Photographie de musique en direct 101 : Prise de vue et montage Photos de concert | Sophia Carey | Skillshare
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Live-Musikfotografie 101: Fotografieren und Bearbeiten von Gig-Fotos

teacher avatar Sophia Carey, Photographer & Designer

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Leçons de ce cours

    • 1.

      Einführung

      1:36

    • 2.

      Kursprojekt

      0:54

    • 3.

      Einführung in die Vorproduktion

      1:03

    • 4.

      Ihren Fotopass erhalten

      2:40

    • 5.

      Den Veranstaltungsort erkunden

      2:11

    • 6.

      Zeitpläne und Aufnahmeliste

      1:54

    • 7.

      Kameraeinstellungen

      3:18

    • 8.

      Kamera-Ausrüstung

      3:16

    • 9.

      Auswahl Ihrer Brennweiten

      2:10

    • 10.

      Was Sie einpacken und tragen sollten

      2:02

    • 11.

      Typische Aufnahmen

      1:55

    • 12.

      Worauf man in einer Aufnahme achten sollte

      2:45

    • 13.

      Berücksichtigung der Ausgabe

      1:19

    • 14.

      Shooting mit Zweck

      1:30

    • 15.

      Laser schießen

      2:03

    • 16.

      Blitzfotografie

      1:42

    • 17.

      Prismen und Reflexionen

      1:10

    • 18.

      Auswahl Ihrer endgültigen Fotos

      1:53

    • 19.

      Zuschneiden

      1:44

    • 20.

      Bearbeitung in Lightroom

      11:42

    • 21.

      Bearbeiten auf deinem Handy

      4:44

    • 22.

      Doppelbelichtungen in Photoshop

      5:11

    • 23.

      Erstellen von Instagram-Karussellen in Photoshop

      6:51

    • 24.

      Lieferung Ihrer Fotos

      1:35

    • 25.

      Schlussgedanken

      1:25

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

269

Teilnehmer:innen

8

Projekte

À propos de ce cours

Möchten Sie als Live-Musik-Fotograf durchstarten? Oder vielleicht brauchst du nur etwas Hilfe, um deine Fotos bei Auftritten zu verbessern?

In diesem Kurs behandeln wir den gesamten Prozess des Fotografierens einer Live-Show, von der Vorproduktion über die Bearbeitung bis hin zur Lieferung, und wir behandeln meine besten Techniken aus meinem persönlichen Workflow als Live-Musik-Fotograf.

Dieser Kurs behandelt:

  • So erhalten Sie Ihren Presseausweis
  • Ihren Zeitplan und Ihre Aufnahmeliste entwerfen
  • Die besten Kameraeinstellungen für Aufnahmen bei Live-Musik-Gigs
  • So finden Sie interessante Aufnahmen
  • Laser schießen
  • Wann man Blitzfotografie verwendet
  • Reflexionen verwenden, um Ihren Fotos Interesse zu verleihen
  • Der Bearbeitungsprozess
  • Und vieles mehr!

Für wen ist dieser Kurs geeignet?

Jeder Teilnehmer jeder Stufe kann auf diesen Kurs zugreifen! Obwohl er für diejenigen gedacht ist, die bereits Vorkenntnisse in der Fotografie haben, die professionell mit Live-Musik arbeiten möchten, richtet sich dieser Kurs sowohl an Anfänger als auch an Gelegenheitsfotografen.

Lass uns darin stecken!

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Sophia Carey

Photographer & Designer

Top Teacher

Hi guys, I'm Sophia! I'm a photographer, videographer and graphic designer, specialising mostly in fashion and event photography, and I'm taking to Skillshare to share what I've learned throughout my freelance career so far, including tips on photography, design and creative business skills.

I've been working as a photographer for the past six years, working with clients across fashion, music and lifestyle! I work with both film and digital photography and have been honoured to work with some amazing faces, teams and clients, from global companies such as Vodafone and Red Bull, to amazing individuals like Leigh-Anne Pinnock of Little Mix and Georgia Stanway and Mary Earpes, two Lionesses.

You can find me most of the time over on Instagram and YouTube, so f... Vollständiges Profil ansehen

