Le mixage pour les producteurs de musique

1. Introduction et bienvenue !: Je suis Dylan, je suis votre instructeur et je vous remercie beaucoup de l'intérêt que vous portez à ce cours, mixage pour les producteurs de musique. Laissez-moi vous raconter une petite histoire. À un certain moment de ma carrière musicale, j'ai réalisé un fait quelque peu douloureux mais très important. Et c'est le fait que vos mixages ne sonnent pas bien. Personne ne se souciera de la qualité de vos productions. J'avais l'impression de passer tout ce temps à apprendre le design sonore, synthétiseurs, goûter toutes ces différentes techniques de production musicale cool. Et j'ai pensé que mes productions étaient vraiment créatives et intéressantes. Mais les commentaires que je n'arrêtais pas de recevoir des clients étaient des choses comme, oui, avec un bon mix, son vraiment cool ou je n'entends pas vraiment tout, ou ça semble un peu désordonné, pas amusant d'entendre des choses vraiment blessées beaucoup pour moi. Je me disais : Ecoutez, nous allons envoyer ça à un mixeur. Ça va être mélangé, ça va bien sonner. Mais ce que j'ai réalisé, c'est l'administrateur, si nous envoyons les tiges pour être mixées professionnellement, si votre chanson ne se traduit pas à votre client, ils ne seront pas excités, ils ne vont pas la pousser à sortir. Et ensuite, celui qui va produire que vous avez fait va rester assis sur votre disque dur et n'ira nulle part. Ou si vous faites des démos à envoyer aux labels, elles ne vous donneront pas l'heure de la journée si vos mixages ne sonnent pas bien, ou si vous sortez simplement leur propre musique, les gens vont penser que cela ne semble pas professionnel. C'est alors que j'ai réalisé que je devais consacrer beaucoup plus de temps et d'énergie à améliorer le son de mes mixages. Maintenant, je ne sais pas pour vous, mais je ne me suis jamais inscrit pour être mixeur. Je voulais devenir producteur. Je ne veux pas mélanger des chansons, mais ce que j'ai réalisé, c'est que mes productions avaient besoin mixage vraiment professionnel prêt pour la radio afin de communiquer la puissance des productions que je faisais. Donc, même si vous envoyez vos chansons pour être mixées, ou s'il ne s'agit que de démonstrations, ou si vous essayez simplement de vous assurer que les artistes avec qui vous travaillez comprennent votre direction créative. Vous devez vraiment avoir un son de vos mixages meilleur qu'eux. Vous êtes ici en ce moment à regarder cette vidéo. Vous savez probablement déjà que c'est également le cas pour vos morceaux. Donc, si c'est vous, je suis content que vous soyez là. Allons-y jusqu'au bout. Inscrivez-vous à ce cours et obtenons vos mixages au niveau qu'ils doivent être pour que les gens puissent vraiment entendre des productions musicales créatives, incroyables et cool que vous avez faites. Ne laissez pas des micros de mauvaise qualité limiter l'impact que peuvent avoir vos productions. Assurez-vous que vos mixages sont prêts pour la radio afin que les gens puissent entendre la vision créative que vous avez travaillé si dur pour créer. J'espère vraiment que vous vous inscrivez à ce cours et je vous verrai lors de la première conférence. Merci. 2. Commencer une nouvelle session de mélange: Maintenant, il est temps de commencer à parler de la configuration de votre mix. Donc, dans ce cours, je vais supposer que la plupart de mes étudiants, sinon tous mes étudiants, produisent leur propre musique, et qu'ils veulent la mélanger après avoir fini de la produire. En d'autres termes, vous n'êtes pas une table de mixage recevant, vous savez, des dossiers d'audio bruts du producteur, et ils vous demandent de le mélanger pour eux. Tu sais, pour un client extérieur. De toute évidence, beaucoup des sujets de mixage qui seront abordés dans ce cours s'appliqueraient également à cette situation , parce que nous parlons de mixage, mais il y a quelques choses qui sont en quelque sorte spécifiques à ceux d'entre nous qui sont produire notre propre musique. Et puis on veut continuer à le mélanger. Ok, donc je vais juste faire cette hypothèse. Et si ces choses ne s'appliquent pas à vous, alors c'est tout à fait bien. Hum, donc , euh, disons qu'on a un projet en cours de production, et maintenant on a décidé que c'était fini. Ah, nous avons ajouté tous les instruments que nous voulons et tout a l'air très bien. Et maintenant, nous voulons passer à l'âge mixte. Eh bien, c'est parce qu'à ce stade, nous avons quelques options différentes. Et, ah, vraiment trois options différentes pour ceux d'entre nous qui produisent la musique aussi. Et je veux juste les parcourir rapidement. Option 1, que je ne recommande pas. Et je vais expliquer pourquoi l'option numéro un est juste de mélanger à l'intérieur de votre projet principal. Donc, vous avez un projet comme celui-ci va et vous faites tout votre égaliseur vous et la compression et vous maîtrisez et tout dans le même projet. Et puis tu y vas. Maintenant, je ne recommande pas cette option. Et voici quelques raisons pour lesquelles Numéro un est qu'une fois que vous commencez à mixer, il est presque impossible de résister à la tentation d'entrer et de changer d'instruments Midi, changer de paramètres sur un sens différent ou de changer des choses audio différentes. Et une fois que vous retournez en arrière et que vous commencez à changer trop de choses, c'est en quelque sorte défait. Est-ce que tout le travail que vous avez fait sur votre mix déjà, et puis vous recommencez essentiellement donc il vous gardera dans cette boucle sans fin de peaufinage, puis remixage, peaufinage et remixage, et vous ne finirez jamais un projet. Et croyez-moi, je sais que par expérience, une autre raison pour laquelle je ne recommande pas que c'est quand ah, vous commencez et complètement nouveau projet mixte. Vous connaissez votre session mixte réelle dans votre d A W. Il vous donne une nouvelle perspective sur votre travail. Vous donne un knopper à Nitty pour vraiment écouter chacune des pistes individuelles, comprendre ce qui est nécessaire, ce qui n'est pas nécessaire lorsque vous êtes dans la même fenêtre de production, le genre d'état d'esprit avec lequel vous avez travaillé, c' est un peu facile de devenir comme inoculé deux sons différents. Tu ne les entends même plus parce que tu écoutes. Euh, vous écoutez, vous savez, depuis vous savez, des heures et des heures de ce projet. Et c'est très facile pour Teoh. Une sorte de négliger certaines parties ou différents défauts que vous devez corriger. Donc, démarrer un nouveau projet aidera vraiment à faire face à cela. Ok, donc c'est pour ça que je ne vais pas avec l'option 1. Je ne recommande pas l'option 1. Je ne l'ai pas fait depuis longtemps pour les raisons exactes que je viens de décrire. Et puis l'option deux serait de sauvegarder votre projet en tant que nouveau projet et de l'appeler mélangé . Et c'est ce que je vais faire parfois, parfois, mais pas ce qu'on va faire pour ce cours. Mais je vais juste expliquer ce que c'est. Donc, j'ai ma piste de production ici quand au lieu de mélanger à l'intérieur de ma piste de production, je vais réellement enregistrer mon projet comme un nouveau nom de fichier et l'appeler mélangé numéro un à la fin, vous savez, donc vous pouvez simplement appuyer ah, fichier, Enregistrer sous et appeler juste ceci à la fin, mélangé un au cas où j'en aurais plus d'un mélangé, et je pourrais juste le sauver comme ça, et c'est un nouveau projet. C' est exactement la même chose que mon projet de production, mais je suis en quelque sorte en train de reculer du côté de la production et de passer au mixage de cette façon. Si je vais parfois faire ça sur Lee si j'ai fait beaucoup de, vous savez, vous savez, citation unquote pré mixage pendant la phase de production. Si j'ai beaucoup d'effets sur les différents instruments, beaucoup de sorte de plug extrême dans le travail qui se passe, alors je vais parfois le faire. Mais encore une fois, cela ne résout pas le problème de vous donner une nouvelle perspective. Et aussi, tu sais que ça ne te force pas, Teoh. C' est ça vous permet de revenir en arrière dans les choses peaufinées qui peuvent parfois vraiment, vraiment allonger votre temps de mixage. Ah, et vous savez, c'est en quelque sorte à vous de décider. Je fais ça parfois si je suis vraiment heureux avec mon genre, citation Unquote Premix. Ah, pendant la production, je le ferai de temps en temps. Mais dans ce cours, nous allons choisir l'option numéro trois, qui est d'exporter tout en tant que fichiers audio et de commencer à partir d'une perspective de mixage de fichiers audio bruts. Donc, la façon dont nous faisons cela est la première de tout ce que vous voudriez vous assurer que vous commencez et terminez vos chansons alignées. Alors assurez-vous qu'il n'y a rien qui vient avant le début de la chanson ici et que la fin de la chanson. Vous savez, ce petit marqueur ce drapeau à la fin après tout ce que vous savez, tout l'audio a arrêté des choses comme juste un simple vous savez, crochets sur le début et la fin comme ça. Ensuite, nous pouvons aller à l'exportation de fichiers et exporter toutes les pistes est audiophiles. Maintenant, nous avons un dialogue ici, et vous pouvez créer un nouveau dossier de bureau ou, vous savez, où vous voulez, créer un nouveau dossier pour tous ces fichiers audio à entrer, et nous allons les récupérer dans le prochain conférence, puis ici avec les détails. Vous voulez les sauver comme des vagues. Hum, je fais toujours 24 bits. Je pense que le flotteur 32 bits est inutile. Hum, et donc je fais 24 bits, et puis vous devez décider si vous voulez acheter de la graisse dérivation vos bouchons d'effet à nouveau. Ça dépend pour moi quand je fais ça. Cela dépend de l'extrême de ma prise et de mon travail. Si j'ai beaucoup de syntonisation automatique sérieuse en cours ou vraiment des distorsions extrêmes et des choses que j'aime vraiment et que je veux garder, alors je garderai tous mes plug-ins, Um, ou vous pouvez choisir de contourner tout votre effet, le branche et juste commencer à partir d'un vraiment frais juste l'audio brut avec aucun de vos plug-ins fonctionne parce que, comme vous produisez, vous rencontrez. Vous savez peut-être qu'au fur et à mesure que vous produisez, vous savez si vous pouvez ajouter une distorsion très lourde sur une partie de synthé, et c'est comme une partie du son. Et pour vous faire savoir, vous voudrez peut-être garder cela pendant que vous passez à l'âge mixte et juste l'imprimer comme ce son avec la prise. Dans d'autres choses, cependant, si vous utilisez simplement, comme peut-être des retards simples ou n'importe quoi et ce n'est pas vraiment essentiel à l'esprit de la chanson avec laquelle vous travaillez, alors vous pourriez vouloir contourner. Une autre chose que vous pouvez faire pour prendre un peu plus de temps évidemment serait de passer par tous vos instruments ici et juste décider si vous voulez garder ces plug ins ou non. Vous pouvez simplement les contourner ici sur la tranche de console elle-même, et ensuite vous pouvez. De cette façon, vous pouvez inclure les plug-ins essentiels que vous avez, mais pas ceux qui ne sont peut-être pas nécessaires. Ok, retournons à notre fenêtre. Le bouton d'automatisation de pan du volume inclus n'est probablement pas trop nécessaire. Discutez-vous même parce que je suppose qu'à ce stade, vous n'avez pas beaucoup de volume ou d'automatisation panoramique. Vous pouvez avoir d'autres paramètres d'automatisation qui vont avec, vous savez, avec votre sens ou avec votre chaîne accusée ou autre. Donc tu sais que c'est juste décider si tu veux garder ça ou la nuit ou si tu veux le faire dans la phase de mixage et ensuite pour les options normaliser, euh,ici, tu as une surcharge. Donc tu sais que c'est juste décider si tu veux garder ça ou la nuit ou si tu veux le faire dans la phase de mixage et ensuite pour les options normaliser, euh, La protection sur Lee est allumée. Et je vais généralement faire la protection contre les surcharges sur Lee ou off juste pour que si je le suis si je reçois un clip puisse réduire le gain de ce fichier audio une fois qu'il est rebondi. Ok, alors vous appuyez sur Enregistrer, et cela va exporter tous vos fichiers audio dans un dossier que vous avez créé dans la prochaine conférence, nous allons ouvrir un nouveau projet de mixage et commencer à configurer notre session mixte. Tu vois, il y a 3. Importer vos fichiers audio: et bonjour, étudiants. Bienvenue dans cette conférence, nous allons importer nos tiges audio exportées. Dans la conférence précédente, j'ai expliqué que quand vous commencez un mix, vous voudrez commencer une nouvelle session mixte dans votre Daw. Et il y a beaucoup de raisons à cela. A savoir, euh, quelque sorte, vous donne une perspective fraîche et claire à ce sujet. Il réduit la tentation de revenir en arrière et de changer les paramètres de synthé ou différents instruments et choses comme ça. Très bien, vous avez ouvert juste une nouvelle session vierge ici et maintenant il est temps d'apporter ces extraits audio exportés de notre session de production. Donc, ici dans le coin supérieur droit, nous avons le navigateur, et nous pouvons choisir entre les médias de projet et tous les fichiers avec facilité. Trois onglets ici. Maintenant, nous mettons nos tiges pour cette chanson sur le bureau dans un dossier. Donc je clique juste dessus ici. Et si vous ne voyez pas cette fenêtre de navigateur, vous pouvez cliquer sur la maison Icahn ici, et cela fera apparaître votre juste votre disque dur normal les dossiers ici. Donc, si vous les avez, si vous exportez votre fichier ailleurs, vous pouvez simplement parcourir et les trouver là. Et donc une fois que vous les avez tous ici, saisissez-les tous juste commande A sélectionnera tous. Et vous pouvez juste les amener au tout début de la chanson Bar 1. Et, bien sûr, créez de nouvelles pistes parce que nous voulons de nouvelles pistes séparées pour tous les différents fichiers audio . Maintenant, ce dialogue vous demande si vous voulez importer les informations de tempo et nous pouvons dire oui et il me demandera également si je veux importer les marqueurs. , Je veux faire ça, normalement, , normalement, mais je vais vous montrer comment mettre en place des marqueurs au cas où vous ne l'auriez pas fait pendant votre séance de production. Ok, donc je vais juste dire, ne pas importer. Mais si vous les avez déjà mis dans votre session de production, alors oui, vous voudriez importer les marqueurs go. C' est beaucoup plus rapide. Donc, je vais juste dire, Ne pas, mais dans le but d'expliquer comment mettre en place des marqueurs dans ce cours, et il ajoutera lentement les fichiers audio. Ok, si je fais un petit zoom, vous verrez que nous avons tous les fichiers audio en place et qu'ils commencent tous au début, ce qui est bien. Et si je frappe la lettre F, je peux minimiser les fenêtres du navigateur. Je peux mieux regarder ici. Maintenant. Nous pourrions voir que nous avons 69 pistes sont audio tous nos fichiers audio ici. Et, euh, quelques choses à mentionner. Tout d'abord, de ce serait un bon moment pour sauver cela. Donc je vais juste le sauver maintenant et juste l'appeler n'importe quoi et en mélanger un comme ça . Ok, Maintenant notre projet est sauvé, et donc nous sommes prêts à aller de l'avant. Et maintenant quelques choses que vous pourriez remarquer d'abord, c'est que toutes les tiges audio sont branchées ici dans l'ordre alphabétique. OK, donc nous allons les réorganiser plus tard, mais vous pouvez voir qu'il commence par un est et se déplace vers le bas. Euh, aussi qu'il inclut tout le silence dans le fichier audio pour que vous puissiez voir ici avec des chaînes. Rien ne vient jusqu'à la fin ici, et c'est très bien aussi. On va s'occuper du silence un peu plus tard. Et quand l'audio est terminé, quand il n'y a plus d'audio, la tige finira juste là. Ainsi, la région ne monte qu'au point de son dernier son. Et, euh aussi, si vous ouvrez la fenêtre de mixage en sélectionnant X, vous verrez que tous vos fader zehr sont réglés à zéro. Ok, donc c'est bien. C' est très bien. Donc c'est tout pour l'instant. Nous avons importé des tiges audio Theo que nous avons exportées de notre session de production, lancé une nouvelle session mixte et les avons toutes alignées et toutes alignées sur leurs pistes individuelles. Et maintenant, nous sommes prêts à passer à l'organisation. Rendez-vous à la prochaine conférence. 