Comprendre, peindre et créer Partie 1 : appliquons la composition à la peinture à l'aquarelle

1. Introduction: Composition. C'est un mot que nous avons tous déjà entendu, mais peut-être pas depuis le cours d'art au lycée. Nous avons tendance à ignorer et à mal comprendre l' importance de la composition dans nos œuvres d'art. Joignez-vous à moi Natalie Martin, une aquarelliste professionnelle, pour cette plongée en profondeur amusante et ludique sur un sujet extraordinaire et sous-estimé Dissipons l'ambiguïté qui entoure la composition. Je vais vous le présenter d'une manière facile à digérer avec toute la théorie nécessaire intégrée à des projets créatifs et stimulants À la fin du cours, je veux que vous vous sentiez confiants et inspirés pour créer davantage de votre propre travail. Bienvenue chez Composer, Paint. Créez. 2. Parlons matériel: Parlons des matériaux maintenant. Nous savons tous que j'adore matériel artistique et que je peux en parler tout au long de la journée. Je vais donc essayer de rester bref et précis. Mais il y a quelques différences importantes je veux vraiment parler aujourd'hui et sur lesquelles je vais travailler par rapport à mes cours précédents. Je vais donc peindre avec mes tubes d' aquarelle de qualité professionnelle, par opposition aux disques madre avec lesquels j'ai peint lors des cours précédents De plus, je vais peindre avec du papier coton plutôt que du papier cellulosique. Je vais vous parler des deux différences importantes dans une minute. Mais je vais d'abord passer revue tout ce dont nous aurons besoin pour aujourd'hui. J'ai donc mon papier coton ici. J'ai plusieurs tailles différentes. J'utilise ces petits bouts pour faire de petits tests de couleurs. Ensuite, j'ai au moins cinq feuilles pour les cinq projets réalisés pendant la fabrication de ce papier en coton. Je l'ai arraché d' une grande feuille de papier aquarelle, mais vous pouvez également acheter un bloc de papier aquarelle en coton à cette J'ai aussi du papier ordinaire pour imprimante sur lequel faire des croquis Si vous avez un carnet de croquis ou n'importe quel papier à cartouche ordinaire , c'est très bien. Je vous ai fourni ces deux imprimés. Ils sont là dans l' olivier. Je devrais te montrer Tada. Ils seront très pratiques et utilisés dans le cadre de notre premier projet sur lequel nous allons travailler aujourd'hui. Vous devrez donc les découper. Prêt à partir. J'ai ici ma sélection de pinceaux. Vous remarquerez que j'en ai d' autres différentes de celles que j'ai eues la dernière fois. Ces quatre là, de Paulina Bright. Ce sont ceux que je venais d'arriver. Je les avais commandés juste avant de filmer les leçons de layering et j'étais tellement impatiente de les essayer. Ils sont vraiment magnifiques. Ils tiennent une ligne incroyable car leurs poils sont beaucoup, beaucoup plus longs que ceux d'un pinceau rond synthétique classique, et ils retiennent une quantité d'eau phénoménale J'ai donc beaucoup aimé peindre avec eux et c'est essentiellement avec cela que je peins tout le temps. Maintenant, j'ai deux autres petits enfants ici. J'ai un paquebot ou un gréeur. C'est un petit pinceau très fin, idéal pour tracer une ligne très fine. Vous n'avez pas besoin de ce pinceau, mais si vous avez un joli petit pinceau rond en synthétique , il vous sera également utile. Celui-ci est un six, mais c'est le Princeton Velvet Touch shot a une pointe incroyablement fine Et si vous avez déjà acheté pinceaux de différentes marques, vous remarquerez que le profil de chacun des pinceaux, même entre les différents styles de pinceaux d'une même marque , a tous un profil différent sur la pointe. Celui-ci est donc incroyablement pointu. Je l'aime bien dans ce but, mais il a aussi l' inconvénient que les marques qu' il laisse sont parfois trop nettes. Je l'adore donc pour ce point très fin. J'ai un crayon 4 B. C'est pour que vous puissiez voir très clairement que ce que je dessine avec un HB ou deux B vous suffira amplement En plus de cela, vous aurez besoin d' une gomme et d'un taille-crayon. Oups, je mets des déchets partout. J'ai juste un petit bol dans lequel je range mon aiguiseur, pour que les miettes ne tombent pas partout Qu'est-ce que j'ai d'autre ici ? Nous avons du sel. Juste du sel de table, c'est bien. Vous allez l'utiliser dans l' un des exercices d'aujourd'hui. sel en flocons, du sel gemme, n'importe quel type de sel convient. Ils ont tous un effet légèrement différent, mais même votre sel de table de base est idéal. Nous allons utiliser à nouveau notre ruban adhésif pour peintre. Donc ça vient de la quincaillerie, pas du magasin d'art. Il s'agit d'un ruban adhésif de peinture de faible technologie. Cela signifie qu'il ne colle pas autant au papier et qu'il forme une belle ligne nette lorsque nous masquons avec celui-ci. Donc, celui-ci sera certainement nécessaire. À un moment donné aujourd'hui, j'utilise une règle en métal. Cela déchire le papier bien plus magnifiquement qu'une règle en plastique lorsque je déchire mon papier Mais nous allons également avoir besoin de cette forme d'exercices aujourd'hui. Et puis quoi d'autre ? Des ciseaux. Ils pourraient nous être utiles à un moment donné, notre pot d'eau. Et j'ai ces peintures ici pour vous montrer quelques exemples. Je ne vais donc pas peindre avec ceux-ci, mais je vais juste vous montrer quelques choses. Alors laisse-moi juste prendre du papier ici. Je vais me débarrasser de ce papier, ne pas le gâcher et prendre une nouvelle feuille. Ce que je veux vous montrer, c'est que beaucoup de gens me demandent quelle est la différence entre, par exemple, destinées aux étudiants ou des peintures de qualité professionnelle. Il s'agit de la quantité de pigment utilisée dans le liant et dans tous les autres éléments contenus dans ce tube de peinture. Ce que j'ai fait ici, c'est mon ensemble de peintures de travail que j'ai tout le temps. J'ai sélectionné chacune de ces couleurs à la main. Ce sont tous des tubes de peinture que je fais sortir et que je laisse sécher à l'intérieur de ma palette. Je ne suis donc pas coincée avec le petit set difficile que vous pouvez vous procurer dans une boutique d'art Ils sont souvent assez limités dans leurs couleurs. Ils se concentrent davantage sur votre peintre paysagiste traditionnel Ce sont donc des couleurs très terreuses et plates J'ai spécifiquement passé des années et déterminer exactement avec quelles couleurs j'aime travailler régulièrement. Je ne vais donc pas vraiment vous indiquer les couleurs spécifiques avec lesquelles travailler. Je préfèrerais que tu le choisisses toi-même. Mais je tiens à démontrer la différence entre votre qualité étudiante et professionnelle. Et parfois même entre deux marques de vos peintures de niveau professionnel. Il y a là aussi une énorme différence en termes de qualité des étudiants. Je vais vous montrer ces modèles noirs que je vous ai déconseillés dans Welcome to Water Color. De quelle couleur dois-je peindre ? Je vais peut-être faire un green. Ensuite, je vais utiliser la pile. Prends mon cœur, prends le temps d'y aller, oups. Commencez à lancer des trucs partout. C'est bon. Il y a des légumes verts là-bas. Maintenant, je vais juste mouiller mon pinceau. Je vais acheter un green ici. Et c'est une peinture de qualité pour les étudiants, donc celle-ci est très, très peu saturée. Vous pouvez voir à quel point il est difficile pour moi de mettre beaucoup de couleur sur le pinceau, et il a toujours l'air si lavé parce qu'il y a juste un manque très net de pigment dans cette couleur Ensuite, je vais passer à mon excellent set. C'est donc le prix légèrement plus cher qui peut être tentant de les obtenir parce qu'ils coûtent environ 12 dollars Ils coûtent maintenant environ 40 dollars. Mais la couleur et la valeur sont tellement supérieures en comparaison, il y a vos différentes couleurs. Vous avez beaucoup, beaucoup plus de pigments avec lesquels travailler. Et vous allez obtenir ce dynamisme et cet enthousiasme grâce à votre travail Vous constaterez que vous serez simplement frustré si vous vous retrouvez avec des peintures de qualité pour vos élèves. Cela est également vrai pour les peintures pour tubes. Et cela peut être tentant, car la différence de coût est énorme Mais votre qualité professionnelle vous durera bien plus longtemps. Je le recommande donc vivement, juste si vous voulez améliorer votre jeu, qu'il s'agisse de ces gars-là ou de vos peintures en tube. Je sauterais complètement la qualité étudiante et passerais directement à vos peintures à l' aquarelle de qualité professionnelle Le rapport qualité-prix est encore plus grand lorsqu' on dit que toutes les peintures pour tubes ne sont pas créées de la même manière. Voici deux exemples que j'ai trouvés distincts pour moi, ma palette est en grande partie composée de peintures de Daniel Smith. J'aime beaucoup leurs couleurs, mais il y en a deux qui ne me plaisent pas du tout Je vais juste y mettre un peu de bleu outremer de Daniel Smith Et je vais en peindre un petit peu comme ça, mais un peu plus maintenant. C'est le Daniel Smith et puis c'est Holbein. Celui-ci, Holbein, a tendance à très bien utiliser ses couleurs vives J'ai fini par passer à un Holbein et il y a tellement plus de pigments dedans pour moi, j'aime vraiment un peu plus ça Et puis mon autre exemple est le rose Opera. Le rose opéra est un rose incroyablement saturé et éclatant. Peu de personnes sont attirées par elle, en fait, mais je l'aime bien pour créer mes œuvres florales Je vais faire de même. notre rose Opera de Daniel Smith. Je vais donc le faire au niveau de Daniel Smith. Donc, ensuite je vais aller dans mon trou dans lequel je n' ai plus de tube en fait, mais c'est dans ma palette ici. Il s'agit simplement de changer les choses et de les faire fonctionner Encore une fois, pour moi, la saturation, bien qu'elle soit aussi subtile lorsque vous êtes dans le flux et que vous peignez, fait une énorme différence Vous n'avez donc pas à passer autant de temps à collectionner de la peinture, car l'intensité et la richesse du pigment sont meilleures pour moi personnellement Je vous encourage un peu à l'explorer vous-même et à déterminer quelles marques, quelles peintures. Je ne vais certainement pas me contenter de vanter Daniel Smith Ce n'est pas tout. J'ai Schmink'vet Daniel Smith, j'ai Hole Bine. Ce sont ceux vers lesquels j'ai tendance à m'intéresser et qui sont facilement accessibles pour moi. Cependant, chaque marque est différente, je ne vais donc pas spécifier chaque couleur. Et je n'ai certainement pas besoin de préciser la marque non plus, car c'est une question de sensation. Il est très important pour vous de faire des expériences et de déterminer les couleurs avec lesquelles vous aimez travailler régulièrement, ainsi que les marques qui correspondent le mieux à votre style, car c'est également important. Maintenant, le papier est l'autre chose que j'allais aborder , le papier aquarelle Dans les cours précédents, nous avons travaillé avec du papier cellulosique. Il est fabriqué à partir d'arbres. Le papier idéal pour travailler lorsque nous parlons d'aquarelle est le coton. Il est de loin supérieur à votre papier à base de cellulose en raison de la façon dont il absorbe et distribue le pigment. Il le fait de manière beaucoup plus uniforme et gracieuse. C'est tellement beau à peindre, donc je vous recommande vivement d'améliorer votre jeu avec votre bloc-notes en cellulose, qui est également facile à saisir car il coûte environ la moitié du prix de votre coton. Mais pour obtenir des résultats, et nous travaillons sur les résultats finaux nos projets aujourd'hui, pour obtenir un résultat magnifique, il vaut la peine de faire un effort supplémentaire et de se procurer du bon papier. le recommande vivement. Mais à partir de là, je pense que c'est tout ce que nous devons traverser. Alors allons-y. Nous allons d' abord découvrir ce qui est réellement la meilleure composition. Allez-y d'abord avant de nous lancer dans nos projets. 3. Qu'est-ce que la composition ?: Alors, qu'est-ce que la composition ? Je sais que nous en sommes arrivés là et nous nous disons, accord, je comprends que c'est important, mais pourquoi la composition, la façon dont nos éléments s'assemblent sur la page ? En termes simples, il s'agit de la disposition de nos éléments d'art sur la page. Mais ce qui est souvent mal compris c'est la manière dont nous procédons, et les méthodes que nous utilisons pour le faire déterminent la façon dont nous percevons le travail, la façon dont notre œil le contourne, la manière dont il génère des émotions ou de l'humeur Tout cela se résume à une question de composition. La composition ne se limite en aucun cas à l'aquarelle. Il peut être appliqué à tous les arts visuels, à la fleuristerie, à l'architecture, à la photographie, etc. Tout se résume à la même similitude, à ces principes de l'art. Ils peuvent être appliqués à l'ensemble d'entre eux. Ce qui est intéressant, c'est qu'aujourd'hui, nous allons nous appuyer sur notre compréhension de chacun d'entre eux. Au fur et à mesure que nous apprendrons chaque principe, ils nous feront part de leurs commentaires sur les principes précédents et vous en ressortirez à l'autre bout cette excellente compréhension avec cette excellente compréhension de la manière de faire avancer votre travail. Parce que c'est un autre aspect très important de la composition fait de le comprendre vous aidera à évaluer votre travail et à déterminer où il n'a pas fonctionné. Nous pouvons revenir à cette pile d'œuvres d'art que nous avons qui ne sont pas tout à fait correctes et enfin nous entraîner. OK, alors peut-être que mon équilibre est juste rompu, ou peut-être qu'il ne semble pas tout à fait unifié. Ce sont toutes des choses que nous allons essayer de résoudre d'ici la fin de ce cours. Nos éléments artistiques. Si vous ne connaissez pas la ligne, la forme, la couleur, la forme, la valeur, la texture et l'espace, toutes ces choses sont vraiment importantes. Ce que je pourrais faire, c'est que je vais vous les démontrer rapidement. Nous avons donc créé Line Seal Super Easy. Line Line est un outil vraiment puissant au sein de nos éléments. Et puis nous avons une forme qui est un carré ou un plat , plat, plat. Les choses avec lesquelles nous travaillons peuvent être assez organiques ou très structurelles, selon la façon dont vous le faites. Ensuite, pour la forme, c'est lorsque nous parlons, créer une impression en trois D sur un espace en deux D. Ça va nous faire de l'ombre dans une petite sphère. Alors nous avons de la valeur. La valeur est la luminosité ou l'obscurité d'une couleur. Nous pouvons donc avoir vraiment de l'obscurité et vraiment de la lumière. Pensez à la valeur si vous deviez le photocopier sur un photocopieur à l'ancienne Certaines couleurs ont une valeur très élevée, comme le rouge ou le bleu qui apparaissent toujours assez foncés lorsque vous les photocopiez Mais quand vous dites photocopier le jaune, c'est une couleur à valeur lumineuse Et cela se produit également dans votre gamme tonale. Vous pouvez avoir un bleu très foncé, ou vous pouvez le diluer avec l'eau et obtenir un bleu très clair. Ensuite, il y a la couleur. Eh bien, je ne peux pas le démontrer avec un crayon. Alors prenons juste un peu de couleur à partir d'ici. Mettons-y mon fabuleux rose opéra. Mais cela fait référence à toutes les couleurs de votre travail. La texture est célèbre pour laquelle elle ne peut même pas être orthographiée. La texture est connue pour être un peu difficile à générer à l'aquarelle, mais elle crée simplement une surface visuelle, quelque chose qui génère et donne une impression de texture. Faisons juste quelques lignes irrégulières. L'espace est l'un de mes jeux préférés. Vous m'avez peut-être beaucoup entendu parler de l'espace négatif dans les leçons sur le mensonge. On peut l' avoir soit en dessinant, soit en fleurissant, parce que c'est mon truc. C'est une fleur de forme positive, elle va la remplir de grandes dimensions. Ensuite, nous pouvons avoir une fleur spatiale négative. C'est à ce moment que le blanc parle ou que la zone qui l'entoure détermine l'espace. Mettons-y juste celui-ci. C'est tellement beau de dessiner avec un crayon. Très bien, voici donc mon espace négatif. À la fois super puissantes et bonnes choses à utiliser dans notre aquarelle. D'accord ? Ce sont donc nos éléments artistiques. Nous les connaissons bien. Nous avons déjà peint. Ce sont toutes des choses, nos éléments de base, nos ingrédients. En ce qui concerne nos œuvres d'art, nous allons principalement nous concentrer aujourd'hui sur les principes de l'art. Ce sont nos méthodes. Ils sont le moyen d'organiser nos éléments sur la page. Et ce sont eux qui vont aider à bien placer les choses. Ils vont contribuer à créer ces compositions captivantes dont nous avons tant parlé aujourd'hui. Nous allons considérer l' équilibre, les proportions, l'accent, l'unité et la variété comme nos cinq premiers points. Et dans le deuxième cours, nous allons examiner le contraste, le mouvement, le rythme, le motif et la répétition. Ce qui est le plus intéressant avec la composition, c'est qu'elle en fait difficile à résumer et à présenter facilement d'une seule manière. Ce qui peut être mal interprété, c'est qu'aucune de ces choses et aucun de nos principes ne s'excluent mutuellement et qu'ils peuvent tous être interdépendants C'est juste quelque chose que vous devriez comprendre très tôt, simplement vous y prendre, plutôt que d'essayer de tout mettre proprement dans une boîte, parce que cela ne fonctionnera tout simplement pas de cette façon C'est de l'art, pas de la science. C'est donc sur cela que nous allons travailler aujourd'hui. C'est ce dont nous parlons avec la composition. Et la composition est l'une de mes choses préférées à enseigner aux gens car il suffit de voir les lumières s'allumer. Et lorsqu'ils en ont la compréhension la plus élémentaire, leurs œuvres d' art s'améliorent à perte de vue. Je suis donc impatiente de partager ce sujet fascinant avec vous. À partir de là, nous allons aborder la règle des tiers, un autre mot que nous avons peut-être déjà entendu, mais nous allons aller plus et découvrir de quoi il s'agit. 4. La règle des tiers (et autres structures de composition): Maintenant, la règle des tiers. C'est un terme que nous avons tous déjà entendu et c'est peut-être notre expérience complète de ce que nous comprenons de la composition à l'heure actuelle. Et c'est tellement important, c'est tellement important de comprendre. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai créé pour démontrer une petite grille de la règle des tiers. Et tout ce que c'est, c'est l'espace avec lequel je travaille, divisé également en trois parties les deux sens, horizontalement et verticalement. Cela peut fonctionner en mode paysage. Il peut également fonctionner en carré. Quel que soit le format de votre toile ou de votre papier, vous pouvez diviser cette zone en trois et vous obtiendrez une composition réussie. Et je vais vous montrer comment. J' ai quelques exemples à nous montrer. C'est un extrait de ma série Year in Bloom, et j' utilise vraiment la règle des tiers comme principal lien entre chaque œuvre Donc, si je devais placer ce petit bonhomme au sommet, vous verrez que j'ai trouvé mon rôle le plus crucial et sujet le plus ciblé se trouve ici , exactement à cette intersection. Et ces intersections sont les moteurs de la règle des tiers Placez vos éléments clés ici plutôt qu'au centre. Et vous allez avoir une œuvre qui a un peu plus d' histoire à raconter et est plus intéressante à regarder. Vous pouvez également voir ici que mes éléments de soutien portent sur les autres tiers. Celui du bas atteint la troisième intersection inférieure, puis tout le reste est pondéré sur cette troisième ligne supérieure. Il existe plusieurs façons de l'utiliser. Vous pouvez aligner les objets la ligne ou les placer sur le dessus. Mais travailler avec ces tiers au lieu de simplement le faire librement, en jetant des éléments sur la page donnera à en jetant des éléments sur la page donnera à votre travail un aspect plus sophistiqué et donnera l'impression qu'il a été bien pensé et planifié car c'est ce que nous recherchons en matière de composition. Très bien, il y a donc un exemple. voici un autre de la même série, bien qu'il ait l'air assez différent. Je travaille toujours avec la règle des tiers, car c'est l'une de ces choses que vous pouvez utiliser de nombreuses manières différentes, mais elle aide vraiment à générer un bon travail sur cette instance. Ma fleur principale se trouve dans le tiers inférieur droit et son support est assis à côté du tiers gauche. Vous pouvez voir que j'en ai une troisième parce que tout ce que nos yeux aiment, les choses qui se bousculent, ce n'est même pas vraiment important à retenir. Deux, c'est gênant. Nous ne savons pas où chercher. Mettez-en un troisième, et cela générera une hiérarchie presque instantanément. Notre troisième est assis ici, un peu sur le côté, mais il touche toujours le troisième. Ne fais pas éclater celui-ci. Il y en a quelques autres à vous montrer dans cette petite série. Maintenant, vous pouvez voir ici que j'ai fait la même chose, en y ajoutant deux figurines principales et une petite figurine, ce qui en fait trois. Cette fois, je travaille sur les côtés du troisième. Cela fonctionne toujours, sans compter le poids du travail Toute cette question de savoir où se trouve le tableau touche ce tiers central. Une autre façon de générer des œuvres vraiment intéressantes. Maintenant, le dernier extrait de cette petite série est celui-ci. Maintenant, j'en ai deux ici, mais comme ils sont de part et d' autre du troisième, ils se contrebalancent en quelque sorte ils se contrebalancent en quelque sorte et ils forment une unité assise sur le troisième Et puis tout le reste s'écroule ici, et quelques points clés se situent toujours sur les trois. C'est donc juste quelque chose à garder à l'esprit. Je ne mets pas les tiers au crayon pour chacune d'entre elles, et vous n'êtes certainement pas obligée d'en faire une pour chacune d'entre elles. Je le fais juste à des fins de démonstration, mais pendant que vous apprenez, ce truc est vraiment pratique. Vous pouvez en créer un chez vous si vous êtes aux États-Unis et vous devez en créer un en forme de lettre. J'ai inclus une impression de quatre et de lettres dans les téléchargements, mais vous pouvez aussi simplement en faire une sur du papier sulfurisé ou si vous avez film transparent ou quelque chose comme ça, tout ce qui est légèrement transparent vous aidera à les aligner Maintenant, j'ai un dernier exemple du troisième. Je vais en faire quelques autres ici. Voici une œuvre volumineuse que je n'ai pas moi car elle vient d'être vendue. Mais je voulais vous montrer, d'un point de vue paysager, comment cela pouvait également fonctionner sans la règle des tiers. À titre indicatif, je vais voir comment la ligne visuelle suit cette poussée de la main droite. Ensuite, le poids de l'œuvre se situe dans le tiers supérieur, dans le tiers supérieur. Ce n'est donc qu'une autre façon de penser : travailler avec les lignes, mais aussi mettre du poids dans les tiers plutôt que de planer maladroitement entre Maintenant débarrasse-toi de celui-ci. Voici un autre petit exemple de paysage où le sommet de la montagne se trouve exactement sur le troisième. De plus, j'ai utilisé des points et un intérêt supplémentaires pour faire monter cette énergie assise sur ce tiers, la ligne d'horizon se trouve sur le troisième. Peu importe ce que les tiers travaillent pour le portrait, ils travaillent pour le paysage, ils travaillent pour les fleurs et les natures mortes C'est quelque chose que vous pouvez appliquer à tout ce que vous apprenez. Faisons glisser celui-ci là. Il y en a quelques autres ici. Voici un autre arbre, celui que j'ai basé ici. Et celui-ci a une force motrice centrale, jusqu'à la troisième. Et c'est ce qui en fait une œuvre solide. Si c'était central, notre œil devient un peu maladroit, il dit, oh, c'est ça. C'est là, mais cela ne me dit pas grand-chose et il n'y a pas beaucoup de réflexion ou de planification à ce sujet. Et puis cette forme d'espace négative est celle qui se trouve dans le tiers inférieur C'est ce qui fait que cette combinaison de collaboration avec plusieurs tiers, et de collaboration avec plusieurs tiers, non avec un seul tiers central , va contrebalancer cette force qui se trouve là-haut Très bien, alors débarrasse-toi de celui-ci. Voici encore quelques petits paysages. Voici donc une petite série que j'ai faite récemment en vacances lorsque j'étais dans les Northern Rivers. J'ai fait toutes ces cascades en troisième position ici. La cascade se trouve juste au troisième étage, bien que le poids me fasse passer par une ligne au centre. Celui-ci ici aide à contrecarrer cela. Et c'est uniforme là-bas. De plus, vous trouverez de nombreuses informations et détails sur ce troisième article ici. Et puis sur cet exemple, je l'ai fait dans l' autre sens. La cascade se trouve principalement au troisième étage, et l'intérêt pour les détails se situe au sommet. Il s'agit simplement de placer les choses vraiment importantes, celles lesquelles vous voulez que l'œil se concentre en premier sur l'une de ces intersections ou de travailler toute la longueur de la troisième Et cela va vraiment améliorer ce travail et le rendre beaucoup plus cohérent Bien, c'est donc la troisième, la règle des tiers, à laquelle vous pourriez ressembler. OK, j'en ai entendu parler. Mais qu'en est-il du juste milieu ? Le juste milieu est une sorte de bête. Je peux étoffer l'arithmétique nécessaire pour obtenir un juste milieu Et pour certaines personnes, cela va automatiquement devenir trop difficile, même s'il s'agit d'une structure vraiment importante, pas seulement dans le domaine de l'art, mais aussi dans le domaine de la construction, qui se trouve chez Nate, dans toute la nature, elle est également très importante en science. Il est en fait représenté partout dans notre monde. C'est assez difficile à utiliser à des fins artistiques, surtout sous la forme à deux D. Je suggère donc de passer à la règle des tiers en tant que version simplifiée de celle-ci. Je pense que c'est vraiment important. Vous pouvez vraiment vous accrocher à la moyenne et cela semble en fait assez similaire. C'est la proportion divine. C'est la version la plus parfaite de cela. Mais au final, le troisième fait également un excellent travail. C'est donc une façon beaucoup plus simple d' appliquer un concept similaire. Honnêtement, je n'utilise pas beaucoup le moyen. Je comprends son importance dans l'histoire, mais c'est comme un autre cours en soi. Il est vaste et profond, et il y a beaucoup à apprendre à ce sujet. La règle des tiers est probablement la structure que j'utilise le plus souvent dans toutes mes œuvres. Et cela peut vous sembler un peu familier, car si vous ouvrez votre iPhone ou votre téléphone, une grille apparaît. Et vous constaterez que c'est en fait la règle des tiers assis directement sur votre téléphone. Vous pouvez donc composer vos images de référence ou autre via votre téléphone et cela aidera également à créer une meilleure composition. C'est donc un outil très pratique à avoir dans votre manche. Outre les troisièmes, il existe en fait d' autres structures avec lesquelles les gens travaillent. Ils ont en fait été imaginés dans différents domaines au fil du temps, comme le triangle était très populaire à la Renaissance Je vais donc passer rapidement en revue d'autres structures en plus des troisièmes qui fonctionnent vraiment pour créer des œuvres d'art. Très bien, tout d'abord, nous avons un triangle. J'ai l'impression d'être au tableau à l'envers, à l'envers. Ici, c'est un triangle. Cela peut évidemment être idéal pour le portrait raison de notre structure avec les épaules, la tête et tout le reste, mais aussi idéal pour les montagnes Dans cet exemple, vous pouvez voir que le sommet de la montagne est assez centralisé et que la forme générale est un triangle. J'ai également utilisé un exemple ici où j'ai disposé les trois fleurs dans une forme triangulaire au centre, qui peut également être déterminée comme une composition triangulaire. Où vais-je te glisser ? Tu peux y aller. Maintenant, forme suivante. Les cercles sont de très bons moyens de diriger le regard. Et elles sont féminines, douces et rondes. Alors qu'un triangle a un effet d'ancrage, un cercle permet de parcourir l'œuvre d'une manière très différente Dans cette pièce en particulier, je vous fais voyager d'une belle façon circulaire, et cela vous permet de rester fasciné par l'image au lieu de vous faire sortir Un cercle est une très belle façon d'utiliser une image. C'est l'une de mes autres préférées avec lesquelles j'aime travailler . Cela peut être l'inverse. Il n'est pas nécessaire que ce soit la bonne solution. Dans cet exemple, vous pouvez voir que je commence par là, puis promène vers le haut, et de cette façon, c'est une bonne façon de garder l' œil en mouvement tout au long de l'œuvre, et cela ne stagne nulle part J'adore vraiment le S, et il dégage une touche très belle et féminine, ce que j'apprécie vraiment, y compris dans mon travail. Voici quelques autres exemples. Dans celui-ci, nous commençons ici, nous voyageons, appliquons et sortons. Vous pouvez prendre en charge l'ensemble du travail, tout en continuant à bouger. Ensuite, nous avons une croix. Donc, dans cet exemple, je l'ai inclus parce qu'il est intéressant que j'ai utilisé l'espace négatif comme croix horizontale et que la verticale est le principal tronc prédominant En théorie, ce dont nous venons de parler tout à l'heure, centraliser quelque chose n'est pas idéal. Mais dans le cas où vous travaillez avec une forme de croix, cela peut fonctionner parce que vous avez les bras écartés sur le côté pour aider à l'équilibrer. Pareil pour celui-ci. Sur cette image, j' ai la forme centrale avec les bras écartés sur le côté ce qui crée cet effet croisé. Ensuite, il y a un V. Vous avez peut-être vu qu'ils ressemblent un peu hiéroglyphes à la fin de toutes ces différentes formes de ces différentes Mais je vous promets qu'ils sont vraiment amusants à explorer ici. Ici, nous avons un V dans la vallée, nous avons un V et ils ne cessent de générer le V. Répéter ces formes est également une chose très intéressante à explorer. Ensuite, nous avons un X qui fonctionne à partir coins extérieurs dans ce cas, qui était trop gros pour que je puisse vous le montrer parce que c'est une œuvre assez grande, probablement presque de la taille de le mur derrière moi. J'ai tout travaillé jusqu'au point central, en lui donnant la forme d'un X dans toute la composition. Ensuite, nous avons une forme en L , que vous pouvez également appliquer dans les tiers. Dans ce cas, j'ai à peu près placé l'arbre ici sur le troisième, puis l'horizontale ici. C'est vraiment génial pour un outil de paysage. Vous mettez une verticale qui la rend dynamique, puis toutes ces horizontales lui donnent une bonne forme en L. J'ai également inclus celui-ci ici, qui est la Gilbert Bank, Monsieur. Voici un exemple du L fonctionnant à l'envers. Sur le côté droit se trouve la verticale et en bas, c'est la gauche. C'est juste une autre façon de voir les choses. Vous n'avez pas besoin d' orthographier correctement L, cela peut aussi être l'inverse. , je ne travaille pas souvent avec une forme en C Pour être honnête, je ne travaille pas souvent avec une forme en C parce que j'ai du mal à travailler avec elle. Mais j'ai trouvé quelques exemples ici. J'ai juste un grand C qui t'emmène là-bas. Cela ressemble un peu à la forme en S, mais il ne s'agit que d'une seule courbe au lieu de la double courbe de celle-ci, qui, encore une fois, est une autre de ces très grandes courbes. En fait, j'ai fait fonctionner la moitié inférieure du travail. Il se trouve en bas et il vous emmène par la gauche et en fait par la droite et vers le bas vers le haut et autour. Il s'agit donc simplement d'une autre façon de générer ce travail. Encore une fois, c'est probablement mieux pour une situation paysagère où vous avez comme une branche globale venant du haut ou quelque chose comme ça Très bien, il existe donc d'autres structures de composition en dehors des cordes Je pourrais aussi y mettre les cordons parce que c'est celui que j'aime le plus. Je trouve que c'est ce qui me donne toujours les meilleurs résultats. Mais ce que j'ai pensé vous montrer maintenant, c'est une époque où mes compositions ont complètement explosé et échoué Et cela peut toujours se produire pendant que vous travaillez. se peut donc que vous soyez tous dans les magasins de peinture et que vous vous rendiez compte que vous avez simplement égaré quelque chose ou que cela ne fonctionne tout simplement pas tout à fait Je voulais juste vous montrer que nous le faisons tous. Ce n'est pas réservé aux débutants. Vous auriez donc vu ma version finale de l'un d'entre eux. C'était un exemple d'essai où j'essayais de comprendre ce concept. Et j'étais angoissée à l'idée d'avoir ces formes négatives. Et je me concentrais davantage là-dessus que sur la composition. Et vous pouvez voir que j'ai accidentellement placé mes deux fleurs à peu près au centre, ce qui a donné une tournure vraiment étrange à cette œuvre. Cela a donné l'impression que tout était très centralisé et trop parfaitement équilibré là où je voulais que cela se produise. S'il en était fini avec ce troisième article, cela aurait une sensation beaucoup plus cohérente et serait plus facile à lire pour les yeux C'est donc l'un de mes échecs. Et puis celui-ci, je l'ai juste retroussé en forme de S. Donc c'est devenu un peu comme un C ou un gras, je ne sais pas, mais ça n'a pas marché. J'avais besoin de terminer le S sinon la majeure partie de ce poids se trouve au centre, qui est vraiment gênant pour les yeux C'est donc quelque chose à garder à l'esprit, c'est qu'une fois que vous êtes dans les affres du travail, vous devez également faire attention à ce que vous faites en même temps Je me suis laissé emporter par le fait d' entrer dans les détails et je me suis embrouillé. J'ai un autre exemple où j'ai mal pondéré le travail. C'est un plus gros que j'ai fourré. Dans celui-ci, j'ai donc placé toutes ces grosses fleurs sur le côté droit, grosses fleurs sur le côté droit, mais je n'ai laissé aucune place pour les contrebalancer pendant toute la durée de l'œuvre Donc celles-ci, énormes et lourdes. Mais si je devais remplir le reste, j' aurais toujours l'impression que ça tombe de ce côté ici. Cela ne fonctionne pas en tant que pièce. Donc celui-ci est dans ma pile de documents incomplets que j'ai à traîner dans mon studio. J'espère donc que cela vous permettra de bien comprendre comment, comme le principe de base de la façon placer vos informations sur la page, il existe de nombreuses façons de le faire, mais je vais passer à la troisième dans le reste de mes explications d'aujourd'hui. Mais assez de discussions. Passons à la peinture. Le prochain projet porte sur l'équilibre et j'ai hâte de le partager avec vous. 5. Principe de l'art : équilibre: OK, nous venons de jeter un œil à nos structures de composition Passons maintenant à nos principes de l'art. Le premier point que nous allons explorer est celui de l'équilibre. équilibre est probablement l'un des plus fondamentaux et celui que vous recherchez dans la plupart de vos œuvres d'art. Vos œuvres d'art qui ont un sens de l' équilibre ont un équilibre. Cela nous donnera l'impression d'être ancré et nous facilitera la lecture. Un travail déséquilibré peut donner l'impression d'être discordant ou nous donner littéralement un sentiment de déséquilibre, ce qui nous incite à moins nous intéresser au Il est très important d'essayer de trouver un équilibre. Dans le respect de l'équilibre, il existe plusieurs façons de le générer. Je veux explorer chacune d'entre elles avec vous. Nous allons avoir besoin de nos découpes. J'ai toutes mes découpes ici. Assurez-vous que nous les avons découpés et prêts à être utilisés. Le premier de nos équilibres que je souhaite nous explorions est la symétrie. Symétrie. Si nous avons une feuille de papier de quatre et que nous avons un axe au milieu, cela agit comme une balançoire Et nous voulons avoir le même poids de chaque côté, ce qui crée un sentiment de symétrie. Prenons cet exemple, j' ai les trois fleurs, il y a un 1.1 centralisé chaque côté de cet axe vertical. Cela a donc un bon sens de la symétrie. Un autre exemple est celui de ce guerrier, dont la tige remonte verticalement en passant par le centre et dont le poids est égal de chaque côté de cet axe vertical. Ensuite, il y a une asymétrie. Oups, je ne sais pas épeler. Ce sera un problème constant aujourd'hui. Très bien, asymétrie. Je voulais vraiment vous montrer cet exemple parce que l'asymétrie consiste à ne pas utiliser les poids exacts de chaque côté de l'axe, mais à commencer à comprendre que chacun des éléments ou sujets de la page possède un poids visuel et qu'il obtient un excellent équilibre Répartit ce poids uniformément et d'une manière agréable pour les yeux. Dans cet exemple, j'ai en fait utilisé l'espace négatif comme poids dans l'œuvre. Et il est très important de comprendre que l'espace négatif pèse aussi bien que le positif. Vous pouvez donc voir ici que j' ai les troncs d'arbres qui traversent, puis un espace négatif ici et un espace négatif ici, ce qui donne à l'œuvre une impression d'asymétrie mais aussi d'équilibre en même temps Voici un autre exemple lorsque je travaille avec des fleurs, c'est l'une des choses les plus importantes, c'est de ne pas toujours les mettre au centre, parce que nous avons tendance à vouloir le faire. C'est confortable. Nous savons où se trouve le centre de la page et nous ne prenons aucun risque. Mais dès que nous commençons à divertir ces tiers et cette banksia se trouve que cette banksia se trouve assise sur la main gauche, nous commençons à avoir un peu plus d'impact sur ce que nous disons sur la page Bien qu'il ne soit pas au centre, ce qui en fait un tableau symétrique, cela le rend asymétrique en y consacrant plus d'activité et d'énergie, ce qui contrebalance les choses qui sont plus éloignées du sujet ici contrebalance les choses qui sont plus éloignées du sujet Et pendant tout ce temps, l'espace négatif a également toujours un poids. Supprimons celui-ci. Bien, alors nous avons l'équilibre radial. Celui-ci peut sembler assez simple, et j'ai un exemple assez basique pour celui-ci car ce n'est pas un modèle avec lequel je travaille régulièrement. Mais en gros, il s'agit d'un équilibre qui fonctionne à partir d'un point centralisé vers l'extérieur. Pensez aux rayons du soleil, pensez aux mandalas. Ce sont toutes des œuvres à équilibre radial. Cela peut aussi être une très belle façon d' attirer l'attention sur des choses. Ensuite, le dernier est une balance cristallographique, ce qui est un long mot, et cela signifie simplement qu'il n'y a rien qui attire l' attention Il s'agit d'un équilibre global. Pensez à Jackson ******* et à sa peinture éclaboussée Et dans son expressionnisme abstrait, il n'y a aucun endroit central pour focaliser le regard, le Voici donc un exemple de ma magie du mélange de couleurs. Je les ai fouillés. Il n'y a donc aucun endroit où l'œil atterrit singulièrement. Il est réparti uniformément et semble équilibré de chaque côté. En voici une autre où je viens de mettre des feuilles de gomme sur tout le plan photo. Mais encore une fois, aucun point n'attire l'attention, mais cela semble tout de même équilibré. Voici un autre petit, c'est amusant de jouer avec lui. Cela ressemble presque à un motif lorsque nous travaillons avec une balance cristallographique Et voici aussi une bouteille. Il existe différents types d' équilibre avec lesquels nous travaillons. Et ce que nous allons faire dans notre projet autour l'équilibre, c'est travailler avec les petites découpes que nous avons ici Et nous allons travailler avec nos tiers. Et nous allons travailler sur différentes compositions et trouver une formule efficace que nous peignons ensuite. Débarrasse-toi de celui-ci aussi. Nous n'en avons plus besoin. Je vais prendre mon bout de papier ici. En fait, tu sais quoi, je veux. Je veux le faire sur une feuille de papier à croquis pour pouvoir le mettre de côté et travailler à partir de là, à partir de la photo. Je vous ai donc donné tous ces éléments. Ce sont des objets complets prêts à l'emploi, petits sujets que nous allons arranger pour en faire des compositions, mais ils ont tous un poids visuel différent. C'est donc quelque chose de vraiment important à garder à l'esprit. Je t'ai aussi donné un petit coup de pouce. En fait, je vais simplement inscrire ces règles parce que je vous ai donné deux têtes de protéa J'adore travailler avec Protea. Vous pouvez voir que j'en ai deux ici. Ces fleurs viennent de mon jardin de devant. Et ce sont les fleurs qui m'ont amené à peindre des fleurs au départ. Parce que j'étais vraiment coincée dans ma pratique, je n'aimais vraiment pas du tout peindre. Et un jour, je suis juste allée, tu sais quoi, cueillir ces fleurs, les