Transcription
1. Introduction: Lorsque je parle à de nombreux photographes musicaux
en herbe, ils considèrent souvent que la
photographie musicale l'acte de photographier
un musicien, un artiste de la scène, une performance Et bien que cela
ne soit pas totalement faux, cela ne tient pas compte du contexte plus large des raisons pour lesquelles nous nous engageons dans
la photographie musicale La plupart du temps, la photographie
musicale est conçue pour donner au spectateur le sentiment avoir assisté à ce concert. Ils étaient au concert,
au club ou au festival m'appelle Sophia Carey et je travaille en
tant que photographe musicale
en photographiant des concerts, clubs et des festivals
depuis dix ans Et d'après mon expérience, l'un des aspects les plus
importants de la photographie
musicale est en fait votre capacité à raconter une
histoire avec vos photos. D'
un point de vue commercial ,
la photographie musicale est conçue pour encourager le consommateur à acheter un billet pour cette rave, un billet pour ce
concert ou ce festival Cela fait partie intégrante
du marketing lorsqu' il s'agit de vendre des billets, promouvoir un artiste
et sa musique et créer cette intrigue
autour de l'événement. Et, bien sûr, d'un point de vue
artistique, si nous envisageons cela uniquement à partir de l'idée de vouloir que les gens
s'impliquent dans nos arts, raconter une histoire ne fera que
rendre votre travail plus immersif. Lorsque vous photographiez de
la musique, vous ne vous
contentez pas de photographier l'
artiste qui joue. Vous ne vous contentez pas de photographier un moment
isolé. Vous construisez un arc narratif
presque comme dans un film, une pièce de théâtre par pièce de théâtre de la nuit. Et ne vous méprenez pas. Vous pensez à
ces photos de performance. Tu penses à
ces photos de grands héros. Mais vous
réfléchissez également à la manière créer une série
d'images qui donnent au spectateur un aperçu
de l'événement de la nuit. Dans le cours d'aujourd'hui, nous
allons donc explorer cette idée. Nous allons regarder les
rythmes narratifs d'une émission en direct. Quels sont les moments
narratifs que vous souhaitez immortaliser lors d'
un événement musical en direct, et quelle est la meilleure façon de
nous positionner pour y parvenir ? Et quelles techniques pouvons-nous utiliser pour essayer de raconter cette histoire ? Nous explorerons
des exemples tirés de mon propre travail dans le cadre de tournées que j'ai
effectuées avec des artistes, festivals et de soirées en club, travaillant directement pour les
artistes, en travaillant pour des promoteurs, en
travaillant pour des salles de
spectacle Vous avez ainsi un aperçu clair de la manière dont vous pouvez
construire un récit de
différentes manières
en fonction de la personne
que vous visez différentes manières
en fonction de la personne
que vous et de votre
type d'objectif. Donc, si vous souhaitez transformer
votre photographie musicale
en passant d'une bonne photo unique à
une série de photos racontant l'histoire d'une nuit,
qui aident à transmettre
l'émotion qui sous-tend peut-être l'un des types d' événements
les plus émouvants que vous puissiez photographier Alors rejoignez-moi dans la
leçon suivante et restez concentré.
