Montage photo de paysage étape par étape dans Photoshop et ACR : du début à la fin

1. Introduction: Vous êtes-vous déjà senti frustré par la retouche photo ? Vous ne savez jamais par où commencer avec tous les curseurs, outils et options disponibles dans Lightroom et Photoshop Bonjour, je suis Meredith, photographe de paysage professionnelle à Denver, dans le Colorado Grâce à mes tutoriels et à mes cours, j'ai aidé plus de 1 000 étudiants à améliorer leurs compétences en photographie de paysage et en retouche photo. Imaginez un flux de travail simple, étape par étape, que vous pourriez utiliser pour transformer chaque photo que vous prenez en œuvre d'art. Dans ce cours de retouche de photographie de paysage du début à la fin , vous apprendrez à faire exactement cela. Alors que je vous explique comment retoucher une photo du magnifique Dream Lake ici dans le Colorado. Du début à la fin avec Adobe Camera Raw et Adobe Photoshop. Tout au long de ce cours, nous aborderons une variété de techniques de base de Photoshop que tout photographe de paysage doit connaître pour créer des images époustouflantes. abord, vous apprendrez exactement comment j'ai la photo que nous allons retoucher, y compris les réglages, les techniques de composition et l'histoire de sa prise de vue. Ensuite, je vais vous présenter mon cadre en deux parties pour planifier les modifications, afin que vous puissiez toujours modifications utiles apporter des modifications utiles et donner vie à une scène exactement telle que vous l'avez vécue Nous procéderons à des ajustements globaux et ciblés dans le cadre desquels vous apprendrez à utiliser la lumière et couleur pour créer un flux visuel puissant qui guide le regard du spectateur à travers vos images. Tout au long de ce cours, vous apprendrez des techniques de retouche essentielles, telles que la façon d'équilibrer la plage dynamique de vos images, comment et pourquoi utiliser des objets intelligents, comment utiliser les calques de réglage dans Photoshop, et bien plus encore. Grâce à des conseils pratiques et à des instructions claires, vous apprendrez rapidement à tirer le meilleur parti de vos photos de paysages. Tout ce que vous apprenez dans ce cours peut être directement appliqué au logiciel de retouche photo RAW de votre choix, qu' il s'agisse de Light Room, Adobe Camera Raw ou de Capture One. Ainsi, que vous débutiez retouche photo ou que vous souhaitiez perfectionner vos compétences, ce cours vous aidera à retoucher vos photos de paysages en toute confiance et à leur donner vie Si vous êtes prêt à faire passer vos compétences en retouche de photographie de paysage au niveau supérieur, j'ai hâte de vous voir dès la toute première leçon. 2. L'histoire derrière l'image: Parlez un peu de l'histoire qui sous-tend cette photo, car je pense vraiment que l'histoire ou le contexte qui sous-tend le moment et lieu où une photo a été prise, ainsi que l'expérience, ce que vous avez ressenti lorsque vous avez créé une image devraient jouer un rôle très important dans les décisions de retouche que vous prenez tout au long du processus de retouche. Ce que nous voyons ici est une scène classique des montagnes Rocheuses du Colorado représentant un lac appelé Dream Lake. Il s'agit d'un lac très célèbre et populaire pour faire de la randonnée dans le parc national des Rocheuses, dans le nord-est du Colorado. Et chaque jour, il se peut que vous trouviez une poignée de photographes alignés au bord du lac prendre des photos de cette image. Tu dois faire de la randonnée là-haut. Ce n'est pas trop loin, mais ce lac est environ 11 000 pieds d'altitude C'est donc assez haut, et ces sommets ici se situent à près de 12 700 pieds. Ce que nous voyons ici est reflet parfait de deux sommets en arrière-plan. C'est Hallet Peak sur la gauche, et Flattop Mountain sur la Au milieu se trouve une vallée spectaculaire qui a été creusée par les glaciers il y a des centaines de milliers d'années. Les glaciers ont créé ces sommets irréguliers vraiment magnifiques Si nous passons à la carte de ce que nous examinons, nous avons affaire à une carte topographique parc national des Rocheuses, et Dream Lake se trouve juste ici Et là où j'ai pris cette photo, c'est au bord du lac, juste ici. Nous regardons donc directement vers l'ouest et les sommets de l'image, Hallet Peak se trouvent juste là Avec le recul, nous voyons Hallet Peak sur la gauche, puis Flattop Mountain sur la Et juste au milieu, toutes ces lignes de contour indiquent que nous avons cette immense vallée qui s' étend des sommets à Dream Lake. Nous regardons donc vers l'ouest à travers cette vallée jusqu'à ces sommets. Nous pouvons constater que c'était une matinée très calme et claire car ce reflet parfait, l'eau est très calme. Cette photo a été prise au lever du soleil, aux premières lueurs du jour. Les premières lueurs du jour atteignent ces sommets, et c'était juste une matinée spectaculaire. Maintenant, pour créer cette photo, j'ai campé la veille dans le parc et je me suis probablement réveillé vers 334 heures du matin, je me suis rendu au point de départ du sentier, puis j'ai fait parc et je me suis probablement réveillé vers 334 heures du matin, je me suis rendu au point de départ du sentier, une randonnée jusqu'à ce lac Vous pouvez voir que cela en valait vraiment la peine de tout mettre en œuvre pour réaliser cette photo. Maintenant, certaines des autres choses que nous pouvons raconter à propos de l'histoire qui se cache derrière cette image simplement en la regardant concernent un peu l'écosystème. Nous avons des pins, des épicéas et des sapins, principalement des arbres qui poussent à très haute altitude Vous pouvez voir que de nombreux arbres sur la gauche sont morts ou en train de mourir, à cause du dendroctone du pin ponderosa, qui ravage les pins de l'ouest des États-Unis, en particulier dans le Vous pouvez voir à l'arrière une partie de la géologie Ce que nous avons ici est une roche métamorphique vieille de près de 1,8 milliard d'années, une énorme période géologique que nous pouvons voir dans ces montagnes, une énorme période géologique et les montagnes et . Ce que nous avons ici est une roche métamorphique vieille de près de 1,8 milliard d'années, une énorme période géologique que nous pouvons voir dans ces montagnes, et les montagnes elles-mêmes ont été soulevées il y a environ 70 millions d'années. Nous avons devant nous cette énorme échelle de temps géologique , toute cette histoire de la Terre en plus de l' histoire de l' écosystème, puis ce matin en particulier, ce moment précis Nous allons donc utiliser cette histoire et les émotions que j'ai personnellement ressenties émotions que j'ai personnellement en photographiant cette scène dans nos décisions de montage tout au long de ce cours 3. Paramètres de la caméra et composition: vais apprendre les réglages de base et les techniques de composition que j'utilise pour créer cette image. Nous examinons à nouveau le fichier brut avant que je n'apporte de modifications à cette photo Passons d'abord aux paramètres que j'ai choisis pour créer cette photo. J'ai utilisé un objectif grand angle parce que je voulais capturer cette vue panoramique dans son intégralité. Cette scène est vaste et un objectif grand angle 21 millimètres était la distance focale idéale pour obtenir tout ce que je voulais dans le cadre J'ai utilisé un diaphragme F de F 11, et 90 % du temps j'utilise un diaphragme F de F 8 ou F 11, surtout si j'utilise un objectif grand angle à courte distance focale, comme 21 millimètres, car cela garantit que vous pourrez obtenir la scène dans son intégralité et concentrer du premier plan à l'arrière-plan, vous concentrer du premier plan à l'arrière-plan, du reflet au premier plan à l' J'ai focalisé cette scène à environ un tiers du premier plan, à peu près ici En utilisant mon équipement, parce que j'ai déjà pris une photo comme celle-ci nombreuses reprises, je savais que si j'utilisais une courte distance focale, qui a intrinsèquement une très grande profondeur de champ, et si j'utilisais une ouverture de Flefn qui garantit également une grande profondeur de champ, je pourrais obtenir cette scène complète si je me concentrais à environ un tiers de la scène me concentrais nette du premier plan à l'arrière-plan, ce que nous essayons généralement d'obtenir dans ces vastes scènes de paysages grandioses Ces trois réglages m'ont permis de capturer toute la profondeur de champ de cette scène. J'ai utilisé une vitesse d'obturation d' un 13e de seconde et je n'ai pas eu à m'inquiéter trop de la vitesse d'obturation ici, car l'eau était si calme qu'il n'y avait aucun mouvement. Si je veux rendre ces nuages encore plus nets, ce qui est assez net pour moi J'aurais pu utiliser une vitesse d'obturation plus rapide et pour ce faire, j'aurais augmenté mon ISO. Mais la vitesse d'obturation n'était pas très importante car rien ne bougeait beaucoup. J'ai utilisé un ISO de 64, qui était l' ISO de base de mon appareil photo, ce qui empêchait tout bruit de pénétrer dans l'image. J'ai utilisé une balance des blancs de 7 550 Kelvin. Si j'ai choisi cette balance des blancs en particulier, c'est parce que j'ai juste essayé de faire correspondre la balance des blancs que j'ai vue avec mes yeux à la balance des blancs de mon appareil photo. Je vous recommande de régler la balance des blancs de votre appareil photo sur Kelvin, si ce n'est déjà fait, et de simplement régler le Kelvin de haut bas pour qu'il corresponde à ce que vous voyez avec vos yeux Lorsque vous utilisez Photoshop, Lightroom ou ACR, vous obtenez une représentation aussi proche que possible de la réalité Vous travaillez vraiment sur une table rase. Vous n'avez pas besoin de faire grands ajustements de température. Si vous ne savez pas comment et pourquoi j'ai choisi tous ces différents paramètres, j' aborderai cette question en détail dans mon cours sur les principes fondamentaux de l'exposition. Tout cela est détaillé dans ce cours. Mais j'espère que cela vous semble logique à ce stade. Parlons un peu des techniques de composition que j'ai utilisées sur cette photo. Celle qui saute immédiatement aux yeux est la symétrie horizontale Vous remarquerez que c'était une matinée si calme et claire et que l'eau était si calme que j'ai un reflet pratiquement semblable à un miroir dans l'eau des sommets en arrière-plan. Ce type de symétrie horizontale signifie simplement qu'il y a une réflexion parfaite sur un axe horizontal, qui serait cette ligne d' horizon ici. La symétrie, telle que radiale, verticale ou symétrie radiale, verticale ou horizontale telle que j'ai utilisée ici, est une technique de composition vraiment fantastique que vous pouvez utiliser pour créer un équilibre, une harmonie et une stabilité dans une image. Chaque fois que vous trouvez une sorte de symétrie dans votre composition, je vous encourage vivement à l'utiliser à votre avantage, car vous ne la trouvez pas nécessairement très souvent dans la nature lorsque vous avez une scène très chaotique, comme dans une scène de forêt, mais dans une scène comme celle-ci où vous avez un avertissement très clair et calme et une réflexion parfaite peuvent créer un composition forte. En plus de créer plus d'équilibre et de stabilité dans une composition, la symétrie peut également simplifier votre composition, ce qui est souvent souhaitable en photographie de paysage, qui peut être trop chaotique. Ces types de compositions symétriques peuvent réduire les distractions et vous aider à concentrer le regard et l' attention de votre spectateur sur ce que vous voulez qu'il voie dans la scène. Dans ce cas, comme nous en avons parlé précédemment, nous voulons attirer l'attention du spectateur le reflet et les pics en arrière-plan. Nous ne voulons pas vraiment qu'il y ait beaucoup d'éléments distrayants dans les marges du cadre ou dans d'autres zones du Cette simple symétrie horizontale simplifie vraiment cette composition dans son ensemble. Une fois que nous aurons recadré ces zones ici, elles deviendront encore plus symétriques et encore plus simplifiées. L'autre technique de composition que j'utilise et que je tiens à souligner est la façon dont j'utilise les lignes directrices. Vous pouvez généralement penser à des lignes directrices comme des sentiers, des rivières ou tout ce qui est sinueux ou, vous savez, des bûches, à des objets qui peuvent vous passer du premier plan à l'arrière-plan Mais ici, les lignes directrices les plus subtiles que j'ai utilisées sont celles qui partent des bords extérieurs du cadre depuis le côté gauche. Cette ligne se déplace d'ici, de l'extérieur vers le véritable centre d'attention, dans le véritable centre d'attention, la direction vers laquelle nous voulons attirer l'attention du spectateur. Nous avons des lignes directrices qui vont d'ici vers le sujet principal lequel nous voulons attirer l'attention du spectateur. De plus, cette ligne horizontale nous déplace vers l'intérieur. Cette ligne partant du bord droit nous amène vers le sujet et également depuis le coin droit vers le sujet reflété. Ces types de lignes directrices, si vous y prêtez vraiment attention, si vous commencez vraiment à les chercher, vous les trouverez partout, même s'il ne s'agit peut-être pas d'un objet physique au premier plan Il peut également s'agir de reflets, d'ombres et d'horizons, lignes de crête, etc. compréhension de ces techniques de composition La compréhension de ces techniques de composition et des paramètres que j'utilise pour créer le fichier brut que nous allons éditer jettera bases qui vous permettront de comprendre pourquoi j'ai fait les choix que j'ai faits sur le terrain, de sorte qu'au fur et à mesure que nous avançons dans le processus de montage, tout prenne tout son sens depuis début de la configuration de mon appareil photo devant cette scène jusqu'à l'image finale que nous allons enregistrer dans Photoshop. 4. Planifier le montage photo: Leçon, nous allons planifier la façon dont nous allons retoucher cette photo. Je vais vous montrer mon cadre de planification en deux parties que j'aime personnellement utiliser afin d'avoir une idée de ce que je veux faire avant de me lancer dans Photoshop et de commencer à apporter mes modifications J'ai trouvé qu'il était vraiment utile d'avoir un plan global ou une idée générale de ce que je voulais modifier et de la manière dont je voulais effectuer ces modifications avant de me lancer dans mon flux de travail d'édition Parce que si vous êtes comme moi, lorsque vous regardez un fichier brut tout droit sorti de l'appareil photo et que vous l'ouvrez dans Adobe Camera Raw ou Light Room, cela peut être assez accablant parce que regardez une toile vierge sans savoir par où commencer, car vous disposez nombre pratiquement illimité d'outils, de curseurs, d'éléments que vous pouvez utiliser pour retoucher une Nous allons simplifier tout cela dans un cadre en deux parties, et j'espère que cela vous aidera à vous en sortir et à vous simplifier le processus d'édition Passons donc directement à ce cadre. La première partie de ce cadre concerne les questions. Et nous allons poser trois questions spécifiques qui nous aideront à prendre les décisions d'édition que nous prendrons à l'avenir. La première question est de quoi parle la photo et comment puis-je la montrer ? Une autre façon de voir les choses est de savoir quel est le but de cette photographie ? Pourquoi avez-vous même pris cette photo au départ ? C'est vraiment une question à laquelle vous devez répondre sur le terrain lorsque vous créez l'image, exemple lorsque vous configurez votre composition. Il est très important de vous demander pourquoi je prends cette photo. Quel est l'intérêt ? Mais nous pouvons mettre l'accent sur ce point dans notre flux de travail de montage , car nous pouvons faire de nombreuses choses pour aider le spectateur à comprendre ce que nous essayions de dire. Encore une fois, une autre façon de voir les choses est de savoir quelle est l'idée qui sous-tend la photographie ou quelle est l' histoire que j'essaie de raconter. Y a-t-il d'autres questions qui vont de pair avec cette première question. La deuxième question est quelles émotions est-ce que je veux que l'image évoque et comment puis-je les évoquer C'est extrêmement important, du moins à mon avis, car je pense que lorsque nous aidons le spectateur à réagir plus émotionnellement à la photographie, cela l'aide à se connecter plus profondément à la photographie. Je trouve que c'est l'un des éléments clés qui font d'une photographie une œuvre d'art. C'est en partie l'idée, mais aussi quel est le sentiment qui la sous-tend ? Que ressentez-vous en regardant cette image ? Un bon point de départ pour répondre à cette question est : qu'avez-vous ressenti lorsque vous avez pris la photo ? Qu'avez-vous ressenti lorsque vous avez créé cette image, lorsque vous vous trouviez devant une scène magnifique ? Qu'est-ce que tu as ressenti ? Comment s'est passée l'expérience ? Comment pouvons-nous transmettre cela au spectateur de la photo une fois que nous avons terminé notre retouche ? La troisième question est de savoir dans quel voyage je souhaite emmener le spectateur et comment puis-je le guider ? C'est une question qui recoupe quelque peu l'histoire que vous essayez de raconter, dont nous avons parlé dans la première question Mais c'est à cela que je veux que vous réfléchissiez : où voulez-vous que le spectateur regarde dans le cadre ? quoi souhaitez-vous que le spectateur prête attention et où souhaitez-vous l' emmener dans l'image ? Voulez-vous les faire passer du premier plan à l' arrière-plan, comme nous le faisons souvent dans un grand paysage, peut-être depuis les bords extérieurs, vers le centre du cadre Où voulons-nous emmener le spectateur dans un voyage ? Et nous pouvons le faire grâce à ces différentes techniques de montage que je vais vous montrer ici tout au long de ce cours. La deuxième partie du cadre concerne les outils, et les outils sont ceux que nous allons utiliser pour répondre à ces questions. Vous remarquerez ces questions avant que je ne passe aux outils Ce sont toutes des questions en deux parties. Nous répondons d'abord au quoi, puis au comment. Et les outils, il y en a trois qui vont vous aider à répondre aux questions « comment ». Tout cela commencera à prendre un sens si nous examinons un exemple. Ces trois outils incluent la lumière, la couleur et le contraste, qu'il s' agisse d'un contraste de tons ou de couleurs l'ai dit, nous allons utiliser ces trois outils Comme je l'ai dit, nous allons utiliser ces trois outils pour répondre à ces questions. Comment racontons-nous l'histoire ? Comment évoque-t-on l'émotion ? Comment emmenons-nous le spectateur dans un voyage ? Et la façon dont vous pouvez y penser est résumée dans ce tableau ici. Si nous examinons ce tableau, il explique comment utiliser la couleur claire et le contraste pour guider le regard du spectateur à travers l'image, pour créer un flux visuel et pour créer soit une zone d'une image par laquelle nous voulons attirer le spectateur , soit une zone laquelle nous ne voulons pas qu'il soit attiré. Donc, en commençant par la lumière, la chose la plus importante à comprendre à propos de la lumière lorsque vous ajoutez de la lumière ou que vous assombrissez des parties de votre