Lettrage dans un espace négatif avec des aquarelles

1. Introduction: Salut les gars, bienvenue à mon premier cours de Skillshare. Je suis tellement excité d'enseigner ce cours. Je suis Vinitha Mammen, je suis une créatrice de mode professionnelle et une artiste autodidacte. J' ai la chance d'être né dans une famille pleine d'artistes. L' art a toujours été une grande partie de ma vie. Maintenant que mon art est en train de changer de côté, je rêve de vendre des marchandises et des estampes d'art, peindre des nouilles géantes, et de partager mes connaissances avec la communauté d'artistes comme celle-ci. J' aime explorer plusieurs techniques et médias, et honnêtement, je découvre toujours mon propre style. Mes choses préférées actuelles à créer sont les illustrations à l'aquarelle et le lettrage à la main. Pour ce cours, j'ai décidé de combiner ces deux-là et de vous montrer comment je fais lettrage à la main en utilisant des techniques de peinture négative et de superposition avec des aquarelles. Je pense que la peinture négative est un processus très relaxant et presque méditatif. Bien sûr, cela prend du temps et de la patience, mais je pense que les résultats sont super gratifiants. L' effet de la création de lettres en utilisant l'espace négatif plutôt que positif, peut être relativement facilement atteint à l'aide de divers outils numériques de dessin, de peinture et de conception. Cependant, je pense que les résultats à couper le souffle de l'obtention de cet effet par des méthodes analogiques sont étrangement satisfaisants et particulièrement charmants. Dans ce cours, je vais vous faire découvrir quelques concepts de base autour de l'espace négatif et de la façon dont je l'utilise dans mon art. Je vais vous enseigner plusieurs techniques de contrôle des pinceaux et de mélange ainsi que quelques conseils de lettrage à la main à travers des exercices de pratique soigneusement structurés. Je vais également vous montrer tout mon processus, du croquis à la fin, y compris tout le gâchis initial qui mène à une dernière pièce dont je suis fier. Ensemble, nous mettrons tous nos apprentissages à utiliser en créant deux projets amusants de lettrage d'espace négatif. Je vais aussi passer en revue tous les matériaux dont vous aurez besoin pour réaliser ces projets et vous montrer les fournitures d'art exactes que j'utilise. Cette classe s'adresse aux niveaux débutants et intermédiaires, mais les artistes de tous les niveaux sont invités à participer et à donner ces projets il y a. Les artistes traditionnels peuvent même utiliser cette classe pour explorer une toute nouvelle dimension. Nous n'entrerons pas dans les bases mêmes du lettrage à la main ou de l'aquarelle. Mais vous trouverez toutes les informations dont vous aurez besoin pour essayer ces projets avec succès ici dans cette classe. Si vous avez des questions, hésitez pas à me poser dans la section de discussion de ce cours. J' espère vraiment vous voir dans la prochaine leçon. Connectez-vous avec moi sur Instagram et marquez-moi dans vos histoires pendant que vous apprenez de cette classe, afin que je puisse les republier mes propres histoires et partager de beaux moments avec mes élèves. Faisons ça. 2. PROJET DE CLASSE: Bienvenue dans ma classe et merci de vous être joint. Dans cette classe, nous explorerons lettrage négatif aquarelle en créant deux pièces de projet amusantes. La première pièce aura un texte sur un fond lumineux et heureux de rayures amusantes utilisant une palette de couleurs limitée mais nous ne peindrons qu'une seule couleur à la fois. Cela nous aidera à avoir une bonne compréhension des techniques de contrôle des pinceaux pour créer le trait parfait autour des espaces négatifs serrés sans se soucier de mélanger les couleurs. Je vais également partager quelques conseils que j'utilise, dès la phase de croquis pour me rendre la vie plus facile en peinture négative. Notre deuxième pièce de projet sera un texte placé à l'intérieur d'un nuage fantaisiste, peint à l'aide d'un mélange vibrant de trois couleurs. Ensemble, nous allons explorer comment utiliser le mélange de couleurs pour remplir les espaces négatifs pour créer un effet magique sans faille et embrasser les effets surprises de laisser les aquarelles faire ce qu'elles aiment faire le mieux ; se déplacer et jouer les uns avec les autres . Pour les deux pièces, vous pouvez totalement choisir des mots et des sujets d' illustration de votre choix ou n'hésitez pas à suivre en utilisant mes exemples. J' ai inclus une liste bonus d'idées de mots et de sujets vous aider à commencer au cas où vous êtes coincé à vous demander quoi peindre. Vous pouvez les trouver dans la section des ressources de cette classe, alors vérifiez cela et soyez inspiré. J' ai créé cette classe d'une manière que vous puissiez terminer chaque étape avec moi, pas seulement me regarder. Je veux vous encourager à rassembler toutes vos fournitures et à participer au plaisir. Téléchargez des photos de votre progression dans la galerie de projets pour cette classe. J' attends avec impatience de voir ce que mes élèves créent. Ces téléchargements n'ont absolument pas besoin d'être une œuvre d'art finie. Plus vous partagez de photos de processus, plus je peux vous donner de précieux commentaires et nous pouvons tous apprendre ensemble. Avant de sauter dans les projets de classe, j'ai quelques cours d'échauffement avec quelques exercices utiles pour pomper vos muscles et vous faire sentir en confiance pour plonger dedans. Ils vous aideront également à avoir un bon aperçu des techniques d' aquarelle et de lettrage que nous utiliserons dans les projets. Dans la prochaine vidéo, je vais vous emmener à travers les matériaux dont vous aurez besoin pour créer vos propres pièces de projet de classe. On se voit là-bas. 3. Matériaux: Dans cette leçon, je vais passer en revue le matériel dont vous aurez besoin pour nos exercices et projets de classe. N' oubliez pas que ce ne sont que des suggestions basées sur ce que j'utilise. Si vous avez votre ensemble de fournitures de confiance, s'il vous plaît allez-y et utilisez-les pour cette classe. Si vous n'avez pas de fournitures, ne laissez pas cela vous empêcher d'essayer, travailler avec ce que vous avez et de voir où cela vous mène. Cool, voyons ce qu'il nous faut. d'abord, bien sûr, vous auriez besoin de peintures. aquarelle se présente sous diverses formes comme des tubes, des casseroles et des concentrés liquides. J' utilise principalement des casseroles, et c'est l'ensemble que j'utilise actuellement. C' est un ensemble de 45 demi-casseroles Winsor et Newton Cotman. épingles de qualité artistique d'entrée de gamme comme celles-ci seront idéales, mais tout ce qui est disponible facilement suffit pour vous aider à démarrer. C' est à quoi ressemble ma boîte de peinture à l'intérieur. J' ai des zones désignées dans mes plateaux de mélange pour chaque groupe de couleurs. Il empêche les couleurs de se mélanger avec des couleurs complètement différentes par erreur, et maintient les choses un peu plus organisées. Je réserve les deux derniers puits pour mélanger de nouvelles couleurs si j'en ai besoin. J' ai également fait moi-même un jeu de cartes d'échantillon avec chacune de ces couleurs ainsi que ses détails pour une référence facile. J' ai donné à chaque nuance un membre de mon propre, ce qui est indiqué sur la carte de l'échantillon, sur les casseroles elles-mêmes, ainsi que dans la boîte située sous chaque poêle. Cela m'aide à identifier facilement mes peintures. J' utilise également les échantillons pour m'aider à décider des palettes de couleurs pour mes pièces. Ensuite, nous avons besoin de papier. Ce sont des gars importants. Vous n'avez pas besoin d'aller acheter des trucs de qualité professionnelle super coûteux, mais vous avez besoin de papier 300 g/m² destiné à l'aquarelle. J' utilise ce Canson XL Aquarelle Cold Press, papier 300 g/m². Vous pouvez trouver cela bon marché sur Amazon, en particulier aux États-Unis. Je ne pense pas que ce soit le meilleur papier, mais c'est un bon rapport qualité-prix, donc ça marche pour moi. C' est ce que j'utilise pour tous les exercices et projets de cette classe. J' ai aussi ces feuilles lâches de Canson, aussi 300 GSM, que j'utilise parfois quand je ne veux pas couper mes plus grandes feuilles. J' ai un truc pour le papier carré, donc j'ai ce tampon d'aquarelle carré de Master Touch. Il a une texture vraiment unique, donc je suis précieux à ce sujet et surtout le réserver pour des occasions spéciales. Maintenant, si vous n'avez pas un accès immédiat au papier aquarelle, je vous suggère de trouver le papier mat le plus lourd que vous pouvez trouver autour de vous et de lui donner un coup de feu. En plus du papier aquarelle, nous avons également besoin d'un papier d'imprimante ordinaire, n'importe quelle qualité, quelle que soit la taille, pour faire tous nos remue-méninges et croquis initiaux. Maintenant pinceaux, vous aurez besoin de quelques brosses rondes de différentes tailles encore mieux si elles sont spécialement destinées à l'aquarelle. J' ai utilisé les marques Dugato et Arteza de brosses rondes synthétiques. Nous allons principalement utiliser un pinceau de taille 2 pour les grandes surfaces, pinceaux plus petits comme la taille 1 et 0 pour les