Level: Beginner

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Transcription

1. Introduction: Bienvenue sur Live Music Photography 101. Ce cours aborde les bases de photographie musicale en direct, que vous soyez un photographe souhaitant devenir professionnel ou un amateur occasionnel qui souhaite s'améliorer un peu plus prise de photos lors de concerts en direct. Nous allons examiner toutes les choses que j'aurais aimé m'expliquer au début de ma carrière, qu'il s' agisse de photographier dans des lieux peu éclairés ou de prendre en compte des prises de vue intéressantes. Mes meilleurs conseils pour la pré-production et, bien sûr , ce qu'il faut mettre dans votre sac de photographie. m'appelle Sophia Carey et je suis une photographe spécialisée dans la photographie musicale en direct. J'ai commencé ma carrière en photographiant petites salles et des concerts dans ma région, principalement dans les genres grime et hip hop. Avant de passer à la capture de la scène musicale live au Royaume-Uni, ainsi que de certains des plus grands festivals britanniques. J'ai travaillé dans de nombreux lieux, des petits clubs aux grands festivals en plein air. Je vais passer en revue les meilleurs conseils que j'ai appris en près de dix ans de travail dans ce secteur. Ce cours sera divisé en trois sections : la pré-production, le processus de tournage lui-même, puis la post-production, afin que nous puissions tout aborder avant, pendant et après l'événement, jusqu' pendant et après l'événement, au processus de sélection, de montage et de livraison. À la fin de ce cours, vous devriez vous sentir à l' aise pour assister à n' importe quel concert de musique en direct et capturer les moments qui se déroulent devant vous. Je n'en dirai pas beaucoup plus. Mettons-nous à rêver à la prochaine leçon où nous discuterons des projets de classe. 2. Projet du cours: Merci d'avoir choisi de me rejoindre dans ce cours consacré la photographie musicale en direct. Tout au long du cours, nous aborderons tous les éléments du processus de photographie musicale en direct, de la pré-production à la post-production. Pour les projets de classe, j' aimerais que vous vous rendiez à un concert, ce soit dans votre région ou dans un endroit un peu plus grand, et que vous preniez trois photos : une qui met l'accent sur la foule, une qui met l'accent sur la production et une qui met l'accent sur l'artiste. En ce qui concerne la production, cela peut aller de la scénographie à l'éclairage, mais nous y reviendrons un peu plus en détail plus tard dans le cours. Vous pouvez prendre ces trois photos l'appareil photo sans miroir le plus récent, ou vous pouvez les prendre sur un iPhone ou un téléphone similaire. Ce que vous utilisez pour prendre les photos n'a pas d'importance. Tout au long de ce processus, nous allons explorer comment vous pouvez utiliser différents équipements pour capturer des photographies musicales en direct. Ce cours devrait vous donner une bonne idée de la façon de réussir ces trois clichés. Allons droit au but et commençons par la pré-production. 3. Intro à la pré-production: pré-production est la première étape naturelle de tout processus de photographie. Cela fait référence à tout le travail que vous effectuez avant l'événement ou le tournage lui-même qui contribue au bon déroulement du processus . La préparation, comme dans toute séance photo, est très importante en raison de la nature imprévisible de la photographie, en particulier lorsqu'il s'agit d'événements. Si vous pouvez vous préparer autant que possible aux choses que vous pouvez contrôler, les choses que vous ne pouvez pas contrôler seront un peu plus faciles à gérer. Dans cette section du cours, nous allons voir comment vous pouvez obtenir votre laissez-passer de presse, votre pass photo, qui vous permet d'entrer dans la salle. Nous allons également parler de l'accès au site, ce que cela signifie et des raisons pour lesquelles vous pourriez être de ce que cela signifie et des raisons pour lesquelles vous pourriez être autorisé à y entrer. Ensuite, nous allons passer à la compréhension de votre liste restreinte et de votre emploi du temps. Je pense qu'en fin de compte, le processus de pré-production est l'aspect le plus important de tout processus photographique. Si vous faites la bonne préproduction, tout le reste ralentira la mise en place. Au cours de la prochaine session, nous allons commencer le processus de pré-production et découvrir comment obtenir votre pass photo et accéder au tournage dans la salle. 4. Obtenir votre carte photo: Avant d'entrer dans tous les détails du processus de pré-production, il est important de comprendre quand vous pouvez et quand vous ne pouvez pas apporter une caméra professionnelle dans un lieu. Pour ceux d'entre vous qui photographient votre téléphone ou un petit appareil photo de poche, cela ne posera souvent pas de problème. Mais certains sites, en particulier les plus grands, ne vous autorisent pas à apporter des reflex numériques, appareils photo sans miroir ou tout autre type d'appareil photo professionnel . Habituellement, la règle est que s'il est doté d'un objectif amovible ou interchangeable, vous ne pouvez pas l'apporter. Cela dit, certaines petites salles n'ont pas cette règle et vous pouvez apporter votre appareil photo, mais il est important de vérifier à l'avance. Habituellement, les lieux l'ont sur leur site Web. Ils ont toutes les informations nécessaires pour savoir si vous pouvez ou non apporter une caméra dans une salle. En cas de doute, vous pouvez toujours les contacter et leur demander. Pour accéder à ces plus grandes salles avec votre appareil photo, vous devez obtenir ce que nous appelons un pass photo ou un laissez-passer de presse, qui est essentiellement une pièce d'accréditation qui permet la sécurité et au personnel de savoir que vous pouvez apporter un appareil photo. Lorsqu'il s'agit d'obtenir votre pass photo, y accéder de trois manières photographes peuvent généralement y accéder de trois manières. Soit en photographiant pour une publication, qu'il s'agisse d'un magazine ou d'un blog en ligne, photographiant directement pour les artistes. Vous pourriez être embauché par les artistes eux-mêmes, leur direction ou leur label. Ou troisièmement, tourner pour le promoteur ou le lieu lui-même. Il est souvent plus facile d'y accéder par le biais de publications, ce qui permet à la plupart des photographes obtenir leur laissez-passer de presse. Mais bien sûr, vous pouvez essayer de contacter l'un des trois, qu'il s'agisse de publications, d' artistes ou de lieux. Assurez-vous simplement d' inclure votre portfolio ou un lien vers votre portfolio en ligne dans votre e-mail. Une fois que vous avez obtenu votre pass photo, qui doit vous être confirmé par une sorte de communication écrite, il est temps d'attendre le jour de l'événement. À moins qu'on ne vous ait demandé d' arriver à une heure précise, si vous filmez l'intégralité de l'émission, il peut être judicieux d'arriver à peu près au même moment où les portes s'ouvrent. Si vous photographiez un artiste en particulier, alors peut-être 20 minutes, une demi-heure avant que cet artiste ne monte sur scène. Lorsque vous arriverez sur le site, vous devrez demander l' accréditation d'entrée. En général, la sécurité sera très utile pour vous diriger vers la porte ou l'entrée vers laquelle vous devrez vous diriger. Une fois à l'entrée, la sécurité se contentera de vérifier votre nom rapport à une liste et de voir si votre nom y figure, vous donner le bon laissez-passer qui vous donnera accès à tous les endroits où vous êtes autorisé à vous rendre en tant que photographe. Une fois que vous aurez obtenu votre laissez-passer, si vous ne savez pas vraiment où vous êtes autorisé à vous rendre, demandez simplement à la sécurité et ils pourront vous indiquer la bonne direction et vous indiquer où vous pouvez accéder et où vous ne pouvez pas accéder. Une fois votre pass obtenu, il est temps de vous rendre sur place et diriger vers la scène où vous allez tourner. Rejoignez-moi pour la prochaine leçon où nous parlerons de tout ce qui concerne le lieu. 5. Explorer le lieu: Dans cette leçon, nous allons parler de tout ce que vous devez savoir sur un lieu, commençant par l'accès au site. Comme indiqué dans la dernière leçon, il comprendre quel accès vous allez avoir est très important de comprendre quel accès vous allez avoir au sein du site. C'est important pour que vous sachiez où vous allez vous rendre, où vous êtes autorisé à être, et que vous puissiez planifier vos prises de vue en conséquence. Cela vous aidera à prendre de nombreuses décisions au cours du processus de pré-production, comme le choix de vos objectifs ou l'équipement que vous allez apporter. Vous devriez être en mesure de demander à la personne qui vous a embauché où vous aurez accès ce jour-là. Comme mentionné dans la dernière leçon, si la personne qui vous a embauché ne le sait pas, vous pouvez toujours demander à la sécurité le jour de l'événement. Normalement, vous aurez un meilleur accès si vous photographiez pour le lieu ou pour un artiste que si vous photographiez pour une publication. Les différents types d' accès que vous devez connaître sont l'accès à la scène, où vous pourrez être sur scène avec l'artiste, et l' accès aux stands où vous serez placé dans une zone qui trouve généralement directement entre la foule et la scène. L'avant de la salle, qui se trouve généralement à l'arrière de la salle et vous donne une vue sur la foule et la scène. Selon le lieu, vous pouvez avoir accès à d'autres zones et points de vue moins communs . Mais ces trois sont souvent les plus typiques. De nombreuses salles ne vous permettront de filmer que les trois premières chansons, surtout si vous tournez pour notre publication et que vous êtes dans les stands. Cela signifie que vous devrez prendre toutes vos photos des trois premières chansons d' un artiste avant de vous disperser dans la foule, rentrer chez vous ou de vous rendre coulisses pour commencer vos modifications avant la prochaine illustration. décision que vous ferez dépendra du type de billet et de l' accès dont vous disposez sur le site. Par exemple, si je tournais pour le site, je pourrais peut-être revenir en arrière avec le style de mes retouches avant la prochaine application. Cependant, si je tournais pour la presse et que je n'avais accès qu'à cet artiste, je rentrerais probablement chez moi après les trois premiers clichés. En plus de comprendre l'accès réel à la salle, je trouve très utile d'essayer de comprendre à quoi ressemble réellement la salle avant de vous y rendre. Si vous n'êtes jamais allé dans un lieu auparavant, une recherche rapide sur Instagram ou Google devrait vous donner une bonne idée de a, de la taille et du type de chambres du lieu et b, du type de photos que vous pouvez vous attendre à prendre. Dans la leçon suivante, nous allons examiner les calendriers et les listes de prises de vue pour déterminer ce que vous allez réellement capturer. 