Leçons de superposition à l'aquarelle : Comment créer des œuvres d'art avec de la profondeur, de l'intérêt et du détail.

1. Introduction: Salut. Je m'appelle Natalie Martin, et je suis une aquarelle australienne. C' est mon troisième cours en ligne intitulé Leçons de superposition à l'aquarelle. Si vous m'avez rejoint pour Welcome to Aquarelle ou The Magic of Color Mixing, bienvenue directement ici, et si vous vous joignez à moi pour la première fois, j'ai hâte que vous sautiez à bord. L' utilisation de couches dans l'aquarelle est l'utilisation de l'aquarelle à son plus grand potentiel. C' est un outil super puissant pour créer de la profondeur, intérêt et des détails dans votre travail. Je voulais vraiment appeler ce cours Patience Jeune sauterelle, parce que la patience va être notre ingrédient secret tout au long de l'histoire. L' avantage de ce cours en ligne est que vous êtes en mesure d'arrêter, de respirer, ranger le travail et de le laisser sécher complètement afin que nous puissions obtenir le meilleur résultat possible pour notre processus de superposition. Il est si important de laisser votre travail sécher complètement. patience est le grand ingrédient secret clé, et je ne peux pas vous inculquer assez à quel point c'est important, mais elle a aussi une expérience agréable. Il y a tellement de façons d'utiliser des couches à l'aquarelle et que la limite est vraiment infinie. Vous pouvez l'utiliser pour créer de la profondeur et du contraste, beaucoup d'intérêt et de détails, et je pense que c'est la magie qui peut vraiment élever votre travail au niveau supérieur. Dans ce cours, nous allons aborder les concepts les plus élémentaires de la superposition et explorer dans et autour de cela, puis étendre dans divers domaines comme l'espace négatif, puis comment amener les choses à un niveau supérieur et créer une série de fonctionne. Nous allons également couvrir les lacunes dans les connaissances ; choses comme une expansion sur les idées de l'endroit où aller avec les matériaux, fixation de petites zones et de petites choses qui se produisent sur le chemin de la torsion de l'intrigue, et le travail à partir de photos, parce que je pense que c'est une chose si importante et manquée qui se passe dans nos cours quand nous travaillons à partir de photos. De là, nous allons commencer, j'ai hâte, et je suis ravie de vous apporter ce cours. 2. Matériaux et entretien du matériel: Avant de peindre, passons en revue les matériaux avec lesquels nous travaillons dans le cours d'aujourd'hui. Je les ai tous mis en place devant moi. Je vais commencer par nos peintures. Tout est essentiellement ce que nous avons travaillé dans Welcome to Aquarelle avec quelques petits ajouts. Les peintures que j'utiliserai sont les mêmes. C' est la couleur que je connais, les peintures à l'aquarelle ici. Ceux-ci se sont déroulés dans de belles couleurs vibrantes. Nous avons des brosses rondes synthétiques. J' adore ces pinceaux et j'ai en fait, dans mon rouleau de brosse ici, j'ai toute une gamme d'autres pinceaux ronds, mais je voulais surtout vous montrer ces deux pinceaux parce que ce sont les deux que j'ai utilisés dans Welcome to Aquarelle. Ils sont exactement les mêmes, mais j'ai dû en acheter de nouveaux parce qu'ils sont complètement usés. Si vous pouvez voir ici, je pourrais juste les planer là, les nouveaux ont ce beau point et les poils tiennent ensemble, alors que celui-ci est complètement terne. C' est à cause ou à cause d'une surutilisation qu'ils sont complètement usés, et vous pouvez voir ces petits morceaux de fuite ici. Il est un peu fatigué et il a besoin de prendre sa retraite et de la même taille ici. Je pense que le point est encore plus évident. Vous pouvez voir que j'ai complètement cranté la pointe de ces pinceaux. Ils n'auront pas le même contrôle et la même précision que ceux que j'ai avec ces nouveaux. C' est quelque chose que vous devez remplacer de temps en temps. Toutes ces brosses ici, essentiellement, en particulier celles qui sont en haut, sont des brosses rondes synthétiques. Chaque marque a un cône différent à la pointe, une capacité d'eau différente. J' adore explorer toutes les sortes de choses. J' ai des Princeton, ce sont mes propres pinceaux Princeton Elite, des pinceaux Micador Roymac. Ils sont un peu plus doux que ce avec quoi j'ai travaillé. J' ai des pinceaux Princeton Velvetouch. Ceux-ci ont un point exceptionnellement fin. Pas idéal pour certaines situations, mais brillant pour d'autres situations. Je les utilise de temps en temps. Puis j'ai commencé à travailler avec ces pinceaux que j'aime absolument. Ils sont par un autre artiste d'aquarelle appelé Polina Bright. Elle utilise ces poils très longs. La capacité de rétention d'eau est tellement impressionnante, je les adore absolument. Aujourd'hui, je vais utiliser mes pinceaux Princeton Elite. Ce ne sont que des pinceaux de main-d'œuvre impressionnants et je n'avais pas besoin de beaucoup plus que ça. A côté de nos peintures et de nos pinceaux, nous avons du papier. J' ai deux tailles ici parce que je vais faire quelques exercices sur du papier plus petit. Vous êtes les bienvenus pour travailler simplement sur des formes ou tout ce que vous avez. Je recommande certainement d'utiliser du papier aquarelle. J' en ai plongé un peu plus profondément dans la section « Welcome to Aquarelle ». Le papier est évidemment aussi grand basé à l'aquarelle et il définit vraiment le résultat du travail donc certainement travailler sur le papier aquarelle. Évitez d'utiliser uniquement votre papier d'imprimante standard. J' en ai un peu là, donc je peux faire des croquis et je ne gaspille pas mon bon papier quand je suis juste en train de déposer des idées. En plus, j'ai ma palette de peinture. J' ai nettoyé ça. J' ai normalement tout désordre et niveler ma peinture là parce que l'aquarelle est reconstituable. Mais pour le but d'aujourd'hui, pour que vous puissiez voir ce que je mélange, je viens de le nettoyer. On a notre serviette en papier. La serviette en papier est si pratique pour tant de choses différentes. Je le mets habituellement sous ma palette pour qu'elle ne bouge nulle part. D' habitude, j'ai tout le rôle à côté en cas d'urgence. Ici, quelques-unes des choses supplémentaires dont nous aurons besoin aujourd'hui, avons le crayon, la gomme et le taille-crayon, juste pour notre esquisse et stocker certaines de nos idées. J' ai la cassette du peintre ou du ruban adhésif de la quincaillerie. C' est en fait comme la bande d'un peintre commercial plutôt que de masquer du ruban comme votre bande de montre que la plupart des gens utiliseraient pour ce genre de chose. Je trouve qu'il a tendance à prendre la surface du papier et le risque de déchirer un papier est vraiment extrême, mais avec ce ruban de peintre, il peut entrer, celui-ci est jaune. Ça s'appelle Frog Tape et je l'ai juste reçu de la quincaillerie locale. Il vient en violet, bleu. Vous voulez juste obtenir le plus bas possible parce que cela signifie qu'il y a moins de problème potentiel avec le déchirement du papier. Cela peut mal tourner, mais cela crée également les plus beaux résultats. J' ai hâte de te montrer ce qu'on va faire avec ça. La dernière chose que j'ai ici, c'est le nettoyeur de brosse. Le nettoyant de brosse est si bon pour maintenir la longévité de vos pinceaux. À la fin d'une grande séance de peinture, quand je les ai vraiment utilisés, ce que j'ai tendance à faire, c'est juste attraper mon pinceau, mouiller ça. C' est presque comme un truc de crème à raser où vous faites tourner votre pinceau comme ça. Je veux l'affiner dans la forme que je veux qu'elle maintienne et qui va conditionner et préserver cette brosse et je les rangerai à plat comme ça pendant la nuit. Pour ma configuration, je vais en fait déplacer ça sur le côté parce que je n'en ai pas besoin à portée immédiate. Lorsque j'installe mon poste de travail, je veux mettre mon papier sur le côté parce que je veux éviter les éclaboussures. Je vais prendre deux feuilles d'essuie-tout, et c'est juste ma préférence personnelle. J' aime les plier en deux parce qu'avec des couches pleines de papier là-bas, il est exceptionnellement absorbant de sorte que vous n'avez pas à le remplacer aussi régulièrement que si vous aviez une seule forme. En fait, je mets ça sous ma palette et puis j'ai décollé mes peintures sur le dessus ici donc j'ai cette belle petite bande ici pour travailler avec quand je le mets en place. Je suis droitier donc je vais tout mettre à ma droite. Alors, si vous êtes gaucher, vous faites tout de même juste à l'inverse. Vous déplacez tout vers la gauche. Je n'ai pas besoin de ceux-là avec moi. En fait, je garde mes pinceaux là-bas parce que c'est un endroit agréable pour les garder en sécurité. Je les garderai assez près. Je n'en ai pas besoin pour l'instant et je n'ai pas besoin de mon souverain non plus. C' est ma configuration. Ensuite, je prendrai un papier de pâte et c'est à peu près moi prêt à partir. Quand nous parlons de peinture à la maison, je trouve l'une des grandes choses qui ne se rend peut-être pas compte est que vous avez besoin de lumière vraiment de haute qualité. Lorsque vous travaillez, vous ne voulez pas vous fatiguer les yeux ou travailler dans une situation ennuyeuse où vous ne pouvez pas vraiment voir ce sur quoi vous travaillez. Bonne lumière naturelle, probablement votre meilleure option et si ce n'est pas une option, je recommande une lampe LED de lumière du jour que vous pouvez utiliser afin que vous puissiez éclairer votre espace, car être capable de voir et de ne pas fatiguer vos yeux va être si important pour le résultat de votre travail et votre volonté d'arriver à la table en premier lieu, parce que si vous travaillez dans l'obscurité, vous êtes probablement moins sentir. Intéressé de toute façon. Quand on parle d'environnement, c'est vraiment là que j'ai la haine. Il fait assez chaud. Il gèle à l'extérieur aujourd'hui à Victoria, mais avec le chauffage allumé, je vais devoir travailler assez vite parce que la température dans la pièce va affecter la vitesse à laquelle l'eau sèche au fur et à mesure qu'elle touche la page. Si je travaille dans un environnement froid, l' eau prend beaucoup plus de temps à sécher et cela va être une grande partie de l'endroit où nous allons avec ce processus de superposition et l'une des parties brillantes de cela étant un cours en ligne est que vous pouvez arrêter mettez la vidéo en pause et assurez-vous que votre travail est bien sec avant de passer à l'étape suivante, car il est si important que votre travail soit correctement, bien sec avant d'appliquer la couche suivante. Alors, s'il vous plaît, prenez en compte le travail devant vous et pas seulement ce que je fais. Je vais probablement mettre la caméra en pause, m' enfuir et le dessiner rapidement pour que nous puissions continuer à bouger, alors assurez-vous qu'il est complètement sec. Si vous voulez le chauffer avec un sèche-cheveux, c'est aussi bon. Je trouve qu'en fait, c'est un peu risqué, surtout si vous travaillez humide parce que vous pouvez simplement souffler du pigment sur toute la page, ce qui est certainement moins qu'idéal. Je trouve aussi que si vous travaillez sur une dernière pièce, il a tendance à rendre le papier un peu plus fragile et il améliore les réactions chimiques qui se produisent sur la page et les rend plus dramatiques. Je trouve, je préfère juste pratiquer la patience, la patience sur la sauterelle et la mettre sur le côté et peut-être me distraire et travailler sur autre chose, nous allons aussi attendre que ça sèche. Je pense qu'à mesure que nous nous familiarisons avec cette pratique, apporter de la patience sera en fait le principal ingrédient secret de tout ce mélange. C' est l'environnement. Je vais faire un peu plus sur l'entretien de l'équipement parce que je pense qu'il y a un très grand écart dans les connaissances sur la façon de soigner au mieux vos matériaux. Ces peintures, je reçois tellement de questions parce que, comme vous pouvez le voir, elles sont assez ternes et sombres et parce que les casseroles sont juste à côté de l'autre, elles ont l'air assez sombres. Tout d'abord, je vais prendre un morceau de serviette en papier supplémentaire ici. S' ils commencent à avoir l'air désordonnés et vraiment peu clairs et potentiellement contaminés les uns les autres, je vais juste tamponner un peu d'essuie-tout dans mon eau et je vais juste essuyer cette surface. Ça pourrait prendre quelques morceaux d'essuie-tout parce que c'est évidemment une bonne quantité de pigment qui vient juste de sortir. Donnez un peu de lingette. Mais en gros, vous pouvez nettoyer toute la zone et les décontaminer. Je trouve que ce qui a tendance à se produire, c'est que la peinture est coincée dans les bords des puits là-bas et c'est de là que vient la contamination. Si vous appuyez dessus et l'essuyez droit vers le bas, vous le nettoyerez directement au blanc. Ça ne me dérange pas d'avoir un peu de désordre là-bas, mais si ça devient trop et que tu ne vois pas avec quoi tu travailles, c'est un peu un problème. J' ai les doigts bleus maintenant aussi. L' autre chose avec ces disques est que si vous les empilez sur le chemin quand vous avez emballé pour la fin de la journée, vraiment gros problème avec ceux-ci, s'ils sont mouillés et que vous les collez à nouveau ensemble, ils sont coincés. S' ils sont coincés, plutôt que d'essayer de se détacher, ce qui est vraiment difficile, j'ai tendance à utiliser une technique de griffe, donc vous les ouvrez presque comme une coquille. Donc vous pouvez les ouvrir comme ça et ça brise le sceau et ainsi vous pouvez les séparer comme ça. Ça peut prendre un peu de muscle, mais ça vaut la peine de le faire. On y va. Bon, donc il y en a. Ce que j'ai tendance à ne pas faire est de laisser ces ouvertes pendant la nuit parce que la poussière peut tomber dans ces casseroles et ce qui a tendance à arriver, c'est que vous travaillez loin et puis tout d'un coup vous avez ces fibres dans votre travail et cela peut être super ennuyeux parce qu'ils sont difficiles à sortir. Ensuite, vous devez utiliser votre pinceau et interférer avec votre peinture pour retirer ces fibres ou des petits morceaux de poussière, alors évitons de le faire. Pour le soin des pinceaux, j'ai commencé un peu tôt avec le nettoyant de brosse. Le nettoyant pour pinceaux est brillant pour préserver vos pinceaux. Ne laissez jamais vos pinceaux dans l'eau comme ça. C' est un voyage à la poubelle. Ce qui a tendance à se produire, c'est que les pointes des brosses incurvées et parce qu' elles ont des fibres plastiques, ce sont des fibres synthétiques, cette courbe reste et vous avez fondamentalement laissé cette courbe dans la brosse pour de bon et c'est très difficile de travailler avec. Quand je les stocke pendant la nuit, j'ai tendance à les ranger à plat comme ça et si je voyage avec eux ou que je me déplace avec eux, je les déplace dans un rouleau de brosse comme ça et je vais les mettre dedans et les garder vraiment bien rangé et sûr. C' est ainsi que je stocke mes pinceaux et j'adore ça. Ma mère m'a fait ça donc c'est un peu précieux et j'adore ça, et je pense que si vous avez une machine à coudre, ils sont super faciles à fouetter à la maison. Maintenant, une question qui a été soulevée récemment est une fois que vos brosses éprouvent un peu d'usure, elles pourraient faire entendre quelques coups de mouche ici et ces poils volants peuvent vous rendre fou parce qu'ils vont traîner à travers les zones que vous n'êtes peut-être pas anticiper, donc ce que je recommande est juste littéralement saisir vos ciseaux et couper. Mais assurez-vous d'essayer de l'obtenir à partir de la base de la brosse parce que sinon, vous allez avoir un demi-poils là-dedans. J' en ai déjà coupé quelques uns, donc il y a un petit gars qui est là-haut, mais ils ont tendance à influencer moins que si tu l'avais en haut pour que tout soit fait là. Quand il s'agit de stocker votre papier et votre peinture, ma meilleure recommandation est de le mettre hors de la lumière directe du soleil parce que la lumière directe du soleil va jaunir votre papier et l'endommager vraiment. Il va enlever toute la longévité de lui aussi, si important de stocker cela, surtout en dehors de la lumière directe du soleil, et même vos peintures peuvent vraiment disparaître si vous les laissez tout le temps et obtenez coup de pied par les rayons UV, il efface vraiment vos couleurs. Une chose que j'ai oublié de mentionner ici est notre chat de référence. Si vous m'avez rejoint, n'hésitez pas à Aquarelle. Nous avons fait notre graphique de référence de couleur ici, qui est juste peint chacune de ces couleurs afin que nous puissions nous référer à cette belle et claire et avoir une référence visuelle. Ensuite, si vous vous êtes joint à moi pour la magie du mélange de couleurs, ceux-ci peuvent être utiles aussi parce que nous pouvons parler de couleurs complémentaires et primaires et de choses comme ça. Je les ai à proximité si vous pensez que c'est important pour vous. Last but not least, vous avez besoin d'une grande pincée de courage parce que cela nécessite tellement de courage pour travailler avec des couches à l'aquarelle. Non seulement vous souhaitez probablement utiliser le courage pour briser ce morceau de papier blanc, mais vous allez également travailler sur des parties de peintures qui seront déjà couronnées de succès, donc c'est un très grand défi. Il faut du courage pour mélanger toutes vos couleurs. Il faut du courage pour explorer de nouvelles choses, donc j'ai hâte de commencer avec toi. Je suis ravie que nous venions d'examiner tous ces matériaux. On sait avec quoi on travaille. Ensuite, nous allons passer par un petit concept que j'appelle les blocs de construction. Ce sera notre petit exercice d'échauffement avant de sauter dans les trucs vraiment lourds. 