je voulais aussi ajouter une texture qui contrasterait le visage tout en étant moins détaillé parce que je veux que les yeux et le visage soient le point focal de notre pièce. Je veux que les cheveux soient intéressants et aient beaucoup de mouvement et beaucoup de texture mais je ne veux pas qu'ils soient si détaillés qu'ils détournent de notre visage. Je me sens comme si finaliser un peu de couleur pour les cheveux va m' aider à savoir ce que je dois faire pour finir le reste de la peinture. Une chose que j'aime vraiment à propos de cette brosse plate que j'utilise, c'est en fait un peu libre qui n'est pas dans le meilleur état. Quand je l'applique directement sur mon papier comme ça, cela me donne un peu plus de texture et fonctionnera vraiment bien pour ce cheveu. J' aime vraiment ça, qu' on ait un beau contraste entre les cheveux et les arrière-plans ici. Notre forme de cheveux s'éloigne un peu de nous. Je suis vraiment intéressé à savoir si j'aurai le contraste nécessaire pour ajouter un peu d'éclat, un anneau autour des bords des cheveux. En théorie, c'est quelque chose que j'aimerais vraiment faire. Mais ce dont j'ai besoin est alors pour les zones autour de tout ce qui met en évidence est d'être très léger, par exemple, comme ici, j'aurais besoin de ce contraste très bien à la fois les cheveux et le fond et le même devrait être pour partout où je choisis de placer cette valeur plus légère. J' observe à ce stade pour voir s'il y a quelque chose que j'ai perdu pendant que je peins des valeurs qui auraient pu être mieux préservées que je voudrais ramener. Je mélange un pourpre brun foncé foncé pour retrouver certaines de mes valeurs plus sombres, comme le pli de l'œil ici. Cela peut vraiment aider à aiguiser tout simplement en redéfinissant les lumières et les sombres, nettoyant les bords désordonnés et cela se sent beaucoup mieux déjà. Encore une fois, comme ce violet est une nouvelle couleur que nous introduisons, je ne veux pas la mettre en un seul endroit. Je vais m'assurer qu'il existe en plusieurs morceaux tout au long de la peinture et le violet comme une valeur d'ombre sombre pour les tons de peau plus foncés est vraiment agréable. Il ajoute une chaleur aux ombres sans les faire paraître un peu sale ou cendré, surtout lorsque vous gardez beaucoup de rouge dans votre violet. Ensuite, je veux obtenir un point culminant agréable, relativement chaud pour montrer un peu de lumière réfléchissante. Salut maman. Salut mon pote, qu'est-ce qui se passe ? Faire un livre. Oh, d'accord. Tu vas lire ? Maman aimerais-tu venir ici et lire avec moi ? Je ne peux pas maintenant mon pote, mais je vais lire ce livre avec toi aujourd'hui. Tu peux aller le regarder. Je t'aime. Je t'aime regardant notre portrait en noir et blanc maintenant, je suis beaucoup plus heureux avec la gamme de valeurs et j'ai l'impression qu'il est un peu plus équilibré qu'il ne l'avait été. Tu dois vraiment décider à quel moment tu vas arrêter de jouer. Parce que je sais que je pourrais continuer à jouer avec cette pièce, faire des changements et faire des ajustements. Ça va continuer à changer. Ce n'est pas que je ne changerai rien si je continue à jouer. Mais je pourrais aussi l'enlever loin d'un endroit que j'ai peut-être vraiment aimé sans même vraiment le réaliser. J' aime que nous ayons un peu de l'avion de changement ici du front, qui est orienté vers le haut vers la lumière, puis se courbe ici avec l'os du sourcil loin de la lumière un peu et devient un peu plus sombre. Nous pouvons ajouter un peu de couleur de transition entre là et ensuite revenir dans notre zone lumineuse. Parce que c'est une ombre incurvée, je veux que ce bord soit un peu plus doux et pas aussi dur d'une courbe. Brosse mouillée sur ta gouache, on y va. Ajoutez un peu de chaleur à cette transition car elle recule vers la lumière. Vous pouvez voir que je peux tirer cette valeur de lumière là-haut. Quand je veux déplacer la peinture comme ça, je dois être très conscient de la quantité d'eau qui est sur mon pinceau car cela va déterminer combien je déplace la peinture et combien je réactive les couches précédentes. On est à peu près là. J' ai reporté la peinture de la zone de vêtements ici car je n'étais pas sûr de quelle couleur faire