Peau arc-en-ciel - Comment créer des teintes de peau colorées et expressives à l'aquarelle

1. Introduction: Salut. Je m'appelle Arleesha Yetzer et je suis illustrateur aquarelle et créateur de contenu YouTube. Mon travail à l'aquarelle se concentre en grande partie sur les portraits, et l'une de mes techniques préférées est l'utilisation d'une grande variété de tons lors de la peinture de la peau. Ceci est devenu connu sous le nom de « Rainbow Skin » par ma communauté aimante. Dans ce cours, je veux vous emmener à travers tout le processus. Nous commencerons par parler du matériel dont vous aurez besoin, ainsi que de quelques-uns de mes favoris. Après cela, nous allons décomposer chaque couleur individuelle. Je vais vous parler de la mise en place de votre propre palette limitée, ainsi que de la façon de mélanger chaque couleur individuelle de rouge, jaune, bleu, violet et vert. Nous allons couvrir tout cela, et après cela, nous allons entrer dans quelques exemples de projets. Je vais vous montrer mon processus de pose dans chaque couleur individuelle. Je vais vous montrer comment ces couleurs se mélangent et se mélangent à travers humide sur humide et humide sur des techniques sèches. Je suis tellement excité de démystifier ce processus pour vous. L' utilisation d'une large gamme de couleurs dans les tons de peau ne doit pas être un effrayant, intimidant, ou inaccessible. Personnellement, je trouve que c'est un exercice thérapeutique impressionnant de renforcement de la confiance. Donc, si vous êtes prêt à plonger avec beaucoup de tons de peau colorés et d'aquarelles audacieuses. Commençons. 2. Matériaux: Pour commencer, nous allons parler des matériaux dont vous aurez besoin pour être prêt à esquisser et peindre. Mes fournitures préférées sont les suivantes : Le cahier de croquis technique mixte Canton XL pour les croquis et la préparation, et pour notre dernière pièce, tout papier aquarelle 100% coton fonctionnera très bien pour votre portrait. Je vais laisser des liens vers tous les matériaux de la section à propos de cette classe. Pour les crayons, mes préférences sont soit un crayon mécanique pour esquisser et sortir des idées, soit un crayon de couleur pour la peinture finale. Mes deux crayons de couleur préférés ou les deux par PRISMACOLOR, et qui comprend la course du côlon PRISMACOLOR en vermillon, ainsi que le PRISMACOLOR VERITHIN en rouge cramoisi. J' ai quelques gommes ici, un coureur en polymère blanc et une gomme pétrie. Lorsque vous êtes prêt à choisir des couleurs de peinture, vous êtes les bienvenus pour sortir votre palette d'aquarelles préférée. Quelque chose peut-être un peu comme celui-ci. Mais il va être crucial dans cette classe que nous travaillions avec une palette limitée. Je parle de quatre couleurs max. Pour moi, je vais aller à travers et choisir quatre couleurs spécifiques à partir de tubes que je vais presser sur une palette de porcelaine. Les seules vraies règles quand il s'agit de choisir les couleurs pour votre palais est que vous commencez par les primaires. Jaune, cyan, magenta ou rouge, jaune, bleu. Vous allez vouloir avoir un de chacun dans une température de votre choix, et aussi une couleur supplémentaire qui pourrait bien compléter le schéma. Cela peut être brun ou gris de Payne, ou pour moi je vais utiliser ce vert cascade, car c'est une couleur que je ne peux pas vraiment mélanger des autres couleurs que j'ai choisies. Une fois que j'aurai choisi mes couleurs, j'aurai quelques bocaux pour l'eau, serviette en papier, et nous sommes prêts à partir. Maintenant que vous avez toutes vos fournitures ensemble, allons de l'avant et parlons un peu de pourquoi la palette limitée est si importante et comment vous pouvez l'utiliser pour mélanger une grande variété de couleurs. 