2. Projet du cours et exemples de scénarios: Bienvenue à la première leçon de
ce cours consacrée à la création d'
histoires à l'aide de vos photographies
musicales. C'est vraiment une compétence qui je pense, améliorera votre travail vous
aidera à créer un portefeuille qui attirera des clients
potentiels C'est également une compétence considérable
dans tous les domaines de la photographie événementielle. Donc, si vous photographiez des mariages
ou d'autres types d'événements, vous pouvez utiliser ces techniques
similaires pour ces différents
types de photographie. Et bien entendu, le projet de
cours pour ce cours vous aidera
à créer ce portfolio. Cela vous donnera un
exemple parfait à montrer
à vos futurs
clients pour qu'ils puissent le
mettre sur votre site web de portfolio ou votre Instagram ou partout où vous
exposez votre travail. Donc, pour les projets de classe, je
veux que vous preniez des photos d' un événement singulier que vous
photographiez et que vous
les séquenciez pour raconter une histoire. Il peut s'agir d'un concert que
vous avez déjà photographié par le passé, ou peut-être que vous aborderez
ce projet dans le prochain concert que
vous garderez
en tête lorsque vous
photographierez votre Je recommande de
sélectionner
6 à 10 photos pour raconter cette histoire Et une fois que vous aurez créé
votre séquence,
vous pourrez bien sûr la télécharger dans la galerie de projets de
classe afin que je puisse vous faire part de mes commentaires et que
les autres étudiants ce cours puissent également
faire de leurs commentaires
et
examiner le travail de chacun . J'espère que nous pourrons avoir un
petit aperçu en
examinant les exemples des autres et en partageant ce que nous avons
appris dans ce cours. Bien entendu, tout au long de
ce cours, trouverez des exemples de
mes propres travaux pour vous aider à avoir une idée de la façon dont vous
pourriez créer cette séquence. Mais pour commencer,
je voudrais
parler de deux
scénarios spécifiques qui sont, disons, des scénarios typiques. Ce sont des scénarios qui sont peut-être très naturels. Vous pouvez les garder à l'esprit tout
au long du cours, mais nous
parlerons un peu plus en détail des
différents types de récits et de rythmes narratifs que vous pouvez utiliser
tout au long de votre séquence Le premier scénario est donc
le point de vue de l'artiste. Donc, celui-ci est excellent si
vous travaillez en étroite collaboration avec un artiste ou si vous avez accès
à une collaboration avec un artiste. Et cela raconte l'histoire de
la nuit dans le cadre, vous savez, du parcours de l'artiste. Nous commençons donc peut-être par
des rituels dans les
coulisses, des nerfs
avant le spectacle Nous abordons la
performance, puis ses conséquences.
De
l'émission elle-même. C'est un excellent moyen de montrer
un récit tout au long de la nuit si vous
travaillez déjà avec des artistes. Ne vous inquiétez pas si vous ne
travaillez pas avec des artistes, si vous travaillez pour un lieu, si vous
travaillez pour la presse, ou si vous vous rendez
simplement votre lieu local pour
prendre des photos, cette prochaine
structure narrative pourrait être faite pour vous. C'est beaucoup plus accessible et il s'agit de raconter l' histoire
du point de vue du
public, ce qui est sans doute plus viable sur le
plan commercial que le point
de vue de l'artiste,
car raconter l'histoire
d'un public est vraiment ce que recherchent les
festivals
lorsqu'ils recrutent leurs équipes médias internes, ce que les salles et les promoteurs
recherchent pour la nuit du
point de vue de la foule
afin de vendre des billets. Vous pouvez accéder à ce
type de récit en vous rendant sur place, vous savez, lorsque les portes s'ouvrent. Si vous y arrivez
lorsque les portes s'ouvrent et que vous restez jusqu'au bout, vous pouvez en quelque sorte
accéder à ce récit. Comme les grandes salles sont
généralement soumises à
des restrictions quant aux types de caméras que
vous pouvez apporter, je vous recommande, si vous n'avez pas encore accès à une salle, commencer par une petite salle qui vous permet d'
apporter une caméra. Ou même utilisez simplement votre téléphone
pour prendre ces photos. Le but de ce cours
ne porte pas vraiment sur les compétences techniques nécessaires pour prendre une photo ou sur l'
appareil photo que vous utilisez. Tu sais, on
dit que le meilleur appareil photo est celui que
tu as avec toi. Il s'agit simplement
d'apprendre à raconter une histoire, et vous pouvez le faire
avec n'importe quel appareil photo. Donc, si vous participez à un événement où les appareils photo
ne sont pas autorisés à entrer, vous pouvez vous entraîner
simplement en
prenant des photos avec votre téléphone,
un appareil photo ou
tout autre type d'
appareil photo que vous êtes autorisé
à apporter sur des photos avec votre téléphone,
un appareil photo ou
tout autre type d' vous pouvez vous entraîner
simplement en
prenant des photos avec votre téléphone,
un appareil photo ou
tout autre type d'
appareil photo que vous êtes autorisé
à apporter sur place. Je vous recommande de vérifier auprès d'un établissement avant de
prendre un appareil photo. plupart du temps, il y a des
règles sur les sites Web des sites, les sites Web des promoteurs
quant au type de caméras que
vous pouvez emporter Rédigez ce récit. Vous
devriez penser à commencer lorsque les parieurs entrent dans la
salle, vous savez, ces prises de vue calmes,
ces
prises de vue qui racontent où vous vous trouvez, qui est l'artiste, à quoi ressemble
la foule L'énergie contenue dans vos photos
devrait augmenter au fil
de la nuit. Et l'une de mes
façons
préférées de terminer
ce récit est de
rester jusqu'à la fin et de photographier
les gens qui partent. Cela crée
une sorte de structure circulaire. Nous revenons directement
au début, là où les gens
entrent, puis,
vous savez, nous terminons le
lieu vide où les gens sortent. Avec ces idées en tête, nous
allons passer à
la section suivante, et nous allons
parler du choix de votre récit. Les deux options narratives
que j'ai décrites dans cette leçon
ne sont que deux exemples des nombreux récits que vous
pourriez raconter pendant la nuit Les options sont vraiment infinies, mais j'aimerais que vous les gardiez
à l'esprit
au cours des prochaines leçons, car elles
vous aideront
à mener à bien votre projet de
classe. Mais passons à
la leçon suivante.
