Transcription
1. Bienvenue: Apprendre à
numériser mon travail a été une étape fondamentale
de mon parcours artistique. Cela m'a donné la possibilité
de travailler sur de nouveaux produits, combiner les médias traditionnels
avec les médias numériques et d'élargir mes compétences créatives. Bonjour, je m'appelle Althea
et je suis artiste, graphiste,
éducatrice en ligne basée en Italie. Aujourd'hui, je vais vous
apprendre comment numériser vos œuvres d'art
dans Adobe Photoshop, en passant d'une
illustration réelle à une ressource numérique que vous pouvez
utiliser pour les projets des analystes. Nous allons commencer par créer une
série d'illustrations à l'aquarelle collecte
de l'inspiration à la
peinture des fleurs murales. Nos illustrations étant prêtes à être utilisées, nous passerons directement au processus
de numérisation. Je détaille toutes les
étapes dont vous avez besoin pour numériser vos œuvres d'art et
ajuster les couleurs. La numérisation d'œuvres peut parfois
perdre de leur éclat, mais je vais vous donner
tous les outils dont vous avez besoin pour redonner vie à votre art. Ensuite, nous nous
efforcerons de supprimer l'arrière-plan et
d'isoler chaque élément. Cette partie du
cours sera
remplie de
conseils et astuces simples sur Photoshop. Nous apprendrons à
traiter les aquarelles
dont les bords ne sont pas
bien définis ou à corriger les erreurs
de peinture. Après avoir suivi ce cours, vous verrez à quel point il est
simple de transformer vos magnifiques peintures en actifs numériques
exceptionnels. Pour le projet final
de ce cours, vous apprendrez à combiner vos éléments botaniques dans
une composition élégante. Vous allez créer une
belle initiale ornée de tous
vos atouts botaniques. Ce projet peut être
un cadeau parfait, une belle impression d'art, une image sur les réseaux sociaux ou
tout ce que vous pouvez imaginer. Eh bien, une compréhension
de base des aquarelles dans Photoshop peut être utile. Ce cours est conçu
pour les étudiants de tous niveaux qui souhaitent donner une nouvelle dimension à leur art
artisanal. J'invite tout le monde
à commencer ce voyage avec moi. voit en classe.
2. Pour commencer: Je suis si heureuse que tu sois là. Bienvenue en classe. Bien que la numérisation de vos œuvres d'art puisse ouvrir de nombreuses
nouvelles opportunités, au début, cela peut sembler intimidant. Il peut être difficile de
savoir comment numériser votre travail ou comment utiliser des logiciels de
retouche d'images. Lorsque j'ai commencé à numériser
mes œuvres d'art dans Photoshop, je me sentais souvent confuse
et bouleversée. C'était tout nouveau pour moi et il
a tellement de caractéristiques étranges. De plus, j'ai
remarqué qu'il
n'y avait pas qu'une seule bonne façon
de numériser mes œuvres d'art , mais que chaque artiste avait
sa propre façon de le faire. Cela m'a fait douter de la
manière d'aborder le processus de numérisation. Si vous pouvez comprendre, je suis
là pour vous montrer qu' avec un peu de
pratique et de constance, vous commencerez à vous sentir
plus en confiance et vous développerez également les compétences nécessaires pour numériser
vos œuvres d'art. Dans la première partie du cours, nous allons peindre des
éléments botaniques ensemble, puis je
vous montrerai mon flux de travail pour numériser cette peinture. Que vous soyez
débutant à la peinture, à Photoshop ou aux deux, je vais détailler en détail les
méthodes de peinture et de numérisation Les étudiants de tous niveaux
sont
donc invités à participer. Si vous avez déjà des œuvres d'art prêtes, n'hésitez pas à les
apporter. Sinon, tu peux
peindre avec moi. Je serais très heureuse que tu te
joignes à moi pour la séance de
peinture. Nous allons commencer par trouver les
éléments botaniques qui vont peindre. J'ai créé un
tableau sur Pinterest rempli de photos
de fleurs sauvages que je partagerai avec
vous pour trouver l'inspiration, puis j'aime faire des
croquis
des éléments botaniques auquel je peux me
référer en peignant. Cela me donne plus
confiance en moi et accélère également mon flux de travail. Les exercices d'
échauffement suivants à aquarelle sont
également intéressants
car ils permettront de créer une
palette de couleurs et de pratiquer différents coups de pinceau
pour peindre différentes parties des plantes. Ensuite, nous allons peindre environ
10 éléments botaniques. Une fois qu'ils sont secs, je vais les numériser et les importer dans Photoshop. La première étape de la numérisation sera la correction des couleurs Nous ajusterons l'
intensité des couleurs, en veillant à ce que la version
numérisée soit similaire à notre peinture
originale. Ensuite, nous allons supprimer l'
arrière-plan et
apprendre à isoler chaque
élément séparément. Cette leçon contient de nombreux conseils et astuces pour
corriger les erreurs, traiter les aquarelles dont les bords
ne sont pas bien définis et transformer vos
illustrations en fichiers
clipart qui
sont prêts à être utilisés. J'espère que ce
cours vous donnera tous les outils dont vous avez besoin pour
commencer à numériser votre art
et, bien sûr, vous
présenter un flux de travail qui
rendra l'ensemble de ce processus aussi
simple et rapide que possible. Dans le projet final, vous appliquerez les
astuces et techniques apprises tout
au long du cours pour créer une carte avec l'
initiale de votre nom décorée d'aquarelles
numérisées. Vous serez surpris par les nombreuses choses que vous
pouvez créer en
transformant vos aquarelles en ressources numériques. Dans l'onglet Projets
et ressources, j'ai inclus quelques ressources que vous pouvez consulter
pour ce cours. Vous trouverez un dossier contenant
mes croquis botaniques, une liste des matériaux
et outils dont nous aurons besoin, un guide étape par étape sur la façon de
numériser vos œuvres d'art
et, enfin, une page remplie exemples de créez
votre lettre botanique. Sans plus attendre, passons
directement à la leçon suivante où je vous
expliquerai le matériel
et les outils dont nous aurons
besoin pour le cours.