3. Apprendre à connaître votre palette: Commençons par découvrir votre palette d'aquarelles. Des exercices comme ceux-ci sont cruciaux pour développer une compréhension de la gamme de couleurs disponibles, ainsi que la façon de les mélanger dans des tons et des nuances harmonieux. Comme indiqué précédemment, vous êtes invités à utiliser des peintures dans des demi-peintures. Ils n'ont pas à sortir du tube comme le mien. C' est juste ma méthode préférée pour cette marque particulière. Pour la dernière couleur de cette gamme, j'ai décidé de ne pas presser de peinture fraîche. Au lieu de cela, je viens de retirer la partie de la peinture séchée de sa maison habituelle dans ma palette pour les peintures de Daniel Smith. Commençons par une simple roue de couleur. Je vais exposer mon nickel azoïque jaune, quinacridone rouge, et le bleu manganèse comme ça. Entre chacun de ces échantillons initiaux, je vais mélanger et placer couleurs secondaires se référant à l'orange, au violet et au vert. Ce sont les couleurs que nous obtenons en mélangeant deux de nos couleurs primaires ensemble. Je vais aussi placer dans mon vert cascade, où il tomberait par rapport à cette roue. Je ne vais pas entrer dans les couleurs tertiaires, ce qui serait les couleurs entre orange et jaune, rouge et orange, élevé et violet, des choses comme ça. Nous allons juste nous en tenir aux couleurs primaires et secondaires pour cette roue initiale. Notre gamme globale de couleurs est beaucoup plus large que ces six, cependant. Je vais aussi passer un peu de temps à explorer plus de mélanges avec ces couleurs, en ajoutant un peu plus de bleu, de jaune ou de rouge pour créer plus de variété. Si nous regardons ces deux ensembles d'échantillons côte à côte, vous pouvez voir que les couleurs de notre roue sont beaucoup plus saturées et denses que celles de nos explorations de mixage. C' est crucial lorsque l'on travaille sur notre portrait réel. Si nos couleurs apparaissaient sur le portrait comme elles le font dans la roue, tout serait trop saturé et trop dur. Nos couleurs s'affronteraient simplement. La plupart de mes mélanges sur la droite ont des morceaux des trois primaires en eux. Cela permet d'obtenir des couleurs plus subtiles, plus silencieuses qui se fondent ensemble d'une manière beaucoup plus harmonieuse. Notre bleu a toujours l'air bleu, et nos rouges sont toujours rouges, mais ils ont des morceaux les uns des autres en eux. Cela unifie notre palette et rassemble tout. Si vous êtes curieux, je vous recommande fortement d'explorer d'autres ensembles primaires également. Essayez d'utiliser un bleu profond frais au lieu d'un bleu verdâtre chaud, ou peut-être un jaune citron frais pour remplacer l'option dorée originale. Chaque variation de votre sélection de couleur initiale aura une incidence sur les mélanges que vous pouvez faire. Les couleurs plus froides sont mieux adaptées aux violets riches et profonds. Des couleurs plus chaudes peuvent donner un sentiment organique terreux. C' est le moment d'explorer. Trouvez la combinaison de couleurs qui coule avec l'atmosphère et l'émotion que vous souhaitez transmettre dans votre portrait aquarelle. 4. Rouge: Au cours des prochaines vidéos, nous allons nous concentrer sur des couleurs spécifiques. Je vais vous montrer mes méthodes préférées pour placer et mélanger ces couleurs et nous allons commencer par le rouge. Tout de suite, vous allez remarquer que je n'utilise pas ma couleur rouge tout seul. J' utilise du rouge pour les zones du visage qui sont plus sujettes à : fard à joues, coups de soleil ou flux sanguin élevé, et j'ajoute habituellement un peu de jaune au mélange avant de commencer à peindre. Cela me donne un ton plus doux, pêche. Je mets habituellement des rouges autour des yeux, joues, des oreilles, de la bouche et du cou. Voici un exemple des zones de couleur relatives du visage par rapport au portrait. J' ai trouvé ces directives très utiles lorsqu'elles sont placées en couleur. Bien sûr, nous allons simplement placer des blocs rectangulaires de couleur sur