L'impressionnisme à la gouache

1. Introduction au cours: Bonjour, mon nom est de dire que cette lionne, je suis une artiste médiatique et bienvenue dans ma classe. Impressionnisme avec goulash. À la fin du XIXe siècle, l'impressionnisme était un mouvement artistique XIXe siècle extrêmement populaire et admiré aujourd'hui. Il s'agissait d'un groupe d'artistes qui ont rompu avec les canons de l' art académique auxquels les artistes adhèrent pendant des siècles. Les impressionnistes ont travaillé en plein air, observant les changements de lumière et peignant la vie qui les entoure et ajoutent leur vision unique à leurs œuvres d'art. En tant qu'artistes du XXIe siècle, nous pouvons apprendre beaucoup de la période de l'impressionnisme. Dans ce cours, nous allons faire un petit pas dans cet apprentissage. Comme vous le savez probablement, la meilleure façon d'étudier une œuvre d' art n'est pas seulement de la regarder, mais d'essayer de la copier. Nous étudierons les peintures d'Auguste Renoir et Claude Monet et essaierons de comprendre leur interprétation de la forme et de l'utilisation de la couleur. Ensuite, nous tenterons d'appliquer la même approche à notre propre peinture pour rendre ma tâche un peu plus facile Je commencerai par des peintures florales et non pas par des portraits et des paysages, que ces artistes ont peint Platon comme bien. Puisque je ne travaille pas avec des huiles comme Renoir et de l'argent, je vais utiliser du goulash. L'une des leçons de ce cours sera consacrée au lavage. Je vais expliquer quels types de goulash sont disponibles aujourd'hui pour les artistes. Nous examinerons également comment mélanger et appliquer du goulash sur notre surface de peinture. Et nous parlerons brièvement d'autres matériaux dont nous aurons besoin pour créer des répliques dans cette classe, ainsi que de notre peinture originale. Après avoir suivi ce cours, j'espère que vous connaîtrez suffisamment ce merveilleux médium. Ne l'incluez pas dans votre boîte à outils artistique. Commençons. 2. Les origines de l'impressionnisme: Bienvenue dans la classe. abord, posons-nous la question : qui étaient les impressionnistes et pourquoi devrions-nous apprendre d'eux ? Au XIXe siècle, l' art était strictement régimenté en raison du système académique en place en Europe à l'époque, le système de l'Académie d'art a commencé au XVIe siècle avec la fondation de l'académie. entreprise. Ils sont conçus de nouveau à Florence, en Italie. Elle a été suivie par l'Accademia di San Luca, fondée une décennie plus tard à Rome. L'Accademia di San Luca a servi de modèle au milieu universitaire. Oh oui, je plonge dans ce groupe fondé en France en 1648. Cette académie qui est devenue plus tard l'Accademia di bizarre. L'académie française a été fondée dans but de distinguer les artistes qui pratiquaient un art libéral des artisans engagés dans le travail manuel. Au milieu du XIXe siècle, l'académie, les arcs sont dominés par l'art français. Ils se considéraient comme le préservateur des standards traditionnels de la peinture française en matière de contenu et de style. Sujets qui se limitent à des thèmes historiques, mythologiques et religieux. Le portrait a été encouragé. La préférence stylistique a été donnée au déguisement de la main de l'artiste là où aucun coup de pinceau n'était visible. Ainsi, même lorsqu'ils sont examinés de près , les peintures conservent leur aspect réaliste, leur retenue , leur couleur et leur utilisation du noir caractérisent leur style académique au début des années 1960 pour un jeune peintre. Ainsi, en étudiant sous la direction de leurs artistes universitaires , les éblouissements ont découvert qu'ils partageaient un intérêt peinture, le paysage et la vie contemporaine plutôt que les scènes historiques et mythologiques. Il s'agissait de Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frederick par x2. Suivant une pratique qui était devenue de plus en plus populaire au milieu du siècle, ils se sont souvent aventurés ensemble dans la campagne pour peindre en plein air. Les artistes ont déjà travaillé en plein air, mais seulement pour faire des études. Mais ces artistes travaillent différemment. Ils étaient à l'extérieur dans le but de créer des œuvres finies à l'extérieur l'atelier en peignant au soleil directement à partir de la nature et en utilisant audacieusement la couleur, ils ont commencé à développer un briquet et une manière plus lumineuse de peinture. Ces artistes se sont souvent rencontrés dans le café parisien pour discuter de l'art. Ces discussions ont souvent été dirigées par Edouard Manet, les artistes plus jeunes admirés. Ottoman, ne s'associait pas à des impressionnistes, mais a été le premier à commencer à peindre de vraies personnes dans des répliques de sujets classiques qui scandalisaient extrêmement la société. Il est considéré comme l'inspiration de l'impressionnisme. Le premier groupe d'impressionnistes a rapidement été rejoint par Camille Pissarro, Paul Cézanne et Armand de amount. Et pendant les années 1960, le jury du Salon a régulièrement rejeté environ la moitié des œuvres soumises à la grande exposition annuelle d'Edouard Manet, Claude Monet et ses amis en faveur des œuvres d' artistes. fidèle au style approuvé. Alors que le jury du Salon acceptait régulièrement des nus dans des peintures historiques et allégoriques, ils condamnent Manet pour avoir placé un nu réaliste dans un cadre contemporain dans sa peinture à travers un déjeuner traditionnel en couche de soie sur l'herbe où il représentait une femme nue et pour fermer l' homme au pique-nique qui, évidemment, non pas des créatures mythologiques mais des parisiens réguliers. Après l'empereur Napoléon, le troisième vu les œuvres rejetées de 1863, soumises au Salon de 1863. Il a décrété que le public soit autorisé à juger lui-même l'œuvre. Et cela seul, il y a quelques Zai qui ont été organisés alors que de nombreux téléspectateurs, quand ils ne sont que pour rire, le cylindre le refusent, l'attention sur l'existence d'une nouvelle tendance artistique et attiré plus de visiteurs que le salon régulier. En décembre 1873, Manet Renoir et quelques autres artistes ont organisé leur propre société indépendante. Et l'exposition a eu lieu en avril et mai 1874 pendant l'exposition. L'artiste non associé à l'académie a donc présenté plus de 200 œuvres vues par environ 4000 personnes. Comme on s'y attendait, la grande majorité des critiques d'art étaient très myopes, conservateurs, et n'avaient guère de bonnes choses à dire sur ce nouveau mouvement artistique critique et humoristique, Louise Bourgeois a écrit une critique cinglante. dans lequel faire des jeux de mots avec le titre Impression Sunrise de Claude Monet et Christiane Soleil avant. Il a donné aux artistes le nom sous lequel ils se sont fait connaître. Il a intitulé son article, l'exposition des impressionnistes. Le terme impressionniste gagne rapidement la faveur auprès du public. Ensuite, l'artiste a également accepté à lui-même. Les artistes contemporains qui ne faisaient pas partie du groupe initial d'impressionnistes ont été grandement influencés par l'art du chien, Cézanne Gauguin. HA et de nombreux autres artistes des 20e et 21e siècles ont donc continué d'observer et de représenter le monde qui les entoure de cette nouvelle manière. 