Le lettrage à la main et au-delà : Le lettrage 3D en espace négatif avec aquarelle

1. Introduction: Il y a quelque chose dans le mariage entre lettrage et aquarelle qui en fait un match fait au paradis. Je suis Vinitha Mammen, ingénieur mécanique devenu créateur de mode et créateur de motifs de profession, et une artiste autodidacte de lettrage et illustratrice basée à Mascate, Oman. Étant le plus jeune membre d'une famille d'artistes, j'ai toujours été enclin à tout ce qui est créatif et j'ai essayé plusieurs types d'art différents. Cependant, je me suis retrouvé organiquement rationalisé dans les mondes du lettrage et de l'illustration, fois aquarelle et numérique. Je travaille hors de mon petit coin heureux, et voici mon assistant de studio, Phoebe. Dans cette classe, vous apprendrez à aborder avec confiance le lettrage, l'esquisse tridimensionnelle et la peinture négative à l'aquarelle et à les combiner pour créer des œuvres d'art captivantes. La combinaison de ces trois compétences vous permet non seulement de créer des œuvres d'art époustouflantes, mais vous aide également à développer vos compétences en utilisant des connaissances parfaitement minces. Ce cours est conçu pour les étudiants de tous les niveaux de compétence dans chaque domaine que j'enseigne en renforçant les bases pour les débutants de poche, mais aussi en saupoudrant beaucoup d'informations utiles pour les artistes de niveau intermédiaire et avancé pour prendre leur travail un autre cran. Tout au long de cette classe, vous me trouverez lancer beaucoup de conseils professionnels basés sur mon parcours personnel vers la maîtrise de ces mêmes compétences. Évitez beaucoup de l'intermédiaire [inaudible] en apprenant directement de mes erreurs et expériences. J' ai également inclus une tonne de ressources téléchargeables auxquelles vous aurez accès simplement en rejoignant cette classe. Si vous êtes un artiste de lettrage qui cherche à amener votre travail à la dimension suivante, totalement prévue ou si vous voulez explorer l'ajout d'aquarelles à votre ensemble de compétences, alors cette classe est certainement pour vous. De même, si vous êtes un artiste aquarelle qui est toujours timide de plonger vos orteils dans le monde du lettrage, alors vous êtes au bon endroit. À la fin de ce cours, vous aurez une bonne compréhension de chacune de ces compétences et techniques et serez en mesure de les appliquer à votre parcours créatif à votre manière. Qu' est-ce que tu attends ? Commençons cette aventure. 2. Aperçu du cours: Nous allons commencer par quelques concepts de base autour de l'espace négatif dans le contexte de l'art, puis passer à quelques leçons pratiques de lettrage. Je vous conduirai à travers trois approches différentes lettrage, de la calligraphie, du lettrage monoline et de la fausse calligraphie de manière concise pour vous aider à explorer tous les trois et découvrir quel processus fascine l'artiste du lettrage en vous la plupart. Ensuite, je vous enseigne ma méthode infaillible de convertir lettrage bidimensionnel plat en une pièce 3D, décomposant les principes fondamentaux de l'esquisse 3D. Ensuite, nous commencerons à explorer les mystères de l'aquarelle à travers leçons approfondies sur la cohérence thématique et les techniques de contrôle des pinceaux. Enfin, nous regroupons toutes ces compétences dans un projet que nous créerons ensemble du concept à l'achèvement. 3. Votre projet de cours: Parlons un peu de votre projet de classe. Vers la fin de ce cours, nous allons mettre à profit toutes les compétences, techniques et astuces que nous avons apprises au cours des premières leçons pour créer une pièce amusante de lettrage 3D peint en négatif à l'aquarelle. Ensemble, nous allons réfléchir et arriver à un concept pour la pièce, puis construire un croquis autour de ce concept. Profitant de chaque occasion, nous arrivons à l'affiner, avant de le transférer sur du papier aquarelle. Nous passerons ensuite à la peinture avec des aquarelles autour de la face avant de notre lettrage 3D et finition en ajoutant des détails et des éléments décoratifs. Je vais faire toutes les étapes de ce projet à la caméra, et je vais vous faire passer à travers tous les essais et les erreurs et la prise de décision que je passe à chaque étape. qui fera de cela une expérience d'apprentissage à part entière pour vous, plutôt qu'un simple coup d'œil à mon processus. Avant d'entrer dans ce projet principal, il y aura un tas de leçons de base et de renforcement des compétences où je vais expliquer et démontrer toutes les compétences et les techniques dont vous aurez besoin pour mener à bien ce projet. La plupart de ces leçons incluent des exercices pratiques, qui sont essentiellement des mini-projets qui, s'ils sont faits avec moi, vous permettront de faire de votre mieux dans le projet de classe principale. Au fur et à mesure que vous parcourez chacun de ces mini-projets et enfin, le projet principal de cette classe, veuillez télécharger des photos ou des images numérisées de votre processus et des pièces finies dans notre galerie de projets. J' ai hâte de voir ce que mes élèves trouvent à chaque étape. S' il vous plaît, donnez-moi autant de coups d'œil que possible sur le chemin. Dans un esprit d'encouragement à la croissance, je promets de vous donner mes commentaires honnêtes avec chacun de vos téléchargements. Partager votre travail aide aussi à inspirer vos camarades de classe et moi à créer plus au quotidien. Un hoquet fréquent vécu par les artistes lettrants est de ne pas savoir quoi écrire. Nous éliminons tout ce problème ici en ajoutant une touche amusante à nos projets de classe. On n'a pas besoin de chercher des mots à écrire. Au lieu de cela, nous allons chacun créer nos morceaux de lettrage basés sur nos propres noms d'âme créatifs. Qu' est-ce que tu demandes ? J' ai créé un générateur de noms spécial exclusivement pour cette classe qui vous aidera à trouver votre nom d'âme créatrice. Vas-y, regarde et découvre ce qu'il dit que c'est le tien. En plus de télécharger votre travail dans la galerie de projet ici, vous pouvez également poster vos morceaux sur Instagram en utilisant le #MyCreativeSoulName, et me taguer dans votre post afin que je puisse présenter votre travail, Et nous pouvons éventuellement construire une communauté autour cette classe qui prend en charge et construit les uns les autres. Dans la prochaine leçon, je vais vous guider à travers le matériel dont vous aurez besoin pour terminer vos exercices de pratique, et le projet principal de ce cours. 4. Matériaux: D' accord. Regardons quels matériaux vous devrez suivre avec moi sur les exercices et le projet principal de cette classe. Maintenant, avant d'aborder cette question, je veux simplement dire que ce ne sont que mes suggestions basées sur ce que j'ai et que j'utilise régulièrement. N' hésitez pas à utiliser toutes les fournitures que vous êtes à l'aise avec, vos fournitures préférées si vous en avez. Plus important encore, si vous n'avez aucun des éléments dont je parle, ne laissez pas cela vous décourager d'apprendre ce que j'enseigne, utiliser tout ce que vous avez une tonne et de le faire fonctionner. Nous sommes des gens créatifs après tout, n'est-ce pas ? Nous avons toutes les compétences dont nous avons besoin pour relever ces défis, alors utilisez tout ce que vous avez à portée de main. Cool ? Voyons quelles fournitures je vais utiliser. Tout d'abord, nous avons évidemment besoin de peintures aquarelles. Les peintures à l'aquarelle se présentent sous différentes formes comme des casseroles, des concentrés liquides et des tubes, pour n'en nommer que quelques-uns. Ce sont quelques-uns que j'ai. Voici l'ensemble de 45 demi-casseroles Winsor & Newton Cotman. C' est un grand artiste d'entrée de gamme, grand ensemble et ils viennent dans des ensembles plus petits aussi avec moins de couleurs si vous voulez expérimenter. Ensuite, nous avons quelques confections aquarelles de Prima Marketing dans les tropiques, les courants et les pastels pastel rêves. Ce sont des peintures hautement pigmentées et de bonne qualité. Ces petits gars ici sont les aquarelles concentrées aussi par Prima Marketing. Je ne me trouve pas à tendre la main pour ces beaucoup, mais les concentrés liquides comme ceux-ci sont aussi une option si vous voulez essayer. Comme vous pouvez le voir, j'aime garder des nuances de toutes mes peintures pour savoir à quelle couleur m'attendre quand elles sont sur papier. Je n'ai pas de peinture pour le moment. Je m'en tiens surtout aux casseroles parce que je ne fais pas de très grandes peintures aquarelles. Les casseroles fonctionnent parfaitement pour moi. Si vous êtes un débutant et que vous cherchez à acheter un ensemble de peintures aquarelles, vous pouvez choisir ce qui convient votre budget, mais je resterais loin de toutes les peintures de grade étudiant car elles vous donnent rarement assez de bons résultats. Mais heureusement, les peintures de qualité artistique d'entrée de gamme sont disponibles pour une large gamme de prix. Pour ce cours, je vais utiliser cet ensemble de confection d'aquarelle tropicale. Oh, et j'utilise les puits de mélange qui viennent dans chaque palette pour mélanger mes peintures à la consistance dont j'ai besoin. Si le vôtre n'a pas de place pour mélanger, vous avez besoin de quelque chose pour mélanger les peintures, comme une palette ou même quelques plaques de sédiments blancs. Ensuite, nous aurons besoin d'un papier aquarelle. C' est l'un des éléments les plus nécessaires de notre liste de matériaux. Ceci est mon article de référence principalement parce qu'il est abordable et donc je n'ai pas besoin d'être trop précieux à ce sujet, ce qui est génial lorsque vous explorez. Le papier aquarelle est disponible dans une grande variété d'options. Ce que vous devez principalement surveiller, c'est le poids du papier. Nous avons besoin d'être 300 GSM ou 140 livres idéalement pour de meilleurs résultats pour tout type de projet d'aquarelle. Maintenant, dans cette classe, nous ne allons pas empiler plusieurs couches de peinture ou d'eau sur notre papier, donc si vous n' avez pas de papier aquarelle 300 g/m², vous pouvez vous en sortir avec papier mélangé ou d'autres papiers épais qui n'ont pas de brillant revêtements sur eux. Je vais vous montrer les autres papiers que j'aime utiliser. C' est le tampon de papier aquarelle de Prima Marketing dans la taille carrée de 12 pouces. Ce sont quelques feuilles A5 lâches par Canson, et voici un petit tampon d'aquarelle carré de six pouces par Master's Touch. Tous ont des textures légèrement différentes, mais ils sont tous 300 g/m² et fonctionnent bien pour la plupart des projets. Ensuite, nous avons besoin d'un type de papier translucide pour le traçage. Ceci est utile dans notre processus de conversion de lettrage bidimensionnel en 3D. Vous pouvez utiliser n'importe quel type de papier calque comme celui-ci ou du papier de présentation ou même une plaque à pâtisserie de votre cuisine fera le travail très bien. Ce schéma est ce que je vais utiliser. Maintenant, en plus du papier aquarelle et du papier translucide, vous aurez également besoin d'un papier d'imprimante ordinaire pour votre processus de remue-méninges et d'esquisse. Maintenant, les pinceaux. Nous allons peindre dans des espaces très restreints pour la plupart de cette classe donc je vais utiliser ces pinceaux de détail d'Arteza. Toute brosse de petite taille que vous avez fonctionnera. Quand il s'agit de mélanger mes peintures bien que je préfère utiliser ces plus gros pinceaux juste parce qu'il obtient les peintures à une consistance égale beaucoup plus rapide que si vous deviez utiliser des pinceaux de détail, donc tout ce qui dépasse la taille 2 fonctionnera. Maintenant, si vous n'avez que ces pinceaux de taille moyenne à grande et pas de pinceaux de détail, vous avez juste besoin de mettre à l'échelle vos projets en conséquence. Une chose que je voudrais souligner, c'est les poils. Ce sont toutes des brosses synthétiques. Vous pouvez également obtenir des brosses à poils d'écureuil comme ceux-ci qui sont doux et tiennent une tonne d'eau. Ils sont généralement super avec des aquarelles, mais je ne les recommande pas pour ce cours. Aussi merveilleux qu'ils soient, ces brosses n'offrent pas le niveau de contrôle que vous aurez besoin pour ce type de travail spécifique, alors adressez-vous aux brosses synthétiques à mon avis. Enfin, j'aime garder un très grand pinceau à portée de main pour dépoussiérer toute poussière de gomme de mon travail sans laisser de taches de mes doigts, totalement optionnel celui-ci. Ensuite, nous avons besoin d'un crayon, n'importe quel crayon fait le travail. Ce sont mes crayons préférés les Pentel GraphGear 1,000 en tailles 0,9 et 0,3 MM chargées avec des fils de crayon HB. Quel que soit le crayon que vous choisissez d'utiliser, assurez-vous de travailler doucement pour obtenir des lignes lumineuses fines, surtout lorsque vous travaillez sur le papier aquarelle lui-même. Nous avons aussi besoin d'une gomme. Encore une fois, juste n'importe quelle gomme blanche propre. J' ai ce petit colorant pour m'aider à effacer les détails. Il s'agit d'une gomme de style stylo appelée Tombow MONO Zero Eraser qui est très cool mais pas du tout une exigence. Alors nous avons besoin d'une règle. Toute règle de base se trouvant autour tant que vous avez des arêtes droites et des guides de mesure. Ensuite, stylos fineliner. J' utilise ces stylos microns de Sakura ou les fineliners Uni-Ball Uni Pin de couleur noire. Maintenant, vous allez les utiliser uniquement pour tracer vos esquisses afin de les rendre plus faciles à tracer. Vous pouvez utiliser n'importe quel stylo que vous aimez ou même ne pas les utiliser du tout. Ensuite, vous avez besoin d'un pot d'eau à température ambiante propre. J' ai essayé d'utiliser deux bocaux séparés, un pour l'eau sale de laver les brosses et l'autre pour l'eau propre à peindre avec, mais finalement je finis par utiliser l'un d'eux. Vous faites tout ce qui fonctionne pour vous et vous aurez juste de l'eau pour peindre, et une boîte de mouchoirs à nouveau, quel que soit le type que vous aimez utiliser. Mais c'est une bonne pratique de toujours les garder à portée de main lors de la peinture à l'aquarelle. Maintenant, ce sont tout ce dont vous aurez besoin pour terminer votre projet, mais si vous voulez suivre avec certaines des autres techniques de lettrage