Peinture numérique : les principes fondamentaux de l'illustration numérique ation

1. Intro à l'illustration numérique: Donc, dans ce tutoriel, je vais vous montrer comment créer une peinture numérique. Bien entendu, la peinture numérique ne se limite pas à ce que je montre ici dans ce cours ou dans ce cours. C'est une procédure de base. Je vais essayer d'être bref sur tous ces points. Certainement, des choses comme l'éclairage, coloriage ou la conception de costumes, la pose et tout ça. Chacune de ces choses pourrait être la leur, comme l'ensemble du cours, en gros. J'espère donc que ce tutoriel vous plaira. 2. Vignettes: La première étape que je recommanderais pour illustrer quelque chose est la miniature Je veux dire, la création de vignettes est plutôt destinée à, par exemple, si vous vous sentez vraiment attaché à une illustration et que vous essayez de réfléchir de manière plus approfondie aux possibilités d' exécuter une idée visuellement, vous pouvez simplement tout faire Je veux dire, ce n'est certainement pas une étape obligatoire, sinon je ne la mettrais pas en priorité absolue, mais je le ferais certainement davantage pour, par exemple, travail des clients ou tout autre type de mission importante. Et bien sûr, s'il s'agit d'un projet personnel, alors tout ce que vous faites est important pour vous. Vous voulez donc d'abord déterminer ce que vous voulez dessiner ? Qui souhaitez-vous dessiner ? Que font-ils ? Qu'est-ce qui se passe sur ta photo ? J'ai juste, en quelque sorte , eu une idée. Genre, je ne l'avais pas vraiment prévu. J'ai choisi Fancy Lady pour boire du thé. Alors, qu'est-ce que la vignette ? La miniature est généralement une esquisse, très peu engageante. Par exemple, vous ne voulez pas investir tout votre temps dans l' esquisse. Je veux dire, si vous êtes vraiment investi, vous dessinez, mais vous voulez tracer des lignes, explorer et vous concentrer davantage sur des formes entières, des sujets entiers, comme la personne entière ou objets les plus importants de l'image. S'il s'agit d'un portrait, assurez-vous que l'angle est clair, que cette personne ait ou non des yeux, qu'il s' agisse d'une vue latérale et qu'il n'y ait probablement qu'un œil. S'il y a un chapeau, des accessoires, si c'est un corps entier, alors quelle pose ? Des trucs comme ça. Mais je passerais au maximum 15 minutes par miniature Je veux dire, je dessine assez vite. Je veux dire, je fais ça depuis un moment. Dans ce cas, je pourrais passer jusqu'à 5 minutes par miniature. Mais vous pourriez y perdre beaucoup de temps, mais je vous déconseille d' essayer de perfectionner la miniature car cela détruit tout l'intérêt Il s'agit essentiellement d'un aperçu de votre idée, vous donnera l'échafaudage le plus élémentaire pour savoir où les choses vont se passer, comment les gens s'opposent comment les objets vont être placés, etc. Ainsi, lorsque vous créez votre miniature, vous voulez penser à la même idée J'ai donc une dame chic qui boit du thé. Est-ce que je vais faire un portrait, un corps entier ? Ou est-ce que je vais faire un demi-corps ? Est-ce que je vais l'obliger à s'asseoir ? Comment va-t-elle boire ce thé ? Que porte-t-elle ? Des trucs comme ça ? Il existe de nombreuses façons de le faire, bien sûr. Et c'est généralement à cela que sert la miniature : explorer différentes manières de mettre en œuvre la même idée ou de raconter la même histoire Bien entendu, vous n'êtes pas obligé de choisir un seul type de taille de toile ou, par exemple, de choisir si votre toile est carrée ou large, comme l'orientation paysage ou l'orientation portrait. Tout dépend de vous, de ce qui vous convient le mieux ou de ce qui convient le mieux à la présentation de votre idée. Il est utile de placer les vignettes sur la même page , puis de comparer toutes les vignettes unes à côté des autres et de se demander laquelle vous préférez Lequel vous enthousiasme le plus ? Par exemple, lequel vous motive vraiment à participer à ce projet le terminer et à le montrer aux gens ? Je recommande de choisir quelque chose qui a de la personnalité. Je veux dire, cela suppose que vous voulez attirer l'attention, par exemple, sur les réseaux sociaux, mais, bien sûr, vous n'êtes pas obligée de le faire. Cela