3. Créer des blocs: Maintenant que nous connaissons mieux les matériaux avec lesquels nous travaillons, l'étape suivante consiste à travailler sur certains éléments de construction. J' aime cela comme un exercice d'échauffement parce qu'il fait bouger notre pinceau, cela nous fait commencer à penser aux couleurs, et si jamais je suis coincé et ne sais pas où aller, parfois juste obtenir quelques marques sur la page est la meilleure façon d'arrêter. En fait, je vais retourner ça de cette façon et je vais prendre ma grande brosse, taille 10. Mon défi pour vous tout au long de cette journée, tout ce cours, est de mélanger chaque couleur parce que c'est une habitude d'un débutant, donc vous venez de choisir des peintures directement ici, et je pense que dès que vous commencez à penser à un un peu plus sophistiqué avec votre palette de couleurs, c'est une autre astuce pour que vos peintures et vos peintures fonctionnent mieux. Je vais juste commencer à jeter quelques couleurs ici ensemble et me sentir libre de jouer avec tout ce que vous avez envie de jouer avec, et nous allons continuer à changer tout le temps de toute façon. Tout d'abord, je vais le faire singulier petits blocs de construction de différentes vadrouille que je peux faire avec cette brosse, et nous ne pensons pas Lego ici et tout est parfaitement assemblé, je pense certainement pile géante de Lego et toutes sortes de chaotique. Amusez-vous juste et jouez avec elle que ce pinceau bouge de la meilleure façon possible. Le premier est littéralement juste aller pour les petites marques comme celles-ci, et juste les obtenir un peu bouleversés et un peu désordonnés. Si c'est trop parfait, alors vous n'aurez pas une sensation naturelle très organique dans votre travail final. C' est vraiment juste de bouger un peu de pinceau et ma tête boping avec elle pendant que je vais le long. Alors pour ma prochaine rangée, je vais juste aller un peu plus, tout petit peu plus de pression. Tout ce que je fais, c'est de commencer à visualiser certaines de ces petites textures et formes que je peux rassembler dans notre travail pour créer une pièce plus grande. Il y a des petits et je vais essayer un peu plus de pression. Alors j'aurai peut-être un peu plus violet là-dedans, joli violet. Je vais ajouter un peu plus de pression. J' adore ces formes de larme particulières parce qu'elles sont très pratiques pour les feuilles, pétales, toutes sortes de matières organiques. Un peu plus, et ensuite je vais commencer à les regrouper un peu. Voyez ce qui se passe, essayez d'obtenir la forme encore plus grande. Ensuite, nous allons revenir en arrière et descendre à plus petit et essayer de différentes formes à chaque fois. C' est incroyable toutes les formes que vous pouvez obtenir avec ce petit pinceau. Si vous faites des formes comme ça ou si vous changez l'angle de votre pinceau, vous allez être incliné, vous allez devenir un peu différent, revenir en arrière, être un peu différent à nouveau. Vous y pensez différemment aussi. Vous obtenez des tas de variété. Je pense que la variété est absolument essentielle, surtout quand je pense à mon propre travail et à la façon dont j'aime qu'elle représente sur la page, tout ce qui est trop parfait et rigide, je finis par ne pas aimer, et parfois cela me prend un peu de temps pour comprendre pourquoi et c'est à cause d'être serré quand je pense, donc cela fait bouger votre brosse lâchement. Je vais juste continuer à jouer ici, garder tout séparé pour l'instant. Un peu plus près. Peut-être juste obtenir un peu plus aléatoire et juste commencer à faire toutes sortes de formes ensemble. Vous pouvez voir que j'ai mon doigt, juste le bout de mon doigt en appuyant sur le papier parce que si j'ai mes doigts sur la page, je finis avec des empreintes huileuses où la peinture résiste quand je peins sur la piste quand vous allez peindre cette zone comme quoi sur terre et il n'y a aucun moyen de réparer cela, malheureusement. C' est un de ces petits domaines où on ne peut pas travailler. Il y a de jolies petites formes flottantes. La prochaine que je veux faire est de commencer à joindre certains d'entre eux ensemble afin que vous puissiez voir comment les marques peuvent créer des formes et des intérêts lorsque vous peignez le long. Je vais ajouter un peu de brun à mon mélange violet. Essayez de commencer à penser à une palette plus organique, moins saturée, qui va sortir des petits morceaux ici et là. Encore une fois, je vais commencer par ma forme la plus petite ici. Mais je vais essayer de les rassembler un peu plus, construire les uns sur les autres et vous finissez avec ces petits coups de pinceau qui peuvent avoir ces beaux effets texturaux. Ensuite, je vais saisir, c'est une très bonne chance d'avoir un peu de jeu avec le mélange de couleurs aussi bien. J' ai juste mis le contraire du violet pour en faire un plus sale, il a fini presque comme un brun chocolaté. Ensuite, je vais aller un peu plus gros avec les marques et je vais les coincer tous ensemble. Ce qui a tendance à se produire ici est tout ce bel espace négatif, vous obtenez des tas d'intérêt qui se produisent. Alors va encore plus gros. C' est juste faire bouger cette brosse, et la laisser se desserrer, sans trop y penser. Je trouve que quand je suis un peu rigide ou rigide quand je ramasse le pinceau, quelque chose comme ça est le petit exercice parfait pour ne pas s'inquiéter tant du résultat et vous êtes juste avoir un peu de jeu. Je vais mélanger cette couleur à nouveau, aller à une couleur différente à nouveau, et encore une fois juste commencer à faire tomber leurs formes comme ça. N' oubliez pas la portée tonale aussi. plage tonale est si importante. J' ai juste pris un peu de cette couleur ici et l'ai diluée avec de l'eau, et ça peut rendre beau, celui-ci va être beau rose foncé. Encore une fois, allez un peu plus grand, et vous pouvez voir une partie de ce beau saignement qui peut se produire lorsque nous sommes imprécis avec nos coups de pinceau. Si j'étais trop précis, ils seraient tous des formes autonomes et ils ont l'air assez maladroits ou presque trop parfaits. Mais quand nous les laissons courir ensemble, vous commencez à voir le potentiel réel de l'aquarelle, laissant saigner, laissant cet effet naturel organique prendre forme. Je vais mettre un peu plus d'orange là-dedans. Vous devriez commencer à vous sentir plus à l'aise avec la brosse au fur et à mesure que vous vous déplacez , puis vous commencez à penser, vous ne pensez pas seulement aux formes de la brosse elle-même, mais vous pensez aux couleurs, à l'eau, au pigment, et ça commence à rassembler toutes les choses que nous avons appris en cours de route ensemble. Encore une fois, je vais continuer à tout faire ensemble. Qu' il se façonne presque. Je vais aller pour le maximum de coups que je peux traverser ici. Peut-être un peu plus sombre juste pour que nous puissions dire que courir dans l'autre sens. Ce sont des petites formes que j'ai tendance à travailler sous diverses formes de calque. Quand je travaille sur une dernière pièce, j'ajouterai tous ces petits blocs de construction ensemble, pas seulement une couche, mais trois, quatre, parfois jusqu'à 15 couches différentes, et ce n'est pas une couverture complète à chaque fois que je suis travailler avec des couches, il suffit parfois d'ajouter quelques accents plus sombres là-dedans, ce qui peut lui donner une toute nouvelle forme et un peu de vie. J' aime beaucoup travailler avec des couches parce que cela vous donne du temps et un peu d' espace pour respirer afin que vous puissiez faire une pause, le ranger, y revenir et le regarder avec des yeux frais. Parce que parfois, vous pouvez vraiment analyser où vous en êtes, avec comment tout cela se réunit. La dernière chose que je vais faire est essentiellement le même concept à nouveau, mais nous allons tourner la page parce que c'est quelque chose que les gens oublient tout le temps. Cette page n'est pas corrigée, et je pense que c'est super important. À partir de mes petites marques ici, vous pouvez voir que je suis juste, encore une fois, juste prendre les bords du papier pour m'assurer que ça bouge. Je vais rester avec mes violets et mes roses sombres ici. J'aime ça. Chaque couleur que j'ai ramassé est un peu un mélange de choses ici, mais que vous pouvez voir automatiquement que le niveau de saturation, si vous ne travaillez pas directement sur mais que vous pouvez voir automatiquement que le niveau de saturation, les bureaux, peut être un moyen vraiment intéressant de commencer jouer avec la couleur. La couleur est si importante de penser tout le temps. Il suffit de faire des marques légèrement plus grandes. C' est comme ça que je fais beaucoup de mon travail de pétales. Va beaucoup de couleur, et je dis si souvent chez mes élèves que trop peur pour permettre aux choses de toucher, que quand on touche, c'est quand la magie se produit, c'est là que tout le saignement se produit. C' est une façon d'obtenir tous ces beaux mélanges et mélanges et cet élément inattendu [inaudible] pour. Mais ce qui crée la beauté, c'est que l'équilibre de vos capacités plus ce que l'aquarelle apporte à la table. Continuez comme ça. C' était amusant, juste pour avoir une playlist pour réchauffer parce qu'elle vous fait bouger votre corps, vous fait bouger le papier, vous fait déplacer le pinceau. Ramasse un peu de jaune, je crois. Je vais continuer à faire le tour. Si vous vouliez faire des travaux d'extension dans cet exercice, nous pourrions refaire tout cela avec ce petit pinceau, et vous allez obtenir un tout nouvel ensemble de blocs de construction. C' est comme Lego et [inaudible] Vous en avez besoin et vous obtenez toutes ces belles, vous obtenez une extension de toutes ces marques que vous pouvez faire. Finissons celle-là, ici. On y va. Maintenant, je vais vous montrer quelques exemples de la façon dont j'utilise ces blocs de construction dans mon propre travail parce que je pense que quand on les voit comme ça, oui, j'ai eu ça. Totalement obtenu. Mais c'est alors en pensant à eux dans leur contexte. Je pense que cela peut être une chose vraiment importante à visualiser à ce stade. Une de mes choses préférées à peindre que j'utilise ces blocs de construction pour tout le temps. En fait, je vais éloigner ça du chemin, donc je n'endommage pas ça. peinture [inaudible] est là. Vous pouvez voir que les têtes de fleurs elles-mêmes sont littéralement composées de tous nos plus petits blocs de construction, et je dirais que j'ai fait peut-être cinq ou six couches différentes de ces blocs de construction, et parce que l'aquarelle est translucide, vous pouvez toujours voir à travers la couche la plus basse. Chaque fois que vous ajoutez un calque supplémentaire, vous ajoutez des intérêts de complexité en détail, ce qui, je pense, est une partie super cool et si unique à l'aquarelle. Si je vais comme ça, j'ai un mélange de cercles, de points, petits tampons, ce sont mes blocs de construction, ce sont mes points et mes tampons. Je crois que j'ai confondu les gens par le passé. Je suis genre, non, c'est facile, c'est juste des points et des pointes, mais c'est en fait plus sophistiqué que vous ne le pensez parce que vous devez comprendre, vous devez presque visualiser et catégoriser visuellement comment ces choses représentent sur la page. Comme autre exemple, j'ai ma marguerite en papier, je travaille ici. C' est essentiellement de petites versions de ces coups plus longs et c'est eux encore et encore et encore, et ça crée tellement de détails et ces petits pétales délicats, j'ai quelques points ici en fait. Je voulais vraiment générer cette texture que vous voyez dans la vraie vie. Je pense que c'est si important de saisir cette énergie du sujet. C' est un autre style de bloc de construction, et puis le dernier bloc de construction que je voulais vous montrer était le [inaudible] qui est un bloc de construction plus rond. Si je ne peins pas un cercle et puis le remplir, j'utilise les poils de la brosse, vraiment similaire à ce que j'ai fait ici pour que je crée ces formes rondes, et puis cela a encore, je dirais probablement quatre ou cinq couches différentes et j'attends qu'il sèche, en aille, y reviens et ensuite, ok, je peux analyser de près. A-t-il besoin de plus de noir ? A-t-il besoin de plus de contraste ? A-t-il besoin de plus de couverture ? C' est alors que vous pouvez appliquer une autre couche plutôt que de précipiter et de travailler dans les choses et essayer de le faire en une seule séance. C' est mes blocs de construction. J' espère que ça vous a plu. De là, nous allons commencer à apprendre à penser en couches. Nous avons quelques actifs à travailler ici, et maintenant nous allons commencer à les construire ensemble et visualiser comment fonctionne la superposition. se voit dans le prochain épisode. 4. Penser dans des calques: D' accord. Nous venons d'explorer nos blocs de construction, et ce sont de petits atouts que nous allons utiliser en bout de ligne. Maintenant, je veux qu'on joue un peu avec cette idée de superposition. Je pense que c'est quelque chose qui attire les gens parce qu'ils ne savent pas où ça va aller, donc ils ne veulent pas le faire. La superposition consiste à construire différentes couches de pigment les unes sur les autres, mais elle doit être complètement sèche pour chaque couche. C' est la chose la plus cruciale et c'est là que cette jeune sauterelle de patience entre en jeu. Je ne peux pas le répéter assez souvent pour que j'aimerais pouvoir vous signaler si vous interrompez votre travail à mi-chemin du dessin, parce que cela va vraiment être interrompu par le résultat. On peut faire translucide. pigment aquarelle est toujours translucide, donc peu importe le nombre de couches que vous construisez les unes sur les autres, vous serez toujours à voir à travers le bas jusqu'à la couche la plus basse. Nous allons utiliser ce concept et commencer à explorer un peu cette translucidité, mais aussi comment les couches peuvent ressembler dans certains arrangements. Je vais travailler sur deux choses simultanément afin que je puisse laisser sécher tout en travaillant sur autre chose. C' est une technique de distraction absolument clé pour moi parce que je suis un peu comme un aller, aller, aller, aller, aller. Si je continue à travailler dans quelque chose pendant qu'il est mouillé, je finis par le ruiner et je suis frustré. Je vais commencer un ici et ensuite je vais aller à l'autre. Alors je vais échanger au fur et à mesure que je vais laisser les choses sécher entre les deux. Pour l'instant, je vais travailler ici. Le tout premier que nous allons explorer est le mélange visuel avec les couches. Quand on a nos couches translucides, et que je l'ai fait revenir ici, quand on met deux couches l'une sur l'autre, on mélange presque les couleurs sur la page. Si vous mettez du bleu, puis avec une couche de jaune sur le dessus, vous aurez une nuance de gris entre les deux. C' est l'intersection qui se produit sur la page entre les calques, et cela peut être une si belle façon de changer les couleurs dans votre travail. On va jouer un peu et peindre quatre barres de ces couleurs primaires. Je vais avoir besoin d'eux pour sécher avant de pouvoir faire les couches suivantes. C' est là que je vais me distraire et travailler sur la prochaine. Vous pourriez le rendre un peu plus grand que ça. Lorsque nous travaillons avec des couches, il est préférable de ne pas aller à 110 % avec votre pigment d'abord parce qu'il supprime une partie de cette belle capacité translucide. Ce qui a tendance à se produire, c'est que si vous coupez sur le dessus, tout ce pigment lâche et en excès sur le papier est réactivé, se déplace, et vous vous retrouvez avec ces lignes floues et fudgy moins idéales. Je vais choisir ce bleu ici et peindre une barre bleue. Encore une fois, pas le volume maximum sur la couleur, juste une version diluée. Peignez un bar bleu ici. D'accord. Juste un bon lavage plat. Ensuite, pour notre dernier, je vais choisir le magenta, qui est l'opposé du bleu sur nos violets et le disque de rose. Ce n'est pas la plus belle couleur, malheureusement, parce que ce n'est pas un très beau magenta. Mais, tu sais. Qu' est-ce que tu vas faire ? Maintenant, peignez ça. Oh, j'ai juste cliqué un peu de bleu. D' accord. Je l'ai fait descendre. Mais patience, je dois attendre que ça sèche complètement. Je suis dans une pièce assez chaude en ce moment, donc ça peut ne pas prendre autant de temps. Je vais le mettre sur le côté et préparer ma prochaine série d' exercices pour que je travaille sur eux simultanément. Je suis peut-être à une balançoire et je reviendrai à ça et il sera sec. Je vais juste le mettre là-bas, une fois que j'aurai commencé à le faire. D'accord. Ceux-ci ont un mélange visuel de couleurs et nous allons faire des couches de couleurs alternées sur le dessus afin que nous puissions dire ce qui se passe lorsque nous les croisons. Celui-ci ici est plus sur les locaux et les concepts de base de la superposition. Je vais te faire peindre six feuilles. Pour celui-là, je veux que vous mélangiez un vert, au fait. Je ne veux pas que tu choisisses un vieux vert. Je veux que vous commenciez à intégrer ce mélange de couleurs et les idées autour de vos compléments et vous des couleurs plus terreuses que vous nuances, obtenez cela dans la programmation dès le premier jour. Je vais mettre un peu de magenta là-dedans. Oh maintenant, j'ai une couleur vraiment rouge [inaudible] sur le vert. La raison pour laquelle je vous encourage à le faire est parce que les verts dans ces disques, surtout, nous travaillons principalement avec des formes feuillues et botaniques aujourd'hui, est que les verts sont tellement saturés, et malades, et certainement pas du monde naturel. Donc j'ai une belle, sorte d' olive là-bas avec laquelle je suis heureux de travailler. Encore une fois, ce n'est pas le pigment riche le plus intense. Je vais faire une dilution. Comme