3. Qu'est-ce que la gouache ?: Impressionnistes peints à l'huile. Ce support nécessite un temps de séchage assez long et aussi un nettoyage assez approfondi après chaque séance de peinture Ma suggestion pour ce cours est d'utiliser Gosh, c'est un milieu hydrosoluble, plus facile à utiliser, plus facile à utiliser pour nettoyer. Et l'approche de peinture est très similaire aux huiles, comme les huiles, lavage de porc est généralement appliqué avec des couches qui recouvrent complètement le substrat sur lequel nous peignons. Contrairement aux huiles que les impressionnistes peintes gouache sèchent rapidement avec un fini mat, ce qui rend le processus de peinture beaucoup plus rapide. Comme je l'ai mentionné, c'est de la peinture hydrosoluble. Ainsi, pendant le processus de peinture et aussi pour nettoyer nos pressions par la suite, nous utiliserons simplement de l'eau. Go ash est fabriqué à partir de pigments naturels et synthétiques issus de l'eau dans un liant. Il y a trois substances qui sont utilisées comme binaires dans la gouache payée gosh, qui a un artiste ou un designer sur l'étiquette, a de la gomme arabique a un liant, le même que la colonne d'eau gosh moderne, il a un acrylique liant et est essentiellement une peinture acrylique avec finition mate. Si l'étiquette indique simplement goulasch, le liant est généralement de la dextrine, c' est-à-dire de la fécule de pomme de terre. Dans ce cours, j'utiliserai goulash Arches fabriqué par M. Graham. Vous pouvez utiliser n'importe quelle marque de gouache disponible, même la gouache acrylique. Ils travailleront tous pour les techniques présentées dans ce verre. L'artiste, le designer et le jauge à base de dextrine fonctionnent le mieux à la sortie du tube. Vous pouvez le mouiller à nouveau avec de l'eau, mais il n'aura jamais la même consistance crémeuse. Le lavage acrylique à sec ne peut pas être reconstitué. Donc, quel que soit le type de verre que vous utilisez, pressez-le sur votre palette juste avant d'être prêt à peindre en petite quantité, en fermé tous les récipients de type Lim pour usage en bouche, soit jetables palette de papier. Vous pouvez même prendre un morceau de papier aquarelle, peut-être juste un rebut et utiliser une palette de céramique. Ou vous pouvez même simplement utiliser une plaque blanche. Il nettoiera avec du savon et de l'eau une fois que vous aurez fini de peindre, les matériaux nécessaires pour la gouache à base de gomme arabique qui a un artiste ou designer sur le tube ou pour un gosh délicat comme l'hémi, papier aquarelle va un bon substrat pour votre peinture. Je le tonifie généralement avec aquarelle avant de commencer à peindre. Ayez donc un petit ensemble, Hé, papier indium n'a pas besoin d'être cher. papier coton a commencé assez pour contenir une couche de peinture d' au moins 140 livres ou 300 grammes. Textures plus lisses comme pressées à froid ou pressées à chaud. C'est préférable si vous avez un morceau de tableau d' illustration qui fonctionnera également. Gosh, peut être un sol fragile et sec. Vous ne voulez pas le peindre sur quelque chose de fragile, gouache à base d' acrylique fonctionnera sur différentes surfaces. Vous pouvez peindre avec lui sur un nouveau papier épais sur des panneaux de toile ou sur une surface en carton dur. J'utilise des pinceaux synthétiques assez petits, plats et ronds pour les cours d'artiste, vous pouvez également utiliser des pinceaux aquarelle pour cheveux naturels. Pour la gouache acrylique, j' utiliserais un ensemble séparé, peut-être le même. Vous utilisez de la peinture acrylique. Parce que même si une petite quantité de peinture sèche sur le pinceau, vous devrez utiliser un solvant pour l'enlever ce qui pourrait endommager les fibres naturelles. Selon votre surface, vous aurez besoin d'un crayon ou d'un morceau de charbon de bois pour dessiner votre dessin. Si vous utilisez du papier, du ruban adhésif et peut être utile pour maintenir le papier en place. Et il y a toujours deux récipients d'eau, un pour laver votre brosse et autre pour l'eau propre pour peindre, et quelques serviettes pour le nettoyage. Tous ces documents sont répertoriés dans le document PDF joint à cette classe. Lorsque nous peignons avec du goulash ou essentiellement avec n'importe quel support opaque, il y a deux façons aborder l'affichage du volume sur la feuille de papier plate. Je dirais que la première voie est très traditionnelle. Il a été utilisé par l'artiste qui a travaillé avec des huiles tout au long des siècles. Ce qu'ils feraient, c'est créer un tunnel sous peinture, résoudre toutes les relations tonales, trouver toutes les ombres, toutes les villes moyennes, ils n'utilisaient pas nécessairement le gris. Avec la peinture à l'huile, nous utilisons généralement du bois brut ou du CPO, quelque chose de similaire pour créer le sous-peindre. Les artistes laisseraient sécher cette couche, puis peignaient des couches de couleurs transparentes par-dessus pour montrer les couleurs de divers objets. Ce serait l'approche académique dont nous avons discuté dans la leçon précédente, selon laquelle les impressionnistes se sont éloignés d'une autre façon, façon plus impressionniste de peindre avec des murs de gouache ou de l'acrylique être de peindre avec différentes couleurs dès le début, mélanger ces couleurs sur la palette ou sur papier ou sur toile. Je vais vous montrer les trois façons de mélanger les couleurs en une seconde. L'essentiel ici, c'est que nous n'avons pas de sous-peinture. Nous commençons directement par les couleurs et nous n'utilisons pas de noir ou de gris ou quoi que ce soit de ce genre. Même pour les ombres, les ombres ont Calit2 et elles sont opposées en température à l'objet que nous peignons. Si ma feuille est majoritairement bleue et verte avec juste un peu de jaune froid, mon ombre est chaude violette et contient un peu de rouge. C'est ainsi que je crée l'illusion qu'il y a de l'espace entre la feuille et, disons le mur qu'elle jette une ombre sur cette explication. C'est un peu simplifié. Il y aurait toutes sortes d'exceptions à cette règle, mais je voulais simplement vous montrer le principe principal, ces deux principales approches de ce problème. Comment montrer un objet tridimensionnel sur une feuille de papier plate et comment créer l'illusion de volume et d'espace dans votre peinture. On traverserait donc, disons, tunnel en niveaux de gris sous la peinture avec des couleurs transparentes sur le dessus. Et l'autre sera avec des couleurs dès le début et créera de la lumière, tons moyens et des ombres avec des couleurs. Un autre aspect que je voulais