Peindre les ombres et les lumières : Les bases pour les portraits et les personnages

1. Introduction: Aujourd'hui en classe, nous explorerons l'éclairage peintures de potraits dans des illustrations de personnages. La lumière est un sujet énorme, mais dans cette classe, nous allons la diviser en parties gérables pour améliorer nos connaissances et faire de meilleures œuvres d'art. Vous apprendrez à repérer les motifs, les formes et les tendances de la lumière afin que vous puissiez prendre meilleures décisions artistiques dans vos dessins et peintures. Nous parlerons des différents tons de peau, des différents types de sources lumineuses, et de leur incidence sur les couleurs de nos sujets. Nous examinerons des tonnes d'exemples, de l' éclairage au soleil, de la lumière nuageuse, de la lumière de la fenêtre et de la lumière électrique. Nous allons également examiner les angles d'éclairage courants qui fonctionnent magnifiquement pour les portraits et les illustrations de personnages. Je vais vous montrer comment je mélange et obtenir des bords souples avec certains de mes médiums préférés y compris des marqueurs, des outils de peinture numérique, peintures à l'huile et des pastels à la craie douce. Nous parlerons également de quelques effets d'éclairage vraiment accrocheurs que vous pouvez utiliser dans vos pièces. Nous explorerons la lumière tamponnée, la dispersion sous la surface, comment obtenir cette lueur dans vos pièces, et bien plus encore. Vous serez en mesure de regarder les techniques de démonstration pour l' éclairage des personnages dans quatre scénarios d'éclairage différents. Je vais également partager mon processus de pensée et mes méthodes pour peindre stylisés et des portraits plus réalistes. De la classe, vous partirez avec des tonnes de documents de référence et ressources qui vous aideront à consolider votre compréhension de l'écriture. Je suis tellement excité de partager ce cours avec vous tous. J' espère que vous vous joindrez à moi. Alors, sortez votre médium préféré et sautez en classe. 2. Termes et idées: Cette classe portera sur les motifs de repérage. La lumière est prévisible lorsqu'il s'agit d'une source de lumière sur le visage. Vous verrez des motifs en forme se répéter d'un visage à l'autre. Alors, dans ce cours, je vais m'en tenir à ce que je sais. Plutôt que de vous faire assister à un cours où nous parlons de la science de la lumière, je vais m'en tenir à ma perspective artistique. Ce sera une classe d'éclairage très observationnel. Je laisserai donc l'aspect scientifique de la lumière aux professeurs qui peuvent l'expliquer beaucoup mieux que je ne pourrais. Si tu es un débutant, je veux que tu saches la langue que je parle ici. Alors passons en revue certaines choses dont je parlerai en classe pour que vous sachiez de quoi je parle. Vous m'entendrez beaucoup parler des avions de la tête dans cette classe. C' est essentiellement une conceptualisation artistique de la tête qui aide à simplifier les formes du visage, ce qui facilite la peinture. Au lieu de regarder la tête et d'essayer de comprendre tout cela, vous pouvez le décomposer d'abord en revendications simples. Cela peut vous aider à capturer l'effet d'éclairage sur la tête. Nous allons aller beaucoup plus là-dedans dans la prochaine vidéo. Quand je parle des températures de couleur dans cette classe, je parle de la chaleur ou de la fraîcheur d'une couleur. couleurs plus chaudes, lorsqu'elles sont liées à toutes les autres couleurs, sont les rouges, les oranges, jaunes et les verts chauds. Les couleurs plus froides ont tendance à être les verts frais, les bleus et les violets. Il est important de se rappeler qu'une couleur peut aller à la fois chaude ou fraîche. Comme ici, nous avons un jaune plus frais et ici nous avons un jaune plus chaud. La couleur est relative. Ce jaune est plus proche d'un vert et celui-ci est plus proche d'une orange. Sur le visage, il y a beaucoup de changements de température qui se produisent. Si l'éclairage est très chaud, les ombres auront tendance à se refroidir. Si l'éclairage est frais, les ombres auront souvent une chaleur en comparaison. Parlons maintenant de la couleur locale. couleur locale est la couleur naturelle d'une chose telle qu'elle apparaît dans la lumière neutre, non affectée par la couleur d'une source lumineuse. La couleur locale de ce citron est jaune. Mais quand nous allumons différentes sources de lumière, la couleur change. Quand le citron est mis sous une lumière bleue, vous pouvez voir ce changement de couleur qui se produit. Ce n'est plus cette couleur locale jaune que l'on pense généralement quand on voit un citron. Lorsque nous le mettons sous une source de lumière chaude, vous pouvez voir comment il change à nouveau. Maintenant, la valeur est la légèreté relative ou l'obscurité d'un objet. Les valeurs sont très importantes quand il s'agit de l'éclairage. changements précis de valeur donneront à votre portrait un aspect 3D, ce qui rend ce qui est 2D sur le papier réel. Nous parlerons également des valeurs de contraste. Ici, nous avons une image avec des valeurs de contraste élevées. Cette image explore toute la gamme des lumières et des sombres. Alors que nous avons ici un faible contraste de valeurs plus subtil, l'image est plutôt verrouillée dans une seule plage de gris particulière. Il est bon de contrôler si vous voulez que vos changements de valeur soient un contraste élevé ou un contraste faible. Maintenant, parlons de la différence entre les sources de lumière directe et diffuse. Quelques exemples de sources de lumière directe sont le soleil, un projecteur ou une ampoule sans abat-jour. Les sources de lumière directe ont tendance à faire une distinction claire entre la lumière et l'ombre. n'y a rien entre la source de lumière et le sujet pour diffuser ou adoucir la lumière. Ainsi, les formes de lumière et d'ombre sont plus faciles à repérer. La qualité de bord entre la lumière et l'ombre dans un scénario d'éclairage direct est difficile. Les valeurs de contraste sont supérieures à celles d'un scénario d'éclairage diffus. Les sources lumineuses diffusées sont des sources lumineuses qui ont une sorte d'agent adoucissant devant elles, ce qui donne un scénario global plus doux que nos exemples précédents d'éclairage direct. Un excellent exemple de scénario d'éclairage diffus est à l'extérieur par jour nuageux. Le soleil est toujours là, mais il est maintenant diffusé par une couverture de nuages. Maintenant, la lumière vient de toutes les directions différentes à la fois, ce qui entraîne cet effet adoucissant et moins de contraste avec les valeurs. Souvent, les photographes utilisent des boîtes souples ou des parapluies pour avoir la possibilité d'utiliser un éclairage plus doux ou plus diffuse dans leurs studios. Certains types de portraits seront plus flatteurs avec l'éclairage doux. Dans une situation d'éclairage diffus, il est plus difficile de faire la différence entre ce qui tombe dans la lumière et ce qui tombe dans l'ombre. Vous pouvez plisser votre référence pour aider avec cela. Mais si vous êtes débutant, vous trouverez peut-être plus facile de vous entraîner à dessiner des portraits dans scénarios d'éclairage direct pendant que vous apprenez d'abord parce que les formes de lumière et d'ombre sont beaucoup plus faciles à repérer. Vous aurez probablement une expérience plus agréable à dessiner un scénario d'éclairage direct, car vous pourrez voir les formes de valeur plus facilement. Ainsi, vous obtiendrez plus rapidement cet effet 3D satisfaisant. Vous entendrez les photographes parler de leur lumière clé. Ils font référence à la source de lumière principale qu'ils utilisent. La lumière clé ou la lumière principale est ce qui forme les formes du visage. En plus de la source de lumière clé, les photographes utiliseront une source de lumière de remplissage. Ce type de lumière est utilisé comme source lumineuse secondaire, subordonnée à la lumière principale. Les lumières de remplissage sont généralement utilisées pour rebondir l'éclairage doux dans l'ombre. La lumière de remplissage peut être une grande source de lumière diffuse ou il peut même être un gros morceau de tableau blanc. Jetez un oeil à ce tableau blanc. Voyez comment la lumière principale frappe la planche , puis cette lumière rebondit dans l'ombre. Lorsque les objets rebondissent leur couleur et leur lumière dans le sujet, c'est ce que nous appelons dans le monde de la peinture lumière réfléchie. Voyez comment ces papiers colorés peuvent rebondir de belles couleurs aussi. Chaque objet qui reçoit de la lumière devient une autre source de lumière. Pas aussi fort que le premier, mais assez fort pour pousser sa couleur et sa lumière sur les zones environnantes et les ombres. Vous verrez souvent des chemises colorées refléter lumière et la couleur dans le bas du visage. Il est bon de comprendre les bases de la lumière et de l'ombre sur une balle. Cela vous aidera lorsque vous essayez de rendre d'autres choses rondes comme la tête ou la boule du nez. Dans ce scénario d'éclairage direct, nous obtiendrons une série de tons prévisibles. Si nous dessinons tous ces tons en relation les uns avec les autres, nous pouvons réaliser cette réalité 3D dans nos dessins. Il y a donc de la lumière et de l'ombre. Ces formes sont les premières choses essentielles que nous devons nous entraîner à voir. Lorsque vous plissez les yeux vers le bas, vous pouvez voir ces formes plus facilement. Maintenant, étudions ce côté de la lumière. Il y a quelques tons à connaître dans la lumière. Le point culminant sera le point le plus léger. C' est le reflet de la source lumineuse elle-même. Les faits saillants ne sont pas toujours blancs. Donc, quand vous allez les peindre, vous pouvez essayer d'expérimenter avec d'autres couleurs claires aussi. Maintenant, si vous pouvez, imaginez cette balle comme ayant des avions à facettes. Le plan le plus orienté vers la lumière est appelé la lumière centrale. Alors que l'avion commence à se déplacer de plus en plus loin et loin de la source lumineuse, ils ne sont que partiellement touchés par la lumière. Ainsi, les valeurs se déplacent progressivement de plus en plus sombres. C' est ce qu'on appelle les demi-teintes. Maintenant, le bord que vous voyez lorsque le formulaire passe de la lumière à l'ombre s'appelle le terminateur. C' est une transition assez rapide dans ce scénario de lumière directe. Maintenant, enquêtons sur ce côté plus sombre. Les ombres se décomposent en deux parties principales : l'ombre de forme et l'ombre coulée. Les ombres de forme sont celles qui se trouvent sur la forme elle-même alors que les plans font face loin de la source lumineuse. Dans l'ombre de la forme, vous trouverez parfois ce qu'on appelle l'ombre du noyau. C' est la partie la plus sombre de l'ombre de forme. Vous trouverez également la lumière réfléchie dans l'ombre de forme. Cela se produit parce que la source de lumière frappe également la table et la transforme essentiellement en source de lumière secondaire. Voyez comment ce papier rose réintroduit la lumière et la couleur dans le bol. Maintenant, les ombres lancées se produisent lorsqu'un formulaire empêche la lumière de frapper un autre formulaire. Dans ce cas, la balle empêche cette partie de la table de recevoir la lumière directe de la source. Vous remarquerez cependant qu'un peu de lumière réfléchie rebondissant autour de la pièce peut rebondir dans l'ombre projetée. Donc, comme vous pouvez le voir, c'est un peu plus léger en valeur ici qu'ici. Cet espace où la balle rencontre la table est petit. Il est donc difficile pour n'importe quelle quantité de lumière d'y entrer. Cette obscurité ici est appelée l'ombre d'occlusion. ombres d'occlusion, j'ai trouvé, font bien quand on peint un orange brun chaud sur un portrait. Les formes de la lumière et de l'ombre vont changer au fur et à mesure que nous nous déplacons