un exercice d'extension, vous pouvez explorer avec différents niveaux de pigment dans votre peinture, ce qui se passe pour toutes les couches individuelles. D'accord. Je vais peindre six feuilles. Je ne m'inquiète même pas des contours pour ça, je vais juste les peindre, comme ça. À peu près la même taille, parce que vous avez une bonne jauge de ce que vous travaillez avec cela, comme une feuille d'échantillon. Encore une fois, j'ai obtenu le bout des doigts du papier parce que je suis célèbre pour avoir de petits points blancs sur les bords. C' est vraiment ennuyeux quand on ne veut pas que ça aille un peu plus là-bas. D' accord. J'ai maintenant besoin d'attendre que ça sèche. Ce que je vais faire, c'est changer ces deux-là, me distraire, mais vérifier si c'est sec ou non. Pour vérifier si quelque chose est sec, vous pouvez généralement le tenir à la lumière. Si je regarde ça, je peux dire qu'il y a un peu d'éclat dans ces coins ici, donc je dirais que ce n'est pas assez sec pour travailler. Je dirais que c'est la fin. Si vous mettez les doigts dedans, parfois vous enlevez des pigments afin de ne pas y toucher. L' autre façon de faire est de vérifier le dos. Parce que s'il est mouillé, parfois vous pouvez le voir à travers le dos de la page. Je vais juste devoir faire une pause ici pendant une minute, laisser ça sécher avant de faire la couche suivante. J' ai juste dû mettre les choses sur le côté un instant pour qu'elles soient totalement sèches. Maintenant, ils sont à 100% secs, et je peux continuer à travailler sur le dessus. Si je devais travailler dessus avec eux partiellement secs, ce qui a tendance à se produire, c'est qu'il devient vieux trouble, on n'a pas ces belles formes nettes. Lorsque vous superposez sur le dessus de sec, vous obtenez une autre belle forme sèche et croustillante sur le dessus et c'est une façon beaucoup plus agréable de travailler. De là, je vais juste introduire une partie de cette couleur magentry dans mon mélange jaune, ce qui est maintenant bon. Ce que nous allons faire, c'est que je vais peindre quelques formes de feuilles ici pour que nous puissions commencer à voir quand nous avons eu cette intersection de deux couches ont un mélange visuel de couleurs peut arriver. Si vous mettez deux couches de jaune sur le dessus, et à peu près la même dilution, vous vous retrouvez avec une forte division du jaune. C' est une belle façon d'encourager un peu plus de force dans vos couleurs lorsque vous travaillez. En fait, ce que je vais faire, c'est que je vais travailler jusqu'au bout. Quand on mettra le jaune sur le bleu, on finira avec notre vert secondaire. Je vais y aller comme ça. Tu vois comment ça se lit comme vert une fois qu'on a fait une couche au-dessus du dessus ? Rincez ça, juste au cas où j'aurais récupéré quelque chose d'excès. Ensuite, quand on repassera notre magenta, on finira avec un rouge orangé. Si vous travaillez trop humide, vous allez effectivement activer ce pigment de toute façon et vous direz un peu flou ou mélangé. Ce n'est pas une grosse affaire, généralement signifie juste que vous devez prendre un peu moins d'eau sur la brosse. D' accord. Maintenant, je vais faire du mélange bleu et je vais peindre une feuille bleue à côté de mon jaune. Oups, je les ai saignés. C' est bon. Puis bleu sur bleu, on obtient juste une version plus forte du bleu. C' est une façon vraiment intéressante de changer certaines couleurs dans votre peinture. Si vous êtes quelqu'un qui a tendance à mouiller vraiment lourdement dans une zone particulière, vous avez juste besoin d'avoir des changements plus subtils, cela peut ajuster vos couleurs un peu. Oh, j'ai encore besoin de bleu pour mon fond. On devrait avoir un peu d'ambiance violette, comme ça. Alors attrape le magenta. Ensuite, j'en fais un autre ici. On va refaire cette couleur rouge. Parce que ce n'est pas un magenta pur, ça va être un peu sale. Ici, on a un peu de pourpre. Nous obtiendrons un magenta plus fort quand nous ferons une double couche de magenta. Ce que je regarde, c'est cette section transversale où les deux couches se croisent l'une sur l'autre. Pour nos prochaines couleurs, je vais commencer à étudier quelques couleurs complémentaires et vos couleurs secondaires. Je vais ajouter un violet, vert et rouge. Disons que lorsque vous ajoutez un calque violet, qui est le contraire au jaune, vous obtenez en fait une version plus sale d'un jaune ou c'est une façon vraiment agréable de simplement déplacer le jaune vers le bas et de dénaturer un peu. Je vais prendre un peu de violet. Je ne vais pas m'embêter à mélanger un violet. Je vais juste prendre directement sur le disque pour cet exercice. Mais encore une fois, pas trop fort. Travailler avec moins est généralement plus parce que nous pouvons ajouter plus avec des couches. Mais si on va avec autant de pigments intenses, on n'a nulle part où aller. Vous ne pouvez pas limiter la quantité de pigment que vous pouvez obtenir sur la page. C' est notre violet, sorte que vous pouvez voir le jaune est devenu cette couleur marron plus sale. C' est un peu drôle de queue qu'on a là. Puis sur le bleu, on va avoir un mélange bleu. Ensuite, ici, on va finir avec un joli violet plumy. Notre prochaine couleur secondaire va être verte, donc je vais peindre quelques feuilles vertes ensuite. Je vais aller avec celui que je peux me rapprocher de ça, j'ai mélangé cette couleur. Prends juste une belle couleur émeraude qui va là-bas. Puis peindre vos feuilles là pour obtenir une belle chaux. Ce que nous finissons vraiment avec est presque comme une couleur tertiaire quand nous faisons ces intersections. C'est un mélange de couleurs. Mais avec les couches, c'est un tout autre concept que nous n'avons pas eu à aborder dans le mélange magique des couleurs. Ici, parce que le vert est le contraire au magenta sur la roue de couleur, nous allons finir avec une autre couleur brunie ou plus terreuse. Alors la couleur finale, qu'est-ce qui me manque ? Il me manque une orange et un rouge. Je vais me mêler un peu du mien ici. Je veux une couleur cramoisie écarlate. Maintenant avec l'orange, mélangez-les là. Lorsque vous avez une couleur plus subtile comme le jaune, il va être plus difficile de voir que les calques passent parce qu'il n'a pas beaucoup de valeur sur la page. Mais quand nous avons le bleu, vous pouvez voir très clairement la ligne de l'endroit où se trouvait la couche précédente, alors gardez cela à l'esprit aussi. Je viens d'ajouter dans mon orange là-bas et parce que l'orange est opposé au bleu, nous allons finir avec plus de couleur boueuse. Ensuite, pour notre dernier, nous devrions nous retrouver avec une couleur assez rougeâtre. On y va. J' espère que cela aide à articuler ce que je veux dire quand je dis mélange de couleurs visuelles parce que les deux couches translucides, penser comme des feuilles de cellophane, si vous tenez les feuilles de cellophane jusqu'à la lumière et vous mettez un jaune et un rouge, tu finis avec de l'orange. C' est ce mélange de couleurs, mais à travers la lumière et la translucidité du pigment, que je pense juste que c'est une façon tellement cool de travailler avec aquarelle et particulièrement unique à l'aquarelle parce que vous travaillez avec beaucoup de translucide par opposition à des couches lourdes épaisses comme vous le feriez avec de l'acrylique ou de l'huile. Maintenant, on va faire le tour. On va laisser celui-là. Je vais faire le tour de mon exercice de feuilles, j'adore un petit exercice de feuilles. Je pense juste que c'est juste une belle façon d'illustrer beaucoup de techniques différentes. On va garder celle-là et l'appeler la feuille d'échantillon pour qu'on sache ce qu'on a commencé. La prochaine, je vais faire de la valeur croissante. La valeur croissante est essentiellement ce que nous faisions ici lorsque nous ajoutons un calque secondaire de la même couleur et qu'il lit plus sombre sur la page parce que vous avez ajouté plus de pigment à nouveau. Je vais retourner à mon mélange de gris que j'ai fait. J' espère que vous en avez encore, j'aurai besoin d'en faire plus. En gros, allons-y. Je vais peindre sur ça, et certaines personnes appellent ça du vitrage. Si vous avez fait tous les tutoriels sur l'aquarelle et que vous aimez, quelle est la différence entre superposition et vitrage ? C' est la même chose. Il s'agit essentiellement d'ajouter des calques pour créer plus de profondeur et d'intérêt pour vos formes. Je vais peindre sur le dessus. Permettez-moi de revenir un peu plus juste pour créer cet effet évident. Si vous avez peint dans une forme dans votre travail et que vous n'êtes pas vraiment satisfait de la façon dont il est lu sur la page, peut-être que c'est trop léger. C' est la meilleure façon d'ajouter un peu plus de valeur et il va être lu comme une forme plus proéminente. Faites plus soigneusement autour de ces bords afin que vous puissiez voir la différence entre un et deux. C'est ça. Vous pouvez augmenter la valeur à toutes sortes de degrés. Vous pouvez ajouter des tas de pigment et finir avec un très sombre, ou vous pouvez simplement le déplacer subtilement si vous pensez qu'il ne nécessite que le plus petit ajustement. Le suivant est appelé réglage de la couleur. Voyez comment j'ai fait un peu de mélange d'olive pour cette feuille ici et je pense que cette olive ne fonctionne pas dans ma pièce, je voudrais la déplacer vers un plus vert. Vous pourriez soit parce qu'on travaille avec cette olive, la couleur est comme ici. J' ajouterais probablement un peu plus de citron vert ou même un peu plus d'émeraude, et ça va changer cette couleur vers un vert plus vif. Mais il va toujours avoir les nuances de l'olive, ce qui est une belle façon de penser comme créer un sous-ton à travers votre travail, vous pouvez réellement lire à travers sans vous en rendre compte. Je vais juste prendre un peu plus de cette émeraude que j' ai ici et une bonne dilution à nouveau, pas trop lourde. Je vais peindre sur le dessus. Vous pouvez voir que je n'ai pas un vert droit, donc le vert est comme ça, mais j'ajoute sur le dessus, vous avez une toute nouvelle couleur parce que vous avez visuellement mélangé les deux couleurs. N' oubliez pas de tordre votre papier, il est un peu plus facile d'accéder à ces angles. On y va. J' ai ajusté la couleur et maintenant sa lecture est un peu plus émeraude par opposition à la couleur olive que nous avons commencé avec. Mais vous pouvez voir qu'il est toujours lié aux autres couleurs la page parce qu'il a le même sous-ton. La suivante est celle que j'ai tendance à utiliser beaucoup et j'aime vraiment celle-là. C' est de l'ombrage. Vous pouvez essentiellement faire une technique humide sur humide sur le dessus d'une couche existante. Je vais déposer un peu de couleur là-dedans pour créer un peu d'ombrage. Je vais tout remplir avec de l'eau claire. Parce que je travaille dans une pièce chaude, je vais devoir travailler assez rapidement parce que ça va sécher plus vite que je ne le veux. Je vais prendre un peu de pigment plus foncé, peut-être même un peu plus de couleur émeraude, pour vraiment vous montrer celui-là. Je vais le déposer jusqu'à la fin ici. Peut-être les brosser si ça ne bouge pas comme je le veux. Je pourrais laisser ça sécher. Parce que toute la zone est humide, il va sucer et se tirer travers et être un peu plus dégradé, graduel. Je peux l'encourager un peu. Si vous obtenez ces gouttes comme ça, je pense que c'est une chose courante qui peut arriver, la façon dont vous avez enlevé votre pinceau, vous finissez avec cette grosse gouttelette de pigment. Tu peux serrer ça avec le pinceau. Vous pouvez soit prendre un peu d'essuie-tout et le sucer. Mais si tout est mouillé, c'est en fait que vous avez le risque d'interférence, mais si vous êtes très prudent, vous pouvez en fait lever ça. Juste un petit peu, un peu. Si ça perturbe le placement de votre pigment. J' écris pour écrire notre titre, c'est l'ombrage. Je l'utilise beaucoup pour les feuilles où je veux générer une courbe ou les attacher à une tige ou tout simplement avoir plus de ce bel effet aquarelle. Je ne travaille pas souvent super plat comme ça. Je préférerais avoir un peu plus d'un mélange de couleurs là-dedans. Si j'ai représenté une feuille ou une autre forme trop plate dans mon travail, je peux ajouter un calque secondaire où j'apporte plus d'ombrage. La prochaine, je vais juste appeler ça détail. Je vais prendre ma petite brosse pour celle-là en fait. Prends un peu de cette orange peut-être, un peu de jaune. Tu dois repenser à tes blocs de construction. C' est là que les blocs de construction ont cessé de venir, car une fois que vous allez à poser et vous pouvez ajouter plus d'informations pour lui donner plus d'identification. Celle-là, je vais peindre les veines. Il est mouillé sur sec. Celui-ci est mouillé sur mouillé et il est mouillé sur sec. Nous obtenons des formes nettes, des formes spécifiques. Ensuite, vous avez ajouté plus de détails. Il aide à représenter mieux sur la page comme une feuille. Le dernier est les calques offset, qui est un autre de mes favoris absolus. C' est là que vous commencez à obtenir un peu plus de flux organique dans votre travail et vous pouvez vraiment vous détendre. C' est moins restrictif ou vous pouvez dire que j'ai vraiment eu un rapport avec les bords ici. Maintenant, les cerveaux adultes aiment les contours et les formes fixes. C' est jeter tout ça par la fenêtre et on va juste peindre dessus. Je pense que c'est l'une des grandes choses révolutionnaires qui doivent se produire lorsque vous construisez vos couches. Soyez plus expérimental et utilisez ce courage et jouez avec ce qui peut arriver parce que tant que vous ne le faites pas, parfois vous ne le comprenez pas vraiment, vous devez être capable de le voir. Couches offset est littéralement, je vais juste peindre peut-être une feuille d'espace négative sur le dessus, mais pas parfaitement sur. Je pourrais même faire un peu d'ombrage sur celui-là aussi. Vous obtenez ces formes plus irrégulières dans votre travail. Imaginez beaucoup de ceux autour. Et tout d'un coup, vous avez cette belle fluidité à travers tout. J' espère que cela clarifiera quelques-unes des questions entourant la superposition. Ce n'est en aucun cas chaque occasion avec la superposition. Nous n'avons fait que deux couches ici. Sur tout cela, une fois qu'ils sèchent à nouveau, nous pourrions construire une troisième, quatrième, cinquième couche. Lorsque nous pensons aux couches, ne supposez pas toujours qu'il doit s'agir d'une couverture complète à chaque fois. Vous pouvez simplement ajouter de minuscules détails ici et là. De là, nous avons nos concepts de base en partie. Maintenant, nous allons commencer à penser un peu plus organiquement et commencer à vraiment voir à quoi ressemblent plusieurs couches sur la page. 5. Calques simples: Nous venons de commencer à explorer un peu toute cette superposition et nous avons commencé à réfléchir à la façon dont nous pouvons utiliser les couches dans notre travail. Ce prochain petit exercice va en fait être trois mini-exercices. En fait, j'en ai la quatrième. Petit tour de bonus. Débarrassez-vous de lui. Nous allons faire trois choses différentes en utilisant des couches de différentes manières, en utilisant des lavages plats simples mais avec des quantités différentes de pigment, ce qui signifie une plage totale à travers chacun. Vous pouvez commencer à voir les avantages d'utiliser moins de pigment par rapport à plus de pigment. Semblable à ce que nous avons fait dans le dernier exercice, je vais travailler sur les trois simultanément, et les mettre sur le côté, et les laisser sécher entre chaque couche. Je vais travailler sur 1, 2, 3, puis retourner à nouveau autour du premier alors quand il est prêt à peindre, je ne peins plus sur du papier humide. Je vais juste les mettre sur le côté une minute. Celui-ci, je vais me concentrer sur la lumière que le ton possible, donc vraiment, vraiment, vraiment, couleurs claires. J' utilise fondamentalement ces trois concepts tous en un et tous de façons interchangeables dans mon propre travail. Celui-ci est super délicat, et il est si beau pour travailler, et il met vraiment en évidence cette translucidité de la peinture. Je vais faire juste des formes de feuilles lâches partout ici. Je vais continuer à varier mes greens parce que je pense que quand on travaille trop plat, c'est une mauvaise habitude d'entrer. Je fais ça parfois quand je suis un peu paresseux, et je pense qu'il suffit de vous appeler pour sortir. Vous avez un mélange de vos couleurs. Continuez à bouger. Nous allons faire des formes similaires partout. Il y a un peu de poussière dans mon pigment dont je parlais dans la section des matériaux. Je vais juste continuer à bouger, peut-être mettre un peu de magenta dans le vert pour avoir cette olive. Il s'agit essentiellement de trois petits coups de pression pour créer ces formes de feuilles. Ne jamais aller trop fort avec la couleur parce que nous allons construire la profondeur par superposition plutôt que d'aller vraiment plein avec la couleur si tôt. Il suffit de garder toutes ces couleurs mélangées. Je fais ce petit secret vert sur le disque numéro 4, souvent oublié. Tellement d'amour pour ces verts. Aimer avoir un nouveau pinceau avec lequel travailler. C' est un point si agréable par rapport à celui avec lequel je me suis battu. Encore quelques fois ici. vais donc les espacer uniformément parce que ce que je vais faire est de peindre les futures couches sur le dessus. Je pense que c'est la chose avec laquelle les gens se battent le plus, c'est projeter où les couches vont aller. Je pense que c'est surtout grâce à l'expérience. Plus vous le faites, plus vous serez familier avec la façon dont cela va fonctionner, et vous pouvez préplanifier vos peintures de cette façon. C' est probablement bon pour celle-là. Je vais juste mettre celui-là sur le côté