Transcription
1. Introduction: Bienvenue sur Live Music
Photography 101. Ce cours aborde les bases de photographie musicale
en direct,
que vous soyez un photographe souhaitant devenir professionnel
ou un amateur occasionnel qui souhaite
s'améliorer
un peu
plus prise de photos lors de concerts en direct. Nous allons examiner toutes les choses
que j'aurais aimé m'expliquer
au début de ma carrière, qu'il
s' agisse de photographier dans des lieux
peu éclairés ou de prendre en compte des prises de vue intéressantes. Mes meilleurs conseils pour
la pré-production et,
bien sûr , ce qu'il faut mettre dans
votre sac de photographie. m'appelle Sophia Carey et je suis une photographe spécialisée
dans la photographie musicale en direct. J'ai commencé ma carrière
en photographiant petites salles et des concerts
dans ma région, principalement dans les genres grime et
hip hop. Avant de passer à la
capture de la scène
musicale live au Royaume-Uni, ainsi que de certains des
plus grands festivals britanniques. J'ai travaillé dans de
nombreux lieux, des petits clubs aux grands festivals
en plein air. Je vais passer en revue
les meilleurs conseils que j'ai appris en près
de dix ans de travail dans ce secteur. Ce cours sera
divisé en trois sections : la pré-production, le processus de tournage lui-même,
puis la post-production,
afin que nous puissions tout
aborder avant,
pendant et
après l'événement,
jusqu' pendant et
après l'événement, au processus de sélection, de
montage et de livraison. À la fin de ce
cours, vous devriez vous sentir à l'
aise pour assister à
n'
importe quel concert de musique en direct et capturer les moments qui se déroulent
devant vous. Je n'en dirai pas beaucoup plus.
Mettons-nous à rêver à la prochaine leçon
où nous
discuterons des projets de classe.
2. Projet du cours: Merci d'avoir choisi de me
rejoindre dans ce cours consacré la photographie musicale en direct. Tout au long du cours,
nous
aborderons tous les éléments du processus de
photographie musicale en direct, de la
pré-production à la post-production. Pour les projets de classe, j'
aimerais que vous vous rendiez à un concert, ce soit dans votre région ou dans un endroit un
peu plus grand, et que vous preniez trois photos : une qui met l'accent sur la foule, une qui met l'accent
sur la production et une qui met l'accent
sur l'artiste. En ce qui concerne la production, cela peut aller de la
scénographie à l'éclairage, mais nous y reviendrons
un peu plus en détail plus
tard dans le cours. Vous pouvez prendre ces trois photos l'appareil photo sans miroir le plus récent, ou vous pouvez les prendre sur un
iPhone ou un téléphone similaire. Ce que vous utilisez pour prendre les
photos n'a pas d'importance. Tout au long de ce processus,
nous allons
explorer comment vous pouvez utiliser différents équipements
pour capturer des photographies
musicales en direct. Ce cours devrait
vous donner une bonne idée de la façon de réussir ces trois clichés. Allons droit au but et commençons par la pré-production.
3. Intro à la pré-production: pré-production est la
première étape naturelle de tout processus de photographie. Cela fait référence à tout
le travail que vous effectuez avant l'événement ou le tournage lui-même qui contribue
au bon déroulement du processus . La préparation, comme dans toute séance
photo, est très importante en raison de la nature
imprévisible de la photographie, en particulier lorsqu'il
s'agit d'événements. Si vous pouvez vous préparer autant que possible aux choses
que vous pouvez contrôler, les choses que vous ne
pouvez pas contrôler
seront un peu
plus faciles à gérer. Dans cette section du cours, nous allons
voir comment vous
pouvez obtenir votre laissez-passer de presse,
votre pass photo, qui vous
permet d'entrer dans la salle. Nous allons également
parler de l'accès au site, ce que cela signifie et des raisons pour
lesquelles vous pourriez être de
ce que cela signifie et des raisons pour
lesquelles vous pourriez être
autorisé à y entrer. Ensuite, nous allons
passer à la compréhension de votre liste restreinte et de
votre emploi du temps. Je pense qu'en fin de compte, le processus
de pré-production est l'aspect le plus important
de tout processus photographique. Si vous faites la bonne
préproduction, tout le reste
ralentira la mise en place. Au cours de la prochaine session,
nous allons
commencer le processus de
pré-production et découvrir comment obtenir
votre pass photo et accéder au tournage
dans la salle.
4. Obtenir votre carte photo: Avant d'entrer dans tous les détails
du processus de
pré-production, il est important de comprendre
quand vous pouvez et quand vous ne
pouvez pas apporter une
caméra professionnelle dans un lieu. Pour ceux d'entre vous
qui photographient votre téléphone ou un petit appareil photo de
poche,
cela ne posera souvent pas de problème. Mais certains sites,
en particulier les plus grands, ne vous autorisent pas à
apporter des reflex numériques, appareils photo
sans miroir ou tout autre type d'appareil photo professionnel
. Habituellement, la règle est que s'il est doté d'un objectif amovible ou
interchangeable, vous ne pouvez pas l'apporter. Cela dit, certaines
petites salles n'ont pas cette règle et vous pouvez
apporter votre appareil photo, mais il est important de vérifier
à l'avance. Habituellement, les lieux
l'ont sur leur site Web. Ils ont toutes les informations
nécessaires pour savoir si vous
pouvez ou non apporter une caméra dans une salle. En cas de doute, vous pouvez toujours
les contacter et leur demander. Pour accéder
à ces plus grandes salles
avec votre appareil photo, vous devez obtenir ce que nous appelons un pass
photo ou un laissez-passer de presse, qui est essentiellement une pièce
d'accréditation qui permet la sécurité et au
personnel de savoir que
vous pouvez apporter un appareil photo. Lorsqu'il s'agit d'obtenir
votre pass photo, y accéder de trois manières photographes peuvent
généralement
y accéder de trois manières. Soit en photographiant
pour une publication, qu'il
s'agisse d'un magazine
ou d'un blog en ligne, photographiant directement
pour les artistes. Vous pourriez être embauché par
les artistes eux-mêmes, leur direction ou leur label. Ou troisièmement, tourner pour le promoteur ou
le lieu lui-même. Il est souvent plus facile d'y
accéder par le biais de publications, ce qui permet à la plupart des photographes obtenir leur laissez-passer de presse. Mais bien sûr, vous
pouvez essayer de contacter l'un des trois, qu'il
s'agisse de publications, d'
artistes ou de lieux. Assurez-vous simplement d'
inclure votre portfolio ou un lien
vers votre portfolio en ligne
dans votre e-mail. Une fois que vous avez obtenu
votre pass photo, qui doit vous être confirmé par une sorte de communication
écrite, il est temps d'attendre
le jour de l'événement. À moins qu'on ne vous ait demandé d'
arriver à une heure précise, si vous filmez
l'intégralité de l'émission, il peut être judicieux d'arriver à peu près au même moment où les portes
s'ouvrent. Si vous
photographiez un artiste en particulier, alors peut-être 20
minutes, une demi-heure avant que cet artiste ne
monte sur scène. Lorsque vous arriverez sur le site,
vous devrez
demander l'
accréditation d'entrée. En général, la sécurité sera très
utile pour vous diriger vers la porte ou l'entrée vers laquelle vous
devrez vous diriger. Une fois à l'entrée, la sécurité se
contentera de vérifier votre nom rapport à une liste et de voir si
votre nom y figure, vous
donner le bon
laissez-passer qui vous donnera accès à tous les endroits où vous êtes autorisé à vous rendre
en tant que photographe. Une fois que vous aurez obtenu votre laissez-passer, si vous ne
savez pas vraiment où vous êtes
autorisé à
vous rendre, demandez simplement
à la sécurité et ils pourront vous indiquer la bonne direction et vous
indiquer où vous pouvez accéder
et où vous ne pouvez pas accéder. Une fois votre pass obtenu, il est temps de vous
rendre sur place et diriger vers la scène
où vous allez tourner. Rejoignez-moi pour la prochaine
leçon où nous parlerons de
tout ce qui concerne le lieu.
5. Explorer le lieu: Dans cette leçon, nous
allons parler de tout ce que vous
devez savoir sur un lieu, commençant par l'accès au site. Comme indiqué dans la dernière leçon, il comprendre quel accès
vous allez avoir est
très important de
comprendre quel accès
vous allez avoir
au sein du site. C'est important pour que vous
sachiez où vous allez vous rendre, où vous êtes autorisé à être, et que vous puissiez planifier vos
prises de vue en conséquence. Cela vous aidera
à prendre de
nombreuses décisions au cours du processus de
pré-production, comme le choix de vos objectifs ou l'équipement que
vous allez apporter. Vous devriez être en mesure
de demander
à la personne qui vous a embauché où vous
aurez accès ce jour-là. Comme mentionné dans la dernière leçon, si la personne qui
vous a embauché ne le sait pas, vous pouvez toujours demander à la sécurité
le jour de l'événement. Normalement, vous aurez
un meilleur accès si vous photographiez
pour le lieu ou pour un artiste
que si vous photographiez pour une publication. Les différents types d'
accès que vous devez
connaître sont l'accès à la scène, où vous pourrez être
sur scène avec l'artiste, et l' accès aux
stands où vous serez
placé dans une zone qui trouve généralement directement entre
la foule et la scène. L'avant de la salle, qui se trouve
généralement à l'arrière de la salle et vous donne une vue sur la foule
et la scène. Selon le lieu, vous pouvez avoir accès à d'autres zones
et points de vue
moins communs . Mais ces trois sont
souvent les plus typiques. De nombreuses salles
ne vous permettront de filmer que les trois
premières chansons, surtout si
vous tournez pour notre publication et que
vous êtes dans les stands. Cela signifie que
vous devrez
prendre toutes vos photos des trois premières chansons d'
un artiste avant de vous
disperser dans la foule, rentrer chez vous ou de vous rendre coulisses pour commencer vos
modifications avant la prochaine illustration. décision
que vous ferez dépendra
du type de billet et de l'
accès dont vous disposez sur le site. Par exemple, si je
tournais pour le site, je pourrais peut-être revenir en arrière avec
le style de mes retouches
avant la prochaine application. Cependant, si je tournais
pour la presse et que je n'avais accès
qu'à cet artiste, je rentrerais probablement chez moi après
les trois premiers clichés. En plus de comprendre l'accès réel à la salle, je trouve très utile
d'essayer de comprendre à quoi
ressemble réellement la salle avant de vous y rendre. Si vous n'êtes jamais allé dans
un lieu auparavant, une recherche rapide sur Instagram ou Google devrait
vous donner une bonne idée de a, de
la taille et du type de chambres
du lieu et b, du type de photos
que vous pouvez
vous attendre à prendre. Dans la leçon suivante,
nous allons
examiner les calendriers et les
listes de prises de vue pour déterminer ce que vous allez réellement capturer.