espaces plus petits, et un pinceau de détail comme le rond Arteza 4/0 que j'ai ici pour les espaces vraiment restreints. Nous aurons également besoin d'un crayon pour faire tous nos croquis. Juste n'importe quel crayon de base fera l'affaire. J' utilise mon crayon mécanique préféré, qui est le Pentel Graphgear 1000 et 0,9 mm de taille. Je ne suis pas particulièrement au sujet de la mine de crayon que j'utilise dans ceux-ci. Je sais qu'il y a des crayons très doux qui sont utiles pour faire des croquis légers et propres sur papier aquarelle, mais j'utilise simplement mon crayon ordinaire et frottez doucement sur mon papier pour le garder léger. Oui, n'importe quel crayon ordinaire est très bien. Ensuite, bien sûr, une gomme, n'importe quelle gomme propre que vous avez. J' ai aussi ce petit gars pour effacer les détails, c'est une gomme de style stylo appelée Tombow Mono Zero Eraser. Il aide juste à effacer de petites zones à la fois. Super cool, mais totalement pas une exigence pour cette classe. Ensuite, nous avons besoin d'une règle, encore peu importe ce que vous avez l'habitude de faire. Depuis que je couds aussi dans mon studio, j'ai un tas de ces règles de grille qui sont utiles, donc j'utilise juste l'une d'entre elles. Ensuite, il y aurait des stylos fineliner noirs. J' utilise principalement les Fineliners Uni Pin d'Uniball ou Pigma Microns de Sakura. Nous allons les utiliser juste pour passer revue nos contours et les rendre plus nettes pour un traçage facile. Vous pouvez utiliser à peu près n'importe quel stylo noir ou marqueur mince. Vous pouvez même les ignorer complètement et tracer votre croquis au crayon. Vous aurez également besoin d'un pot d'eau pour tremper et nettoyer vos brosses, d'un ruban adhésif, si vous voulez donner les bordures nettes et nettes, et d'une boîte de mouchoirs, de papier toilette, de serviettes en papier, tout ce qui fonctionne. Vous aurez également besoin de quelque chose pour le traçage. Si vous avez une boîte lumineuse qui aide. J' utilise simplement une application de traçage dans mon iPad Pro. Vous pouvez même placer votre papier contre la lumière de votre vitre et tracer dessus si vous n'en avez aucun. C' est ça. Encore une fois, ne laissez pas ces matériaux vous effrayer. 4. Espace négatif : quoi ? Pourquoi ? Comment ?: Avant de mettre la main sur notre apprentissage, sortons les bases du chemin. Dans cette leçon, je vais vous montrer ce qu'est l'espace négatif dans le contexte de l'art, ce que nous entendons par peinture négative et quelques méthodes par lesquelles nous pouvons réaliser des œuvres peintes négatives. Nous examinerons également quelques exemples de travaux réalisés par d'autres artistes et moi-même pour essayer de comprendre l'importance de l'espace négatif dans l'art. Alors, qu'est-ce que l'espace négatif ? Autrement dit, l'espace négatif est l'espace autour du sujet d'une image. Habituellement, surtout lorsqu'il s'agit d'une zone solide, nous avons tendance à le désigner comme l'arrière-plan. Donc, si c'est mon sujet, alors tout l'espace autour est l'espace négatif et le sujet est l'espace positif. Maintenant, qu'est-ce que la peinture négative ? La peinture négative est quand vous peignez en posant vos couleurs dans l'espace négatif, par opposition à l'espace positif. C' est autour d'une forme au lieu de l'intérieur d'une forme. Par exemple, je veux peindre un cœur sur cette page. Je peux le faire en peignant à l'intérieur d'une forme de cœur, ou je peux le faire en peignant autour d'une forme de cœur. Quoi qu'il en soit, j'ai toujours un cœur, pas de jeu de mots. Ce dernier est ce que nous appelons, peinture négative. Il existe différentes façons d'obtenir l'effet de la peinture négative. Regardons quelques méthodes analogiques, particulier lors de l'utilisation de la peinture sur papier. Le ruban de masquage est l'un des éléments les plus couramment utilisés pour masquer les zones positives lors de la peinture. Nous utiliserons aussi du ruban adhésif de masquage, mais seulement pour obtenir des bordures soignées, pas pour la peinture négative en tant que telle. Ensuite, il y a du liquide de masquage. Cela fait le même travail que le ruban de masquage, juste qu'il est sous forme liquide et peut donc être appliqué avec beaucoup plus de contrôle, surtout dans les espaces plus petits. C' est une méthode couramment utilisée par plusieurs artistes. Actuellement, je ne préfère pas l'utiliser beaucoup, surtout pour le lettrage, principalement parce qu'il gâche mes pinceaux et je ne peux jamais avoir un coup propre parce que je dois utiliser un vieux pinceau. Nous n'utiliserons aucun liquide de masquage pour nos projets dans cette classe. Ce qui m'amène à la méthode suivante, qui est ce que nous allons utiliser. Juste tout droit, en évitant la couleur dans vos espaces positifs en peignant manuellement autour d'eux. Ça a l'air fou ? Cette folie est ce qui rend ça si excitant. Maintenant, regardons quelques exemples d' espace négatif utilisé de manière créative par d'autres artistes. C' est un portrait, mais à peine aucune de la peinture est dans le visage lui-même. Même ici, la forme de la personne est suggérée par l'espace négatif autour d'elle. Ici, ce maillot de bain est pratiquement néant sur le papier. Mais tu sais, c'est là. Est-ce [inaudible] cheveux orange ou un ours noir que nous regardons ? Espaces entre bâtiments en forme de mains effrayantes, coïncidence ? Voici la vie formée uniquement par les dessins au trait botanique autour d'elle. Une campagne publicitaire intelligente pour promouvoir l'adoption d'animaux de compagnie. Voyez-vous le canin dans l'espace négatif ? L' espace négatif devient également un outil précieux dans la conception du logo. L' un des logos les plus célèbres qui utilisent l'espace négatif de manière créative est le logo FedEx. Voyez-vous la petite flèche dans l'espace négatif ? C' est là sans y être, et c'est la beauté de ça. Voici d'autres logos démontrant l'utilisation intelligente de l' espace négatif pour se faufiler dans des éléments de design pertinents pour leurs marques respectives. L' espace négatif, comme vous pouvez le voir, est quelque chose que je suis toujours attiré vers l'utilisation dans mon processus d'art et de design. Laissez-moi vous montrer quelques-unes de mes propres pièces. J' ai méticuleusement griffonné autour des lettres ici pour créer celle-ci. Voici un autre travail de lettrage d'espace négatif vers le bas avec des griffons de stylo. Certains vacances refroidi, mais aquarelles espace négatives. C' est l'une de mes pièces préférées qui a également inspiré l'un de nos projets pour cette classe. J' ai utilisé de l'espace négatif ici pour créer une illusion d'une fenêtre [inaudible]. Il s'agit d'un lettrage d'espace négatif mis contre plusieurs couches de feuilles peintes négatives, double négatif. Celui-ci est un lettrage négatif numérique, et j'utilise le contraste des espaces négatifs et positifs pour illustrer le sel. Une autre pièce numérique avec lettrage négatif. Vérifie celui-là. J' ai utilisé l'espace négatif pour impliquer la présence d'un carré autour duquel les fleurs sont disposées. J' utilise également des éléments d'espace négatifs dans la plupart des logos que je conçois. En voici quelques-unes. J' espère que je vous en ai montré assez pour vous exciter de créer des projets spatiaux négatifs. Dans la leçon suivante, nous allons plonger et découvrir quelques techniques de contrôle des pinceaux qui vous aideront à maîtriser la peinture autour des formes. 5. Maîtrise des pinceaux: Cette leçon porte sur l'exercice de ces techniques de contrôle des pinceaux. Nous allons apprendre à peindre à l'intérieur et autour des formes en utilisant une seule couleur pour commencer. Recherchez quelques conseils pro très utiles que je jette de temps en temps pendant cette leçon. Pour vous faciliter les choses, j'ai inclus un fichier modèle que vous pouvez télécharger à partir de la section ressource de cette classe. Vous pouvez commencer en imprimant ce fichier et transférant les contours sur une feuille de papier aquarelle. Vous pouvez utiliser une boîte lumineuse pour cela, ou si vous avez un iPad Pro, vous pouvez télécharger une application gratuite appelée arbres Lightbox et l'utiliser. Vous pouvez même placer votre papier contre la lumière au-dessus d'une fenêtre et tracer. Ou vous pouvez ignorer complètement le modèle et dessiner à main levée directement sur votre papier aquarelle. C' est ce que j'ai fait, je viens d'utiliser mon crayon pour esquisser les formes sur une feuille de papier aquarelle neuf pouces par six pouces. Vous pouvez commencer par n'importe quelle taille vous semble à l'aise. Vous pouvez même commencer avec un en taille réelle, et progresser vers des tailles plus petites pour affiner vos compétences. Ce que nous allons faire ici est d'utiliser une section du modèle pour pratiquer la peinture dans les formes, c'est-à-dire les espaces positifs, et l'autre section pour apprendre à peindre autour des formes ou des espaces négatifs. N' hésitez pas à faire une pause ou à ralentir la vidéo et les pratiquer autant de fois que nécessaire. Plus, mieux c'est. Allons-y, d'accord ? J' ai sorti de la peinture et je mélange dans un peu d'eau. Mon pinceau est mouillé et chargé de peinture. Maintenant, nous