et le laisser sécher. Maintenant, pour la prochaine, je vais aller au contraire et travailler super lourd dans mon pigment. Aller aussi fondamentalement que possible le volume complet. Je vais aller directement chercher les violets et les bleus parce que ce sont les pigments les plus forts ici et ceux qui sont beaucoup trop facilement capables de travailler avec, surtout quand ils sont mouillés. C' est si facile de ramasser autant de pigment et tu n'as nulle part ailleurs pour aller avec ça. C' est dur de le diluer à nouveau. Je vais faire passer certains de ces ultra lourds. Je vais juste secouer un peu la forme. Nous pourrions aussi bien avoir une pièce ici et aller au-delà de faire la même chose encore et encore. Je vais peindre dans une petite tige avec juste ma prise verticale comme ça. Peut-être un autre là-bas et là-bas. Je vais peindre des feuilles très lourdes et pigmentées ici. Une autre fibre. D'où vient tout ça ? Quand j'ai mon chien dans la pièce, c'est impossible parce que c'est un ballon de peluches et ça va partout. Si vous y pensez, ce que j'utilise ici est beaucoup ces blocs de construction où nous avons écrit au début. C' est juste des points et des tampons pour représenter les feuilles à ne pas trop trop penser à ce stade. Laissez-moi secouer la couleur parce que je continue à finir avec le même genre de couleurs qui se passe là-bas. Va avec un peu de violet. Je vais vraiment, vraiment, vraiment, très lourd avec la couleur. Où vais-je aller ? Peut-être un peu plus bleu. Peut-être celle-là. J'ai vraiment bouffé mes peintures là-bas, alors je vais devoir leur donner un nettoyage plus tard. J' ai tendance à faire ça beaucoup. Je vais chercher des couleurs aléatoires. Il y a toujours des saignements et des choses qui se passent, mais il y a tellement de pigment là-dedans qu'il va vraiment être très actif même quand je le mouille à nouveau plus tard. J' ai juste besoin d'équilibrer un peu celui-ci. Peut-être en mettre un ici. C'est celle-là. Maintenant, je vais mettre ça sur le côté, laisser ça sécher aussi. Puis le troisième de nos exercices dans celui-ci. Nous avons des charges ultralégères, très translucides, délicates, lourdes, lourdes, beaucoup de pigments, vraiment sombres. Alors celui-ci vous donne un peu de combinaisons des deux et vous pourriez être en mesure voir comment vous pouvez commencer à construire de l'énergie avec ceux-ci. Mais je vais en fait commencer pour ma première couche de travail assez léger et ensuite je vais ajouter plus sombre que j'y vais. Je vais changer un peu l'exercice à nouveau. Je vais créer un effet en cascade de feuilles qui descendent, donc presque comme des feuilles de gomme ou une grosse cascade de feuillage sortant de l'arbre. Encore une fois, travailler la lumière silencieuse comme ça. Obtenez un peu d'un mélange de couleurs. Nous obtenons ces tons gris clair lorsque vous mélangez le rouge et le bleu ensemble. Mettez des formes plus grandes. Peut-être mélanger tout ça ensemble pour obtenir une belle mauve. Retourne à mes greens. Vous pouvez voir, chaque fois que je retourne à ma palette, j'utilise juste certaines des couleurs que j'ai déjà mélangées. C' est ainsi que vous commencez à faire avancer une langue dans votre travail aussi. Vous pouvez simplement continuer à utiliser ces mêmes couleurs dans le stock. Lorsque vous continuez à atteindre la même chose encore et encore, cela relie les choses entre elles. Quand je travaille sur une série, je garde la même palette sale tout le temps et cela aide comme les couleurs apparaissent tout au long de votre travail. Peut-être en faire un peu plus ici. J' ai besoin de plus de bleu-y. Je vais mettre celui-là sur le côté maintenant. J' ai des formes très basiques ici. Ce ne sont pas des œuvres passionnantes à regarder en ce moment. Ils sont tout à fait simples, mais on a l'idée que nous n'essayons pas de réaliser une peinture complète lors de la première séance. C' est plus comme abaisser la première couche, c'est très basique, puis nous construisons et construisons sur elle pour créer des détails plus intéressants au fur et à mesure que nous continuons plutôt que d'essayer de réaliser en une seule séance. C' était quelque chose que j'ai dû refiler dans mes propres pratiques où je serais impatient et que je veux tout finir, mais être satisfait d'obtenir une couche vers le bas et de me sentir vraiment heureux avec ce que cela ressemble et excité pour le étape suivante. Il contribue également à générer de l'énergie dans votre travail. C' est définitivement amorti et ça vient d'être peint, donc c'est certainement humide aussi. Ce que je vais faire, c'est que je vais juste faire une pause un instant, les mettre sur le côté et les laisser sécher, et ensuite je reviendrai vers eux quand ils sont complètement secs pour que je puisse peindre la couche suivante. Je les ai mis sur le côté maintenant et je les ai complètement, complètement secs. Je vais faire le tour et retourner à mon premier tableau et travailler des couches plus translucides. Je pourrais les regarder et je pense que beaucoup de gens voudraient ensuite les mettre parfaitement entre les espaces, mais nous allons en fait les couches au-dessus du dessus parce que c'est ce que nous essayons d'apprendre ici. Je vais prendre quelques couches translucides plus légères, un pigment assez dilué que nous voulons. Je vais m'assurer que je chevauche toutes les feuilles lorsque j'ajoute le calque secondaire. Celle-là, c'est beaucoup. Ça pourrait aller un peu plus pour le prochain. Je peux le mettre ici. J' ai encore mes doigts sur mon travail. Je devrai toujours être conscient de ça. Je vais continuer à changer ces couleurs, en m'assurant que tout fonctionne ensemble. Je vais essentiellement utiliser la couche secondaire pour relier toutes ces feuilles ensemble. Vous pouvez commencer à voir ces intersections et comment elles peuvent provoquer un travail potentiel. C' est la chose, c'est que jusqu'à ce que vous le visualisiez, parfois vous ne savez pas vraiment comment ça va fonctionner. Si vous avez recommencé cet exercice, parce que c'est notre petit ami aquarelle, ça va être totalement différent, parce que nous n'avons que tellement de contrôle sur. Je vais prendre un peu plus de celui-là, je vais lier ces deux-là. J' essaie de combler progressivement les lacunes ainsi que d'obtenir un peu de composition équilibrée en reliant tous ces éléments ensemble. Je vais en fait faire une troisième couche là-dessus aussi. Je garde cela dans mon esprit pendant que je peins parce que je dois laisser de la place pour la prochaine couche de feuilles et essayer d'obtenir des zones où je peux relier trois couches ensemble. Je vais y aller. J'essaie de les avoir tous sous différents angles aussi, parce que tu as ce joli sentiment de brouillage. Je pense que beaucoup de mélanges des mêmes types de bleus et de verts est vraiment efficace pour cet exercice. Vous pouvez le faire avec tous une seule couleur ainsi et vous avez juste un effet monotone qui semble toujours vraiment sympa. Peut-être un droitier là-bas. Je pense que c'est beaucoup que je peux presser pour une deuxième couche sans toucher accidentellement des couches partiellement amorties, parce que celles-ci ici que j'ai fait d'abord ont déjà commencé à sécher, donc je vais éviter de toucher ça plus et remettez-le sur le côté, et plongez dans celui-ci. Je vise trois couches sur celle-ci. Quand je regarde celui-ci, je me dis : « Puis-je en ajouter plus ? Est-ce que je veux en ajouter plus ? » Je pourrais probablement ajouter un peu plus, mais je ne vais pas avoir cet effet translucide parce que le pigment est si lourd qu'il n'a nulle part où aller, donc tout ce que je peux vraiment faire, c' est maintenant qu'il est sec, c'est que je peux ajouter feuilles supplémentaires parce que j'ai eu le temps et l'espace pour le regarder avec des yeux frais, ou si je devais alors prendre un peu plus d'une autre couleur, je pourrais peut-être ajouter un ici, mais vous pouvez voir, ne pas vraiment obtenir beaucoup de l'effet de chevauchement qui se passe. Ça peut être un peu décevant. Ceci est un petit rappel que lorsque vous travaillez vraiment lourd avec votre pigment, cela peut être préjudiciable dès le début. Travaillez plus léger, puis insérez dans les sombres. Donc, je vais juste en ajouter quelques autres ici juste pour vraiment diriger cette maison. Les couches secondaires n'ont pas toujours à chevaucher les couches précédentes. C' est une autre chose à garder à l'esprit. Je vais juste ajouter quelques petits points et tampons et un peu de blocs de construction juste pour créer un peu plus d'intérêt parce que dans créer un peu plus d'intérêt l'ensemble, ces pièces me semblent un peu plat, c'est très, très monochrome, très lourd. Il y a des moments où cela est pratique, mais peut-être pas pour tout le travail parce que c'est juste si dense. Maintenant, je vais le mettre à côté. En fait, je vais probablement mettre ça sur le côté et ne pas la toucher à nouveau parce que si je continuais avec la troisième couche, c'est plus de pigment, plus de lourdeur, et je ne pense pas que ça va vraiment profiter au travail. Sur mon troisième, où je vais avoir un assortiment, comme un mélange complet de couleurs. Je veux vous montrer quelques choses différentes que vous pouvez faire avec cet exercice. Allons chercher un bleu ici. Maintenant, parce que ces feuilles sont sèches, je peux peindre autour d'elles et elles ne vont pas se saigner les unes dans les autres. Je peux [inaudible] jusqu'au bord et ça ne va pas saigner. C' est vraiment bon si vous voulez une forme vraiment solide, mais vous avez des nuances variables. Si c'était mouillé, il saigne l'un dans l'autre et vous n'auriez qu'une flaque d'eau. C' est donc l'un des beaux avantages de la superposition et ensuite avoir cette patience est d'avoir l'espace pour lui permettre de peindre autour de formes. J' irai là-bas aussi. Crée presque comme un effet d'espace négatif. J' en ai un peu plus. Je peins d'autres feuilles. Je pourrais faire une autre feuille ici qui améliore la pointe de celui-là. Peignez ça. Prenez un peu plus vert ou quelque chose comme ça. Je vais avec un vert légèrement plus fort cette fois. Je pourrais même en ajouter un autre ici juste pour créer le prochain ici arrière des feuilles. Comme ça. Vous pouvez obtenir vraiment net et précis avec cela aussi bien. Surtout si vous [inaudible] brossez, vous pouvez obtenir des formes vraiment belles. Je vais juste enlever ça au bord de la page. J' ai besoin d'une autre couleur. Peut-être un peu de brun dans le mélange. Fais plus d'olive. Je vais en prendre un sur le bord. Il y a une empreinte digitale. Excusez-moi. Alors je pourrais en faire une de plus ici. Je ne suis pas trop inquiet de tout connecter. Je ne peins rien. Il est plus juste de générer l'idée de ce qui se passe lorsque nous introduisons plusieurs couches dans une forme. Je pourrais en faire un petit. [ inaudible] un peu trop. Je voulais juste me marier dans ce bleu un peu parce que c'était tout seul. C' était seul là-haut. C' est ma couche secondaire là-bas. Vous pouvez voir que je n'ai vraiment rien croisé, mais j'ai pu travailler sur des formes qui ont été peintes auparavant parce qu' elles sont sèches et qu'il n'y a aucun risque qu'elles se saignent les unes dans les autres. Encore une fois, je vais faire une pause et laisser ces deux sécher, puis je vais revenir en arrière et faire la troisième couche. Puis ils étaient deux. Je vais retourner à celui-ci et essayer la troisième couche là-bas. Encore une fois, il suffit d'aller avec les mêmes tons clairs là-dessus, et vous allez obtenir cette accumulation d' un calque supplémentaire où vous allez obtenir encore plus d'intersections et plus d'intérêt. Je vais chercher quelques variétés de légumes verts qui se passent ici. J' ai toutes sortes de soupes vertes. Légèrement différent. Probablement, « Pourquoi est-ce qu'elle va juste entre ces trois ? » Mais je recueille le moindre peu de ton différent à chaque fois. Mon but ici est de faire l'intersection occasionnelle à trois voies, donc juste là. Il va y avoir une petite zone où il y a trois couches translucides d'aquarelle. Ensuite, je vais essentiellement travailler mon chemin autour et sentir tous les espaces maladroits avec quelques formes de feuilles plus. Je pourrais faire beaucoup de choses ici. Peut faire une autre intersection à trois couches. Ajoutez un peu de bleu là-dedans, peut-être ici. Il est très difficile de préempter à quoi ressembleront les choses lorsque vous travaillez avec des couches. Donc des exercices comme ceux-ci sont si bénéfiques parce que vous commencez à y aller, ok, si j'utilise même le moindre trop de pigment, je vais perdre cette translucidité. Mais vous obtenez les petites notes les plus incroyables que vous vous déplacez, et je pense que c'est juste un si bel aspect à l'aquarelle. C' est peut-être sous-estimé avec les débutants ou mal compris avec les débutants. Allons-y un ici. Celui-ci n'a pas d'intersection à trois voies, mais c'est une lacune que je voulais combler. Ce n'est pas crucial que vous remplissiez chaque Hall, et ce n'est pas crucial que vous couvriez plus de couches, je pourrais même en faire une complètement. C' est toujours la troisième couche parce que vous vous êtes donné du temps et de l'espace pour avoir un peu de réflexion, réanalyser les domaines avec lesquels vous voulez jouer et où vous voulez travailler. Laisse-moi mettre celui-là. Un peu de courage là-bas. Je crois que j'ai laissé cette couleur, donc je vais mettre un peu plus de ça ici, et arrondir celle-ci. Vous pouvez voir que je recule parfois, et un peu de distance est ce qui peut être une vraie clé parce que si vous travaillez de très près et que vous obtenez vraiment analytique, je pense que vous perdez un peu de contexte. Avoir cet espace, je peux dire, d'accord, il y a un trou ici, vraiment envie de combler ça, donc ça va être ma prochaine étape. Alors peut-être que j'ai besoin de réanalyser où je vais aller ensuite avant de placer un pigment supplémentaire. L' un des avantages énormes de travailler avec des couches est que vous pouvez travailler plus progressivement, et vous pouvez vraiment analyser le travail entre chaque pièce ainsi, et dans chaque couche, vous pouvez apporter un peu d'autre chose. Il y a celui-là. Tu sais quoi ? Je pense que c'est à peu près là, je pense que c'est fait. Je ne veux plus toucher à ça. Il se sent comme juste un peu d'une sorte d'image décontractée de litière de feuilles abstraites. Je pense que j'aime particulièrement cette zone ici où il y a ces multiples intersections et c'est probablement là que mon regard est attiré le plus. C' est quelque chose à garder à l'esprit aussi, c'est quand vous avez plusieurs couches et que vous avez beaucoup d'informations générées dans un domaine particulier, qui crée de l'énergie et vous verrez s'y attirer. Vous pouvez contrôler où cela passe, où et quand vous croisez vos calques. Je vais l'envoyer là-bas et ensuite je vais replonger dans celui-ci dans un pressé. Faites en sorte qu'un peu plus de ça. Celle-là, je vais penser vraiment lâche. Je suis un peu comme ceux-ci que j'ai sauté derrière, ça rend les choses un peu raides et je suis probablement allé un peu trop prudent avec eux, donc je vais juste aller un peu lâche sur le dessus et peut-être avec des couleurs fortes comme Eh bien. Pourpre dans votre vert est toujours agréable d'obtenir ces beaux bleus. Je vais faire des couches de décalage sur le haut juste pour créer un peu plus d'intérêt ici. Je vais devenir un peu sauvage et voir ce qui se passe. Si je fais comme un lot de couleur bizarre aléatoire que violet, j'essaie habituellement de l'utiliser à quelques endroits donc ce n'est pas comme un seul comme, « Woah, qu'est-ce qu'elle a fait là ? » Cela peut ressembler à une erreur, mais dès que vous incorporez une erreur deux ou trois fois, alors ce n'est plus une erreur. C'est juste une torsion de l'intrigue. Ajoutez quelques coups de plus ici et là. Blocs de construction. Mes blocs de construction ont tendance à devenir plus petits, plus je m'enfonce dans un tableau. Quelque chose à garder à l'esprit est que mes couches de base sont de larges structures sur lesquelles je construis. Comme je deviens de plus en plus petit, mes blocs de construction deviennent plus petits et plus petits. Prends juste un peu d'action flyaway là-dedans. J' ai besoin de quelques formes plus sombres là-dedans. Celui-ci, lorsque vous travaillez avec tant de couleurs et de tonalité dynamiques, vous générez des tas de plus d'énergie. En fait, je vais faire quelque chose de plus de décor genre de couleur. Vous avez votre orange qui est opposée au bleu, donc je vais juste ajouter ça pour un peu d'énergie, mais je vais abattre un cochon en le mélangeant avec un peu de bleu comme ça et bouger tout mon pellet. Cela aide avec un peu et de l'énergie ainsi. Quelques petites touches de blocs de construction et de danse autour de la page. Il y a nos trois techniques différentes d'utilisation de couches. Celui-ci, de simples couches translucides très pointilleusement posées les unes sur les autres pour essayer de générer ces feuilles de cellophane comme je l'ai décrit. Notre pigment lourd, super pratique pour quand nous voulons créer un contraste. Mais si on va trop lourd, trop tôt, on n'a pas de moyen d'y aller. Ensuite, nous devons avoir un travail de haute énergie plus dynamique où nous avons de la couleur, ton, des tas de mouvements. Vous avez probablement regardé tout ça et dites : « Ça ressemble beaucoup à votre travail ici. » C' est parce que c'est ce que j'ai décomposé pour créer ces trois petites choses. Quand je travaille, j'intègre tous les trois ensemble. Vous pouvez voir que j'ai des tons assez lourds. Je les ai ajoutés en dernier parce qu'ils sont les choses que vous pouvez ajouter de la profondeur plus tard. C' est très dur de travailler à l'envers. Vous pouvez soustraire l'aquarelle, vous pouvez seulement ajouter. C' est donc une sorte de méthode additive et je m'y construit plutôt que d'aller trop lourd trop tôt. Ensuite, certains de ces tons clairs sont super duper light, et je leur ai permis de le faire, même si dans la nature vous ne pouvez pas nécessairement voir à travers eux, cela crée un très bel effet. Ensuite, j'ai utilisé une gamme vraiment dynamique de couleurs et d'interaction de couleurs complémentaires et de gamme tonale, quelque chose comme ça, pour créer ce flux jusqu'à fonctionner comme ça. De là, nous avons joué un peu avec la façon dont nous pouvons jouer avec votre superposition. J' ai un petit exercice très amusant, j'ai hâte de t'apprendre. C' est lié à l'espace négatif, dont je sais que beaucoup de gens ont une crise cardiaque, mais je vous promets que vous allez vraiment en profiter. 