Comprendre, peindre, créer la partie 2 : mettons-nous en pratique peignant des plantes à l'aquarelle

1. Introduction: Je voulais commencer aujourd'hui en rendant hommage au peuple Watawarong, gardien traditionnel des terres sur lesquelles nous nous réunissons aujourd'hui, et en rendant hommage aux anciens J'exprime ce respect aux aborigènes et insulaires du détroit de Torres peuples aborigènes et insulaires du détroit de Torres qui se joignent à nous Bonjour et bienvenue sur Compose Paint. Créez la deuxième partie, où nous allons peindre notre façon de comprendre la composition. m'appelle Natalie Martin et je suis une aquarelliste professionnelle originaire de la côte de surf en Australie Et aujourd'hui, nous allons explorer toute une série de points essentiels qui vont essentiellement formaliser notre compréhension de la composition Vous m'avez peut-être rejoint pour la première partie. Si vous ne l'avez pas encore fait, je vous recommande vivement de commencer par là. Parce que dans la deuxième partie, je vais y faire référence un peu, bien qu'il s'agisse d'un cours autonome Dans la deuxième partie, nous allons examiner les cinq autres principes de l'art, à savoir le contraste , le rythme, répétition de motifs et le mouvement, l'amour, le mouvement, les mouvements. C'est vraiment un bon endroit à explorer. Tous ces principes diffèrent légèrement des cinq premiers que nous avons explorés, car je vais parler plus précisément de la façon dont ils génèrent une ambiance ou une émotion dans l'œuvre. Dans la première partie, nous avons examiné de plus près comment placer les éléments et où trouver des formules efficaces pour nos compositions. À partir de là, nous allons voir comment analyser votre composition, qui, je le sais, peut sembler un peu ennuyeuse. Mais je vous promets que ce sera probablement votre module préféré de tout le cours, car il réunit tout. Et cela n' affectera pas seulement la façon dont vous voyez votre propre travail, mais aussi la façon dont vous voyez les œuvres d'art partout. Et puis l'infâme. Et comment apprendre comment et quand enfreindre les règles est également génial . donc souvent d'enfreindre les règles On parle donc souvent d'enfreindre les règles, mais nous ne savons peut-être pas par où commencer ou pourquoi c'est amusant de jouer avec. Si vous avez acheté le cours via Teachable ou mon site Web, votre inscription inclut le guide d'accompagnement Mon livre. Le livre est Your Ride or Die. En plus de ce cours, vous y trouverez toutes vos notes de cours, liens vers des produits spécifiques, des conseils, astuces et astuces supplémentaires , ainsi que des projets d'extension pour chaque module. Chaque module est entouré d'un projet. Je pense qu'il est très important que vous soyez capable de mettre les choses en dès que vous entendez la théorie. Je pense que cela aide à tout cimenter si bien. Et aujourd'hui, nous allons utiliser les fleurs comme fil conducteur. Encore une fois, je pense que le fait d' avoir un sujet à aborder nous aidera à nous concentrer sur certaines choses. Et j'ai plein de fleurs différentes et amusantes avec lesquelles nous pouvons peindre aujourd'hui. J'ai donc hâte de commencer. Prends tes pinceaux. Allons-y. 2. Parlons matériel: Avant de nous lancer dans nos principes artistiques, je voudrais passer en revue quelques-uns des matériaux que nous utilisons aujourd'hui. Et vous n'avez certainement pas besoin de me donner une excuse pour parler de matériel artistique. C'est devenu une blague récurrente, mais j'adore parler de matériel artistique. Nous avons abordé la plupart de ce que nous allons utiliser dans la première partie Donc, si vous avez visité la première partie, c'est pareil avec quelques ajouts supplémentaires. Nous avons donc nos peintures qui sont traitées de manière assez approfondie dans la première partie. Vous êtes plus que bienvenu pour utiliser n'importe quel ensemble de peinture dont vous disposez. Vraiment, je les recommande vivement. Vous êtes-vous joint à moi pour les cours précédents et ils peuvent parfaitement être utilisés dans ce cours. Tu auras besoin de ton pot d'eau. Une poignée de crayons de couleur vous sera utile. Je vais les utiliser dans l'un des exercices, tout comme dans l'une des démonstrations. Mais une petite poignée d'entre eux, si vous n'en avez pas, vous pouvez aussi simplement utiliser de la peinture. Mais les crayons ne font que le bousculer un peu. Pour nous, j'ai une poignée de pinceaux. En ce qui concerne les pinceaux, j'ai la chance de posséder la gamme complète de pinceaux Polina Bright Maintenant, je vais vous présenter un faux pinceau pour la première fois J'ai une taille deux et une taille trois, je vais en grande partie utiliser une taille deux. Je disais aujourd'hui que si vous en avez un, ce n'est pas grave si vous n'en avez pas. C'est également une bonne chose, car si nous utilisons nos cartouches synthétiques pour faire le même travail, c'est le cas. D'accord. La principale différence entre les deux, que je vais sortir mes deux tailles 2, pour qu'elles soient toutes les deux de taille 2. C'est vrai ici. Et vous pouvez voir qu'il y a une nette différence dans la forme des pinceaux. Celui-ci ici a une très fine pointe, il est vraiment bon pour obtenir une ligne variée, et il obtient également une très belle pointe fine Et les poils eux-mêmes sont très élastiques, ils ont donc une très Pendant que vous peignez, si vous n'avez jamais peint avec un pinceau à balai auparavant, leurs poils sont beaucoup plus doux, ils retiennent beaucoup plus d'eau, mais vous pouvez déplacer les objets très facilement sur C'est une sensation tout à fait différente lorsque vous peignez. Ce n'est pas un ingrédient essentiel, mais je vous le recommande vivement, si vous souhaitez agrandir votre trousse d'une manière ou d'une autre, lorsque vous augmentez la taille de la brosse à balai, simplement plus d'eau, plus de surface C'est donc un outil très pratique à avoir. Qu'est-ce que j'ai d'autre ici ? Je vais certainement vous encourager à travailler sur du papier coton pour ce cours. Encore une fois, le coton est une belle chose sur laquelle peindre. Et il existe une différence significative entre la cellulose que l' on trouve couramment dans le papier pour aquarelle C'est souvent moins cher. Eh bien, certainement moins cher. Le coton est en quelque sorte la Ferrari des papiers et de la cellulose qui vous font avancer. Mais ce que je ne vous ai pas montré dans la première partie, c'est comment je démonte mon journal. J'ai donc pensé que je pourrais également en faire une démonstration rapide aujourd'hui. Il s'agit de grandes feuilles de papier complètes que j'ai achetées au magasin et je démonte au format que je souhaite. Je ne les ai pas arrachés d'un bloc-notes. Vous pouvez également acheter du papier aquarelle en coton dans un bloc-notes. Mais je trouve que je préfère trop personnaliser mes tailles. Donc je vais juste les mettre de côté et je vais prendre mon papier, que j'ai oublié de prendre. J'ai ici quelques draps que je vais démolir pour toi. Je les ai laissés d'une taille un peu étrange, alors attendez, jouons un peu. J'utilise toujours une règle en métal lorsque je déchire du papier. Une règle en métal a un bord beaucoup net et elle est un peu plus lourde, et vous aurez une meilleure déchirure lorsque vous déchirerez ce papier . Donc je vais juste prendre les mesures nécessaires Quelle longueur ai-je ici ? Cela fait 28 centimètres. Je pense que je voulais faire un 28, 22. Pas tout à fait quatre. C'est un peu plus carré. Oui, on y est. Je vais donc juste mesurer très légèrement et mettre une note à 22, puis encore une fois à l'autre bout. Et puis voici ce qui rend les gens nerveux. Mais vous obtenez un beau bord déchiré au lieu de le couper. Je ne recommanderais pas nécessairement de couper votre papier pour aquarelle Le bord du disque est le bord fait main, et celui-ci est déchiré, mais vous obtenez simplement une très belle finition à votre papier Très bien, donc je vais aligner ma règle et le plus important, c'est d' forte pression sur cette règle pendant que vous la déchirez, sinon vous allez glisser le papier par le dessous de la règle, ou vous allez le plier légèrement et vous n'aurez le plier légèrement et pas de déchirure nette, sinon cela pourrait changer d' angle Il y a tellement, beaucoup de pression. Et tu me verras déplacer mes doigts la règle pendant que je déchire. Et l'autre élément important est de le faire vraiment bien et rapidement. C'est comme si on arrachait un pansement. Alors, on y va. Ensuite, je vais continuer à déplacer ces doigts vers le bas pour qu' ils exercent une pression vraiment forte sur ma règle. Allons-y. C'est un bon conseil clair. Et puis ne jetez jamais ces bouts de papier, car ils sont très pratiques à découper en petits morceaux, comme un petit tableau de référence si vous vérifier vos couleurs par rapport à celui-ci. Donc, tous ces déchets sont également très pratiques. Je vais les garder dans ma pile de papiers. C'est bon. Maintenant, les autres éléments que nous avons ici sont la roue chromatique, donc elle sera utile pour le contraste Si vous ne comprenez pas la couleur, l'une d'entre elles, tirée de l' illustration vous aidera vraiment. Ou si vous avez suivi mon cours sur la magie du mélange des couleurs, cela vous sera également utile. Ce type est le mélangeur de couleurs que nous peignons dans ce cours. ou l'autre de ces éléments sera utile pour notre module de contraste, et une petite quantité de papier d' imprimante ordinaire sera également très utile. C'est juste du papier léger vraiment basique, juste pour faire nos croquis et nos vignettes . Qu'est-ce que j'ai raté ici J'ai une gomme à effacer, et je les garde toutes dans ce petit bol pour y mettre mes taille-crayons et je les garde toutes dans ce petit bol et tout le reste. C'est pour cela que j'ai ce coupe-boîte ici. En fait, je l'utilise pour aiguiser mes crayons, par opposition à un taille-crayon traditionnel, car cela leur permet Et puis j' ai un essuie-tout, je pourrais utiliser du sel. Je pense que nous utilisons du sel dans le dernier, mais cela pourrait encore être utile dans celui-ci. Je n'ai pas encore décidé si je vais le faire ou non. Et enfin, oh non, je n'ai pas encore créé de palettes. C'est quelque chose dont je voulais vraiment vous parler parce que je les ai complètement ignorés la dernière fois Je vais donc simplement m'en débarrasser, car ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai ma palette de mélange d'aquarelles ici Et ce sont toutes mes peintures individuelles que j'ai éliminées. Et c'est une palette en plastique, elle est donc légère. Il a un couvercle pour que je puisse le transporter très facilement. Et c'est vraiment génial parce que j' aime peindre à l'air libre ces derniers temps. Il était aime peindre à l'air libre ces derniers temps donc très important pour moi d'emporter mes peintures à l'extérieur, de sorte que quelque chose de léger et facile de sorte que quelque chose de léger et facile à transporter soit facile à transporter. Mais je voulais vous le montrer parce que les palettes sont un voyage très personnel. Il m'a fallu beaucoup de temps pour en arriver à cette palette. J'ai eu la vision que j'allais avoir cette magnifique palette de porcelaine, et da, da, da. Au final, ce n'était tout simplement pas pratique pour moi. Je voulais donc vous présenter certaines de ces palettes que j'ai ici. Ce sont toutes mes palettes que j'ai utilisées au fil des ans et que j'ai expérimentées avec même le couvercle de votre pièce, ou avec des peintures pouvant être utilisées comme palette, et je les ai déjà utilisées à l'air libre Ce que vous pouvez faire est évidemment très limité , mais il s'agit tout de même d'une surface de mélange qui peut être utilisée. C'est celle que je vois le plus souvent chez les débutants. Ils n'en ont plus et les achètent. Ils coûtent environ 2 dollars, mais je les trouve très limités car j'adore la large zone de mixage et j'encourage vraiment beaucoup de mixage. Donc, une fois que vous avez mélangé vos neuf couleurs ou quoi que ce soit d'autre, vous n'avez plus autant de place pour continuer à mélanger. Et ils tachent. Ils sont bon marché. Ils constituent un excellent point de départ, mais vous allez en sortir extraordinairement rapidement Je voulais te montrer celui-ci. Je ne sais pas si je vous l'ai montré dans Welcome to Watercolor, le premier cours, mais il s'agit de mon ensemble original d'aquarelles C'est ce que l'on m'a donné lorsque je me initiée à l' aquarelle pour la première fois. C'est un petit kit de voyage. C'était donc la palette ci-dessous, et encore une fois, elle se trouve dans les puits. J'ai vraiment eu du mal avec les puits, mais à ce moment-là, je travaillais beaucoup plus petit et plus fin, donc cela correspondait vraiment au style de l'époque Une fois que j'ai commencé à travailler plus grandes surfaces de couleur, même ces petites casseroles ont cessé de fonctionner pour moi parce qu'il était trop difficile de collecter la peinture assez rapidement. Mais c'est mon magnifique premier set que je chéris. Celui-ci m'a été recommandé par autre aquarelliste car vous pouvez tamponner vos peintures en tube Il s'agit essentiellement d'une version plus petite de celui-ci, mais c'est un carreau de porcelaine épais. Vous pouvez tamponner vos couleurs de peinture ici, puis les laver ici Encore une fois, ce n'est tout simplement pas assez de surface pour que je puisse mélanger. Mais cela pourrait vous convenir vraiment si vous avez un ensemble de couleurs très spécifique avec lequel vous souhaitez travailler. Celui-ci, je l'ai cassé presque immédiatement. C'est censé être une belle palette de voyage, mais elle est censée la sceller, jamais scellée, elle a coulé dans tout mon sac. Et voyez comment le plastique lui-même ressemble à une couleur jaune beurre Cela signifiait que tout votre blues et tout le reste étaient un peu mal représentés. J'ai donc voulu y mettre celui-ci pour le renforcer. Il est important d'avoir le blanc comme base pour vos couleurs afin de pouvoir les visualiser très clairement sur la palette pendant que vous collectez. C'était donc un peu un échec de palette. C'est à ce moment-là que je me suis lancée dans Plain Air et je voulais vraiment avoir un petit set vraiment propre et bien rangé Et puis j'ai continué à revenir à celui-ci à la fin. Quoi qu'il en soit, cela faisait maintenant partie de ma vision de la magnifique plaque en porthaline Il s'agit donc d'une céramique faite à la main, contenant de la craie. Superbe pièce en céramique fabriquée à la main. Encore une fois, le problème, c'est que je suis sortie de la salle de mixage très rapidement que la base n'est pas d'un blanc pur. J'ai donc découvert que je n'arrivais pas à obtenir la clarté des couleurs que j'ai trouvée grâce à ce processus, que la clarté des couleurs était vraiment importante pour moi. J'ai également arrêté d'utiliser celle-ci, mais je dois continuer car toute cette peinture est encore totalement viable. Ensuite, la dernière que je voulais vous montrer, laissez-moi me débarrasser de toute cette craie que j'ai jetée, est celle sur laquelle tout le monde m' a toujours posé J'ai inclus un lien vers ce livre dans le livre électronique et dans les descriptions des liens, car il s'agit en fait d'une palette d'huile que j' ai achetée dans mon magasin d'art local. Mais c'est le meilleur que j'ai trouvé pour mélanger de nombreuses couleurs différentes, tout en veillant à ce qu'elles ne se rencontrent pas toutes. Donc, celui-ci, je reçois un e-mail au moins une fois par semaine environ. Je voulais donc vous montrer celui-ci, et je vous ai donné un lien maintenant. C'est donc tout pour moi en ce qui concerne les palettes Je pense que c'est tout ce dont nous avions besoin pour couvrir les matériaux. Je fais juste une vérification visuelle ici. La dernière chose que je voulais mentionner, j'ai oublié de mentionner dans la première partie, c'est que nous avons encore besoin de cette pincée de courage. Le courage est très important et c'est un ingrédient essentiel pour enquêter et explorer, et simplement pour essayer les choses. Et aujourd'hui, je vais vraiment insister sur ce point. Je vais vraiment essayer de vous encourager à essayer les choses si vous avez besoin de faire une pause, le relire, de consulter le livre, puis de revenir Puis revenez avec ce courage. Revenez avec enthousiasme et vous aurez encore plus de plaisir à peindre. C'est donc tout pour moi. Je vais arrêter de parler de matériaux. Donne-moi juste une autre opportunité et je reviendrai tout de suite avec toi. À partir de là, nous allons nous plonger directement dans ce premier principe de l'art, qui est le contraste. Tu y vois ? 3. Les principes de l'art :: OK, le premier de nos cinq principes que nous allons explorer aujourd'hui est le contraste. Je pense que le contraste est l'une des choses les plus cruciales à comprendre qui influence votre composition. contraste peut vraiment changer l'ambiance, sentiment, le message, tout ce qui concerne la façon dont votre travail est interprété. Et cela va peut-être au-delà de ce que vous pensez être le type de contraste évident. Il y a donc trois types de contrastes que je veux vous montrer aujourd'hui. Si vous considérez comme une valeur de contraste, c'est-à-dire si vous examinez la luminosité de vos couleurs, du clair au foncé, voici un bon exemple de contraste de valeur. Le fond noir fait vraiment ressortir ces couleurs claires. Il y a donc un très fort contraste entre le fond foncé et le blanc des fleurs. Et avoir cette gamme donne tout. Cela lui donne une sensation dynamique et un peu d'énergie. Si j'avais opté pour un fond entièrement noir, cela aurait augmenté le contraste. Le contraste a donc une gamme. C'est sur une échelle mobile. Et vous pouvez avoir un très faible contraste, ce qui est souvent très sûr. Doux, doux et vous pouvez avoir un contraste très élevé. Un contraste élevé est plus saisissant, plus dynamique et plus énergique. Pensez au contraste élevé et au message qu'il transmet. Et vous pourriez penser à dire que si nous le replaçons dans le contexte d'une affiche de film, vos films d'horreur sont souvent en noir et blanc, frappants, forts et très contrastés. Mais vos films d'amour sont généralement plus harmonieux. Ils sont plus doux, plus doux et présentent un faible contraste. Travailler avec ce contraste est donc une façon de vraiment communiquer le message que vous souhaitez. Pour celui-ci, je veux qu'il soit assez saisissant, audacieux et dynamique plutôt qu' une simple nature morte statique. Je voulais y apporter un peu plus de drame. C'est donc mon raisonnement. Voici une autre petite démonstration que j'ai faite dans un autre tableau, dans un autre cours où il s'agissait d'un sujet unique, mais je voulais vraiment souligner ce sujet. J'ai donc masqué le fond noir un peu comme nous l'avons fait dans l'exemple d'unité de la première partie Et cela vient de faire ressortir cette fleur Bird of Paradise de l'arrière-plan. Et cela lui a donné un peu plus d'avantage dans une histoire qu'une simple fleur flottante sur une page. Une autre façon de penser au contraste, à la valeur, est ce que nous pensons généralement l'obscurité et à la lumière des choses. Et c'est en réunissant ces deux éléments dans des zones plus proches dans des zones plus proches que l'on va créer ce contraste. Le contraste consiste à réunir différentes choses. Dans cet exemple, dans ce tournesol, j'ai utilisé la couleur comme moyen de contraste. C'est pourquoi j'ai ma roue chromatique ici. Dans cet exemple, j'ai utilisé le jaune comme couleur fondamentale principale de la fleur elle-même. Et si nous avons du jaune, si nous suivons la roue chromatique, nous avons du bleu. En fait, c'est par ici. Je l'ai fait tourner. Le violet doit être violet. Le contraire du jaune est le violet. J'ai utilisé le violet au lieu, dis-je, d'une couleur foncée ou trouble, ou d'un noir ou d'une couleur foncée dans ces zones plus profondes Et cela va créer à nouveau cette énergie dynamique. Donc, plutôt que d'avoir l'air un peu plat ou deux D. Ajouter ces touches de bleu et de violet dans ces zones d' ombre va vraiment exagérer cette forme et lui donner Au lieu de simplement utiliser, nous avons tendance à y mettre du noir ou du brun foncé. C'est une façon de les faire sortir un peu plus tard de la page s'agit de travailler avec vos couleurs complémentaires, qui sont des couleurs situées part et d'autre de la roue chromatique. J'aborde cette question de manière beaucoup plus approfondie dans le cadre de la magie du mélange des couleurs. Mais pour ce qui est des couleurs complémentaires, on peut aussi les appeler couleurs contrastées. Vous avez peut-être déjà entendu ce terme. Voici un autre exemple peut-être un peu plus subtil. J'ai deux ensembles de couleurs complémentaires qui apparaissent dans ce tableau. J'ai cette couleur violette du film ici, qui, encore une fois, est le contraire, c'est le Nous avons donc le jaune de la fleur, mais j'ai aussi tous ces verts bleutés Et j'ai ces petites touches de rose tout au long du tableau. Et le fait que ces deux ensembles fonctionnent ensemble va à nouveau pomper toute cette énergie au lieu de la planéité. J'aime vraiment travailler avec contraste pour créer une peinture dynamique, au lieu de simplement utiliser les couleurs que vous pourriez voir avec votre globe oculaire C'est une façon de soulever les choses et d'utiliser un peu votre intuition créative. Cet exemple, je n'en ai plus. Il se trouve quelque part dans une belle maison. Mais c'était un autre exemple, penchait évidemment beaucoup pour la complémentarité des couleurs dans mon propre travail. Je pense que c'est juste que je travaille avec beaucoup de valeur et que les couleurs complémentaires combinées peuvent vraiment, vraiment améliorer une œuvre et ajouter beaucoup de contraste. Mais dans ce tableau en particulier, j'ai des tons bruns plus subtils. Je voulais donc vous montrer que même si vous n'utilisez pas, dis-je, un orange vif pour compléter votre bleu, même un brun orangé ou quelque chose qui est familier à l'orange créera toujours cette énergie vraiment dynamique dans l'œuvre. Le dernier type de contraste que vous pouvez travailler et que j'utilise dans votre travail et que je crée est ce que nous appelons un contraste proportionnel, qui est en fait couvert de manière proportionnelle. Et je vous l'ai en quelque sorte raconté tout au long de la première partie. Comme ces principes, ils ne peuvent pas être soigneusement rangés dans des boîtes, ils sont tous enchevêtrés Et c'est l'un de ces enchevêtrements. contraste tombe dans la proportion, et la proportion dans le contraste. Je voulais donc vous montrer à nouveau cet exemple au cas où vous n'auriez pas regardé la première partie, où il s'agit d'une version plus subtile des proportions. C'est donc sur les fleurs les plus grandes que se dirige votre œil en premier. Et en utilisant le contraste des petites fleurs, cela crée cette énergie qui vous pousse vers ces endroits. OK, maintenant je voulais vous en montrer une dernière, qui est un échec de ma part en termes de contraste Tout récemment, je travaille sur une série et je ne voulais vraiment pas vous montrer celle-ci parce que j'ai vraiment l' impression que je devrais être meilleure que celle-ci parfois. Mais, tu sais, nous avons tous nos moments. Et celui-ci, pour moi, manquait vraiment de contraste. Tout était du même ton, la même valeur, et il n'y avait aucun compliment là-dedans non plus. J'avais fait preuve de trop de prudence avec ma peinture, je ne l'ai peut-être tout simplement pas ressenti ce jour-là ou quoi que ce soit d'autre. Au final, j'ai essayé de l' ajouter après coup. Vous pouvez donc voir ces objets de plus grande valeur ici, mais ce n'est jamais vraiment le cas, car je ne les avais pas au premier plan de mes préoccupations lorsque je peignais. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit car il est plus difficile de l' introduire plus tard. Vous pouvez toujours ajouter plus de profondeur et de contraste. Mais vos sélections de couleurs, si vous voulez travailler avec vos couleurs complémentaires, peuvent être assez difficiles. Je voulais donc juste vous montrer que nous sommes tous humains et que nous en avons tous un drôle de temps en temps. Très bien, nous allons les mettre de côté dans notre exercice d'aujourd'hui pour notre exercice de contraste. Vous avez peut-être déjà jeté un coup d'œil dans les fichiers de téléchargement, mais je n'ai fourni qu'une seule photo, celle-ci ici, d'une nature morte C'est en fait juste ici pour moi aussi. C'est la nature morte d'un banksia séché. Vous pouvez également créer votre propre nature morte si vous tout simplement pas l'impression que ce n'est pas votre ambiance Créez votre propre nature morte et suivez simplement les mêmes instructions. Et vous allez également trouver un bel exemple. Je vais maintenant vous montrer quelques manières de jouer avec ce contraste. Nous allons faire quelques petites études avant de passer à la peinture finale. Je vous encourage vivement à explorer tous ces concepts à l' aide des vignettes et à ne pas sauter cette partie Je sais que vous pouvez avoir l'impression que c'est un travail fastidieux, ce que nous ne voulons pas faire, mais c'est ce qui fera de vous un meilleur peintre, vous obtiendrez de meilleurs résultats et des peintures plus résolues En fin de compte, vous apprécierez beaucoup plus votre processus de peinture car vous aurez un taux de réussite plus élevé. Les miniatures sont très importantes pour notre photo ici. En fait, je l'ai déjà assez bien composé. Si j'en avais un troisième, ce vase se trouve sur le tiers inférieur. La banque qui se trouve devant vous se trouve en haut à gauche. Troisième. En haut à gauche. Oui Et quelques autres survolant les sites. Ce que je voulais cependant explorer, c'était certains des points fondamentaux sur lesquels les gens se trompent dans leurs compositions. y a donc quelques choses qui se produisent pendant que nous peignons et dont nous ne pouvons pas vraiment comprendre pourquoi. Je vais juste déposer quelques petites vignettes ici et je vais y mettre les troisièmes. Je vais juste le faire au crayon. J'espère que vous pouvez le voir clairement et clairement. Bien, l'une des principales choses que je vois tout le temps, c'est que les gens mettent les choses entre les deux. Nous en avons parlé un peu dans la première partie, mais cela signifie qu'il n'y a plus de place pour la fleur. Il y a beaucoup de monde, suffit de le remplir un peu et ça finit par jeter un coup d'œil ici C'est l'une de ces choses qui seront toujours un peu gênantes pour nos yeux. Cette petite touche ici, évitons celle-ci alors. Placer des objets au centre c' est se sentir en sécurité c'est familier et vous savez où c'est. Mais si vous pouvez essayer de vous entraîner à le glisser sur un troisième, au lieu de simplement le plonger au milieu, vous aurez l'impression que au lieu de simplement le plonger au milieu, vous aurez l' l'ensemble de votre travail sera un peu plus réfléchi L'autre que je vois souvent, encore une fois, que vous pourriez avoir les choses en bas de l'échelle comme ça. Ça va aussi être vraiment bizarre . D'accord ? Et puis disons que si nous mettons le vase dedans, dans le vase et que nous jetons à nouveau un coup d'œil sur le bord inférieur, c'est une erreur en ce qui concerne notre composition, car nous aurons l'impression qu'elle tombe du bas de la page C'est ce que je constate souvent chez mes élèves débutants lorsqu'ils ont hâte de passer à autre chose, mais qu'ils ne pensent pas à l'endroit où ils les placent sur la page. C'est donc quelque chose à mettre au premier plan de votre esprit lorsque vous faites ces ongles Thom Lequel d'autre voulais-je montrer ? OK. Si nous avions une deuxième fleur là-dedans, c'est une fleur que je vois souvent aussi, si j'en ai deux Ils seront plus beaux avec un léger chevauchement s' il n'y en avait pas. absence de chevauchement les donne l'impression qu'elles sont complètement séparées si vous souhaitez explorer ces deux unités au lieu de trois, car trois sont bien plus harmonieuses à nos yeux. Mais parfois, j'aime remettre cela en question et travailler à deux. Cela peut être une très bonne façon de le faire, c'est simplement de les superposer et les lire visuellement comme un élément. n'est que l'une des choses que je vois le plus souvent, c'est que celui-ci tombe de la page , sur les bords comme celui-ci ou qu'il peut être un peu étroit en haut une erreur très courante lorsque nous commençons parce que nous ne savons pas où placer les choses. Vignette, miniature, vignettes. Cela vous aidera vraiment à vous rendre là où vous devez être et à vous sentir à l'aise lorsque vous arriverez à votre beau papier coton. J'aime le bon journal. Je sais que ça peut faire peur. C'est bon. Je vais simplement explorer ces trois concepts dont nous venons de parler avec ceci comme référence. Le premier était le contraste et la valeur. Je vais faire mon petit pouce maintenant, le prochain c'est la couleur. Le dernier est celui des proportions. Je vais en faire une autre là-bas. Lorsque vous créez également ces vignettes, il faut vous assurer qu' elles reflètent les ratios de votre page Celui sur lequel je vais travailler, mon dernier morceau, n'est pas vraiment un A quatre. Vous devriez essayer de vous assurer que si vous avez un carré là-haut, vos vignettes sont Et si vous en avez quatre, ils sont relativement, vous n'allez pas essayer d' écraser des objets dedans Vous voulez essayer de refléter la zone finale dans laquelle nous travaillons. La valeur est le premier élément que nous allons explorer. Je vais en fait m'en tenir à une composition similaire à celle que nous avons dans la référence photo ici. Je vais mettre ce vase sur le premier tiers, comme ça. Ensuite, je vais mettre la fleur dans le tiers supérieur gauche et je vais relier les points. J'essaie donc de manipuler les objets et ils s'assoient bien sur le troisième, sans trop reproduire exactement ce qu'il y a sur la photo a un petit toboggan et des feuilles dedans. Donc. Très bien, et pour ce qui est de la valeur, il s'agit d'explorer les ténèbres et les lumières de l'objet Il s'agit de créer du contraste en utilisant les ténèbres et les lumières Et en utilisant ces différences entre les deux pour créer beaucoup d'intérêt dynamique. Je vais donc y ajouter un peu de couleur , de différente de ce que nous avons fait dans la première partie. Parce que je pense qu' il est très important de visualiser ces choses, en particulier pour ce qui est du contraste . Cela fait une énorme différence. Je vais juste ajouter, il fait un peu sombre, en fait, je veux un peu plus de bleu là-dedans. Je veux vraiment un bleu foncé. Nous y voilà. Très bien, nous allons mettre ce bleu ici. Je vais le faire très grossièrement et nous sommes sur papier vraiment ordinaire qui n'est pas conçu pour l'aquarelle. Je vais donc l' assembler rapidement, car il s'agit simplement d'une référence visuelle. Ce n'est en aucun cas l' œuvre d'art terminée. J'ai donc un arrière-plan vraiment beau, sombre et saisissant. Cela signifie que pour créer un contraste de valeur, je devrais créer une fleur très claire et lumineuse , ce qui créera un contraste vraiment fort entre les deux. Je vais aussi y ajouter un peu de couleur de fond, juste pour le fun. Ensuite, je vais m'en tenir aux couleurs que je vois dans la fleur qui s'y trouve. Bref, allons-y avec un peu de brownies orangés, Et je vais continuer à essayer de le garder aussi clair et lumineux que possible afin que l'accent soit mis sur le contraste en valeur. Nous y voilà donc. C'est à peu près la vitesse à laquelle je fais une miniature pour moi-même. Quoi qu'il en soit, c'est juste pour rejeter une idée et voir si elle va fonctionner. Et parfois, tu les comprends, tu te dis que je n'arrive tout simplement pas à les faire fonctionner. Comme si cela ne passait pas de mon esprit au papier, cela ne devenait pas une idée cohérente Il s'agit donc d'une étape très importante pour nous, car nous apprenons à utiliser le processus des vignettes Le suivant est la couleur. Je vais m'en tenir à une mise en page similaire ici. Posez ma fleur là-haut. La couleur va donc consister à explorer couleurs complémentaires pour créer la même sensation de contraste. Ou mieux vaut remettre le sol dedans. Nous y voilà. Donc, cette fois-ci, c'est peut-être le cas, je veux opter pour les couleurs vives et jouer un peu avec les couleurs vives Je vais prendre cette turquoise ici, y ajouter celle-là. Quand on joue avec le contraste des couleurs, c'est vraiment une belle façon de jouer. Si vous vous retrouvez un peu à peindre des choses, littéralement comme si vous regardiez le sujet, vous vous dites que ce n'est pas vert. Je ne peux absolument pas le peindre en vert. C'est un bon exercice pour changer cette notion et vous amuser un peu à devenir plus difficile dans vos choix de couleurs. Je suppose que je peux parfois me comprendre un peu au sens littéral, et j'ai juste envie de peindre les choses telles qu' elles sont, mais en fait, une fois que vous y avez mis un peu plus de votre voix artistique, elle devient la vôtre Très bien, il y a donc une sarcelle là-dedans. Le contraire d'une sarcelle, si nous regardons notre roue chromatique, est un orange rouge Je vais donc m' assurer qu'il y a un peu de rouge orange dedans. Et voyons voir, oh, c'est un peu boueux parce que j'ai une brosse sale peu d'orange, ça porte un peu de palette propre Le seul problème avec ma zone de mixage sale est qu'elle devient un peu pourrie. Je vais aussi y mettre un peu de rose. Juste un compliment supplémentaire car j'aime y mettre beaucoup de couleurs loufoques. Parfois, je reste coincé dans le sens littéral, parfois je m'éloigne trop de ce monde Ensuite, je vais juste en jeter un peu sur le vase et travailler très rapidement, juste pour le fun Je pourrais même laisser ce blanc sur le fond. Ça pourrait se passer comme ça. Oui, je trouve que ça a l'air bien. OK. Le dernier est celui des proportions. La proportion consiste à montrer les différences à l'intérieur objet à l'aide d'une échelle lorsque nous ne travaillons que sur un seul sujet. J'en ai deux, j'ai le vase et la fleur, et je veux qu'il y ait un contraste entre les deux. Je dois attirer l' attention sur l'un d'entre eux et renvoyer l'un d'entre eux. Je pourrais donc regarder celui-ci d'un point de vue différent. Cela peut être une façon intéressante de changer les choses. Je pourrais donc opter pour quelque chose comme ça, où la fleur devient la chose dominante sur la photo. Et le vase devient moins important si vous le regardez directement dessus. Tu dois utiliser un peu ton imagination. Laisse-moi voir. La fleur devient un peu plus ovale et les feuilles sortent de tous les côtés. Ensuite, le vase lui-même se cache un peu derrière. C'est très dur. C'est le haut, le vase est là. Cette technique s'appelle le raccourcissement. Cela change ce contraste perspective, en gros. Maintenant, le défi que je vous lance ici est de faire passer la peinture de votre choix à l'état final sur votre papier coton. En fait, je pensais que je pourrais mélanger les deux et en faire une avec de la valeur, mais il y a aussi un peu de contraste de couleur là-dedans. C'est une façon que j'aime particulièrement utiliser la proportion que j'utilise dans certains cas, mais c'est moins le cas si vous êtes quelqu'un qui a du mal à comprendre la couleur au sens littéral Je recommande vivement d'essayer un produit à contraste de couleur droit. Et optez vraiment pour un contraste audacieux, optez pour des couleurs directement opposées. Et cela va vraiment changer votre façon de voir les choses, car vous devez examiner des choses plus spécifiques, disséquer les couleurs à utiliser, où Très bien, à partir de là, je vais commencer et je vais mettre ça de côté. Tout le monde sait que je ne suis pas un grand fan du dessin au crayon. Une fois que nous en sommes arrivés au coton, un autre avantage de faire nos miniatures, c'est que je peux les mettre de Maintenant, je n'ai plus besoin de m'en servir. Cela peut être un peu une béquille. Lorsque nous arrivons à notre peinture finale, nous sommes nerveux à l'idée de décomposer cette page blanche. Mais une fois que la couleur sous-marine est souvent visible et que vous vous retrouvez souvent assez serré en essayant de vous conformer à vos lignes de crayon, je veux que vous vous sentiez assez libre et que vous vous détendiez quand il s'agit de cela. Oui, je recommande vivement garer le crayon et d'y aller. Et l'autre défi que je vous lance, c'est qu' avant que vous ne me regardiez le peindre , essayez-le vous-même, je vais le peindre. Je ne vais pas te laisser en suspens. Mais si vous l'essayez vous-même, vous êtes propriétaire de cette œuvre. Et je peux vous garantir que vous l'aimerez bien plus que si vous imitez simplement ce que je fais Alors fais une pause maintenant et je te retrouverai l'autre côté et je vais aussi peindre. D'accord ? J'espère que tu t'y es bien amusée. Et j'ai hâte de vous montrer également ce que j'en pense. Et cela vaut la peine de prendre le temps de comparer les deux. Et pas tant pour le niveau de compétence, mais juste pour votre approche, je pense qu' il serait vraiment intéressant d'y jeter un œil. Parce que la façon dont j' explique les choses, vous allez adopter et interpréter manières différentes de ce que je fais moi-même. Je pense donc que c'est une partie tellement fascinante du processus d'apprentissage. Je vais choisir ma combinaison de valeurs et de couleurs. Je vais donc opter pour un fond noir bleuté, ce qui signifie que ma couleur complémentaire est l'orange Je vais donc utiliser la valeur et la couleur dans ma peinture finale sans lignes de crayon. Je vais juste commencer. La plupart des gens ne savent vraiment pas par où commencer, surtout lorsqu'il s'agit d'un sujet plus complexe, comme le banksia Je dis toujours de suivre le cœur, de suivre le instinct. Si vous avez d'abord tendance à peindre le vase, allez-y. Ou parce que certaines personnes aiment ça pour la stabilité de quelque chose qui se développe à partir de là. J'ai tendance à toujours commencer par la fleur. J'adore y mettre toute mon énergie, puis le reste la complète. Je vais donc juste commencer, créer quelques couleurs avec lesquelles travailler. Maintenant, je ne travaille pas nécessairement avec les couleurs littérales devant mes yeux, mais je vais travailler avec des oranges, des ocres, des jaunes pour la Et ensuite je le ferai, je travaillerai en arrière-plan. Donc, en fait, je vais passer au second plan parce que je vais utiliser de l'espace négatif et autres éléments pour créer ces feuilles et y obtenir un joli fond sombre et fort. C'est bon, les fleurs arrivent. Je vais juste ajouter quelques formes très grossières dans un premier temps. Et pendant que je peins les autres objets, le reste commence à devenir vraiment clair et éclatant avec la couleur de votre pinceau. Je dois aller ici un peu jaune. Vous pouvez toujours changer de couleur. Vous n'êtes pas obligé de rester coincé dans une seule couleur. Il ne s'agit pas d'un exercice monochrome. Mais faites attention aux couleurs que vous introduisez sur la page, car il s' agit de créer un contraste , comme vous pourriez être, mais il y a des feuilles devant. Je les ignore simplement. Je ne vais pas essayer de les peindre par-dessus, je vais juste mettre le reste des feuilles comme support pour contourner les côtés. C'est le début de mes banques si vous êtes trop lourd et que vous voulez conserver un peu de blanc qu'il fait un peu foncé et surtout qu'il est encore humide. Je peux l'effacer et cela peut le ramener à une page blanche C'est juste quelque chose à garder à l'esprit si vous travaillez un peu dur et j'ai tendance à le faire moi-même aussi. Il peut simplement faire revivre ces reflets lorsqu'il est tout mouillé. Très bien, maintenant je vais peindre dans une petite branche, y mettre aussi ce vase. J'invente une jolie sorte de gris. Je vais y ajouter un peu de jaune maintenant. C'est devenu vert. J'ai besoin de mes violets D'accord, alors je suis sûr que je regarde ma photo ici Parce que je peux parfois oublier ça et continuer. Et oubliez tout ce que j'essaie réellement de peindre ici. Je veux m'assurer de placer ce vase sur le Serge. D'accord ? J'ai du mal à peindre beaucoup de choses vertes ces derniers temps et c'est à dire que mes granulés sont entièrement verts Mettez-y un peu plus de contraste. Encore une fois, surtout sur ce côté obscur. Je suis juste en train de mettre un peu de couleur là-dedans. Pour ce qui est de la face avant du V, c'est agréable. Très bien, maintenant je vais faire entrer certaines de ces feuilles. Je sais que ces feuilles peuvent sembler très intimidantes, mais je te promets que tu t'amuses bien avec Et vous voulez voir comment vous n'avez pas à être aussi prescriptif en ce qui concerne vos formes Vous pouvez saisir l'essentiel des choses sans trop péder sur les détails Très bien, il s'agit donc d'y intégrer plein de formes ludiques. C'est bon. Maintenant, nous devons faire revenir les okaries jaunes Je pense juste que pour moi, l'arc de la feuille est plus important que les zigzags. Je fais simplement le zigzag à travers la forme en général, essayant d'imiter ces choses ici et d'y introduire ces petites choses complètement loufoques Si vous êtes international et que vous n'avez jamais vu une fleur comme celle-ci auparavant, vous devez les rechercher, elles sont tellement belles. Celui-ci s' appelle un gland ba, et il est en fait orange vif sur le fond lorsqu'il n'est pas séché, lorsqu'il est frais C'est donc un peu comme des streamers de fête OK, on se rapproche pendant que ça sèche, je vais me concentrer sur l'arrière-plan s'il y a toujours une tâche à faire, je pense qu'en attendant que les choses sèchent et sinon, je travaillerai sur autre chose complètement J'aime l'idée que les feuilles saignent un peu sur le fond pendant feuilles saignent un peu que je peins. Je vais essentiellement peindre autour de tout cela pour créer l'arrière-plan, ce qui, je pense, peut parfois être assez intimidant Et tu te dis : pourquoi ne pas peindre le fond abord, mais ensuite je ne pourrai être toute claire avec mon pinceau. Je pense que c'est plutôt une bonne façon de l'aborder. Je vais donc maquiller mon bleu et mon noir. Et c'est ce qui va créer tout ce contraste, qui est un mélange d'Erlian et de peinture grise à nouveau. Très bien, et ensuite nous avons le terrain. Oh, ça m'a fait du bien. Au fur et à mesure que j'intégrerai certaines de ces formes plus nettes, je vais également passer à mon faux pinceau Assurez-vous d'y mettre des feuilles d'espace négatives je pourrais passer à la maquette. Maintenant, le moment est venu, je vais passer à ma taille pour passer à la serpillière, car je couvre une plus grande surface Cela va rendre le tout beaucoup plus lisse et donner l' impression que la peinture reposera plus facilement sur la page. C'est l'avantage du balai. La façon dont il étale la peinture sur la page est qu'il la distribue beaucoup plus uniformément qu'un pinceau rond. La brosse ronde a tendance à assécher les objets. accord ? Je vais en rattraper un peu plus. Lorsque vous travaillez sur des fonds sombres, vous pouvez vraiment remarquer quantité de peinture que vous utilisez, car vous en consommez beaucoup. D'accord ? Je vais même laisser un peu de ces petits espaces blancs, car je trouve que cela donne un bel effet pictural car tout est sec, car je dois le remplir avec gros balai que vous voulez travailler Vous pouvez voir comment j'ai commencé dans un virage serré. Vous devez d'abord travailler dans les coins les plus serrés , puis vous assurer de toujours travailler dans la zone la plus humide de votre page Toujours. Parce que de cette façon vous pouvez maintenir cette peinture humide en mouvement. Si vous avez commencé ici et que vous aviez deux directions, vous devrez constamment passer l'une à l'autre pour vous assurer de ne pas avoir le bord sec. Parce que c'est le bord sec qui va laisser des marques laides sur votre page et la rendre moins attrayante. Vous pouvez donc toujours avoir un bon point avec cela. J'aime la couture, mais elle transporte tellement plus d'eau. Et ça a un effet irrégulier plutôt cool quand on travaille comme ça J'ai le visage concentré, sa langue qui sort juste de ma bouche, un peu plus bleue. C'est là que le simulacre prend tout son sens dans les grandes surfaces. Le défi que je me lance à peu près constamment est d'avoir plus de peinture, de plus en plus lâche. Si je suis trop pédant à ce sujet, je finis par me crisper, comme vous pouvez le voir sur mes épaules, et je me concentre vraiment fort Si vous respirez simplement, vous pouvez le faire et tenir le pinceau plus haut est en fait une bonne façon de penser au relâchement, car vous ne pouvez pas le contrôler autant Mais si cela doit générer un effet plus élégant, je sais que c'est une réalité. J'adore peindre en vrac. D'autres personnes aiment peindre de manière très serrée et aiment l'apparence, les bords durs et les résultats très prévisibles. J'adore les imprévus. cet élément inattendu Il est très important pour moi d' intégrer cet élément inattendu. Je mélange mon mélange bleu-noir encore et encore, et il change constamment un peu. J'aime aussi cette partie où il ne s'agit pas d'un seul mélange de couleurs car j' aurais pu simplement presser le tube et utiliser ce tube d'une seule couleur. Mais je pense qu'il peut aussi être très agréable d'avoir un petit changement dans votre mix . Ça l'aplatit. Sans ça, je pourrais passer à nouveau à mon petit bonhomme maintenant, juste pour avoir ces points difficiles. Je l'aligne bien, pas vraiment. D'accord. Oui, je dois ajouter un peu plus de détails à mes banques. Plutôt sec. Plutôt sec. Je vais essayer de toute façon. Je ferais vraiment mieux de rincer celui-ci. Je l'ai posé complètement chargé. C'est une mauvaise idée. Passez à mon Lily Guy. Je vais juste ajouter plus de détails à celui-ci. C'est un peu comme ce que nous faisons, leçons sur la superposition d'un peu plus d'informations pour en faire le point central Si nous pensons à la première partie, c'est sur cela que nous mettrons l'accent. Il est plus important d'y ajouter beaucoup de détails supplémentaires. Et j'utilise la couleur orangée en complément du bleu pour y arriver. Oups, il y a du bleu dehors instant, j'ai juste besoin d'un peu de D avec une orangée Mon Bert Siena était à court. Rah, fais juste quelques courses comme ça . Je me sens plutôt bien maintenant. Je voulais aussi faire un fond bleu clair, donc je vais ajouter un peu plus de bleu en bas, mais je vais faire un très beau bleu clair. Ce sera en grande partie une version diluée de ce que j'ai utilisé en arrière-plan, juste pour vraiment faire ressortir cette différence de valeur. Il y a donc beaucoup d'eau dans ce mélange. Je vais vraiment me débrouiller. Et je vais le glisser ici. C'est beaucoup plus rapide lorsque vous peignez avec le balai. Le pain, c'est beaucoup plus facile. C'est bon. Voilà, nous l'avons. C'est assez proche. Eh bien, j'ai peut-être besoin de quelques petits détails supplémentaires. Je ne peux pas m'en empêcher. Nous devons créer un peu plus de contraste là-dedans. D'accord, c'est mieux. Il faut prendre du recul, avoir un regard neuf parce que parfois ça ne fait que te regarder dans les Ce que vous devez vraiment faire avec une chose, ils l'ont. C'est mon exemple de projet de contraste utilisant la valeur et la couleur comme contraste. Le défi que je vous lance en tant que projet d' extension serait d' explorer celui sur lequel vous avez gravité au moins deux de ces trois Parce que dans ce cours, nous ne lançons vraiment qu'une seule fléchette sur le jeu de fléchettes Alors que vous pourriez vraiment explorer chacun des types de ce type que nous proposons dans chaque chapitre. Je vous encourage donc à essayer celui qui ne vous convient pas ou qui ne vous convient pas naturellement, tout le processus recommencer tout le processus et à créer un autre tableau, et tout l'apprentissage commencera à vous plaire À partir de là, nous allons nous plonger dans notre prochain principe artistique, savoir le mouvement, que j'ai hâte de vous voir alors. 