commençons par placer la peinture à l'intérieur du carré, puis il suffit de faire glisser le blob humide que vous venez de placer sur le papier pour remplir le carré. C' est ça, on place de la peinture et on la tire là où on veut qu'elle aille. Lorsque le blob n'est plus assez humide, vous trempez votre pinceau et peignez à nouveau et répétez. Maintenant, notre objectif est de remplir la forme, donc nous devons aller le plus près possible des contours sans les toucher réellement. Au moment où la peinture ou même l'eau touche la marque du crayon, elle devient ineffaçable. Nous finirons tous par le faire accidentellement à un moment donné, mais nous devons faire de notre mieux pour l'éviter, et croyez-moi, la pratique aide beaucoup. Il est important que la peinture soit encore humide pendant que nous faisons tout cela, une fois que la peinture sèche, elle laissera une marque. Puisque nous voulons obtenir une couche uniforme de peinture, nous ne la brossons pas exactement, mais nous devons toujours garder à l'esprit le temps lorsque nous peignons avec des aquarelles. Passons à la forme suivante. Il suffit de suivre le même principe, placer la peinture et de tirer. Il aide à faire des contours soigneux avec de la peinture à l'intérieur des contours du crayon avant de le remplir. Vous pourrez ensuite revenir en arrière et affiner vos bords. Maintenant, pour la feuille, commencez à partir de la pointe en appliquant légère pression sur votre brosse afin que vous obteniez un bon coup mince et propre. Ensuite, tirez avec plus de pression sur votre brosse afin que vous puissiez remplir les plus grandes zones de la feuille en douceur. Continuez à faire glisser la peinture pour finir cette feuille. Encore une fois, nous commençons par placer légèrement la peinture près de la pointe, et en faisant glisser la peinture pour remplir le reste de la feuille. Rechargez votre pinceau avec de la peinture chaque fois que vous sentez qu'il n'y a pas assez de peinture humide à mettre. Maintenant, pour le J, commencez par peindre la partie supérieure horizontale, puis faites glisser la peinture vers le bas dans la section verticale, sortez la couche avec vos coups de pinceau au fur et à mesure que vous allez. Vous pouvez prendre un peu de temps pour affiner vos bords et lisser vos courbes. Maintenant, je vois certaines zones où la peinture n'est pas un mélange lisse, alors je vais les revoir, pendant que la peinture est encore humide, et la mélanger dans la partie supérieure qui est encore humide. Maintenant que nous avons une idée de la façon de peindre dans une variété de formes, nous pouvons passer à la peinture autour des mêmes formes. C' est essentiellement la même chose que vous faites ici. Vous devez seulement identifier l'espace autour de la forme comme objet au lieu de la forme elle-même. Ce que je veux dire, c'est, au lieu de regarder le carré comme ce que vous devez remplir, regardez le cadre autour d'elle, et dites-vous que c'est ce que vous devez remplir. Faites la même chose, placez la peinture et tirez. Encore une fois, obtenir le plus près possible du contour du crayon sans le toucher. Maintenant, vous devrez prendre quelques décisions, il y a deux zones possibles du cadre où vous pouvez continuer à partir, le haut ou le bas. n'y a pas de bonne réponse, vous devez faire un jugement basé sur la façon dont votre peinture est humide à chacun de ces endroits. Si vous voyez qu'il sèche, vous voudrez peut-être y aller et l'enregistrer en ajoutant plus de peinture et en faisant glisser. Voici un conseil, as-tu remarqué ce blob humide que j'ai ajouté ? Quand je laisse une zone inactive pour remplir une autre zone, je charge mon pinceau et laisse de la peinture très humide à la fin des taches que j'abandonne temporairement, sorte que je peux acheter un peu de temps pour faire attention à l'autre zone. Pendant que je peins, je vérifie constamment pour m'assurer que ce blob que j'ai ajouté est encore humide, et s'il semble qu'il se dessèche, je recule. Maintenant, je remarque que le blob inférieur se dessèche, donc j'essaie d'y arriver rapidement et de le faire glisser pour remplir la forme. Maintenant il suffit d'utiliser les mêmes techniques pour peindre un autour des trois formes restantes, oubliez pas de laisser des blobs humides lorsque vous abandonnez une zone, et de ne pas toucher les marques de crayon que vous peignez. Ceci ici a un espace très étroit entre les deux feuilles, donc je passe à ma brosse de détail pour y entrer en toute sécurité. Une fois que je suis dans une plus grande zone, je retourne à ma brosse plus grande. Conseil professionnel, quand il y a une grande surface à remplir, il aide à imaginer quelques contours en plus de ceux que vous avez dessinés pour diviser l'espace en zones de taille morsure. Mais vous devez le faire stratégiquement, remarquez comment je profite du plus petit espace ici près de la pointe de la feuille, et imaginez une séparation entre les zones supérieure et inférieure juste là. Cela m'aide à me concentrer sur le lissage d'une zone à la fois sans finir avec de grandes marques sèches. Encore une fois, nous utilisons les mêmes techniques et conseils pour peindre autour du lettrage. Cela le rend moins intimidant si vous le voyez comme juste une autre forme au lieu d'un lettrage des éléments. Une fois que j'ai rempli la plupart des grandes zones autour du J, je vais avec mon pinceau de détail pour affiner les bords pendant que la peinture est encore humide. C' est tout ce que c'est. J' espère que vous avez apprécié cet exercice. Dans la prochaine vidéo, j'aborderai quelques connaissances de base sur l'aquarelle, et comment nous pouvons l'appliquer à notre avantage dans notre projet ici. 6. Humide ou sec: Vous avez probablement rencontré la terminologie de mouillé sur humide et humide sur sec techniques de peinture à l'aquarelle. Ce sont essentiellement les deux grandes catégories de méthodes d' application de peintures utilisées couramment dans la peinture à l'aquarelle. Dans cette leçon, nous allons aborder un peu cela et parler de leurs principales différences et applications. Autrement dit, mouillé sur sec est lorsque vous peignez avec de la peinture humide sur du papier sec. sur mouillé est quand vous peignez avec de la peinture humide sur vous l'avez deviné, papier humide. Maintenant, nous savons que ce que nous avons fait tout au long de nos exercices dans la leçon précédente était entièrement la technique humide sur sèche. Pour le mouillé sur sec, je prends juste une partie de la peinture mélangée sur mon pinceau et relie un trait sur le papier. Ensuite, je fais la même chose, mais je peins une plus grande surface cette fois. Ensuite, je prends un peu de peinture et je touche le pinceau entièrement sur le papier sec. Jetez un oeil à ça. Nous avons des traits propres avec des bords bien définis. Les limites sont claires et distinctes sur toutes ces questions. Maintenant, pour le mouillé sur mouillé, j'ai soigneusement nettoyé ma brosse et je la trempe dans de l'eau propre. Je vais déposer une couche de rien d'autre que de l'eau propre sur le papier sec, essentiellement pour le mouiller. Je passe quelques fois sur cette zone humide avec mon pinceau pour obtenir un glaçage lisse et uniforme. Ceci est très important lors de la peinture humide sur mouillé. La douceur de la couche de peinture dépend en grande partie de la façon dont même votre couche d'eau est en premier lieu. Cela aide vraiment à le regarder sous un angle. Tu vois cette glaçure ? C' est ce que vous voulez réaliser. Je fais à peu près la même chose avec ma peinture, juste un coup sur la zone humide du papier. Voyez-vous comment les bords s'effondrent ? Continuant le même genre de coups qu'avant. Si vous le comparez avec la version humide sur sec de celui-ci, vous pouvez voir clairement les différences, les bords ont tellement plus de profondeur définie. Alors qu'ici, l'humidité continue de retirer la peinture, provoquant les limites à la plume. Je peins un peu plus humide sur des blocs secs pour démontrer les différences lors de la peinture d'une deuxième couche, tandis que les deux premières assèchent. Voyons ce qui se passe si vous posez en utilisant la technique humide sur humide. Je peins ma deuxième couche avant que la première couche ne sèche. La peinture se fond lentement dans le reste de la forme. Aussi, voyez-vous un spot lumineux là-dedans ? C' est parce que la couche précédente n'était pas un glaçage lisse. Je prends un peu plus de temps pour lisser la prochaine sortie. Cette fois, je vais montrer la peinture de la deuxième couche avec une couleur différente. Encore une fois, vous pouvez voir clairement le mélange des couleurs, le bleu se déplaçant lentement dans la couche verte. Maintenant, essayons ça sur le côté humide sur le côté sec. La première couche a complètement séché et je place de la peinture sur la deuxième couche. Attendez. Voici un autre conseil très important. Bien que mouillé sur mouillé et humide sur sec soient deux techniques utiles, ce que nous ne voulons pas utiliser est humide sur humide. Tu ne veux jamais retourner sur du papier humide et de la peinture. Ça gâche les gens et la peinture sèche en apparence beaucoup moins vibrante. Le papier humide est un grand non pour moi. En continuant, nous pouvons voir