4. Traces de noms: Hé, tout le monde, bienvenue dans cette conférence. On va parler d'organisation. Donc, si je regarde cette séance ici, c'est presque impossible de voir ce qui se passe. Évidemment, je pouvais voir un mouvement de forme d'onde, mais les noms sont tous foirés, ou certains d'entre eux sont foirés. Certains d'entre eux ne sont pas clairs. Je les ai nommés, vous savez, pendant que je produisais ça. C' est bizarre que ça n'a aucun sens pour moi maintenant. Donc la première étape dans la mise en place de l'organisation de votre mix est de nommer vos pistes, et vous pouvez dire, Oh, vous savez, eh bien, mon projet n'a pas 70 pistes, et je sais ce que qu'un audio 47 est. Eh bien, c'est bon, mais je vous préviens que si vous laissez ça reposer pendant une semaine et que vous essayez de revenir et vous essayez de vous rappeler ce que sont les choses différentes, et vous devez les solo pour les entendre à chaque fois, cela va vous rendre fou, donc cela vous fera économiser beaucoup de maux de tête à l'avenir, juste pour tout nommer correctement. C' est aussi un bon moment pour parcourir chaque piste et écouter des trucs bizarres. Donc, de temps en temps, quand vous exportez des fichiers ou peut-être quand vous avez enregistré une partie de guitare de quelque chose et que vous venez de frapper cette note vraiment bizarre que vous ne pouviez pas entendre dans la production. Mais si tu l'écoutes en solo, tu entends quelque chose de bizarre. Hum, et ce que j'aime à dio. Donc juste pour le faire méthodiquement, je vais juste commencer par le haut. Je n'ai pas encore organisé ça comme je le veux. Ils sont toujours dans l'ordre alphabétique, mais je vais juste commencer par le haut et juste donner un 11 à l'écoute de chaque morceau en solo. Ça prend un certain temps, évidemment. Mais une fois que vous faites cela, vous découvrirez un ah ce que la piste est pour que vous puissiez le nommer correctement. B s'il y a des coupures ou des sons numériques bizarres, ou comme des sons de souffle qui sont gênants dans les pistes vocales ou de mauvaises notes dans la partie guitare ou autre, et vous pouvez savoir, vous pouvez les assommer et les voir. Ah, l'autre chose est vraiment cool, c'est parfois que tu découvriras comme un petit moment magique que, euh, tu n'avais pas vraiment entendu auparavant. Peut-être que c'est comme juste le chanteur qui parle un peu entre les prises ou c'est comme un accident d'une partie de guitare que vous n'aviez pas l'intention ou que le guitariste n'avait pas l'intention. Mais ça semble vraiment cool, et vous ne l'avez pas vraiment entendu dans la partie production. Mais si vous faites le solo de l'instrument, vous le choisirez. Et ce que j'aime faire, c'est que si je trouve cette chose, je vais juste l'arracher et le mettre dans une nouvelle piste et lui donner une nouvelle couleur juste pour me rappeler, Hey, cette chose est plutôt cool. Peut-être que vous devriez le regarder plus tard, vous savez, et de cette façon vous pouvez inclure juste assurez-vous qu'il apparaît un peu plus et que vous n'oubliez pas ce que c'était ou où il est. Ok, donc je vais littéralement passer par et écouter chaque morceau individuel. Si je sais si je le sais évidemment, comme pour cette piste ad lib. Je sais que rien ne se passe ici jusqu'à la fin. Je ne vais pas écouter toute la chanson de trois minutes parce que je sais juste que c'est juste un pur silence. Droit ? Mais certains d'entre eux, vous savez que les petites choses se passaient à différents endroits, et vous voulez juste vous assurer de passer et d'écouter au moins où le son est censé être. Vous pouvez passer à travers et écouter juste ces parties et vous assurer que rien de bizarre ne se passe. Et s'il y a quelque chose de cool, tu peux l'attraper et ne l'oublie pas. Donc je ne vais pas vous obliger à rester assis ici et à me regarder passer par un nom. Tout. Je vais le faire moi-même. Vous pouvez faire la même chose et le nommer quelque chose qui vous convient. Il y a des normes que j'ai, comme pour les guitares. Je vais toujours commencer avec GTR pour guitare et des choses comme ça, euh sur Fox va généralement commencer par vox. Je ne pense pas que je l'ai fait dans la production. Ouais, mais ce que je vais faire pour le chant va le commencer par la boîte et ensuite, tu sais, un choeur de boite, différentes choses, comme, tu sais, c'est une sorte de mon procédure de nommage, mais vous pouvez avoir la vôtre, et vous pouvez en quelque sorte développer votre propre, um, pour nommer une piste. Tout ce que vous dio est un double clic ici, et vous pouvez juste Il est déjà nommé mais il vient juste de l'appeler nouveau Loop to Et, hum, celui-ci pourrait être pad un est Vous pouvez voir certains d'entre eux ont ces, comme, rebondir en place, des choses que je travaillais. J' étais en train d'imprimer un pad audio pour. Et puis une fois que vous les avez nommés, vous pouvez sélectionner les pistes à droite, cliquez sur la région audio et sélectionnez simplement la région de nom par piste. De cette façon, il est cohérent avec ce que vous avez ici, pad to, et il le dit sur la région audio elle-même. Et quand j'ouvre la fenêtre de ma table de mixage ici, en bas de ma tranche de console, il y a aussi Pat. Donc tout est nommé de façon constante et vous pouvez le voir très clairement. Et ça rend tout le monde heureux. Maintenant. Une autre chose que je n'utilise pas souvent juste parce que la plupart de mes chansons se trouvent avoir un million de morceaux en eux. Et c'est pour ça que ça me prend trop de temps. Mais si j'ai un cinq, une chanson qui n'a pas 70 pistes Ah, ce que je vais faire parfois est utilisé icône. Donc, ici, à gauche, maintenant. Puisque ces régions d'air toutes audio, nous venons de les importer tous ces n'ont pas l'icône de Ah, juste une icône audio, ce fichier bleu comme vague. Mais vous pouvez, hum Donc, par exemple, si je voulais, hum, utiliser un Nikon sur ma guitare ici, je peux cliquer avec le bouton droit sur cette petite icône et ouvrir une fenêtre Nikon ici, et vous pouvez y aller. Il a des catégories, donc je peux choisir la guitare, et c'est assez détaillé. Il y a un sitar, et vous pouvez décider si c'est comme, vous savez, euh, les cris comme Marshall Stack ici, ou c'est comme un son de guitare plus tweedy. Vous pouvez en quelque sorte mettre ça dans, même a différentes guitares de chariot comme une Telecaster ou une guitare acoustique o R blues guitare, donc je ne deviens jamais aussi fou avec elle. Mais vous pourriez juste mettre de la guitare et cette petite icône est assez facile pour vous, pour vous savez, votre oeil à attraper quand vous regardez votre fenêtre d'arrangement ici. Donc encore une fois, je n'utilise généralement pas d'icônes tout le temps, Mais si cela vous est utile, alors allez-y et déposez-les. Donc il y en a une guitare. Faites un autre exemple. Euh, genre, c'est juste nos tambours. Je peux juste faire un clic droit et aller à la batterie et juste donner, tu sais, comme un coup de pied comme ça. Donc, um noms d'icônes, alors passez par, nommez vos pistes. Et dans la prochaine conférence, je vais vous montrer comment je les organise. Voir là. 5. Code des couleurs: bonjour et bienvenue une fois de plus. Maintenant que nous avons toutes nos pistes nommées correctement d'une manière qui nous semble logique et que les régions audio elles-mêmes sont nommées correctement parce que nous les avons nommées en fonction du nom de la piste. Et puis dans notre fenêtre de mixage, tous les noms sont correctement définis. Maintenant, il est temps d'organiser les pistes. Donc, euh, différentes personnes ont des systèmes différents pour ça. Vous pouvez développer votre propre système qui a le plus de sens pour vous, mais je vais juste l'expliquer comme je le fais. Et peut-être que ça vous aiderait. Donc, la façon dont je le fais est de commencer par le haut tout en haut aura tous mes tambours ci-dessous. Les tambours auront la base au-dessous de la base. Tous ont des guitares, vous savez, acoustiques et électriques, si vous avez les deux et puis sous les guitares tous ont une sorte d'instruments de type acoustique , même si leur base d'échantillon, mais, Tu sais, cordes, cordes, orgue de piano, des choses comme ça. Sous ça, j'aurai mes instruments de synthé, puis sous les instruments de synthé, j'aurai toutes mes voix, et je décompose chacun de ces grands groupes en quelque sorte leurs propres sous-groupes, que je vais expliquer dans un deuxième fois que nous le faisons sur les tambours. Donc, je vais commencer à la batterie. Donc, ce que je vais littéralement faire, c'est prendre mes germes et les amener au sommet. Donc, voici un coup de pied. Voici un autre coup de pied. Je ne m'inquiéterai pas de les mettre dans n'importe quel ordre. Et juste en s'assurant que chaque instrument de batterie est en haut de la fenêtre. Cela inclut les percussions, chapeaux, clap, caisse claire, boucle de point de filtre, filtre, pont, coup de pied, filtre, boucle de verbe claire un, casquettes crash. Um, soulèvement qui peut aller là-haut. Qu' est-ce qu'on a d'autre ? Un autre shaker de soulèvement. Un boom, hum, crash ride Clap aussi. Tim Marine ascenseur vers le bas. Déplacez ça vers le haut. Et je crois que c'est tout ce qu'on a pour la batterie. Ouais, donc je pense que c'est tout ce qu'on a. Si je trouve quelque chose plus tard, je peux le déplacer. Et maintenant qu'ils sont tous au sommet, ce que je vais faire, c'est les mettre en ordre d'importance. Donc, en commençant par des coups de pied, pièges, des symboles et puis d'autres éléments de percussion vers le bas. Donc, si mon coup de pied principal en haut. J' ai un coup de filtre qui peut aller en dessous de ça. Alors mettons le piège après ça. Ensuite, j'ai un revers près qui peut monter. Frappez un clap, aussi. Chapeaux peuvent aller après cela, puis ajoute à coups de pied dans leur pont. Je peux peut-être monter ici. J' ai ah, piège réverbe qui peut monter, Tom. Alors peut-être quelques symboles. J' ai un crash ride et un crash qui peut aller au-dessus de ça. Voici un filtre à caisse claire avec un délai pointillé. Filtre en boucle. Le pont peut monter ici. Je pourrais mettre les boucles en ordre. Boucle d'une boucle pour boucle Filter Bridge. Alors peut-être que certains des effets sonores. J' ai l'ascenseur vers le bas. J' ai soulevé un sur deux, puis quelques autres percussions shaker. Où est l'équipe ? Marine ? Ici, c'est, mais en dessous de Shaker Boom. Un petit saut, Phil. Tom est pour le pont. Ça peut y aller. Et ce n'est pas comme la chose la plus importante d'avoir ces dans un ordre spécifique. part savoir où sont les choses en termes de, vous savez, les plus importantes au sommet, et ensuite, en quelque sorte, de descendre, vous savez, moins important vers le bas. Ok, c'est ce que l'idée. Alors ce que j'aime faire c'est, euh donc, oui, je vais faire ça avec tous les différents groupes d'instruments. Je ne vous obligerai pas à me regarder faire ça pour tous les différents groupes d'instruments. Mais je viens de le faire avec tous les tambours. Et après ça, je pourrais faire les instruments de base. Vous savez, les bassins de synthé basse basés en direct et aller après toutes les tambours. Et puis nous allons juste faire la guitare pour que je puisse mettre toutes les guitares, euh, là-haut et vous pouvez sélectionner plusieurs pistes en appuyant sur Maj pour sélectionner plusieurs. Ou vous pouvez appuyer sur la commande Dio pour sélectionner plusieurs pistes qui ne sont pas successives. Donc je pourrais juste prendre toutes mes guitares et les mettre après la base, et je pense que ça devrait être correct. Et puis ce que je vais faire est toute couleur habillé les pistes après les avoir organisées. De cette façon, si vous appuyez sur les options, voir fait apparaître votre palette de couleurs, et maintenant nous pouvons colorer les pistes donc je vais prendre tous les tambours. Il suffit de les sélectionner tous va à Tom's Bridge, et ils vont les colorer en rouge. Donc juste à partir du début de l'arc-en-ciel. Et parfois, si je veux être encore plus détaillé, je prendrai tous les éléments de percussion. Donc, tout autre que vous savez, le kit de batterie standard et vous pouvez les colorer une nuance subtilement différente de rouge comme peut-être ce genre de couleur orange rouge. Donc maintenant je sais que ces air, mes instruments de batterie principaux et plus tout orange est une sorte de groupe de percussions. Ensuite, je pourrais prendre ma base et les rendre orange juste sous la pluie, Boehm. Ensuite, je pourrais prendre toutes mes guitares et les rendre jaunes comme ça. Et puis si tu veux dire, OK, OK, peut-être que le solo a besoin d'un traitement. Je sais que plus tard, je dois travailler sur le solo de guitare. Ah, qui est là. J' ai oublié de nommer ces guitares, donc je vais changer le nom rapidement ici. C' est une autre raison pour laquelle les orteils ont, vous savez, une procédure de nommage normalisée. Parce que parfois tu manques des choses comme ça. Alors coloriez ces jaunes, mais moi. Ok, voici l'autre solo. C' est donc la piste solo principale. J' ai, genre, cinq drogues pour guitare solo. Donc nous allons colorer celui-ci jaune, mais peut-être une nuance différente. Parce que je sais que je dois le regarder plus tard. Et de cette façon, je sais que, tu sais, je pourrai m'en occuper plus tard. Et de cette façon, vous obtenez tout organisé et codé par couleur vraiment bien. Et croyez-moi, ça vous aide à bouger dans votre mélange. Alors allez-y et regroupez toutes vos pistes audio dans leurs différents groupes d'instruments. Et vous pourriez être aussi détaillé que vous le souhaitez avec ça. Ah, et puis allez-y et code couleur. le mettent tous dans l'ordre d'une manière qui a du sens pour vous dans la prochaine conférence, je vais vous montrer comment supprimer le silence de vos fichiers audio. Je te verrai là-bas. 6. Suppression de silence de vos régions audio: et bienvenue. Maintenant, nous avons nos pistes toutes organisées et codées par couleur par catégorie de la source de type audio . On a donc les tambours sur le dessus. Ensuite, nous avons des percussions que nous avons basé des guitares, instruments de type acoustique, instruments de synthé et puis des voix au fond et évoquent. J' ai divisé ces groupes en une sorte de variations de couleurs subtilement différentes. Donc, comme ma voix, j'ai, genre, le chant principal ici en haut. Il y a une sorte de bleu plus foncé, et plus les annonces Libs ou vocales affectent les choses chance, vous savez, elles sont dans une nuance différente de bleu. Et puis avec ma batterie, j'ai mes principaux éléments de batterie et le rouge et les éléments de percussion dans une couleur plus orange comme ça. Ok, et encore une