6. Horaires et liste de tir: Dans cette leçon, nous
allons
parler des horaires et des listes de présélection. En plus de bien
comprendre un lieu, il est également important de comprendre ce que vous allez
faire ce jour-là. Je travaille beaucoup dans le domaine de la musique de
danse, où vous avez de nombreux
numéros le soir. Vous pourriez avoir
entre cinq et dix numéros, peut-être plus, au cours d'une période donnée pendant
laquelle vous êtes là. est donc très
important
d'avoir une bonne idée de qui va se trouver où et à
quelle heure pour vous assurer que
tout se passe bien la nuit
et que vous ne manquez aucun moment clé. Je compile généralement
toutes ces informations dans un format facilement
accessible pour moi. Par exemple, je peux créer un économiseur
d'écran ou faire une capture d'écran de mon emploi du temps et l'utiliser comme
fond mon téléphone
afin de pouvoir rapidement
sortir mon téléphone, consulter l'économiseur d'écran
et savoir où je dois me trouver pour quel artiste. Outre le
calendrier réel des artistes, c'est également très utile si
vous pouvez essayer d'accéder à une sorte de calendrier
pour les moments de production. Il peut s'agir de
gros effets spéciaux
tels que des confettis ou pyros ou de gros effets de lumière que l'équipe a
prévus pour vous. L'accès à ce type d' informations peut
parfois être un
peu plus difficile que d'
accéder au calendrier d'un artiste. Mais si vous travaillez pour
un promoteur ou une salle, vous pouvez toujours
vous adresser à l'équipe d'éclairage,
à
l'équipe de son ou au directeur de
production et
leur demander s'ils ont un calendrier qu'ils sont
prêts à partager avec vous. Toutes ces informations
peuvent être utilisées pour que le processus soit aussi
fluide que possible pour
vous et que vous ne soyez pas stressé quant à l'endroit où vous
devez vous rendre et à quelle heure. Si vous ne photographiez pas manière professionnelle et que
vous vous rendez simplement à un travail avec votre téléphone ou
un appareil photo compact, vous n'avez pas
à vous soucier tous ces horaires
de la même manière. Cependant, il peut être très utile d'essayer de le trouver
à des moments qui se trouvent généralement sur place sur des affiches ou peut-être
sur les réseaux sociaux. Dans la leçon suivante, nous
allons examiner les paramètres de l' appareil photo et comment tirer le meilleur parti de votre appareil photo.
7. Paramètres de l'appareil photo: Si vous débutez dans la photographie musicale
en direct, il peut être très
important de comprendre les bases de
la prise de vue dans un environnement
peu éclairé. La chose la plus importante pour bien
régler est le réglage de votre
appareil photo. Assurez-vous de savoir comment
régler votre ISO, votre ouverture et
votre vitesse d'obturation des différentes conditions
d'éclairage. L'ISO, la vitesse d'obturation et l'ouverture constituent ce que nous appelons le triangle
d'exposition. Trois éléments qui
composent n'importe quelle photographie vous
permettent d'équilibrer la quantité
de lumière émise. L'ISO fait référence à la sensibilité de votre capteur ou de
votre pellicule. ce chiffre est élevé, plus votre capteur
ou votre pellicule est sensible à la lumière. Cela signifie que cela permettra
d'obtenir une image plus lumineuse, mais l'image
sera plus granuleuse qu' une valeur ISO inférieure. La vitesse d'obturation fait référence
à la rapidité ou la
lenteur avec laquelle l'obturateur
s'ouvre et se ferme. La vitesse d'obturation que
nous utilisons secondes ou en fractions de secondes.
Par exemple, est exprimée en
secondes ou en fractions de secondes.
Par exemple, une correspond à une seconde, tandis que 1/250 correspond à un
250e de seconde, ce qui signifie que l'obturateur
est ouvert plus longtemps à une heure qu'à 1/250. l'
obturateur reste ouvert longtemps, plus
la lumière peut
atteindre le capteur, éclaircissant ainsi votre
image, mais en retour, plus
de mouvements sont capturés. Vous pouvez également opter pour des vitesses
d'obturation plus courtes qui réduisent la lumière sur les images, mais qui peuvent
figer le mouvement. ouverture contrôle la profondeur
de champ de vos photos
ou, en termes simples, le flou ou la netteté de
votre arrière-plan. L'ouverture fait référence au trou dans votre objectif qui laisse entrer la lumière. Nous mesurons cela en nombres
entiers et décimales tels que 16 ou 2,8. Cela semble contradictoire, mais plus
le nombre est petit, plus
le
trou dans votre objectif est grand, ce qui signifie que plus de lumière pénètre dans vos images et que la profondeur de champ est
faible. Cela signifie que votre
arrière-plan sera plus flou. Plus le chiffre est élevé,
moins il y a de lumière, mais plus la profondeur de champ est grande, ce qui signifie que votre arrière-plan
sera plus net. Lorsque nous photographions
dans des lieux peu éclairés, il est
souvent préférable de prendre des photos avec une grande ouverture, telle que 2,8, mais de maintenir la vitesse
d'obturation
à une fraction proche de 1/200 ou 1/250, afin de ne pas capturer
trop de flou ce qui peut être difficile car artistes aiment beaucoup se
déplacer. En termes d'ISO, les réglages
intérieurs peuvent souvent
être assez faiblement
éclairés . Nous souhaitons donc opter
pour une ISO plus élevée. Pour beaucoup de bonnes photos, j'ai tendance à utiliser une plage comprise
entre 1600 et 2500. Mais la mesure dans laquelle vous pouvez
pousser votre ISO dépendra vraiment du
type d'appareil photo que vous
utilisez et de sa capacité à
gérer une sensibilité ISO élevée. Lorsque vous photographiez dans des lieux
où la lumière est plus élevée, vous pouvez généralement vous permettre de régler
votre ISO sur une valeur inférieure, réduit la quantité de grain, régler
votre vitesse d'obturation à unités encore plus rapides, telles que et de régler
votre vitesse d'obturation à
des unités encore plus rapides, telles que
1/800, par exemple, ce qui réduit
encore le
risque de flou cinétique. La chose à retenir à
propos des réglages de votre appareil photo est que ces trois éléments, votre ouverture, votre ISO et votre vitesse d'obturation,
fonctionnent
à l'unisson pour créer l'équilibre parfait,
l'exposition parfaite. Il est très important de
bien comprendre comment ces trois éléments fonctionnent non
seulement individuellement, mais aussi comment ils fonctionnent ensemble. Le meilleur moyen que j'ai trouvé pour bien
comprendre le
fonctionnement de ces éléments est de prendre
des photos et entraîner à utiliser les trois réglages
différents. Vous pouvez le faire avec un
appareil photo ou utiliser votre téléphone avec une application
telle que ProCamera, en modifiant les différents éléments et en voyant en temps réel comment
cela affecte l'image. Dans la prochaine leçon,
nous allons
aborder matériel photo et les recommandations que je
vous recommande pour choisir vos boîtiers et objectifs.
8. Équipement de caméra: Nous avons maintenant une bonne
compréhension des paramètres que nous allons équilibrer
lors de l'enregistrement de musique en direct. Il est temps de nous
concentrer sur ce que nous
allons réellement utiliser pour
prendre ces images. Lorsqu'il s'agit de photographier de la
musique en direct, il vaut toujours
mieux être trop préparé. Je recommande
toujours d'avoir du matériel de secours Je prends
donc toujours deux
boîtiers photo et plusieurs objectifs, ainsi que des cartes SD
et des batteries de rechange. Quelles autres considérations
devez-vous
prendre en compte en ce qui
concerne votre équipement photo ? Commençons par
parler du boîtier de votre appareil photo. En ce qui concerne
le boîtier de l'appareil photo, l'
une des principales considérations sera sa
performance en cas de faible luminosité. Personnellement, j'opte pour
un système sans miroir qui fonctionne remarquablement
bien en cas de faible luminosité. Cela signifie que je peux pousser mon appareil photo à des
ISO bien plus élevés que je ne le pourrais, sinon j'utilise à la fois le Sony A7 IV
et le Sony A7 III. D'autres marques d'appareils photo,
telles que les appareils sans miroir
Nikon et Canon en particulier, sont également très
performantes en cas de faible luminosité Ce sont
donc d'excellentes options. Une autre chose que
j'aime me demander est de savoir si mon appareil photo possède plusieurs
emplacements pour une carte SD. Je trouve qu'il est très
utile d'avoir un
appareil photo doté de deux emplacements,
ce qui signifie que vous pouvez
sauvegarder sur l'une de vos cartes , car vous ne
savez pas ce qui va se passer. Si une carte devait mal fonctionner et que vous perdiez toutes vos photos, vous
aurez au moins tout sauvegardé sur votre
deuxième carte SD. Personnellement, j'aime
avoir deux boîtiers de caméra avec moi pour me rassurer, et surtout parce que s' il y a un problème
avec l'un d'entre eux, j'ai un boîtier de sauvegarde à utiliser. Mais il peut également être
très pratique d'avoir différents objectifs sur
différents appareils photo, ce qui signifie que vous
n'aurez pas à
changer d' objectif à mi-performance. Cependant, pendant
très longtemps, j'ai photographié avec un seul corps, alors ne vous inquiétez pas si vous ne
pouvez pas vous en payer deux
maintenant , avoir un est une excellente
façon de commencer. Ensuite, parlons des lentilles. Dans la leçon suivante, nous
allons parler plus spécifiquement
des distances focales, ce que cela signifie et de la façon choisir les distances focales que
vous allez utiliser. Mais pour l'instant, nous
parlons des lentilles elles-mêmes. Donc, pour moi, les considérations sont vraiment réduites
à deux facteurs. Tout d'abord, un objectif
doté d'une grande ouverture qui me permet de laisser entrer beaucoup
de lumière dans l'image, et deuxièmement, un objectif
doté d'une mise au point automatique. Je ne veux pas m'inquiéter de point
manuelle lorsqu'il
s'agit de musique live. C'est un environnement très
dynamique,
et devoir me soucier de la mise au point manuelle chaque prise de vue est quelque chose qui,
pour moi, ne fonctionnerait pas dans le
cadre de mon flux de travail. Lorsqu'il s'agit d'une grande
ouverture, bien sûr, c'est formidable d'avoir un objectif
qui laisse entrer beaucoup de lumière. Lorsque nous travaillons dans des environnements
peu éclairés, ce n'est pas vraiment
un problème et nous pouvons réduire
notre ouverture au
lieu de compromettre la vitesse d'obturation ou de créer une image vraiment granuleuse. Outre ces
deux facteurs principaux, une autre considération
serait de savoir si vous utilisez ou non un objectif à focale fixe ou un objectif zoom. Un objectif à focale fixe est essentiellement
un objectif qui ne zoome pas,
mais qui a une distance focale fixe. J'ai essayé de photographier avec
un objectif à focale fixe sur un appareil photo et un
zoom sur l'autre appareil photo. En effet, les objectifs à
focale fixe se limitent souvent à une ouverture plus grande, ce qui signifie que vous pouvez
laisser entrer plus de lumière. Mais bien entendu, avec les zooms, vous avez un peu
plus de flexibilité, vous pouvez prendre des photos à
différentes distances focales Avoir
les deux à portée de main à
tout moment est donc un excellent moyen de
trouver le bon équilibre entre laisser entrer
beaucoup de lumière dans vos images et ne pas avoir à faire de compromis
sur votre distance focale. Dans la prochaine leçon,
nous allons approfondir le sujet des objectifs et
parler des distances focales.