3. Matériaux et outils: Voici tout le matériel dont
nous aurons besoin pour dessiner N'importe quel crayon ou stylo et toute
feuille de papier fonctionneront. J'utiliserai un carnet de croquis. Je vais dessiner les
éléments à l'aide de lignes fines. Pour peindre les éléments
botaniques, vous aurez besoin de
papier aquarelle, de peintures et de pinceaux, ainsi que de deux pots d'
eau, d'une palette de mélange
et de serviettes en papier. J'utiliserai le kit de peinture Winsor
and Newton, qui est très abordable et propose une variété de
couleurs parmi lesquelles choisir. Pour ce qui est de l'article, je vais utiliser
celui d'Art-n-Fly. Il est pressé à froid de 300 g/m². Ce papier est également
très abordable. Je le trouve parfait pour l'
utiliser pour les exercices d'échauffement. Pour la peinture finale, j'utiliserai ce
papier d'Arches, qui est de meilleure qualité. Les pinceaux proviennent de Princeton et les deux sont des pinceaux bruns. L'avantage de
ces pinceaux est que les poils
sont en pointe fine. Cela me permet d'ajouter des détails sans passer
à un autre pinceau. Lorsqu'il s'agit de peindre
à l'aquarelle, il existe de nombreuses options en
termes de marques et de fournitures. Si vous avez besoin d'un peu
plus de conseils à ce sujet, je vous recommande de regarder
mon cours sur les fleurs en vrac, où vous trouverez une leçon consacrée au
matériel que j'utilise. Ensuite, pour numériser la peinture,
vous aurez besoin d'un scanner et d'un ordinateur sur lequel
Photoshop est installé. Si vous ne possédez pas de scanner, une bonne alternative
peut être d'utiliser un appareil photo ou un téléphone portable qui prend des photos
en haute résolution. La tablette numérique peut
également être utile, mais ce n'est pas nécessaire. Je n'utilise la tablette numérique lorsque je dois utiliser
l'outil à effacer ou le pinceau et apporter des ajustements précis
à mes peintures. Mais vous pouvez faire toutes ces
choses à l'aide de votre souris. Voici tout le matériel et les outils dont vous avez besoin
pour le cours. Vous trouverez également une liste de contrôle sous l'onglet Projets
et ressources. Maintenant, mélangeons les éléments que nous allons peindre et laissez-vous inspirer.
4. Inspiration et croquis: Chaque fois que je crée des collections
graphiques à
partir de mes illustrations, j'aime toujours commencer par un rapide croquis des
éléments que je vais peindre. Cela me permet d'
avoir plus de contrôle et de flexibilité sur
ce que je vais créer. Je peux toujours revenir en arrière, effacer et apporter des modifications
avant la peinture finale. Pour nous aider à esquisser les éléments
botaniques, j'ai créé un tableau Pinterest où j'ai rassemblé
des photos de fleurs sauvages. Vous pouvez trouver cette
collection sous l'onglet Projets et ressources, et voici le lien vers celle-ci. N'hésitez pas à vous
inspirer ailleurs : à l'extérieur, en lisant un
livre ou sur Internet. Vous pouvez également esquisser les éléments
à partir de votre propre imagination ou vous
inspirer de la vie réelle. Je vais simplement utiliser ces
photos comme une source d'inspiration approximative, mais mon objectif ici
n'est pas de reproduire la fleur entière avec
tous ses détails. Le but de cette leçon
est de générer des idées afin que nous puissions avoir des références
lorsque nous commençons à peindre. Gardez à l'esprit que nous aurons besoin d' environ 10 éléments botaniques pour créer une belle composition
pour le produit final. J'envisagerais de dessiner
3 à 4 types de branches, trois
types de fleurs différents et quelques éléments uniques
tels que des feuilles ou des capitules. Un autre conseil avant de
commencer est de varier vos éléments botaniques. J'éviterais de
ne dessiner que des branches, des fleurs ou des éléments botaniques très
similaires les uns aux autres. Pensez plutôt à la variété
et aux traits distinctifs
que vous pouvez trouver dans la nature. fait d'avoir une bonne
variété dans vos illustrations rendra votre
composition finale plus dynamique. J'utiliserai un
crayon fin lorsque je dessine afin que vous puissiez voir les
grandes lignes de mes dessins. Après [inaudible]
la galerie de photos, je vais commencer par un croquis d'une
branche de mon imagination. Je trace d'abord la tige principale ,
puis je touche
les plus petites et je les remplis de feuilles. Pour donner du mouvement à cette branche, je fabrique de courtes feuilles pointues
dans différentes directions. La deuxième branche a
une structure plus simple. Je trace juste une tige ondulée
et maintenant je dessine les feuilles des deux
côtés de manière symétrique. Au fur et à mesure que je remonte, je fais des feuilles de
plus en plus petites. Vous pouvez imaginer
cette branche
contenue dans une forme de triangle
imaginaire. Lorsque je dessine, je ne me
mets jamais la pression et je ne m' attends jamais
à ce que les éléments soient parfaits. Mon objectif est simplement d'avoir
un plan général pour plus tard et d'avoir un aperçu de
ce que je vais peindre. Dans cet esprit, je tiens
vraiment à
vous rappeler de prendre cette partie
du cours avec douceur, et tout le processus de dessin et de
peinture doit
être amusant et relaxant. Eh bien, en
parcourant les photos, j'ai trouvé cette plante intéressante. Elle est très différente de l'apparence habituelle des
branches et des feuilles et je pense que cela
contribuera à embellir la composition botanique finale. Je commence par dessiner
la tige en y attachant une deuxième branche. En haut, j'
ajoute de petites branches et maintenant je dessine de petits cercles réguliers avec les bords
irréguliers en grappes. Celles-ci, pour représenter les fleurs, ou simplement la
partie supérieure de cette plante. Encore une fois, il s'agit d'un croquis très
approximatif et la photo m'
a servi de
guide et d'inspiration. Un autre élément parmi
toutes ces fleurs qui a attiré mon
attention était ce bourgeon. Je suis en train de tracer la tige. J'ajoute deux feuilles
dans la partie inférieure et d'autres feuilles dans la partie
supérieure de la tige. Enfin, j'ajoute
les bourgeons au-dessus des deux tiges. Maintenant que nous avons suffisamment de croquis
de branches et de feuilles, je vais commencer à dessiner
les fleurs. J'ai trouvé cette photo de
la fleur du Cosmos, que je trouve si simple
mais pourtant si belle. J'ai commencé par créer
le centre de la fleur et maintenant je dessine lentement
les pétales un par un. Pour la tige, j'ai
décidé d'utiliser une simple ligne courbe
sans ajouter de feuilles. La prochaine fleur
sera un peu plus complexe. Après avoir dessiné la tige principale, j'ai ajouté une deuxième branche
sur le côté droit et j'esquisse une petite fleur tournée vers la
droite sur cette branche. Pour dessiner la fleur
principale au-dessus de cette tige, j'ai d'abord marqué quatre points qui marqueront le centre
de la fleur, puis je l'ai simplement complétée en ajoutant quatre pétales arrondis autour
des repères, de cette façon. J'ajoute deux
éléments supplémentaires au cas où nous aurions besoin de remplir
certaines zones de la composition avec quelque chose qui n'a pas une longue tige
ou qui a une branche complète. J'espère que la
leçon de dessin a été vraiment intéressante et utile pour créer
votre série d'illustrations. Maintenant, vous pouvez passer à
la leçon suivante si vous êtes curieux de
connaître la palette de couleurs que j'utiliserai et si vous souhaitez faire
quelques exercices d'échauffement avant de commencer à peindre.