4. Principes de l'art : le mouvement: J'espère que vous avez aimé explorer le contraste avec moi. Le prochain principe de l'art que nous allons explorer est le mouvement. quoi vous ne pensez peut-être pas généralement avec les œuvres d'art. Parce que l'œuvre d'art est plate, elle est statique. Dans notre cas, à l'aquarelle. Quoi qu'il en soit, il existe deux manières de travailler avec le mouvement. Vous pouvez le faire optiquement. Littéralement, déplacer votre œil autour de l'œuvre est une façon d' intégrer le mouvement. Et vous pouvez aussi simplement montrer que la chose bouge. Nous allons en fait explorer les deux aujourd'hui. J'ai quelques exemples ici. Cela impliquait donc un mouvement. Dans ce morceau de Lina, j'ai été littéralement inspirée par les arbres qui battaient autour de ma tête Le mouvement était donc un élément vraiment crucial à intégrer dans cette œuvre, ce qui impliquait qu'il y avait beaucoup de mouvement autour de lui. Donc, avec toutes ces petites marques et les angles sur lesquels elles se trouvent cela signifie qu'il y a du mouvement dans cette zone, , cela signifie qu'il y a du mouvement dans cette zone, appelée méditation en vert. Ses mouvements sont beaucoup plus subtils . Mais je voulais que j'aie l' impression qu'il y avait un léger scintillement des feuilles, comme s'il y avait une brise légère C'est essentiellement tout ce que je voulais, mais il faut quand même intégrer cet essentiel à l'œuvre Celui-ci, qui regorge d'énergie, est plus dynamique que le précédent, mais peut-être pas autant que Lenina Il y a encore une fois, cette échelle glissante du genre est-ce un vent hurlant ou une brise légère ? Nous avons tous le contrôle sur ces éléments, aident à communiquer à nouveau le message au sein de l'œuvre et à créer l'ambiance. S'il hurle, qu'il fait noir et qu'il y a de l'orage, c'est ce que vous ressentirez Et puis, si c'est plus doux et plus léger, cela contribuera également à créer cette sensation dans le travail. Lorsque nous parlons de mouvement optique, il s'agit littéralement de donner à notre œil des indications pour parcourir l'œuvre et de déplacer notre œil sur la page. Dans le cas présent, j'ai en fait utilisé le mouvement optique de plusieurs manières, mais je voulais parler éléments sombres contrastés qui apparaissent tout au long de l'œuvre. Ainsi, les petites taches sombres aident votre œil à se déplacer dans le travail et à percevoir ce qui est très chargé par tout ce qui se passe J'ai aussi la pièce en acacia, que j'ai sur le chevalet d'à côté. Encore une fois, son mouvement optique est plus subtil . Mais j'ai ces touches orange vif foncé qui le traversent. Et ces petites choses vous aident à garder l'œil ouvert. Le mouvement coïncide vraiment avec la répétition. Répétition et mouvement. Allez-y main dans la main et aidez votre œil à parcourir la page, en particulier lorsqu'il s' agit de mouvement optique. Le dernier mouvement dont je voulais parler était celui des lignes directrices. Vous m'avez peut-être entendu en parler dans la première partie. Au cours de la section sur les emphase, j'ai parlé de l'utilisation de lignes directrices dans notre travail ici. Ces tiges, les branches des coquelicots, sont donc nos lignes directrices, attirant notre attention sur le point le Les lignes directrices vont de pair avec le mouvement, car c'est la façon dont vous vous déplacez dans l'œuvre. Et les lignes directrices pointent presque toujours vers le point focal. Ces deux éléments sont donc très importants pour créer un travail engageant. Si vous n'avez qu' un seul point focal, il y a moins de sujets à aborder, moins de sujets auxquels réagir émotionnellement. Alors que celui-ci vous aide, il vous stimule, vous permet de rester engagé , de regarder celui-ci ici, vous pouvez réellement cartographier la façon dont votre œil se déplace pour travailler. Donc, pour celui-ci, pour moi, c'est comme ça que je me laisse aller, je m'engage dans ce point focal clé principal ici. Ensuite, je me dirige vers ce point focal secondaire, puis je sors d'ici. Mais c'est presque circulaire parce qu'on y entre à nouveau en quelque sorte . C'est donc juste quelque chose à garder à l'esprit. Je voulais également montrer quelques exemples de lignes directrices. Ils sont probablement les plus courants. C'est un terme que vous avez peut-être déjà entendu si vous avez fait des recherches sur la composition. Mais c'est un terme que l'on retrouve le plus souvent dans paysage, car il est plus facile à générer dans un paysage. Pensez à une route, à un sentier, une ligne d'arbres, à une clôture. N'importe laquelle de ces choses dans un paysage vous dirige. Donc, dans cet exemple particulier, s'agit d'une vallée, et il y a une rivière au fond de la vallée. Et cette section orange, c'est ça, c'est une ligne directrice qui vous emmène au loin. Mais cela vous permet de faire le tour de l'œuvre lorsque vous emménagez dans Another one. Voici un autre paysage que j'ai fait, celui de Teddy's Lookout, qui est une vue aérienne de l'embouchure d' une rivière au bord de l'océan Et cette ligne directrice vous guide tout au long du travail et vous permet de tout explorer. Cela vous aide donc à vous déplacer dans le travail. Essentiellement, autre élément clé lorsque je parle de fleurs, les branches et nos tiges deviennent des lignes directrices Et vous m'avez sûrement déjà entendu dire que les branches ne sont pas trop lourdes, car elles sont tellement dominantes si vous avez lignes très fortes dans votre œuvre , et c'est quelque chose à garder à l'esprit Dans ce cas-ci, j' ai toutes ces branches larges, et ce sont des lignes directrices qui vous aident à digérer le travail Cela vous aide à vous déplacer en douceur et à vous déplacer dans l'œuvre. Aujourd'hui, j'ai donc un petit défi à nous lancer. Et il s'agit d'explorer non pas un, mais deux types de mouvements. Nous allons examiner le mouvement optique et nous allons également examiner le mouvement implicite. Tout d'abord, je vais faire une démonstration. Laisse-moi juste les mettre de côté. Oui, je vais ouvrir celui-ci. Nous voulions simplement garder à l'esprit nos grandes lignes pour la démonstration. Ce que je voulais vous montrer, c'était comment intégrer l' optique mais aussi le mouvement implicite. Une chose à garder à l'esprit est que les marques et les couleurs que vous choisissez contribuent réellement à renforcer votre mouvement. Les couleurs chaudes sont synonymes de rapidité, comme dans le cas d'une voiture rouge rapide. Ce n'est pas pour rien, c'est réel. Il y a de la science là-dedans. Les couleurs froides sont plus lentes et plus calmes. Ensuite, nous avons également des triangles pointus par rapport à des cercles. Les triangles donneront toujours l' impression d'être plus rapides qu'ils ne le sont dans un cercle. Le cercle semble lent et rond. L'autre chose à garder à l'esprit concerne le mouvement implicite. Nous avons nos formes et nos couleurs. Vous pouvez déjà voir que les marques que vous faites peuvent être synonymes de vitesse. Si je le faisais plus lentement , je ne me sentirais pas aussi vite. L'autre point à prendre en compte est le positionnement de vos sujets dans votre cadre photo. Pensez-y comme à une tour de blocs. Si j'empile très bien tous mes blocs et que votre œil est sûr que cela va être stable, alors cela ne bougera pas, cela donnera une sensation vraiment statique. Et si vous regardez notre exemple de contraste, nous avons une nature morte, elle est très statique. Cela peut sembler assez dynamique car nous avons beaucoup de contraste. Mais il est toujours mort. J'ai donc voulu le prendre et le retourner sur sa tête. Et nous allons essayer de faire entrer beaucoup de mouvement dans celui-ci pour impliquer du mouvement. Il se peut que nous devions choisir nos formes. Nous allons juste le placer sous un angle un peu plus large. Que vais-je faire d'autre entre ces deux choses ? Celui-ci est sûr, stable et confortable. a de la tension dans celui-ci parce qu'ils vont tomber, ils vont dégringoler. Mais cela implique un mouvement mental car cela a un effet imprévisible. Mon défi pour ce projet est que nous allons aborder l'un de mes sujets préférés, les feuilles de gomme. Et j'ai l'impression que c'est une évolution tout à fait naturelle vers les feuilles de gomme pour une sensation de mouvement, car elles bougent toujours doucement dans la brise ou se baladent dans le vent ou quoi que ce soit Nous avons ces trois photos comme références. Mais ce que je veux vraiment souligner, c'est que j'ai également inclus un tas de vidéos à titre de référence dans les fichiers. Et je vais utiliser ma petite magie technique pour le montage vidéo, et je vais vous en montrer un tout de suite. Cela va être notre source d'inspiration. J'ai les photos comme solution de rechange, mais je vous encourage vivement à peindre avec les vidéos Parce que si vous peignez avec quelque chose qui bouge déjà , cela se produit également lorsque vous travaillez à l'air libre. Les choses changent, la lumière change, tout bouge toujours. Vous obtiendrez un résultat plus vivant simplement en peignant à partir de cela comme base plutôt que d'une chose statique comme celle-ci. Les photos sont comme ça et les vidéos vont être peintes davantage comme ça parce que vous n'avez pas ce qu'il faut pour les mettre parfaitement au bon endroit. Je vais montrer non pas une, mais deux peintures dans cet exercice. Je vais donc en faire une qui donne une impression statique, mais je vais utiliser le mouvement optique, ce qui signifie que les feuilles seront immobiles. Mais je vais faire bouger le regard du spectateur en utilisant des éléments répétés. Et cela aidera votre œil à digérer le travail. Ensuite, je vais faire une pièce secondaire qui comportera un mouvement implicite. aurez donc l' impression que ces feuilles volent dans les airs. Cela va être un exercice vraiment intéressant, mais j'aimerais que vous essayiez d'abord en peignant avec une vidéo et que vous voyiez ce que vous en sortirez avant que je ne passe avec une vidéo et que vous voyiez ce que vous en sortirez aux miens. Tout le monde va le faire différemment. Et je pense que les vidéos, je crois que j'en ai dix dans un handbox. Vous pouvez donc choisir celui qui vous convient le mieux. Il va y avoir beaucoup de monde. C'est un peu une surcharge sensorielle, mais cela en fait partie, le fait d' essayer de disséquer les éléments et les parties avec lesquels vous voulez travailler Et il en va de même pour une photo. Je veux omettre tout ce contexte et je veux juste travailler avec cette branche Il faut donc garder à l'esprit qu'il ne faut pas se sentir dépassé lorsque vous commencez à peindre avec les vidéos. Alors prenez un moment, regardez certaines des vidéos que j'ai fournies, essayez-les, voyez ce qui se passe lorsque vous essayez d'introduire un peu de mouvement dans votre peinture. L'idée que nous recherchons est de faire circuler cette douce brise à travers les feuilles et les rendre un peu plus vivantes. Appuyez sur pause et regardez ces vidéos. Essayez-le, puis nous reviendrons et je me mettrai à peindre. Bon retour. J'espère que tu as bien essayé. J'ai hâte de voir si tu finiras par le refaire aussi. Donc, si vous en avez fait un, puis que vous m'avez observé puis que vous l'avez peint à nouveau, je pense que ce serait également un exercice très intéressant. Le premier tableau que je vais aborder ici est celui du mouvement optique. Je préfère donc que les feuilles soient assez statiques, mais je veux que l'œil bouge autour de l'œuvre. Et ce sera en fait assez similaire au projet final en ce qui concerne la magie du mélange des couleurs. Je vais donc déplacer celui-ci sur le côté. Je vais m'en inspirer, mais pas comme une référence littérale où je vais simplement imiter exactement ce qui s'y Ce que j'ai tendance à faire avec les branches et autres objets lorsque vous voulez que les feuilles s'attachent à un endroit précis, c'est d'y mettre une tige. Je pense que cela peut vraiment vous aider là où vous attachez vos feuilles. Et je vais m'occuper de certaines de ces feuilles là-bas. Je pourrais en mettre un peu là-bas. En fait, ce n'est qu'un marqueur, une indication de l'endroit où je vais les attacher. Et je vais peindre la tige en dernier, car elle fonctionnera finalement comme une ligne directrice. Et si j'y mets beaucoup d'énergie, cela peut être un peu écrasant et dominer l'ensemble de l'œuvre. Très bien, regardez-moi essayer de trouver ce crayon dans un instant. Je ne pourrai pas le trouver. Je l'ai là où je le mets habituellement. OK. Feuilles statiques, mouvement optique. Je vais juste créer quelques couleurs ici. Optez pour de belles feuilles de gomme. Oui, je vais m'en servir comme référence. J'aime d'abord mélanger toutes mes couleurs , car je peux ensuite bouger de manière assez fluide une fois que je peins Et je n'ai pas besoin de m' arrêter et de réfléchir Même si je vais continuer à mixer, ce ne sera pas aussi difficile. Commencez maintenant, je vais également penser à la valeur et au contraste. Ce sont donc toutes les choses, toutes les pièces du puzzle qui vont commencer à s'assembler. D'accord ? J'essaie vraiment de ne pas y mettre trop de mouvement implicite, afin d'avoir une différence assez évidente entre les deux résultats. Et j'ai vraiment du mal parce que je veux y mettre du mouvement parce que le chewing-gum, le chewing-gum part. Et c'est ce que j'aime le plus. Ils sont tellement amusants à peindre. Maintenant, qu'est-ce que je vais utiliser comme outil pour le mouvement optique ? Je pense que je vais vraiment utiliser ce vert doré très riche ici. Et je vais m'en servir comme élément répétitif tout au long. Et c'est ce qui va aider à attirer l'attention. Il se peut que je doive en mettre un peu plus ici. Mets-les un peu derrière toi. Il est difficile de mettre des feuilles de gomme les unes derrière les autres, mais cela peut donner votre travail un aspect beaucoup plus sophistiqué. Si vous considérez où elles vont, vous n' empilez tout simplement pas plus de feuilles sur le dessus et elles deviennent assez plates et deux qui vaut vraiment la peine d'être pris en compte dans votre travail c'est que je les place derrière en peignant un peu plus foncé et qu'il est plus sûr de le faire lorsqu'il fait sec. Vous pouvez voir celui-ci là-bas. Je l'ai intégré, il m'en faut un peu plus J'ai utilisé l'espace négatif pour le laisser chanter un peu, mais en gros, toutes mes feuilles, pour donner l'impression statique, sont simplement suspendues directement vers le bas Ça ne bouge pas vraiment trop, on a l'impression prendre encore un peu plus, un peu de violet ou quelque chose comme ça. J'aime aussi beaucoup quand les feuilles saignent les unes dans les autres. Je pense que cela peut leur donner un aspect assez magique lorsque votre œil reconnaît des motifs et des formes familières. Une fois qu'il l'a vu une fois, il les multiplie automatiquement , dans votre esprit, de la même manière Donc, en fait, vous n'avez pas besoin tout peindre individuellement et parfaitement. Il y a quelques empreintes de moi. C'est ma faute. Oui, je vais juste faire quelques derniers essais sur ce green, peut-être. Il va faire de petites touches tout au long. Ce sera mon mouvement optique. Mon œil va reconnaître ces marques et parcourir l'œuvre pour essayer de les trouver. Et c'est ce qu'est essentiellement le mouvement optique, qui déplace le regard et encourage le spectateur à rester et à s'engager. Voici ma succursale. Je pense que les roses ont fini par devenir assez optiques également. Très bien, voici donc mon exemple de mouvement optique, comme je l'ai dit, dans lequel le vert citron est essentiellement devenu ce que j'utilise pour me déplacer. Il est également probablement complété par ces liens doux que j'ai inclus car ils sont également très populaires Alors, bang, bang, bang, bang. Et si je devais cartographier l'endroit où mon œil la suit, je pense que mon œil entre dans l'œuvre au niveau de cette tache verte ici, puis voyage vers le haut et la digère de cette façon, puis revient en rond vers le bas à cause de ce rose inférieur C'est vraiment intéressant de commencer à y réfléchir, surtout si vous vous reportez à cette pile d'œuvres inachevées ou non résolues Est-ce que parfois cela ne vous engage pas assez et que vous devez terminer la façon dont vous l'absorbez. Donc, un motif circulaire est vraiment sympa, ou simplement un joli sentier sinueux à travers l'œuvre plutôt que comme si j'avais terminé Il n'y a rien d'autre à aborder ici. OK, donc je vais le faire glisser sur le côté. Et dans celui-ci, je vais créer une sensation de mouvement implicite beaucoup plus dynamique. Je vais donc encourager ces feuilles à voler. Ils ne seront pas placés sous cet angle prévisible, ce qui impliquera que tout bouge. Et vous verrez une nette différence entre les deux tableaux. Très bien, donc je pourrais déplacer celui-ci un peu plus sur le côté parce que je suis une éclabousseuse Parfois, je suis trop enthousiaste et ça devient très éclaboussant. C'est celle que je recommande le plus pour regarder les vidéos et pour faire celle-ci en dehors des vidéos, car vous obtiendrez un résultat bien plus intéressant si vous pouvez voir comment les feuilles des fusils se déplacent dans les airs, comment elles pendent de l'arbre et comment elles rebondissent sous l'effet du vent Cela va vraiment vous aider avec les angles et les formes que vous allez peindre ici. Je vais me procurer une branche similaire, mais je vais essayer de le faire de manière à donner l' impression que c'est un film. Je n'ai même pas mis ma branche dans Kick. Bien entendu, vous pouvez également combiner les deux idées et créer mouvement optique à l'intérieur de quelque chose qui implique également un mouvement. J'espère que je ne confonds pas trop ces deux concepts pour vous. Ils sont très différents les uns des autres, donc vous pouvez déjà avoir l' impression qu' ils sont en mouvement. Il y a une petite brise qui souffle. J'opte pour un peu de Gale Force. Apparemment, c'est agréable de travailler sur plusieurs découpes, même si vous ne pensez pas trop spécifiquement au mouvement optique. C'est bien d'incorporer des multiples de la même couleur d'un bout à l'autre. Et nous allons aborder cela un peu plus loin en répétant. En fait, c'est ce que ça sous-entend, peut aussi être une très bonne façon d'attirer l'attention. Quelques couleurs plus chaudes dans celui-ci lui donneront également l'impression de bouger un peu plus. Juste une autre chose à prendre en compte. Je pourrais donc y mettre un peu plus de rose. Des choses qui deviennent un peu floues et intéressantes. Cela peut aussi être une façon d' impliquer un mouvement, comme un flou rapide, comme on peut toujours le voir dans les dessins animés Ou laisser un peu d'ombre à l'endroit où l'on se trouvait derrière vous, c'est comme si vous perceviez un mouvement. n'y a rien que j'aime plus que regarder de magnifiques éclaboussures sur ma peinture Et je ne peux que mettre ces roues en mouvement. Je ne peux pas le contrôler. Et l'une des choses que j'aime le plus à propos l'aquarelle, c'est que lâcher prise laisser la nature s'occuper du reste, c'est comme si vous le preniez entre vos mains, le reste n'est pas sous mon contrôle. J'adore cette partie. Très bien, je vais donc ajouter parce que nous venons de parler de la façon dont contraste crée une énergie dynamique Je vais ajouter des couleurs de plus grande valeur pour essayer de le rendre encore plus dynamique. Donc, un bleu vraiment très profond ici et un peu plus là. Je viens de faire pousser une feuille de plus, le plus gros pinceau pour celle-ci. Très bien, maintenant je suis juste en train de dorer le lys. Je peux continuer pour toujours et j'ai vraiment du mal à m'en empêcher. Ce que je pourrais faire, c'est simplement ajouter quelques petites touches de vert citron parce que j'adore cette couleur et cela va m' aider à la marier à nouveau à celle-ci Très bien, donc entre mouvement optique et le mouvement statique, il y a un mouvement qui n'est pas statique, c'est le contraire du mouvement statique qui est mouvement implicite. Nous vous donnons l'idée que tout bouge. Il y a une nette différence la façon dont vous abordez la peinture, mais c'est juste un élément à prendre en compte car celle-ci donne beaucoup plus d'énergie, il y a beaucoup plus de choses à faire , un peu plus de tension Celui-ci semble beaucoup plus prévisible, mais les choses qui s'y passent suscitent tout de même suffisamment d'intérêt . Donc, si vous travaillez avec un sujet plus statique, c'est la voie à suivre. Et si vous travaillez avec quelque chose qui dégage beaucoup d'énergie dynamique, utiliser ces marques rapides et précises, utiliser des angles et d' autres éléments de ce genre pour indiquer que votre mouvement est probablement le meilleur angle à prendre. Chacune d'entre elles a une ligne directrice, car c'est la branche qui vous y mène. Et j'ai une branche encore plus subtile qui se produit ici et qui vous amène à entrer et à vous déplacer. Pour un projet d'extension, vous pouvez revenir en arrière et revoir tous les travaux que nous avons réalisés jusqu'à présent. Dites l'exercice de contraste ou tout ce qui se trouve dans la première partie ou même à partir de cette pile de questions non résolues dont nous ne cessons de parler Et voyez si l'un d'entre eux aurait pu bénéficier du mouvement. Et voyez quel type de mouvement lui convient le mieux. Et essayez de retravailler ce travail pour le résoudre et le terminer avec une sensation de mouvement À partir de là, nous allons passer directement au rythme, et j'ai hâte de partager celui-ci avec vous. 5. Principe de l'art : le rythme: OK, rendez-vous. Nous avons juste examiné le mouvement et maintenant nous allons passer au rythme. Vous pourriez commencer à voir certaines choses se répéter au cours