fois, tu peux être aussi détaillé que tu veux avec ça, c'est à toi de décider. Donc maintenant, il est encore difficile de voir quelle est la structure de la chanson, parce que vous avez tout ce silence dans toutes vos pistes, comme vous pouvez le voir ici. Je vais te montrer comment enlever le silence. Et il y a deux façons de le faire. On serait juste aller visuellement et hacher vos régions audio et juste une sorte de les façonner manuellement de la façon que vous faites c'est avec l'outil de sélection. Donc, si vous maintenez la commande, vous pouvez voir ce signe plus vient avec votre curseur, et vous pouvez simplement double-cliquer et diviser votre région audio, et vous pouvez juste le faire un peu avant un peu après chaque audio. Chaque forme d'onde que vous voyez. Ensuite, vous pouvez simplement entrer et supprimer les périodes de silence. Et de cette façon, vous pouvez voir beaucoup plus clairement où les choses se passaient et quelle est la structure de la chanson. Donc c'est une façon de le faire. Une autre façon de le faire est la logique a un moteur de suppression de silence. Donc, si je clique par exemple, sur ce clic kick filter région audio, et si vous utilisez la sortie de contrôle G chaud, ouvre la fenêtre de silence de bande ici et vous pouvez voir ici qu'il a comme une lecture visuelle de votre vague et vous avez ici quelques contrôles que vous pouvez utiliser pour ajuster. Quel genre de silence est dépouillé ? Non, je ramène le seuil à environ 1% et je prendrai le minimum de temps pour accepter ce silence plus d'une seconde. C' est bien parce que, comme vous pouvez le voir, si c'est ici à 1/10 de seconde, alors il veut couper chaque individu. Tu sais, coup de pied. Hum, et on ne veut pas ça. Nous voulons que tout ce groupe de formes d'ondes d' soit une seule région audio. Il n'aurait pas vraiment de sens de diviser tous les transitoires en régions audio distinctes. C' est un cauchemar. Donc je vais juste faire une seconde et vous pouvez augmenter un peu le temps de pré-attaque. Et ah, ça va juste te donner un peu de pré-rouler là-bas. De cette façon, tu n'arrêtes pas ton chemin pour lui. Toucher d'accord ? Et il va le briser comme ça pour vous déjà. Ce n'est pas forcément ma façon préférée de le faire. C' est un peu plus rapide que de le faire manuellement. Mais le seul problème est que parfois, ah, vous savez, vous savez, puisque vous utilisez une seconde de temps de pré-attaque, alors ça peut devenir un peu bizarre parce que ça ne commence pas comme sur le bar lui-même. et il ne s'alignera pas parfaitement. Donc c'est juste quelque chose à penser. C' est à vous de décider. Si ça vous dérange, c'est juste quelque chose que vous pouvez gérer. D' habitude, je le découpe manuellement. Ah, et ça n'a pas besoin d'être parfait parce que vous avez juste besoin de savoir où ces différentes sections sont géniales et vous savez que vous nettoyez votre vitre et que vous pouvez tout voir plus facilement . Donc, je vais juste habituellement couper moi-même pour que vous puissiez aller de l'avant et faire cela et vous verrez que cela améliorera considérablement votre sorte de perception visuelle de la piste dans son arrangement. Dans la prochaine conférence, je vais vous montrer comment créer des marqueurs. Je vais voir là. 7. Configurer des marqueurs: Bon, bienvenue. Donc, j'ai traversé et j'ai enlevé le silence pour toutes mes régions audio. Et comme vous pouvez le voir, maintenant nous avons quelque chose qui ressemble beaucoup plus à un arrangement réel. On pourrait voir où se trouvent la densité des pistes, et ce sont des chorus. Et, vous savez, au lieu de juste cette longue région audio pour chaque piste pour cette partie, vous savez, pour cette partie du pont de filtre, nous savons que ça se passe juste là. Donc maintenant, nous pouvons entrer et créer un arrangement à l'aide de marqueurs. Et si vous ne l'avez pas fait pendant votre session de production, alors ce serait le moment idéal pour le faire. Parce que ça aide à économiser une tonne de temps. Et quand vous savez exactement où les chœurs et où commence le pont et vous savez , etc., ça aide beaucoup. Donc ici, au-dessus des pistes, vous avez un triangle de divulgation, qui divulguera certains des composants de la piste globale. Vous avez la disposition, marqueur, signature et le tempo, et vous pouvez ajuster ce que vous voyez ici en cliquant avec le bouton droit n'importe où sur cette section d'en-tête de piste et vous pouvez sélectionner masquer la disposition, masquer les marqueurs montrer un film. Si vous marquez sur une signature d'heure de film, vous pouvez afficher ou masquer tous ces éléments. D' accord, mais on travaille vraiment avec le marqueur en ce moment, alors ce que je vais faire, c'est que je vais juste jouer depuis le début de la chanson. Il y a plusieurs façons d'ajouter vos marqueurs. La première façon est que vous pouvez simplement cliquer sur ce signe plus, et vous pouvez créer un marqueur de cette façon. Ou vous pouvez faire un clic droit sur la règle sur cette ligne. Cette ligne de marqueur qui est en ligne avec ce marqueur, et vous pouvez créer un marqueur de cette façon et qui le créera partout où se trouve la tête de jeu. Donc si vous écoutez et que vous savez que votre choeur frappe ici, vous pouvez faire un clic droit et créer un autre marqueur là, ok ? Ou la troisième façon de le faire est de créer le 1er 1 qui soit intro comme ça. Il joue à travers, ce qui commence techniquement ici sur le bar en fait Streets of. Maintenant, je sais que le verset commence ici sur Bar 6 parce que c'est là que les voix entrent. Donc, euh donc la dernière façon de les créer est d'utiliser l'option. Je maintiens l'option cliquez et faites glisser ce premier marqueur sur. Maintenant, j'ai un marqueur en double que je peux double-cliquer sur ce nom et juste l'appeler verset Un . Celui que tu veux appeler Theo ? Maintenant ? Barre 14. Là, nous avons un autre changement. C' est Ah, tu sais, ça dépend en quelque sorte de ce que est ton système de nommage. Vous pouvez appeler ce verset deux ou comme le verset un B, parce que c'est une sorte de deuxième moitié de ce premier verset. Tout ce qui a le plus de sens pour vous. , je fais D' habitude, je faisle verset 1 B. Il y en a un poreux. Je pense que ce serait ce que j'appelle habituellement le cours de post, qui est une sorte de section entre le choeur et puis le verset suivant. Theun, voici le verset 2 comme ça. Donc juste comme ça, je passe toute la chanson et je l'ai juste dit. Mes marqueurs de cette façon. Et tu sais que tu peux le faire toi-même. Je ne vous obligerai pas à m'écouter faire tout l'arrangement des marqueurs. Mais une chose à noter à ce stade, vraiment cool, c'est que maintenant que vous avez mis en place ces marqueurs et que vous avez divulgué ces pistes globales. Vous pouvez réellement utiliser les marqueurs pour créer rapidement des boucles de cycle. Donc, si je veux juste boucler la seconde moitié de ce premier verset, je peux cliquer sur ce marqueur et il est blanc et vous pouvez voir s'il est sélectionné. Et je pourrais juste le faire glisser jusqu'à la fenêtre du cycle ici sur ça crée une région de cycle pour ce verset. Un B. Même chose. Si je veux le faire avec le chœur Post, je pourrais simplement le faire glisser vers le haut plutôt que de créer votre propre région de cycle. Cela vous permet juste d'économiser quelques secondes, mais c'est vraiment utile. Je l'utilise tout le temps, non ? Ça rend très rapide. Excellent travail. Préparez ces marqueurs et je vous verrai à la prochaine conférence. 8. Multing: et bonjour les étudiants. Bienvenue une fois de plus. Maintenant, nous avons mis nos arrangements avec nos marqueurs. Et cela se sent vraiment bien parce que maintenant nous savons où toutes les sections de chansons commencent une fin affaiblir beaucoup plus clairement. Voir la disposition de la piste. Et dans cette conférence, je vais vous parler un peu de ce qu'on appelle le maltage. Ah, c'est une sorte de raccourci pour, je suppose, Moulage multiple est simplement de prendre un audiophile et de le diviser en, vous savez, deux ou plusieurs pistes distinctes parce que, vous savez, avec vos stations de travail audio numériques, vous n'avez vraiment aucune limite au nombre de pistes que vous pouvez utiliser. Et si vous savez que vous allez aux pieds, voulez traiter un audiophile différemment. Vous savez dans une autre partie de la chanson, et vous ne voulez pas utiliser l'automatisation, qui parlera beaucoup plus tard dans le cours. Ensuite, vous pouvez utiliser ce que nous appelons mue pour diviser ce fichier audio en plusieurs pistes, puis vous pouvez traiter chacune de ces pistes différemment. Donc pour moi, mon exemple ici sera dans la piste de vers vibe de guitare, une sorte de truc de guitare d'ambiance qui se passe dans les vers. Ça ressemble à ça, non ? C' est juste une sorte de B, vous savez, vous savez, doute verbe a affecté le son de guitare humide dans le cours The Post, bien que je corresponde à cette ligne de guitare que j'ai. J' ai cette ligne de guitare ici aussi, alors joue-le bien. C' est comme une ligne de guitare déformée dans le choeur The Post, et je fais correspondre ça avec cette même guitare d'ambiance ici et puis ça remonte. Une fois qu'il arrive à inverser, il retourne dans l'autre ambiance de guitare normale Nicks First. Maintenant, disons que je veux prendre cette partie de chorus post et que je veux vraiment souligner cela, mais dans les vers, je ne veux pas que cette guitare soit autant. Je ne veux pas qu'il soit aussi bruyant dans le mix que dans le cours post, donc ce que je peux faire est de briser ceci, littéralement hacher de chaque côté de ce choeur post, et puis je vais juste dupliquer cette piste de cette façon. Il garde la même icône et la même couleur, et maintenant je pourrais juste ramener cette partie vers le bas et la supprimer du haut. Maintenant, une chose à mentionner avec ceci est d'être prudent. Vous voulez faire attention à ne pas obtenir des pops de l'audio juste se diviser entre les deux. Donc, si vous le vouliez, vous pourriez apporter ça un tout petit peu et ensuite créer un fondu. Donc, je frappe la lettre t qui fait apparaître mon menu pointeur. Et maintenant j'ai toutes ces options différentes ici, et je peux choisir l'outil de fondu, qui est le nombre zéro. Donc j'ai frappé t pour faire monter cette fenêtre et ensuite zéro, et maintenant j'ai mon fatal et juste créer un peu de fondu ici. Et je pourrais faire la même chose de l'autre côté si je veux Teoh ou si je peux le faire, tu veux que ça arrive ici, et je veux que celui-ci reporte un peu plus et crée un peu de chevauchement ici. Cela ira bien dans le contexte du mix, et cela rend juste les choses un peu plus lisses comme ça. Ok, c'est juste un peu fondu ici au début. Et puis si je frappe t t, je pourrais ramener mon pointeur normal. Donc maintenant, nous avons ce qui se passe. Il remonte à la première chose d'ambiance là-bas. Maintenant, ce que je peux faire, c'est peut-être ajouter une compression à cette piste en double, ou je pourrais juste avoir le volume du fader un peu plus fort. Je peux l'avoir pan différemment, et je n'ai pas à me soucier de l'automatisation parce que je sais pour un fait que je veux que cette pièce se démarque. De cette façon, j'ai mué sur une nouvelle piste, et ensuite je peux le traiter différemment d'une manière qui a du sens dans l'arrangement. Et puis je peux appeler cette ambiance de guitare Post Chorus parce que je sais que c'est une chose distincte . Et puis aussi, probablement dans cette situation, je voudrais ouvrir la palette de couleurs et la colorer un peu différemment afin que je puisse voir que c'est quelque chose qui est censé se démarquer plus tard. Ron, je voudrais peut-être l'aborder comme il se doit, et non, tu sais. Ouais, je devrais peut-être m'occuper de ça et le traiter un peu différemment, donc c'est de la mue. C' est l'occasion de diviser vos régions audio en plusieurs pistes afin que vous puissiez traiter ces pistes un peu différemment parce que Mitt, peut-être différentes parties de l'arrangement appellent, vous savez, traitement différent Plus tard. Une autre partie serait un autre exemple plus tard. Tu sais, peut-être que tu as une mandarine qui frappe tous les quatre notes de la barre. Ah, et peut-être plus tard dans la chanson que la falsification va à 16e notes dans le chœur ou quelque chose comme ça. Et peut-être que vous voulez traiter ces deux styles de jeu différents de Tam Marine différemment. Mais c'est la même piste en ce moment. Vous le ferez. Vous pouvez mutiler ceux qui les cassent. Donc, la 16e note Trent Tam Marine est dans une piste différente, et maintenant vous avez deux pistes différentes, et vous pouvez les traiter indépendamment d'une manière qui a un sens pour savoir où elles sont dans la chanson et comment elles sont jouées. Donc c'est de la mue. Il suffit donc de parcourir vos pistes et de voir s'il y a différentes choses que vous voulez transformer en une piste distincte et traiter différemment. Excellent, excellent travail. Rendez-vous dans la prochaine conférence 9. Configuration du routage de Submix: Hé, étudiants, bienvenue dans cette conférence où vous allez mettre en place des sous-mixes. Donc nous sommes encore au stade de la préparation du mélange ici. Donc, le sous-mixage est le processus de regroupement de différents types d'instruments, puis routage de ces groupes vers un bus séparé afin que vous puissiez avoir comme un plus petit nombre de fondes er er qui contrôlent l'ensemble du mélange. Ainsi, par exemple, vous aurez un sub mix de batterie, un submix de guitare, un submix sous-mixage vocal, etc. et vous pourriez être aussi détaillé que vous le souhaitez avec ceci. Certaines personnes aiment avoir, vous savez, de la batterie, de laguitare basse, guitare basse Fogel's. Certaines personnes aiment avoir de la batterie, soumet des percussions de sujets en boucle mixte. Passez quelques knicks, menez un peu de mélange, donc vous voyez ce que je dis. Ça dépend en quelque sorte du contenu de votre chanson. Évidemment, si vous avez juste, vous savez, cinq pistes de batterie, une piste basée, une piste de guitare, une piste vocale, alors vous ne le faites pas. Vous savez, vous avez déjà un mix très simple, mais nous avons 70 morceaux dans cette chanson, donc nous allons devoir faire un routage de sous-mixage avant même d'avoir un mix statique et ça vous enverra beaucoup de temps et de mal de tête à l'avenir, comme vous progressez le long de votre mixto avoir ces sous-mixes. Donc, c'est très simple. Je vais vous montrer comment le faire dans cette conférence. Ce que nous allons faire maintenant, c'est ouvrir la fenêtre de mixage. Maintenant, vous pouvez appuyer sur la lettre X, et il va ouvrir une table de mixage à l'intérieur de votre écran principal défini ici et maintenant vous pouvez voir que le coup de pied est sur la gauche et il va jusqu'au chant sur la droite ou si vous appuyez sur la commande pour vous pouvez ouvrir une fenêtre de mixage séparée et c'est vraiment cool. Si vous avez plusieurs moniteurs, vous pouvez avoir, vous savez, le mélangeur sur le moniteur séparé. Mais je n'ai qu'un moniteur, donc je dois travailler dans , une fenêtre principale est-ce pas ? Et vous pouvez évidemment rendre ça aussi grand que vous le souhaitez. Donc maintenant vous avez toutes vos pistes configurées sur une sorte de console mixte virtuelle comme celle-ci, n' est-ce pas ? Et maintenant ce que je vais faire, c'est aller à l'extrême gauche prendre tous mes instruments de batterie, sans compter les percussions. Donc, du