5. Palette de couleurs et réchauffement: Cette leçon s'
adresse à tous ceux qui souhaitent
se familiariser avec leurs peintures et leurs pinceaux avant de commencer à peindre
les éléments finaux. Nous allons commencer par
créer une palette de couleurs, et je vais vous montrer les couleurs que j'ai choisies
pour ce cours. Ensuite, nous nous réchaufferons un
peu en peignant des feuilles, des tiges et une fleur que vous pourrez
utiliser pour la prochaine leçon. Je prépare toutes mes fournitures
d'aquarelle. J'ai préparé deux pots d'eau parce que je vais en utiliser
un pour les bruns et l'autre
pour les couleurs plus claires. De cette façon, les couleurs
restent bien nettes et ne se bouchent pas. Voici un nuancier
de Winsor et Newton, et voici les couleurs
que je vais utiliser. Ocre jaune, Sienne brûlée, rouge
clair, ombre
brûlée, brun Van Dyck. Comme vous pouvez le constater, j'ai
opté pour des couleurs chaudes et je suppose que je n'en ai pas encore
fini avec la saison automnale. Quoi qu'il en soit, j'
encourage toujours mes élèves à utiliser les couleurs
qui leur parlent
et à apporter leur propre
style à toute création. Si vous pensez que ces
couleurs ne vous conviennent pas, n'hésitez pas à en
choisir différentes. Je vais commencer par créer des patchs de
couleur pour
les couleurs que j'ai choisies afin que vous puissiez visualiser leur
apparence et leur sensation côte à côte. Je vais d'abord définir
la couleur Sienne brûlée. Je commence par cueillir une quantité dense de
peinture avec mon pinceau, puis je la dilue avec de l'eau pour créer un joli dégradé
lisse. Je vais juste
répéter cette étape pour le reste des
couleurs que j'ai choisies. Le fait d'avoir toutes les couleurs
inscrites sur du papier vous aidera à avoir une meilleure idée des choix de
couleurs que vous avez faits. C'est également une
partie importante du processus lorsque je dois créer
des palettes de couleurs. Pour choisir cette palette de
couleurs particulière pour le cours, j'ai fait des expériences en appliquant
différentes couleurs sur du papier
et en vérifiant à quoi elles
ressemblaient. Chaque fois qu'il y avait une couleur
qui ne me convainquait pas, je la remplaçais par une autre jusqu'à ce que je
sois satisfaite du résultat. Notre palette de couleurs est prête. Si vous avez choisi différentes
couleurs chez moi, je suis très curieuse de voir à quoi ressemblera
le projet final. Maintenant, nous pouvons nous réchauffer un peu. J'aime commencer par les lignes fines, qui sont généralement celles qui demandent le plus d'
attention et d'efforts. L'utilisation de la pointe du
pinceau me permet peindre les lignes fines
et fines. De plus, je ne touche que très légèrement
le papier, trop appuyer sur
le pinceau. Comme nous allons
peindre de nombreuses tiges à la
fois pour créer
les branches et les fleurs, j'ai décidé d'
en essayer quelques-unes. Pour peindre une tige, je partais normalement
d'une ligne principale,
puis j'
y attachais moins de sens, en assurant qu'elles pointent
dans des directions différentes. En ce moment, je peins
quelques feuilles. Je commence très légèrement, en utilisant la pointe du pinceau, puis j'appuie lentement
avec le ventre du pinceau relâcher la pression. Cela permet de créer
une feuille en un seul trait. Pour compléter la feuille et avoir une
ligne blanche au milieu, il
suffit de répéter cette
étape avec l'autre côté, en veillant à
laisser un peu d'espace blanc entre les deux
côtés des feuilles. Je vais ajouter
quelques éléments supplémentaires et je vais également vous
montrer une méthode simple
et rapide pour
peindre des fleurs. Si vous n'avez jamais peint
de fleur auparavant, vous pouvez facilement utiliser
cette technique simple. Si vous pensez avoir besoin de
plus de cette pratique, je vous suggère également de consulter mon cours d'aquarelle
pour débutants. Vous y trouverez des leçons pour
apprendre à peindre des feuilles, des fleurs et des branches en utilisant la technique lâche. Commencez par choisir une couleur et appliquez-en une
quantité dense sur votre pinceau. Peignez des points ou une petite ligne pour créer le centre
de la fleur. Veillez à laisser un
espace entre chaque point. Maintenant, rincez complètement votre pinceau et assurez-vous qu'il est
bien rempli d'eau ou simplement d'une autre couleur. C'est le centre
de votre fleur uniquement avec la pointe de votre pinceau, puis appliquez une pression
pour créer une forme de pétale. Nous sommes prêts à commencer à
peindre les derniers éléments. Rendez-vous dans la prochaine leçon.