image, parties les plus claires d'une photo attireront le regard Si vous pensez au lever du soleil, au soleil à l'horizon, votre œil sera immédiatement attiré par le soleil, car c'est la partie la plus lumineuse de la photo D'un autre côté, si nous avons une zone ombragée très foncée, l'œil ne sera pas naturellement attiré par cela Si vous souhaitez masquer une partie de votre scène ou la rendre moins importante sur votre photo, vous pouvez le faire en l' assombrissant ou en le maintenant plus sombre, peut-être dans une zone plus sombre Le deuxième outil, la couleur, est un autre moyen de déplacer le regard et de créer de l'émotion. Maintenant, l'œil est attiré par les saturées, vives et lumineuses. Vous imaginez que la lumière directe atteint le sommet d'une montagne comme nous allons le voir en retouchant cette photo. C'est là que l'œil sera fortement attiré par ces couleurs très vives. L'œil sera également attiré par les couleurs chaudes. Les rouges, les oranges, les jaunes, les couleurs chaudes seront les premières choses que l'œil voudra regarder Nous pouvons utiliser cela à notre avantage pour attirer l'attention sur ce que nous voulons qu'ils voient. Par exemple, dans l'image que nous allons modifier, nous pouvons mettre en valeur les pics ou le sujet de l'image en introduisant des couleurs chaudes jaune-orange dans les pics. D'un autre côté, les couleurs atténuées et désaturées, comme les gris ou les pastels, n' attireront pas On peut détourner le regard de certaines parties du cadre en désaturant les couleurs plus, les couleurs plus froides comme le bleu et le vert De plus, les couleurs plus froides comme le bleu et le vert n' attireront pas autant le regard. Si nous avons des ombres plus sombres, nous pouvons les refroidir un peu, encore une fois, pour attirer moins l'attention sur elles. Et notre troisième outil de contraste, le contraste des tons et des couleurs Les objets plus contrastés attireront naturellement le regard. Il peut s'agir d'un contraste tonal, d'une grande différence entre les tons clairs et foncés, ou d'un contraste de couleur Couleurs situées aux extrémités opposées de la roue chromatique, par exemple orange et bleu ou rouge et bleu. Lorsque ces deux couleurs sont côte à côte, elles seront très attrayantes pour les yeux. L'œil va vouloir passer immédiatement à ce contraste parce que cela semble intéressant. D'un autre côté, lorsque vous avez un contraste très faible ou des tons plus atténués, si vous avez une répartition très uniforme des tons ou si vous n'avez pas de tons très clairs et très foncés, ou s'il y a très peu de contraste de couleur, si la majeure partie d' une couleur dans une zone donnée est d' une teinte très similaire , par exemple, une teinte de vert similaire, ce ne sera pas très attrayant pour les yeux. À l'aide de ces trois outils, nous pouvons créer un mouvement de l'œil du spectateur attirer l'attention et mettre l'accent sur des parties de l'image, comme le sujet sur lequel nous voulons attirer attention et raconter l'histoire éloignant de certaines zones que nous ne jugeons pas intéressantes ou qui ne soutiennent pas l'histoire que nous essayons de raconter. Si nous examinons ce cadre en deux parties, fur et à mesure que nous avancerons, nous répondrons à ces trois questions, puis nous utiliserons ces trois outils pour répondre à ces questions. Examinons la photo que nous allons retoucher tout au long de ce cours et examinons ce cadre afin que vous compreniez le processus et la façon dont je procède si je devais m' asseoir et retoucher une photo. Répondons d'abord à la première question. De quoi parle la photo et comment puis-je la montrer ? Pour moi, cette photo parle de la beauté et de la majesté de cette scène. C'est une scène tellement spectaculaire et impressionnante. C'est presque surréaliste. C'est presque incroyablement beau. Au moins, quand j' y étais en personne, c'était incroyablement beau. Vous étiez presque en train d'en rêver et c'est probablement pour cela qu'il s'appelle Dream Lake et pourquoi c'est un endroit si célèbre parce qu'il est tellement incroyable. En termes de sujet, pour moi, cette scène parle des sommets en arrière-plan, de la vallée et cette belle lumière matinale qui atteint les premières lueurs du jour sur les sommets. cette matinée extrêmement calme, parce que nous avons ce reflet parfait comme un miroir, l'eau ne bouge pas du tout. Je dirais aussi que c'est une question d'optimisme, de transition entre le noir et le clair au début d'une nouvelle journée. Ce sont des éléments que je souhaite intégrer et auxquels je souhaite réfléchir lorsque je commence à retoucher cette photo au fur et à mesure que je fais mes retouches Maintenant, comment montrer de quoi parle cette photo ? Comment le montrer ? Deuxième partie de cette question. Eh bien, nous pouvons le montrer par la lumière, afin d' attirer l'attention sur ces pics en les éclaircissant un peu plus Ils sont déjà naturellement plus légers que le reste de la scène, donc ils attirent déjà naturellement l'attention, mais nous pouvons ajouter à cela pour attirer encore plus d'attention, mettre davantage l'accent sur ce qui se passe déjà. Nous pouvons également éclaircir le reflet pour montrer à quel point l'eau était claire et calme et éclaircir le reflet dans les sommets, car je pense que c'est vraiment un élément central de la composition C'est vraiment un élément central de l'histoire que nous essayons de raconter. J'ajouterais également de la chaleur et de la saturation aux pics, la fois en arrière-plan et dans le reflet, juste pour attirer à nouveau l'attention en créant cette chaleur et cette saturation. N'oubliez pas que l'œil est attiré par ces couleurs plus chaudes et plus saturées, puis qu'il refroidit un peu les ombres. Il y a une dominante de couleur un peu plus chaude, à mon avis, dans les ombres. Nous pouvons donc créer un peu plus de contraste et de profondeur des couleurs en refroidissant ces ombres. Enfin, pour ce qui est du contraste, j'ajouterais un peu plus de contraste au reflet, notamment parce que le reflet est plus proche de nous Bien entendu, il serait perçu comme présentant un peu plus de contraste, peut-être un peu plus en arrière-plan, mais encore une fois, pas trop parce que je ne veux pas paraître trop anormale, peut-être faire ressortir certains détails des ombres, un peu plus de contraste sans trop les éclaircir à nouveau, car ces zones sur les côtés jouent pas vraiment un rôle important dans ce que nous essayons de montrer de quoi parle cette image Très bien, notre deuxième question, quelles émotions est-ce que je veux que l'image évoque et comment est-ce que je veux les évoquer Eh bien, j'ai dressé ici une liste de toutes les émotions que j' associe personnellement à cette photographie. Il se peut qu'il en soit de même pour vous et ce n'est pas grave, car l'émotion est vraiment l'un des l'émotion est vraiment l'un des aspects les plus subjectifs de l'art À mon avis, ce que vous ressentez en regardant cela pas nécessairement à ce que je ressens ou ressentais, mais ce n'est pas grave. Cela fait partie de ce qui fait de l'art un art. Pour résumer brièvement certaines de ces émotions, je dirais émerveillement, étonnement. Il y a beaucoup de drames. En même temps, il est contrebalancé par cette sérénité, ce calme, cette tranquillité Enfin, comme je l'ai mentionné plus tôt, il y a un aspect onirique là-dedans C'est presque surréaliste. Je veux ajouter un élément éthéré à cette image et nous pouvons le faire en utilisant certaines techniques de retouche, comme vous le verrez Par exemple, nous pouvons ajouter de la lumière. Nous pouvons ajouter une lumière plus douce aux sommets, peut-être une lumière plus chaude pour leur donner un effet onirique Nous pouvons ajouter des couleurs plus vives. Parce que nous essayons de mettre l'accent sur le caractère dramatique et impressionnant de cette scène, nous pouvons ajouter des couleurs plus vives, en particulier dans le sujet, les pics en arrière-plan En termes de contraste, nous pouvons réduire le contraste dans certaines zones. Je dirais qu'un peu dans les nuages peut faire ressortir certains détails, mais je ne veux pas que ce soit trop contrasté Je veux qu'il soit un peu brillant, un peu onirique, surtout là où la lumière frappe L'une des techniques que nous pouvons utiliser pour ce faire s'appelle l'effet Orton, comme vous le découvrirez plus loin dans ce cours Mais nous voulons maintenir le côté dramatique tout en introduisant un peu de cet effet de tranquillité onirique Nous pouvons le faire en utilisant ces outils, trois outils de cette manière particulière. Enfin, quel voyage est-ce que je veux emmener le spectateur dans ce voyage et comment est-ce que je veux le guider dans ce voyage ? En général, dans une grande scène de paysage comme celle-ci, j'essaie presque toujours de faire passer le spectateur du premier plan à l'arrière-plan Nous n'avons pas nécessairement de premier plan physique ici dans le sens où nous avons des rochers ou des arbres C'est un reflet, donc c'est un peu différent que si vous aviez le rivage ou des plantes ou des fleurs devant Mais je veux tout de même faire sortir le spectateur de la réflexion, qui, selon moi, joue un rôle central dans le récit de l'histoire ici. Du reflet à l'arrière-plan. Je veux que l'œil se déplace essentiellement d'ici en bas vers l'arrière, ensuite peut-être explorer certains détails et les ombres. Mais dans l'ensemble , nous avons juste cette ligne de l'avant vers l'arrière. Nous avons également certaines de ces lignes directrices qui se déplacent vers l'intérieur, vous savez, à partir du reflet qui nous déplace si nous regardons la ligne directrice ici, depuis les bords extérieurs vers l'intérieur. Peut-être aussi un voyage, nous pouvons nous attendre à ce que le spectateur soit attiré depuis les bords extérieurs de cette photographie vers le milieu, puis vers le haut puis vers le bas. Comme il s'agit d'une composition presque parfaitement symétrique à l'horizontale, je dirais que le spectateur peut aborder cette scène de plusieurs manières . Mais pour les besoins de nos montages, je vais me concentrer sur le dessin du spectateur du premier plan à l'arrière-plan Très bien, alors comment pouvons-nous guider le spectateur dans ce voyage à l'aide de nos trois outils ? Eh bien, encore une fois, vous remarquerez que cela se chevauche beaucoup, mais nous allons apporter un peu de lumière aux zones sur lesquelles nous voulons que le spectateur se concentre, encore une fois, pour attirer l'attention. Les couleurs plus chaudes jusqu'au sommet désaturent certaines des couleurs du milieu et des ombres et nous pouvons ajouter plus de contraste au reflet, peut-être un peu plus de contraste dans nuages sur les sommets, ici, sans en abuser pour conserver cette apparence douce et rêveuse conserver cette apparence douce et rêveuse Mais dans l'ensemble, les outils que nous allons utiliser pour répondre à chacune de ces trois questions seront assez similaires. Ajouter de la lumière et de la chaleur aux sujets principaux désaturer, assombrir et rafraîchir les zones sur lesquelles nous ne voulons pas que le spectateur se concentre, à savoir C'est le cadre de base que j'utilise. Cela nous donnera une base, au moment où nous dans notre flux de travail d'édition , sur ce sur quoi nous voulons nous concentrer en premier. Nous ne nous sentons pas submergés par les différents outils, curseurs et techniques que nous pouvons utiliser dans Photoshop Nous pouvons simplement nous concentrer sur les réponses à ces questions et utiliser réponses auxquelles nous venons de répondre dans ce cadre pour guider nos décisions d'édition. 5. ACR vs Lightroom - Quelle est la différence ?: Dans ce cours, nous allons utiliser trois applications Adobe pour gérer et modifier notre image. Nous allons utiliser Adobe Bridge, Adobe Camera Raw et Adobe Photoshop. Vous remarquerez que dans tous mes cours, y compris dans ce cours, je préfère utiliser ACR comme application de développement de photos plutôt que Light Room, mais ils fonctionnent presque de la même manière. Si vous êtes un utilisateur de light room, tout ce que vous apprenez dans ce cours lorsque je passe à Adobe Camera Raw, le développement de l'image dans Adobe Camera Raw peut être appliqué à Lightroom Ils fonctionnent sur des moteurs de traitement essentiellement identiques et tous les outils et curseurs se trouvent presque exactement au même endroit Mais dans cette leçon, je voudrais simplement vous expliquer les différences et les similitudes entre Light Room Adobe Camera Raw et vous présenter Bridge s'il s'agit d'une application nouvelle pour vous. J'aborderai tout cela dans mon cours Photoshop où je vous explique étape par étape comment configurer Bridge, ensemble de mon flux de travail, en passant de Light Room à Photoshop. Si vous regardez ce cours, vous verrez que j'utilise Light Room spécifiquement pour organiser mes photos. Je ne l'utilise pas pour le montage. Si vous utilisez des salles lumineuses, vous connaissez probablement le module Develop. Adobe Camera Raw fonctionne essentiellement de la même manière que le module développé, mais il s'agit de la version de Photoshop. En d'autres termes, Adobe Camera Raw est un plug-in utilisé par Photoshop car nous ne pouvons pas modifier les fichiers RAW directement dans Photoshop, comme nous le pouvons dans Lightroom Nous utilisons Adobe Camera Raw pour pouvoir effectuer toutes les modifications, tous les paramètres de développement dans Photoshop sans avoir à être dans Photoshop Cela aura un peu plus de sens une fois que je vous expliquerai comment cela fonctionne. Je suis actuellement dans Adobe Bridge et si vous n' avez pas Adobe Bridge, vous pouvez simplement le télécharger depuis votre Adobe Creative Cloud. Si vous avez Photoshop, vous avez probablement la possibilité de télécharger Bridge. Si vous y allez, par exemple, voici mon Creative Cloud ici et vous allez dans Applications. Ce sont toutes les applications incluses dans l'abonnement. Si vous avez Photoshop et que vous avez de l'espace libre, vous devriez pouvoir accéder aux applications et Creative Cloud et trouver Bridge quelque part ici. Voici le pont et vous pouvez l'installer en cliquant sur le bouton ici. Je l'ai déjà installé, comme vous pouvez le voir ici. En gros, le bridge est un moyen de visualiser des images, de visualiser des fichiers Il est particulièrement utile pour visualiser fichiers bruts que vous souhaitez ouvrir dans Adobe Camera Raw. Vous pouvez voir ici que j'ai tous ces fichiers que j'ai effectivement exportés depuis Light Room. J'ai ce fichier sur mon disque dur où, lorsque j'aurai fini d'organiser mes photos et de les importer dans Lightroom, je les exporterai dans ce dossier de fichiers RAW exporté par Awoler, et je pourrai simplement les visualiser dans Si nous passons aux dossiers, ce ne sont que mes favoris. Si je vais dans les dossiers, ce sont tous les dossiers de mon disque dur et vous pouvez sélectionner le dossier dans lequel vous avez vos fichiers bruts. J'aime les exporter parce que j'aime les séparer de l' ensemble de mon catalogue brut car je ne veux pas prendre le risque de supprimer accidentellement ou de modifier définitivement l'un de mes fichiers bruts. Je les exporte en double hors de la salle, les place dans ce dossier de fichiers bruts, vous pouvez voir que ce sont mes favoris. Ce sont tous les fichiers que je souhaite modifier dans Adobe Camera Raw. Voici l'image que nous allons modifier dans ce cours. Comme je l'ai dit, le bridge est juste un moyen de visualiser tous nos fichiers. Une fois que vous avez en tête le fichier que vous souhaitez modifier, afin de le modifier dans Adobe Camera Raw, si je double-clique sur cette miniature, ce fichier brut s' ouvre dans Adobe Camera Nous pouvons maintenant développer ce fichier Raw avant de l' ouvrir dans Photoshop. Encore une fois, il ne s'agit que d'un plugin Photoshop car nous ne pouvons pas modifier les fichiers bruts directement dans Photoshop. Maintenant, si vous utilisez une salle lumineuse, tout cela peut vous sembler assez familier. Il s'agit de tous les ajustements presque identiques que vous pouvez apporter à un fichier brut dans Lightroom Vous verrez qu'il existe différents panneaux ou modules en haut à droite d'Adobe Camera Raw. Nous avons Edit, nous avons le recadrage, le talon, puis nous avons le masque et vous n'avez pas à vous soucier de ceux qui se trouvent sous le panneau de masquage Nous aborderons toutes ces questions tout au long de ce cours, du talon court au masque. à quoi je veux que vous fassiez attention, si vous utilisez une salle lumineuse c'est que si nous passons à une salle lumineuse, nous avons ici l'image que nous allons modifier dans Adobe Camera Raw. Il s'agit simplement de ce fichier brut de Dream Lake que j'ai ouvert dans Lightroom Encore une fois, c'est une pièce lumineuse que j' utilise juste pour organiser mes photos. Je n'utilise pas le module développé car c'est pour cela que nous allons utiliser ACR. Mais si je passe à ce module développé, vous remarquerez que si nous sommes dans le panneau d'édition, tous ces panneaux sont identiques ou presque identiques. Nous avons un mélangeur de couleurs de base, une courbe de tonalité , un étalonnage des couleurs, des détails, etc. Nous comparons cela à Adobe Camera Raw, c'est presque identique. Si j'ouvre l'un de ces panneaux, par exemple, Light, vous verrez que nous avons ces curseurs d'exposition, tous les curseurs de réglage de la lumière, très similaires à Light Room Si nous revenons en arrière et ouvrons le panneau de base, nous avons un contraste d'exposition, ombres surlignées, des blancs et des noirs. Elles sont réparties un peu différemment. Si vous souhaitez accéder à une saturation éclatante clarté de texture éclatantes, nous les trouverons dans Adobe Camera Raw en passant à la couleur, afin de trouver les effets du curseur de saturation éclatants, nous aurons la clarté de la texture Dehaze, donc si vous ne trouvez rien, si je vous montre quelque chose dans Adobe Camera Raw et que vous ne le voyez pas immédiatement dans une pièce éclairée Commencez simplement à ouvrir vos panneaux et vous trouverez probablement ce curseur Par exemple, la courbe de tonalité, nous ouvrons la courbe de tonalité dans Lightroom, puis nous ouvrons la courbe dans ACR, tout est très, très similaire J'espère qu'au fur et à mesure que nous y travaillons, si vous utilisez Lightroom, cela vous sera très facile Je vous encourage vivement, cependant, si vous voulez vraiment devenir un éditeur de photos plus expérimenté et plus compétent, je vous encourage à utiliser Adobe Camera Raw dans Photoshop au lieu de Light Room, simplement parce que cela vous donnera plus de flexibilité dans vos retouches. Je vais vous donner un peu plus de contrôle, et nous parlerons de certains des avantages de l'utilisation de cette méthode qui consiste à utiliser Bridge, ACR et Photoshop au lieu de simplement utiliser Light Room pour ensuite vous ouvrir à Photoshop Nous parlerons de certains de ces avantages tout au long de ce cours. Nous allons commencer à voir pourquoi cette méthode est bénéfique à bien des égards. Si vous voulez commencer à apprendre cette méthode, allez certainement regarder ce cours sur Photoshop où je vous apprends à configurer tout cela et à ce flux de travail étape par étape. C'est bon. Fermons tout ça. La prochaine chose que je voulais vous montrer brièvement est ces différents modules dans Light Room. Nous avons des récoltes. Nous passons à Lightroom Nous avons également ce module de recadrage ici. Nous avons également le module de guérison. Nous pouvons utiliser tous les différents outils de guérison que vous découvrirez dans un instant. Nous cliquons sur cette gomme, nous avons accès à ces outils de guérison Enfin, le module de masquage. Si on clique sur ce petit cercle entouré de points. C'est ainsi que nous allons effectuer nos ajustements ciblés. Ne vous inquiétez pas pour le moment , que signifient toutes ces différentes choses. Sachez simplement que ce que vous voyez ici s' appliquera directement à ce que vous voyez dans Lightroom Lorsque j'accède au module de masquage dans ACR, il vous suffit d'accéder au module de masquage Lightroom et vous aurez toutes les mêmes options En guise de critique, j'utilise Adobe Bridge que nous annulons d'ACR. J'utilise Adobe Bridge pour visualiser mes fichiers, mes fichiers bruts que je souhaite modifier. J'utilise ensuite Adobe Bridge comme point d'accès pour accéder à Adobe Camera Raw. Je double-clique sur l' image que je souhaite modifier. J'utilise l'ACR pour développer l'image , puis une fois que j'ai fini de développer l'image ou que j'ai presque terminé, j'ouvre Photoshop en cliquant sur ce bouton Ensuite, cette image s' ouvrira dans Photoshop et je pourrai apporter mes modifications supplémentaires dans Photoshop. Enfin, comme vous le savez probablement, Adobe met à jour ses logiciels assez fréquemment. Ce cours a été filmé en octobre 2024. Si vous regardez ce cours dans le futur, peut-être dans un an ou deux, cela pourrait sembler un peu différent. Il ne serait pas pratique pour moi d'aller refilmer chaque cours encore et encore à chaque fois qu'Adobe effectuait une mise à jour Mais il est important de comprendre que tous les concepts sont les mêmes. l'ensemble, tous les outils sont les mêmes, les icônes sont les mêmes. Et rien ne change tant que ça. Mais si vous avez des questions, envoyez-moi un message, faites-le-moi savoir dans les commentaires, et je vous aiderai à résoudre toute confusion que vous pourriez rencontrer lorsque vous essayez de comprendre quels outils se trouvent où, si quelque chose a changé. Mais j'espère qu'Adobe ne fera pas une énorme mise à jour changera complètement tout et compliquerait les choses pour tout le monde. Ensuite, nous allons passer à la partie la plus intéressante et commencer à modifier cette image. 