9. Choisir vos longueurs focales: Maintenant que nous avons une compréhension
claire des paramètres et équipement de la
caméra,
parlons de distance focale. distance focale
détermine l'angle de vue capturé par l'objectif avec des distances focales plus courtes résultant en des
angles de vue plus larges, et des
distances focales plus longues entraînant des angles de vue plus
étroits. Cela affecte également le degré
d'agrandissement
de l'image distances focales plus longues produisant un grossissement plus important. Différents objectifs ont des distances focales
différentes. Comme je l'ai mentionné dans
la dernière leçon, les objectifs à focale fixe sont fixés
à une distance focale. Par exemple, un nombre premier de 35
millimètres est fixé à une
distance focale de 35 millimètres. Les zooms, quant à eux, ont la possibilité de passer d'une plage de
focales à une autre. Par exemple, une plage de 24 millimètres à 70 millimètres a
une plage de 24 à 70, ce qui signifie qu'elle peut avoir n'importe quelle distance focale
dans cette plage. Lorsqu'il s'agit de choisir
vos distances focales, certaines
considérations doivent être prises en compte. Tout d'abord, votre point de vue. D'où allez-vous photographier ? Serez-vous dans la fosse tout
près de l'artiste, ou allez-vous être juste à l'arrière, devant la maison ? Par exemple, si vous
photographiez de loin, vous aurez peut-être besoin d'une distance focale vous
permettant de zoomer
au plus près de l'action. Pour les petites salles
, un objectif comme un 24-70 est parfait
pour ces scénarios. Ensuite, pour les salles plus grandes, peut-être quelque chose
comme 70 à 200 millimètres. Une autre considération
est le nombre de
personnes présentes sur scène. S'il y a plusieurs
personnes au sein d'un groupe ou d'un collectif de DJ, vous pouvez opter
pour une distance
focale plus large afin de vous assurer que tout le monde puisse participer à la prise de vue à la fois. d'une récente tournée que j'ai tournée avec quatre DJ
l'un après l'autre, j'ai opté pour un objectif de
18 millimètres, ce qui m'a permis de m'
assurer que tous
les DJ pouvaient
entrer dans les prises de vue, même lorsque je tournais à courte
distance
dans des espaces assez restreints. Troisièmement, sur quel type de photos
allez-vous vous concentrer ? Si vous vous concentrez
sur des photos de foule ,
un objectif large , une distance
focale large vous aidera. Personnellement, j'aime tout ce qui va de 18 millimètres à 35
millimètres pour les photos de foule. Mais certaines personnes préfèrent
prendre des photos encore plus larges, peut-être avec des
objectifs fisheye pour photographier des foules. Dans la leçon suivante,
nous allons
examiner d'autres équipements, objets qui ne sont pas vos appareils photo, objets qui ne sont pas vos objectifs et ce que vous pourriez avoir
besoin d'emporter avec vous pour filmer un concert en direct
qui n'est pas orienté caméra.
10. Que faire et porter: Dans cette leçon, nous
aborderons équipement que vous souhaiterez
peut-être utiliser ou vous voudrez peut-être emporter avec vous qui n'est pas un appareil photo. Commençons par les vêtements que
vous voulez porter et l'étiquette courante lorsqu' il s'agit de filmer de la musique en direct. Pour la plupart des événements, en
particulier ceux liés à la musique, vous
voudrez porter du noir. Nous appelons cette scène noire, qui vous permet de
vous fondre dans la foule, vous fondre dans la scène, et de ne pas vous démarquer, non seulement pour ne pas distraire le public
de la performance, mais aussi pour ne pas figurer parmi les
autres photographes et vidéastes photographiés
comme une figure vraiment intrusive, lumineuse ou autre. Personnellement, j'ai
essayé de porter de nombreux articles ou vêtements dotés de
poches pouvant contenir
des cartes SD supplémentaires, piles et même des objectifs
si je pouvais les ranger. Il est également utile pour
superposer vos tenues. Certaines salles sont très chaudes et autres très froides. Avoir des couches que vous
pouvez facilement retirer ou ajouter est également une très
bonne considération. chose la plus importante quand il s'agit de savoir quoi
porter, ce sont probablement vos bouchons d'oreilles. Outre votre équipement
photo, avoir des bouchons d'oreilles avec
vous est probablement la
chose la plus importante dont vous aurez besoin pour la nuit. Mais si vous oubliez, vous pouvez généralement
vous procurer bouchons d'oreille de
rechange dans la plupart des établissements, si vous demandez simplement à la star du bar. protéger vos oreilles
dans les salles de concert, en particulier lorsque
vous devez passer beaucoup de temps à proximité des haut-parleurs, est très important de protéger vos oreilles
dans les salles de concert,
en particulier lorsque
vous devez
passer beaucoup de temps à proximité des haut-parleurs,
afin de ne pas affecter votre
santé à long terme, votre audition. J'aime aussi porter un petit
sac qui traverse tout mon corps, ce qui me permet de le remplir
de cartes SD de rechange, de
piles, de mouchoirs, de chiffons pour lentilles, lingettes pour
lentilles et de tout ce je pourrais avoir besoin pour accéder
très rapidement. Parfois, vous
trouverez même un pistolet flash ou un prisme dans ce sac Selon la taille
du sac que je porte aborderai à la fois les pistolets flash et les prismes plus
tard dans ce cours. Plus vous filmez d'émissions, plus vous vous
habituerez à ce dont vous avez besoin, ce qui fonctionne bien
dans votre flux de travail. Mais ce sont là d'
excellentes considérations pour commencer. Dans la leçon suivante, nous
allons examiner les clichés typiques que vous devez
prendre en compte lors d'un concert en direct.
11. Tirages typiques: En ce qui concerne le type de photos à prendre pendant un spectacle, j'aime les classer
en quatre catégories. Tout d'abord, des photos d'artistes, ensuite photos
de production, puis des
photos de foules et des photos de héros. Dans cette leçon, nous allons
parler de
chacune de ces catégories
et de leur apparence. Commençons par les photos d'artistes, probablement la plus
explicite des quatre catégories. photos d'artistes font référence
aux photos que vous obtenez d'un groupe, d'un DJ ou d'un musicien. peut s'agir de
plans larges qui englobent Il peut s'agir de
plans larges qui englobent
l'ensemble du groupe ou du
groupe de DJ, ou plans recadrés plus rapprochés qui se concentrent uniquement sur un membre ou, s'il n'
y a qu'un seul artiste, un
détail spécifique ou sur un plan intermédiaire, quelque chose de
rapproché de l'artiste. Ensuite, nous avons les plans
de production. plans de production
font référence aux plans de la production visuelle. Cela peut aller
de la scénographie aux effets spéciaux
tels que des confettis ou du pyro. Ces prises de vue ont tendance à être
plus efficaces lorsque
vous les prenez sous un angle plus large, compte tenu de l'immensité
de ces pièces de production. La troisième catégorie
concerne les photos de foule. Encore une fois, c'est très similaire
aux photos d'artistes en ce sens que c'est assez
explicite. photos de foule sont des photos de la foule et
se présentent généralement sous deux formes : d'
une part, des prises de vue plus larges qui l'ampleur et
l'ampleur de l'événement, et d'autre part, des photos
qui se concentrent sur des individus ou des groupes de
personnes au sein de la foule. Enfin, nous avons des photos de héros. Les
photos de héros sont celles que j'aime
considérer comme
la prise de vue ultime. Il englobe un peu les trois
autres catégories. Vous avez l'artiste sur scène, vous avez le public et vous avez des moments de production. Il s'agit souvent de prises de vue prises de
grands angles, peut-être
devant la maison, en regardant la foule vers la scène ou depuis un point de vue
plus élevé. Dans la leçon suivante,
nous allons
expliquer ce qu'il faut
rechercher dans chacune de ces photos et comment connaître vos photos dans
ces quatre catégories.