à la main que je vais démontrer qui nécessitent des outils spécifiques comme les stylos à pinceaux, il sera utile de les avoir. Il s'agit du stylo à double pointe Tombow qui est livré avec une pointe de brosse assez grande à une extrémité et une petite pointe à balles à l'autre. C' est le marqueur de pinceau Karin PRO qui est également similaire en taille aux Tombows. Enfin, nous avons ce petit stylo pinceau appelé Pentel touch qui a une pointe plus ferme et plus petite. Comme je l'ai dit, vous n'avez généralement pas besoin d'un stylo à pinceau pour ce cours puisque je vais vous enseigner quelques techniques de lettrage différentes dont certaines peuvent être réalisées en utilisant peu près n'importe quel outil comme un crayon ou un stylo à bille. C' est ça. Rassemblez toutes vos provisions et préparez-vous à partir pour cette aventure avec moi. Encore une fois, ne laissez pas le manque de fournitures vous empêcher d'essayer. Prenez ce qui est disponible avec vous et partons. Dans la prochaine leçon, je vais vous emmener à travers une petite introduction à l'espace négatif et à son utilisation dans l'art. On se voit là-bas. 5. L'espace négatif et son importance dans l'art: Avant d'arriver aux parties pratiques de ce cours, sortons des bases du chemin. Dans cette leçon, je vais vous montrer ce qu'est l'espace négatif dans le contexte de l'art, ce que nous entendons par peinture négative, et quelques méthodes par lesquelles nous pouvons réaliser des œuvres de peinture négatives. Nous examinerons également quelques exemples de travaux réalisés par d'autres artistes et moi-même pour essayer de comprendre l'importance de l'espace négatif dans l'art et le design. Qu' est-ce que l'espace négatif ? Autrement dit, l'espace négatif est l'espace autour du sujet d'une image. Habituellement, surtout quand il s'agit d'une zone solide, nous avons tendance à le désigner comme l'arrière-plan. Si ce beignet est mon sujet, alors tout autour, donc toutes les parties jaunes composent l'espace négatif, et le beignet lui-même représente l'espace positif. Maintenant, qu'est-ce que la peinture négative ? La peinture négative est quand vous peignez en posant vos couleurs dans l'espace négatif par opposition à l'espace positif, c' est-à-dire autour d'une forme au lieu d'une forme à l'intérieur d'une forme. Par exemple, ramenons le beignet. Si je veux peindre le beignet, je peux le faire en peignant à l'intérieur d'une forme de beignet ou je peux le faire en peignant autour d'une forme de beignet. il en soit, on peut finir avec un beignet. Ce dernier est ce que nous appelons la peinture négative. Une autre façon de définir la peinture négative est créer une forme en ne la peignant pas et de peindre tout le reste à la place. C' est là sans être là, et c'est la beauté de l'utilisation intelligente de l'espace négatif. Il existe différentes façons d'obtenir l'effet de la peinture négative. Regardons quelques méthodes analogiques spécifiquement lors de l'utilisation de la peinture sur papier. Le ruban de masquage est l'un des éléments les plus couramment utilisés pour masquer certaines zones lors de la peinture. Ceci est particulièrement utile si vous peigniez des formes plus grandes avec des bords droits, comme une forme géométrique. J' utilise du ruban adhésif pour beaucoup de mes peintures, mais surtout pour rencontrer les frontières, pas pour la peinture négative en tant que telle. Dans ce cours, je ne peins pas ma feuille jusqu'aux frontières, donc je n'utiliserai pas de ruban adhésif du tout. Ensuite, il y a du liquide de masquage. Cela fait le même travail que le ruban de masquage, juste qu'il est sous forme liquide et peut donc être appliqué avec beaucoup plus de contrôle, surtout dans les espaces plus petits. C' est une méthode couramment utilisée par plusieurs artistes. Actuellement, je ne préfère pas l'utiliser beaucoup surtout pour le lettrage, principalement parce qu'il gâche mes pinceaux et je ne peux jamais avoir un coup propre parce que je dois utiliser un vieux pinceau. Nous n'utiliserons aucun liquide de masquage pour nos projets dans cette classe, qui m'amène à la méthode suivante, juste en évitant la couleur dans vos espaces positifs en peignant manuellement autour d'eux. C' est ce que nous allons utiliser dans cette classe. Ça ressemble à une douleur à réaliser. Ce n'est pas si mal en fait, mais ce facteur d'intrigue est ce qui rend ça si excitant. Maintenant, regardons quelques exemples d'espace négatif utilisé de manière créative par d'autres artistes et designers. Ceci est une pièce de l'un de mes artistes les plus préférés sur Instagram. Elle utilise l'espace négatif si habilement. Comme dans cette pièce, toutes les zones d'ombre sont faites dans un espace négatif et vous pouvez toujours voir clairement les formes et les formes que vous devez voir. Visitez son flux Instagram pour être submergé d'inspiration. Ici, le t-shirt sur la pièce gauche et le maillot de bain sur la droite sont là sans que vous partiez là, si beau. Une campagne publicitaire intelligente pour promouvoir l'adoption d'animaux de compagnie. Voyez-vous le canin dans l'espace négatif ? C' est un autre artiste qui profite fortement de l'utilisation intelligente de l'espace négatif. Dans cette pièce, l'espace entre les pages du livre représente si gracieusement les arbres dans les bois que le Petit Chaperon rouge traverse. Voici les espaces positifs et négatifs jouent les uns avec les autres si élégamment pour façonner les bâtiments, feuillage et les nuages. C' est cool avec les formes uniques des espaces positifs qui font que la route spatiale négative ressemble à une moustache. Est-ce que l'ours noir définit les cheveux orange de Mérida ou l'inverse ? Je suppose qu'on ne le saura jamais. Il s'agit d'une aquarelle peinte en négatif où le chat, les champignons et le feuillage ont tous été formés en peignant autour des formes respectives avant d'ajouter des éléments de détail. Vous pouvez voir plus de ce travail fantastique sur le flux Instagram de cet artiste. L' espace négatif peut également être utilisé efficacement avec le gribouillage comme dans ce cas, où tous les points forts qui définissent ce portrait sont laissés blancs et définis par le gribouillage complexe autour d'eux. C' est un autre style que j'aime vraiment où le lettrage est formé en utilisant l'espace négatif entre les éléments illustratifs. Consultez le flux Instagram de Vidya pour voir plus de ce travail fabuleux. L' espace négatif devient également un outil précieux dans la conception du logo. Regardons quelques exemples. L' un des logos les plus célèbres qui utilisent l'espace négatif de manière créative est le logo FedEx. Voyez-vous la petite flèche dans l'espace négatif ? C' est là sans être là et c'est la beauté de ça. Voici d'autres logos démontrant l'utilisation intelligente de l' espace négatif pour se faufiler dans des éléments de design pertinents pour leurs marques respectives. L' espace négatif comme vous pouvez probablement le dire est quelque chose que je suis toujours attiré vers l'utilisation dans mon processus d'art et de conception. Laissez-moi vous montrer quelques-unes de mes propres pièces. J' utilise l'espace négatif ici pour créer une illusion d' une grille de fenêtre à travers laquelle une vue botanique à l'extérieur est exposée. Je l'ai méticuleusement construit autour des lettres ici pour créer celle-ci. Si le gribouillage est méditatif, gribouillage négatif dans l'espace est un autre niveau de méditatif. J' aime utiliser de l'espace négatif dans mes projets de lettrage aquarelle, et c'est l'une de mes pièces préférées qui a déclenché cet amour. Ici, nous avons quelques acclamations de vacances en utilisant lettrage de l'espace négatif dans un fond d'aquarelle inspiré des vacances. Ceci est un exemple de peinture négative en plusieurs couches. C' est une technique de peinture super longue mais extrêmement enrichissante que j'aime explorer. Ceci est également fait en utilisant la même technique de peinture négative en couches. Je me retrouve beaucoup à faire ça avec des feuilles et du feuillage. C' est un autre de mes favoris où le lettrage négatif est placé à l'intérieur d'une tranche de pamplemousses en couches négatives. Pensez-vous que le lettrage aurait un impact si cela était fait d'une autre façon ? Cette pièce est l'un des deux projets amusants de ma précédente classe Skillshare sur le lettrage de l'espace négatif avec des aquarelles. Les élèves qui ont suivi ce cours sont revenus me dire qu'ils aimaient tout simplement suivre pendant que j'ai créé ça à partir de zéro. C' est une seconde des projets de la même classe en coopérant l'un de mes éléments préférés à inclure dans les morceaux d'espace négatifs, les nuages. J' emmène mes élèves à travers la création de ces deux pièces du croquis à la fin après quelques leçons rétro sur le lettrage et les techniques de contrôle des pinceaux. Si vous n'avez pas déjà suivi ce cours, vérifiez le contenu d'introduction sur le lettrage d'espace négatif. Je crois que c'était l'une de mes premières pièces de lettrage 3D incorporant de l'espace négatif, quelque part le long de la création de celui-ci est quand l'idée de cette classe est née. Un autre morceau de lettrage 3D espace négatif niché dans un cadre de botanique minimaliste moderne. Celui-ci est un lettrage négatif numérique, et j'utilise le contraste des espaces négatifs et positifs pour illustrer le sel. Une autre pièce numérique où le lettrage est fait en utilisant des techniques d'espace négatif. Ici, j'ai utilisé l'espace négatif pour impliquer la présence d' un cadre carré autour duquel les fleurs sont disposées. Lorsqu' il s'agit de réaliser des effets spatiaux négatifs numériquement, la majeure partie du travail est de conceptualiser. L' exécution réelle est un peu plus simple puisque vous avez le pouvoir de travailler dans des couches. J' utilise également des éléments d'espace négatifs dans la plupart des logos que j'ai conçus. En voici quelques-unes. J' espère que je vous en ai montré assez pour vous exciter de créer des projets spatiaux négatifs. Dans la prochaine leçon, nous allons plonger et explorer quelques éléments essentiels du lettrage pour vous lancer dans explorer quelques éléments essentiels du lettrage pour vous lancer votre voyage de lettrage si vous ne l'avez pas déjà fait et pour brosser quelques bases si vous êtes déjà dans le lettrage. 6. Les éléments essentiels du lettrage: lettrage est une forme d'art amusante et passionnante et nous sommes sur le point de plonger nos outils dans cet océan géant. lettrage étant un monde énorme en soi peut être intimidant, mais je pense que c'est juste une question de commencer. C' est ce que j'espère réaliser dans cette leçon. Je veux essayer de décomposer certains concepts clés qui sont fondamentaux pour comprendre le lettrage. Il y a aussi tant de styles différents de lettrage à explorer. Ne te sens pas obligé de faire ça exactement comme je le fais. Ce que j'espère, c'est que vous aurez une bonne idée des bases de cette leçon qui vous permettra de démarrer et éventuellement de trouver vos propres styles de référence. Si vous êtes déjà un lettrage qui est ici pour explorer la troisième dimension, n' hésitez pas à utiliser vos propres styles et techniques de lettrage préférés. Si vous êtes complètement ou relativement novice dans le domaine du lettrage, je veux vous encourager non seulement à le faire avec moi, mais aussi à pratiquer. La pratique est la clé quel que soit le style et je me sens absolument privilégié de pouvoir vous tenir à la main lorsque vous commencez ce voyage passionnant. Je veux commencer par essayer de démystifier une terminologie liée au lettrage que vous avez probablement rencontrée, comme la calligraphie, le lettrage à la main, fausse calligraphie et le lettrage monoline. Tout d'abord, regardons ce qu'est la calligraphie et comment elle diffère du lettrage à la main. La calligraphie est l'art de la belle écriture. Vous pouvez utiliser des outils spécialement conçus pour la calligraphie, comme des stylos plume, pointes de calligraphie, des pinceaux, etc., pour écrire des lettres dans un style particulier. lettrage à la main est l'art d'illustrer les lettres à la main. Vous dessinez essentiellement les différentes formes qui créent chaque lettre dans le style respectif. Maintenant, la fausse calligraphie signifie essentiellement une fausse calligraphie et une technique de lettrage à la main dans laquelle vous recréez l'apparence de la calligraphie à l'aide d'outils réguliers comme un crayon ou un stylo. Vous imitez le look final des coups vus en calligraphie, mais pas en faisant ces traits exacts. Je vais te montrer ce que je veux dire dans un peu. Mais avant cela, je veux aussi toucher au lettrage monoline. C' est un peu une zone grise pour moi parce que selon les outils et les techniques que vous utilisez, elle pourrait finir par être classée comme une calligraphie ou un lettrage à la main. Mais c'est ce que c'est fondamentalement, c'est l'art d'écrire ou d'illustrer des lettres sans varier l'épaisseur des traits. Ou en d'autres termes, vous maintenez un poids de ligne constant. Ok, maintenant je vais vous donner une meilleure perspective. C' est ainsi que vous faites la calligraphie, vous écrivez en faisant varier la pression sur votre outil pour créer des formes spécifiques en utilisant des traits épais et fins. En cas de lettrage monoline, la principale différence est que vous ne voyez plus le contraste des traits épais et fins. Toutes vos lignes sont de poids égal. En cas de calligraphie complète, vous commencez par des traits de monoline, puis ajoutez de l'épaisseur aux traits qui doivent être épais pour que votre lettrage ressemble à la calligraphie. Je vais vous montrer chacune de ces choses. Mais d'abord, j'ai encore quelques principes, cette fois c'est un ensemble de guides. J' ai inclus une page de guides horizontaux pour vous permettre de pratiquer vos traits de base, vos lettres et vos mots. Une grille de points pour mettre à l'échelle votre lettrage et créer vos propres guides et une page de lignes obliques pour guider votre lettrage si vous voulez le faire sous un angle. Ceux-ci vivent une fois de plus dans la section des ressources de cette classe, alors dirigez-les et téléchargez-les. Vous pouvez les imprimer et les utiliser pour votre pratique ou vous pouvez simplement les extraire dans vos logiciels numériques comme