dépend vraiment de votre objectif initial. Donc, si tu le fais tout seul, tu peux faire ce que tu veux. 3. Mise en page: Donc, dans cette étape, ce que je vais appeler la mise en page. Je veux dire, je vais juste l' appeler mise en page. Je ne sais pas exactement comment l'industrie l'appelle. La majeure partie de mon expérience se situe en fait dans l'enseignement, l' illustration ou le dessin. Mais vous prenez votre miniature et vous ajoutez plus de détails à la miniature que vous choisissez Et tu ne veux pas entrer dans les détails. Je recommande vivement de rester zoom arrière, car zoom avant est principalement destiné aux détails, ce que vous voudrez certainement faire Encore une fois, il s'agit d' affiner ou de définir les parties importantes de l'image, rendre les choses plus claires afin que le public puisse savoir ce qui se passe dans votre pièce. une des principales raisons pour lesquelles vous souhaitez conserver zoom arrière est que la plupart du temps, lorsque les gens interagissent pour la première avec l'image que vous créez, c'est en mode miniature ou qu'elle est probablement petite sur leur Vous devez donc être capable de savoir ce qui se passe lorsque cette image est complètement agrandie, et que les gens la prennent dans son ensemble plutôt que simplement avec l'œil la main ou le chapeau, peu importe Tous ces éléments sont combinés pour raconter une histoire complète, pour créer une image qui signifie quelque chose pour les gens. Je recommande de passer de formes plus grandes à des formes moyennes. Encore une fois, laissez les détails ou les petites formes pour plus tard. N'oubliez pas que rien n'est définitif. Éditez très certainement. Vous en êtes encore au tout début de votre processus d'illustration. Tu pourras changer des choses plus tard. Mais si vous avez déjà rendu ou détaillé un tas de choses, ce sera probablement plus difficile de le faire, car vous avez probablement investi beaucoup de temps dans les détails. Je dirais donc que tout à l'heure, c'est le meilleur moment pour apporter des modifications fondamentales à votre œuvre. Mais n'oubliez pas que vous n'avez pas besoin retenir votre souffle et de vous dire cela doit être parfait maintenant avant que je passe à autre chose. Essaie de ne pas le prendre trop au sérieux. Optez pour Willie Nilly et réfléchissez davantage à l'histoire vous racontez ou à l'image cool que vous essayez de nous montrer plutôt qu' à une petite imperfection qui, en fin de compte , vous serez la personne qui se concentrera trop sur les se concentrera 4. formes: Nous passons maintenant à l'étape des formes. Les formes sont très importantes. En fait, ils communiquent beaucoup. Les lignes permettent de maintenir l'unité et de définir clairement les sujets, mais les formes, les plus grandes, seront les premières choses l'unité et de définir clairement les sujets, mais les formes, les plus grandes que vos spectateurs interpréteront s'ils regardent votre image soit en miniature, soit simplement si vous mettez sur un message sur les réseaux sociaux ou si elle apparaît dans Google Images ou Pensez-y de cette façon. Les panneaux de signalisation utilisent beaucoup de silhouettes Ils communiquent certainement beaucoup, il s'agisse de montrer, vous savez, qu' il y a des enfants qui traversent la rue ou que la route est en pente, donc le camion doit faire attention ou quelque chose comme ça C'est donc un excellent exemple de la façon dont les silhouettes sont vraiment distinctes communiquent beaucoup Ils n'ont pas besoin d' être aussi détaillés. Les panneaux de signalisation n'ont pas besoin d' indiquer chaque doigt de la personne qui traverse la rue. La route ressemble à une route sinueuse sur le panneau, il n'est pas nécessaire de laisser apparaître de l'herbe ou d'autres choses de ce genre. C'est donc ce que j'entends par formes et comment les plus grandes formes communiquent. Et surtout, dans le cas des panneaux de signalisation, ils communiquent à distance. Vous voulez faire la même chose avec votre œuvre si vous voulez la montrer aux gens et laisser une certaine impression. Faites donc attention aux silhouettes. Par exemple, il existe plusieurs façons de faire croire à cette même silhouette qu'elle boit du thé. Vous