Obtenez l'apparence cinématographique : éditer des photos de films vintage sur Adobe Lightroom

1. Introduction et ce dont vous aurez besoin: Bonjour les amis. Dans ce tutoriel de retouche photo, je vais vous montrer comment obtenir cette belle esthétique cinématographique vintage granuleuse sur vos photos de voyage à l'aide d' Adobe Lightroom Classic. À la fin de ce tutoriel, vous saurez exactement comment transformer une image comme celle-ci en une image ressemblant à celle-ci. Il y a quelque chose de si beau et nostalgique dans le fait d'avoir un montage vintage sur votre photo, peu comme un film Polaroid tourné. Et il y a quelque chose de si évocateur, de rêve et chaleureux là-dedans qui vous transporte vraiment dans un autre monde. Tout ce dont vous aurez besoin pour ce tutoriel, c'est un ordinateur portable ou un appareil sur lequel Lightroom est installé dessus. Bien sûr, une souris ou un clavier si vous préférez utiliser des outils externes , puis une photo brute à modifier. Dans ce tutoriel, je vais vous montrer comment j' aime personnellement transformer mes photos numériques pour obtenir ce film instantané doux et silencieux ou un look d'appareil photo jetable. Maintenant, passons en avant et nous allons ouvrir Lightroom et importer notre image brute. 2. Importer sur Lightroom et style créatif: Tout d'abord, je vais importer cette image. Je vais modifier. Je vais cliquer ici pour développer. Ce que nous avons ici, c'est ce magnifique Sunrise brumeux qui a été tourné vers 630 heures du matin à Pollyanna Mater, qui est cette magnifique ville côtière Italie dans la région de la poliomyélite. Je vais appuyer sur le bouton I mon clavier pour afficher les données de l'image. Il s'agit d'un fichier CR2, il s'agit donc d'une image brute Canon. Il a été photographié sur un objectif grand angle et il est plein format. Et comme vous pouvez le constater, la qualité était tout simplement époustouflante. Il s'agit d'une belle image directement sortie de l'appareil photo. Et si je zoom avant, vous pouvez voir les détails de ma robe sur les rochers, sur les bâtiments qui nous entourent, la surface de l'eau, sur ce genre de ruines brumeuses et sur le dos. Voyons même les détails sur les balustrades du balcon. Et bien sûr, cette belle lumière dorée diffuse. Ce genre de lumière dorée est ce que vivent les photographes. Je vais donc appuyer à nouveau sur le bouton I pour me débarrasser de la superposition d'informations d'image, ce que je vais vous suggérer, c'est que vous photographiez exclusivement en jpeg brut ou cause et orange. Surtout si vous envisagez de modifier vos images sur Lightroom. Parce que les photos brutes vont vous donner beaucoup plus de flexibilité dans la récupération des détails, vous aidant à créer une image aussi puissante en post-production ou lors de l'édition, je passe par là et beaucoup plus de détails dans mon cours d'édition Lightroom. Consultez donc le lien dans la description si vous souhaitez explorer les fondements de la retouche photo et de Lightroom avec cette édition, nous allons opter pour le vintage ou la nostalgie. On va y aller pour le moment Kodak. Je ne peux penser à rien de plus beau que d'appliquer l' esthétique cinématographique vintage imprégnée de soleil à une image comme celle-ci. Quoi qu'il en soit, en ce qui concerne le montage, allons-y. 3. Ajustements de base : ton et présence: La première chose que je vais faire, c'est de passer ici à la barre d'outils développée. Nous avons nos outils de masquage ici, mais nous n'allons pas les toucher aujourd'hui. La première chose que nous allons faire, c'est d'aller ici au profil. Et je vais le changer depuis Adobe Color, Adobe Vivid. Et voyez que la différence est si subtile, mais immédiatement la vive rend plus percutante. Et si je clique sur la barre oblique mon clavier pour vous montrer l'avant et l'après. Quatre, c'est un peu plus sourd. Après, c'est un peu plus vif. Maintenant, le vif va être tonifié. Ne vous inquiétez donc pas si vous pensez que cela semble trop saturé ou trop contrasté. Si c'est un mot. Mais il est vraiment important de faire ressortir ces couleurs maintenant afin de réduire le contraste et de réduire la saturation par la suite. Donc, je vais juste sauter et y aller. Donc, parfois, la balance des blancs sera déjà corrigée, ce qui vous montre ce que c'est quand on tire. En fait, je ne vais pas toucher ces deux curseurs car nous travaillerons avec le panneau HSL ici