Procreate pour guider votre pratique numérique. Je viens d'imprimer les guides horizontaux et de diviser par page en trois colonnes pour vous montrer quelques techniques de calligraphie, lettrage monoline et de calligraphie artificielle. Commençons par la calligraphie. Je vais utiliser ce stylo pinceau tactile Pentel. Je pense que c'est un excellent outil pour commencer. Je vais commencer par écrire un mot en utilisant mes traits de calligraphie. Regardez comme je fais chaque coup. Remarquez comment je fais une pause après chaque coup. Parfois, je décompose même une lettre en plusieurs coups. C' est quelque chose que j'aimerais comprendre plus tôt. Vous pouvez finir par manquer de tels conseils vraiment utiles quand vous regardez juste des vidéos time-lapse d'artistes faisant de la calligraphie, qui est ce que j'ai fait beaucoup d'au départ. Mais m'arrêter après chaque AVC a changé ma vie. Essayez-le et voyez par vous-mêmes. Comme je l'ai dit, la calligraphie est composée d'une combinaison de traits épais et minces. Comme tous ces traits sont minces et ce sont des traits épais et cette variation du poids de la ligne est créée en faisant varier la pression sur votre outil d'écriture. Donc plus de pression pour créer des coups épais et une légère pression pour les coups fins. Mais comment décider exactement quels coups doivent être épais et quels coups doivent être minces ? Voyons voir, à tout moment, vous allez soit vers le haut, soit vers le bas. Par exemple, ici, nous montons et descendons. Cette course est une combinaison d'une course vers le haut et d'une descente. De même, nous pouvons décomposer le mot entier et c'est un renversement. Il s'agit d'une descente, puis d'un petit coup de pouce. C' est une descente, revers, un autre petit coup de pouce, descente, vous obtenez la dérive. Il est essentiellement basé sur le mouvement naturel de votre main car il crée chaque lettre. Maintenant, si vous regardez vraiment ça, vous pouvez voir un modèle. Ce n'est pas du tout aléatoire. Tous les coups qui descendent vers le bas sont aussi ceux qui sont épais et de même, ceux qui vont vers le haut sont les traits minces. Donc, c'est fondamentalement tout. La formule est que les coups de bas sont épais et les coups de hausse sont minces. C' est le concept le plus fondamental que vous devez vous familiariser avec pour comprendre la calligraphie. Les coups de bas sont épais et les coups de hausse sont minces. Une fois que vous obtenez ceci, alors il s'agit vraiment d'entrer dans la mouture avec la pratique. Si vous voulez être bon en calligraphie, vous devez continuer à pratiquer quelques coups de calligraphie de base encore et encore. Il peut sembler non naturel au départ de diviser vos lettres en traits et de faire varier les poids des lignes. Mais vous devrez faire un effort conscient pour faire les deux. Ensuite, avec une pratique cohérente, cet effort conscient se transformera en mémoire musculaire et il deviendra une seconde nature pour vous. Maintenant, laissez-moi vous montrer certains de ces coups de base que vous devez pratiquer si vous voulez apprendre la calligraphie. D' abord, c'est ces deux-là. Vous devez continuer à faire vos coups de coeur encore et encore, puis vos coups de bas encore et encore. Ensuite, vous devez faire des combinaisons des deux. Comme ça. Vous penseriez qu'il suffit de pratiquer les coups de dessus et les coups de bas. Mais non, ce sont toutes ces différentes combinaisons de coups de dessus et de bas qui forment des lettres de calligraphie. Le mouvement musculaire associé à chaque type d'AVC est différent. De plus, les transitions sont importantes. L' un des signes d'un artiste de calligraphie chevronné est la douceur des transitions entre les coups de bas et les coups de bas. C' est ainsi que je fais un o ou la partie ronde de la minuscule a. Je commence en haut à droite avec une petite course vers le haut, puis la transition vers une descente puis une poussée vers le haut. Ce trait aide à la queue de lettres comme g, j, et y. Ce trait est ce que nous utilisons pour un minuscule l, b, et d, et la partie circulaire des b et d irait comme ça. Les traits d'entrée pour certaines lettres comme ça, n ici sera comme ça. Je veux que vous remplissiez des pages et des pages avec chacun de ces traits. Ensuite, voyons comment nous pouvons prendre cela et créer des limites dans les lettres. Il suffit de suivre les mêmes concepts, mais sans coller aux lignes de base et aux lignes xheight. En passant, j'ai créé ces guides de telle sorte que les lignes pleines soient vos lignes de base et supérieures. Les lignes pointillées indiquent la hauteur x, qui n'est rien d'autre que la hauteur de vos lettres minuscules dans un style calligraphique traditionnel. Afin de créer des lettres rebondissantes, j'alterne habituellement entre aller au-dessous la ligne de base et au-dessus de la hauteur x avec chaque lettre, donc je finis avec quelque chose comme ça. Et au cas où vous vous demandiez, je traite mes traits horizontaux comme je fais mes bouleversements. Je les laisse minces. Maintenant, regardons d'autres styles. Encore une fois, le concept est le même. Il s'agit juste d'expérimenter avec le style. Alors n'hésitez pas à ralentir la vidéo si vous avez besoin d'accorder une attention plus étroite à mes traits, vous pouvez également utiliser les concepts pour créer des lettres majuscules comme celle-ci. Voici comment vous pouvez faire les mêmes lettres majuscules sans l'inclinaison. Que se passe-t-il si vous ne faites pas varier la pression ? Si vous ne modifiez pas le poids de la ligne, nous allons juste garder une largeur de ligne constante tout au long et cela nous donne un lettrage monoline. Jetons un coup d'oeil à ce qu'on doit ? Je passe à un outil d'écriture qui n'a pas une pointe flexible comme l'extrémité de la pointe des balles des stylos de pinceau tombow ici. Voyons maintenant comment ça se passe. Je fais juste les mêmes coups cette fois sans faire varier la pression que j'applique sur le stylo. Même si je fais varier la pression, puisque la pointe de la balle est assez robuste, elle ne se traduit pas par une variation du poids de la ligne, justifiant ainsi le terme lettrage monoline. Notez qu'il est tout aussi bénéfique de décomposer vos lettres en traits et de faire une pause entre elles. Donc c'est à ça que ça ressemble si on le décompose, les coups de bas, les coups de bas, tout est de la même épaisseur. Cependant, même dans ce cas, la pratique est importante pour obtenir des lignes lisses et cohérentes. Vous pouvez explorer plusieurs styles en utilisant la même idée générale. Juste en changeant votre outil et votre technique, vous pouvez trouver des styles complètement différents. Ensuite, une fausse calligraphie. Je pense que c' est l'une des approches les plus simples pour commencer avec le lettrage. Je pense que la technique est moins intimidante pour les débutants. Le fait que vous pouvez le faire avec à peu près n'importe quel outil d'écriture que vous avez disponible à la maison, le rend beaucoup plus accessible. Alors allons-y droit. Quand nous commençons, nous ne faisons rien de différent du lettrage monoline. En fait, nous faisons exactement la même chose. Ensuite, nous identifions les coups de bas et les épaissit en ajoutant du poids supplémentaire à chacun d'eux, comme ceci. Alors remplissez-le. C'est ça. Ensuite, nous faisons la même chose pour toutes les lettres. Au fur et à mesure que vous commencez à épaissir les coups de bas essaient d'imiter cette transition en douceur que nous visons avec une vraie calligraphie. Laissez les coups de bas germer organiquement des coups de hausse, juste là où la transition et juste continuer. Maintenant, j'épaissit surtout les coups en ajoutant du poids au côté droit de la plupart des coups de bas. Mais ce n'est pas une règle. Je décide vraiment juste en fonction de l'espace disponible de chaque côté. Parfois, il peut déjà être un peu emballé d'un côté, auquel cas je peux toujours l'épaissir de l'autre côté ou distribuer l'épaisseur ajoutée des deux côtés du trait de monoline. Décomposer cela en coups aussi. Dans ce cas, la création de mémoire musculaire n'est pas notre objectif. Notre objectif est d'imiter les résultats de la calligraphie de la meilleure façon possible. Donc c'est notre descente, puis la course. Voyez comment je n'ai même pas pris la peine de le dessiner vers le haut. C' est parce que ça n'a pas d'importance. La seule chose qui compte, c'est à quoi ça ressemble à la fin. Bien sûr, à quel point tu t'amuses. Apportez-le lentement et fusionnez-le dans ce coup de pouce. Rappelez-vous, nous voulons qu'il soit aussi proche que possible de cela. Nous visons donc à obtenir une transition agréable à chaque fois. Encore une fois, commencez à partir de la course et petit-enfant pour épaissir la descente. Nous faisons tous les différents styles que nous explorons de la même manière. abord, garder toutes les lignes minces et plus tard épaissir les coups de descente un par un. J' espère avoir réussi à démystifier un peu ces trois techniques de lettrage. Parfois, nous pensons savoir quels styles ou techniques nous voulons explorer en fonction du résultat final. Mais quand nous les essayons, nous réalisons qu'un processus différent est ce que nous apprécions le plus. C' est pourquoi je voulais vous présenter les trois techniques et vous aider à comprendre organiquement lequel de ces processus vous apporte plus de joie. Si vous ne l'avez pas déjà fait, essayez ces techniques, pratiquez-les bien et téléchargez des photos de vos fiches d'exercices dans la galerie de projets afin que nous puissions tous profiter votre travail acharné et que vos camarades de classe soient encouragés à pratiquer et à partager leur propre travail. Dans la prochaine leçon, nous examinerons les conseils supplémentaires que nous devons suivre tout en élargissant notre lettrage à des tailles plus grandes. 7. Améliorer la qualité de son lettrage: Je ressens le besoin de vous emmener spécifiquement à l'échelle de votre lettrage. Puisque pour la plupart des projets de lettrage, y compris notre projet principal pour cette classe, nous devons le faire à une échelle légèrement plus grande, et cela nécessite parfois d'autres choses à prendre en charge. Dans ce cas, je passe au papier de grille de points pour que je puisse le faire plus grand. Pour la technique de calligraphie, la façon habituelle d'augmenter l'échelle est d'utiliser un outil de taille plus appropriée. Comme dans ce cas, passer de la petite touche Pentel à un stylo plus grand comme le tombow fera le travail. La technique elle-même reste exactement la même. Donc, nous commençons soigneusement avec une descente épaisse et le passage à une poussée vers le haut, puis encore une fois, une transition en douceur vers une descente. Continuez exactement de la même manière. Maintenant, pour le lettrage monoline, je recommence de la même manière que nous l'avons fait avant avec le côté pointe de balle du stylo pinceau tombow, mais à cette échelle les lignes sont trop minces et pas assez efficaces. Nous pouvons utiliser un outil avec une pointe beaucoup plus grande comme ce marqueur de peinture ici, mais je pense que cela limite vraiment vos options. En outre, il existe un moyen de le faire fonctionner avec n'importe quel outil disponible. Alors pourquoi ne pas explorer ça ? Voici où le lettrage monoline devient un peu comme une fausse calligraphie. Au lieu d'épaissir juste un coup de bas, nous épaissir le tout dans ce cas. Il suffit donc de dessiner soigneusement des traits parallèles à côté de chacun des traits minces que nous avons déjà fait afin de les épaissir, puis de le remplir. Assez facile. Vous pouvez aller aussi épais que vous le souhaitez, en fonction de l'échelle et de vos préférences personnelles. Vous pouvez également revenir en arrière et lisser toutes les parties de votre coup qui n'ont pas l'air aussi lisse que vous le souhaitez. Maintenant, il y a une chose dont vous devez faire attention. Si on épaissit ce coup ici, on va gâcher la ligne de base. Nous voulons nous assurer d'épaissir chacune de ces courbes ici en haut afin de ne pas déplacer la ligne de base vers le bas. Donc c'est ce qu'on va faire. Nous allons commencer comme normal et épaissir cette course. Alors que nous approchons de la prochaine descente, nous fusionnons simplement les deux lignes. Parce que nous savons que si nous continuons ainsi, nous allons pousser les lettres au-delà de la ligne de base. Donc, au lieu de cela, nous commençons à épaissir du côté supérieur de ce trait et montons et fusionnons dans le même point en haut. Encore ici et même ici, nous devons garder à l'esprit où nous épaississons afin de ne pas pousser les lettres en dehors de nos lignes directrices. Dans le cas de ces formes fermées comme celle-ci, a, o, d, etc., nous pouvons simplement garder à l'esprit que nous devons épaissir à l'intérieur de la forme et non à l'extérieur. Alors continuez. Toujours conscient de la façon dont vous épaississez les traits affecte les lignes directrices. Même si les lettres ne sont pas destinées à être définies dans des guides précis, elles doivent encore être bien équilibrées et l'épaississement doit être fait en tenant compte de cela. Enfin, pour la version calligraphique complète, nous suivons exactement le même processus. Le concept est le même. Nous avons juste besoin de rendre les coups de bas plus épais en fonction de la nouvelle échelle de la pièce. Si la taille exige des coups d'envers plus épais, vous pouvez aussi les épaissir. Assurez-vous simplement que vous avez encore assez de contraste entre les traits épais et fins pour qu'il soit efficace. Donc c'est fondamentalement tout. Comme vous pouvez le voir, les techniques peuvent ne pas être si différentes, mais il faut encore s'entraîner pour obtenir les traits lisses à une plus grande échelle. Dans la leçon suivante, nous allons apprendre comment intégrer ce lettrage bidimensionnel dans la troisième dimension. Des trucs vraiment excitants à venir. 