6. Peinture: Je vais garder le
carnet de croquis contenant les éléments botaniques à proximité. J'ai inclus ces croquis dans les ressources
du cours au cas où vous préféreriez les garder
imprimés ou affichés sur votre
ordinateur portable à titre de référence. Pour la première branche, je choisis un brun foncé et je charge le pinceau avec une bonne quantité
de cette couleur. Commençons par tracer d'abord
la tige principale. J'y vais très légèrement et lentement pour rendre la
ligne assez fine. En bas, je vais ajouter une petite branche et la
remplir de feuilles. Pour les feuilles, je
veux qu'elles aient l'air un peu sèches, comme
les feuilles en automne ou en hiver Lorsque
j'applique une pression pour créer la forme des feuilles, j'
essaie de faire bouger le trait exprès. Peignons maintenant une autre branche juste un peu au-dessus de
celle que nous venons de peindre. Notre premier
élément botanique prend vie. Ajoutons plus de feuilles à
la branche restante. Au fur et à mesure que je me rapproche de l'
extrémité de la tige, je
rends les feuilles plus petites pour donner à cette branche les
bonnes proportions. Pour la branche suivante, j'
utilise un brun différent. Je dilue la couleur avec
un peu plus d'eau au
lieu de la peinture que j'ai
utilisée pour la première branche. Encore une fois, je commence par peindre
une tige très fine et maintenant je vais ajouter les
feuilles juste d'un côté. Au fur et à mesure que je gravis les échelons,
je les réduis. Les feuilles
suivent simplement la
direction de la tige. J'opte pour plus de couleur
pendant que la peinture est encore humide pour créer un joli
effet flou sur certaines feuilles. Je continue à peindre les feuilles et j'utilise la peinture que j'ai
déjà sur mon pinceau. Branche numéro 3, je dilue
ici le brun
que je viens d'utiliser avec plus d'eau. Je tiens
à ce que cet élément soit très clair. Lorsque nous combinons tous
ces éléments, le
fait de peindre les branches avec différentes nuances
va vraiment ajouter de la profondeur et contraste. Je
vous encourage donc vraiment à varier légèrement vos couleurs et à éviter
en utilisant successivement la même couleur
ou la même intensité de
teinte. Tout comme les feuilles
de mon croquis, je les peins symétriquement et je les
redimensionne au fur et à mesure que j'atteins le sommet. Cet
élément botanique va
ressembler à la plante sèche
que j'ai à côté de moi. Je commence par
créer la tige qui se plie
ensuite en deux branches
différentes Avec le même brun, je fais d'abord
quelques petits points légèrement au-dessus du
sommet des branches. Maintenant, je
prends un ocre
jaune répète les étapes
et j'ajoute plus de points. Je suis juste en train de les rapprocher de ceux que
j'ai faits en marron. Maintenant, diluons ces
couleurs pour estomper les points et ajouter plus de volume. Je vais donc y retourner avec un pinceau
assez propre. Pour compléter cet élément je peins simplement quelques
petites branches qui relient la tige principale à
la partie supérieure de cette plante. La structure de cette nouvelle usine est similaire à la précédente. Vous voulez créer une tige qui se divise en deux branches
différentes. En haut des tiges, j'ajoute quelques lignes qui serviront d'
oiseau à la fleur. Ensuite, avec la même couleur, je peins une feuille plus près
du bas de la branche. Comme je veux
rendre cette fleur un peu plus dynamique, je dilue le brun et je peins des
feuilles plus petites de chaque côté de la tige dans une couleur plus claire. Enfin, pour les bourgeons, je ramasse une
bonne quantité de
rouge vif que je dépose près
du sommet du bourgeon. Ensuite, je m'assure que mon
pinceau est bien rempli d'eau et j'y retourne et je
crée cet effet flou. Ensuite, je commence par peindre
quelques pétales avec de la sienne brûlée et je laisse un
espace blanc à l'intérieur de chaque pétale. Je prends de l'eau
pour nettoyer mon pinceau et j'y retourne
pour éclairer la partie intérieure du pétale tout en
laissant un espace blanc. Cela ajoute un
peu de contraste aux pétales, ce qui les rend
plus intéressants. Ensuite, je choisis du
brun pour la tige et peins en commençant par
le bas, en remontant. Vous pouvez ajouter des feuilles
si vous le souhaitez , mais je vais juste laisser
cette tige très simple. Je vais éviter de peindre le
centre de la fleur pour l'instant et y revenir plus tard. Je veux attendre que les
pétales soient complètement secs avant d'ajouter de la couleur ici. Pour la fleur suivante, j'utilise un brun foncé pour
créer sa structure. J'utilise une bonne
quantité de couleur ici et je commence par tracer
la tige principale. Ensuite, j'ajoute deux feuilles dans
la partie inférieure de la tige en utilisant la pointe du pinceau
pour les rendre pointues. J'ajoute également une petite branche où je placerai une
deuxième fleur plus tard. Pour la fleur, je
choisis un rouge
clair je charge le pinceau
avec beaucoup de pigment et je commence à créer
le centre de la fleur. Je peins juste de petits points et lignes pour marquer le centre. Ensuite, en créant les pétales
en utilisant la même épaisseur puis cette couleur, je peins quatre pétales. Encore une fois, je laisse
un espace blanc. J'utilise également la
pointe du pinceau pour les
rendre un peu
irréguliers et irréguliers. Cela donnera ce joli look
automne-hiver à notre fleur. Vous ne voulez pas que ces
pétales paraissent trop petits. Eh bien, la peinture est encore humide, je vais revenir aux
pétales avec un pinceau propre pour pouvoir donner ce
joli effet flou. Si vous remarquez que vos
coups de pinceau sont trop liquides, vous pouvez simplement taper le
pinceau dans votre serviette pour libérer de l'eau. Ajoutons une petite fleur ici. J'ajoute trois pétales
pour créer une fleur qui n'a pas encore fleuri. Maintenant que les fleurs
sont complètement sèches, nous pouvons en créer les
centres. Je choisis le brun je charge le pinceau
avec beaucoup de pigment et je commence à taper sur la couleur
pour créer le centre de celui-ci. Notre prochain élément botanique
serait la tête d'une fleur. Je peins celui-ci en gardant les choses
à nouveau très simples. Pour les éléments précédents, on partait généralement
d'un pigment foncé que l'on diluait ensuite
pour le rendre plus lumineux. Mais pour cette fleur, je vais commencer par
une couleur très claire puis je vais laisser
tomber un peu de couleur dessus pendant que la peinture est encore humide et je vais assombrir certaines
parties des pétales et nous allons créer un très
joli dégradé lisse. abord, avec une couleur très claire, je trace la forme
des pétales laissant un
espace blanc entre les deux. Pendant que les pétales sont encore humides, j'ajoute lentement de la
peinture sur la partie intérieure. En peignant chaque
pétale un par un, je continue à appliquer lentement
la peinture. Cela crée un
magnifique dégradé qui donne un peu d'ombrage
à la fleur. Maintenant, j'ajoute juste
quelques feuilles pour compléter notre série
d'illustrations. Nos peintures sont terminées, mais si vous le souhaitez, vous pouvez également ajouter des détails à certains éléments
botaniques. Par exemple, j'ai ajouté ici quelques lignes au-dessus
de ces feuilles, et j'ai également fait ressortir
un peu plus les bourgeons en
ajoutant plus de couleur. Les illustrations sont
prêtes à être numérisées, il suffit d'attendre
que tout soit sec et je vous verrai
dans la prochaine leçon.