plus tard. Passons donc à travers les tons plus clairs. Donc, la première chose que je vais faire est réduire l'exposition est une image assez brillante. Et nous allons utiliser la courbe de tonalité et ces autres curseurs pour augmenter la luminosité. Nous allons donc passer à l'exposition, peut-être environ 25 œuvres. Je vais laisser le contraste car rappelez-vous que nous l'avons déjà fait en changeant le profil en Adobe Vivid. Ensuite, parce qu'il y a beaucoup d'espaces blancs ici, je vais beaucoup baisser les points forts. À propos des 40. Maintenant, si je touche avant et après, vous pouvez voir que le simple fait modifier l'exposition et les hautes lumières a aidé à réduire la luminosité de l'image, de sorte que tout cela est magnifique La luminosité diffuse de la lumière du soleil arrive, certainement du côté gauche. Et cela correspond à mon eyeline alors que le sujet évolue. Maintenant, nous allons remonter l'ombre. Et les ombres sont très importantes car lorsque vous utilisez un profil comme Adobe Vivid, le contraste est élevé, les ombres sont élevées, nous voulons donc les extraire et les rendre un peu plus brillants. Je vais pousser les ombres ici à plus de 30. En continuant, je vais laisser les Blancs là où ils sont, mais je vais pousser les Noirs à environ 19 ans. Donc, si je le fais avant et après, vous pouvez voir que la dureté du contraste dans le profil Adobe Vivid a été adoucie maintenant en changeant les noirs et les ombres et en les soulevant plus haut. Il s'agit donc d'une sensation un peu plus moelleuse et beaucoup moins de contraste, ce qui est important parce que dans un look vintage granuleux, il y a moins de contraste et c'est beaucoup plus flou, autant plus doux . plus cinématographique. Donc, en descendant, nous allons passer à la section actuelle ici. Cette image est remplie de texture. Si je zoome avant, vous pouvez voir que la face rocheuse est tout simplement magnifique. Vous avez la texture du pire, vous avez la texture de ce type en ruine, de vieux bâtiments. Ça me donne du médiéval, ça me donne du millésime. J'ai un motif sur la robe. La dernière chose que je veux faire est d'augmenter la texture, la netteté des roches est quelque chose que je veux refuser car encore une fois, si quelque chose semble trop net, il ne sera pas cinématographique. Ça ne va pas paraître, l'analogique va paraître très numérique. Et ce que nous voulons faire, c'est ce champ analogique loufoque. Allons réduire la clarté d'une dizaine. Je vais également quitter le curseur Dehaze parce que je pense que la diffusion de la lumière naturelle et cette image est si nette et belle dès la sortie de l'appareil photo. Je ne vais pas toucher ce curseur ici. Mais à titre de référence, ce à quoi cela pourrait ressembler , c' est que vous pourriez le rendre plus doux. Nous pouvons le rendre encore plus contrasté et percutant. Mais bien sûr, je vais double-cliquer ici, c'est récessif. C'est parfait comme il est. Je vais laisser la vibrance tranquille maintenant, mais je vais réduire la saturation à environ 15. Et bien que la couleur ait disparu, nous allons ramener cette couleur plus bas en dessous lorsque nous arriverons sur les curseurs HSL. 4. Courbe de tonalité : atteindre la profondeur cinématographique: Avant de passer dans les curseurs HSL, je veux sauter dans la courbe de tonalité. Maintenant, la courbe de tonalité est l' outil le plus merveilleux pour améliorer votre propre style personnel. La courbe de tonalité est donc la chose numéro un qui va vous donner tant de contrôle, polissage et de vous aider à obtenir ce look plus cinématographique, comme je l'ai décrit dans mon cours Lightroom, il y en a un très populaire courbe appelée courbe S, que de nombreux créateurs de contenu utilisent. Je vais donc utiliser une variation de la courbe en S dès maintenant. Donc, ce que je vais faire, c'est créer trois points sur cette ligne en cliquant simplement sur. Ils n'ont pas besoin d'être exacts. Ensuite, à partir de là, nous pourrons modifier nos tonalités. Au fait, l'autre partie de l' image affecte les hautes lumières. Je vais donc vous montrer comme ça. Vous pouvez voir que la lumière y est affectée. Si je descends la partie inférieure, ce ne sont que les ombres qui sont affectées. Alors, aplatissez légèrement les reflets. Et puis ce que je vais faire, c'est vraiment pousser un peu de corps et de se sentir dans ces ombres. C'est là que l' effet vintage prend vie. Voyez-vous