des prochains instants. Parce que toutes ces choses dont nous parlons, mouvement, le rythme, le motif et la répétition ont toutes un point commun. Et c'est cette répétition. La répétition est un outil super puissant dans votre composition. Quand on parle de rythme, ce n'est pas différent quand on parle de musique ou de poésie. C'est cette cadence qui vous guide dans le travail. Cela crée vraiment l'ambiance et considérez-les comme des tremplins et le rythme auquel vous digérez ce travail. Le rythme est vraiment crucial. Elle n'est pas présente dans toutes les pièces et elle est très motivée par la répétition. Il est vraiment difficile de créer un rythme sans ces éléments répétitifs. Je voulais vous montrer quelques exemples de rythmes dans mon propre travail avant décrire quelques-uns des différents types de rythmes que nous pouvons utiliser. Allons-nous donc également avoir besoin nos crayons de couleur pour cet exercice ? Voici un tas de cloches bleues indigènes. Ils s'appellent Wollenberg Ear. En Australie, je voulais utiliser celui-ci et j'aime penser à expliquer le rythme comme les différents genres de musique. Et pour celui-ci, pour moi, je le considère comme un classique. C'est très doux et doux, même s'il y beaucoup de monde et qu'il y a beaucoup de choses qui se passent, vous pouvez l' assimiler à un rythme doux. Voilà la façon dont tu te déplaces. C'est un peu exagéré, on parle beaucoup de mouvement, mais quand on parle de rythme, il s'agit du rythme, du tempo qu'il vous fait suivre Je trouve donc celui-ci classique. Si je passe à celui-ci ensuite, c'est comme un big band, du jazz ou pas du jazz, c'est plutôt c'est comme un big band, du jazz ou pas du jazz, une salsa ou quelque chose comme ça C'est chaud et épicé. Il se passe beaucoup de choses, il y a beaucoup de formes répétitives, il y a beaucoup de mouvements, mais le rythme est très différent Ce n'est en fait qu' un petit essai et j'ai utilisé beaucoup de sel et d'autres choses amusantes ici, mais c'est très bruyant dans mon esprit. Ce résumé, cette impression à emporter rapidement est ce que vous laisse ce rythme Celui-ci est ici assez régulier dans son rythme. La façon dont vous vous déplacez ici vous donne l' impression d'être beaucoup plus en sécurité. C'est plus familier, cela ressemble probablement plus à un battement de tambour dans mon esprit Je ne travaille pas souvent avec un rythme régulier car j' aime les formes organiques. Mais c'est à peu près aussi régulier que possible. Pour moi, c'est un peu plus facile pour votre œil de se déplacer et votre œil se déplace à un rythme très régulier. Celui-ci est en fait ce que j'aurais décrit comme du jazz. Beaucoup de choses se passent dans de nombreuses directions différentes et ces petites marques répétitives détermineront la façon dont nous digérons ce détermineront la façon dont nous digérons rythme et la façon dont nous l'intégrons. Encore une fois, celui-ci est assez chargé, mais la palette de couleurs atténuée permet de l' atténuer un peu Et puis je voulais aussi vous montrer celui-ci ici parce que c'était un échec de rythme. Voici celle des magnifiques gommes de neige recouvertes de neige en plein hiver. Et comme j'ai utilisé ces marques rapides très chargées et le nombre de points pendant les répétitions, j'ai l' impression que c'est trop chargé et trop intense. Et cela ne veut pas dire que je voulais que au rythme que je me suis trompé avec celui-ci J'aurais dû créer des formes plus douces, plus grandes et souples qui se répétaient et qui vous donneraient cette impression de roulement plus douce que moi Je me suis un peu laissé emporter , je crois, par celui-ci, mais je voulais juste vous en montrer un où le rythme ne correspondait pas vraiment à ce que je voulais au final. Et cela peut également affecter le résultat du travail. Pour explorer nos différents types de rythmes, je voulais prendre nos crayons de couleur et explorer ces choses à travers la couleur et le trait expérimental Donc, en gros, nous distillons nos éléments pour n'en faire que des couleurs et des lignes Le tout premier point sur lequel nous allons travailler est le rythme régulier. J'ai juste dû me demander comment épeler normal. Pour une raison ou une autre, le rythme régulier ressemble à ce dont je parlais avec cet arbre. C'est très fort et familier. Il peut s'agir simplement de lignes simples, comme celle-ci, d'une sensation très géométrique. Mais n'oubliez pas que cela peut changer. Cela ne se limite pas à cette seule chose. Vous pourriez faire de petites lignes comme celle-ci, puis les agrandir, puis les agrandir. Cela a toujours un rythme régulier, un schéma et une cadence qui vous permettent de découvrir ce type particulier Le rythme normal ne se limite pas à motifs très cohérents. Cela peut être un peu plus vague que vous ne l'imaginez. Parfois, le rythme est très évident dans un morceau et parfois il est beaucoup plus subtil et difficile à saisir. Parmi les dix concepts que nous vous présentons dans le domaine de dix concepts que nous vous présentons dans le la peinture composée, de la création, c'est probablement le plus difficile à , mais il est important de le comprendre car, comme je vous l' ai montré dans le dernier, lorsque vous vous trompez, cela a une incidence sur le résultat final de l'œuvre. Irregular est le prochain sujet que nous allons aborder. Irrégulier. Un peu plus imprévisible. Je ne peux pas le suivre aussi facilement. Il se peut qu'il y ait un certain chevauchement. Que se passe-t-il ici ? Encore une fois, ce n'est pas limité à une seule couleur. On pourrait faire comme ça puis ajouter une autre nuance de vert. Cela va tout de même créer un schéma que notre œil va capter, ce rythme irrégulier d'éléments répétés. irrégularité est probablement le rythme avec lequel j'aime travailler le plus souvent. Ensuite, nous avons le rythme progressif. Progressif, c'est aussi laisser les choses grandir et onduler. Disons que si je faisais comme ça avec mes répliques et qu'elles grossissent, c'est un rythme progressif, nous pourrions y aller. Je me limite littéralement à deux éléments, la couleur et la ligne. Si vous commencez à impliquer les sept éléments, vous avez vraiment beaucoup de choses avec lesquelles jouer en matière de rythme. La dernière chose que je veux montrer est un rythme fluide. est un autre de mes préférés avec lesquels travailler, car comme vous pouvez imaginer, dans le monde naturel, les branches C'est un autre de mes préférés avec lesquels travailler, car comme vous pouvez l' imaginer, dans le monde naturel, les branches se succèdent et donnent une sensation vraiment agréable. Choisissons une autre couleur juste pour le fun. Maintenant, le rythme fluide peut être composé de toutes sortes de formes qui pensent quelque chose comme ça pour notre projet, dans celui-ci, Alright, We're flow along here, une chose passe en une autre en utilisant ces marques répétitives accord ? Un écoulement donc régulier, irrégulier et progressif. Et une fois que vous les aurez compris, vous commencerez à voir des rythmes partout. Et en particulier, dans le cas de nombreuses œuvres abstraites, dont certaines de vos propres œuvres, vous pourriez commencer à identifier les rythmes de notre projet. Pour celui-ci, je vais prendre cette idée d' rythme fluide et je vais la transformer en une œuvre. Et je vais vous montrer comment je vais m'y prendre . Débarrassons-nous de celui-ci. Nous n'en avons pas besoin pour le moment. Je pense que toutes ces petites marques que j'ai faites ici ressemblent un peu à des tiges de fleurs. Et ce que je veux faire, c'est créer un petit paysage de jardin qui ressemble à des fleurs qui coulent dans le vent dans un champ, peut-être avec quelques abeilles dedans Il y a une très belle rythmique tout au long, un rythme très doux et calme, pas trop chargé, et nous allons opter pour cette sensation agréable et calme Donc, si je devais commencer par le mettre en miniature, je pourrais juste dessiner moi-même mes petits tiers ici Mmm, hum. Ici. Je vais donc prendre, disons, un green. Ensuite, je pourrais prendre un autre vert. Je vais peut-être prendre un autre green. Alors je vais continuer à les faire circuler comme ça. Mettez-en un peu là-dedans. Celui-ci va se construire par étapes. Et je ne vais pas vous mettre au défi de vous lancer seul dans cette aventure. Je pense que celui-ci sera amusant à suivre. Et vous êtes, bien entendu, plus que bienvenu pour l' adapter à vos besoins. Il y a peut-être certaines choses que vous aimeriez intégrer dans votre jardin. La principale chose à faire passer est cette idée de faire en sorte que le rythme soit fluide. Si je disais que ça commence à donner l'impression d'avoir un peu plus de jardin, exemple en avoir un peu plus dedans, je vais le remplir comme ça. Et si je devais donner un autre exemple, qu'est-ce que j'ai fait avec mon crayon ? Eh bien, ça y est, il se cache. J'ai vraiment pensé que je l'avais jeté ou disparu, puis que j'avais fait comme ça. Maintenant, si je devais le refaire, à penser à ces choses comme des fleurs, je vais juste commencer à ajouter un peu de couleur ici, un peu de couleur là, et j'ai une miniature sur laquelle travailler pour savoir quand et quand il s'agira d' arriver sur notre coton Nous n'avons donc pas peur de ruiner notre beau papier en coton J'ai un plan, mec. Que devons-nous faire ensuite ? Celui-ci est jaune. Je ne fais en fait que des fleurs génériques à ce stade, car je serai probablement un peu plus précis une fois que nous serons arrivés au travail. C'est obtenir ce flux. Il s'agit de calmer les émotions. Avant de me soucier de tous ces petits détails, je veux que les couleurs chantent ensemble. Je veux que l'essentiel soit de me sentir bien, douce, douce. Je dois y ajouter des fleurs. Et puis peut-être un peu plus de rouge en utilisant à nouveau la répétition. Parce que, comme nous en avons parlé dans le domaine du mouvement optique, mon œil va naturellement trouver ces motifs et ces éléments répétés. Je veux m'assurer que j'ai également répété des choses jusque là. La répétition est également le principal moyen de créer un rythme dans votre travail. Qu'est-ce que je vais y mettre ? Peut-être un peu plus de jaune. Je suis donc constamment en train d'analyser ce qui va là où cela ne me semble pas équilibré. Le contraste de valeur est-il suffisant ou dois-je opter pour un contraste de couleur ? J'irai peut-être un peu plus loin. Eh bien, non, je fais ça en rose. Maintenant, qu'est-ce que je vais y mettre ? Peut-être un peu plus de rouge. Puis encore celui-ci. Encore celui-ci. Je n'en ai pas assez de ce noir là-dedans pour le moment. Nous y voilà. J'avais envie de changer les choses et de me lancer dans les crayons de couleur Parce que je pense que lorsque vous essayez de faire quelque chose avec de l'aquarelle à partir de l'image et que vous jouez simplement avec la forme, deux choses, la couleur et le trait, cela peut aider à tout dérober. Juste pour mieux comprendre , nous pourrons aborder la partie peinture plus tard. Il s'agit plutôt d'avoir ces idées et de les propager dans votre esprit, d'accord ? Un peu plus violet. Un peu plus jaune. Un peu plus de rose, du rose ici et un peu de rouge. C'est bon. J'y ai donc un peu soufflé. Je pourrais juste essayer de me faire remarquer que j'ai besoin de cet avantage. Je veux essayer de l'avoir à espacement égal autour de celui-ci, afin qu'il y ait une belle marge de manœuvre blanche autour de celui-ci OK, c'est mon plan de jeu pour ce que nous allons traduire ici. L'étape suivante consiste à le traduire. J'espère que vous pouvez voir l' avantage de simplement changer les choses et d'essayer avec des crayons de couleur maintenant, je n'en ai plus du tout besoin Je vais les mettre de côté pour que nous puissions ouvrir la voie. C'est toujours agréable d'avoir un bel espace libre pour peindre. Voici ma feuille de route qui indique comment et comment je vais me rendre d' ici à là , c'est-à-dire que je vais me sentir comme il se doit. Et je pense que je voulais vraiment intégrer quelque chose comme celui-ci où nous devons résoudre les problèmes à la volée , car c'est peut-être notre feuille de route, mais dès que les choses commencent à prendre une forme de poire ou qu'elles ne s'affichent pas sur la page comme prévu, il peut être très facile de simplement y aller, de le remplir Il faut que ça disparaisse. C'est nul, et tu commences à te battre. Je préfèrerais que vous essayiez de résoudre les problèmes. Donc, si vous y avez mis trop de violet, compensez simplement cela ailleurs plutôt que de l'abandonner complètement. Et si je me souviens bien, je vais essayer de parler un peu de mon dialogue verbal pendant que je peins afin que vous puissiez voir ce qui me passe par la tête pendant que je peins. Je veux donc m' y intéresser. Je vais commencer par peindre quelques petites choses ici et là. Ce que je ne veux pas que tu fasses, c'est que tu crées une goutte ici, puis une goutte là-bas avec la même fleur Et puis un autre là-bas. Parce que vous allez perdre cette sensation de fluidité en créant ces éléments de base. Et vous verrez ce que je veux dire par blocs de construction. En peignant chaque petite section de fleurs, vous allez naturellement beaucoup mieux couler que vous essayez de créer un puzzle pour passer à la suivante. Cela va être beaucoup plus difficile à résoudre, donc Très bien, commençons. J'aimerais d'abord commencer à peindre. Je vais en quelque sorte m' inspirer des fleurs du jardin de cottage pour celui-ci. Mais de façon très simpliste, ça va sembler très Au final, je vais planter certaines de mes premières tiges. Et dans ce cas, ce sont les tiges qui seront ces éléments répétés qui créeront le flux de notre rythme. Oh, maintenant je pourrais commencer par quelque chose comme une tasse dans le rose. Nous y voilà. Je pourrais aussi y ajouter quelques petites feuilles, que ça fasse du bien et que le jardin soit comme Al, non ? la première fleur qui arrive, je sais que c'est vraiment tentant d'aller mastiquer ma tulipe Je vais y mettre toutes les tulipes restantes. C'est exactement ce dont je viens de parler. Nous allons continuer à construire et à nous déplacer du bas vers le haut pour que cela ait bel effet fluide dès que nous essaierons. si vous assemblez les choses, elles deviennent un peu difficiles, un peu gênantes, et nous avons ces étranges lacunes et nous voulons vraiment réfléchir à l'endroit où nous plaçons les choses à partir de Très bien, à partir de là, je n' aurai plus assez envie faire du rouge parce que je finis par y faire du rose tout prêt se peut donc que j'aie déjà changé le plan et que j'ai du rouge en tête, mais je pourrais le changer pour dire plutôt du bleu. Mais je vais aussi changer de vert. La tige va donc avoir une sensation un peu différente. Ça pourrait même faire quelques clochettes bleues. Très bien, il y a donc les petites tiges. Ensuite, j'allais prendre du bleu. Je vais peindre ces petites clochettes bleues. Et peu importe ce que je peins une fois, je veux absolument plusieurs fois tout au long du projet. parce que c'est cette répétition qui est vraiment importante pour maintenir ce sens du rythme. D'accord, c'est toujours une bonne idée de prendre un peu de recul, de s' assurer que tout fonctionne pour vous. accord ? Parfait. Maintenant je peux le faire, qu'est-ce que je vais faire ? J'ai un truc orange ou jaune là-dedans. Peut-être un Gerber ou quelque chose comme ça. Je pense que je vais opter pour un vert plus clair et peut-être un peu plus jaune. Nous y voilà. Et puis je les ai fait monter par là, relançons le courant, du jaune orangé Je suis le pire pour ce qui est de garder mes peintures propres. Comme si j'avais complètement effacé mon jaune avec une boule entière d' Mais si vous le faites, il suffit d'un peu d'eau douce et vous pouvez généralement la nettoyer, ou parfois vous pouvez même neutraliser avec le contraire Mais je trouve que cela peut aussi compliquer les choses. Donc, en général, vous pouvez simplement le nettoyer ou le récupérer une autre zone si vous êtes dans la zone et que vous ne voulez pas avoir à vous en occuper pour l'instant. Maintenant, je l'ai rendu trop jaune. OK. Il suffit de faire les centres pour le moment. J'ai mon plus petit pinceau ici parce que nous travaillons très finement C'est la taille zéro et je trouve que c'est vraiment bien. je n'ai pas souvent besoin de quelque chose de plus petit que celui-ci parce que vous pouvez obtenir un si beau point avec celui-ci Je recommande donc vivement celui-ci. Pour cet exercice, vous pouvez le faire avec un pinceau plus gros, mais le risque de tomber accidentellement de l'eau dedans sans avoir à travailler aussi finement que vous le souhaitez est très élevé avec ces petits pétales. C'est donc une façon un peu différente de travailler, mais je trouve que c'est un exercice vraiment amusant pour explorer rythme Maintenant , qu'est-ce qui me manque ? J'ai besoin d'un violet là-dedans. Je pense qu'il s'agit peut-être d'un foxglove ou quelque chose comme ça. Sur le thème de mon chalet, je vais d'abord peindre les fleurs. Euh, et mes lignes vont suivre cette voie, donc vous pouvez déjà voir que vous serez comme elle ne suivait pas le plan. Je ne sais pas quoi faire. J'ai déjà commencé à m'adapter parce que si j'y mets déjà plus de rouge, je ne pense tout simplement pas que ce soit encore prêt pour cela. Mon intuition me dit que ce n'est peut-être pas encore le cas, nous allons le mettre ailleurs. Donc j'ai vraiment envie d' y mettre du violet. C'est ce qui complétera cette orange et mettra tout cela en valeur Je veux y mettre du violet, donc je suis peut-être presque en train de les retourner là où j'avais initialement prévu de mettre du rouge Je pourrais mettre le violet à la place. Et je pense que c'est cette légèreté que vous payez qui peut aider à résoudre les problèmes en cours de route au lieu de simplement dire, oh non, c'est Je ne peux pas m'embêter à essayer de résoudre ce problème ou je ne sais pas ce que j'ai fait de mal persévérance est parfois la meilleure solution, et je peux vous dire à 100 % quels les tableaux avec lesquels j'ai eu le plus de Et il s'agit parfois d'une véritable bataille interne. Celles qui me plaisent le plus et qui donnent généralement les meilleurs résultats car j'ai dû dépanner et résoudre des problèmes comme aucune autre Et cela aboutit à un résultat bien plus créatif que le résultat évident, disons. Alors, gants Fox, faites ces grosses clochettes. Ce ne sont donc que les petites marques les plus délicates Je ne m'inquiète pas trop à l'idée de varier énormément ma couleur , car il va y avoir beaucoup de monde de toute façon Il va y avoir beaucoup de variété à ce sujet. Et lorsque nous parlons de variété et d'unité, j'espère également créer un sentiment d'unité. Continuez simplement à ressentir cette sensation de fluidité. C'est bon. Maintenant, je vais mettre comme une étoile turquoise. Je viens de tout gâcher. Type de tige turquoise. Dans celui-ci, je vais garder cette sensation de fluidité. Je dois y ajouter quelques fleurs supplémentaires. Je pourrais aussi y mettre quelques feuilles pour améliorer cette sensation de fluidité. Nous y voilà tous. Maintenant, il se peut que je doive le faire Je pense qu'il me reste encore quelques tulipes à mettre dedans, alors je vais retourner à mon vert citron Je vais imiter ces couleurs mais simplement changer l'angle du flux pour que tout commence à s'écouler ensemble Mais ce que je veux faire, c'est m'assurer qu'il s'adapte parfaitement à cette petite forme, au lieu de simplement les coincer, parce que c'est là que je pensais qu'ils devraient aller Alors allons-y comme ça. Peut-être qu'il y en a un de plus. Ouais. Et je vais reprendre mon rose en peignant ces tulipes et en disant que si vous n'êtes pas le plus grand fan de tulipes, vous pouvez apporter des modifications à n'importe quelle fleur Vous êtes peut-être un fanatique inconditionnel des natifs australiens, comme moi. Vous pourriez tout faire chez les indigènes, vous pourriez tout faire à partir de fleurs dans votre propre jardin. Je voulais juste que quelque chose serve de thème récurrent ici J'ai choisi de nouvelles fleurs de jardin de cottage à quelques feuilles que j'aime bien. Alors maintenant, je pense que je vais contrebalancer cela avec un peu plus de ces B. Allons prendre un peu de vert ici. Quelque chose comme ça, comme ça. Retournez à mon jaune, à mes centres jaunes loufoques. Je n'ai jamais laissé de feuilles sur les autres. J'essayais juste de savoir si je devais ajouter une feuille, en ajoutant ces petits coussins. Ma mère, je dois en ajouter une autre. Il y a une lacune juste ici. Je dois ajouter une pédale de tulipe ou quelque chose comme ça. Nous y voilà. À mes yeux, c'est mieux en ce moment. Ces pauvres jacinthes des bois d' ici ont l'air un peu tristes Ils ont l'air un peu seuls. Je dois en ajouter d'autres dans la suite. Il analyse constamment ce que vous mettez en place , puis comment y remédier dans le travail. Mais où vais-je les mettre ? Je pourrais en mettre un peu ici. Faites la même chose, suivez ce flux comme ça, chacun se replie sur mon bleu. Nettoyez cette brosse. Je me suis rendu compte je n'ai pas mis de feuilles là-dessus non plus, et je pense que j'ai envie de le faire. Je pourrais juste faire la plus petite feuille Oups, j'en veux juste quelques-unes. Nous y voilà. Liaison. D'accord ? Et si vous continuez, vous m'avez peut-être entendu parler de trous ou de choses qui ne vont pas bien. S'il y a un écart et que tout reste semble assez peuplé, c'est ce que j' appellerais un trou visuel. Et c'est l'une de ces bévues dont je parlais En revanche, s'il y a quelque chose de gênant et qu'il y a une lacune là-dedans, vous pouvez le faire. Ce trou visuel finira par devenir un point d'accent plutôt que quelque chose que vous voulez ignorer. Sachez donc où vous laissez des lacunes et où les choses passent peut-être pas très bien. Et n'oubliez pas qu'ils peuvent accidentellement constituer une trappe dans votre travail. Bon, alors presque, que dois-je faire ? J'ai besoin d' un peu plus de violet. Je pense que la prochaine fois, je vais acheter mon violet. Vous avez peut-être aussi remarqué que j' ignore essentiellement mon croquis ici. Quoi au total ? Parce qu'une fois que vous êtes au travail, vous en avez besoin pour fonctionner de la meilleure façon possible. De plus, personne ne comparera jamais votre miniature au résultat Ils se demandent : « Oh mon Dieu, à quoi pensaient-ils ? Ils ont complètement rempli leur miniature. Accordez-y plus d'attention maintenant. Et c'est normal de laisser tomber, surtout si vous êtes confiant et que vous vous sentez satisfait de la direction que tout prend. Je vais plutôt mettre des gants de renard à ces gars . Juste un style illustratif amusant avec lequel jouer. Peut-être un peu plus petit ici. Prends le mien, qu'est-ce que j'ai fait ? J'ai fait du turquoise comme du turquoise bleuté pour colorer les tiges et certaines feuilles. C'est bon. Oui, je suis content de la façon dont tout cela se passe. OK, maintenant, quelle est la prochaine étape ? Ça peut être deux choses. Je pense vraiment que je veux équilibrer les choses, alors j'ai juste mis une goutte d'eau dessus. Cela ne va pas être très utile. un petit pâté de maisons, je pense que je vais mettre d' autres de nos Gerbers ici Et puis je dois d'une manière ou d'une autre ajouter un