coup de pied au crash ride. Je sais que ce sont mes instruments à batterie principaux, et je les sélectionne tous avec en maintenant Shift. droite. Alors maintenant, ils sont tous sélectionnés. Et maintenant nous avons cette ligne de sortie, et vous pouvez voir toutes les sorties par défaut sont réglées sur stéréo, mais qui est juste le bus de mixage principal à la fin ici, cette sortie principale, non ? Mais nous allons, au lieu de les envoyer là-bas, nous allons les envoyer d'abord à un sous-mix. Donc encore une fois coup de pied crash ride. Et maintenant, je peux cliquer sur n'importe lequel d'entre eux. Et au lieu de sortir stéréo, je vais choisir le bus. Ah, et je commence habituellement avec au moins le bus 20 quand je fais mon mixage sous-marin parce que je veux utiliser mes autres bus pour les retours d'effets, et on en parlera plus tard. Mais, tu sais, tu pourrais commencer par 20 ou 3 une 30 quelle que soit la hauteur que tu veux. Mais nous commencerons par 30. Bon, maintenant, le Bus 30 est maintenant notre mixage de batterie. Et si nous allons tout le chemin vers la droite. Vous verrez ici, Auxiliaire. Cette chaîne. L' entrée de ceci est Bus 30. Donc ça veut dire que toutes les pistes de batterie vont dans ce bus. Et ce qu'on peut appeler ça, c'est le tambour M. C'est ce que je fais normalement, qui signifie juste « Drum Sub Mix ». Si vous ne voyez pas ce canal de boeuf, assurez-vous que ces air sont sélectionnés ici sur le dessus. Et cela vous permet, vous savez, filtrer ce que vous regardez dans votre fenêtre de mixage. Donc, si ce n'est pas activé, vous pouvez ne pas le voir correctement. Alors, permettez juste aux chiens. Donc, il y a le mélange de batterie. Ensuite, on peut passer de la boucle un jusqu'au pont de Tom. C' est la dernière piste de percussion, et nous pouvons choisir le Bus 31 pour cela maintenant. Buste 31 est ici Auxiliaire à Bus 31 sera maintenant perk sous Knicks perk SM percussion sub mix . droite. Et juste descendre fera la base. On doit juste baser les instruments. Mais c'est bon. On peut toujours utiliser, euh, tu sais, bus 32 juste pour garder tout propre et simple. Base sub mix juste là et suivant. L' un serait nos guitares qui va jusqu'à la guitare Solo est la dernière. Choisis tout ça et elle a le buste 33 et on ira par ici. Ox quatre est maintenant un mixage de guitare. Et encore une fois, vous pourriez être aussi détaillé que vous le souhaitez ici. Si vous avez, vous savez, des guitares acoustiques. Vous pouvez mettre l'acoustique dans un sub mix l'électricité et un autre sub mix qui aurait du sens . Maintenant, nous avons des cordes et Bell. Ce sont les deux seuls comme des instruments acoustiques, donc je vais juste appeler ces échantillons de sous-mixage. Tu sais, je ne veux pas vraiment appeler ça parce que c'est un peu déroutant et peut-être guitare, non ? Alors appelez ça échantillon parce que c'est comme des instruments échantillonnés le prochain nous avons tous nos depuis. Donc ça peut aller jusqu'au bus 35 ici. Si tu voulais rendre ça plus complexe, , complexe, il pourrait faire des pistes ou des tampons, mais pour moi, je vais le faire depuis le mixage. Et puis nous avons, enfin toutes nos voix, sorte que ce sera busé 36 comme ça. Donc c'est le bœuf sept. Maintenant, on peut appeler ce sous-mélange de Vox comme ça. En ce moment, le mélange entier est contenu dans ces 77 fondes er er er. Et donc ceux-ci englobent l'ensemble du mélange. Je peux solo juste la batterie, juste la percussion, juste la base, juste les guitares. Et puis dans la prochaine conférence va commencer à obtenir un mélange statique, vous savez, comme juste un équilibre de tous les instruments. Mais cela vous aide à trouver un bon équilibre entre les différents groupes d'instruments. Donc on va commencer à trouver un bon équilibre de tous les tambours. Bon équilibre de toutes les percussions, toutes les guitares. Et puis vous pouvez juste équilibrer les différents sous-mélanges ensemble pour obtenir votre mix statique, ce qui nous amènera, vous savez, vous savez, commencer sur la route de votre mix statique. Droit ? Alors allez-y et configurez ces sous-mixes. Cela aide beaucoup, vous fait gagner beaucoup de temps. Donc, tout ce que vous faites est au lieu de choisir la sortie stéréo, tous les différents groupes iront à un bus différent et vous venez de les nommer correctement. Maintenant, une chose à remarquer, je ne sais pas pourquoi ils ne codent pas la piste inférieure sur le mélangeur, vous savez, d' après ce que vous avez dans la fenêtre d'arrangement, ça me dérange vraiment. Donc ce que je fais c'est que tu sais, je vais passer par là et tu pourras le code couleur. Euh, tu sais, j'ai juste un code couleur, comme tous mes tambours, ce que j'avais avant. Ainsi, vous pouvez simplement les sélectionner à nouveau, et vous pouvez faire un clic droit et aller un canal de signe, couleur de bande. Et puis vous pouvez juste passer en revue et colorer ces rouges, vous savez ? Et vous êtes des percussions. Tu peux faire Ah, euh, la couleur orange rouge orange juste comme ça. Donc, vous pouvez simplement passer à travers et coder les couleurs aussi bien. Ça aide beaucoup. Il suffit de le faire correspondre aux couleurs dans la fenêtre d'arrangement. Très bien, bon travail. Rendez-vous à la prochaine conférence. 10. Obtenir un mélange statique: et bonjour. Bienvenue de retour. Encore une fois. Maintenant, nous avons préparé notre mélange magnifiquement. Il est facile de voir que les marqueurs sont configurés. On sait ce qu'est l'arrangement de la chanson. Ah, on a codé par couleur et nommé tout ce qu'on a nos sous-mixes. Maintenant, il est temps d'obtenir un mélange statique maintenant un mélange statique ou tout simplement, vous savez, aussi juste appelé. L' équilibre est en quelque sorte juste le premier haut niveau, équilibre très basique du fondu. Er a raison. Nous voulons juste obtenir un simple mélange de tous les niveaux de volume des différents instruments et de la façon dont j'aime faire. Tout cela est mis une boucle de cycle pour peut-être la partie la plus dense de la chanson. Comme le chœur. Peut-être que le dernier chœur est, vous savez, la partie la plus occupée de la chanson où presque tout est joué. Évidemment, certaines choses sont, vous savez, Onley dans la panne ou dans le solo. Je ne vais pas l'attraper dans le chœur, mais nous devrons y retourner et prendre ça et, en quelque sorte, vous savez, passer par les différentes sections de chansons. Mais je commence habituellement par la partie principale, vous savez, vous savez,la plus dense de la chanson qui, dans notre cas, est le chœur. Ensuite, je vais ouvrir ma fenêtre de mixage en dirigeant la commande, aussi. Et j'ai mon mixeur ici. Donc maintenant ce que je vais faire, c'est que je vais solo les sous-mixages de batterie comme ça et ensuite tous les échecs autres que nos sous-mixes. Je vais aller de là jusqu'à gauche. Et je vais juste mettre tout ça à, euh, vous savez, infini négatif, pas zéro, mais creuser l'infini négatif , à droite, le bas du curseur jusqu'au très bas. Alors maintenant mon mixage de batterie est en solo. Alors quoi ? Je vais juste entendre ce qui se passe avec la batterie, non ? Et maintenant, je peux commencer à faire venir. Maintenant, je peux jouer juste ce rôle de chœur et trouver un bon équilibre de tous ces instruments de batterie , et ensuite j'ajouterai ma percussion, non ? Donc il suffit d'utiliser la fenêtre de mixage à l'intérieur de l'ensemble de l'écran d'arrangement pour que je puisse voir les deux choses qui se passent ici. Donc maintenant littéralement juste frapper Space Bar pour jouer la chanson du chœur, et je vais juste commencer à gauche et juste obtenir un bon mélange de ces instruments à venir. Donc, évidemment, cette partie de filtre de kick n'arrive pas dans ce cours. Je regarde juste en haut, donc je n'ai pas à m'inquiéter de là, pas plus que le Kick Bridge. Mais je suis juste en train de traverser et je vois ce qui se passe ici, et je vais juste m'assurer d'avoir un bon équilibre de tous ces instruments pour commencer . Alors sautez ces deux-là. Évitez le verbe clair. On n'a pas ça dans ce chœur. Soit on a un clap, des chapeaux hauts. Apportez-les en seconde. J' ai eu un accident à partir de là. Crash ride. Apporte ça un peu. Apportez-les un peu. Ok, donc c'est un bon équilibre pour l'instant. Et maintenant, amenons les instruments de percussion. Alors allez à mes sous-mixes solo le submix de percussion ainsi que la batterie, et maintenant nous allons commencer à écouter et apporter certains de ces instruments de percussion. Boucle là, apportez-le en boucle sept. On va sauter ce pont de Luke. Ce n'est pas là en ce moment. Uplit sorte de vient avant le choeur vers le bas avec ceux qui commencent Shaker ont ce bon niveau, Marine. Voyez ce qu'il y a d'autre ici. Je n'ai pas encore le boom, donc je ne vais pas m'inquiéter pour ça. Saute là-dedans. J' ai donc maintenant un bon équilibre entre ces instruments qui sont au moins ceux qui se produisent à la section chorus ici. Ok, donc maintenant ce que je peux faire est d'ajouter dans la base. Alors amenons le mélange de base, allons à notre base et amenons ça. Oh, ouais. On n'a pas de synthé basse dans la partie chorus, mais j'ai la base en direct va le soulever, juste une sorte d'aborder certaines de ces choses que j'entends. Ok, euh, maintenant on peut apporter les guitares aussi. Et faire ces cours de guitare. Pas celle-là. Celles-ci sont des cordons d'alimentation à courant élevé . Amenez-moi. Parfois, je dois le soulever trop haut pour m'assurer de me souvenir de ce que c'est. Le reste est si oui. Ok, donc ces air ne sont pas dans ce chœur là-bas. Ce sont juste des parties différentes. Et se déplacer à droite fera les échantillons, ce qui, je pense, est juste la cloche là-bas. Donc c'est juste l'adresse de cette cloche qui apporte un peu ça. Et je laisse des choses qui ne fonctionnent pas juste au fond. Um, donc je peux savoir que j'ai besoin d'aborder apporter dans un sens, j'ai un vocodeur là-bas, mais nous avons ça conduit Hodess depuis la grève petite sorte de truc cool. Et juste comme ça, tu as un bon équilibre pour cette partie de choeur. Maintenant, ce que je voudrais, c'est aller dans une autre section, comme peut-être vers pour aimer ça, faire la même chose. Où va, tu sais, garder tout ça ouvert ? Mais je m'occuperai, et je m'occuperai de la voix plus tard parce qu'ils prennent un peu plus de temps. Mais juste pour cette conférence, juste pour finir ça, nous allons faire un peu d'équilibrage statique pour les versets ici. Ok, qu'on puisse avoir des choses qu'on n'avait pas avant. Donc on voit que nous avons le filtre, alors amenons ça. Beau filtre. Coup de pied là. Là-bas. J' ai commencé la caisse claire. Apportez ça. Fais ça. Première fois pour le verset là-bas et juste une sorte de passer à travers et de voir ce que je n'ai pas touché sur ces échecs encore ce pont de boucle. Je vais devoir m'occuper de ça dans le pont. Um, passons à la deuxième moitié de la première année à partir de ceux de la guitare chug leur jambe, guitare cinq. L' étoile numéro 2 peut nous traiter avec le vocodeur plus tard. C' était un peu un instrument vocal de toute façon. Mais juste une sorte de traversée. Et, vous savez, nous avons toutes ces guitares sur lesquelles nous n'avons pas encore travaillé, mais juste pour vous montrer, vous savez, ça prend un certain temps, mais juste obtenir un bon équilibre de tous les instruments que nous avons. Donc, vous savez, ce fader est en bas. Je suis genre, OK, cliquez dessus et je découvre, Où est-ce ? Ok, c'est ici dans la panne. Donc je n'ai pas encore travaillé là-dessus, mais maintenant je sais où c'est, et je pouvais voir que c'est juste avant le pont pour que je puisse juste jouer ce rôle et essayer de trouver le bon équilibre pour cette petite partie, même si cela n'arrive que dans une partie, c'est comme un petit ascenseur, est-ce pas ? Juste comme ça. Et donc vous pouvez juste passer à travers et obtenir un assez bon équilibre de toutes vos différentes faveurs ici. Vous savez, ça n'a pas besoin d'être parfait pour , l'instant, parce que nous allons continuer à peaufiner au fur et à mesure que nous avançons et, vous savez, quelques changements de traitement. Mais juste un bon mélange statique les objectifs pour, vous savez, juste être heureux avec ce que vous avez à la fin de votre mix statique. On dirait qu'il y a un joli mélange de tous les instruments. C' est ce que nous visons, non ? Excellent travail. Je te verrai à la prochaine conférence. 11. Considérations supplémentaires en équilibrage: Bonjour, les étudiants. Bienvenue encore une fois, avant de passer de l'équilibrage et de la définition des niveaux de fader appropriés, il y a quelques autres choses que je veux mentionner lorsque je discute de cela. Donc la façon dont nous ne l'avons pas fait après notre sortie, nos mélanges de sous-marins. Euh, par ici, on ferait juste solo les tambours qui se mélangent et vont de là pour trouver le bon équilibre de la batterie, puis on descend de gauche à droite. Et je l'ai fait en quelque sorte, sorte, commençant par la batterie, puis en ajoutant la base et les guitares. C' est ainsi que je le fais. Et d'habitude, tu sais, je mets les tambours sur le dessus de la fenêtre d'arrangement et je descends par ordre d' importance comme ça. Évidemment, les voix sont en bas, et ça ne veut pas dire qu'elles ne sont pas moins importantes, mais je les garde là pour qu'elles soient toutes ensemble. Hum, beaucoup de mixeurs aiment commencer par le chant, et ça dépend aussidu aussi style de musique avec lequel vous travaillez, une sorte de règle empirique est de quand vous êtes en équilibre pour commencer avec les instruments les plus importants. Donc si c'est comme une sorte de crochet de synthé qui est vraiment la viande de la chanson, surtout si c'est une chanson électronique , alors ce serait un bon endroit pour commencer. Ou si c'est, tu sais, une ballade vocale avec des pianos et des trucs, sans cordes ou quoi que ce soit. Alors peut-être que vous voulez commencer par, faire, vous savez, trouver le bon équilibre pour la voix d'abord. Alors peut-être que vous voulez commencer par, faire, faire, vous savez, Dans ce cas, j'ai commencé avec la batterie et juste une sorte de préférence personnelle que j'ai développé. Mais je dirai par expérience. Il y a beaucoup de fois où j'ai enregistré le chant pour la dernière fois, et cela devient vraiment un problème parce que j'ai obtenu un bon équilibre de tous mes instruments . Mais maintenant, je n'ai nulle part où aller de ma voix. Et donc, euh, c'est le cas. Il est bon beaucoup de fois de commencer avec le chant dans une chanson pop afin que vous puissiez trouver un endroit pour eux pour vivre à l'intérieur du mix. Donc, nous allons tout parler de la péréquation plus tard, mais juste quelque chose que je voulais juste vous faire savoir qu'il pourrait parfois être approprié d'appliquer quelques e q deux pistes qui ont beaucoup d'informations à basse fréquence avant même d'obtenir l'équilibre. Et puis la dernière chose à mentionner sur l'obtention d'un équilibre serait que vos échecs peuvent vous en dire beaucoup sur le mix et sur chaque élément du mix. Donc, si, par exemple, comme ma base, ma piste de basse ici, j'ai dû tourner ici sur le fader, et c'est bon. Mais parfois, si vous êtes vous savez, vous êtes en train d'atteindre le sommet et vous ne pouvez pas le pousser plus loin, alors ça peut vous dire que vous avez besoin de Teoh. Utilisez un connecteur de gain pour faire apparaître le gain, par exemple, ou s'il y a un fader que vous, vous savez, vous ne pouvez pas trouver le bon endroit pour cela. C' est soit cela semble trop fort sur certaines notes, soit trop silencieux sur d'autres notes. Cela pourrait être une bonne indication que vous avez besoin d'une compression sur cette piste. Et donc c'est juste pour obtenir juste une bonne chose de savoir que si vous avez beaucoup de mal obtenir le bon équilibre sur un instrument, alors ça pourrait le faire. Cela peut être une indication que vous devez lui appliquer un traitement. Donc ce ne sont que quelques choses à prendre en considération pour obtenir votre équilibre juste voulu les souligner avant que nous avançons et je vous verrai dans la prochaine conférence. 