que la différence est très subtile. Je vais zoomer. On peut voir un peu mieux. Mais plus je soulève cette queue, plus les ombres sont discrètes. Et je pense que c'est absolument magnifique. Et beaucoup de créateurs de contenu et de photographes adorent couper les ombres et les tons plus sombres pour un look plus cinématographique. Donc je ne vais pas aller trop loin, mais je vais aller jusqu'ici. Et peut-être que je vais effacer un peu ça pour que ce n'est pas si dur. K. Encore une fois, si je frappe avant et après, vous pouvez voir qu'il était beaucoup plus net, croustillant, saturé avant. Et maintenant, après. C'est beaucoup plus sourd. Et immédiatement pour moi, au moins je ressens ou j'ai de l'humeur, j'ai cette sensation cinématographique plus réfléchissante comme si c'est presque le début d'un film. C'est le début, peut-être une fin à cause du lever du soleil. Et maintenant, j'ai l'impression que ces tons font ressortir beaucoup plus d'émotions. Parce qu'avant avec le travail numérique, c'est plus un style magazine de voyage. Et maintenant, avec ça, c'est plus cinématographique, fou. Encore une fois, la nostalgie est ce que nous recherchons. Je recommande donc vivement de lever la queue de votre courbe tonale pour vous donner ces ombres discrètes. 5. Étalonnage de couleurs : teinte, saturation, luminance: Maintenant, nous allons passer à la coloration. J'ai donc adoré jouer avec les curseurs de couleur TSL car après avoir utilisé la courbe de tonalité où l'image reprend vie. Parce que vous pouvez jouer avec ce que vous voulez mettre en évidence simplement en utilisant différentes couleurs ou ce que vous voulez changer et comment vous souhaitez évoquer un endroit que vous avez photographié en le ramenant aux couleurs. Si c'est logique, passons tout droit. Je vais y aller et bricoler. Peut-être faisons-nous environ 35 avec les rouges parce que je ne veux pas de rouges durs là-dedans. Et je vais désaturer un peu les rouges. Peut-être que c'est environ 22 ans et je vais réduire la luminance à environ 25. Je passe dans les oranges. Je pense que les oranges vont être intéressantes car vous pouvez voir si je déplace ces curseurs, que l'image entière est en fait composée d'oranges. Je ne vais donc pas toucher la teinte, mais je vais réduire un peu la saturation, peut-être à moins 11. Je vais aussi repousser la luminance à moins 11. J'espère que dans les jaunes, je les pousserai vers l'orange parce que j'aimerais qu'ils soient plus oranges que verts. Si vous voyez que tout est très vert et que j'essaie de garder Outlook ces fils nostalgiques. Nous allons donc ramener ces jaunes à l'orange, peut-être moins 18 ans. Ensuite, je vais ramener la saturation à moins 35. Mais parce que je ne vais pas réchauffer la lueur, je vais pousser cette luminance à environ 22. Ensuite, en sautant dans les verts, je ne toucherai pas vraiment les verts parce qu' il n'y a pas beaucoup de vert ici. Mais je vais juste réduire ça un peu. Ce qui est également la luminance de celui-ci. En entrant dans le bleu, le ciel, certaines parties de la mer et ma robe vont être touchés. Je vais réduire la saturation de Bell. 27. Ils ont marché, vous vous souvenez de 18 ans ? Passons maintenant au blues. Encore une fois, ma robe et le ciel en haut à droite seront affectés. Vous pouvez voir qu'ils s'éloignent du violet. Je vais pousser vers l'application était d'environ 24 ans. Je vais également réduire la saturation à environ 20. Je vais ramener la luminance à 22 environ. Encore une fois, si vous avez l' impression que c'est trop loin, ne vous inquiétez pas car nous allons faire la dernière touche à la fin. Enfin, je ne veux pas de tortillement dans cette robe. Je vais donc pousser ça jusqu'au blues. y a donc pas de violet, juste du bleu. Je vais aussi réduire la saturation, assez loin, environ 70. Et je vais faire baisser la luminance sur un 16. Et juste dans le magenta, je ferai la même chose que je ne veux pas de rose sur l'image. Je vais juste réduire la saturation. Maintenant que nous avons bricolé le curseur de couleur, je vais frapper avant et après. Vous pouvez donc voir que c'est ce à quoi il ressemblait auparavant. Et maintenant, ça a l'air beaucoup plus filmique et ces saturés se déplaçant, je vais entrer dans ma partie préférée de tout ce shebang, qui est le classement des couleurs. Encore une fois, l'étalonnage des couleurs est un espace où vous, en tant que créateur de contenu, pouvez vraiment