peindre, recommencer à zéro. Et c'était le début de tout pour moi. Parfois, il s'agit simplement d' un petit changement et d'une J'ai donc toujours eu un peu d' amour pour mon fils fier C'est ce qui a inspiré cette œuvre aujourd'hui Et tout le monde semble les aimer, alors j'en ai deux avec toi. Vous pouvez en faire une ou deux à votre guise. Je veux que vous continuiez à jouer avec ces éléments et que vous essayiez de trouver quelque chose d'équilibré que vous pourriez ensuite transformer en peinture. Nous y avons aussi deux petits leucadendrons, des brins de gomme bleue, des petits morceaux de cire de Geraldton et des feuilles de gomme. Et chacun d'entre eux a un poids différent. Les feuilles de couleur plus claire sont plus légères que ces feuilles plus grandes et plus lourdes. Les petits détails pointilleux ont un poids différent de celui de ces lourds petits houx Ils seront notre petit soutien à notre protea J'ai à peu près écrit le troisième ici et je vais commencer à placer les objets Généralement, si nous voulions créer une composition symétrique, nous pourrions choisir quelque chose comme ça. En gros, c'est une composition symétrique, mais elle ne fait pas grand-chose pour moi, elle n'est pas vraiment fluide ou elle ne donne pas l'impression d'utiliser tous ces éléments à bon escient. Je pense que je vais opter pour une composition asymétrique pour cet exemple Je vais donc commencer à placer les objets. Peut-être que je pourrais même le mettre là. Ensuite, je vais essayer d'obtenir cette sensation agréable et uniforme et vous en aurez également le sens. Vous y arriverez et vous en repartirez comme vous le souhaitez. Et ce que je veux que tu fasses quand tu trouves quelqu'un que tu aimes vraiment, prendre une petite photo, de prendre une photo avec ton téléphone. Et ce que tu vas faire, c'est que je veux que tu accumules quelques-uns plutôt que de te contenter du premier que tu préfères. Parce que souvent, le premier que vous aimez est le choix le plus évident. Mais le fait de vous dépasser et générer un peu plus d'énergie créative dans ce domaine vous aidera en fait à créer une composition plus intéressante. J' adorerais donc que vous en visiez quatre à cinq que vous avez vraiment aimé assembler. Ensuite, nous allons choisir celle qui a le plus de succès, qui ne doit pas nécessairement reproduire la mienne Ton œil va voir des choses différentes pour moi, ce qui est différent pour la personne suivante. Je veux vraiment que tu en trouves un que tu aimes vraiment. L'apparence semble équilibrée. L'équilibre est l' essence même de ce avec quoi nous travaillons ici. Je vais donc continuer à m' embêter et à essayer de trouver une composition à laquelle j'aime ressembler Et je vais continuer à jouer jusqu'à ce que je trouve quelque chose qui me convient, peut-être pas. Celui-là se sent un peu trop occupé là-haut. Vous voulez avoir le sens des affaires ? Vous voulez un sentiment de calme ? Toutes ces choses sont une question d'équilibre. Les affaires vont donner l'impression que c'est trop. Peut-être encore quelques houx. Je vais en mettre un là-bas pour contrebalancer celui-ci Et puis, avec ce poids visuel, ce troisième va donner une impression un peu différente. Hum, maintenant je veux m' assurer de ne pas utiliser un seul de tous les parce que c'est l'autre chose que j' aurais pu vous donner tous ces éléments, mais vous n'êtes certainement pas obligée de tous les utiliser parce que je vous en ai donné trop , vous avez donc du pour jouer avec différentes choses. Cela fonctionne, mais je n'ai pas encore hâte de peindre celui-ci, alors je pourrais en donner un de plus. Va recommencer depuis le début. C'est bon. Je vais peut-être recommencer à zéro maintenant. Ajoutez ensuite des feuilles de gomme. Passons à cette troisième question. Je ne veux pas que ça sorte du haut du protéo parce que ça a toujours l'air un peu étrange Assurez-vous qu'il est légèrement décalé, alors je vais peut-être opter pour une forme en C ou en S pour travailler avec le troisième. Un petit peu aussi. Je ne sais pas si je vais utiliser de la gomme bleue cette fois, je pourrais sauter celle-ci. Et je vais en faire un petit peu. J'essaie de trouver cet équilibre. Il s'agit de trouver cet équilibre. Je pense que je dois approfondir ce point par rapport à ce tiers. Et puis celui-ci. C'est bon, on y va. C'est très attirant. J'adore vraiment cet exercice parce que vous en avez l'occasion, il soulage la pression et vous permet jouer et de travailler avec ces éléments sans avoir à les peindre. Vous pouvez donc vraiment jouer avec ce que l'on ressent en termes d'équilibre. Pour moi, c'est un peu lourd au niveau des fesses. Peut-être que celui-ci doit bien fonctionner, peut-être que je devrais le faire sortir du bord de la page. Il pourrait potentiellement monter ici. Non, je ne sais pas si j'aime ça. Et vos goûts seront complètement différents des miens, alors optez pour ce qui vous fait du bien, bon sans être excellent. Je pense qu'il faut continuer à travailler ici, en insistant un peu plus fort. Cela va me faire sortir du cadre, ce qui est loin d'être idéal, car il ne faut regarder le point focal et partir directement. C'est un peu un non, non quand il s'agit de composition. Et ces lignes ne faisaient que me faire sortir. Je veux donc avoir les lignes qui me mèneront jusqu'ici. Toutes les lignes visuelles. OK, je suis de retour ici. C'est bon. Je pense que je me rapproche et je vais simplement m'adapter pendant que je peins pour essayer de m'assurer que tout se synchronise J'ai juste besoin de ce petit quelque chose là-dedans, je crois. Et peut-être celui assis sur un troisième, assis sur un troisième assis sur un troisième. Celui-là devrait probablement y aller. Et peut-être celui-ci là-dedans. Oui, je pense que je vais y aller. C'est bon. Donc, assez de tracas. Mais je veux que tu prennes le temps. C'est une question sur laquelle vous pouvez toujours revenir également. Et je vous encourage à, une fois que vous aurez terminé ce premier exercice, à peindre certaines de vos propres fleurs, les découper et à recommencer cet exercice. Parce que ça va t'aider à pratiquer ces compositions. Déterminez ce qui semble vraiment bien équilibré. Et parfois, chose la plus simple est tomber dans un petit piège, continuer à faire sortir les gens, ne pas suivre ces lignes ou de voir quelque chose que je vois souvent être comme un trou visuel. Il y aura donc comme une brèche délicate quelque part et c'est comme un point d'arrêt. Nous avons juste aimé que ça ne se soit pas très bien passé. J'essaie toujours de trouver fluidité et l'équilibre dans mon travail, alors je vais simplement y revenir. Vous n'avez pas non plus à représenter ces petites découpes exactement telles que je les ai peintes Vous êtes plus que bienvenu S'il y a une feuille sur le chemin ou quoi que ce soit d'autre, vous n'avez pas à les repeindre toutes de la même manière Peut-être y aller et y aller. accord ? C'est donc assez équilibré. C'est plutôt équilibré pour moi. Débarrassez-vous de ceux-ci, ne les utilisez plus. Je vais le faire glisser sur le côté et je vais me lancer dans la peinture. Ce que je vais vous suggérer ici, et vous ne serez pas à l'aise avec cela, mais vous savez que nous sommes là pour apprendre, c'est de mettre la vidéo en pause maintenant et d'essayer de la peindre vous-même avant de me regarder la peindre. Parce qu'alors vous allez y mettre votre licence créative votre licence créative plutôt que d' imiter ce que je fais Tu vas voir comment je le peins. Quoi qu'il en soit Vous savez donc que c'est là pour vous réconforter. Mais j' adorerais que tu essayes avant de me regarder le faire. Et cela signifiera que vous créez votre propre composition au lieu de travailler avec celle que je vous ai fournie. Très bien, alors fais une pause. C'est bon, je suis de retour. Allez, commençons à peindre. Par où dois-je commencer ? Je commence généralement par le haut de la fleur de protéa, la couronne avec les pétales Je vais juste mélanger quelques couleurs ici. D'accord ? Et je ne vais pas prendre mon troisième crayon. J'ai mon troisième album et ma composition prêts à être utilisés. J'ai mon point de référence, donc je n'ai même pas besoin d'esquisser ici, car dessiner va nous serrer les coudes et nous rendre un peu pédants quant à l'idée de tout faire correctement Je vais donc me concentrer principalement sur leur intégration ici. Maintenant que j'ai cela comme référence, une chose que je vais faire est d'essayer tordre un peu plus ce capitule pointé vers le haut. Cela donne un peu de fluidité ici. J'ai donc cette forme en S. Je vais donc en changer légèrement l'angle, car pour le moment, imaginez un capitule comme un visage, et votre œil regarde automatiquement où regarde l' autre personne. Cette fleur semble donc directement hors du cadre. Donc, en gros, je veux essayer de encourager à redescendre de cette façon. Encore une fois, juste un élément à prendre en compte. Donc je vais peindre avec ces couleurs, je vais continuer à mélanger ces couleurs tout le temps. Vous savez, j'aime les couleurs éclatantes et inattendues, alors continuons sur cette lancée. Je travaille avec la taille de Paulina sur un pinceau en E, et vous me verrez alterner entre quelques-uns d'entre eux ici. Elle a une taille différente de celle des cartouches synthétiques normales Celui-ci ressemble plutôt à un huit ou dix. Quand je parle de mes pinceaux Princeton ou quelque chose comme ça, c'est un très bon gros Assurez-vous que je le fais tourner, assurez-vous qu'il est également assis sur ce tiers. C'est toujours important. Je réfléchis donc vraiment à l' endroit où je place mes affaires, car c'est ce qui a tendance à se produire lorsque nous nous sentons à l'aise. Et arrête d' y prêter attention. Et ce qui se passe, c'est que nous allons placer des objets dedans et qu'ils ne sont pas tout à fait au bon endroit. Et puis nous nous demandons  : « Oh, comment puis-je résoudre ce problème ? dépannage à la volée est donc également très important. Je vais y mettre une feuille . Vous allez vous demander pourquoi va-t-elle partir alors elle n'a pas encore fini de fleurir ? En fait, je vais changer de brosse en taille supérieure parce que je veux travailler dans les zones les plus humides à tout moment et j'ai besoin de faire saigner cette feuille Je vais donc juste peindre celui-ci là-dedans, laisser se fondre magnifiquement dans celui-ci Il fait beau et chaud dans cette pièce, donc ça va sécher assez rapidement. Si je l'avais fait dans un studio froid, il aurait tout simplement disparu et aurait saigné. Le timing est donc crucial lorsque nous peignons ces objets. J'ai donc un petit poil dans la bouche. Très bien, maintenant plus de feuilles. Je vais utiliser cette théorie des couleurs pour obtenir de beaux verts. n'ai toujours pas choisi mes légumes verts dans mon animal de compagnie parce que j'ai l'habitude de les mélanger tous. Je le trouve. J'aime mieux travailler avec ceux-là. Mets-y aussi du violet . Celui-là, derrière. Maintenant, ce qu' on me demande souvent, c'est quand et où il faut superposer les choses. Cela dépend entièrement de vous. Je vais ensuite commencer à peindre dans le leucadendron, manière à ce que les feuilles, ou peut-être que je pourrais en faire une autre, mais je vais voir comment j'ai réussi à associer celle-ci cette énergie ascendante Oui, je pourrais l' asseoir derrière les feuilles ou je pourrais m'asseoir devant les feuilles. Cela dépend entièrement de vous, donc c'est juste quelque chose avec lequel vous pouvez jouer un peu. Je pense que je veux qu'il un peu dehors . Il me faut donc une feuille de plus. Tout cela ne concerne que le dépannage. Je suis en quelque sorte en train de donner le monologue qui sommeille en moi pendant que je peins, pour que vous puissiez dire, oh, elle est vraiment bavarde dans sa propre tête OK, un petit peu de planification tout au long. Revenez en arrière, éliminez ce type. Je le fais d' un seul coup. Je ne vais pas le faire en couches, donc vous allez voir beaucoup de saignements et beaucoup d' espace négatif, ce qui me avoir suffisamment de place pour ne pas laisser tout se déverser dans une seule grosse flaque pas laisser tout se déverser dans une seule grosse flaque J'adore travailler très rapidement, mais qu'est-ce que j'essaie de dire ? Essayer essentiellement de créer une essence de la chose plutôt que de la peindre. Donc, littéralement, parce que vous pouvez le voir sur la fleur elle-même, sa structure est en fait assez complexe Les feuilles se chevauchent toutes. Vous êtes plus que bienvenu. Si cela vous empêche de l' arracher, retirez-la de la façon dont vous voulez voir la fleur plus que tout Donc, si les feuilles vous gênent, enlevez-les. OK. Vous pouvez voir que je mélange presque toutes mes couleurs. Si les couleurs ne vous sont pas familières, je vous recommande vivement mon cours sur la magie du mélange des couleurs. Parce que c'est vrai, ce cours de composition et le cours de couleur sont probablement en quelque sorte ceux que les gens n' ont pas évité de suivre, mais ceux qu'ils ne jugent pas importants. Et ce sont ceux-là qui vont faire toute la différence. Donc, en ce qui concerne le cours des couleurs, je ne peux même pas vous dire dans quelle mesure cela va affecter et changer votre façon de voir les couleurs et les mélanges de couleurs. C'est génial de voir comment cela peut changer votre façon de penser. Je le recommande donc vivement si vous venez d'y aller. Mais comment fabrique-t-elle tous ces légumes verts ? Ajoutez un peu de tige dans le sel, tout de suite. Je vais mettre ce leucadendron sur le côté. Vous remarquerez peut-être aussi que ma palette est extrêmement désordonnée Tout cela, une fois sec, peut être reconstitué, donc je ne le lave jamais. façon très importante de garder toutes vos couleurs harmonieuses entre vos œuvres, car si vous choisissez toujours les mêmes couleurs et que vous les mélangez, vous obtiendrez une cohésion totale voûte un est un peu plus brune là-dedans Je ne veux pas que tout soit saturé au point d'être difficile à regarder. Cela peut être un peu trop et cela peut vraiment perturber votre équilibre Vous pouvez voir que je l'ai un peu incurvée un peu plus, et je pourrais y ajouter une feuille supplémentaire. Light, je pense que j' analyse constamment ce qui se passe sur la page, assurer que tout parle comme je le souhaite. Je m'assure que c'est en quelque sorte fidèle à cela. Mais si ce n'est pas le cas, ce n'est pas la fin du monde. Je peux continuer à résoudre les problèmes pendant que je peins , car parfois, lorsque vous traduisez cela en ceci, cela ne se passe tout simplement pas vraiment comme lorsque vous traduisez cela en ceci, prévu. Ensuite, vous devez partir et plutôt que accrocher comme si c'était le Saint-Graal, regardez-le et essayez de le faire fonctionner, repenser l'équilibre ou même de le rééquilibrer et de repenser l'équilibre ou même de le rééquilibrer et d' essayer de le résoudre ici avant de l'amener ici Une autre très bonne façon de travailler sur les choses qui apparaissent pendant que nous peignons et de faire entrer ce petit brin ici Ajoutez-y un peu de vie si vous êtes également invité à le faire. OK. Je vais attendre que tout soit sec pour peindre la couronne du tout soit sec pour peindre la couronne du sinon il risque de se heurter et je ne suis pas sûre de vouloir que cela se produise. Je vais donc bouger, continuer à bouger, monter et peindre dans ce deuxième leucadendron D'accord ? Je voudrais qu'il soit un peu plus jaune parce qu'il y a tellement de façons différentes d'utiliser l'équilibre Vous pouvez équilibrer avec la couleur, vous pouvez équilibrer avec la valeur, vous pouvez équilibrer avec la texture. Pensez à tous vos éléments, et il existe un moyen de les équilibrer. C'est quelque chose à garder à l'esprit si vous optez pour une couleur trop importante et que vous optez pour un seul ton dans l'ensemble, cela peut également sembler déséquilibré Parce qu'il y a un manque d'équilibre. n'y a pas assez de gamme avec laquelle jouer pour digérer visuellement neutraliser ces couleurs Très bien, maintenant pour ces feuilles de gomme, je vais les mettre dedans. Pour y revenir, je vais utiliser certaines des couleurs claires que je mélangerais pour les feuilles de protéo, puis ajouter peut-être un peu plus d'ultramarine Je pense que pour ces belles feuilles de gomme là-haut, je deviens un peu plus grise là-dedans parce que ça peut paraître trop saturé. Parfois, je choisis juste trop de couleurs. Un peu de violet. Maintenant, il reste encore un peu à faire, maintenant que j'en ai fait les frais, je commence à me dire : d'accord, équilibre, équilibre, équilibre, équilibre Comment vais-je générer cette courbe en une très belle pièce formée ? va donc falloir que je mette quelque chose dans ce trou visuel parce que ce trou m'embête beaucoup. Voilà, j'ai ça, un peu de cire de Geraldton ou, tu sais, un brin en vrac que j'ai Je vais donc simplement le peindre pour combler le vide. Et je vais opter pour un peu plus de texture et ce sera un bon palliatif. Apportez-y cette petite goutte, prenant toujours du recul pour vérifier ce que je fais, en vous assurant que je ne vais pas trop lourd ou, si vous êtes confronté à des problèmes, posez simplement le pinceau et éloignez-vous. Et ça peut être juste le fait d'avoir un peu les yeux clairs. Préparez-vous une tasse de thé, et cela vous aidera à voir les choses avec une nouvelle perspective. D'accord ? Voir Hollies Je dois t'y inscrire maintenant, prendre un peu de cet Ultra. Ouais. Si vous aimez vraiment les détails, vous pouvez toujours le faire de manière beaucoup plus détaillée. Je ne vous dis pas comment les peindre j'adorerais que vous voyiez comment vous les abordiez, que vous fassiez une autre ici, parce qu'elles sont lourdes. Ils sont petits, mais ils sont lourds. Ils ont plus de poids visuel que vous ne le pensez. Je vais devoir faire très attention à l'emplacement de ces petits houx de mer. Je ne suis pas originaire d'Australie, mais nous avons tendance à en ajouter une grande partie de notre pays natal. Des bouquets. Si vous vous trouvez chez le fleuriste à la recherche d'un bouquet indigène, et maintenant je pense que je veux en mettre un ici, peut-être un peu superposé sur cette feuille, et peut-être un autre Ouais. Ils flottent dans les airs en ce moment, je le sais. Mais je vais vous donner une petite idée d'une tige qui me semble trop importante et qui pourrait contrebalancer l'équilibre dont nous venons de parler Mais synchronisez-les un peu, pour qu'ils ne soient pas trop flottants. Maintenant que vous vous rapprochez, vous pouvez voir la ligne d'arrivée. Ne soyez pas trop excitée à l'idée de tout gâcher. C'est ce qui se passe lorsque nous arrivons à ce point. Et nous pouvons voir la ligne d'arrivée. Et on y va, je vais juste le faire. Et puis tu seras tellement déçue, je l'ai fait tellement de fois et/ou tu seras tellement obsédée par l'idée terminer que tu ne le feras jamais vraiment. C'est l'autre point, je veux vraiment que vous arriviez à un point dans ce cours où vous n'aurez plus l'impression d'avoir à le faire. Vous apprenez comment terminer le travail parce que c'est une étape importante de votre processus de création, apprendre à le faire avec succès D'accord ? En peignant dans cette couronne de protium, j'ai toujours un gros pinceau à la main Ça doit vraiment être un six ou huit. Mais il possède la plus belle pointe fine. Je vais donc continuer à travailler là-dessus et faire glisser ces petites lignes vers le bas pour équilibrer certains des autres détails que nous avons ici. Pour l'instant, il faut un peu plus de peinture ici, un peu de détails ici, un peu de deuxième couche. Bien, qu'est-ce qu'il nous manque ? Je dois ajouter quelques feuilles supplémentaires et je pense que je suis point de terminer à ce stade. Vous avez peut-être remarqué que je ne m'intéresse plus vraiment à ça parce que cela freine son travail J'en ai fait les frais, j'ai tout bloqué. Et je veux juste essayer de faire cette œuvre une peinture à succès. Maintenant, pour moi, j'ai juste besoin d'ajouter un peu plus de feuillage, le remplir un peu, et je trouve que ça fait vraiment du bien. Je saute à nouveau sur un pinceau plus gros. Je crois que j'adore ces petites pêches tendres et leur effet sur le blues Et il y a suffisamment de valeurs d'obscurité, suffisamment de valeurs de lumière, suffisamment de gamme de couleurs. Toutes ces choses entrent certainement en ligne de compte . C'est bon. Parfois, je ne le fais même pas, je ne mets même pas