12. Panning: et bonjour, tout le monde, bienvenue une fois de plus. Donc maintenant que nous avons un bon mix statique en cours, nous avons notre routage de sous-mixage mis en place, et nous avons un bon équilibre de tous les fondus er er er. L' étape suivante consiste à travailler un peu avec le panoramique. peinture est le processus d'étalage de vos différents éléments sur le champ stéréo. Donc, vous avez des sorties gauche et droite, et vous pouvez ce que nous appelons pan, différents éléments à gauche ou à droite ou au centre, ou tout mélange de ceux-ci. Donc, comme c'est le cas en ce moment, si j'ouvre ma table de mixage en utilisant la commande pour que c'est la touche de raccourci, vous verrez que tous ces boutons rotatifs sont réglés à zéro. Celles-ci aèrent les boutons de la casserole. C' est juste en dessous de l'icône. Et si je solo un petit morceau de ça , , on va travailler avec ce premier chœur ici, et si je solo peut-être ce shaker, tu peux l'entendre là-bas. Très bien, donc c'est juste au centre maintenant je peux le déplacer vers la gauche. Vous pouvez entendre qu'il sort du canal gauche ou qu'il sort vers la droite. Si je le déplace vers la droite, vous savez, si je déplace ce bouton rotatif vers la droite, alors c'est panique. C' est un concept très simple dans le but ici est d'obtenir une certaine distance entre les différents éléments en termes de champ stéréo. Donc, pour qu'ils ne soient pas tous comme, entassés ensemble au milieu. Maintenant, c'est une pratique courante de laisser des choses différentes, comme le chant principal, le kick drum, la basse, des choses comme ça. Vous savez, les instruments les plus essentiels du centre. Vous ne voulez généralement pas faire beaucoup de peinture avec ces instruments. Tu sais, kick bass, chant principal, pas vrai ? Mais tout le reste est assez juste jeu. Ah, et il ya certainement différentes écoles de pensée quand il vient à la peinture, certaines personnes font ce qu'on appelle El RC ou je suppose, LCR, qui est à gauche centre droit. Et c'est une sorte de contrainte arbitraire que vous pouvez placer sur vous-même dans laquelle vous Onley panoramique les choses pleines, gauche pleine, droite ou juste au centre. Donc, si vous regardez ici dans mon bouton de poêle pour le shaker Ah, dans l'école de pensée LCR, ils diront que vous ne pouvez aller que jusqu'à la gauche jusqu'à droite ou jusqu'au centre. droite ? Et ne t'embête pas avec, genre, un de ces négatifs 19 ou plus 6, non ? Parce que dans le monde réel, tu sais que tu ne l'es pas. Les gens ne vont pas entendre ces subtiles différences de pan sur. Ils pensent que c'est une sorte d'augmente la largeur stéréo Maintenant. Je pense que c'est cool. Je n'ai aucun problème avec ça. Je pense qu'il est bon de mettre des contraintes sur vous-même dans C'est une façon amusante de mélanger si vous voulez l'essayer un jour. Ah, dans beaucoup de choses comme des classiques, comme des coléoptères, productions ou autre, vous pouvez entendre ce panoramique extrême, donc c'est tout à fait bien. Mais vous n'avez pas à obéir à cette règle non plus. Vous savez, temps en temps, j' utiliserai la peinture subtile que vous connaissez, n'importe quelle règle que vous définissez pour vous-même. Tu peux te casser dans le bon cas, non ? Mais le but est juste d'obtenir suffisamment de séparation entre les instruments pour qu'ils soient clairs et audibles, un mélange avec une bonne quantité de panoramique. Beaucoup de fois sonnera-t-il beaucoup plus vivant ou dynamique ? ou plus complète, scintillante, quel que soit le mot que vous voulez utiliser, parce que maintenant il y a séparation entre les instruments et votre oreille peut vraiment les entendre plus clairement de cette façon, non ? Mais, , beaucoup de fois quand on travaille avec de la musique pop et comme c'est une sorte de musique pop, tu sais, tu peux avoir l'air sympa et fort si tu as beaucoup d'éléments au centre aussi. C' est donc à vous de décider de la quantité de peinture que vous voulez faire correctement. Une chose que je vais faire beaucoup de fois, c'est que je vais arracher les choses. Donc si j'ai plusieurs instruments qui occupent comme un spectre similaire, comme, , par exemple, par exemple, si j'ai ces deux chapeaux hauts juste là, un seul est une sorte de chapeau haut plus sombre, et l'autre est un peu plus comme Elektronik, et vous savez, il fait moins sombre, un peu, un peu plus heureux qui sonne bien. C' est sur 16e notes ou je suppose, huitième notes. Donc ce serait une bonne chance de pan peut être les premiers chapeaux plus à gauche, ou, vous savez, vous pourriez avoir les chapeaux hauts principaux, les plus sombres, vous savez, pan à gauche un petit peu et les autres chapeaux hauts que vous pouvez pan vers la droite et vous pouvez juste les entendre étaler un peu plus comme ça. Et ça crée juste, euh, la plénitude. Un autre bel exemple de cela. Notre guitare. J' ai donc ces deux ensembles d'accords de puissance de guitare qui sont un peu différents des voix différentes sur le parcours vers Droite sur le second. C' est un peu plus sombre et plus floue. Différents tons, différents micros, non ? Ah, et donc je ferais un peu de peinture ici. Vous pouvez avoir le 2e 1 jusqu'à droite et le 1er 1 jusqu'à gauche. Ensuite, ils ont l'air vraiment bien ensemble. Ça semble vraiment plein et large quand ils sont tous sur les côtés. Et voici une autre paire à. On a ces deux Strom. Ils sont vraiment différents, vous savez, parties de guitare, mais ils en ont un peu la même, comme dans les mêmes droits familiaux que vous pourriez bénéficier d'une douleur dure et encore dans le solo de guitare partie de ces super gnarly comme des distorsions numériques vraiment sales donc je vais juste solo ces pour vous. Voici l'un d'entre eux. Vraiment ? Clip e distorsion numérique. Un peu plus mince là-bas. Et ce 3ème 1 est une octave inférieure par, genre, utilisée comme une pédale de diviseur de coup sur celle-ci. droite ? Ah, pour que je puisse faire un tour dur là-dessus aussi. Donc peut-être que ça pourrait être plein à gauche. Celui-ci pourrait être plein, non ? Et le 1er 1 pourrait juste être au centre. Et juste comme ça, vous pourriez sentir juste se sentir beaucoup plus puissant comme ça dans ma guitare principale Solo peut être dans le Centre est bien, juste gardez-le agréable et fort juste au milieu, droit dans votre visage. Et puis j'ai une belle répartition entre ces différents, vous savez, ce sont des parties de guitare similaires, vous savez, en solo, en solo, il y a vraiment des similitudes. Mais, euh, vous savez, maintenant j'ai juste un peu réparti entre eux sur le champ stéréo. Voici un autre bon exemple. Voilà une cloche. C' est comme un instrument auxiliaire. Tu sais, je pourrais tirer cette cloche tout le chemin vers la droite. J' ai des coussinets différents que je pourrais peut-être faire comme le panoramique à mi-chemin pour les différents pads . Peut-être que ce sens frappe comme un truc auxiliaire, aussi. Ça pourrait peut-être être tourné tout le chemin vers la gauche depuis les cloches sur la droite. J' aime donc passer par le passé et prendre des décisions très rapides. Pas même, genre, nécessairement soulever l'écoute. Ok, voici un soulèvement. J' ai donc les deux élévateurs. Soulevez un tout le chemin. La moitié avec soulèvement gauche à mi-chemin à droite et la gauche en bas à droite au centre. Donc, vous avez ce bel impact quand le quand le quand il frappe. Encore une fois, j'aime prendre ces décisions le plus rapidement possible. Vous pouvez toujours revenir en arrière et trouver des choses à régler et les déplacer. Mais cela vous donne juste un peu de séparation à travers le champ stéréo pour tous vos instruments. Allons à ce choeur, et je vais faire un peu le tour de l'accident vers la droite. Et puis voyons, peut-être que la caisse claire inversée nous pourrions tourner un peu vers la gauche. Ah, le shaker à gauche et peut-être la mandarine à droite, parce qu'ils font une chose similaire, mais ils sont différents, donc on peut les étaler un peu. fait un peu de peinture avec le centredes pads centre parce que je suis juste en train de passer par. Et vous connaissez le cool ici à la fin de votre mélange statique et les étapes panoramiques du mélange. Il est juste un avoir un bon mélange écoutable maintenant. Il peut ne pas sembler super percutant ou clair. Ah, et nous avons certainement beaucoup de travail à faire. Mais, euh, vous savez que dans une situation idéale à la fin de cette étape, il devait avoir un mélange écoutable, c'est excitant. Ça a l'air bien. Et, vous savez, vous ne pouvez que vous améliorer à partir de là. Tu ne veux pas être à la fin de tes peintures statiques, tu sais, scène et juste penser, Oh, mon Dieu, ça sonne mieux ou ça semble horrible. Je le suis, mais je vais devoir le réparer avec des branchements. Je sais que tu le veux. Donc, vous vouliez être vraiment bon avec juste le mix statique et le bon panoramique. C' est le but. Très bien, bon travail. Je te verrai à la prochaine conférence. 13. La dimension Channel EQ: Hé, étudiants, bienvenue. Alors, qu'est-ce que la péréquation ou e que pour abrégé ? Bien qu'il utilise simplement un ensemble d'outils pour façonner le, um, um, spectre de fréquence d'un son particulier et donc il y a des tonnes d'égalisation matérielle et logicielle différente , um, options, vous savoir, sur le marché. Et la plupart des DEA W sont livrés avec un ou plusieurs intégrés. Et donc peut-être la façon la plus simple d'expliquer les tenants et aboutissants de EQ vous. C' est juste pour vous montrer à l'intérieur de la logique comment on utilise la chaîne e Que Donc je vais juste choisir n'importe quelle vieille piste ici, euh, peut-être ce retard de guitare peut-être ce plomb vers de guitare et je vais juste brancher une petite boucle à mon vers ici, juste au cas où j'aurais besoin de jouer ça plus tard. Maintenant, je peux soit utiliser la vignette CQ ici en haut de la tranche de console en dessous du paramètre et au-dessus des effets audio. C' est juste une sorte de route rapide vers le e Qué, ce qui est un peu sympa. Ou vous pouvez le choisir dans le menu d'effets audio e que canal eq vous Maintenant, pendant que nous sommes ici, vous pourriez voir là quelques autres leur phase linéaire e que qui est un peu plus utilisé de mastering. Il a juste un paramètres de phase vraiment verrouillé, mais c'est en quelque sorte au-delà de la portée de ce cours. Um matchy Q et A single band EQ vous, que je vais utiliser beaucoup de fois pour juste un simple filtre passe-haut. Mais nous reviendrons à ce canal e Qué. C' est un peu le plus souvent utilisé dans polyvalent. Donc, n'importe quel son a un maquillage harmonique particulier. , Tu sais, tu le sais plus intuitivement que tu ne le penses. Parce que vous savez, un instrument de basse basse ou un coup de pied de typiquement a, comme cette basse fréquence de Bumi, non ? Et pas autant de choses scintillantes élevées que, par exemple, une flûte pourrait ou des symboles ou comme un triangle, aurait tout contenu haute fréquence très faible, très peu de faible fréquence compétente. Donc, vous savez déjà que différents sons ont différents maquillages harmoniques. On peut utiliser un égaliseur pour faire un certain nombre de choses. L' un serait de façonner le ton. Un autre serait de corriger une sorte de fréquences de la pièce bizarres que l'air gâche avec gâcher la tonalité. Mais le plus important et l'utilisation pour e que en termes de la session mixte est d'empêcher masquage de fréquence et de laisser toutes les pistes s'asseoir bien ensemble dans le mélange, en particulier les plus importants. Et nous arriverons à tout ça dans les prochaines conférences. Mais d'abord, je veux juste expliquer ce qui se passe ici avec notre eq canal vous, qui est ce qui sera utilisé pour faire r e que dans le mix. Donc vous avez un spectre de fréquences allant de 20 hertz à 20 000 hertz, et c'est une sorte de frontière de, vous savez, vous savez, l'ouïe humaine. Vous ne pouvez pas entendre très, très loin en dessous de ces 20 000 hertz ou au-dessus de ces 20 000. C' est donc, euh, alors vous avez ces différentes bandes de fréquences ici indiquées par ces icônes sur le dessus, et chaque bande de fréquence a une sorte de filtre différent, alors que ces quatre au milieu sont le même type de filtre. Mais celui-ci est un filtre passe-haut, donc vous pouvez le considérer comme un passe-haut ou une coupe basse. Si je clique dessus, alors je peux déplacer la fréquence de coin je vais obtenir tout cela en une seconde, mais vous verrez ici que cela permet aux hautes fréquences de passer à travers. Ok, et nous avons différents paramètres que nous pouvons appliquer là-bas. C' est un col haut. Cette suivante est une étagère basse pour filtre. Donc c'est différent du col haut où cela est allé jusqu'à l'extrême. Comme vous pouvez le voir, cela a pris des coupures complètement. Tout son. L' étagère Un est un peu comme a juste une petite étagère là, non ? Ces quatre au milieu sont parfois appelés paramétriques, euh, parfois appelés Peak, parfois appelés cloche, parce qu'ils ressemblent à une cloche et vous pouvez l'utiliser pour avoir une valeur positive ou négative à soit booster une section, scorecard une section et comme ça et vous pouvez la déplacer de haut en bas du spectre de fréquences. Donc ces quatre au milieu sont ceci, et puis vous avez une autre étagère haute ici que vous pouvez augmenter ou couper ca nber, et un filtre passe-bas ou coupe haute en haut, juste comme ça. Donc, ce sont les différents filtres que nous avons disponibles, et maintenant, dessous de ceux que nous avons ce graphique lu et vous pouvez activer l'analyseur graphique en sélectionnant ce bouton ici. C' est son analyseur. Et vous pouvez le changer en pré-analyseur. Euh, donc ce serait le spectre harmonique non traité, non filtré. Et puis post serait après que vous avez appliqué vos filtres et vous pouvez voir comment il affecte après que vous avez ces filtres aller, um, once jouer petite section en solo. voyez, je peux voir mon spectre de fréquence ici. Bon, OK, donc c'est notre sorte de lecture graphique ah ici et puis pour chacune des bandes de fréquences , nous avons trois contrôles. Nous avons un sélecteur de fréquence. Nous avons un, euh, gain. Et puis nous avons la résonance ou ce que nous appelons Q parfois juste la lettre Q ou, ah, ah, bande passante. Ça s'appelle aussi Band With Parfois. Maintenant, la bonne chose à propos de l'égaliseur de canal vous et la logique est que vous pouvez voir ici, Um, la lecture de ceci est vraiment, vraiment utile. Alors quand je suis juste, je mets ma souris sur les 750 troupeaux, et ça me montre exactement ce point. Sur le spectre harmonique. Quand je bouge ça, vous pouviez voir que ce petit point bouge. Donc c'est ma fréquence de coin ou la fréquence de résonance. En outre, quand je parle du jeu alors, il est