peu plus de tulipes à quelque chose à garder à l'esprit Parce que sinon, avec deux lots de tulipes ici et rien d'autre là-haut, ça va sembler déséquilibré Il s'agit donc de trouver ces équilibres au fur et à mesure que nous assemblons les pièces du puzzle. Je pourrais même mettre l'erbskind ici et laisser les tulipes monter en haut Grand-mère, encore vert clair. Maintenant, ça y est. Cela laisse donc suffisamment d' espace là-haut pour ajouter des tulipes de finition à cette extrémité. Que fais-je ? Gerbers, revenons à ces petits centres. C'est probablement aussi le point le plus important de ce travail. C'est toujours une bonne chose à garder à l'esprit, ce sont ces petites limites. Parce que si vous repoussez ces limites et que vous finissez par les dépasser, l'ensemble du travail sur la page vous semblera un peu déséquilibré Oups, mon pinceau est toujours jaune. Je vais maintenant y mettre ces petits pétales compliqués. Oui, c'est donc notre point le plus important. Et je le fais en disant, d'accord, ça fait environ un pouce. Ça fait environ un pouce, c'est bien. C'est bon. C'est peut-être le dernier d'entre eux. Maintenant, je sais où je vais aller ensuite. Je dois terminer ce virage en utilisant les tulipes pour que le chemin soit libre ensuite Et puis, je n'ai pas une longueur d'avance pour le moment. D'habitude, j'ai la prochaine étape en tête, mais je dois déterminer si cela va compléter cette sensation d'équilibre au bout de la rue, puis je trouverai ce qui se passe ici. Tchad. Allons-y, je pense que ça doit prendre le dessus pour ces gars-là. Oui, laisse-moi faire quelques feuilles, et les fleurs elles-mêmes. accord ? Tulipes rose vif Très bien, maintenant je commence à penser que j'ai quelques cloches bleues à mettre ensuite, peut-être dans l' autre sens. Ensuite, je trouverai ce qu' il faut faire dans ce coin supérieur. J'ai l'impression qu'il va y avoir des cloches bleues. Et puis peut-être un peu plus de gants Fox. Ensuite, je ne sais pas comment je vais remplir ce coin, mais ce sera l'une de ces choses où je devrai résoudre le problème une fois que j'en aurai le temps. Prends ma cloche bleue verte, j'aime bien ça. Puis un peu plus de bleu, un peu plus. Encore un petit peu. Et je dois remettre cette feuille dedans. Il y a encore un petit trou visuel, pour moi, mais je vais y remédier quand j'arriverai à la fin Je pense que maintenant Purple Guys et que dois-je faire ensuite ? Ce que je dois faire, c'est que je suis allé un peu plus loin dans ce coin, donc je pourrais juste ajouter quelques feuilles supplémentaires ici pour y remédier Il se peut que je finisse par ajouter quelques feuilles au bas des époques, peut-être juste pour cet équilibre. Très bien, je vais maintenant enfiler, je crois, les deux derniers gants de renard. Et puis il se peut que j'aie une petite lacune ici, ou que je puisse la combler avec des tulipes J'évaluerai cela quand nous y arriverons. Qu'est-ce que je fais ? Gants Fox. Revenons-en aux gants de renard. Nous voulons qu'ils reviennent. Donc, quand je dis encore une fois, je veux dire pointer du doigt vers. S'il pointait vers l'extérieur, je pense que le tout semblerait un peu déséquilibré parce que tout le serait, trop de choses pointeront dans la même direction même Peut-être juste deux tiges. Hok, Dirk, ce type, parmi ceux qui sont là. OK. Maintenant, je vais certainement me dire que je vais terminer celui-ci avec encore quelques tulipes dans le coin supérieur, puis je pourrais ajouter quelques feuilles à ces gerbers Il y a toutes ces questions qui me viennent à l'esprit tout le temps. Et j'analyse constamment ce qui va se passer ensuite. Où est la prochaine étape ? Quelle est la couleur manquante ? Quelle couleur est nécessaire ? Toutes ces sortes de choses. C'est bon. Je vais continuer à suivre ce flux. Peut-être juste trois, assez pour combler ce petit vide , alors je vais prendre mon dernier petit bout de rose Il y a un peu trop de peinture là-bas. Oui, je pense que je veux ajouter ces feuilles de pétales au bas du Gerber Est-ce que cela va aider à équilibrer leurs petites feuilles amusantes. congé très peu descriptif, je dois dire. D'accord. Oh, la dernière petite chose que je voulais ajouter à ce gars était un petit bourdon Et cela peut être le petit mouvement optique de ce jaune vif qui permettra à l' œil de contourner l'œuvre. Je suis, nous avons un peu de flair, débarrassez-vous de vous Dans ce cas, ce sera vraiment une bonne façon de combler les lacunes, les trous visuels dont je parlais Je vais en mettre un petit là-dedans , un petit là-dedans. Et ton œil dira : « Oh non, pourquoi l'as-tu mis là ? Tu pourrais le mettre là. C'est votre propre intuition qui vous dit ce que vous devez faire. Et faites simplement confiance à votre intuition. Je ne suis pas là pour te retirer le pinceau ou te forcer à faire quoi que ce soit. Vous pouvez simplement travailler avec ce qui vous convient le mieux. Allons-y, peut-être un là-dedans. un là-bas et il m'en faut un en bas. Où est-ce que je vais te mettre ? Peut-être qu'en bas, tout tourne autour de l'équilibre. Tout le temps, en pensant toujours à l'équilibre et peut-être à l'équilibre. C'est bon. Je vais juste attendre que ça sèche. Je vais ajouter quelques détails les faire ressembler à de jolies petites abeilles. Et celui-ci sera terminé. C'est bon. Tout est sec maintenant, donc je peux ajouter cette dernière couche, ces dernières touches. Même avec ce peu d' espace pendant lequel je sèche, je perds tout des yeux, je peux tout voir à nouveau plus clairement. Et je ne peux vraiment pas encourager cela. Il suffit de ne pas trop vous enfoncer dans ce que vous faites pour ne pas voir la forêt à cause des arbres. Je vais donc juste ajouter quelques petits détails mignons ici pour les faire ressembler à petites abeilles et à une petite aile, peut-être une autre petite. Ouais. Alors peut-être que celui-ci va dans ce sens. Quoi qu'il en soit, cela ajoute à l'histoire lorsque vous ajoutez ces petites bizarreries Par exemple, vous ne vous attendiez probablement pas à ce que j'y aille, mais cela peut vous aider à raconter votre histoire, ce que je trouve vraiment agréable à faire. Et tout le monde sera comme de jolies abeilles. Pourquoi les as-tu mis là ? De toute évidence, c'est le printemps et l'énergie est pleine d'énergie et l'été, cela vous permet également de vous concentrer l'œuvre , car ce sont des éléments qui se répètent La répétition sera un thème très important pour le reste de ce cours. Il y a ceux-là. Je vais juste ajouter quelques petites marques d' arrière-plan et des détails pour remplir certains espaces. Cela va donner l'impression qu'il y a un peu plus de monde, mais je vais utiliser un ton très léger juste pour le remplir et donner l' impression que c'est un petit jardin très fréquenté et productif. Je ne sais pas si vous pouvez entendre la pluie, mais il pleut magnifiquement dehors Et cela m' inspire beaucoup pour peindre des jardins et toutes ces choses naturelles. C'est bon. Peut-être quelques-uns là-dedans. C'est juste comme ça. Comme ces petites marques. Si vous vous dites que si c' était de la musique et que nous parlons de rythme, il s' agit simplement d'un autre petit rythme, d'un autre petit morceau qui se produit dans ce rythme et qui le rendra plus complet. Nous y voilà. Je pourrais continuer, mais je ne le ferai pas. C'est bon. Mon objectif était donc de me balader dans le jardin avec un rythme doux et fluide Et j'espère que vous pouvez voir que c'est ce que nous avons accompli. Le défi que je vous lance, si vous l'avez terminé et que vous aimez le faire en tant que projet, est de prendre ces mêmes éléments, puis de modifier leurs proportions ou leurs couleurs ou quelque chose comme ça. Et changez ce rythme. Essayez de créer un rythme plus chargé ou plus rapide. Ou ralentissez-le encore plus. Mais il suffit de quelques changements avec les actifs que nous avons créés ici, et vous aurez un rythme complètement différent. Et c'est quelque chose de vraiment intéressant à explorer à partir d'ici. Nous allons nous intéresser au motif, qui est une autre façon d' explorer la répétition et une autre façon cruciale d' explorer notre façon de penser et de peindre. J'ai hâte de vous dire celui que nous voyons. 6. Les principes de l'art : motif: Bien, nous venons d' explorer le rythme, qui est un type de répétition que nous pouvons utiliser dans notre œuvre pour créer un flux ou une cadence tout au long de notre interprétation de l'œuvre Nous allons maintenant examiner le schéma. Et on pourrait penser que le motif est la même chose que la répétition ici, mais en fait, c'est un peu comme une subdivision complète Et je voulais en parler séparément parce qu'il répond à un objectif vraiment distinct et distinct. Nous voyons tout autour de nous. Cela se retrouve sur nos articles ménagers, sur nos vêtements, dans les paysages urbains et dans toute Le motif est littéralement tout autour de nous et notre œil adore rechercher des motifs. Il adore trouver une séquence et retrouver cette familiarité. Le motif peut être utilisé dans votre œuvre d'art de deux manières. L'œuvre elle-même pourrait être le motif. Et vous le verrez comme si vous connaissiez William Morris ou l'un de ces créateurs de motifs vraiment fabuleux et fantastiques pour vos tissus d'ameublement ou quoi que ce soit d'autre. Ainsi, vous pouvez créer toute une surface de motifs et vous pouvez simplement vous perdre pendant que vous les peignez. C'est un processus vraiment très méditatif d'essayer de répéter des choses et est vraiment fantastique d'essayer de répéter des choses et de les peindre à la poêle Et puis l'autre façon d' utiliser le motif est de l'intégrer dans votre travail Et je pense que Gustav Klimt est un très bon exemple, où chacune des formes est remplie de différents Vous pouvez également penser au vase, par exemple, à votre nature morte, s'il y avait un motif sur le vase qui est toujours classé selon un motif dans votre œuvre La nappe utilisée dans cette même nature morte ou chaque fois que vous incorporez un motif dans une peinture est également une utilisation de motif. Parce que les modèles peuvent vraiment aider à communiquer une culture, une époque et un lieu. Je peux exprimer l'opulence. Il communique une vaste gamme de choses parce que nous avons tellement d'associations mentales avec des modèles au départ. D'une manière générale, nous avons deux types généraux de modèles. Il y a la géométrie, qui devrait sembler assez explicite, s' agisse de vos vichams et damiers de base, ou de carreaux géométriques et tesselés plus complexes Ce sont tous des motifs géométriques. Ce que j'aime travailler, ce sont nos motifs organiques. Et nous pouvons les utiliser de différentes manières, et le motif est tellement amusant à utiliser. Et je ne veux pas que vous le supprimiez, parce que je pense que si vous pouvez vous enfoncer dans un motif et simplement trouver votre rythme, je suppose que c'est une façon vraiment très amusante de peindre et une toute autre façon d' appliquer votre travail. Personnellement, au cours de ma carrière, j'ai eu l'occasion de peindre toutes sortes de motifs homogènes pour des marques de mode. Je vais vous en montrer quelques-unes maintenant, et chacune d'entre elles est parfaite. Les éléments sont donc peints. Ensuite, je les numérise et je les range sur l'ordinateur de manière ce qu'elles puissent être facilement nouées sur toute la longueur du tissu. Et ils ont été appliqués à tout des robes à la haute couture, aux packs, à tout ce qui est vraiment des leggings, à toutes sortes de choses Et c'est une façon vraiment très amusante de concevoir votre œuvre d'art de manière appliquée, mais cela ne se limite pas à cela non plus. Je voulais juste vous montrer quelques autres types de choses que vous pouvez faire avec votre aquarelle, nécessairement produire cartes de vœux ou des peintures pour votre mur Voici quelques autres exemples que j'ai pensé pouvoir vous montrer aujourd'hui. Et celui-ci a fini par être un défi pour une marque que je sais que nous numérisons, que nous avons fini par changer un peu les couleurs, une marque que je sais que nous numérisons, que nous avons fini par changer un peu les couleurs, mais c'est vraiment amusant Je l'ai peint pendant mes vacances au Mexique et j'ai été inspiré par les carreaux qui s'y trouvent. C'est donc également une très bonne façon de rassembler vos expériences C'est celui que j'ai sorti du tiroir, qui ne contenait que quelques arbres vraiment basiques. Cela date d'il y a peu de temps, mais c'est assez stylisé Je voulais juste vous montrer qu'il existe un schéma extrêmement large comme s'il pouvait s'agir d' cours captuel à lui tout seul, parce que c'est un jeu tellement amusant et vaste avec lequel jouer Et je pense que c'est très différent de la répétition parce que nous passons ensuite à la répétition. Je vais donc en quelque sorte faire la distinction entre les deux Mais le motif est avant tout une question de motifs. Ces arbres sont donc des motifs, qui sont des ensembles d'éléments répétés en séquence ou de manière organisée. Et notre œil remarquera ces modèles. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit lorsque nous parlons spécifiquement de modèle. En voici une autre petite qui ressemble à des chaînes de montagnes. Et puis j'en ai fait une amusante avec peu de liquide de masquage plusieurs couches et un peu de sel également C'est donc celui-ci que j'ai utilisé comme source d'inspiration pour projet d'aujourd'hui. Ce que je vais vous montrer maintenant, c'est notre sujet, que j'ai choisi pour nous, qui est la capucine. Je les adore. J'en ai dans mon jardin, et je ne sais pas si les gens les considèrent comme des fleurs de jardin Daggy Veggie, mais je trouve que la façon dont elles s'installent dans leur environnement est vraiment magnifique J'ai pensé que c'était l'occasion idéale faire un peu de dessin. J'ai, j'ai une feuille de papier ici pour faire mon dernier travail. Je vais donc travailler sur cette taille ici, qui est à peu près un peu inférieure à quatre. J'ai également un petit souci, car je vais d'abord isoler certains de ces éléments. Parce qu'une fois que nous avons retiré quelques petites pièces, il est plus facile pour moi agencer selon un beau motif plutôt que d' essayer de me frayer un chemin dans l'œuvre elle-même. Je vais donc sortir les pièces de mon puzzle, puis je vais jouer avec quelques vignettes pour essayer de trouver un modèle qui soit bien fluide Ensuite, je vais peindre cette œuvre ici, en gardant à l'esprit que j' adorerais également y introduire un élément d'espace négatif. Juste pour ajouter une touche supplémentaire, car nous savons tous que j'adore travailler dans l'espace négatif Donc, la toute première chose que je vais faire est de peindre quelques petites choses pour moi-même. En gros, il s'agit simplement d' expliquer comment j'aborderais la peinture de certaines de ces choses Je vais donc peindre une fleur, peut-être un bourgeon, et quelques feuilles différentes. Ensuite, je vais essayer de les utiliser comme éléments de base pour créer un beau motif. J'ai besoin d'un petit pinceau. Je vais passer à la taille 1 sur celui-ci, soit l'équivalent d'un huit, je crois en vos pinceaux traditionnels. Elle possède ses propres pinceaux uniques. Bien, donc les couleurs principales avec lesquelles je travaille sont ces oranges vives et chaudes, un peu de jaune et un peu de vert. Il y a donc cette sensation vraiment luxuriante de jardin. Je veux donc vraiment essayer d'améliorer cela. Ainsi, lorsque je travaille et que je choisis des fleurs, je travaille avec des choses auxquelles je fais d'abord appel. Donc, si les nurtiums ne le font tout simplement pas pour vous, choisissez Assurez-vous d'avoir également des photos des feuilles ou de toutes les autres parties de la fleur. Parce que si vous n' avez que la fleur elle-même, cela ne suffira peut-être pas à créer une gamme suffisante pour votre motif. J'adore celui-ci parce qu'il a ces petites feuilles géniales en forme de nénuphar et que les fleurs sont belles et lumineuses J'ai donc vraiment envie de m'en tenir à cela lorsque j' essaierai de peindre, je vais d'abord peindre quelques fleurs différentes. J'ai donc de l'orange, jaune et du rouge avec lesquels travailler. J'ai également fourni toutes ces photos dans les téléchargements. Vous n'êtes évidemment pas obligé de les imprimer. J'ai juste pensé que c'était pratique pour que vous puissiez également voir sur quoi je travaille. Et c'est la même chose que ce que tu dois faire. accord. Ils ont donc le gros pétale en bas, puis le premier côté, le premier côté Ensuite, faites en sorte que ces couleurs changent. Les choses sont dans l'ombre. Les choses prennent le soleil. Les choses ne prennent pas le soleil. Nous voulons tous ces sentiments alors. Ensuite, je veux juste effacer toutes ces couleurs. Et je vais prendre du rouge vif pour placer ces petits gars au milieu. J'adore ce genre de moustaches de chat. Nous y voilà. Et je dirais que j'ai juste besoin d' une touche de jaune au centre. Très bien, je vais en essayer un autre aussi. Assurez-vous donc de me rappeler qu'il existe également une grande variété de produits avec lesquels travailler. Quand on parle de patron. Vous pouvez avoir un schéma régulier, qui est la même chose, répété encore et encore d'une manière familière. Et puis vous pouvez avoir un schéma irrégulier, alors que c'est presque un retour au rythme Quand on parle de cela qui devient un peu moins familier, je pense à la façon dont j' aime créer mes motifs, parce qu'ils sont tous peints à la main, je les mesure à l'œil nu, je ne mesure rien ou je ne travaille pas sur une grille. Ils deviennent assez organiques et se situent quelque part entre le normal et l'irrégulier. C'est donc quelque chose à garder à l'esprit qu' une fois que le processus est passé à un stade plus formel et que vous mettez les choses en production commerciale, elles doivent être un peu plus régulières et les coutures doivent fonctionner parfaitement. Mais lorsque nous ne faisons que jouer le jeu comme ça et que nous peignons avec nos mains, il est parfaitement normal elles soient un peu irrégulières. D'accord, alors en voici une rouge. J'utilise un peu d' espace négatif ici parce que je veux en fait utiliser principalement l'espace négatif, c'est l'une de ces choses qui vont rassembler le tout. J'adore travailler avec l'espace négatif et si vous avez vu ce que je fais dans les leçons de superposition, ce sera un peu similaire, mais avec un côté supplémentaire, un défi Je vais faire un peu plus sombre là-bas. Parfait. Bon, maintenant, il y a deux éléments clés dans mon esprit, c'est la fleur, maintenant je veux vraiment m' assurer d'y mettre un bourgeon. Faisons un peu comme ça, puis peut-être un peu de vert. Il y a donc un inconvénient, je pourrais faire un autre pour faire un petit essai. Parce que, vous savez, plus vous peignez, plus vous vous familiarisez avec tout ce qui est parfait. C'est bon. Maintenant, la feuille, la feuille est en fait plus difficile que vous ne le pensez. Et je passe un peu de temps à les pratiquer car j'adore les petits contours bancaux Mais ensuite, placer toutes les veines au centre avec un espace négatif, j'ai eu du mal à le faire au centre avec un espace négatif, j'ai eu . Je finis donc par peindre des triangles. C'est ainsi que cela a fonctionné le mieux pour moi. Si vous trouvez une meilleure solution, veuillez me le faire savoir afin qu'ils viennent tous se rencontrer au milieu. Ce n'est certainement pas parfait parce que je veux qu'il soit assez souple et ludique et je veux vraiment améliorer ce petit côté extérieur bancal avec lequel jouer Je pourrais juste arranger ça, mais le bord. C'est bon. Maintenant, qu'en est-il d'autre, je pense que l'autre forme que je voudrais vraiment essayer d'intégrer à mon motif est la feuille latérale, qui ressemble un peu plus à une vue latérale, désolée, de côté, pour que vous en ayez que l'autre forme que je voudrais vraiment essayer d'intégrer à mon motif est la feuille latérale, qui ressemble un peu plus à une vue latérale, désolée, de côté, une meilleure idée Et puis la tige se détache comme ça. Et cette tige pourrait tourner comme ça. Et les tiges, les gousses le pollen et toutes ces choses sont vraiment intéressantes, comme le fait de pouvoir s'enfouir assez profondément dans une fleur et en extraire tous ces éléments. Je n'ai fait que les bases ici. Deux fleurs, deux boutons et plusieurs formes différentes de feuilles. Je veux dire, je pourrais faire une feuille plus petite parce que je pense qu'elle pourrait aussi être belle. Mais nous pourrions continuer à descendre, descendre et descendre, et continuer trouver toutes ces formes avec lesquelles jouer. Et ce sont les pièces de notre puzzle. Ce sont eux qui feront en sorte que ce modèle fonctionne ou ne fonctionnera pas là aussi. Et nous pourrions avoir une petite gousse. J'adore les petites gousses. Attention, je ne les aimais pas tant que ça. À la fin de l'été, alors qu'elles étaient un peu partout dans mon jardin, je savais qu'elles allaient germer. Et j'ai maintenant 5 milliards de Nittiums partout. Très bien, pour moi, c'est une petite feuille, une petite carte de formes avec laquelle je vais travailler pour développer le reste de ma passion. Je les ai maintenant. Je sais que je veux travailler avec l'espace négatif. Pour moi, c'est un défi que j' aime beaucoup car cela vous fait vraiment repenser la façon dont vous abordez beaucoup de choses Surtout quand il s'agit de j' adore l' option d'espace négatif, car lorsque vous avez densité de feuilles et couleurs vraiment riches, vous pouvez obtenir un effet vraiment cool. Ça va faire mon tiers. Et j'ai mon bout de papier ici, donc je veux m'assurer qu' il correspond à ce ratio. Et je vais commencer à mettre des fleurs en tant que principal point focal. Je pourrais les alterner ici, et c'est juste moi qui joue parce que options sont littéralement illimitées. Quand il s'agit de motifs, il y a tellement de possibilités de jouer. Une fois que vous avez décomposé ces éléments, il ne vous reste plus qu'à réfléchir à la manière de les assembler et à savoir si vous devez jeter un œil sur Pinterest ou ligne pour voir quel type de motif vous pouvez vous inspirer. Parce qu'il y a le baroque, le rococo, le country traditionnel, il y a tellement de types de motifs différents Je veux en quelque sorte opter pour cette atmosphère de jardin vraiment luxuriant et c'est ce qui m'a poussé à ce résultat. Qu'est-ce que je vais faire ensuite ? Je vais faire un, peut-être que je vais faire un bourgeon ou peut-être entrer et continuer comme ça. Je veux donc que ce soit un peu régulier, comme si vous vous attendiez à ce que les choses se passent selon un schéma. Parce qu'au moment où nous aurons peint à la main, cela deviendra assez irrégulier. Ensuite, je dois mettre quelques feuilles dedans, il y a une feuille latérale, une feuille latérale On dirait presque une fleur tropicale hawaïenne au mini Ensuite, nous voulons également créer des feuilles circulaires. Alors, pour moi, l'astuce sera de fonctionner. À quel moment de la superposition d'espaces négatifs dois-je introduire tous ces éléments Nous devons aller le remplir. J'aurais pu faire un schéma normal. J'aurais pu refaire la fleur encore et encore, et cela aurait suffi. J'aurais pu jouer avec l'échelle et en faire de