3. L'état d'esprit narratif set: gardant notre
projet de classe bien en tête, voyons
comment nous pouvons identifier
un récit à partir d'un événement
que nous avons photographié. Dans cette leçon, nous
allons explorer l'état d' esprit qui sous-tend
la
conception de votre récit. Donc, lorsque je choisis
un événement musical, l'histoire que j'
essaie de raconter est celle d'une personne
qui n'a pas pu être présente. Qu'il s'agisse d'un fan de l'artiste ou d'un
client potentiel de la salle, je réfléchis à la manière dont je
pourrais vendre cette expérience. Nous avons donc tous entendu parler de Fomo,
oui, de la peur de disparaître. Et c'est en quelque sorte
ce sur quoi nous jouons. Nous jouons en quelque sorte
sur l'émotion j'aurais vraiment aimé être là, et la prochaine fois, je vais m'
assurer d'y être. Ainsi, lorsque nous
racontons l'histoire, nous voulons examiner la
relation entre ce que nous
documentons et la façon dont cela montre
l'expérience de la nuit Quelles photos racontent ce que
l'on ressent pendant la nuit ? Sur quelles photos pouvez-vous
sentir l'énergie ? Les moments que vous avez
capturés sont
des moments que vous avez remarqués et que
quelqu'un d'autre n'a pas remarqué ou ne pouvait pas remarquer. Les photos qui capturent
le mieux l'énergie et
le sentiment d' un événement,
plutôt que simplement ce qui s'est passé, seront
les plus
importantes et les plus efficaces
pour susciter l'émotion et
finalement vendre l'artiste, vendre le lieu,
vendre l'événement À l'école, nous
apprenons à raconter des histoires et nous apprenons qu'il
ne suffit pas de raconter aux
gens ce qui s'est passé Nous devons montrer, pas simplement raconter. Nous devons
penser aux sens. Nous devons
réfléchir au
goût, au son et à la sensation des choses . Nous apprenons qu'il faut vraiment
résumer toutes
ces différentes choses
pour intégrer quelqu'un dans cette histoire Et en photographie,
les mêmes règles s'appliquent. Ils ont juste un aspect
légèrement différent. Nous voulons montrer
au spectateur une histoire d'une
manière qui suscite
des émotions. Pouvons-nous documenter ce que l'on ressent
lorsqu'on se trouve quelque part dans une
série de photographies ? Et surtout,
comment s'y prendre ? Dans la prochaine leçon,
nous allons donc explorer
ce que l'on appelle les rythmes narratifs ou les
rythmes narratifs. Pas de jeu de mots, même si j'
apprécie un bon jeu de mots musical. Nous allons
examiner quelques
rythmes typiques d'une histoire. Ensuite, nous
allons également examiner comment vous pouvez utiliser la
technique pour raconter ces histoires, commencer
à réfléchir au
récit que vous avez conçu, pour commencer
à réellement communiquer
avec votre public, à ce
que vous
ressentez lorsque vous
regardez la photo d'un événement, vous pouvez presque entendre la musique. Vous pouvez presque ressentir ce que l'on ressent lorsqu'
on est dans la salle. Alors rejoignez-moi dans la prochaine leçon. Nous allons
parler de rythmes narratifs et entrer dans le vif du sujet, vous savez, comment raconter
un récit à l'aide de photos.