aborder dans cette vidéo est le mixage des couleurs. Lorsque nous peignons avec de la gouache, cela s'applique à d'autres milieux opaques tels que les huiles et les acryliques. La première façon serait la plus évidente est le mélange mécanique. Nous prenons quelques pigments. Disons que j'ai ce bleu et rouge primaire dans ma palette et que je les mélange ensemble et que je deviens violet selon la quantité bleu et de la quantité de rouge que j'ajoute au mélange, j'obtiendrai différentes nuances de violet dans cette approche. les impressionnistes réellement utilisés sont le mixage optique. Vous commencez donc par une couleur, puis vous y ajoutez d'autres couleurs directement sur du papier. Vous ne couvrez pas toute la surface. Vous ne prémélangez pas les couleurs. Les couleurs se mélangent lorsque le spectateur les regarde. C'est pourquoi il est préférable de regarder la peinture impressionniste à distance, car alors le mixage optique commence à fonctionner et vous pouvez voir non seulement des coups de pinceau séparés, mais vous voyez ce qui est dit dans le photo. C'est approximativement ce que Claude Monet ferait dans ses tableaux. Il peignait une couleur de base , puis ajoutait quelques traits par-dessus pour modifier la température ou la teinte de cette zone de sa peinture. Renoir a fait une chose similaire, mais ses coups de pinceau étaient beaucoup plus petits et ils ont tous des couleurs différentes. Et quand on les regarde, ils créent une zone d'une certaine couleur. C'est ce qui donne à ses peintures ce genre d'effet chatoyant. Certains impressionnistes ont poussé cette approche encore plus loin et ont peint de petits points de couleurs différentes. Les artistes qui ont inventé cette approche sont George Ciroc. Il est considéré comme le fondateur du pointillisme. Voici donc nos trois techniques de mélange, mélange mécanique et deux types de mixage optique. 4. Répliquer les lis d'eau de Monet: Le premier exemple que je voulais montrer dans ce cours est celui des nénuphars de Claude Monet. Il s'agit de l'une des 250 peintures de nénuphars qu'il a créées. La composition est assez simple, j'ai donc pensé que ce serait un bon début pour notre étude sur l'impressionnisme. Voyons comment nous allons reproduire ce tableau. Nous voudrons partir de grandes formes. Et la plus grande forme ici est l'eau, qui se trouve aussi être une zone sombre avec un grand média, nous travaillons généralement de l'obscurité à la lumière. Après cela, nous passerons aux tons moyens. Je dirais que ce serait des feuilles. Ils ont des zones plus légères, mais nous les ajouterons en dernier. Nous travaillerons ensuite sur les fleurs, qui sont la forme la plus légère du tableau. Et notre dernière étape consistera à ajouter de petits détails, de petites ombres sur les feuilles et les fleurs, ainsi que d'aider les points forts. Maintenant que nous avons un plan d'action approximatif, commençons à travailler sur le tableau. J'ai une feuille de papier aquarelle très bon marché collée sur ma planche à dessin. C'est une presse à froid, un papier de 140 livres. Il s'agit d'un substrat assez robuste adapté à la gouache. Je suis en train d'esquisser le bail avec le crayon à peu près de la place. Peu importe si je n'ai pas le bon nombre de feuilles ou si les allèles ont une taille légèrement différente. L'objectif pour nous est d'étudier le brossage dans le processus de mélange de colonnes. Les couleurs que je vais utiliser, je vais les presser sur ma palette de papier jetable, les couleurs chaudes sont jaune cadmium et pourpre Alizarin. Et les couleurs fraîches seront le bleu outremer et le cobalt. Et je pense, ajoutons sienne brûlée aux couleurs chaudes. Cela m'aidera à obtenir ces verts foncés que je vois dans l'eau. Je vais presser des couleurs chaudes sur le côté gauche de ma palette et des couleurs fraîches sur le côté droit. Et j'aurai bien sûr besoin d'un peu de blanc. Je vais donc faire deux bouches de blanc. J'aime avoir un large séparé pour mélanger avec des couleurs chaudes et pour mélanger avec couleurs froides qui aident à prévenir la contamination et la boue inutile dans ma peinture. Avant de commencer à peindre avec de la gouache, je vais laver rapidement ma feuille de papier à l'aquarelle jaune. La couleur ici n'a vraiment pas d'importance car le seul but est de me débarrasser du blanc du papier afin que je puisse voir les relations tonales dans un peu mieux les relations tonales dans ma peinture. Je vais commencer à peindre à partir de passages sombres. Ce sera tout simplement plus facile pour moi de commencer. Si je ne vois pas le blanc vif du papier, je commencerai par les zones les plus sombres de ma peinture. Ce sera l'eau, et nous allons mélanger le jaune cadmium avec le bleu outremer pour neutraliser cette couleur pour en faire un peu plus un vert olive, je vais y ajouter un peu de sienne brûlée et nous allons mélanger le jaune cadmium avec le bleu outremer pour neutraliser cette couleur pour en faire un peu plus un vert olive, je vais y ajouter un peu de sienne brûlée à l'aide d'une brosse plate d'un demi-pouce. Je vais m'amasser dans toutes les zones sombres de ma peinture. Je ne suis pas inquiet pour les âges. Je peux toujours les corriger et je les corrigerai au fur et à mesure que la peinture progresse. Cette première étape consistera donc couvrir toute la surface du papier. Je ne veux pas d'affichage blanc et d'essayer de distribuer toutes mes couleurs. J'utilise la quantité minimale d'eau. Nous essayons de garder ma peinture opaque, visqueuse. J'humidifie légèrement le pinceau pour étaler la peinture, mais je ne peins pas avec un lavage et peins pas d'impasto avec la couleur. Faisons aussi la partie supérieure. Il peut tomber dans un peu plus de bleu outremer dans le mélange si nécessaire. Il semble beaucoup plus sombre que la référence, mais nous y ferons certaines choses plus tard. Je suis juste, cette première étape consiste bâtir la base du développement futur. Gratia est très différent de l'aquarelle en ce sens que plus vous appliquez de couches, mieux il s'agit de créer de la complexité de la surface de peinture. Cet effet chatoyant que les peintures impressionnistes ont. Je pense en partie qu'il y a tellement de couches de belles couleurs qui créent des intérêts visuels. Nous allons donc essayer de reproduire cela dans nos peintures avec de la gouache et travailler autour de cela. Cela dépend. Je pourrais les peindre au-dessus de l'eau, mais il n'y a aucune raison gaspiller de la peinture qui sera beaucoup plus légère. Ma prochaine étape sera de les peindre car elles sont légèrement plus légères. Ce sera mon ton médian. Il y aura donc entre les zones les plus sombres et les plus claires. Bien sûr, l'eau n'est pas uniformément verte. Il a également une certaine variation de couleur. Je tombe donc un peu de bleu cobalt dans cette zone où l'API est dans l'eau, ce qui commence à susciter cet intérêt visuel ma surface peinte. Commencez