nos petits visages, mais nous suivrons ces règles générales. Les zones rougies ont tendance à être plus apparentes autour des yeux, des joues et des oreilles. Lorsque je peins dans ces tons particuliers, je les mélange souvent avec de l'eau propre pour créer des bords doux et délavés. Déjà avec ces premiers morceaux de couleur, je commence à penser à la valeur, à la lumière et à l'obscurité. La couleur peut être plus dense, où il y a plus d'ombre et plus douce dans les zones plus claires. J' ai trouvé que les rouges sont une excellente base dans la peinture de portrait. C' est généralement mon endroit préféré pour commencer. Regarder diverses images de référence augmentera considérablement votre compréhension de la variation des couleurs au sein du visage. Recherchez des zones plus denses de rouge. Ils peuvent ne pas être les mêmes pour chaque portrait. Après avoir parcouru chaque exemple de couleur, je reviendrai et finirai ces petites têtes de pratique. 5. Jaune: Maintenant, on va passer dans les jaunes. Il peut y avoir beaucoup de variance dans cette catégorie, peut-être la plupart de toutes les catégories car c'est la plage qui détermine souvent le teint de base de votre sujet. Bien que je fasse référence à cette catégorie en tant que jaunes, elle inclura aussi ces tons de chair et les mélanges bruns. Lorsque vous mélangez cette couleur, le jaune va bien sûr constituer la majeure partie du mélange. Je vais aussi inclure un peu de rouge pour me rapprocher un peu de l'orange. Si cette couleur est trop orange, je peux ajouter un peu de bleu pour désaturer le mélange. Si nous regardons rapidement une roue de couleur, vous pouvez voir que l'orange et le bleu sont opposés l'un à l'autre, en ajoutant une couleur à son complément, ou la couleur opposée sur la roue de couleur désaturera cette couleur. Alors que la plus grande zone de notre catégorie jaune sera centralisée autour du front, comme nous l'avons mentionné dans notre exemple de zones de couleur. Je vais aussi peindre ceci à différents endroits tout au long de la phase pour renforcer l'idée d'être notre couleur de peau de base. En cas de doute, comptez sur votre référence, vous pouvez même jeter un oeil dans le miroir et observer où votre peau est la plus jaune. Ce seront des variations subtiles, il suffit de savoir ce que vous cherchez et n'ayez pas peur d'expérimenter. Si vous optez pour quelque chose d'un peu plus opalescent ou nacré en effet, vous pouvez laisser beaucoup plus d'espace blanc dans vos exemples, ce qui permet à la couleur de toucher simplement les bords des zones plus sombres et de laisser plus d'espaces. 6. Bleu et violet: bleus et les violets sont quelques-unes de mes couleurs préférées à ajouter aux tons de peau. En mélangeant mon violet, je préfère quelque chose sur le côté plus chaud avec un peu plus rouge qu'il n'y a de bleu. Ajustez vos mélanges de couleurs à vos préférences. Comme je l'ai déjà dit, vous ne pouvez vraiment pas en faire trop quand il s'agit d' expérimenter et d'essayer de nouvelles choses avec ces exercices. Dans un scénario de lumière ambiante de base, j'utiliserai cette couleur préfigure dans les zones naturellement encastrées du visage. Cela inclut en dessous de l'os sourcil, sous le nez, dans les zones autour des bords extérieurs du visage où le front, les joues et le menton courbent loin des plans orientés vers l'avant qui peuvent attraper plus de lumière. Purples couche magnifiquement avec d'autres tons de peau en particulier, avec un violet chaud comme celui-ci. Nous verrons plus de cet exemple quand je reviendrai sur ce visage à couleur dans tous les autres tons après avoir terminé nos exemples spécifiques. Le placement des couleurs d'ombre est l'endroit où vous aurez le plus de variation dans vos pièces car il changera en fonction de la direction de votre source lumineuse. Vous pouvez consulter ma classe sur techniques d'éclairage dramatiques