pouvez faire en sorte que son bras droit ou sa main droite soit sa main droite, sorte que notre gauche tienne la tasse de thé Sous cet angle, vous pouvez également essayer sa main gauche ou notre main droite. Mais la silhouette est toute retroussée, et le bras n'est donc pas très distinct Le bras n'étant pas distinct du reste de la silhouette, vous ne pouvez pas le voir comme un objet distinct pouvant être interprété. Donc, si sa main droite tient la tasse à thé avec cette silhouette, où l'on peut distinguer son épaule son coude, son bras et son chapeau, ces objets transmettent le message bien mieux que lorsque toute la silhouette est regroupée et que les parties ne sont pas distinctes, séparées 5. Valeur: Passons en revue la valeur. La valeur correspond aux lumières et aux ténèbres. Cela inclut donc essentiellement le noir jusqu'au blanc, en passant par l' échelle de gris, à peu près. J'ai déjà accordé de la valeur à cette illustration, car j'avais juste besoin de trouver un moyen de distinguer la silhouette de l'arrière-plan. Donc, les lumières et les ténèbres, tous les gris entre les deux, du noir à la valeur la plus lumineuse Ici, j' utilise en quelque sorte mon arrière-plan comme ton intermédiaire Je n'utilise donc pas le blanc complet. Je n' utilise peut-être même pas nécessairement le noir. En règle générale, je n'utilise jamais de blanc pur ou de noir pur. C'est un peu compliqué à expliquer. Mais je dirais que vous obtiendrez plus de pop et de réalisme si vous vous en tenez à des teintes de gris, de noir ou de blanc, comme le blanc des dents ou le blanc de vos yeux Ce ne sera jamais d'un blanc pur. La valeur est donc essentiellement la façon dont vous définissez l'éclairage, ce qui donnera également plus de définition à votre sujet. Vous voulez jouer avec le contraste. Le contraste signifie une plus grande différence de valeurs. Si le contraste est élevé, cela permet d'obtenir plus de profondeur dans votre image. Vous pouvez donc représenter la distance en fonction des valeurs ou du niveau de contraste Donc, plus loin, je l' ai juste plus pâle. Plus près de nous, il fait plus sombre. J'entends par là les différents niveaux de profondeur, comme le premier plan, les choses les plus proches de nous, milieu du plan, les choses les plus éloignées de nous, et l'arrière-plan ou le fond, les choses les plus éloignées de nous Donc, si vous avez une valeur donnée et qu'il y a une plus grande différence, exemple si elle est beaucoup plus claire ou beaucoup plus foncée que la première valeur, alors c'est un contraste élevé. Et puis, étant donné une valeur puis une autre valeur qui n'est pas si différente de celle-ci, le contraste sera plus faible. 6. Couleurs: Les couleurs sont une toute autre balle à jongler. Combiner les couleurs et la valeur lorsque vous faites des illustrations peut rapidement devenir compliqué, mais vous pouvez isoler ces éléments Bien entendu, vous pouvez réaliser des études de valeur, comme dans le cas d'illustrations en noir et blanc ou en niveaux de gris pendant un certain temps au début. Et plus tard, vous pourriez vous familiariser avec les couleurs ou simplement faire des études sur les couleurs. Donc, je vous recommande de commencer par choisir vos propres couleurs. Les valeurs, comme les lumières et les ténèbres, contrastent les lumières par rapport aux ténèbres Avec les couleurs, elles contrastent entre le chaud et le froid. En ce qui concerne les combinaisons de couleurs, vous devrez simplement découvrir ou regarder ce que font les autres. Et voyez ce qui fonctionne. C'est une question de goût ou simplement une question de fonctionnement. Par exemple, je suis moi-même beaucoup plus friand des couleurs tertiaires. Donc, si vous regardez la roue chromatique, ce sont les couleurs qui sont mélangées deux fois. Les couleurs primaires sont le rouge, le jaune, le bleu, et les couleurs secondaires sont l' orange, le vert et le violet. Et puis, lorsque nous mélangeons à nouveau toutes ces couleurs, vous obtenez vos couleurs tertiaires. J'aime beaucoup les couleurs pastel cyber-punky. Et ce n'est pas parce que, par préférence personnelle, je préférerais m' éloigner des couleurs primaires, comme couleurs primaires pures non mélangées, que vous