7. Scanner: Nous venons de terminer
la séance de peinture, nous pouvons
donc commencer le processus
de numérisation. Lorsque vous numérisez votre travail, deux options s'offrent à
vous pour transférer vos œuvres d'art faites main
sur votre ordinateur. Tout d'abord, vous pouvez utiliser un scanner, méthode que
je recommande vivement. Ou vous pouvez utiliser un appareil photo
ou un téléphone portable à la place. Si vous choisissez d'utiliser un
appareil photo pour l'étape de numérisation, voici quelques conseils que vous voudrez peut-être prendre en compte
avant de prendre la photo. abord, trouvez un endroit avec une lumière
uniforme et indirecte. Les jours nuageux sont
généralement les meilleurs car la lumière
est très neutre et douce sur votre
papier et ne
modifie pas les couleurs de
l'illustration. Évitez de prendre des photos à la lumière du soleil
ou dans toute situation qui crée des ombres
sur votre papier. Lorsque vous prenez des photos, assurez-vous de tenir
votre appareil photo par le haut et de ne
recadrer aucune partie de votre papier. Si vous avez un trépied, je vous recommande de l'utiliser pour éviter toute distorsion et tremblement. Voici une feuille de
papier blanc pour
renvoyer la lumière sur votre œuvre d'art pour un éclairage
plus uniforme. Pour numériser mes œuvres, j'utilise un scanner et le
modèle est le Canon LiDE 400. C'est une bonne chose de commencer par
scanner si vous avez besoin de recommandations car il n'est pas
aussi cher que les scanners professionnels et fait parfaitement l'affaire. Vous n'aviez pas vraiment besoin la
plus chère pour commencer. Donc, avant de commencer à
numériser mes œuvres, je m'assure toujours que
la peinture est sèche. La deuxième chose à faire
est de m'assurer que le plateau du scanner est propre Même si je ne vois pas de poussière, je l'
essuie toujours avec une serviette. Il n'y a pas eu beaucoup de
fois où je scanne mon travail et j'ai remarqué de la poussière sur ma peinture
lors de l'édition dans Photoshop. Il s'agit simplement d'un travail supplémentaire que nous voulons éviter
autant que possible. Lorsque vous êtes prêt, vous
pouvez placer le papier, fermer le couvercle et tenir
votre main sur le couvercle ou placer quelques
livres dessus. Le papier pour aquarelle
étant généralement irrégulier, un peu de poids peut aider au cours
du processus de numérisation. Dans le
logiciel de numérisation de votre ordinateur, vous disposez de plusieurs options
pour les paramètres de numérisation. Elles dépendent de
votre scanner spécifique et votre boîte de dialogue peut
être légèrement différente, mais les options que nous allons
définir devraient être présentes. Lorsque je numérise des illustrations, je sélectionne
toujours le mode photographie, puis je règle la résolution. Si vous souhaitez conserver
l'illustration pour un projet
Web, 72 DPI suffisent. Si vous prévoyez
d'imprimer l'illustration, je vous recommande
de commencer par au moins 300 DPI. Je numérise généralement à
600 DPI car il est généralement plus facile de
numériser à une résolution plus élevée. Si j'ai besoin que mon fichier
soit plus petit, je peux toujours l'exporter avec une
qualité inférieure dans Photoshop. Ensuite, je vérifie où le fichier
va être enregistré et enfin, je sélectionne le format dans lequel je souhaite que
mon fichier soit enregistré. Ici, j'ai les formats PNG, TIFF et JPEG. Si vous vous demandez
quel format utiliser, l' ou l'autre de ces formats suffira, mais sachez simplement
que les fichiers TIFF stockent beaucoup plus de données
que les fichiers JPEG. Cela signifie que la qualité
sera meilleure, mais cela se
traduira également par des fichiers de plus grande taille. Le format JPEG utilise une compression avec
perte,
ce qui signifie que
ces fichiers réduisent la qualité de l'
image pour
obtenir une taille de fichier
plus petite et plus facile ce qui signifie que
ces fichiers réduisent qualité de l'
image pour
obtenir une taille de fichier
plus petite à gérer. Ainsi, même si mon
fichier sera plus volumineux, je sélectionne toujours le format TIFF
pour obtenir la meilleure qualité d'image. Nous sommes tous prêts. Maintenant, nous pouvons cliquer sur « OK ». Maintenant, je clique sur « Photo »
pour lancer la numérisation. Une fois votre
illustration numérisée, vous pouvez ouvrir Photoshop
et passer à la leçon suivante où nous travaillerons sur la correction des
couleurs.
8. Ajustements de couleurs: La première chose que je fais
après avoir scanné mon travail est de
corriger les couleurs. Tout d'abord,
ouvrons Photoshop. Cliquez sur « Fichier », « Ouvrir », puis sélectionnez le
fichier que vous venez
de numériser à partir duquel vous l'avez enregistré. Maintenant, il se peut que vous deviez faire
pivoter votre image. Si c'est le cas, allez dans Image, Rotation de
l'image. Si vous maintenez la
barre d'espace de votre clavier enfoncée, une petite aiguille apparaîtra et vous permettra de déplacer
votre espace de travail. Je vais utiliser cette
fonction assez souvent, donc je
voulais juste vous la montrer. Comme vous l'avez probablement remarqué au cours du processus de numérisation, nos illustrations ont perdu un
peu de luminosité. Il peut apparaître un peu jaune
ou sur le côté opposé, il peut sembler un peu frais. Cela dépend vraiment
du scanner que vous possédez. Pour corriger
ce changement de couleur, nous devons équilibrer
le
fond blanc par rapport à l'ensemble de l'image Cliquez
donc sur « Image »,
« Réglages », « Niveaux ». Ici, vous voyez trois
pipettes et vous devez cliquer
sur le troisième. Zoomez sur une partie claire de
l'arrière-plan en cliquant sur « Contrôle plus » et prélevez un point
blanc sur le papier. La différence dans le changement de couleur
global peut être légère, mais en général, l'apparence de l'image doit
être plus naturelle. Une autre
option intéressante que nous avons dans le panneau des niveaux concerne
les niveaux d'entrée. Il y a d'autres triangles que vous voyez sous le graphique et des poignées vous permettent de vous déplacer pour ajuster les couleurs de différentes
manières. J'utilise toujours le premier pour ajouter du contraste
aux illustrations et il suffit de le déplacer
un peu. Si vous en faites trop, vos illustrations pourraient
paraître un peu dramatiques. habitude, je ne déplace pas
les deux autres poignées car je ne veux pas trop
modifier ma peinture. Mais bien sûr, chaque
peinture est différente Je peux
donc parfois
ajouter de la luminosité en faisant glisser cette dernière
poignée vers la gauche. Mais encore une fois, juste un tout petit peu. Je pense que les aquarelles sont
belles maintenant et plus naturelles, mais je
vais faire encore une chose. Parfois, les couleurs de
vos peintures numérisées peuvent sembler un peu plates J'aime
donc ajouter un peu
de vivacité et de saturation. Cliquons sur « Image »,
« Réglages » et « Vibrance ». Comme je l'ai mentionné, je n'aborde que très légèrement
ces ajustements. Mon objectif est de faire en sorte que
la photo
numérisée ressemble à ma peinture, revienne à l'original, peut-être avec juste une touche de
contraste et de saturation. En fin de compte, la façon dont vous effectuez
les corrections de couleur dépend de
chaque œuvre d'art, la couleur que vous avez utilisée et
de l'apparence que vous souhaitez lui donner. C'était ça concernant la correction des
couleurs. Dans la prochaine leçon, nous travaillerons
à supprimer l'arrière-plan et à isoler chaque élément
botanique.