de formes, je sais juste que je dois contrebalancer le fait qu' un tout petit b va faire en sorte que je me sente mieux ou plus réussi Alors gardez cela à l'esprit également, comme s'il n'était pas nécessaire que ce soit une forme littérale à chaque fois Une petite goutte peut suffire. D'accord ? commence à me sentir presque là avant d'en faire trop et je devrai peut-être arrêter bientôt Je vais juste mettre un peu plus de ces petits trucs calcaires ici parce que j'ai une grande partie de la couleur rose riche ici et qu'il y ici parce que j'ai une grande partie de la couleur rose riche ici a des légumes verts tout autour Je vais juste contrebalancer une grande partie de cet endroit. Une petite tache rose là-haut, je ne sais même pas ce que c'est, mais ça va juste aider à suivre ça. Il se peut que j'en aie besoin d'un autre ici. Cela aidera cet œil à traverser cette courbe de la mer un peu plus de succès. Ok, blague. Hum, un peu de bleu. Je vais juste continuer à m'embêter ici pendant un moment. fait un peu sombre là-bas. Merci Duke. Parce que nous avons quatre trous de mer, qui sont encore une fois des nombres impairs, bien meilleurs que des nombres pairs. Je vais juste faire semblant de faire semblant d'être là pour aider à trouver un là pour aider à équilibre, parce que maintenant nous en avons cinq. Mon œil est bien plus heureux. Ça m'a un peu tordu pendant un moment. Et c'est parce que nous ne savons pas où chercher et notre cerveau capte des schémas d'une manière incroyable. Et c'est juste que c'est comme désarmer d'avoir des chiffres pairs. Nous aimons les nombres impairs pour le rendre plus heureux. OK, Doke. Voici donc ma petite composition d'équilibre qui se concentre entièrement sur l'équilibre à ce stade. J' essaie donc vraiment de m'assurer que ce n'est pas trop pondéré à gauche, droite, en haut et en bas. J'ai hâte de voir ce que tu trouveras car j' espère vraiment que ce qui finira être partagé, c'est que cette vaste gamme de choses est totalement illimitée Bien que vous ayez une poignée de choses avec lesquelles jouer, chaque personne les abordera différemment. J'ai donc hâte de voir ce que tout le monde va proposer. À partir de là, nous allons passer à notre prochain principe artistique, proportion, un autre principe très important et crucial. Et j'ai hâte de partager cela avec vous. 6. Principe de l'art : proportion: J'espère que vous avez apprécié cette première exploration de notre premier principe de l'équilibre artistique, et qu'elle vous a permis de mieux comprendre ce que cela peut apporter à une œuvre d'art. Notre deuxième principe s' appelle la proportion. Il est vraiment crucial comprendre, car lorsque nous apprenons, nous avons tendance à avoir des choses disproportionnées , mais pas intentionnellement. Il est donc très important de comprendre quelle proportion contribue à votre peinture . Essentiellement, cela crée une hiérarchie au sein de votre travail. Et il parle de la différence de taille entre les différents éléments de votre œuvre. Vous pouvez donc soit faire en sorte que les choses semblent assez régulières et standard, soit en vous en faisant une idée exagérée, cela racontera vraiment une histoire différente C'est donc ce que nous allons explorer aujourd'hui. Une autre chose à garder à l'esprit en ce qui concerne les proportions est qu'il ne s'agit pas seulement de ce qui se passe dans notre plan pictural, mais aussi de la peinture dans son ne s'agit pas seulement de ce qui se passe dans notre plan pictural, mais aussi de la peinture dans son contexte. Donc, si vous deviez avoir un tout petit tableau sur un immense mur blanc, sur un immense mur blanc, les proportions seraient étranges. Mais disons que si vous avez un grand tableau qui remplit parfaitement le mur, il racontera également une autre histoire et déterminera comment il vivra cette œuvre. Juste une chose à garder à l'esprit. J'ai quelques photos de référence. Je les ai imprimés ici. Vous n'êtes pas obligé de les faire imprimer. Je les ai tous fournis dans les fichiers de téléchargement. Je voulais juste les avoir devant moi pour pouvoir leur parler pendant que nous peignons La première chose que nous allons faire est de passer les différentes manières de créer une hiérarchie dans votre travail. Le tout premier est standard, comme on pouvait s'y attendre. La proportion semble familière, on a l'impression que rien n'est trop inattendu. Et c'est quelque chose que vous pouvez voir. J'ai celui-ci ici à titre d'exemple, qui est mon œuvre, une verrue debout. Le vase est proportionné aux fleurs. Les feuilles sont également proportionnelles aux fleurs. Tout se passe donc comme prévu, c'est ce dont nous parlons lorsque nous parlons de proportion standard. Si je devais l'esquisser en standard, je ferais une miniature En fait, il y a quelques points à aborder ici. En fait, allons-y. Voici toutes mes photos. Je vais faire une petite miniature. Les miniatures sont un outil formidable pour explorer vos compositions C'est à peu près comme ça que je commence la plupart des œuvres. Parfois, j'ai envie de le lancer et de m'y atteler. Mais comme j'ai toutes ces connaissances en composition bien ancrées, je peux avoir confiance Mais lorsque vous apprenez, c'est un excellent moyen d' explorer les différentes opportunités qui s'offrent à vous et les choses avec lesquelles vous pouvez jouer. Oups, ce n'était pas une bonne troisième place. Celui-là est là. Nous avons donc une proportion standard. Si je regardais ces photos ici, j'adore travailler avec des photos de référence, mais il arrive souvent qu'elles ne soient pas bien composées. Donc, si je devais simplement peindre exactement ce que je voulais, ce ne serait peut-être pas la meilleure composition. Je veux donc que vous traitiez vos photos de référence un peu différemment dans ce cours, je veux que vous les regardiez mais que vous ne les reproduisiez pas Donc, si je regarde ici et la façon dont celui-ci se chevauche ici, ce n'est pas idéal Et puis juste les petits bouts ici et là. Donc ce n'est pas le cas, je ne voudrais pas reproduire exactement cette peinture , c'est ce que j'essaie de dire Je veux que vous réfléchissiez à façon dont nous utilisons nos photos pour générer cette forme, mais nous pourrions utiliser des éléments d'ici et des éléments de là. Et peut-être que j'aime bien ces couleurs, mais je les veux dans ce genre d'arrangement. J'en choisis donc différentes parties pour les assembler dans une idée de ma propre peinture. Toutes les décisions que je prends en cours de route m'aideront à accéder à mon terminal pour obtenir une miniature standard Vous pourriez vous attendre à voir Hydrang'm travailler avec les troisièmes ici Je pourrais juste en faire quelques petites ici. Ensuite, je ferai quelques feuilles. Comme prévu, vous le faites à une échelle qui vous est familière. Je vais en mettre quelques-uns dedans. Je vais juste les rendre un peu plus irrégulières pour que vous puissiez voir que ce sont des fleurs Maintenant, j'en mets pas mal. C'est notre proportion standard, familière, attendions à ce que tout soit à l'échelle relative l'un par rapport à l'autre. Les ratios sont tous corrects. Si nous devions obtenir une proportion dominante. Je vais juste redessiner ma grille. Bien sûr, vous n'avez même pas besoin de le faire. Je suis en train de faire mon portrait miniature, si vous préférez le faire Paysez les photos de référence, un paysage, vous pouvez également le faire. Si je devais dominer, je retrouverais les tiers. Je dirais que c' est probablement un bon exemple de domination là-dedans. J'ai une fleur assez grande, et je pourrais en planter quelques-unes au loin par ici. Une proportion dominante attirera l' attention sur notre principal acteur clé, avec ces gars en guise de petit numéro de soutien en arrière-plan. C'est vraiment un bon moyen de mettre l'accent sur une certaine chose. Je l'ai dans un exemple ici. Donc, dans cette pièce de tournesol, mon point central, ma zone la plus importante, l'accent est mis sur la plus grande fleur parce que nous avons ces fleurs répétées partout dans l'œil. Distingue celui qui détient la position la plus dominante et la taille dominante. vraiment quelque chose à garder à l'esprit, car je trouve que nous pouvons accidentellement faire une fleur trop grande ou avoir une drôle de relation avec les autres tailles du tableau, ce qui la rend gênante pour les yeux. Vous voulez faire ces choses avec intention. Je vais donc juste y mettre quelques feuilles supplémentaires. Et voici les petites fleurs. Ce sont tous des hortensias, mais ils sont tous petits. Très bien, et le dernier que je veux vous montrer est une exagération ou une modification des proportions Alors vas-y comme ça. C'est celui avec lequel je préfère travailler parce que j' aime vraiment jouer avec les proportions. Et j'ai choisi la bouche d'incendie pour cet exemple parce qu'elle a des formes tellement grandes, luxuriantes et pleines Et c'est amusant d' exagérer. Dans cet exemple que j'ai pour vous, j'ai vraiment exagéré Ces fleurs de princesse argentées sont, en réalité, minuscules, pas aussi petites, bien plus petites que mon poing Très petite taille de la salière. Vraiment petit. Mais je les ai agrandies ici pour vraiment mettre en valeur tous leurs beaux détails et leur donner l'impression d'être grandes et audacieuses. C'est ce à quoi je veux que vous pensiez lorsque nous parlons de notre proportion exagérée. Lorsque nous exagérons, je vais attirer ces tiers Encore une fois, je vais vraiment prendre de l' ampleur et faire preuve d'audace dans ma silhouette. Je pourrais en choisir une énorme ici et une secondaire ici. Mais je vais essayer de m' assurer que ce gars, même si je n'en ai que deux, adore me lancer un petit défi. toujours plus difficile de travailler avec deux objets, mais je vais travailler avec deux objets ici parce que c'est tout je vais avoir de la place sur ma feuille de papier. Et puis je pourrais y faire une feuille et peut-être une autre. Potentiellement un par ici aussi. Ensuite, je ferai d'autres fleurs ici. Je suis donc devenue très grande et j'ai exagéré mes formes et les proportions de ces fleurs pour les rendre vraiment grandes, audacieuses et belles Nous avons donc un modèle standard, très familier, probablement comme on pourrait s'y attendre à le peindre directement à partir d'une photo. domine, c'est quand vous en avez un qui a beaucoup plus de poids que vos autres acteurs de soutien et vous êtes exagéré, c'est comme jouer avec ces formes dans la fleur Le défi que je vous lance est de choisir norme dominante ou exagérée. Et en travaillant avec les photos que j'ai fournies, générez une composition, puis une peinture à partir de celle-ci. À partir de là, je vais prendre une feuille de papier supplémentaire. Parce que je ne veux pas me contenter de ce premier exemple de miniature que j'ai créé Je vais juste les mettre ici. J'ai besoin d'un peu plus d'espace, j'ai toujours besoin de beaucoup d'espace. Les miniatures sont un excellent moyen d'explorer tous les aspects de la composition, car nous allons simplement esquisser rapidement des éléments Ne vous enlisez certainement pas dans les détails. J'ai quelques exemples de vignettes que j'ai déjà créées par le passé Parfois j'y mets les tiers, parfois non. Mais j'aime généralement ajouter un peu de couleur à quelque chose sur lequel je travaille qui est un peu plus significatif. souvent pour des commandes Les gens doivent donc comprendre ce que je pense de la couleur, l'espace, de la taille, de toutes ces choses. Parfois, je liste même les fleurs qui s'y trouvent. Il s'agissait de quelques exemples différents. Je l'ai mal compris. Oui, quelques exemples différents de la façon dont un rameau d'olivier peut tomber sur une page. Celui-ci était assez compliqué où j'ai dû travailler dans un grand nombre d'usines différentes dans un seul assortiment. Mais ils voulaient être assez naturalistes, alors j'ai dû explorer ces choses à l'aide de miniatures Si je devais me lancer directement dans une pièce terminée et espérer que tout ira pour le mieux, chances que tout cela fonctionne ne sont pas grandes, mais avec un peu de planification et réflexion sur l' mais avec un peu de planification et de réflexion sur l'orientation de certaines choses sur la page, en particulier en termes d'équilibre et proportion, c'est vraiment important. En voici une autre. Cette famille voulait donc avoir une idée des couleurs que j'allais utiliser et manière dont elles pourraient être intégrées à l'œuvre. Et si vous regardez les tiers, toutes ces choses tombent directement sur les tiers. Je voulais juste vous les montrer parce que je fais miniatures, ce n'est pas réservé aux Cela fait certainement partie du processus qui vaut la peine d'être maintenue. Pour cet exercice en particulier, j'ai tendance à exagérer parce que je veux peindre ces hydres de manière imposante et audacieuse Je vais maintenant jouer un petit peu plus. Je vais juste écrire ça de manière exagérée. Je vais juste jouer avec quelques miniatures supplémentaires parce que si je tombe sur la première miniature, et que cela suffit, alors je n'y ai pas vraiment réfléchi Je veux vraiment essayer d' explorer différentes pistes. Peut-être une œuvre d'art horizontale en forme de paysage. Je veux peut-être aller droit au but. Je voudrais peut-être en essayer trois sur la photo. Donc je vais juste jouer un peu. Passons à l'horizontale et peut-être que je mettrai le principal ici. Je peux le mettre sur le bord. Ce que vous ne voulez pas faire, c'est simplement avoir un coup d'œil et le bord de la page. Cela va être très gênant pour les yeux et cela peut être difficile à lire pour nous. Je veux qu'il soit coupé sur le bord un peu plus significativement et ensuite nous les mettrons. Des fleurs dedans, tu aimes mes pétales ? L'autre chose que je vois souvent, c'est que lorsque les gens sont prêts, lorsqu'ils se mettent à peindre sans y avoir prévu, ils mettent leur première fleur et ils disent  : « Oh, je devrais en mettre une deuxième ». Et ils continuent juste à le planter quelque part. Vous voulez vraiment réfléchir à ce que cela va faire. Laissez un espace inconfortable au milieu. Si je devais juste y mettre une fleur, même si cela peut sembler un peu équilibré, je suppose que vous allez avoir cette belle grande tranchée au milieu de votre œuvre, ce qui la rendra moins intéressante à suivre pour les gens. Je veux m'assurer que c'est agréable et facile à lire pour tout le monde. Pour l'option paysage, je pourrais en mettre trois. Je pourrais y mettre une petite version d'un gros gars dominant et exagéré, un peu plus petite Et peut-être un autre là-bas. Encore une fois, si vous voulez avoir deux formes qui se touchent comme ça. est une erreur quand il s'agit de cela, car cela va créer un point gênant dans l'œuvre d'art Je veux que vous essayiez de penser à les superposer manière plus significative que vous ne le pensez alors De cette façon, celui-ci est assis derrière en train de gribouiller ici. Pour cela, il faudra peut-être être un peu plus sombre pour le placer derrière. Alors, si je regarde ici, je peux voir comment les capitules tombent sur le buisson. Ils sont généralement debout. Les feuilles tombent en dessous. Je pourrais donc y mettre des feuilles. Je ne vois pas vraiment trop de feuilles surgir sur le dessus pour en mettre une dedans, c'est pourquoi j'y ai mes photos de référence J'adore celui-ci pour la couleur, donc je pense que je vais l' utiliser principalement pour ma référence de couleur. Les détails de celui-ci sont géniaux. Je l'utilise plutôt pour la façon dont le buisson se trouve dans la nature parce que je pense que si nous ne comprenons pas, nous mettons parfois les feuilles et les fleurs aux mauvais endroits. Celui-ci est également très agréable pour la couleur, en fait. Et puis celui-ci est bon pour voir la variété de choses que vous pouvez utiliser. Je vais donc y peindre des mouvements de lumière et des bleus. Mais disons que vous pourriez laisser le rose opter pour le rose, je préfère vous le fassiez plutôt que de suivre exactement ce que je fais. Il y a trois hortensiers ensemble, une méthode exagérée et une méthode dominante. Je pourrais revenir à mon portrait, puis celui-ci sera là. Comment pourrais-je faire cela autrement ? Mettons-en un autre au centre, puis coupons-le sur le côté, et peut-être un soupçon. J'en ai donc encore trois, et je recommence. Peut-être une feuille là-haut et une feuille là-bas. High Danger est aussi très amusant à peindre. J'ai hâte de vous montrer à quel point ils sont amusants à peindre. La plupart des gens paniquent et disent : « Non, nous ne les peignons pas parce qu'ils sont trop détaillés Je ne peux tout simplement pas imaginer comment je pourrais en arriver au point où je pourrais en peindre Il doit voir clair et clair avec ton pinceau. D'accord ? Et il y en a trois, alors attends, je ferais mieux de faire quelque chose pour ce petit espace ici. Allons-y en un de plus. Assurez-vous que j'ai exploré toutes les pistes. Je dis toujours qu'au moins trois vignettes vous permettront d'obtenir le meilleur résultat possible quant à l'orientation de votre peinture Allons encore une fois vers une position un peu plus dominante. Je vais donc en prendre un plus grand ici avec d'autres plus petits, peut-être comme là-bas Il nous en faut un cinquième. Oui, allons-y comme ça. J'ai donc une ligne diagonale qui passe par là, que j'aime regarder. Certaines personnes font des études de valeur lorsqu' elles rédigent leurs compositions, ce qui revient à ajouter de l' obscurité et de la lumière Je pense que cela peut également être un outil très précieux. J'ai tendance à gribouiller juste pour me faire une idée. Ensuite, je veux passer à la partie peinture et je suis sûre que j'y mettrai suffisamment de valeur. Mais si vous trouvez que vous travaillez un peu en deux D, c'est l'occasion de faire un croquis. Il doit faire sombre en dessous , donc on dirait qu' ils font trois D. Alors, faites un peu plus sombre en dessous. Réfléchissez à vos formes ainsi qu'à votre composition. OK, et ensuite nous ferons de belles grandes feuilles. Et ces gars-là auraient des feuilles litières parce qu'ils sont petits. Très bien, alors à 01h00 du matin , je vais le feuilleter, peut-être que je penche pour celui-ci, donc c'est ce que je vais choisir Je vais prendre mon bout de papier. Je vais les garder à portée main pour ne pas oublier ce que je faisais. Je veux essayer de m'y accrocher autant que possible, mais si ça se passe bien sur la page, c'est très bien aussi. Nous pouvons résoudre les problèmes à la volée, ce qui est toujours une chose importante à retenir Maintenant, on y va encore une fois. Je veux que tu fasses une pause pour que nous ayons nos miniatures. Nous connaissons la direction que nous allons prendre. Mais j'adorerais que tu essayes avant de me regarder peindre les fleurs. Je veux voir comment vous dépeignez une colère timide au lieu de simplement imiter ce que je fais Je pense que se lancer le défi est une façon tellement intéressante d' explorer votre créativité. Même si vous pensez que c'est incroyablement difficile, cela vous permettra d'obtenir un résultat plus mérité et vous vous un résultat plus mérité sentirez vraiment bien Alors faites une pause et je vous rejoindrai dans un instant. OK, bon retour. J' espère que tu as bien essayé. Maintenant, je vais vous montrer comment je l'aborderais. J'adore peindre des hortensias parce que vous pouvez obtenir une si lumineuse et lumineuse avec votre pinceau et passer un très bon moment Je pense que lorsque les détails deviennent trop importants, il y a clairement beaucoup d'informations dans un hydranger, j'ai tendance à tout simplifier et à m'en tenir un peu plus, car il y a clairement beaucoup d'informations dans un hydranger, j'ai tendance à tout simplifier et à m'en tenir un peu plus, sans trop insister sur les détails de la peinture Je suis donc en train de mélanger quelques couleurs pour commencer. Maintenant, je vais commencer, je pense que je vais d'abord faire ma fleur principale, qui est en fait celle du devant , au centre, ici sur la troisième. Je vais donc, ce n'est littéralement qu'une série de marques pour moi, m' assurer que cette couleur change tout le temps. Parfois, j'aime travailler avec le pigment sur la page au lieu de toujours ramasser plus de peinture. Cela signifie que vous devez en fait atteindre un peu plus ces valeurs plus claires avant de tout embrouiller avec trop de pigments, car cela peut se produire assez rapidement Beaucoup de valeurs sombres et vous