6. Espace négatif: Nous venons de jeter un oeil à quelques couches de feuilles simples. Maintenant, nous allons commencer à explorer une autre petite avenue appelée espace négatif avec superposition et c'est un exercice tellement amusant. J' ai hâte de le partager avec toi. peu près, je ne veux pas l'appeler tôt mais garanti de bons résultats. On va avoir besoin d'une règle, d'un crayon, d'une bande de peintre, et peut-être d'une gomme au cas où. Je vais faire un carré de 12 par 12 centimètres environ ou cinq pouces si vous êtes dans le système impérial. Je vais juste mesurer un carré et je vais créer un carré flottant au milieu de la page et aller masquer cette zone. C' est une technique qui peut être super belle à travailler avec parce que vous allez être laissé avec cette bordure blanche autour des bords. Je viens de marquer 4,5 centimètres à chaque extrémité. Je vais laisser mes lignes de crayon et les effacer les dernières fois que tout est sec. ligne de crayon là-dedans. Je ne vais pas très lourd avec mes lignes de crayon, plus léger est mieux parce que cela signifie que vous gênez la page et quand vous effacez, vous n'aurez plus ces canaux dans le papier. J' y vais aussi humainement que possible. Je suis désolé, du haut de ma page, je vais descendre huit centimètres, ce qui fait environ trois pouces, mais je travaille A4, donc si vous êtes une presse à lettres et alors vous allez devoir ajuster les mesures en conséquence. Huit centimètres de bas. Laisse-moi vérifier que j'ai vraiment 12 centimètres. Je le fais étourdir en accélérant mon papier. 12 centimètres. Ensuite, je vais aller 12 centimètres ici et ici et mesurer ça aussi. Parfait. Voilà ma place. Je les ai mis sur le côté parce qu'ils ont fini maintenant. Maintenant, j'ai une plus grande surface en bas et une zone plus courte en haut là-bas. C' est un peu plus en bas. C' est une technique d'encadrement très classique. Lorsque vous les avez un peu plus haut dans le cadre, il semble un peu plus équilibré, si vous aviez parfaitement centré, il a tendance à regarder fond blanc lourd lorsque vous le mettez sur le mur. Assez de ces gars. C' est la bande basse que nous pouvons remplacer si nous avons besoin, je vais prendre une longueur qui va au-delà de la largeur de mon carré et je vais le tirer vraiment serré et le mettre droit à cette ligne de crayon là-bas. Alors l'astuce avec celui-ci est, si vous utilisez juste vos doigts pour aller et pousser ça comme ça, ça ne va pas sentir chaque écart de la colline et de la vallée dans le journal, donc j'ai tendance à récupérer le dos de mon ongle et juste courir comme ça. Vous pouvez le faire avec une cuillère. Mes pinceaux noirs laissent une marque noire, mais j'utilisais mon pinceau pour aller comme ça le long du bord. Cela aide juste à remplir la bande dans ces collines et vallées afin que vous puissiez vous assurer qu'il n'y a pas de saignement sous le type parce que c'est très décevant quand vous tirez la bande et qu'elle est saignée en dessous. Je vais faire mon chemin et faire ça pour le reste des bords, même accord. Comment faisais-je ? Mon ongle. J' évite de mettre mes doigts dans la zone centrale parce que c'est là que je vais peindre. Je vais juste continuer à me concentrer comme ça. Les coins sont importants aussi parce qu'il est doublé couche collée, sorte que cela peut causer un problème, trop de pression et vous laisserez une indentation dans le papier cependant. Tu ne veux pas faire ça non plus. C' est un peu difficile, mais ça vaut vraiment la peine du résultat final. En gros, ce que j'ai fait, c'est ma zone de toile et le reste va être masqué. Quand je décolle cela, je vais avoir ce beau bord net à l'œuvre, il peut juste vraiment rassembler une pièce ou l'amener à un tout nouveau niveau. Pour commencer ce travail, première couche sera en fait la couche qui est révélée comme la couche supérieure. Les choses qui sont les plus positives. Je vais aller très doucement et peindre dans une couleur bleu très clair. Je vais en fait faire un peu de mélange de couleurs. Je vais continuellement changer de différentes nuances de bleu. Continuez à le mélanger ensemble. Je vais apporter un peu d'arrosage, garder très léger sur scène parce que nous allons devenir plus sombres et plus sombres au fur et à mesure que nous avançons. Continuez à déplacer des petits morceaux de bleu, purply peut-être un peu granuleux. Continuez ça. J' utilise juste mes doigts sur la cassette pour embrasser la page ou ne pars pas et je la gâche. Peut-être qu'un peu plus de cette couleur violette avait l'air sympa. Peindre jusqu'aux bords. J' ai déjà raté quelques spots juste là. Alors si vous aimez l'aspect des fleurs et des lames dans la peinture, c'est une belle petite technique pour juste générer un peu plus d'irrégularité sans sèche parce que je vais juste mettre des gouttelettes propres dans l'eau. C' est notre première couche. Je n'ai même pas encore expliqué ce qu'on fait, mais je veux être un peu mystérieux. Je vais laisser celle-là sécher et revenir une fois, il est complètement sec. Où sont ces gens de patience ? Ça en vaut la peine, je te le promets. Je reviendrai bientôt. J' ai cette première couche complètement sèche maintenant, et je vais devoir vous donner un petit indice où ça va. Je vais m'inspirer d'une fleur de marguerite australienne appelée fleur de flanelle. Fondamentalement, nous allons découper des formes d'espace négatives et créer cet effet de profondeurs incroyables en faisant cela. Le premier crayon que je vais faire est la couche la plus haute de nos marguerites. Ensuite, nous allons peindre autour de l'extérieur d'eux pour aider à générer cet effet d'espace négatif. Fondamentalement, je vais dessiner un cercle et puis c'est juste comme la lampe de poche classique, mais une flanelle a des extrémités pointues, c'est vraiment la principale différence. Allons colorer ça. Le crayon que vous voyez en bas de la piste. Il s'agit d'un jeu pratique avec lequel il faut jouer. Je vais juste ajouter quelques fleurs. Vraiment légèrement avec le crayon. Peut-être un petit traînant au bout et peut-être un autre là-haut. Il est préférable d'aller et de laisser un peu d'espace parce que nous allons générer plus de fleurs au fur et à mesure que nous allons plus profondément dans les couches. Vous ne voulez pas remplir tout l'espace à ce stade. Je pense que c'est plutôt bon. Je vais le laisser là. Maintenant, pour certains de ces types d'espaces, je recommande certainement d'utiliser votre petite brosse pour que vous puissiez entrer dans ces coins et recoins. Pour les espaces plus grands, je vais toujours travailler avec ces plus gros pinceaux. Je vais faire peut-être juste un peu plus pigmenté mélange ici donc un peu plus sombre, mais encore une fois, continuer à le déplacer autour, sorte qu'il ya beaucoup de variantes en couleur sur les chemins à travers. Pas besoin juste un peu plus. C'est bien. Vous devez travailler assez rapidement parce que nous travaillons autour des formes que nous avons dessinées et nous allons attirer l'attention sur les espaces négatifs laissés derrière nous. Faire ces trois couches est une belle façon d'utiliser cette technique parce que vous obtenez juste les résultats les plus fascinants. Un peu plus bleu. Les feuilles sur ces fleurs sont ces magnifiques bleu-gris argenté, c'est ce que la référence bleue est pour moi. J' adore ce qu'ils ont dans la nature parce qu'ils sont blancs grisâtres et si beaux. Il faut un peu de patience. Oui, c'est encore ce mot, pour bien couvrir tous ces espaces. Whoa, un peu trop de pigment, un peu de violet, juste pour garder les choses en mouvement. Si vous devez retourner dans une zone qui est même un peu sèche comme cette ligne dure ici, je vais continuer à travailler dessus, et vous pouvez garder ce bord bas, et ça l'empêchera de se fixer sur la page, qui va sembler un peu drôle parce que vous pouvez finir avec est la ligne maladroite à travers le milieu de votre travail où vous avez fait une pause. Je vais devoir passer à ma petite brosse pour passer à travers cette section serrée. Interrupteur rapide. Encore une fois, n'oubliez pas que cette page n'est pas fixée à la table parce que cela va vraiment vous aider à entrer dans ces coins plus serrés un peu plus facilement. Continuez à suivre comme autour de l'extérieur de vos lignes de crayon. À la toute fin, nous allons effacer toutes les lignes de crayon visuelles. La plupart des fois que j'ai fait cet exercice, les lignes elles-mêmes disparaissent dans la peinture, et vous ne les remarquez même pas vraiment. Les seuls que vous effacez sont la boîte que nous peignons. C' est un peu de temps parce que c'est un peu dur. J' utilise juste le plus bout de ce pinceau beaucoup de ça juste pour entrer dans ces espaces restreints. Briser cette ligne avec un peu de gommage. Scrubbing, fait littéralement juste taquiner la surface du papier pour agiter le pigment qui existe déjà là, et il peut l'activer et le ramener dans un endroit pratique. Remplissez ce petit gars. Descendez au fond ici, j'ai un peu plus d'une continuation de couleur verte là-bas. Dernière petite section pour celle-là. Je n'ai rien fait. Je veux faire ces centres parce que ça va vraiment les faire ressembler à ce qu'ils sont. Je vais juste définir un peu ce centre en peignant autour du bord. Il lui donne un peu d'effet 3D, et déguise un peu plus de ce crayon. C' est bien si elle peut collecter une partie de la peinture humide de votre travail d'espace négatif ainsi. Encore une fois, il faut attendre que ça sèche. Je vais juste mettre ça de côté, me distraire un instant et y revenir quand il est complètement sec. C' est sec maintenant, et c'est là que la chose de l'espace négatif peut devenir un peu d'esprit plié. Ce que nous allons faire, c'est crayon dans d'autres fleurs, puis nous allons soustraire les fleurs existantes et les nouvelles et ne peindre que ce fond. Il enlève plus d'arrière-plan, et nous allons peindre plus de pigments là-dedans pour créer plus de profondeur. Je vais faire peut-être un ici, et il se chevauchant et interagissant avec les autres fleurs existantes comme super efficace, parce que ce qu'il va faire est de faire les plus hauts les plus brillants et tout le reste en dessous d'eux va pour reculer. Je vais dessiner de façon pointue des fleurs qui se croisent et laisser des morceaux délicats à peindre. Mais c'est là que les bonnes choses arrivent. Peut-être un là-dedans. Je vais le faire, et ensuite je vais en faire une autre, donc vous aurez cette réduction à chaque fois. Peut-être que juste quelques pétales ici auraient l'air sympa. Maintenant, je vais recommencer à peindre. Je devrais peut-être me réduire à la petite brosse parce que j'ai des lacunes encore plus serrées à entrer. Je vais utiliser une quantité de pigment similaire à celle de la dernière fois. Parce que nous faisons cette chose additive, et nous allons continuer à ajouter de la valeur en ajoutant plus de pigment sur le dessus, je n'ai pas besoin d'augmenter la quantité de pigment avec lequel je travaille parce qu' il se multiplie avec toute cette translucidité et obtenir un beau bleu aller. Si j'ai une zone verte ici, il est agréable de mélanger certaines des couleurs, de sorte que vous pourriez frapper un peu plus vert puis plus bleu, et avoir ce changement se passe, et cela peut créer un peu de magie vers la fin aussi. À travers les couches translucides, vous pouvez voir tous les déplacements. Il va y avoir ce petit peu gênant là-dedans. Avoir cette belle pointe pointue sur ma nouvelle brosse est très pratique en ce moment. Ensuite, je peins toutes les formes qui ne sont pas au crayon. Frottez ça sur cette vague de lignes de crayon. Peut-être aller un peu plus violet là-dedans. Ici, nous avons une peinture dans la zone des pétales là-bas, et pour aider à définir la fleur en retrait. Continuez à faire le tour. C' est d'essayer toute ma patience juste d'être aussi serré que d'essayer d'obtenir toutes ces petites intersection parfaites. Je dois dire que je ne suis pas moi-même la personne la plus patiente et c'est pourquoi j'ai dû trouver tant de trucs pour me distraire pendant que je travaille, parce que sinon je travaillerai dans quelque chose beaucoup trop vite ou beaucoup trop, et puis il n'y a pas moyen de revenir, donc j'ai ruiné trop de travaux en travaillant de cette façon. Je me suis entraîné pour me rafraîchir quand je travaille dans des zones humides, surtout parce que je veux juste continuer à travailler, alors je vais travailler sur une autre pièce plutôt que de me battre avec quelque chose qui est trop humide. C' est une chose très difficile de vous encourager à le faire. Peindre ce petit trou là-dedans. Je vais révéler une autre fleur ici. J' ai besoin de verts pendant qu'on descend ici, dans ces coins et recoins. Je ne suis même pas trop prudent à ce sujet. Je ne pense pas que ce soit dans ma nature d'être trop prudent, et vous obtenez toujours un très bon résultat. Si vous êtes vraiment super soigné et bien rangé, vous pouvez avoir des formes évidemment très nettes, mais je suis aussi prudent que je peux l'être. Ça va être différent pour tout le monde. J' ai manqué quelque part. J'ai manqué là-dedans. Il commence juste à pleuvoir dehors. Retournez là-haut. Pouvez-vous commencer à voir où ça va ? Je pense que c'est une de ces choses jusqu'à ce que ce soit fini, c'est très difficile de visualiser où ça va finir. Mais je peux te promettre que c'est juste si bon. C' est très efficace, et j'adore l'utiliser dans mon propre travail. Continuez à déplacer ces couleurs, peu importe si vous courez sur les bords parce que nous allons décoller toute cette peinture, mais essayez de ne pas dépasser le jaune parce que évidemment vous allez frapper la page à nouveau. J' ai découvert ce point et puis j'ai moins de peinture dessus. C' était bon petit triangle là-dedans. C' est un peu difficile à contrôler si vous êtes quelqu'un qui travaille avec beaucoup d' eau parce que ces pétales vont déborder dans certaines zones. C' est un bon petit truc pour gérer votre volume d'eau ainsi que votre contrôle de l'eau. Sauvegarde dans ce type ici. Peignez ce coin. Il y a encore une révélation, le moindre petit bout à faire ici. Je ne veux pas aller trop sombre parce que tu n'as nulle part où aller. Tu dois laisser des portes ouvertes pour toi. Fais celle-là. Je ne pense pas. Fais-le juste au cas où. Maintenant j'ai cette dernière petite zone centrale et je vais devoir la laisser sécher à nouveau. Avant que j'oublie, je ferais mieux de peindre ces centres. J' en ai un ici, un ici, un ici, et c'est tout. Il est temps de le laisser sécher. Je vais revenir et faire une dernière couche, qui va être la couche la plus profonde de la taupe et vraiment juste correctement [inaudible]. Encore une fois, agréable et sec. Je vais faire une dernière couche là-dessus. Ça va être la cerise sur le gâteau. Encore une fois, aller à dessiner quelques fleurs de remplissage entre et derrière les fleurs existantes. Je dois faire travailler ce petit brossage à tous ces petits écarts, mais ensuite il va juste faire tous ces tas de ceux vers l'avant et vraiment lui donner un peu de profondeur, ce que j'adore pour cet exercice. C' est avec mon crayon qui saute à l'intérieur, dessinant des formes folles maintenant parce qu'il n'y a plus beaucoup d'espace. Tu n'as même pas à en faire trop avec ces derniers. Tu vas toujours avoir les effets. Je pourrais en mettre un là-dedans. Oups. J'ai besoin de ma gomme pour celle-là, elle est passée. Je veux juste m'assurer que j'ai de belles lignes claires à suivre. Comme il devient plus sombre, parfois vous avez besoin du lot pour briller sur votre plomb gris-rouge, vous pouvez voir où vous avez placé vos fleurs. Je vais faire quelques formes sur le côté aussi. Tout s'écoule sur le côté. Vous ne voulez pas qu'elle ait l'air trop contenue. Cela peut vraiment aider avec ce sentiment aussi. J' ai besoin d'ajouter une ligne de plus ici. Ça va être difficile pour moi, mais je suis prêt à relever le défi. Ne mets pas ça là-dedans. Encore une fois, je vais aller avec peut-être le moindre pigment plus sombre cette fois parce que ce sera la couche qui recevra le plus. Il est permis d'être un peu plus sombre. Je vais ajouter un peu plus. Ça va vraiment éclater pour les premières couches. Ceux que nous avons peints initialement, que nous venons de peindre tout le temps. Couper ici un peu fidèlement cette dernière couche, mais ça vaut le coup. On dirait que je suis sur le point de retourner dans le journal parce que mon visage est si proche, mais ça m'aide à voir exactement où je dois aller. Je peux juste obtenir un peu de ça très simple ici. Où est ma prochaine fleur ? Ce n'est pas le chemin jusqu'à ça. J' ai besoin de peindre ça alors. Chaque couche est moins peinture mais plus agitée parce que vous devez parcourir plus de zones. Maintenant, nous sommes à la hauteur de cette fleur ici. Je vais juste faire le tour par ici. Dans ces petits coins. Qu' en est-il d'un là-bas ? J'en ai