9. Retirer l'arrière-plan: Il existe de nombreuses manières faire la même
chose dans Photoshop. Il existe également plusieurs méthodes
différentes pour
supprimer l'arrière-plan. Dans cette leçon, je vais vous
montrer les étapes je prends pour isoler chaque élément et créer un joli fichier PNG propre prêt à être utilisé pour tout
type de projet. En cours de route, je vais partager
quelques conseils sur la façon de traiter les aquarelles dont les bords
ne sont pas bien définis. Je vais également vous montrer
comment vous débarrasser des imprécisions ou des erreurs de
peinture. Dans les ressources du cours, j'ai inclus un guide sur toutes les étapes que
nous allons suivre. Vous devriez peut-être y jeter un coup d'œil. Verrouillons le niveau
où vous avez votre photo
en cliquant sur le cadenas. Créez un nouveau niveau et
faites-le glisser en dessous du premier. Assurez-vous que le nouveau niveau
est sélectionné, puis dans la section des outils, sur votre gauche, cliquez sur le premier carré
de la section des couleurs, choisissez n'importe quelle couleur foncée,
puis cliquez. « D'accord ». Sélectionnez maintenant
l'outil bucket et cliquez n'importe où
sur le canevas. Cette
couche de couleur foncée sera
utile lorsque nous
supprimerons l'arrière-plan. Cela ajoute un
contraste saisissant et nous aide à identifier les endroits de nos éléments d'
aquarelle que, par
exemple, nous
n'avons pas bien effacés ou les points blancs qui doivent
encore être nettoyés. Pour garder les choses en ordre, nous pouvons donner un nom
au niveau
que nous venons de créer
en double-cliquant sur le nom actuel et en le
remplaçant par un arrière-plan. Je renomme également le niveau
contenant le fichier skin. Maintenant, assurez-vous que vous êtes au niveau
principal et que dans une barre d'outils, trouvez le symbole de la gomme. Cliquez dessus et maintenez
pour voir d'autres options apparaître, et parmi celles-ci, sélectionnez
le Magic Eraser. Ici, nous avons une valeur
appelée tolérance. La valeur que nous attribuons à la
tolérance définira la gamme de couleurs
supprimée par la gomme. Une tolérance inférieure
efface uniquement les pixels dont la couleur est très similaire à
celle que vous sélectionnez. Une tolérance plus élevée
efface les pixels présentant une plage de similarité de
couleurs plus étendue. Je vais démontrer les différents effets de
la
variation de la tolérance. Mais avant cela, assurez-vous que la contiguïté est cochée afin que seul l'
arrière-plan soit effacé. Si la case contiguïté n'est pas sélectionnée, tous les pixels de cette couleur se trouvant sur l'
image seront effacés. Réglons maintenant la tolérance sur un nombre élevé, comme
60 par exemple. Maintenant, je vais cliquer sur le fond blanc
que je souhaite supprimer. Comme vous pouvez le constater, de nombreuses parties de
nos illustrations ont été effacées, et ce parce que la valeur de la tolérance
sera assez élevée. Réinitialisons en
appuyant sur « Control Z ». Cette fois, je vais
essayer un chiffre faible. Comme vous pouvez le constater, les illustrations
elles-mêmes sont intactes, mais une grande partie du papier
n'a pas été effacée. Cela est dû au fait que le papier présente une texture et quelques variations
de couleur. L'objectif ici est de trouver une valeur qui convient
à nos peintures. Ramenons le
nombre à environ 30. Cette valeur semble
bien fonctionner et trouver
un bon équilibre entre le maintien des éléments
et la suppression de l'arrière-plan. Il suffit de ramener quelques parties des éléments
botaniques, mais comme vous pouvez le constater, le résultat
global est bon. Je vais maintenant zoomer et examiner
en détail
chacun de mes
éléments botaniques. S'il y a
des zones blanches que je souhaite effacer, je clique dessus avec
un Magic Eraser. Il y a certaines
zones blanches que je n'efface pas car je veux qu'elles fassent partie de l'aspect final
de l'élément. Vous pouvez également voir des
résidus de texture
de papier ou des
points blancs le long de la toile. Vous pouvez cliquer plusieurs
fois sur les pixels que vous voyez et certains d'
entre eux disparaîtront. Ne vous inquiétez pas si vous pouvez encore voir des points et des imperfections, nous les éliminerons à
la fin de cette leçon. Nous avons maintenant supprimé
l'arrière-plan, mais à certains endroits, nous en avons
supprimé un peu trop. Dans les prochaines étapes, nous
allons récupérer certaines parties
des éléments
qui ont été effacées. Pour ce faire,
je clique d'abord sur l'outil
History Brush, que vous trouverez dans une barre d'outils. Une fois sélectionnée, vous pouvez vous rendre en
haut à droite de votre écran et
cliquer sur cette flèche. Cela ouvrira un historique ou une chronologie de toutes
les actions que nous avons entreprises. Si la fenêtre apparaît trop petite, vous pouvez l'agrandir et la redimensionner
en la faisant glisser vers le bas. Dans l'historique, vous
devez sélectionner « Paint Bucket ». Cela crée essentiellement
un pinceau qui ramène les parties des illustrations
que vous avez effacées. Si vous devez ajuster la
dimension de ce pinceau, cliquez avec le bouton droit de la souris pour choisir la
taille et la dureté. Assurez-vous toujours que vous
êtes au niveau principal, puis vous pourrez zoomer pour effectuer des réglages
plus précis. Cette partie du processus d'
édition demande un peu de
patience et de précision, mais ne vous fiez aux extrémités irrégulières de
vos aquarelles. Nous les lisserons plus tard, mais si vous voyez quelque chose
qui vous dérange vraiment, vous pouvez choisir la
gomme et effacer les bords pour
lisser votre forme. Je déplace mon canevas et je passe en
revue les parties
des éléments qui
nécessitent cette modification. La tablette numérique
est très pratique pour cet onglet. Donc, si vous en avez un, je vous encourage à essayer de l'utiliser. Une autre
astuce utile dont vous pourriez avoir besoin est un outil qui
vous permet de corriger les erreurs. Il arrive parfois
que le scanner
capte des particules de poussière que
vous n'avez pas remarquées, ou simplement que l'une de vos illustrations comporte une
tache ou une marque. Pour corriger ces erreurs, nous pouvons utiliser l'outil Clone
Stamp ici. Je vais zoomer de
très près pour voir si je peux trouver de
la poussière ou une imperfection. Voici un bon exemple de ce à quoi
pourrait ressembler une particule de poussière. Pour ajuster la dimension
de l'outil Clone Stamp, cliquez avec le bouton droit de la souris, comme nous l'avons fait avec l'outil History Brush. Vous pouvez maintenant ajuster à nouveau la dureté
et la dimension. Vous souhaitez maintenir la dureté
de cet outil à zéro. Maintenant, maintenez la touche Alt enfoncée et cliquez sur la zone proche
où se trouve la marque. Le pinceau reproduira
la zone que nous venons de sélectionner. Cliquez en haut de la marque et
vous la verrez disparaître. Vous pouvez répéter cette étape
pour toutes les pièces dont vous avez besoin. Nous sommes presque prêts à enregistrer
chaque illustration séparément, mais avant cela,
nous allons faire un
pas de moins pour la touche finale. Comme toujours, assurez-vous que le niveau
principal est sélectionné et que vous avez zoomé
sur vos illustrations. Dans le panneau des couches,
accédez à la couche principale, cliquez avec le bouton droit de la souris dans le
petit rectangle d'aperçu Parmi les options qui
s'affichent, choisissez Sélectionner les pixels. Nous allons maintenant créer un
masque et ajuster les contours de vos illustrations dans la fenêtre située au-dessus
du panneau des couches, que vous pouvez agrandir
à votre guise. Vous devez cliquer sur
« Sélectionner et masquer ». Cliquez maintenant sur « Afficher »
et sélectionnez les couches. Cette option vous
permettra de voir les modifications que vous apportez
immédiatement en temps réel. Parmi les options désormais
affichées, nous n'utiliserons que les barres de la section
des améliorations globales. Chaque barre modifiera le contour
des illustrations d'
une
manière légèrement différente et l'apparence que vous souhaitez donner à
vos éléments dépend en fin de compte de vos préférences
personnelles. Je suggère simplement de
jouer avec les poignées et voir les changements qu'elles
produisent sur vos peintures. Lorsque vous déplacez les poignées, peut
que vous ne voyiez aucun changement,
mais que vous donniez simplement
quelques secondes à votre ordinateur pour
calculer, car nous
travaillons sur plusieurs
illustrations. Cela peut prendre un
peu de temps. Une fois que nous sommes
satisfaits du résultat, cliquons sur « OK » puis pour appliquer le masque, cliquez sur cette petite icône une petite flèche dirigée vers le bas. Nous sommes maintenant prêts à
enregistrer nos illustrations. Rendez-vous dans la prochaine leçon.