4. Les rythmes clés de l'histoire ats: Bienvenue dans cette leçon consacrée
à Story Beats. C'est une phrase à
laquelle vous m'avez
déjà entendu faire
référence à plusieurs reprises tout au long de ce cours, agisse de rythmes narratifs
ou de rythmes narratifs. C'est vraiment la
jutosité du récit. C'est vraiment là
que nous nous posons la question : comment raconter une histoire ? Ou du moins,
comment identifier une histoire ? Mais tout d'abord, qu'est-ce qu'un
beat dans ce contexte ? Un beat est donc un moment qui
fait avancer le récit. Il s'agit donc d'une petite partie d'une histoire, et chaque histoire est composée de
plusieurs rythmes différents. Dans cette leçon,
nous allons
explorer une sorte de schéma de battements
typique que vous pourriez rencontrer pour
pouvoir raconter l'histoire de la structure d'un événement
musical typique, presque. Bien entendu, chaque histoire
est différente. Et à cause de cela,
beaucoup de ces rythmes
dépendront du type d'histoire
que vous racontez. Mais il s'agit d'un bon ensemble
de samples de rythmes que je pense que beaucoup de personnes seront en mesure d'identifier
lors d'un événement musical. Nous allons donc
examiner cinq temps, et le premier temps est
le coup décisif. Ainsi, lorsque vous regardez un film, plupart du temps, il
commence par ce que l'on appelle
un plan d'établissement. Cette photo est quelque chose qui pourrait être une très grande
vue du lieu. En tant que spectateur, il vous dit immédiatement Où en êtes-vous dans cette histoire ? Lorsque nous concevons
notre récit, nous voulons y
penser de la même manière. Notre point de départ est
l'atmosphère d'ouverture. quoi
ressemble le lieu À quoi
ressemble le lieu en
début de soirée ? À quoi ressemble-t-on
au début de la nuit ? Donc, pour ce type de prise de vue, je donne souvent la priorité aux prises de vue dans de
grandes , à des pièces
vides, à des personnes
entrant dans la salle, peut-être à des membres
de l'équipe ajustant différents éléments de la mise en scène , de l'éclairage ou de
la production ,
en fonction, vous
savez , de la
personne pour laquelle vous tournez, de l'
accès à la salle. Vous savez, si vous travaillez
pour un artiste, par exemple, votre premier objectif pourrait
même être de voir l'artiste entrer dans les coulisses ou entrer dans la salle
avant l'ouverture des portes C'est ce premier élément de l'histoire qui indique
aux spectateurs qui parle, où et en quoi consiste votre
histoire. C'est au rythme numéro deux que
nous commençons vraiment à présenter
l'artiste. Il s'agit d'un
second rythme vraiment naturel pour votre histoire. Selon le genre de musique, votre accès à l'artiste ou au lieu ou le type d'événement musical que
vous filmez, cela peut sembler très différent. Ainsi, par exemple, si vous
photographiez un festival, il y a
souvent des premières parties. Il pourrait donc s'agir de
photographier une première partie. Cela pourrait être le deuxième
moment de votre histoire. Si vous tournez un
spectacle pour un artiste, cela peut être le point de vue de celui-ci entrant sur
scène, vous savez, sortant des coulisses et en train de monter sur
scène pour la première fois Si vous photographiez un concert pour un lieu ou une presse,
cela peut être,
vous savez, le moment où
les lumières s'allument et
illuminent l'
artiste pour la première fois Votre deuxième battement est essentiellement
un moment lent qui comble l'écart entre votre premier battement, votre tir
de départ, et votre troisième battement. Donc, le troisième temps vous
viendra probablement le plus
naturellement. C'est le pic de l'énergie. Si vous
ne photographiez qu'un seul artiste, cela peut être le point culminant de
son set, vous savez, sa plus grande chanson ou si vous tournez un festival où
il y a plusieurs artistes, cela peut être la tête C'est la
partie la plus importante de la nuit ou le moment où l'
énergie est la plus intense. Et le plus
important à propos de ce rythme, c'est que vous
capturez l'énergie. Photographiez un mélange des réactions de
la foule performances de
l'artiste, laissez-vous emporter par
le chaos de la foule et l'énergie
de l'interprète, recherchant, par exemple, de grands
gestes, vous savez, si l'artiste bouge