donc à ajouter des zones plus sombres sous les voies de la loi. Donnez-moi un peu d'avance sur eux et nous allons mélanger d'autres couleurs là-dedans également. Mais le bleu foncé sera la base des ombres qui s'enfoncent vraiment sur l'eau. Passons à la deuxième étape, les tons moyens. Je mélange un peu de blanc dans mon bleu cobalt et je vais créer la base, la citation, les nénuphars. Si vous regardez de près la photo de référence, elles ont beaucoup de bleu clair. Je veux recréer cela. Je vais donc mélanger la LED bleue avec un peu de vert clair, peut-être un peu plus sombre, bleu outremer. J'espère que toutes ces couleurs mélangent visuellement. Ca. Lorsque les gens regardent la peinture, au lieu de voir des couleurs distinctes, ils verront que les tampons allumés, toutes ces couleurs vont se mélanger optiques et ressembler à un tampon Leila réaliste, mais pas aplatir Delta, mais intéressantes et picturales comme celles que Claude Monet a créées dans ses peintures. Hilbert, tu sais, la brosse à inondation. Et jetons un peu de jaune cadmium au-dessus du bleu. Encore une fois, un peu de jaune cadmium sera également bon pour créer une nuance de vert plus claire. Vous pouvez me voir ajouter de la couleur à ma palette. Je n'aime pas faire de grosses flaques d'eau au cas où je n'utilise pas la couleur. Ce n'est pas un problème pendant la peinture à la gouache de s'arrêter et d'ajouter un peu de couleur. Je préfère ça plutôt que d'avoir trop de peinture et de gaspiller de la peinture. Continuez à travailler sur le parallèle Luder, il en reste quelques uns. Les deux zones qui ne seront pas peintes seront mes fleurs. Comme je l'ai dit, je travaille du noir au clair. Les fleurs seront donc la dernière chose que je vais peindre. Il y a un petit croustille pourpre Alizarin sur les côtés des petits coussinets. Je vais peindre ça avec mon pourpre Alizarin car ils jettent un peu d'ombres sur l'eau. Une des choses dont nous parlerons un peu plus tard, c'est que la dépression est qu'ont-ils peint des ombres avec des couleurs ? Je suis donc en train de recréer cela. L'ombre est peinte avec une colonne avec un cramoisi Alizarin. Si vous brossez les traits de bleu et vérifiez simplement les formes du pad et ajoutez une autre variation de couleur. Et passons à notre nouvelle étape. Je passe à un pinceau rond car j'ai besoin d'un peu plus de précision. Je vais passer à mes zones plus légères, qui sont les deux Lily, les fleurs. Je commence par le jaune cadmium. Ils ont des centres jaunes dans la peinture et peignent les ombres. Ensuite, j'ai mélangé un peu de blanc dans le vert que j'ai déjà sur la palette autour du pinceau me donne un peu plus de contrôle, plus de parenté avec de larges traits arrondis essayant reproduire ce que je vois dans le tableau Il ne me faut que quelques minutes pour épingler cela et pas très grand, le forum est très simplifié, pas beaucoup de détails. Et maintenant, j'en ai besoin dans un pinceau plus petit pour ajouter les détails à ma peinture. Vous voyez comment ont donné des détails à ces nénuphars avec Alizarin pourpre ? Je ferai de même avec un petit pinceau sur le périmètre des pétales, également sur les centres. Les zones plus claires que j'ai peintes encore fraîches pour que je puisse mélanger ces détails plus lumineux dans la peinture. Ou je peux mélanger le cramoisi alizarin avec du blanc et adoucir certaines zones avec des coups de pinceau plus légers. Et sortez enceinte de mon blues parce qu' il y a un bleu qui est assez grand et qu'ils font partie de la plupart des couleurs que j'utilise pour la peinture. Je vais ajouter un peu plus bleu outremer mélangé avec cramoisi Alizarin et peindre les ombres sous chaque Lilypad. utilise toujours un petit pinceau car j'ai besoin plus de contrôle pour ces détails plus fins, même si je peins de l'obscurité à la lumière. Lorsque je travaille sur les détails, je dois faire des allers-retours entre des zones plus claires et plus sombres parce que je fais petites corrections et ajustements. Ajoutons quelques détails à l'eau. Peut être travailler sur les nénuphars avec un pinceau plus petit. Comme vous le voyez, j'ai maintenant deux petits pinceaux. J'en utilise une pour la peinture foncée dans une peinture plus claire qui me permet de ne pas laver constamment le pinceau après avoir pris chaque couleur. Et de cette façon, je n'apporte pas autant d'eau dans ma peinture. Je veux une application de peinture opaque. J'essaie de reproduire de la peinture à l'huile avec mon Dieu. J'ai donc besoin du moins d'eau possible dans ma peinture. Faisons ces coups de pinceau tordus sur les nénuphars que nous voyons dans la peinture originale. C'est un très petit pinceau rond et reprenons les ombres sous chaque nénuphar, elles ont commencé à disparaître un peu, mais je peux les ramener. Il suffit de regarder la photo de référence et d'essayer de trouver des zones de couleurs différentes et de les évaluer et de les reformuler. Mon tableau est très sombre. La dernière chose que je dois faire est donc d'ajouter les points forts. J'étends beaucoup plus de blanc dans mon vert. Et encore une fois, j'utilise un petit pinceau pour ajouter ce genre de reflets bleu clair légèrement violacé que je vois sur chaque Lilypad. Peut-être quelques autres sur les fleurs qui sont un peu trop sombres aussi et ont besoin de réitérer quelques ombres sur les fleurs. Je vais imiter la signature de Claude Monet. Cela fait partie du tableau, donc il ne va évidemment pas paraître exact, mais quelques gribouillis ici en bas à gauche. Le bas à droite était occupé par un Lilypad, il a donc signé à gauche. Voici ma version des nénuphars de Claude Monet. Dans ce tableau, mon objectif était d'étudier ce qui suit. La palette de couleurs de Claude Monet obtient des techniques de mixage de colonnes , son pinceau, ses coups de pinceau, ainsi que son approche générale du sujet, simplifiant la forme et travaillant avec la couleur et de manière expressive pour préserver la fraîcheur et la spontanéité du moment. 