que la deuxième couche ne se fond pas dans la première dans ce cas, la peinture forme juste une couche séparée avec ses propres limites distinctes. La même chose se produit même lorsque nous essayons d'utiliser une couleur différente pour cette deuxième couche. Le bleu se trouve juste sur le dessus du vert, ne se mêle pas, se souciant juste de ses propres affaires. Laisse-moi te montrer une chose de plus cool. J' utilise juste de l'eau claire pour mouiller une petite bande de surface sur le papier. Maintenant, je prends de la peinture et place un coup en diagonale à travers elle, de sorte qu'il soit partiellement sur les parties sèches du papier et partiellement sur la partie humide. Voyez-vous ce que l'humidité fait au même coup ici ? Il plumes seulement jusqu'aux limites de l'eau. Ce comportement non seulement contraste les deux techniques, mais devient également très utile pour nous dans nos projets. Résumons toutes les différences que nous avons découvertes entre les techniques humides sur sec et humide de peinture à l'aquarelle. abord, l'évidence, humide sur sec nécessite du papier sec et humide sur des appels humides pour le papier humide pour commencer. Alors que la peinture sur papier sec nous laisse avec des bords bien définis. La peinture sur papier humide donne des bords qui s'infiltrent dans les zones humides. Enfin, dans le premier cas, la peinture reste à peu près là où vous la mettez. Alors que, dans ce dernier, la peinture se déplace et se propage dans l'humidité. Que diriez-vous de mettre toutes ces connaissances acquises dans cette leçon pour utiliser et peindre une deuxième couche sur certaines des formes de notre leçon précédente ? Prenez une brosse propre, mouillez-la avec de l'eau propre et posez une couche d'eau juste au-dessus de ce cercle. Nous faisons cela à peu près exactement comme nous avons manipulé la peinture, en plaçant un blob et en le tirant pour se répandre. Maintenant, prenez un peu de peinture sur votre pinceau et dub légèrement autour des limites de la forme et regardez que la peinture se fond magnifiquement. Rappelez-vous comment la peinture ne va pas plumer au-delà de la zone humide. Ceci est pratique ici pour que vous n'ayez pas à soucier de la peinture qui saigne au-delà des contours, tant que l'eau ne l'a pas fait. Répétez le même processus de pose d'une couche d'eau claire, puis de doublage dans de la peinture. Regardez comment je lisse dans cette feuille sur. Je vais te montrer comment j'ai fait ça dans un peu. Lorsque l'excès d'eau forme des flaques d'eau, vous allez vous retrouver avec des marques sèches bizarres. Non pas que ce soit toujours une mauvaise chose, mais heureusement pour nous, il y a un moyen facile de s'assurer que cela n'arrive pas quand nous ne le voulons pas. Voici quelques signes pour vous, quand il y a moins d'eau dans la brosse que sur le papier, l'eau est absorbée par la brosse dès qu'elle touche la zone humide. Nous utilisons cela pour ajouter des avantages. Doublez simplement la brosse sur un tissu sec pour en retirer l'excès d'eau. Maintenant, comme il y a certainement plus d'eau sur le papier que sur le pinceau, il va être absorbé tout de suite, nous laissant avec une couche uniforme de peinture. Utilisons ces techniques et conseils pour ajouter une couche humide sur humide sur deux autres de ces formes. N' oubliez pas de vous efforcer d'obtenir un glaçage à l'eau lisse avant de doubler la peinture et d'enlever les flaques d'eau avec une brosse à bord sec comme je viens de vous le montrer. Notre objectif principal pour faire la deuxième couche est d'intensifier les bords de nos zones peintes et de les rendre plus pop. C' est pourquoi je mets surtout la peinture sur les bords et la laisse se fondre dans le reste des zones. N' était-ce pas une exploration passionnante ? Dans la prochaine leçon, nous aurons encore plus de plaisir en mélangeant les couleurs. On se voit là-bas. 7. Mélange des couleurs: Maintenant que nous avons un coup de contrôle du tableau de bord et quelques techniques importantes, prenons cette connaissance d'un cran en essayant le même exercice en utilisant un mélange de deux couleurs. Apprendre à mélanger les couleurs à l'intérieur et autour des espaces nous aidera à atteindre un nouveau niveau de génial avec nos projets de lettrage d'espace négatif. À la fin de cette classe, je veux toucher légèrement certaines bases de la théorie des couleurs afin que vous puissiez utiliser cette connaissance pour éviter les mélanges boueux de couleur de l'eau. Pour l'instant, rejoignez-moi comme je peins des mélanges de couleurs. Donc je commence par les espaces positifs, ce qui signifie que nous allons peindre à l'intérieur des peintures spatiales négatives que nous avons faites dans les exercices précédents. Je pose un blob de peinture de ma première couleur, qui est une nuance rose appelée rose permanente. Vous connaissez la perceuse maintenant, s'il vous plaît peindre et tirer le blob humide autour pour remplir l'espace. Ajouter plus de peinture et répétez. Mais cette fois-ci, nous ne remplirons pas toute la forme. Il suffit de ramener la peinture à environ la moitié de la surface et arrêter afin que nous puissions mélanger notre deuxième couleur dans la zone restante. J' ai choisi une feuille orange profonde appelée rouge cadmium teinte pâle pour se fondre avec le rose. Alors je ramasse la peinture orange sur mon pinceau et je la place là où je me suis arrêté avec ma section rose. Placez le blob orange à droite sur le blob rose, qui est encore humide et faites-le glisser. Donc, c'est fondamentalement comme nous avons rempli nos pinceaux de temps en temps, juste que dans ce cas, nous utilisons une couleur différente et ensuite nous lissons doucement notre couche de peinture. C' est ça. Pendant que nous passons à la forme suivante, voici quelque chose à penser. Lorsque vous peignez un mélange comme celui-ci, vous devez avoir une idée du type de dégradé que vous essayez d'obtenir. Dans le cas du carré, je suis juste allé pour un gradient linéaire de haut en bas. Dans ce cas, je fais un dégradé en diagonale. Donc, je coupe mentalement le cercle en deux à travers la diagonale et en plaçant ma première couleur sur le haut à gauche seul. Ensuite, je passe à ma deuxième couleur et je la mélange. Je suis juste en train de finir le cercle en passant lentement sur ces bords pour leur donner belle et lisse. Maintenant, pour la feuille, je ne fais pas un dégradé défini, et c'est bon aussi. Un mélange de couleurs ne signifie pas nécessairement qu'il doit s'agir d'un dégradé de couleur. Donc, dans ce cas, je passe juste entre les couleurs partout où je me sens comme pour obtenir un mélange aléatoire. Je garde toujours la forme à l'esprit quand je fais cela cependant, donc ce n'est pas tout à fait aléatoire. Comme dans ce cas, je veux que les pointes de la feuille soient d'une couleur différente du reste, donc je garde cela à l'esprit car je mélange les deux couleurs. Je fais encore une fois un haut en bas linéaire pour le J. Je commence avec l'orange du haut et je me déplace vers le bas. Cependant, je commence le rose de la queue du J et non du milieu. Cela aide à garder une pensée rose pure riche à la pointe même, mais il est parfaitement correct de le faire de toute façon. Je dirais essayer les deux méthodes et voir ce que vous aimez. C' est à ça que ça ressemble quand il est complètement sec. Remarquez ces bords intenses et nets. Pour moi, cela lui donne vraiment un champion unique aux aquarelles peintes à la main. Ensuite, nous allons utiliser la section supérieure de ceci pour peindre des mélanges d'aquarelle d'espace négatifs. Là encore, la seule vraie différence réside dans la façon dont nous voyons la forme. Pensez cadre rectangulaire au lieu du carré à l'intérieur. Je fais à nouveau un dégradé en diagonale, donc je dois constamment garder cela à l'esprit pendant que je peins et m'assurer que mon mélange de couleurs est le long de cet angle. Quand j'arrive quelque part autour des coins diagonalement opposés de la forme, je passe à la peinture rose et continue de la même manière. Rappelez-vous notre conseil de laisser un blob humide pour nous acheter du temps, continuer à l'utiliser. Alors maintenant, j'ai l'impression que les taches oranges initiales ont séché assez durement et je veux recommencer à essayer de corriger cela et ensuite, ajouter un peu plus de rose pour le fondre dans. Pour celui-ci, je veux faire un gradient radial, commençant par rose près du cercle et se déplaçant en orange radialement. Alors peignez un anneau rose autour du cercle et essayez d'être aussi rapide que possible avec cela, parce que nous devons capitaliser sur l'humidité de l'anneau pour faciliter le mélange autant que possible, puis aller avec l'orange et tirer l'anneau rose section vers l'extérieur par section pour le mélanger dans l'orange que vous ajoutez constamment. Si les chemins roses commencent à sécher, essayez de réactiver la peinture en la repassant très doucement avec le pinceau pendant que vous peignez. Mais n'en faites pas trop parce que vous pouvez finir par endommager le papier. Bien sûr, ce n'est pas grave si ça arrive ici comme nous nous entrainons juste. Avec assez de pratique, vous comprendrez à quel point c'est trop pour ces choses. Puisque l'orange