6. Horaires et liste de tir: Dans cette leçon, nous allons parler des horaires et des listes de présélection. En plus de bien comprendre un lieu, il est également important de comprendre ce que vous allez faire ce jour-là. Je travaille beaucoup dans le domaine de la musique de danse, où vous avez de nombreux numéros le soir. Vous pourriez avoir entre cinq et dix numéros, peut-être plus, au cours d'une période donnée pendant laquelle vous êtes là. est donc très important d'avoir une bonne idée de qui va se trouver où et à quelle heure pour vous assurer que tout se passe bien la nuit et que vous ne manquez aucun moment clé. Je compile généralement toutes ces informations dans un format facilement accessible pour moi. Par exemple, je peux créer un économiseur d'écran ou faire une capture d'écran de mon emploi du temps et l'utiliser comme fond mon téléphone afin de pouvoir rapidement sortir mon téléphone, consulter l'économiseur d'écran et savoir où je dois me trouver pour quel artiste. Outre le calendrier réel des artistes, c'est également très utile si vous pouvez essayer d'accéder à une sorte de calendrier pour les moments de production. Il peut s'agir de gros effets spéciaux tels que des confettis ou pyros ou de gros effets de lumière que l'équipe a prévus pour vous. L'accès à ce type d' informations peut parfois être un peu plus difficile que d' accéder au calendrier d'un artiste. Mais si vous travaillez pour un promoteur ou une salle, vous pouvez toujours vous adresser à l'équipe d'éclairage, à l'équipe de son ou au directeur de production et leur demander s'ils ont un calendrier qu'ils sont prêts à partager avec vous. Toutes ces informations peuvent être utilisées pour que le processus soit aussi fluide que possible pour vous et que vous ne soyez pas stressé quant à l'endroit où vous devez vous rendre et à quelle heure. Si vous ne photographiez pas manière professionnelle et que vous vous rendez simplement à un travail avec votre téléphone ou un appareil photo compact, vous n'avez pas à vous soucier tous ces horaires de la même manière. Cependant, il peut être très utile d'essayer de le trouver à des moments qui se trouvent généralement sur place sur des affiches ou peut-être sur les réseaux sociaux. Dans la leçon suivante, nous allons examiner les paramètres de l' appareil photo et comment tirer le meilleur parti de votre appareil photo. 7. Paramètres de l'appareil photo: Si vous débutez dans la photographie musicale en direct, il peut être très important de comprendre les bases de la prise de vue dans un environnement peu éclairé. La chose la plus importante pour bien régler est le réglage de votre appareil photo. Assurez-vous de savoir comment régler votre ISO, votre ouverture et votre vitesse d'obturation des différentes conditions d'éclairage. L'ISO, la vitesse d'obturation et l'ouverture constituent ce que nous appelons le triangle d'exposition. Trois éléments qui composent n'importe quelle photographie vous permettent d'équilibrer la quantité de lumière émise. L'ISO fait référence à la sensibilité de votre capteur ou de votre pellicule. ce chiffre est élevé, plus votre capteur ou votre pellicule est sensible à la lumière. Cela signifie que cela permettra d'obtenir une image plus lumineuse, mais l'image sera plus granuleuse qu' une valeur ISO inférieure. La vitesse d'obturation fait référence à la rapidité ou la lenteur avec laquelle l'obturateur s'ouvre et se ferme. La vitesse d'obturation que nous utilisons secondes ou en fractions de secondes. Par exemple, est exprimée en secondes ou en fractions de secondes. Par exemple, une correspond à une seconde, tandis que 1/250 correspond à un 250e de seconde, ce qui signifie que l'obturateur est ouvert plus longtemps à une heure qu'à 1/250. l' obturateur reste ouvert longtemps, plus la lumière peut atteindre le capteur, éclaircissant ainsi votre image, mais en retour, plus de mouvements sont capturés. Vous pouvez également opter pour des vitesses d'obturation plus courtes qui réduisent la lumière sur les images, mais qui peuvent figer le mouvement. ouverture contrôle la profondeur de champ de vos photos ou, en termes simples, le flou ou la netteté de votre arrière-plan. L'ouverture fait référence au trou dans votre objectif qui laisse entrer la lumière. Nous mesurons cela en nombres entiers et décimales tels que 16 ou 2,8. Cela semble contradictoire, mais plus le nombre est petit, plus le trou dans votre objectif est grand, ce qui signifie que plus de lumière pénètre dans vos images et que la profondeur de champ est faible. Cela signifie que votre arrière-plan sera plus flou. Plus le chiffre est élevé, moins il y a de lumière, mais plus la profondeur de champ est grande, ce qui signifie que votre arrière-plan sera plus net. Lorsque nous photographions dans des lieux peu éclairés, il est souvent préférable de prendre des photos avec une grande ouverture, telle que 2,8, mais de maintenir la vitesse d'obturation à une fraction proche de 1/200 ou 1/250, afin de ne pas capturer trop de flou ce qui peut être difficile car artistes aiment beaucoup se déplacer. En termes d'ISO, les réglages intérieurs peuvent souvent être assez faiblement éclairés . Nous souhaitons donc opter pour une ISO plus élevée. Pour beaucoup de bonnes photos, j'ai tendance à utiliser une plage comprise entre 1600 et 2500. Mais la mesure dans laquelle vous pouvez pousser votre ISO dépendra vraiment du type d'appareil photo que vous utilisez et de sa capacité à gérer une sensibilité ISO élevée. Lorsque vous photographiez dans des lieux où la lumière est plus élevée, vous pouvez généralement vous permettre de régler votre ISO sur une valeur inférieure, réduit la quantité de grain, régler votre vitesse d'obturation à unités encore plus rapides, telles que et de régler votre vitesse d'obturation à des unités encore plus rapides, telles que 1/800, par exemple, ce qui réduit encore le risque de flou cinétique. La chose à retenir à propos des réglages de votre appareil photo est que ces trois éléments, votre ouverture, votre ISO et votre vitesse d'obturation, fonctionnent à l'unisson pour créer l'équilibre parfait, l'exposition parfaite. Il est très important de bien comprendre comment ces trois éléments fonctionnent non seulement individuellement, mais aussi comment ils fonctionnent ensemble. Le meilleur moyen que j'ai trouvé pour bien comprendre le fonctionnement de ces éléments est de prendre des photos et entraîner à utiliser les trois réglages différents. Vous pouvez le faire avec un appareil photo ou utiliser votre téléphone avec une application telle que ProCamera, en modifiant les différents éléments et en voyant en temps réel comment cela affecte l'image. Dans la prochaine leçon, nous allons aborder matériel photo et les recommandations que je vous recommande pour choisir vos boîtiers et objectifs. 8. Équipement de caméra: Nous avons maintenant une bonne compréhension des paramètres que nous allons équilibrer lors de l'enregistrement de musique en direct. Il est temps de nous concentrer sur ce que nous allons réellement utiliser pour prendre ces images. Lorsqu'il s'agit de photographier de la musique en direct, il vaut toujours mieux être trop préparé. Je recommande toujours d'avoir du matériel de secours Je prends donc toujours deux boîtiers photo et plusieurs objectifs, ainsi que des cartes SD et des batteries de rechange. Quelles autres considérations devez-vous prendre en compte en ce qui concerne votre équipement photo ? Commençons par parler du boîtier de votre appareil photo. En ce qui concerne le boîtier de l'appareil photo, l' une des principales considérations sera sa performance en cas de faible luminosité. Personnellement, j'opte pour un système sans miroir qui fonctionne remarquablement bien en cas de faible luminosité. Cela signifie que je peux pousser mon appareil photo à des ISO bien plus élevés que je ne le pourrais, sinon j'utilise à la fois le Sony A7 IV et le Sony A7 III. D'autres marques d'appareils photo, telles que les appareils sans miroir Nikon et Canon en particulier, sont également très performantes en cas de faible luminosité Ce sont donc d'excellentes options. Une autre chose que j'aime me demander est de savoir si mon appareil photo possède plusieurs emplacements pour une carte SD. Je trouve qu'il est très utile d'avoir un appareil photo doté de deux emplacements, ce qui signifie que vous pouvez sauvegarder sur l'une de vos cartes , car vous ne savez pas ce qui va se passer. Si une carte devait mal fonctionner et que vous perdiez toutes vos photos, vous aurez au moins tout sauvegardé sur votre deuxième carte SD. Personnellement, j'aime avoir deux boîtiers de caméra avec moi pour me rassurer, et surtout parce que s' il y a un problème avec l'un d'entre eux, j'ai un boîtier de sauvegarde à utiliser. Mais il peut également être très pratique d'avoir différents objectifs sur différents appareils photo, ce qui signifie que vous n'aurez pas à changer d' objectif à mi-performance. Cependant, pendant très longtemps, j'ai photographié avec un seul corps, alors ne vous inquiétez pas si vous ne pouvez pas vous en payer deux maintenant , avoir un est une excellente façon de commencer. Ensuite, parlons des lentilles. Dans la leçon suivante, nous allons parler plus spécifiquement des distances focales, ce que cela signifie et de la façon choisir les distances focales que vous allez utiliser. Mais pour l'instant, nous parlons des lentilles elles-mêmes. Donc, pour moi, les considérations sont vraiment réduites à deux facteurs. Tout d'abord, un objectif doté d'une grande ouverture qui me permet de laisser entrer beaucoup de lumière dans l'image, et deuxièmement, un objectif doté d'une mise au point automatique. Je ne veux pas m'inquiéter de point manuelle lorsqu'il s'agit de musique live. C'est un environnement très dynamique, et devoir me soucier de la mise au point manuelle chaque prise de vue est quelque chose qui, pour moi, ne fonctionnerait pas dans le cadre de mon flux de travail. Lorsqu'il s'agit d'une grande ouverture, bien sûr, c'est formidable d'avoir un objectif qui laisse entrer beaucoup de lumière. Lorsque nous travaillons dans des environnements peu éclairés, ce n'est pas vraiment un problème et nous pouvons réduire notre ouverture au lieu de compromettre la vitesse d'obturation ou de créer une image vraiment granuleuse. Outre ces deux facteurs principaux, une autre considération serait de savoir si vous utilisez ou non un objectif à focale fixe ou un objectif zoom. Un objectif à focale fixe est essentiellement un objectif qui ne zoome pas, mais qui a une distance focale fixe. J'ai essayé de photographier avec un objectif à focale fixe sur un appareil photo et un zoom sur l'autre appareil photo. En effet, les objectifs à focale fixe se limitent souvent à une ouverture plus grande, ce qui signifie que vous pouvez laisser entrer plus de lumière. Mais bien entendu, avec les zooms, vous avez un peu plus de flexibilité, vous pouvez prendre des photos à différentes distances focales Avoir les deux à portée de main à tout moment est donc un excellent moyen de trouver le bon équilibre entre laisser entrer beaucoup de lumière dans vos images et ne pas avoir à faire de compromis sur votre distance focale. Dans la prochaine leçon, nous allons approfondir le sujet des objectifs et parler des distances focales. 