ne devriez pas essayer de les utiliser. Vous pouvez utiliser les couleurs que vous voulez. Et chaque règle que quelqu'un vous dit, il y a généralement une exception, ou il y a généralement un moyen d'enfreindre la règle, et puis les gens disent : « Waouh, ça marche ». Ou j'aime vraiment ça. Comme dans le cas de l'éclairage ici, il n'est pas nécessaire d' avoir des couleurs froides dans les zones ombragées les plus sombres et des couleurs plus vives étant chaudes. Vous n'avez pas besoin de lumière, il suffit d'être au chaud. Vous pouvez avoir des zones plus claires pour des couleurs plus froides et des zones plus sombres pour des couleurs plus chaudes. C'est un effet différent. Cela dépend vraiment de ce que vous essayez de faire, du type d'ambiance que vous recherchez Pour l'instant, si vous n'avez pas beaucoup d' expérience avec les couleurs, je vous recommande de faire des études. Regardez ce que les autres ont fait s'il y a quelque chose leur palette qui vous impressionne vraiment Vous pouvez copier ce qu'ils ont fait et étudier quelles couleurs ont-ils utilisées ? Où l'ont-ils mis ? À quoi sert la couleur ? Par exemple, est-ce dans les zones lumineuses ? Est-ce dans les tons moyens ? Par exemple, pas de surlignage, mais pas d'ombre non plus. Quand la couleur de peau ressemble-t-elle à la couleur de peau réelle ? Par exemple, où est-ce qu'une nappe blanche a vraiment l' air blanche au lieu de bleuâtre ou d'un bleu plus foncé, peu Mais pour commencer, je dirais qu'il faut choisir chaud et froid, chaud étant les valeurs les plus claires, comme les sources lumineuses étant chaudes, comme le soleil, puis les ombres ou les zones ombragées étant des couleurs froides. Vous pouvez également choisir des couleurs complémentaires. Couleurs complémentaires Il suffit prendre une couleur donnée sur le cercle chromatique, et sa couleur complémentaire se trouve directement sur le cercle chromatique. Et voici votre combinaison de couleurs laquelle vous pouvez essayer de travailler. Donc, essentiellement du jaune et du violet, vert et du rouge, de l' orange et du bleu. Ce sont des exemples de couleurs complémentaires. 7. Saturation: Je dirais que la saturation est plutôt un terme issu de l'art numérique ou des médias visuels numériques. Mais c'est important parce que plus votre couleur est riche, plus il est probable que la version la plus riche de cette couleur ait une apparence plate. Dans la vraie vie ou dans des images plus photographiques, vous avez certainement une plage de saturation plus large, ou je dirais qu'elle est probablement beaucoup moins saturée que, disons, les dessins animés avec un ombrage à cellules plates Pensez aux dessins animés de Disney ou Warner Brothers, comme les vieilles animations de Toti qui ont toutes ces couleurs plates L'orange du bec d'un canard est juste orange et l'herbe est verte Vert-vert. Mais dans la vraie vie, vous n' utiliseriez pas qu'un seul vert. Vous aurez probablement certaines parties d'un brin d'herbe, par exemple, plus saturées ou d'un vert plus riche, puis vous pourriez les répartir sur des parties plus ombragées un brin d'herbe, par exemple, plus saturées ou d'un vert plus riche, puis vous pourriez les répartir sur des de l' Ensuite, vous voudrez peut-être faire pivoter la roue chromatique vers le jaune ou le citron vert s'il est éclairé par le soleil, et vous voudrez probablement atténuer légèrement les couleurs s'il est encore plus éclairé. La saturation contribue également à donner une impression de profondeur. Vous pouvez faire en sorte que les objets paraissent plus saturés de concentrer le spectateur sur une partie de l'image sur laquelle vous souhaitez qu'il se concentre. Je dirais que c'est la maîtrise de la saturation qui distingue les débutants des artistes plus avancés dans l'utilisation de la couleur. Tout comme l'herbe ne doit pas être uniquement verte, un autobus scolaire ne doit pas être uniquement jaune. Un camion de pompier ne doit pas simplement être rouge, comme s'il était complètement saturé. Comme un rouge rose vif. Il y a probablement un tas d'autres teintes ou peut-être que certaines parties pourraient même être bleutées ou violettes. La couleur de peau est un autre très bon exemple. La couleur de peau