à l'aquarelle pour plus d'exemples. Mes tons bleus serviront un but similaire. En mélangeant cette couleur, j'ajoute un peu de jaune à mon bleu. Cela pousse la couleur autour d'un peu à un vert réchauffant. Nous ne voulons pas être trop proches du vert, mais j'aime bien réchauffer mon bleu un peu. J' utilise le blues pour communiquer la translucidité et la profondeur. Ceci est souvent à côté des zones d'ombre, mais il sert un but unique distinct des pourpres. En regardant en arrière sur cet exemple de zones de couleur, les bleus sont souvent concentrés autour du tiers inférieur du visage. C' est généralement parce que la zone inférieure du menton est là où nous voyons cette ombre de cinq heures ou où le visage se courbe loin de la lumière afin les choses deviennent un peu plus fraîches que nous descendons vers le cou. Voici quelques autres exemples de mon utilisation du bleu dans les tons de peau. Je trouve que c'est la couleur la plus difficile à placer à un but spécifique et le raisonnement derrière mon utilisation de cette couleur. Espérons que ces exemples vous donneront une idée de ce que je vais faire, en particulier dans l'utilisation du bleu dans les tons de peau. 7. Green: Il est temps de placer nos verts. Les verts sont une couleur fascinante pour moi, surtout dans le domaine des tons de peau. En les mélangeant, je commence avec une base jaune et j'ajoute du bleu pour obtenir un vert chaud. Je désaturais souvent ce mélange avec son complément juste un soupçon de rouge. J' aime garder ce mélange relativement chaud, mais comme je l'ai déjà dit, quand nous parlions de la peinture de notre roue de couleur initiale, il est important que nos couleurs aient un peu l'une de l' autre pour garder les choses harmonieuses. Je vais ajouter un peu de rouge pour désaturer la couleur ainsi que pour l'aider à se fondre davantage avec ces tons lorsque nous les ajoutons plus tard. Je n'utilise pas toujours toutes les couleurs que nous avons couvertes jusqu'à présent dans chaque tableau. Quand je décide de choisir le vert, il est généralement à la place de mon violet et agit comme un ton d'ombre. Quand utiliseriez-vous le vert au lieu du violet ? Cela dépend de ce que vous désirez réaliser à travers votre peinture. Le vert est terreux et beaucoup plus subtil lorsqu'il superposé avec d'autres couleurs car les compliments sont rouges, ces deux couleurs vont jouer l'une l'autre, faisant apparaître l'autre plus lorsqu'il est placé l'une à côté de l'autre. Avec l'un de ces exemples, le moyen le plus efficace de voir comment chaque ton contribue à l'effet global, est d'expérimenter les couleurs complètement. Maintenant que nous avons abordé un peu chacun d'eux, revenons en arrière et finissons chaque visage. 8. Mettez tout ensemble: Il est temps de tout mettre ensemble. Cette méthode de pose dans une couleur sur le visage, puis de passer à une couleur différente, n' est pas quelque chose que j'ai fait simplement dans le but de cette classe. C' est en fait ma méthode préférée quand il s'agit de peindre des portraits à l'aquarelle. Avec ce premier, un ton jaune est un peu plus proche du brun. Notez comment la couleur s'approfondit et devient plus saturée là où la teinte jaune et le rouge se chevauchent. Je prends constamment des décisions sur le moment d'adoucir les bords en raison des courbes douces du visage et quand laisser des bords nets et durs, indiquant la lumière, l'ombre ou la forme. L' expérimentation est la clé. Après les jaunes, je décide de placer dans des bleus, voir comment nous avons immédiatement arrondi et ajouté de la profondeur au visage. Le bleu donne une impression de transparence et de dimension à la peau. Je finirai celui-là avec un peu de violet, ça va approfondir nos zones d'ombre les plus sombres. Travailler en couches transparentes est absolument essentiel pour permettre à ces couleurs de s'émailler et de se fondre les unes avec les