6. Ajustements globaux: La première chose que nous allons faire pour modifier cette image est d'apporter quelques corrections de base. Nous allons commencer par passer au panneau optique. Si vous cliquez sur cette petite flèche, ce panneau s'ouvre et vous verrez deux cases à cocher. La première consiste à supprimer l'aberration chromatique et la seconde à utiliser des corrections de profil Nous allons vérifier les deux. Je ne vais pas entrer trop dans détails de ce qu'ils font, mais ils suppriment essentiellement les distorsions de l'objectif dans l'image Vous devez les vérifier pour pratiquement toutes les images que vous modifiez. Nous refermerons ce panneau optique lorsque nous en aurons fini avec cela. Nous allons passer au profil. Pour le profil, je choisis presque toujours Adobe Color. Si vous cliquez sur cette case, vous verrez d'autres options de différents profils que vous pouvez utiliser. Je suggère d'en utiliser un qui soit relativement plat. Vous pouvez partir d'un état assez neutre avant de commencer à apporter vos modifications Tu as pratiquement fait table rase. Adobe Color fonctionne plutôt bien pour ce que j'aime visuellement. Une fois que vous aurez choisi votre profil, nous passerons ensuite à notre outil de recadrage ici et je veux juste m' assurer que la ligne d'horizon est parfaitement droite. Si l'horizon n'est pas exactement droit, vous pouvez utiliser cet outil d'angle pour incliner votre image d'un côté à l' aligner sur l'une des lignes. Cela ressemble à quelque chose comme ça, juste un léger ajustement, quelque chose comme ça, ça a l'air un peu plus plat. Si vous avez du mal à déterminer si votre horizon est parfaitement plat, vous pouvez utiliser cet outil de redressement si vous cliquez sur cet outil de redressement, vous cliquez sur un côté de votre Si je clique ici sur le côté gauche et que je le fais glisser jusqu'à l'endroit où l'horizon se termine sur le côté droit, vous remarquerez qu'il l'a légèrement incliné vers la gauche Je l'ai fait pivoter vers la gauche. Cela a rendu l' horizon parfaitement plat. Une fois que vous avez nivelé votre horizon, vous cliquez sur Entrée pour revenir au panneau de commandes principal. Maintenant, notre horizon devrait être plutôt droit. La prochaine chose que nous allons faire est sauter dans notre panneau lumineux. Nous allons apporter quelques ajustements globaux à l'exposition. Nous ouvrons notre panneau lumineux, vous verrez toutes ces différentes options ici : exposition, contraste, reflets, ombres, blancs et noirs. Maintenant, ces différents curseurs vont ajuster toutes les tonalités de l'histogramme Nous avons les blancs, les reflets, les tons moyens, les ombres et les noirs. La première chose que je fais généralement lorsque je règle l'exposition d'une image est de prêter attention aux parties les plus sombres de l'image, puis d'augmenter l'exposition pour que ces parties les plus sombres paraissent naturelles à mes Si je les soulève quelque part ici, cela semble assez naturel. Mais vous remarquerez que le problème est que nous commençons à surexposer le ciel, qui l' expose de manière significative et nous supprimons même certaines parties de cette image où vous voyez du rouge Si vous ne voyez pas les parties de votre image qui sont surexposées, Adobe Camera Raw et Light Room vous indiqueront si vous êtes en train de souffler votre image en colorant les parties surexposées qui sont soufflées Pour le voir, cliquez sur ces petites flèches en haut de votre histogramme Cela indique que les parties les plus claires de votre image ont été surexposées et que les parties les plus sombres de votre image sont sous-exposées Vous pouvez voir ici qu'il y a un peu bleu dans cette section de l'image. Zoomez un peu sur ce point. Ici, j'ai sous-exposé l'image. J'ai perdu certains détails dans les parties les plus sombres de cette photo, et c'est en fait parce que je n'ai pas pu capturer toute la plage dynamique de cette scène en particulier avec une seule photo J'ai failli faire cette petite coupure dans les Blacks, ce n'est pas si grave Maintenant, il y a une chose que je tiens à souligner à de nombreux photographes lorsqu'ils retouchent une scène comme celle-ci au lieu d'augmenter l'exposition, nous allons corriger le ciel ici en une minute. Au lieu d'augmenter l'exposition, ils lèveront les ombres. Vous remarquerez que si je lève les ombres, ne paraissent pas aussi naturelles que lorsque je les ai levées avec l'exposition. La raison en est que dans l'ombre, il n'y a pas que des ombres. Dans les parties de l' histogramme qui se trouvent ici, nous n'avons pas que des ombres Nous avons des lumières et peut-être même des points forts qui se produisent dans les régions que le briquet est en train de régler Donc, l'une des façons de le voir est de descendre jusqu'à notre courbe Si je clique sur ce petit outil de réglage paramétrique ciblé sur les courbes , où que vous survolez la scène, vous verrez dans quelle catégorie se trouvent les tons Ici, nous disons que ce sont des ombres, ici, nous voyons des lumières, juste ici, nous voyons des reflets. Nous pouvons voir où ces curseurs visent lorsque nous les soulevons ou les soulevons. Maintenant, si je les soulève complètement comme ça, encore une fois, cela ne semble pas naturel, car nous ne touchons pas aux reflets et aux tons plus clairs de cette région. Ça va juste paraître un peu étrange. Au moins, à mon avis, il fait un peu appel au HDR. Ce que nous pouvons faire, comme je vous l' ai montré tout à l'heure, je vais lever les ombres en augmentant l'exposition. Il ne faut pas oublier que Light Room et Camera Raw parviennent bien mieux à récupérer les ombres qu' récupérer les hautes lumières. Si vous êtes sur le terrain , si vous avez le choix surexposer ou de sous-exposer, atténuer les reflets ou de supprimer les ombres, découpez toujours les ombres car il est beaucoup plus difficile de rétablir ces reflets que de ramener les Comment récupérer les détails du ciel et réduire cette surexposition, partie sur en partie sur les parties les plus claires de notre Ce que je vais faire, c'est réduire les points forts de manière significative. Dans cette image en particulier, je pourrais les ramener à moins 100. Cela ne fonctionne pas toujours dans toutes les scènes, surtout si vous photographiez directement le soleil et que le soleil est en arrière-plan, cela donnera au soleil un aspect très étrange et faux. Si vous réduisez complètement les points forts , mais dans cette scène, cela fait ressortir tous les détails et c'est plutôt joli. Nous ne constatons aucune surexposition. Je pense un peu en arrière-plan, juste un tout petit peu, mais c'est dans la neige. C'est assez négligeable, du moins à mon avis. Ce que je vais faire ensuite c'est que je pourrais augmenter légèrement les ombres. Je vais faire apparaître les ombres d'un cheveu, regardant ce qui me semble le plus naturel à l'œil nu. Lorsque je fais ces ajustements globaux, mon objectif est simplement d'essayer de rendre l'image aussi naturelle que possible. Si je soulève les ombres jusqu'à environ 25, cela leur donne un petit coup de pouce et un joli éclat et elles n'ont pas l' air surexposées Quelque chose autour de 25 me semble plutôt bon. En général, je vais aussi commencer à parler des blancs. Le curseur blanc définit essentiellement le point blanc de l'image En d'autres termes, il examine le point le plus lumineux de l'image, nous pouvons voir à la fin de l'histogramme, pour éclaircir le point le plus clair et étirer essentiellement l'histogramme pour tenir compte de l'augmentation ou de l'éclaircissement du point histogramme pour tenir compte de l'augmentation ou de l' blanc À mesure que nous augmentons le point blanc, j'aime vraiment les effets que cela a sur la majeure partie de cette région centrale. C'est donner aux arbres et à une partie de la neige un peu plus de profondeur et de dimension, un peu plus d'éclat. Mais c'est à cause de cela que cette partie de la neige est soufflée. C'est découpé ici. Nous perdons des détails et ce n'est probablement pas très visible. Nous désactivons ce surligneur à couper. Ce n'est pas très visible, mais ce n'est vraiment pas idéal. Je ne veux pas vraiment attirer les Blancs ici. Lorsque vous effectuez un ajustement comme celui-ci, vous êtes le seul à aimer son apparence sur la majeure partie de l'image, mais il y a des parties où vous ne l'aimez pas. C'est la principale indication qu'il doit s'agir d'un ajustement ciblé, ce que nous verrons dans la prochaine leçon. Il ne doit pas s'agir d'un ajustement global affectant l'ensemble de l'image. Nous allons juste laisser les Blancs à zéro pour le moment. Enfin, pour les Noirs, cela fonctionne pratiquement de la même manière que pour les Blancs, mais nous fixons les points noirs. Nous examinons les parties les plus sombres de l'image, qui semblent se trouver ici et qui sont indiquées sur l'histogramme à l'extrémité gauche de la queue Nous augmentons ou éclaircissons ce point noir, partie la plus sombre de l'image Personnellement, j'ai tendance à le soulever un peu, peut-être quelque chose entre sept ou huit, cela réduit un peu le contraste dans les ombres et les zones les plus sombres de l'image. Mais j'aime ce look d'ombre plus doux et moins contrasté Préférence personnelle, si vous voulez plus de contraste, je ne suggère pas d'aller plus loin qu'ici, le point noir est à peu près aussi bas qu'il le devrait sans perdre de détails. Ici, vous commencez à voir les points saillants, ce qui indique que nous avons perdu des détails dans toutes ces zones bleues. Une autre astuce est que si vous maintenez la touche Option enfoncée sur un Mac ou Alt sur APC et que vous faites glisser le curseur de gauche à droite, vous commencerez à voir où vous êtes Si on passe à peu près là, on n'est plus en train de couper. J'augmenterais les noirs à environ plus 16, donc je n'ai pas de noir pur sur cette photo. Passons maintenant à notre couleur. Encore une fois, je veux que la couleur corresponde à ce que j'ai vu de mes yeux et idéalement, je veux le faire sur le terrain, mais parfois, on ne fait pas toujours les choses correctement. Sur cette image en particulier, je pense que j'ai fait du bon travail. Je pense que je devrais le rafraîchir un peu parce qu' à l'origine, cette zone semble un peu trop jaune. Il y a trop de teinte jaune. Afin de neutraliser cette teinte jaune, je vais juste le faire glisser légèrement vers la gauche Je perds un peu de cette belle couleur chaude du ciel ici ou sur les sommets, mais je vais la retrouver lorsque nous travaillerons sur nos ajustements ciblés. Il y a quelque chose juste là qui a l'air bien. Les ombres n'ont plus l'air trop chaudes. En général, vous voulez que les ombres aient un aspect plus froid, plutôt bleu, elles soient beaucoup plus naturelles à l'œil nu. ce qui concerne le curseur de teinte, personnellement, j'ai tendance à le pousser plus en magenta Souvent, dans ces scènes de paysage, il peut y avoir un peu trop de vert. De toute évidence, il y a beaucoup de verdure parce qu'il y a beaucoup d'arbres, mais il peut être difficile de voir qu'il y ait autant de verdure pour voir qu'il y ait autant de verdure neutraliser un peu cela J'aime appuyer un peu plus sur le curseur en magenta, juste pour neutraliser un peu ces verts Encore une fois, nous allons y aller très doucement. Nous procédons à des ajustements très subtils , car il est très facile d'exagérer et de donner aux photos un aspect anormal C'est probablement l'une des erreurs les plus courantes que les gens commettent , c'est d'en faire trop, surtout en ce qui concerne la couleur Je vais passer ça à environ plus trois, c'est plutôt bien. Pour ce qui est du vibrant, le vibrance va saturer les couleurs qui ne sont pas déjà très J'ai l'habitude d'appuyer à nouveau sur Vibrant, pas très haut du tout, mais en gardant un œil sur la scène, nous ajoutons juste un peu de couleur. Ces rahiles sortent de l'appareil photo, très plats, il est important d'introduire de la couleur, mais encore une fois, exagérant comme ça, vous verrez que beaucoup de photos sont très exagérées en termes de vibrance et de C'est bien trop. C'est beaucoup trop coloré, ça n'a pas l'air naturel. Quelque part par là, ça a l'air bien. Et puis la saturation sature les couleurs, peu près toutes les couleurs de l'image Nous voulons donc atténuer encore davantage la saturation Vraiment, tout ce qui est supérieur à cinq semble trop élevé. Encore une fois, essayez de maintenir les changements les plus subtils possible, notamment parce que nous pouvons revenir nos ajustements ciblés et ajouter couleur si nous le jugeons nécessaire. C'est à peu près tout pour la couleur. Fermons notre panneau de couleurs. Avec notre panneau incurvé, la plupart du temps, les blancs. J'aime soulever les blancs, j'aime soulever les lumières. Les courbes vous permettent simplement mieux contrôler les parties de l'histogramme dont vous modifiez l'exposition Nous nous concentrons vraiment sur la question de savoir si nous augmentons. Dans cette partie, vous pouvez cliquer sur la courbe et la soulever, ce qui augmentera les tons que vous survolez Nous pouvons cliquer sur ce côté et le déposer pour ajouter un peu plus de contraste si nous créons une courbe en F subtile. Mais je n'aime pas ce look croustillant et contrasté. Je vais contrôler Z et faire tout ça. D'habitude, je ne lève les lumières que pour leur donner un peu plus d'éclat. Mais encore une fois, avant de perdre ce détail dans la neige. Je vais juste redéfinir cela et nous reviendrons plus tard introduire du blanc et des lumières sans perdre en détails dans la neige. Nous allons fermer notre courbe pour le moment pour notre mixeur de couleurs. Cela nous permet simplement de cibler des couleurs spécifiques dans l'image. fait, ce à quoi je fais attention, ce sont les couleurs que je veux mettre en valeur. Nous pouvons le faire grâce à nos ajustements ciblés et nous allons le faire. Mais parfois j'aime utiliser ces curseurs juste pour cibler une couleur spécifique Ici, je tiens vraiment à mettre l'accent sur les couleurs chaudes comme nous en avons parlé tout à l'heure. Je veux rendre les couleurs un peu plus audacieuses, un peu plus dramatiques J'ai envie d'attirer l' attention sur ces sommets aux couleurs plus chaudes et plus saturées. Je vais juste augmenter la quantité d'orange. Vous pouvez voir ici qu'il y a beaucoup d'orange dans ces rochers, mais encore une fois, c'est très subtil, très subtil. Et je ne vais toucher aucune des autres couleurs pour le moment. L'autre chose que vous pouvez faire est de passer à la luminance et peut-être d'éclaircir certaines des autres couleurs, comme les verts Vous pouvez voir que nous sommes des éclairs, créant un peu plus de détails, un peu plus d'éclat dans ces arbres ici. J'aime bien ce look. Je réduis parfois la saturation du jaune car il y a beaucoup de jaune dans les arbres et le feuillage, même s'ils ont l' air très verts. Parfois, la réduction d' une partie de ce jaune peut réduire une partie de cette dominante jaune et neutraliser la teinte jaune des parties vertes de la photo Quelque chose comme ça a l'air plutôt bien. Pour l'étalonnage des couleurs, l'étalonnage des nous permettra de teinter nos reflets, nos ombres et nos Je n'aborderai pas trop la théorie des couleurs dans cette leçon. Nous allons aborder ce sujet dans des cours supplémentaires. Je n'utilise pas toujours le panneau d'étalonnage des couleurs, mais je vais vous montrer brièvement comment je l'utiliserais cette photo si je voulais l'utiliser Maintenant, la première chose que je regarde, ce sont les points saillants. En général, les points forts, en particulier si certaines parties de la scène sont directement exposées au soleil, seront de couleur plus chaude. réchauffer un peu plus ces couleurs, vous pouvez Pour réchauffer un peu plus ces couleurs, vous pouvez utiliser cette roue chromatique des surlignages. Il vous suffit de saisir ce petit point et de le mettre dans l'une des couleurs les plus chaudes. Habituellement, amenez-le à peu près entre l' orange pur et le jaune pur. Cela indique simplement la teinte ou la couleur que vous souhaitez choisir. Vous allez ensuite cliquer sur le cercle au centre et commencer à le faire glisser vers la zone extérieure de la roue chromatique. Pour éviter que ce petit cercle ne saute, vous pouvez appuyer sur Shift pour le maintenir en ligne droite, puis le ramener un peu plus entre l'orange et le jaune. Ensuite, au fur et à mesure que vous la faites glisser, elle augmentera l'intensité ou la saturation de cette couleur. Pour cela, je vais juste le réchauffer un peu. Je vais vous dire qu'en faisant