peut aussi être une gamme incroyable de jaunes, de bruns et même de verts si vous voulez vraiment entrer dans les détails de vaisseaux sanguins ou de vos veines, peu importe, de vos mains, de vos bras ou même du cou et d'autres choses de ce genre du cou et d'autres choses Mais, bien sûr, comme toute autre chose, cela prend juste du temps et beaucoup d'études. Ne vous inquiétez donc pas trop de la saturation. Si vous êtes débutant, si vous voulez vraiment maîtriser la saturation, par exemple en ce qui concerne l'utilisation des couleurs, je vous recommande de faire un tas d'études. Étudiez comment les gens utilisent les couleurs décolorées. Où mettent-ils les couleurs délavées ? Où mettent-ils les couleurs les plus sombres et où mettent-ils les couleurs les plus saturées ? 8. Bords: Maintenant, nous allons passer en revue les limites. Les bords sont très importants. Au fil des ans, j'ai découvert que si j'ai des élèves qui ne connaissent pas les bords, entre les bords souples et les bords durs, soit leurs illustrations semblent trop caricaturales, car ils ne savent pas comment dessiner avec des bords durs soit ils ne savent pas quand utiliser des bords plus durs, tout est doux et tout semble mélangé de la même manière, ou toutes les ombres sont mélangées de la même Donc, pour ce qui est des bords contrastants, c'est doux ou dur. Sont les éléments de base du rendu. Vous voulez donc être capable de rendre des formes telles que des cubes, des cylindres et des sphères afin de comprendre la relation entre les différents composants de ces formes ou objets. Donc, comme une cerise ou une pomme, peu importe ce que je dessine. Il y a un tas de choses différentes avec ça. Et il existe différentes manières de le définir. Eh bien, il y a certainement des zones qui auront des bords durs, comme un objet complètement séparé, comme la tige du fruit, totalement séparé du fruit lui-même, comme la peau ou la chair du fruit. Ainsi, lorsque vous illustrez, disons, un personnage et qu'il porte un chapeau, il fort probable que vous ayez bords durs entre le chapeau, le visage et les cheveux Je pense que les seules fois où ces objets auraient des bords plus doux les uns par rapport aux autres, c'est s' ils sont flous ou s'ils ne sont pas nets. Je dirais que le plus difficile à propos des arêtes est de déterminer dans quelle mesure vous voulez qu'elles soient souples. Par exemple, lorsque vous peignez un portrait et que vous le front ou les joues, il y a une certaine douceur et vous voulez capturer la subtilité des pommettes, des muscles de la bouche ou des tempes du peut devenir dur très vite, et vous pourriez vous retrouver à recalibrer , en durcissant les bords, mais ensuite vous pouvez rendre les pommettes trop tranchantes ou les faire disparaître si vous les estompez Donc c'est certainement le cas. Encore une fois, cela demande beaucoup d'entraînement, et vos pièces plus maîtrisées et plus tranchantes révéleront un tas de détails qui, bien sûr, sont beaucoup plus difficiles à obtenir, comme ce que je viens de mentionner Par exemple, le nez qui dépasse du visage et les arcades sourcilières, la profondeur des yeux, la structure musculaire squelettique d' Les bords peuvent certainement vous aider à définir ces éléments dans votre peinture numérique. 9. Rendu: Le rendu est souvent ce qu'implique une grande partie de la peinture. Par exemple, dans une illustration donnée, la majeure partie du temps est consacrée au rendu. Cela entre donc dans les détails et dans la définition. Donc, ici, j'espère que vous avez principalement consacré les parties importantes de votre illustration. Et je dirais que vous pouvez aller de l'avant , saisir tous les détails et zoomer. Je dirais qu'il faut zoomer progressivement, parce que si vous zoomez complètement , par exemple, sur la main ou la tasse à thé ici ou sur le moi trop rapidement, alors vous ne comparerez pas très bien les proportions. Vous devez vous assurer que la tasse à thé n'est pas énorme, mais qu'elle n' est Donc, dans un premier temps, je recommanderais de rester plus zoomé en arrière. Si vous savez zoomer, assurez-vous que les objets situés dans des zones similaires ont un sens proportionnel Je suis donc consciente que cette partie du tutoriel