autres. Nous voulons que la couleur ci-dessous montre à travers, cela gardera le look général beaucoup plus harmonieux. Ajoutons un peu de rouge à la deuxième face. Pour s'écouler avec l'angularité globale de ces caractéristiques, je peux choisir d'ajouter des formes plus triangulaires et des arêtes rudes lors du placement de mes couleurs. J' ai décidé de varier légèrement l'éclairage avec l'ajout de mon bleu. Cette couleur ne joue pas un rôle particulièrement important dans cet exemple particulier. Enfin, un violet désaturé va renforcer l'éclairage brutal. Gardez à l'esprit que toutes les couleurs ne veulent pas travailler ensemble. Comme complément les uns aux autres, le mélange ou le chevauchement du violet et du jaune, donne une couleur légèrement boueuse et assez terne. Gardez cela à l'esprit et souvenez-vous de ce que vous voulez. Si, par exemple, je voulais que ce soit plus gris dans l'ensemble, je dirais certainement que c'est un bon moyen d'y arriver. Dans cette troisième phase, notre ton jaune est beaucoup plus proche du rouge que n'importe quel autre que nous avons peint jusqu'à présent. Vous verrez qu'une fois que le rouge est ajouté, cet exemple apparaît globalement beaucoup plus frais sans un ton jaune fort pour tirer la gamme de couleurs vers un juste milieu. Juste pour un test, je laisse la plupart de mes bords tranchants sans les mélanger. Je suis curieux de savoir à quoi cela ressemblera par rapport à tous les autres visages. Ce dernier exemple avec la base verte, a fini par être mon préféré des quatre. J' ai commencé par ajouter du rouge à mes zones de fard à joues. Le ton jaune dans cet exemple était très proche en couleur du rouge et a également été appliqué alors que le rouge était encore humide, ce qui a fait que les couleurs se fondent les unes avec les autres et deviennent plus difficiles à distinguer. L' ajout d'un peu de bleu a aidé à rétablir la profondeur et la forme, mais mes rouges étaient encore perdus. J' ai ajouté un nouveau calque rouge. Dans les peintures complètes, je reviens presque toujours aux couleurs avec lesquelles j'ai déjà travaillé pour renforcer la saturation et la profondeur. Vous ne devriez certainement pas vous sentir comme si vous n'obtenez qu'une seule chance à chacune de ces couleurs. Les aquarelles dans leur nature transparente aiment être superposées. Une dernière couche de bleu a ajouté une belle fraîcheur et a tout réuni et avec cela, nos quatre exemples sont complets. Ils sont tous colorés et stylisés, mais avec une quantité de remplacement de couleur comparable résultant en des visages qui ne semblent pas entièrement artificiels. Peignez des petits visages. N' hésitez pas à expérimenter avec des teints plus foncés ou plus pâles en ajustant votre ton de base jaune ou en utilisant une ombre violette plus fraîche. Comme indiqué précédemment, vous pouvez également laisser plus de blanc de la page pour rendre l'appel de la peau plus pâle. J' ai hâte de te voir ce que tu as trouvé. 9. Projet de classe : exemple #1: Maintenant, c'est l'heure du projet de classe. [ MUSIQUE] J'ai deux exemples de peinture à partager avec vous aujourd'hui. Nous allons commencer par un exemple très lâche dans mon carnet de croquis, puis passer à quelque chose d'un peu plus raffiné sur notre papier aquarelle en coton. Avec ce premier, je voulais vraiment vous montrer mon processus de croquis, car je trouve que sans un bon croquis, vous allez avoir du mal à obtenir quelque chose qui vous satisfait dans la phase finale de peinture. Je travaille avec mon crayon rouge Prismacolor Verithin ici, et quand j'approche de mon croquis initial, j'y pense vraiment plus comme la sculpture que le dessin. Je commence généralement par le contour extérieur de la tête pour obtenir la forme globale du visage correcte avant de commencer à mettre les fonctionnalités dans. J' ajoute parfois des composants de mensonge externes afin que je