10. Exporter: OK. Nous ne sommes plus qu'à un pas de travailler sur
notre projet final. Exportons et sauvegardons notre
ensemble d'illustrations. Nous allons placer chaque
élément dans une couche séparée. Avec l'outil lasso que
vous trouverez dans la barre d'outils, sélectionnons cette branche. Cliquez maintenant sur « Control Shift J » et l'élément que vous venez de
sélectionner se trouve maintenant sur une nouvelle couche. Nous pouvons masquer cette
nouvelle couche pour voir quels éléments il
nous reste à isoler, et répétons cette étape
pour les autres éléments. Revenez à la couche principale. À l'aide de l'outil Lasso, faites une sélection autour de
votre illustration, puis cliquez à nouveau sur
« Control Shift J ». Si vous souhaitez
désélectionner un élément, appuyez
simplement sur « Contrôle D ». Il faut du temps pour le terminer. J'accélère un peu la leçon, mais dès que tu seras prête,
tu pourras éliminer la
nouvelle couche car c'est une couche vide et
nous n'en avons plus besoin. Nous pouvons maintenant parcourir chaque couche et enregistrer
nos illustrations. Je pars de la couche 1. Avant de l'enregistrer, je fais juste
une petite vérification en zoomant. J'utilise l'outil d'effacement pour me
débarrasser des pixels blancs restants, s'il y en a. Pour enregistrer cette illustration, je clique avec le bouton droit de la souris sur le niveau et je choisis Enregistrer au format PNG. Veillez à enregistrer le fichier dans le bon dossier
, puis cliquez sur « OK ». Le fichier sera
enregistré au format PNG avec un arrière-plan transparent, et il est prêt à être utilisé. Vous pouvez continuer en enregistrant
les illustrations restantes. La partie technique est terminée et nous pouvons enfin créer
notre carte botanique. Je sais que cela peut demander
beaucoup de travail, surtout si vous
débutez dans Photoshop,
mais une fois que vous aurez commencé à le
faire plusieurs fois, vous aurez certainement
l'
impression de moins de travail et de quelque chose de plus
rentable. naturellement.
11. Projet final: C'est la partie que
j'aime le plus. Toutes mes
illustrations sont prêtes, ce qui me permet de
travailler sur une variété de
projets, qu'il s'agisse de créer des modèles de réseaux
sociaux, cartes de
vœux,
des invitations et tout ce que je peux imaginer personnalisé
avec les miens illustrations. Pour ce projet de classe, je souhaite créer avec vous une petite carte carrée qui
contiendra l'initiale d'un nom avec vos illustrations
botaniques dessinées à la main et numérisées sur le dessus. De telles cartes
sont très polyvalentes. Il peut s'agir d'un
cadeau très spécial pour quelqu'un, vous pouvez l'utiliser pour écrire
au verso et l'utiliser
comme carte de vœux, ou vous pouvez même l'utiliser
pour décorer votre maison. En fait, je vais
mettre ma carte dans ce cadre et la conserver
pour décorer mon studio d'art. Revenons à Photoshop. Créons un nouveau document en
cliquant sur Fichier, Nouveau. Sur le côté droit, vous pouvez définir la largeur
et la hauteur de votre carte. J'opte pour un format carré, et je choisis les
centimètres comme unités. Je veux que ma carte mesure 12 x 12 centimètres et je veux définir une marge de trois
millimètres. Je laisse la
résolution à 600 DPI, mais si vous scannez vos
peintures à 300 DPI, vous pouvez opter pour 300 DPI. Pour moi, le mode
couleur RGB est correct. Je prévois juste de l'imprimer
avec ma propre imprimante, mais si vous avez besoin de ce graphique
pour un usage professionnel, vous devez définir le mode couleur
CMJN. Nous voulons d'abord
créer une zone de texte pour afficher la première
lettre de l'initiale. Pour écrire sur le canevas, allez dans la barre d'outils, sélectionnez le symbole de texte, puis cliquez n'importe où sur le
canevas pour commencer à taper. Sur le côté droit,
il y a une colonne où vous pouvez définir le
type de police, la dimension et la couleur. heure actuelle, je peux voir ce que je viens taper car la
couleur est réglée sur le blanc. Pour changer cela, je surligne le texte que j'ai écrit et je clique sur ce rectangle blanc dans le
menu pour sélectionner une nouvelle couleur. Dans les propriétés de la couche de texte, vous pouvez également trouver
cette icône qui vous
permet de mettre votre texte en
majuscule. Maintenant, j'ajuste les
dimensions de mon initiale, en augmentant la taille jusqu'à ce qu'
elle soit aussi grande que je le souhaite. Je clique sur le premier symbole de
la barre d'outils pour déplacer la lettre et la positionner
au centre du canevas. Je vais maintenant
changer le type de police. J'opte pour une police à empattement,
quelque chose de chic qui
s' adapte parfaitement à ma personnalité et à
mon studio. Je laisse la couleur pour
plus tard afin de trouver la teinte parfaite qui correspondra
également aux illustrations. Ouvrons maintenant le
dossier contenant nos illustrations et
sélectionnons celles que nous voulons utiliser. Vous pouvez tous les utiliser, mais je vais sélectionner
plusieurs éléments. Pour sélectionner les éléments,
je maintiens la touche Ctrl enfoncée et clique sur l'élément que
je souhaite sélectionner. J'ai sélectionné sept éléments, maintenant je
les fais glisser dans Photoshop Cliquez sur « Entrée » pour
chaque illustration pour l'insérer dans
votre espace de travail. Pour sélectionner toutes les couches
contenant votre illustration, commencez par sélectionner celle du haut, maintenez
la touche Shift enfoncée
et sélectionnez la dernière. Maintenant, appuyez sur « Ctrl T »