cela, remarquez ce qui se passe dans le ciel ici. Ça commence à vraiment réchauffer le ciel et je n' aime pas ce look. Je veux vraiment qu'il y ait de la chaleur sur les sommets et peut-être dans certains nuages là-haut. En fait, je ne vais pas m'en servir. Il suffit de double-cliquer au centre. Nous pouvons également l'essayer sur les ombres. En général, les ombres, comme je l'ai mentionné , sont de couleur plus froide et ont une légère dominante de bleu. Nous allons expérimenter pour voir à quoi ressemblent nos ombres si nous leur ajoutons un peu de bleu. Maintenez la touche Shift enfoncée et commencez à faire glisser ce petit cercle vers l'extérieur. Et en fait, voyons voir, peut-être un petit peu, peut-être un petit peu. Cela réduit une partie de la chaleur que j'aime. Je veux vraiment qu'il y ait plus de chaleur dans cette image. Mais il faut une partie de cette chaleur pour sortir de l'ombre. Je vais garder quelque chose comme ça. Pour les tons moyens, c' est celui que vous allez juste devoir expérimenter. Les tons moyens peuvent être plus beaux, un peu chauds, un peu froids, cela dépend vraiment de la scène. Habituellement. J'ai trouvé qu' ils sont plus beaux lorsqu' ils sont un peu plus frais. Donc, quelque chose comme ça pourrait bien paraître. Idéalement, nous essayons de créer une séparation des couleurs entre les tons chauds et les tons plus froids de cette image. Si nous essayons d'ajouter un peu de chaleur à ces tons moyens, je ne pense pas en être fan. Si je devais l'utiliser, je ferais probablement quelque chose comme ça, mais je pense que je vais le supprimer pour le moment. Je n'aime pas vraiment la façon dont cela affecte l' image, et ce n'est pas grave. Nous allons examiner d' autres moyens de séparer les couleurs, de créer des tons plus chauds froids sans utiliser le calibrage des couleurs dans Adobe Camera Raw ou dans Light Room si vous utilisez Light Room Nous allons passer aux détails pour le moment. Nous n'allons pas nous inquiéter de l' affûtage ou de quoi que ce soit d'autre pour moment et j'ai ignoré l'effet Si nous revenons au panneau des effets, nous avons la clarté de la texture et le flou En général, ces curseurs et nous avons aussi Vignette. Nous reviendrons sur Vignette plus tard. En général, la clarté de la texture et le flou ne semblent pas bons en termes d'ajustements globaux Nous pouvons les utiliser lorsque nous créons des ajustements ciblés afin de créer plus de profondeur et de créer un flux visuel plus fluide, le mouvement de l'œil à travers l'image. Encore une fois, dans nos ajustements globaux, nous allons les ignorer pour le moment. Enfin, il y a une partie évidente de cette photo que je voudrais corriger Nous avons ce buisson juste là. a aussi ce rocher ici et ce petit rocher juste là. Elles sont incroyablement distrayantes. Ce sont ce que j' appelle souvent des « eye-grabbers ». Elles détournent vraiment l'attention du sujet principal, de la zone principale de l'image que nous voulons que le spectateur regarde Ce que je veux faire, c'est les recadrer, c' est quelque chose que vous pouvez faire comme première étape de votre traitement photo. Mais juste avant d'aller de l'avant, je veux m'assurer que ces éléments seront supprimés. Cela semble plutôt beau, mais je n'aime pas l' équilibre de cette image maintenant que notre sujet principal semble un peu trop à droite, surtout parce qu' il y a tellement de symétrie dans cette composition. Cela semble un peu déséquilibré, donc je vais revenir en arrière un peu. Permettez-moi de le recadrer un peu plus et je ne veux pas perdre trop de ce ciel intéressant. Il semble que pour créer l' équilibre centré que je souhaite ici, nous allons encore avoir un peu de ce buisson ici. Nous pouvons résoudre ce problème si je clique sur le bouton Enter et que nous recadrons cette image. Ça va nous convenir pour le moment. Nous reviendrons plus tard lorsque nous retoucherons cette image et je vais vous montrer comment supprimer ce buisson gênant, car est sans doute encore plus distrayant maintenant qu' il n'en reste que des parties Mais c'est tout pour le moment, sont tous nos ajustements globaux Dans les prochaines leçons, vous allez en apprendre davantage sur les ajustements ciblés. J'ai hâte de vous y voir lors de la prochaine leçon. 7. Ajustements locaux : lumière: Nous allons maintenant vraiment commencer à donner vie à cette image et à faire preuve d'un peu plus de créativité dans nos retouches l'aide de réglages locaux Vous entendrez parfois ce que l' on appelle des ajustements ciblés. fait, cela signifie que nous allons concentrer nos ajustements sur des zones ou des régions spécifiques de la photo, plutôt que de faire des ajustements qui affectent l'ensemble de l'image, comme nous l'avons fait dans la dernière leçon sur les ajustements globaux. Ces ajustements locaux nous permettront modifier des aspects particuliers de la photo, tels que la couleur, la luminosité, le contraste, et nous permettront de mieux contrôler le processus de retouche. Cela nous aidera à faire de nombreuses choses, notamment à guider l' œil du spectateur à travers le cadre, créer un meilleur flux visuel à créer un meilleur flux visuel et à déplacer l'œil du spectateur vers les zones de la photo que nous voulons qu'il regarde. Nous allons donc commencer ce processus en effectuant des ajustements ciblés de la lumière dans cette scène. Et nous allons commencer à effectuer ces ajustements en allant dans la zone de masquage ici, vous verrez cette icône de masquage. Vous pouvez cliquer dessus. Vous pouvez également cliquer sur votre clavier pour y accéder sous forme de raccourci. La première chose que nous allons faire ici, c'est généralement ce que je fais d'abord c'est créer un masque de dégradé linéaire. Le masquage, si vous débutez dans le domaine du masquage, n'hésitez pas à consulter mon cours sur Photoshop où j'explique comment fonctionne le masquage Mais essentiellement, il nous permet d' afficher certaines parties d'une modification et de masquer certaines parties d'une modification. Je vais vous montrer ce que je veux dire ici si vous êtes nouveau dans ce domaine. Si je clique sur le dégradé linéaire, nous commencerons à voir apparaître cette boîte où se trouvent nos différents masques. Au fur et à mesure que nous créons des masques, ceux-ci commenceront à être remplis de plus en plus de masques, comme vous le verrez tout au long de cette leçon Donc, pour notre premier masque dans ce dégradé linéaire, nous allons commencer par le bas de la scène. Je vais juste cliquer sur le bas du cadre et vous verrez en cliquant, en faisant glisser et en tirant vers le haut que je crée ce masque indiqué par ce rouge ici. Nous pouvons masquer cette superposition en cochant ce bouton. Cela vaut pour tous les masques, mais cela nous aidera simplement à voir où se trouve le masque pour le moment. Nous pouvons déplacer ce dégradé vers le haut ou vers le bas selon l'endroit où nous voulons qu'il affecte l'image. Maintenant, nous n'avons pas encore apporté de modifications. Nous plaçons simplement endroit où nous voulons que ce dégradé soit. Ce que je veux faire ici, c'est assombrir le premier plan afin que nous puissions remettre l' œil du spectateur dans le cadre Lorsque le spectateur regarde cette photographie, nous voulons qu'elle soit dirigée du premier plan vers l' arrière-plan, généralement dans ces grandes scènes de paysages grandioses Pour ce faire, je veux détourner l'attention du premier plan immédiat Et je vais le faire en assombrissant l'exposition. Vous verrez que lorsque j'assombrit l'exposition, le premier plan s' Nous pouvons ajuster ce masque de dégradé linéaire. Nous pouvons le faire glisser vers le bas pour le rendre un peu plus étroit. Si nous voulons nous concentrer, comprimez ce dégradé linéaire de manière à ce qu'il soit moins plumé ou moins souple, du moins le long du bord Je pense que pour ce dégradé, étant donné que les pics se trouvent maintenant si près du bas du cadre parce que nous les avons recadrés, je vais le baisser légèrement pour ne pas trop assombrir les sommets Nous pouvons également résoudre ce problème lorsque nous commencerons à éclaircir cette zone dans quelques instants Je vais juste le faire glisser , jouer, voir ce qui me convient, et je vais le cacher pour le moment afin vraiment voir le réglage. Et je vais vous parler de ça , peut-être quelque chose juste là. Si j'ai l'impression d'en avoir fait trop, ce qui, dans la plupart des cas, est si facile d' exagérer ces modifications que je réduis presque toujours le montant Cela va simplement rendre ce réglage plus opaque ou cela va simplement réduire l'intensité ou la quantité que vous voyez de cet ajustement. Je réduis donc un peu cela et nous cliquons sur cette icône en forme d'œil pour changer notre visibilité Vous pouvez voir avant et après. Nous avons assombri ce premier plan ce qui détourne le regard de ce premier plan immédiat au profit de ces sommets C'est ce que je veux qu'il se passe. Une autre façon de visualiser ce masque est que si vous passez simplement le curseur sur le masque ici, vous verrez la superposition rouge apparaître lorsque vous survolez apparaître lorsque vous survolez Et lorsque vous regardez cette miniature de votre masque, que montre-t-elle ? Encore une fois, si vous débutez dans le domaine des masques, retournez certainement à ce cours sur Photoshop et découvrez comment fonctionnent les masques, car ils sont extrêmement importants pour la retouche photo. Mais à titre de critique, ce que nous examinons ici, la partie noire de ce masque est la partie qui n' affecte pas l'image, et la partie blanche est la partie qui affecte l'image. Le blanc révèle donc les cachets noirs. C'est une façon de s'en souvenir et d'y réfléchir. Maintenant, la prochaine chose que je vais faire est de créer un autre masque de dégradé linéaire pour le ciel. En gros, nous allons faire exactement la même chose pour le ciel. Si nous appuyons sur notre bouton plus pour créer un nouveau masque, nous pouvons revenir au dégradé linéaire. Un conseil de pro, c'est vraiment une bonne idée de mémoriser ces raccourcis. K pour le masque de pinceau, G pour le dégradé linéaire et J pour le dégradé radial, car nous utiliserons les trois Si vous le faites vous-même, votre flux de travail d' édition sera beaucoup plus efficace et un peu plus rapide. Donc, pour l'instant, nous allons simplement cliquer sur le dégradé linéaire. Je vais faire la même chose. J'aime l' incliner un peu qu'il soit un peu plus naturel plutôt qu'un simple bord droit. Si vous vouliez le rendre droit, il vous suffit de cliquer sur Shift pour l' aligner sur l'axe horizontal. Mais cela ne me dérange pas d'une petite inclinaison, et nous allons juste le déposer quelque part par là. Et vous le soulevez à nouveau pour conserver ces pointes, sans trop l'affecter, raccourcissez peut-être, il a un bord un peu plus dur, peut-être un bord plus doux. est l'une de ces choses avec lesquelles vous allez vouloir jouer , car plus vous vous entraînez avec cela, plus cela deviendra intuitif. Si cela vous semble un peu confus en ce moment, commencez simplement à créer ces masques et voyez comment ils fonctionnent par vous-même. Maintenant, comme avant, je vais juste réduire cette exposition. Je ne veux pas qu'il soit trop évident que les meilleures modifications ne sont vraiment pas évidentes Vous n'allez pas regarder cette image et savoir exactement ce que j'ai fait si je l'ai modifiée correctement, à mon avis. Je vais le réduire un peu. Déposez-le juste pour assombrir un peu plus le ciel. Et peut-être réduisez cette quantité juste pour qu'elle se mélange un peu mieux et nous verrons avant et après, avant et après. Maintenant que j'ai assombri le ciel et le premier plan et que j'ai guidé l'œil du spectateur vers le centre de ce cadre ou moins loin du haut et du bas du cadre, je vais maintenant me concentrer sur les parties de l' image sur lesquelles je veux attirer l'attention du spectateur Maintenant, cette partie de l'image serait constituée des pics et du reflet, nous avons déjà parlé plus tôt dans ce cours, où les parties de ce cadre que nous voulons diriger vers l'œil du spectateur se trouveraient dans cette zone juste ici, dans cette zone , dans les sommets. C'est vraiment le sujet principal, la partie la plus importante ou du moins le véritable sujet de cette image. Pour ce faire, je vais commencer par créer un dégradé radial. Vous pouvez le faire soit avec le dégradé radial, soit avec le pinceau. Je trouve que le dégradé radial est un peu meilleur car il présente, comme vous le verrez, des bords plus doux que ceux du pinceau. Je peux vraiment le mettre en forme pour que la transition se fasse en douceur lorsque j' effectue cet ajustement Parfois, le pinceau peut sembler un peu trop évident. Il existe des moyens d'y remédier. Mais par souci de simplicité, nous allons commencer par le dégradé. Ce que je vais faire, c'est juste augmenter un peu la visibilité. Je veux juste éclaircir encore une fois les choses, juste pour attirer l'attention du spectateur sur ces sommets vraiment incroyables L'autre chose que je veux faire est prendre les blancs et de les éclaircir pour que nous puissions vraiment créer un masque de luminosité Nous prenons uniquement les parties les plus intéressantes de cette région et nous créons une gamme un peu plus dynamique Cela donne un peu plus d'éclat à cette section de l' image. Encore une fois, attire le regard sur cette partie de l'image. Mais vous verrez ici que nous commençons à couper cette partie de la neige dans le reflet et ce n'est pas ce que nous voulons. Il existe une solution simple pour cela. Si vous souhaitez simplement supprimer une partie du masque que vous avez créé, nous pouvons passer à la soustraction et nous pouvons sélectionner le pinceau cette fois, car nous voulons simplement soustraire une petite partie de ce Nous pouvons l'utiliser comme un pinceau. Nous utilisons l' outil pinceau dans Photoshop. Nous pouvons modifier la taille de ce pinceau. Si vous cliquez avec le bouton droit de la souris puis faites défiler la page de gauche à droite, vous pouvez réduire la taille. Vous pouvez également utiliser les crochets ouverts de votre clavier pour agrandir et réduire la taille du pinceau. Très rapidement, le fonctionnement de ce pinceau est le suivant : le réglage sera effectué à 100 % dans le petit cercle , puis il sera étalé sur le plus grand Nous allons donc faire en sorte que ce pinceau soit assez petit ici. L'autre point, c'est que vous voulez vous assurer d'avoir une plume jusqu' à 100 et un flux allant jusqu'à 100 Nous effectuons cet ajustement complet sur cette partie particulière de la photo. Je vais juste cliquer et brosser la zone qui est devenue trop lumineuse. Comme vous pouvez le voir sur le masque ici, cela va simplement supprimer cette section du masque. Le réglage que nous avons effectué, ce réglage de l'exposition et le réglage des blancs ne seront pas effectués sur la partie que nous avons soustraite du masque Si j'ai l'impression d'être allée un peu trop loin avec cette soustraction au pinceau, alors ce que je peux faire pour retirer le pinceau ou un coup de pinceau , c'est d'accéder à cette icône de gomme Si vous cliquez sur l'icône de la gomme, nous réduirons la taille de ce pinceau. Il semble que j'en ai trop soustrait dans ce domaine. Je vais juste le ramener, soustraire cette soustraction brossée Essentiellement, nous ajoutons nouveau la modification globale si nous espérons que cela a du sens. Je suis allé un peu trop loin là-dessus. Je vais retourner à la brosse, puis retirer à nouveau cette section, car encore une fois, nous essayons simplement d'empêcher que cette petite plaque de neige ne soit soufflée ou coupée Nous ne voulons pas perdre de détails sur ce point. Quelque chose comme ça semble plutôt beau et nous pouvons regarder avant et après avoir vraiment illuminé ces sommets, encore une fois, en attirant l'attention sur cette zone L'autre chose à savoir à propos de ces masses, si vous les connaissez pour la première fois, vous pouvez cliquer dessus puis les faire glisser. Si vous avez envie de le déplacer légèrement d'une manière ou d'une autre, il est extrêmement facile de régler l'endroit où vous souhaitez effectuer ce réglage ou de contourner ce réglage. Nous pouvons également élargir ou agrandir ce gradient radial. Et nous pouvons déduire le montant appliqué, le montant de ces ajustements appliqués . Peut-être quelque chose comme ça. Je ne veux vraiment pas que cela s'étende aussi loin au milieu du cadre car je veux juste qu'il s'agisse du reflet dans l'eau. Nous allons le garder dans un endroit comme ça. Cela neutralisera une partie de cet assombrissement dû au dégradé linéaire au premier plan ici La prochaine chose que je veux faire est essentiellement la même chose que nous avons faite aux sommets de la réflexion. Je veux éclaircir et attirer davantage l'attention sur la vedette principale de cette photographie, ces grands sommets et la vallée en arrière-plan Je vais créer un autre masque. Nous allons créer à nouveau un autre dégradé radial. Je vais juste cliquer et faire glisser ce dégradé comme suit. Un endroit comme ça a l'air plutôt beau. Je vais supprimer cette superposition et nous allons faire à peu près la même chose Je vais à nouveau éclaircir ce fond. Vous allez voir, encore une fois, nous allons souffler la neige, mais nous allons y remédier. Nous corrigerons cela bientôt. Je ne veux pas être trop lourd, mais quelque chose comme ça a l'air plutôt bien. Si je veux faire de l'exposition en plus des blancs, c'est parce que je veux éclaircir tous les tons ici Je ne veux pas ajouter de contraste supplémentaire dans le dos, du moins pas encore, car cela ne semblerait pas naturel, surtout parce que les objets situés plus loin de nous présentent un contraste tonal moindre. Nous en parlerons lorsque nous commencerons à ajuster le contraste dans une prochaine leçon. Mais pour l'instant, je veux juste m'assurer que les ombres sont éclaircies et que les lumières sont Presque tous les tons sont éclaircis. Je vais augmenter un peu cette exposition . Je pourrais aussi soulever les blancs. Je soulève toujours les blancs juste pour ajouter un peu plus de dynamique, un peu plus de pop, et c'est vraiment de la neige qui souffle. Je ne vais pas aller trop loin là-dessus. Encore une fois, nous pouvons le supprimer en créant un masque de soustraction Je vais juste cliquer d'abord sur soustraire, puis sur brosser, et nous allons brosser ou retirer avec notre pinceau toutes les parties qui ont été surexposées ou découpées et soufflées Quelque chose comme ça a l'air plutôt bien. La prochaine chose que je veux faire est donc de faire des ajustements encore plus spécifiques et plus localisés. Ce que je veux faire, c'est faire ressortir un peu plus de lumière dans certains de ces nuages parce que ces nuages sont vraiment magnifiques et ajouter cet élément d' atmosphère et de beauté à cette photo. Je vais créer un nouveau masque. Nous allons créer un masque de pinceau et nous pouvons cliquer dessus ou cliquer sur K. Nous avons maintenant un nouveau masque de pinceau. Je vais augmenter la taille de ce pinceau parce que je veux vraiment utiliser la partie à plumes de ce pinceau et je ne vais pas augmenter l'exposition