9. Choisir vos longueurs focales: Maintenant que nous avons une compréhension claire des paramètres et équipement de la caméra, parlons de distance focale. distance focale détermine l'angle de vue capturé par l'objectif avec des distances focales plus courtes résultant en des angles de vue plus larges, et des distances focales plus longues entraînant des angles de vue plus étroits. Cela affecte également le degré d'agrandissement de l'image distances focales plus longues produisant un grossissement plus important. Différents objectifs ont des distances focales différentes. Comme je l'ai mentionné dans la dernière leçon, les objectifs à focale fixe sont fixés à une distance focale. Par exemple, un nombre premier de 35 millimètres est fixé à une distance focale de 35 millimètres. Les zooms, quant à eux, ont la possibilité de passer d'une plage de focales à une autre. Par exemple, une plage de 24 millimètres à 70 millimètres a une plage de 24 à 70, ce qui signifie qu'elle peut avoir n'importe quelle distance focale dans cette plage. Lorsqu'il s'agit de choisir vos distances focales, certaines considérations doivent être prises en compte. Tout d'abord, votre point de vue. D'où allez-vous photographier ? Serez-vous dans la fosse tout près de l'artiste, ou allez-vous être juste à l'arrière, devant la maison ? Par exemple, si vous photographiez de loin, vous aurez peut-être besoin d'une distance focale vous permettant de zoomer au plus près de l'action. Pour les petites salles , un objectif comme un 24-70 est parfait pour ces scénarios. Ensuite, pour les salles plus grandes, peut-être quelque chose comme 70 à 200 millimètres. Une autre considération est le nombre de personnes présentes sur scène. S'il y a plusieurs personnes au sein d'un groupe ou d'un collectif de DJ, vous pouvez opter pour une distance focale plus large afin de vous assurer que tout le monde puisse participer à la prise de vue à la fois. d'une récente tournée que j'ai tournée avec quatre DJ l'un après l'autre, j'ai opté pour un objectif de 18 millimètres, ce qui m'a permis de m' assurer que tous les DJ pouvaient entrer dans les prises de vue, même lorsque je tournais à courte distance dans des espaces assez restreints. Troisièmement, sur quel type de photos allez-vous vous concentrer ? Si vous vous concentrez sur des photos de foule , un objectif large , une distance focale large vous aidera. Personnellement, j'aime tout ce qui va de 18 millimètres à 35 millimètres pour les photos de foule. Mais certaines personnes préfèrent prendre des photos encore plus larges, peut-être avec des objectifs fisheye pour photographier des foules. Dans la leçon suivante, nous allons examiner d'autres équipements, objets qui ne sont pas vos appareils photo, objets qui ne sont pas vos objectifs et ce que vous pourriez avoir besoin d'emporter avec vous pour filmer un concert en direct qui n'est pas orienté caméra. 10. Que faire et porter: Dans cette leçon, nous aborderons équipement que vous souhaiterez peut-être utiliser ou vous voudrez peut-être emporter avec vous qui n'est pas un appareil photo. Commençons par les vêtements que vous voulez porter et l'étiquette courante lorsqu' il s'agit de filmer de la musique en direct. Pour la plupart des événements, en particulier ceux liés à la musique, vous voudrez porter du noir. Nous appelons cette scène noire, qui vous permet de vous fondre dans la foule, vous fondre dans la scène, et de ne pas vous démarquer, non seulement pour ne pas distraire le public de la performance, mais aussi pour ne pas figurer parmi les autres photographes et vidéastes photographiés comme une figure vraiment intrusive, lumineuse ou autre. Personnellement, j'ai essayé de porter de nombreux articles ou vêtements dotés de poches pouvant contenir des cartes SD supplémentaires, piles et même des objectifs si je pouvais les ranger. Il est également utile pour superposer vos tenues. Certaines salles sont très chaudes et autres très froides. Avoir des couches que vous pouvez facilement retirer ou ajouter est également une très bonne considération. chose la plus importante quand il s'agit de savoir quoi porter, ce sont probablement vos bouchons d'oreilles. Outre votre équipement photo, avoir des bouchons d'oreilles avec vous est probablement la chose la plus importante dont vous aurez besoin pour la nuit. Mais si vous oubliez, vous pouvez généralement vous procurer bouchons d'oreille de rechange dans la plupart des établissements, si vous demandez simplement à la star du bar. protéger vos oreilles dans les salles de concert, en particulier lorsque vous devez passer beaucoup de temps à proximité des haut-parleurs, est très important de protéger vos oreilles dans les salles de concert, en particulier lorsque vous devez passer beaucoup de temps à proximité des haut-parleurs, afin de ne pas affecter votre santé à long terme, votre audition. J'aime aussi porter un petit sac qui traverse tout mon corps, ce qui me permet de le remplir de cartes SD de rechange, de piles, de mouchoirs, de chiffons pour lentilles, lingettes pour lentilles et de tout ce je pourrais avoir besoin pour accéder très rapidement. Parfois, vous trouverez même un pistolet flash ou un prisme dans ce sac Selon la taille du sac que je porte aborderai à la fois les pistolets flash et les prismes plus tard dans ce cours. Plus vous filmez d'émissions, plus vous vous habituerez à ce dont vous avez besoin, ce qui fonctionne bien dans votre flux de travail. Mais ce sont là d' excellentes considérations pour commencer. Dans la leçon suivante, nous allons examiner les clichés typiques que vous devez prendre en compte lors d'un concert en direct. 11. Tirages typiques: En ce qui concerne le type de photos à prendre pendant un spectacle, j'aime les classer en quatre catégories. Tout d'abord, des photos d'artistes, ensuite photos de production, puis des photos de foules et des photos de héros. Dans cette leçon, nous allons parler de chacune de ces catégories et de leur apparence. Commençons par les photos d'artistes, probablement la plus explicite des quatre catégories. photos d'artistes font référence aux photos que vous obtenez d'un groupe, d'un DJ ou d'un musicien. peut s'agir de plans larges qui englobent Il peut s'agir de plans larges qui englobent l'ensemble du groupe ou du groupe de DJ, ou plans recadrés plus rapprochés qui se concentrent uniquement sur un membre ou, s'il n' y a qu'un seul artiste, un détail spécifique ou sur un plan intermédiaire, quelque chose de rapproché de l'artiste. Ensuite, nous avons les plans de production. plans de production font référence aux plans de la production visuelle. Cela peut aller de la scénographie aux effets spéciaux tels que des confettis ou du pyro. Ces prises de vue ont tendance à être plus efficaces lorsque vous les prenez sous un angle plus large, compte tenu de l'immensité de ces pièces de production. La troisième catégorie concerne les photos de foule. Encore une fois, c'est très similaire aux photos d'artistes en ce sens que c'est assez explicite. photos de foule sont des photos de la foule et se présentent généralement sous deux formes : d' une part, des prises de vue plus larges qui l'ampleur et l'ampleur de l'événement, et d'autre part, des photos qui se concentrent sur des individus ou des groupes de personnes au sein de la foule. Enfin, nous avons des photos de héros. Les photos de héros sont celles que j'aime considérer comme la prise de vue ultime. Il englobe un peu les trois autres catégories. Vous avez l'artiste sur scène, vous avez le public et vous avez des moments de production. Il s'agit souvent de prises de vue prises de grands angles, peut-être devant la maison, en regardant la foule vers la scène ou depuis un point de vue plus élevé. Dans la leçon suivante, nous allons expliquer ce qu'il faut rechercher dans chacune de ces photos et comment connaître vos photos dans ces quatre catégories. 12. Que rechercher dans un tir: Dans cette leçon, nous allons parler des éléments à rechercher dans une prise de vue pour chacune des quatre catégories décrites dans la dernière leçon. Tout d'abord, parlons des photos d'artistes. Pour les photos d'artistes, il y a deux choses que vous devez vraiment prendre en compte ou auxquelles vous devez prêter attention. La participation et l'interaction étant les premières. Cela signifie tout plan où l'artiste ou un musicien interagit avec d'autres personnes sur scène, qu' il s'agisse d'un ami ou d'un collègue musicien, ou tout autre plan où l'artiste ou un musicien interagit avec la foule. Deuxièmement, un mouvement intéressant. Tout endroit où l' artiste se déplace d'une manière intéressante ou forte et frappante peut constituer une superbe photo. Pour les prises de vue de production, il est important de pouvoir prévoir quand les moments de production vont se produire. Bien sûr, vous pouvez parler à des gens à l'avance, obtenir un calendrier indiquant la date à laquelle certaines productions sont censées avoir lieu, mais vous ne pouvez pas toujours prévoir la seconde exacte où elles se produiront. Vous devrez garder un œil en l'air pour savoir quand vous pensez que des moments de production sont susceptibles de se produire, et vous pouvez le faire de plusieurs manières . Pour ce faire, vous pouvez notamment vous familiariser avec la musique ou la setlist d'un artiste. Ce n'est pas toujours possible, mais quand c'est le cas, il peut être très utile d' essayer de prédire quand se situera la plus grande partie d' une chanson ou d'une set list. Ces parties les plus importantes des chansons et des setlists ont tendance à être les moments où la production sort ces effets spéciaux. Vous allez avoir droit à des confettis sur la plus grande chanson de la set list. Ensuite, vous pouvez écouter la musique et essayer déterminer le rythme de la musique et d'écouter le rythme, car ce sont des moments clés au cours desquels ils peuvent créer des effets spéciaux ou modifier l'écriture, par exemple. Troisièmement, et celui-ci est un peu une astuce, c'est de garder un œil sur celui qui crée les effets spéciaux. Vous serez souvent capable de savoir quand ils vont appuyer sur un bouton ou tirer sur le levier et vous pouvez utiliser ces conseils en les regardant de temps en temps pour déterminer quand ils vont lancer les effets spéciaux. Tant que votre photo est prête, tout est prêt, vous pouvez continuer à les regarder et dès qu'ils appuient sur le bouton ou actionnent un levier, vous êtes prêt à prendre la photo. les photos de foule, j'adopte une approche similaire à celle des photos d'artistes. Rechercher toute interaction avec d'autres membres du public ou avec les artistes eux-mêmes sur scène. Je fais également attention aux personnes qui semblent vraiment aimer la musique car ce sont les photos que votre client voudra vraiment pouvoir voir. Personnellement, je préfère une approche plus franche de la photographie de foule. préfère les courts métrages où le public ne me regarde pas et ne se rend peut-être pas compte que je prends une photo. Mais c'est certainement une question de préférence personnelle. Certaines personnes préfèrent la photographie de foule plus posée, et c'est certainement un moment et un lieu pour les deux. Le héros tire. Vous devriez examiner un peu ces trois catégories et les regrouper en une seule. Dans la leçon suivante, nous allons parler production et des raisons pour lesquelles il est important d'en tenir compte. 