besoin un là-dedans. Peut-être un peu de peinture. Où je vais aller ? Finis ce type. Assurez-vous d'obtenir les formes toujours petites entre les deux. C' est en fait là que la magie se produit et elle révèle vraiment la forme. Je vais faire ce centre ici, et bien, il est tellement humide. J' en ai un autre ici. J' y dessine une ligne. En fait, je vais devoir entrer dans cette petite lacune supérieure là aussi. C' est une couche précédente. J' ai un petit point à faire. Plus je cours de croix, plus les fleurs se croisent. Cela rend la peinture plus complexe, mais cela rend l'effet global vraiment bon. Il vaut la peine d'aller à l'effort d'obtenir beaucoup de croisement entre ces formes rend l'effet vraiment se démarquer. Aussi agité que ça l'est. Il y a un autre centre, j'ai besoin d'un peu de vert là-dedans parce que j'utilise beaucoup de violet, et ça pourrait avoir l'air trop d'une façon ou d'une autre. Je vais en parler ici. J' ai quelque chose à traverser ? Non. Peignez dans ce petit trou. Ensuite, je dois aller à une autre marguerite pour faire le tour ici, et autour de celle-ci existante. J' ai juste passé sur un de mes pétales, c'est bon, ça va devoir être un peu maigre ou peut-être que je vais m'en débarrasser complètement. Fais juste comme si ça n'était pas arrivé, on y va. Toujours faire de petites erreurs, mais parfois il s'agit de rouler avec eux et de les accepter plutôt que de penser à des œuvres complètement ruines. Seulement, je remarquerai qu'il manque un pétale sur cette fleur. ce petit trou serré là-haut aussi. Un peu plus de concentration avec celui-ci maintenant, parce que je l'ai fourré dans des lacunes super serrées. prochain est là, donc je vais juste pré-planifier comment je vais l'aborder en l' amenant à un endroit peut-être plus violet parce que sera le violet sera plus sombre. Je veux apporter ça parce que c'est la moitié inférieure du journal, je vais le ramener à plus sombre là-bas. Ok, je dois apporter ça. Consciente de cette fleur à venir. J' ai tellement de pigment sur ma brosse j'avais juste besoin d'un peu d'eau qui le maintient en mouvement. Alors amène ça, presque là. Là-haut dans celui-ci, petit écart là-dedans. Un peu comme un puzzle. J' ai la moitié inférieure de celui-ci. Mieux vaut le faire tourner, sinon je vais le mettre fin avec ma main dedans. Qu' est-ce que j'ai manqué ? Celui de ce petit peu ici et puis je pense que j'ai fini, je dois juste faire les centres. Je vais juste peindre ces centres. Un là. Cinq minutes de peinture des centres, ne améliore vraiment le fait qu'ils ressemblent à des fleurs. Ce n'est absolument pas essentiel si vous voulez juste des formes marguerites et vous pouvez réellement le faire avec n'importe quoi, n'importe quelle forme. Vous pouvez le faire avec des chapeaux, vous pouvez le faire avec des feuilles, vous pouvez le faire avec n'importe quoi. C' est le travail, mais ce n'est pas vraiment fini tant qu'on n'aura pas retiré cette cassette. Idéalement, vous attendiez qu'il sèche parce qu'il n'y a pas de risque que cette peinture humide sur le bord arrive sur votre page, mais je suis juste trop excité, donc je veux y entrer maintenant. Je vais prendre cet avantage ici parce que c'est ce qui est déjà levé. Assurez-vous que vous avez les mains propres, il n'y a rien de plus frustrant que d'aller le décoller, et ensuite vous avez du bleu dehors parce que nous voulons ces belles lignes nettes, et j'adore ça. C' est tellement satisfaisant de tirer ça. J' ai tendance à traverser le travail, au cas où il y aurait de la peinture sur la bande comme ça. Regarde cette ligne, oui. Assurez-vous que la bande ne touche pas la page. Éliminer immédiatement. Encore une fois, assurez-vous que vos mains sont propres. Tirez celui-là. Ça va aller directement dans le prochain morceau. Je vais juste rouler sur lui-même, très soigneusement. J' adore cette technique de masquage cependant, parce que vous obtenez juste vraiment beau punch de couleur avec cette ligne super raffinée autour du bord extérieur. Laissez le replier sur lui-même à nouveau. C'est tendu. Récupérez cette dernière fois. L' intensité va travailler. On y va. La toute dernière chose que je ferais avec celui-ci est en fait attendre qu'il soit complètement sec et efface toutes ces lignes. Mais vous devez attendre parce que si vous preniez la gomme en ce moment, vous laisseriez accidentellement une partie de ce bleu et la tacher partout. Mieux vaut même le laisser juste une heure, si vous êtes inquiet à ce sujet. Je pense que c'est une si belle chose à pratiquer et c'est très bon pour envelopper la tête autour. Non seulement la superposition de cet espace négatif. Que mon défi pour vous serait de créer une petite série et penser à placer les fleurs différemment dans chacun d'eux. Cela peut suffire à faire en sorte qu'un ensemble de travail soit vraiment accroché ensemble. Mais c'est tellement beau que j'adore celui-là. J' ai vraiment hâte de voir ce que vous venez avec. À partir de là, nous allons commencer une conversation sur le travail avec des photos. Je pense que c'est quelque chose qui n'est pas discuté assez souvent, surtout dans le monde de la création et le droit d'auteur des gens et des choses comme ça. Allons-y avant de commencer notre projet final. 7. Travailler à partir de photos: Nous avons juste eu un peu de jeu et créé de belles œuvres d'espace de noms. Quelque chose que je voulais couvrir avant de sauter dans nos projets finaux fonctionne à partir de photos. Il y a quelques choses que je voulais aborder ici, parce que ces photos ici sont toutes des photos que j'ai prises pour moi-même. Ce sont des photos que je prends à plat, sur mon téléphone, ou quand j'ai mon appareil photo dehors, quand je suis dans le dos, dans la nature, dans les jardins des gens, partout où je prends des photos tout le temps parce que c'est le moyen le plus sûr de créer points de référence pour vous. Il est imprudent d'aller sur Google et juste prendre la photo de quelqu'un et travailler à partir de cela, et répliquer à partir de cela parce que c'est un problème de copyright. Je ne vais pas aller trop spécifiquement dans du droit d'auteur parce que ce sont des règles différentes partout dans le monde, mais je ne veux pas suggérer cela comme une bonne façon de créer du travail. Je recommande que si vous souhaitez travailler à partir de photos, travailler à partir de vos propres photos ou travailler à partir d'une source sûre que vous avez trouvée en ligne, les licences s'appliquent à vous. Travailler à partir de photos a des avantages et des inconvénients, et nous sommes beaucoup allés dans le travail à partir d'un échantillon ou d'une coupe en direct et bienvenue à l'aquarelle. C' est pourquoi je voulais me concentrer sur le travail à partir d'une photo dans ce cours particulier. Il y a des limites, mais il y a aussi des opportunités et c'est juste de s' assurer que vous travaillez sur ces deux choses au fur et à mesure que nous allons. En travaillant à partir de photos, vous travaillez à travers une chose statique. C' est aujourd'hui, c'est plat. Oui, vous avez de la vie et de la couleur là-dedans, mais le nombre de fois où les gens sont tellement accrochés à reproduire les choses identiques et tout ce qu'il y a dedans, ils deviennent très rigides et serrés. Il est très difficile d'apporter une leçon artistique à une photo même lorsque vous l'avez prise vous-même parce que c'est un lot existant. On va commencer par celle-là. La source de lumière vient de cette direction. La culture est assez enseignée, les couleurs sont super vibrantes. Vous désactivez automatiquement un peu de vos leçons créatives dès que vous commencez à travailler directement à partir d'une photo. J' ai toute une sélection ici. Je vais en choisir trois pour faire mon projet final avec. J' ai toutes sortes, qu'est-ce que je veux faire. Voyons voir. En fait, je vais avec ces trois. Ils sont plus jolis. Je vais inclure tous ces éléments dans le package de téléchargement, donc vous pouvez utiliser mes photos pour peindre avec ce cours. Ça ne me dérange pas si tu les utilises. C' est tout à fait correct. Celles-ci, je vais choisir ici une marguerite en papier, une banksia, et le wattle. Pour mon projet final, je vais essentiellement faire une petite miniature avec chacun d'eux et je veux travailler avec eux pour qu' ils soient liés les uns aux autres et qu'il devienne essentiellement un peu d'une série. Chacun a ses propres propriétés uniques en matière de superposition. Je veux vraiment t'étirer et te faire explorer toutes ces avenues. Avec cette pile entière ici, il y a tellement de façons différentes d'explorer vos couches et je veux vraiment vous mettre au défi de ne pas simplement faire celles que j'ai choisies, mais de choisir celles qui vous plairont. Quand je travaille à partir d'une photo, j'aime avoir la photo à proximité, mais j'aime aussi en faire un croquis parce que cela peut aider à traduire sur la page. Il m'aide à recadrer, il m'aide à travailler par où commencer parfois même. Je vais le faire de cette façon. C' est une partie importante du processus parce qu'il élimine ces deux Dana que nous examinons ici et cela vous aide à obtenir un peu plus d'expression sur la page. Lorsque vous travaillez à partir d'une photo, je pense que la chose la plus importante que les gens rencontrent est, parce que j'aime toujours isoler mon travail sur une page, comme je tire une partie d'une photo plutôt que de mettre tout l'arrière-plan dans et juste mettre trop de couleur là-dedans. Je veux essayer et c'est presque comme une illustration botanique quand vous faites sauter le sujet vers l'avant ou complètement hors de son propre arrière-plan. Si c'est quelque chose comme ça, je ne peux pas nécessairement peindre tout le travail. Je pourrais isoler une section ici qui me plaît et j'aime ces formes. J' aime ces couleurs. Je pense que ça couperait bien. même chose ici avec ces banksia. Si oui ou non ces top humidifier est pertinent ou nécessaire, je vais probablement l'esquisser, évaluer si je l'aime ou non. Alors la marguerite en papier est vraiment simple mais elle est maladroitement recadrée. Ce que je vais faire, c'est peut-être l'apporter un peu ici, donc c'est plus central dans la figure, sur la page. Je vais faire un petit croquis de chacun et ça va m'aider à apporter les choses à un travail final. Fondamentalement, je vais faire une série et travailler simultanément à nouveau, de sorte que quand on dessine, j'ai une autre chose sur laquelle travailler et je me distrais de trop jeûner. Je vais commencer par la marguerite en papier. Ce n'est pas une classe de dessin, mais le dessin est très important pour articuler des choses sur la page. Lorsque vous visualisez quelque chose, cela vous aide à le traduire en une page et à en obtenir l'essence. C' est une bonne chose à pratiquer. Le dessin de la vie est très essentiel, je pense à tout le monde. Juste dessiner la nature morte ou tout ce qui est autour de vous, dessin est un outil vraiment important. Ma marguerite de papier, je vais la déplacer plus centralement. Il y a ce gros beignet au milieu. J' aime tellement ces fleurs. Promenez-vous des fleurs, des marguerites en papier, des éverlastings. Ils vont à beaucoup de noms. Je ne vais pas dessiner tous les pétales, parce que je ne vais pas non plus peindre tous les pétales. Je veux essayer d'avoir une idée de la façon d'obtenir sur la page certains des angles ou directions. Je peux déjà commencer à visualiser les coups que je vais utiliser, quels blocs de construction vont construire cette texture de marguerite en papier. Dessinez un peu plus. Plus de couches. Alors, en fait, je vais mettre la peinture dans cette tige. Je pourrais même utiliser ma technique d'espace négatif pour faire ressortir la blancheur de la fleur, parce que lorsque nous travaillons avec une page blanche, il est très difficile de peindre une farine blanche parce que vous avez perdu beaucoup de définition. Tu n'as pas de profondeur parce que le sol est blanc. Faisons peut-être juste quelques-unes d'entre elles aussi. Il y a aussi une opportunité d'espace négative dans cet élément central. Qu' il soit plus sombre là-dedans. Je vais faire des petites notes pour moi, Nick Space. Peut-être un peu plus là-dedans. C' est à peu près tout ce que je veux travailler. Quand je fais ma peinture, je vais avoir les deux à proximité ou si je me sens particulièrement comme si je veux vraiment faire l'expérimentation, je vais retirer ça de l'image du tout ensemble et je ne travaillerai qu'avec mon dessin et c'est comme ça que vous allez obtenir une véritable expression créative parce que vous avez pris votre béquille. Je vais prendre ça là-bas et ensuite je vais passer à ma banksia. Pour ma banksia, j'ai la tête de fleur elle-même, qui est par ici et il y a ces cônes au centre qui est là où toutes les tiges sortent. J' ai ça. dessin m'aide vraiment vraiment à travailler là où je veux commencer une peinture aussi. Parfois, si j'ai peint, disons, l'élément central d'abord, c'est probablement l'un des meilleurs endroits pour commencer à peindre aussi. J' ai toute cette texture et tous mes blocs de construction vont entrer en jeu ici. Peu de collants ajoutent un. Banksias sont une de mes choses préférées à peindre. Je ne deviens pas trop détaillé. Comme si je ne faisais pas un beau dessin qui pourrait être une œuvre autonome. C' est un peu comme un jet d'idées. J' ai la tige ici, j'ai celle-là. J' essaie d'être gentil, lâche et libre avec tout ça. Quelques feuilles collent la clé ici. J' ai ceci comme référence, mais je n'ai pas besoin d'inclure tous les éléments. Je veux juste inclure ce qui, à mon avis, contribue au travail plutôt que l'essentiel seulement. Je ne m'inquiète pas pour la périphérie. Je veux un bon flux là-bas parce que je pense que c'est ce qui m'attire à cette photo, c'est qu'il a un bon flux pour où la fleur provient. Je vais l'exécuter hors du bord de la page pour chacun d'entre eux. C' est probablement assez d'infos pour que je travaille avec celui-là. Pour la dernière. Je me laisse faire des petits projets ici. À mon wattle. Par rapport à ces deux, qui sont deux grandes têtes de fleurs autonomes. Celui-ci est plus complexe et beaucoup plus dense en informations. Je vais zoomer dessus et choisir une section qui, je pense, va compléter ceux par opposition à être trop occupé, parce que j'essaie de les rendre un harmonieux comme une série. Je vais essentiellement osciller cette petite section ici. Mais pour vous et quand vous approchez de ces photos ou si c'est une autre de votre choix, c'est vraiment à vous de décider, vous pourriez préférer ici, ou vous pourriez en fait préférer ces formes diagonales entières. J' adore cette photo à cause du flux qu'elle contient. Je pense que quand vous travaillez à partir de vos propres photos, vous avez pris cette photo pour une raison, vous l'avez prise sous cet angle pour une raison et vous l'avez gardée pour une raison. Il y a un lien émotionnel automatique avec l'image. Si vous prenez juste quelque chose sur Internet, c'est comme une zone très grise si vous êtes réellement autorisé à l'utiliser en premier lieu et je aussi, surtout ne recommande pas Googling aquarelle peinture de wattle, peinture aquarelle de banksia, parce que c'est quand vous êtes vraiment dans la zone rouge pour les violations du droit d'auteur. Ce n'est même pas que pour moi dans lequel c'est mauvais, ce n'est pas une excellente façon d'aborder un tableau. Mais vous limitez votre capacité de création parce que vous ne faites que copier. Une comparaison est un voleur de joie. Vous ne peindrez jamais ce sujet, vous peignez la peinture d'un sujet de quelqu'un d'autre, donc tout est dilué. Je ne pense pas que ce soit la meilleure façon d'y arriver. La plupart des gens ont un téléphone dans leur poche où ils peuvent simplement tirer des boutons-pression partout où ils veulent. Vous n'avez pas assez pour avoir des impressions. Je les ai juste pour le bien d'aujourd'hui, je suis assez souvent juste dessiner à partir de mon téléphone ou de mon ordinateur portable. Bref, retour à toi mon wattle, tu as eu un peu de rancune. Mon wattle. Je vais lui donner une forme générale ici, donc j'ai quelque chose à travailler parce que c'est tellement détaillé. Puis ces feuilles, j'adore les feuilles de ces petites grenouilles. Ça a l'air incroyable. Rappelez-vous, l'autre chose avec une photo est que beaucoup de gens vont aller mais cette feuille est là. Je dois mettre cette feuille là. Je suis genre, qui t'a dit de mettre une feuille là ? Vous pouvez en fait omettre des choses. C' est l'une des grandes restrictions avec les photos, c'est que vous obtenez trop littéral sur ce qui est là, ce qui n'est pas là. Vous avez le droit d'omettre et d' avoir des leçons créatives là-bas et de travailler avec ce que vous voulez travailler, plutôt que d'être coincé avec ce qui est sur la photo. Un peu plus de feuille. J' ai besoin de faire une feuille là-bas. Dessin d'amour, c'est juste si gratuit. Je sais que beaucoup de gens ont le hoquet et des problèmes avec le dessin. Wattle est l'une de mes choses préférées à peindre parce que je pense que c'est l'un des plus organiques et amusant et ludique et vous pouvez avoir beaucoup de bons moments avec des couches avec wattle. La plupart des gens sont très coincés avec cela, créant des wattles parfaitement circulaires. Il a l'air super étrange à l'aquarelle. C' est mieux si c'est plus fluide dans un plus organique. Donc j'aime plus de formes de lobby. J' ai beaucoup de ces bourgeons partout et les composés d'abeilles aussi. J' essaie juste d'avoir ce sentiment sur la page. Plus, grands, et puis bourgeons, un joli petit flyaway. Je les appelle la magie parce qu'elle décompose cet espace de stock en arrière-plan. J' ai généralement quelques morceaux aléatoires lâches qui traînent autour. Pour la personne du commun, ça va être absolument charabia pour moi. C' est un plan en avant et j'ai hâte peindre parce que maintenant j'ai tout ce truc prêt à aller. Mon cerveau bourdonne et j'ai hâte de te montrer ce qui se passe ensuite. 