puisse affiner la composition avant de rester trop coincé dans les détails et de me rendre compte que quelque chose de fondamental doit changer. Comme vous pouvez le voir à ce stade, j'ai posé des formes de base pour les yeux, le nez et la bouche, et je continue à bouger, sautant d'avant en arrière, affinant différentes parties de l'esquisse comme tout commence à se réunir. Cela se traduit parfois par des ajustements, comme vous avez peut-être remarqué avec l'œil, que je pensais être un peu trop loin, alors je l'ai bougé un peu. Plus tard, je vais entrer et bouger mon nez vers le bas alors que j'ai fini par penser qu'il était trop haut sur le visage. Je travaillais à partir de quelques photos de référence différentes pour ce portrait particulier, et si vous souhaitez travailler à partir d'une référence, hésitez pas à le faire, surtout quand il s'agit de pratiquer et d'apprendre le mises en page pour les différentes couleurs lorsque nous entrons dans notre phase de peinture. fur et à mesure que vous grandissez et développez, vous serez en mesure de faire plus de votre imagination et compter moins sur la référence si c'est votre choix. Tout dépend de vos objectifs finaux quand il s'agit de votre art. Vous remarquerez peut-être que j'assombrit mes lignes seulement pour les effacer à nouveau dans certains cas. Je finis parfois par presser un peu trop fort quand j'affine mes détails, mais je ne veux pas que mes lignes soient particulièrement sombres quand je vais les peindre dessus. couleurs comme ce rouge ont tendance à se fondre très bien dans les tons de peau, donc je ne suis pas trop inquiet à ce sujet, et j'aime parfois à quoi il ressemble quand ces lignes de croquis apparaissent à travers, mais je ne veux pas que les lignes dominent la peinture quand vient le temps d'entrer réellement dans notre couleur d'eau. Au fur et à mesure que nous terminons notre esquisse, je dirai que l'une de mes plus grandes recommandations est de commencer dans un sens plus large. Alors posez dans de grandes formes, de grandes formes, installez-vous sur votre composition avant d'entrer dans les détails. De cette façon, vous n'aurez pas à revenir plus tard si quelque chose n'est pas bien placé. Au fur et à mesure que nous allons entrer dans notre couleur, je vais commencer par l'arrière-plan, et je vais utiliser ce vert Cascade que nous avons choisi. Je dirai que j'ai fait un petit ajustement à ma palette initiale avant de commencer cette couleur. J' ai échangé mon Nickel Azo Yellow, donc la teinte jaune, et la remplacer par un oxyde jaune transparent, qui est le même pigment que celui utilisé pour l'ocre jaune, qui est un jaune beaucoup plus désaturé. J' ai décidé que je voulais quelque chose d'un peu plus doux pour mon projet final. N' hésitez pas à ajuster vos couleurs comme vous le souhaitez. Comme nous commençons avec la peinture, je vais aller de l'avant et commencer par mon endroit préféré en ce qui concerne les tons de peau, que j'ai déjà mentionné, sont les rouges. Je place habituellement du rouge dans de très grandes zones, en choisissant où mélanger ces bords et où les laisser un peu plus dur. Il peut sembler que j'ajoute beaucoup de rouge à ce stade, mais au fur et à mesure de nos couleurs, vous allez remarquer que ce rouge se fond et disparaît dans les autres tons. Lorsque vous travaillez avec notre bleu, j'ai essayé de le garder un peu plus chaud que notre arrière-plan afin qu'il ne se fonde pas trop dans cette couleur de fond Cascade Green. Comme vous pouvez le voir dans cet exemple, je garde les choses relativement lâches et juste avoir du plaisir à poser dans les couleurs et les valeurs. C' est une chose que j'aime vraiment à faire des pièces comme ça dans mon carnet de croquis, c'est que je ne suis pas super inquiet de créer quelque chose de super raffiné ou super fini. Je peux juste me lâcher et m'amuser, et je pense vraiment que c'est une bonne idée