semble prendre le dessus un peu, je vais entrer avec un peu plus de rose juste à côté du cercle et le mélanger à nouveau. Ici aussi, je veux peindre le rose près des feuilles et se fondre dans l'orange. C' est essentiellement le même concept qu'avec le gradient radial, juste que la forme est irrégulière maintenant. Je vais donc subdiviser mon espace en zones plus petites pour faire la même chose, basculant entre les couleurs dans chaque section. Pourquoi ai-je passé les marques de crayon et détruit l'espace blanc ici ? Parce que je n'ai pas basculé vers un pinceau de détail ne pas être moi, passer à un pinceau plus petit pour peindre des taches si serrées. Je reste simple avec celui-ci et je fais un gradient linéaire de haut en bas. Donc tu sais comment faire ça maintenant. Il suffit d'être conscient du coût des virages par le J et d'essayer d'y entrer gentil et serré. Vérifiez cela, c'est beaucoup trop d'eau dans la peinture que je viens d'ajouter. Cela peut arriver de temps en temps et vous savez comment le réparer déjà. Rappelez-vous le conseil scientifique que je vous ai donné tout à l'heure, il suffit de tamponner le pinceau sur un tissu sec et de faire tremper cet excès d'eau, puis continuer à peindre comme avant. Maintenant, je ne suis pas content de la façon dont ça a séché, donc je vais revoir ça une fois de plus avec une nouvelle couche. J' ai vérifié et veillé à ce que la première couche soit complètement sèche. Rappelez-vous les dangers de la peinture sur papier humide, en fait essayer, je dirais. Pour que tu puisses voir par toi-même. Quoi qu'il en soit, finissons cette couche comme nous l'avons fait. Maintenant, prenons un plongeon et la théorie des couleurs océan. La théorie des couleurs n'est rien d'autre que la science des couleurs. Nous sommes particulièrement intéressés par la roue de couleur, sur laquelle repose la théorie des couleurs. Alors jetons un coup d'oeil. Tout d'abord, nous avons le rouge, jaune et le bleu, qui sont appelés les couleurs primaires. Ils sont appelés ainsi parce qu'en théorie, toutes les autres couleurs peuvent être faites en utilisant des combinaisons de ces trois couleurs. En outre, lorsque tous les trois sont mélangés dans des proportions égales, vous obtenez noir. Maintenant, quand on mélange le rouge et le jaune, on devient orange, avec le jaune et le bleu, on devient vert et avec le bleu et le rouge, on devient violet. Ce sont vos couleurs secondaires car chacune d' entre elles est faite en mélangeant deux couleurs primaires. Lorsque vous mélangez la couleur primaire avec la couleur secondaire, vous obtenez vos couleurs tertiaires. C' est ainsi qu'une roue de couleur de base est formée. couleurs opposées les unes aux autres sur la roue de couleur sont appelées couleurs complémentaires, donc le rouge et le vert se complètent parfaitement, et aussi le jaune et le violet, et le bleu et l'orange. De même, vous pouvez trouver la couleur complémentaire à n'importe quelle couleur sur la roue de couleur. Ces couleurs ont le contraste le plus élevé entre elles et peuvent vous donner des pièces très vibrantes lorsqu'elles sont utilisées les unes à côté des autres. Mais ce sont aussi les couleurs avec lesquelles vous devez être le plus prudent, surtout si vous utilisez des techniques de mélange avec l'aquarelle. Prenons par exemple le jaune et le violet. Nous savons que le violet est un produit des couleurs primaires, le rouge et le bleu, et le jaune est la troisième couleur primaire. Nous savons aussi que le mélange des trois couleurs primaires se traduit par le noir. En fonction de la proportion et de l'intensité de chacune de ces couleurs, vous pouvez réellement finir avec des bruns, des gris ou d'autres couleurs neutres au lieu du noir. Alors que le jaune et le violet ont fière allure l'un à côté de l'autre, lorsqu'ils sont mélangés, ils peuvent donner une couleur neutre. Donc, si vous essayez de mélanger le jaune et le violet, le mélange finirait par avoir l'air boueux. Au lieu du rose et de l'orange, si j'avais utilisé le jaune et le violet pour cet exercice, tous les endroits où ils ont interagi les uns avec les autres auraient fini par paraître boueux à cause des couleurs neutres qu'ils vont se mélanger pour former. Vous pouvez obtenir des schémas de couleurs vraiment assez sourds en expérimentant avec le mélange de couleurs complémentaires, mais si vous optez pour un jeu de couleurs éclatant, vous ne voulez pas le détruire avec des mélanges boueux. Je tiens à vous encourager à faire une petite quantité de ces couleurs complémentaires les uns avec les autres et à voir par vous-même. C' est pourquoi, lorsque je choisis des couleurs pour un mélange d'aquarelle, j'essaie de trouver des couleurs les unes à côté des autres sur la roue de couleur. Ces couleurs sont appelées couleurs analogues. Par exemple, vert et bleu, bleu et violet, jaune et vert, ou comme j'ai choisi pour cet exercice, rose et orange. Vous pouvez même choisir plus de deux couleurs qui sont proches les unes des autres sur la roue de couleur et finissent par créer de beaux mélanges de couleurs éclatants. Alors, référez-vous à une roue de couleur et expérimentez un peu avec celles-ci et vous vous retrouverez à trouver vos choix de couleurs incontournables. C' était juste pour vous faire comprendre que juste parce que deux couleurs sont superbes l'une à côté de l'autre, ne signifie pas nécessairement qu'elles seront un bon choix pour le mélange. J' espère que cette leçon vous a inspiré à jouer avec les couleurs. Rendez-vous dans la prochaine vidéo, où je vais vous emmener à travers les bases du lettrage à la main pour vous aider à commencer là-dessus. 8. Les éléments essentiels du lettrage: Le monde du lettrage est un endroit si beau pour vous emmener. Êtes-vous prêt à explorer cette forme d'art passionnante ? Dans cette leçon, je vais vous faire découvrir quelques-uns des concepts essentiels de base du lettrage à la main. Plus précisément, je me concentre sur la calligraphie complète, qui, je pense, est l'une des approches les plus simples pour les débutants. Si vous êtes déjà dans le lettrage, n'hésitez pas à le faire, en utilisant les styles et les techniques que vous connaissez. Pour le bien de nos projets, vous n'avez besoin que de tracer autour vos lettres que vous créez dans le style que vous choisissez. Si vous êtes complètement ou relativement nouveau au lettrage à la main, faire ces exercices avec moi sera certainement bénéfique pour vous faire démarrer. J' espère vraiment que cette leçon vous inspirera à continuer à écrire. J' ai mentionné que je mettrai l'accent sur la fausse calligraphie. Alors, qu'est-ce que la fausse calligraphie ? Examinons d'abord ce qu' est la calligraphie et ce qui rend le lettrage à la main différent de celui-ci. La calligraphie est l'art de la belle écriture. Vous pouvez donc utiliser des outils spécialement conçus pour la calligraphie comme les stylos plume, pointes de calligraphie, les pinceaux, etc., pour écrire des lettres dans un style particulier. lettrage à la main est l'art d'illustrer les lettres à la main. Donc, vous dessinez essentiellement les différentes formes qui créent chaque lettre dans le style respectif. Maintenant, la fausse calligraphie signifie essentiellement une fausse calligraphie. C' est une technique de lettrage à la main, où vous recréez le look de la calligraphie, en utilisant des outils réguliers comme un crayon ou un stylo. Donc, vous imitez le look final du coup vu en calligraphie, mais pas en faisant ces traits exacts. Laissez-moi vous montrer ce que je veux dire par là. Je vais d'abord vous montrer comment je ferais un peu de calligraphie avec un marqueur de pinceau, que je puisse ensuite vous montrer comment faire semblant. Ici, j'utilise un marqueur de pinceau de la marque Karin. J' écris le mot espoir en utilisant un marqueur de pinceau. Donc, c'est moi qui fais de la calligraphie au pinceau, qui est une forme de calligraphie utilisant un pinceau ou un marqueur de pinceau comme outil de calligraphie. Remarquez comment il y a à la fois des traits épais et minces. Cette variation du poids de la ligne est créée en faisant varier la pression que j'applique au stylo à pinceau. Si vous observez ce mot, vous pouvez voir que cette variation n'est pas aléatoire du tout. Il y a une formule pour le faire.Il y a deux types de base de traits qui composent chaque lettre. À tout moment, je vais soit vers le haut, soit vers le bas. Quand je monte, le stoke est appelé « upstroke », et quand je descends, c'est une descente. C' est un coup de bas, puis un coup de pied. Une descente, un petit coup de pouce, une descente, et encore une fois, un revers. De même, une course vers le haut, une descente et une petite poussée vers le bas. Tu vois la formule maintenant ? Tous les épais sont des coups de bas et tous les minces sont des coups de dessus. Donc, les coups de bas, sont épais, et les coups de bas sont minces.Ce juste ici est le concept le plus basique en calligraphie. Ce sont quelques-uns des coups de base que vous allez pratiquer, si vous apprenez la calligraphie. Mais pour la calligraphie complète, il suffit d'imiter ces coups, donc nous n'avons pas besoin de pratiquer la technique. Mais d'abord, pourquoi essayons-nous exactement d'imiter cette formule ? Essayons