pouvez voir que je fais de petites marques. De grandes marques. Je n'ai pas trop les doigts sur la page. Je travaille sur tout mouillé. En regardant ma photo de temps en temps pour essayer d'obtenir une référence de couleur, nous pourrions finir par faire deux couches ici. Parfois, je le fais avec celui-ci simplement parce que si vous continuez à travailler dessus, tout se transformera en une flaque d'eau, ce que nous ne voulons certainement pas s'agit essentiellement de simplifier ces formes pour notre hortensia plutôt que d'essayer de trop s'enliser dans les moindres détails J'essaie juste de m' amuser et de créer cette belle forme de boule qu'ils ont. Assurez-vous qu'il ait un côté décontracté et amusant, car cela lui donnera ce look irrégulier que j'aime tant Ils ne sont certainement pas un avantage net, c'est sûr Il fait un peu plus sombre là-dedans. Vous serez surpris de constater à quel point une teinte légèrement plus foncée que celle avec laquelle vous êtes le plus à l' aise peut réellement changer l' apparence et la sensation d'une œuvre . Nous aborderons le contraste dans la deuxième partie. D'accord, c'est à peu près ma première entrée car elle sèche. Je pourrais en ajouter un peu plus, mais maintenant je vais passer à la suivante qui se trouve juste derrière. Mais pour créer ce look, je vais devoir créer un bord plus foncé pour m'assurer de l'avoir amélioré. Faites ressortir le premier, donc je vais passer à un peu plus foncé pour le dernier. Brown est un peu un héros méconnu pour moi. J'oublie toujours de le mettre dedans parce que je suis bien trop impatiente d' inclure toutes les couleurs. Mais dès que vous ajoutez ce petit peu de brun, pour en éliminer la saturation, vous obtenez un très bel effet. Maintenant, je peux l'alléger un peu parce que maintenant, bien sûr vous pouvez voir que j'ai une ligne imparfaite ici, mais elle va vraiment faire ressortir cet avantage C'est bon. Maintenant, continuez à y faire référence à ma petite photo Ma photo fait référence à mon pouce. Maintenant, maintenant je veux juste ajouter, eh bien, vous savez quoi, je dois faire baisser les choses un peu plus bas. Je vais en ajouter un peu plus dans la partie inférieure ici. Il suffit de regarder ma référence qui se situait vraiment dans le tiers inférieur, et je l'ai un peu mal évaluée et je l'ai placée trop haut Je vais juste ajouter un peu plus de noir pour aider à le réduire un peu. Ensuite, je dois repenser à l' endroit où je vais placer cette troisième forme, car il ne s'agit que de la plus petite partie de Mais je dois m'assurer qu'il ne soit pas trop haut, sinon cela va me bouleverser le tiers. Je dois y réfléchir un peu plus attentivement. Je pense qu'il faudrait peut-être monter un peu plus haut que ce que je pensais au départ, ou qu'il pourrait baisser. C'est l'une des choses que vous devez simplement résoudre à la volée Parce que même si nous voulons imiter exactement cela, il est possible que ce ne soit pas Se produire. Fais-le un peu plus grand. OK. Donc je vais me rendre compte qu'il y a un très grand marécage bleu foncé là-bas Je vais, je pense que je vais le mettre dans un endroit où je voulais initialement faire un endroit légèrement différent. Je vais repartir dans le noir pour essayer de le faire ressortir avec un peu de bleu, je dirais. OK, et juste un petit gars, je pense que maintenant c'est en quelque sorte la première couche j'aimerais faire avec ces hortensias La prochaine étape est de mettre ces feuilles dedans, prendre un peu de ce vert. En fait, je n' aime pas du tout ce vert, mais je le trouve vraiment utile pour le mixage. Je ne l'utilise jamais directement car il ressemble à du vert sucette Mais ajoutez-y plein de choses différentes, violet, bleu, marron, n'importe quoi, et vous obtenez de jolis mélanges de couleurs. Même un peu de rouge peut être très agréable. Je veux m'assurer de passer au vert dès maintenant. Placement des feuilles, en y repensant encore une fois, je suis plutôt content de celles où elles vont se trouver. Je pense donc que je vais m' en tenir au plan. Je vais retourner ma page , en fait, parce que cela m'aidera à mieux placer cette feuille. Et puis la feuille numéro un pourrait avoir besoin d'un peu plus de profondeur. Ensuite, nous devons faire une autre feuille. Mais comme il se trouve un peu plus haut, je vais le rendre un peu plus lumineux, afin que ce soit là où le soleil le capte en quelque sorte. Je pense toujours à la façon dont ces choses se trouvent dans la nature et à l'endroit où le soleil les frapperait. Qu'est-ce qui lui donnerait vie ? Prends juste cette grosse goutte. Maintenant, celui-ci est passé à ce troisième. Maintenant, il va rester un peu plus dans l'ombre là-bas. Peut-être qu'en bas, laisse-le saigner un peu. Vous pouvez voir à quel point le coton absorbe et distribue magnifiquement le pigment. Il le fait tellement différemment de la cellulose. Je recommande vraiment la cellulose pour jouer et surmonter obstacle que représente la peur de ruiner le bon papier Mais quand on bouge avec le coton, ça fait du bien, c'est tellement différent. Ajoutez-y encore un peu plus. Maintenant, je pense que je dois ajouter un peu plus de feuillage ici, foncé là-dedans, puis ce n' est que le moindre indice dans mon esprit Vous pourriez voir les choses différemment pour moi, car nous voyons tous les choses de manière unique en matière de composition. Mais je pense justement à l'équilibre. Comment puis-je équilibrer ce travail en utilisant ces proportions exagérées ? Je veux m' assurer que c'est agréable et harmonieux avec tout. C'est bon. Assez proche. Faisons-le ressortir un peu, d'accord ? J'ai peut-être besoin d'une autre feuille trouée là-dedans. Juste un petit indice qui commence à faire du bien. accord ? Je vais juste faire une pause d'une minute. Je vais le sécher pour pouvoir y mettre une deuxième couche. parce que je tiens à ajouter un tout petit peu plus de détails , puis je reviendrai et finirai. OK. Je viens d' en donner un rapide avec le sèche-cheveux pour accélérer le processus de séchage. Mais revenons-y. Donc, cette zone à travers les fleurs, vous pouvez voir que les feuilles sont un peu mouillées, mais je ne vais pas les toucher à nouveau. Je vais juste y ajouter un peu plus de détails juste pour vraiment amplifier effet de création de beaucoup de dimension. Je vais donc créer une belle couleur riche et foncée. Et puis il n'y a que ces formes sombres pour décomposer cette immense zone sombre avec laquelle je travaillais ici. Juste beaucoup de matière fine et épaisse. Parce que vous êtes en train de peindre les ombres à ce stade. Ce qui est difficile à comprendre un peu. Mais si vous n'y réfléchissez pas trop, quelques touches de blobs suffiront. Nous pourrions donc le rendre encore un peu plus bleu. Ensuite, je vais ajouter une partie de la même idée à cette fleur principale, juste pour donner l' impression qu'elle est en cette fleur principale, juste pour train de s'enfoncer Peindre des ombres peut être très difficile. J'essaie juste de ne pas trop y penser. Tant que ça ressemble encore à une forme de bol. Je vais bien. Enfin, juste ce qui est de cette zone où il est assis en arrière-plan, j'ai juste besoin d'un peu plus. Délicieux, violet Brisez cet avantage. C'est bon, on y est. Oh, peut-être juste un petit peu plus. Assombrit ça dans ce coin. C'est bon. J'en suis plutôt content. C'est notre exploration de la proportion. J'espère que vous avez une meilleure idée de l'impact énorme de la taille des formes de votre composition. Supposons que si vous vous êtes complètement trompé, vous pourriez avoir un point de vue accidentel, comme une fourmi. Ou vous devez faire attention à l'endroit où vous placez ces formes dans les relations de taille entre elles. En tant que projet d'extension, vous pourriez revenir à notre ensemble original de trois vignettes et peut-être en explorer une autre plus Je l'ai donc fait entièrement à propos de proportions exagérées. Vous pourriez revenir en arrière et en apprendre davantage sur les proportions dominantes utilisant ce même exercice de vignettes et produisant une œuvre d'art. À partir de là, nous allons passer à l'une de mes préférées, l'accent L'accent est essentiel pour moi, donc j'ai hâte de vous en parler. 7. Principe de l'art : accent: Nous venons donc de couvrir les proportions. Notre prochain principe artistique que nous allons explorer est l'accent. C'est un point important pour moi parce que c'est en quelque sorte la force motrice qui attire une personne vers un tableau en premier lieu. C'est là que vous allez regarder en premier. C'est là que mènent toute l'énergie et le reste de la peinture. C'est donc quelque chose à vraiment prendre en compte lorsque vous le placez, surtout lorsque nous pensons à nos troisièmes. Maintenant tu sais où les mettre. La question est de savoir comment vous assurer que c'est le point le plus important de la peinture ? Il existe donc plusieurs façons de le créer. Le premier s' appelle le contraste. Je vais faire mes petites vignettes. Encore une fois, le contraste, je veux dire, il y a tellement de façons différentes de générer des contrastes dans une peinture. J'ai quelques exemples ici, donc celui-ci ressemble plus à un contraste de valeurs. J'ai le fond sombre vraiment saisissant fond sombre des couleurs plus claires et plus vives qui font cette figurine. Je veux dire, c'est la seule chose sur la page également, mais elle met vraiment l'accent sur cet oiseau de paradis en particulier. Ensuite, j'ai cet exemple ici, qui est en fait un contraste de valeur ainsi qu'un contraste de texture. L'arrière-plan est très plat et uni, puis les fleurs elles-mêmes sont pleines d'énergie et ont beaucoup de texture en activité, ce qui en fait également le point central à regarder Puis d'une manière différente, plus subtile. C'est un tableau que je n'ai pas encore terminé, mais je voulais vous montrer. Quoi qu'il en soit, l'accent est mis ici. Je commence ici, par la façon dont mon œil entre dans le tableau et j'y atterris en premier, c' est-à-dire que cela crée du contraste parce que c'est contre ici. Mais cela contraste également avec le reste des fleurs. Le reste des fleurs est jaune. Et celui-ci est violet. C'est donc le contraire du jaune, ce qui le fait ressortir davantage. Il existe de nombreuses manières différentes d'utiliser le contraste, et c'est probablement ma méthode préférée pour mettre l'accent sur un tableau. Vous pouvez également utiliser l'isolation. Isolement. Dans cet exemple en particulier, j'ai cette branche singulière qui ralentit, et c'est elle qui est isolée, et c'est là que vos yeux sont d'abord attirés avant d'absorber le reste de la peinture. Nous avons une convergence. m'a été difficile de trouver un exemple pour la convergence Il m'a été difficile de trouver un exemple pour la convergence, mais en gros, c'est plutôt un exemple clé dans les paysages où toutes les lignes du tableau mènent à un point de fuite invisible Voici donc un exemple de ce que j'ai fait il y a peu de temps avec des troncs d'arbres qui montent tous dans le ciel Et le point central se trouve au milieu, ce qui n'est pas vraiment une chose, mais c'est là que toutes les lignes pointent vers une convergence C'est le point central. C'est donc une question très intéressante à explorer, mais il faut un travail hiérarchique très solide à cet égard. L'une des anomalies est que vous pouvez avoir des anomalies subtiles ou très fortes, mais en gros, c'est quelque chose qui ne correspond pas à tout le reste ou qui ne correspond pas au même thème que tout le reste Dans cet exemple, j'ai le New Holland Honey Eater. Et c'est là l'anomalie tableau, car tout le reste n'est que flore et le feuillage y passe d' abord Lorsque nous regardons des peintures, visages et les yeux sont des choses qui nous attirent naturellement beaucoup plus rapidement que toute autre chose. Nous examinons en particulier ce qu'ils recherchent. Non seulement c'est le premier endroit que nous regardons, mais nous regardons également où ils regardent. C'est donc un outil directionnel très important. Donc, celui-ci, en regardant autour de vous, vous aide à suivre cette peinture et à guider votre regard. Nous avons parlé de proportion dans le précédent article, mais cela concerne également l' accent, car l'utilisation de la proportion peut créer de l'accent. Voici donc un autre exemple, où l'accent est mis sur les banquiers les plus grands et les plus dominants dans ce tableau, puis sur les autres banquiers plus reculés. Ils n' attirent donc pas autant d'attention. Le dernier ? Oui, le dernier est positionnel, j'ai dû donner un petit exemple parce que je n'en ai pas trouvé un dans mon sac à astuces Mais j'ai fait ce petit tableau à la jonquille essentiellement en mettant quelque chose dans une position qui le fasse ressortir C'est une autre façon de mettre l'accent. Vous pouvez le faire de différentes manières, mais le simple fait de déplacer littéralement sa position dans l'assortiment de sujets de la page peut vraiment aider à attirer l'attention. Je veux dire, toutes les fleurs sont de la même taille, elles sont toutes de la même couleur. Mais ton œil va d'abord ici. C'est donc juste quelque chose à garder à l'esprit lorsque vous travaillez comme ça. Voici donc nos exemples sur lesquels nous avons travaillé. Je vais juste esquisser rapidement quelques vignettes pour nous permettre de passer à notre prochain projet. C'est bon. Pour ce projet, j'ai donc choisi des coquelicots, des coquelicots islandais En fait, encore une fois, je vous ai donné toutes ces photos de référence, mais je vais juste les avoir devant moi pour avoir de quoi travailler. J'adore la façon dont les coquelicots ont ces formes vraiment irrégulières dans leurs tiges Je pense que c'est juste une partie fascinante d'eux ils sont tellement beaux froissés et ils ont tellement Je vais donc les avoir toutes devant moi. Si vous avez un iPad ou quelque chose comme ça, vous pouvez simplement les y faire apparaître. C'est juste le moyen le plus simple de le faire. Maintenant, si je parle du contraste avec nos coquelicots, je pourrais le faire de nombreuses façons Je pourrais simplement le faire. Disons que je vais peut-être faire un beau gros coquelicot ici. Je vais en faire des versions vraiment simplifiées pour la partie de mes vignettes qui pourrait être rouge ou quelque chose comme ça Ensuite, je vais juste en faire d'autres autour de lui qui sont de différentes couleurs. Cela va créer un contraste très fort. Fais des fleurs là-dedans. Juste pour bien comprendre, je vais juste peindre en rouge sur celui-ci. Très grossièrement. Le suivant était l'isolement. Même le simple fait d'avoir une fleur en solo sera une composition qui vaut la peine d'être explorée. Et cela va être isolé. Cela va donc générer un très bon sens de la composition là aussi. ce stade, il s'agit davantage de tous les autres éléments, des détails et de ce genre de choses. Très bien, je viens d'isoler cette fleur et cela met l'accent parce que c'est le point central de la fleur. C'est là que notre œil va se diriger en premier. Si vous enfoncez votre tige ici, elle le fera parce qu'elle se fixe à l'arrière de celle-ci. Et puis considérez cela comme un visage. Et cet œil dont je parlais montre à quel point notre œil aime regarder là où il regarde. Notre œil regarde vers le haut comme ça. Nous avons donc en fait une petite courbe en forme de C dans la forme de notre composition. C'est une belle idée à explorer. La prochaine est la convergence, très difficile à démontrer avec pop, mais nous allons quand même essayer. Je vais imaginer que nous observons à vol d'oiseau. Je suis donc une petite fourmi par terre, et je regarde tous ces coquelicots J'ai ces très longues tiges et ces fleurs attachées au bout. Ce sont les tiges elles-mêmes. Les lignes qu'ils créent. C'est ce qu'on appelle des lignes directrices. Ils vont attirer notre attention, et c'est ce domaine qui finit par devenir notre priorité. Je vais également parler un peu plus des lignes directrices dans la deuxième partie. Parce que cela dépend aussi vraiment du rythme et du mouvement. Il est très important d'être conscient de l'endroit où vous placez vos lignes, même si cela va de pair avec l'accent mis. Nous allons également en parler un peu aujourd'hui. La prochaine est une anomalie. Vous pouvez faire preuve de subtilité avec votre anomalie ou vous pouvez devenir très fort Je pourrais en faire une qui soit la seule orientée dans le bon sens, puis les autres sont tournés vers l'extérieur ou ils sont encore en demi-bourgeons en forme de bourgeons Comme il s' agit de la seule fleur ouverte, cela va devenir une anomalie et devenir automatiquement le point central. Ensuite, nous avons la proportionnelle parce que les coquelicots sont aussi très gros et vivaces, je pense que ce serait amusant à explorer Vous pourriez littéralement devenir vraiment énorme avec vos coquelicots Comme ce que nous avons fait avec la proportion de bouches d'incendie, cela peut être vraiment intéressant à explorer On passe à l'énorme, puis on passe à la position. Et bien sûr, c'est ce que j'ai l'impression. Bien entendu, j'ai juste mis deux yeux dedans. La position mène à un grand coquelicot parce que nous connaissons tous le syndrome du grand coquelicot OK ? Si on le met là-haut et qu'on y fait d'autres fleurs. Je suis juste en train de dessiner ces fleurs parce que je vais faire la même que nous avons fait avec la jonquille Et ils seront tous ici et l'accent sera mis sur ce type. Maintenant, il ne me reste plus qu'à esquisser très rapidement toutes ces idées différentes et ces différentes manières de mettre l' accent à partir de là Je veux prendre mes photos de référence et je veux prendre celle que je préfère. Et je vais les explorer un peu plus en profondeur afin de trouver une idée de peinture. Je vais donc prendre une autre feuille de papier à croquis et faire quelques vignettes supplémentaires Je pense que je veux descendre, je pense que je veux en quelque sorte combiner contraste et anomalie Je veux donc avoir une fleur très colorée, mais aussi un mélange de partiellement ouvertes et en forme de bouton ainsi que de fleurs complètement ouvertes. Et il y aura aussi une petite dose de danse et de drame autour de cela. Cela va créer un peu plus de tension que faire une seule fois, d'accord ? Faites-en quelques autres simplement parce que je veux associer ces deux idées . Je pourrais le faire. Mets ces tiers dedans. Quoi ? Pour une fleur ? Est-ce que je vais suivre comme celui-ci mais comme, oh, allons-y. Celui-là. Je vais essayer de faire celui-ci là-dedans. Il va être mon héros. Le gros pistolet, celui que vous voulez regarder en premier. Alors je vais peut-être faire certaines de ces coupes en forme de tasse ou de demi-tasse ici. Et puis il peut être comme ça, et puis il se peut qu'il y ait un petit bourgeon. Bud là, et peut-être une demi-pédale là et peut-être un autre bourdon là, parce que trois, c'est toujours bien. 123123. Et puis ce sur quoi je veux aussi attirer l'attention c'est que lorsque j' insère ces tiges, c'est un travail assez critique. Les faire entrer, de manière fluide. J'adore leur côté joyeux et ils sont assez organiques, un peu déséquilibrés et Je veux donc essayer de m'assurer que j'intègre cela dans la peinture, mais aussi, où que je les place, cela vous aidera à attirer votre attention sur les points soulignés. Il est donc très important de réfléchir à l'endroit où vous allez le faire. Je vais m' assurer que tout complètement à côté de cette troisième période. Je vais travailler avec ces tiers et essayer de les faire planifier. Vos tiges jouent en fait un rôle très important parce que je pense que c'est là que je vois le plus souvent des problèmes de peinture. Parce que nous concentrons toute notre énergie obtenir la fleur , je me dis : « Oh, nous allons rapidement gonfler dans la tige, puis cela finira par être un désastre et ruiner le tableau parce que nous sommes trop lourds ou parce qu'ils sont au mauvais endroit Celui-ci imite un peu trop cette forme. Je veux juste essayer de changer un peu cela. Nous y voilà. Ça fait du bien. J'ai un bel espace ouvert ici, qui donne une impression presque circulaire. Je peux tourner en rond. Et pour moi, mon œil se pose ici, il se pose ici. Ensuite, je vérifie tout ça, puis je sors à nouveau, puis je remonte. C'est donc une bonne chose. Je vais juste en faire une de plus. Je pense que je vais simplement explorer, peut-être en travaillant un peu plus sur le tiers inférieur et en essayant d'attirer l'attention sur ce tiers