12. Que rechercher dans un tir: Dans cette leçon,
nous allons parler des éléments
à rechercher dans une prise de vue pour chacune
des quatre catégories décrites
dans la dernière leçon. Tout d'abord,
parlons des photos d'artistes. Pour les photos d'artistes, il
y a deux choses que vous devez vraiment prendre en compte
ou auxquelles vous devez prêter attention. La participation et
l'interaction étant les premières. Cela signifie tout plan
où l'artiste ou un musicien interagit
avec d'autres personnes sur scène, qu'
il s'agisse d'un ami
ou d'un collègue musicien, ou tout autre plan où l'artiste
ou un musicien
interagit avec la foule. Deuxièmement, un mouvement intéressant. Tout endroit où l'
artiste se déplace
d'une manière intéressante ou forte
et frappante peut constituer une superbe photo. Pour les prises de vue de production, il est
important de pouvoir prévoir quand les
moments de production vont se produire. Bien sûr, vous pouvez parler
à des gens à l'avance, obtenir un calendrier indiquant la date à laquelle certaines productions
sont censées avoir lieu, mais vous ne pouvez pas toujours prévoir la seconde exacte où
elles se produiront. Vous devrez garder
un œil en l'air pour savoir quand vous pensez que des
moments de production sont susceptibles de se produire, et vous pouvez le faire de plusieurs manières
. Pour
ce faire, vous pouvez notamment vous
familiariser avec la
musique ou la setlist d'un artiste. Ce n'est pas toujours
possible, mais quand c'est le cas, il peut être très utile d'
essayer de prédire quand se situera
la plus grande partie d'
une chanson ou d'une set list. Ces parties les plus importantes des chansons et des
setlists ont tendance à être les moments où la production
sort ces effets spéciaux. Vous allez avoir droit à
des confettis
sur la plus grande chanson
de la set list. Ensuite, vous pouvez
écouter la musique et essayer déterminer le rythme de la musique et d'écouter
le rythme, car ce sont des moments
clés au cours desquels ils peuvent créer des effets
spéciaux ou modifier l'écriture, par exemple. Troisièmement, et celui-ci est
un peu une astuce,
c'est de garder un œil sur celui qui crée les effets
spéciaux. Vous serez souvent
capable de savoir quand ils vont appuyer sur un bouton
ou tirer sur le levier et vous pouvez utiliser ces conseils
en les regardant de
temps en temps pour déterminer quand ils vont
lancer les effets spéciaux. Tant que votre photo
est prête, tout
est prêt, vous pouvez continuer à les regarder et dès qu'ils appuient sur le
bouton ou actionnent un levier, vous êtes prêt à prendre la photo. les photos de foule, j'adopte une approche similaire
à celle des photos d'artistes. Rechercher toute interaction
avec d'autres membres
du public ou avec les
artistes eux-mêmes sur scène. Je fais également attention
aux
personnes qui semblent vraiment aimer la musique car ce sont les photos que votre client
voudra vraiment pouvoir voir. Personnellement, je préfère une approche
plus franche de la photographie de foule. préfère les courts métrages où le
public ne
me regarde pas et ne se rend peut-être pas compte
que je prends une photo. Mais c'est certainement une question
de préférence personnelle. Certaines personnes préfèrent la photographie de foule plus
posée, et c'est certainement
un moment et un lieu pour les deux. Le héros tire. Vous devriez examiner
un peu ces
trois catégories
et les regrouper en une seule. Dans la leçon suivante, nous
allons parler production et des raisons pour lesquelles il est
important d'en tenir compte.
13. Considérer la production: Dans cette leçon, nous
allons discuter la sortie de vos photos, leur
destination et de la
manière dont cela affecte le processus de prise de vue. C'est sans doute l'un des aspects
les plus simples mais les plus importants de tout travail photo. Mais lorsque vous prenez des
photos pour vous-même, quelles sont les considérations
que vous
devez réellement prendre en compte lorsque
vous prenez une photo ? Cela peut être très utile pour comprendre où vous
allez placer ces photos. Sont-ils destinés aux réseaux sociaux
ou allez-vous
les imprimer pour le mur de
votre chambre ? Comprendre où
vos images
vont se retrouver vous
aidera à nommer la
composition de votre image. Avez-vous besoin de le composer en orientation
portrait ou
en orientation paysage ? Lorsqu'il s'agit de
travailler pour un client, cela est souvent dicté dans le brief,
mais lorsque ce n'est pas le cas, il est préférable de choisir une variété de
compositions différentes
et différentes compositions pour
différents rapports hauteur/largeur, au cas où. Par exemple, les photos qui
peuvent être nécessaires pour le Web ou les panneaux d'affichage ont tendance à être prises
en orientation paysage. Toutefois, les photos destinées aux réseaux
sociaux seront généralement courtes en orientation
portrait. Pour aller plus loin, en ce
qui concerne les réseaux sociaux, vous devez
souvent prendre en compte
deux formats d' 9* 16 pour les
stories Instagram ou les couvertures réelles, et 4* 5 pour les publications sur la grille Instagram. Cela peut être un élément à
prendre en compte lorsqu'il s'agit de composer votre image et réfléchir à
l'impact du recadrage. Dans la prochaine leçon,
nous allons
discuter de l'idée
de photographier avec un
objectif précis et de la manière de vous
assurer que tout ce dont
vous avez besoin est couvert.
14. Prise de vue avec un but: Dans cette leçon, nous allons
voir comment
photographier avec détermination. Il est important de photographier avec
détermination afin de
trouver l'équilibre entre obtenir
tout ce
dont vous avez besoin pour capturer et ne
pas dépasser. Tout d'abord, ne vous contentez pas de
pulvériser et de prier. Ce terme désigne le fait de
tirer sans but et d'
espérer simplement tirer quelque chose bien de ce que
vous avez capturé. Essayez plutôt de réfléchir un
peu plus à
ce que vous filmez. Réfléchissez à ce dont nous avons
parlé dans les leçons précédentes, par exemple ce qu'il faut rechercher
dans un court métrage ou le résultat. Un autre bon moyen de s'assurer que votre travail est pris en compte est réfléchir
à la marque de
l'artiste ou de votre client. Pouvez-vous trouver un moyen d'
intégrer leur marque personnelle et leur identité visuelle
dans votre travail ? C'est une partie importante du
tournage de musique en direct. La façon dont vous photographiez
des rappeurs sera probablement différente de la façon dont
vous photographiez un chanteur folk. de juger de
s'assurer que vous
prenez suffisamment Il peut être un peu difficile de juger de
s'assurer que vous
prenez suffisamment de
photos . Pour ce faire, j'essaie de m'
assurer d'avoir au
moins trois photos solides pour
chaque élément de ma liste de photos. De cette façon, je sais
que j'en
ai vraiment assez
pour livrer au client. Une fois que j'ai la liste de photos, je peux utiliser le temps qui me
reste pour faire preuve de créativité, essayer des techniques que je
n'ai jamais essayées auparavant ou des choses qui ne figurent pas
sur la liste mais que je veux quand même essayer. comprendre comment prendre des photos avec objectif précis et d'être
plus réfléchi dans Il est
très important de comprendre comment prendre des photos avec un
objectif précis et d'être
plus réfléchi dans
votre approche pour vous assurer d'obtenir
tout ce dont vous avez besoin, mais vous ne vous retrouvez pas
avec des milliers d'images qui ne seront
probablement pas retenues à la fin. Dans la prochaine leçon, nous
allons parler de la façon tirer
au laser lors d'un concert et de ce que vous
devrez peut-être prendre en compte.
15. Lasers de tir: Les lasers sont très
appréciés pour les grands spectacles, en particulier lorsqu'il s'agit de
genres tels que la musique de danse, mais il peut être assez difficile de
les capturer efficacement et
en toute sécurité . Dans cette leçon, je
vais décrire certaines des choses que
j'ai apprises au cours
des années que j'ai passées tourner des émissions utilisant
des lasers. abord,
vous devez
savoir que les lasers peuvent endommager les capteurs de votre
caméra. Cela se produit si le laser touche directement le capteur de
la caméra Vous devez
donc essayer d'éviter tout type de laser ne pénètre
directement dans votre objectif. Heureusement, la plupart
des lasers sont montés sur une scène pointant
au-dessus de la foule. Donc, si vous pouvez rester au même niveau que la foule, vous serez généralement
à l'abri de cela. Vous devez également tenir compte
du fait que plus le laser frappe votre capteur longtemps, plus il
causera de dommages. Si vous photographiez avec des vitesses d'obturation
très lentes, les dégâts seront
plus importants que si vous photographiez
à une vitesse d'obturation plus rapide. Cela m'amène bien à la
vitesse d'obturation et à la façon de régler votre vitesse d'obturation lorsque
vous photographiez des lasers. J'ai découvert que travailler avec des vitesses d'
obturation plus lentes est
beaucoup plus efficace que de photographier avec des vitesses
d'obturation plus élevées. Bien sûr, vous ne
voulez pas que ce soit
trop lent pour minimiser les dommages causés par le
laser, mais vous devez
trouver un point
compris entre 1/15 et 1/100, car j'ai découvert que ce type
de plage génère généralement les meilleures images pour
capturer des lasers. Essayez
différentes vitesses d'obturation que vous travaillez pour essayer trouver le point idéal, car
différents lasers sont déclenchés à
des vitesses différentes. Il n'existe donc pas solution universelle pour la vitesse d'obturation en matière de lasers. Toutefois, si vous photographiez des lasers à
une vitesse d'obturation trop élevée, vous constaterez que l'
écran laser peut sembler faible car l'appareil photo ne
capturera pas tous les lasers. Cela signifie que vous pourriez vous retrouver avec
une photo d'un seul laser capturée au lieu d'une série
de 20 sur l'image. Quand il s'agit de
photographier au laser, j'aime prendre une vue large, généralement prise depuis la
foule ou devant la maison en me
concentrant sur une foule nombreuse afin perdre tout flou dû à la lenteur de la vitesse d'obturation,
plutôt que de me concentrer directement sur l'artiste qui va beaucoup
se déplacer. Dans la leçon suivante,
nous allons
parler de la photographie au flash et des circonstances dans lesquelles il est approprié de
l'utiliser lors de concerts.