ça. Je ne recommande pas nécessairement de laisser une partie entière de votre tableau et d'attendre jusqu'à la fin. C' était aussi quelque chose que j'avais oublié. Ce que je vais faire, c'est que je vais tomber dans une couleur expérimentale et si je décide que je veux le couvrir plus tard, je vais juste le couvrir. Mais je pensais expérimenter quelque chose de complémentaire à notre couleur bleuâtre et faire cette orange. Il est important de se rappeler que nos vêtements ne sont pas le point focal de la pièce. Il peut accentuer et compléter la pièce dans son ensemble, mais il n'a pas besoin d'être aussi détaillé que le reste parce que ce n'est pas vraiment l'intention. Mais encore une fois, si vous établissez quelque chose comme ça plus tôt que je ne le suis essentiellement à la fin, cela peut vous aider à mieux comprendre l'atmosphère de votre peinture. J' ai l'impression que les couleurs complémentaires sont très amicales et quand vous les placez ensemble, ils veulent juste travailler bien et s'aider mutuellement à briller et cela donne cette atmosphère amicale et heureuse à un tableau tant qu'ils ne se mélangent pas trop beaucoup parce que alors il devient boueux et moins agréable. Je peux aussi décider si je veux laisser ceci comme une couleur unie ou si je veux ajouter un peu de valeur d'ombre, quelque chose de beau et subtil à nos vêtements. Ce que j'ai fait maintenant c'est que j'ai juste mélangé notre orange avec bleu céruléen et parce que ces couleurs sont gratuites comme je l'ai dit, elles se neutralisent mutuellement. Ces valeurs vont être peu grises. Habituellement, la dernière chose que je me demandais avec un tableau est s'il y a d'autres faits saillants, je veux sortir, toutes les zones qui sont tombées un peu sombres que je pourrais vouloir éclaircir. Je vais dans les coins intérieurs des yeux avec quelque chose de légèrement plus léger. Se souvenir que les paupières sont orientées vers le haut vers la lumière tout comme le pont du nez se courbe un peu vers le haut. Je ne veux pas ajouter trop de lumière à la face inférieure du visage parce que je veux que la lumière brille principalement sur le haut de la tête , puis tout le côté inférieur de la tête s'éloigne de la lumière. Peut-être quelque chose de réfléchi sur ce bord juste pour une certaine dimension. Un peu de lumière réfléchissante peut être vraiment utile pour ajouter cette touche de 3 dimensions à une pièce à condition qu'elle soit correctement contrastée avec quelque chose de plus sombre. Une autre astuce que je pourrais vous recommander pendant que vous travaillez sur votre portrait, si vous pensez que quelque chose pourrait être éteint, je suis assez heureux avec celui-ci et même si cela me révèle quelque chose, cela ne changera probablement pas. Vous pouvez prendre une photo de votre tableau puis la retourner horizontalement pour voir s'il y a une inclinaison. Pour moi, je vois qu'il y a un peu d'inclinaison, un peu de changement. Mais quand j'ai retourné ça d'une façon ou d'une autre, je suis plutôt content de ce que ça ressemble dans les deux sens. Cette mâchoire est évidemment un peu plus large de ce côté, mais on peut aussi voir plus de cette oreille. Je suis d'accord avec ce que ça a l'air. On peut voir la bouche se lève un peu ici. Oui, retourner cette toile horizontalement peut être vraiment utile pour voir si l'une de vos proportions biaisée et je crois que cela nous amène à la fin de notre portrait couleur. 14. Réflexions finales !: Bonjour encore et félicitations pour l'avoir fait à la classe. Si vous avez travaillé sur différents exercices ces dernières heures, j'aimerais les voir. Veuillez partager tout ce que vous avez créé dans la section projet de classe. Si vous avez des questions ou des commentaires, vous pouvez laisser un commentaire sur ce cours ou laisser des commentaires ou des questions dans la section discussion communautaire de la classe. J' espère que vous vous sentez tellement plus confiant quand il s'agit d'approcher la gouache, quand il s'agit d'approcher les portraits, et toutes les autres choses dont nous avons parlé. Je ne peux pas vous remercier assez de m'avoir rejoint dans ce cours et je suis tellement excité de voir ce que vous avez créé. On se voit dans la prochaine.