8. Lettrage 3D: Maintenant que nous avons appris à créer un lettrage fabuleux, qui est prêt à le prendre dans une toute nouvelle dimension ? Littéralement, dans cette leçon, nous allons prendre le lettrage 2D que nous venons de créer et ajouter des trucs amusants pour le rendre tridimensionnel. Cette partie du processus est ma préférée. Alors allons-y. Maintenant, nous avons besoin d'une sorte de papier calque, tout ce qui a une certaine transparence. C' est un que j'aime utiliser. Ça s'appelle le papier de présentation. Laisse-moi te montrer. Il est plus translucide que transparent, ce qui signifie qu'il est assez blanc pour se sentir comme papier ordinaire tout en laissant passer suffisamment de lumière. Donc ça marche bien pour moi. Celui-ci est de WHSmith, mais vous pouvez évidemment obtenir n'importe quelle marque qui est disponible localement. C' est un autre que j'ai. Celui-ci est du papier calque. Il est plus transparent, plus épais et a une finition plus lisse. C' est un peu plus durable que le papier de présentation, mais pour ce genre de travail, je préfère un peu moins de transparence. Je suis clairement juste délicate. Vous pouvez utiliser littéralement n'importe quel papier qui est partiellement transparent, même juste une plaque à pâtisserie fonctionne réellement. Quoi qu'il en soit, je vais utiliser celui-ci, le plan. Maintenant, vous devez positionner votre papier translucide sur le lettrage que vous avez fait dans la leçon précédente. Je vais utiliser la version quatre calligraphie, mais peu importe, vous pouvez utiliser celui que vous préférez. Le processus reste le même. Je vais juste tracer ça avec mon crayon. Ouais, tu devrais coller ton papier pour l'empêcher de bouger. Je vais juste remplir ça en utilisant mon crayon. Vous pouvez par tous les moyens le faire aussi, mais vous n'avez pas vraiment à le faire. Je pense juste que ça facilite plus tard pour vous de mieux comprendre le processus de cette façon. Mais encore une fois, totalement à vous. Bon, on y va. Notre prochaine étape consiste à tracer cela à nouveau à un décalage. Alors relâchez la bande et déplacez simplement ceci jusqu'à ce que vous trouviez une position que vous aimez. C' est littéralement ce que je fais à chaque fois. Il n'y a ni bien ni mal. Je joue juste avec ça jusqu'à ce que je trouve ce joli spot. Il peut être pratiquement n'importe où sauf juste au-dessus de l'autre. Quelque chose comme ça me semble bien. Vous pouvez utiliser la grille de points pour aider à aligner votre papier transparent. Nous voulons que le traçage suivant soit au même angle que le précédent. Une fois que vous êtes satisfait de la position, appuyez sur la bande et obtenez le traçage. Maintenant, vous pouvez aller de l'avant et vous débarrasser de la cassette. De plus, on n'a plus besoin de cette feuille, alors laisse-moi juste garder ça de côté. Avant de passer aux étapes suivantes, permettez-moi d'essayer de simplifier cela en utilisant un objet 3D comme cet aiguiseur ici. Supposons que ce que nous avons ici, le lettrage ombré est fondamentalement la phase frontale de notre objet 3D. Celui que nous venons de tracer, celui avec juste les contours, est cette surface, la surface arrière. Tu vois, c'est comme ça. Cette surface arrière est ce qu'on vient de tracer. Ça ressemble à une ombre en ce moment. Si nous voulons que cela ressemble à un objet 3D, il faut toujours avoir ces autres visages. Il y a cette phase, il y a ce visage, tout ça. Nous devons donc connecter les faces avant et arrière. Les faces avant et arrière doivent être reliées à l'aide de lignes parallèles. Pour le faire ressembler à un objet 3D, nous devons établir ces connexions. C' est ce que nous allons faire ensuite. Tu vois, c'est comme comment on nous a appris à dessiner formes en 3D quand les enfants retournent à l'école. Par exemple, si nous voulions dessiner un cuboïde, que faisons-nous ? Nous dessinons un rectangle pour l'un des visages, puis nous en dessinons un autre à côté, parallèle à celui-ci, donc au même angle. Disons que c'est la face avant. Nous connectons donc les faces avant et arrière en utilisant des lignes parallèles. Juste comme ça. C' est essentiellement ce que nous essayons de faire ici aussi. La surface arrière peut être n'importe où doder pas seulement à cette position. Comme vous pouvez aussi faire ceci ou même ceci. Dans ce cas, il suffit de le déplacer un peu plus loin le fait apparaître comme un cuboïde plus long. Mais en tout cas, la méthode est toujours la même. Vous dessinez la même forme à un décalage, comme si c'est ici la face avant, vous dessinez légèrement la même chose, puis connectez les points à l'aide de lignes parallèles. Connectez les points correspondants, pas seulement tous les points. Coin supérieur gauche vers le coin supérieur gauche, coin supérieur droit vers le coin supérieur droit, le coin inférieur gauche vers le coin inférieur gauche. Cela ne sera pas visible, donc vous n'avez pas besoin de le connecter. C' est ce que nous devons faire ensuite. abord, nous devons identifier les points à connecter. Par exemple, ceci et ceci sont des points correspondants, alors connectez-les simplement avec une ligne droite. De même, ceci et ceci sont des points correspondants, alors connectez-les. Ceci et ceci, nous n'avons pas besoin de définir et de connecter chaque point, juste les points extrêmes qui forment la forme. Il suffit d'observer attentivement et de se connecter. Dans ce cas, voyez, c'est plus proche de cela, donc nous pourrions être enclins à connecter ces deux, mais ceci et ceci sont les points correspondants. Ces deux points sont les points correspondants. Sois conscient de ces petits détails. Vous pouvez même utiliser une règle pour le faire si vous n'êtes pas très à l'aise de dessiner des lignes droites à main levée. suffit de le placer comme ça et de tracer des lignes droites. Mais je préfère le faire à la main libre. Maintenant, il y a tellement de lignes ici que nous n'avons pas vraiment besoin, parce que tout est à l'intérieur de l'objet, donc nous ne le verrons pas vraiment dehors. C' est pourquoi on assombrit les contours de seulement ceux-ci. Même dans ce cas, nous n'avons pas besoin des lignes à l'intérieur. Nous avons seulement besoin de la surface avant. Cette grande partie de la surface arrière parce que vous pouvez voir ceci ou ceci, être couvert par les autres côtés. Ce dont nous avons besoin, ce dont nous avons besoin, ce dont nous avons besoin. On n'a pas besoin de ces lignes à l'intérieur. Si vous le souhaitez, vous pouvez également vous en débarrasser pour le rendre plus clair. De même, dans ce cas également. Maintenant, nous faisons la même chose pour notre lettrage. On n'a pas besoin de ces lignes ici. On a juste besoin de ça. Dans ce cas, nous en avons besoin et nous en avons besoin. Ici, nous avons besoin de ceci et de ceci. On n'a pas besoin de tout ça. Il suffit d'observer et d'identifier les lignes dont nous avons besoin et de les assombrir. Plus vous faites ce genre de choses, plus vous développerez un œil pour cela, et bientôt vous serez en mesure de le faire sans trop penser. Maintenant, dans des endroits comme celui-ci, où la surface derrière se chevauche avec la face avant d'une autre lettre, la surface avant est notre priorité. Toutes les parties de la surface avant, c'est-à-dire les parties ombrées doivent être visibles. C' est ça. C'était plus facile que ça ne semblait être un quiznet. Il s'agit juste d'être patient et prudent et de diviser le processus en étapes. Que diriez-vous de vous donner un résumé de toutes les étapes sous la forme d'un tour QuickTime, mais je convertis notre lettrage manille de la leçon précédente en 3D. Étape 1, tracez votre lettrage sur une feuille de papier translucide. Étape 2, décalez le papier en le déplaçant jusqu'à ce que vous trouviez une position satisfaisante et tracez à nouveau le lettrage dans cette nouvelle position à côté de la précédente. Étape 3, décidez lequel des deux sera votre face avant et remplissez les contours de celui-ci à l'aide de votre crayon. Étape 4, connectez les points correspondants sur les deux faces en utilisant des lignes droites pour former les côtés restants de votre lettrage 3D. Étape 5, identifiez les lignes qui sont cruciales pour votre lettrage ressemble à un objet 3D et les assombrir. Vous pouvez effacer les lignes dont vous n'avez pas besoin ou simplement les ignorer. C' est ça. Si tu n'as pas fait ça avec moi, je veux que tu le fasses maintenant. Celui-ci est particulièrement quelque chose qui se renforce dans votre système, seulement quand vous le faites réellement, pas seulement en regardant quelqu'un d'autre le faire. Comme toujours, vous ne pouvez pas attendre de voir vos croquis de lettrage 3D. Veuillez donc les télécharger immédiatement dans la galerie de projets. Je pense que vous ne pouvez pas nier l'énième que tout ce qui est joint en 3D a. Vous pouvez utiliser cette méthode pour convertir non seulement le lettrage, mais n'importe quelle forme en 3D. Vous pouvez faire beaucoup plus pour rendre votre lettrage 3D encore plus réaliste. Mais je veux rester simple avec celui-ci. Si vous voulez le remonter d'un autre cran, je vous suggère de jouer avec une source de lumière imaginaire, introduire des reflets et des ombres à vos pièces de lettrage 3D. Pour l'instant, cela fonctionne très bien. Dans la prochaine leçon, nous allons commencer notre exploration de l'aquarelle avec une plongée profonde dans la consistance de la peinture. 9. Consistance de la peinture: Parlons de la consistance de la peinture parce que c'est important. Mélanger les peintures dans la bonne consistance pour votre technique spécifique est une compétence fondamentale dont vous avez besoin pour tout type de peinture. Vous pouvez utiliser les connaissances de cette leçon, non seulement pour créer un lettrage 3D d'espace négatif, mais pour éclairer les décisions que vous prenez lors de chaque projet d'aquarelle ici après. Quand je dis la consistance de la peinture, je parle essentiellement du rapport peinture/eau. Le rapport idéal varie en fonction de la technique et de l'application. y a pas non plus de formule claire pour arriver directement à la bonne consistance à chaque fois. Mais ça ne veut pas dire que tu ne peux pas le maîtriser. Il y a plusieurs choses à surveiller, des indices pour vous amener où vous voulez. Laisse-moi te montrer. Nous allons explorer les mystères de la consistance de la peinture en utilisant ce qu'on appelle l'analogie du thé au beurre. Fondamentalement, nous comparons la consistance des peintures que nous mélangeons à des objets courants tels que le beurre, le thé et quelques autres entre les deux, et nous déterminons ce qui fonctionne pour quoi. En regardant ces différents rapports peinture-eau, nous allons chercher quelques indices. Un, la dynamique de la peinture. Comment se déplace la peinture dans la palette ? Deux coups de pinceau. Pouvez-vous voir des coups de pinceau distincts ou vous retrouvez avec une couche uniforme de peinture ? Trois, la douceur de l'application. Les marques que vous posez sur le papier sont-elles rugueuses ou lisses ? Les arêtes sont-elles bien définies ? Quatre, contrôle. Dans quelle mesure êtes-vous capable de contrôler la peinture sur papier ? Cinq, valeur de couleur. La couleur est-elle intensément pigmentée ou tout simplement à peine ? Enfin, la transparence. Est-ce que la peinture laisse briller le blanc du papier ou non ? Ceci est significatif parce que nous savons que lorsque nous utilisons des aquarelles, nous ne peignons généralement pas avec du blanc. Nous indiquons les zones blanches en conservant le blanc du papier. Pour cette leçon, je vais choisir cette nuance rose vif appelée Sunset dans ma palette Tropicaux de Prima Marketing. abord, nous allons commencer avec la consistance la plus épaisse de la peinture, qui serait tout droit sur le tube si nous utilisions des peintures à tubes. Mais puisque les peintures à pan sont sèches à moins de les mouiller avec de l'eau, nous devons utiliser un peu d'eau pour activer la peinture. Comme vous l'avez peut-être deviné, nous visons une consistance similaire au beurre ici. Nous ajoutons juste assez d'eau et tourbillonnons le pinceau pour obtenir une couche épaisse et à peine humide de peinture sur notre pinceau. Remarquez comment la peinture recouvre simplement le pinceau et se trouve juste là, elle ne coule pas de la brosse et sur la palette. Dynamique de peinture, aucune. Essayons maintenant de poser la peinture sur notre papier aquarelle. C' est, comme vous pouvez le voir, une couche de peinture très sèche et rugueuse. Vous pouvez voir clairement les coups de pinceau. La couleur est aussi intense qu'elle obtient pour ce pigment spécifique et la couche de peinture est si épaisse que vous pouvez à peine voir le blanc du papier à travers elle. Les bords ne sont pas lisses du tout, mais vous obtenez des effets intéressants qui peuvent être utiles dans certaines applications appelées techniques de brosse sèche. C' est de la consistance du beurre pour vous. Maintenant, allons de l'avant et ajoutons un peu d'eau à notre poêle à peinture. Cette fois, nous essayons d'obtenir une consistance similaire à la crème. Encore assez épais mais plus crémeux. Nous pouvons extraire certaines des peintures dans notre zone de mélange pour ajuster davantage le rapport entre la peinture et l'eau. C' est à propos de ce que nous cherchons à obtenir pour la consistance de la crème. La peinture commence à bouger maintenant, mais surtout seulement quand elle est poussée avec le pinceau. Même si vous inclinez la palette, la peinture ne se déplace pas exactement par gravité. En outre, voyez comment le mouvement de la brosse provoque des coups de pinceau dans la peinture. C' est l'une des observations qui indique la consistance de la crème. Voyons maintenant comment cela se pose sur le papier. Il est encore assez épais et intensément pigmenté. Un peu moins que le beurre, bien sûr, mais toujours assez proche de l'intensité maximale. Vous pouvez toujours voir les coups de pinceau presque distinctement. Ils sont toujours très bon contrôle parce que la peinture ne bouge pas tout seul. Mais les bords sont légèrement plus lisses et plus uniformes cette fois. Le blanc du papier brille encore à peine à travers cette épaisse couche de peinture. Ceci est pratique pour les détails ou lorsque vous avez besoin d'obtenir un contraste plus élevé entre les zones claires et sombres. Plus d'eau maintenant jusqu'à ce que nous atteignons la consistance du lait. On parle de lait plein en gras ordinaire, pas de lait écrémé. Mais il pourrait être intéressant de noter qu'aucune de ces cohérences n'est en fait un ratio fixe. Il y a toujours une gamme de ratios dans chaque cohérence, mais cela nous aide simplement à les catégoriser au fur et à mesure que