Je veux juste augmenter le blanc, donc nous ajoutons un peu plus de contraste tonal, un peu plus de détails dans ces nuages Je vais juste cliquer dans cette zone ici. Encore une fois, si je vois quelque chose qui ne fonctionne pas, alors je vais commander Z ou Control Z sur APC, Command Z, si vous êtes sur Mac, et peut-être baisser un peu le pinceau, quelque chose comme ça Je suis juste en train de toucher les nuages là où je veux qu'ils s'éclaircissent et peut-être que nous pouvons atteindre certains de ces sommets un peu trop pouvons atteindre certains de ces sommets un peu trop loin Encore une fois, si je commence à voir certaines de ces parties blanches devenir trop lumineuses, je pourrais peut-être mettre en évidence ces pics ici. Encore une fois, je vais simplement soustraire parties qui ont été soufflées, soustraire le pinceau, puis toucher les zones surexposées On dirait que j'en ai la plupart là-bas. Voyons voir. J'ai un peu trop zoomé là-bas Si je zoome ici, nous pouvons être un peu plus ciblés avec ce pinceau. Il semblerait que je n'ai surexposé que quelques parties de cette image Mais ignorons cela pour le moment. Vous ne le remarquerez pas vraiment dans les plaques de neige très claires. De toute façon, il n'y a pas vraiment beaucoup de détails sur ces endroits. Je fais défiler la page et je vois si tout est un peu surexposé, voyons voir, déplacer certains de ces gars D'accord. Ça a l'air plutôt bien pour le moment. Jetons un coup d'œil à toutes les modifications que nous avons apportées en termes de masquage jusqu'à présent Si nous allons dans le panneau des masques et que nous pouvons actionner ce bouton de visibilité sur le panneau des masques, nous pouvons voir avant et après, avant et après Nous avons fait une différence significative ici et nous pouvons réellement voir à quoi ressemble l'image d'origine si nous appuyons sur le bouton de barre oblique inverse juste avant, et ceci est après Nous avons parcouru un long chemin depuis que nous avons commencé à retoucher cette photo. Le dernier réglage ciblé de la lumière que je souhaite effectuer ici est que je veux éclaircir un peu le milieu du plan, car je veux donner une illusion de profondeur en éclaircissant l'arrière-plan par rapport au premier plan Comme dans la nature, si vous regardez une scène, vous remarquerez que les parties les plus sombres de la scène trouvent au premier plan et que, à mesure que nous nous dirigeons vers l'arrière-plan, à cause de l'atmosphère, elle deviendra de plus en plus claire . En éclaircissant le milieu du plan, cela créera plus de profondeur et de séparation dans cette image Donc ce que je vais faire, c'est que je pense que je vais utiliser le pinceau cette fois. Nous allons créer un masque en forme de pinceau. Nous allons passer au pinceau et je vais l'agrandir beaucoup plus ici. Je vais juste peindre quelque chose comme ça au milieu du Il n'est pas nécessaire que ce soit très précis, une brosse grossière autour de ce milieu. Ensuite, ce que je vais faire, c'est masquer cette superposition. Est-ce que je vais juste prendre les blancs au moins pour commencer. Je l'ai trop brossé, donc je vais supprimer ce coup de pinceau. Lorsque vous utilisez des coups de pinceau, au lieu d'avoir à créer un masque de pinceau distinct pour soustraire le pinceau, vous pouvez simplement utiliser cet outil d'effacement Je vais juste l' effacer à nouveau. Revenons à notre brosse et je vais l'enlever. Quelque chose comme ça a l'air plutôt bien. Continuez à tomber sur cette neige là-bas. Jetons un coup d'œil aux modifications que nous avons apportées ici. Vous voyez comment cela éclaircit vraiment les tons plus clairs des arbres Cela lui donne un peu plus de pop, rend un peu plus dynamique et j'aime beaucoup l'effet voir plus de détails dans tous ces arbres ici. J'en ai clairement fait trop. Encore une fois, je vais effacer toutes les dernières parties que j'ai touchées d'une manière ou d'une autre, juste pour assurer que nous ne surexposons pas cette neige, mais que m' assurer que nous ne surexposons pas cette neige, mais que nous ciblons simplement le milieu de cette photo Je pense que je vais aussi faire ressortir un peu les ombres , pas trop. Nous voulons que cela paraisse naturel, mais encore une fois, créant une certaine séparation entre cette région et le milieu Je pense que cela me semble plutôt bon pour l'instant. Encore une fois, jetons un coup d'œil à l' avant et à l'après, à l'avant-après. Je pense que je vais réduire un peu la quantité juste pour qu' elle se mélange. Et ça a l'air plutôt bien. C'est à peu près tout ce que je vais faire pour le moment avec ces ajustements d'éclairage ciblés. Bref aperçu, nous avons assombri le premier plan et le haut de l'image, et nous avons éclairci les parties de l'image sur lesquelles nous voulions attirer l'attention des spectateurs Nous éclaircissons cette zone, nous éclaircissons cette zone. L'objectif est de créer un flux visuel à partir du premier plan, repoussant l'œil à travers cette partie sur laquelle il va naturellement vouloir atterrir en premier, puis en le repoussant vers ces sommets en arrière-plan Dans la leçon suivante, nous allons effectuer des réglages plus ciblés, et nous allons nous concentrer sur la création certains réglages de couleur. Je vous y verrai lors de la prochaine leçon. 8. Ajustements locaux : couleur: Leçon, nous allons continuer avec nos ajustements locaux, mais cette fois, nous nous concentrerons sur nos ajustements de couleur localisés. L'idée ici est vraiment de créer plus de contraste et séparation des couleurs afin de créer plus d'intérêt et de profondeur dans cette photographie. Mais l'objectif général, encore une fois, est toujours de guider le regard du spectateur à travers le cadre, créer un flux visuel plus fluide. Si vous vous en souvenez plus tôt dans ce cours, les couleurs plus chaudes, plus claires et plus saturées attireront le regard, tandis que les couleurs moins saturées, plus atténuées et plus foncées seront moins gênantes Ils vont vraiment attirer moins d'attention dans le cadre. Nous allons encore une fois utiliser cela à notre avantage et nous allons commencer par examiner les zones de cette photo que nous voulons encore une fois mettre en valeur. Comme nous en avons déjà parlé, nous voulons attirer l'attention cette zone du cadre, le reflet. Nous voulons attirer le regard vers le dos de l'image où se trouvent ces montagnes vraiment incroyables. Commençons maintenant par le bas du cadre. Encore une fois, j'aime bien commencer par le bas , simplement parce que c'est ainsi que nous voulons diriger l'œil du bas vers le milieu du plan , puis vers l'arrière-plan Une chose que j'ai remarquée et qui se produit lorsque vous éclaircissez certaines parties de votre image, c'est qu'en éclaircissant et en réduisant le contraste, vous désaturez Si nous regardons ici et surtout en arrière-plan où les couleurs ont été éclaircies de manière assez significative, elles ont l'air plus délavées. Si nous regardons à quoi ressemblait cette image avant ajouter ces réglages de lumière, ajustements localisés à l' éclairage sur cette photo, nous avions un peu plus de saturation, pas trop, mais elle semble plus délavée lorsque nous avons illuminé les montagnes à l'arrière et aussi un peu ici aussi Je ne pense pas autant. Mais ce que je veux faire, c'est réintroduire une partie de cette couleur. Je veux créer un peu plus de saturation, un peu plus de chaleur, encore une fois, pour attirer l'attention ces parties que nous voulons mettre en valeur. Encore une fois, commençons par le bas Au lieu de créer un nouveau masque et un tout nouvel ajustement, nous pouvons revenir au masque que nous avons créé au départ. Encore une fois, si nous survolons ce masque, nous pouvons voir qu'il s'agit des masques que nous avons créés pour le reflet, les pics et le reflet Nous pouvons cliquer sur ce masque et il le réactivera. Toutes les modifications que nous apporterons à l' avenir une fois que vous aurez cliqué sur ce bouton affecteront cette partie de l'image où nous avons créé ce masque Si vous vous souvenez, nous avons simplement augmenté l'exposition et nous avons levé les blancs. Mais maintenant, ce que je veux faire, c'est ajouter un peu plus de chaleur. Je ne veux pas trop insister là-dessus. Nous voulons toujours faire ces ajustements très subtils et peut-être que plus deux suffisent. Je pense qu'une fois que nous commençons à monter ici, c'est vraiment bouleversant. Nous ne voulons pas que cela ait l'air faux. Peut-être quelque chose comme plus trois. Ensuite, nous pouvons aussi jouer un peu avec la teinte, peut-être en ajoutant un peu plus de magenta. Nous avons un peu plus de contraste entre peut-être un peu plus de magenta dans les pics et le vert, qui serait une couleur opposée ici. Peut-être un peu plus de magenta et nous pourrons regarder avant et après, avant et après. C'est extrêmement subtil. Nous pouvons l'ajouter un peu plus. Il se peut que vous ne puissiez même pas le voir sur votre écran. Mais si vous le faites chez vous sur une image, vous remarquerez ces changements sur votre écran, espérons-le. Sinon, commencez peut-être à y ajouter un peu plus de couleur un peu plus de couleur si vous ne voyez pas ces changements. Quelque chose comme ça, encore une fois, peut-être que nous pouvons le retirer. Nous l'avons déjà démonté, donc c'est bon. C'est probablement pour cela que nous ne le voyons pas très extrême. Nous pouvons le ramener à 100 et voir avant, après. Maintenant, c'est plus visible. Je vais le ramener à 80 pour que ce soit plus mixte L'autre chose que je vais faire ici est d'ajouter un peu plus de saturation. Nous avons ajouté plus de chaleur, nous avons ajouté plus de magenta, les couleurs sont plus chaudes, mais je veux ajouter plus de saturation. Ces couleurs sont un peu plus audacieuses, elles ressortent un peu plus et je pense qu' environ cinq plus cinq, regardons et ça commence vraiment à être jolie Je vais faire des ajustements similaires à l'arrière-plan ici. Si nous survolons le masque, il s'agit du masque que nous avons créé pour les pics en arrière-plan Encore une fois, je vais ajouter un peu de chaleur je pourrais probablement devenir un peu plus fort. Je veux vraiment que cela sorte du lot sans avoir l'air trop exagéré Quelque chose comme ça, nous allons vérifier le magenta et y ajouter de la saturation. Je trouve que ça a l'air plutôt bien. Nous y avons vraiment ajouté de belles couleurs. Si nous regardons avant et après, vous pouvez voir à quel point ces pics sont plus chauds. Vous pouvez vraiment voir cette chaude lumière matinale lorsque nous en avons parlé au début de ce cours Nous voulions vraiment raconter l'histoire de cette belle matinée, de cette matinée immaculée, calme, tranquille, impressionnante et de cette première lueur du jour qui atteint Je pense que cette couleur contribue à raconter cette histoire. Je pense que j'aimerais ajouter un peu plus de chaleur aux nuages car la lumière se reflète directement sur les nuages, il devrait y avoir un peu plus de chaleur. Nous allons cliquer sur ce masque. Nous allons commencer à ajouter à cet ajustement des ajustements similaires, d' ajouter un peu de chaleur à ces nuages. Si nous prenons vraiment de l'ampleur, vous pouvez voir la différence que cela fait, et vous pouvez voir à quel point il suffit de toucher ces nuages ici. Une autre chose à remarquer ici est que nous créons un certain contraste de couleur entre les oranges dans les nuages et dans les montagnes et le ciel. L'orange et le bleu sont des couleurs complémentaires. Je ne vais pas trop m'attarder sur la théorie des couleurs ici. C'est certainement quelque chose que vous devriez étudier et découvrir dans votre photographie. Mais ces deux couleurs se complètent vraiment ici. Ils sont vraiment beaux. les mettant en valeur, vous obtiendrez une photographie globale plus esthétique Je pourrais les réduire un peu plus. Vous pouvez voir ce que fait le magenta. J'aime beaucoup ce magenta. Ajoutez-en un peu. Je veux trop ajouter de la saturation car cela sature également le bleu et cela semble un peu bizarre Nous allons réduire cette quantité juste pour l'intégrer , puis nous examinerons avant et après. Voyons la couleur par la suite. Il y a de jolis tons chauds dans ces nuages ici. OK, passons donc aux ombres. Nous avons donc réchauffé et ajouté de la couleur, un peu plus de saturation dans les zones sur lesquelles nous voulons attirer l'attention ou attirer l'attention Examinons maintenant les ombres, ces zones que l' œil va traverser, mais qui seront moins exigeantes en termes d'attention. Et nous voulons nous assurer que ces ombres sont suffisamment froides. Si vous vous en souvenez, les ombres sont généralement plus froides. Ils ne devraient pas vraiment avoir une teinte chaude. Si nous parvenons à refroidir ces ombres, encore une fois, cela créera une meilleure séparation des couleurs entre ces pics oranges, le ciel. Et le juste milieu. Je trouve que c'est très agréable de dessiner ces ombres, les teinter un peu plus en bleu, peut-être beaucoup plus de bleu. J'aime bien ça. Encore une fois, nous utilisons ce masque que nous avons créé pour le milieu de terrain. Je pense que je veux désaturer un peu les couleurs intermédiaires , pas trop Mais toutes les zones qui ne sont pas exposées à la lumière directe du soleil, ces couleurs de la nature, si vous prenez des photos alors que vous regardez une scène avec vos yeux, objets ne sont pas touchés par lumière directe du soleil, ne seront pas aussi saturées. Les couleurs ne seront pas aussi saturées. Si, par exemple, vous deviez vraiment saturer ces couleurs, l'une des raisons pour lesquelles cela ne serait pas beau, c'est parce que ce n'est tout simplement pas ainsi que les couleurs fonctionnent en physique Cela n'aurait tout simplement pas l'air dans le monde réel, ces couleurs seraient vraiment saturées simplement parce que la lumière ne les atteint pas directement. Nous allons réduire cette saturation. J'aimerais créer un peu plus de contraste, un peu plus d'éclat dans les arbres. Vous pouvez voir ici comment nous éclaircissons ces tons plus clairs dans les arbres. J'aime vraiment cet effet. Voyons voir. Nous pouvons peut-être teinter un peu ce vert, voir ce qui se passe. Je ne pense pas que je veuille trop m'embêter là-dessus. Voyons ce que nous avons fait à la couleur. Avant et après, avant et après, vous pouvez voir que nous avons supprimé une grande partie de cette dominante de couleur jaune qui n'aidait pas vraiment à donner aux ombres de cette scène un aspect naturel. Cela me paraît beaucoup mieux. Nous pouvons à nouveau examiner les ajustements globaux que nous avons effectués, les ajustements ciblés globaux que nous avons effectués en les ajustements globaux que nous avons effectués, les ajustements ciblés globaux que nous avons effectués en activant la visibilité du masque Nous allons examiner toutes les modifications que nous avons apportées à l' aide de nos ajustements ciblés ou localisés. Après, avant, après, et ça a l'air plutôt sympa pour l'instant. J'aime beaucoup la façon dont cette image évolue, la façon dont elle se présente. Je pense que je vais m'arrêter là pour ajuster la couleur. Encore une fois, la couleur est l'une de ces choses qu'il est si facile d'exagérer Je vais juste m' en tenir là pour ne pas trop traiter les Cela semble très naturel jusqu'à présent. Nous allons passer à autre chose et commencer à voir comment nous pouvons apporter des ajustements localisés au contraste cette photo dans la prochaine leçon. Je vais voir là-bas. 9. Ajustements locaux : conta: Nous allons poursuivre nos ajustements locaux, et cette fois, nous allons nous concentrer sur le contraste. instar de la lumière et de la couleur, nous pouvons utiliser le contraste pour créer plus de profondeur dans une photographie et également guider et diriger regard du spectateur sur l'ensemble de la photo. Revenons donc à nos modifications. Et encore une fois, comme nous l'avons fait dans la leçon précédente, nous n'allons pas créer de nouveau masque de réglage. Nous n'allons plus créer de masse localisée. Nous allons utiliser tous ces masques que nous avons déjà dans ce panneau. Encore une fois, en partant du bas du cadre, nous allons revenir à l'endroit où nous voulons diriger le regard du spectateur dans ce reflet. Nous allons sélectionner ce masque. Et ce que je veux faire ici, c'est ajouter un peu plus de contraste et peut-être un peu plus de texture. La raison en est que lorsque vous regardez une scène, lorsque vous êtes dans le monde réel, dans la nature, les objets les plus proches de vous auront plus de contraste et de texture naturellement plus de contraste et de texture que les objets situés en arrière-plan, par exemple dans cette scène. Cela donnera un aspect plus naturel et donnera plus de profondeur à la photo. Si nous avons plus de contraste et texture au premier plan ou dans les objets plus proches de nous ou du moins perçus comme plus proches de nous que les objets en arrière-plan partant du reflet des montagnes dans l'eau, nous allons commencer par regarder notre panneau d'effets sur la droite. C'est la première fois que nous abordons ce panneau d' effets. N'oubliez pas que lors de nos ajustements globaux, nous n'y avons pas abordé cette question, car la clarté et le déhaze de la texture ne sont généralement meilleurs que lors de réglages locaux, alors qu'ils font des ajustements globaux En fait, je vais les fermer parce que nous n'allons plus utiliser de couleur pour le moment. Nous allons nous concentrer sur les effets. fait, lorsque j'utilise la clarté des textures et le déhaze, je cherche davantage à expérimenter qu'à le faire en tant que Tout d'abord, je vais simplement faire basculer ce curseur de texture vers l'avant et vers l'arrière, remarquer les changements que Je constate un petit changement et le curseur de texture augmente l' apparence de la texture sans entrer dans tous les détails techniques du fonctionnement de la texture Cela va juste donner à toutes ces textures et la roche ici une apparence plus texturée Si on zoome, on passe aux cerceaux. À ces pics, nous pouvons donc simplement voir ce que le curseur de texture fait un peu mieux Nous avons beaucoup de texture. Même s'il s'agit d'un reflet étant donné que le matin était si clair, que l'eau était si calme et semblable à un miroir, nous pouvons toujours vraiment en voir la texture. Et cette partie de l'image est encore plus proche de nous que les pics en arrière-plan. Même si, encore une fois, il s'agit d'un reflet, il aura tout de même l'apparence d'avoir un peu plus de texture que les pics identiques en arrière-plan. Si nous examinons notre texture, nous pouvons voir à mesure que nous augmentons et je vais juste en faire trop ici juste pour faire remarquer, vous pouvez voir qu'elle devient vraiment croustillante Je vois vraiment cette texture. Encore une fois, je ne veux pas faire cela comme tous nos autres ajustements. Je veux juste que cet ajustement soit très subtil. Quelque chose comme ça a l'air plutôt bien. Nous pouvons expérimenter un peu avec clarté. Ce que fait la clarté, c'est qu'elle ajoute plus de contraste dans les tons moyens et vous pouvez voir comment elle illumine un peu les lumières à cet Je ne déteste pas