vous pouvez voir cette bande de fréquence est maintenant verte, qui est la couleur de ce gars. Donc c'est un peu utile. Et puis je peux ajuster la résonance ou la bande passante ou que, hum, habituellement je l'appelle juste bande passante, donc je vais juste essayer de le garder à la bande passante à partir de maintenant. Donc plus la queue est élevée, la pointe estnette est , je suppose. Et donc nous avons cette option avec chacune de ces bandes de fréquences. Nous avons le sélecteur de fréquence, et nous avons un gain avec lequel nous pouvons aller positif ou négatif. Et puis nous avons la bande passante. On peut changer comme ça, non ? Um, si nous avons ce bouton de couplage Q ici, qui, fondamentalement , il lie la bande passante au gain de sorte que c'est un mouvement relatif. En d'autres termes, si j'ai un couple mignon sélectionné et j'ai pour cette bande de fréquence, J'ai, hum ah que d'un. Disons comme ça. Et maintenant, si je change le gain, vous verrez que la bande passante va relativement. Il va en quelque sorte raccourcir quand je braise le gain. Et quand je le ramène à zéro, le groupe sort. Donc c'est une sorte de couples que cette bande passante ou résonance avec le gain de sorte que c'est un ajustement relatif lorsque je déplace le gain de haut en bas. bande passante ou résonance avec le gain de sorte que c'est un ajustement relatif lorsque je déplace le Si je n'ai pas le couplage Q sélectionné, alors cette bande passante restera la même. Donc vous pouvez voir là que cette boîte jaune reste la même comme ça. Ensuite, vous avez le type de traitement que vous pouvez choisir ici. D' habitude, je le garde juste en stéréo, mais vous pouvez faire du côté moyen ou comme, gauche ou à droite. Seulement, je continue d'habitude juste en stéréo juste pour garder ça simple. Hum, et ah, donc c'est l'outil avec lequel on va travailler. C' est le canal eq vous. C' est l'égaliseur négatif que vous branchez pour la logique, et c'est très basique. peu près tous les égaliseurs que vous branchez auront les mêmes contrôles. Il va avoir ces différents filtres de bandes de fréquences, et il va avoir une sorte de sélecteur de fréquence d'angle, réglage de gain et la bande avec le réglage des jets. C' est vraiment tout ce que tu dois savoir. Certains d'entre eux ont un nombre illimité de bandes de fréquences et de filtres que vous pouvez choisir une partie de cela. Celui-ci en a huit. Donc, tu sais, c'est ce que c'est. Ah ah ! Mais je pense qu'il est généralement beaucoup si vous utilisez plus de huit que peut-être vous avez besoin de revenir arrière et de re enregistrer ce que vous travaillez avec. Donc j'écris, euh, c'est ah, c'est l'égaliseur de canal. Toi et, euh, dans la prochaine conférence, je vais vous montrer comment l'utiliser. 14. Égal à la forme de son: Hé, étudiants, bienvenue. Encore une fois, nous parlons de e Que Donc essentiellement, il y a trois raisons principales pour utiliser la péréquation, et je vais les expliquer par ordre d'importance, au moins à mon avis. Ok, euh, donc la première et la moins importante utilisation de, euh, égalisation est de façonner le ton de la piste individuelle pour qu'elle sonne comme vous vouliez qu'elle sonne correctement. La raison pour laquelle c'est le moins important est un C'est vraiment le travail de l'eso recordiste. Si vous enregistrez un instrument riel, vous devriez être capable, ou au moins vous devriez viser le Vous devriez viser à l'obtenir directement à la source et, vous savez, l' enregistrer exactement comme il devrait sonner plutôt que en utilisant égal dans la façon égaliseur un vers le bas dans l'âge mixte pour le faire sonner de cette façon. Droit ? Mais c'est un idéal. Ah, et tu sais, parfois on n'a pas toujours la situation idéale. Donc, parfois, vous avez besoin de façonner un peu le ton. Et la deuxième raison d'utiliser e Qué est de supprimer ou de traiter avec ah, sorte de trucs méchants qui arrive de temps en temps quand vous faites de la musique, que ce soit comme une fréquence de chambre bizarre. Si tu l'enregistre dans une pièce , ou c'est ah, tu sais, juste une fréquence de résonance qui t'embête vraiment comme une partie de synthé et tu ne l'as pas vraiment réalisé. Maintenant vous êtes maintenant que vous l'avez isolé vous entendez ça comme une méchante fréquence de résonance quelque part où vous pourriez faire face à ça. Mais la troisième et la plus importante raison pour l'utilisation e que, surtout quand nous parlons dans l'étape de mélange, est d'éviter la fréquence de masquage de fréquence. masquage est le phénomène qui se produit quand vous avez trop de choses qui se passent dans la même plage de fréquences, et ils commencent à, euh vous savez, juste être encombré et vous ne pouvez pas entendre aucune définition entre les deux ou pour huit choses différentes qui se passent dans cette fréquence de résonance. Et un bon exemple de cela est comme le piano et le chant. Il est en fait assez difficile de mélanger piano et voix parce que le piano occupe une grande partie du spectre harmonique et surtout dans la gamme que la plupart des chanteurs chantent. C' est donc très difficile de les amener à s'asseoir bien ensemble. Un autre exemple classique de ceci est une grosse caisse dans, ah, kick drum et la basse parce qu'ils sont assis en quelque sorte dans la même gamme de fréquences générale. Parfois, c'est difficile de les amener, pas de le faire. C' est difficile de les amener à jouer gentiment avec les deux. Avoir une belle clarté, et vous pouvez les entendre individuellement. Mais ensuite ils s'entrelacent bien ensemble, n'est-ce pas ? Et c'est ce que nous faisons quand nous essayons d'éviter tout masquage de fréquence. Et évidemment, quand vous avez une chanson avec autant de pistes, il peut être assez difficile d'y arriver. Mais je vais vous montrer des moyens sûrs de vous assurer que vous n'avez pas de masquage de fréquence . Ah, et nous le ferons dans une conférence ultérieure. Mais avant d'arriver à ça, je vais aborder quelques choses sur mes 2 premières raisons pour e Qué, qui façonnent le ton et se débarrasser de quelques trucs méchants. Donc, dans cette conférence va juste parler de façonner le ton un peu. Donc, euh, alors rappelez-vous, j'ai dit il y a quelque temps qu'obtenir le mélange statique révélera des exigences de traitement pour votre égaliseur, vous et votre dynamique dans un exemple que j'ai donné, c'est que , peut-être que votre kick drum, vous avez du mal à l'amener au bon niveau parce qu'une fois qu'il est fort, il se sent assez fort sur le fader. Mais quand tu as ce fader, la clique est trop forte. Mais quand tu as ce fader, Ou peut-être les basses fréquences ou trop fort, Donc, en utilisant un signal pour juste faire un ajustement rapide de la forme de fréquence vous aidera en quelque sorte faire face à cela, et ensuite vous pouvez traiter le masquage de fréquence plus tard. Donc je vais juste aborder ce kick drum un peu et aller au choeur ici et nous allons écouter et nous reviendrons à notre niveau de fader pour cette façon de kick drum. Peut-être qu'on aime ce kick drum à ce niveau, mais il est un peu trop en plein essor. On pourrait juste faire un ajustement rapide de fréquence ici. Vous filtrez juste un peu ça. Euh, peut-être autour du peut-être, avec ce filtre à faible fréquence d'étagère, on peut tirer ça juste un petit peu et affaiblir le virage sur l'égaliseur pour voir ce qui se passe ici. Juste comme ça, nous faisons juste un ajustement rapide, réduisant un peu les basses fréquences en réduisant, nous avons choisi la fréquence à 75 hertz pour être la fréquence de coin ici pour cette étagère. On l'a ramené huit décibels. Peut-être que même sept serait mieux. Et ça lui donne juste un peu moins de cette méchanceté du boom. De cette façon, nous pouvons avoir notre fader réglé au bon niveau. Ah, et nous ne sortons pas trop de boom de ce kick drum. Et juste pour en tirer un autre exemple, allons à ce bassin. Peut-être que nous voulons attraper un peu plus des sommets avec cette base, Puisque vous pouvez juste prendre, faire un peu de boost ici, peut-être et peut-être faire ressortir un peu de tirage vers le bas un peu de cette gamme comme 400 hertz. Juste faire une sorte rapide de, hum, mise en forme de tonalité avec votre e Qué est OK pour l'instant parce que nous allons passer au masquage de fréquence plus tard. Mais si vous êtes juste, comme juste pas tout à fait l'impression qu'il est assis juste, alors vous pouvez évidemment le faire maintenant. Solorer ces instruments et faire des ajustements de fréquence peut vraiment ne pas vous amener très loin moins que vous ne parlez d'une section de la chanson où cet instrument est à moins que vous ne parlez d'une section de la chanson où cet instrument est vraiment présenté comme un instrument solo, vraiment présenté comme un instrument solo, Droit ? Parce que vous, quand vous avez beaucoup de choses à faire, le ton subjectif de chaque instrument individuel n'est pas vraiment si important. C' est vraiment à propos de la façon dont tout est assis ensemble. Et c'est pourquoi je dis que cette technique pour utiliser e que pour façonner le ton est vraiment le moins important sur. C' est le moindre de vos soucis à ce stade dans le dans la menace de l'âge mixte. Ah, mais juste pour vous montrer comment j'aime faire ça, euh, une sorte de bonne règle avec qui serait si vous faites des coupes, vous pouvez avoir une bande passante plus nette, plus petite, droit ? Et nous parlons de costumes attrayants e Q et la prochaine conférence. Mais si vous faites des boosts, vous voulez avoir une bande passante beaucoup plus large. Um, ça empêche certains comme méchants comme euh e que artefacts qui peuvent parfois arriver. Si vous faites de gros boosts avec des résidences pointues, alors ça va faire arriver des trucs méchants, donc c'est juste une bonne règle empirique. Très bien, Dans la prochaine conférence, je vais parler de soustrait e Que et de supprimer certains problèmes de fréquence. Tu vois, là 15. Sujet EQ soustractif: Hé, étudiants, bienvenue. Nous parlons toujours de e que ici et dans cette conférence, je veux parler de la péréquation soustraite . C' est une technique dans laquelle nous utilisons des encoches dans le spectre de fréquences pour éliminer les fréquences indésirables . Et vous pouvez obtenir que vous pouvez obtenir assez détaillé avec cela. Certains mélangeurs aiment être assez extrêmes, utilisant beaucoup d'encoches sur beaucoup d'instruments. Certains mélangeurs aiment être assez extrêmes, D' autres personnes. Leur philosophie est en quelque sorte, vous savez, si vous commencez à supprimer une grande partie du contenu harmonique que votre sorte de perdre une partie du caractère de cet instrument, donc juste quelque chose pour être conscient de leur genre de philosophies sur combien d'encoche vous devriez faire. D' habitude, je fais ce que je pense. Ça a l'air bien, non ? Ah, c'est une sorte de règle empirique. Donc un excellent exemple de suppression des fréquences indésirables serait avec une nouvelle piste de guitare électrique , parce que ah, la guitare am ah, et différentes guitares de différents, vous savez, beaucoup de différents trucs méchants qui se passent. Parfois c'est cool. Parfois, vous êtes vraiment ennuyé par une certaine fréquence. Et donc je prends cette piste de chorus de guitare qui sonne comme ça sans e Que en ce moment, non ? Ok, simple. Vous savez, juste une note de guitare qui bouge autour, , et donc je vais ouvrir ma chaîne e Que et maintenant c'est comme ça qu'on soustrait l' égalisation. Je vais allumer l'analyseur, et je vais aussi Teoh, vous pouvez donc cliquer sur ce nouvel accès miracle ici, et vous pouvez le faire glisser vers le haut. Et cela augmentera, je suppose, l'échelle réduite de cette lecture graphique de votre analyseur afin que vous puissiez voir un peu plus de détails, accord ? Et allumez l'analyseur. Et maintenant je peux voir ici. Ah, comme ça joue le jeu, j'ai un peu de, ah, de pic ici autour, genre, 500 50 troupeaux, non ? Et peut-être un peu là-haut, je pense que ce pic est peut-être un problème. Eh bien, pour que tu puisses utiliser tes yeux pour juger. Euh, s'il y a quelque chose qui se passe un peu trop et que je veux peut-être réduire un peu le son du pick-up aussi. Maintenant, vous remarquez aussi quand je joue ça, Bien que vous n'entendez pas une tonne de contenu basse fréquence que vous pouvez voir. C' est une sorte de bouillonner un peu ici, et on peut juste assommer ça. On n'a pas vraiment besoin de ce truc super bas, donc on peut juste utiliser un filtre passe-haut. Apportez-le aux orteils. Probablement même 100. Hertz est la fréquence de coin sans affecter aucune du ton rial. Parce que cette guitare, la tenue électrique, se passe plus dans ce domaine, non ? Et donc la façon dont je trouverais et ajustais ça avec la façon dont je pourrais vraiment affiner ces fréquences problématiques. C' est juste pour prendre l'un de ces groupes paramétriques et juste créer, ah, plein gain avec très, très haut niveau I Q résidence très forte, juste une largeur de bande mince comme ça. Et puis je bougerais ça. Je vais juste balayer ça de haut en bas pour trouver cette méchante fréquence que vous pouvez voir. Je bouge juste dans cette zone et ça ne semble pas génial ici. J' ai un peu de ces étranges squelettes, et c'est juste parce que j'ai un pic élevé, non ? Tu ne voudrais jamais vraiment ça. Mais quand je déplace ça autour d'une de ces fréquences vraiment comme Whoa, c'est un problème. Et voyez si vous pouvez entendre quand ça arrive. Mais maintenant, puisque nous jouons une ligne mélodique ici, et que différentes notes ont différentes fréquences de résonance bizarres , donc c'est un peu plus difficile quand on puisque nous jouons une ligne mélodique ici, et que différentes notes ont différentes fréquences de résonance bizarres, donc c'est un peu plus difficile quand ona plus d'une note être joué, mais vous pouvez toujours décider en quelque sorte. Ok, je vais enlever deux de ces fréquences parce qu'elles vont être un problème au fur et à mesure que cette mélodie progresse. Donc j'ai trouvé, comme, juste ici, juste autour de 1560 Hertz est un problème. Donc maintenant que je l'ai trouvé, je peux juste prendre le gain dans la direction opposée complète et juste enlever ça complètement. Et si je veux, j'ai cru en avoir entendu un autre ici pour le faire aussi. Peut-être juste ici. Et peut-être que ce n'est pas aussi offensif, donc je peux en fait sortir un peu moins que celui-ci ici, non ? Je n'ai pas besoin de tout faire. Et je pourrais juste avoir un peu plus court d'un cran et ensuite essayons de trouver que picks picks son aussi bien. Nous prendrons un autre groupe, et c'est bon si vous déplacez ces groupes. Ah, tu sais, comme ce groupe. Je peux peut-être créer un pic. Et je peux tirer celui-là aussi. Il n'y a aucune raison de le garder ici. Qu' est-ce que c'est ? Je pense que le son de sélection est juste là. Donc vous tirez juste un peu plus bas pour que je puisse réduire le son de pick-up. Et puis nous avions un peu de cris qui se passaient ici aussi. Trouve le dernier. Merci. Il suffit de sortir celui-là aussi. Peut-être avoir un peu moins d'attraction comme ça. Donc j'utilise juste ces petites encoches pour sortir quelques fréquences qui pourraient causer un problème. Encore une fois, comme je l'ai déjà mentionné, obtenir un son de guitare isolé est bien, mais ça n'a pas vraiment d'importance si ça ne s'assied pas bien avec les autres instruments pour que vous puissiez égaler Onley, passer tellement de temps en solo juste en solo cet instrument particulier