16. Photographie avec flash: Dans cette leçon,
nous allons aborder le
sujet de la photographie au
flash. Quand est-il approprié
de l'utiliser et comment l'utilisez-vous
lorsque vous le pouvez ? Dans la plupart des concerts, il n'est pas vraiment
habituel d'utiliser le flash. Cependant, il peut y avoir quelques
exceptions à cette règle, dépendent généralement de l'artiste du lieu et
des règles en vigueur. D'après mon expérience, pour certaines
salles et artistes plus petits, j'ai pu utiliser le flash. Lorsque je l'ai utilisé,
je l'ai utilisé
en lumière directe, ce qui
signifie essentiellement que vous dirigez
le flash directement sur votre sujet et que vous créez une lumière
assez intense. Vous pouvez
également faire rebondir votre flash, ce qui implique de le
filmer, par exemple, sur un
plafond et de faire rebondir la lumière du plafond
vers votre sujet. Le fait est que cela fonctionne
généralement mieux lorsqu' il y a un plafond blanc d'où
vous pouvez le faire rebondir. La plupart des salles ont des plafonds sombres
ou de très hauts plafonds. Si vous comptez utiliser le flash, il est probablement préférable
d'utiliser une forme directe de flash, mais je le répète,
il n'est pas très courant
que
vous
puissiez utiliser le flash pour la photographie
musicale. La plupart du temps, on s'attend
à ce que vous
utilisiez la lumière disponible, qu'
il s'agisse de
la lumière naturelle différents sites extérieurs ou sur
différents sites extérieurs ou des bandes
spécialement conçues pour ce lieu. flash peut également être
approprié
lorsque Le flash peut également être
approprié
lorsque
vous filmez coulisses du contenu avec l'artiste alors que vous êtes
loin de la scène. Dans ces cas, il serait
approprié de faire rebondir votre flash ou d'utiliser un flash
direct , en fonction vos préférences personnelles et de
vos préférences personnelles et
du style que vous
souhaitez utiliser. Dans la leçon suivante,
nous allons
discuter de la prise de vue avec des prismes et des reflets et de la manière dont
vous pourriez vouloir procéder.
17. Prismes et réflexions: L'utilisation de prismes et de reflets vos photos est un excellent moyen d'
ajouter un élément
créatif supplémentaire et vous pouvez
le faire de plusieurs manières. présumes sont essentiellement des
morceaux de verre de différentes formes
et tailles que vous pouvez utiliser ou fixer à votre objectif si
vous utilisez un filtre présume. Ils étaient utilisés pour déformer votre image ou pour créer des
reflets intéressants sur vos photos. Si vous n'avez pas de prisme, je préfère utiliser mon téléphone comme surface
réfléchissante. Il vous suffit
de placer le côté réfléchissant de votre téléphone sous votre objectif pour refléter une image sur vos photos. Les différents types de prisons
peuvent avoir des effets différents. Il peut être amusant d'expérimenter
avec les différentes formes et les différentes tailles et
de trouver celles que vous
aimeriez le plus utiliser. un des meilleurs conseils pour travailler
avec les reflets est de
bien prendre en compte ce qui se
reflète dans l'image. Par exemple, vous ne
voulez pas que le bureau de son ou vous-même soient reflétés
dans l'image. Vous voulez plutôt vous
concentrer sur la prise en compte éléments tels que les moments de production l'éclairage dans vos photos. Dans la leçon suivante,
nous
aborderons le
processus de post-production expliquerons comment
choisir vos
photos finales à livrer.
18. Choisir vos photos finales: La création de votre dernier pantalon, ou appel, comme on l'appelle aussi
communément, est un aspect important
du processus de post-production. Dans cette leçon, je vais
parler de deux de mes méthodes préférées pour
affiner les photos jusqu'à
mes sélections finales. La première méthode d'appel
consiste à appeler à huis clos. Cela peut être fait pendant le tournage
ou peut-être en rentrant
chez vous après un tournage avant d'entrer dans le processus de montage proprement dit. La façon dont je préfère
procéder est d'
écrire mes images avec un classement par
étoiles à l'appareil photo. Souvent, pendant le processus de
prise de vue, vous prenez une photo
et vous savez que cette photo est
l'une des photos que je vais livrer
à la fin. C'est l'une des meilleures photos
que j'ai prises ce soir. Ces classements par étoiles sont enregistrés
dans les métadonnées des photos, sorte que lorsque vous les
importez dans tel qu'Adobe Lightroom, un logiciel tel qu'Adobe Lightroom, un logiciel de catalogage et de retouche
que nous
aborderons dans une
prochaine leçon. Le nombre d'étoiles est
maintenu, ce qui
vous permet d'
identifier instantanément vos
photos préférées de la nuit. En ce qui concerne la
prise de vue sur votre téléphone, vous pouvez utiliser des outils similaires pour faire face au processus de
prise de vue. Par exemple, les iPhones
ont cette option vous permet de privilégier une image une
fois que vous l'avez prise, et
cela envoie simplement cette image dans un
autre dossier auquel vous
pourrez accéder ultérieurement. Passons maintenant à la question des
appels dans Adobe Lightroom. Vous pouvez
appeler Lightroom de
différentes manières et décider méthode
qui vous convient le mieux est généralement une question de préférence
personnelle. Pour moi, les principales méthodes que
j'aime utiliser sont d'utiliser le système stellaire dans lequel vous
pouvez écrire une image de 1 à 5, ou d'utiliser les options de marquage ou de collecte
rapide. Chacune de ces trois options est en fait une seule et même option. Essentiellement, elles vous
aident chacune à séparer vos sélections du reste
des photos que vous avez prises. Jouez et découvrez
quel système vous convient le mieux et quel est le
meilleur dans votre flux de travail. Dans la leçon suivante,
nous allons aborder le processus de montage,
en commençant par le recadrage de
vos compositions.
19. Recadrage: Bien qu'il soit certainement plus facile
et plus efficace d'
obtenir vos compositions
directement dans l'appareil photo, cela ne se produit pas toujours Utiliser le recadrage
comme outil de
correction et de retouche de vos photos
est donc une idée vraiment puissante. Dans cette leçon, nous
allons examiner les meilleurs
conseils à prendre en
compte pour recadrer
vos photos. En termes d'équipement,
lorsqu'il s'agit de recadrer, vous pouvez utiliser n'importe quoi,
de l'application photos votre téléphone à un logiciel
comme Adobe Photoshop. L'équipement que vous utilisez pour
cela n'a pas vraiment d'importance, il s'agit simplement de ce que
vous faites avec la récolte. Tout d'abord, repensez à la
sortie. Par exemple, ces photos
doivent-elles être recadrées dans des proportions spécifiques telles que 1* 1, 9* 16, 4* 5. Cela
vous indiquera le
rapport hauteur/largeur dans lequel les photos
doivent être recadrées. Ensuite, vous pouvez envisager de
recadrer pour différentes raisons,
notamment le recadrage pour créer un point focal. recadrage est un
outil puissant et le recadrage pour créer un point focal peut être
un excellent moyen de l'utiliser. Cela signifie concevoir le recadrage de votre photo pour
attirer l'attention sur une zone ou une
partie spécifique de la photo. Une méthode très courante de recadrage
pour créer un point focal consiste à placer votre point focal au centre de votre image. Une autre excellente façon
d'utiliser le recadrage est de recadrer des objets hors du cadre. Tout comme la création d'images dépend ce que vous
incluez dans le cadre, elle dépend également de ce que vous émettez. Le recadrage de distractions ou d'
éléments qui ne correspondent pas votre composition ou à votre
récit peut être un moyen utile d'utiliser
les outils de recadrage. Maintenant que nous avons abordé les bases
du recadrage, sans doute l'outil
le plus important
et le plus puissant matière de retouche d'images, en matière de retouche d'images,
examinons quelques logiciels
spécifiques que vous pouvez utiliser dans
votre processus de retouche, en
commençant par
Adobe Lightroom. Joignez-vous à moi pour la prochaine leçon, nous aborderons Adobe
Lightroom et certaines des
fonctionnalités clés en matière de retouche d'
images. Leçon suivante.