autour de la source lumineuse. Au fur et à mesure que nous éloignons la source, ombres projetées s'allongent. Mais avec une source de lumière directe, ces tons de base prévisibles restent dans la même relation les uns avec les autres. Fondamentalement, que vous restiez une balle dans une touche haute ou dans une touche basse, les relations entre ce qui est le plus léger et ce qui est le plus sombre resteront les mêmes. Si vous souhaitez étudier cela plus loin, vous pouvez acheter des formes géométriques en ligne, les peindre différentes couleurs, puis les peindre sous différentes sources de lumière. bords durs exigeront l'attention de vos spectateurs, tandis que les bords flous seront un endroit où les yeux de vos spectateurs pourront se détendre et s'écouler le long de la pièce. Expérimentez avec différents bords, rendant certains tranchants et d'autres doux et flous. Cela donnera à votre pièce un aspect pictural, un sens de la profondeur et un élément de réalité parce que nos yeux humains ne voient pas tout et ne concentrent pas tout ce qu'ils veulent. Donc, essayez de jouer avec les bords, même si cela signifie changer ce que vous dit la référence de la photo, car les caméras capturent généralement tout en netteté. La qualité du bord autour des cheveux est l'un des endroits les plus amusants à expérimenter. Habituellement, vous verrez des bords plus durs autour des coins de la tête, puis des bords plus doux lorsque vous vous déplacez vers le bas de la longueur des cheveux. Les bords souples peuvent en fait être trouvés là où deux objets touchant ont une valeur similaire. Ils coulent naturellement les uns dans les autres. Donc tu peux saisir ça dans ta peinture. N' ayez pas peur de laisser les choses indéfinies. Recherchez également les zones où deux arêtes touchantes ont des valeurs radicalement différentes. Ce sont de grandes zones pour améliorer la netteté. Pour rendre une arête nette, utilisez un contraste plus élevé entre les valeurs et le marquage décisif. Utilisez un pinceau tranchant, marqueur fin ou un crayon aiguisé pour vous aider à faire le travail. Avoir des bords durs et souples peut donner à votre morceau de rythme visuel et cela rend une peinture excitante pour continuer à regarder dehors. 3. Plans du visage: Certaines situations sont mieux adaptées pour commencer par un croquis détaillé, mais le plus souvent, je trouve que l'approche la plus simple pour commencer un portrait et des médiums de peinture est de faire un croquis rapide pour le placement, puis sauter droite dans les grandes masses de couleurs et plans de la tête. C' est la tête simplifiée en plans par l'artiste Andrew Lemus. Penser avec la mentalité d'un avion, nous aide à penser à la tête en 3-D. Penser de cette façon peut nous conduire à une structure solide à la tête. Ce ne sera pas plat, mais crédible parce que vous avez pris en compte les virages 3D des formes de la tête. Regardez ces tableaux de John Singer Sargent. Vous pouvez dire qu'il a pensé en trois dimensions. Il ne pensait pas à la tête en deux dimensions sur la toile, mais il pensait à la tête tout autour. décomposition de nos sujets en plans nous donne également une façon simplifiée de visualiser la grande déclaration d'éclairage. Avec toutes les complexités du visage simplifiées, il est plus facile de concevoir la lumière. Dans une situation d'éclairage donnée, chaque avion est à la ligne de la source lumineuse légèrement différemment. Ainsi, chacun de ces changements de plan entraînera un changement de couleur ou de valeur. Cela peut être un changement presque imperceptible ou un changement évident, selon l'avion et la source lumineuse. Le front peut être décomposé en trois plans principaux, un plan central avec des plans latéraux à deux angles. Cela se connecte à cette forme de clé de voûte ici entre les yeux et deux plans oculaires. Le nez peut être décomposé en un plan avant, deux plans latéraux qui s'inclinent, puis deux plans d'aile du nez supérieur, deux plans d'aile inférieurs où se trouvent les narines, et un plan inférieur. À la pommette, vous pouvez dessiner trois lignes imaginaires. Un pour le masseter, le muscle à mâcher ; un pour le menton ; et un pour l'endroit où vous imagineriez que la dent canine pointue atterrisse. Cela crée huit autres plans, tournant la tête de l'avant vers les côtés. La bouche peut également être décomposée en plans, le plus simple étant la lèvre supérieure orientée vers le bas et la lèvre inférieure orientée vers le haut. Mais vous pouvez aussi le décomposer en six plans plus petits comme celui-ci. Ce sont les principaux changements d'avion que je considère lorsque je commence sur un portrait. Puis au fur et à mesure que je roule, je commence à considérer les changements d'avion plus petits, autour de la bouche, du menton et sur le cou. Dans une vue droite, les plans orientés vers le haut, également connus sous le nom de plans supérieurs, sont les plans qui sont généralement orientés vers le haut. Les plans orientés vers le bas, également appelés sous les plans, sont généralement orientés vers le bas vers le sol. Si vous avez du mal à déterminer si quelque chose est un plan orienté vers le haut ou un plan orienté vers le bas, mettez vos mains sur ce plan sur votre propre visage, puis tirez-le directement dans la même direction. Si vous pouviez continuer le chemin de votre main pour toujours, cela finirait-il par frapper le ciel ou le sol ? Vous serez en mesure d'obtenir une structure vraiment agréable à la tête quand vous la décomposer en plans comme celui-ci. Un bon exercice, vous pouvez essayer de solidifier cette idée est de dessiner les plans de la tête au-dessus des photos. Une fois que j'ai parcouru un magazine entier et fait ça et c'était vraiment utile pour moi. Cela vous aidera à commencer à penser en 3D, mais vous commencerez également à remarquer les changements de couleur et de valeur qui se produisent d'un plan à l'autre. Ces changements de couleur d'un plan à l'autre sont ce qui va nous donner notre principal effet d'éclairage lorsque nous commençons à peindre. Dans cette classe, je vais surtout couvrir le portrait adulte, mais ces mêmes plans peuvent être appliqués à n'importe quel âge, race ou sexe, juste avec des proportions différentes et de légères variations par rapport à la direction de l'avion. Ces avions ne sont cependant que le point de départ. Une fois ces couleurs obtenues, vous devrez ajouter des couleurs de transition ou appliquer une autre technique de mélange pour faciliter l'écoulement d'un plan dans le suivant. Cela transformera votre dessin de robot en humain, mais nous en parlerons plus à ce sujet dans la vidéo des techniques de mélange plus tard dans la classe. 4. Tons de la peau: teint de peau d'une personne est vraiment important parce que c'est l'une des couleurs principales avec lesquelles vous allez travailler sur un portrait. C' est une bonne idée d'apprendre à mélanger les tons de peau dans les médias que vous choisissez. Si vous travaillez avec un support traditionnel, vous trouverez peut-être une bonne idée d'essayer de copier votre propre couleur de peau dans un éclairage neutre, et de prendre note des couleurs que vous utilisez pour vous aider à obtenir le mélange que vous obtenez. Nous obtenons la meilleure représentation de la couleur locale d'une peau sous un éclairage doux neutre. Bien sûr, lorsque nous commençons à introduire des sources lumineuses plus chaudes ou fraîches, comme nous le découvrirons, la couleur de la peau et la lumière dans l'ombre changent. Mais, connaître les bases du mélange des tons de peau de couleur locale sera un excellent endroit pour commencer. Vous pouvez également consulter les références. maîtres peintres sont formidables à étudier. Sergent, Bouguereau, Zorn, ou même certains des maîtres modernes. Si vous mélangez avec des pigments, un bon point de départ pour les teintes moyennes est rouge cambium plus l'ocre jaune plus le blanc titane plus le bleu roi ou le bleu aigue-marine. Mais, plutôt que de toujours coller à une recette de mélange, prenez le temps d'observer chaque teint de peau et d'expérimenter avec d'autres combinaisons. Si vous pouvez sortir à une session de dessin en direct et peindre de la vie, c'est l'un des meilleurs moyens d' améliorer rapidement tous les aspects de vos compétences en dessin et en peinture. Il y a quelques choses à considérer lors de la détermination de la façon de peindre la peau de quelqu'un. D' abord, vous pourriez considérer quelle est la valeur ? Quelle est la lumière ou l'obscurité de leur peau ? Deuxièmement, quelle est la teinte générale ? Nous avons tous nos bases dans une teinte marron orange. Mais pour aller plus loin, ont-ils une peau d'unité rose ou rougeâtre ? Ou ont-ils un ton jaune ou vert ? Ou n'y a-t-il pas de sous-ton distinctif ? Faites des comparaisons avec d'autres couleurs pour vous aider à décider. Certains tons de peau s'orientent davantage vers des tons rosâtres ou rougeâtres tandis que d'autres ont des nuances dorées ou d'olive. Enfin, qu'est-ce que la saturation de leur peau ? Ont-ils un teint plus sourd, ou leur peau est-elle très riche et saturée ? Trouver des réponses à ces questions peut vous conduire à peindre de meilleurs tons de peau. Continuez à expérimenter, ajuster et ajuster chaque composant de couleur au fur et à mesure que vous mélangez. Une grande couleur de peinture pour mélanger toutes sortes de tons de peau est le rouge oxyde transparent. Vous pouvez obtenir beaucoup de très beaux mélanges de tonus de la peau lorsque vous expérimentez avec cette peinture. décomposant la teinte un peu plus loin, vous verrez parfois des changements de teinte qui se produisent entre ces zones du visage. Sur les tons de peau clairs à moyens, souvent la zone médiane où se trouvent les joues et celles, aura une teinte plus rouge ou rose. C' est le plus évident à voir, je pense. Sur le tiers inférieur du visage autour de la bouche sa mâchoire, vous pouvez voir une teinte bleuâtre ou verdâtre. Ceci est généralement plus visible sur les hommes qui ont une ombre de 5 heures. Parfois, la zone supérieure du front est plus jaune ou dorée par rapport aux deux autres zones. Explorez cette idée au cas par cas, et observez s'il y a de nouvelles variations entre les zones du visage de votre sujet et certaines teintes de peau foncées. J' ai personnellement remarqué que la zone du milieu peut en fait aller plus dorée que les teintes en rouge. Donc, soyez vigilant aux changements et se balancer de cette idée en fonction du teint de la peau. Prendre la teinte encore plus loin sur tous les tons de peau peut être beau d'expérimenter avec la couleur cassée. La peau ne devrait pas être d'une couleur uniforme. Vous pouvez placer différentes teintes l'une à côté de l'autre pour aider à capturer cette sensation de lumière et de couleur. Ici, le teint de la peau est une valeur moyenne avec des nuances jaunes et orange. C' est aussi un teint assez saturé, mais nous pouvons ajouter encore plus d'énergie au teint de la peau en utilisant la couleur cassée. En zoomant, vous pouvez voir comment j'ai dansé des roses et des violets plus froids à travers cette zone pour aider à ajouter de la vivacité à la peau. J' ai également dispersé quelques couleurs brisées dans ce portrait pour aider à mieux montrer la sensation de lumière et de couleur. Essayez de garder la valeur la même pour que rien ne surgisse soit trop clair ou trop sombre. Il suffit de déplacer la teinte autour de la roue de couleur et d'essayer de sauter quelques nouvelles couleurs sur vos tons de peau pour les égayer. Une note rapide sur le travail numérique, travailler avec la douleur numérique est beaucoup plus facile pour les couleurs parce que vous pouvez choisir la couleur directement à partir de l'image. Parfois, je vais aller de l'avant et jouer avec les réglages de couleur et Photoshop si je pense que cela me donnera des couleurs plus agréables visuellement. Ici, j'aime vraiment l'effet de la saturation heurtée afin que nous puissions voir ces belles couleurs dans l'ombre. Expérimentez avec les couleurs et changez-les à partir de la référence où vous voyez bon, surtout si votre objectif est de faire quelque chose de plus artistique ou réel. L' appareil photo ne peut que vous donner autant d'informations de couleur. Si vous coloriez un personnage de votre imagination, vous voudrez peut-être éviter de peindre sur un fond blanc d' abord parce que la tendance peut être de peindre trop légèrement en valeur, vous laisse peu de place pour les faits saillants. Ainsi, il est souvent plus facile de commencer avec une valeur de ton moyen comme couleur d'arrière-plan. Certains peintres à l'huile tonifieront même leur toile d'abord avec un mélange lâche brun, bleu ou vert. Comme une note pour les peintres numériques, j'ai trouvé que les tons naturels de la peau se trouvent souvent ici dans cette gamme avec la teinte poussée soit plus rouge ou plus jaune. Mais, bien sûr, il y a toujours des exceptions, alors soyez attentif et expérimentez toujours. 