parce que, vous savez, vous pourriez avoir à faire beaucoup plus comme de grands ajustements e que dans le contexte de la chanson entière, donc je ne passerais pas trop de temps à faire ça absorbent des tractions de choses sur des instruments moins importants sur une piste vocale de plomb. Je passerais beaucoup de temps à obtenir que cette voix principale sonne bien par elle-même, n' est-ce pas ? Ou même le kick drum comme les instruments super importants que vous pouvez obtenir. Vous pouvez passer un peu plus de temps là-dessus, mais je voulais juste prendre mon temps pour vous montrer le processus d'élimination de ces, euh, ces, peut-être des fréquences offensives qui sont cela se passe maintenant. n'y a pas de règle contre l'utilisation de plusieurs accusés . Donc, comme pour ce chef de chœur de guitare, je pourrais avoir cette première e Que juste être mon petit naci Que Et puis je peux juste tomber dans un autre. Ah, enchaînez comme vous après. Et je peux utiliser ça pour, tu sais, tu sais, faire mes trucs de masquage de fréquence et je vais te montrer ce qu'on sait. Nous parlerons plus à ce sujet dans la prochaine conférence, mais il est normal d'utiliser plus d'un e Qué sur une piste particulière. Donc, c'est soustrait e que tout ce que nous faisons est que nous trouvons des fréquences conflit avec la tonalité de l'instrument et le peut-être piquer un peu trop et nous les réduisons en créant une encoche et en tirant juste que de notre spectre harmonique. Donc, nous ne faisons que changer le contenu harmonique en utilisant ces filtres paramétriques dans l' égalisation de canal pour encocher des petits morceaux du spectre de fréquences qui nous causent deuil. Droit. Mais encore une fois, vous savez, essayez de ne pas passer trop de temps à ce stade à faire ce e que soustrait sur chaque instrument. Peut-être le faire sur un couple des instruments vraiment, vraiment importants et puis passer à autre chose parce que nous allons passer à la prochaine étape de e Que, qui est le plus important, ce qui est d'éviter les fréquents semblent demander. Ok, donc je te verrai à la prochaine conférence 16. Utiliser EQ pour éviter le to fréquences (partie 1): le retour d'un étudiant. Donc, nous avons parlé de e Qué. Pour façonner le ton, a parlé de soustrait V. Q pour supprimer les fréquences indésirables. Et maintenant, nous sommes sur la partie la plus importante de e Qué, qui est d'obtenir tous les éléments à jouer bien. En d'autres termes, éviter fréquentes semblent demander. Donc, heu, chaque élément comme sa propre petite place dans le spectre de fréquences et rien ne va gêner quoi que ce soit d'autre en termes d'instruments vraiment importants. Alors comment on fait ça ? Eh bien, il y a deux façons différentes, et, euh, vous savez, il n'y a peut-être pas nécessairement un droit ou une erreur, mais il y a quelques façons, et je vais juste expliquer certains d'entre eux. Donc probablement celui que la plupart des gens font serait de commencer par le chant et, euh, obtenir les pistes vocales de tête sonne vraiment bien. Ah, avec son en termes de e Qué. Ainsi, vous pouvez utiliser une queue pour le façonner, supprimer certaines fréquences indésirables, puis passer à l'autre, juste une sorte de descendre en termes de l'instrument le plus important après. Donc, euh, dans notre cas, ça pourrait commencer par la voix principale plutôt que de passer sur ces pistes de guitare, qui sont assez proches en termes de contenu de fréquence et ensuite peut-être sur certaines des qui sont près d'elle, rarement contenu aussi. Aussi, alors, alors, une fois que nous sommes satisfaits de la façon dont les voix sont assis avec les guitares, les pads et les synthés, alors nous pouvons aborder tout le kit de batterie et le coup de pied dans la base et faire sûr que ces pièces ensemble. Maintenant, si vous avez une chanson à cinq titres qui est comme, vous savez, piano, des voix de guitare acoustique et un synthé ou autre, alors évidemment ce processus va être un peu plus facile parce que vous avez juste commencer avec le chant et vous pouvez juste sorte de solo tout d'avant en arrière et en conjonction avec tout et assurez-vous que cela sonne bien. Mais avec une chanson comme autant de pistes, vous devez en quelque sorte la diviser en groupes. Donc, ce que je vais faire, c'est que je vais dire , ok, , ok,je dois m'assurer que mes voix, guitares et sorte de pads et depuis sont bien assis. C' est le genre de groupe, alors je m'assurerai que la batterie et la basse sont bien assis. Et puis peut-être comme mes différents instruments de percussion que ceux-ci ne se heurtent pas les uns aux autres, non ? Donc je le divise en trois gammes harmoniques différentes, non ? Et je m'assurerai que tout ce qui se trouve dans ces pièces s'intègre dans sa propre gamme harmonique. Et puis, bien sûr, vous devez vous assurer que tout dans son ensemble est bien ensemble. Mais quand on le casse, quand on a ces traces d'argent, ça nous aide vraiment à le rompre. droite. Mais juste pour donner une idée de la façon dont on fait ça, je vais juste commencer à jouer dès le début. Ce n'est peut-être pas la façon dont je le ferais normalement. J' irais peut-être du chœur, euh, parce que c'est là que tout se trouve. Mais juste pour vous montrer le processus d'utilisation e que pour vous assurer que tout joue bien avec,il bien avec, suffit de commencer ici à partir du verset un. OK, donc je vais au premier. Je vais solo ce chant principal pour le verset, et on parlera du canal aigu pour celui-là. Et nous allons juste obtenir ce ton si les logins vivent, nous continuons à chasser le soleil Donc nous avons un peu de cette basse fréquence dont nous n'avons pas besoin d'or Là où vivent les légendes, nous continuons à chasser le soleil pour trouver une lumière et un désespoir et nous l'avons obtenu Nous pouvons Ne regardez pas en bas où arrêter le monde Allons sortir un peu sur le bord Ce moment d'or Où vivent les légendes Peut-être un peu Et se réveiller en poursuivant le soleil pour trouver une lumière et un désespoir et nous l'avons eu Nous pouvons le voir Ne regardez pas en bas Où arrêter le monde en traversant le bord de l'or où les légendes vivent là-bas et sortent Nous continuons à chasser le soleil pour trouver une lumière et un désespoir et nous l'avons eu Nous pouvons voir un peu d' air Way run, en s'arrêtant avec juste un peu et en traversant le bord. Restez aussi bas que ça. Ok, donc c'est un bon début pour la file d'attente des voix. Et maintenant, nous avons cette vibe vers, vous savez, ambiance guitare. Tout d'abord, c'est ce qui se passe aussi. légendes du temps froid en direct. En fait, faisons ça d'abord. Allons à cette guitare. Donc on va aller à cette guitare. Maintenant, nous avons le chant en solo et maintenant nous avons ajouté ce plomb de guitare, qui se passe en même temps. Donc si je ne fais rien solo, j'ai deux cents et deux guitares. Mais vraiment cette voix dans ce que, euh, ces deux-là, ces deux-là étaient comme la caractéristique principale juste là. Donc je vais solo le chef de vers de guitare et le chant. Et maintenant, écoutant les voix que j'ajoute dans le plomb de vers de guitare et je vais façonner la fréquence, euh, du contenu de ma guitare pour que les fesses vocales ne soient pas masquées. Très bien, des légendes du temps froid en direct. On continue à chasser un fils, on trouve le désespoir. Peut-être une réduction environ 1400 peut voir. Ne regardez pas vers le bas sur le dessus du monde traversant le bord. Ces moments de légendes du temps froid vivent de sorte que je suis en quelque sorte de savoir où cette voix est vraiment assise, ce qui est un peu autour entre 1200 hertz. Je suis juste en train de bouger dans cette encoche dans mon spectre de fréquence sur la guitare pour m'assurer que cette guitare n'occupe pas l'espace où la voix devrait être légendes du temps froid en direct Nous continuons à poursuivre un fils pour trouver une lumière et désespoir Et on s'est réveillé Ne regardez pas en bas où j'arrête le monde traversant le bord Ce moment des légendes du temps froid en direct chaise juste comme ça Donc je suis juste, vous savez, c'est un assez grand groupe avec creux ici mais je Je pense que la guitare sonne toujours bien et les voix sont vraiment coupées là et maintenant la clé est de contourner cela Et ici si vous pouvez entendre la différence Okay Légendes météo audacieuses en direct, nous continuons à chasser fils Trouver une lumière et un désespoir et nous nous sommes réveillés Tu peux entendre que quand j' emploie ça, les voix ont une plus grande clarté. C'est presque un Ziff qu'ils deviennent plus forts et c'est parce que les fréquences dans la piste vocale sont, euh, permis d'être plus important parce que j'ai réduit une partie de ce contenu de fréquence dans cette piste de guitare. Ok, et je vais filtrer un filtre bas ici, c'est bien, parce que je reçois un peu de trucs de basse fréquence dont ils n'ont pas besoin. Maintenant, ajoutons la deuxième guitare. légendes du temps froid vivent celui-ci. Je veux être assez scoop, aussi, parce que je veux juste avoir un peu de ce haut, scintillement bizarre. Et puis certains des bas vivent que nous continuons à poursuivre le désespoir de son fils. Attends, regarde en bas ! traversée du monde des moments Thats. De l'or. Que les légendes vivent, peut-être le faire monter, fiston. Trouve un moyen. Avoir 1/3 guitare qui vient donc pourrait aussi bien traiter avec les guitares. Temps froid, légendes en direct. Je pense que cela arrive en fait dans la seconde moitié des ours. Les oreilles vont là, traversant les moments marquant l'imposition de Zaman. Peux-tu sentir que tu ressens juste quelque chose comme ça ? Ça me semble bien. Et encore une fois, vous pouvez juste être aussi rapide que vous voulez avec ça. Faites des changements instinctifs ou vous pouvez passer beaucoup de temps à vous en assurer. Mais c'est comme, vous savez, j'essaye de bouger rapidement, Azaz vite que je peux parce que je veux avoir un peu comme, vous savez que la chanson est mon point de référence plutôt que d'être vraiment trop détaillée sur tout. En fait, attendons sur la base 17. Utiliser EQ pour éviter le to fréquences (partie 2): qu' est-ce que nous avons d'autre ici ? On a quelques tampons. Ajoutons ce tampon. Elle est la façon dont je vois un fils en solo sur cette base. C' est amusant. Ok, ce pad vient dans une introduction. Ça s'estompe quand les voix arrivent ici, en fait des rues d'or où vivent les légendes. On continue à JC donc je ne vais même pas inquiéter pour ce pad en ce moment. Qu' en est-il du second bloc qui vient dans le chant ? Le temps froid est en direct, fils pour trouver un moyen juste de sortir deux encoches de ce pad. Rien. Rien de trop extrême. Juste deux DBS comme ça. Et juste donner à cette partie vocale de la place pour s'asseoir bien. Et puis nous ferons ce dernier pad ici. C'est là que le monde où ce mot de moments ajoute quelques hautes fréquences là-bas, sort à propos de la bonne façon. Ce moment est plutôt cool. Les voix sont toujours belles et claires, non ? Et maintenant, c'est un bon début. Je veux dire, évidemment, je passerais probablement un peu plus de temps que ça, mais maintenant on peut passer à un son de kick et de basse bien ensemble, donc on va revenir au début du verset. Écoutons ce coup de filtre, qui est notre premier coup de tambour commence, peut-être, hum, rouler certains de ces super bas. Justin Keys, donné un peu de bosse autour de 70 maux. Maintenant, c'est un tambour filtré de toute façon, donc j'ai déjà fait e que pour le faire sonner comme je l'aime. Mais maintenant, j'espère que je vais garder cette e que, euh, fenêtre ouverte et amenons dans l'espace et voici la base et merci. Donc je pourrais juste aligner ça et juste m'assurer qu'ils jouent bien. Et comme vous pouvez le voir, ce genre de vraie viande du bassin est comme ici autour 250 hertz ish. Et la viande du filtre à coups de pied est juste ici autour de 80 hertz, non ? Donc ce qu'on ne voudrait pas faire, c'est aussi. Faites en sorte que ce synthé de basse bosse vraiment autour de cette zone de 80 Hertz pour aimer ceci, par exemple, parce que cela pourrait être un peu trop d'accent dans cette plage de fréquences. Et puis, vous savez, vous n'obtenez pas la bonne clarté, mais si vous avez notre kick drum à environ 80 hertz. En fait, je suppose que plus autour de 100. Vous pouvez voir dans le Read out et nous avons la grosse caisse. Pas 100, mais plus comme 200. Puis chacun a commencé à faire, ils font leur propre truc et ils jouent bien ensemble. Ça pourrait ajouter un peu plus ces hauts dans le chant. Assurez-vous juste que les voix de s'asseoir bien avec cette façon de choses et de traverser le contournement de bord qui examine et tire pouvez-vous vous sentir pouvez-vous sentir oui, c'est un peu trop tirer là-bas. Je vais juste réduire ces vieux si les légendes vivent qu'on continue à poursuivre son fils, trouver de l'espoir d'éclairage de cette façon. Bon, maintenant on peut passer à ces autres trucs de batterie qui entrent en jeu. Maintenant, nous avons un bon équilibre entre la base et le coup de pied au moins la basse synthétisée et le coup de pied de filtre. Maintenant, nous allons avoir un bel nous allons avoir un beléquilibre entre le coup de pied dans les pièges en ce moment. Peut-être. Vous savez, nous avons ce nous avons cetambour caisse claire filtrée retardée, et ensuite nous avons un verbe douteuse caisse claire. tambour caisse claire filtrée retardée, Et peut-être que nous voulons qu'ils soient assis un peu différemment dans leur contenu de fréquence. Peut-être que cette caisse claire Ferb a un peu moins de vêtements que la longueur du cycle. Ils semblent plus comme ça il y a un peu différent. La composition harmonique de cette caisse claire filtrée différée est un peu différente de ce verbe. Doute. Snare, accord, et nous allons ajouter cette boucle dans bien, peut-être veut certains de ces hauts ici. C' est un peu comme une petite zone de haut chapeau. Il peut s'arracher là où l'autre caisse claire frappait, et puis je vais habituellement comme ça, et je regarde dans la fenêtre d'arrangement et je vois que tous mes tambours sont et puis je vais habituellement comme ça, là, je sais que c'est ce que j'ai pour la section de batterie ici. Donc, je n'ai pas besoin de m'occuper de la caisse claire en ce moment, car je suis sur le verset 1 B, parce qu'il n'y a pas de ricotement , pas vrai, donc j'ai ma boîte dans mes coussinets qui fonctionne aussi bien que les guitares. Et puis j'ai mon kick drum et le synthétiseur de basse qui fonctionnent, c'est ce qui se passe ici. J' ai ces autres éléments de percussion qui entrent donc maintenant j'ai à peu près toute l' intro et le verset est assez bon à aller. Ah, en termes de masquage de fréquence, et je pourrais être sûr que tout se passe bien. On peut juste aller depuis le début et écouter le chœur ici. Les rues de Gold Way, Way. Donc, ça sonne déjà beaucoup mieux. Juste avec ce sont les techniques simples e que. Il suffit de s'assurer que les instruments les plus importants s'accordent bien avec les autres instruments les plus importants. Et il sonne déjà environ 10 fois plus professionnel avec juste ces vraiment simples e que se déplace droit ? Hum, et donc évidemment, il y a beaucoup moins de choses dans le premier des chœurs, donc ça prendra un peu plus de temps pour faire les cours. Mais encore une fois, les principes sont les mêmes. Tu vas juste avec le chant principal. Trouvez les instruments qui sont près de lui dans le contenu harmonique, étant les pads et les guitares. Ou comme si vous avez des pianos ou orgue ou quelque chose, et puis vous venez de descendre à la batterie, assurez-vous que le coup de pied dans l'air de base heureux quand le coup de pied dans l'air de base heureux, alors vous pouvez ajouter les autres instruments qui façonnent ces, Euh, chaque nouvel instrument que vous ajoutez. Assurez-vous juste qu'il ne marche pas sur les autres orteils d'instruments. Et si vous allez par ordre d'importance, alors, vous savez, alors vous savez que les instruments les plus importants sont autorisés à prospérer, et les instruments les moins importants sont peut-être plus extrêmes E cube hachage droit ou encoche. Et vous êtes vraiment en train de jouer avec les moins importants. Comme si je m'en fous si ma boucle de shaker sonne comme une merde par lui-même une za tant qu'il est heureux avec le coup de pied dans la base dans la caisse claire, non ? Et ça, comme un peu aléatoire Ah, tu sais, tu sais, truc de strumming de guitare qui n'est pas important mais qui me donne juste un peu de rythme. Je me fiche de comment ça sonne en solo tant que ça ne marche pas sur le chant, et ça me donne juste un peu de chug ou quelque chose comme ça, tu sais. C' est pourquoi vous allez en quelque sorte par ordre d'importance quand vous êtes, ah, ah, quand vous évitez la fréquence, masquage et en utilisant e que pour vous assurer que tous les éléments sont bien assis dans le mélange, non ? J' espère que cela a du sens. Si vous avez des questions, bien sûr, Comme toujours, Comme toujours, s'il vous plaît les poster dans la zone de discussion et, hum, allez-y et e que vos pistes en utilisant les instruments les plus importants d'abord et sorte de les regrouper dans la gamme harmonique, comme où vous savez, les tambours dans la base et le sens et les guitares et le chant et les guitares, choses comme ça et e que ceux vous-même et nous vous verrons dans la prochaine conférence. 