20. Montage dans Lightroom: Adobe Lightroom est mon logiciel de retouche
préféré, parfait pour l'
étalonnage des couleurs ainsi que pour le catalogage de toutes vos photos. Vous pouvez accéder à Lightroom en utilisant un abonnement Adobe qui
permet des réductions pour les étudiants mais si vous ne
souhaitez pas acheter
d' abonnement, les options d'
édition proposées Lightroom sont des options communes à de nombreux logiciels de
montage différents. Ce didacticiel
vous donnera une bonne idée de l'action de
chacune des options et de la
manière dont elles affectent une image. Lightroom propose également
une application mobile gratuite que nous aborderons un peu plus dans autre leçon, disponible
pour les mobiles et tablettes qui ne nécessitent une
autre leçon, disponible
pour les mobiles et les
tablettes qui ne nécessitent ni abonnement ni paiement Elles offrent à peu près
les mêmes
fonctionnalités d'édition que la barre de bureau. Dans cette leçon, j'utiliserai la
version classique d'Adobe Lightroom sur mon Macbook. Je pense que c'est un
2015 mais vous pouvez l'
utiliser sur Mac ou Windows. Passons en revue certaines de
mes options préférées. Bienvenue dans Adobe Lightroom, c'est notre espace de travail
pour cette leçon. Adobe Lightroom est essentiellement un outil de retouche et de
catalogage photos. Vous pouvez
donc importer vos photos dans Lightroom, modifier vos
photos dans Lightroom, puis
les exporter depuis Lightroom. Dans cette leçon, nous
allons
aborder certains de mes
outils préférés ou certains des outils
les plus puissants de
Lightroom et nous allons
commencer par la température. La température est un outil très simple
et très efficace que vous pouvez utiliser pour
transformer réellement votre image. Pour vous montrer un exemple
, j'ai
cette image que j'ai prise il y a
quelques mois et nous allons
simplement la modifier en utilisant uniquement la température et voir
ce que cela fait à l'image. Comme vous pouvez le voir ici
sur le côté droit, vous pouvez voir la température
et les curseurs de teinte. Juste une préface, nous sommes
dans l'onglet Développement, donc si vous êtes dans votre onglet
Bibliothèque, vous devez
passer à votre onglet
Développement pour pouvoir modifier vos images. Mais revenons aux sliders. Cette section est
ce que nous appelons la
balance des blancs et qui
modifie essentiellement la température et la
teinte des couleurs
de votre image. Comme vous pouvez le constater, Lightroom
vous permet d'identifier très facilement ce que font réellement
ces outils Vous pouvez
donc voir ici que la
température
rendra votre image soit
plus chaude vers un ton jaune, soit plus
froide vers teintes
plus bleues, puis teintée D'autre part, contrôlez votre
magenta comme vos roses, violets et verts. Nous allons simplement jouer
avec la température pour
commencer et voir ce que cela fait
réellement à une image. D'emblée, cette image
est une image assez froide qui est basée sur l'
éclairage de l'image. Lorsque nous changeons la température vous pouvez constater que non seulement la température change,
mais aussi la luminosité de
l'image. Vous pouvez donc voir qu'à mesure que je me réchauffe elle perd un peu
de sa luminance, un peu de sa luminosité. Mais à mesure que je fais froid, cela introduit beaucoup plus de
luminosité dans l'image. Encore une fois, nous pouvons faire
la même chose sur la teinte. Si vous optez
pour le
vert, l'image sera un
peu plus foncée, mais au fur et à mesure que nous nous dirigeons vers le rose,
cela l'éclaircira. L'idée ici est de vraiment trouver un bon équilibre, non seulement en termes couleur, mais aussi de luminosité que
vous souhaitez donner à votre image. Pour ma part, je vais opter pour quelque chose dans les tons moyens. Si vous n'aimez pas vraiment
les couleurs bleues, c'est là que les
autres outils de Lightroom entreront en jeu Nous allons
donc nous en tenir à
ce côté droit et terminer avec ceux-ci. Nous allons
entrer dans cette section qui
est votre section d'étalonnage des
couleurs. La gradation des couleurs vous permet
essentiellement d'ajouter des couleurs à
vos tons moyens, vos ombres et à
vos reflets, ce qui modifiera l'équilibre
de l'apparence des couleurs. Vous avez ces petits
cadrans qui
détermineront la
couleur que vous ajoutez à chaque partie de votre image. Si nous commençons par les reflets, vous voyez, je peux ajouter un vert vraiment éclatant aux
points forts de l'image. En vous dirigeant vers
le centre , vous doublerez
ce vert, il y
sera toujours mais il ne sera pas saturé. En ce qui concerne l'
étalonnage des couleurs, j'
aime généralement utiliser des
couleurs complémentaires ou des couleurs contrastantes. Cela signifie donc
choisir des couleurs opposées
sur votre roue chromatique. Puisque nous mettons ce jaune
vert
dans les ,
examinons vos zones d'ombre
et voyons ce que nous pouvons faire
avec ce mélange à peu près opposé et comment cela modifie l'image. Vous verrez que la majeure partie de cette
image est en fait constituée d'ombres. Au fur et à mesure, tout ce que j'ajoute
aux ombres affecte
vraiment la
majeure partie de cette image. Je vais ajouter quelque chose à peu près dans
la section violette. C'est le contraire de notre
vert et de notre jaune, donc
c'est complémentaire . Cela fonctionne bien
avec ce ton ici, mais cela ajoute juste un
peu plus de
contraste par rapport au
bleu principal de l'image. Lorsque nous aborderons
les tons moyens, encore une fois, je vais opter pour quelque chose de similaire
aux tons clairs, juste pour créer un peu plus de contraste. Vous pouvez également modifier
la luminosité de ces sections à l'aide de
ces curseurs. Si nous l'examinons sans
les reflets,
sans les ombres et sans les tons moyens, nous avons ajouté un
peu de contraste
en
ajoutant des couleurs plus claires dans les tons clairs et des couleurs plus foncées dans les ombres. Ensuite, si nous n'en sommes pas
certains à 100 % , nous
pouvons revenir nos bases et
rejouer avec notre température. Pour moi, je suis très content cette image entièrement bleue, mais une autre
façon de changer cela est d'
ouvrir votre section HSL. HSL fait référence à la teinte, la saturation et à la luminance. teinte est la couleur, considérez la teinte comme la
couleur de votre image. Vous avez le rouge ici dans un curseur allant d'un rouge rosé
à un rouge orangé. Cela va changer tous
les rouges de votre image, il n'y a pas beaucoup de
rouges à vous montrer. Allons plus loin dans le bleu car nous avons
beaucoup de bleus sur cette image. Si je voulais le rendre plus violet, je le ferais glisser de cette façon. Si je voulais le rendre
plus vert, tu le ferais comme ça. Votre saturation correspond à la
saturation de ces teintes Nous pouvons
donc voir si
je la fais glisser vers le bas
, cela supprimera la
saturation du bleu, si je la fais glisser vers le haut
, cela l'augmentera. Votre luminance est votre
luminosité ou votre luminosité, donc l'augmenter
éclaircira mes bleus
, la diminuer les assombrira. Vous pouvez jouer avec les curseurs HSL pour
obtenir vraiment la couleur que vous souhaitez, mais
passons à une autre image pour voir comment nous
utiliserions les outils similaires. Cette image est assez sombre Nous allons
donc commencer par
votre température en la déplaçant et en voyant
où nous voulons qu'elle soit. Je vais faire en sorte qu'il fasse un
peu plus chaud cette fois. Ajoutez un peu de rose et je vais également augmenter l'exposition juste pour
éclaircir l'image. Ces sections
, vos ombres et
vos reflets, vous aideront
également modifier votre exposition et créer différents
niveaux de contraste. Passons à
notre tonalité divisée, à nouveau à
notre gradation des couleurs. Si nous ajoutons un vert dans les tons moyens et peut-être
quelque chose d'un peu similaire, choisissons un bleu ou un vert dans
les tons clairs, puis, dans les tons foncés, mettons quelque chose d'un peu opposé, comme un rose ou un rouge. Maintenant on y va. Nous pouvons
à nouveau accéder ces curseurs HSL si vous souhaitez modifier encore plus les
couleurs. Une autre chose que vous pouvez faire, c'est
si vous ne savez pas vraiment quelle couleur vous
essayez d'identifier , vous pouvez cliquer sur
ce petit bouton, cliquer dessus et passer à la couleur de votre choix. Disons que nous voulons
cette couleur ici, cliquez puis faites glisser la souris de haut
en bas faire glisser la couleur détectée par
Lightroom. Encore une fois, tu pourrais
le faire ici dans le blues. Vous voyez qu'il
change le bleu et le violet, car ce sont
les teintes détectées dans la couleur
que nous avons sélectionnée. Ensuite, ouvrons
une scène plus grande. Encore une fois, vous pouvez vraiment voir comment votre température
va changer, l'ambiance et l'
ambiance d'une image. Il s'agit de jouer,
d'expérimenter vraiment
et de trouver une façon d'utiliser les couleurs avec plaisir. Dans Lightroom,
vous pouvez également créer des masques. Les masques sélectionnent
essentiellement certaines
parties de votre image et n'affectent que les parties sélectionnées dans le
masque pour vos modifications. Vous pouvez le faire de différentes manières
.
Vous pouvez soit dessiner
votre masque avec
le pinceau, Vous pouvez soit dessiner
votre masque avec
le soit
celles-ci sont mes préférées Vous pouvez utiliser le dégradé
linéaire ou
le dégradé radial. Ainsi, par exemple, si je
voulais éclaircir cette partie de l'
image, j'utiliserais un dégradé linéaire
et je
créerais simplement un masque qui l'affecterait. Vous pouvez voir que cette section
rouge est le masque, je peux changer la
couleur de la superposition, si je veux dire quelque chose
, je ne sais pas, comme un jaune
très vif,
pour que vous puissiez voir. C'est ce que le masque.
Vous pouvez également désactiver la superposition pour voir à quoi ressemble réellement l'
image. Ensuite, il va
créer cette petite section ici qui vous permettra d'apporter des
modifications uniquement à ce masque. Je peux utiliser l'outil
Exposition et vous pouvez voir que cela n'
affecte pas toute cette image, mais uniquement cette
section du masque. Une autre chose que nous pouvons faire dans Lightroom est de
copier et coller des modifications. Supposons que la configuration de l'éclairage
soit exactement la même entre cette photo et
une autre photo et que je voulais prendre les
modifications que j'ai prises sur cette photo
et les placer sur une autre photo pour plus de rapidité, de facilité
ou de cohérence Vous pouvez copier et
coller vos modifications. Ici, vous pouvez cliquer sur Copier
ou sur Commande C si vous utilisez un Mac ou sur Control C si
vous utilisez Windows. Vous pouvez sélectionner les différents éléments que vous souhaitez copier Vous pouvez même copier votre masque, votre recadrage. Pour ma part, je n'ai pas tendance
à
le faire parce que les compositions des différentes
images sont différentes J'ai
donc tendance à copier votre personnel de base, vos couleurs et votre copie
de presse, puis nous pouvons
passer à une autre image. Cette image n'est en fait pas
la même configuration d'éclairage, mais faisons comme si c'était Vous pouvez la
coller et vous pouvez le voir maintenant
que cette image
a été modifiée. À mon avis, ce sont quelques-uns des outils
les plus puissants de Lightroom. Vous avez vos curseurs de couleur HSL, vous avez votre section d'
étalonnage des couleurs, puis votre balance des blancs,
avec les éléments de la section de base de
Lightroom qui influent sur votre exposition, et puis, bien sûr, vous
avez votre masquage. Ce sont tous de
très bons outils, des outils
vraiment puissants
qui peuvent tous vous aider beaucoup lorsqu'il s'agit de
retoucher vos photos. Lightroom est un excellent outil
pour éditer et organiser votre vie en matière de photographie musicale
et je vous recommande vivement l'utiliser si vous souhaitez devenir
professionnel dans le domaine de la photographie
musicale. Pour ceux d'entre vous qui s'
intéressent davantage à la photographie décontractée, à la photographie
décontractée et à la prise de photos
lors d'événements musicaux en direct, rejoignez-moi pour la prochaine
leçon où nous effectuerons retouches sur mon iPhone à l'aide un mélange de deux applications
gratuites différentes que vous pouvez utiliser.