nous explorons le médium et nous nous familiarisons avec celui-ci. Cool. Ça ressemble à ça. Voyez comment la peinture se déplace plus librement maintenant ? Mon pinceau laisse toujours des coups dans la peinture lorsque je la déplace, mais beaucoup moins distinct maintenant. On commence vraiment à voir une partie de cette dynamique de peinture dont on parle. Tu vois, la peinture commence même à bouger seule maintenant, juste par gravité. Maintenant, comment est-ce que c'est sur le papier ? La couleur est encore assez intense mais elle laisse également le blanc du papier commencer lentement à briller, ce qui, à mon avis, rend plus vibrant malgré la valeur de couleur inférieure. Les coups de pinceau commencent à se lisser en une couche plus uniforme avec des bords beaucoup plus lisses qui sont encore suffisamment définis. La dynamique de la peinture dans cette consistance de lait exige plus de compétences pour la contrôler, mais n'est-ce pas pour ça que nous sommes là ? De plus en plus d'eau. Nous essayons d'arriver à notre prochaine catégorie de ratios qui tombe sous la consistance du café. Oh, oui. Regarde toute cette dynamique. La peinture va partout où elle le veut tout en laissant le pinceau y laisser à peine aucun trait. Sur le papier, la couleur commence à perdre de l'intensité mais toujours belle et vibrante, grâce à tout ce papier brillant qu'elle laisse passer. C' est probablement l'une des cohérences les plus utilisées dans les projets d'aquarelle, grâce à sa polyvalence. La couche de peinture est agréable et même sans coups de pinceau et les bords sont lisses mais pas très définis. Il fonctionne bien pour une grande variété de techniques, y compris parfois des lavages plus sombres et des zones plus grandes qui doivent être lisses et possiblement transparentes. En outre, comme vous pouvez le voir, il devient un peu imprévisible et n'est donc pas le plus facile à contrôler à ce stade. Il n'est donc pas idéal pour une utilisation dans des espaces extrêmement restreints. Nous continuons à ajouter encore plus d'eau à notre peinture pour arriver à notre étape finale, qui est le thé. Léger et aéré et comme prévu, assez hors de contrôle, plein de surprises. Celui-ci me donne un entraînement intense au bras juste là. On y va. Se déplace partout sur l'endroit tout seul. Eh bien, la gravité aussi. Je prends ça sous peu sur le papier. La couleur est belle et lumineuse mais aussi très légère. Super lisse, assez parfait pour obtenir une belle et même laver dans de grandes zones que le papier blanc brille joliment à travers, mais aussi super imprévisible et une peinture à contrôler. C' est la consistance du thé pour vous. Que diriez-vous d'aller de l'avant et de résumer tout ce que nous venons d'apprendre sur l'analogie du thé au beurre pour catégoriser les cohérences de peinture avec quelle couleur. Selon le rapport peinture-eau, nous pouvons classer les cohérences de peinture en les comparant à celles des articles de tous les jours, tels que le beurre, la crème, lait, le café et le thé. Beurre bien sûr, étant le plus haut rapport peinture/eau et le thé le plus bas. Chacune de ces gammes de cohérences présente certaines propriétés uniques pour nous aider à les identifier et à déterminer quel ratio peut être mieux adapté à une technique ou à une application spécifique. Consolidifions ces résultats en fonction de nos résultats. Nous savons que lorsque nous passons du beurre au thé, la peinture passe d'être presque statique à se déplacer librement. On peut dire que la dynamique de la peinture augmente définitivement. Ce qui signifie également qu'ils deviennent plus difficiles à contrôler à mesure que la quantité d'eau augmente. De toute évidence, la valeur de couleur devient progressivement moins intense à mesure que nous ajoutons plus d'eau à la peinture tandis que la transparence augmente en laissant le papier briller plus avec les consistance plus légères. La consistance du beurre s'applique plutôt sèche, rugueuse et inégale sur le papier et devient plus lisse à mesure que la proportion d'eau ajoutée augmente, nous donnant des couches humides, lisses et uniformes, au fur et à mesure que nous arrivons au thé. coups de pinceau, qui sont évidents dans le beurre commencent à disparaître autour du lait et deviennent complètement invisibles dans le café et le thé. Toutes ces observations nous aideront à déterminer quelle cohérence pourrait fonctionner le mieux pour un projet ou une technique en particulier, car il n'y a pas de bonne ou de mauvaise consistance dans les aquarelles. C' est juste une question de quoi utiliser pour quoi. Chacune de ces catégories a ses propres propriétés uniques qui le rendent idéal pour des applications spécifiques et pas si idéal pour d'autres. Regardons quelques-unes des applications typiques de chaque gamme de cohérences. beurre étant épais, opaque, hautement contrôlé et pigmenté, est principalement utilisé spécifiquement pour les reflets et les techniques de brosse sèche pour obtenir des textures uniques comme les arbres touffus et les textures dans les vagues océaniques. Crème. L'onctuosité évidente de la consistance de la crème associée au haut niveau de contrôle, fait un choix parfait pour les petits détails. La valeur de couleur intense est souvent utilisée pour créer des zones sombres à contraste élevé à une seule couche au lieu de plusieurs couches de feuilles éclairées. Du lait. C'est le vrai point doux. Un équilibre parfait de contrôle, d'intensité, de douceur et de transparence. La consistance du lait est utilisée beaucoup et elle est particulièrement parfaite pour les zones plus petites qui nécessitent un bon contrôle, mais aussi une couche de peinture lisse et riche. Du café. C'est, à mon avis, la cohérence la plus couramment utilisée. Il est agréable et juteux, ce qui est idéal pour la plupart des techniques d'aquarelle générales qui nécessitent des épingles dynamiques, une grande transparence qui laisse le papier briller bien, et il s'applique bien et lisse. Cela peut également être utilisé pour créer des lavages plus sombres destinés à des espaces relativement petits. Enfin, le thé. Cette gamme de consistances étant la plus fluide et transparente, est le plus couramment utilisée pour créer des lavages légers sur de grandes surfaces comme les arrière-plans. Ils sont également parfaits pour accumuler l'intensité couche par couche si vous en avez besoin. Cependant, il ne convient pas pour peindre des détails ou petites zones en raison de la difficulté à contrôler. Maintenant vient la grande question. Après avoir examiné en profondeur les propriétés et les applications de chacune de ces gammes de cohérence, que pensez-vous que nous allons utiliser dans nos exercices et projets pour cette classe ? Nous allons principalement peindre dans de petites zones donc nous avons besoin d'un bon équilibre entre le contrôle et la douceur. Nous avons également besoin de couleurs agréables et intenses, mais nous n'avons pas besoin de zones dualement opaques. Nous voulons que la transparence qui est si unique aux aquarelles soit vraiment visible parce que sinon, pourquoi prendre la peine de le faire du tout. Oui, tu l'as deviné. Nous utiliserons principalement les consistances du lait et du café pour pratiquer et exécuter nos projets pour cette classe. Comme je l'ai dit, il n'y a pas de formule fardée pour garantir que vous finirez avec le rapport exact qui fonctionne le mieux. Vous devez vraiment mettre de la peinture sur papier et avoir une bonne idée de toutes ces cohérences. Je ne pouvais vraiment pas recommander ce mini-projet plus. Voilà ce que je veux que tu fasses. Créez une échelle de valeur, comme je l'ai fait lors de la démonstration, en utilisant n'importe quelle couleur de votre palette. Cet exercice vous apprendra beaucoup sur les différents traits d'identification des différentes cohérences et vous donnera une bonne compréhension des rapports peinture-eau. Pas seulement pour cette classe, mais si vous voulez vraiment profiter de la polyvalence de l'aquarelle en tant que médium, il est absolument impératif de vous familiariser avec ce que ressentent ces cohérences. Ce n'est peut-être pas un projet qui est visuellement intéressant ou satisfaisant, mais il va certainement vous aider une tonne à créer des projets d' aquarelle visuellement intéressants et satisfaisants à l'avenir. Je veux vraiment vous encourager à le faire et aussi poster une photo de votre échelle de valeur dans la section projet afin que nous puissions tous la voir et nous aider mutuellement dans ce voyage. J' ai également inclus une feuille de triche imprimable résumant toutes les conclusions de cette leçon dans la section des ressources. Vous pouvez aller de l'avant et le télécharger, l'imprimer et le mettre dans votre espace de travail afin que vous puissiez toujours y faire référence lorsque vous prenez des décisions sur la cohérence de la peinture. Ou encore mieux, vous pouvez ajouter tous ces détails à votre propre pièce d'exercice d'échelle de valeur et le mettre à la place. J' espère que cette leçon a été un début perspicace pour vos apprentissages à l'aquarelle dans cette classe. J' espère que vous êtes prêt à absorber encore plus parce qu'il y a beaucoup plus en stock pour vous ici. Dans la prochaine leçon, nous allons examiner le contrôle des pinceaux, où nous allons explorer beaucoup de conseils et de techniques pour poser la peinture sur papier exactement comme nous le devons. On se voit là-bas. 10. Contrôle du pinceau: Nous avons examiné en profondeur la cohérence de la peinture et les problèmes de peinture à l'eau. Maintenant, nous devons voir comment nous pouvons appliquer notre peinture pour obtenir les résultats spécifiques que nous recherchons en contrôlant efficacement nos coups de pinceau. C' est ce que nous allons faire dans cette leçon sous la forme d'un exercice. abord, j'ai un fichier de modèle imprimable que vous pouvez télécharger à partir de la section des ressources de cette classe. S' il vous plaît allez-y et téléchargez-la et tracez-la avec un crayon sur votre papier aquarelle. Vous pouvez utiliser une boîte lumineuse pour le faire. Ou si vous possédez une tablette comme l'iPad Pro, vous pouvez utiliser une application appelée Lightbox Trace qui vous permet de suivre directement sur l'écran. Vous pouvez également simplement sandwich le gabarit imprimé entre votre papier aquarelle et une fenêtre contre la lumière du jour pour faire le traçage. Ou vous pouvez simplement ignorer complètement le fichier template et dessiner ces directives à main levée, ce que j'ai fait ici. Je viens de dessiner des contours similaires à ceux mon fichier de modèle sur une feuille de papier aquarelle neuf pouces par six pouces. Vous pouvez choisir quelle que soit la taille qui vous convient. Je ne recommande pas d'aller au-delà d'une taille A4 cependant, afin d'obtenir l'utilisation la plus efficace de cet exercice. Comme vous pouvez le voir, j'ai inclus une variété de formes et de motifs dans le modèle. Celles-ci ont été soigneusement structurées pour créer un exercice qui sera plus pertinent pour développer les compétences dans le cadre de notre projet principal. Cependant, ce sont des compétences que vous pouvez utiliser dans une variété d'autres types de projets d'aquarelle également. Je vous recommande vraiment de faire cet exercice avec moi. Si vous avez transféré vos contours, commençons. Je vais utiliser la même nuance de rose foncé appelée coucher de soleil de ma palette tropicale que j'ai utilisée dans la leçon précédente, parce que je ne veux certainement pas que toute cette peinture soit gaspillée. Pour cet exercice, j'utiliserai mon pinceau de détail rond de taille zéro. J' ai mélangé mes peintures à une consistance entre le lait et le café. Nous commençons par celui-ci, mais notre objectif est de remplir chaque bande alternative. Prenez un peu de peinture sur votre pinceau et posez un petit blob légèrement éloigné du contour et faites-le glisser. Prenez plus de peinture et ajoutez à votre blob. Lorsque vous faites glisser la peinture pour remplir votre forme, montez jusqu'aux bords très soigneusement. Nous essayons toujours de créer des contours soignés avec la peinture, puis de le remplir. Continuez à recharger votre pinceau avec de la peinture au fur et à mesure. Je recharge habituellement chaque fois que le blob que j'essaie de traîner n'est plus assez humide. Nous avons besoin d'un joli blob humide pour pouvoir remplir l'espace avec une couche uniforme de peinture. Nous le terminons en passant soigneusement sur les bords et en les lissant. Ensuite, nous procédons à la même chose avec la bande suivante. Même chose. Nous plaçons un blob humide dans notre forme et nous le faisons glisser pour le remplir. Si vous avez suivi mon cours précédent sur le lettrage d'espace négatif à l'aide d'aquarelles, vous avez peut-être remarqué une nette différence dans les exercices de contrôle des pinceaux ici. Dans la classe formelle, nous ne peignons pas jusqu'aux contours du crayon. Nous sommes restés un peu loin d'eux et plus tard effacés les marques de crayon. Ici cependant, puisque nous allons peindre les surfaces 3D de notre lettrage, je pense que nous devons aller jusqu'aux lignes de crayon pour obtenir la pièce de lettrage la plus lisible. Au cas où vous vous demandiez, j'espère que cela explique la différence. On finit juste cette bande aussi. Je vais accélérer la vidéo puisque je fais la même chose ici, essentiellement. N' hésitez pas à faire une pause ou à le ralentir selon votre convenance. La suivante est essentiellement la même chose, juste que les rayures sont plus minces maintenant, donc il faut un meilleur contrôle. Maintenant, regarde ça. Tu vois une flaque de peinture humide là-haut ? Je vais vous montrer comment gérer ça. Il suffit de éponger votre pinceau sur du papier de soie sec et de toucher la flaque d'eau. La brosse va tremper cette flaque d'eau tout de suite. Répétez ceci jusqu'à obtenir une belle couche de peinture lisse. Continuez à remplir le reste des bandes, absorbant les flaques d'eau avec votre brosse au fur et à mesure que vous allez. La chose à propos de ces flaques d'eau est qu'elles peuvent paraître bien maintenant, mais elles provoqueront un séchage inégal, laissant des marques sèches qui sont appelées fleurs. Les fleurs ne sont pas toujours mauvaises, mais maintenant vous savez comment vous en débarrasser si vous en avez besoin. Maintenant, dans