13. Considérer la production: Dans cette leçon, nous allons discuter la sortie de vos photos, leur destination et de la manière dont cela affecte le processus de prise de vue. C'est sans doute l'un des aspects les plus simples mais les plus importants de tout travail photo. Mais lorsque vous prenez des photos pour vous-même, quelles sont les considérations que vous devez réellement prendre en compte lorsque vous prenez une photo ? Cela peut être très utile pour comprendre où vous allez placer ces photos. Sont-ils destinés aux réseaux sociaux ou allez-vous les imprimer pour le mur de votre chambre ? Comprendre où vos images vont se retrouver vous aidera à nommer la composition de votre image. Avez-vous besoin de le composer en orientation portrait ou en orientation paysage ? Lorsqu'il s'agit de travailler pour un client, cela est souvent dicté dans le brief, mais lorsque ce n'est pas le cas, il est préférable de choisir une variété de compositions différentes et différentes compositions pour différents rapports hauteur/largeur, au cas où. Par exemple, les photos qui peuvent être nécessaires pour le Web ou les panneaux d'affichage ont tendance à être prises en orientation paysage. Toutefois, les photos destinées aux réseaux sociaux seront généralement courtes en orientation portrait. Pour aller plus loin, en ce qui concerne les réseaux sociaux, vous devez souvent prendre en compte deux formats d' 9* 16 pour les stories Instagram ou les couvertures réelles, et 4* 5 pour les publications sur la grille Instagram. Cela peut être un élément à prendre en compte lorsqu'il s'agit de composer votre image et réfléchir à l'impact du recadrage. Dans la prochaine leçon, nous allons discuter de l'idée de photographier avec un objectif précis et de la manière de vous assurer que tout ce dont vous avez besoin est couvert. 14. Prise de vue avec un but: Dans cette leçon, nous allons voir comment photographier avec détermination. Il est important de photographier avec détermination afin de trouver l'équilibre entre obtenir tout ce dont vous avez besoin pour capturer et ne pas dépasser. Tout d'abord, ne vous contentez pas de pulvériser et de prier. Ce terme désigne le fait de tirer sans but et d' espérer simplement tirer quelque chose bien de ce que vous avez capturé. Essayez plutôt de réfléchir un peu plus à ce que vous filmez. Réfléchissez à ce dont nous avons parlé dans les leçons précédentes, par exemple ce qu'il faut rechercher dans un court métrage ou le résultat. Un autre bon moyen de s'assurer que votre travail est pris en compte est réfléchir à la marque de l'artiste ou de votre client. Pouvez-vous trouver un moyen d' intégrer leur marque personnelle et leur identité visuelle dans votre travail ? C'est une partie importante du tournage de musique en direct. La façon dont vous photographiez des rappeurs sera probablement différente de la façon dont vous photographiez un chanteur folk. de juger de s'assurer que vous prenez suffisamment Il peut être un peu difficile de juger de s'assurer que vous prenez suffisamment de photos . Pour ce faire, j'essaie de m' assurer d'avoir au moins trois photos solides pour chaque élément de ma liste de photos. De cette façon, je sais que j'en ai vraiment assez pour livrer au client. Une fois que j'ai la liste de photos, je peux utiliser le temps qui me reste pour faire preuve de créativité, essayer des techniques que je n'ai jamais essayées auparavant ou des choses qui ne figurent pas sur la liste mais que je veux quand même essayer. comprendre comment prendre des photos avec objectif précis et d'être plus réfléchi dans Il est très important de comprendre comment prendre des photos avec un objectif précis et d'être plus réfléchi dans votre approche pour vous assurer d'obtenir tout ce dont vous avez besoin, mais vous ne vous retrouvez pas avec des milliers d'images qui ne seront probablement pas retenues à la fin. Dans la prochaine leçon, nous allons parler de la façon tirer au laser lors d'un concert et de ce que vous devrez peut-être prendre en compte. 15. Lasers de tir: Les lasers sont très appréciés pour les grands spectacles, en particulier lorsqu'il s'agit de genres tels que la musique de danse, mais il peut être assez difficile de les capturer efficacement et en toute sécurité . Dans cette leçon, je vais décrire certaines des choses que j'ai apprises au cours des années que j'ai passées tourner des émissions utilisant des lasers. abord, vous devez savoir que les lasers peuvent endommager les capteurs de votre caméra. Cela se produit si le laser touche directement le capteur de la caméra Vous devez donc essayer d'éviter tout type de laser ne pénètre directement dans votre objectif. Heureusement, la plupart des lasers sont montés sur une scène pointant au-dessus de la foule. Donc, si vous pouvez rester au même niveau que la foule, vous serez généralement à l'abri de cela. Vous devez également tenir compte du fait que plus le laser frappe votre capteur longtemps, plus il causera de dommages. Si vous photographiez avec des vitesses d'obturation très lentes, les dégâts seront plus importants que si vous photographiez à une vitesse d'obturation plus rapide. Cela m'amène bien à la vitesse d'obturation et à la façon de régler votre vitesse d'obturation lorsque vous photographiez des lasers. J'ai découvert que travailler avec des vitesses d' obturation plus lentes est beaucoup plus efficace que de photographier avec des vitesses d'obturation plus élevées. Bien sûr, vous ne voulez pas que ce soit trop lent pour minimiser les dommages causés par le laser, mais vous devez trouver un point compris entre 1/15 et 1/100, car j'ai découvert que ce type de plage génère généralement les meilleures images pour capturer des lasers. Essayez différentes vitesses d'obturation que vous travaillez pour essayer trouver le point idéal, car différents lasers sont déclenchés à des vitesses différentes. Il n'existe donc pas solution universelle pour la vitesse d'obturation en matière de lasers. Toutefois, si vous photographiez des lasers à une vitesse d'obturation trop élevée, vous constaterez que l' écran laser peut sembler faible car l'appareil photo ne capturera pas tous les lasers. Cela signifie que vous pourriez vous retrouver avec une photo d'un seul laser capturée au lieu d'une série de 20 sur l'image. Quand il s'agit de photographier au laser, j'aime prendre une vue large, généralement prise depuis la foule ou devant la maison en me concentrant sur une foule nombreuse afin perdre tout flou dû à la lenteur de la vitesse d'obturation, plutôt que de me concentrer directement sur l'artiste qui va beaucoup se déplacer. Dans la leçon suivante, nous allons parler de la photographie au flash et des circonstances dans lesquelles il est approprié de l'utiliser lors de concerts. 16. Photographie avec flash: Dans cette leçon, nous allons aborder le sujet de la photographie au flash. Quand est-il approprié de l'utiliser et comment l'utilisez-vous lorsque vous le pouvez ? Dans la plupart des concerts, il n'est pas vraiment habituel d'utiliser le flash. Cependant, il peut y avoir quelques exceptions à cette règle, dépendent généralement de l'artiste du lieu et des règles en vigueur. D'après mon expérience, pour certaines salles et artistes plus petits, j'ai pu utiliser le flash. Lorsque je l'ai utilisé, je l'ai utilisé en lumière directe, ce qui signifie essentiellement que vous dirigez le flash directement sur votre sujet et que vous créez une lumière assez intense. Vous pouvez également faire rebondir votre flash, ce qui implique de le filmer, par exemple, sur un plafond et de faire rebondir la lumière du plafond vers votre sujet. Le fait est que cela fonctionne généralement mieux lorsqu' il y a un plafond blanc d'où vous pouvez le faire rebondir. La plupart des salles ont des plafonds sombres ou de très hauts plafonds. Si vous comptez utiliser le flash, il est probablement préférable d'utiliser une forme directe de flash, mais je le répète, il n'est pas très courant que vous puissiez utiliser le flash pour la photographie musicale. La plupart du temps, on s'attend à ce que vous utilisiez la lumière disponible, qu' il s'agisse de la lumière naturelle différents sites extérieurs ou sur différents sites extérieurs ou des bandes spécialement conçues pour ce lieu. flash peut également être approprié lorsque Le flash peut également être approprié lorsque vous filmez coulisses du contenu avec l'artiste alors que vous êtes loin de la scène. Dans ces cas, il serait approprié de faire rebondir votre flash ou d'utiliser un flash direct , en fonction vos préférences personnelles et de vos préférences personnelles et du style que vous souhaitez utiliser. Dans la leçon suivante, nous allons discuter de la prise de vue avec des prismes et des reflets et de la manière dont vous pourriez vouloir procéder. 17. Prismes et réflexions: L'utilisation de prismes et de reflets vos photos est un excellent moyen d' ajouter un élément créatif supplémentaire et vous pouvez le faire de plusieurs manières. présumes sont essentiellement des morceaux de verre de différentes formes et tailles que vous pouvez utiliser ou fixer à votre objectif si vous utilisez un filtre présume. Ils étaient utilisés pour déformer votre image ou pour créer des reflets intéressants sur vos photos. Si vous n'avez pas de prisme, je préfère utiliser mon téléphone comme surface réfléchissante. Il vous suffit de placer le côté réfléchissant de votre téléphone sous votre objectif pour refléter une image sur vos photos. Les différents types de prisons peuvent avoir des effets différents. Il peut être amusant d'expérimenter avec les différentes formes et les différentes tailles et de trouver celles que vous aimeriez le plus utiliser. un des meilleurs conseils pour travailler avec les reflets est de bien prendre en compte ce qui se reflète dans l'image. Par exemple, vous ne voulez pas que le bureau de son ou vous-même soient reflétés dans l'image. Vous voulez plutôt vous concentrer sur la prise en compte éléments tels que les moments de production l'éclairage dans vos photos. Dans la leçon suivante, nous aborderons le processus de post-production expliquerons comment choisir vos photos finales à livrer. 18. Choisir vos photos finales: La création de votre dernier pantalon, ou appel, comme on l'appelle aussi communément, est un aspect important du processus de post-production. Dans cette leçon, je vais parler de deux de mes méthodes préférées pour affiner les photos jusqu'à mes sélections finales. La première méthode d'appel consiste à appeler à huis clos. Cela peut être fait pendant le tournage ou peut-être en rentrant chez vous après un tournage avant d'entrer dans le processus de montage proprement dit. La façon dont je préfère procéder est d' écrire mes images avec un classement par étoiles à l'appareil photo. Souvent, pendant le processus de prise de vue, vous prenez une photo et vous savez que cette photo est l'une des photos que je vais livrer à la fin. C'est l'une des meilleures photos que j'ai prises ce soir. Ces classements par étoiles sont enregistrés dans les métadonnées des photos, sorte que lorsque vous les importez dans tel qu'Adobe Lightroom, un logiciel tel qu'Adobe Lightroom, un logiciel de catalogage et de retouche que nous aborderons dans une prochaine leçon. Le nombre d'étoiles est maintenu, ce qui vous permet d' identifier instantanément vos photos préférées de la nuit. En ce qui concerne la prise de vue sur votre téléphone, vous pouvez utiliser des outils similaires pour faire face au processus de prise de vue. Par exemple, les iPhones ont cette option vous permet de privilégier une image une fois que vous l'avez prise, et cela envoie simplement cette image dans un autre dossier auquel vous pourrez accéder ultérieurement. Passons maintenant à la question des appels dans Adobe Lightroom. Vous pouvez appeler Lightroom de différentes manières et décider méthode qui vous convient le mieux est généralement une question de préférence personnelle. Pour moi, les principales méthodes que j'aime utiliser sont d'utiliser le système stellaire dans lequel vous pouvez écrire une image de 1 à 5, ou d'utiliser les options de marquage ou de collecte rapide. Chacune de ces trois options est en fait une seule et même option. Essentiellement, elles vous aident chacune à séparer vos sélections du reste des photos que vous avez prises. Jouez et découvrez quel système vous convient le mieux et quel est le meilleur dans votre flux de travail. Dans la leçon suivante, nous allons aborder le processus de montage, en commençant par le recadrage de vos compositions. 