inférieur. J'essaie de penser à toutes ces fleurs ici et je les ai comme références. Je veux donc m'assurer que je utilise afin d'avoir un endroit où chercher lorsque je dois mettre ces formes directement sur la page. Peut-être de cette façon, de cette façon, de cette façon, tout cela en haut. C'est le principal, gros chien. Et puis je pense qu'il me faut autre chose pour équilibrer cela. Nous pensons maintenant à la proportion, l'équilibre et à l'accent, tout dans une œuvre qui commence à se développer d'elle-même. OK. Je pense que je suis plus sensible à celui-ci. C'est ce que je vais essayer de réaliser dans un tableau. Je vais juste le garer là-bas pendant un mois, et prendre mon journal. Encore une fois, je ne vais pas travailler au crayon ici parce que c' est mon point de référence. En fait, je ne vais pas me tromper, je vais juste le plier en deux pour que je sache clairement sur lequel je travaille. Maintenant, les coquelicots sont amusants à peindre, mais ils peuvent être trop compliqués, donc je ne veux pas trop m'attarder là-dessus Bien entendu, je vous encourage à vous arrêter ici et à vous en occuper vous-même, voir ce qui en découlera, puis à voir ce qui en découlera, puis à voir comment je l'aborde. Parce que la façon dont je le peins ne correspond pas nécessairement à la façon dont vous le peignez. Et cela renforce vraiment tout , notamment lorsque vous effectuez vous-même le dépannage à la volée. Alors fais une pause et je te retrouverai dans un instant. Très bien, bon retour. J'ai dû y aller, je meurs d'envie de voir. Je vous en prie, partagez-le avec moi. Je vais maintenant commencer à peindre mes coquelicots. Voyons comment nous allons procéder. Ce sera vraiment intéressant de voir par où tout le monde a commencé parce que j'aimerais commencer par le centre de la fleur, et trouver le bon positionnement est tellement crucial que mien est essentiellement assis exactement sur le tiers. Je vais donc commencer par le troisième et les peindre au centre de la fleur. Assurez-vous que mes angles sont bons. Si vous êtes probablement du genre, que fait-elle au juste ? Je n'aurais pas du tout commencé comme ça, mais c'est comme ça que ça se passe. J'ai eu quelques difficultés à peindre des coquelicots à mon époque, et j'adore tellement les peindre. Vous avez peut-être remarqué celui-ci par ici. J'en ai quelques-uns. OK. Laissez-vous également étonner de la rapidité avec laquelle ils se réunissent. J'aime aller dans mes légumes verts. J'essaie vraiment de me concentrer sur mon objectif de contraste et d'anomalie. J'ai mélangé les deux parce que je pense que j'aime cette combinaison. Mon contraste sera la couleur, je vais vraiment utiliser mon beau et gros coquelicot rouge, puis je vais suivre celui-ci comme référence Je peins même un coquelicot rouge. Je ne vais pas simplement utiliser uniquement de la peinture rouge tout le temps parce que je pense que cela ne fait que réduire la durée de vie de votre Je vais donc essayer de m' assurer de grand nombre de couleurs différentes pour créer cette impression de coquelicot Gamme tonale, gamme, tonne, plage, plage de rotation. Le pouvoir du pigment clair est donc si incroyable. J' adore toutes ces parties froissées des coquelicots J'essaie d' en tirer parti. Un peu de violet ne fait que renforcer cela. Ensuite, je vais faire une belle ombre là-dedans. Cette main ne sait jamais quoi faire lorsque j' essaie de mélanger mes couleurs. C'est comme si j'avais envie de me lancer dedans, mais tu ne peux pas. OK. Des ridules aident à créer ces rides, puis je dois à nouveau faire de l'ombre Oh, c'était très douloureux. Oups. C'est une sorte d' impression rapide d'un chiot. Ce n'est certainement pas une impression parfaite. Une représentation parfaite. Mais j'aime simplement souligner ses qualités plutôt que de les imiter ici Exactement. Il fait sombre dans le. Oui, je m'en fous, pas vraiment. Je pense que je vais le faire maintenant, je suis devenu plus grand que prévu. Bien, pendant que j'essaie, je pourrais juste ajouter un peu plus de contraste au centre ici. simple fait d'ajouter un peu de noir peut vraiment améliorer ce centre. Sortez-le tout de suite, puis je vais ajouter quelques détails une fois qu'il sera tout mouillé. Parce qu'à la minute près, si je devais le faire ou en croiser un autre et me transformer en désordre. Bien, maintenant je vais aller ici, mais je ne peux pas refaire un coquelicot rouge, parce que cela détournerait l' attention. Je vais peut-être dessiner un dessin, un coquelicot rose pâle Et ça va correspondre au précédent, mais ce ne sera pas le gros joueur qui veut toute l'attention. Je vais juste parcourir mes photos de référence, essayer de m'entraîner. Je crois que j'allais en prendre un petit gobelet Jetons un petit coup d'œil ici. Je pense que c'est ce type ici. Je pense que je vais choisir quelque chose. Je vais juste le mettre dans la mauvaise couleur avec quelque chose comme ça. Il en a un peu, j'ai un peu d' étamine visible. Je les peins donc d'abord. Et c'était plus bas dans le tiers inférieur ici. Alors peignons-les. C'est bon. Maintenant, pour ce est de peindre ces roses, je veux passer au rose pâle pour qui est de peindre ces roses, je veux passer au rose pâle pour ne pas nuire à mon autre Maintenant, pour ce qui est des ombres, je dois savoir qu'elles doivent être un peu plus fortes. J'ai vraiment envie de vraiment, vraiment mordre. OK. Je peux voir que je disparais dans la zone que je peins et j' oublie toujours de parler, mais c'est la façon la plus naturelle d'être lorsque je peins en silence accord ? Je crois que celui-ci est mis de côté. Il faudrait peut-être que celui-ci soit un peu comme ça. Ça commence à me faire du bien maintenant. J'ai mes deux chiots clés, mais je veux en faire un de plus J'en ai juste une version qui se passe ici. Donc je vais juste laisser entendre que là, ce n'est pas grave, c'est juste que ça suffit. Alors la dernière chose que j'ai envie de faire est peindre certains de ces magnifiques bourgeons, parce que j'adore leurs petites formes extraterrestres complètement délirantes. Je vais donc prendre un peu de ces verts vifs qui vont contraster, ce qui va faire ressortir le rouge à nouveau. Parce que le rouge est le contraire du vert, cela contraste avec ce que nous avons connu jusqu'à présent. Et je ne vais pas encore dessiner des tiges de peinture sur tige. Oups. Je change toujours de couleur. je préfère, c'est que je sélectionne très rarement des couleurs directement dans la palette, en les mélangeant toujours. Je ne devrais pas dire jamais, c'est faux, mais bon, je n'ai pas laissé place à mon autre petit pote juste là-haut. Je pourrais donc essayer de compléter ces deux par une plus faible. J'ai donc dû résoudre à nouveau ce problème également. Mais je pourrais même suivre cette voie. Et maintenant, l'élément crucial, ce sont ces lignes directrices, ces tiges. Je vais donc tous les peindre dedans. Souvent, je n'encourage même personne à peindre des tiges, car c'est tellement problématique et votre œil peut souvent faire la différence. Mais je pense que dans ce cas, cela va être assez crucial et qu'il suffit de choisir un produit beaucoup plus léger et fin que vous ne le pensez. Ça pourrait être un peu plus fort pour celui-ci là-haut. Parce que sinon, c'est tout ce que vos yeux verront parce qu'ils sont tellement dominants. Des lignes fortes que tes yeux vont suivre, ouah. Je n'y vois même rien d'autre. Je veux juste suivre ces belles lignes. J'ai juste besoin d'en mettre une de plus pour la fleur principale, que je n'ai pas encore abordée, ce que je pourrais faire. Il suffit de faire un peu plus sombre là-dedans. J'ai un petit trou là-dedans. J'ai deux bourgeons et deux tiges, mais aussi sous forme de farine. J'en ai donc besoin d'un troisième ici aussi. Je pourrais essayer d'en faire une vraiment légère. Nous y voilà. Et je voudrais juste ajouter un peu plus de détails à cette farine, et je pense que nous sommes presque terminés. J' ai aussi un peu plus de jaune. Rendez-le beau, complet et central. J'ai juste effacé toutes les couleurs de l' accident là où nous sommes arrivés. Et peut-être juste un tout petit détail en ajoutant des couches supplémentaires ou simplement parce qu'il est encore humide, cela va juste s'étendre, mais cela pourrait juste lui donner un peu de douceur les bords extérieurs et besoin de combler le petit trou qui m'embêtait Je pense que nous y sommes à peu près. C'est bon. Voilà. C'est ainsi que j'aborde mon exemple de coquelicot pour votre projet d'extension Je veux dire, vous pourriez faire la même chose que nous avons fait dans l'exercice sur les proportions revoyant vos vignettes pour en explorer une autre Je pense que c'est le meilleur moyen de consolider cela et de ne pas se retrouver coincé dans trop de pièges. Au fur et à mesure que vous évoluerez en tant qu'artiste, vous constaterez que vous vous appuyez sur certaines d'entre elles et que vous en oubliez d'autres. Mais si vous continuez à revoir ceux que vous êtes le moins enclin à utiliser, je pense que c'est l'un des meilleurs moyens de continuer à vous améliorer Le défi que je vous lance pour celui-ci est donc de revenir à cet exemple, à cette série de vignettes, et de travailler avec celle à laquelle vous vous êtes le moins connecté Parce que c'est probablement contribuera le plus à votre expérience. Très bien, à partir de là, nous allons mettre tout ce que nous venons d'apprendre sur l'emphase et passer à notre prochaine étape , Unity. 8. Principe de l'art : l'unité: Bien, nous avons juste exploré l'accent, l'une de mes fleurs préférées avec l'une de mes fleurs préférées, le coquelicot, mais nous avons maintenant de la farine et gomme et nous allons explorer l'unité L'unité est la cohésion globale de l'œuvre d' art ainsi que parties connexes de l'œuvre d' art Il y a tellement de choses à explorer dans Unity et c'est quelque chose que nous visons vraiment , car une illustration unifiée sera plus facile à utiliser, plus facile à lire, et elle donnera l' impression d'être complète et terminée Je pense que l'un des principaux problèmes auxquels nous avons du mal à faire face est d'atteindre ce point unifié de notre œuvre d'art. C'est alors que nous le mettons dans cette pile et que nous ne voulons plus nous en occuper. Parlons donc de l'unité dans son ensemble. Il existe plusieurs manières de créer l'unité. Ce que j'ai fait avec mon crayon, oh, le voilà. Ça me cache. OK. Pour que nous puissions le faire, je dois déposer mes vignettes. Faisons-en quatre, car nous en avons quatre à explorer. Je recommande même de créer vous-même ces vignettes. Comme ceux qui sont rudes ici. Cela permet à votre main de faire le travail, de se connecter à votre cerveau, et tout semble s'infiltrer beaucoup mieux Très bien, voici mes quatre. Le premier est Proximal. Oups, cela signifie littéralement que les choses qui se trouvent à proximité vont se sentir unifiées J'ai quelques exemples pour nous aider à le réitérer. En voici une ici. Le thème de celui-ci est notre flore indigène australienne. Et ils sont unis grâce à la façon dont ils ont été réunis. Leur proximité leur donnera le sentiment d'être vraiment unis et d'avoir l' impression d'être une œuvre complète. Il s'agit d'un autre exemple qui en emploie en fait quelques-uns. Celui-ci, c'est la proximité. Ces poneys sont très proches les uns des autres. Mais elles sont également similaires car elles ne sont pas toutes identiques, mais elles sont liées à un thème, elles se répètent parce qu'il s' agit du même type de fleur. Il y a donc trois choses en une, dans celle-ci, dont les autres vont parler. De même, toutes les choses contenues dans les peintures sont liées les unes aux autres. Il y a donc deux oiseaux, ils se ressemblent, les fleurs se ressemblent. Et ces marques et couleurs qui sont utilisées peuvent aller jusque dans les moindres détails de vos éléments Les couleurs et ces lignes sont ce qui donne l'impression que les choses sont unifiées. La répétition est vraiment une bonne méthode pour unifier les choses. Lorsque nous parlons de fleurs dans le monde naturel, lorsque nous travaillons avec des objets groupés, il est certainement préférable de nous concentrer sur ce groupe, car cela permettra de l'unifier et, dans ce cas, de dessiner un point focal C'est donc une question vraiment cruciale avec laquelle jouer. Voici un autre exemple de répétition que je viens de peindre. Et ces lignes espacées négatives répétées donnent à celle-ci une sensation unifiée, totalement différente de l'autre Mais vous comprenez que cela donne à la peinture une plénitude. La simplification est probablement une solution à laquelle les gens n'opteront pas tout de suite, mais lorsque vous simplifiez vos formes, vos couleurs, vos marques dans une peinture, cela lui donne également l' impression d'être unifiée Je pense que c'est très pratique dans le monde abstrait ainsi que pour nos plantes, car dans ce cas, je l'ai simplifié à deux couleurs seulement Et peindre de cette façon donne l'ensemble une impression de cohésion, ce qui est très important lorsqu'il s'agit d'une bonne composition Le dernier exemple est l'un de mes préférés car il s'agit de la fleur distillée dans sa forme la plus élémentaire Encore une fois, c'est une simplification, mais c'est une simplification de la forme, chose que je pense que les gens peuvent ignorer, surtout lorsqu'il s' agit de notre univers floral où il y a beaucoup de détails et nous voulons essayer de les capturer tous. Mais la simplification peut en fait aider l'ensemble à se sentir plus cohérent J'espère donc que cela vous donne une bonne idée de ce dont je parle, à propos de Unity ce qui est de nos références, j'ai tout un tas de photos sur lesquelles vous pourrez travailler. J'ai choisi cette gomme à fleurs, mais il existe en fait plusieurs espèces différentes de gomme à fleurs sur ces photos. Vous êtes donc plus que bienvenu pour choisir ce que vous voulez. J'en mets un tas parce que j'aime bien parcourir les rues, m'arrêter pour prendre des photos de tout cela tout le temps. Voici donc Silver Princess, il y a de très grosses cloches. Et c'est un centre commercial aux fruits en forme de cloche. Donc ça ressemble à un centre commercial, celui-là. Et ce sont toutes des gommes à fleurs, des petits tutus fleuris, que j'adore peindre Si nous parlons de proximité, simple fait de les assembler comme un groupe, comme c'est le cas sur ces photos donnera ce sentiment d'unité. Comme dans mon exemple, il s' agit en fait d'une de ces fleurs, la mele à fruits en cloche Mais le simple fait de les réunir à proximité et de les répéter peut les unifier complètement. Je vais en faire un petit groupe, donc je vais peut-être en faire une grosse boule. Difficile de dessiner vite, le vieux chewing-gum fleuri, mais vous allez comprendre l'essentiel Ensuite, je veux m' assurer d'avoir des feuilles ou quelque chose qui donne l' impression que cela fait partie du monde naturel. Il y a peut-être quelque chose ici. Mais en gros, en les rapprochant tous , ils se sentiront unis. Ensuite, nous avons le même. similitude est un peu différente de la proximité, car votre œil détectera les similitudes provenant de différents groupes au sein d'une même œuvre d'art J'ai peut-être un peu de gomme à fleurs ici. Alors j'en aurai peut-être un peu plus ici, un petit peu ici, et peut-être un peu plus ici. Et puis il est relié par quelques feuilles, mais votre œil va exploser, exploser. Parce qu'il va reprendre et unifier ce travail grâce à des éléments similaires partout Comme nous travaillons avec une seule fleur, ils utilisent également tous l'idée de la répétition. La prochaine est la répétition, que nous avons explorée ici, mais nous allons quand même donner un autre exemple, car nous pouvons alors entrer directement dans le tableau. Je vais en faire un peu plus stylisé, disons trois petits enfants ensemble au centre, quelque chose de complètement différent Les deux sur la droite traînent en fait sur le troisième. Ensuite, je vais mettre une feuille sur cette troisième feuille. Et puis peut-être un petit là-bas , juste pour garder l'équilibre. Alors ça aura vraiment l' air bien avec un masque autour, potentiellement. Enfin, le dernier point est la simplification. Nous pouvons facilement nous enliser dans une énorme quantité de détails car regardez à quel point ils peuvent être compliqués Peut-être que c'est simplement parce que nous allons un peu plus loin et plus audacieux et que nous faisons moins de détails Voyons voir si c'est le cas, n'est-ce pas ? Donc c'est un peu, nous jouons avec les proportions pour simplifier les choses. Nous pourrions donc y trouver moins de détails. Bien, je pense que je préfère la répétition pour explorer avec celui-ci, mais dans ce cadre, nous obtenons une proximité d' extrémité similaire en un Donc c'est comme un trois, c'est comme un tour du chapeau, en gros, trois en un. Nous allons le faire pour me préparer. Vous pouvez suivre cette partie parce que c'est en fait un peu compliqué, dans l'ordre des choses que je vais faire ici. Et je tiens vraiment à vous montrer cette technique car je suis tombée dessus moi-même et je l'ai trouvée très amusante Et si vous avez suivi des leçons de superposition et que c'est une extension, je vais juste aiguiser mon crayon ici C'est un peu similaire à l'exercice d'espace négatif où nous allons masquer une zone, mais nous le faisons dans un ordre différent. Donc, tout d'abord, je vais annoter mon article. J'ai donc un beau crayon, une marque bleue quelque part. J'en suis à quatre. Je vais donc vous donner les dimensions dans les téléchargements si vous travaillez également sur une lettre, afin que vous puissiez également obtenir un bon résultat. Je vais marquer 4,5 centimètres de chaque côté. Voilà, Mike, en train de semer le bordel. Et si on le faisait alors ? Je vais descendre 8,5 centimètres plus bas, règle de l'autre côté. Mais au toucher le plus léger possible avec votre crayon, nous ne voulons pas d' indentations sur la page Lumière, lumière, lumière. Ensuite, je vais le régler encore une fois, 12 centimètres plus bas. Réglez ça de l'autre côté. Ensuite, je vais passer aux 4.5 et 4.5. Je vais également vous en donner un schéma dans le livre, afin que vous n'ayez pas à essayer de suivre mot pour mot et à essayer de me suivre. Je vais juste mettre fin à ce carré. Finis celui-ci. Ici aussi. carré que j' ai centré au milieu sera ma zone masquée et je vais peindre dessus Mais ce que je vais faire, c'est faire jaillir des parties des fleurs et des feuilles de ce cadre Vous n'aurez pas cette limite parfaite, mais vous la verrez littéralement exploser hors de ce cadre. Ce que j'ai hâte de vous montrer comment faire. La première chose que je vais faire est émousser encore plus ce crayon Donc, même si le fait de taper une gomme sur le dessus vous en fera les frais. Parce que dès que vous peignez dessus, il sera extrêmement difficile de s'en débarrasser une fois qu'il est sous la peinture, vous ne pouvez pas vraiment l'effacer Débarrasse-toi d'un peu, maman. Donc, en gros, je suis le seul à pouvoir le voir , ou s' il passe sous la peinture, il deviendra invisible Maintenant, j'aime peindre ces fleurs en quelques couches. Nous allons donc passer à la première couche, mais nous ne l'avons pas encore collée parce que nous allons les mettre en place Très bien, je vais prendre du jaune pour le centre des fleurs. Comment est-ce que je vais m'y prendre ? Un ici, un ici et un ici. Alors je vais prendre du rose. Rose. Bien trop rose. Je veux être gentille et douce pour ce premier garçon. Lorsque nous travaillons avec de l'aquarelle, nous travaillons du clair au foncé, contrairement à ce que vous faites avec l'huile et l'acrylique. Je sais que cela prête vraiment à confusion A. Ensuite, je vais créer quelques formes de base pour nous permettre de mieux intégrer ces fleurs nous . C'est vraiment très difficile à ce stade, d'accord ? Ensuite, je vais faire quelques feuilles. Il faut aussi introduire les feuilles à ce stade. L'autre petite chose que je veux faire , c'est mettre du sel sur les feuilles. Je ne sais pas si vous avez déjà travaillé avec aquarelle et du sel, mais vous obtenez des résultats magiques qui donnent ces magnifiques petites marques organiques et froissées Je vais peindre certains d'entre eux à Pence. Mais je dois garder à l'esprit que je veux ces 22 magnifiques façades ne s'y reprennent pas trop. Il y a un peu de rose là-dedans. Et je vais tout de suite éclaircir ce point. Je vais en faire un peu plus ici. Et alors que tout cela est très humide , je voudrais juste ajouter un peu plus de couleur, un peu plus doré. Bien que ce soit tout, nous ne nous contentons pas de secouer le sel dessus. Secouez un peu dans votre main. Tout d'abord, moins c'est toujours plus. Juste un tout petit moment. Il suffit de le déposer dedans. S'il est trop humide, il se dissoudra simplement dans l'eau, mais avec le bon équilibre et peu de temps, vous pourrez vraiment sécher une robe parfaitement sèche. Et ce qui se passe avec le sel, c'est qu'il absorbe toute l'eau qui l'entoure et laisse ensuite le pigment derrière lui pour obtenir de magnifiques cristaux. Écoute, je vais maintenant prendre un peu plus de couleur. Nous allons faire une autre feuille ici. Je tiens donc compte de ces limites, n'est-ce pas ? Comme si j'avais ce carré ici et que je recherchais un équilibre presque symétrique. J'ignore ma règle des tiers, qui, je sais, est la principale chose que j'aime utiliser. Mais dans ce cas, je voulais vraiment utiliser le défaut du mât Et je pense que cela va très bien fonctionner avec un aspect symétrique au milieu de la page. Je vais jeter une feuille de plus, par ici. Et vous vous demandez probablement que diable faisons-nous ici ? Elle nous a fait découvrir un mystère magique fois, un peu plus de sel. J'ai travaillé très humide juste là-bas, donc ce n'est peut-être pas l'idéal pour mettre du sel pour l'instant. Il se peut que je doive en bloquer une partie. En fait, c'est juste devenu un peu trop lourd avec l'eau. C'est bon. Maintenant, salez encore une fois, si vous utilisiez du sel gemme ou du sel en flocons ou quelque chose comme ça, vous obtiendrez un résultat différent Cela vaut donc la peine d'explorer maintenant, cela ressemble à une vraie muselière, mais je vais la sécher puis appliquer mon ruban adhésif pour terminer le reste du Supportez-moi pendant que je donne un petit sèche-cheveux, puis je reviendrai vers vous dans un instant. Celui-ci est tout sec maintenant. Je suis prête à appliquer le ruban adhésif. Tout d'abord, je vais juste enlever ce sel Ne le faites pas à moins qu'il ne soit complètement sec. Tu vas le ricaner partout. Mais littéralement, une fois qu'il est sec, vous pouvez simplement le brosser légèrement avec votre doigt. Débarrasse-toi de ça. Et maintenant, je vais prendre ce ruban adhésif et aimer les leçons de superposition Il suffit de vous montrer rapidement comment l'activer. Je vais y aller, oups, je vais juste couvrir cette ligne au crayon d'une fraction de millimètre Placez-le doucement vers le bas , puis vous voulez polir ce bord afin de ne pas saigner accidentellement sous J'utilise juste le dos de mon pouce maintenant et je vais juste le polir Ensuite, je vais passer à l'autre côté, doucement par-dessus ce crayon. Nous y voilà. Et voilà, encore un peu. Oh, c'est juste timide. Qu'est-ce que je fais ? Les coins ont particulièrement besoin d'un peu de brunissage, car c'est l'endroit qu' ils auront le plus de chances de lécher Et la dernière question, vous aimerez probablement : que diable fait-elle ? Mais je vous promets que celui-ci est un résultat très cool que vous aurez envie de refaire. Très bien, je suis prêt à peindre maintenant. C'est mon petit canevas ici. Je vais compléter quelques couches supplémentaires sur ces fleurs. Je vais probablement commencer à utiliser cette petite doublure pour toutes ces étamines vraiment très fines Donc, si vous n'en avez pas, passez à un pinceau beaucoup plus petit. 2-4 sera idéal pour obtenir ces ridules vraiment fines. Vous pouvez le gérer avec un pinceau plus grand. C'est juste que le contrôle nécessaire est beaucoup plus important. Mais je vais commencer par celui-ci, puis c'est mon plus petit, il vient de disparaître. C'est le petit. Je vais commencer à ajouter un peu plus de détails. Je vais y ajouter ces petits gars et ensuite vous les verrez se réunir. Oups. Et je ne veux pas qu'ils pointent tous dans des directions folles, mais c'est probablement assez proche. C'est bon. À partir de là, je vais commencer à ajouter ces informations pour augmenter la densité de tous les États et de tout le reste. Je ne veux pas qu'il en soit ainsi. Si vous avez trop de détails, cela va paraître un peu étrange. Nous utilisons en fait un peu de simplification ici également. J' opte opte une couleur forte à ce stade. Il s'agit essentiellement d'un processus de construction à partir de là. Je n'essaie pas de tout faire en une seule manche parfaite à chaque fois parce que ça aurait l' air trop parfait. Elles apparaissent sous tous ces petits angles amusants et ont toutes un look unique, ont toutes un look unique, même s'il s'agit de la même fleur À un moment donné, j' ajouterai également tout le jaune avec un léger pic ici. Vous pouvez également voir que je déplace mon papier très rapidement tout le temps. Vraiment, juste prudemment avec le bord de mes doigts. Cela signifie que je ne me reporte pas pour essayer de trouver un angle Je peux simplement trouver le meilleur angle pour ma main au lieu de me compliquer la vie. Donc, je commence à penser qu' il va falloir un peu de temps pour chante ensemble, s'il te plaît. Je pense que la peinture dans l'ordre des choses est l'une des plus grandes difficultés de mes élèves Mais c'est tellement une question de toucher parce que vous pourriez d'abord peindre le jaune. Je le fais parfois même avec ces fleurs, d'autres fois je le fais, parfois j'ai juste envie de peindre les fleurs elles-mêmes. Ce n'est vraiment ni bien ni mal. Cela viendra plus naturellement lorsque vous vous familiariserez davantage avec vos éléments et vos principes et que vous saurez ce qui génère ou quels effets vous pouvez créer un peu plus d'affaires dans ce domaine. Oui, pendant que tout cela sèche, je vais aussi commencer à peindre en arrière-plan Je vais donc utiliser un mélange vraiment très riche de peintures, du gris et du turquoise pour créer un fond sombre très profond et contrasté. Et le terrain lui-même va également contribuer à créer l'unité. Unity travaille donc de différentes manières pour cet exercice en particulier. C'est bon. Assurez-vous donc que le ruban adhésif est bien collé et ferme. Ensuite, je vais contourner certaines de ces petites formes et m' assurer de laisser un peu d' espace négatif autour de celles-ci. Et je veux travailler dans le noir avec ma peinture. Vous ne voulez pas de résistance lorsque vous mélangez votre peinture, mais je veux essayer d'obtenir le mélange le plus riche possible pour obtenir une belle couleur foncée et forte. Et s'il ne fait pas assez sombre, vous pouvez toujours ajouter une deuxième couche au lieu de travailler sur un mélange de peinture plus épais. Tu ne veux pas que le H soit trop épais , d'accord ? Et un peu plus de richesse là-dedans. Et vous pouvez voir comment l'espace négatif fait également ressortir ces petits bords. J'adore cet effet qui se produit ici maintenant. Ah, je ne vais certainement pas trop insister sur ces pannes. Je veux juste m'amuser ici aussi. Pendant que cela a été fait et que le reste est en train de sécher, je vais y retourner et ajouter un peu plus de détails. Je pourrais même prendre mon pinceau légèrement plus petit. C'est ce rose opéra que j'ai mentionné dans la vidéo sur les matériaux. J'aime tellement ce rose, il est tellement éclatant. Tous ajoutent à nouveau des couches supplémentaires, là où ils sont trop touchés, ils peuvent devenir un peu plus encombrés Et au centre, cela va les aider à les faire apparaître un peu plus haut. Parfois, vous pouvez adopter une approche tellement macroscopique et vous concentrer sur tellement de détails que vous oubliez prendre du recul et de regarder l'ensemble. Je dois m'assurer de m'en sortir et de regarder ce sur quoi je travaille réellement. Parce que parfois, je pense que l'un de mes plus gros problèmes, c'est que je trop bornée et que je me concentre vraiment sur une petite chose, puis quand je prends du recul et que je regarde la situation dans son ensemble, je me dis : oh, j'ai investi toute mon énergie dans le mauvais domaine et j'ai mis accent ou l'unité au mauvais endroit, cela devient déséquilibré accord ? Encore un peu ici et là. Maintenant, ça se rapproche. Maintenant, je vais faire quelque chose que je ne recommande vraiment pas , c'est de retirer le ruban adhésif pendant qu'il est mouillé. Je vous suggère, lorsque vous aurez un peu plus de temps et que vous pourrez faire une pause et y revenir, faire quand il fera sec, mais juste pour nous permettre de continuer à bouger, je vais m'en occuper. Eh bien, attends. Je n'ai même pas touché le bord. Je l'ai bien couvert. Laissez-moi y entrer correctement. Nous y voilà. En faisant cela, quand il fait sec, il y a beaucoup moins de risques. Si cette peinture humide pénètre quelque part, cela va ruiner votre peinture. Maintenant, profitez de cet avantage magnifique et satisfaisant. J'adore cette technique se détache soigneusement, car la peinture humide peut être appliquée n'importe où, sur la table. La dernière étape que nous allons faire consiste simplement ajouter quelques petits détails supplémentaires en dehors de cette boîte. J'ai vraiment l'impression que ça explose. C'est bon. Vous pouvez voir où les bords sont coupés. Je veux juste y ajouter un peu plus d'informations. Et ça va vraiment le ramener à la maison. Quelques détails supplémentaires là-dedans, quelques détails supplémentaires là-dedans et ici, prenez un peu plus de jaune pour créer un peu plus de ces petits gars jaunes. Voilà. C'est vrai, j'aime tellement cet effet et je trouve que c'est une façon géniale d' explorer cette idée d'unité. Bien entendu, vous pouvez toujours revenir aux miniatures et explorer d'autres idées sur les moyens de créer de la simplicité et/ou de la proximité, de la similitude, de la répétition, toutes ces choses qui génèrent l' Mais il faut également tenir compte du fait que si vous commencez à travailler sur un ensemble d'œuvres, vous souhaitez également harmoniser et unifier certains aspects Le défi que je vous lance, le projet d'extension que je vous propose pour cette section du cours, est donc de commencer à penser en multiples et de déterminer comment vous pourriez éventuellement générer l'idée d'Unity à travers plusieurs œuvres. Pour vous assurer que chacun est unique, vous devez créer une petite miniature pour les replanter Et comme ça, tu pourrais avoir un beau trio. Ou ayez une série complète dans laquelle vous pourriez créer une fleur différente pour chacune d'entre elles. Cela dépend vraiment de vous, mais je pense que réfléchir une série est également un très bon moyen à une série est également un très bon moyen de les compléter C'est donc le défi que je vous lance. À partir de là, nous avons trouvé notre dernier principe artistique pour cette première partie du cours. C'est de la variété. C'est amusant. J'ai hâte de partager celui-ci avec vous. Et je vous verrai dans la prochaine vidéo. 9. Principe de l'art : variété: Après avoir exploré l'unité, nous passons maintenant à l'autre extrémité d' une échelle mobile et explorons la variété. Considérez-les comme des choses contradictoires. Et vous ne voulez pas travailler de manière totalement unifiée. Et vous ne voulez pas non plus travailler de manière entièrement vérifiée, car trop de variété risque de créer un travail inconfortable et imprévu, mais trop d'unité vous travail inconfortable et imprévu, mais donnera l' impression d'être monotone et sûre Nous allons donc essayer de trouver un point positif entre les deux. Il existe plusieurs façons de créer de la variété. Il s'agit essentiellement de tous les éléments qui ne sont pas similaires les uns aux Dans Unity, nous étudions toutes les similitudes et tous les éléments qui rapprochent les choses dans leur diversité. Nous examinons tout ce qui les rend différents. J'ai quelques exemples comme moi. La toute première est la variété positionnelle. Et je vais utiliser cet exemple sur le chevalet parce que même si ce sont toutes les mêmes fleurs, cela leur parce que même si ce sont toutes les mêmes fleurs, cela leur donne une impression d'unité je ne les ai pas simplement toutes estampées la même façon et toutes vues du haut vers le bas ou sous le même angle avoir, chacune un peu différente, lui donne une impression de variété. C'est juste un faible sentiment de variété dans toutes les petites pièces, sous différents angles, qui donnera l' impression qu' il y a beaucoup de variété. Ensuite, je vais revenir sur celui-ci, vous ai montré dans l'unité. Je vais également parler de celui-ci sous forme de variété. Parce que même si elle semble unifiée, cette œuvre présente une énorme variété. Il y a beaucoup de contraste. Il existe différentes formes, des formes plus grandes, des formes plus petites, des formes fines, des lignes, des formes audacieuses, des formes épaisses et toute une gamme de couleurs Il y a donc une énorme variété dans cette pièce, en plus de lui donner un sentiment d' unité grâce à la façon dont elles sont placées ensemble. Ils travaillent donc en quelque sorte main dans la main. Et vous devez trouver ce point de tension pour vous assurer d'avoir un peu des deux dans votre travail. Ensuite, nous avons des différences de variété. Et cet exemple ici, en gros, est similaire à l' autre précédent où aucune des fleurs n'est identique ici, elles sont toutes un peu différentes les angles et il y a un certain nombre d'espèces différentes dans le vase, ce qui va rendre l'apparence beaucoup plus variée que s' il s' tous les angles et il y a un certain nombre d'espèces différentes dans le vase, ce qui va rendre l'apparence beaucoup plus variée que s' il s'agissait d'une seule espèce dans le vase. Créer beaucoup de variété avec votre sujet peut être une façon vraiment intéressante de le faire. Et cela peut aussi être dû à l'utilisation de marques irrégulières. Vous pourriez donc avoir de grosses taches ainsi que de fines petites marques C'est une autre façon de créer de la variété. Il n'est pas nécessaire qu'ils aient toujours la même forme. Maintenant, Lina est une œuvre que j'ai faite qui est vraiment très importante. Vous n'êtes peut-être pas assise dans le coin de la photo là-haut, mais c'est derrière moi sur un grand mur, donc je ne peux pas vous le montrer en personne. C'est une pièce que j'aime explorer avec variété grâce au contraste. Donc, le contraste, c'est que vous pensez à tous vos éléments. Ligne, forme, forme, valeur de couleur, texture, espace. Tous ces éléments ont un moyen de générer du contraste, et nous aborderons le contraste plus en profondeur dans la deuxième partie. C'est en fait le premier principe que nous explorons. Mais lorsque nous parlons de variété, si vous avez des contrastes extrêmes, aurez l'impression qu' il y a beaucoup de variété Et si notre contraste n'est pas très large, cela créera beaucoup moins de sensation de variété. Probablement plutôt sur une scène unifiée, potentiellement monotone Donc, dans Lina, nous avons grosses taches très sombres ainsi que de grandes formes lumineuses Et il existe une grande variété de marques qui créent une sensation de contraste vraiment intéressante entre la forme, la couleur et la valeur. C'est pourquoi j'ai toujours voulu te le montrer. Et puis, anomalie, nous avons un peu insisté Et je vais revenir sur cette même œuvre, mais par exemple lorsque vous utilisez, dans ce cas, une seule anomalie qui va mettre l'accent sur cette œuvre, mais qui crée également une variété au sein de l'œuvre Cela signifie que, eh bien, nous ne pensions pas simplement, oh, je pourrais juste y mettre une autre fleur. Nous commençons à réfléchir un peu plus au message que nous transmettons. Donc, en y insérant une anomalie, vous pouvez réellement changer l'histoire et intégrer une idée différente à l'œuvre Maintenant, le dernier est conceptuel, et je suis presque gêné de vous montrer celui-ci car j'ai dû le créer pour que des démons puissent montrer cet exemple. Mais le conceptuel n'est tout simplement pas quelque chose avec lequel je travaille vraiment, particulièrement. C'est lorsque vous réunissez une grande variété de choses différentes qui ont toutes des significations différentes elles se rejoignent et créent leur propre histoire. Donc, si je devais vous présenter ceci ici et là, il y a un lys tigre un smiley, un verre un papillon et toutes ces choses C'est au spectateur de mettre au point l'histoire. La variété fait partie du message. Ce n'est pas quelque chose vers lequel je penche. J'imagine un peu comme votre Salvador Dali avec ses horloges qui fondent et toutes les choses inhabituelles qui se produisent dans votre C'est ce que je considère comme un cépage fort. Idée conceptuelle. Ce n'est pas du tout quelque chose que je cherche vraiment à atteindre moi-même. Mais quoi qu'il en soit, je l'ai fait. Nous y sommes. Tout va bien. Pour ce projet, je vous ai fourni trois lots de photos de référence. Pour celui-ci, je veux que vous commenciez à penser à vous procurer vos propres photos de référence. Je vous suggère, et je vais m'en servir pour moi-même dans l'exercice, sur Google des variétés marguerites ou d'espèces de marguerites Si vous recherchez des images sur Google et que vous recherchez des images, trouvez une sélection d'images qui vous intéressent. Et nous voulons travailler avec une énorme variété de marguerites Et c'est ce que je veux vraiment que tu fasses. Je ne vous fournis pas les images de cette façon. Vous pouvez créer votre propre peinture à partir des images que vous avez créées. J'ai spécifiquement choisi les marguerites parce qu'elles ont une énorme variété de variétés Mais ils appartiennent tous à la même espèce. Nous avons donc cette tension d'unité et de variété. Nous voulons donc réunir ces deux idées, puis, euh, nous allons les reconstituer, c'est un peu différent. Cette pièce, nous allons la détacher , la couvrir entièrement et elle va peindre autant de marguerites différentes que possible La première chose que nous allons faire , juste pour nous sauver, je vais en fait passer à une forme carrée pour la dernière pièce. Parce que je pense que ce serait un défi différent. Parce que si nous travaillons toujours sur les quatre, dans les deux cas, nous pouvons rester enfermés et ne pas penser en dehors du carré, mais cette fois, nous pensons vraiment au carré parce que je vous donne un carré Ça, il suffit d' étirer à nouveau un peu ce muscle. Vous pouvez donc tomber dans le piège de toujours travailler sur le même format de papier. Et vous vous familiarisez parfaitement avec vos formules lorsqu'il s'agit de vos recettes de composition Dans votre esprit, vous avez toujours ceux que vous préférez. Ce n'est donc qu'un défi pour vous : changer la forme de votre papier. Et vous allez devoir modifier un peu vos formats. Maintenant, je vais peindre une série de marguerites, et elles seront mes éléments de base pour générer quelque chose à ce sujet Mais aussi, une fois que j' ai trouvé mes éléments de base, je dois réfléchir à la composition. Je vais donc devoir créer des miniatures à partir de mes éléments de base , puis travailler à la pièce finale Je fais donc les choses un peu à l'envers. Nous faisons d' abord le travail d'entraînement , puis nous créons nos miniatures Je vais donc juste commencer. Je vais d' abord faire ma préférée, la marguerite en papier. Je peux faire Paper Daisy de deux manières différentes en fait, donc je pourrais le faire aussi J'ai toujours un beignet au milieu, ce que j'aime bien, d'accord Faites de jolies marguerites en papier rose vif, ces jolies petites marques faciles à faire apparaître sur les pétales Ensuite, pour générer ce petit formulaire, je vais simplement en ajouter d' autres en dessous. J'ai un sérieux marécage ici à cause de mon hortensia. Mes hortensias étaient très enthousiastes à l'idée de mélanger tout ce blues Il y a une marguerite en papier , puis je vais passer à une version plus fermée Bien sûr, elles sont également disponibles dans toutes sortes de couleurs, il pourrait donc en faire une avec toutes les couleurs de différentes marguerites en papier Mais je vais opter pour le kit complet et le caboodle, et celui-ci est bien fermé Ensuite, je vais faire une petite marguerite à feuilles coupées, une autre petite marguerite originaire d' Australie, qui est une très, très belle marguerite à feuilles Je pourrais même opter pour mon mini-pinceau pour celui-ci, il n'y a plus de place à cause de mon marécage dans un coin habitude, je ne laisse pas les choses devenir aussi marécageuses, mais je pense que c'est parce que je peins dos à dos . C'est bon. Ils ont donc de très très belles petites feuilles et alors je pourrais