ce cas, nous avons un ensemble plus sinueux de rayures. Nous avons juste besoin de faire la même chose, mais essayer de faire en sorte que les courbes soient lisses. Si ça n'arrive pas la première fois, c'est tout à fait normal. Vous pouvez toujours continuer à le faire encore et encore. C' est pourquoi ces exercices sont appelés exercices de pratique. Le damier, c'est en fait l'un de mes modèles préférés pour pratiquer la peinture ou même gribouiller. Tout ce que vous devez faire, c'est un carré à la fois, comme nous l'avons fait, imbiber toutes les pagaies supplémentaires au fur et à mesure que nous partons. Maintenant, pour que ce motif soit son meilleur, notre objectif est de rester le plus proche possible des contours avec chaque carré. Si vous peignez au-delà des contours, ou si vous ne vous approchez pas assez d'eux, cela ne ressemble plus à un motif en damier. C' est un excellent à faire, pratiquer à rester dans vos formes jusqu'à ce que vous l'ayez ressembler à un magnifique damier. Maintenant, c'est un autre damier, mais les lignes sont ondulées cette fois. Pour obtenir ces minuscules courbes, vous avez besoin d'un meilleur contrôle des pinceaux. J' ai inconsciemment tendance à tenir mon pinceau légèrement différemment, quand j'ai besoin d'un peu plus de contrôle. Je change la position de ma brosse en quelque chose comme ça. Je te montrerai encore une fois. C' est comme ça que je tiendrais normalement mon pinceau. Mais quand je veux un meilleur contrôle, je passe à quelque chose comme celui-ci, ce qui me donne une prise plus ferme sur la brosse et donc un meilleur contrôle. De cette façon, je peux bouger ma main toujours aussi légèrement pour obtenir des coups de pinceau hautement contrôlés. Maintenant, cette position exacte peut ou ne pas fonctionner pour vous. n'y a vraiment pas de bonne ou mauvaise façon de tenir un pinceau à mon avis. Mais je vous recommande vraiment d'essayer différentes positions pour voir ce qui fonctionne pour vous et quelle situation. Allez-y et peignez le reste du motif. Si vous remarquez dans ce cas, au lieu de carrés, nous avons des petites formes de diamant courbes à remplir, chacune légèrement différente de la précédente. Cela signifie également que la zone physique que vous devez remplir avec de la peinture est légèrement différente à chaque fois, sorte que la quantité de peinture humide qui peut remplir efficacement chaque forme varie. Cet exercice est formidable pour vous donner un sens intuitif de cela. Autrement dit, si vous le faites réellement. Longue histoire courte, fais ça. Maintenant quelques bandes de largeurs variables. Je trouve utile de faire varier la pression sur mon pinceau dans de tels cas. Donc plus de pression quand je peins les parties plus larges et la légère pression que j'arrive aux parties les plus minces. Dans ce cas, nous avons juste besoin de remplir chacune de ces formes. La technique est essentiellement la même que celle que nous avons pratiquée. Mais remarquez comment je navigue chaque forme légèrement différemment. Mais ne vous inquiétez pas, alors que vous pratiquez notre technique de base de plus en plus, vous développerez un sens intuitif des meilleures façons d'aborder chaque forme. Maintenant, nous peignons ici les zones que nous n'avons pas peintes dans la boîte précédente, ou en d'autres termes, l'espace négatif autour de chacune de ces formes. Nous commençons comme d'habitude, posant de la peinture dans ce coin. Ensuite, vous devez décider si vous voulez vous déplacer à travers ou verticalement vers le bas. Je commence par peindre vers le bas, puis laisse un petit morceau de peinture humide derrière pour gagner du temps pendant que je me déplace à travers la boîte. n'y a pas de bon ou de mauvais choix par défaut, mais la peinture est en cours de séchage, vous devez donc vous déplacer stratégiquement dans les deux sens. Encore une fois, je laisse un blob humide derrière quand je passe à ajouter de la peinture à la section vers le bas. Puis encore une fois, je laisse la fin de celui-là aussi mouillé et revenir en arrière. Bientôt, vous aurez plusieurs directions à vous soucier, pas seulement deux, mais vous aurez le coup de la pratique. De tels exercices sont parfaits pour développer vos compétences de prise de décision rapide parce que vous devez travailler assez vite pour couvrir toute la zone sans laisser de traces sèches sévères. Il se trouve également que vous avez plusieurs directions à suivre à tout moment. Comme je l'ai dit, c'est essentiellement ce que nous devons continuer à faire tout au long de cet exercice. Laissez un blob humide pendre chaque fois que vous passez à peindre une autre zone. Vous avez le temps jusqu'à ce que ce blob commence à sécher. Quand vous remarquez qu'il se dessèche, quittez l'endroit actuel avec un autre blob humide, et passez à autre chose. C' est notre stratégie lorsque nous essayons de remplir de telles zones d'espace négatives, qui si vous y pensez, sont fondamentalement juste des formes avec des trous en eux. On y va. Nous en avons fini avec ces exercices de contrôle des pinceaux. Si vous n'avez pas fait ça avec moi, serait le moment de mettre de la peinture sur papier et de travailler. Faites-le autant de fois que vous en avez besoin. Je vous garantis que vous sortirez de ce sentiment beaucoup plus équipé pour la peinture, les espaces difficiles, étroits. Dans la prochaine leçon, nous allons parler un peu de la recherche d'inspiration avant d'entrer dans notre projet final pour cette classe. 11. Trouver l'inspiration: Parlons un peu de l'inspiration et où la trouver. Maintenant que vous avez terminé tous les exercices de pratique conçus pour vous enseigner les différentes compétences dont vous aurez besoin pour créer les principaux projets de cette classe, je veux terminer cette section en parlant de l'inspiration. Je vous ai emmené à travers quelques éléments essentiels de lettrage et mon processus d'esquisse de lettrage 3D. Cependant, ce que je veux que vous tiriez de ces leçons, c'est le processus au-dessus de tout le reste. Vous n'avez pas besoin de suivre les mêmes styles de lettrage que j'ai démontré, il y a des tonnes de styles de lettrage différents à explorer, et je veux vous encourager à essayer autant de styles de lettrage différents que vous le souhaitez . Maintenant, quand vous pensez à quel style de lettrage 3D explorer, il peut être assez écrasant de simplement trouver quelque chose. C' est normal, indépendamment de la façon dont vous êtes expérimenté et artiste, nous avons tous besoin de nos sources d'inspiration pour faire circuler nos jus créatifs. C' est le sujet de cette leçon, je vais vous montrer certains des endroits où je vais chercher de l'inspiration en lettrage. Avant cela cependant, je veux juste jeter un peu de lumière sur le mot inspiration lui-même et comment il diffère de l'imitation. L' Oxford Dictionary définit l'inspiration comme le processus d'être mentalement stimulé pour faire ou ressentir quelque chose, surtout pour faire quelque chose de créatif. L' imitation est définie comme l'action de copier quelqu'un ou quelque chose. Il y a la différence. Quand nous cherchons de l'inspiration, nous essayons de stimuler notre cerveau à penser d'une manière particulière et non à simplement copier le travail de quelqu'un d'autre. Vous visez à trouver une étincelle qui peut combattre votre propre pensée. La meilleure façon d'éviter de copier aveuglément quelqu'un est toujours mettre un peu de vous-même dans votre travail. De cette façon, votre travail prendra toujours sa propre direction, indépendamment de ce qui l'a inspiré. Laissez-vous inspirer, ne copiez pas , en gros, ne soyez pas un crétin. Maintenant, nous pouvons trouver mes véritables sources d'inspiration. Instagram est l'endroit où je passe une tonne de temps à regarder le travail d'autres artistes de lettrage et à m'inspirer. Il y a tellement de contenu étonnant ici par artistes extrêmement talentueux que vous pouvez découvrir simplement en naviguant sur des hashtags. Par exemple, si vous êtes à la recherche d'inspiration de lettrage 3D, vous avez juste besoin de taper du lettrage 3D dans la barre de recherche Instagram, et lorsque vous appuyez sur le hashtag, vous obtenez des tonnes d'illustrations connexes. C' est vraiment une source d'inspiration infinie ici. J' enregistre également mes messages préférés dans une collection afin que je puisse toujours les regarder plus tard si je le veux. Saviez-vous que l'enregistrement d'un post contribue également à stimuler le post et améliore sa portée sur Instagram ? En faisant cela, vous êtes dans un petit sens en redonnant aux artistes en aidant leurs comptes Instagram à croître un petit peu. Je vais vous montrer quelques styles de lettrage 3D que j'ai trouvé intéressant sur Instagram, je vais également inclure les poignées de l'artiste, alors ne visitez leurs flux et leur montrer un peu d'amour. Puis vient Pinterest, une autre source d'inspiration sans fin. Encore une fois, il suffit de taper du lettrage 3D et de trouver beaucoup d'œuvres d'art connexes. J' ai un tableau Pinterest mis en place pour le lettrage 3D parmi d'autres catégories d'œuvres d' art que vous êtes les bienvenus pour chercher de l'inspiration. J' aime aussi regarder les sites de polices pour l'inspiration de style de lettrage. Oui, une police est intrinsèquement différente du lettrage à la main, mais elle me donne encore beaucoup d' idées pour commencer sur une direction lorsque j'essaie de développer un projet de lettrage. La plupart de ces sites ont une configuration similaire où vous pouvez trouver des tonnes de polices dans différentes catégories. Regardons ce site gratuit appelé dafont.com. Mon favori ici est la catégorie manuscrite sous les polices de script. Habituellement, lorsque je vérifie ceux-ci, j'ai une idée du style que j'imaginais pour ce projet spécifique, donc je garde cela à l'esprit pendant que je fais défiler toutes ces polices. Maintenant, disons que je trouve une que j'aime et que je clique dessus, je peux voir toutes ces pièces de démonstration qui mettent cette police en contexte et me donnent quelques idées créatives à explorer. J' ai aussi l'alphabet entier à la fois en majuscules et en minuscules disponibles dans le même style pour me référer si j'ai besoin. Ce que je pense est idéal pour les débutants explorateurs de lettrage qui essaient de développer des styles cohérents, parce que vous pouvez les observer pour comprendre la relation entre les différents caractères dans un style de lettrage particulier. Voici ma partie préférée. Si je monte ici, je peux taper les mots exacts dont j'ai besoin pour écrire et voir à quoi cela peut ressembler dans ce style. Cela me donne vraiment un visuel de ce que j'ai essayé d'imaginer tout ce temps, donc c'est assez génial. Encore une fois, ce n'est pas pour copier, vous devez mettre votre propre spin dessus et devenir créatif, mais cela aide vraiment à visualiser afin que vous puissiez trouver des moyens créatifs de manipuler le style. Vous pouvez également regarder d'autres sources comme les magazines de design, les livres de lettrage et les emballages vintage pour plus d'inspiration de lettrage, aucune de ces sources que je n'ai malheureusement pas eu à vous montrer. En fin de compte, tout l'art est inspiré par quelque chose ou par l'autre, et les choses que nous voyons dans notre vie quotidienne, sciemment ou sans le savoir, influent sur notre façon de penser et, à son tour, sur ce que nous créons. Entourez-vous des meilleures choses pour vous garder constamment inspiré. Mon espace de travail et mon environnement de vie sont extrêmement importants pour moi de pouvoir penser de manière créative. Assurez-vous de remplir votre espèce avec des choses qui vous apportent la joie et chatouillent vos capteurs créatifs de la meilleure façon. Maintenant, avant de travailler sur nos principaux projets, faites une pause, faites un petit quelque chose qui vous aide à vous détendre. C' est peut-être une tasse de café ou une marche lente. Dans mon cas, la plupart de mes freins sont remplis de beaucoup de baisers humides et la grippe la plus douce féroce des smangers de ma petite fille. Je vais jouer un peu avec elle et vous rattraper dans la prochaine leçon où nous allons utiliser le générateur de mèmes que j'ai créé pour trouver nos mèmes uniques créatifs. 12. Générateur de noms d'oeuvre créative: Hé, les âmes créatives. Vous êtes tous frais et prêts à botter les fesses avec notre projet final pour ce cours ? Avant de plonger dans le projet lui-même, je voulais faire une leçon rapide sur l'utilisation du générateur de noms que j'ai trouvé. Au lieu de choisir des mots aléatoires, nous allons écrire nos noms d'âmes créatives pour notre projet principal. J' ai mis en place ce générateur de noms pour que vous arriviez à vos propres noms d'âmes créatives. Il est à nouveau disponible en téléchargement, dans la section ressource de cette classe. Si pour une raison quelconque vous n'êtes pas en mesure d'accéder à la section des ressources, je fais aussi sauter cela un peu, donc vous pouvez simplement en saisir une capture d'écran à la place. Je suis presque sûr que vous pouvez comprendre ça par vous-même, mais je vais juste prendre une minute pour vous faire traverser ça. Votre nom d'âme créatrice est une combinaison de mots dérivés de votre mois d'anniversaire et de la première lettre de votre prénom. Disons que si votre nom est Susan et que vous êtes né en octobre, nous devons d'abord vérifier ce qui correspond à Octobre. C' est rebelle. Ensuite, la première lettre de votre nom est S, ce qui correspond à Singlewave ici. Donc votre nom d'âme créatrice serait Rebelle Singlewave. De même, si votre nom est Mike et que vous êtes né en mars, votre nom d'âme créatrice serait Zesty Momoweb. Comme vous le savez, je m'appelle Vinitha et mon anniversaire est en janvier. Selon ce générateur de noms, mon nom d'âme créatrice est Magical Peachflame. C' est ce que je vais écrire pour mon projet principal dans cette classe. Allez-y et amusez-vous avec ça. Utilisez votre nom et votre mois de naissance pour trouver votre nom d'âme créative et préparez-vous à commencer avec ce projet amusant. Vous pouvez également utiliser le nom d'un être cher et créer une pièce à leur donner si vous le souhaitez. Clause de non-responsabilité rapide ; tout cela est juste pour s'amuser et rien de plus. n'y a aucune implication cachée à aucun des noms que ce générateur pourrait suggérer. La plupart d'entre eux sont en fait juste des mots inventés qui sonnent amusant. J' espère que tu prendras ça pour l'aspect amusant de ça seul. Si dans tous les cas vous ne voulez pas utiliser ces noms, vous pouvez très bien vous sentir libre d'utiliser vos propres noms ou tout autre mot que vous souhaitez écrire. Je te promets de ne pas le retenir contre toi. Quoi qu'il en soit, je pense que ça va être super amusant de le faire et aussi savoir quels noms d'âme créatifs vos camarades ont fini avec. À la fin du projet, plus de les télécharger ici dans la galerie du projet, vous pouvez également les poster sur Instagram en utilisant le hashtag, #MyCreativeSoulName afin que nous puissions voir toutes vos créations en un seul endroit. Une fois que vous serez prêt avec vos noms d'âme créatifs, passez à notre prochaine leçon, où nous lancerons des projets de démarrage avec quelques brainstorming et des croquis. 