grandes, d' autres petites, ou j' aurais pu me concentrer sur les feuilles et les refaire encore et encore. Il y a littéralement tellement de choses avec lesquelles jouer ici et vous pouvez remplir des feuilles, des feuilles et des feuilles avec des vignettes Mais ne vous inquiétez pas trop à ce sujet, car j'adorerais que vous abordiez également la partie peinture. Gardez à l'esprit le sens régulier, irrégulier, régulier. Prévisible. La même cadence, le même rythme d'un bout à l'autre. Irrégulier, légèrement plus imprévisible. Mais je peux toujours suivre ce schéma. Cela peut être à une plus grande échelle, cela peut être plus compliqué ou ce n'est peut-être pas aussi évident. J'aime m'asseoir quelque part entre les deux. Je pense que c'est un très bon équilibre entre un motif peint à la main à la main. Donc à partir de là, je pense que je devrais simplement m' y atteler et commencer parce que j'ai hâte de savoir ce que nous allons faire ? Nous allons d' abord aborder cette question. Contrairement à ce que nous avons fait avec les exercices d' espace négatif par le passé, je vais d'abord commencer par peindre avec des éléments positifs. Je vais donc d'abord peindre les fleurs, puis je vais peindre autour de cela et faire le travail d'espace négatif en arrière-plan. Je sais que cela va être un peu difficile, mais je l'ai ici comme référence. Où est-ce que je vais te mettre ? Je n'ai plus d'espace maintenant. Je vais le mettre, je vais te mettre ici. Nous y voilà. Je dois suivre cette ligne directrice, et je vais peindre toute cette feuille, donc je ne vais pas laisser de bordure ou quoi que ce soit d'autre. Ça va être exactement comme ça. Et je vais juste peindre ces fleurs comme point clé pour le moment. , donc, comme je l'ai fait tout , m' asseoir juste sur le troisième, je vais mettre une fleur ce serait une bonne idée pour les pensées ou il y a plein de fleurs différentes qui vont convenir à cela Des violettes, tout ce qui vous plaît si vous ne sentez vraiment pas J'ai juste pensé que ce serait un beau défi et quelque chose de totalement différent de ce que je fais habituellement. Mets ces petits gars dedans parce que je ne veux pas que le centre jaune saigne. Je vais le laisser sécher et y revenir plus tard parce que ça saignait ici. Et je ne veux pas que ça saigne autant que ce qui s'est passé là-bas Donc je vais juste laisser celui-ci tel quel. Je vais peindre le suivant et je vais essayer assurer qu'ils ne sont pas tous trop similaires. Je veux juste qu'ils soient tous légèrement différents. Il a cette nature vraiment peinte à la main. Si vous vouliez vous concentrer entièrement sur les fleurs, vous pouvez facilement le faire également. Et regardez-les sous tous les angles. Et c'est une source d'inspiration suffisante pour créer un motif complètement distinct et unique. Posez-en un ici, puis je dois y aller, en mettre un dessus. Encore une fois, j'essaie vraiment utiliser le bout fin du pinceau sur celui-ci. Mets-y toutes ces fines veines. Ensuite, je vais monter ici et faire celle du bas. Vous pouvez voir que je commence à me débarrasser de ce schéma. Vous pouvez facilement le faire sur une feuille de cette taille , doubler la taille ou quadrupler la taille, et vous pouvez simplement continuer à suivre le motif. Bien, la prochaine étape est de mettre ces boutons dans lesquels ils se détachent des fleurs. Il se peut que nous choisissions comme ça et je vais surveiller de près ma miniature là-bas Je ne le fourre pas. Je vais le peindre en rouge jusqu' à cette couleur et oui. Et je dois aussi repartir dans l'autre sens. Je peins toutes ces tiges dedans, oups, Nilly est parti dans le mauvais sens. Je fais ce que je dis toujours à tout le monde de ne pas faire tourner ma page. vaut vraiment le coup de tourner votre page, surtout si vous devez travailler quelque chose d'un peu plus compliqué à gérer pour votre cerveau. OK. C'est tout ce que je vais faire pour le moment. Je vais laisser sécher, puis je vais revenir , peindre ensemble de l'arrière-plan et travailler sur une zone d' espace négatif à partir d'ici. Ce sera vraiment excitant de voir comment tout cela va se passer, alors supportez-moi pendant que je laisse sécher, et je reviendrai dans un instant. OK, les peintures sont toutes sèches maintenant. Et je l'ai fait pour que, lorsque je peins le fond mon orange ne se fond pas dans mes verts et mes bleus Vous n'êtes pas obligé de le faire, mais je voulais en quelque sorte mélanger les couleurs plutôt que d'avoir trop d' espace blanc autour des fleurs. C'était donc une étape importante du processus pour moi. Je vais maintenant remplir ce terrain avec un mélange de vert et de bleu. Peut-être un peu de violet. Nous avons beaucoup de rouge et d'orange intenses ici, donc je dois en tenir compte dans mon équilibre des couleurs avec le reste de la peinture. Si tout est du blues, ça va rendre ça trop extrême. Et si tout est vert, c'est parce que c'est orange et rouge que les contraires sont le bleu et le vert Cela va rendre ce contraste trop fort. Et je veux que ce soit un peu plus subtil que ça. Je vais donc le remplir de nombreuses nuances de vert et continuer à le faire bouger. Peut-être même avec une petite touche de violet ou quelque chose comme ça avec mon balai. Je suis donc de retour dans le balai Encore une fois, nous n'avons pas simplement investi dans un balai pour un exercice. Je vais rapidement peindre sur ce sol le plus rapidement possible. Je veux dire, tu peux prendre ton temps, mais je ne veux pas que tu sois obligée de rester assise ici me regarder peindre tout le temps. Je vais mélanger ces couleurs. Chaque fois que je prends de la peinture, je vais essayer de choisir une teinte différente de mélange granuleux et bleuté. un peu attention à ces petits bords, mais je veux aussi être assez légère et picturale dans mes choix Je ne suis pas trop coincé. Ce mélange sera le plus clair de nos feuilles, si cela a du sens. Parce que ce sera notre couche supérieure dans notre espace négatif Il est donc important de le garder assez léger et lavable, pas trop fort. J'adore tous les effets sonores que je fais lorsque je peins. C'est comme si je suis humeur silencieuse et que je me concentre sur cela, parce que c'est parfaitement logique pour tout le monde. OK, je vais passer presque au vert jaunâtre juste pour vraiment harmoniser les tiges qui s'y trouvent également Peignez ici. C' est ce dont je parlais lorsque nous peignons en arrière-plan pour créer du contraste. Si je ne reviens pas bientôt sur ce bord, il va se figer sur le papier et laisser un bord dur Vous devez donc essayer de faire en sorte tout bouge autant que possible. Il se peut que je doive prendre quelques vacances dans ce coin de rue et y retourner. Je pourrais même ajouter un peu plus de bleu au mélange. Et maintenez ce bord humide et en mouvement , sinon il laissera une marque sur votre page. Trop d'eau, tout cela va prendre trop de temps à sécher et vous en aurez marre. Essayez de ne pas le mouiller trop. Je vais toucher tout le terrain pendant que je me déplace. ceux d'entre vous qui ne connaissent pas ce processus, c'est une façon vraiment amusante de réfléchir à vos formes dans l'œuvre. L'espace négatif est un outil très puissant avec l'aquarelle, car il est toujours translucide, peu importe ce que vous obtenez, ces effets magiques lorsque nous commençons à penser à des choses d' une portée négative plutôt que de toujours travailler le positif, il faut un peu plus de bleu ici C'est bon. Maintenant, j'ai encore une fois oublié ce bord, donc je vais devoir y retourner pour m' assurer qu'il ne gèle pas OK, allez-y, les gars, laissez-moi entrer ces points. J'adore aussi la variété de légumes verts que vous pouvez trouver ici. Et c'est drôle parce que moi, dans mes propres œuvres, vous l' avez peut-être remarqué ou non. C'est assez subtil, mais je déteste le vert. Comme si j'avais vraiment du mal à travailler avec le vert. Et j'ai très peu de légumes verts dans ma palette. Je les cherche très rarement. Je trompe presque toujours les verts avec du brun, gris ou du jaune J'ai vraiment du mal avec le vert. Je n'aime pas beaucoup peindre avec. Je voulais vraiment me lancer des défis et je pense que c'est toujours une bonne idée de porter un chapeau. Comment puis-je me lancer le défi de m'améliorer ? Et l'une de mes choses cette année est de commencer à adopter le vert Ce n'est pas mauvais ou quoi que ce soit d'autre, c'est juste quelque chose que je préfère ne pas trop utiliser. qui est très étrange pour quelqu'un qui aime autant que moi peindre des plantes. Mais une fois que vous l'aurez vu, vous le verrez partout. Je ne peins pas beaucoup en vert. D'accord. C'est donc le petit défi que je me lance. Peignez et appréciez le vert. Assurez-vous que mon équilibre est bon. Si j'ai une couleur encore plus larmoyante, je ferais mieux d'en introduire un peu plus ailleurs sinon je vais avoir l'air très solitaire Je pourrais donc en mettre un peu plus ici. Certains d'entre vous pourraient se demander : qu' a-t-elle fait du reste des feuilles ? Pourquoi est-ce qu' elle peint tout en vert ? Cela n'a pas encore été révélé. Cela va se réunir. C'est la base de notre espace négatif que nous sommes en train de créer en ce moment. J'ai presque perdu cet avantage. Il commence juste à geler. Si vous trouvez que l'un de vos bords est un peu gelé, vous pouvez simplement le frotter un peu et cela le réactivera généralement, pas il y a un jour ou quelques minutes Et ça a peut-être changé. Mais vous pouvez voir si vous avez trop embêté votre peinture. L'endroit où se trouve votre pinceau est toujours évident. Je vais donc essayer de me débarrasser de ces marques et j'espère qu'elles s' arrangeront d'elles-mêmes. Ça a l'air vraiment sympa. Ce que j'ai pensé faire à partir de là, c'est que je veux vraiment capturer cette lumière tachetée, cette sensation qui se dégage des feuilles lorsqu' elles sont toutes denses et luxuriantes, comme dans le jardin Je vais donc ajouter qu'un peu de sel aide s'il est ouvert. Oh, c'est beaucoup trop de sel. C'est certainement comme si moins c'était plus quand il s'agissait de sel. Si vous n'avez jamais travaillé avec du sel dans l'aquarelle auparavant, cette méthode magique permet d' absorber toute l'eau qui l' entoure et de créer un magnifique effet tacheté et tacheté. Moins c'est toujours plus. Et je pense qu'une pincée uniforme, même c'est bon sur votre rôti ou quoi que ce soit d'autre, si c'est bon sur votre rôti ou quoi que ce soit d'autre, il vaut mieux que ce soit un peu plus varié sur votre plat Ici, nous voulons un peu ici et un peu là, mais pas une couverture trop uniforme. Cela fera un bien meilleur effet. Il y avait une autre chose que je voulais faire, celle-ci, que nous n'avions jamais faite auparavant, c' est-à-dire prendre un beau gros pinceau humide et me distraire un peu. Nous allons y mettre de grosses gouttes d' eau potable Et cela va également avoir un effet très intéressant, mais cela va donner un peu plus de cette sensation de relâchement organique que nous recherchons. Donc, en gros, effleurez le pinceau et faites attention aux autres choses qui vous entourent Donc, vous pouvez voir qu'il dissipe tout ce pigment et le déplace, et vous obtenez un effet de lumière tacheté vraiment cool Je vais donc, encore une fois, faire une pause pour le moment. Je vais le sécher, puis je vais peindre, commencer à peindre dans mes couches d'espace négatives. C'est bon. Nous sommes tous à nouveau secs. Maintenant, si vous laissez votre œuvre sécher dans une autre pièce et que le sel est toujours sur le dessus, brossez-le simplement une fois que l'œuvre est sèche. N'essayez pas de le faire lorsqu' il est mouillé, car cela provoquerait un désastre. En gros, il suffit de le brosser une fois qu'il est sec, et on a l' impression d'être un petit canard moche en ce moment, mais ça ne fait que devenir encore plus excitant à partir de là J'adore toutes les textures qui se dégagent de cette texture quelque chose que les gens n' associent pas vraiment à l' aquarelle parce que vous n' avez qu'une seule surface, vous n'avez pas l'épaisseur de la peinture avec laquelle travailler. Mais je pense qu'il existe de nombreuses façons géniales de manipuler votre pigment sur la page. Et ils sont spécifiques à l'aquarelle, et je ne m'inquiète même pas trop de la texture. Maintenant, mon prochain défi est de me concentrer. Et je vais utiliser mon crayon ici pour ne pas trop m'y perdre, car cela va devenir de plus en plus compliqué au fur et à mesure que je vais créer cet espace négatif. Je vais donc mettre quelques feuilles au crayon, et c'est là que le motif irrégulier entre en jeu. Comme je le fais à la main, tout va être légèrement différent. Pour être honnête, l'un des aspects que j'aime vraiment, c' l'un des aspects que j'aime vraiment, c'est que vous n'avez tout simplement pas autant de contrôle. Ils vont être un peu réguliers. j'ai une idée approximative de l'endroit où je les place, mais ils ne sont pas vraiment trop précis. OK, je pense que ce sera notre prochain set. Je viens de faire un niveau de feuilles et ce seront parmi les plus grosses feuilles du mélange. Si je regarde ma petite feuille de route, je les ai placées en cours de route et j'ai fini par en mettre d'autres sur le côté pour combiner tout cela. Je vais donc reprendre ma brosse à balai. Je vais obtenir le même mélange de grains similaire , mais à nouveau à la même profondeur . Il va donc s'ajouter. Au moment où nous ajouterons une autre couche, nous allons continuer à ajouter cette profondeur de couleur et elle deviendra de plus en plus riche au fur et à mesure que nous ajouterons l'un des plus beaux aspects de la peinture à l'aquarelle. OK, maintenant pour moi, le plus difficile est de suivre ces lignes, de ne pas trop me perdre dans le moment présent et de peindre sur une zone qui devrait se trouver dans un espace négatif. Il va donc falloir que je me concentre, non ? Et j'espère ne pas tomber sur trop de sel en cours de route. Je n'ai pas encore tout compris. Ça n'est pas encore sur la page. Quittez à nouveau toutes ces zones. En gros, nous peignons partout où ce n'est pas la feuille, tout l'arrière-plan à nouveau. Chaque fois que j'ai dessiné une feuille que j'évite, vous allez également laisser un peu de cette ligne bancale qui entoure les accord ? Chaque fois que nous créons une nouvelle couche, la zone que nous peignons devient plus petite, si cela a du sens. J'y ai créé des formes géniales que je n'ai pas aimées. Je vais devenir assez bleue. Je pense qu'il y a peut-être un peu plus d'eau là-dedans. Hoops a failli le faire. Il y a un peu trop d'eau là-bas. Maintenant, vous ne voulez certainement pas piscines lorsque vous changez de couleur C'est bien beau de perdre un peu contrôle et de laisser les objets nager, mais trop d'eau est également un problème. C'est un peu une mauvaise habitude pour moi. vois, nous sommes déjà à mi-chemin et les feuilles commencent à évoluer. Ils commencent à se révéler. Nous allons passer à prochaine étape dans ce petit espace restreint. J'ai oublié ce petit trou ici. C'est aussi une question importante. Tout permet de définir. Négatif. L'espace peut être difficile parce que vous peignez tout sauf ce que votre cerveau veut peindre. Je pense que c'est pour cela que cela semble si efficace à long terme. Mais cela peut vous faire du mal en un rien de temps pendant que vous essayez de déterminer ce qui va suivre et où peindre. Qu'est-ce que j'ai oublié ? Et accordez-vous juste un peu de gentillesse. Tout va se mettre en place et il faudra peut-être quelques essais pour bien faire les choses. J'essaie de ne pas mettre mes doigts dans la peinture. Oui, il y a un bout de feuille là-dedans. Je dois m'assurer de bien récupérer ces bords avant qu'ils ne sèchent à nouveau. OK. Maintenant, nous en avons fini avec cette couche. C'est un peu trop lourd avec le bleu de ce côté, mais je peux compenser cela dans la couche suivante. En fait, cela ne me dérange pas que un peu unilatéral pour cette couche, je trouve qu'elle est belle. Viens par ici. C'est un petit avantage que je vais devoir réveiller parce que je l'ai oublié Si vous ne faites pas attention, cela peut réactiver un peu la douleur et provoquer une sorte de floraison laide Il y a de belles fleurs et des fleurs laides. Les plus moches, c'est quand nous avons essayé d'arranger les choses, malheureusement. Et c'était moi qui essayais de corriger cet avantage que j'avais oublié. C'est bon. Idéalement, si nous avons peint assez près de nos traits de crayon, ils devraient disparaître et ne pas avoir à l'être. Tu n' aurais même pas besoin de les effacer. Elles disparaissent simplement sous les différentes couches de peinture. Je peins un peu plus picturalement, donc vous verrez peut-être certaines des miennes, mais je pourrais peut-être les effacer par la suite si elles ne sont pas peintes OK, voici notre couche suivante. Je vais le laisser sécher cette fois. Je ne vais pas en faire plus. En fait, il se peut que je fasse des éclaboussures parce que j'ai vraiment apprécié ce look Je vais faire une éclaboussure, puis je vais le sécher à Vous pouvez voir que j'ai préservé les zones où il y a des feuilles. J'ai préservé un peu l'effet salin, mais j'ai perdu une grande partie de l'effet de l'eau. Je vais donc le refaire. Nous y parvenons à nouveau. C'est presque comme s'il pleuvait et c'est vraiment amusant de projeter de l'eau. Ce n'est pas quelque chose que nous faisons tous les jours, alors pourquoi ne pas en profiter ? Très bien, donne-moi un mini, je vais juste le sécher à nouveau, puis je vais passer à la couche suivante et voir comment tout s' assemble D'accord, celui-ci est à nouveau sec, alors maintenant vous pouvez voir que les feuilles commencent à se révéler Je vais créer au moins une couche supplémentaire, peut-être deux, nous verrons simplement comment cela commence à s'assembler. Je vais donc ajouter quelques feuilles supplémentaires parce que je travaille simplement sur les légumes verts et je broie la profondeur des feuilles qui se trouvent ici Mais je veux conserver cette impression Je dois donc m'assurer que je prends vraiment en compte l'emplacement de chaque feuille afin de créer ce flux. Parce que chacun a un emplacement un peu similaire, mais pas identique à celui où il se trouve actuellement. OK, donc je vais peut-être en mettre un ici, puis cela signifie qu'il y en a un qui va ici, là, puis un autre va là-bas, puis cela signifie que je dois en faire un autre ici. Ensuite, j'ai pensé que je pourrais aussi faire une petite feuille latérale, ce qui signifie qu' il y en a une qui y va Je sais que vous ne verrez pas très bien ce que je peins, mais en réalité, c'est une petite carte à suivre et vous la verrez en peignant ce qui est révélé. Il m'en manque un. Il faut aller ici. Ouais. OK. Est-ce que j' ai trouvé le bon équilibre ? Je pense que ça va être plutôt bien alors. Une fois arrivée à la fin de cette couche, je vais juste faire une petite évaluation, voir si je dois faire une dernière couche ou si celle-ci est suffisante. Je ne veux pas que ce soit si complexe et chargé que vous perdiez le sens des schémas. Je veux qu'il soit vraiment ludique et coloré et qu'il aime aussi cette sensation de lumière tachetée dans le jardin Il se peut que je doive passer à un pinceau rond maintenant parce que j'ai des coins compliqués. Et avoir ce petit point très intéressant va être très pratique. Je vais refaire la même chose et continuer à introduire un peu plus de bleus et de verts. Je pourrais même ajouter un peu de violet. Cela aidera à harmoniser cela, car pour le moment, c'est un peu comme le vert et le rouge Et je dois juste le réduire complètement un peu. Je peux le faire soit en ajoutant du jaune, ce que j'ai fait dans les tiges de celles-ci. Cela aide à harmoniser, à combler le fossé entre les couleurs complémentaires Mais je vais recommencer par ajouter un peu de bleu, parce que c'est ce que j'avais en tête. Encore une fois, il ne s'agit pas de peindre quoi que ce soit, il s'agit simplement des arrière-plans des zones. Je ne peins pas. Là où j'ai mis les marques de crayon, une feuille commence à passer à travers parce que j'ai mis les angles latéraux, les feuilles dedans, elles vont prendre une forme différente Encore une fois, j'y ai mis certaines de ces formes cette fois-ci. Et en omettant quelques autres. Ok, maintenant un peu plus. Peut-être qu'un bleu outremer pourrait être beau là-dedans Passe-le au centre. Faites-en une version plus simple dans les leçons. En superposition, nous le faisons sans mettre les fleurs de forme négative en premier lieu Nous faisons simplement le tout dans le cadre d'un exercice d'espace négatif de style réduction. C'est vraiment amusant. C'est l'une de mes choses préférées à enseigner, car c'est un peu une aventure à choisir soi-même. Et trouver ces trous et faire en sorte que votre cerveau s'adapte 7. Les principes de l'art : la répétition: Le dernier de nos cinq principes que nous explorons aujourd'hui est la répétition. Et vous pensez peut-être que nous avons fait de la répétition en mouvement. Ouaip. Et nous avons fait des répétitions rythmiques. Et je suis presque sûr que le schéma est aussi une répétition. La répétition est un ingrédient essentiel créer des compositions cohérentes Mais outre chacun de ces concepts autonomes, il a également un objectif qui lui est propre Et c'est probablement d'une manière à laquelle vous ne vous y attendez pas nécessairement, car la répétition peut être la répétition d'un sujet, mais pas nécessairement à l'identique Il peut donc être recadré sur une couleur différente, angle différent, toutes sortes de choses comme ça Mais il peut également se résumer à une marque répétée ou une couleur répétée tout au long de l'œuvre. C'est donc un excellent moyen d'unifier votre travail et de transmettre un message fort La répétition est donc vraiment cruciale et je voulais qu' elle soit autonome à la toute fin afin que nous puissions voir la différence entre chacune des quatre qui reposent en quelque sorte sur la Mais c'est un truc en soi dans la mesure où il n'y a aucun schéma impliqué, le rythme est extrait de là. Il s'agit de répéter ces sujets ou ces éléments tout au long de l'œuvre pour qu'elle soit cohérente J'ai quelques exemples à nous montrer. Il existe quatre types de répétition que nous pouvons explorer dans notre travail. La première est la répétition régulière. Et vous m'avez peut-être entendu dire aussi « régulier » et « irrégulier ». Cela signifie la même chose. Une façon moins évidente et attendue de répéter un élément par là. Et le seul exemple que j'ai pu trouver dans mon propre travail est probablement à la limite de la répétition régulière La fleur est au même angle à partir de la même longueur, bien que les têtes soient légèrement différentes. Je pense que c'est un bon exemple de la façon dont la répétition ne représente pas un motif. Pour moi, il s'agit d'une œuvre singulière, mais la répétition s'y trouve. Et cela contribue à faire ressortir ce style de fleur, style de peinture. C'est en fait une façon très amusante de travailler et j'aime aussi les changements subtils entre les choses qui peuvent être une très bonne façon de répéter les choses. Ensuite, nous avons une répétition irrégulière. Je pense de la même manière que mon utilisation du motif. Je m'assois quelque part entre normal et irrégulier. Celui-ci