21. Édition sur votre téléphone: Dans cette leçon, nous allons
examiner deux applications
différentes que vous pouvez utiliser sur votre
téléphone pour retoucher des photos. Tout d'abord,
commençons par VSCO ou VSCO. VSCO est l'un de mes favoris. Il s'agit d'une application qui vous propose
non seulement plusieurs préréglages
parmi lesquels choisir, mais qui vous
permet également de modifier vos photos, des curseurs de
teinte, de saturation et de luminance aux commandes de tonalité divisée. Examinons certains des outils les plus courants au sein de VSCO ou de VSCO et voyons comment les
utiliser , en
commençant par l'exposition. Passons à VSCO. Ouvrons cette photo que j'ai prise il y a longtemps. Je ne me souviens plus sur quel
téléphone il s'agissait, je pense qu'il s'agissait d'un iPhone 7. Nous allons simplement commencer
par ajuster le recadrage. Allons-y un par un,
juste pour simplifier les choses. La première chose que nous
allons faire est d'ouvrir
l'onglet Exposition. Une exposition assombrit ou éclaircit
essentiellement l'image. Ensuite, vous pouvez
passer à votre contraste. Ces outils sont déjà
similaires à ceux que vous avez dans Adobe Lightroom pour ordinateur. Vous avez également un H et un S dans votre section de tonalité, qui influent sur les reflets
de votre image. Vous ne pouvez pas vraiment voir dans
celui-ci, car il n'y a pas beaucoup de zones claires à modifier et les ombres, que vous pouvez voir un peu plus, les assombrissent
ou les éclaircissent. Vous disposez également de vos outils de balance des
blancs. Non seulement vous avez
cela, mais vous disposez également d'un outil appelé vignettage
qui assombrit essentiellement les bords de votre image. Cela permet de créer un point
focal dans l'image. Passons maintenant à la
tonalité divisée, qui est essentiellement section d'étalonnage des couleurs de Lightroom. Vous pouvez ajouter différentes
couleurs dans les tons foncés et dans les
zones claires. Outre la tonalité fractionnée, vous disposez
également de vos curseurs HSL, très similaires à ceux que vous utilisez lorsque vous
travaillez dans Lightroom. VSCO propose également une
multitude de préréglages que vous pouvez
utiliser si vous n'avez pas envie de
modifier des choses à partir de zéro. Passons maintenant à l'application mobile d'Adobe
Lightroom mobile. Les outils de Lightroom Mobile
sont similaires à ceux de VSCO et également très similaires à
Light Room pour ordinateur de bureau. Ils offrent des
fonctionnalités plus avancées que VSCO similaires à la
version de bureau d'Adobe Lightroom, notamment le masquage
et l'étalonnage des couleurs. Regardons quelques-uns de mes
favoris dans l'application. Comme vous pouvez le voir ici, vous disposez à peu près des mêmes outils que VSCO et Adobe
Lightroom pour ordinateur de bureau. Vous avez cet outil sympa qui s'
appelle Auto et qui prédit
essentiellement comment
l'image doit être modifiée. Vous pouvez cependant le
remplacer. Nous allons nous diriger
vers la section « lumière » qui ouvrira notre exposition, notre contraste
et nos tons clairs, etc. Vous pouvez voir que
les choses ont déjà été modifiées grâce
au réglage automatique. Mais comme je l'ai dit, vous pouvez
remplacer ces paramètres. Je préfère avoir
un peu plus contraste, donc je vais
redonner un peu d'obscurité à ces ombres. Vous avez également
un outil appelé Tone Curve, que vous avez également dans Adobe
Lightroom pour ordinateur agit d'un outil un peu
plus avancé Il s'
agit d'un outil un peu
plus avancé,
mais il vous
permet essentiellement de placer des points dans une courbe et d'affecter différentes
parties de l'image. Par exemple, ce coin supérieur
droit
affectera les zones claires
de votre image, tandis que le coin inférieur droit
affectera les ombres. Vous pouvez également ajouter différentes
couleurs dans ces ombres.
Ainsi, dans la courbe des tons rouges, vous pouvez ajouter du rouge dans les zones claires ou
du bleu
ou la même couleur dans les ombres,
et il en va de même pour le
vert et le bleu. C'est un outil un peu plus
avancé et il faut un
peu de temps pour s'y habituer, alors jouez avec lui. Ensuite, nous avons votre
section couleur et la couleur inclura votre balance des blancs et votre classement. notation sera la même que celle que nous avons
effectuée dans VSCO pour votre tonalité divisée et ce que nous avons fait dans
Adobe Lightroom pour ordinateur de bureau avec votre étalonnage des couleurs. Vous pouvez ainsi ajouter une couleur
à vos ombres, vos tons moyens et à
vos tons clairs. Lorsque vous commencerez à mixer, vos curseurs HSL apparaîtront, comme dans les autres logiciels
que
nous utilisons Bien entendu, vous pouvez également recadrer à partir de
différents rapports hauteur/largeur, redresser, etc., et
zoomer dans cette application. Dans la leçon suivante, nous
allons examiner une
technique de montage très courante utilisée pour la photographie musicale en direct et
passer à Adobe Photoshop.
22. Double exposition dans Photoshop: Dans cette leçon,
nous allons nous plonger dans Adobe Photoshop. Nous allons
parler d'une technique de montage
très courante et très
utilisée dans la
photographie musicale en direct, à savoir les doubles expositions. doubles expositions remontent
à l'époque où la photographie
argentique était la norme. Il s'agissait en fait de deux photos ou plus
exposées sur le même cadre. De nos jours, cette technique
est couramment reproduite sous forme numérique à l'aide de logiciels
tels qu'Adobe Photoshop, où les photographes
peuvent superposer une ou plusieurs images par-dessus
une autre. Voyons comment cela peut être
réalisé
en superposant deux
photos que j'ai prises lors d'un projet d'entrepôt en 2022
. Lorsqu'il s'agit de créer
une double
exposition, vous devez rechercher
des images contrastées. Nous allons donc superposer cette image et cette image. Tout d'abord, je vais simplement
copier cette image et créer une nouvelle toile
à partir de laquelle travailler. Nous allons donc
coller cette image. Ensuite, je voudrais entrer
et prendre cette image de foule, qui est assez
contrastée, et l'ajouter. Ensuite, je vais m'assurer
que les deux images sont de la même taille. Nous allons
donc simplement redimensionner cette image. Pour redimensionner très rapidement, j'appuie sur la commande T. Vous pouvez
utiliser la commande T si vous
utilisez Windows et cela
ouvrira cette boîte de redimensionnement. Ensuite, je vais simplement réduire
l'opacité de cette image. Je vais verrouiller la
couche en bas. Je verrouille cette couche
afin de ne pas déplacer la couche inférieure lorsque j' expérimente
la composition. Ensuite, sur la couche 1, je vais pouvoir
faire glisser cette couche. Ce que je veux faire, c'est m'assurer que cette image et cette image sont correctement alignées et
qu'elles se marient bien ensemble. Je vais donc juste le
transformer à nouveau et jouer. Ensuite, je vais le
remettre à 100 %, verrouiller cette couche, faire glisser la couche 1 au-dessus de la couche 2, déverrouiller et réduire la
déverrouiller et réduire l'opacité afin de pouvoir
aligner cette couche ensuite. Maintenant, j'ai mes deux photos. Ce que je veux faire, c'est expérimenter
avec les styles de couches. Je vais donc déverrouiller
les deux images, les deux couches. Cliquez sur la couche supérieure, augmentez l'opacité,
puis cliquez dans la section
où il est écrit Normal. Cela me donnera une tonne
d'options différentes, et je vais juste faire défiler
la page
pour voir laquelle est la plus belle. Je pense donc que je veux opter pour
quelque chose comme Lighten, mais je veux que cette silhouette soit le point central
plutôt que ce point focal. cette raison, je
vais le
ramener à la normale et le faire glisser vers
la couche inférieure. Alors je vais faire
de même sur celui-ci. Je vais sélectionner ceci pour
Éclaircir ou Screen ou
quelque chose comme ça. Ensuite, je peux le faire glisser pour que les ombres soient derrière la silhouette afin que vous
puissiez toujours la voir. Sinon
, je pourrais l' avoir comme couche supérieure. Travaillez pour que les ombres de la couche inférieure
éliminent ma silhouette. Je pense qu'en termes de
composition, cela fonctionnera mieux si
le public se rapproche de
la silhouette principale. Pour créer
des expositions doubles, il suffit jouer avec les
différents styles de couches, voir ce que vous aimez, de choisir
la meilleure apparence et d'expérimenter
avec la composition. Mais c'est un moyen très amusant
et simple de créer des compositions
intéressantes à partir d' images que vous avez déjà prises. Vous pouvez, bien sûr, ensuite régler votre luminosité
ou quelque chose comme ça et retoucher davantage une photo pour
vraiment améliorer la technique. Ces outils
seront vraiment similaires
à tout ce que nous avons utilisé
dans Lightroom et VSCO. Ils se trouvent juste à des
endroits différents, essentiellement. Lorsque vous êtes
satisfait de votre photo, vous pouvez simplement l'enregistrer. Lorsque vous
recherchez des photos à superposer, j'aime rechercher le contraste. Vous avez donc une grande image de votre artiste, puis une image
où la foule est petite, ou vous avez un contraste d'éclairage entre l'
obscurité et la lumière, la lumière dans l'obscurité. Tout ce qui présente du contraste vous
aidera à créer une
double exposition vraiment intéressante. Vous pouvez même perfectionner une double
exposition en utilisant des outils
tels que les fonctions de soustraction ou
d'effacement. Cliquez donc sur votre
pinceau d'effacement
pour supprimer toutes les textures ou les éléments qui ne correspondent pas
vraiment à l'image. Passons à la prochaine leçon
où nous allons
rester dans Adobe
Photoshop et nous verrons comment créer un carrousel Instagram en ce qui concerne la livraison
de vos photos.