5. Répliquer les roses de mousse de Renoir: Dans cette leçon, l'étude approfondie de Pierre Auguste Renoir est celle des roses mousses. J'aborderai cette réplique dans le même ordre que celui que j'ai fait des nénuphars. Je vais commencer par distribuer des formulaires volumineux. Je vais d'abord travailler sur les zones les plus sombres, puis j'ajouterai quelques lumières. Et la dernière chose que je pointerai sera équilibrée tous les détails avec pinceaux plus petits et ajoutera également les points forts du pinceau Reynolds, sa technique d'application est très distincte et très différente de Chez Claude Monet. Je pense donc qu'il est important pour nous l' étudier aussi d'avoir plus de choix quand nous travaillons sur notre propre interprétation d' un sujet dans le style impressionniste. Commençons par donner à notre feuille de papier aquarelle un lavage de bleu cobalt avec de l'aquarelle, la couleur exacte n'a pas d'importance, juste plus facile de ne pas commencer sur du papier blanc. Voici ma palette jetable. Préparons notre gouache, les couleurs que j'utiliserai pour cette peinture, notre jaune cadmium, notre pourpre Alizarin et seulement deux bleus, outremer et bleu cobalt. J'ai quelques pinceaux plats et ronds, assez petits car ma peinture n'est pas très grande. Il est 11 sur 15. Et bien sûr, j'aurai besoin d'un peu de blanc titane. J'ai dessiné ce visage avec des roses très généralement sur une feuille de papier aquarelle que j'ai donné un léger lavage de bleu cobalt juste pour me débarrasser du blanc du papier. Et je vais commencer à peindre. Je commence par l'arrière-plan. C'est l'une des zones les plus sombres que je vois dans ce tableau. J'ai sauté dedans et ça l'a créé en mélangeant toutes les couleurs que j'ai sur ma palette. Renoir a probablement commencé avec des roses elles-mêmes, mais c'était plus facile pour moi de comprendre dans quoi va se trouver l'obscurité la plus sombre. Ensuite, utilisez-le comme référence pour le développement ultérieur de mon. Ok, une fois que c'est fait, épinglons les roses et mélangeons un peu de blanc dans mon pourpre Alizarin. Je pense que le rose est assez proche ce que je vois dans le tableau, je vais juste distribuer les grandes formes très vaguement et généralement peindre toutes les fleurs légèrement différentes de la nuance de rose, peut-être en utilisant un peu plus de blanc, un peu plus cramoisi Alizarin et certaines zones. J'ai aussi besoin de prendre ce ton sombre et mélanger le cramoisi Alizarin avec un bleu alternatif. Je dois l'emmener dans cette bibliothèque, surtout si vous plissez en regardant la peinture de Renoir, vous verrez ces zones très sombres entre toutes les fleurs. Et je sais que par le passé, j'ai eu du mal à peindre avec de la gouache. Je serai un peu coincé dans cette gamme de tons clairs et moyens. Et même si je n' ignorerais pas les sombres et si vous n'avez pas toute la gamme entre les sombres les plus sombres et les reflets de votre tableau, elle sera plutôt plate. Vous n'atteindrez pas cette profondeur d' espace et vous réaliserez que vous voyez dans la référence et dans la peinture Renoir. Travaillez également sur les feuilles. L'important ici est d'utiliser du vert mélangé. Je suis presque sûr que c'est ce que soutient Renoir. Qu'il a mélangé le bleu et le jaune dans des proportions différentes pour peindre ces feuilles parce qu'elles ont beaucoup de différentes nuances de vert en elles. Et la chose la plus simple à faire serait de mélanger un peu plus de jaune dans le bleu ou d'utiliser du bleu LUMO, ajoutant peut-être un peu de blanc pour devenir bleu plus clair. De cette façon, nous obtenons la même variété que celle que nous voyons dans la référence. Si vous faites des coups de pinceau pour la base, nous y travaillerons un peu plus tard. C'est assez léger. Je viens de marquer quelques reflets sombres que je vois dedans. Ma prochaine étape sera de travailler sur les tons moyens. Je passe à un pinceau rond plus petit et j'ajoute quelques détails aux fleurs, à certaines zones plus claires. La course très, très texturée, soutient ces petits coups de pinceau pour créer ses tableaux beaucoup plus petits que que l' on voit chez Claude Monet. J'utilise du blanc, du rose et du cramoisi alizarin, pourpre alizarine pur dans des proportions différentes, dans des traits de pinceau de différentes tailles pour créer la texture de ces roses mousses. Je fais un mélange minimal sur la palette. ramasse de la peinture et je l'applique très impasto assez épais sur du papier. Et je laisse ces coups de pinceau s'asseoir côte à côte. Et cela crée l'illusion qu' il existe des variations de Ptolémée, qu'il y a des zones plus claires et plus sombres dans ces roses. J'ai pris un pinceau plus petit. Je vais travailler avec deux pinceaux maintenant parce que je dois rapprocher les zones sombres entre les les zones sombres entre les fleurs de chaque fleur. Je commence donc à vérifier les détails et il est beaucoup plus facile de travailler avec deux brosses au lieu de laver constamment une brosse, ce qui nous permet d'apporter beaucoup d'eau dans le lavage et de le faire aussi. transparent. Accélérez un peu la vidéo pour qu'elle ne dure pas pendant des heures et des heures. Vous pouvez voir très clairement ici comment mon pinceau danse sur la surface de la toile parce que les coups de pinceau sont très petits, je ne peins pas de grandes surfaces avec la même couleur ou le même ton pendant environ même chose dans les zones sombres. Je ne veux pas qu'ils soient plats. J'essaie d'avoir des variations de couleurs. J'utilise plus de bleu dans certaines zones, un peu plus, violet dans d'autres, ou peut-être du vert plus foncé dans certaines zones. Si vous regardez de près leur peinture de rendu, il n'a pas une seule grande surface plate. Il s'agit de Schlemmer et il y a beaucoup de variations de couleurs partout. Appliquer de la peinture comme ça prend un peu de temps, mais nous pouvons simplement profiter du processus et ne pas nous précipiter. Mais j'ai essayé d'étudier ce tableau en profondeur et d'avoir une très bonne idée ce que Renoir essayait de réaliser ici. L'une des nombreuses raisons pour lesquelles j'adore la peinture impressionniste c'est qu'elles ont toutes l'air très sans effort. Et ce sera l'une des choses que j'essaierai d' apprendre et de transmettre dans mes propres peintures. On dirait qu'ils se sont juste assis et jettent de la peinture sur toile. Bien sûr, ce n'est pas vrai. Ils ont travaillé très dur et les peintures, j'en suis sûr étaient planifiées et ils ont beaucoup réfléchi à ce qu'ils ont fait jusqu'au résultat final pour ressembler. Mais je pense que la spontanéité et l'immédiateté de l'impressionnisme sont vraiment ce qui nous attire. Et c'est ce que j'aime, ai essayé d'avoir aussi dans mes tableaux. Je travaille toujours sur les ténèbres, si vous vous en souvenez. J'ai essayé d'en ajouter au début de la peinture, mais comme je n'avais pas de dessin précis, je n'ai pas pu le faire exactement. Nous allons donc maintenant travailler sur les détails, à la fois les zones plus claires et les zones plus sombres, et essayer de vérifier tous les contours, trouver toutes ces formes plus sombres dans le livre. En même temps, ne pas permettre à ces sombres de manger toutes nos fleurs. Nous devons donc les garder et les garder au bon endroit. Et ils sont extrêmement importants pour le réalisme et la profondeur de l'espace de notre peinture. Je vérifie également les grandes lignes du livre. Cela ne m'inquiète pas particulièrement parce que je vais le corriger lorsque je pipi dans la nappe. C'est ce qu'on appelle la peinture négative pour les milieux opaques avec les zones les plus sombres , puis nous utilisons la lumière pour trouver précision dans les âges de ces zones sombres. J'ai juste besoin de peindre quelque chose. Et si c'est trop, quand je peins la nappe, je vais les