ça, je pourrais en ajouter un peu plus. Dehaze, je ne vais pas toucher. Je n'utilise vraiment pas beaucoup Dehaze. C'est l'une de celles qu' il est très facile de gâcher et de donner à une image un aspect faux. Ce que le nom de Dehaze implique, c' est qu'il réduit simplement l'apparence de brume sur la Si vous avez une image, c'est peut-être une journée enfumée, cela réduira cette apparence floue ou si vous utilisez un téléobjectif et vous photographiez quelque chose qui se trouve très loin , cette brume peut améliorer légèrement l' image au lieu de l'accentuer techniquement, mais elle peut la rendre moins floue parce qu'il y a tellement d'atmosphère qui image au lieu de l'accentuer techniquement, mais elle peut la rendre moins floue parce qu'il y cela réduira cette apparence floue ou si vous utilisez un téléobjectif et que vous photographiez quelque chose qui se trouve très loin , cette brume peut améliorer légèrement l'image au lieu de l'accentuer techniquement, mais elle peut la rendre moins floue parce qu'il y a tellement d'atmosphère qui cause illusion de brume entre l'objectif et le sujet que vous photographiez Dehaze veut vraiment faire attention à celui-ci. Je ne veux pas l'utiliser dans ce cas précis, surtout parce que je n'ai pas du tout affaire à de la brume Retournons en arrière. Zoomons ici. Et regardons A tout à l'heure. Et après. J'ai ajouté un peu de texture, un peu de contraste aux tons moyens. Je pense que ça a l'air bien, comme ça. L'autre chose que je vais faire est d'ajouter un peu de contraste dans cette région en utilisant la courbe des tons. La courbe de tonalité, comme nous l'avons vu plus haut dans ce cours, nous permet de cibler plus précisément les tons que vous souhaitez ajuster, la luminosité et l' obscurité des tons. Nous pourrions consacrer une leçon entière l'utilisation de la courbe de tonalité. Mais pour résumer, nous pouvons cibler les tons les plus clairs en soulevant la ligne sur la courbe des tons. Nous pouvons éclaircir les tons clairs ou assombrir les tons clairs Nous pouvons également aller sur le côté gauche de l'histogramme. Vous pouvez voir l'histogramme au dos indique les tonalités que vous êtes en train de régler Nous pouvons augmenter les tons moyens, nous pouvons assombrir les tons moyens, les relever, nous les ramenons au centre Nous pouvons lever les ombres et les assombrir. Je vais juste utiliser la commande Z pour le supprimer, car c' est une modification terrible pour supprimer ces points. La façon dont je vais utiliser la courbe des tons pour introduire un peu de contraste est je vais simplement saisir la partie supérieure de cette ligne où se les tons clairs et je vais juste les augmenter légèrement. Vous pouvez voir à quel point cet ajustement est léger. Ensuite, je vais faire glisser les ombres vers le bas. Encore une fois, nous allons le faire de manière très subtile. Vous pouvez voir que nous sommes en train de créer une petite courbe en S. Il s'agit d'un moyen très simple mais efficace d' ajouter du contraste à une image ou à une partie de l'image, puisque nous nous concentrons ici sur la création de cette courbe en S sur le réglage des courbes. Si nous regardons ici, nous avons nettement plus de contraste entre l' avant et l'après, l'avant et l'après. Comme nous l'avons fait, vous remarquerez que ces couleurs sont devenues un peu plus saturées. Donc, à cause de cela, je vais revenir à la couleur, je vais juste les désaturer un peu Et peut-être réduire un peu le jaune , la chaleur. Ça a l'air un peu mieux. N'oubliez pas que lorsque vous augmentez la saturation ou que vous augmentez le contraste, vous augmentez la saturation de ces couleurs. Mais nous voulions que ces couleurs soient plus saturées, donc je suis d'accord avec ça pour le moment. Nous allons passer à autre chose. Nous allons revenir à ces sommets, et je ne vais en fait pas faire un ajustement similaire ici. La raison en est que, comme nous en avons parlé au début de cette leçon, c'est que les objets les plus éloignés de vous devraient avoir moins de contraste. Je ne veux pas introduire plus de contraste en utilisant la courbe de tonalité ou toute autre méthode permettant d' ajouter plus de contraste. Mais ce que je veux faire, c'est en fait le contraire. Je veux adoucir un peu le fond. Je ne veux pas vraiment supprimer trop de contraste, mais je veux lui donner une sensation un peu plus claire et plus éclatante L'une des façons d'y parvenir est de revenir aux effets. Nous nous assurons que ce masque est sélectionné. Nous pouvons revenir au panneau des effets. Et nous pouvons réduire la clarté. N'oubliez pas que l'augmentation de la clarté augmente le contraste dans les tons moyens, tandis qu'une diminution de cette clarté adoucira certains de ces tons moyens dans le fond. Quelque chose comme ça, on peut essayer Dehaze. En abaissant le curseur d'éblouissement, nous augmentons le niveau d'éblouissement en essayant de supprimer ce qui pourrait être de la brume sur nous augmentons le niveau d'éblouissement en essayant de supprimer ce qui pourrait être de la brume sur la photo. Si on le fait tomber, il le brouille. Cela peut à nouveau donner un aspect un peu plus doux et plus brillant à un arrière-plan Je ne pense pas avoir envie d'en faire trop, peut-être juste cinq. Regardons l'avant et l' après, l'avant et l'après. Nous avons adouci l'arrière-plan, réduit un peu le contraste, lui avons donné un peu plus de luminosité, disons un look professionnel, pourrait-on Je pense que je veux faire la même chose avec les nuages. Je pense que je veux les adoucir un peu. Nous pouvons essayer de réduire la clarté. Je ne veux pas perdre trop de détails dans les nuages, mais nous pouvons réduire un peu cette clarté et voir ce qui se passera si nous le brumons. Cela donne impression que ce masque se déplace vers les sommets, comme dans les nuages, mais je n'aime pas vraiment ça dans les Nous pourrions fabriquer un autre masque pour assombrir un peu ces nuages Mais je ne pense pas que cela ajoute vraiment grand-chose. Je ne veux pas faire de modification juste pour le plaisir, alors je vais peut-être en rester là. Peut-être moins deux. Je vais juste le laisser à zéro. Je ne veux pas l'ajouter si je n' ai vraiment pas l' impression d'en avoir besoin. Examinons l'avant et l'après, avant et l'après, c'est très subtil, mais je pense que je vais conserver cet ajustement. Comme nous réduisons légèrement le contraste lors de ces pics, je pense que nous avons perdu un peu de la saturation que nous avions ajoutée. Nous revenons à notre masque des sommets. Nous pouvons regarder la couleur. Encore une fois, c'est le cas parce que nous avons perdu ce contraste, nous nous sommes un peu plus délavés. Je vais ajouter un peu plus de saturation , puis un peu plus de chaleur. Et un peu plus de magenta. Nous voulons vraiment que cette scène soit tellement incroyable. Nous voulons vraiment souligner à quel point c'est spectaculaire et impressionnant ici. Avec cette couleur, c' est beau à mes yeux. Après ce point, j'ai vraiment apporté les principaux ajustements locaux que je voulais apporter à cette image. Je pourrais continuer à fabriquer un peu plus de masse, quelques améliorations supplémentaires et c'est peut-être ce que je pourrais faire Mais j'espère qu'à ce stade, vous comprenez l'état d'esprit ou la logique qui explique pourquoi j'ai choisi de modifier ce que j'ai édité. Je ne veux pas juste entrer et commencer à éditer toutes ces choses aléatoires simplement parce qu'elles ont l'air cool. J'ai vraiment une idée plus systématique de ce que je veux modifier et de la manière dont je veux le modifier de manière à créer plus de profondeur et flux visuel sur l' ensemble de la photo. Maintenant que nous avons effectué la majorité des ajustements locaux, la prochaine étape que je souhaite vous présenter est la phase de nettoyage et de raffinement du processus de retouche photo Eh bien, nous allons commencer par supprimer tous ces éléments qui attirent l'attention sur le sujet et nous allons donner à cette image un vraiment professionnel et plus raffiné Nous en parlerons dans la prochaine leçon et je vous y verrai. 10. Nettoyer l'image: Dans cette leçon, nous allons commencer par supprimer tous les objets indésirables de cette image, en particulier en prêtant attention à tout ce qui se trouve dans les marges du cadre et qui est vraiment gênant pour l'œil et détourne le regard du sujet . Comme nous en avons parlé dans la leçon précédente, nous avons ici ces branches d'arbres qui attirent vraiment l'attention, peut-être un petit bout de roche que nous avons essayé de couper. Souvenez-vous que lorsque nous avons effectué les ajustements globaux, j'ai recadré cette image pour recadrer la majeure partie de cet arbre, mais je n'ai pas vraiment réussi à tout obtenir dans le recadrage. Nous allons donc utiliser des outils pour pouvoir retirer ces parties de l'arbre. Nous allons également utiliser certains de ces outils de guérison pour éliminer les imperfections, telles que les taches de poussière ou tout ce qui peut vraiment attirer l'attention et rendre cette image moins polie et moins raffinée. Nous allons commencer par accéder au panneau de guérison et vous pouvez le trouver où vous voir cette petite icône de pansement. Vous pouvez soit cliquer dessus, soit appuyer sur la touche B de votre clavier. Une fois que vous êtes dans le panneau de guérison, vous verrez trois options d'outils différentes. Vous verrez l'outil de suppression sensible au contenu, l'outil de guérison et l'outil de clonage. Je vais me concentrer sur l'utilisation de l'outil de suppression sensible au contenu. La façon dont cela fonctionne est qu'il s'agit essentiellement d'un pinceau. Il vous suffit de brosser l'objet que vous souhaitez supprimer. Photoshop examinera ce qui entoure cet objet et essaiera de remplir les espaces vides Il va essentiellement créer les pixels nécessaires pour indiquer à quoi devrait ressembler l'image sans cet objet. Si cet outil en particulier ne fonctionne pas, je commence généralement par cet outil et s'il ne fonctionne pas, je passe à l'outil de guérison. L'outil de guérison échantillonnera une partie de l'image située à proximité de l'objet que vous souhaitez supprimer. Il l'échantillonnera, puis utilisera simplement cet échantillon pour remplacer l'objet que vous souhaitez supprimer. Sans entrer dans tous les détails techniques du fonctionnement de ces outils, examinons directement le fonctionnement de cet outil de suppression sensible au contenu afin que nous puissions commencer à supprimer ces branches d'arbre Je vais zoomer ici pour que nous puissions le voir un peu mieux. Une fois que nous aurons saisi notre outil pour talons, je vais le réduire un peu, réduire légèrement la taille, réduire légèrement la taille cliquer avec le bouton droit de la souris et faire glisser le pointeur vers la gauche, vous utilisez un Mac. Ensuite, je vais juste peindre sur ces branches d'arbres. Ce type de suppression d'objets peut nécessiter quelques essais et erreurs. se peut que Photoshop ne fasse pas toujours les choses correctement du premier coup. Nous verrons comment cela fonctionne et ce n'est pas grave. Nous pouvons commencer à passer revue les endroits qui ne semblent pas naturels. Ça a l'air plutôt bien. Si je monte ici, ça a l'air plutôt bien aussi. Lorsque vous l'utilisez , je vous suggère simplement passer en revue les parties que Photoshop ne comprend pas tout à fait correctement et il continuera à essayer de les comprendre. Une fois que vous avez l' impression d'avoir bien compris, vous pouvez passer à différentes parties à modifier ou à supprimer Nous allons essayer de retirer un peu cette pierre. Le but ici est simplement de donner l' impression que la photographie était censée ressembler sans cet objet. On dirait qu'il y a une petite distraction dans le coin. Voyons si nous réduisons la taille de ce pinceau . Ça a l'air d'aller bien. Nous pouvons toujours recadrer ce petit peu de couleur pour être encore plus pointilleux à ce sujet. Allons-y un petit peu. Je veux juste enlever certaines de ces petites branches et brindilles qui pointent vers le cadre. le genre de choses qui ne seront pas si évidentes si vous regardez cette photo, par exemple, sur votre téléphone ou sur un très petit écran . Mais si vous imprimez vos photos ou si vous les agrandissez, les regardez sur un très grand écran, elles seront extrêmement évidentes et vous serez vraiment heureuse d' pris le temps de retirer ces petits objets gênants ou ces accroche-yeux Essayons donc ça. Ça a l'air plutôt bien. Je pourrais passer pas mal de temps à le faire aussi. Je vais procéder assez rapidement ces ajustements curatifs. Je vais là-haut. Je pense que ça a l'air plutôt bien pour le moment. Je vais probablement passer en revue cette question. Ce reflet dans la roche ici ne semble pas tout à fait correct. Je vais y revenir un peu. C'est un petit peu mieux. Je pense que j'en suis plutôt content pour le moment. Maintenant, si je devais imprimer cette photo et que devais imprimer cette photo et voulais la mettre dans mon portfolio, je prendrais le temps de retirer tous ces petits points à la surface de l'eau. Ce ne sont que de petits débris, des bâtons, peut-être des insectes, toutes sortes de petites choses qui flottent à la surface de l'eau En fait, je supprimerais tous ces petits flotteurs ici et cela prendrait relativement beaucoup de temps Je ne vais évidemment pas faire tout cela dans cette leçon, mais je vais vous montrer très rapidement comment commencer. Vous pouvez utiliser le remplissage adapté au contenu, le supprimer en fonction du contenu. Mais pour ces petits points comme celui-ci, ces corps flottants, ou si vous avez des taches de poussière sur votre photo, j'aime bien utiliser cette brosse à talons j'aime bien utiliser cette brosse à talons j'aime bien utiliser cette brosse à talons. Je vais me contenter cliquer littéralement sur ces petits points qu'ils disparaissent Nous pouvons en passer en revue quelques-unes , vous pouvez voir que cela prendrait beaucoup de temps. Mais si je voulais donner à cette photo un aspect vraiment professionnel, vraiment propre, alors je prendrais le temps de le faire. Pour l'instant, nous allons simplement ignorer tous ces petits flotteurs et supposer que nous avons pris le temps de tous les supprimer. Je pourrais prendre jusqu'à une heure ou deux pour faire tout cela. Nous ne voulons pas rester ici toute la journée, du moins pour cette leçon. Ce que je vais faire ensuite, c'est encore une fois, je vais le faire relativement rapidement. Mais ce que vous voudrez faire lorsque vous serez en phase de nettoyage de votre photo, c'est vraiment faire défiler l' image en zoomant Ici, nous sommes zoomés et voyons voir, nous sommes à 122 %. Nous pourrions zoomer encore plus. Mais je veux juste détecter les taches de poussière, tout ce qui ne semble pas être censé être là, et même s'il est censé être là, petites choses qui pourraient être gênantes une attention particulière aux angles et aux marges. Et nous allons juste passer rapidement en revue tout cela. Je ne vois aucune tache de poussière qui apparaisse clairement sur moi Il est beaucoup plus facile de les voir dans le ciel. Si vous n'en voyez aucune dans le ciel, ira probablement bien. Ceux dans le ciel sont vraiment ceux qui ne feront que ruiner votre photo, surtout si vous souhaitez imprimer votre image à un moment donné. Faites vraiment attention aux taches de poussière dans le ciel. Nous avons des tonnes de ces petits corps flottants ici lorsque nous zoomons vraiment Encore une fois, je dirais : Oups, revenons à notre guérison, et j'en éliminerais vraiment beaucoup Nous pourrions même réduire un peu la taille de ce pinceau . Nous ne ciblons en fait que ces petits points. Si vous avez vraiment un trouble obsessionnel-compulsif comme moi, vous vous assurerez de bien comprendre chacun de ces petits points, mais vous n'êtes peut-être pas aussi pointilleux et perfectionniste que moi ici C'est la base de la façon dont vous pouvez supprimer les objets indésirables. Si nous faisons un zoom arrière puis que nous activons la visibilité sur nos réglages de guérison, nous pouvons constater à la visibilité sur nos réglages de guérison, quel point cela a fait une grande différence C'est avant et c'est après, avant et après. Et cela fait vraiment une grande différence de voir toutes ces branches d'arbres disparaître. C'est beaucoup moins distrayant et on ne remarque vraiment pas à quel point c'est distrayant tant que ces éléments n' que ces Ces objets sur les bords du cadre, des taches de poussière, des petits flotteurs comme ça Parfois, ce sont de petites brindilles, cela peut être un petit déchet Cela fait une énorme différence, surtout si vous agrandissez cette photo. Donc, une fois que vous avez nettoyé toute l'image, j'aime laisser l' image reposer pendant au moins quelques jours. Il est bon de le laisser reposer et mariner car lorsque vous regardez une photo, retouchez pendant des heures ou des jours, il peut être plus difficile de déterminer ce que vous devez changer ou ce qui vous dérange Vous pensez peut-être que quelque chose vous dérange, mais vous ne savez peut-être pas vraiment ce que c'est La meilleure façon d'y remédier est de simplement ranger la photo y revenir avec un regard neuf et tout ce qui doit être changé, comme la couleur, contraste, l'éclairage, deviendra probablement beaucoup plus évident. Ce que nous allons faire, c'est simplement cliquer sur OK. Ce qui va se passer, c'est que toutes les modifications que nous avons apportées seront enregistrées automatiquement. Et cette photo, ce fichier brut, va être sauvegardé directement dans Bridge. Vous pouvez voir la photo ici et si nous double-cliquons pour l'ouvrir de nouveau dans Adobe Camera Raw, vous verrez que tous nos réglages ont été enregistrés. Par exemple, si nous revenons à notre outil de guérison, activez tous les ajustements de guérison Vous pouvez voir avant, après, avant, après. Et si nous cliquons ici, nous pouvons toujours supprimer l' un de ces ajustements si nous le voulions. Nous pourrions cliquer puis supprimer et cela serait supprimé. Je ne veux pas faire ça. Mais il est important de comprendre que tout a été enregistré de manière à ce que toutes ces modifications ne soient pas destructives Nous n'avons pas modifié définitivement le fichier brut. Nous pouvons toujours revenir et le modifier, supprimer tous les ajustements ciblés Nous pouvons revenir à nos principaux ajustements globaux et peut-être modifier quelque chose comme l'exposition Nous pouvons même réinitialiser l'intégralité du fichier brut si nous le voulions et recommencer à zéro. Aucune de ces modifications n'est permanente ni destructrice pour le fichier brut. C'est quelque chose de vraiment important à garder à l'esprit. Donc, ce que nous allons faire, c'est enregistrer ça. Nous y reviendrons dans quelques jours, puis nous l' ouvrirons dans Photoshop pour apporter quelques modifications finales avant de l'enregistrer et de l' exporter Donc c'est tout pour le moment, vous tous. J'espère que cela vous aidera, et je vous verrai la prochaine fois. 11. Ouverture dans Photoshop + ajout de calques de réglage: Disons que nous nous sommes éloignés de cette photo pendant quelques jours