8. Le projet final: Maintenant, nous avons une meilleure compréhension de nos photos de référence et d'où nous devrions nous en procurer. Je veux rester coincé dans ma petite peinture. Je les ai définis comme ceci, parce que dans mon esprit, si je crée un peu d'une série, la façon la plus bénéfique de créer une série est en fait de travailler sur eux simultanément. Parce que vous allez tirer un vert d'ici et d'ici et ça commence à relier tout ensemble, et parce que je travaille sur une série de trois pour ici, je voulais visualiser comment ils pourraient ressembler sur un mur ensemble. J' ai senti le rose parce qu'il est tout seul, il serait mieux centralisé, et ensuite nous avons deux jaunes pâles à l'extérieur. Je pense que ça aurait l'air sympa. Il est d'analyser comment vous rapportez ces choses ensemble et presque préempter le résultat final aussi. Je vais descendre à une taille A5 ici pour ces petits travaux, donc c'est entre ces deux-là. Juste pour que je puisse travailler sur eux assez rapidement pour vous tous. Le premier avec lequel je vais commencer va probablement être en fait, c'est vraiment juste ma préférence [inaudible] mais je vais commencer par la banksia. Je vais déplacer ces deux-là sur le côté pour les sauver des splutters. Emmenez ma petite banksia ici. Je vais d'abord mélanger quelques couleurs pour commencer. Parce que j'ai commencé avec ces structures centrales ici, je vais probablement peindre cela en premier et peut-être un peu d'une ligne de crayon de l'endroit où la branche va aller, donc je sais où les feuilles vont attacher. Mais vraiment c'est presque autant que ce que je peux faire pour la première couche, et ensuite je vais alterner et travailler sur eux tous ensemble, et ça peut être une belle façon de travailler. Je vais chercher un peu de ces brownie citronnés. J' ai presque laissé beaucoup de place pour les jaunes de ma palette ici. Un peu de vert serait bon aussi. Pour mes premiers calques, je bloque souvent formes dans et j'obtiens le bon positionnement, et vous pouvez avoir une idée de la façon dont cela pourrait s'asseoir sur la page assez rapidement. Pour celui-là, je vais apparaître dans une figure vraiment juste centrale là pour la banksia, et je sais que tout le reste autour qui va être la forme de la fleur. Ce que je vais faire en fait, c'est mettre certains de mes blocs de construction en marche. Je vais juste bloquer où ces paramètres de la banksia. J' ai un bon sentiment pour ce que ce positionnement va être de toute façon maintenant. L' autre avantage à cela étant, si je voulais peindre une feuille dans laquelle je fais, je veux peindre ce petit ici, je peux le faire maintenant parce que je n'ai pas autant d'informations là-bas, et une fois que vous avez mis tous les informations là-bas, nous ne pouvons pas peindre dessus. Vous ne pouvez pas retirer des choses ou soustraire des choses, mais vous pouvez toujours les ajouter. Je vais mettre celui-là dedans. Peut-être attrape un peu plus sombre. Je vais utiliser un peu d'ombrage juste sur ces couches initiales pour l'introduire. En fait, maintenant que j'ai ma banksia aussi, je me sens plutôt bien sur l'endroit où ça se trouve. C' est mauvais. Il va y avoir de la peinture dessus, et je pourrais l'avoir accidentellement là-dedans. Comme ce que nous faisons dans Bienvenue à l'aquarelle et je vais plus en profondeur sur la façon dont je traduis d'un article en crayons dans Bienvenue à l'aquarelle. Je vais juste très légèrement crayon dans une forme ici. Je pense que dès que vous commencez à tout bloquer avec un crayon, vous êtes encore très restreint. Vous avez une restriction ici, et si vous prenez des lignes de crayon ici et essayez de les remplir parfaitement, alors vous aurez, encore une fois, très restreint, ce que je préférerais un remplissage plus organique et naturel. Maintenant, nous allons obtenir plus de nuances vertes et obtenir un peu de ma couleur inattendue que j'aime tant. Jolie petite olive là-bas. Je vais juste m'assurer que tout s'attache à cette tige et ensuite je vais à la tige de peinture en dernier. Tout ce qui est assis derrière, je vais probablement faire une couleur plus foncée ou une couleur plus inattendue. Celles-ci assis derrière. Celle-là, ça danse un peu parce que ça dépend de la couleur de mon pinceau, ce que je ramasse, de la façon dont j'équilibre les choses. J' ai un plus violet ici, je dois probablement l'intégrer ailleurs. Mon cerveau ronronne tout le temps pendant que je peins, même si je n'ai pas de pinceau à page tout le temps, il est toujours actif, je pense toujours. Celui-ci est un peu en arrière, donc je vais être [inaudible]. Maintenant, j'ai besoin d'un bon vert solide. Notez que je mélange chaque couleur parce que si nous commençons à peindre toutes les feuilles de la même nuance de vert, même sur cette photo ici, vous pouvez voir qu'il y a des verts clairs, mais ils ne sont pas tous les mêmes ombragés vert, est une émeraude assez forte ici, il va plus d'olive ici, il va vraiment calme sombre ici, et assez lumineux sur ces extrémités. C' est quelque chose à considérer à travers votre mélange de couleurs, c'est quelque chose que vous êtes capable d'articuler à travers le pigment. Celui-ci est parti, et maintenant je veux un vert clair, je pense que pour obtenir ce très brillant à la fin, et ensuite je dois reproduire ça ailleurs parce que c'est une forme autonome. Où est mon dessin ? Faites le dessous de la feuille. Je vais faire un peu de mélange vert clair pour cette forme torsadée, et il y a quelques sous les feuilles. En fait, je ne vais pas vraiment les peindre, je ne pense pas. Je pourrais retourner ici, en prendre un peu plus sombre là-dedans, j'ai besoin de plus de noir. En face du bleu, c'est orange, alors je vais le mettre là-dedans. Un peu de couleur. Pose ça dedans. Les feuilles parce qu'ils sont le moindre élément dans cette photo, je veux vraiment que le point focal soit la fleur, donc c'est là que je vais générer le plus de couches, le plus d'intérêt, le plus de blocs de construction, et puis cela laisse un plus d'un acte de soutien qui vous amène à regarder la fleur. Je peux peindre tous ces éléments et ensuite peut-être revenir et identifier quelques lacunes ici et là. Mais vraiment le point focal va être ici, donc je vais probablement arrêter de travailler sur les feuilles bientôt et passer à la prochaine peinture et laisser tout cela sécher. De quoi ai-je besoin ? J'ai encore besoin de cette couleur. Juste pour peindre celui-là dedans. [ inaudible] un peu d'ombrage. Je retourne dans la peinture là-haut, donc quand la goutte tombe, elle tombe dans le point le plus sombre. J' ai besoin de créer ce flux, un peu de bleu inattendu ou quelque chose là-dedans. J' adore jouer avec les couleurs. Je vais le faire sortir de mon site, même pas y penser parce que j'ai deux autres peintures à travailler et quand je reviendrai, j'aurai de nouveaux yeux. Je vais travailler sur deux autres peintures, donc j'aurai plus de couleurs et plus de mélanges, et je pourrais encore analyser et trouver quelques lacunes et trous pour travailler. Je vais le mettre sur le côté. En fait, je ne suis pas là avec ce travail. Maintenant sur la marguerite en papier. Quand j'ai fait mon dessin, j'ai commencé avec cette partie centrale des fleurs. Je vais probablement faire de la même façon. Je vois ici avec les pétales qui se plient sur lui-même, que c'est une opportunité pour un espace négatif. Je ne vais pas le dessiner en premier cette fois, je vais essayer d'être un peu picturale avec elle. La première chose que je vais faire est de peindre cette forme marron au milieu juste ce brun clair. Parce que je peux toujours ajouter plus sombre, je ne vais pas aller trop sombre. J' ai juste besoin de bloquer cette forme, donc j'ai quelque chose à travailler. Puis avec mon orange, je vais avoir une belle orange jaune mélangée ici. Je veux être assez brillant parce qu'il est en fait assez lumineux, donc je ne veux pas allumer cette partie de celui-ci. Un peu sale mais assez lumineux encore. Alors semblable à ce que nous faisions avec nos fleurs de flanelle, je vais travailler autour de certaines de ces formes de pétales pour générer cette forme incurvée qui se passe là-bas. ne me dérange pas non plus que ça saigne dans le centre ; je pense que c'est bien. Je vais juste essayer de générer quelques pétales de curling là-dedans. Ensuite, de l'autre côté, nous avons plus d'une forme réelle à travailler. J' ai un peu plus d'un pétale qui s'incorpore ici. Ensuite, vous pouvez voir que, au centre ici, il y a en fait une très belle texture. Je vais l'ajouter plus tard avec des blocs de construction et avec la plus petite pointe de ma brosse, ajoutez-la plus tard, mais c'est quelque chose que je ne peux pas faire maintenant parce que je vais travailler cette forme d'espace négative dans. Je vais juste apporter tout ça, comme ça. Ensuite, enlevez vos yeux pendant une minute, donnez-lui un regard frais. Ai-je bien mes formes ? Peut-être pas tout à fait raison. Je veux m'assurer que j'ai tout ça correctement. Est-ce que c'est encore vrai ? Sachant que je peux revenir et y ajouter plus de détails, je vais laisser ça là et je vais vraiment commencer à peindre dans certains de ces pétales. Ils commencent essentiellement un peu plus rose au centre, puis s'étendent au blanc. Ce blanc va être, évidemment, très difficile à peindre parce que j'ai un fond blanc, donc je vais utiliser de l'espace négatif pour définir ces pétales en bas de la ligne. Mais, pour l'instant, je vais juste commencer à obtenir certaines de ces couleurs. Besoin de mélanger un beau rose clair. On y va. J' ai probablement besoin de quelques variantes, pour être honnête. Ensuite, c'est un autre bloc de construction ovale avec lequel nous travaillions. Nous avons aussi besoin d'une version plus sombre, où nous coupons [inaudible] à peu près là. [ inaudible] dans. Je vais ajouter des blocs de construction en faisant juste ces bandes. Je ne peux évidemment pas en superposer trop l'un sur autre parce qu'il va finir dans une piscine géante, donc je dois juste continuer à ajouter des petits morceaux ici et là pendant que je vais doucement. Je vais y intégrer plutôt que d'essayer de tout faire d'un seul coup. Permettre aux choses de toucher et de saigner ; belle partie de l'aquarelle. Ce n'est pas quelque chose à éviter. J'adore ça. Peu de points et ça va aider à les définir aussi. Là-haut. Maintenant, cela semble assez étrange en ce moment, mais nous allons définir le bord extérieur avec de l' espace négatif, puis ajouter un peu plus sombre et plus de détails et plus de couches là-dedans. Je pense que c'est à peu près aussi loin que je peux prendre celui-ci pour l'instant. Je vais garer celui-ci et passer à ma base de Wattle. Mets ça là-haut. D' accord, Wattle, je suis prêt pour toi. Je vais l'obtenir un peu plus près de moi juste pour que je puisse voir ce que je travaille un peu mieux parce que j'ai tellement zoomé sur cette photo. Je veux essayer de m'assurer que je génère la bonne ambiance et je veux qu'elle s'assoit harmonieusement avec ces deux-là aussi. J' ai utilisé des jaunes citronnés ici et ce wattle lui-même a une petite touche de chaleur, mais alors le feuillage est assez bleu, donc je pense que ça va être un bon lien ici. J' ai peut-être besoin de mettre un peu de bleu dans celui-ci pour qu'ils soient tous bien assis ensemble. Je peux voir que celui-ci est en fait presque sec et que l'on est bien en train de sécher. Je vais devoir faire le tour, me balancer vers ma banksia. Wattle, je pense que je vais commencer par ton feuillage, que j'aime faire de grandes couleurs audacieuses. C' est une belle couleur sarcelle, indigoey. Je vais juste y aller. C' est presque comme peindre la paume [inaudible]. Je vais taper un peu de violet inattendu dans le centre là-bas et dans l'ombre. Ensuite, plus loin ici, il y a un peu plus de feuillage. Je vais déposer ça ici. J' essaie d'être très léger et délicat parce que nous travaillons avec le feuillage ici, pas la fleur à nouveau. Nous voulons que la fleur soit le héros. Je ne vais pas m'inquiéter de trop de détails dans le feuillage à ce stade. Prends un peu de ce beau bleu, et on y va. Bien que tout cela soit humide, c'est là que je veux plonger et en fait obtenir un peu plus de ces saignements qui se produisent, les beaux aspects de l'aquarelle. Nous avons aussi besoin d'un vert vif, juste pour certains de ces petits morceaux mis en évidence. Jusqu' où suis-je descendu ? À peu près là. J' ai un peu plus de place pour le feuillage juste ici. Alors que c'est humide, je vais continuer à bouger parce que cela va être important pour moi de travailler dans celui-ci alors qu'il est un peu humide. Je vais avoir besoin de quelques jaunes et je vais devoir les diluer un peu. J' aime le wattle dense ; vous pouvez juste avoir tellement de plaisir avec elle. C' est l'une des fleurs les plus faciles à abstraire aussi. Si vous voulez explorer cet équilibre entre abstrait et représentation, c'est vraiment amusant de travailler avec. J' ai un jaune calcaire, un peu de jaune chaud, et un peu de brun chaud. Ils vont être dans le dernier mélange de choses avec lesquelles travailler. Je ne vais pas essayer d'obtenir toute l'impression du wattle dans la première couche. Je vais essayer d'en faire les brûlures et ensuite construire sur ça. Va d'abord chercher les grands, je crois. À un moment donné, j'abandonne mes dessins et tout et j'essaie de regarder la peinture comme un trou parce que personne ne va jamais s'asseoir là et comparer une photo au dessin à la peinture. Ils vont juste regarder la peinture et essayer vraiment comprendre s'ils en ont une bonne expression ou non. Si je touche trop de petits pompons ensemble, ils vont commencer à ressembler à un gros gâchis. Je vais essayer d'avoir une idée de ça sur la page. Rien de vite, pas trop y penser. Jusqu' où suis-je descendu ? La boule de wattle, vous pouvez voir que je ne dessine pas un cercle et puis le remplit. J' utilise vraiment la pointe du pinceau pour créer une forme circulaire. Ce n'est même pas trop circulaire parce que je veux que cette expression lâche se produise. besoin d'un peu plus, je crois. Fais-le un peu plus sombre sous ces dessous. Prends du jaune plus fort, je crois. Si j'essaie de pomper cela avec plus de couleur, vous pouvez déjà commencer à voir comment tout commence à saigner l'un dans l'autre. Je vais m'arrêter là, le garer, et ensuite retourner à ma banksia pour que je puisse continuer à travailler dessus sans embrouiller celui-ci à l'oubli et avoir à le démarrer. Passons ça là-bas. Ça ne ressemblera pas à beaucoup en ce moment, non ? Mais c'est parce que nous allons travailler en couches. C' est la partie délicate parce que si on les travaillait en une seule chose, comment allons-nous obtenir autant de détails dans cette banksia ? C' est pourquoi nous aimons travailler avec des couches. Ce sont de beaux petits blocs de construction et cela vous donne l'occasion d' évaluer vraiment où vous allez avec le travail et d'aller plus doucement au fur et à mesure que vous continuez. En utilisant certains de ces jaunes que je viens de faire pour le wattle, je vais plonger dans cette tête de banksia et commencer à générer d'autres blocs de construction pour créer des informations et de l'intérêt là-bas. Vraiment, tout de suite à cet exercice de construction, littéralement ce que nous faisions. Je le fais avec une brosse plus petite pour celle-là. Si je commence à en superposer trop l'un dans l'autre, ils vont simplement se transformer en piscine. Rappelez-vous, nous pouvons toujours attendre qu'il sèche, ajouter une autre couche. Ma brosse est comme un petit mouvement de feu rapide. J' essaie de ne pas trop y penser, je réponds juste à la photo. Il y a une sorte de longues choses à pied là-dedans aussi, avoir ce sentiment. J' utilise juste la pointe du pinceau pour créer des ridules pour reproduire ce qu'il y a là. Vous pourriez trouver un autre moyen de peindre une banksia. Ce n'est en aucun cas la seule façon de peindre une banksia. Je vous encourage à explorer et essayer de trouver quel système de couches va fonctionner pour vous quand il vient vous peindre une banksia. Ce n'est pas trop que je peux faire là-bas avant que ça commence à devenir un peu trop. Quand j'arrive à ce point où je construis les couches à la fleur ou au point focal de la peinture, j'essaie d'éviter d'en faire trop car une fois que je travaille, je peux faire en sorte que le reste fonctionne autour d'elle. Mais si je vais rendre ces super impressionnants et incroyables et ensuite je remplis la fleur ou si la fleur ne fonctionne pas tout à fait, c'est un gaspillage d'énergie. Je vais mettre l'énergie dans la fleur et laisser tout le reste s'épanouir autour d'elle. Toujours en secouant ces couleurs. Je ne suis pas vraiment trop dur sur aucune des couleurs. Mettez un peu sombre là-dedans juste pour un contraste supplémentaire. Si je continue à pousser plus de peinture à ça, ça va aussi se transformer en flaque d'eau. Il est temps que celui-là soit emballé. Je vais retourner à la marguerite en papier. C' est amusant de travailler comme ça parce que tu ne peux jamais t'arrêter. C' est comme le speed dating, mais la speed painting. Tu n'as évidemment pas à travailler aussi vite. C' est juste moi qui le peins. Je laisse des petits morceaux ici et puis pour ma dernière série ici en floraison, j'ai eu 12 sur le pouce à la fois et je me contenterais d'entrer et de sortir de divers sur lesquels je me sentais comme je voulais travailler, et un enveloppement. Je vais juste obtenir un peu d'orange plus foncé pour que je puisse augmenter la texture ici. Comme je l'avais déjà mentionné, j'allais