corriger et rendre plus précise, plus précise. Beaucoup de coups de pinceau. La peinture est très texturée, j'ai donc besoin de recréer tous ces petits coups de pinceau que Renoir a appliqués dans sa peinture, sans oublier le vase. Le vase aura également des zones sombres que j'ai déjà peintes dans des zones de tons moyens que j'applique maintenant, puis j'ajouterai quelques points forts. La dernière chose que nous devons surveiller la géométrie de la trace, car lorsque vous peignez, nous pouvons nous emporter un peu et ceux-ci vont commencer à tomber d'un côté ou à disparaître. En même temps, je vérifie la géométrie de la base. C'est eux pour travailler sur la nappe, il y a une couture, je vais la marquer quelque part, un pli dans la nappe. Et maintenant, nous allons le peindre quand le support est une nappe blanche, mais je ne pense pas qu'il y ait une seule zone blanche là-dedans. Tout est composé de coups de pinceau de différentes couleurs. Mon pallidus est trop encombré pour travailler sur des zones plus claires, alors je vais prendre un peu de blanc frais et un peu de bleu frais et commencer à peindre la nappe. Le côté gauche va dans Beam, très chaud. Je suis en train de mélanger du jaune dans mon blanc. Et voici comment on fait de la peinture négative à Guassian. Puisque nous travaillons de l'obscurité à la lumière, nous pouvons utiliser la couleur plus claire, notre blanc ou n'importe quelle couleur dont nous avons besoin pour vérifier l'âge des objets déjà peints. J'apporte donc ces coups de pinceau plus légers dans mon bouquet pour lui donner une certaine définition et définir ses bords. J'applique du blanc, très, très impasto, j'essaie de rendre les coups de pinceau très texturés et volés parce que cela les amène visuellement vers nous. Et peindre vos sombres un peu lisse et peindre vos lumières plus texturées, donne à votre peinture plus de volume et plus de profondeur d'espace. Juste une petite astuce que vous pouvez garder à l'esprit lorsque vous peignez avec un média payant. Faisons aussi le bon côté. Veillez à ce que les coups de pinceau soient tous jaune pâle, bleu clair. Il y a un peu de rose ou le bouquet se reflète dans le blanc, jetant cette ombre rose sur la nappe. Tout doit donc être reproduit dans notre réplique. Vous devez retourner dans le bouquet. Il manque certaines feuilles. Je vais épingler très vite avec vert clair vérifier l'âge aussi. Avant de travailler sur la nappe de ce côté-là, trouvez le tableau, ces répliques sont très agréables, amusantes, car toute l'interprétation de réalité est faite pour moi par ces grands maîtres du passé. Tout ce que je dois faire, c'est étudier leur travail et essayer de reproduire les coups de pinceau. Et je reçois une belle œuvre d' art et on a un aperçu de leur processus, de leur façon de penser. Je pense que c'est très précieux et très amusant pour moi. J'ai perdu quelques sombres dans la base du vase. Je vais les ramener. Vérifiez quelques détails dans le livre K, les verts ont l'air plutôt cool, donc je sens que je dois leur ajouter un peu de vert jaune plus chaud. C'est presque jaune que je mélange de réservation client de la limite ou une signature puisque cela fait partie du tableau. Et la dernière chose que je dois faire est ajouter les points forts et de rechercher des zones très claires sur les fleurs, également sur la base. Peut-être qu'il y en aura quelques-uns sur la nappe pour donner encore plus de volume à mes fleurs, au sujet à l'aide du petit pinceau rond. Charles, deux distincts, masquons-le un peu, cache-le dans les coups de pinceau. Certaines fleurs ont en quelque sorte disparu entre les feuilles dans ces zones sombres, mais il est très facile de les faire ressortir avec un peu de peinture blanche à la gouache. Ma peinture est terminée, vais enlever soigneusement la bande, ne pas tirer vers le haut mais en tirant sur le côté, dieu, rend parfois le ruban adhésif très fermement collé au papier. Je lance ma palette et c'est ma réplique de fils de tension, de mousse, de roses. J'ai vraiment essayé d'imiter ses coups de pinceau et sa palette de couleurs. 6. Que pouvons-nous apprendre de l'impressionnisme ?: Maintenant que nous avons étudié en profondeur deux tableaux des fondateurs du mouvement impressionniste. Essayons de comprendre ce qui compte. Les impressionnistes étaient surtout intéressés par leur approche de ces sujets. Parlons également quelques techniques de peinture que nous pouvons apercevoir à partir de leurs peintures dans le but d' appliquer ces techniques à nos propres peintures. L'art impressionniste n'est pas facile à classer. Chaque artiste a son propre style unique, et très souvent ce style n'est pas resté le même au fil des ans, il a changé et évolué. Dans cette leçon, regardons Renoir et l'argent. Puisque nous étudions leurs peintures, je pense que nous pouvons tous convenir que nous aurons des impressionnistes, non pas pour leurs idées révolutionnaires, mais pour le monde romantique ensoleillé qu'ils ont créé. L'un des sujets importants pour les deux peintres sera celui des personnes, en particulier des personnes vivant en milieu urbain. Renoir a peint beaucoup de portraits et aussi beaucoup de compositions figuratives. Claude Monet finit par retirer toutes les personnes et s'est concentré sur la nature. Mais nous pouvons dire que nous aurions mal à trouver des commentaires sociaux, une représentation des événements historiques contemporains dans l' art impressionniste, paysage sera un autre sujet très important pour les deux. peintres. Déjà mentionné dans la note historique que l'impressionniste a peint en plein air en plein air pour créer l'immédiateté dans leurs peintures et capturer les moments fugaces de changements constants. nature. Ils étaient particulièrement intéressés à capturer comment les couleurs changeaient avec le changement des saisons et aussi tous ces changements rapides dans le ciel, dans l'ombre. Et un autre point d'intérêt pour eux Nous sommes des réflexions, des reflets de la nature dans l'eau. Bien sûr, même s'ils s'efforcent de terminer leurs œuvres d'art à l'extérieur, ils ont travaillé sur le studio, c'est bien finir et affiner leurs peintures. Et ils ont pu le faire parce qu'ils ont développé leurs pouvoirs d' observation et de mémoire artistique. Et en parlant de moments éphémères, je dois bien sûr mentionner les fleurs, probablement le sujet préféré de Monet et de Renoir. C'est pourquoi j'ai fait des fleurs le sujet de cette classe. Comme je l'ai dit, impressionniste qui s'intéresse beaucoup à la représentation de la lumière. C'était un autre sujet de ces études. Par exemple, Manet a fait de nombreuses études sur la mauvaise cathédrale en Normandie en France, peignant à différents moments de la journée. Il a exposé les meilleurs, comme il l'a dit en 1895, il y avait Twain pour eux. Vous pouvez donc imaginer combien de temps il a passé à étudier le même sujet dans différents vols et dans des conditions