19. Recadrage: Bien qu'il soit certainement plus facile et plus efficace d' obtenir vos compositions directement dans l'appareil photo, cela ne se produit pas toujours Utiliser le recadrage comme outil de correction et de retouche de vos photos est donc une idée vraiment puissante. Dans cette leçon, nous allons examiner les meilleurs conseils à prendre en compte pour recadrer vos photos. En termes d'équipement, lorsqu'il s'agit de recadrer, vous pouvez utiliser n'importe quoi, de l'application photos votre téléphone à un logiciel comme Adobe Photoshop. L'équipement que vous utilisez pour cela n'a pas vraiment d'importance, il s'agit simplement de ce que vous faites avec la récolte. Tout d'abord, repensez à la sortie. Par exemple, ces photos doivent-elles être recadrées dans des proportions spécifiques telles que 1* 1, 9* 16, 4* 5. Cela vous indiquera le rapport hauteur/largeur dans lequel les photos doivent être recadrées. Ensuite, vous pouvez envisager de recadrer pour différentes raisons, notamment le recadrage pour créer un point focal. recadrage est un outil puissant et le recadrage pour créer un point focal peut être un excellent moyen de l'utiliser. Cela signifie concevoir le recadrage de votre photo pour attirer l'attention sur une zone ou une partie spécifique de la photo. Une méthode très courante de recadrage pour créer un point focal consiste à placer votre point focal au centre de votre image. Une autre excellente façon d'utiliser le recadrage est de recadrer des objets hors du cadre. Tout comme la création d'images dépend ce que vous incluez dans le cadre, elle dépend également de ce que vous émettez. Le recadrage de distractions ou d' éléments qui ne correspondent pas votre composition ou à votre récit peut être un moyen utile d'utiliser les outils de recadrage. Maintenant que nous avons abordé les bases du recadrage, sans doute l'outil le plus important et le plus puissant matière de retouche d'images, en matière de retouche d'images, examinons quelques logiciels spécifiques que vous pouvez utiliser dans votre processus de retouche, en commençant par Adobe Lightroom. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon, nous aborderons Adobe Lightroom et certaines des fonctionnalités clés en matière de retouche d' images. Leçon suivante. 20. Montage dans Lightroom: Adobe Lightroom est mon logiciel de retouche préféré, parfait pour l' étalonnage des couleurs ainsi que pour le catalogage de toutes vos photos. Vous pouvez accéder à Lightroom en utilisant un abonnement Adobe qui permet des réductions pour les étudiants mais si vous ne souhaitez pas acheter d' abonnement, les options d' édition proposées Lightroom sont des options communes à de nombreux logiciels de montage différents. Ce didacticiel vous donnera une bonne idée de l'action de chacune des options et de la manière dont elles affectent une image. Lightroom propose également une application mobile gratuite que nous aborderons un peu plus dans autre leçon, disponible pour les mobiles et tablettes qui ne nécessitent une autre leçon, disponible pour les mobiles et les tablettes qui ne nécessitent ni abonnement ni paiement Elles offrent à peu près les mêmes fonctionnalités d'édition que la barre de bureau. Dans cette leçon, j'utiliserai la version classique d'Adobe Lightroom sur mon Macbook. Je pense que c'est un 2015 mais vous pouvez l' utiliser sur Mac ou Windows. Passons en revue certaines de mes options préférées. Bienvenue dans Adobe Lightroom, c'est notre espace de travail pour cette leçon. Adobe Lightroom est essentiellement un outil de retouche et de catalogage photos. Vous pouvez donc importer vos photos dans Lightroom, modifier vos photos dans Lightroom, puis les exporter depuis Lightroom. Dans cette leçon, nous allons aborder certains de mes outils préférés ou certains des outils les plus puissants de Lightroom et nous allons commencer par la température. La température est un outil très simple et très efficace que vous pouvez utiliser pour transformer réellement votre image. Pour vous montrer un exemple , j'ai cette image que j'ai prise il y a quelques mois et nous allons simplement la modifier en utilisant uniquement la température et voir ce que cela fait à l'image. Comme vous pouvez le voir ici sur le côté droit, vous pouvez voir la température et les curseurs de teinte. Juste une préface, nous sommes dans l'onglet Développement, donc si vous êtes dans votre onglet Bibliothèque, vous devez passer à votre onglet Développement pour pouvoir modifier vos images. Mais revenons aux sliders. Cette section est ce que nous appelons la balance des blancs et qui modifie essentiellement la température et la teinte des couleurs de votre image. Comme vous pouvez le constater, Lightroom vous permet d'identifier très facilement ce que font réellement ces outils Vous pouvez donc voir ici que la température rendra votre image soit plus chaude vers un ton jaune, soit plus froide vers teintes plus bleues, puis teintée D'autre part, contrôlez votre magenta comme vos roses, violets et verts. Nous allons simplement jouer avec la température pour commencer et voir ce que cela fait réellement à une image. D'emblée, cette image est une image assez froide qui est basée sur l' éclairage de l'image. Lorsque nous changeons la température vous pouvez constater que non seulement la température change, mais aussi la luminosité de l'image. Vous pouvez donc voir qu'à mesure que je me réchauffe elle perd un peu de sa luminance, un peu de sa luminosité. Mais à mesure que je fais froid, cela introduit beaucoup plus de luminosité dans l'image. Encore une fois, nous pouvons faire la même chose sur la teinte. Si vous optez pour le vert, l'image sera un peu plus foncée, mais au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers le rose, cela l'éclaircira. L'idée ici est de vraiment trouver un bon équilibre, non seulement en termes couleur, mais aussi de luminosité que vous souhaitez donner à votre image. Pour ma part, je vais opter pour quelque chose dans les tons moyens. Si vous n'aimez pas vraiment les couleurs bleues, c'est là que les autres outils de Lightroom entreront en jeu Nous allons donc nous en tenir à ce côté droit et terminer avec ceux-ci. Nous allons entrer dans cette section qui est votre section d'étalonnage des couleurs. La gradation des couleurs vous permet essentiellement d'ajouter des couleurs à vos tons moyens, vos ombres et à vos reflets, ce qui modifiera l'équilibre de l'apparence des couleurs. Vous avez ces petits cadrans qui détermineront la couleur que vous ajoutez à chaque partie de votre image. Si nous commençons par les reflets, vous voyez, je peux ajouter un vert vraiment éclatant aux points forts de l'image. En vous dirigeant vers le centre , vous doublerez ce vert, il y sera toujours mais il ne sera pas saturé. En ce qui concerne l' étalonnage des couleurs, j' aime généralement utiliser des couleurs complémentaires ou des couleurs contrastantes. Cela signifie donc choisir des couleurs opposées sur votre roue chromatique. Puisque nous mettons ce jaune vert dans les , examinons vos zones d'ombre et voyons ce que nous pouvons faire avec ce mélange à peu près opposé et comment cela modifie l'image. Vous verrez que la majeure partie de cette image est en fait constituée d'ombres. Au fur et à mesure, tout ce que j'ajoute aux ombres affecte vraiment la majeure partie de cette image. Je vais ajouter quelque chose à peu près dans la section violette. C'est le contraire de notre vert et de notre jaune, donc c'est complémentaire . Cela fonctionne bien avec ce ton ici, mais cela ajoute juste un peu plus de contraste par rapport au bleu principal de l'image. Lorsque nous aborderons les tons moyens, encore une fois, je vais opter pour quelque chose de similaire aux tons clairs, juste pour créer un peu plus de contraste. Vous pouvez également modifier la luminosité de ces sections à l'aide de ces curseurs. Si nous l'examinons sans les reflets, sans les ombres et sans les tons moyens, nous avons ajouté un peu de contraste en ajoutant des couleurs plus claires dans les tons clairs et des couleurs plus foncées dans les ombres. Ensuite, si nous n'en sommes pas certains à 100 % , nous pouvons revenir nos bases et rejouer avec notre température. Pour moi, je suis très content cette image entièrement bleue, mais une autre façon de changer cela est d' ouvrir votre section HSL. HSL fait référence à la teinte, la saturation et à la luminance. teinte est la couleur, considérez la teinte comme la couleur de votre image. Vous avez le rouge ici dans un curseur allant d'un rouge rosé à un rouge orangé. Cela va changer tous les rouges de votre image, il n'y a pas beaucoup de rouges à vous montrer. Allons plus loin dans le bleu car nous avons beaucoup de bleus sur cette image. Si je voulais le rendre plus violet, je le ferais glisser de cette façon. Si je voulais le rendre plus vert, tu le ferais comme ça. Votre saturation correspond à la saturation de ces teintes Nous pouvons donc voir si je la fais glisser vers le bas , cela supprimera la saturation du bleu, si je la fais glisser vers le haut , cela l'augmentera. Votre luminance est votre luminosité ou votre luminosité, donc l'augmenter éclaircira mes bleus , la diminuer les assombrira. Vous pouvez jouer avec les curseurs HSL pour obtenir vraiment la couleur que vous souhaitez, mais passons à une autre image pour voir comment nous utiliserions les outils similaires. Cette image est assez sombre Nous allons donc commencer par votre température en la déplaçant et en voyant où nous voulons qu'elle soit. Je vais faire en sorte qu'il fasse un peu plus chaud cette fois. Ajoutez un peu de rose et je vais également augmenter l'exposition juste pour éclaircir l'image. Ces sections , vos ombres et vos reflets, vous aideront également modifier votre exposition et créer différents niveaux de contraste. Passons à notre tonalité divisée, à nouveau à notre gradation des couleurs. Si nous ajoutons un vert dans les tons moyens et peut-être quelque chose d'un peu similaire, choisissons un bleu ou un vert dans les tons clairs, puis, dans les tons foncés, mettons quelque chose d'un peu opposé, comme un rose ou un rouge. Maintenant on y va. Nous pouvons à nouveau accéder ces curseurs HSL si vous souhaitez modifier encore plus les couleurs. Une autre chose que vous pouvez faire, c'est si vous ne savez pas vraiment quelle couleur vous essayez d'identifier , vous pouvez cliquer sur ce petit bouton, cliquer dessus et passer à la couleur de votre choix. Disons que nous voulons cette couleur ici, cliquez puis faites glisser la souris de haut en bas faire glisser la couleur détectée par Lightroom. Encore une fois, tu pourrais le faire ici dans le blues. Vous voyez qu'il change le bleu et le violet, car ce sont les teintes détectées dans la couleur que nous avons sélectionnée. Ensuite, ouvrons une scène plus grande. Encore une fois, vous pouvez vraiment voir comment votre température va changer, l'ambiance et l' ambiance d'une image. Il s'agit de jouer, d'expérimenter vraiment et de trouver une façon d'utiliser les couleurs avec plaisir. Dans Lightroom, vous pouvez également créer des masques. Les masques sélectionnent essentiellement certaines parties de votre image et n'affectent que les parties sélectionnées dans le masque pour vos modifications. Vous pouvez le faire de différentes manières . Vous pouvez