13. Conceptualisation et ébauche: Maintenant que nous avons nos noms d'âme créatifs prêts, nous pouvons enfin commencer notre projet principal pour cette classe. Es-tu excité ? Nous allons créer à partir de zéro une pièce de lettrage 3D aquarelle, réunissant toutes les compétences que nous avons développées dans les sections précédentes. Dans cette leçon, nous allons faire un remue-méninges et en arriver à un concept et le développer en un croquis raffiné prêt à être transféré sur du papier aquarelle pour la peinture. J' ai divisé cette leçon plus loin en phases, juste pour qu'il vous soit facile de le revoir à n'importe quel stade ultérieur, si vous le souhaitez. Passons à la première phase, qui est le brainstorming. Nous devons d'abord retirer toutes ces idées qui se cachent dans notre cerveau et les mettre sur papier. Cela nous donne non seulement de la place pour d'autres idées, mais nous aide également à voir nos pensées devant nous sur papier. D' abord, j'aime toujours écrire les mots que je vais écrire. Dans mon cas, comme vous le savez, je suis arrivé à la flamme magique de pêche. Ensuite, je passe à poser quelques idées sous la forme de petits croquis miniatures. J' ai d'abord posé la première pensée qui est dans ma tête en ce moment, qui est une forme d'arc avec un style de script cursif intérieur magique et flamme de pêche dans tous les casquettes avec une petite illustration de pêche sous tout. Ensuite, je veux voir à quoi cela ressemble si je change les styles pour chaque mot dans la même mise en page. Vous n'avez pas besoin d'être précieux à ce sujet. Ce sont des croquis très initiaux juste pour extraire et visualiser des idées pour trouver une direction qui mérite d'être explorée. Maintenant, avons-nous besoin du bœuf ou pouvons-nous simplement le garder simple avec des lignes droites et un style de script uniforme tout au long ? Ou que diriez-vous de placer nos mots à un angle et d'utiliser les espaces de coin vides pour placer les éléments illustratifs. Juste jouer avec cela un peu plus en essayant quelques idées florissantes et en déplaçant l'illustration autour. En fait, j'aime celle-là, donc je vais l'explorer un peu plus, juste en jouant avec la mise en page un peu pour voir ce qui fonctionne. Une chose que je cherche toujours est comment tirer le meilleur parti des espaces formés entre les différentes lettres. Ici, j'essaie de voir si je peux effectivement nicher magique dans l'espace à côté du grand P. Ou la queue du G est en conflit avec toutes les grandes lettres en dessous, donc probablement pas. Je pense que la même chose s'applique ici, si nous gardons la flamme de pêche dans toutes les casquettes, il n'y aura pas de place pour la queue du G dans la magie. Pas celle-là. Mais je pense que l'inverse pourrait marcher. Voyons à quoi cela ressemblerait si nous revenons à avoir une flamme de pêche dans un style de script et rentre magique dans tous les casquettes dans l'espace au-dessus. Cela ouvre également un peu d'espace pour ajouter dans les illustrations de pêche symétriquement de chaque côté. Puisque j'aime ce dernier, je vais utiliser cela comme direction pour explorer et développer le concept plus loin. J' ai la petite vignette ici sur le côté pour me référer comme je commence à en faire une plus grande avec quelques détails. abord, je viens de crayonner dans quelques guides pour que mes deux mots soient assis sur le dessus de. Ensuite, au lieu d'essayer directement de dessiner les lettres sous un angle, je les encadre d'abord sur une ligne droite afin que je puisse me référer à cela et faire le lettrage d'angle. Maintenant, nous pouvons essayer de les incliner et de les placer dans la miniature. C' est une façon de le faire. Il suffit d'incliner la ligne de base et de garder les lettres à la perpendiculaire à elle. Mais ce n'est pas ce que je veux faire. Je veux que les lignes de base soient à un angle, mais je veux quand même que les lettres soient le long de l'axe vertical. Donc je vais juste indiquer quelques lignes verticales approximatives pour me guider, et ensuite je vais esquisser mes lettres. Toujours pas trop précieux à ce sujet. J' ai l'impression qu'il y a trop de détails similaires ici et je veux juste rompre ça. Peut-être que changer un peu le F va aider. Je pense que nous pouvons essayer de refléter ce qui se passe avec le H ici, sur le L aussi en faisant quelque chose comme ça. Ça a l'air bizarre d'être honnête. Que pouvons-nous faire à ce sujet ? Peut-être changer un peu les courbes. Non, je n'aime toujours pas ça. J' aime le vieux aspect symétrie de celui-ci, mais il ne ressemble pas à un L et pour moi, concevoir des lettres qui sacrifient la lisibilité va à l'encontre de son but. Pour l'instant, je vais juste aller avec un vieux L et voir ce que je peux faire d'autre. Comme, je peux aller de l'avant et ajouter la petite forme de pêche à ce détail H ici et nous allons juste le laisser accrocher de ce côté aussi pour l'instant, peut-être ajouter des feuilles aussi bien. Pour ces feuilles, je pense que si on peut y incorporer certains de ces éléments de flamme. Au lieu d'une forme de feuille régulière, peut-être essayer de faire une feuille plus inspirée de la flamme. J' aime que mes éléments illustratifs soient tirés autant que possible des mots eux-mêmes. On peut voir à quoi il ressemble attaché à une pêche aussi. L' aspect magique peut être représenté par quelques étincelles, petites étoiles, points et autres choses, et pour la flamme de pêche, nous avons ceci. Maintenant, je pense que la magie a l'air trop basique. On veut que ça ait l'air magique. Je vais voir comment je peux apporter de la magie à notre magie. Pendant que vous comptez combien de fois je vais dire le mot magique. J' aime le dernier avec toutes ses courbes, donc je vais mettre ça ici et voir à quoi ça ressemble. Si vous remarquez, j'ai ajouté quelques petits détails amusants comme le je suis niché dans le G et la barre transversale du E collant dans le C. Ensuite, j'explore quelques touches décoratives que je peux ajouter à la flamme de pêche ici. Je pense à des façons dont je peux obtenir le F pour remplir une partie de l'espace en bas à droite. Oui, c'est de ça que je parle. Vous voyez, cela résout ce problème ainsi que ajoute ce quelque chose supplémentaire à la L. Maintenant, je veux équilibrer la ligne en bas à droite avec un autre similaire en haut gauche et une belle petite courbe là-haut pour refléter la boucle et le F. Je vais juste laisser quelques nœuds ici parce que je veux déplacer cela ici un peu et rendre le P un peu plus grand pour que tout s'intègre un peu plus bien. Maintenant que nous avons une idée de base de ce que nous voulons accomplir, nous pouvons passer à notre prochaine étape, à savoir l'esquisse. C' est là que nous allons développer le concept en un croquis plus raffiné. Je commence par poser quelques guides sur un papier quadrillé à l'intérieur d'un carré d'environ sept pouces par huit pouces. Si vous prévoyez d'effectuer le tracé final vers le papier aquarelle directement à partir de votre esquisse, vous pouvez le faire à l'échelle, pour tenir dans votre papier aquarelle. Si vous effectuez un suivi à l'aide d'une tablette comme l'iPad Pro, vous pouvez toujours ajuster l'échelle ultérieurement. J' ai marqué les lignes centrales horizontales et verticales et quelques guides inclinés pour que chacun de mes mots soit assis à l'intérieur. Maintenant, je veux que le mot magique s'insère bien dans l'espace ici, donc je vais commencer par la flamme de pêche pour que je puisse le positionner en conséquence. D' abord, il y a combien de lettres ? Un, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10. Donc cinq de chaque côté de la ligne centrale. Je pense que ce sera bien si le F est juste au milieu, car c'est aussi un élément de style proéminent. Je commence par le F, puis je commence à esquisser le reste du mot vers la droite en utilisant la grille pour m'aider à aligner mes lignes verticales. Sur le côté gauche, j'ai travaillé à partir du centre pour que je puisse obtenir un meilleur placement. Une fois que le cadre de base est en panne, je commence à affiner les courbes et l'espacement et les choses dans les lettres. Je commence aussi à ajouter quelques détails au fur et à mesure que je vais et il me semble que je puisse incorporer la pêche ici comme une floraison pour le H. De l'autre côté, nous pouvons essayer de l'attacher au M. J'aime cette direction, mais il a juste besoin de quelques ajustements. J' essaie de faire moins de forme de cœur et plus de forme de pêche en ajustant un peu les courbes autour. Maintenant pour magique, il y a 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 lettres. Techniquement, la quatrième lettre, qui dans ce cas est le I, doit venir au milieu. Puisque nous sommes en train de nous emboîter le I sur le G, je vais placer le G très près de la ligne centrale et le prendre à partir de là. Maintenant, je me suis rendu compte que les guides que j'ai dessinés pour magie sont trop éloignés, ce qui signifie que je vais devoir rendre chaque lettre vraiment grande et maigre pour tenir dans l'espace et je ne veux pas cela. Maintenant, je fais une phase de type pour magique. J' efface tout le truc et déplace le guide supérieur vers le bas pour recommencer avec quelques lettres plus courtes. Je pense que ça a l'air beaucoup mieux. Je vais courber un peu ces lignes pour voir à quoi ça ressemble parce que j'espère que ça va lui donner un peu d'énergie et de dynamique, mais pas tout à fait. Je pense que je préfère sans les courbes, donc je retourne à des lignes droites et courbe juste les barres transversales à la place. Ensuite, nous devons esquisser certaines des fleurs et des éléments décoratifs. Je fais cela, en essayant de garder les lignes aussi propres que possible et parallèles là où cela est nécessaire. Maintenant, il y a un espace vide ici, donc je veux ajouter un peu de floraison au M. Je joue avec ça un peu jusqu'à ce que je trouve une forme et une position que j'aime et j'essaie d' imiter cette forme de la s'épanouir ici sur le L aussi. Ensuite, nous passons à jouer avec les éléments décoratifs. J' aime utiliser ces formes sinueuses et ressemblant à des larmes pour remplir des espaces vides avec. Ils ajoutent également beaucoup de dynamique et mènent vos yeux raison de la façon dont ils sont directionnels et pleins de caractère. Je vais juste avec le flux et gâcher avec quelques formes jusqu'à ce que je suis content de la façon dont j'utilise les espaces vides. Comme vous pouvez le voir, tout cela prend des essais et des erreurs et c'est totalement cool. Nous essayons de faire tous les allers-retours ici et pas directement sur le papier aquarelle pour que nous ayons la liberté de vraiment jouer. Allez-y et profitez de l'ensemble du processus, des itérations et tout. Une fois que nous sommes satisfaits de cela, nous pouvons passer à ajouter du poids à notre lettrage. J' ai décidé d'aller en monoline avec ça, donc je vais juste aller de l'avant et épaissir tout. N' oubliez pas d'être conscient des directives lorsque vous faites cela et d'épaissir les traits de manière à ce que la mise en page ne soit pas déséquilibrée. Puis j'ai ajouté quelques petits éléments étincelants pour apporter un peu de magie à tout ça. Maintenant, nous avons la version 2D de notre lettrage prêt et cela nous amène à la phase suivante de notre processus d'esquisse qui ajoute de la dimension. C' est à ce moment que nous allons suivre notre processus en cinq étapes que vous connaissez déjà, pour convertir notre lettrage en une pièce tridimensionnelle. Nous commençons par l'étape 1, qui consiste à tracer le lettrage sur une feuille de papier translucide. J' utilise le même modèle que j'ai utilisé précédemment. moment, je vais tracer seulement le lettrage et celui qui perd l'élément florissant sur le dessus parce que je ne veux pas convertir aucun des autres éléments en 3D. Ensuite, je passe en revue tous ces contours avec mon stylo fin noir pour différencier facilement la phase frontale des autres phases. C' est fait et nous y voilà. Maintenant, étape 2, traçant le lettrage une seconde fois à une nouvelle position de décalage. Au fait, je veux vraiment m'excuser pour le haut de ma tête qui fait une apparition dans le cadre de temps en temps. J' ai cette horrible habitude de presser mon travail quand j'entre vraiment dans le groove. Si vous avez quelques conseils pour me débarrasser de cette habitude, s'il vous plaît aidez-moi avec eux. Comme nous avons déjà fait les contours noirs sur la phase frontale, nous allons sauter l'étape 3, qui, si vous vous souvenez, était d'ombrager dans toute la phase frontale. moment, les contours du stylo indiquent cette phase, la phase avant, et les contours du crayon, la phase arrière. Ensuite, nous devons faire ces phases secondaires. étape 4 consiste à relier les phases avant et arrière avec des lignes droites aux points correspondants. Enfin, l'étape 5 consiste à assombrir les lignes dont nous avons besoin pour ne pas les confondre avec celles dont nous n'avons pas besoin. Je vais le faire en utilisant mon stylo fin noir à nouveau. Juste pour vous donner un aperçu, sont les domaines que nous allons peindre avec des aquarelles dans la prochaine leçon, donc fondamentalement, seulement les phases 3D et pas la phase frontale elle-même parce que la peinture spatiale négative, non ? Avant de passer à la peinture, nous avons une dernière étape, qui consiste