de faire le contraire. Rendons notre upstroke épais et nos downstroke minces et voyons à quoi ça ressemble. Même si ça ressemble à un H, ça n'a pas l'air bizarre ? On a l'habitude de voir des lettres comme ça. C' est pourquoi nous répondons mieux à cela. Même lorsque nous écrivons normalement avec un crayon, il y a une variation involontaire de la pression, qui s'aligne également avec notre formule. Voyons donc comment nous pouvons recréer cet effet en utilisant un crayon. Au lieu de faire un trait épais, nous dessinons le contour de quelque chose comme un rectangle, et pour le upstroke, c'est juste une ligne. Voyez comment je ne l'ai même pas dessiné vers le haut. Essayons maintenant d'écrire le même mot, espoir, en utilisant cette idée. Tout d'abord, nous l'écrivons simplement avec la même largeur de ligne tout au long. Plus tard, nous allons entrer et épaissir les coups de bas seuls. Vous n'avez pas besoin d'écrire le tout dans un mouvement continu du crayon non plus. En fait, il aide à casser tous les coups. Ensuite, nous devons prendre les coups de bas. Nous partons du point où la montée change en descente et augmente progressivement l'épaisseur. Nous répétons cela pour tous les coups de bas. Je décide de quel côté l'épaissir à partir de l'endroit où il y a plus d'espace. C' est pourquoi pour le P j'ai épaissi le coup des deux côtés. Essayons de faire des lettres majuscules. C' est ainsi que vous écririez normalement un A. Donc, vers le haut, vers le bas, puis un trait horizontal. Les traits horizontaux sont généralement gardés minces, tout comme les coups vers le bas. Alors commencez comme si vous écririez normalement. Puis juste épaissir la descente. De même, vous pouvez faire un B ainsi.Essayez ceci avec n'importe quelle lettre que vous aimez. Essayons E. Une descente épaisse et trois traits horizontaux minces suffisent. Maintenant, pour quelques lettres minuscules, suivez le même concept et continuez à essayer. Tu en auras le coup assez tôt. Permettez-moi de vous donner un aperçu des étapes que nous suivrons pour préparer notre lettrage pour nos projets. abord, comme nous l'avons fait avant, Tout d'abord, comme nous l'avons fait avant, nous dessinons les lettres de notre mot avec un crayon , puis nous entrons et nous épaissir et tous nos coups de bas. Ensuite, nous allons passer à un revêtement fin et passer en revue tous les contours. Ceci est pour que nous puissions les voir mieux tout en les traçant sur un papier aquarelle.Puis effacer toutes les marques de crayon. Vous pouvez également faire le mot entier en majuscules si vous le souhaitez, en suivant les mêmes étapes. Dans certains cas, en fonction de l'échelle de votre illustration, le fait de laisser les traits ascendants ou horizontaux comme une seule ligne mince ne fonctionne pas. Vous pouvez certainement les rendre un peu plus épais aussi. Assurez-vous juste qu'il y a assez de contraste entre les coups de bas et les coups de hausse. La même chose s'applique, même si vous utilisez des lettres de script en minuscules. Vous pouvez aussi épaissir légèrement votre upstroke si la taille de votre pièce finale l'exige. Donc, une fois que j'ai épaissi tous les coups à mon goût, je passe sur les contours avec une fine doublure noire. Maintenant effacez les marques de crayon et vous êtes prêt à tracer dessus. C' était probablement la leçon de lettrage la plus rapide de tous les temps, n'est-ce pas ? Je voulais juste vous présenter très brièvement une approche relativement facile pour commencer le lettrage, si vous ne l'avez pas essayé auparavant. J' espère que je l'ai démystifié un peu pour vous. Continuez à pratiquer des mots différents et vous le ferez bientôt sans lui donner beaucoup de réflexion. Je te verrai dans la leçon suivante, où nous entrons dans les parties les plus excitantes de ce cours. 9. Projet 1 : esquisse et présentation: Oui, nous sommes enfin sur le point de commencer notre premier projet. Qui est excité ? Dans cette leçon, je vais vous faire découvrir tous les coulisses de mon processus d'esquisse, y compris tous les essais et les erreurs et tout le désordre qui finit par aboutir à une pièce qui me satisfait. Commençons à écrire. J' ai choisi le mot soleil pour cette pièce et je veux que le style de conférence et l'ambiance générale de cette œuvre transmettent tous les sentiments heureux lumineux que le mot soleil m'apporte. Vous pouvez suivre et aller avec mes choix de style ou lui donner votre propre touche. Je suggère qu'au fil du temps, vous construisez vous-même une bibliothèque de styles de lettrage pour inspirer sur Pinterest ou Instagram ou d'autres plateformes de votre choix. abord, je dois explorer quelques idées de style de lettrage avant de me rétrécir à celle. Je commence par essayer un bon mélange de lettres majuscules et minuscules et je pense que cela aurait l'air bien avec un poids de ligne uniforme tout au long, quelque chose comme ça. J' essaie un autre style de bandes mono-ligne continue avec une touche ludique fantaisiste. J' ai envie de donner rétro il y a un style de script cursif. Que diriez-vous de la même chose, mais sur un angle ? Ce que j'ai en tête, c'est que ma parole soit placée dans un fond de rayures colorées. Je suis juste en train de dessiner une petite version miniature de ma vision initiale. Le mot doit venir quelque part là-bas et je me demande qu'il y lignes horizontales avec ce style qui seraient probablement en conflit avec les rayures. Je pense que cet angle serait une bonne chose comme ça. Un bon contraste contre les rayures horizontales. Je décide d'explorer davantage ces options. J' essaie une petite édition florissante pour amplifier le rétro. Que faire si je fais quelque chose de similaire mais avec plus de lettres rebondissantes ? En fait, j'aime les deux mais je sens le style rétro légèrement plus que le style rebondissant. J' aime ce sentiment de nostalgie qu'il apporte, c'est le bon. J' ai dessiné un carré de cinq sur cinq pouces afin que je puisse faire un croquis plus raffiné à l' échelle pour s'adapter à l'intérieur du papier carré de six pouces sur six pouces que j'ai l'intention de faire cette pièce. J' ai aussi marqué la ligne centrale. Ensuite, je dessine des lignes inclinées comme guides pour que mon texte s'installe à l'intérieur. Maintenant, le mot soleil a huit lettres, donc quatre de chaque côté de la ligne centrale. Mais normalement, comme je, est une lettre beaucoup plus mince que les autres, je compenserais cela et prévoyais de déplacer le centre de celui-ci. Cependant, dans ce cas, je ne fais pas ça. Vous voyez comment le flattish à partir du E, prend de la place à la fin. Je dois rendre compte de ça presque comme une lettre supplémentaire. Je garde la ligne centrale comme il est juste avant h je travaille normalement à partir du centre pour donner mes textes centralisés. Je commence par esquisser le H. J'utilise ma règle de grille pour aider à garder les angles de tous mes traits de bas similaires. Je me rends compte que j'ai besoin de réduire la hauteur de mes lettres pour bien les tenir dans l'espace. J' efface tout et déplace mes lignes directrices supérieures légèrement vers le bas et j'esquisse à nouveau mes lettres. Je passe maintenant sur le côté gauche, encore une fois, commençant par le centre et en travaillant vers l'extérieur. Je fais constamment de légers changements dans le placement et les angles au fur et à mesure que je vais en fonction de mon jugement sur la façon dont la mise en page se réunit. Je dois revoir ça quelques fois pour que ça paraisse satisfaisant. Maintenant, pour l'élément florissant, je suis juste en train de trouver la forme à mesure que je vais. Cela me semble plutôt bien, mais je pense que nous avons besoin d'un petit quelque chose sur le dessus pour équilibrer l'épanouissement au fond. Je vais gâcher avec mon h un peu .f Je suis d' essayer quelques idées pour comprendre cela et d'affiner la forme comme je vais. Maintenant, j'ai l'impression qu'il y a trop d'espace vide à gauche du H. J'ai besoin d'ajouter quelque chose qui va avec toute l'humeur de la pièce, peut-être un soleil. Je joue avec cette idée pendant un certain temps à comprendre où et comment je voudrais que cet élément s'intègre avec le reste de la mise en page. Voir de cette façon particulière, je l'ai mis dans cet angle parce que je voulais qu'il soit parfaitement parallèle à ma ligne de base. Ça aide juste à apporter l'équilibre. Une fois que le squelette me semble assez bon, j'y vais et j'ai pris tous les coups de bas et j'ai arrondi certains des conseils pour que tout soit joli et juteux. Je cherche toutes les occasions que j'ai d'apporter plus de corrections qui, selon moi, pourraient aider. Oups, je viens de réaliser que j'ai dessiné un N au lieu du h. Je pourrai y retourner plus tard et le corriger. Je veux garder toutes les largeurs de ligne dans le soleil constantes. Je les épaissit tout légèrement. Je passe sur l'ensemble du contour avec ma ligne fine noire afin que je puisse conduire à effacer toutes les marques de crayon et le garder propre et net pour le traçage sur. Là, nous l'avons. Notre croquis est maintenant prêt à être transféré sur le papier aquarelle. Je fais tout cela parce que je ne veux pas mettre mon papier aquarelle à travers autant d'essais et d'erreurs. Je veux que les marques de crayon soient minimes. Je prends ensuite une photo du croquis à l'aide de l'appareil photo de mon iPad Pro et j'utilise une application gratuite appelée Lightbox Trace qui transforme efficacement mon iPad en une boîte lumineuse. J' avais déjà découpé mon papier aquarelle sur le carré de six sur six pouces que je voulais. Je viens de placer le papier aquarelle sur mon iPad et de tracer le dessin avec mon crayon en utilisant une pression très douce. Nous voulons garder les marques de crayon aussi légères que possible afin que nous ayons une pièce propre à la fin. J' ai également ajouté dans les directives de crayon pour mes rayures en utilisant des lignes qui sont distantes d'un demi-pouce. Dans la prochaine leçon, nous allons donner vie à ce croquis au crayon en ajoutant quelques couleurs amusantes. 