d'équilibrer des pièces comme ça avec les pièces finies plus raffinées que vous pouvez faire sur du papier aquarelle réel. Parce que ce n'est pas du papier de coton. J' ai trouvé dans certains cas que mes couleurs se levaient et se mélangaient plus qu'elles ne le feraient sur un véritable papier aquarelle. Ce n'est qu'un papier médiatique mixte. Mais il a atterri à une expérience vraiment agréable, lâche, genre d'expérience insouciante qui était très agréable. Mon plan était de revenir en arrière et d'ajouter plus aux tons de peau, mais j'avais besoin d'avoir un meilleur jugement des valeurs générales avant d'entrer et d'obscurcir les choses sur le visage. J' ai donc décidé d'aller travailler un peu sur mes cheveux. Sauter autour de votre pièce est une excellente idée pour établir la valeur et créer une pièce plus cohérente dans l'ensemble. Une fois que j'ai eu cette tonalité de base pour les cheveux, je pouvais retourner à la peau et vice versa. Après avoir fait cela, je suis retourné à la peau, puis j'ai fait plus d'ajustements aux éléments couchés externes. Il s'agit de travailler peu à peu sur la pièce. Vous êtes les bienvenus pour commencer avec un seul œil et continuer à peindre jusqu'à ce que cet œil soit fini. Je trouve beaucoup plus facile de juger de l'aspect général de la pièce et de la façon dont elle se passe lorsque j'étends les choses et que je saute. J' ai aussi décidé d'y aller après avoir mis la valeur de mes cheveux et ajouter un peu de violet au visage. J' ai l'impression que cette couleur fonctionne vraiment bien comme une couleur d'ombre claire. Cette pièce, j'ai gardé très légère dans l'ensemble et lui a donné un peu plus d'un look éthérée et lumineux. La couleur de l'ombre que je mets maintenant dans les cheveux a aussi un peu de violet dedans. Cela l'aide à se fondre plus avec le violet dans la peau. Vous remarquerez peut-être que j'ai utilisé le même pinceau pour presque toute la pièce. J' aime vraiment ce petit pinceau plume. C' est une taille 1, faite de cheveux naturels. Il arrive à un très beau point qui me permet de travailler sur des zones plus petites, mais il contient aussi beaucoup d'eau et peut être pressé à plat pour couvrir de plus grandes surfaces, donc je trouve que c'est une option très polyvalente pour des choses comme ça. J' ai gardé mes éléments couchés extérieurs comme ces fleurs très lâches parce que je voulais que le visage soit le point de mire, donc c'était la zone où j'ai passé le plus de temps à affiner le contraste et les détails. J' ai passé un peu moins d'une heure sur l'ensemble de cette pièce et j'ai eu l'impression que c'était un bon exercice d'échauffement pour amener mes mains et mon esprit à réfléchir aux couleurs, tons de peau et à la composition. Maintenant que nous avons terminé ce premier, passons à un deuxième exemple. 10. Projet de classe : l'exemple #2: Maintenant que nous sommes tous réchauffés, il est temps de passer à notre deuxième exemple. Pour cette pièce, j'ai utilisé mon même crayon Prismacolor, [inaudible], mais cette fois sur notre papier aquarelle 100 % coton. Semblable à notre dernière pièce, je vais commencer par mes rouges, et comme je l'ai mentionné lorsque nous avons passé en revue les spécificités de cette couleur particulière, je commence déjà à penser à la valeur. Je couche sur plus de couleur dans les zones que je veux être un peu plus foncées et je ramollit et mélange les bords vers les zones que je veux rester plus léger, ce qui permet au blanc de la page de montrer à travers plus. Je dirai que j'avais souhaité suivre mes propres conseils dans la phase d'esquisse. J' ai l'impression que la bouche de ce portrait particulier aurait pu être placée un peu plus précisément. Je trouve que le contrôle de l'eau est essentiel quand il s'agit de poser des couleurs, car il m'aide à savoir quand adoucir mes bords et me permet de l'appliquer à mes couleurs des effets plus