atmosphériques indifférentes. Il a d'autres séries célèbres sont Haystacks que PR, également peintes encore et encore à différents moments de la journée et à différentes saisons. Et bien sûr, c'est à quel allèle nous avons déjà jeté un coup d'œil. Et vous savez déjà qu'il a créé plus 150 peintures de son étang de nénuphars à partir de petits, murales trop énormes exposées au Musée du jury Learn à Paris. Parlons maintenant des techniques de peinture utilisées par les impressionnistes. En général, les impressionnistes n'utilisaient pas de pigments noirs. Renoir, par exemple, a mélangé bleu et le rouge pour obtenir des tons plus sombres. Il a dit qu'un matin, l' un de nous a manqué de noir. C'est la naissance de l'impressionnisme. Les impressionnistes ont peint des ombres avec des couleurs plutôt que des nuances de gris pour créer les profondeurs de l'espace dans leurs peintures. Ils ont peint un premier plan chaud et un fond frais ou l'inverse. Ils ont donc utilisé la couleur, la température plutôt que le ton. C'est-à-dire que des objets plus clairs devant sur un fond plus sombre, tout comme les peintres universitaires, ils ne coloraient pas. Au lieu de cela, ils ont posé des traits de couleurs complémentaires pour créer une certaine nuance, ce qui crée un effet chatoyant dans les peintures, la lumière qui les intéressait tant n'était pas habituée à décrire le formulaire de façon distincte. Il se nourrit en quelque sorte dans les contours de chaque sujet, laissant beaucoup à l'imagination. Une caractéristique très importante de l' impressionnisme est la forme simplifiée. Ils avaient tendance à montrer le moins de détails possible, juste assez pour décrire le sujet qui les a aidés à montrer la lumière, l'environnement naturel et qui a également contribué à stimuler l'imagination du spectateur. Faisons un bref résumé des choses que nous devons garder à l'esprit lorsque nous essayons d'appliquer principes impressionnistes à notre propre peinture. Pas de pigments noirs. Nous utilisons la couleur pour les ombres, ne les rend pas grises. Peignez le premier plan avec des couleurs chaudes et des arrière-plans avec des couleurs froides ou l'inverse. Essayez de ne pas mélanger les couleurs sur la palette, mais ils utilisent des touches de pinceau de couleurs différentes pour créer l'illusion de volume rendre la plupart des bords doux. J'ai essayé de créer l'effet flou lors peinture et de ne pas mettre dans beaucoup de détails, simplifier les forums et peindre et l'impression de cet objet. 7. Utiliser l'impressionniste comme inspiration: Dans cette démonstration, je vais peindre cet iris en suivant les principes de l'impressionnisme car cet iris sera une fleur appropriée, celle de Claude Monet, nous en avions beaucoup dans son jardin. On peut les voir sur beaucoup de ses tableaux. Je n'ai sélectionné qu'une seule fleur pour rendre ma tâche un peu plus facile puisque nous n'apprenons que et nous pratiquons. Je vais commencer par tuer les blancs. Je donne juste à ma page un léger lavage de vert viridien. Pressons nos couleurs pour des couleurs fraîches que j'utilise du bleu phtalo. Vous avez également une bombe ultra marine, vous voulez créer des bleus profonds. Les verts et les violets ont du jaune Hansa, ce qui me dit qu'il est M, jaune primaire. J'ai du jaune cadmium. J'ai du rouge pyrrole, qui est également de couleur primaire, et j'ai Alizarin pourpre. Je vais aussi faire deux piles de blanc. J'ai donc deux jaunes, un plus chaud, une couleur rouge, une couleur chaude ou une couleur, et deux bleus. Commençons à peindre avec les zones les plus sombres comme installables. En gros, il suffit de distribuer mes couleurs et peindre les zones les plus sombres que je vois sur la photo de référence. Presque immédiatement s'épuise un peu parce que ce n'est pas une énorme feuille de papier. Il s'agit d'une analyse de 11 sur 15, donc collée sur des marges assez importantes, mais vous avez quand même besoin d'un peu de peinture pour couvrir cette zone. Je travaille sur des zones plus légères, ce qui n'est pas absolument nécessaire, mais je ne veux pas perdre mon dessin. Je vais donc peindre plus ou moins négativement autour des zones les plus claires lorsque j'applique mes foncés. Mélangeons un peu de jaune cadmium avec du jaune bleu pour créer une couleur vert foncé. Je travaille toujours à l'arrière-plan. Il y a beaucoup plus de variations de couleurs là-bas, mais je n'y arriverai pas progressivement à construire des relations de tunnel dans ma peinture. Cette première étape est importante, mais je travaille assez rapidement car pour l'instant j'ai juste besoin couvrir le papier et de distribuer les couleurs. Mais le pas ne devrait pas être très long et le menton est trop laborieux car il s'agit d'un travail préliminaire. Je ne suis pas trop inquiet d'obtenir couleurs exactes ou quoi que ce soit de ce genre. Ce n'est que le début. Donc, en utilisant un pinceau plat d'un demi-pouce, des coups de pinceau audacieux, je tourne un peu le pinceau pour varier la direction dans laquelle je travaille. Les coups ont donc l'air plus intéressants. Je ne vais pas les lisser. Je veux un peu de cette texture parce que j'ai mélangé mon vert aussi cette variation intéressante du bleu et du jaune par endroits. Cela ajoute également à l'intérêt visuel. Je peux ajouter un peu plus de bleu à certains endroits. Je peux varier la nuance de vert dans certaines zones. que tout contribue à créer d'abord des profondeurs d'espace, puis un intérêt visuel pour ma peinture. l'espoir de réaliser cette obscurité chatoyante, les impressionnistes étaient si bons en création sans utiliser de noir anion. Ok, mes ténèbres, je suis plus ou moins distribué. Je vais bien sûr travailler un peu plus arrière-plan au fur et à mesure que la peinture progresse. Mais pour l'instant, nous pouvons passer à notre prochaine étape et commencer travailler avec des couleurs un peu plus claires. Nous trouverons donc quelques villes centrales et peut-être quelques lumières en arrière-plan. J'ai commencé à travailler sur la fleur aussi. La tige a des zones vertes plus foncées, tournez cela et commençons aussi à faire allusion à ces sites afin qu' entourés et mélangés dans un peu de blanc dans mon vert pour les peindre. Et je voudrais aussi utiliser une partie de ce jaune Hansa parce que mélanger le vert avec le blanc, mélanger un vert frais si j'ai besoin d'un vert plus chaud, je dois utiliser du jaune pour réchauffer mon vert. Je peux peindre des zones plus claires sur ma fleur, sur la fleur centrale, ainsi que sur les fleurs environnantes avec du jaune hansa. Une autre chose que je voulais faire, c'est réchauffer les ombres. J'utilise l'alizarine cramoisi, que j'applique avec un pinceau plus petit sur certaines de ces zones bleu foncé qui créent une couleur plus profonde. De cette façon, je peux encore plus varier les sombres si vous vous souvenez, lorsque nous peignions des chefs d'eau et aussi lorsque