5. Sources de lumière: Donc, nous venons de parler de la couleur locale des tons de peau. Mais vraiment, la couleur locale n'est qu'un point de départ, car comme l'exemple de citron plus tôt, nous devons également considérer la source de lumière et la température de couleur de la source de lumière. Les couleurs que nous allons peindre dans les images sont les couleurs locales car elles sont affectées par la source de lumière. Dans cette section, nous allons parcourir les tendances de plusieurs scénarios de lumière courants. Nous comparerons et contrasterons les températures de couleur, les arêtes et les valeurs. Je pense que l'étude de ces scénarios de base nous aidera à créer de meilleures œuvres d'art. Une peinture de portrait ou une illustration de personnage n'a pas besoin d'avoir une tonne de différentes sources de lumière pour devenir une grande pièce. Vraiment, un scénario de lumière simple sera beau, alors envisagez d'étudier ces scénarios, puis continuez à explorer d'autres à partir de là si vous le souhaitez. Par une journée ensoleillée et claire, le soleil agit comme une source de lumière directe. Comme le soleil n'est pas diffusé par les nuages, les formes de lumière et d'ombre qui en résultent sur le visage sont assez évidentes pour nous. Les ombres coulées ont tendance à avoir une qualité de tranchant plus dure et les valeurs du portrait sont généralement très contrastées. La température de couleur de la lumière du soleil extérieure vous donnera généralement une chaleur dans la peau dans la lumière et une fraîcheur dans les ombres. Ceci est le plus clairement vu au lever et au coucher du soleil. À ces moments, la lumière sera de qualité rouge orange dans la lumière et le violet bleu froid dans l'ombre. Lorsque vous regardez une personne à l'extérieur, vous devez également tenir compte de son environnement. Le soleil frappe à la fois le ciel et tout le reste du monde, sorte que ces choses deviennent des sources de lumière secondaires, subordonnées au soleil lui-même, mais des sources de lumière tout de même. Dans cette situation où vous voyez le bord des cheveux brille de lumière, cela signifie que la personne est face loin de la source de lumière directe, le soleil. Mais comme vous pouvez le voir, son visage est encore illuminé. Mais comment, si elle est face loin du soleil ? Dans ce genre de situation, lumière directe du soleil n'atteint que l'arrière d'elle, mais son visage est en fait éclairé par des sources lumineuses secondaires, principalement le ciel et le sol. Les plans orientés vers le haut dans la zone d'ombre sont affectés par la lucarne et la couleur, et ont donc une qualité bleue pour eux. Les plans orientés vers le bas sont affectés par la lumière et la couleur du sol, qui est typiquement chaud, car c'est généralement de la saleté, sable, un trottoir ou de l'herbe verte chaude. Donc, chaque fois que vous voyez la situation où le dos d'une personne est au soleil, vous obtiendrez cette fraîcheur sur les plans orientés vers le haut, du front, du sommet des joues, du pont du nez, du haut des lèvres et du haut du menton. Ensuite, vous verrez une chaleur sur les plans orientés vers le bas, le plan entre les yeux, le bas du nez, le bas des joues, juste en dessous de la lèvre inférieure ici et le bas du menton. Cela se poursuit le long du cou, poitrine et éventuellement du corps de la même manière, avec des plans orientés vers le haut ayant une fraîcheur et les plans orientés vers le bas ayant une chaleur. C' est vraiment incroyable quand on commence à le voir dans la vraie vie, dans les images et dans les films. Je me souviens avoir regardé des films et vu ça tout le temps quand j'ai appris ça pour la première fois. C' est un très bel effet qui se produit dans la vraie vie et qui se traduit très bien par l'art du portrait aussi. Le soleil est la principale source de lumière lors d'une journée claire et ensoleillée. Donc, gardez cela à l'esprit, rien dans l'ombre ne sera plus léger en valeur que la lumière forte. L' éclairage couvert est essentiellement le soleil bloqué par une couverture de nuages épais. C' est un scénario d'éclairage diffus comme on l'a dit tout à l'heure. Avec une lumière nuageuse, la lumière vient de plusieurs directions en même temps. Par conséquent, les transitions de valeur de la lumière à l'ombre deviennent significativement plus douces. Le contraste entre la lumière et l'ombre n'est plus intense et dramatique, mais plutôt très progressif. Les bords des ombres projetées sont beaucoup plus doux que dans un scénario de lumière directe du soleil. N' oubliez pas de plisser vers le bas pour trouver la distinction entre les zones frappées par la lumière et les zones tombant dans l'ombre, cela vous aidera à mieux les peindre. À mon avis, la lumière par jour nuageux a tendance à se refroidir dans la lumière et à être plus chaude dans l'ombre. Souvent, j'ai vu des tons roses ou violets sur les lumières et des verts orangés chauds apparaissant dans l'ombre. Si vous aimez peindre de la vie, un bon moyen d'obtenir un éclairage naturel relativement cohérent à l'intérieur, est de peindre par une fenêtre. Les portraitistes travaillant à l'intérieur aimeront souvent travailler dans un studio de lumière du Nord. lumière venant du nord a été acceptée comme la plus cohérente tout au long de la journée, sans que la lumière directe du soleil ne se répande. Si vous peignez ces fleurs de la vie, par exemple, ces formes d'ombre continueraient à se déplacer tout au long de la journée, ce qui les rend difficiles à épingler dans votre dessin. Mais ces formes d'ombre resteront assez cohérentes tout au long des dernières heures de la journée, vous offrant beaucoup de temps de travail. lumière de la fenêtre vous donnera généralement une fraîcheur dans la lumière et une chaleur dans l'ombre, mais elle est sujette à changer en fonction de ce qui se trouve à l'extérieur de la fenêtre. Avec une fenêtre plus petite, la différence entre la lumière et l'ombre sera plus spectaculaire, avec des ombres plus intenses et des bords plus nets. Avec une fenêtre plus grande, la différence sera plus douce, avec des transitions plus progressives entre la lumière et l'ombre. Une fenêtre de taille moyenne, probablement typique de la plupart des scénarios d'éclairage de fenêtre, atterrit quelque part entre les deux, avec les transitions pas trop douces mais pas trop difficiles. Mais la distance du sujet par rapport à la fenêtre elle-même fera également une différence ici. Donc, être observateur sera toujours la clé. La lumière de fenêtre orientée vers le nord est un moyen confortable de peindre de la vie tout en ayant un scénario d'éclairage relativement cohérent. Vous pouvez configurer une nature morte pour faire une étude de couleur, faire un autoportrait ou même demander à un ami de s'asseoir pour vous. Face à votre modèle plus dans la lumière, vous pouvez obtenir des tons de peau doux très flatteurs. Pour trouver les fenêtres de votre maison qui sont le plus orientées vers le nord, vous pouvez utiliser une boussole ou une application boussole sur votre téléphone. Il existe tellement de types différents d'ampoules électriques dans le monde. Donc, pour simplifier, commençons simplement par différencier les températures de couleur les plus courantes. Avec l'éclairage électrique, les plus courants que vous verrez sont les lumières chaudes orangées ou jaunes, les lumières blanches neutres et les lumières bleues fraîches. Un éclairage chaud est souvent vu dans la maison. Cela donne un sentiment de chaleur et de confort qui est logique pour un usage domestique. Lorsque vous voyez ce type d'éclairage électrique sur le visage, vous verrez des tons chauds orangés dans les tons clairs et plus frais dans les ombres. L' éclairage blanc neutre est souvent trouvé dans des endroits comme les salles de classe. C' est une bonne tâche à la lumière car elle garde les couleurs aussi près que possible de leur couleur locale. Les couleurs de la lumière et de l'ombre sont plus neutres et pas extrêmement évidentes dans leurs différences de couleur. L' éclairage frais est souvent un type d'éclairage plus moderne, souvent vu dans l'éclairage événementiel. Ce type de lumière affichera un bleu dans le teint de la peau dans la lumière et produira des ombres plus chaudes lorsqu'elles sont suffisamment légères pour que nous puissions le voir. Lorsqu' elles ne sont pas diffusées par un abat-jour, toutes les ampoules sont des sources lumineuses directes. Donc, ils produiront généralement des ombres coulées à tranchant dur et les changements de valeur de la lumière à l'obscurité seront assez évidents pour nous de le voir. Mais comme nous le savons, il existe de nombreuses façons de diffuser des ampoules. Par exemple, les dômes sur les ventilateurs de plafond fournissent un peu de diffusion, tout comme les abat-jour. Lorsqu' une source de diffusion comme celle-ci est ajoutée, l'éclairage s'adoucit, produisant des bords plus doux entre la lumière et l'ombre sur le visage et un contraste global plus faible en valeurs. Souvent, les photographes combinent deux à trois sources de lumière électrique dans la même composition, ce qui peut être quelque peu déroutant pour nous d'essayer de disséquer à première vue. Mais avec un peu de patience, on peut le comprendre. Habituellement, ils utilisent une lumière clé, la source de lumière principale pour former le visage, puis ils ajoutent souvent une lumière de remplissage comme lumière subordonnée sur le côté de l'ombre pour ajouter de la couleur et de la lumière dans les ombres, puis ils utilisent parfois une lumière de pièce, qui peut être placée derrière le sujet pour rétro-éclairer la tête ou les cheveux, assurant ainsi une séparation entre le sujet et l'arrière-plan. Les photographes diffusent souvent des sources de lumière électrique avec des parapluies ou des boîtes souples. Comme nous le savons, cela se traduit par un effet plus modéré. Ils utiliseront également des tableaux blancs, comme je l'ai mentionné précédemment, comme sources de lumière secondaires qui refléteront la lumière dans l'ombre, ajoutant des informations à ces formes qui auraient autrement interprété comme une obscurité abrupte. Bien sûr, certains photographes laisseront cette obscurité, car tout dépend de l'humeur de la pièce. situations d'éclairage électrique peuvent devenir extrêmement expérimentales car les possibilités sont infinies et moins simples que certains de ces autres scénarios d'éclairage. Donc, prenez le temps d'enquêter un peu, et essayez de votre mieux pour comprendre ce que vous pensez que la couleur de la lumière est sur la photo, puis les ombres qui en résultent, et comment l'éclairage est dur ou doux, et comment cela affecte les bords entre la lumière et l'ombre. L' utilisation de la lumière du feu, de la bougie, des étincelles ou des lanternes dans votre peinture peut être vraiment belle. Il créera de l'humeur instantanément et fera en sorte que vos spectateurs s'interrogent sur l'histoire de votre sujet. Il y aura de belles oranges chaudes à la lumière des flammes et des bleus frais dans l'ombre, surtout si votre sujet est à l'extérieur avec le ciel au-dessus d'eux. Dans les scénarios de feux de feu, le contraste sera élevé et les formes d'ombre seront assez distinctes. Il est important de noter que parfois les photos ne peuvent pas capturer ces vraies couleurs. Donc, vous aurez toujours envie d'observer la nature pendant que vous traversez votre vie quotidienne, puis vous pourrez ramener certaines des choses que vous avez apprises à votre création artistique. 