lâches et plus fluides. J' ai décidé que je voulais essayer quelque chose d'un peu différent avec celui-ci. Je suis donc allé avec une sorte d'effet de bonbons de coton pour l'arrière-plan, en posant des morceaux de notre rouge pur, jaune et bleu dans l'arrière-plan. J' ai fini par couvrir la majeure partie de cette couleur avec notre vert cascade quand j'ai ajouté en arrière-plan, mais j'ai absolument aimé l'effet que cela a donné à la peinture. Après mes rouges, je suis allé avec le blues. Je trouve qu'il est utile de penser au bleu un peu différemment que d'être une couleur d'ombre. Je les ai utilisés pour appliquer de la profondeur sur le visage aussi. Il réduit la chaleur du rouge, et donc plus à la forme tridimensionnelle de la tête, du cou et des épaules. superposition est l'un des outils les plus essentiels lorsqu'il s'agit d'utiliser cette technique particulière. Je pose ma couleur jaune sur le dessus de mon rouge dans les zones que je veux être très riche et chaud. En posant le jaune au-dessus de mes zones bleues, la couleur devient plus désaturée et se penche un peu plus vers un gris verdâtre. Tout comme pour notre dernier portrait, une fois que j'ai eu une couleur de base pour la peau, je suis éloigné et je suis déplacé vers mes cheveux. J' aime ajouter des marques gestuelles fluides lâches lors de la pose sous la forme des cheveux. Je trouve que cela aide à renforcer le flux global de la pièce une fois qu'elle est terminée. Gardez à l'esprit que chaque couleur que je mélange provient de cette même palette, et à part l'arrière-plan, je n'ai pas beaucoup utilisé le vert cascade. Les couleurs que vous voyez étaient mélangées à partir de notre rouge, jaune et bleu. L' introduction d'une tonne de couleurs différentes est vraiment ce qui empêche les palettes de couleurs d'être harmonieuses dans de nombreux cas. En gardant mon palais limité, je permettais à ces couleurs de travailler ensemble beaucoup plus cohésivement. Bien qu'ils lisent tous très séparément, nos bleus semblent bleus, nos rouges semblent rouges et nos tons de chair jaune lisent comme ils le devraient, ils ne sont pas si différents les uns des autres par saturation. J' aime souvent ajouter un soupçon de rouge dans les yeux de mes personnages. Cela fait presque l'impression que la figure a pleuré récemment, ce qui semble un peu triste, mais j'aime l'intention émotionnelle qu'elle ajoute à la paix avec une si petite touche subtile de couleur. En travaillant sur un portrait, j'ai généralement constaté que les zones les plus sombres sont les pupilles, les narines et les coins de la bouche. En se concentrant sur l'un de ces domaines pour être le plus sombre, pour moi, plus précisément, ce sont les élèves. Il attire l'œil sur cette zone lorsque vous regardez le portrait et lui permet d'être au centre de la pièce, ce qui vous donne l'impression d'être en contact visuel avec le sujet. De plus en plus de coups de pinceau organiques lâches au cours de nombreuses couches transparentes ajoutent beaucoup de forme tridimensionnelle à la pièce. J' aime généralement comparer la tridimensionnalité du visage avec un fond plus plat, plus floue , plus abstrait, renforçant à nouveau le foyer de la pièce. Une fois que j'avais posé ma cascade verte sur l'arrière-plan, la plupart de ces couleurs initiales étaient couvertes, mais elles ont montré à travers en petits morceaux. Je suis très impatient d'expérimenter plus avec cette méthode particulière à l'avenir. Avec cela, nos deux exemples sont complets. Merci beaucoup de m'avoir rejoint pour ce cours. La section des projets de classe est un endroit idéal pour partager votre art non seulement avec moi, mais aussi avec vos autres élèves afin que nous puissions tous travailler pour nous inspirer mutuellement. J' espère que vous aimez explorer les techniques que nous avons abordées dans ce cours, et j'ai hâte de voir ce que vous créez. Joyeux tableau.