en est un exemple, c'est la marguerite en papier. Nous avons des marguerites en papier sous tous les angles et toutes les couleurs, et elles ont la forme de bourgeons et peuvent s' ouvrir complètement C'est donc la même fleur, elles se répètent toutes, mais ce n'est pas un motif. Il y a un petit rythme, mais dans mon esprit, il n' a pas de rythme fort. C'est cet élément répété qui lui donne l'impression d'être unifié. Pareil pour cette pièce en spansia ici. J'ai répété un certain nombre de choses ici. J'ai utilisé une composition triangulaire, puis j'ai utilisé des bouts de crayon répétés de la même couleur. Cela permet à toutes les ombres de communiquer entre elles. Mais j'ai également utilisé cette couleur ailleurs qui aide cet œil Il s'agit en fait d'utiliser le mouvement avec la répétition tout au long de l'œuvre pour aider votre œil à se déplacer. Cela donne une sensation de cohésion, et puis j'ai de petites notes de rose Ce sont donc ces éléments répétés qui attirent tout, attirent le spectateur, mais vous aident également à participer à l'œuvre. Dans ce petit exemple, j'ai un paysage lequel je voulais attirer l' attention sur ces marques de cire répétées que j'ai utilisées sous l'aquarelle. Et c'est là que se tournent vos yeux. Les éléments répétés sont également souvent un moyen d' attirer l'attention sur une zone. Vous pouvez apporter de l'énergie à un lieu en créant des éléments répétés. Ou s'ils étaient répartis, ils aideraient notre œil à parcourir l'œuvre. Comme ici, les éléments répétés sont tous relativement de la même couleur, mais la façon dont ils descendent est la même que notre œil traverse l'œuvre. Il y a la forme d'un bourgeon, le côté ouvert, toutes ces choses. J'explore le sujet sous différents angles, mais il semble cohérent et il n'est pas décousu Le dernier que je viens littéralement de recevoir des rédacteurs en ce moment, c'est celui que je viens de terminer C'est en fait de l'aquarelle et du crayon sur une planche, c'est sur une planche aquatique esperluette Ce que je voulais montrer, c'est un autre exemple où j'ai utilisé le même sujet, mais où ils sont vraiment très différents J'en ai donc des violets assez foncés et riches ici, et les fleurs de gomme passent au jaune clair Parce que je voulais que cela ressemble à un coucher de soleil lorsque tout le soleil brille et que tout est rétroéclairé Je voulais donc avoir une grande variété de couleurs et aimer les prismes qui passent presque au travers, puis ces autres tailles. Vous pouvez donc en avoir un grand, un petit, n'importe quoi. Vous pouvez donc également jouer avec les proportions à l'intérieur de la répétition. Donc je voulais juste te montrer celui-ci aussi. Je vais le glisser ici. Nous avons également une répétition conceptuelle. La répétition conceptuelle est. Lorsque vous peignez dans le cadre d'un thème. Dans ce cas, j'ai utilisé les plantes d'intérieur de mon studio comme thème, et cela semble cohérent et répétitif en raison du choix du thème que j'ai Tout est donc une plante d'intérieur et puis celle-ci contient toutes des espèces d'une famille similaire. Ce sont toutes des fleurs sud-africaines à l'exception du banksia, mais elles sont toutes apparentées les unes aux autres Ils sont tous essentiellement cousins , dans le monde des fleurs. En Australie, nous appellerions cela le bouquet indigène, y compris le leptospermaen, le leucadendron, le protea et le leucadendron assemblant ces quelques fleurs spécifiques, cela les rend répétitives car elles ont un thème similaire J'ai également utilisé des couleurs similaires tout au long , ce qui vous aide également à tout harmoniser Ce sont donc nos deux répétitions conceptuelles et la dernière pour laquelle je n'avais pas d'exemple était la répétition radiale. Et le meilleur exemple qui me vienne à l'esprit est celui d' une fougère déployée ou d'un coquillage Et ce sont des motifs qui rayonnent sur le coquillage. La répétition radiale se trouve probablement mieux dans la nature. Je n'ai pas trouvé de bon exemple. Georgia Keefe a peut-être quelque chose de ce genre parce qu'elle s'en est beaucoup inspirée Mais il s'agit d'un déploiement progressif, essentiellement de votre répétition C'est juste une autre façon de répéter. Notre fleur préférée pour cet exercice est le Dahlia, le jour Dalia J'adore une Dalia. Et je pense qu' ils sont en train de connaître une certaine résurgence J'ai quelques références photographiques pour nous aujourd'hui. Ils sont également inclus dans vos fichiers de téléchargement. J'adore le fait qu'ils soient un peu souples. Ils s'accrochent. Ils ont ces petites tiges amusantes et leur tête semble trop lourde pour leurs tiges. Ils ont un petit caractère. Toutes ces choses et toutes ces observations sont des choses que je veux essayer d' intégrer dans l'idée de l'œuvre Je veux donc essayer d' y réfléchir et de m'en servir de manière répétitive pour générer l' idée sur la page Je vais donc simplement faire une série de vignettes. Où est passé mon crayon ? Ça y est. Je vais donc explorer chacun de ces styles de répétition. Peut-être pas radiale, car nous serions en fait radiaux presque la fleur en elle-même. Si vous optiez comme ça et que vous le peigniez comme ça, cela pourrait être radial en soi. Alors peut-être que je vais donner un petit exemple dans le monde radial. Faisons le premier, mettons-le dans les tiers. Maintenant, la répétition régulière est probable, il y a deux façons d'y penser. Vous pouvez tous faire la même taille ou le même positionnement. C'est peut-être la bonne façon de le faire. Je pourrais presque donner l' impression que c'est un schéma. Je suppose que ce n'est pas quelque chose vers lequel je penche vraiment parce que ce n'est pas la façon dont ils s'assoient. La nature suit nécessairement ce schéma parfaitement régulier. Je vais peut-être en mettre un là. Peut-être que je leur donne l' impression d'être des points de poker. Ce serait une utilisation régulière de la répétition. J'ai tendance à me tourner vers une forme irrégulière régulière . J'aime beaucoup l'idée d' explorer la répétition, mais peut-être en utilisant l' échelle et l'angle et en formant des boutons pour ouvrir la forme d'une fleur. Toutes ces choses, différentes manières de jouer avec la répétition. Je pensais peut-être en créer un grand, peut-être un autre grand. Je travaille vraiment sur ces tiers avec mes fleurs principales. Mais ensuite, un petit, un autre là-bas, et peut-être qu'ils ne viennent même pas , d' habitude , nous faisons des fleurs avec leurs tiges remontantes. Cette fois, je veux qu'ils explosent vers moi. J'adore plutôt cette photo de référence pour toutes les sortes de dahlias, qu'il s'agisse de dahlias à araignées ou de très grands luxuriants et de toutes les couleurs Je veux vraiment m'en servir en plus de référence. Voilà, il y a tellement de façons différentes de jouer avec un seul de ces concepts. Certains s'en sortent. Si vous avez une autre idée, n'hésitez pas à l'explorer également. C'est irrégulier. J'ai essayé de penser à l' irrégularité de différentes manières pour celui-ci. Ensuite, nous avons le radial, dont j'ai parlé. Nous pourrions simplement peindre une énorme fleur et lui donner impression d'être répétitive au fur et à mesure que les pétales poussent. Vous constaterez qu' en fait, dans la nature, cela ressemble un peu à la séquence de Fibonacci, qui est le modèle de croissance optimal pour de nombreuses choses Vous obtiendrez cet effet radial. Il y a du radial. Je me suis vraiment écrasée ici et je vais faire du conceptuel, eh bien, il pleut vraiment maintenant Concept conceptuel. Si je n'avais que le Dalia, je ne pense pas que ce soit suffisant pour illustrer cela Je dois donc vous présenter d'autres fleurs, peut-être des nunculus et d'autres choses qui y sont peut-être liées, des choses que vous associez à la Et c'est ainsi que vous allez créer une version conceptuelle à explorer Je pourrais en fait revenir à une tige plus bas et ce serait Feel like a bouquet. Et j'ai tout, je vais faire un dahlia. Il s'agit d'une répétition à une échelle différente. Peut-être un peu d'haleine de bébé pour une autre échelle. Jonquille. Faisons des ampoules. C'est ainsi que nous allons explorer, créer quelques écouteurs supplémentaires, et c'est ainsi que nous explorerons notre idée conceptuelle. Ce que je préfère peindre, c'est la peinture irrégulière. Mais si vous souhaitez explorer l'une de ces autres choses, vous êtes bien sûr le bienvenu. Et je vous mets toujours au défi tester chacune d'entre elles si vous en avez le temps et la patience. C'est beaucoup à assimiler, mais le simple fait d'en explorer un vous sera plus bénéfique que vous ne pourrez mais le simple fait d'en explorer un vous sera plus bénéfique simplement exceller et être incroyable. À partir de là, je vais commencer par ma peinture. Je vais aller sur cette feuille , m'essayer à la peinture. Mes quotidiens sont tellement amusants à peindre, et je sais que vous les regardez probablement en train de vous demander, oh mon dieu, par où commencer, je vous le promets Pause. Ne me regardez pas le peindre pour l'instant. Essayez-le. Regarde ce que tu trouveras. Parce que la façon dont vous le résolvez n'est pas nécessairement la mienne Et tu trouveras peut-être quelque chose de génial. Ça vaut juste le coup d'essayer. Alors fais une pause, essaie cet exercice, puis je te retrouverai de l'autre côté. Nous en sommes à notre projet final pour le deuxième cours, et j'ai hâte de le partager avec vous. Nous allons peindre nos quotidiens. Je vais opter pour une très grosse explosion de pompons éclatants. En gros, c'est l'énergie que je veux essayer d'y puiser. Et définir cette intention, je pense que c'est très important si vous voulez en quelque sorte l'essayer, espérant que ce soit le mieux que l'on puisse lire sur la page et qu'elle peut sembler un peu perdue J'aime généralement commencer par mes fleurs principales, celles sur lesquelles je vais être assise, les troisièmes qui se démarqueront le plus. Je penche un très grand mélange de couleurs parce que je pense que cela va renforcer cette sensation d'explosion. D'accord, j'espère que vous l'avez choisie pour commencer par vous-même. Je pense que c'est une façon très importante d'apprendre. Et bien sûr, je ne te laisserai jamais en suspens. Tu peux aussi me regarder peindre, mais je pense juste que tu en apprendras plus si tu essayes toi-même. C'est bon, on y va. Beaucoup de petites marques super groupées. Ensuite, je vais en laver une partie parce que je veux qu'elle soit pâle, mais que le centre soit presque toujours plus foncé. En fait, je pense que je dois choisir une taille unique. Continuez également à mélanger ces couleurs. Vous ne voulez pas que ce soit de la manière 21 ou de l'autre. Un peu de variété va vraiment leur donner beaucoup d'énergie ludique. Je continue d'essuyer un peu plus de pigment à chaque fois que je laisse tomber ce pinceau Parce que je veux avoir beaucoup de marques claires et brillantes et veux de moins en moins de pigments au fur et à mesure que je m'éloigne, un peu de brun pourrait même être agréable là-dedans, plutôt un rose poudré Tu peux oublier tes lunettes de soleil. Et si vous n'êtes pas familier avec vos nuances et tons, je vous recommande vivement de vous lancer dans la magie du mélange des couleurs. Parce que vous ouvrez simplement un tout nouveau monde et tout cesse de ressembler à des sucettes Vous pouvez avoir une couleur un peu plus sophistiquée. C'est bon. Il suffit de faire un peu plus sombre là-dedans. Ajoutez un peu plus de contraste, valeur plus foncée y sera foncée Très bien, maintenant je vais en prendre un rouge ici. Cherchez celui-ci qui explose ici. Je veux que ce soit d'un rouge assez riche. Je veux plutôt opter pour cette couleur rouge plus foncé. Gardez cela à l'esprit lorsque je peins, essayant vraiment d'utiliser cet espace négatif. Mais le fait de garder le pinceau mouvement et de le garder léger vous aidera à ne pas trop vous enliser dans les détails Ne vous attendez pas non plus à ce que vous peigniez aussi vite, je vous le promets. Ce n'est pas normal. J'ai l'habitude de faire des démonstrations, donc j'ai réussi à faire avancer les choses très, très, très rapidement. accord ? Je vais ajouter un peu de couleur ici et peut-être une tige parce que je veux les faire couler entre eux pour qu'ils aient l'impression dans le sang pendant que je peins, pour qu'ils aient l'impression de parler Où est-ce que je vais aller ensuite ? Peut-être que je vais faire ma version orange ou jaune ici si tu le voulais. Vous pouvez également ajouter de la couleur à vos vignettes. Je trouve que cela peut être bénéfique si vous n'êtes pas à l'aise de faire les choses très rapidement à la volée. Cela peut également être un très bon moyen de vous sentir un peu plus à l'aise avec votre approche de la couleur. Je le fais encore parfois, surtout pour une commande ou quelque chose comme ça. Avoir une idée de ce à quoi s'attendre en matière de couleur est très utile pour le client. J'ai vraiment envie d' effacer une grande partie de cette couleur maintenant avec les quotidiens, et je fais juste un trait varié Nous le faisons dans Welcome to Water Color, tout dépend de la direction qu'ils prennent en gardant cela à l'esprit. C'est dans cette direction que vous allez diriger toute cette énergie. Maintenant, je veux en faire un rose très clair. Je pense que je me suis égaré avec toutes mes couleurs ici. Je pourrais en choisir un rose foncé qui sera joli. Peut-être ici. Oui, toujours foncé au centre , vous pouvez laisser cette couleur disparaître et vous obtiendrez de très beaux roses doux J'ai envie d'être encore plus légère et de t'attacher à quelques feuilles, puis je voudrais certainement m' assurer d'avoir aussi un bourgeon. Je commence donc à explorer certaines des autres formes qui pourraient se produire. OK, pour y arriver, je voudrais en faire une plus foncée ici, mais ce sera juste un soupçon de couleurs très riches, peut-être un peu J'adore aussi ces couleurs en forme d'araignée Je vais peut-être faire quelque chose comme ça ici. Une forme tout à fait différente. La forme des pétales est assez différente, mais ce contraste de forme peut être très agréable Il se peut que nous ayons besoin de marier ça quelque part. Il y a peut-être beaucoup de rouge et de rose. J'ai besoin d'un petit bébé dedans. Je pense que lorsque vous travaillez vite ou que vous entrez dans la zone, il est très facile de surcharger une zone, simplement en étant conscient de vous laisser emporter. Je pense que j'ai besoin d'un rouge orangé. Je fais juste un petit lien entre les choses , cette sensation explosive. Je crois que je commence à avoir cette sensation explosive. Certains de ces modèles à dos plus clair ont besoin d'un peu plus de rose. Va-t'en, fou. Je pourrais juste vous dire : vous en aimez un ? Juste un pote. Ce n'est vraiment qu' une idée de bourgeon. OK, je pense que je me sens plutôt bien. Je trouve ces gars tellement amusants à peindre parce qu'il y a tellement de variété en eux. Mais ce sont toutes une seule sorte de fleur, elles sont super ludiques et vous n'avez pas à vous attarder trop sur les petits détails. Il s'agit simplement de s'amuser beaucoup à créer des marques, en gros. Voilà, nous l'avons. C'est notre dernier exercice de peinture. J'ai hâte de passer au sujet suivant avec vous, qui est l'analyse de votre composition. Mais tout d'abord, votre projet d' extension , que j'ai trouvé difficile à élaborer, est un projet d'extension assez différent. Mais je veux que vous pensiez c'est que nous nous sommes vraiment appuyés sur la couleur, nous nous sommes vraiment appuyés sur la couleur et sur la création de marques pour créer cette version en particulier. J'adorerais que vous essayiez quelque chose de similaire, une pièce d'accompagnement, mais en enlevant de la couleur. Vous utilisez en fait votre marquage et votre valeur tonale comme éléments répétitifs. vous ai plutôt donné un exemple parce que je sais que cela peut être un peu confus. J'ai donc tout fait en turquoise. Vous pouvez voir que la marque est toujours la même. Mais ce que j'ai fait, c'est sont les éléments répétitifs qui font les marques, mais aussi les objets de grande valeur. Donc, tout ce qui est vraiment très intense est un élément répétitif dans ce travail. Une fois que vous avez retiré de la couleur de l'image et que vous ne travaillez qu'avec le ton, c'est un exercice complètement différent, donc c'est vraiment amusant de jouer à partir de là. Comme je l'ai dit, nous allons analyser votre composition, qui consiste essentiellement à tout réunir. Et j'ai hâte de voir comment cela affectera votre travail. 8. Analyser votre composition: C'est ça. Nous avons abordé les dix principes de l'art dans les première et deuxième parties de notre cours de création de peinture composée. J'espère que cela vous a permis de mieux comprendre la composition. Et cet exercice est ce qui va tout mettre en place et vous aider. Je cherche à savoir comment m'améliorer, ce qu'il faut changer, où sont mes mauvaises habitudes. Et c'est analyser votre composition. Et ce que j'ai fait, c'est que j'ai préparé une série de questions pour vous. Il y a une série de questions générales, puis nous abordons les principes spécifiques. Et puis la dernière page est de savoir comment analyser l'art d' une autre personne. Parce que c'est souvent ainsi que l' on apprend de nouvelles choses. Identifiez ce qui vous intéresse. Vous savez, lorsque vous vous trouvez devant une œuvre d'art magnifique et que vous la ressentez dans tout votre corps, cela se résume généralement à une composition brillante. Et si vous êtes capable de l' analyser et déterminer ce qui fait ce qui le crée, pour vous faire cela, vous pouvez ensuite l'exploiter et l'utiliser vous-même également. Je pense donc que c'est un outil super puissant. Beaucoup d'entre nous vont probablement y aller, ah, maintenant je n'ai plus besoin de le faire. Mais cela vous aidera à surmonter cette pile d'œuvres, à résoudre les œuvres inachevées et à obtenir de meilleurs résultats. Où que vous regardiez. Ce que j'allais faire, c' est avoir cette série de questions, et je vais analyser deux de mes propres œuvres. Et ce que je suggère, c'est de choisir parmi vos dix tableaux si vous avez fait à la fois la première et la deuxième partie, et je vais également faire référence à la première partie dans cette section. Mais prenez ces dix peintures, ces dix projets que nous avons réalisés. Choisissez celui que vous préférez le moins et le plus préféré, et nous allons analyser les deux. Ma peinture la moins préférée a été la toute première peinture que j'ai faite, celle de l'équilibre. final, je n'en ai pas été totalement satisfaite, même si le résultat semble équilibré, je ne suis pas content du résultat. Ce que je voulais faire, c'était analyser cela pour vous. la première série de questions, je vais juste passer en revue les questions de base. Et puis, bien sûr, vous êtes plus que bienvenu pour approfondir les questions relatives à chaque principe. Parce qu' une fois que vous avez identifié quelques-uns des principes, vous pouvez facilement suivre ce principe et lui poser également ces questions. C'est donc un peu un effet de fluidité. La toute première question que j'aimerais poser concerne la première impression. Est-ce une composition réussie ? Si nous ne le ressentons pas, ce n'est probablement pas le cas. Et je pense que cela signifie pour moi que ce n'est pas nécessairement une composition réussie. Est-ce que cela me plaît ? Non, j'ai raté le bateau quelque part là-bas. Cela vous semble-t-il résolu ? Oui, je suppose, mais c'est juste pour rester ensemble. Ensuite, la question suivante est y a-t-il quelque chose qui ne fonctionne pas ? Y a-t-il quelque chose qui manque ? Et pour moi, ce qui me manque, c' est que cela se démarque vraiment. Et oui, c'est le troisième en bas à droite, mais on se sent assez isolé et seul. Et comme je me sens bien ici, j'ai l'impression que j' aurais probablement pu y j'ai l'impression que j' aurais probablement ajouter une deuxième tête de fleur et cela m' aurait aidé à résoudre cette composition pour moi Identifiez les éléments artistiques que vous avez utilisés, savoir la ligne, la couleur, la valeur, la texture, la forme et l'espace. Eh bien, j'ai certainement utilisé ligne et j'ai évidemment utilisé la couleur, valeur que je pense que j'aurais pu faire un meilleur travail, car il y a des valeurs plus sombres, mais pas assez de valeurs vraiment claires. Et le fait d'avoir cette plage de valeurs rendra travail d'examen du texte plus intéressant. J'ai beaucoup de variété, ce qui me plaît, mais je n'ai pas beaucoup de texture. Les formes sont probablement un peu floues. Et je pense que l' autre chose ne fonctionne pas pour moi, c'est que j' aurais pu y mettre des formes plus grandes et des formes plus petites. Et à l'heure actuelle, il y a beaucoup de S. Je pense que la variété aurait contribué à ce que tout fonctionne. Les formes qui me plaisent en général concernent l'espace. Je pense que j'aurais pu améliorer mon utilisation de l'espace négatif dans celui-ci parce que je me suis retrouvé avec une forme de C. Mais peut-être pas encore. Je n'ai tout simplement pas tout à fait réussi celui-ci et je voulais le partager avec vous. question la plus importante qui nous aidera à comprendre tous nos apprentissages en matière de peinture composée création est d'identifier les principes artistiques que vous avez utilisés, à savoir l'équilibre, les proportions, l'accent, l'unité, la variété, le contraste, le mouvement, le rythme, le motif et la répétition Tout ce que nous avons abordé jusqu'à présent, c'était l'exercice d'équilibre. Est-ce que c'est équilibré ? Ensuite, je n'ai pas tout à fait réussi. J'aurais pu continuer à modifier mes découpes et je pense que j'aurais pu trouver une meilleure composition Donc, pour moi, je reviendrais à le retravailler et je retournerais directement à l'étape de découpe pour essayer trouver une composition qui me satisferait un peu. Je pense que ce qui s'est passé, c'est que j' avais mes découpes et je suis restée vraiment bloquée sur leur apparence. Je n'ai pas résolu de problèmes et cela ne s'est pas traduit comme je le souhaitais J'aurais donc dû être un peu plus consciente de ce que je peignais à l'époque et résoudre les peu plus consciente de ce que je peignais à l'époque et résoudre les problèmes au fur et à mesure, cela ne fonctionnait pas Comment puis-je résoudre ce problème plutôt que d' en arriver au résultat final et de me dire, oui, pas totalement content de celui-ci Je pense que proportionnellement , ça va bien. C'est juste que ces formes sont trop semblables. Il y a certainement une emphase. Est-ce que cela semble unifié ? Je suppose que oui. Les couleurs semblent toutes assez harmonieuses et tout cela ne fait qu'un. On se sent donc unifié. La variété est certainement là aussi. Parce qu'il existe de nombreuses formes et marques différentes . Y a-t-il du contraste ? Oui, je suppose que c'est parce que j'ai utilisé contrastes de couleurs dans le vert et le rouge. J'ai donc essayé d'utiliser un vert plus doux avec un rouge fort. Et cela va créer un contraste plus subtil dans un mouvement de détection des couleurs. Oui, j'ai de petits points verts qui vont m' aider à me déplacer optiquement vers le haut tout au long de l'œuvre. Rythme, totalement