23. Créer des carrousels Instagram dans Photoshop: La création de
carrousels Instagram peut être un moyen très intéressant d' afficher vos photos
dans votre portfolio. Il est idéal pour la musique en direct,
car il vous permet non seulement d'inclure plus de 10
photos dans le carrousel, mais également un mélange d'images de
paysage et de portrait. Dans cette leçon,
nous allons
voir comment créer un
carrousel Instagram très simple à l'aide d'Adobe Photoshop. Pour créer un carrousel Instagram, la première chose
à faire est d'ouvrir un nouveau fichier,
un nouveau canevas dans Adobe Photoshop. Les dimensions d'une image de portrait
normale sur Instagram sont de 1 080
pixels sur 1 350 pixels. Cependant, nous voulons avoir 10
images dans notre carrousel. La hauteur n'augmentera pas
, mais la largeur est due au fait que
nous allons avoir 10 photos dans le carrousel. Ce que vous allez faire,
c'est simplement
mettre un zéro supplémentaire à la fin de votre largeur
et cliquer sur « Créer ». Cela nous a maintenant créé une
très longue toile qui pourra contenir 10 cadres
adaptés à Instagram. La prochaine chose à faire pour configurer votre canevas est de vous rendre dans votre panneau d'affichage et de cliquer
sur « Nouvelle mise en page du guide ». Cela créera
essentiellement des colonnes dans votre canevas qui vous
aideront à comprendre où
commence et se termine chaque nouvelle image. Puisque nous avons 10 cadres, nous allons en mettre
10 dans des colonnes. Nous allons
laisser la largeur et
la gouttière dégagées et ne pas cocher les rangées.
Cliquez ensuite sur « OK ». Ensuite, il est temps d'ajouter les images réelles au canevas. Ce que j'aime faire,
c'est ouvrir mon viseur, trouver la forme que
je souhaite utiliser. Pour cet exemple,
je vais
utiliser des photos de la soirée
Arthi Hard. Ensuite, je vais généralement agrandir un
peu ces images pour pouvoir les voir
correctement et choisir
une sélection de mes préférées. Ne vous inquiétez pas
s'il y a exactement 10 images parmi lesquelles choisir
pour commencer, ce n'est pas vraiment important et nous pourrons
affiner ce choix plus tard. Vous pouvez sélectionner un
mélange de paysage et de portrait,
peu importe. C'est ce qui fait l'
avantage d'utiliser des carrousels. J'ai sélectionné 11 éléments, je vais
tous les faire glisser dans mon canevas. Vous les remplacez par la touche Entrée sur votre clavier ou par
cette petite coche ici. Une fois que toutes les
images sont placées, vous pouvez commencer à les déplacer et à décider dans quel ordre
elles seront placées. Personnellement, je sais que
j'aime beaucoup cette photo, c'est probablement celle que je veux voir au
début de l'article. Il s'agit simplement de
jouer avec apparence que
vous voulez donner aux images. Pour ma part, j'aime mettre mes images
préférées au début. Vous pouvez également inclure des images de
paysages Je pourrais
donc simplement les
faire glisser sur deux images et les utilisateurs pourront
les voir toutes les deux. Cette image n'est probablement pas
la meilleure pour cela, donc je vais la garder en
tant qu'image de portrait, composer en tant qu'image de portrait. Je vais supprimer cette image parce que j'ai déjà une photo de lui ici et je ne veux pas trop de personnes identiques. Ensuite, je vais supprimer cette image, la
recomposer, puis revenir dans mon viseur pour trouver une meilleure image de paysage que je souhaite utiliser
pour le post final. Ce que je vais faire, c'est
opter pour
cette photo de foule et placer de manière à
ce qu'elle couvre les deux dernières images. Je pourrais l'avoir dans
deux cadres distincts, mais je vais
plutôt ajouter d'autres photos
à ces images afin
de pouvoir les intégrer encore plus. Je suis maintenant à la recherche de
deux autres et ce que je recherche ici, c'est un
contraste de couleurs. Soit quelque chose qui
est rose pour contraster avec le bleu, soit quelque chose qui est
peut-être en noir et blanc. Une fois que j'aurai mes deux
dernières images, je m'assurerai qu'
elles sont à la bonne hauteur. Je vais cliquer sur
l'un d'eux en maintenant le
bouton Shift enfoncé, puis cliquer sur le second pour sélectionner tous les
deux en même temps, puis sur Commande T pour transformer. Si vous utilisez Windows, vous pouvez plutôt cliquer sur
« Control T ». Ensuite, je vais les redimensionner
pour qu'ils tiennent au
milieu de cette image, peut-être un peu plus épais que cela. Ensuite, je vais les séparer. Personnellement, pour que je puisse les
créer au point mort, je vais créer une
petite boîte aux mêmes dimensions
que ce cadre. Je vais le déplacer derrière le
calque pour voir l'image. Sélectionnez cette couche et ma photo, puis utilisez les outils d'alignement. Ensuite, je vais simplement faire
glisser cette case sur la deuxième image, faire glisser à nouveau vers le bas, puis faire de même. Ensuite, je peux supprimer la boîte blanche. En fait, je veux
inverser ces images simplement parce qu'elles sont
orientées dans le mauvais sens, je veux qu'elles soient tournées vers l'intérieur. Nous allons juste
le refaire. Nous les déplaçons, puis nous supprimons cette couche. Maintenant que j'ai mon carrousel, il est temps de l'exporter. Ensuite, sur ce que je vais
cliquer, c'est
trouver l'
outil Slice dans Photoshop, qui se trouve généralement juste
derrière l'outil Crop. Si vous voyez l'outil Recadrer ici et qu'il y a un
petit triangle, maintenez ce triangle ouvrir l'outil Slice. Ensuite, vous voulez cliquer sur
« Slice from Guides ». Cela va
créer des cadres séparés où se trouvent vos guides. Ensuite, je vais
cliquer sur « Exporter », « Enregistrer pour le Web »,
puis je suis prête à l'
enregistrer en tant que carrousel Arthi
Hard, et cela va
exporter pour moi mon carrousel. Une fois que je reviendrai dans
le dossier Arthi Hard, il y aura un nouveau dossier
contenant des images. Lorsque je clique dessus, je
peux voir toutes mes images , les sélectionner et
les envoyer sur mon téléphone. Vous pouvez le faire, de la
manière la plus simple pour vous, en envoyant des e-mails, en dropboxing, etc. Pour moi, je vais
ajouter Drop à mon téléphone. Maintenant que j'ai les
photos sur mon téléphone, je peux ouvrir mon Instagram,
puis sélectionner les photos. Dans la prochaine leçon,
nous allons
rester sur le
sujet de la livraison, mais nous parlerons un peu plus manière dont vous
transmettez vos photos à votre client ou à la
personne à qui vous les
livrez .
24. Livrer vos photos: Vous avez donc réussi à prendre
et à retoucher vos photos. Comment procéderiez-vous maintenant pour livrer ces
photos à votre client ? Dans cette leçon, nous
allons aborder
les meilleures méthodes pour transférer vos photos à votre client. Outre mes meilleurs conseils pour étiqueter et nommer vos photos. Commençons par attribuer un nom à
vos fichiers pour la livraison. Vous pouvez donc attribuer un nom à vos fichiers au cours du processus d'exportation ou d'enregistrement, ou vous pouvez les renommer une fois que
vous les avez déjà exportés. Mais il est clair que nommer vos fichiers est très important
pour deux raisons. L'une d'entre elles est l'archivage
, qui permet à vous
et à votre client de
retrouver ces photos à l'avenir en recherchant
le nom
de l'artiste la date ou
quelque chose comme ça. Mais assurez-vous également que
vous êtes correctement accrédité. Je recommande de nommer vos
fichiers avec une structure telle que le nom de l'artiste, le
soulignement de votre nom, soulignement, le numéro de
séquence des photos. Une fois que vous avez correctement
nommé vos fichiers, il est temps de
les envoyer pour livraison. Dans le monde moderne, il existe de nombreuses
façons de transférer des fichiers
à vos clients. Mes favoris personnels
sont l'utilisation de de stockage
dans le cloud et de
transfert de fichiers logiciels de stockage
dans le cloud et de
transfert de fichiers tels que Google Drive, Dropbox
ou WeTransfer. Ces trois services
proposent des versions gratuites
de leurs plateformes, ce qui est excellent, quel que
soit votre
niveau en termes de
portails photographiques. Je trouve également les trois très utiles si vous n'avez pas
accès à quelque chose comme AirDrop d'
Apple pour transférer les photos de votre
ordinateur portable sur votre propre téléphone, pour les publier sur Instagram
ou n'importe où. Dans la prochaine leçon,
nous allons
terminer le cours d'aujourd'hui et je vais vous donner quelques-uns
de mes derniers conseils.
25. Réflexions finales: Nous sommes arrivés à la
fin du cours. abord, je tiens à
vous remercier d'être restée à mes côtés jusqu'à
la fin du processus. Tout au long de ce cours,
vous avez
maîtrisé avec succès la pré-production, processus de
tournage et la post-production du
tournage d'un concert en direct. de comprendre comment
sécuriser votre passe photo, d'
apprendre ce qu'il
faut rechercher dans une photo et d'utiliser
différents outils pour améliorer la photo lors de
votre processus de retouche. J'espère que vous avez
trouvé ce cours non seulement intéressant, mais que vous avez
également eu l'impression qu'il vous a
préparé et
vous a donné la confiance nécessaire pour vous
lancer et tourner votre premier concert. Avant de terminer, je tiens à
vous faire part de
quelques derniers points. Comme pour
tout, la préparation est toujours essentielle. Dans un genre qui peut
être si imprévisible, concentrez-vous sur
le contrôle des choses que vous pouvez contrôler et tout le reste
devrait se mettre en place. Amusez-vous bien,
photographier de la musique live est l'un des meilleurs aspects
du métier de photographe. C'est l'un des emplois les plus
agréables qui soient, alors assurez-vous de
profiter de tout le processus. N'hésitez pas à me contacter
à tout moment que ce soit via Skillshare
ou d'autres réseaux sociaux. Si vous avez besoin d'
aide pour quoi que ce
soit, de conseils en matière de photographie musicale
en direct ou de
toute autre photographie. J'ai d'autres cours ici
sur Skillshare qui couvrent une gamme de sujets différents, de la théorie des
couleurs à la
prise de portraits. Si cela
vous intéresse, allez-y et jetez-y un coup d'œil. J'ai hâte de voir ce que vous allez
créer à partir du cours d'aujourd'hui. N'hésitez pas à le partager dans la galerie de projets
pour que je puisse y jeter un œil. Mais merci beaucoup d'avoir regardé
et bonne chance pour le
tournage de votre première émission.