ses bras d'une manière ou d'une autre. Les gens dansent avec leurs
bras de façon vraiment grandiose. Il y a peut-être des balançoires de micro. Il y a peut-être des pinces à cheveux. Tout ce qui
montre de l'énergie est une bonne
chose à surveiller. Une autre chose que j'aime faire
est de rechercher les interactions entre les membres du groupe ou entre l'
artiste et le public. Pour cela,
vous devez mélanger vos cadrages, obtenir ces angles serrés, obtenir ces grands angles et simplement essayer d'explorer l'
énergie de cette section Le rythme numéro quatre est
davantage axé sur ces moments intimes. Donc celui-ci, tu sais, tu pourrais le mettre
avant le numéro trois. Cela peut venir plus haut ou plus tard, comme tôt ou tard
dans votre récit. dépend du type d' histoire que vous
essayez de raconter. Ces moments intimes peuvent se , vous savez, les danseurs, les fêtards
commencent à partir, et qu'il y a juste, vous savez, moins de monde sur la piste de danse, ou pendant une ballade lente, la
réaction de la foule,
vous savez, des gens
brandissant des pancartes, tout ce qui montre
un rythme plus lent par rapport
à votre rythme d'énergie maximal Un excellent moyen de capturer
cela pourrait être de concentrer les mains sur
des instruments ou d'exprimer des expressions
réfléchies. Ce contraste entre votre rythme d'énergie
élevé et
ce
rythme intime plus lent donnera de la profondeur à
votre récit et vous ce
rythme intime plus lent donnera de la profondeur à aidera à explorer l'histoire
que vous racontez. Et aussi, vous savez,
tout ce que vous créez du contraste renforce
l'autre. Ainsi, par exemple, si
vous avez un rythme d'énergie élevé
puis un
rythme lent, calme et
intime, l'autre se sentira plus fort. Vous savez, la
personne calme va rendre l'énergie
plus énergique, la personne énergique va
faire en sorte que la personne calme se sente encore plus lente. Et puis notre
rythme final est le final. plupart du temps, les gens
rangent leurs appareils photo trop facilement. Mais l'histoire continue une
fois que la dernière chanson a été chantée. Donc, certaines de mes
manières préférées de capturer la finale sont la
pose finale ou le dernier arc. Surtout si vous êtes en
tournée avec un artiste, cela peut être formidable car
vous pouvez vous concentrer sur
la structure narrative de l'ensemble
de la tournée. Vous savez, cela ne se limite même
pas à un seul événement. C'est la fin d'une série de spectacles
et le fait de prendre la pose finale,
de faire dernier salut, clôt le récit de la tournée. Mais vous pouvez également le
faire à plus petite échelle si vous filmez
comme une seule émission. Vous pouvez terminer le récit
de cette émission par un nœud. Les fans quittent la salle. C'est l'une de
mes manières préférées de terminer un récit. Tu sais, quand les lumières s'
allument et que les gens s'en
vont, ces moments sont
parfois parmi mes préférés. L'une des photos
que j'ai prises récemment montre que j'ai repéré cette fille alors
qu'elle quittait les lieux. Elle était du genre à sauter
sur les canettes terre et à les
écraser. Et c'est juste un moment qui
m'a marqué,
et je me suis dit, tu sais, que c'était vraiment un
moment amusant à la fin de la nuit. Par exemple, elle ne s'est pas arrêtée de s'amuser. Elle a toujours cette énergie
à la fin de la nuit. Une autre façon vraiment
naturelle de clore un récit
serait par des moments importants de production,
vous savez, des plans de Cavetti,
quelque chose comme ça sont parfois plus difficiles
à trouver car ils ont tendance à l'être lors de tournages,
comme lors de grands shows. Mais comme je l'ai déjà dit, si vous n'avez pas accès à
ces grands spectacles, mais que vous avez peut-être un billet, c'est un excellent spectacle à photographier sur votre
téléphone, vous savez ? La plupart d'entre nous prennent des photos
sur notre téléphone lorsque nous assistons à des concerts dans une grande arène
ou dans
un stade, et ces moments de
production importants sont vraiment un excellent moyen
de terminer
notre récit sur un rythme soutenu Et puis, si vous
travaillez avec un artiste, une excellente façon de terminer ce récit est peu comme
sourire dans les coulisses, vous savez, en
saluant vos amis et votre