et que nous lui avons laissé le temps de se rafraîchir et de mariner et que nous y revenons maintenant avec un regard neuf Nous allons apporter quelques derniers ajustements ici avant ouvrir dans Photoshop et procéder à nos retouches et modifications finales Maintenant que je reviens à cette image après l' avoir laissée reposer pendant quelques jours, la première chose qui me vient à l'esprit, c'est que je trouve que les coins et les bords sont trop clairs parce que mon intention est d'attirer le regard vers le centre du cadre, principalement du premier plan à l'arrière-plan Ce que je veux ajouter ici est vraiment ma modification finale dans Adobe Camera Raw, du moins à ce stade, consiste à ajouter une vignette Ce que je vais faire, c'est accéder au panneau des effets. Et nous allons passer à la vignette. Si vous commencez à le démonter, vous verrez la vignette apparaître dans les coins du cadre. Je ne veux pas aller trop loin avec cette vignette. La vignette, d' ailleurs, est quelque chose que j' ajoute à la plupart de mes images à peu près après avoir effectué toutes les modifications que je voulais apporter dans Adobe Camera Raw, quelque chose comme ça a l'air plutôt beau Encore une fois, je ne veux pas aller trop loin. Si vous allez trop loin, cela ne semble absolument pas naturel, mais vous voulez que ce soit si subtil que le spectateur ne remarque même pas la présence d'une vignette Quelque chose comme ça, je pense, semble aller bien. Regardons l'avant et l' après avant et après. C'est une différence assez spectaculaire. Je vais peut-être en parler un tout petit peu. Avant après, avant-après attire vraiment le regard sur le reflet dans les zones que nous voulons que le spectateur regarde. Disons qu'à ce stade, j'en ai terminé avec toutes mes modifications d' Adobe Camera Raw Je peux toujours revenir à l'ACR, comme je vais vous le montrer dans un instant, même après avoir utilisé Photoshop Mais pour l'instant, disons que c'est fait. L'étape suivante consiste à ouvrir cette photo en tant qu' objet intelligent dans Photoshop. Et si vous vous souvenez, Adobe Camera Raw n' est qu'un plugin pour Photoshop. Ainsi, une fois que nous avons cliqué sur Ouvrir un objet, celui-ci s'ouvre dans Photoshop. Maintenant, si vous ne voyez pas d'objet ouvert ici, il vous suffit de cliquer sur ce lien au bas de l'ACR. Cela ouvrira une boîte de dialogue. Vous devez vous assurer que cette case à cocher est cochée, que Photoshop est ouvert et que Photoshop est un objet intelligent J'ai également réglé l'espace colorimétrique sur Pro Photo RGB. n'entrerai pas dans tous les détails des raisons pour lesquelles je fais cela à ce stade. Vous pouvez le vérifier dans mon cours sur Photoshop. J'explique tout cela, je le décompose. Mais pour l'instant, nous allons l'ouvrir en tant qu' objet intelligent dans Photoshop. Je vais lui donner une minute pour le charger. Notre photo retouchée est maintenant ouverte dans Photoshop sous forme de fenêtre séparée. Une chose que je tiens à souligner ici, c'est vraiment la principale raison pour laquelle je préfère utiliser Adobe Camera Raw , c'est parce que maintenant que nous l'avons ouvert en tant qu'objet intelligent, nous pouvons double-cliquer sur la vignette et ACR s' ouvrira Si nous voulions changer quelque chose, par exemple, si je voulais ajuster la vignette que je viens de créer, je peux revenir en arrière et le faire, ce n' est absolument pas destructif Je peux littéralement entrer et sortir d'Adobe Camera Raw sans jamais m'inquiéter de ne jamais pouvoir y revenir définitivement après avoir effectué mes modifications C'est bon. L'avantage d'être dans Photoshop maintenant, c'est que j' ai tous les outils de Photoshop à ma disposition. Il s'agit notamment d'outils que je n'aurais pas pu utiliser dans Adobe Camera Raw. Il y a certaines choses que j'aime utiliser dans Photoshop, notamment les calques de réglage. Je vais ajouter ici quelques couches de réglage pour vous montrer les étapes que j'aime suivre pour finaliser et peaufiner la photo que je viens de retoucher dans Adobe Camera Raw abord, je vais passer à ce petit cercle, c'est un petit cercle en bas, à moitié plein, à moitié vide. Ce sont nos couches de réglage. Encore une fois, je passe en revue tout cela dans mon cours Photoshop. Si tout cela est nouveau pour vous, n'hésitez pas à consulter cet article où nous apprenons davantage sur les couches de réglage de masse. Tout cela, je vais vous montrer ici dans les prochaines étapes. Mais la première couche de réglage que je vais ajouter ici est une couche de réglage des courbes. Cela fera apparaître notre ajustement des courbes. Ce que je veux faire ici, c'est ajouter un peu de contraste général à la scène. Pas grand-chose, juste assez pour faire ressortir un peu plus de détails, un peu plus pop, rendre les cheveux plus éclatants. Je vais donc créer une courbe en S comme vous l'avez vu plus tôt dans ce cours Nous utilisons le réglage des courbes dans Adobe Camera Raw. Je vais simplement cliquer et faire glisser le pointeur vers le haut là où se trouvent les points forts, les parties les plus claires de l'histogramme Je vais cliquer sur les ombres et les abaisser légèrement pour créer une courbe en S très subtile. Je veux vraiment être très claire là-dessus parce que vous pouvez voir quel point c'est trop foncé et croustillant, ça a l'air horrible Je vais juste le baisser légèrement, puis je vais faire glisser le point blanc vers la gauche, afin de protéger certains de ces points forts. Je ne veux pas m'attarder sur aucun de ces points saillants ici. Je vais protéger les parties les plus claires de cette image en la tirant légèrement vers la gauche Ensuite, je vais faire ressortir le point noir juste pour faire ressortir certains de ces tons noirs vraiment foncés de cette photo. J'aime bien ce look d' ombre plus discret. Je veux juste le faire, pour que le résultat ne soit vraiment pas supérieur à cinq , peut-être deux ou trois. Mais vous pouvez voir ici à quel point le faire trop haut détruira vraiment l'image. Quelque chose comme ça, environ quatre , juste pour adoucir ces noirs vraiment sombres. Si nous regardons avant, après, après. Nous avons ajouté un peu de contraste. Je pense que je vais réduire un peu plus le point noir. Après, avant et après. Je n'aime pas la façon dont cela affecte le milieu de terrain. Je pense que je perds un peu de contraste dans les tons moyens et moyens. Ce que je vais faire, c'est d'abord ramener ça à la normale. Mais j'aime bien ce que cela fait aux sommets et aux reflets. Je vais réduire l'opacité Ce réglage du contraste a un peu moins d'effet Et je pense que cela va faire du bon travail à cet égard. J'aime bien l' effet global de cela. Passons à autre chose. Nous n'allons pas y consacrer trop de temps. Encore une fois, vous pouvez voir comment vous pouvez simplement modifier tous ces ajustements aussi longtemps que vous le souhaitez car cela ne vous rend pas trop fou Mais ajoutons une couche de réglage de la saturation des teintes. Encore une fois, n'oubliez pas qu'il s'agit de modifications non destructives. Si jamais je voulais supprimer cette couche de contraste, je pourrais simplement cliquer et faire glisser le pointeur pour supprimer complètement ce réglage. Je vais juste rétablir cela en annulant cette commande Z sur un Mac ou Control Z sur un PC, ajustant un peu la couleur Je pense que je vais ajouter un peu de saturation en général. Et je pourrais retourner dans Adobe Camera Raw et le faire. Habituellement, lorsque je crée ces calques de réglage ou que j'ajoute ces calques de réglage, c'est pour apporter des ajustements ciblés à des parties spécifiques de l'image, ce qui est parfois un peu plus facile à faire, mon avis, dans Photoshop pour obtenir une précision vraiment précise. Allons donc ajouter un peu plus de couleur aux pics. Je vais juste ajouter un peu plus de saturation manière très subtile, puis je vais essentiellement masquer tout sauf le réglage que j'ai effectué. Ce que je vais faire, c'est cliquer sur ce masque de couche, sur Commande I, si vous êtes sur Mac ou sur Contrôle I si vous êtes sur PC, je vais sélectionner mon outil de pinceau, qui est déjà sélectionné. Vous pouvez appuyer sur B sur votre clavier, augmenter complètement l'opacité, faire passer le flux à 100, pour réduire la taille de ce pinceau. Désormais, l'ensemble du réglage de saturation des teintes est masqué par ce masque. Le masque noir masque l'intégralité de ce réglage. En peignant à 100 % d'opacité là où je veux que cet ajustement apparaisse, je vais révéler la saturation que j'augmente, mais elle ne se manifestera que dans les pics Je vais également ajouter cela à la réflexion. Je pourrais ajouter un peu de saturation ici, dans le ciel. Vous pouvez voir dans ce masque où j'ai autorisé l'affichage de ce réglage. C'est partout en blanc que le réglage de la saturation des teintes, l'augmentation de la vibrance , sera révélé Jetons un coup d'œil à l'avant et à l'après, à l'avant et à l'après. C'est très subtil. Encore une fois, il se peut que vous ne puissiez pas le voir sur votre ordinateur. Je pourrais augmenter un peu plus la saturation pour que vous puissiez vraiment voir comment cela n'affecte que les zones sur lesquelles j'ai peint. C'est évidemment terrible, mais je vais en parler à peu près là, puis je réduis souvent l'opacité de la couche juste pour m' assurer que nous avons bien cliqué Réduisons l'opacité afin de nous assurer de ne pas en faire trop Ce que je pourrais faire, c'est également ajouter un peu de saturation au milieu Ce que je vais faire, c'est créer une nouvelle couche de saturation des teintes. Et je vais m'en tenir à la saturation principale pour l' augmenter également, quelque chose comme ça, juste pour ajouter un peu de saturation à ces grains. Je pense qu'ils sont un peu trop ennuyeux. Ensuite, je vais simplement cliquer sur Commande I pour transformer ce masque en masque noir. Ensuite, peignez dessus, en vous assurant que nous avons ce pinceau blanc. Je vais juste le peindre au milieu encore une fois parce que je veux juste attirer le regard vers le milieu. Je ne veux pas que les légumes soient vraiment trop saturés sur les marges, surtout ajoutez-y un peu de saturation. Donc avant, après, avant, après, c'est très subtil. Encore une fois, assurez-vous que les couches de réglage ont cliqué avant réduire cette opacité Et cela semble plutôt bon dans l'ensemble. Si je passe à notre image d'origine, la miniature de notre image d'origine et que je maintiens enfoncée Option ou option si vous êtes sur un Mac ou Alt si vous êtes sur un PC, si je maintenais cette touche enfoncée et que j' à la miniature de notre image d'origine et que je maintiens enfoncée Option ou option si vous êtes sur un Mac ou Alt si vous êtes sur un PC, si je maintenais cette touche enfoncée et que j'actionne le bouton de visibilité en bas, vous pouvez voir avant, après, avant, après contraste très mineurs, réglages de couleur très mineurs. Nous pouvons continuer à travailler sur la séparation des couleurs, la saturation du contraste, etc. Encore une fois, l'important ici est de ne pas aller trop loin. Je vais m'arrêter là avec mes couches de réglage. J'espère que vous aurez l'idée en fonction de la photo que vous retouchez, du type de couche de réglage à ajouter ou des modifications que vous devrez peut-être créer une fois que vous êtes dans Photoshop Mais pour le moment, je veux m'empêcher d' aller trop loin sur cette modification. La prochaine chose que nous allons faire est d'ajouter un peu d'esquive et de brûlure à cette photo Nous pouvons créer un peu plus de dimension. C'est l'une des dernières étapes que je prends dans Photoshop lorsque je retouche une photo Nous y travaillerons ensuite et je vous y verrai bientôt. 12. Technique simple d'esquive et de gravure: Dans cette leçon, vous allez apprendre l'un des moyens les plus simples d' esquiver et de graver dans Photoshop. Ce sera la prochaine étape ce processus de retouche que nous allons effectuer ici sur cette photo. esquive et la gravure, si vous ne vous y connaissez pas, techniques qui vous permettent de donner plus de profondeur et dimension à une photo en éclaircissant les tons et en les assombrissant Esquiver signifie éclaircir et brûler signifie assombrir. Voyons comment nous allons procéder ici dans Photoshop. La première chose que nous allons faire est d'ajouter une nouvelle couche. Pour ce faire, cliquez sur ce bouton contenant juste une case avec un signe plus à l'intérieur, et nous créerons une nouvelle couche. La deuxième étape consiste à modifier le mode de fusion. Le mode de fusion est simplement la façon dont les pixels que nous peignons sur cette photo vont se fondre dans les pixels situés sous la peinture. Nous allons donc passer à une lumière douce. Encore une fois, si vous ne connaissez pas ce que sont les modes de fusion, tout cela est expliqué dans le cours Photoshop, mais ce n'est que l'étape la plus simple, étape par étape, si vous voulez simplement vous lancer mais ce n'est que l'étape la plus simple, étape par étape, si vous voulez simplement vous lancer directement dans cette tâche. Nous avons notre nouvelle couche. Nous avons réglé le mode de fusion sur une lumière douce. La prochaine chose que nous devons faire est de renommer cette couche comme nous allons le faire Si je double-clique sur cette couche, ce sera notre couche d'esquive. Je vais juste taper Dodge. Nous savons que tous les ajustements que nous apportons à cette couche permettent d' éviter ou d'éclaircir Ensuite, nous allons prendre notre pinceau. Nous avons déjà sélectionné le pinceau ici. Vous pouvez appuyer sur la touche B de votre clavier pour sélectionner le pinceau. L'étape suivante consiste à sélectionner la couleur avec laquelle vous souhaitez esquiver. Nous allons passer à nos carrés de couleur. Nous allons cliquer sur la couleur active pour faire apparaître le sélecteur de couleur Nous allons choisir les couleurs que nous voulons esquiver. Dans mon esprit, ce que je veux faire, c'est créer un peu plus de dimension au milieu Je veux rendre ces arbres un peu plus tridimensionnels. Ce que nous allons faire, c'est éviter certaines des parties les plus brillantes de ces arbres. Ce que je vais faire, je vais sélectionner le sélecteur de couleur, je vais juste cliquer sur l'une de ces couleurs vertes Maintenant, une fois ce vert sélectionné, je vais éclaircir ce vert, je ne vais pas le saturer en le faisant glisser vers En fait, je pourrais le désaturer un peu parce que souvenez-vous que ce sont les ombres Nous ne voulons pas qu'ils soient très saturés. Mais lorsque nous sélectionnons cette couleur plus claire et plus désaturée, cela va non seulement éclaircir les tons que nous voulons éclaircir, mais cela va également introduire légèrement une partie de cette couleur dans les zones que nous évitons, comme vous le verrez ici dans Nous allons sélectionner cette couleur plus claire , puis cliquer sur OK. Nous voulons maintenant nous assurer que notre brosse est prête à être utilisée pour ce processus d'esquive Nous voulons réduire l'opacité. Si nous cliquons et faisons glisser l'opacité, je veux la réduire ou la réduire. Je dirais qu'environ 7 % peuvent maintenir le flux à 100, vous pouvez garder le reste tel que je l'ai défini ici. Je vais réduire la taille du pinceau. La prochaine chose que je vais faire est zoomer juste pour que vous puissiez voir un peu mieux cela, c'est de peindre les zones que je veux éclaircir En fait, juste les marges autour de cet arbre où il y a une lumière douce, lumière indirecte qui frappe cet arbre. Comme nous utilisons un pinceau à si faible opacité, le changement sera très subtil Mais si nous regardons ce qui précède, vous pouvez voir que nous avons déjà apporté un certain changement significatif. Vous pouvez vraiment voir cette différence. Avant après, vous pouvez voir en quoi cet arbre se démarque un peu plus. On dirait que c'est un peu plus tridimensionnel, peut-être un peu plus proche de nous par rapport à ces arbres en arrière-plan. Je vais simplement continuer avec cette peinture sur le bord extérieur des arbres, où je vois une lumière douce. le but d'aider ces arbres à se démarquer de l'arrière-plan. Encore une fois, au début, cela ne va pas être très évident. Mais au fur et à mesure que nous ces ajustements petit à petit et que nous réduisons la taille de ce pinceau, ils deviendront de plus en plus visibles Je fais sortir un peu ces arbres de l'ombre. Nous avons tellement d'arbres ici, donc je ne vais pas passer en revue tous ces arbres individuellement. Encore une fois, si vous êtes perfectionniste comme moi, vous voudrez peut-être vraiment zoomer et passer subtilement au-dessus de certains de Je ne sais pas si c'est vraiment nécessaire. Ils commencent à devenir un motif vers le dos et à se fondre les uns dans les autres. J'y consacrerais beaucoup plus de temps, en particulier avec les arbres au premier plan qui sont plus détaillés En les séparant de l'arrière-plan. Je peins juste sur les bords extérieurs juste pour faire ressortir ces détails. Jetons un coup d'œil à l' avant et à l'après. Oui, vous pouvez vraiment voir comment ces arbres prennent vie, ajoutez-en un peu plus ici. Nous introduisons un peu de cette couleur dans ces arbres, mais nous les éclaircissons également Le mélange est si subtil et ce n'est vraiment pas évident parce que nous l'avons réglé sur lumière douce et parce que nous utilisons une couleur plus vive, la lumière douce va éclaircir les tons que nous voulons éclaircir Je vais m'arrêter là pour le moment à illuminer les arbres. Vous pouvez voir que ça a l'air plutôt sympa avant, après. Parce qu'il est si facile d'en faire trop ces modifications en esquivant et en brûlant, comme la plupart des modifications Je vais le ramener à environ 75 juste pour mélanger cette couche. Cela me semble très agréable à l'œil nu. La prochaine chose que je veux faire, c'est ajouter un peu d' esquive aux sommets Introduisez un peu plus de lumière douce. Ce que je vais faire, c'est pareil. Je vais passer au sélecteur de couleurs. Je vais essayer cette couleur orangée. Nous allons égayer cette couleur. Ensuite, comme cette zone est exposée à la lumière directe du soleil, c'est une zone que nous pouvons saturer. Je vais juste le saturer un peu plus en le faisant glisser vers la droite de cette case Et je vais cliquer sur OK. Agrandissez simplement ce pinceau beaucoup plus grand. Vraiment, ce que je veux faire dans cette situation c'est créer ces gros faisceaux lumineux. C'est l'apparence d'une lumière venant du côté éclaire ces sommets, ce qui se produit déjà Nous ne faisons que souligner cela. Je vais faire en sorte que ce pinceau soit vraiment grand. Il ne couvre qu'une vaste zone. Ensuite, je vais entrer par le coin droit et je vais simplement faire glisser le pointeur sur les zones que nous voulons éclaircir, auxquelles nous voulons également ajouter cette couleur plus chaude Cela va ajouter une partie de cela au ciel. Cela ne me dérange pas vraiment d'être ajouté aux nuages, mais il va se fondre et se fondre dans les parties les plus bleues du Il existe des moyens plus raffinés d' esquiver et de brûler qui me permettent d' éviter de toucher le ciel Mais en réalité, c'est le moyen le plus simple d' esquiver et de