10. Projet 1 : peinture: Le moment est venu pour nous de ramasser nos pinceaux et de mettre tous nos apprentissages à l'aquarelle à utiliser dans notre première pièce de projet. Tout ce que je fais dans cette leçon est une application de ce que nous avons déjà couvert dans d'autres leçons. Je veux donc vous inviter à observer de près pendant que je peins cette pièce. N' hésitez pas à ralentir ou à accélérer cette vidéo comme vous en avez besoin. J' espère que vous êtes prêt avec vos provisions pour me rejoindre sur ce trajet. J' ai mon croquis prêt de la leçon précédente, et j'ai raté de parler de la bande de masquage. Je suis allé de l'avant et j'ai collé tous les bords de mon papier avec un ruban de masquage d'un demi-pouce de large. Je ne colle pas le papier à ma table, je veux pouvoir déplacer le papier pendant que je peins. Donc, tout ce que la bande fait ici est de me donner de beaux bords nets autour des frontières, et bien sûr, un peu de plaisir à enlever la bande quand j'ai fini. J' ai sorti mes peintures dont j'ai besoin pour cette pièce dans les puits de mélange. J' ai décidé de faire une histoire de couleur rose, jaune , orange avec cela, parfaitement en ligne avec l'humeur du soleil heureux. Voici une partie du rose, qui est la forme appelée rose permanente. Ensuite, j'ai ramassé une gaie, presque mangue nuance d'orange appelée teinte orange cadmium, que je vais continuer à appeler mangue. L' orange que j'utilise est principalement rouge cadmium pâle, mélangé avec un peu de ma mangue pour l'égayer, et le jaune comme jaune cadmium. J' attribue des couleurs aux rayures au hasard au fur et à mesure que je vais. Je veux commencer par un rose d'abord. Peignez la première bande, comme nous l'avons fait dans nos exercices. Placez un blob humide et déplacez-le pour remplir la bande. Il n'y a pas de texte en conflit avec la première bande, donc rien ne vous empêche de remplir facilement toute la bande. N' oubliez pas de ne pas toucher les marques de crayon que vous peignez. De même, avec la deuxième bande, il n'y a rien sur votre chemin. Je vais avec ma nuance mangue pour celle-là et remplir toute la bande. Le troisième sera jaune. Maintenant, nous rencontrons nos premières formes que nous devons garder blanches, ou en d'autres termes, peindre autour. Tu sais comment faire ça. Il suffit d'aller soigneusement autour des formes que vous peignez sans toucher les contours, bien sûr. Alors que le jaune est encore humide, j'ajoute dans une ligne de mangue ici parce que je veux garder les choses plus intéressantes, en le faisant ressembler à la peinture des bandes adjacentes saignent dans l'autre dans certaines zones. J' ai d'abord essayé de remplir de grands espaces continus, avant d'entrer dans les petits espaces clos. Je sais que ma prochaine bande va être rose, donc j'ajoute un peu de rose ici pour le même effet de saignement dont j'ai parlé, et ensuite remplir le petit peu restant ici. Je fais la même chose avec toutes les rayures suivantes, remplissez d'abord les grandes zones, faisant soigneusement le tour de tous nos éléments de lettrage. N' oubliez pas de passer à une brosse détaillée à mesure que les espaces se resserrent. Pourquoi crois-tu que j'ai décidé de remplir notre espace négatif avec des rayures ? Les rayures colorées sont toujours amusantes à regarder, n'est-ce pas ? Mais ce n'est pas la seule raison. Premièrement, ils nous aident à nous concentrer sur la peinture d'une couleur à la fois, donc nous n'avons pas trop à nous soucier de mélanger les couleurs pour l'instant. Deuxièmement, ils brisent l'espace négatif qui aurait été autrement très grand, vous aidant à éviter les marques de séchage sévères si vous essayiez de remplir tout cela en une seule fois. C' est bon pour nous de penser à ces choses à l'avance. Au fur et à mesure que vous ferez d'autres pièces, vous découvrirez des idées pour optimiser votre design de différentes manières comme celle-ci. La peinture négative prend déjà du temps et nécessite beaucoup de patience. Nous n'avons pas besoin de rendre les choses encore plus compliquées pour nous-mêmes. Je vais vous laisser m'observer peindre pendant un certain temps. S' il vous plaît excusez mes brins de cheveux très curieux qui veulent entrer dans le cadre de temps en temps que je peins. Voici une véritable erreur pour vous d'apprendre. Des accidents comme celui-ci peuvent se produire souvent pendant la peinture à l'aquarelle, et la plupart d'entre eux sont réparables. Dans ce cas, j'ajoute une goutte d'eau sur le point de l'accident avec une brosse propre, puis j'utilise un tissu sec pour tamponner et tremper. J' ajoute plus d'eau et je répète jusqu'à ce qu'il semble assez propre. Il y a des chances que ça ne paraisse jamais parfaitement propre. Mais quand il se dessèche, il sera beaucoup plus léger, sorte que vous pouvez presque toujours vous en sortir. Vous pouvez même utiliser un coton-tige au lieu d'un mouchoir, en particulier dans les espaces plus étroits. La clé est de ne pas paniquer et d'agir rapidement. Cette marque de crayon où vous avez fait toute cette correction ne se produit pas maintenant ou jamais, mais c'est juste quelque chose avec lequel nous devons vivre. Remarquez comment j'utilise ma brosse plus petite pour entrer dans ces petits espaces, puis je passe à ma brosse détaillée encore plus petite que les espaces deviennent encore plus serrés. On a traversé toutes les rayures et la peinture est sèche. Je suis allé de l'avant et j'ai effacé toutes les marques de crayon. Si vous regardez de près, vous pouvez voir que certains des bords ne sont pas lisses et que certains petits espaces ont été laissés de côté. Maintenant que les contours du crayon sont hors de l'image, nous pouvons nous rapprocher de nos bords sans avoir peur de toucher les marques du crayon. Alors sortons de là et comblons les petits espaces. Mais bien sûr, seulement après la couche une est complètement sèche. Si nous peignons juste près des bords et que nous le laissons, vous allez finir avec des lignes dures, qui peuvent être disgracieuses. Vous devez donc les mélanger dans les grands espaces pour les rendre plus cohérents. C' est fondamentalement comme faire une autre couche sur tout le truc. L' enlèvement profond tant attendu est ici. Je me demande parfois si je peins avec des couleurs d'eau juste pour le faire. C' est si satisfaisant de regarder, n'est-ce pas ? Mais faites-le vraiment seulement après que vous êtes sûr que votre peinture est complètement sèche. Crois-moi, et c'est fini. Félicitations pour avoir terminé votre premier projet avec moi. Je suis tellement excité de voir tes créations. Alors cliquez sur un BEC et téléchargez-le tout de suite. J' espère que vous avez apprécié ce projet autant que moi. Rendez-vous dans la prochaine classe où nous commencerons avec notre deuxième projet. 11. Projet 2 : esquisse et présentation: Le projet numéro deux est là. Encore une fois, nous commençons par la phase d'esquisse et nous allons le faire ensemble, depuis le choix de notre style de lettrage jusqu'à la mise en page jusqu'à l'obtention d'un croquis raffiné prêt à être transféré sur le papier aquarelle. Cette fois, le mot que j'ai choisi est destin et je veux qu'il soit assis dans un petit nuage ludique. Encore une fois, l'œuvre finale sera un carré, donc je commence par faire un croquis miniature. Je veux que mon texte s'installe à l'intérieur d'un trapèze déformé pour lui donner plus d'énergie. Je commence par écrire le mot en cursive et voir où il me mène. J' essaie quelques fleuris du y et du t. Je ne suis pas aimer qui continue dans le détail t donc je vais changer mon s et essayer d'autres fleuris. Je fais un peu plus de ces croquis miniatures, essayant de rendre le lettrage plus sinueux et rebondissant. Eh bien, donc je pense que les courbes sur ce trapèze doivent être un peu plus dramatiques pour me donner l'effet voulu et la dynamique du lettrage. Oui, j'aime vraiment comment ça se forme maintenant. Je prends la forme du t. J'aime bien celui-ci pour commencer, donc je dessine dans le nuage autour d'elle pour nous donner un point de départ pour notre plus gros croquis. Encore une fois, j'ai dessiné un carré de cinq pouces sur cinq pouces sur un morceau de papier d' imprimante et j'ai le croquis miniature à côté de moi pour référence. Dans la miniature, mon nuage déborde des frontières, ce qui n'est pas ce que je veux. Je pense que c'est une bonne idée de commencer avec le nuage