6. Angles d'éclairage: Vous pouvez déplacer votre sujet et votre source lumineuse sans cesse. Mais dans cette vidéo, je veux vous montrer quelques-uns que vous voyez tout le temps dans la photographie, peintures et les illustrations parce qu'ils se traduisent vraiment bien. Je vais utiliser des termes photographes parfois utilisés pour nous aider comme Willey. L' éclairage papillon se produit lorsque la source lumineuse est au-dessus et légèrement en avant du modèle. Probablement, la forme d'ombre la plus évidente qui est produite dans ce scénario est celle juste sous le nez. Je le simplifie souvent, je le considère comme un triangle à l'envers. Vous verrez aussi les avions autour des yeux tomber dans l'ombre. La lèvre supérieure tombera dans l'ombre, et vous obtiendrez également une ombre coulée sous la lèvre inférieure. Les plans latéraux du visage autour de la mâchoire commenceront également à tomber dans l'ombre. Vous verrez ce genre de forme coulée sur le cou depuis la tête. Comme je l'ai mentionné plus tôt, j'aime peindre des ombres et jeter des ombres ensemble dans une forme quand je le peux, puis trouver leurs subtilités. Ce qui est vraiment cool, c'est que vous pouvez voir ces formes apparaître d'une personne à l'autre. Parce que nous avons tous les mêmes points de base. Une fois que vous mémorisez ces formes d'ombre de base, vous pouvez les utiliser même dans des esquisses imaginatives, et retirer l'apparence de votre sujet éclairé par le haut. L' éclairage papillon fonctionne très bien pour les portraits et les illustrations de personnages. L' éclairage en boucle est un autre qui fonctionne très bien pour les portraits et les personnages. Voyez cette petite boucle d'ombre ici. C' est caractéristique de l'éclairage en boucle. L' ombre projetée depuis le nez va d' un côté vers le bas vers la bouche. Pour obtenir un éclairage en boucle, la source lumineuse est placée au-dessus, puis poussée un peu vers la gauche ou la droite du modèle. Dans un scénario d'éclairage en boucle, ces avions tomberont dans l'ombre. Vous obtiendrez une ombre moulée des lèvres et à nouveau sur le cou formant une forme de triangle. L' éclairage en boucle fonctionne également bien dans une vue de trois quarts. C' est ce qu'on appelle l'éclairage à boucle large car nous sommes exposés à une plus grande partie du côté de la lumière. En allant du côté de l'ombre, nous avons ce qu'on appelle l'éclairage à boucle courte. J' ai vu l'éclairage en boucle large fonctionner particulièrement bien pour les illustrations de personnages. C' est une façon simple et propre d'éclairer vos personnages. Je pense que tous les scénarios d'éclairage en boucle peuvent bien fonctionner pour un travail plus réaliste. Quand vous voyez un triangle sur la joue, vous savez que vous avez affaire à l'éclairage Rembrandt. Pour obtenir l'éclairage Rembrandt, les sources lumineuses placées au-dessus et à gauche ou à droite du modèle, reliant l'ombre du nez à l'ombre des joues. C' est un angle de ligne agréable et digne de confiance de nombreux artistes et portraitistes car il produit des résultats flatteurs. Beaucoup de vieux maîtres peignaient avec la lumière frappant leurs sujets de cette façon. Personnellement, j'ai réservé cet éclairage plus dramatique pour mon portrait plus réaliste, plutôt que pour mes personnages esquissés. Mais expérimentez pour voir ce que vous aimez. L' éclairage fractionné est très dramatique. Avec un éclairage fractionné, la source lumineuse se trouve sur le côté du modèle. Le bord entre la lumière et les ombres divise le visage en demi-lumière et en demi-ombre. L' intensité de cet angle d'éclairage est bonne pour représenter des scènes plus sombres. L' éclairage de jante également connu sous le nom d'éclairage de bord se produit lorsque la lumière est derrière cet objet. Il produit cet effet vraiment dramatique, surtout quand le fond est sombre. Permettre à la lumière de la jante de vraiment éclater. Lorsque la tête est transformée en vue de profil, il est important de garder à l'esprit que le voyant de jante peut ne pas être le même poids de ligne que le long de la face. Les avions plus larges auront plus de terre légère sur eux. Par exemple, la lumière atterrit plus épaisse sur le front que sur le nez. Vous verrez souvent un éclairage de jante autour du bord des cheveux, et cela donne un très bel effet. Il peut également aider à séparer le sujet de votre illustration de l'arrière-plan. Le soulignement peut avoir un grand effet narratif. Elle est obtenue lorsque la lumière est placée devant et au-dessous du sujet. C' est un peu le contraire de l'éclairage papillon. Tous les avions sont éclairés de la manière opposée. Les avions qui sont généralement touchés par la lumière sont maintenant dans l'ombre, et les plans généralement dans l'ombre sont maintenant frappés par la lumière. Il s'agit d'un scénario d'éclairage attirant l'attention. Souvent, il est utilisé si quelqu'un est à un feu de camp, s'il tient la bougie, ou s'il tient quelque chose de magique qui brille. Il peut donner un sentiment effrayant, un sentiment de calme, ou un sentiment magique. Selon la façon dont vous jouez les autres parties de la pièce comme le sujet lui-même et leur expression. Je ne sais pas comment appeler ce type d'éclairage. Mais je le vois tout le temps. Surtout, dans les illustrations de personnages. L' éclairage Nez pop, comme je vais l'appeler, se produit lorsque la source de lumière clé est au-dessus et légèrement derrière le sujet de sorte que seul leur nez et le haut de leur front éclaire dans la lumière. J' ai trouvé que c'est un bon angle d'éclairage pour les personnages mignons. Parce qu'il attrape la rondeur mignonne du nez. Cela peut également fonctionner bien pour un modèle féminin. Maintenant, avec tous ces angles, je vous les ai montrés dans des scénarios de lumière directe. Parce que je veux que vous voyiez clairement les formes de l'ombre. Mais bien sûr, vous pouvez également les répliquer dans des scénarios de lumière douce ou diffuse. Les arêtes seront simplement beaucoup plus douces, et les changements de valeur ne seront pas aussi sûrs. Ce ne sont que quelques angles d'éclairage pour vous aider à démarrer. Ceux-ci peuvent sembler simples, mais ils se révèlent fiables pour moi. Les formes se transporteront d'une face à l'autre. Donc, une fois que vous avez ces bases mémorisées, vous pouvez les reproduire sur n'importe quel type de visage. Donc, expérimentez et trouvez les angles d'éclairage que vous aimez le look. 7. Techniques de mélange: Maintenant, parlons de la façon dont nous pouvons fusionner et lisser les transitions d'un plan à l'autre. Nous ne sommes pas facettés comme ces modèles d'avions. Donc, on ne peut pas laisser ça à ça. Nous pouvons adoucir les bords entre les avions de différentes façons, et je vais vous montrer certains de mes méthodes et certains de mes médiums préférés. Lorsque je peins dans Photoshop, je n'aime pas personnellement utiliser un aérographe pour peindre des avions. Au lieu de cela, je commencerai habituellement avec un pinceau plus dur. Cela m'aide à donner la structure plus solide que je veux. Quand il s'agit de lisser une transition, ce que je vais parfois faire est de choisir la couleur de la première plaine, puis de choisir la couleur dans le deuxième plan et de voir où ils atterrissent. J' aime voir quelle couleur pourrait tomber entre ces deux couleurs. Celle-ci semble au milieu, alors j'essaie celui-là. Ensuite, je répète ce processus autant que je veux jusqu'à ce que j'aie plusieurs changements de couleur incrémentiels qui m'ont aidé à passer d'un grand plan à l'autre. Ensuite, je peux prendre mon aérographe et le lisser un peu si je veux. La cueillette de couleur que je peins sur le dessus de ceux-ci. Une autre méthode que j'utilise, est que je ramasse une couleur et la colore légèrement dans la suivante. Ensuite, je ramasse l'autre couleur avec mon outil de pipette et je tire légèrement celle-ci dans la première couleur. Je continue comme ça jusqu'à ce que le mélange soit lisse. Vous pouvez le faire pour tous les changements simples qui doivent être lissés. Dans Photoshop, la sélection des couleurs est vraiment facile et si vous avez une tablette, vous pouvez programmer le bouton de votre stylet sur l'outil pipette lorsque vous cliquez dessus. Consultez mon cours Photoshop Demystify si vous avez besoin d'aide pour programmer cela. Dans l'application Procreate sur l'iPad Pro. Une de mes façons préférées de mélanger, est d'utiliser l'outil de taches avec le pinceau pastel doux. En utilisant ce pinceau, vous pouvez simplement glisser et tirer ces couleurs les unes dans les autres et il va créer un beau mélange. Ici, vous pouvez voir la technique de la tache pastel douce en action. Encore une fois, comme dans Photoshop, vous pouvez également utiliser la méthode où vous essayez de trouver des couleurs qui atterrissent juste entre les deux. Avec les peintures à l'huile, vous pouvez lisser la transition en glissant votre pinceau dans les deux plaines comme celle-ci. Cela peut créer une nouvelle couleur de transition. Comme avec les autres médiums, vous pouvez également mélanger une nouvelle couleur qui pourrait atterrir entre eux en termes de valeur. Voici mélanger la couleur plus claire avec la couleur plus foncée sur ma palette, pour créer une sorte de ton moyen qui tomberait entre eux. Avec des pastels doux, vous pouvez chevaucher les couleurs pendant que vous dessinez et ensuite vous pouvez lisser cela avec votre doigt ou un mouchoir. Vous pouvez même utiliser des pointes Q-tips et des tampons pour les zones plus petites. Avec des marqueurs, comme les marqueurs Copic que j'utilise ici, vous devrez vraiment avoir un plan d'action avec votre éclairage, ce qui est un peu différent de l'approche picturale que j'ai enseignée jusqu'à présent, où vous pouvez simplement gifler sur change de couleur et les mélanger plus tard. Avec les marqueurs, et avec un médium comme l'aquarelle, vous obtiendrez les transitions les plus fluides lorsque vous travaillez de la lumière à l'obscurité. Copic's, je pense que sont l'une des meilleures marques de marqueurs sur le marché, parce qu'ils sont très lisses et constructibles aussi. Si vous envisagez d'investir dans des marqueurs, je vous recommande d'acheter des couleurs plus claires que vous ne le pensez. Achetez également quelques couleurs les unes près de l'autre sur leur graphique, car cela vous assurera que vous pouvez facilement obtenir ces transitions en douceur. Voici les couleurs que j'aime utiliser. J' ai commencé avec ma couleur la plus claire et lentement mais sûrement travaillé mon chemin jusqu'aux tons plus sombres. Je vais bientôt faire un cours sur la façon dont vous pouvez colorer vos personnages avec ces marqueurs. Alors, assurez-vous de faire attention à cela. 8. Les petites formes du visage: Après avoir mélangé les plans structurels de base, vous devez reconstruire au-dessus de cela. C' est là que vous pouvez commencer à travailler sur certaines des formes plus petites du visage. Ce sont les formes que je vois le plus souvent sur le visage. Cette forme W autour de la bouche, ces petites formes ressemblant à un haricot aux coins de la bouche, ces formes qui s'étendent du nez à la bouche, et ces petits triangles au-dessus des sourcils, qui peuvent souvent prendre de la lumière. Voyez comment ces formes et d'autres apparaissent sur le visage de cet homme. Donc, soyez à l'affût de ces formes plus petites. Certains se montreront évidemment, mais le plus souvent, j'ai trouvé qu'ils sont assez subtils, surtout sur les jeunes et sur les femmes. Donc, ils devraient être soigneusement examinés et dessinés avec soin. C' est la partie de la peinture de portrait qui prend le plus de temps. Les choses commenceront à ralentir lorsque vous commencez à observer attentivement et à rendre les virages moins évidents du visage. Donc, pendant ce temps, soyez juste patient avec vous-même et gardez votre bouchon d'observation sur. Vous n'avez pas à les mettre sur des personnages, mais pour modéliser des portraits réalistes, vous pouvez envisager d'accorder une certaine attention à ces formes plus petites. Si vous souhaitez en savoir plus sur ces petites formes du visage, consultez ces livres. Pour en savoir plus sur la ligne rythmique que vous pouvez appliquer lorsque vous les dessinez, consultez la méthode Frank Reilly. 