brûler sans avoir à utiliser de masque de luminosité, ni à avoir d'autres compétences techniques dans Photoshop Surtout si vous êtes débutant, si vous êtes nouveau dans ce domaine, c'est la façon la plus simple de procéder à ce stade. Si vous voulez savoir comment effectuer ces modifications plus raffinées en esquivant et en brûlant, consultez ma classe d'esquive et de combustion et ma classe de masque de luminosité. Je vais vous montrer comment sélectionner certaines zones de la scène que vous souhaitez esquiver et brûler sans que cette modification n'affecte les zones du cadre que vous ne souhaitez pas qu'elle consultez ma classe d'esquive et de combustion et ma classe de masque de luminosité. Je vais vous montrer comment sélectionner certaines zones de la scène que vous souhaitez esquiver et brûler sans que cette modification n'affecte les zones du cadre que vous ne souhaitez pas qu' Par exemple, si vous ne voulez pas que cet ajustement ou cette modification affecte le ciel, nous pouvons le faire avec la souris à luminosité et d'autres techniques Mais pour l'instant, cela ne me dérange pas trop car c'est un beau faisceau de lumière chaude qui semble un peu naturel et je ne veux pas en faire trop ici Je ne veux pas vraiment peindre dans ce faux faisceau de lumière. Regardons l'avant-après et l'avant-après. J'ai touché le juste milieu, les ombres, ce que je ne veux pas faire Je vais juste commander Z, supprimer une partie et m'assurer de faire un peu plus attention à ce que ça arrive comme ça. Voyons voir. Après, avant, après. Ça a l'air plutôt bien. Et ce que je vais faire à ce stade, réduire l'opacité, c'est réduire l'opacité, peut-être la réduire un peu plus ici Voyons voir, avant qu'un peu de cette belle lumière éclatante entre en contact avec les nuages, un peu plus de chaleur, un peu plus de saturation, une lumière un peu plus douce Je pourrais descendre et en ajouter un peu plus ici. Comme il ne s'agit pas d'une lumière directe, je vais juste taper quelques petits coups sur les bords de l' endroit où je veux esquiver, là où je veux éclaircir Je peux juste ajouter un peu de cette lumière douce et chaude ici. Je peins là où je veux que ça aille. Voyons voir, avant, après, avant, après. C'est bon Je pourrais le noter un peu plus. Il est si facile d' exagérer avec cette couleur. Nous allons nous en tenir là pour le moment. Je veux vous montrer comment brûler, comment assombrir certaines zones Nous allons procéder exactement de la même manière. Nous allons ajouter une nouvelle couche et passer à une lumière douce. Ensuite, comme avant, nous allons revenir à notre sélecteur de couleur, nous allons sélectionner la couleur Supposons que nous voulions assombrir les zones autour de l'arbre. Nous éclaircissons les zones des arbres qui recevaient une lumière douce Nous pouvons à nouveau assombrir les ombres autour des arbres pour créer un aspect un peu plus tridimensionnel Je vais sélectionner l'une de ces couleurs vert plus foncé avec lesquelles vous pouvez jouer. Je pense que quelque chose comme ça va. Nous avons un vert très foncé. C'est déjà assez sombre. Je veux l'assombrir et désaturer en le tirant vers la gauche Lorsque nous nous déplaçons vers la gauche, nous désaturons la couleur. Donc, quelque part dans le coin, je pourrais l'enlever. Je ne veux pas que ce soit d'un noir pur. Je veux qu'il ait encore un peu de cette couleur verte. Nous allons cliquer sur OK et revenir ici, baisser le pinceau. Comme avant, je vais sculpter autour des arbres. Mais cette fois, je n' essaie pas de monter dans les arbres. J'essaie de sculpter dans les ombres. En réalité, les zones autour des arbres sont plus sombres. Encore une fois, vous pouvez aller aussi loin que vous le souhaitez. Travailler à votre façon risque de s' assombrir un peu ici. Retournez dans ces ombres, en faisant attention au contraste des couleurs. Par exemple, ces arbres sont plus foncés que ceux du premier plan ici Regardons à quoi cela ressemble. Donc, avant, après avoir pénétré entre ces zones plus claires, avant, après, avant, après. Si nous nous balançons ici, nous pouvons faire la même chose avec ces arbres au bord du lac. Prends juste ton temps avec ça. C'est quelque chose que vous pouvez encore une fois, mettre de côté puis revenir pour examiner avant et après, avant et après. Si, par exemple, vous n'aimez pas les modifications que vous avez apportées, si vous souhaitez simplement tout supprimer, vous pouvez simplement cliquer, faire glisser et supprimer toutes ces modifications Je vais commander Z, je vais le ramener. Lorsque vous esquivez et brûlez, il ne faut pas oublier que les ombres les plus proches de vous seront plus sombres que celles qui sont plus éloignées de vous, simplement parce que cela créera une illusion de profondeur plus précise sur l'ensemble de la photo Nous pourrions également sculpter un peu plus ces nuages. Revenons à notre sélecteur de couleurs. Je vais juste sélectionner l'une de ces couleurs gris-bleuté et je vais réduire pour l'assombrir puis la désaturer C'est un gris bleuté foncé. Je vais zoomer ici, agrandir un peu ce pinceau puis simplement toucher certaines des zones les plus sombres des nuages. Quelque part comme ça, avant, après. Nous pourrions faire la même chose pour les ombres ici au sommet. Nous pourrions prendre notre sélecteur de couleur, sélectionner cette ombre, l' assombrir pour lui donner une couleur brun plus foncé, quelque part comme ça, agrandir un peu le pinceau Touchez ces zones ombragées et essayez de créer cet effet tridimensionnel sans les rendre trop sombres. Jetons un coup d'œil avant-après, avant-après. Tu vois, ces ombres sont un peu plus sombres. Ensuite, si nous le voulions, nous pourrions revenir à notre couche d'esquive Nous voulions ajouter un peu plus d'esquive. Nous pouvons peut-être esquiver un peu de ces rochers. Je pense que cette pierre ici pourrait être belle, si on l'éclaircissait un peu, elle était légèrement rosée. Augmentons cette couleur puis désaturons parce que nous sommes dans l'ombre, abaissons légèrement le pinceau Je vais juste aborder certaines zones où une lumière douce entre. Vous avez une petite lumière douce et là, nous pourrions l'assombrir cette couleur, puis revenir à notre combustion Nous devrions probablement étiqueter cette couche afin de savoir ce qui s' y passe afin de pouvoir brûler une partie de la face arrière de la roche ici. Nous nous occuperons avant et après. J'espère que vous aurez une idée générale de ce qui se passe ici. ne vais pas esquiver et brûler toute cette image, mais si je devais continuer, je continuerais simplement à sculpter les arbres, à sculpter les rochers, peut-être à ajouter un peu plus de dimension aux nuages et au premier plan prêtant également attention aux domaines sur lesquels je souhaite attirer l'attention, en remontant au tout début de ce cours, où nous avons déterminé où nous voulions attirer l'attention du spectateur et comment nous voulions le faire. C'est tout pour esquiver et brûler. Nous allons créer un dernier effet dans Photoshop appelé effet Orton, qui ajoutera un peu plus de lueur à l'arrière-plan, un peu plus d' effet onirique à cette photo Je vous y verrai lors de la prochaine leçon. 13. Ajouter l'effet Orton: Dans cette leçon, vous allez apprendre à créer ce que l'on appelle l'effet Orton Il s'agit d'une technique de post-traitement que vous pouvez créer dans Photoshop et qui donnera un aspect onirique et éclatant à n'est pas ce que je fais sur la plupart de mes photos, mais cela fonctionne dans certaines situations, notamment dans cette situation particulière, où je tiens vraiment à souligner cet effet surréaliste éthéré et onirique Si vous vous souvenez que nous en avons parlé plus tôt au cours des étapes de planification de ce flux de travail de post-traitement, je voulais créer ce look brillant et onirique. L'effet Orton est une technique vraiment fantastique pour créer ou ajouter cela à vos images La première chose que nous allons faire pour créer l'effet Orton est de créer une couche visible de fusion Ce que nous allons faire, c'est cliquer sur cette couche supérieure. Si vous utilisez un Mac, vous appuierez sur l' option de commande Shift E de votre clavier option de commande Shift E pour créer une couche visible fusionnée. Si vous utilisez un PC, ce sera Command Alt Shift E. Cela crée une couche de pixels qui fusionne toutes les couches situées en dessous Ensuite, nous allons le renommer en effet Orton afin de savoir avec quoi nous travaillons Il est toujours bon de nommer vos couches afin de savoir ce que vous faites. Ensuite, nous passerons au flou filtré, puis au flou gaussien dialogue s'affichera boîte de dialogue s'affichera et ce qui nous intéresse ici, c'est le rayon. Vous allez vouloir remplacer le rayon par un nombre correspondant au nombre de mégapixels de l' appareil photo avec lequel vous avez pris l'image Cette photo a été prise avec un appareil photo d'environ 45 mégapixels Je vais laisser ça à 45 ans. Si vous créez l'effet Ortin sur une image prise avec un appareil photo de 30 mégapixels, votre rayon sera Si le nombre de mégapixels de l'appareil photo est de 60, le rayon sera alors de Une fois que vous aurez défini votre rayon, vous cliquerez sur OK. Ensuite, nous allons simplement réduire l'opacité. Nous allons cliquer sur l'opacité et je vais le réduire jusqu'à ce qu'elle soit assez faible, environ 13 % Entre 10 et 15 % pour votre effet ortin Lorsque vous réduisez l'opacité de ce filtre de flou gaussien, vous Le truc ici, c'est que je ne veux pas que cela soit appliqué à l'ensemble de l'image. Je veux juste qu'il soit appliqué à l'arrière-plan et à la lumière douce qui frappe les sommets et les nuages. Nous voulons vraiment que cet effet onirique soit visible en arrière-plan et peut-être un peu dans le reflet au premier plan Ce que je vais faire, c'est créer un masque. Je vais descendre jusqu' à notre bouton de masquage, juste le carré avec le cercle à l'intérieur, et je vais maintenir l'option enfoncée pour créer un masque noir Ce sera l'option sur un Mac et Alt sur un PC. Lorsque nous créons ce masque, nous allons créer un masque complètement noir qui masquera l'effet Ortin que nous venons de créer Maintenant, nous allons le repeindre en fait. Si vous utilisez votre pinceau, que nous avons déjà sélectionné, nous voulons nous assurer que nous avons sélectionné un pinceau blanc Je vais augmenter la taille de ce pinceau. Je vais m' assurer que l'opacité va faire ressortir ce point un peu Je vais peindre sur la zone, assurer que le masque est sélectionné. Vous verrez le cadre autour du masque surligné s'il est sélectionné, autour du masque. Nous allons peindre avec cet effet Ortin ou nous allons révéler cet ajustement que nous avons effectué ici Je vais juste peindre par-dessus les nuages et les sommets. Il y a quelque chose comme ça. C'est vraiment tout ce qu'il y a à voir. Je vais l'ajouter dans les sommets inférieurs ici. Si j'ai l'impression d'en avoir fait trop dans une certaine zone, je pourrais passer à un pinceau noir si je passais au noir Ensuite, je pourrais simplement revenir sur les zones dans lesquelles je souhaite supprimer l'effet Orton Disons que je ne veux peut-être pas 100 % de cet effet soit ajouté à la réflexion. Je pourrais réduire ce chiffre à environ 50 % et supprimer environ 50 % de cet effet. Ça se voit un peu là-dedans. Maintenant, regardons avant et après pour que vous puissiez voir, nous zoomons ici pour voir un peu mieux ce que cet effet a fait. Regardons l'avant et l' après, l'avant et l'après. C'est très subtil, mais ce n'est qu'un autre de ces ajustements, ces petits changements subtils que vous pouvez superposer pour développer très lentement l'effet général, l' impression générale de ce que vous voulez créer sur cette photo C'est vraiment tout ce qu'il y a à voir avec l'effet Orton. Au cours des prochaines étapes, nous allons tout terminer, peut-être apporter quelques derniers ajustements, nettoyer encore un peu plus cette image, puis nous aurons terminé. 14. Sauvegarder correctement l'image pour une utilisation future: Dans cette dernière leçon, nous allons aborder l' ensemble du processus d'édition et vous allez apprendre à enregistrer correctement vos images dans Photoshop et à apporter les derniers ajustements à vos images dans Photoshop avant de les qualifier complètes à 100 % et de les enregistrer dans votre portfolio. Revenons à Photoshop. Si vous vous souvenez, le dernier ajustement que nous avons effectué a été l'ajout cet effet Oton qui a juste ajouté un peu d'éclat à l'arrière-plan À ce stade, je dirais que cette image est presque terminée à 100 %. Mais ce que j'aime faire comme toute dernière étape, c'est enregistrer ce fichier Photoshop dans un dossier où je peux à nouveau le laisser reposer pendant quelques jours, puis y revenir avec un regard neuf. Pour ce faire, je vais aller dans File. Ensuite, je vais aller sur Enregistrer sous. Je vais enregistrer ce fichier Photoshop dans un dossier appelé PS en cours d'édition. C'est ici que j'enregistre tous mes fichiers Photoshop sur lesquels je travaille actuellement et qui ne sont pas terminés à 100 %. Ils peuvent être réalisés à 50 % ou plus. Je veux juste les garder ici pour savoir qu' ils ne sont pas encore prêts à être intégrés à mon portfolio. Ce que je vais faire, c'est le renommer en quelque chose dont je me souviendrai assez facilement. Lac de rêve. Ensuite, vous devez vous assurer que Photoshop est sélectionné comme format de fichier, puis vérifier profil de couleur intégré si ce n'est pas déjà fait L'étape suivante consiste simplement à cliquer sur Enregistrer. Cela se poursuivra et sera enregistré en arrière-plan. À ce stade, je pourrais clore tout cela. Je pourrais fermer Photoshop, et comme je l' ai dit, je le laisserais reposer. Je pourrais rouvrir ce fichier depuis mon dossier Photoshop et il s'ouvrirait exactement comme vous le voyez ici Photoshop ouvrirait cette image. Toutes vos couches se trouveraient ici dans le panneau Calques, tous nos réglages s' ouvriraient comme nous le voyons ici. Maintenant que je regarde cela d'un œil neuf, en supposant que nous y revenions quelques jours plus tard, je pourrais immédiatement dire s'il y a quelque chose que je voudrais modifier, peut-être la couleur, peut-être l'éclairage Je pourrais ajouter des couches de réglage supplémentaires telles que la luminosité, si je pense que cette image a besoin d' être légèrement plus éclairée Je pense vraiment que cette image est presque terminée. Enfin, je veux m' assurer qu'il n' y a pas de taches de poussière ou de légères corrections, tout ce qui doit être nettoyé, petits morceaux d'herbe, tout ce qui pourrait provoquer des distractions sur les bords. Si vous vous souvenez, nous avons travaillé sur le nettoyage dans Adobe Camera Raw Mais parfois, vous pouvez manquer certaines de ces choses et ce serait vraiment le bon moment pour vous assurer de ne rien manquer. Je ne pense pas qu'il y ait de crépuscule ou quoi que ce soit d'important ici, mais pour vous montrer comment je pourrais procéder , si vous dites qu' il y a quelque chose comme un bureau à nettoyer, je vais simplement zoomer ici Juste à des fins de démonstration, disons que je voulais retirer cette pierre, c'est juste quelque chose que je voulais nettoyer sur cette image. Donc, la première chose que je dois faire est de sélectionner la couche supérieure et nous allons devoir créer à nouveau une couche visible fusionnée , comme nous l'avons fait précédemment dans ce cours. Pour ce faire, nous cliquons sur l' option de commande Shift E du clavier. C'est le cas si vous utilisez un Mac. Si vous utilisez un PC, ce sera Command Alt Shift E. Cela créera alors cette couche visible fusionnée. Je vais juste appeler ça du nettoyage. Maintenant, ce que vous allez sélectionner pour nettoyer tout cela c'est que vous allez sélectionner ce pinceau cicatrisant. C'est pratiquement la même chose que celle que nous avons utilisée dans Adobe Camera Raw, mais c'est ainsi que vous pouvez y accéder dans Photoshop. Si vous ne voyez pas cet outil, il doit se trouver au-dessus du pinceau, et si vous ne le voyez pas, cliquez sur le carré au-dessus de votre pinceau et cliquez avec le bouton droit de la souris. Vous verrez toutes ces différentes options, tous ces différents outils qui ne font que masquer et accéder à ces outils , il vous suffit de cliquer avec le bouton droit de la souris sur l'outil visible. H cette brosse cicatrisante sélectionnée. Maintenant, je vais juste zoomer sur cette pierre et tu pourras changer la taille du pinceau. Je pense que quelque chose comme ça est plutôt bien. Je vais simplement peindre sur ce rocher et vous le verrez disparaître. Maintenant, je ne veux pas enlever cette pierre parce qu'il n'y a vraiment aucune raison de le faire, mais s'il s'agissait d'une tache de poussière ou d'un déchet, quelque chose comme ça, alors c'est ainsi que vous feriez les derniers ajustements de nettoyage Supposons maintenant que cette image soit terminée à 100 %. Je ne souhaite plus apporter de modifications à cette image. L'étape suivante consiste à sélectionner le calque supérieur, vous maintenez la touche Maj enfoncée, sélectionnez le calque inférieur, cliquez avec le bouton droit sur vos calques et vous allez aplatir l'image Maintenant, toutes vos couches seront transformées en une seule image. Cela combine toutes les modifications que vous avez apportées, et nous examinons la couche finale terminée qui ne se trouve désormais que dans une seule couche À ce stade, nous ne pouvons pas revenir à Adobe Camera Raw. Une fois que nous aurons enregistré cette image et fermé Photoshop, nous ne pourrons plus revenir dans nos calques. Vous devez vous assurer que vous avez terminé de retoucher cette photo. Maintenant, si je suis prêt à déplacer cette photo ou ce fichier dans le dossier de mon portfolio, je vais passer au dossier. Enregistrez sous, et je passerai à PS Complete. Je vais garder le même nom pour des raisons de cohérence. Au lieu de l'enregistrer sous forme de fichier Photoshop, nous allons l'enregistrer sous forme de TIF, ce qui permettra de conserver toute la qualité de ce fichier Il s'agira donc d'un fichier de très haute qualité, conservant toutes les informations, toutes les données. Nous pouvons utiliser ce fichier TIF à l'avenir Si nous voulons imprimer cette image, si nous voulons enregistrer cette image pour le Web, quoi que nous voulions faire, nous utiliserons ce fichier TIF comme fichier de portefeuille. Nous l'aurons toujours, nous y aurons toujours accès pour tout ce que nous voulons faire avec cette image à l'avenir. Une fois que vous l'avez enregistré sous forme de fichier TIF, maintenez à nouveau le profil de couleur intégré coché, puis je cliquerai sur Enregistrer Nous avons maintenant cette image enregistrée dans mon dossier Photoshop Complete. C'est vraiment tout ce que tu dois faire. À titre d'examen, la dernière étape consiste à le laisser reposer pendant quelques jours. Nous effectuons ensuite les derniers ajustements en ajoutant un calque de réglage ou en utilisant notre outil de nettoyage, puis nous fusionnons tous nos calques sous forme d'image aplatie, puis nous l'enregistrons sous forme de fichier T. Avec cela, nous terminons l'ensemble de notre processus d'édition.