pour les réduire. C'est le moment où
vous pouvez commencer à décorer votre lettre et il n'
y a pas de règles ici. L'objectif est de disposer vos éléments botaniques
autour de l'initiale manière qui vous
convient le Si vous avez besoin d'idées
pour commencer, voici une
collection graphique que j'ai réalisée cet automne et j'ai inclus la lettre
de l'alphabet ainsi que des chiffres
décorés à l'aquarelle. Vous pouvez trouver cette collection sous l'onglet Classe
et ressources. Je déplace uniquement les éléments
situés dans le coin supérieur gauche pour avoir un espace de travail. Vous pouvez sélectionner un élément
simplement en cliquant sur une couche spécifique ou en
cliquant sur le
groupe d'éléments. Si vous devez redimensionner
ou faire pivoter l'élément, cliquez sur « Contrôle T » et fois que vous avez terminé
les réglages que
vous souhaitez effectuer, cliquez
simplement sur « Enter » [MUSIQUE] Autre chose que vous voudrez
peut-être essayer
est de réorganiser les couches, donc, par exemple, ici je veux déplacer cette fleur au-dessus de
tous ces éléments. J'entre simplement dans le panneau des
couches et je fais glisser la couche contenant cette fleur au-dessus de toutes les autres couches. Je veux aussi essayer de
retourner cet élément pour voir s'il est
plus beau. Vous pouvez faire même en cliquant sur
le bouton T puis
en
cliquant avec le bouton droit de la souris l'illustration soit inversée lorsque vous sélectionnez le retournement horizontal. Ici, vous pouvez également
trouver la possibilité retourner votre élément
verticalement [MUSIQUE] Les gars, je continuerai à placer les éléments jusqu'à ce que je sois
satisfait de la composition. Au cours de cette étape, je fais
souvent des allers-retours, faisant pivoter et en redimensionnant
les éléments, réorganisant et
en les déplaçant. Cela me prend généralement quelques essais et quelques expériences. Je vais accélérer la
vidéo, mais comme toujours, n'hésitez pas à faire une pause et
à travailler à votre rythme [MUSIQUE] Je suis très satisfaite de
l'
apparence des éléments botaniques en haut de ma lettre, donc maintenant c'est Il est temps de choisir une couleur
pour mes initiales. Je vais sélectionner la
couche contenant ma lettre. Je vais cliquer
sur le rectangle. Ici, je peux choisir la couleur que je veux donner à ma lettre. Je préfère opter pour le marron
car la palette de couleurs que j'ai choisie pour créer
l'illustration est chaude et automnale. Maintenant, je vais
sélectionner tous les niveaux sauf l'arrière-plan
et les
fusionner en cliquant sur E.
De cette façon,
nous avons tout en un, l'initiale et l'
illustration couche. Je vais faire encore une chose
avant d'exporter la carte. Au lieu de garder l'
arrière-plan d'un blanc pur, je veux qu'il soit d'une couleur
légèrement différente avec une bordure blanche autour. Pour obtenir cet effet, je vais créer un
nouveau calque et sélectionner la couleur que je souhaite pour mon
arrière-plan dans la barre d'outils. Ensuite, je vais utiliser
le seau de peinture la même barre d'outils pour remplir cette couche avec
la couleur [MUSIQUE] Pour créer une bordure blanche, je vais sélectionner
la couleur d'arrière-plan en
cliquant Je contrôle T, puis je le réduis un peu et je le positionne au centre. Je suis content du résultat.
J'ai donc fusionné l'arrière-plan
avec ma lettre en cliquant sur le bouton E et nous sommes maintenant prêts
à exporter le fichier. Cliquez sur « Fichier » pour enregistrer une
copie, renommez votre fichier, puis sélectionnez le format PDF si vous souhaitez imprimer cette carte ou vous pouvez simplement sélectionner format
JPEG si vous souhaitez la
partager sur les réseaux sociaux. À partir de là, les possibilités
que vous pouvez faire avec votre
composition numérisée finale sont entre vos mains. Tout au long de ce processus,
vous avez appris et acquis de nombreuses compétences, notamment dessinant et en peignant éditant et en composant
vos actifs numériques. Vous pouvez vraiment les utiliser
dans d'innombrables projets. Vous pouvez appliquer ces compétences
à n'importe quelle œuvre d'art faite à la main, pas exclusivement à l'aquarelle j'ai vraiment hâte de
voir ce que vous allez créer. Vous êtes arrivée à
la fin du cours Toutes mes félicitations à vous
pour être arrivée jusqu'ici.
12. Merci: [MUSIQUE] Merci
beaucoup d'avoir choisi de passer du temps avec moi aujourd'hui. J'espère que
ce cours vous a été utile et que vous aurez
envie de transformer davantage de vos œuvres d'art en actifs
numériques à utiliser
pour de nouveaux projets. J'ai hâte de voir
tes carottes botaniques. J'utilise le mien comme décoration dans mon studio et je trouve qu'
il est magnifique. Assurez-vous de vous rendre dans la section Projets
et ressources pour télécharger votre travail et n'hésitez pas à publier n'importe quelle partie
de votre projet. Je serais très heureuse d'y jeter
un œil et de laisser des commentaires. De plus, si vous publiez votre
projet sur les réseaux sociaux, n'oubliez pas de me taguer. Enfin, si vous vous sentez bloqué à une certaine étape du cours,
notamment avec Photoshop, ou si vous avez des questions, n'hésitez pas à utiliser
l'onglet Discussion, et je me ferai un
plaisir de vous aider. Vous pouvez également me suivre
ici sur Skillshare pour recevoir des mises à jour dès que
je sortirai une nouvelle classe. Merci
encore de vous joindre à moi aujourd'hui et j'espère vous
voir bientôt. [MUSIQUE]
Altea Alessandroni, Artist and Designer