donne l' impression que je viens de vous donner les deux premières étapes, comme comment dessiner un hibou. OK, fais une forme en U. Maintenant, fais une forme en V ici. Troisième étape, dessinez le reste du hibou. Ici, le rendu, c'est beaucoup. Il existe différentes textures. Vous pouvez voir que j'ai étudié le dessin de figures ou que j'ai étudié le portrait et les vêtements Par exemple, je ne cherche pas vraiment de références parce que j'ai déjà dessiné un tas de robes dans ma vie. Mais d'habitude, comment remédier ce genre d'ignorance , vous savez, comment peindre des bijoux, de la peau tissu ou de la porcelaine, des choses comme ça ? Il s'agit simplement de l'habileté du dessin ou de l'illustration par observation Si vous êtes capable de regarder une référence et extraire les aspects que vous souhaitez, comme la brillance de la soie par rapport à la brillance des bijoux ou le degré de matité de la nappe par rapport à la peau ou quelque chose comme ça Si vous pouvez étudier puis copier le comportement des différents aspects que vous essayez de décrire dans votre œuvre, vous aurez beaucoup plus de facilité. Et si, au fil du temps, vous vous spécialisez dans des domaines particuliers, exemple si vous dessinez beaucoup de chevaux, vous serez probablement très doué pour dessiner des chevaux. Je pense qu'un sujet qui est peut-être assez difficile pour la plupart des gens est celui des armes à feu. Par exemple, c'est quelque chose de particulier. Par exemple, si tu les dessines rarement, alors bien sûr, ça va être assez difficile. Par exemple, le dessiner, le peindre, l'éclairer et s'assurer que la perspective est correcte. Mais si vous dessinez beaucoup d'armes à feu et beaucoup de personnages ou si vous aimez simplement illustrer des armes à feu, par exemple, ce n'est pas une mince affaire. Ce ne sera probablement plus un gros problème pour toi. Mais je dirais que la plupart des gens sont beaucoup plus à l'aise pour dessiner ou illustrer des portraits que personnages complets, sans parler des arrière-plans complets avec Tout se résume à la familiarité et, en gros, temps que vous avez passé à étudier ces sujets ou à essayer de les illustrer vous-même. Et encore une fois, je n' essaierais pas de vous motiver principalement en disant : « Oh, je dois m'assurer que ces cheveux sont corrects ou que cette fleur ressemble vraiment à une fleur veloutée et rosée à pétales et matière en dentelle sur cette robe pour femme ressemble vraiment à de la dentelle et d'autres choses comme ça J'ai l'impression que cela se produira si vous vous concentrez davantage sur l'excitation de nous montrer ce que vous voyez dans votre tête et d'essayer de vous assurer que la fenêtre sur votre esprit est simplement plus vivante. N'oubliez pas que votre œuvre d'art précédente, si vous essayez quelque chose de nouveau ne sera probablement pas aussi belle. À moins que vous ne soyez déjà doué observation et pour extraire l'essence que vous vouliez d' N'ayez donc pas peur d'utiliser des références. Les professionnels le font tout le temps. Ne prenez pas votre travail trop au sérieux. Je veux dire, c'est autre chose si votre vie en dépend parce que c'est votre travail. Mais même dans ce cas, cela détruit en quelque sorte l'essentiel car ne créons-nous pas de l'art pour le plaisir ? Concentrez-vous donc davantage sur votre niveau de compétence moyen plutôt que sur chaque élément individuel qui pourrait vous embêter et que vous allez vous dire  : Oh, vous devez encore travailler là-dessus et vous ne pouvez pas passer à autre chose tant que vous n'avez pas maîtrisé l' anatomie , l'éclairage, les couleurs, les poses, etc. 10. Conseils pour la direction artistique: Suivez le courant, et si vous voulez explorer quelque chose, faites ce que vous voulez. N'ayez pas votre propre routine artistique, votre processus de création artistique soit dicté par ce que vous pensez devoir faire, surtout s'il s'agit d'un passe-temps Essayez de vous faire une idée du flux de ce qui vous tient à cœur plutôt que de faire ce que vous pensez que les autres attendent de vous J'ai vécu cette expérience. J'ai vécu cette différence à l'école d'art Je me rappelle avoir détesté à peu près tout mon travail parce que je consultais une