9. Plus d'effets d'éclairage: Dans cette vidéo, je veux courir à travers d'autres effets d'éclairage, ce qui peut être vraiment cool à essayer dans vos pièces. Lorsque la lumière brille sur un arbre, beaucoup de rayons de la lumière sont bloqués par les feuilles, mais à travers les trous des arbres, une certaine lumière peut encore passer. Ces taches de lumière produisent un effet de lumière tamponnée. Ils peuvent être des formes circulaires, elliptiques ou abstraites. rouge saturé ou orange peut souvent être vu le long des bords comme il y en a ici. À l'intérieur de l'image, des choses comme des chapeaux, des cheveux et des franges, et des lunettes de soleil, jetteront des ombres sur le visage. Je recommande d'utiliser une référence si vous inventez cela sur un personnage. Ces types d'ombres projetées en lumière directe ont généralement une qualité de bord définie. Vous pouvez également imaginer les objets en dehors de l'image qui projette des ombres sur votre sujet. C' est un bon moyen de créer un sens du drame. demi-ombres comme celle-ci créent un sentiment d'émerveillement pour votre spectateur. ombres lancées en dur indiqueront quelque chose de plus proche tandis que ombres très douces indiqueront quelque chose de loin dans la distance. Cela crée le drame, l'humeur au début d'une histoire. Les nuances de fenêtre peuvent également créer des formes d'ombre vraiment intéressantes sur votre sujet. La diffusion souterraine peut être observée dans certains scénarios d'éclairage sur les oreilles, doigts et parfois sur le bord des narines. Tu sais quand tu vois quelqu'un dehors et que la lumière vient de derrière eux, et que leurs oreilles sont cette couleur orange rouge saturée brillante ? C' est la dispersion du sous-sol en action. Ce qui se passe, c'est que la lumière pénètre dans la chair translucide des oreilles et rebondit tout autour de l'intérieur. Vous pouvez également le voir si vous allumez la lampe de poche sur votre téléphone et mettez votre doigt sur le dessus. Vous pouvez voir comment votre doigt a une translucidité à elle et il brillera de lumière. Vous pouvez également aller dans une pièce sombre avec un miroir et mettre la lampe de poche juste derrière votre oreille. lumière entre dans le balayage et s'étend sous la surface pour créer cette lueur. Dans une peinture haute touche, il y a une gamme de tons plus légers pour toute la pièce. Au lieu de travailler dans une plage complète de valeurs, la plage de valeurs ressemble plus à ceci. J' ai vu beaucoup de tableaux clés réussis qui traînent dans de belles zones pastel. C' est comme jouer du piano et décaler toutes les notes de quelques octaves plus haut. Il crée une ambiance différente. Les peintures à touches basses sont comme déplacer les touches du piano jusqu'aux notes basses. Les choses deviennent plus moodieuses. C'est une sensation différente. Les peintures à touches basses explorent le côté plus sombre de l'échelle de valeur. Une halation est l'effet lumineux doux qui peut parfois se produire sur une journée chaude ou lumineuse. C' est une lueur douce qui dépasse les limites naturelles d'un objet. Ajout de cet effet avec une grande brosse douce, sera vraiment belle dans les peintures. Je les ajouterai parfois autour des cheveux, de la peau, ou autour des vêtements des sujets. Il fonctionne vraiment bien pour harmoniser les couleurs aussi bien. Jetez un oeil à cela et regardez le centre de la forme pendant quelques instants. Avez-vous déjà regardé une personne parler sur scène pendant si longtemps que les bords autour d'eux ont commencé à devenir une couleur vive et une sorte de lueur ? Lorsque nos yeux sont exposés à une couleur pendant une longue période et ensuite nous détournons, nos yeux verront les couleurs se complètent. C' est ce qu'on appelle une image postérieure. Ne regardez pas loin, mais voyez-vous dans votre vision périphérique en ce moment comment les bords de la forme commencent à briller une couleur bleue fraîche ? Maintenant que je prends cette forme, vous pouvez voir toute l'image bleue. C' est une vraie chose que nos yeux font, mais nous pouvons capter cet effet dans nos peintures aussi. Ici, j'ai utilisé les canaux dans Photoshop pour imiter le genre d'effet, mais vous pouvez également dessiner à la main des bords colorés si vous aimez cette idée. Vous pouvez également expérimenter avec des ampoules colorées, couleurs autres que le jaune orange chaud typique ou le bleu froid. Cela peut produire un portrait dramatique et intéressant. L' utilisation des couleurs complémentaires ensemble peut faire une pièce vraiment intéressante. Sur un visage, surtout quand il y a un peu plus d'huile sur la peau, vous pouvez voir des reflets sur le front, le pont nasal, le bout du nez, les pommettes, le haut des lèvres, sur la lèvre inférieure, en haut de la menton, autour des sourcils, et dans les coins des yeux intérieurs. À certaines occasions, vous ne verrez que certains d'entre eux et à d'autres occasions, vous pouvez voir tous ces éléments. Ces faits saillants seront également naturellement apparaître sur les hommes, mais si vous avez déjà vu des tutoriels de maquillage, vous savez comment les maquilleurs s'efforcent d'améliorer cette lueur en ajoutant surligneur à certains de ces points. Les huiles peuvent également s'accumuler dans les terriers de nez, y ajoutant parfois des points forts. Les lèvres brillantes auront également un point culminant. En regardant de près, il s'agit généralement d'une collection de tirets et de points horizontaux et verticaux, qui forment ensemble une forme abstraite. L' ombre à paupières scintillante attirera également un petit point saillant. Expérimentez avec la couleur du point culminant. Les teintes pastel légères fonctionnent bien et le blanc apportera également l'impact. globes oculaires sont mouillés et cette brillance nous donne plus de points forts. Les reflets oculaires vont être du même côté que la lumière vient. Donc, ici, la lumière vient de ce côté donc les reflets dans les yeux seront également de ce côté. Honnêtement, cependant, vous pouvez déplacer des reflets brillants comme ça et les gens ne vont pas le remarquer. Probablement parce que dans la vraie vie, lumière vient généralement de plusieurs directions différentes tout à la fois. Donc, dans les personnages, je suis parfois créatif avec les reflets oculaires, mais si vous voulez un rôle général pour le placement, placez-les du même côté que la source lumineuse est allumée. Recherchez des bandes de surbrillance sur les cheveux. Il existe une variété infinie de coiffures, il est donc difficile de fixer une formule exacte pour dessiner et peindre. Donc, soyez à l'affût des formes de lumière qui se répètent d'une coiffure à l'autre. En cas de doute, cherchez une référence. Une note rapide pour les cheveux cependant, essayez de trouver de grands groupes de poils que vous pouvez faire en grandes formes. Recherchez des courbes S et des courbes C dans tout le cheveu. Dessinez d'abord les grandes formes, puis ajoutez les poils de détail plus tard. Aussi lorsque vous peignez les cheveux, il y a généralement des poils de bébé autour de la racine des cheveux qui font une belle valeur segue du front dans les cheveux. Donc, recherchez ce changement de valeur car il vous aidera à passer en douceur dans les cheveux. 10. Utiliser des références: La plupart des références ne seront pas des scénarios exacts comme ceux dont nous avons parlé en classe, mais la connaissance de ces bases d'éclairage vous aidera à analyser les références et vous aidera à comprendre ce que vous regardez mieux. Lorsque vous observez une photo, prenez en compte l'inclinaison de la tête. Cela changera les choses par rapport à la norme parce que la lumière va frapper l'avion légèrement différemment, mais pas tellement que vous ne serez pas en mesure de le comprendre. Lors de l'observation d'une référence, vous devez également prendre en compte l'utilisation possible de plus d'une source lumineuse. Mettez un peu de patience là-dedans. Trouvez de quelle direction vient la source de lumière la plus puissante , puis allez de là. références à éviter sont généralement des photos à éclairage plat, où la lumière et l'ombre ne sont pas évidentes pour vous. Vous devrez compter beaucoup sur les compétences de dessin pour cela, et d'après mon expérience, ce type de référence n'est généralement pas aussi amusant à travailler et peut souvent conduire à un dessin à plat. Puisque les couleurs peuvent changer de la vie réelle à des photos, parfois je vais heurter la saturation un peu sur mes références photo que je peux capturer des couleurs légèrement plus vives. Ces changements subtils de teinte chaude à fraîche sont parfois manqués en photographie. Donc, essayez d'inclure des changements de couleur subtils dans les tons de peau même quand ils ne sont pas là sur la photo. Les sources lumineuses réfléchies peuvent également être perdues dans les références photo. Donc, considérez l'environnement du sujet dans la photo, surtout si l'appareil photo ramasse les choses comme brun foncé ou noir. Avant de commencer une peinture à partir d'une photo de référence, demandez rapidement à votre cerveau d'évaluer la situation. Vous pouvez vous poser des questions comme, le sujet est-il à l'intérieur ou à l'extérieur ? Quelle est la principale source de lumière ? Sous quel angle la lumière frappe-t-elle le sujet ? Quelle est la température de couleur générale de la lumière ? Les ombres fondues sont-elles dures ou douces ? Y a-t-il plus d'une source de lumière ? Lorsque vous avez les réponses à ce genre de questions au début, les choses commencent à devenir plus claires dans votre tête, et lorsque les choses sont claires dans votre tête, elles seront claires dans votre dessin. Donc, analysons une référence ensemble. Il est à l'intérieur ou à l'extérieur ? Eh bien, il est à l'extérieur et on dirait que le soleil s' installe probablement depuis qu'il est allumé de côté. C' est presque comme un scénario d'éclairage partagé. Le soleil est notre source de lumière principale et nous fournit des tons chauds dans la lumière, et nous obtenons des tons plus frais dans l'ombre. On obtenait un peu de lumière ici cependant, et je crois que c'est du soleil frappant le ciel nuageux, et puis le ciel agit comme une source de lumière secondaire, donc il illumine ses formes dans l'ombre. Le soleil fait de sorte que certaines des ombres lancées sont dures, en particulier vous pouvez le voir de sa chemise sur son col ici. Cette ombre moulée est assez nette. Si nous plissons sur l'image ou si vous tournez l'image en niveaux de gris, nous pouvons voir que