soit dessiner votre masque avec le pinceau, Vous pouvez soit dessiner votre masque avec le soit celles-ci sont mes préférées Vous pouvez utiliser le dégradé linéaire ou le dégradé radial. Ainsi, par exemple, si je voulais éclaircir cette partie de l' image, j'utiliserais un dégradé linéaire et je créerais simplement un masque qui l'affecterait. Vous pouvez voir que cette section rouge est le masque, je peux changer la couleur de la superposition, si je veux dire quelque chose , je ne sais pas, comme un jaune très vif, pour que vous puissiez voir. C'est ce que le masque. Vous pouvez également désactiver la superposition pour voir à quoi ressemble réellement l' image. Ensuite, il va créer cette petite section ici qui vous permettra d'apporter des modifications uniquement à ce masque. Je peux utiliser l'outil Exposition et vous pouvez voir que cela n' affecte pas toute cette image, mais uniquement cette section du masque. Une autre chose que nous pouvons faire dans Lightroom est de copier et coller des modifications. Supposons que la configuration de l'éclairage soit exactement la même entre cette photo et une autre photo et que je voulais prendre les modifications que j'ai prises sur cette photo et les placer sur une autre photo pour plus de rapidité, de facilité ou de cohérence Vous pouvez copier et coller vos modifications. Ici, vous pouvez cliquer sur Copier ou sur Commande C si vous utilisez un Mac ou sur Control C si vous utilisez Windows. Vous pouvez sélectionner les différents éléments que vous souhaitez copier Vous pouvez même copier votre masque, votre recadrage. Pour ma part, je n'ai pas tendance à le faire parce que les compositions des différentes images sont différentes J'ai donc tendance à copier votre personnel de base, vos couleurs et votre copie de presse, puis nous pouvons passer à une autre image. Cette image n'est en fait pas la même configuration d'éclairage, mais faisons comme si c'était Vous pouvez la coller et vous pouvez le voir maintenant que cette image a été modifiée. À mon avis, ce sont quelques-uns des outils les plus puissants de Lightroom. Vous avez vos curseurs de couleur HSL, vous avez votre section d' étalonnage des couleurs, puis votre balance des blancs, avec les éléments de la section de base de Lightroom qui influent sur votre exposition, et puis, bien sûr, vous avez votre masquage. Ce sont tous de très bons outils, des outils vraiment puissants qui peuvent tous vous aider beaucoup lorsqu'il s'agit de retoucher vos photos. Lightroom est un excellent outil pour éditer et organiser votre vie en matière de photographie musicale et je vous recommande vivement l'utiliser si vous souhaitez devenir professionnel dans le domaine de la photographie musicale. Pour ceux d'entre vous qui s' intéressent davantage à la photographie décontractée, à la photographie décontractée et à la prise de photos lors d'événements musicaux en direct, rejoignez-moi pour la prochaine leçon où nous effectuerons retouches sur mon iPhone à l'aide un mélange de deux applications gratuites différentes que vous pouvez utiliser. 21. Édition sur votre téléphone: Dans cette leçon, nous allons examiner deux applications différentes que vous pouvez utiliser sur votre téléphone pour retoucher des photos. Tout d'abord, commençons par VSCO ou VSCO. VSCO est l'un de mes favoris. Il s'agit d'une application qui vous propose non seulement plusieurs préréglages parmi lesquels choisir, mais qui vous permet également de modifier vos photos, des curseurs de teinte, de saturation et de luminance aux commandes de tonalité divisée. Examinons certains des outils les plus courants au sein de VSCO ou de VSCO et voyons comment les utiliser , en commençant par l'exposition. Passons à VSCO. Ouvrons cette photo que j'ai prise il y a longtemps. Je ne me souviens plus sur quel téléphone il s'agissait, je pense qu'il s'agissait d'un iPhone 7. Nous allons simplement commencer par ajuster le recadrage. Allons-y un par un, juste pour simplifier les choses. La première chose que nous allons faire est d'ouvrir l'onglet Exposition. Une exposition assombrit ou éclaircit essentiellement l'image. Ensuite, vous pouvez passer à votre contraste. Ces outils sont déjà similaires à ceux que vous avez dans Adobe Lightroom pour ordinateur. Vous avez également un H et un S dans votre section de tonalité, qui influent sur les reflets de votre image. Vous ne pouvez pas vraiment voir dans celui-ci, car il n'y a pas beaucoup de zones claires à modifier et les ombres, que vous pouvez voir un peu plus, les assombrissent ou les éclaircissent. Vous disposez également de vos outils de balance des blancs. Non seulement vous avez cela, mais vous disposez également d'un outil appelé vignettage qui assombrit essentiellement les bords de votre image. Cela permet de créer un point focal dans l'image. Passons maintenant à la tonalité divisée, qui est essentiellement section d'étalonnage des couleurs de Lightroom. Vous pouvez ajouter différentes couleurs dans les tons foncés et dans les zones claires. Outre la tonalité fractionnée, vous disposez également de vos curseurs HSL, très similaires à ceux que vous utilisez lorsque vous travaillez dans Lightroom. VSCO propose également une multitude de préréglages que vous pouvez utiliser si vous n'avez pas envie de modifier des choses à partir de zéro. Passons maintenant à l'application mobile d'Adobe Lightroom mobile. Les outils de Lightroom Mobile sont similaires à ceux de VSCO et également très similaires à Light Room pour ordinateur de bureau. Ils offrent des fonctionnalités plus avancées que VSCO similaires à la version de bureau d'Adobe Lightroom, notamment le masquage et l'étalonnage des couleurs. Regardons quelques-uns de mes favoris dans l'application. Comme vous pouvez le voir ici, vous disposez à peu près des mêmes outils que VSCO et Adobe Lightroom pour ordinateur de bureau. Vous avez cet outil sympa qui s' appelle Auto et qui prédit essentiellement comment l'image doit être modifiée. Vous pouvez cependant le remplacer. Nous allons nous diriger vers la section « lumière » qui ouvrira notre exposition, notre contraste et nos tons clairs, etc. Vous pouvez voir que les choses ont déjà été modifiées grâce au réglage automatique. Mais comme je l'ai dit, vous pouvez remplacer ces paramètres. Je préfère avoir un peu plus contraste, donc je vais redonner un peu d'obscurité à ces ombres. Vous avez également un outil appelé Tone Curve, que vous avez également dans Adobe Lightroom pour ordinateur agit d'un outil un peu plus avancé Il s' agit d'un outil un peu plus avancé, mais il vous permet essentiellement de placer des points dans une courbe et d'affecter différentes parties de l'image. Par exemple, ce coin supérieur droit affectera les zones claires de votre image, tandis que le coin inférieur droit affectera les ombres. Vous pouvez également ajouter différentes couleurs dans ces ombres. Ainsi, dans la courbe des tons rouges, vous pouvez ajouter du rouge dans les zones claires ou du bleu ou la même couleur dans les ombres, et il en va de même pour le vert et le bleu. C'est un outil un peu plus avancé et il faut un peu de temps pour s'y habituer, alors jouez avec lui. Ensuite, nous avons votre section couleur et la couleur inclura votre balance des blancs et votre classement. notation sera la même que celle que nous avons effectuée dans VSCO pour votre tonalité divisée et ce que nous avons fait dans Adobe Lightroom pour ordinateur de bureau avec votre étalonnage des couleurs. Vous pouvez ainsi ajouter une couleur à vos ombres, vos tons moyens et à vos tons clairs. Lorsque vous commencerez à mixer, vos curseurs HSL apparaîtront, comme dans les autres logiciels que nous utilisons Bien entendu, vous pouvez également recadrer à partir de différents rapports hauteur/largeur, redresser, etc., et zoomer dans cette application. Dans la leçon suivante, nous allons examiner une technique de montage très courante utilisée pour la photographie musicale en direct et passer à Adobe Photoshop. 22. Double exposition dans Photoshop: Dans cette leçon, nous allons nous plonger dans Adobe Photoshop. Nous allons parler d'une technique de montage très courante et très utilisée dans la photographie musicale en direct, à savoir les doubles expositions. doubles expositions remontent à l'époque où la photographie argentique était la norme. Il s'agissait en fait de deux photos ou plus exposées sur le même cadre. De nos jours, cette technique est couramment reproduite sous forme numérique à l'aide de logiciels tels qu'Adobe Photoshop, où les photographes peuvent superposer une ou plusieurs images par-dessus une autre. Voyons comment cela peut être réalisé en superposant deux photos que j'ai prises lors d'un projet d'entrepôt en 2022 . Lorsqu'il s'agit de créer une double exposition, vous devez rechercher des images contrastées. Nous allons donc superposer cette image et cette image. Tout d'abord, je vais simplement copier cette image et créer une nouvelle toile à partir de laquelle travailler. Nous allons donc coller cette image. Ensuite, je voudrais entrer et prendre cette image de foule, qui est assez contrastée, et l'ajouter. Ensuite, je vais m'assurer que les deux images sont de la même taille. Nous allons donc simplement redimensionner cette image. Pour redimensionner très rapidement, j'appuie sur la commande T. Vous pouvez utiliser la commande T si vous utilisez Windows et cela ouvrira cette boîte de redimensionnement. Ensuite, je vais simplement réduire l'opacité de cette image. Je vais verrouiller la couche en bas. Je verrouille cette couche afin de ne pas déplacer la couche inférieure lorsque j' expérimente la composition. Ensuite, sur la couche 1, je vais pouvoir faire glisser cette couche. Ce que je veux faire, c'est m'assurer que cette image et cette image sont correctement alignées et qu'elles se marient bien ensemble. Je vais donc juste le transformer à nouveau et jouer. Ensuite, je vais le remettre à 100 %, verrouiller cette couche, faire glisser la couche 1 au-dessus de la couche 2, déverrouiller et réduire la déverrouiller et réduire l'opacité afin de pouvoir aligner cette couche ensuite. Maintenant, j'ai mes deux photos. Ce que je veux faire, c'est expérimenter avec les styles de couches. Je vais donc déverrouiller les deux images, les deux couches. Cliquez sur la couche supérieure, augmentez l'opacité, puis cliquez dans la section où il est écrit Normal. Cela me donnera une tonne d'options différentes, et je vais juste faire défiler la page pour voir laquelle est la plus belle. Je pense donc que je veux opter pour quelque chose comme Lighten, mais je veux que cette silhouette soit le point central plutôt que ce point focal. cette raison, je vais le ramener à la normale et le faire glisser vers la couche inférieure. Alors je vais faire de même sur celui-ci. Je vais sélectionner ceci pour Éclaircir ou Screen ou quelque chose comme ça. Ensuite, je peux le faire glisser pour que les ombres soient derrière la silhouette afin que vous puissiez toujours la voir. Sinon , je pourrais l' avoir comme couche supérieure. Travaillez pour que les ombres de la couche inférieure éliminent ma silhouette. Je pense qu'en termes de composition, cela fonctionnera mieux si le public se rapproche de la silhouette principale. Pour créer des expositions doubles, il suffit jouer avec les différents styles de couches, voir ce que vous aimez, de choisir la meilleure apparence et d'expérimenter avec la composition. Mais c'est un moyen très amusant et simple de créer des compositions intéressantes à partir d' images que vous avez déjà prises. Vous pouvez, bien sûr, ensuite régler votre luminosité ou quelque chose comme ça et retoucher davantage une photo pour vraiment améliorer la technique. Ces outils seront vraiment similaires à tout ce que nous avons utilisé dans Lightroom et VSCO. Ils se trouvent juste à des endroits différents, essentiellement. Lorsque vous êtes satisfait de votre photo, vous pouvez simplement l'enregistrer. Lorsque vous recherchez des photos à superposer, j'aime rechercher le contraste. Vous avez donc une grande image de votre artiste, puis une image où la foule est petite, ou vous avez un contraste d'éclairage entre l' obscurité et la lumière, la lumière dans l'obscurité. Tout ce qui présente du contraste vous aidera à créer une double exposition vraiment intéressante. Vous pouvez même perfectionner une double exposition en utilisant des outils tels que les fonctions de soustraction ou d'effacement. Cliquez donc sur votre pinceau d'effacement pour supprimer toutes les textures ou les éléments qui ne correspondent pas vraiment à l'image. Passons à la prochaine leçon où nous allons rester dans Adobe Photoshop et nous verrons comment créer un carrousel Instagram en ce qui concerne la livraison de vos photos. 