famille après le spectacle, peut-être même en lâchant prise et en
saluant le public après le spectacle Mais maintenant que nous avons exploré certains rythmes
typiques d'une histoire, nous allons
passer à des aspects plus techniques. Dans le prochain après-midi,
nous verrons où je dois me situer ou
où je me
situe dans un set complet pour accéder à ces moments
et m'aider à raconter mon histoire
5. Comment se déplacer dans un décor: Dans le fils, nous allons
parler de la façon dont je me
déplace dans un décor en termes de
positionnement physique dans un lieu afin de capturer les rythmes de l'histoire dont
nous avons parlé. L'exemple que je
vais donner
sera un exemple de
ce que je serais si j'avais un accès complet à un lieu. N'oubliez donc pas que vous pouvez vous y
adapter en fonction du
niveau d'accès dont vous disposez. Je vais essayer de proposer des alternatives
et des conseils aux personnes qui n'ont peut-être pas
le même niveau d'accès. Mais gardez cela à l'esprit
que ces éléments peuvent être adaptés en fonction de
ce que vous filmez, personne
pour laquelle vous filmez et de l'histoire vous essayez de raconter, comme toujours. Donc, avant le spectacle, vous me trouverez probablement
à l'un des deux endroits suivants. Soit je serai dans la
chambre verte, dans le vestiaire, immortaliser
les coulisses de l'artiste, soit je serai quelque part
dans la salle située près de l'entrée. Pour le premier morceau, je suis
généralement dans le stand. En effet, si
vous tournez pour une salle, si vous tournez
pour la presse, la probabilité d' accéder aux
stands a tendance à se produire
dans les trois premières chansons. Vous voulez donc vraiment
tirer parti cette période pendant laquelle vous êtes
autorisé à être dans le stand Si vous travaillez avec
un artiste, par exemple, vous pouvez accéder à la fosse la plupart
du temps pendant tout
le set. Donc, pour les trois premières chansons,
parfois, si je
travaille pour l'artiste, j'apparais
ailleurs dans la salle. Cela est dû à deux raisons. peut qu'il y ait un moment de
production important que j'ai envie de passer à l'arrière de la salle au
début du set, vous savez, l'artiste entre et aussi
les photographes de presse, les photographes de la salle
qui n'ont accès au stand que pour
les trois premières chansons. Je ne veux pas les gêner
alors que je peux avoir le stand pour le
reste de l'émission. Donc, si je travaille pour un
artiste, généralement pas dans le stand, si je ne travaille pas
pour l'artiste, généralement dans le stand
pour la première chanson. Au milieu du set, donc pour le milieu du
set, j'ai l'habitude de me déplacer C'est à ce moment-là que j'essaie tous
ces différents angles. Monter sur les balcons,
aller devant la maison, tirer du point de vue de la
foule. C'est le meilleur moment pour découvrir différents angles,
car ce sont généralement, vous savez, les moments
où il y a le
moins de pression. Si vous travaillez
avec un artiste, cela peut être différent
car vous pouvez avoir un calendrier de production qui vous
indique que certaines
choses vont se
produire et vous pouvez en
quelque sorte décider où vous
devez vous en tenir en fonction de cela. Derniers morceaux. Donc, pour les derniers morceaux, pour la finale du set, vous me
trouverez généralement devant la maison. En effet, la plupart
du temps, vous ne pouvez pas
être dans le stand, et la plupart du temps, grands moments de production se produisent
à la fin du set. L'avant de la maison a donc tendance à
se trouver à l'arrière de la salle, peu là où se trouvent les panneaux
d'éclairage Si je travaille pour un artiste, il se peut aussi que
je sois sur
scène pendant ces moments parce que c'est à ce moment-là que
l'artiste s'incline ou qu'il monte sur
le devant de la scène
pour le devant de la scène saluer
les fans, etc. Encore une fois, cela
dépendra de la personne pour laquelle vous visez. Mais généralement sur scène ou
à l'arrière de la salle. Donc, si à la fin du spectacle, j'ai
l'habitude attarder près de la
sortie de scène ou dans les coulisses Il s'agit en quelque sorte de
capturer l'artiste interagir avec les gens
ou d'entrer dans les coulisses, interagir avec
ses amis et sa famille Si je travaille pour
le site, il est