mettre votre propre tournure sur une image. Vous pouvez choisir de dessiner des bleus foncés et des oranges pour ce look hollywoodien, c'est vraiment à vous aux contextes et à l'ambiance que vous essayez d'évoquer. Ma sauce spéciale avec la photographie est bien sûr, ces tons dorés chauds. Mes préréglages sont tous très chauds, ensoleillés, diffus. Je vais donc sauter directement ici avec l'ombre. Et je pense que je ne vais pas les tirer trop loin. Ici, vers l'orange. Maintenant, vous pouvez immédiatement voir si je clique sur ce globe oculaire, vous pouvez cacher les ombres. Si je clique dessus. C'est très subtil, mais il y a certainement une différence. Et vous pouvez également jouer avec le curseur d' ombre ici. Je ne vais pas faire ça. Je vais juste le laisser tel quel. Et puis, ce que je vais faire, c'est passer au milieu des tons. Et c'est là que vous pouvez vraiment jouer avec l'ambiance que vous voulez créer. Que je vais juste monter aussi légèrement vers les jaunes, l'or jaune. Et puis je vais juste laisser les moments forts tranquilles. 6. Faites-le vintage : Grain et détails finaux: Maintenant, en faisant défiler vers le bas jusqu'au panneau Détails, certaines modifications seront potentiellement déjà appliquées. Je vais donc laisser l'affûtage là où il se trouve. Et si je fais défiler jusqu' au panneau des effets, c'est ce mauvais garçon que nous pouvons obtenir ce beau grain vintage. Donc, vous ne voulez pas aller trop loin parfois sur le grain, ce dont je suis coupable. Tout dépend de quel look, vous allez chercher, mais je vais aller avec le grain maintenant parce que j'adore ça. Et si je zoome sur ma silhouette en tant que sujet, elle reste très nette. Il me sert encore un peu de numérique, alors que je veux qu'elle ressemble à une image imprimée. Donc, ce que je vais faire, c'est prendre le curseur vert et pousser le montant à environ 25. Donc, si je frappe avant et après. Vous pouvez voir si vous regardez la netteté du tibia qui vient de le faire sentir immédiatement plus vintage. Vous pouvez également jouer avec la taille du grain ici. Je ne veux pas que ce soit trop rude comme ça. Je vais donc le ramener à 16 ans environ. Et puis jouer avec la rugosité. Si vous réduisez la rugosité, je trouve encore une fois que c'est assez numérique. Je vais donc pousser la rugosité à environ 82 ans. Je sais que c'est beaucoup, mais j' aime vraiment ce look moucheté poussiéreux et rayé. Un peu avant et après ici. Et vous pouvez voir comment le grain a rendu le tellement plus vintage. Pour ce qui est des corrections d' objectif, ce n'est qu'une préférence personnelle. Vous pouvez choisir d' activer la correction de l'objectif, ce qui élimine le vignettage dans les quatre coins de l'image, ou vous pouvez choisir de le laisser. Je vais prévisualiser à quoi ça ressemble ici. Et ce qu'il fait, c'est qu'il retire les coins de la distorsion Ramirez et corrigez votre image. Mais personnellement, j' aime oublier cela lorsque je modifie un look vintage parce que j'ai l' impression que c'est beaucoup plus, c'est beaucoup plus naturel. Et les caméras cinématographiques créent naturellement un peu de vignettage, donc elles sont plus brutes et authentiques. Vous pouvez techniquement laisser ça ici. Ce que je vais faire, c'est juste un peu augmenter la vibrance. Et je vais ramener les oranges, juste un truc là où nous l'avons. 7. Transformation : avant et après !: Maintenant, si je frappe avant et après, avant. Après. En bref, c' est votre montage de film vintage Kodak moment. Nous voulions tous exporter l'image. Il suffit d'aller dans Export de fichiers. Je vais appeler ça la caméra de film vintage, l' éditer, l'exporter. Ouvrez cette taille réelle. Et c'est ainsi que nous le faisons. Et si vous avez adoré cette édition et que vous n'avez pas envie de franchir toutes les étapes vous-même. Alors, en cadeau très spécial pour vous, je vous donne le préréglage Lightroom exact que j'ai créé tout juste maintenant. Consultez donc le lien ci-dessous. Inscrivez-vous, utilisez-le, ajoutez-moi, veuillez me marquer sur les photos sur lesquelles vous appliquez ce préréglage, afin que je puisse les partager avec ma communauté sur les réseaux sociaux. Vous pouvez me trouver à l'élimination partout. Comme je l'ai dit, si cela vous a été utile, veuillez le partager avec tous ceux qui pourraient le trouver pertinent. Découvrez le reste de mes vidéos et je vous retrouverai dans le prochain tutoriel.