dépourvu de rythme. Je pense que c'est l' autre chose qui n'a pas vraiment fonctionné pour moi dans ce tableau. Le motif n'est pas pertinent dans ce cas. Et la répétition, comme je l'ai dit, les marques sont probablement presque trop répétitives pour me donner l'impression que c'est une œuvre résolue, comme si les formes n'avaient pas tout à fait atterri Je vais certainement essayer à nouveau celui-ci pour essayer de l'améliorer. Les dernières autres questions que je me pose étaient les quelle structure de composition ai-je utilisée ? Et j'ai utilisé la règle des tiers parce que c'est l'exemple où nous avons superposé la règle des tiers L'œuvre reflète-t-elle ce que j'essayais de dire ? Pas vraiment, parce que j'ai raté la cible. Je dois repenser la façon dont tout cela s'est produit . Y a-t-il un point focal ? Oui La palette de couleurs fonctionne-t-elle ? En fait, je suis plutôt content de la palette de couleurs. Il s'agissait plutôt de mon arrangement d'éléments. Comment mon œil se déplace-t-il dans la composition ? Et je pense qu'il s'ensuit naturellement que ce n'est pas un S réussi ni un C. Et je pense que c'est l'une des choses qui me dérange. Il y a deux sorties. Donc mon œil suit comme ça, puis il se perd un peu quand on arrive ici. Ai-je utilisé une ligne de pointage ? Pas particulièrement parce qu'il n'y a pas de ligne distincte qui passe par là. Et qu'est-ce que je ferais différemment la prochaine fois ? C'est probablement la question la plus importante pour moi et pour moi, il s'agit à peu près de revenir à la case départ. Repensez à la façon dont j'ai trouvé ce pouce maintenant et résolvez certains des problèmes que j'ai rencontrés pour assembler la pièce Et c'est ainsi que j' aborderais cette question. Je suis assez sévère envers moi-même, mais je voulais vraiment vous montrer que cela peut arriver à n'importe qui. Et il est important d'examiner ces informations et d'identifier précisément ce qui vous dérange Parce que parfois vous pouvez le résoudre en faisant le même travail ou parfois c'est juste une solution simple. La prochaine fois que vous reviendrez sur quelque chose de similaire, vous vous souviendrez comment vous l'avez fait la dernière fois, puis essayez de ne pas le faire Encore une fois, il suffit de se débarrasser de ces mauvaises habitudes tout de suite. L'autre que je voulais analyser était mon tableau le plus récent , le tableau de Dalia. J'ai été vraiment contente de la façon dont celui-ci s'est déroulé. C'était vraiment amusant, c'était ludique, c'était tout ce dont je parlais pendant que j'en discutais avec vous. Et je peux simplement répondre aux mêmes questions dès la première impression. Est-ce une composition réussie ? Oui, j'en suis vraiment content. Il me parle, il a bien compris mon message. La structure est bonne. Est-ce que cela me plaît ? Oui Cela vous semble-t-il également résolu ? Oui Identifiez les éléments artistiques que vous avez utilisés. J'ai utilisé du fil parce que j'ai utilisé ce pinceau très légèrement et que j'ai utilisé beaucoup de fil dedans. J'ai utilisé la couleur, j'ai utilisé la valeur. J'ai un peu mieux défini les valeurs dans celui-ci, utilisant des tons assez clairs, jusqu' à des tons très riches Texture. J'ai un peu plus de texture grâce à la façon dont j'ai utilisé le pinceau et espace négatif qui génère un peu plus de texture. Je pense que j' ai très bien compris les formes, et j'ai été vraiment contente de la façon dont tous ces angles se sont détachés. Et chacune de ces formes de pétales donne une impression vraiment amusante, ludique et picturale C'est le seul endroit que j' aurais probablement pu améliorer, car mon application de pigment est un peu plus plate J'aurais pu utiliser un peu plus de valeur et cela aurait créé une forme plus formée. Comme une impression de ses trois denis. Ensuite, j'ai été vraiment heureuse de tout l'espace négatif que j'ai laissé là-bas , de ce qui est positif et de la façon dont ils se dégradent. Je suis donc très content de la façon dont l'espace a été utilisé. Maintenant, les principes identifient les principes artistiques que vous avez utilisés. Balance, je pense que Balance en est heureuse. J'ai certainement utilisé des proportions parce que j'ai utilisé des fleurs de tailles différentes partout. Je pense que l'accent est assez clair et j'ai réussi à le corriger sur un troisième point qui me semble vraiment agréable et évident et tout, toutes les lignes directrices pointent vers ce point d'accent. On dirait qu'il est unifié. Je pense qu'il semble unifié en raison de son utilisation de la couleur, de l'utilisation de marques et de tout l'espace négatif. Il y a aussi beaucoup de variété, car j'ai utilisé beaucoup de couleurs différentes et de nombreuses marques différentes. Donc, ces deux choses comme l'unité d'un côté, la variété de l'autre , cette échelle mobile, je suis vraiment contente de l' équilibre que j'y ai trouvé. Contraste, j'ai une valeur de contraste en cours. Et puis j' ai aussi un petit contraste de couleur parce que j'ai utilisé un vert assez vif pour compléter les rouges et les roses que j'y ai mis Je pense qu'il y a un peu de mouvement, mais c'est plutôt un mouvement implicite. Avec eux qui se lancent en quelque sorte sur vous. Je voulais vraiment que cette sensation d' explosion se produise, donc je ne dirais pas que c'est un impact direct sur le mouvement. Mais je pense qu'il y a un peu de mouvement là-dedans. On peut dire qu'il y a moins de mouvement optique ici. Le vert est le mouvement optique qui guide votre œil autour de vous. Ce qui vous emmène en fait en cercle. Mais il y a moins de mouvement implicite. Je pense que le rythme n'est peut-être pas pertinent dans ce cas. Je suppose que c'est un peu rythmé, mais pas dans le sens dont nous parlions dans ce cours. Dans ce cas, c'était beaucoup, j'essayais d' isoler le concept de répétition, de motif et de rythme. J'ai essayé de l'éviter lorsque j'ai fait la démonstration de celui-ci. Pour les empêcher de s'embrouiller. Oui, la répétition, c' était le cours de répétition, j'espère vraiment avoir trouvé la bonne répétition pour celui-ci Quelle structure de composition avez-vous utilisée ? Et c'était à nouveau la règle des tiers. C'est celle sur laquelle je m'appuie le plus. Mais j'adore quand, selon la règle des tiers, je peux également utiliser, par exemple, le mouvement optique pour créer une composition circulaire. C'est presque comme si deux choses se produisaient en même temps. En gros, j'ai quelques éléments clés sur les tiers, mais avec ces touches vertes, cela permet à votre œil de voyager en cercle. Vous avez deux structures qui fonctionnent ensemble. Est-ce qu'il a reflété ce que je voulais dire ? Oui Est-ce que cela reflète le sentiment que je voulais transmettre ? Oui, je suis très contente du résultat obtenu et du reste, de la palette de couleurs qui a fonctionné. Il y a un point focal. Oui, j'ai parlé façon dont mon œil se déplace autour de la composition. Il y a des lignes directrices, car toutes ces lignes ramènent au point sur lequel nous avons mis l'accent ici. Et qu'est-ce que je ferais différemment la prochaine fois ? Je reviendrais probablement en arrière et réfléchirais vraiment à cette idée de forme et j'essaierais d'y intégrer un peu plus un sens des trois D. Et je l'aurais fait en ajoutant plus de valeur, donc j'aurais pu faire plus sombre au centre de celui-ci. Je pense que celui-ci a plutôt bien fonctionné. Celui-ci a plutôt bien fonctionné. C'est juste une petite critique pour celui-ci Mais dans l'ensemble, j'ai été très content façon dont celui-ci s'est déroulé à partir de là. J'adorerais que tu fasses la même chose. Je veux dire, vous pouvez revenir à la pile de travaux non résolus dans votre espace de travail ou dans votre placard, ou n'importe où, ou vous pourriez revenir à l'un des dix projets que nous avons réalisés au deux cours, choisir celui que nous aimons le moins et le plus préféré et passer en revue ces questions, surtout les questions générales Et puis, s'il faut dire, si vous avez un point faible et que vous ne vous concentrez pas vraiment sur rythme ou sur un principe en particulier. Il existe également des questions spécifiques à chaque principe. Vous pouvez donc passer à celui-ci et vous dire, d'accord. Donc, si le mouvement ne fonctionnait pas vraiment, voici quelques questions spécifiques au mouvement sur la façon dont j'ai pu déterminer ce qui n'allait pas. Et cela pourrait bien vous aider à vous renseigner et à déterminer comment mieux y parvenir la prochaine fois. D'autres moyens d'analyser votre travail ou de décider s' il est résolu ou terminé. C'est vraiment difficile de voir choses objectivement lorsque vous les avez créées vous-même des choses les plus simples à faire est donc une des choses les plus simples à faire est donc de le prendre en photo, vous emmener dans une autre pièce, de le ranger pour qu' il soit hors de vue, puis de le regarder sur votre téléphone. C'est tellement bizarre, mais cela peut complètement changer la façon dont vous voyez l'œuvre. C'est juste un autre contexte ou quelque chose comme ça. Il est vraiment très utile de le prendre en photo. Ensuite, l'autre chose que vous pouvez faire, c'est inverser le cours des choses. Cela vous aidera à identifier les défauts, en particulier les trous visuels. zones qui ressemblent à des aspirateurs placés sous les yeux ou à tout autre objet qui ne fonctionne pas particulièrement peuvent parfois être identifiées plus facilement lorsque les sujets ne vous sautent ou que vous ne voyez pas le contexte à l'envers Et cela change simplement votre point de vue et vous pouvez voir les choses un peu plus facilement. L'autre chose que vous pouvez faire, c'est oui, mais en gros, c'est juste un regard neuf. J'adore avoir un regard neuf et parfois je ne fais que le moindre petit travail de tournée, le range de côté, peut-être quelque part où il se trouve je le range de côté, peut-être quelque part où il se trouve dans le coin de Et travaillez sur autre chose pour me distraire , puis regardez-le presque accidentellement Et cela a un impact énorme sur ma perception des car sans avoir à tous ces filtres mentaux, comme si j'avais du mal à accepter cette offre et que je venais de mettre comme si j'avais du mal à accepter cette offre et que cette couleur là, papa, tu peux le voir d'un œil neuf tu auras une toute nouvelle vie et tu comprendras ce qui s'y passe. J'espère que cela vous aidera vraiment à trouver vos marques dans l' analyse de votre composition. J'ai également la dernière page, qui contient des questions à poser sur le travail d'un autre artiste. Apportez-le à la galerie. Emmenez-le à une exposition d'art locale. Emportez-le où vous le souhaitez, même en visionnant des contenus en ligne. Mais c'est toujours mieux en vrai. Cela peut vraiment vous aider à identifier ce que vous admirez ou n'aimez pas dans le travail d' un autre artiste, ce qui constitue également un outil très puissant dans votre arsenal À partir de là, nous avons le tout dernier module et je sais que c'est celui que vous attendiez tous. C'est le célèbre Breaking the Rules. Nous les aimons tous, nous les détestons tous. Alors allons-y. 9. Transgresser les règles: Maintenant, nous savons tous que pour faire de grandes compositions sensationnelles, il faut être capable d' enfreindre les règles Mais je tiens vraiment à souligner qu'il faut comprendre les règles que nous venons de suivre pour pouvoir les enfreindre. Et certaines de ces pauses seront vraiment simples, tandis que d'autres seront beaucoup plus complexes. Mais j'ai pensé vous expliquer quand et comment enfreindre les règles, car ce n'est peut-être pas aussi évident qu'on pourrait le penser. J'ai ici quelques exemples que je voudrais vous montrer. la première fois que j'ai enfreint les règles, mais peut-être que vous pensez simplement, eh bien, c'est juste, vous savez, que ce n'est pas une infraction importante, mais parfois ce n'est pas tant enfreindre les règles, toujours choisir le choix le plus évident qui rend choses un peu plus évidentes et je pense, ou pas évident, plus intentionnel. Souvent, lorsque nous avons deux compositions parfaites et que tout est parfaitement placé, c'est en fait moins intéressant à regarder parce que c'est plus prévisible Et c'est le fait d'avoir cet élément de surprise qui le rend si excitant à regarder. J'en ai donc quelques-unes à vous montrer, qui apparaîtront à l' écran pour nous. Celui-ci est l'un de mes tableaux préférés de tous les temps. Mais vous verrez que l'essentiel du poids visuel sur la balance se situe dans le coin inférieur droit et dans le coin supérieur droit Cela ne devrait pas être le cas. Normalement, vous parleriez suivre ces tiers et vraiment situer vos éléments clés sur ces tiers J'aime vraiment remettre en question le concept de la règle des tiers. Donc, en gros, la branche spatiale négative qui traverse le tiers supérieur est la seule chose qui adhère vraiment à un tiers. y a donc pas grand-chose qui s' accroche à tout ce dont j'ai parlé aujourd'hui. Mais c'est, encore une fois, l'une de mes peintures préférées de tous les temps. Briser ces formules est donc souvent, et avoir la confiance nécessaire pour le faire, l' un des plus grands changements que vous constaterez dans votre pratique au fur et à mesure que vous deviendrez plus en plus compétent dans vos compositions. Celui-ci est un petit exemple que j'ai fait. C'était juste une étude pour un exercice et le brief était très vague. Donc, ce que je voulais faire, c'était remettre en question cette idée de ne pas mettre les choses au centre. J'ai placé le tronc principal de l'arbre, le point focal juste à côté du centre. Donc ça t'embête vraiment. Mais ensuite, cela vous amène à vous engager dans ce travail et à suivre le reste de la composition. Donc c'est comme un hameçon qui essaie de t'y faire entrer. J'adore jouer avec ces règles et simplement les déplacer d'un pas vers la gauche pour essayer de faire participer les gens. Celui-ci est vraiment similaire. J'ai donc placé le point focal principal, le tronc de l'arbre, au centre de l'image. Et cela ne devrait pas fonctionner, en théorie, mais la façon dont j'ai situé les autres branches et tout a contribué à équilibrer les choses et à guider le regard. C'est presque comme si le tronc principal situé à l'extrême droite et le tronc central s'égalisaient et atterrissaient sur le troisième. C'est presque un tour de magie. Celui-ci est encore une fois un peu comme le premier, où rien ne devrait vraiment être là où il devrait être. Si nous suivions toutes les règles à la lettre, mettions l'accent sur le centre, puis le poids visuel se situerait en haut et en bas au Rien de tout cela ne devrait fonctionner en théorie. Cela pourrait être considéré comme une composition croisée. Je suppose que c'est un gros avantage. Mais compte tenu de l'espacement et de l' espace négatif qui s'y trouvent, je ne pense pas que je pourrais techniquement l'appeler J'adore cette pièce également. C'est un autre de mes préférés. Je pense que lorsque nous pouvons enfreindre les règles en toute confiance, je ne sais pas, vous vous appropriez votre travail et cela passe à un tout autre niveau J'aime vraiment voir les gens se développer suffisamment pour pouvoir y aller. Je n'ai pas besoin de suivre ça. Je pense que ça va avoir plus de succès comme ça. Maintenant, celui-ci s'appelle Wartar, debout. Et vous pourriez penser, eh bien, c'est assis sur un troisième, tout devrait bien se passer. Techniquement, j'ai enfreint deux petites règles avec celui-ci. Tout d'abord, il y a deux fleurs et nous adorons la règle des trois. Nos yeux adorent en avoir trois ensemble. Dans un tableau, n'importe quel nombre impair sera plus apaisant à deux Nous ne savons pas où chercher. L'autre chose que j'ai faite, c'est les pousser jusqu'aux bords, en les écrasant sur les bords. C'est une autre chose dont j'ai parlé à propos des bévues. Mais j'adore ce tableau aussi et je pense que c'est exactement comme ça qui allonge le tout Cela dépend donc de ce que j' essayais de communiquer. Si j'avais essayé de communiquer de manière brève et difficile, cela n'aurait pas marché du tout Mais comme ils s'écrasent jusqu'au bord supérieur, ils sont très longs et élégants. C'est donc juste quelque chose avec lequel je voulais jouer. Voici donc quelques exemples où j'ai enfreint les règles. Le défi que je vous lance est de revenir à l'un de nos projets précédents et d'y jeter un coup d'œil et de voir quels avantages il y aurait à enfreindre les règles. Pour ajouter un peu plus d'énergie dynamique. Cela peut être celui que vous aimez le plus ou que vous détestez le plus. Parce que de toute façon, vous pouvez simplement jouer avec l'un de ces sentiments. Ce que je recommande le plus, c'est presque comme si vous aviez choisi votre propre aventure. Vous choisissez votre point focal ou un élément clé du tableau et vous le placez là où il ne doit pas aller. Idéalement, pas à l'intersection de ces trois tiers. Et ce sera une façon vraiment intéressante de jouer pour enfreindre ces règles. Si je le fais, nous voulons généralement mettre des éléments sur ceux-ci ici. Si j'allais mettre quelque chose ici qui enfreint la règle des tiers. Ensuite, pour que vous puissiez y conserver les éléments de travail, il se peut qu'un point focal secondaire passe à un troisième. Mais l'essentiel n'est pas qu'il suffit d'enfreindre les règles pour créer cette petite touche de magie dans la peinture. Et je pense que c'est ce que fait le fait d' enfreindre les règles, c' est de donner de la magie au travail en toute confiance. Ce que je tiens à dire également, c'est que les œuvres que nous utilisons si bien souvent, celles que nous n'aimons pas vraiment autant, celles que nous devons rechercher et pour lesquelles nous devons vraiment nous lancer des défis sont celles que nous finissons par aimer et apprécier le plus Et c'est souvent avec eux que nous devons résoudre le plus de problèmes. Et si vous fermez tout et que vous le rendez parfait, cela ne laisse pas la porte ouverte à quelqu'un qui se renseigner, s'engager avec qui investir Je pense donc que c'est juste quelque chose à garder à l'esprit pour que ce ne soit pas si important. Oublions le règlement dans son intégralité. Il s'agit plutôt d'un petit ajustement ici ou là. Le simple fait de travailler avec deux choses au lieu de trois, ou quatre choses au lieu de trois, va remettre en question ce sens des règles et nos attentes dans le cadre du travail. Je recommande donc vraiment d'essayer celui-ci. C'est certainement la meilleure chose à faire à la toute fin, une fois que vous aurez tout compris. Parce que nous devons d'abord apprendre les règles avant de pouvoir les enfreindre. Mais je pense que c'est un ingrédient absolument essentiel dans votre apprentissage de la composition. C'est pourquoi je l' ai laissé durer. Et c'est tout. Nous l'avons fait, nous sommes arrivés à la fin, et j'espère que nous avons abordé tout ce que vous devez savoir sur la composition. Et à partir de là, vous pourrez continuer et créer de magnifiques œuvres d'art. 10. Le projet final: C'est ça. Nous sommes sur le point de terminer la peinture composée, créer les première et deuxième parties. Mon dernier défi est de revenir en arrière, de revoir tout le travail. Nous avons fait l'analyse, nous savons comment enfreindre les règles. Maintenant, j' adorerais que tu commences à réfléchir à des choses dans le cadre d'une petite série. Trouvez votre exercice préféré. Il peut s'agir de la première partie ou de la deuxième partie. Voici une partie de la première partie. J'adorerais que vous preniez l'un de ces concepts utilisés pour référencer des photos ou certaines des vôtres. C'est à vous de décider et de créer une petite mini-série. Deux, c'est bien, mais comme nous l'avons appris, deux n'est pas optimal pour notre plus grand plaisir visuel. Je recommande donc vivement de passer d' une petite mini-série de trois exploration plus approfondie de ces concepts. Voir la portée que vous pouvez obtenir même avec les quelques éléments les plus simples avec lesquels nous avons joué aujourd'hui. Et j'espère vraiment que vous ne l'utiliserez pas simplement avec votre aquarelle, votre peinture florale ou quoi que ce soit d'autre Cela va influencer et avoir un effet d'entraînement tout au long de votre expérience créative C'est donc mon défi. Ensuite, il ne nous reste plus qu'à faire le dernier petit résumé. Et je n'arrive pas à croire que nous l'ayons finalement fait parce la composition était un sujet tellement ambitieux je voulais essayer de vous enseigner. J'étais vraiment sûre que c' était ce que je voulais enseigner, mais une fois que j'ai commencé, je me suis dit que c'était compliqué, alambiqué, subjectif J'espère avoir tout décomposé de manière vraiment digeste pour vous Et vous pouvez en tirer tellement de parce que vous pourriez revenir en arrière, faire une pause, revenir en arrière, revoir ce cours tant de fois et en tirer le meilleur parti Je ne peux même pas t'expliquer. J'ai essayé de vous donner plein de petits gardes-lapins à explorer tout au long du trajet Vos avis sont très importants. Je ne peux pas vous dire à quel point ils ont un impact sur tout ce que je fais. Cela m'aide à façonner les futurs cours, mais cela aide également vos camarades de classe à déterminer si ce cours leur convient. J'ai également mon groupe Facebook d'étudiants appelé Natalie Martin's Student Forum C'est une belle communauté d'étudiants partageant les mêmes idées. Nous aimons tous apprendre ensemble en posant nos questions stupides, celles que nous pouvons être un peu inconfortables à poser, mais c'est un endroit parfaitement chaleureux et convivial et une belle communauté dont il fait partie Je propose à chacun un défi créatif mensuel et c'est un livre totalement ouvert pour tous. Il existe un fichier partagé contenant des photos et toutes sortes de choses. N'oubliez pas non plus votre livre si vous êtes arrivé jusqu'ici sans le livre. C'est bien pour toi. Parce qu'en fait, je pense que vous en trouverez vraiment la valeur avec ce cours en particulier. Il contient des liens vers des produits. Il contient toutes vos notes de cours, diagrammes et des notes supplémentaires, des conseils et astuces, ainsi que des liens utiles. Vous le trouverez dans la section de téléchargement si vous avez acheté le cours via Teachable ou sur mon site Web, si vous m' en avez entendu parler en cours de route Certains d'entre eux sont d'autres cours. Si vous voulez revenir aux fondamentaux, aquarelle est la bienvenue. Mais je suis sûr que je t'y ai probablement déjà rencontré. Il y a la magie du mélange des couleurs qui fera de vous un super boss des couleurs. Je ne peux pas recommander qu' une seule leçon superposition nous fasse découvrir certains des exemple, une version plus simple concepts que nous avons étudiés aujourd'hui, par Et comment créer de la profondeur et l'intérêt dans le détail dans votre travail. Et puis, si vous êtes arrivé jusqu'ici sans la première partie, je vous recommande vivement de revenir à la première partie consacrée à la peinture composée, création telle qu'elle est, bien qu'il existe deux cours distincts. La première partie nous prépare à la deuxième partie. J'espère avoir tout couvert et vous aurez une belle expérience de peinture à partir d'ici. Et merci beaucoup d'avoir choisi mes cours. Bonne peinture.