toujours bon de se diriger vers la sortie du site , car cela fait partir les
gens. Et oui, donc j'essaie juste
de réfléchir à fin
naturelle de l'histoire, et cela a tendance à se
situer dans la sortie. Dans la prochaine session,
nous verrons quelles techniques photographiques vous pouvez utiliser pour transmettre votre histoire,
pour transmettre des émotions
6. Créer de l'émotion grâce à la technique: Définir et
identifier votre histoire représente vraiment que la moitié
de la bataille. L'autre moitié, c'est
d'être capable de raconter cette histoire. Et je voudrais
parler de trois techniques qui sont excellentes lorsqu'il s'agit de
transmettre des émotions
par la photographie La première consiste à
utiliser la couleur. La couleur est très importante
lorsque vous travaillez dans n'importe quel type de photographie,
car la couleur est porteuse d'émotions. Vous savez, il y a une psychologie
derrière les couleurs que nous utilisons. La psychologie des
couleurs, la théorie des couleurs, est utilisée
dans la vie quotidienne. Les bleus évoquent la
tranquillité et la paix, les
rouges évoquant le
danger ou compte les types de couleurs et les émotions
qu'elles transmettent est un élément
très important la photographie et de la création d'
émotions par votre travail. Non seulement vous pouvez utiliser la couleur dans le
processus de prise de vue, mais vous savez, recherchant certaines
couleurs
qui vous aideront à raconter
cette partie de votre histoire, vous pouvez également utiliser la couleur
dans votre montage. Ajoutez donc différentes couleurs à vos ombres
ou à vos reflets, modifiez les couleurs et les
températures de vos photos pour vous aider à exprimer
l' émotion que
vous essayez Pour moi, la couleur est l'un
des aspects les plus importants de mon travail. Je crois en l'utilisation de
couleurs fortes dans mon travail. C'est quelque chose que
j'aime beaucoup utiliser, mais vous n'êtes pas obligé de l'
utiliser de la même manière que moi, mais considérez comment
l'utilisation ou l'absence de couleur
affectent votre narration La deuxième technique dont
je veux parler est l'utilisation du flou Le flou cinétique est donc souvent obtenu en utilisant une vitesse d'obturation
lente Et cela peut être un très
bon moyen de transmettre de l'énergie. Un très bon exemple en
est une tournée que j'
ai récemment faite avec un
artiste dont tout le talent est,
vous savez, à quel point son public est passionné et
chaotique. cadre de cette tournée, j'ai voulu montrer le chaos en évoquant le
rythme rapide des mouvements Et je l'utilise à la fois dans mes photos d'artistes et dans mes photos participatives Donc, si les artistes bougent
beaucoup, si les foules bougent beaucoup, en utilisant un obturateur lent,
cela permettra de capturer une plus grande partie de ce mouvement et de le transmettre
au public. Vous transmettez donc automatiquement
cette énergie, cette vitesse, ce chaos dans vos photos en utilisant des vitesses d'obturation
lentes La vitesse réelle que
vous souhaitez utiliser va varier
en fonction de ce que
vous essayez d'atteindre. Pour moi, je
trouve généralement qu'environ 1/3 est un endroit vraiment
agréable. Mais parfois je vais plus lentement. Parfois, je
l'accélère un peu, en fonction de la quantité de mouvement
que j'essaie de capturer. Et la dernière chose à laquelle il faut
penser est le recadrage. Parfois, une bonne photo ne dépend pas seulement de
ce que vous capturez, mais aussi de ce que vous émettez. Supprimer les distractions, supprimer les éléments qui ne sont pas
utiles à votre récit, en recadrant ou en recadrant et en zoomant sur une
certaine émotion ou un certain moment peut être un excellent moyen de
faciliter Ce ne sont là que trois techniques
qui, à mon avis, sont vraiment efficaces pour explorer
et transmettre des émotions Alors gardez-les à l'esprit. Vous devez
penser à la couleur, à mouvement et à la façon dont vous le capturez,
et vous voulez réfléchir à
ce que et vous voulez réfléchir à vous incluez dans votre recadrage. Dans la dernière leçon que
nous allons aborder maintenant, nous allons examiner séquençage de vos photos et nous allons
faire un petit résumé de tout ce dont
nous avons parlé
dans le cours d'aujourd'hui.