23. Créer des carrousels Instagram dans Photoshop: La création de carrousels Instagram peut être un moyen très intéressant d' afficher vos photos dans votre portfolio. Il est idéal pour la musique en direct, car il vous permet non seulement d'inclure plus de 10 photos dans le carrousel, mais également un mélange d'images de paysage et de portrait. Dans cette leçon, nous allons voir comment créer un carrousel Instagram très simple à l'aide d'Adobe Photoshop. Pour créer un carrousel Instagram, la première chose à faire est d'ouvrir un nouveau fichier, un nouveau canevas dans Adobe Photoshop. Les dimensions d'une image de portrait normale sur Instagram sont de 1 080 pixels sur 1 350 pixels. Cependant, nous voulons avoir 10 images dans notre carrousel. La hauteur n'augmentera pas , mais la largeur est due au fait que nous allons avoir 10 photos dans le carrousel. Ce que vous allez faire, c'est simplement mettre un zéro supplémentaire à la fin de votre largeur et cliquer sur « Créer ». Cela nous a maintenant créé une très longue toile qui pourra contenir 10 cadres adaptés à Instagram. La prochaine chose à faire pour configurer votre canevas est de vous rendre dans votre panneau d'affichage et de cliquer sur « Nouvelle mise en page du guide ». Cela créera essentiellement des colonnes dans votre canevas qui vous aideront à comprendre où commence et se termine chaque nouvelle image. Puisque nous avons 10 cadres, nous allons en mettre 10 dans des colonnes. Nous allons laisser la largeur et la gouttière dégagées et ne pas cocher les rangées. Cliquez ensuite sur « OK ». Ensuite, il est temps d'ajouter les images réelles au canevas. Ce que j'aime faire, c'est ouvrir mon viseur, trouver la forme que je souhaite utiliser. Pour cet exemple, je vais utiliser des photos de la soirée Arthi Hard. Ensuite, je vais généralement agrandir un peu ces images pour pouvoir les voir correctement et choisir une sélection de mes préférées. Ne vous inquiétez pas s'il y a exactement 10 images parmi lesquelles choisir pour commencer, ce n'est pas vraiment important et nous pourrons affiner ce choix plus tard. Vous pouvez sélectionner un mélange de paysage et de portrait, peu importe. C'est ce qui fait l' avantage d'utiliser des carrousels. J'ai sélectionné 11 éléments, je vais tous les faire glisser dans mon canevas. Vous les remplacez par la touche Entrée sur votre clavier ou par cette petite coche ici. Une fois que toutes les images sont placées, vous pouvez commencer à les déplacer et à décider dans quel ordre elles seront placées. Personnellement, je sais que j'aime beaucoup cette photo, c'est probablement celle que je veux voir au début de l'article. Il s'agit simplement de jouer avec apparence que vous voulez donner aux images. Pour ma part, j'aime mettre mes images préférées au début. Vous pouvez également inclure des images de paysages Je pourrais donc simplement les faire glisser sur deux images et les utilisateurs pourront les voir toutes les deux. Cette image n'est probablement pas la meilleure pour cela, donc je vais la garder en tant qu'image de portrait, composer en tant qu'image de portrait. Je vais supprimer cette image parce que j'ai déjà une photo de lui ici et je ne veux pas trop de personnes identiques. Ensuite, je vais supprimer cette image, la recomposer, puis revenir dans mon viseur pour trouver une meilleure image de paysage que je souhaite utiliser pour le post final. Ce que je vais faire, c'est opter pour cette photo de foule et placer de manière à ce qu'elle couvre les deux dernières images. Je pourrais l'avoir dans deux cadres distincts, mais je vais plutôt ajouter d'autres photos à ces images afin de pouvoir les intégrer encore plus. Je suis maintenant à la recherche de deux autres et ce que je recherche ici, c'est un contraste de couleurs. Soit quelque chose qui est rose pour contraster avec le bleu, soit quelque chose qui est peut-être en noir et blanc. Une fois que j'aurai mes deux dernières images, je m'assurerai qu' elles sont à la bonne hauteur. Je vais cliquer sur l'un d'eux en maintenant le bouton Shift enfoncé, puis cliquer sur le second pour sélectionner tous les deux en même temps, puis sur Commande T pour transformer. Si vous utilisez Windows, vous pouvez plutôt cliquer sur « Control T ». Ensuite, je vais les redimensionner pour qu'ils tiennent au milieu de cette image, peut-être un peu plus épais que cela. Ensuite, je vais les séparer. Personnellement, pour que je puisse les créer au point mort, je vais créer une petite boîte aux mêmes dimensions que ce cadre. Je vais le déplacer derrière le calque pour voir l'image. Sélectionnez cette couche et ma photo, puis utilisez les outils d'alignement. Ensuite, je vais simplement faire glisser cette case sur la deuxième image, faire glisser à nouveau vers le bas, puis faire de même. Ensuite, je peux supprimer la boîte blanche. En fait, je veux inverser ces images simplement parce qu'elles sont orientées dans le mauvais sens, je veux qu'elles soient tournées vers l'intérieur. Nous allons juste le refaire. Nous les déplaçons, puis nous supprimons cette couche. Maintenant que j'ai mon carrousel, il est temps de l'exporter. Ensuite, sur ce que je vais cliquer, c'est trouver l' outil Slice dans Photoshop, qui se trouve généralement juste derrière l'outil Crop. Si vous voyez l'outil Recadrer ici et qu'il y a un petit triangle, maintenez ce triangle ouvrir l'outil Slice. Ensuite, vous voulez cliquer sur « Slice from Guides ». Cela va créer des cadres séparés où se trouvent vos guides. Ensuite, je vais cliquer sur « Exporter », « Enregistrer pour le Web », puis je suis prête à l' enregistrer en tant que carrousel Arthi Hard, et cela va exporter pour moi mon carrousel. Une fois que je reviendrai dans le dossier Arthi Hard, il y aura un nouveau dossier contenant des images. Lorsque je clique dessus, je peux voir toutes mes images , les sélectionner et les envoyer sur mon téléphone. Vous pouvez le faire, de la manière la plus simple pour vous, en envoyant des e-mails, en dropboxing, etc. Pour moi, je vais ajouter Drop à mon téléphone. Maintenant que j'ai les photos sur mon téléphone, je peux ouvrir mon Instagram, puis sélectionner les photos. Dans la prochaine leçon, nous allons rester sur le sujet de la livraison, mais nous parlerons un peu plus manière dont vous transmettez vos photos à votre client ou à la personne à qui vous les livrez . 24. Livrer vos photos: Vous avez donc réussi à prendre et à retoucher vos photos. Comment procéderiez-vous maintenant pour livrer ces photos à votre client ? Dans cette leçon, nous allons aborder les meilleures méthodes pour transférer vos photos à votre client. Outre mes meilleurs conseils pour étiqueter et nommer vos photos. Commençons par attribuer un nom à vos fichiers pour la livraison. Vous pouvez donc attribuer un nom à vos fichiers au cours du processus d'exportation ou d'enregistrement, ou vous pouvez les renommer une fois que vous les avez déjà exportés. Mais il est clair que nommer vos fichiers est très important pour deux raisons. L'une d'entre elles est l'archivage , qui permet à vous et à votre client de retrouver ces photos à l'avenir en recherchant le nom de l'artiste la date ou quelque chose comme ça. Mais assurez-vous également que vous êtes correctement accrédité. Je recommande de nommer vos fichiers avec une structure telle que le nom de l'artiste, le soulignement de votre nom, soulignement, le numéro de séquence des photos. Une fois que vous avez correctement nommé vos fichiers, il est temps de les envoyer pour livraison. Dans le monde moderne, il existe de nombreuses façons de transférer des fichiers à vos clients. Mes favoris personnels sont l'utilisation de de stockage dans le cloud et de transfert de fichiers logiciels de stockage dans le cloud et de transfert de fichiers tels que Google Drive, Dropbox ou WeTransfer. Ces trois services proposent des versions gratuites de leurs plateformes, ce qui est excellent, quel que soit votre niveau en termes de portails photographiques. Je trouve également les trois très utiles si vous n'avez pas accès à quelque chose comme AirDrop d' Apple pour transférer les photos de votre ordinateur portable sur votre propre téléphone, pour les publier sur Instagram ou n'importe où. Dans la prochaine leçon, nous allons terminer le cours d'aujourd'hui et je vais vous donner quelques-uns de mes derniers conseils. 25. Réflexions finales: Nous sommes arrivés à la fin du cours. abord, je tiens à vous remercier d'être restée à mes côtés jusqu'à la fin du processus. Tout au long de ce cours, vous avez maîtrisé avec succès la pré-production, processus de tournage et la post-production du tournage d'un concert en direct. de comprendre comment sécuriser votre passe photo, d' apprendre ce qu'il faut rechercher dans une photo et d'utiliser différents outils pour améliorer la photo lors de votre processus de retouche. J'espère que vous avez trouvé ce cours non seulement intéressant, mais que vous avez également eu l'impression qu'il vous a préparé et vous a donné la confiance nécessaire pour vous lancer et tourner votre premier concert. Avant de terminer, je tiens à vous faire part de quelques derniers points. Comme pour tout, la préparation est toujours essentielle. Dans un genre qui peut être si imprévisible, concentrez-vous sur le contrôle des choses que vous pouvez contrôler et tout le reste devrait se mettre en place. Amusez-vous bien, photographier de la musique live est l'un des meilleurs aspects du métier de photographe. C'est l'un des emplois les plus agréables qui soient, alors assurez-vous de profiter de tout le processus. N'hésitez pas à me contacter à tout moment que ce soit via Skillshare ou d'autres réseaux sociaux. Si vous avez besoin d' aide pour quoi que ce soit, de conseils en matière de photographie musicale en direct ou de toute autre photographie. J'ai d'autres cours ici sur Skillshare qui couvrent une gamme de sujets différents, de la théorie des couleurs à la prise de portraits. Si cela vous intéresse, allez-y et jetez-y un coup d'œil. J'ai hâte de voir ce que vous allez créer à partir du cours d'aujourd'hui. N'hésitez pas à le partager dans la galerie de projets pour que je puisse y jeter un œil. Mais merci beaucoup d'avoir regardé et bonne chance pour le tournage de votre première émission.