nous avons une gamme assez complète de valeurs ici, et j'observe aussi comment il y a dispersion souterraine qui se passe autour de son nez. C' est le genre de chose que vous pouvez faire pour commencer à évaluer la référence, et pendant que vous peignez, vous continuerez à faire de telles découvertes. Lorsque vous dessinez un personnage, ce qui est plus imaginatif, et que vous essayez de décider comment les allumer, vous pouvez commencer par l'un des scénarios les plus courants affichés en classe, puis utiliser des références chaque fois que vous besoin d'eux. J' aurai beaucoup de références disponibles pour que vous puissiez naviguer dans l'utilisation de vos pièces. Je vais mettre un lien vers ces ressources de classe dans la section communauté et dans la section de votre projet ici sur Skillshare. Lors de la coloration et de l'éclairage d'un personnage, vous pouvez également utiliser une photo d' une personne réelle pour vous donner vos informations de couleur et d'éclairage, ou vous pouvez même vous inspirer des maîtres. Ils savaient ce qu'ils faisaient. photos de poupées articulées à billes sont également vraiment de grandes références pour l'éclairage des personnages, parce que leurs proportions sont plus de caractère et mignonnes déjà. En outre, l'application Handy est idéale pour trouver scénarios d'éclairage possibles pour vos personnages, ainsi que le pack Anatomy 360 Neutral Heads Pack. 11. Projet de cours: Je sais qu'il y a beaucoup à regarder pour ce cours, mais c'est tout autant sur ce que vous faites après avoir regardé ces vidéos. Il s'agit de mettre les idées de la classe en action par la pratique. Donc, voici quelques exercices de classe que vous pouvez faire pour amener vos compétences et votre compréhension de la lumière au niveau suivant. Dessinez une balle avec de la lumière et de l'ombre. Je sais que cela semble basique, mais cela vous apprendra comment travailler les bords, comment faire des transitions en douceur entre les tons, et comment faire fonctionner toutes les valeurs en bonne relation les unes avec les autres. Si vous travaillez sur un support numérique, essayez de ne pas utiliser le sélecteur de couleurs, afin que vous puissiez vous entraîner à ramasser les valeurs appropriées. Si quelque chose apparaît d'une manière bizarre, prenez cela comme une indication que les valeurs sont mauvaises. Tirer de la vie avec une source de lumière sur une balle serait génial, mais si vous n'avez pas de balle, vous pouvez utiliser cette référence ici. Dessinez les plans au-dessus d'une photo. Prenez un magazine ou une photo en ligne et apprenez à connaître les plans du visage. Pensez à la qualité 3D et à la façon dont chaque avion obtient sa propre couleur. Ne vous inquiétez pas si ce n'est pas une liste exacte. Ce sont des généralités et chaque visage aura de légères variations. Entraînez-vous à peindre certains des modèles d'éclairage de base que nous avons appris sur l'ensemble de l'avion. Utilisez des valeurs de niveaux de gris pour vraiment apprendre les changements de valeur qui peuvent se produire. Parlons maintenant de quelques projets finaux que vous pouvez réaliser. Prenez un personnage et allumez-les de quatre manières différentes. Utilisez n'importe quelle combinaison de source de lumière et d'angle. Cela peut vous aider à comprendre votre goût et ce que vous aimez le meilleur look. Enfin, peignez un personnage, stylisé, ou un portrait réaliste avec de la lumière et de l'ombre. Partagez l'un ou l'ensemble de ces exercices et projets avec la classe. La partie faisant de cette classe est vraiment l'endroit où votre travail va commencer à se transformer. Nous pouvons parler de lumière et d'ombre toute la journée, mais rien ne changera vraiment dans notre travail jusqu'à ce que nous attrapions nos médiums préférés et commencions à lutter avec les idées. Il s'agit d'un sujet complexe qui nécessite notre patience et notre attention. Mais plus nous apprenons en pratique, mieux nous nous en sortirons, et c'est excitant. 12. Démonstration de l'éclairage d'un personnage: Donc, avant de commencer, je veux vous montrer quelques façons différentes d'éclairer vos personnages. Vous n'avez pas à toujours rendre les choses de façon réaliste. Il y a un moyen de simplifier qui fait encore passer le point. Le moyen le plus basique est l'ombrage de cel simple. Vous pouvez simplifier l'éclairage en quatre parties de base : peindre une forme pour la mise en évidence, lumière, l'ombre de forme et l'ombre coulée. Mais vous pouvez également développer cela. Comme, dans le deuxième exemple que j'ai appelé licence artistique. J' ai pris cette idée simple, mais je l'ai développée en ajoutant un peu de variété tonale aux ombres, perdant quelques bords et en donnant à la balle un peu d'éclat avec un aérographe doux, ou si vous le souhaitez, vous pouvez prendre votre personnage à un rendu complet lieu. Personnellement, j'arrive habituellement quelque part entre les deux premières options. Mais vous êtes l'artiste, alors vous pouvez décider quelle est votre esthétique. En développant cette idée d'ombrage de cellule un peu plus, vous pouvez garder un côté simplifié et rendre l'autre côté. Donc, par exemple, sur cette balle, j'ai ajouté quelques changements de tonalité supplémentaires du côté de la lumière, mais j'ai laissé les ombres simples. Sur cette balle, j'ai laissé la lumière plus plate et mis plus de détails dans l'ombre. Ainsi, vous pouvez aller simple sans aller jusqu'à l'ombrage des cellules. Donc, j'ai fait le croquis dans l'application Procreate avec le pinceau au charbon de bois de saule. Si vous avez pris mon design une classe de personnages féminins, vous savez tout sur la façon d'esquisser des personnages comme celui-ci. Et si vous avez fait un croquis pour cette classe, vous pouvez même l'utiliser pour ce projet si vous le souhaitez. Donc, je mets son visage ici et je finis par pousser un peu ses proportions avec un outil de sélection, et à ce stade, je suis content du croquis ; donc, je commence à entrer avec quelques couleurs de base. Je vais faire un cours sur mon processus de coloriage des personnages. Donc, si vous avez besoin d'aide avec ça, gardez un oeil dehors. Je mets aussi quelques changements de couleur locaux comme si j'avais rendu ses joues un peu plus sombres. Voici le croquis fini. Si vous souhaitez le télécharger et l'utiliser pour votre projet, vous pouvez le faire. Dans mon premier exemple, je vais marcher à travers elle et près temps réel pour que vous puissiez attraper toutes les petites choses qui se produisent. Donc, ici, j'ai une couleur d'arrière-plan, mon personnage, puis un autre calque sur le dessus. Et la première chose que je fais est de remplir ce calque avec une couleur, j'ai le mode de fusion défini pour multiplier sur cela, puis je clique avec le bouton droit de la souris sur le calque et appuyez sur Créer un masque d'écrêtage, et maintenant je suis juste en train de réduire l'opacité de celui-ci. Cela fait en sorte que la couleur ne va coller qu'aux pixels juste en dessous. Donc, dans ce cas, ils collent au personnage, et puis j'appuie sur ce bouton juste ici pour ajouter un masque de calque. Fondamentalement, cela va nous permettre de peindre d'une manière non destructive. Donc, ça semble bizarre, mais tu en auras vite le coup. Vous utilisez de la peinture noire pour révéler les valeurs plus claires en dessous cette couche et vous utiliserez de la peinture blanche pour l'assombrir à nouveau. Je sais que ça semble bizarre, mais une fois que tu l'auras, c'est facile. D' habitude, je ne peins pas de cette façon avec un tas de couches et de masques de couches. Habituellement, je voudrais peindre avec une couche. Mais, pour cette pratique, où nous expérimentons en quelque sorte des angles et des scénarios d'éclairage, je pense que c'est une bonne méthode pour pratiquer parce que vous pouvez peindre légèrement sur la toile jusqu'à ce que vous l'obteniez juste et il est facile de faire de légers ajustements si vous en avez besoin. Comme vous pouvez le voir, je commence à utiliser un aérographe et c'est parce que, en général, le style de mes personnages est très doux et féminin. Donc, contrairement aux portraits plus réalistes, je ne vais pas avec des avions durs. Pour mes dessins de personnages, il s'agit plus de capturer l'effet de lumière que de capturer toutes les facettes de l'éclairage. Donc, vous verrez des avions que je laisserai même pour un visage plus doux. C' est comme ça que j'aime penser en termes d'avions de caractère pour mes filles. C' est juste une autre partie de tout ce truc de licence artistique. J' utilise juste ces références générales ici pour commencer à marquer certains points qui seraient touchés par la lumière dans un scénario sous-jacent. J' utilise une pression assez légère pour cela en fait, car j'essaie de tout comprendre encore. Maintenant, je passe à utiliser un pinceau plus dur et, au fait, je vais avoir ce que vous pouvez télécharger aussi. Donc, comme vous pouvez le voir avec la peinture blanche, je peux ramollir le bord et le ramener dans la zone d'ombre. Ce masque de calque permet de faire ces ajustements tout au long de la journée. Donc, je suis lentement, mais sûrement, faufiler sur cet effet d'éclairage. C' est tout aussi beau d'une approche que de gifler sur les couleurs change très rapidement. Utilisez toujours le processus qui vous donne en tant qu'artiste les meilleurs résultats, et qui peut varier même d'une illustration de caractère à l'autre. J' aime vraiment ce pinceau pour ça. Ça fait un très beau coup vers le bas. La chose sage à faire à ce stade serait de prendre une photo de référence de cheveux dans un scénario sous-éclairé. Mais je vais imaginer que ces cheveux auraient un peu plus de lumière puisqu'ils sont plus proches de la source de lumière. Je change la couleur de fond maintenant comme une histoire commence à se former dans ma tête. Peut-être qu'elle est à un feu de camp, alors je fais une couleur plus foncée. En passant, si l'une de ces choses que je fais avec Photoshop vous semble peu familière, vous pouvez consulter mon cours Photoshop Demystified, où je marche à travers les bases mêmes. Aussi, à titre de note rapide, lorsque vous travaillez avec un masque de calque, assurez-vous que cette partie est cliquée ici. Si vous avez cliqué sur l'autre partie, vous rencontrerez des problèmes. Donc, lorsque vous utilisez la peinture en noir et blanc pour peindre, assurez-vous qu'il est cliqué. Donc maintenant, je suis content de cet effet général que je reçois donc je fusionne ces couches. J' ajoute une autre couche et j'ajoute un peu d'une lueur orange, mets à la lumière douce et ensuite, je les fusionne aussi. Ensuite, je duplique le calque de caractères parce que je veux essayer une petite feuille de lumière REM. Donc, ce que je fais est, je verrouille les pixels transparents en cliquant sur ce bouton ici et je le remplit de peinture blanche. Ensuite, je fais glisser ce calque, et ensuite, efface juste les pièces dont je n'ai pas besoin. C' est quelque chose que je pensais juste faire à la volée mais ça a fonctionné alors je l'ai gardé. Ici, vous pouvez voir que j'expérimente avec différentes couleurs, juste en utilisant cet outil de seau de peinture pour le remplir. Ensuite, je continue juste à essayer différentes couleurs avec l'image, les ajustements, la saturation de la teinte. Maintenant, j'ajoute juste quelques poils volants. Et je tourne un peu le lissage pour que je puisse obtenir un bon coup lisse. Je suis content de cela, donc je fusionne les couches. Donc, j'aime vraiment cette couleur violette ici. Donc, je choisis la couleur et je commence à ajouter légèrement ça dans ses zones d'ombre. Ensuite, je commence à expérimenter un peu avec le mode de fusion. Vous pouvez utiliser le défilement de votre souris pour faire défiler certaines de ces options de mode de fusion. Je finis par