à transférer nos autres éléments décoratifs sur le papier translucide pour compléter la mise en page. Je repositionnerai encore une fois les papiers pour trouver le point doux et tracer tous nos éléments décoratifs. Vous constaterez peut-être que certains d'entre eux se chevauchent désormais avec notre lettrage 3D. Vous pouvez vous sentir libre de les ignorer ou les ajuster à des positions plus appropriées comme bon vous semble. Vous pouvez également aller de l'avant et encreur les contours avec un stylo une fois que vous en êtes satisfait. Nous sommes arrivés à la fin du processus d'esquisse. Nous avons maintenant un croquis qui est prêt à être transféré sur le papier aquarelle. Comme vous l'avez vu dans cette leçon, le processus d'esquisse est très crucial pour obtenir une mise en page équilibrée de vos pièces de lettrage. J' ai décidé d'inclure tous les va-et-vient que j'ai traversé avec cette pièce sans éditer aucune des parties itératives parce que je voulais la normaliser. Je veux te dire que c'est bon. Il peut sembler que d'autres artistes sont en mesure de l'ailier et de donner vie à une pièce fabuleuse hors de l'air, mais c'est rarement le cas. Profitez du processus et profitez de toutes les occasions que vous avez pour faire des ajustements jusqu'à ce que vous soyez satisfait du résultat final parce qu'à la fin, c'est de cela que tout cela est au sujet, n'est-ce pas ? J' ai hâte de voir tous vos croquis de lettrage 3D que vous avez mis tant de travail à perfectionner. Vous connaissez la perceuse, téléchargez-les. Dans la leçon suivante, nous allons ajouter des couleurs à notre croquis et donner vie à tout. Rattrapons là-haut. 14. Peindre à l'aquarelle: Prêt à apporter vos croquis à vivre avec un peu de peinture négative avec des aquarelles ? Dans cette leçon, nous allons mettre à profit toutes les compétences que nous avons développées dans les leçons contrôlées de cohérence de peinture et d'écrasement, pour peindre les faces 3D de notre pièce de lettrage. Nous laisserons la face avant non peinte et la définirons en utilisant le contraste entre le blanc du papier et les surfaces 3D peintes. Puisque nous peignons autour de la face avant et pas à l'intérieur, c' est pourquoi nous pouvons appeler cette peinture négative. On doit ? Je suis allé de l'avant et j'ai transféré mon croquis sur une feuille de papier aquarelle de 9 pouces de large et 8 pouces de haut. J' ai essayé de garder les lignes de crayon légères tout en le gardant visible pour vous. Je vous suggère d'aller encore plus léger parce que la plupart de ces lignes vont rester sous les couleurs de l'eau, donc ils ne vont pas tous être soulevés finalement. Maintenant, j'ai décidé d'aller avec une seule couleur pour tout mon lettrage. Pour cela, j'ai choisi cette nuance orange vif appelée hibiscus de ma palette tropicale. Vous pouvez par tous les moyens choisir plusieurs couleurs pour différentes parties du lettrage, ou même mélanger les couleurs dans les formes. En fait, j'ai inclus un conseil bonus plus tard dans cette vidéo sur le mélange efficace des aquarelles. Vous pouvez sauter à cela et revenir ici si vous prévoyez de faire n'importe quel mélange de couleurs à ce stade. J' ai sorti une partie de la peinture dans mon puits de mélange, et je l'arroser quelque part autour du côté plus mince de la consistance du lait. Je vais tremper mon pinceau dans l'eau chaque fois que je recharge avec de la peinture, ce qui me donnera la flexibilité d' aborder la consistance du café si et quand j'en ai besoin. Tout au long de cette leçon, je vais peindre avec le pinceau rond Artesia taille zéro. Je commence par charger ma brosse humide avec de la peinture du puits de mélange. Ensuite, comme nous l'avons fait dans tous nos exercices de pratique, nous plaçons une boule de peinture près du contour et nous la faisons glisser pour remplir la forme. Rechargez le pinceau avec de la peinture chaque fois que le blob n'est pas assez humide pour être poussé facilement et répétez. Vous devez être conscient de la forme que vous remplissez parce que n'oubliez nous ne voulons pas que nos faces avant soient peintes. Gardez un mouchoir sec à portée de main pour effacer toutes les pagaies pendant que vous peignez. Surtout lorsque vous arrivez à des espaces plus étroits, vous pouvez vous retrouver avec des blobs trop humides même après avoir rempli la forme. En outre, lorsque vous entrez dans les coins serrés, il aide à alléger la pression sur votre brosse pour obtenir les coups les plus fins. Maintenant, tous les points de lettrage 3D sont faits. Ensuite, nous devons passer à la peinture des éléments décoratifs restants. Je pense que je veux aller avec des greens pour apporter des contrastes et de la fraîcheur à la pièce. Pour cela, j'ai choisi deux nuances, un vert frais plus foncé appelé Island, et un vert jaunâtre vif chaud appelé perroquet, tous deux de la même palette tropicale. J' ai appris à créer un dégradé avec ces deux couleurs et chacune des embellissements. Ensuite, je vais vous montrer quelques conseils bonus pour vous aider à obtenir un mélange de couleurs efficace en utilisant des aquarelles. Disons que je veux créer un dégradé sombre à clair sur le carré. Je commence comme d'habitude en posant un blob de ma première couleur qui dans ce cas est le vert plus profond, puis je tire la peinture autour de la même façon que nous avons fait. Mais cette fois, nous ne remplirons pas toute la forme, il suffit de ramener la peinture à environ la moitié de la zone et arrêter afin que nous puissions mélanger notre deuxième couleur dans la zone restante. Ensuite, je place un blob de la peinture verte plus brillante à côté de la zone plus sombre. Maintenant, parce que nous avons un beau bord humide ici, nous pouvons juste mélanger les deux ensemble au milieu et tirer les peintures vers le bas pour remplir le reste de la forme. Il aide à travailler dans la zone médiane un peu plus pour obtenir un mélange plus homogène. Une fois que vous êtes satisfait du gradient, vous pouvez aller de l'avant et utiliser une brosse sèche pour effacer toutes les pagaies mouillées. Essayons encore ça. Peindre dans la première couleur sur la moitié de la zone et arrêter. Ajoutez un blob humide sur le bord si nécessaire, puis utilisez votre deuxième couleur pour remplir l'espace. Déplacez le pinceau pour se fondre facilement et enfin effacez les pagaies supplémentaires. Maintenant que se passe-t-il si la peinture n'est pas assez humide sur les lieux ? Allons le découvrir. Ce bord est sec et je n'ajoute plus d'humidité. Je procède à l'ajout de la deuxième couleur. Tu vois comment ils ne se mélangent pas aussi bien ? Vous pouvez toujours le réparer presque, mais vous risquez aussi détruire la texture du papier avec tout ce frottement. Vous êtes certainement mieux de vous assurer qu'il y a de la peinture humide sur la scène avant d'essayer de mélanger les couleurs. Vous pouvez appliquer la même technique pour peindre un dégradé dans nos formes de larme. J' aime commencer par le coin ici et poser l'ombre plus foncée jusqu'à la moitié du chemin. Je pense que le bord ici est un peu trop humide, donc je m'imprégner un peu de l'humidité ici, puis aller de l'avant avec l'ajout de la couleur plus vive et tirer pour remplir l'espace. Si la zone est assez grande, j'aime recharger le pinceau avec ma deuxième couleur avant peindre les derniers bits pour qu'il s'avère agréable et lumineux. Ok, je vais en faire une de plus. Maintenant, faites exactement ça pour peindre tous les éléments décoratifs en forme de goutte de larme , puis les petits étincelles aussi. Je pense que le gradient vert rend ceux-ci beaux et juteux et aussi d'une manière comme des feuilles. Tu ne crois pas ? J' ai éclaboussé de la peinture qui, bien sûr, est fabuleuse parce que maintenant nous avons l'occasion d'apprendre ce qu'il faut faire à ce sujet. Tout d'abord, ne paniquez pas, c'est réparable. Ramassez un peu d'eau avec une brosse propre si possible et travaillez dans la tache, il suffit de la frotter à l'aide de la brosse, puis utilisez un Q-tip propre si vous le pouvez. Je n'en ai pas un à portée de main, donc j'utilise un tissu propre et sec pour tremper l'eau. Vous devrez peut-être répéter cela plusieurs fois. Je vais chanter, j'aime utiliser des ingrédients dans mes morceaux d'aquarelle. Je pense que nous sommes super efficaces même s'ils sont incorporés dans de minuscules vagues. Si vous voulez apprendre à mélanger les aquarelles de façon plus ordonnée, j'ai toute une leçon consacrée au mélange de couleurs dans ma classe appelée lettrage d'espace négatif avec des aquarelles. Là, je vous guide à travers l'application de cette technique pour obtenir des gradients dans différents styles et directions, comme des dégradés diagonaux et des dégradés radiaux pour n'en nommer que quelques-uns. À la fin de cette leçon, il y a aussi un cours intensif sur les bases de la théorie des couleurs afin que vous puissiez utiliser ces connaissances pour éviter les mélanges boueux et choisir des couleurs qui se fondent magnifiquement les unes avec les autres à la place. Maintenant, on en a fini avec toutes les larmes et les petits étincelles. Ensuite, je veux saupoudrer dans quelques points au hasard à travers la composition. abord, je fais quelques en utilisant le vert foncé, puis un peu plus avec le vert rembourré plus lumineux. Je ne sais jamais quand m'arrêter avec ces petites touches, mais ça me semble bien. Nous avons une dernière étape qui consiste à effacer les contours du crayon. Nous devons y aller doucement pour éviter d'endommager le papier ou d'émousser les couleurs. Je préférerais faire plusieurs passes douces avec la gomme, puis une seule passe agressive. Voici un autre conseil. N' utilisez pas vos mains pour enlever la poussière de la gomme de vos morceaux finaux, utilisez plutôt un gros pinceau. Il gardera vos œuvres d'art sûres et propres sans risque d'avoir de mauvaises taches. Mais assurez-vous que la brosse est propre et sèche avant de le faire. J' utilise ce pinceau particulier presque exclusivement pour ce travail et tout comme ça, nous avons fini avec la phase de peinture et donc le projet lui-même. J' attends toujours avec impatience de voir à quoi cela ressemble après la sortie des contours du crayon parce que cela fait vraiment une différence. Êtes-vous satisfait des dernières pièces que vous avez créées ? J' espère que vous l'êtes parce que je suis très fier de vous d'avoir réussi. Tu as tellement appris et je suis sûr que ça va se montrer dans ton travail. Je me suis tellement amusé à créer cette paix avec toi. Maintenant, il y a une dernière vidéo avec mes dernières pensées, c'est moi là pour un j'espère très temporaire à vibes. 15. Réflexions finales: Félicitations de vous avoir fait traverser toute cette classe. J' espère que vous avez vraiment apprécié les cinq mini projets et le projet final de cette classe. Quant à moi, j'ai eu un ballon total et je suis tellement honoré d'avoir pu partager avec vous la petite partie de mon voyage créatif. Dans cette classe, vous avez appris que l'espace négatif est l'espace autour du sujet d'une image, et la peinture négative n'est fondamentalement pas peindre la forme elle-même et peindre tout le reste à la place, et vous savez maintenant trois différentes approches du lettrage à la main. Tout d'abord, la calligraphie, qui est l'art d'écrire des lettres à l'aide d'outils spécifiques et de faire varier la pression que vous écrivez pour obtenir des traits épais et fins. Deuxièmement, le lettrage monoline, qui, comme son nom l'indique, est l'art d'écrire ou d'illustrer des lettres avec un poids de ligne uniforme, et enfin, la fausse calligraphie où nous utilisons n'importe quel outil d'écriture de base pour dessiner d'abord les lettres en utilisant des traits de monoline, puis en choisissant seulement les coups de bas pour imiter le look de la calligraphie. Après avoir appris à appliquer les principes de base de l' esquisse 3D pour convertir votre lettrage bidimensionnel en pièce 3D, vous connaissez maintenant notre processus simple en cinq étapes pour convertir n'importe quelle forme 2D en esquisse 3D. Dans le monde de la peinture à l'aquarelle, vous avez plongé cohérence de la peinture et êtes maintenant un expert dans l'application de l'analogie du thé au beurre pour décisions de cohérence de la peinture dans tous vos projets d'aquarelle ci - après. En outre, vous savez également exactement comment contrôler vos pinceaux pour peindre efficacement dans les espaces restreints, comment enlever les flaques d'eau et éviter les fleurs si vous le souhaitez, et comment faire face aux accidents d'éclaboussures de peinture. En fin de compte, s'il y a une chose que j'espère que vous avez prise dans cette classe, les possibilités qui s'ouvrent quand vous ce sontles possibilités qui s'ouvrent quand vous imaginez des façons de combiner efficacement plusieurs compétences et de créer des processus pour vous-même qui vous prennent seul. passionnantes aventures et vous avez déjà rassemblé tous ces nouveaux apprentissages à utiliser lorsque vous avez créé vos morceaux de lettrage 3D peints négatifs pour votre projet final, que j'attends avec impatience de voir. Avez-vous téléchargé votre travail dans la galerie de projets ? Je vais vérifier le plus souvent possible et écrire à chacun de vous. N' oubliez pas d'utiliser le hashtag myCreativeSoulName et tagvez-moi lorsque vous publiez vos morceaux sur instagram. Je veux voir toutes les belles pièces que cette classe vous inspire à créer même dans le futur. Connectez-vous avec moi sur Instagram et étiquez-moi dans vos messages. J' aimerais savoir ce que vous pensez de ma classe, et si vous avez trouvé de la valeur dans cette classe, s'il vous plaît laisser un commentaire et répandre le mot avec vos amis et votre famille. Suivez-moi ici sur Skillshare afin que vous soyez averti immédiatement lorsque je publierai un nouveau cours. Comme je l'ai mentionné précédemment, j'ai une classe très étroitement liée ici sur Skillshare appelée lettrage d'espace négatif avec des aquarelles. Si vous avez apprécié ce cours, vous allez certainement profiter de celui-ci aussi. J' enseigne une approche légèrement différente de la peinture négative là-bas, alors vérifiez si vous ne l'avez pas déjà fait. Je tiens à vous remercier de m'avoir rejoint ici dans ce cours et de l'avoir mené à bien. Au revoir pour l'instant, à la prochaine fois.