faire du vélo et ajouter un peu plus d'informations juste pour générer, voir comment ce pois, belle, orange dans la texture est ? Je vais juste ajouter littéralement ces petits points. S' il est question que votre travail soit humide à ce stade, emballez-le. Tu as vu que je passais de l'un à l'autre. Il fait assez chaud ici, donc c'était vraiment sec et était prêt à travailler, mais assurez-vous que votre travail est sec et ne faites pas seulement un tournoi à la ronde même si ce n'est pas sec. Maintenant, nous devons faire un peu sombre dans une ombre de la même forme. Je vais plonger là-dedans. J' ajuste la couleur là-dedans, et ensuite je vais l'ombrager comme ce qu'on a fait en pensant à Lase. Vous commencez déjà à voir un peu plus de cette forme prendre vie, et la fleur elle-même est plus présente. Je vais prendre une partie de cette couleur sombre ici pour créer les ombres. Être courageux avec le contraste est en fait une façon d' améliorer vraiment l'impression d'une forme sur la page, parce qu'en réalité ils ne sont pas aussi sombres que ce que j'ai mis là-dedans, mais ça aide vraiment à faire avancer les choses et c'est ce petit peu de courage dont vous avez besoin, juste ces petits risques que vous prenez. Si vous entrez en confiance, le risque est presque toujours payant. Je vais faire quelques couches de plus sur les côtés ici. J' ai encore secoué cette couleur. Une pellicule. Celui que je pense est que dans la mesure où je vais le prendre jusqu'à la couche suivante où je vais faire l'espace négatif autour de l'extérieur. J' avais besoin de le définir d'abord et de lui donner une certaine forme avant de faire le contour. Je suis une personne nerveuse autour de milieux et je préfère travailler avec le sujet plutôt que forcer le sujet à une forme que j'ai laissée en peignant d'abord l'arrière-plan. Je vais emballer celui-là, prêt pour le prochain. Retournez à Wattle. Wattle n'est pas encore sec. C' est encore sec ? Pas tout à fait sec. Je vais faire une pause pendant une minute et je reviendrai à vélo quand tout sera sec. J' ai quelques travaux à sec pour travailler à nouveau, j'ai essentiellement mon choix du lot pour commencer. Je vais y aller, je n'ai pas eu de deuxième couche ici. Fondamentalement, à ce stade de ma peinture, je commence généralement à oublier tout cela et j'essaie de le faire fonctionner comme une peinture. Ceci comme ma référence si jamais je suis coincé ou si je pense que quelque chose ne fonctionne pas tout à fait, il peut y avoir des indices ici. Parfois, nous ferons référence à cela si je suis vraiment coincé ou peut-être que les couleurs ne fonctionnent pas tout à fait ou ne savent pas où aller ensuite. Mais je pense que je suis content de la façon dont on va, alors je vais juste y aller. Je vais mettre quelques couleurs bizarres là-dedans parce que je viens d'avoir probablement un peu pas tout à fait heureux avec la palette de couleurs là-bas. Je vais prendre quelques petits blocs de construction pour les petits bourgeons et ils sont un peu plus sombres. Encore une fois, pas dessiner des cercles, juste générer des petits morceaux de texture avec mes blocs de construction. Couche là-bas un peu. Je trouve que beaucoup de gens sont vraiment particuliers à propos de, oh, mais on ne peut pas passer en revue tout ça. Je suis genre, eh bien, écoute, personne ne saura que tu peux, tu peux faire ce que tu veux. C' est peut-être juste de lever certaines de ces règles auto-imposées beaucoup du temps qui rendent l'expérience de peinture un peu plus amusante, un peu plus légère. Plus de celui-là. C'est une belle magie. Un peu plus de cette couleur rougeâtre pour compenser le vert, ce vert vibrant. J' utilise ce rouge foncé comme une couleur d'ombre pour améliorer et lui donner un peu plus de vie. Je pense vraiment léger et lâche avec ma brosse. Réfléchissez à votre exercice de blocs de construction et voyez à quel point vous pouvez vous déplacer avec votre brosse. Ensuite, je vais peindre des couches vraiment translucides au-dessus de certains de ces petits pompons d'eau existants. Juste pour obtenir cette construction de la texture réelle de la bulle. Je vais travailler assez légèrement et lâchement avec cela. Wattle doit être mon truc préféré à peindre, j'adore ça. Nourrissez-le avec quelques bourgeons aussi. Un peu de [inaudible] ici et là. Si vous courez accidentellement sur des trucs humides, parfois ils peuvent vraiment fonctionner et avoir l'air agréable. J' ai besoin de la couleur jaune plus profond ou [inaudible] pour entrer dans ces espaces plus sombres en dessous. Si vous commencez à remarquer que je commence à remarquer quelques uns, trop de formes courent les unes dans les autres et il est alors potentiellement sur le point de devenir un peu boueux, probablement préférable de mettre le pinceau vers le bas et je peux faire du cycle retour une fois qu'il est sec et ajouter quelque chose de plus que je me sens comme il a besoin. Je pense que celui-là est presque terminé. Pourrait juste ajouter un peu plus de contraste autour des feuilles, mais pour l'instant parce qu'il est humide, je vais le faire sauter et revenir à bien, je travaillais juste cette palette de couleurs, donc je pense que je vais faire du vélo autour à celui-ci parce que cela aurait du sens. J' ai déjà ces couleurs et je me suis réchauffé. Plus de blocs de construction pour ma banksia. Aller avec une couleur un peu plus profonde juste pour créer ce contraste surtout autour de la base là, juste pour le fondre. Je ne superpose pas les choses séparément entièrement à ce qui était là auparavant. Je passe juste au-dessus de tout parce que ce sera juste une accumulation de couches et une accumulation de blocs de construction et d'informations. Oups, j'ai accidentellement cliqué sur du bleu, je crois. Un peu plus lumineux là-dedans, sur les bords extérieurs. Parce que c'est une forme conique, je trouve que c'est là que l'information recueille sur une chose 3D, en particulier sur un cylindre, donc je fais parfois quelques blocs de construction supplémentaires sur les bords les plus extérieurs, peut améliorer cette 3D regarde tout ça. Je pense que celui-là doit être presque fini. Avant de l'appeler et juste aller oui, maintenant c'est fait, je vais toujours laisser sécher hors de vue, revenir à elle avec des yeux frais et aller, en fait je suis probablement juste manquer un peu plus de détails ici, ou Qu'est-ce que je pourrais ajouter d'autre pour l'amener au niveau suivant ? Mais l'espace est ton ami quand il s'agit de ça. Un peu de temps, un peu d'espace. temps d'avoir une bonne bouffée d'air profonde pour que vous puissiez revenir sous tension et vous sentir bien dans votre travail. Chaque fois que je ne me sens pas bien dans mon travail, c'est généralement parce que je me sens tendu et que je ressens trop de pression pour continuer, donc il vaut mieux le mettre de côté et ne pas le gâcher. J' ai ruiné beaucoup de travail dans mon temps par impatience. Ce sera mon dernier petit peu, je crois. Je vais revenir à celui-là. Je me sens plutôt bien à propos de cette tête de Banksia maintenant. C' est une forme si audacieuse, mais en même temps elle est composée de tant de parties délicates. Je veux vraiment essayer de saisir cela à partir de la page. Je pense que si je ne regarde pas cela et ne regarde pas cela, cela dans son ensemble fonctionne, pas encore tout à fait. Je voudrais introduire quelques feuilles de plus juste pour lui donner un peu plus de profondeur à tout cela. Mais je vais attendre qu'il soit sec pour pouvoir y revenir avec des yeux frais. La chose des yeux frais est un aspect si important pour tout cela. J' ai hâte de voir comment ça se passe, parce que c'est là que je vais introduire cet espace négatif. Avec mon petit pinceau, parce que je veux de beaux coins coupés, je vais utiliser certains de ces verts que j'ai utilisé partout ailleurs pour créer ce fond que je vais travailler. Je ne pense pas que je vais tout remplir. Je vais aller un peu plus artistique avec elle et peut-être juste le compenser un peu, et avoir un fond flou. Je ne veux pas trop y penser, mais je veux mettre la tige donc je vais vraiment peindre l'idée de la tige en premier. Vous serez surpris de voir le peu que vous pouvez ajouter qui donnera juste un tout, une autre dimension. Ce que j'essaie de faire avec l'espace négatif est de créer les pointes des pétales de marguerite. Je dois essayer de m'assurer que j'ai une belle forme définie là-bas. Alors je vais prendre mon plus gros pinceau. Prenez un peu de ce vert, alors qu'il est mouillé. [ inaudible] juste si puissant et assurez-vous que je reçois un peu de couleur pour côté éloigné de la tige. Même affaire, peut même pas faire tout le chemin autour. Je vais m'arrêter et analyser, voir si je l'aime à mi-chemin. Il suffit d'utiliser de l'eau pour éliminer ces bords. C' est presque là. Chaque fois que je suis trop fidèle au journal, je suis tout à fait lié. Je laisse les pinceaux s'écouler sur le bord du papier. Je pense que ça vous donne un peu plus de liberté dans votre travail. Faisons un peu plus irrégulier vert là-bas un peu de blob. J' essaie de ne pas obtenir trop, parce que si je regarde ma photo, la fleur elle-même est tout à fait au point, mais l'arrière-plan est tout [inaudible] C'est tellement floue et peu clair ce que c'est. J' ai couru avec ça, avec ma peinture aussi, et juste jeté dans quelques détails. Je pourrais le mettre un peu plus là-dedans, mais presque prêt à l'appeler. Si quelque chose, je pourrais revenir et ajouter un peu plus de définition dans ces pédales. Mais pour l'instant, je vais juste le garer et voir que je ressens quand je reviendrai. Maintenant, revenons à ma waddle qui n'est pas tout à fait sec, mais je pense que je vais appuyer sur parce que les zones que je vais vraiment vouloir entrer dans moins ainsi dans les zones humides. Mais je veux vraiment ajouter un peu plus de contraste ici avec ces tons plus foncés. Je jure que je passe plus de temps à mélanger les couleurs que je ne peins. J' aime vraiment le processus de mélange de couleurs et je pense que c'est une étape ratée dans beaucoup de pratique de gens parce que cela aide à rassembler un travail. Vous pouvez tout harmoniser juste à travers votre couleur. Soyez très expérimental. Juste quelques touches plus légères là-dedans. Maintenant, qu'est-ce qu'on manque ? Je pense que c'est un peu plus de ce rouge. Peut-être dans un peu de rose ou quelque chose comme ça. Peut-être qu'un peu de rose à attacher dans ma marguerite de papier l'aide à obtenir tout ça. Presque là, mais celui-là, je crois. C' est un petit lock-out couches translucides que nous avons fait dans notre projet de couches feuillues simples où je me concentre vraiment sur la création de texture et intérêts avec plusieurs couches de la même sur le dessus. J' ai complètement oublié ma photo à ce stade parce que je veux vraiment terminer la peinture elle-même et m'assurer qu'elle est réussie dans sa propre précipitation. Presque comme une fête de waddle maintenant. Maintenant, je vais avoir quelques coups de jaune rayé. Pas de mélange et juste faire quelques petits détails avec la pointe de ma brosse. Avoir beaucoup de diversité dans votre marquage peut également rendre le travail super intéressant. Une façon d'attirer l'œil. C' est assez proche, je crois. Un peu de magie ici. La vraie façon dont je saurai que ce travail est terminé ou pas est fondamentalement revenir à elle complètement avec yeux frais demain parce que quand vous travaillez si intensément sur quelque chose et qu'il ne peut pas vous exhumer, vous perdez perspective un peu. Le meilleur résultat est en fait de revenir avec une perspective entièrement nouvelle le lendemain. Je pense que celui-ci est fait dans mon esprit, je pense que c'est vraiment sympa et amusant. Il s'harmonise avec celui-ci à cause de ces roses qui à ce sujet dans, et maintenant dans chacun, apportent celui-ci à la fête. Certainement besoin de plus de feuilles là-dedans. Je vais complètement oublier ma photo de référence et juste essayer de faire fonctionner ce que je veux que ça se sent. Maintenant, j'apporte quelques couches supplémentaires là-dedans. Eh bien, ce ne sera pas la bonne couleur. Un petit là-dedans, Juste besoin d'un peu plus aller sur ce que j'avais prévu à l'origine. Un peu de violet. Je vais ajouter une petite base sombre à celle-là. Ajouter des choses en un, disons humide peut être un peu plus facile avec les feuilles parce que lorsque vous ajoutez simplement toutes les couches à la fois, cela peut être assez difficile parce qu'ils se fondent tous dans autre et qu'ils perdent leur forme et intérêt. Je vais juste ajouter un peu de magie avec cette couleur prête parce que cela semble être la couleur harmonisante quand je regarde ces trois fonctionne ensemble. J' ai ce bordeaux pâle. J' ai tous ces beaux roses et celui-là. Puis j'ai mis des coups de rose là-dedans. Lorsque vous travaillez sur trois œuvres, vous avez tendance à harmoniser et à penser de manière plus créative aussi bien parce que vous êtes comme, si vous avez une fleur rose autonome comment liez-vous ces sont les deux qui ont tout à fait fonctionnant. Vous pouvez jouer un peu avec la façon dont les choses se réunissent. Je veux faire un peu plus de rose ici. Je pense qu'on a tout emballé. Si vous êtes quelqu'un que vous n'aimez pas, je ne sens pas vraiment tous les indigènes, vous êtes plus que bienvenus pour essayer cet exercice avec toutes les fleurs que vous voulez, quelque chose hors de votre jardin. Vous pouvez travailler de la vie, ou vous pouvez travailler à partir de photos de référence. Je vous ai fourni un tas de photos de référence, mais vous pouvez aussi travailler à partir des vôtres. C' est les mêmes principes. Je choisis ces trois particuliers parce qu'ils partageaient tous défis différents assez distinctifs avec la superposition. L' un est des blocs de construction. L' un a des couches translucides, l'autre a de l'espace négatif. J' aime ces trois ensemble ainsi et puis cela va faire partie de votre voyage créatif, est de sélectionner trois photos qui vont fonctionner pour vous et les choses que vous aimez peindre. Je ne veux pas te forcer à penser à des peintures que tu n'aimes pas vraiment peindre. Très bien, amène ça un peu plus. J' avais juste besoin du plus petit peu plus de conseils translucides ici. Refondre cet arrière-plan à nouveau. Maintenir les grandes lignes et certainement pas l'un de mes points forts sur fondamentalement toujours enfreindre les règles là-bas. Je vais avoir besoin d'un peu plus de ce genre de violet sombre juste pour entrer dans un peu plus de contraste dans leur. Super dernières touches que vous avez peut-être remarqué, sauf pour un que j'ai apporté dans ce fond ici chaque couche a une réduction de la quantité de pigment que j'ajoute. J' ajoute de plus en plus progressivement et avec moins de couverture à chaque fois aussi. Je pense que ce qui est important est de ne pas sentir que vous devez marteler sur cette quantité égale de peinture chaque couche. Celle-là, je pense, est là si je peux arrêter de jouer avec elle. Voilà, tu y vas. C' est une œuvre à trois couches. C' est ça, les gars. C'est ma petite série. J' ai hâte de voir ce que vous venez avec. Votre sélection, votre voix créative. C'est tellement excitant. 9. Le résumé: Merci beaucoup de m'avoir rejoint pour mon troisième cours en ligne de superposition à l'aquarelle. J' espère vraiment que vous avez une très bonne idée de l' endroit et du potentiel de ce que la superposition peut faire avec vos peintures. Je voulais juste vous montrer quelques exemples de mon travail d'art. Honnêtement, certaines de ces fleurs que j'ai trouvé si difficile à peindre, surtout celle-ci ici. Ce sont les fleurs finales qui sont ce que nous avons fait dans l'exercice spatial négatif. Cela m'a pris tant de tentatives pour aller bien, et c'était une question d'obtenir cette bonne itération de couches ensemble pour vraiment, vraiment avec succès faire ce sentiment comme un travail fini. Chacune de ces œuvres a un ensemble distinct de couches et je les ai utilisées dans toutes les choses avec lesquelles nous avons travaillé aujourd'hui. Nos petites études que nous avons faites dans notre projet final, j'espère que vous pourrez prendre cela et rouler avec cela et les amener à finir le travail vous-même et j'ai hâte de voir ce que vous venez avec. Continuez à pratiquer. Pratiquer est la clé et je dois dire que la patience est probablement un mot numéro un pour aujourd'hui. Je ne sais pas si j'ai assez dit ça. Je l'ai dit assez ? Mon défi pour vous est de pratiquer les fleurs que vous n'aimez pas peindre ou vous trouvez une lutte, parce que c'est là que vous grandissez vraiment en tant que peintre. J' ai trouvé l'aquarelle extrêmement difficile quand j'ai abordé la première fois, et puis la finale était évidemment un grand défi aussi. C' est une façon de vraiment se développer en tant qu'artiste, parce que si vous continuez à poursuivre ceux avec lesquels vous êtes d'accord, alors vous ne développerez jamais davantage. Tu dois te défier. Je pense qu'essayer des choses différentes que vous ne connaissez pas est probablement la meilleure façon d'y arriver. Si vous voulez poursuivre votre croissance en tant qu'étudiant, j'ai un forum Facebook appelé Natalie Martin Student Forum. C' est un très beau groupe de soutien où nous partageons notre travail, il y a un défi créatif mensuel. Vous pouvez poser toutes les questions que vous aimez et c'est un privé et tout compris. Si vous n'êtes pas familier ou instable sur certaines choses de couleur, j'ai ma magie du mélange de couleurs cours. Si vous voulez passer en revue les choses du début, revenons à Bienvenue à l'aquarelle. Je suis toujours ouvert aux suggestions et commentaires. J' adore la revue, cela m'aide à façonner tous mes futurs cours. Merci beaucoup d'avoir appris avec moi.