lui-même pour obtenir un meilleur placement. Comme vous pouvez le voir, j'utilise la vignette comme guide général pour la forme du nuage et je suis en train d'esquisser dans un tas de petites courbes. Voici un conseil pour ces nuages, ne vous contentez pas de dessiner un tas de courbes qui sont semblables les unes aux autres. Pour qu'il soit amusant et ludique, mélangez-le et continuez à varier les tailles de chacune de vos sections incurvées. Tu vois la différence ? Je continue à ajuster la forme de mon nuage jusqu'à ce que je pense que c'est assez bon pour le moment. Ensuite, je commence à établir la ligne de base pour mon lettrage. Je vais toujours avec cette forme trapézoïdale parce que je veux vraiment que cette pièce soit pleine d'énergie. Je veux que le mot destin ressemble presque à mi-vol du ciel, donc je marque des guides pour les angles de départ et de fin. Puis je commence à déposer mes lettres une par une. Je dois non seulement répartir l'espacement uniformément, mais aussi les angles dans ce cas. Je regarde cela et distribue mentalement les angles à chaque lettre à mesure que je vais en fonction des guides de début et d'arrivée que j'ai en place. Je n'aime pas l'angle de ce y. voir comment il n'a pas l'air équilibré par rapport à mon D. Donc je suis juste en train d'ajuster ça jusqu'à ce qu'il ait l'air plus symétrique. J' ajoute une belle barre transversale sinueuse à mon t. Je l'aime quand j'ai un t minuscule dans mon mot, surtout si bien centré, il me donne beaucoup de place pour le rendre tout rêveur. Maintenant, le D a l'air trop basique contre toutes les autres lettres fantaisistes, et nous ne faisons pas de base, est-ce pas ? Allons réparer ça. Maintenant que je suis surtout satisfait d'un squelette de mon lettrage, je vais affiner un peu le nuage en faisant petits ajustements pour que tout soit plus équilibré. Maintenant, nous entrons et épaissir nos coups de duvet. Maintenant, vous savez comment cela fonctionne, alors allez-y et amusez-vous avec. Pour chaque lettre, j'évalue mentalement la quantité d'espace de côté et je prends des décisions sur le côté dont je veux épaissir mes traits. J' ai envie d'ajouter deux courbes simples autour du nuage juste pour équilibrer un peu mes fleuris et apporter un peu plus de cet élément décoratif. Oui, ça me semble plutôt bien. Maintenant, passons tous les contours avec une doublure fine noire. Ensuite, il suffit d'effacer toutes les marques de crayon et nous avons fini. Avez-vous aimé construire celui-ci à partir de zéro dans ce croquis amusant ? Dans la leçon suivante, nous allons nous fondre ensemble dans de beaux bleus et violets cool à l'intérieur de notre nuage et apporter la magie dans ce croquis. On se voit là-bas. 12. Projet 2 : peinture: Il est temps de faire vivre notre nuage avec un mélange de couleurs éclatantes. Allons-y tout de suite. J' ai mon transfert de croquis sur le papier aquarelle, qui est encore une fois un carré mesurant six sur six pouces. Maintenant, nous sommes prêts à choisir une peinture et à obtenir de la peinture. J' ai mon arbre de mixage, quelques bleus différents que j'ai choisis. Voici l'ombre, bleu intense, c'est un peu de bleu cobalt, et ici j'ai un peu de turquoise. Ensuite, j'ai aussi choisi une forme violette appelée dioxazine violet. Ce sont les peintures que je vais commencer avec, et puis nous verrons si nous devons ajouter ou enlever des couleurs au fur et à mesure que nous allons. La façon dont j'imagine mon nuage, c'est que les bords sont intenses avec des violets et des bleus foncés, et que le centre est plus chaud avec cette touche de turquoise. J' ai commencé dans le coin supérieur gauche du nuage avec un peu de violet. Je reçois la peinture agréable et proche des contours du crayon, mais certainement essayer de mon mieux pour ne pas les toucher. Je vais prendre un peu de bleu intense sur ma brosse et essayer de mélanger le violet avec elle. Le violet n'était pas assez humide pour se fondre vraiment avec le bleu. Je vais entrer avec un peu plus de ce violet pour aider à mettre le mélange. Vous voyez comment j'utilise la plus petite pièce ici à mon avantage pour diviser la plus grande zone en morceaux plus faciles à gérer pour peindre à la fois. Cherchez toujours les occasions de le faire. Au lieu de s'arrêter quelque part au hasard. Je fais juste glisser la peinture bleue intense vers le bas un peu plus et puis ajouter un peu de bleu cobalt pendant que je me déplace vers le centre. Puis je retourne au centre, cette fois, avec un peu de turquoise, je passe à ma brosse de détail pour entrer dans ces minuscules espaces. Nous continuons à le faire jusqu'à ce que le nuage entier soit rempli. Afin d'obtenir le plein effet des lettres d'espace négatives, il est important pour nous de garder le nuage aussi transparent que possible. Même s'il y a des éléments de lettrage séparant deux zones, nous devons toujours essayer de continuer avec les couleurs de la zone adjacente. Par exemple, cette partie est pourpre. Quand nous arrivons ici, qui est essentiellement juste à côté, nous devons nous assurer de commencer avec au moins un peu violet là-bas pour qu'il ressemble à une zone continue. En plus de rester hors des contours du crayon, nous avons juste besoin de peut-être, rappeler l'effet global que nous essayons d'obtenir. Comme je l'ai dit, le maintien de la continuité est important et le respect de l'idée générale du gradient fait également partie du facteur de continuité. Dans ce cas, nous avons un gradient radial, juste pas exactement une soi-disant situation ici. Choisissez les épingles en conséquence dans chaque zone, vous pouvez vous donner un peu d'espace pour rompre le dégradé de temps en temps pour garder les choses plus intéressantes, mais n'en faites pas trop ou le gradient peut même ne plus être évident. Rappelez-vous les deux coups que nous avons ajoutés autour du nuage et la fin de notre visage d'esquisse. J' ai juste effacé ces boîtes à crayons et je les recrée avec faible essayant de varier légèrement l'onde de ligne pour leur donner l'air plus dynamique. Vous voyez comment ces belles fleurs se perdent parce qu'elles ont fini hors des nuages. J' ai une idée d'essayer de les ramener dans l'image en ajoutant deux courbes supplémentaires, comme celles que nous avons faites maintenant, juste à côté des fleuris. En effet, même s'ils ne sont pas exactement dans le tableau. Ces ajouts suggèrent au spectateur comment les fleuris courbent à l'extérieur du nuage. Notre première couche est faite. J' aime déjà comment cela ressemble, mais nous avons plus de travail sur ce sujet pour le reprendre d'un autre cran. Une fois que la première couche est complètement sèche, j'efface toutes les marques de crayon. Maintenant, on peut y aller et peindre une deuxième couche. Nous avons quelques incitatifs à le faire. Premièrement, nous voulons lisser tous les bords sans se soucier de toucher les marques de crayon, tout en rendant les bords plus définis. Deuxièmement, l'espace négatif apparaît plus contre un espace positif intense. Une autre couche fera des couleurs plus vibrantes et intenses et à son tour ont le lettrage se démarquer encore plus. Troisièmement, c'est l'occasion pour nous diminuer l'apparence de toute marque de séchage sévère. Mais nous allons garder cette couche de lumière, avec plus de peinture aqueuse, afin que nous ne perdions pas beaucoup de ces précieux effets de mélange de couleurs. Essayez de garder les couleurs dans le mélange à similaire au premier calque lorsque vous passez sur chaque zone. Maintenant, ces zones ont l'air assez intense et ont de beaux effets de mélange, donc je ne vais pas les toucher, je continue juste avec le reste. Ce sera notre dernière étape. S' il y a des parties et l'espace négatif où vous avez fini par peindre par erreur, vous avez cette possibilité de corriger cela à l'aide d'un stylo blanc. J' utilise une canne à gelée. J' y vais et je corrige juste les petites courbes et le S comme ça. Essayez de ne pas trop compter sur cela, parce que si vous regardez assez près, vous ne pouvez pas voir ces marques de stylo. Voyez cela comme rien d'autre qu'un dernier recours. Là, nous l'avons. Un nuage fantaisiste ludique avec notre lettrage d'espace négatif assis bien à l'intérieur, et qui nous amène à la fin de cette classe. Vous sentez-vous accompli ? Il y a une dernière vidéo avec mes dernières pensées Rendez-vous là pour nos congés. 13. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé cette classe sur le lettrage de l'espace négatif avec des aquarelles. Merci beaucoup de faire ça avec moi. C' était une telle joie de t'apprendre. J' espère que vous avez eu autant de plaisir à faire nos exercices et nos projets de classe. Je veux voir tout le beau travail que cette classe vous inspire à créer même dans le futur. Ne me taggez dans vos messages Instagram afin que je puisse les voir. Ils sont vraiment autant à explorer. C' était principalement une classe d'introduction et j'aspire à créer des classes plus avancées sur ce sujet à l'avenir. Suivez-moi ici sur Skillshare afin que vous soyez averti immédiatement lorsque je publierai un nouveau cours. Si vous avez apprécié ce cours, veuillez laisser un commentaire et faire passer le mot avec vos amis et votre famille. Merci encore. À la prochaine fois.