si vous aimez votre sorte de grande marguerite classique Quel blanc est toujours très difficile à peindre si vous avez un fond en papier blanc. Je vais donc générer ce type de formulaire avec un peu de vert clair pour lui donner l'impression qu'il faudrait peut-être un peu plus de subvention pour cela. À quoi d'autre puis-je penser ? Je n'ai pas Google devant moi, donc je dois m'en faire une idée, mec. Parfois, il peut être agréable de dessiner le pigment par le centre Très bien, et puis dites comme une grosse marguerite de style africain, qui ressemble à de grandes marguerites violettes et colorées. Ils sont disponibles dans toutes sortes de couleurs, y constituent une bonne couleur. Ensuite, je pense que je vais mettre un peu plus d'orange au centre. Et je veux m'assurer d'avoir trouvé beaucoup de points d'équilibre , comme en repensant à l'exercice d'équilibre. Et nous avons de grandes formes, des petites formes, des formes fines, des formes épaisses, et nous voulons nous assurer que nos formes sont très variées. Je suis en train de me retrouver en lambeaux. Il y a une jolie petite marguerite africaine. Maintenant, que pouvons-nous faire d'autre ? Ou nous pouvons faire de petites marguerites miniatures en papier. J'essaie vraiment de trouver des formulaires plus petits également, afin que nous ne soyons pas trop bloqués. Juste pour toutes les grandes formes, j'ai besoin d'un peu plus de bruit. Bien trop. Bien trop. Je pourrais les réparer, accord, pour qu'ils se sentent un peu différents. Comme une petite marguerite alpine en papier. J'adore ceux-là. Et ils pourraient même avoir de petites tiges si nous le voulions. Alors on peut faire comme un truc avec du calendula. Je pourrais faire un centre orangé pour celui-ci, toutes ces formes différentes, et elles pourraient être jaunes Allons-y avec le jaune. Il y a beaucoup de jaune dans ma palette. Vous pouvez donc voir, même en explorant une espèce, la variété que vous pouvez générer. vaut vraiment la peine d' y réfléchir, Cela vaut vraiment la peine d' y réfléchir, surtout si vous aimez les œuvres thématiques ou sortez avec une série, cela vaut la peine d'être exploré. J'en fais un petit peu aussi. Que me manque-t-il d'autre ? Je pourrais juste faire un peu d' éternité. Ils sont peut-être sympas aussi. Maintenant, à tout moment, vous pouvez également faire une pause et aller chercher vos propres photos et trouver, vous pourriez être du genre « il me manque beaucoup de vert ici » ou « je préfère vraiment le bleu ». Trouvez ces images et tenez-en compte à ce stade, car ce seront nos petits ingrédients pour le plus gros morceau. C'est avec cela que nous allons travailler. Vous devez également vous assurer de travailler avec des objets que vous aimez peindre. Je vais juste en ajouter quelques-unes, j'adore ces petites formes éternelles, vraiment très belles cette fois Ensuite, je vais les attraper comme un beau vert, et il se peut qu'ils soient aussi sur des tiges. Tout cela va être assemblé sous forme de petites bouchées. Et nous allons ensuite terminer un travail avec elles toutes encombrées et créer un énorme sentiment de variété Je vais le faire ici , puis je vais juste prendre mon morceau de papier pour imprimante pour pouvoir créer quelques vignettes Et j'ai cette forme ici. Lorsque je crée mes vignettes, je veux m'assurer qu'elles ont une forme plus carrée, et j'inscris ces et j' Ensuite, pour ce qui est de mes plus grandes formes, je veux m'assurer qu'elles deviennent le point central et je les place sur les tiers clés. Je pourrais donc mettre comme une marguerite africaine ici, puis je pourrais faire quelques grandes marguerites en papier éternelles Mais ensuite, parce que nous recherchons ce sens de la variété, je ne veux pas trop les répéter. Je veux donc m' assurer de combler tous les vides entre les deux avec ces autres petites pièces. Et puis quand tu arrives à tout rassembler, tu te dis : « Oh, ça fait du bien ». Ou vous pourriez dire : « Oh, c'est vraiment déséquilibré ». Comme si je n'avais pas assez de grandes formes là-dedans. Je n'ai pas assez de petites formes là-dedans. C'est à cela que sert la brillance des vignettes. Parce que si vous arrivez à la moitié votre travail sur votre beau papier coton, vous perdez votre temps et votre énergie car vous n' allez pas le terminer et vous n'allez pas être satisfait du résultat. C'est ce qu' on appelle la satisfaction différée lorsque nous faisons d'abord le travail, élaborons notre planification, rassemblons le tout, puis utilisons notre papier coton en toute confiance afin de ne jamais le gaspiller. Faisons un peu d' éternel là-haut. Peut-être un peu plus là-bas, puis un peu de calendula. Alors, que dois-je mettre ici ? Peut-être une grande marguerite, peut-être une marguerite en papier fermée, et une autre là, et une autre feuilles coupées et d'autres encore éternelles, quelque chose comme Cela a du sens pour moi. Quels sont mes petits gribouillis ? Je suis en quelque sorte en train de les regarder et je me dis, d'accord, n' oubliez pas d'inclure toutes ces petites marques qui se réuniront dans un trou. Qu'allons-nous faire d'autre là-bas ? Je pense que je pourrais juste remplir cet espace avec ça. J'ai donc quelques acteurs clés ici et un autre ici. Peut-être que l'une de ces réponses n' est pas la bonne, mais je vais essayer de la faire fonctionner. Voyez comment nous allons. C'est bon. Je veux dire, je pourrais continuer à les produire aussi. Parce que, tout comme nos découpes, et considérez-les comme nos découpes, dans le premier exercice, vous pouvez utiliser ces petits ingrédients pour les fabriquer Les combinaisons sont donc illimitées et c'est la moitié du problème avec la composition, c'est comme si je ne savais pas par où placer les choses et par où commencer Commencez par vos gros objets, placez-les sur les tiers clés et complétez le reste. Et vous vous sentirez beaucoup plus confortable et vous ne vous sentirez pas aussi perdu au fur et à mesure que vous l'assemblez. OK, donc je vais me lancer dans la peinture, je crois. Ouais. C'est bon. Je vais les laisser ici pour moi. Comme référence, j'ai trouvé beaucoup de rose et de rouge. Je veux donc m'assurer d'avoir un peu de vert dedans pour équilibrer. Je veux m'assurer qu'il y a beaucoup de jolis tons sombres, ainsi que de jolis tons clairs. Et cela va également lui donner une impression de variété. OK, donc, je vais d'abord y placer mes marguerites en papier Je vais prendre du jaune. Maintenant que c'était le troisième, je veux m'assurer de les placer correctement sur le troisième pendant que je peins. Et puis prenez cette jolie opération verte, oh, j'ai vraiment dépassé mon rose maintenant Celui-ci est allé droit au bord, et je voudrais laisser une petite bordure blanche parce que cela aidera également à l'harmoniser Si j'allais droit au but, cela ressemblerait plus à un motif qu'à une œuvre terminée. Le motif est quelque chose que nous explorerons dans le suivant, dans la deuxième partie, avec une petite marguerite en papier très souple et simplifiée Alors je pourrais en faire un autre ici. On trouve aussi ce jaune doré ici. Quoi de mieux, un vert droit. Et reprenez les mêmes petits doigts. Peut-être une petite touche de rouge là-dedans. Il y a des tons plus foncés à l'arrière. Encore une fois, allons-y, allons-y, adoptons des tons vraiment clairs OK. Et puis qu'est-ce que je voulais dire en posant le bas dans ce coin ? Je pense que c'était éternel. Je vais donc faire cette petite boule dorée et ils font partie de la famille des marguerites. Ils sont natifs d'Australie. OK. Si vous peignez toujours dans la partie la plus humide du tableau J'aime la façon dont le saignement se produit avec l'aquarelle et qui possède une qualité d'aquarelle unique. Mais lorsque vous laissez la peinture se décolorer, elle a également un effet unificateur. OK. Il faut un peu plus de bleu là-dedans. C'est bon. Voilà nos petites marguerites en papier. Ensuite, nous allons prendre le Lendl. Je pense que je vais en mettre un petit ajustement au hasard. C'est comme créer un petit casse-tête. J'ai besoin d'en mettre un de plus là-dedans. Allons-y. C'est bon. Maintenant, au fil du temps, je vois souvent les gens commettre une grave erreur : ils vont commencer ici et faire le bon choix. Je dois commencer par mon prochain grand projet ici. Mais relier les deux est vraiment difficile. Vous voulez donc être capable de construire à partir de votre point de départ initial, puis de tout intégrer. Comme je viens de le dire à propos laisser la peinture se mélanger lorsqu'elle est mouillée, travaillez toujours dans les zones les plus humides de la Cela va donc vous aider à vous préparer jusqu'à présent. Donc je ne le suis pas autant que je le voudrais, je ne vais pas me précipiter pour peindre mon prochain plus gros objet. Je vais m'y frayer un chemin sachant qu'il se trouvera assez harmonieusement en haut à droite Troisièmement, je dois m' assurer y arriver et le système s' intégrera beaucoup mieux si je voulais juste m'y prendre en espérant que ce sera le mieux possible pour combler les lacunes. C'est à ce moment-là que nous avons tendance à trébucher et que nous avons un gros trou visuel quelque part où nous tombons et où cela absorbe beaucoup d' énergie dans le travail Donc, juste une chose à garder à l'esprit : que faisons-nous ici ? Nous allons faire quelques-unes de ces petites marguerites alpines éternelles, les mini-marguerites en papier ici. Peut-être que vous aimez, même lorsque vous travaillez sur une telle échelle, votre œil perçoit toujours des probabilités et des paires. Si j'en ai quatre, je devrais vraiment en faire cinq peut-être. Où est-ce que je vais te mettre ? Par ici. Votre œil le fait naturellement et c'est vraiment difficile à éviter. Certaines personnes aiment travailler à égalité, mais c'est parfois difficile à digérer pour nos yeux parce que nous nous perdons à essayer de déterminer où commence le schéma, où s'arrête un schéma, et nous comptons naturellement tout le D'accord, j'ai besoin de mon petit peu de gris qui ne soit pas trop bleu. Et faisons encore quelques échantillons. Pas tout à fait correct. Un petit coup dedans, mais pas trop. Je sais que certaines personnes vont avoir une crise cardiaque à cause de cette palette en ce moment. Je fais une petite crise cardiaque à cause de cet étang, mais j'adore utiliser toutes ces couleurs entre les deux, qui apparaissent naturellement lorsque les choses se mélangent Ou si vous avez besoin de gagner de la place, vous avez souvent un heureux hasard pour trouver ce que vous êtes après tout. Très bien, en ajoutant un peu plus ces petits détails . Ils ont l'air mignons. Maintenant, la prochaine étape de mon plan était un autre petit couple de calendula, je crois. Je vais donc les peindre ici. Ensuite, nous consommons une partie de ce jaune, cette énorme quantité de jaune que j'ai sur le sujet. Vous pouvez commencer à voir comment variété et l'unité vont vraiment de pair. Que voulons-nous pour l' instant nous allons couper des feuilles, plus jaunes. Le jaune sera l'un des éléments unificateurs de tout cela Et puis toutes les différentes sortes de fleurs deviendront la variété. Elles seront toutes coupées, des fleurs à feuilles, des marguerites à feuilles coupées OK, maquille mon violet. Ou je ne veux probablement tout soit exactement le même violet, mais je vais commencer par là et ceux-ci ressemblent à de très fins petits pétales. Continuez simplement à souligner que violet est opposé au jaune Cela va donc naturellement lui donner une impression de variété, car cela lui donne beaucoup d'énergie. La variété donne de l'énergie, l'humidité apporte le calme. C'est bon. Lavez-le et optez pour une version un peu plus légère. Ça pourrait faire un peu de comblement. Est-ce que tu en as besoin d' une plus foncée maintenant ? Comblez certaines de ces petites lacunes, c'est parfait. Voilà mes marguerites à feuilles coupées. en revenir à mon plan, je pense que je peux presque me connecter à ma grande marguerite africaine maintenant, ce qui est passionnant car cela signifie que nous sommes sur le point de tout obtenir, de tout réunir Maintenant, je vais choisir ce type, donc je vais passer à cette couleur. Je pense que je vais y aller un peu plus fort que ce que j' avais initialement prévu. Et il va partir directement sur ce troisième-là. Et ensuite, consommons un peu de cette soupe. Il va être une force dominante dans ce petit tableau. Il doit y avoir trop de lumière là-dedans. Je pourrais juste ajouter un peu de détails sombres à l'un d' entre eux, juste pour le fun. Passons maintenant à l'incorporation d'un peu plus de cet éternel pour le synchroniser là-haut et le maintenir en équilibre, ce qui, à mon avis, est complet. Donc, remplissons-en avec tous ces gars. Bien, revenons-en à... quelle couleur avais-je à propos de cette couleur ? L'un d'eux l'a avalé presque entier. Parfait. Toutes ces techniques de peinture sont accompagnées d'effets sonores, juste pour info. C'est bon. Maintenant, je vais intégrer, je pense que je n'avais pas désigné couleur dans mon esprit pour les deux couleurs en haut. Je vais donc opter pour un vert assez neutre, presque comme s'il devait représenter le blanc J'ai juste besoin de trouver la bonne couleur sur mon pinceau ici. Est-ce que ça va être à peu près correct ? C'est presque juste. D'accord, il ne fait pas assez sombre. Les couleurs que vous devez utiliser pour créer l'impression d'une fleur blanche sont incroyables . C'est plus difficile que vous ne l'imaginez. C'en était trop. Épongez ça. Je dois en ajouter d' autres en blanc. Mais je pourrais le mettre ici, je n'avais pas l' intention de le faire intentionnellement, mais je pense que ça marchera mieux de cette façon. Et puis qu'est-ce que j'avais en tête ici ? Je crois que j'avais encore quelques mecs oranges, alors je les ai fait entrer. Peignez-les. Je suis étiré ici. Oh, jaune. Oui, c'est ce que je veux. OK. Je pourrais juste faire un peu plus de ces suçons de ces petites fillers parce que je les trouvais beaux. Je dois m'assurer de continuer comme ça quelque part. Parce que si vous n'en avez qu'une partie, j'ai l'impression que cela peut parfois être un peu distrayant visuellement Je vais remplir cette petite zone avec quelques autres de ces petites matrices à feuilles coupées. Et mets-en un dedans, d'accord ? Et c'est un bon moyen de susciter un peu d'intérêt. Quelque chose de complètement différent, accord ? Mettez-en un dans plus d'entre eux. C'est comme insinuer qu' il y en a d'autres derrière. Je suppose que maintenant je vais en mettre deux autres là-haut et le reste sera éternel. Et ils en ont fait dix. Je suis constamment en train de résoudre des problèmes en cours de route. Je me demande si cela équilibre ce qui se passe ici ? Y a-t-il assez de couleurs fortes ? Y a-t-il suffisamment de couleur de lumière ? Ai-je représenté tous mes formulaires ? Y en a-t-il assez ? Et cela va créer ce sentiment de variété dans l'œuvre. Qu'est-ce que j'ai dit ? J' allais, oh, tu sais quoi ? Je pourrais le retourner, le mettre ici et les mettre là. Ensuite, je vais m'occuper de beaucoup de petits gars ici et m'occuper un peu plus de l'éternel. Ah, je dois aussi équilibrer ce petit trou Dernières touches avant de les mettre. C'est bon. Il fait un peu plus sombre que là-haut. Oups. Dans la dernière ligne droite, je vais juste y mettre quelques feuilles. Tout comme j'aime toujours m'en sortir un instant et avoir un regard neuf. Qu'est-ce qui manque ? Qu'est-ce que je fais ? Est-ce que cela semble équilibré ? J'ai besoin d'un peu plus de feuilles ici, peut-être là-bas. Juste une analyse rapide de la façon dont tout cela fonctionne. Comment s'assemblent-ils ? Comment nous sentons-nous ? Je pense que ça a l' air plutôt bien maintenant. Quelques petites touches, et tout est réuni. Maintenant, pour un projet d'extension, j'aimerais que vous essayiez cet exercice avec une fleur de votre choix. Vous feriez mieux de choisir une espèce avec un peu d'aire de répartition. Je recommanderais certainement également quelque chose avec quelques tailles différentes dans les formulaires. Mais en sélectionnant votre propre fleur et en jouant avec elle, vous serez propriétaire l' ensemble du résultat. Et je pense que c'est là que vous commencez à décoller tout seul, d'accord ? Il s'agit de nos cinq premiers des dix principes de l'art, et maintenant du projet final. 10. Le projet final: OK, voilà. Ce sont nos cinq principes artistiques que nous allons aborder dans la partie consacrée création de peinture composée. défi que je vous lance pour le projet final est revenir en arrière et jeter un coup d'œil au travail que vous avez créé jusqu'à présent, aux projets eux-mêmes et aux travaux d'extension. Et réfléchissez à ce que vous pourriez modifier ou retravailler. Et le défi que je vous lance est de retravailler les pièces. Deux, il y en a deux que je veux que tu fasses. Celui que tu as le plus aimé et celui avec qui tu as eu le plus de mal. Cela ne fera que renforcer tout ce que nous avons abordé aujourd'hui, car vous avez peut-être remarqué comment nous avons construit. Nous avons commencé avec l'équilibre , puis nous sommes passés aux proportions. Cela reposait sur l'équilibre. Et ils commencent tous à interagir et il y a des points communs entre eux. Maintenant, sachant ce que vous savez, je veux que vous utilisiez toutes ces connaissances et que vous amélioriez ce sur quoi vous avez travaillé jusqu'à présent. J'ai hâte de voir ce que tu trouveras. 11. Le résumé: Merci de m'avoir rejoint pour Composed Paint, Create, partie 1, et j'espère vraiment vous voir dans la deuxième partie où nous aborderons un tout autre éventail de sujets. Cela va juste tout mettre en place et vous allez devenir des experts en composition. J'espère que vous considérez ce cours comme un trésor dans lequel vous ne cesserez de puiser, car il y a tellement de choses à apprendre et à assimiler en matière Vous pouvez faire une pause, revoir ou revisiter quand vous le souhaitez Et à chaque fois, vous découvrirez quelque chose de nouveau qui ne fera que contribuer à creuser le trou. Si vous avez acheté le cours via Teachable ou mon site Web, votre inscription inclut mon livre complet Il s'agit de votre guide d'accompagnement une incroyable petite ressource contenant toutes vos notes de cours. Tout est regroupé au même endroit et vous pouvez vous y référer au fur et à mesure que vous progressez dans le cours. Il contient les projets d'extension en détail, ainsi que toute une série de conseils et astuces dont vous pourriez avoir besoin. Tout vient d'ici. Gardez un œil sur la deuxième partie. Dans la deuxième partie, nous allons aborder le contraste, le mouvement, le rythme, le motif et la répétition. Les cinq autres principes que nous n'avons pas abordés aujourd'hui. En plus de savoir comment analyser votre travail et toutes les infractions importantes aux règles car c'est ce que vous aimez le plus à enseigner. C'est une partie vraiment cruciale de la composition. J'ai hâte de vous voir dans la deuxième partie. Vous m'avez peut-être entendu mentionner tout au long ce cours certains de mes autres cours disponibles. Welcome to Watercolor traite principes fondamentaux de l'aquarelle Et nous visitons toutes les compétences liées à la magie du mélange des couleurs. Nous apprenons à ajouter du piquant à nos œuvres à l'aquarelle. Ce sont mes matières préférées. Et nous étudions la théorie des couleurs, puis nous apprenons à l'appliquer dans son contexte. Et puis des leçons de superposition. Nous cherchons à créer un intérêt profond pour les détails dans nos œuvres à l'aquarelle Chacun d'entre eux comprend désormais également un livre. Si ce n'est pas déjà fait, téléchargez-les. Ce sont également des ressources fantastiques. Vos commentaires sont importants, alors s'il vous plaît, honnêtement, ils m'aident à façonner tout le contenu futur. Et je le prends vraiment à bord. Et je veux créer les meilleures choses possibles pour vous et nous voulons partager cette expérience ensemble. Et j'ai également une belle communauté Facebook, un groupe privé auquel vous êtes invités à vous joindre. Maintenant tu es l'une de mes élèves. C'est un endroit très encourageant et je vous propose des défis créatifs mensuels pour vous permettre de continuer à travailler. Vous pouvez également me trouver sur les réseaux sociaux. Je suis sur Instagram, Pinterest et Facebook où vous pourrez voir toutes mes dernières mises à jour. Merci de m'avoir rejoint pour Composed Paint, Create Part One. J'espère vous voir dans la deuxième partie.