liste de contrôle, une liste de contrôle invisible, en gros, pour essayer d'obtenir une note, ce qui est une terrible source de motivation pour un Les notes n'ont pas d'importance dans le monde de l'art. Je dirais que d'une manière que j'ai toujours voulu maîtriser, l'objectif est la connexion. Les compétences techniques peuvent être importantes et peuvent vraiment dépendre du type de public auquel vous essayez de vous adresser. Mais je dirais que l' objectif principal devrait être la connexion. Votre image est-elle claire ? Pas seulement sur le plan technique, mais aussi sur le plan de l'expression, l'énergie, de l'histoire. Vous êtes fasciné ou plus curieux ce personnage ou cette illustration que vous voyez ? Je veux dire, pensez à tout ce que les illustrations peuvent faire. Les gens disent qu'il ne faut pas juger un livre par sa couverture, mais de qui se moque-t-on ? Les gens achètent certainement des livres juste pour la couverture. Probablement. Et les gens lisent des comics. Les gens aiment acheter des livres illustrés. Je veux dire, surtout de nos jours, allez, les gens lisent de moins en moins de documents longs ou en consomment de moins en moins. Et c'est probablement ce qui empêche les gens de faire défiler la page n'importe où, que ce soit sur les réseaux sociaux, sur des photos ou , mieux encore Je tiens donc à souligner qu'en tant qu'illustrateur numérique, vous n'avez pas besoin de trop travailler Il n'est pas nécessaire de rendre chaque bit de l'image. Principalement axé sur le rendu des zones où le spectateur doit être plus concentré ou sur la zone laquelle vous souhaitez que le spectateur soit le plus concentré. Parce que pensez-y de cette façon. Si vous regardez un film, ne voulez pas qu'il y ait une tonne de bruit ou une tonne de détails partout. Habituellement, vous voulez voir clairement le personnage ou le sujet sur lequel vous vous concentrez dans une narration claire Donc, dans une illustration comme celle-ci, je me concentrerais simplement sur le visage et, vous savez, sur le torse et sur tout ce qui est important, comme la tasse de thé Et n'oubliez pas qu'à distance, détails ont tendance à s'estomper. Donc, à moins que l'appareil photo ne se concentre sur la distance et ne brouille pas le premier plan, l'arrière-plan ne devrait pas comporter une tonne de détails D'habitude, vos yeux ne seront pas capables de distinguer exactement les fils du chapeau de cette personne au loin. Tu n'as pas besoin de faire tout ce travail. Et c'est comme des arbres au loin. Ne voyez pas les feuilles individuelles. Tu vois juste des taches d'arbre. Maintenant, quant au niveau de rendu, détaillé ou net, je dirais que cela dépend vraiment de vous. Je dirais qu'il faut au moins rendre les parties suffisamment pour que les objets et/ou les actions soient reconnaissables. Ils sont clairs pour le spectateur. Votre message est très clair. Votre image est explicite et vous n'avez pas besoin vous placer à côté d'elle pour expliquer ce qui se passe. Si vous décidez de faire du rendu et de passer beaucoup de temps sur chaque mèche de cheveux, chaque mèche de cheveux chaque goutte de thé ou chaque pétale sur toutes les fleurs et autres choses, cela dépend vraiment de vous, et j'espère que vous le faites parce que vous le voulez et que vous trouvez cela amusant, j'espère Mais sinon, je dirais le strict minimum, selon votre objectif, s'il s'agit d'une commande ou s' il s'agit de votre projet personnel. S'il s'agit de votre projet personnel, vous n'avez même pas besoin de terminer quoi que ce soit. Et surtout en tant qu'amateur, votre travail inachevé peut certainement encore Même en tant que professionnel, mais en tant que professionnel, il est certainement beaucoup plus important de terminer votre travail. Mais oui, j'essaie de t'amuser et de ne pas le prendre trop au sérieux. Ne travaillez pas dur juste pour le plaisir. Si cela ne vous convient pas, alors ne le faites pas. Vous n'êtes pas obligé de rendre tous les fils des vêtements. Vous n'êtes pas obligé de dessiner, vous savez, toutes les nervures des feuilles des fleurs. Travaillez simplement sur les parties qui vous apportent de la joie. Merci beaucoup d'avoir regardé ce tutoriel. Et n'oubliez pas de vous amuser.