dupliquer la couche aussi parce que j'aime l'impact de cela. Ensuite, je fusionne les calques. Maintenant, je sélectionne cette gamme de couleurs, attrape une orange, et utilise un dégradé pour appliquer un dégradé d'orange à son visage de bas en haut. J' essaie de penser à l'intensité de la lumière et comment elle sera plus forte sur elle sur les zones qui sont plus proches de la source de lumière, puis, elle tomberait lorsque son visage s'éloignera de la source de lumière. Ensuite, je change le mode de fusion pour multiplier, abaisser l'opacité et fusionner ces calques. C' est toute l'expérimentation que tu regardes. Ce n'est pas comme si j'avais une méthode exacte pour cela que je suivais à chaque fois. Beaucoup de mon art est fait en essayant des choses. S' ils travaillent, ils travaillent et s'ils ne le font pas, ils ne le font pas. Maintenant, je joue un peu avec l'ajustement des courbes pour voir si ça va me donner quelque chose de amusant. Maintenant, j'essaie des réglages de recherche de couleur et je les fais défiler avec ma souris. J' ai toujours l'air d'aimer l'hiver croustillant. Maintenant, je sélectionne la pièce entière et je la copie, puis je reviens dans mon histoire à cette version plus chaude et j'édite les niveaux pour être un peu plus intense. Ensuite, je colle cette version plus cool. Maintenant, j'ai la version plus cool sur le dessus et la version plus chaude en dessous. Maintenant, je prends une gomme douce et efface la couche fraîche pour révéler la chaleur ci-dessous. J' ai frappé tous ces avions qui seraient frappés par la sous-couche chaude. Donc, je suis juste au-dessous des yeux, juste au-dessus des yeux, le bas du nez, et autour de la mâchoire et du menton. Une fois que je suis heureux, je le fusionnerai à nouveau. Je fusionne parce que j'aime travailler sur une seule couche mais il trouve aussi que cela m'aide à être un peintre décisif. Maintenant, avec une nouvelle couche dans ce pinceau, j'y vais et je mets quelques reflets ici. J' ai mis certains de ces petits faits saillants sur le reste de ces fonctionnalités aussi. Maintenant, en ajoutant et quelques réglages plus sombres ici et là, juste en peaufinant à ce stade et en utilisant une pression vraiment légère sur mon stylo. Maintenant, je duplique la pièce parce que je veux déplacer le point culminant sur le menton. Mon instinct est d'ajouter des surlignements d'une certaine façon parce que je travaille rarement dans ce scénario d'éclairage. Mais vraiment, le point culminant serait plus bas, plus proche de la source. Donc, je fais cet ajustement. J' ajoute également un surlignement à la lèvre inférieure en bas. Donc, voici comment je l'ai laissé dans Photoshop, et puis j'ai fait quelques ajustements une fois que je l'ai pris sur Instagram. J' ai l'impression que Instagram est vraiment un éditeur sympa, même si vous pouvez faire toutes les mêmes choses dans Photoshop. Donc, j'ai ajusté la luminosité et soulevé ça un peu, et j'ai aussi soulevé le contraste. Puis j'ai soulevé un peu la saturation et la chaleur, puis avec la couleur, j'ai appliqué cette couleur pourpre, enfin, j'ai aiguisé l'image. Voici la pièce finie. Maintenant, nous allons l'accélérer un peu et parcourir quelques scénarios d'éclairage supplémentaires qui, je pense, fonctionneront très bien pour vos personnages. Donc, celui-ci sera un éclairage papillon, sorte que la source de lumière est au-dessus et légèrement en avant du modèle. Donc, avec celui-ci, je ne travaille pas avec le masque de calque depuis le début, j'utilise plutôt l'outil lasso pour mettre certaines de ces formes de scénarios de papillon plus sombres, et vous pouvez voir que j'ai ces modes de fusion de calques définis pour s'assombrir. J' utilise ces références comme un guide général pour savoir où placer mes formes d'ombre. Ici, j'ai peint cette forme d'ombre sur son propre calque, puis je l'ai sélectionnée et floue le bord en allant filtrer, flou, flou gaussien. J' aime ces petites formes andrae et les formes de coin des yeux, donc je fais juste allusion à ceux avec peu de changements de valeur autour des yeux, et je mets dans les faits saillants, mais à la fin, je vais revenir en arrière et changer ces pour être faits saillants plus typique d'un scénario d'éclairage papillon. Donc, je zoom avant et arrière beaucoup parce que j'aime voir si les détails que j'ajoute fonctionnent aussi à distance. Donc, maintenant je sélectionne cette partie des cheveux et je l'assombrit un peu, puis je l'estompe. Les cheveux auraient probablement vraiment une qualité plus difficile dans la vraie vie, mais je prends ma licence artistique et adoucit cette décoloration de la lumière à l'ombre. Aussi, je mets une petite ombre sur l'endroit où les cheveux jetteraient une ombre sur le visage. Dans ce scénario, il laissera un peu d'ombre comme ça. Juste là, j'ai juste ajusté la forme et la proportion des yeux en allant filtrer, liquider. Maintenant, j'ajoute une lueur douce sur le dessus de ses cheveux. Je mets cette couche à la lumière douce, ajuste un peu la teinte et fusionne les couches. Donc maintenant je suis juste en train de changer le placement des reflets oculaires, mais comme je l'ai mentionné, c'est correct si vous voulez faire preuve de créativité avec ceux-ci. Vous remarquerez aussi comment j'ai laissé ces avions tomber dans l'ombre. Encore une fois, c'est juste un choix artistique que j'ai fait pour mon style de personnages. J' ai trouvé que quand je fais cette mâchoire trop sombre sur eux, ça commence à paraître étrange, donc je l'ai laissé dehors. Maintenant, je vais faire la démonstration d'un scénario d'éclairage en boucle rapide. Je commence par la forme de l'ombre du nez, cette petite ombre ici et l'ombre suivante, j'utilise l'outil lasso pour m'aider à obtenir ces formes. Pour certaines situations, il fonctionne mieux de commencer par l'obscurité et d'éteindre les lumières, et pour d'autres situations comme celle-ci, je trouve que cela fonctionne mieux pour moi de commencer avec les lumières et de mettre dans les formes de l'ombre. Je pense que ce scénario d'éclairage en boucle large fonctionne bien pour les personnages, et ce n'est pas trop difficile à faire. Rappelez-vous que les couvercles supérieurs jetteront une ombre sur les globes oculaires, donc je jette une petite ombre ici, sinon les yeux sortiront comme trop lumineux, donc j'ajoute de la poussière. Je pense que j'ai cherché une référence en ligne pour voir comment une petite ombre pourrait tomber sur l'épaule dans cette situation d'éclairage. Donc, Google autour pour les références si jamais vous n'êtes pas sûr de comment quelque chose pourrait ressembler. Maintenant, je mets ces faits saillants du même côté que la source de lumière, en faisant allusion aux iris et maintenant j' ajoute ces touches finales d'accents clairs et foncés, et je vais dire que celui-ci est fini. Pour cette démo finale, essayons le Nez Pop Lighting. Je commence en faisant un duplicata de mon personnage, verrouillant l'opacité, en le remplissant avec une couleur supérieure, puis en changeant le mode de fusion pour se multiplier. Mais la façon dont je vous ai montré dans la première démo est en fait un moyen plus rapide d'arriver au même point final. Maintenant, comme je l'ai fait dans la première démo, j'ajoute un masque de couche et commence à retirer ces lumières avec de la peinture noire. Pour celui-ci, j'ai eu un enregistrement de pouls et je vais me regarder dans le miroir avec mes cheveux vers le bas dans le style pour voir comment la lumière tomberait sur mon front dans cette situation d'éclairage. Il s'est avéré que la lumière avait une forme triangulaire sur le front, donc vous me verrez mettre et sortir sur la pièce. Mais en fin de compte, je n'aimais pas vraiment la qualité de forme qu'il avait sur mon personnage, alors j'ai utilisé à nouveau ma carte de licence artistique et gardé les quatre chapeaux doux. Je pense que c'est une bonne idée de stocker quelques références quand vous les voyez de sorte que lorsque vous en avez besoin, vous n'aurez pas à chercher sur Internet sans cesse pour essayer de les trouver. Si vous voulez des idées sur la façon dont vous pouvez le faire, rejoignez mon cours d'inspiration de 10 minutes. Vous verrez ces petites formes au-dessus des sourcils éclater un peu, mais je l'ai gardée douce pour que le personnage n'ait pas l'air trop agressif. N' oublie pas ce petit bord saturé qui peut arriver ici. Vous pouvez utiliser l'esquive pour des faits saillants vraiment forts, suffit d'être prudent avec elle car elle peut facilement s'éloigner de vous. Maintenant, j'ajoute une couche sombre du tout, et j'utilise un masque de couche et de la peinture noire pour les effacer, pour donner un effet de projecteur. Voici la pièce finie. Ce ne sont que quelques-uns de mes angles d'éclairage préférés à utiliser sur les personnages, mais j'expérimente tous. Si vous choisissez de faire un projet, utilisez le support que vous souhaitez. Ce sera vraiment cool de voir cela dans toutes sortes de médiums, alors assurez-vous de le partager avec la classe. J' ai les références disponibles dans les ressources de la classe, mais vous pouvez également utiliser des chefs-d'œuvre et des photos comme votre inspiration de couleur et d'éclairage aussi. 13. Démonstrations de portrait stylisé: Donc, si vous souhaitez télécharger mes pinceaux d'application procreate préférés, vous pouvez les saisir dans la section « Votre projet » sous « Ressources de classe ». Donc, pour ces peintures, je gifle juste sur les couleurs ici et je ne regarde rien de trop spécifique pour l'instant. J' ai juste des formes de couleur là-haut, donc j'ai quelque chose à travailler. Et comme vous pouvez le voir, ça commence à prendre forme. Donc, je vais entrer dans certaines des formes plus petites ici, et puis sur le visage je commence à penser à ces étagères de température de couleur. C' est l'un de ces cas où le modèle est orienté loin du soleil comme on peut le voir à cause de la lumière de la jante autour d'elle. Donc, dans cette situation, comme nous le savons , les avions orientés vers le haut vont avoir une couleur plus fraîche pour eux car ils font face au ciel et les avions orientés vers le bas vont avoir une chaleur parce qu'ils font face au sol. Donc, même sur sa poitrine ici, vous pouvez voir que ce qui se passe, le plan orienté vers le haut de sa poitrine a une fraîcheur à elle et le plan orienté vers le bas a une chaleur à elle. En arrière-plan, vous venez de voir que j'ai mélangé ça et j'utilise juste l'incroyable outil de procréation pour les taches. J' adore l'outil de salissure et la procréation. Et récemment, mes outils préférés sont les pinceaux pastel doux. Maintenant, j'utilise un crayon 6B pour entrer et commencer à définir. Donc j'ai cette lumière de jante dans les cheveux ici et autour son bras et maintenant je commence juste à mettre quelques petites formes de fonctionnalité. J' aime avoir ces petits coins sombres de la bouche, ça m'aide à placer les lèvres. J' aime aussi obtenir la forme du fond du nez dans voir cette forme orange. J' aime mettre cela dans et puis aussi juste ces formes de douille oculaire. Ce n'est évidemment pas une pièce réaliste. Je veux juste capturer l'effet de ce scénario de lumière de jante. L' éclairage de jante est toujours si magnifique pour moi, donc je voulais vraiment faire ma concentration, ne pas m'inquiéter des détails de son visage ou des choses comme ça ou même capturer sa ressemblance, mais je voulais me concentrer sur la lumière et la beauté de la lumière. Et je pense que celle-là ça ne m'a pas vraiment pris autant de temps. Je pense qu'il a fallu peut-être une heure et j' aurais pu l'amener à un autre point, mais j'étais comme, J'aime comment cela ressemble, donc je l'ai laissé à ce sketchy et stylisé. Et en ce moment avec ce petit détail sur le dessus de sa robe, je ne le copie pas du