7. Séquencez votre ensemble de photos: Bienvenue donc à la
fin du cours d'aujourd'hui sur le thème
de la narration d'une histoire
par le biais de la photographie musicale. Dans ce cours, nous avons exploré l'idée d'identifier une histoire, créer un récit en
examinant différents rythmes narratifs, vous déplaçant dans
le lieu pour accéder à
ces rythmes,
en fonction des différents clients pour
lesquels le lieu pour accéder à
ces rythmes, vous travaillez
ou des différents objectifs
que vous
avez avec votre narration Nous avons également
examiné des techniques
telles que la couleur et le recadrage pour être en mesure transmettre l'émotion
qui sous-tend votre histoire Dans cette dernière leçon, nous allons
aborder le séquençage Nous allons nous
référer à notre analyse initiale des rythmes
de l'histoire, nos idées initiales
concernant le récit et à la façon dont je
séquencerais mes photos, et celle-ci vous sera utile pour votre projet de classe. N'oubliez pas qu'une fois cette
leçon terminée, j'adorerais
que vous téléchargiez votre projet de classe dans la galerie de projets de
classe, afin que je puisse y jeter un œil, et
cette leçon
sera certainement une leçon qui
vous aidera dans cette tâche. Alors, comment séquençons-nous ? Je pense qu'il est très important ici de revenir
aux rythmes de notre histoire. Chaque photo représentera
un rythme différent de l'histoire. Ainsi, par exemple,
votre première photo pourrait être la prise de vue d'ouverture, premier moment où le lieu ouvre ou où les gens
entrent dans le lieu. Votre deuxième rythme pourrait être la présentation de l'
artiste. Qui est l'artiste ? Qui joue ? Votre troisième photo pourrait être celle de The Energy Builds. Et puis le quatrième,
votre rythme lent et intimiste et le cinquième, le final. Considérez cela comme le générique
de fin d'un film. Vous allez donc
prendre chacun des battements que
vous avez identifiés. Il se peut que ce soient les mêmes rythmes
que ceux que j'ai identifiés, ou quelque chose de
complètement différent. Je dirais que
6 à 10 photos, c'est génial, mais je me concentrerais
peut-être sur cinq points de l'histoire Ainsi, par exemple, vous pourriez avoir cinq points et deux
photos pour chacune, qui vous porterait à
dix photos au total, ou vous pourriez avoir une prise de départ,
une photo introduction à
un artiste, deux moments d'énergie intense, un moment d'énergie tranquille, puis votre photo finale. Ou vous pourriez avoir une photo
marquante, présentant l'
artiste, une énergie pleine d'énergie, énergie
calme, un final,
puis des suites. Vous pourriez donc avoir ce grand
moment de production pour terminer, puis un
moment tranquille pendant lequel tout le monde part pour vous après. Je recommande donc un endroit où 6-10 est une bonne façon
de raconter cette histoire Une fois que tu as sélectionné
tes photos, téléchargez-les dans la galerie de projets du
cours et obtenez des points supplémentaires si
vous parvenez à identifier
les rythmes de l'histoire
que vous racontez. J'adorerais
voir le processus de réflexion qui sous-tend le séquençage, ainsi que le
séquençage lui-même Et bien sûr, lorsque
vous sélectionnez vos photos pour le séquençage,
demandez-vous vraiment cette photo raconte
une histoire en soi. j'utilise des techniques
telles que la couleur, le mouvement,
le recadrage, capture de moments pleins
d'énergie
ou la capture de moments intimes avec une foule ? Est-ce que j'utilise ces éléments pour raconter une histoire sur
cette photo ? Parce que si vous pouvez raconter une
histoire sur une seule photo, il est
beaucoup plus facile de créer une séquence car vous
avez plus de choses à utiliser. Et si
ce projet de classe vous plaît, pensez peut-être même à créer
deux histoires alternatives. Vous savez, l'une d'elles est une
histoire pleine d'énergie. L'un d'eux est un
scénario sur les faibles consommations d'énergie, par exemple. Ou peut-être que vous revenez à notre première leçon de
projet de classe et que vous
examinez une histoire du point de vue d'un artiste et une autre du point de vue de la foule. Combien d'histoires pouvez-vous
raconter à propos d'un même événement ? Je pense que c'est toujours
intéressant parce que nous
examinons comment la sélection différentes images modifie ou
change le ton d'une histoire Il peut donc s'agir du même événement, mais la sélection de vos images change l'histoire
que vous racontez. Cela change la façon dont je comprends l'événement en tant que
personne absente. Mais j'espère vraiment que vous avez apprécié ce cours sur le
storytelling dans le cadre de la musique live Je crois vraiment que c'est l'un des aspects
les plus importants
de la photographie musicale en direct, et je suis vraiment impatiente de
voir ce que vous
produisez et les histoires que
vous racontez dans le cadre de votre travail. N'oubliez pas de le télécharger dans la galerie de projets de la
classe, et je vous verrai
dans le prochain cours.
Sophia Carey, Photographer