nous peignions l'arrière-plan sur des roses mousses, nous avons utilisé des teintes plus froides et plus chaudes. Nous voulions que les sombres ne soient pas monochromatiques, mais nous voulons qu'ils soient colorés. C'est pourquoi j'ai une autre couleur dans certaines zones de l'arrière-plan. Et un effet scintillant dans mes zones sombres. Mes antécédents sont terminés. Je peux continuer à travailler sur la fleur. C'est la partie amusante. Nous passons à peindre zones de tons moyens et sombres sur la fleur. Mais quand je mélange le cramoisi alizarin avec y to et même si j'ajoute un peu de bleu outremer au pourpre Alizarin, je n'ai pas ce rose vif. Je vois dans la fleur, mais je pense que j'en ai plus, je pense que c'est un peu, je veux dire un peu plus de roses et de violets tamisés qui, selon moi, seront plus beaux dans ce tableau. Parce qu'à l'époque des impressionnistes, ils n'avaient pas tous ces composés synthétiques développés assez récemment. Donc, je pense qu' en utilisant les couleurs que j'utilise, alizarine pourpre, plus un rouge primaire et des mélanges violets et des mélanges violets avec du bleu outremer, feront paraître mon tableau un peu plus et dire vintage, peu plus précis historiquement et stylistiquement précis. Pour l'instant, je peins ces zones colorées sur les fleurs, qui seront aux tons moyens ces zones colorées sur les fleurs, qui seront aux tons moyens et sombres quand j'en aurai fini, euh, nous ajouterons quelques points forts un peu plus tard, mais pour l'instant, je dois construire la base de ces points forts. Peindre sur des zones plus sombres. J'utilise un petit pinceau rond et j'essaie de travailler avec des coups de pinceau à plumes, et j'essaie d'utiliser le mélange optique des couleurs, donc je ne mélange pas doucement les couleurs, les zones de la couleur. Je laisse ces coups de pinceau à plumes sur les bords de chaque zone. J'espère qu'ils se mélangeront visuellement et créeront une transition naturelle entre différentes nuances entre différentes zones tonales. Je me souviens donc de la façon dont j'ai peint ces nénuphars. Donc, de la façon dont j'ai peint la plupart des roses en essayant d'utiliser, je ne dirai pas les mêmes coups de pinceau mais similaires et une approche similaire. Avec Gosh, il est parfois difficile d' obtenir le ton dès la première tentative. Certaines zones doivent donc être ajustées et corrigées au fur et à mesure, plus claires ou plus sombres en fonction de ce que nous voyons dans l'entonnoir de référence. J'utilise deux pinceaux, un pour les couleurs sombres et l'autre pour la lumière, dois faire des allers-retours. L'équilibre sur mes coups de pinceau, l'utilisation de deux pinceaux me permet de ne pas les regarder après chaque coup de pinceau et d'éviter apporter trop d'eau dans ma peinture. Je ne les confond pas parfois, mais pour la plupart, j'ai essayé de me souvenir de les changer. Ma prochaine étape consistera à vérifier tous les détails. Le tableau est à peu près à mi-chemin, probablement plus de la moitié. Je veux donc maintenant ajouter ces zones plus claires en arrière-plan, dans la tige et les feuilles de la fleur. J'utilise Hansa Yellow, mon jaune froid. Et je le mélange avec le petit pinceau rond dans le fond que j'ai. Le fond est sec, mais parce que les galoches sont regrettables, c'est de la courge d'artiste. Et aussi parce que j'utilise le mélange optique des couleurs en utilisant ces cinquième coups de pinceau ou doutes, je suis en mesure d'appliquer ces zones plus claires sans vraiment mélanger de couleurs. J'utilise simplement un jaune Hansa droit, et j'ajoute ces coups de pinceau plus légers dans mon tableau existant. Certains bots ont plus de violet sur les pointes. Ajoutons ça. Et j'ai perdu face à certaines des ombres les plus sombres sur la tige lorsque j'appliquais des lumières. Restaurons-les. Il faut faire des allers-retours entre des détails plus clairs et plus sombres. Parfois. Ma dernière étape lorsque je travaille sur ce tableau, nous ajouterons les points forts. J'ai de l'eau propre. J'ai de la peinture blanche propre que je viens d'extraire. Mes pinceaux sont propres. J'utilise le plus petit pinceau rond que j'ai. Et je plisse en regardant la photo de référence, essayant de trouver les zones les plus légères sur la farine de mon iris. Encore une fois, je ne suis pas en train de lisser les bords. Je n'envoie pas la peinture. J'applique simplement de petits coups de pinceau très légers dans le mélange visuel avec le reste de la peinture. Dans ce tableau, je pense que j'allais plus pour approche de Reynolds que pour lundi, c' est bien sûr ma peinture. C'est comme ça que je peins. Mais je pense que si le tableau était plus grand, les coups de pinceau seront plus petits que la taille globale du tableau. Cela ressemblerait un peu plus à Renoir, Claude Monet, mais j'ai appris des deux. Et copier des peintures de ces deux artistes a été très utile pour moi dans le développement de ma propre approche des sujets floraux. Retrouvons quelques points forts sur les bourgeons. J'essaie de leur donner tous différents, ce genre de flou en arrière-plan, sur la photo. Mais nous pouvons utiliser notre imagination et simplement les rendre très abstraites, pas super développées. pense que ma peinture est terminée, je vais le signer et voici à quoi elle ressemble. Mon interprétation d'un iris utilisant les impressionnistes comme source d'inspiration. 8. Projet de cours: Pour les projets de classe Galatia, la copie d'une ou plusieurs peintures impressionnistes, attention particulière aux choix de couleurs et à deux coups de pinceau. Essayez de les reproduire aussi près que possible. Faites référence à des peintures que j'ai discutées et copiées dans cette classe. Vous pouvez également utiliser comme référence toute peinture de ce parent que vous admirez. Lorsque vous vous sentez plus confiant en travaillant dans ce style, essayez de créer une œuvre d' art originale en utilisant les mêmes principes artistiques, suggestions de référence photo sont fournies dans les matériaux de la classe. Ou vous pouvez peindre à partir de n'importe quelle photo que vous voulez. vanté de la peinture dans la section projet, j'aimerais le voir. Si vous voulez voir comment j'ai peint ces répliques de peintures Renoir avec de la gouache et de l'acrylique. Ou si vous souhaitez trouver autres exemples de peinture de style impressionniste, vous pouvez voir toutes ces démonstrations sur la chaîne Tanner of stooges sur YouTube et gronder. Sous UNdrip.com, vous trouverez mes peintures et mes croquis, des informations sur les cours que j'enseigne dans plusieurs livres électroniques que je me sens également libre. Je serai heureux de me connecter avec vous via les réseaux sociaux. Suivez le studio de ramp sur Facebook, Instagram, Twitter ou Pinterest. Et n'oubliez pas de me marquer si vous publiez votre œuvre d'art. Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. Ils sont créatifs.