tout, j'ai juste mis quelques coups très rapidement avec le pinceau Willow Charbon et j'ai pensé qu'il avait capturé la qualité de la forme de ça alors je l'ai laissé juste comme ça. Donc, pour cette pièce, j'ai téléchargé l'image sur la gauche de shutterstock.com, puis je l' ai éditée dans Photoshop pour être plus d'une palette de couleurs que je voulais. Donc, j'ai assombri un peu sa peau et j'utilise cette couleur verte mentholée pour l'arrière-plan. Donc, pour configurer cela, j'utilise le crayon 6B grand et j'aime vraiment ce pinceau pour quelques raisons. Je l'aime tout d'abord parce que vous pouvez obtenir une très petite ligne mince avec elle lorsque vous utilisez la pointe de votre crayon Apple et ensuite vous pouvez également obtenir un coup épais vraiment agréable lorsque vous mettez le crayon sur le côté et utilisez le côté du crayon. Donc, j'adore ce pinceau. C' est un de mes favoris de tous les temps. Donc, je suis juste en train de mettre en place les formes ici et maintenant j' utilise la brosse à poils pour tacher les choses autour. Donc, comme vous pouvez le voir, ces cheveux sont un gâchis complet et total, mais encore une fois, celui-ci est l'un de ces cas où je n'étais pas vraiment inquiet tout capturer parfaitement comme cheveux pour cheveux. J' étais plus intéressé à capturer le sentiment de cette fille, qui regarde par-dessus son épaule et peut-être qu'elle bouge la tête sur son épaule, il y a un peu de fouet dans ses cheveux et je voulais vraiment capturer le mouvement de ça. Donc, je voulais que mes coups de pinceau reflètent ce mouvement et c'est pour ça que j'ai laissé ça un peu sauvage. Donc, maintenant avec mon crayon 6B, je commence à entrer dans certains de ces détails et je commence à les ancrer en place. Ce qui est bien à propos de la peinture numérique, c'est que vous pouvez déplacer les choses avec un lasso et des outils de sélection. Donc, même s'il y a quelque chose qui est légèrement au mauvais endroit, vous avez la possibilité de le déplacer contrairement aux outils traditionnels où une fois que vous l'avez mis, vous devez soit vous en tenir avec, soit vous devez l'effacer. Donc, c'est l'un des très beaux avantages des outils de peinture numérique. Donc, en ce qui concerne l'éclairage, je pense qu'il atterrit quelque part entre l'éclairage divisé et un scénario d'éclairage brun sur la jante. C' est vraiment doux mais si je devais l'appeler un, je dirais qu'il est un peu plus poussé dans un scénario d'éclairage marron. Comme vous pouvez le voir, j'ai ce petit triangle de lumière sur sa joue lointaine. Donc, à ce stade, j'ai continué à mettre des choses et à les sortir et j'ai réalisé que cette pièce n'était pas destinée à aller plus loin que ça. C' est juste pour être ce simple portrait stylisé, alors je l'ai laissé à ça. 14. Démonstrations de portrait réaliste: Pour ce tableau, j'ai commencé avec un pinceau doux avec le fond, puis je suis allé droit avec le crayon 6B grand. En utilisant le côté de l'Apple Pencil pour obtenir ces beaux coups épais. Je prends juste des formes de couleur. Donc, j'ai quelque chose à faire. Je commence par les grandes formes d'abord, puis je commence à mettre des formes plus petites. Je remarque qu'il y a une inclinaison à la tête, mais je ne suis pas trop inquiet de mettre ça dedans. Donc, je le laisse plus droit maintenant. Maintenant, je ne remarque pas que j'ai décidé d'éditer les couleurs de la référence et vous pouvez le faire correctement et procréer avec les ajustements. Je voulais travailler avec des couleurs plus foncées. Dans mon expérience de travail de la vie, j'ai remarqué que les photos ont tendance à laver les couleurs des tons de peau. Une sorte de les éclaircir un peu. Donc, je voulais éditer la photo pour rendre les tons de peau plus riches et un peu plus foncés. Donc, en analysant la lumière, nous pouvons voir qu'il y a deux sources de lumière sur son visage. Le principal vient du côté droit, puis une source secondaire remplit ses ombres sur la gauche. Comme vous pouvez le voir, cela se traduit par des reflets dans les yeux. En fait, être de deux côtés différents, ce qui est intéressant. Vous ne voyez pas ça en général. Finalement, penser en termes d'avions ne sera pas cette chose rigide qui semble vraiment forcée. Il viendra naturellement et s'écoulera au fur et à mesure que vous travaillez. Il est utile d'étudier d'autres conceptualisations de la tête aussi, comme les lignes rythmiques de Frank Riley que j'ai mentionnées. Donc, maintenant que j'ai une bonne base en place, je vais avec mon pinceau pastel doux et je tache légèrement toutes les couleurs de la composition les unes dans les autres. Vous réfléchissez peut-être, mais vous avez juste mis tout ce temps juste pour l'effacer, et je comprends ça. C' est dur de laisser tomber un tableau, mais je sais qu'à la fin je serai heureux d'avoir fait ça. Parce qu'il fonctionne pour unifier la pièce et à la fin, il aide à faire un portrait plus réaliste. Après que je me tache, je vais mettre mes accents clairs et sombres pour commencer à verrouiller certaines pièces à Nicholas. En mesurant avec une ligne droite sur un nouveau calque, je vois que les choses ne s'alignent pas exactement. Donc, je déplace cette partie du visage vers le bas. Encore une fois, c'est l'un de ces moments où je suis très reconnaissant de peindre numériquement. Vous pouvez aussi définir des proportions dans des médiums traditionnels. Comme avec les peintures à l'huile, vous pouvez simplement le repeindre, mais c'est certainement plus un défi. Pour ce portrait, j'utilise surtout ces pinceaux. Ce sont mes incontournables pour les portraits. Donc, il a certainement une expression plus agressive dans ma peinture que je ne le veux. C' est à cause de ces formes trop fortement dessinées sur les sourcils, et je travaille un peu plus au fil du temps. Mais c'est le genre de forme plus petite du visage que vous devez être subtil, surtout sur quelque chose comme un portrait de bébé. Pour la plupart, je choisis la couleur de l'image. Bien que je vais parfois ajuster un peu la teinte, la valeur ou la saturation, si je pense que ce serait mieux de cette façon. Maintenant, je change les choses. Je travaille dans Photoshop, et je ramollit ces transitions avec ce pinceau fabriqué par Charlie Bowater. C' est l'un de ces beaux pinceaux qui a une qualité de texture tout en étant doux. Maintenant, j'utilise un grand aérographe pour ajouter légèrement quelques éclats doux. Pour ce portrait, parce que c'est plus réaliste, je pense aux plans de la tête beaucoup plus que sur le personnage et aussi à ces petites formes du visage. Ces choses nécessitent certainement un peu de patience et une attention concentrée. C' est une partie de la raison pour laquelle je ne les montre pas en temps réel, parce que vous seriez assis ici pour toujours. Mais s'il y a un besoin de démos en temps réel, je peux les partager avec vous sur l'avenir. Déménager dans Photoshop avec cela m'a vraiment aidé à obtenir un nouveau pic. Si vous n'avez pas à des programmes de peinture numérique cependant, même en prenant un peu de temps pour s'éloigner de votre peinture et peut y revenir, peut vous aider à voir les choses d'un nouveau point de vue lorsque vous revenez. Vous verrez des erreurs plus facilement après un certain temps. Donc, si vous avez besoin de faire une pause, prenez-en une. Assurez-vous juste de revenir finalement. En zoomant, j'ai réalisé que je lui ai donné quelques poils supplémentaires ici involontairement. Donc, avec une brosse douce, je change la valeur. Avec ça, je suis cool sur celui-ci fini. Donc, je commence ce portrait avec un croquis rapide pour obtenir le geste. Ensuite, je dépose quelques lignes horizontales sur un nouveau calque, sorte que je puisse placer plus facilement ses entités. Après avoir mis les bases en place, j'y vais et commence à peindre avec des formes de couleur à l'aide de la brosse à charbon de bois de saule. Alors que je pose ces couleurs, j'essaie de considérer l'éclairage. Pour moi, on dirait qu'elle est conduite d'en haut par une journée nuageuse. Donc, je remarque sa peau et la lumière a une qualité bleuâtre à elle, et sa peau dans l'ombre a des oranges chaudes et des verts. Elle est aussi dans cet environnement très vert. Donc, une partie de ce vert rebondit dans ses ombres aussi. Vous pouvez voir une ligne imaginaire ici. C' est là que j'envisage la rupture générale de la lumière à l'ombre. Maintenant, je floue tout avec un pinceau pastel doux, et maintenant j'y retourne. Cette pièce était certainement un défi pour moi, mais je voulais le faire passer. Parce que je pense qu'il est bon pour nous de pousser à travers ces pièces difficiles parce que nous sortirons de meilleurs artistes à la fin. Nous apprenons à travers les défis et les erreurs, pas seulement en faisant ce que nous savons déjà faire encore et encore. Maintenant, je déménage dans Photoshop et je suis juste en train de lisser et d'ajouter quelques détails supplémentaires. Cette pièce m'a vraiment fait penser aux couleurs locales. Tu vois à quel point les blancs de ses yeux sont bleus ? Alors, considérez toujours comment la source de lumière et l'environnement affectent ce que vous peignez. J' aime vraiment ces reflets violets brillants sur ses lèvres. La couleur et la lumière sont vraiment incroyables et je suis impatient de vivre un voyage artistique tout au long de ma vie où je peux explorer constamment les deux. Je pourrais probablement revenir à cette pièce et continuer à modifier les choses, et peut-être réduire la saturation de l'arrière-plan. Mais pour l'instant, je vais dire que celui-ci est fini. 15. Dernières réflexions: Merci beaucoup d'avoir rejoint ce cours. J' ai hâte de voir tes incroyables morceaux. Alors, s'il vous plaît, partagez votre travail et faites-moi savoir si vous avez des questions aussi. Je pense, il est important de se rappeler que l'éclairage est un tel sujet énorme.Il ya littéralement des combinaisons infinies qui pourraient se produire, avec tous les différents changements incrémentiels aux tons de peau, les angles d'éclairage, et toutes les différentes sources de lumière là-bas, il peut être difficile de nous embrouiller la tête. Mais, à partir de ces scénarios de base discutés en classe, je pense, va vraiment prendre notre travail jusqu'à présent. L' éclairage est certainement une exploration sans fin. Donc, continuez toujours à étudier. Étudiez avec d'autres enseignants d'une manière différente, étudiez les maîtres, rejoignez un groupe de dessin de vie, peignez tous les jours, même lorsque vous regardez des films, étudiez la lumière. J' ai découvert que grâce à l'observation patiente de la lumière qui m'entoure, je suis capable de ramasser des petits trucs sur l'éclairage. Alors, observez la lumière et décomposez-la dans votre vie quotidienne. Vous pouvez vous entraîner même lorsque vous n'avez pas vos outils d'art devant vous. Beaucoup d'apprendre cela est d'expérimenter avec la couleur et l'éclairage, et d'avoir le courage d'essayer des choses, même si vous ne savez pas avec certitude si ça va marcher. Alors, essayez un nouveau scénario d'éclairage et expérimentez aussi avec des effets d'éclairage amusants. J' espère que ce cours apportera un peu de lumière sur le sujet. Encore une fois, pour les ressources de classe, vous pouvez trouver un lien vers celles qui se trouvent dans la section de la communauté et dans la section de votre projet. J' aimerais vous voir dans mes autres cours d'art aussi. J' ai plus de cours sur le dessin de portraits, personnages, de travailler avec la couleur et de travailler avec Photoshop Illustrated. Alors, assurez-vous de les consulter si vous êtes intéressé et suivez pour rester au courant de mes futurs cours. Je suis tellement excité de partager plus de vous tous. Je vous remercie encore une fois de vous être joint. Jusqu' à la prochaine fois. Joyeux tableau.