18. Qu'est-ce qu'un compresseur ?: Bonjour, les étudiants. Bienvenue de retour. Donc, dans cette conférence, je veux regarder la fiche du compresseur dans C'est la logique native de l'orteil. Et vous découvrirez que vous savez si vous utilisez la logique ou d'autres D A. W. Hum, beaucoup de paramètres seront les mêmes, et les paramètres seront les mêmes. Donc, euh, vous apprendrez beaucoup de ça, même si vous n'utilisez pas la logique. Mais regardons ça ici. Je vais juste ouvrir une instance d'un compresseur allant du menu des effets audio à dynamique au compresseur. D' accord. Et donc, dans cette conférence, nous allons juste parler des différentes commandes disponibles sur les différents types de compresseurs de manière simple. Que se passe-t-il ici ? Ensuite, nous parlerons de Maurin les conférences ultérieures sur la façon d'utiliser la compression. Ok, donc en haut, nous avons sept types de compresseurs différents et ces types d'air d'émulation de ah, les vous savez, types de compresseurs matériels populaires. Nous avons le studio numérique platine V C, un studio fete classique V C. A. Vintage BC, un vintage nourri et vintage Opto et vraiment tout pour les besoins de ce cours. Ah, puisque la compression est très Ah, grand sujet. Mais pour les besoins de ce cours, tout ce que vous devez savoir avec ces différents types de compresseurs est juste qu'ils ont une sorte de sons différents propriétés de distorsion, différentes attaques et de libération comme des vitesses. Euh et, vous savez, juste une sorte de réponse différente. Et vraiment quoi ? Qu' est-ce qui aurait du sens pour ce cours est juste de jouer en quelque sorte à travers les différents types de compresseurs pour entendre quoi ? Comment ils ont l'air différent et ce que vous aimez chez eux, accord, parce qu'ils ont une sorte de circuit différent, euh, émulé, euh, circuits. Évidemment, c'est aussi un logiciel, mais ils émulent en quelque sorte les différents circuits de ces différents compresseurs classiques ou populaires . Droit. D' accord. Ah, donc je vais juste aller à Platinum Digital et parlons des paramètres qui diffusent cet air ici qui sont disponibles. Le premier est que nous avons gagné graphique de réduction, et vous pouvez le voir soit dans le compteur de vue. Ah, ce qui montre la réduction du gain Aller à gauche ici ou vous pouvez le voir en termes de graphique est bien, généralement je le garde juste sur mètre, mais c'est plutôt agréable de pouvoir le voir dans les deux sens. Ensuite, nous avons un gain d'entrée. Donc c'est la quantité de gain que vous envoyez au compresseur ici, et vous avez un compteur sur la gauche. Ensuite, vous avez ces contrôles ici. Ratio seuil, maquillage, attaque et libération. Et moi, le rapport de seuil et l'intact dans la sortie, je dirais, sont les boutons les plus importants de cette prise entière. Alors, qu'est-ce qu'ils sont ? D' abord, nous avons le seuil. Le seuil est le niveau de fonctionnement au-dessus duquel le compresseur commencera à fonctionner. Donc si je mets ça à, euh, négatif 20 décibels comme ça, veut dire que tout son qui arrive sur 20 décibels négatifs va engager le compresseur. Ok, Une fois que le compresseur est engagé, alors notre rapport dira au compresseur à quel rapport réduire ce jeu. Et vous pouvez voir qu'il a son, vous savez, son rapport appelé, et il indique le rapport ici. Donc pour remorquer un signifie tout au-dessus de 20 décibels négatif est ce qui OK, ce qui aurait été deux décibels au-dessus de 20 négatif est maintenant un décibel au-dessus 20 négatif. Donc, si quelque chose arrivait à. C' est un peu difficile parce que c'est dans ces chiffres négatifs. Très bien, donc deux décibels au-dessus du négatif 20 serait négatif. 18. Donc, sans le compresseur, quelque chose qui aurait été négatif 18 décibels serait maintenant négatif. 19. Parce que nous réduisons le gain d'un rapport de 2 à 1, n'est-ce pas ? Si c'est à 5 à 1 comme ça, quelque chose qui aurait été négatif 15 décibels est maintenant négatif. 19 décibels, à droite, et vous pouvez aller jusqu'à 30 à sa compression très extrême. C' est presque comme un limiteur, dont on parlera plus tard, 20 à 1. Ah, ça réduit un peu aussi. Donc quelque chose qui aurait été comme négatif 10 décibels serait maintenant. On verra jusqu'à , 30 décibels négatifs, accord, parce que ça le réduit de 20 décibels est venu donc tu dois juste faire un peu de maths. Mais les principes selon lesquels tout ce qui se passe au-dessus de ce seuil sera compressé par ce ratio. OK, alors tu l'as fait. Je vais juste y aller par ordre d'importance. L' attaque dans la libération de l'attaque est à quelle vitesse le compresseur. Commencez à réduire le gain après avoir dépassé ce seuil et vous pouvez l'ajuster en millisecondes. Ok, la même chose avec la libération. Vous pouvez utiliser des millisecondes et c'est juste le contraire. C' est à quelle vitesse le compresseur cesse-t-il de fonctionner ? Après que l'audio est passé en dessous de ce seuil. Donc, si vous imaginez, vous connaissez votre forme d'onde et vous avez ce Ah, haut niveau et c'est un négatif de 20 décibels. Chaque partie de la forme d'onde qui apparaît sur ce négatif 20 décibels est maintenant compressée à un rapport de 5 à 1. Ensuite, une fois que l'audio dépasse ce seuil et qu'il est réduit de 5 à 1, cette attaque dit : OK, OK, ne commencez pas à réduire ce gain avant 12 millisecondes Droit ? Donc, 12 millisecondes après que ce seuil a été franchi, cela réduira le gain. Et puis une fois ce seuil, une fois que le son remonte en dessous du seuil, alors nos libérations disent : OK, OK, n'arrêtez pas de compresser avant 48 millisecondes après qu'il soit passé sous ce seuil. Le niveau de gain de maquillage augmente ici le gain global du signal comprimé. Donc, c'est une façon de vraiment aimer Donc puisque le compresseur réduit juste le gain, ce que nous pouvons faire est d'utiliser le maquillage de gain pour élever le niveau global du signal comprimé afin qu'il y ait moins de plage dynamique sans aucun gain maquillage. Vous pouvez faire une compression extrême, et le niveau serait trop silencieux parce que vous compresser beaucoup du signal et que vous comprimez de beaucoup. Et donc c'est vraiment, tu sais, c'est trop calme. Vous pouvez utiliser le jeu de maquillage pour juste ramener ce niveau vers le haut et puis avec certains des compresseurs, vous avez également quelques sélections de gain automatique. Ici. Vous pouvez désactiver le gain automatique, ou vous pouvez l'avoir à 12 décibels négatifs, par exemple, ou à zéro décibels. Ah, ces air sont comme deux dans les boutons d'atténuation pour les options d'atténuation, ou vous pouvez avoir un gain automatique, et vous pouvez simplement utiliser votre propre maquillage. Ensuite, nous avons le genou, et le genou contrôle le point de transition entre l'ONU comprimé et le signal comprimé , donc vous pouvez considérer le besoin comme une sorte d'opération de lissage entre l'ONU comprimé et le signal comprimé si vous avez un paramètre de besoin plus important ici, jusqu'à 1,0, alors vous avez une transition beaucoup plus lisse entre le signal comprimé de l'ONU et comprimé. Si vous avez moins d'un genou, ah dit sur le compteur potentiel ici, alors vous avez un, euh, assez brusque changement entre l'ONU comprimé et comprimé. Donc, vraiment, c'est juste une sorte de trouver le bon réglage pour tout ce que vous travaillez avec, je dirais pour instruments plus naturels, vous voulez probablement avoir un peu plus de genou afin que vous n'êtes pas la compression. La compression n'est pas aussi évidente. , Et même tu sais, même si tu n'es pas un nerd rongé ou autre, tu n'es qu'un auditeur de musique. Parfois, on entend un peu trop de compression, et c'est une sorte de mettre parce que ça ne semble pas naturel, est-ce pas ? Vous pouvez utiliser le genou pour rendre cette compression la compression, euh, vous pouvez utiliser le besoin de rendre la technologie de la compression un peu moins apparente si cela a du sens avec peut-être, ah, kick drum ou quelque chose, ou si vous voulez une vraie compression extrême va, alors vous pouvez avoir moins d'un genou et ah, qui sera ce sera. Cela aidera à être un peu plus puissant et net. Droit dur. Ces mots de l'air. J' ai décrit un genou plus petit comme, et vous pouvez voir le genou en action lorsque vous avez le graphique sélectionné ici. Si vous regardez un zai, ayez le zéro descendant vers le bas. Vous pouvez voir cette ligne très nette entre l'ONU comprimé, qui est ici à gauche, et le signal comprimé, qui est ici à droite. Et vous pourriez voir que la pente de ce graphique a changé en fonction du ratio, non ? Donc, un rapport très élevé de 30 à 1 réduit un peu la pente de cette ligne compressée. Si je l'ai à un, alors on n'aura pas de compression. Vous pouvez voir ici que c'est le même qu'avant et le seuil que je déplace le seuil. Ça change où dans le ah, combien de décibels sont nécessaires pour engager le compresseur, donc c'est plutôt sympa. Vous pouvez voir ce graphique là maintenant, je bouge ce genou, vous verrez que cette ligne commence vraiment à se calmer. Maintenant, c'est une courbe vers le bas à un. C' est une belle ligne dure là-bas. Et c'est juste une sorte de, euh vous donne la forme de la transition entre le signal comprimé de l'ONU et le signal comprimé comme ça. Vous avez aussi un bouton automatique qui, euh,synchronisera euh, essentiellement le temps de sortie au tempo du projet. Ah, et c'est bien, parce que si vous obtenez un peu de pompage avec leur compression, que vous pouvez parfois l'obtenir pour l'utilisation assez extrême compression mince ce bouton automatique sera, Euh, faites que cela se produise naturellement dans le tempo de la chanson. Ok, donc ce sont les paramètres les plus importants de l'air. Et encore une fois, nous parlerons plus d'eux comme nous utilisons des exemples que nous avons. Ah, d'autres contrôles. Ici, vous avez, comme un limiteur intégré que vous pouvez également appliquer. Et les limiteurs n'est vraiment qu'un compresseur extrême où il se détache. Euh, donc, , si j'ai le zéro NIA ici et que j'ai le rapport à 30 pour 1, vous pourriez voir que c'est un peu comme un droit de plafond, et c'est une sorte de ce que fait un limiteur. Et vous pouvez utiliser le limiteur en conjonction avec les paramètres de compression ici. Et vous pouvez régler le, euh, les décibels, les sommets même fixer le plafond du limiteur ici qui obtiennent un décibels négatif, par exemple. Et vous pouvez simplement activer cela de cette façon, vous n'obtenez pas d'écrêtage ou vous n'autorisez pas le signal à couper la sortie. Ok, euh, et là, vous avez des propriétés de distorsion. Vous ne pouvez pas avoir de distorsion, doux, dur ou clip. Et il y a juste trois types de distorsion différents. J' ai tendance à ne pas utiliser de distorsion sur ça maintenant. La raison pour laquelle ils ont ceci est qu'une partie de l'attrait d'une forte compression, en particulier avec des compresseurs matériels, est une sorte de distorsion naturelle qu'il donne. Et donc ils ont essayé d'imiter une partie de cela ici, et vous pouvez utiliser la distorsion, mais c'est à vous de décider. Je veux dire, tu pourrais l'essayer et voir ce que tu penses de la façon dont ça affecte le son. Hum, et bien sûr, vous avez un mélange NOP donc vous pouvez ajuster le rapport entre l'entrée et la sortie. Um, combien de signal non comprimé pour compresser le signal serait la sortie d'entrée et alors vous n'avez pas gain de sortie, donc vous pouvez juste ajuster la quantité entrant dans le compresseur ici et ensuite la quantité qui sort de la compresseur ici. Ensuite, nous avons quelques contrôles de brillance latérale, dont je ne vais pas parler maintenant parce que nous allons faire une conférence sur la compression de la chaîne latérale . Donc on s'en occupera quand on y arrivera. Um, et vous pouvez voir les trucs de chaînes latérales en cliquant sur ce côté onglet Jean et puis onglet de sortie est ces contrôles. Et puis si je passe juste par certains de ces compresseurs, vous verrez que le studio B. C A, par exemple, n'a aucun contrôle. Ah, le gros studio ne le fait pas non plus. Classic V C. A n'a même pas d'attaque ou de libération. Et le millésime V c A n'en a pas. Ceux-ci ont le gain automatique vintage alimenté, comme tous les périmètres dans Opto le fait aussi bien, mais ils le feront tous. Donc, certains des types de compresseurs ont des commandes différentes, et ils réagissent tous d'une manière différente. Même si j'ai configuré les paramètres et que je change les compresseurs, mais les paramètres sont les mêmes, mais vous entendrez que lorsque vous changez les types de compresseur à cause des circuits émulés mais les paramètres sont les mêmes, mais vous entendrez que lorsque vous changez les types de compresseur à cause des circuits émulésde ces différents types de compresseurs. Cela affectera le son différemment, même si mes réglages sont les mêmes, comme mon seuil et mon ratio et mon maquillage, par exemple, droite, donc c'est, euh, c'est juste un aperçu rapide des différents contrôles sur le compresseur, et va certainement plonger un peu plus profondément dans cela lorsque nous utilisons la compression dans notre mélange. Ah, mais Glenn joue avec certaines de ces commandes et vois si tu te rends compte de ce qui se passe et que tu t'acclimates à ce que fait le compresseur. Je sais que ça pourrait être un peu intimidant. , Au moins,c'était pour moi. Le compresseur était comme Qu'est-ce qui se passe ici ? Mais ce n'est en fait pas aussi compliqué qu'il n'y paraît. Donc, passez juste un peu de temps à envelopper votre tête autour du seuil, du ratio, ratio, attaque et de la libération. C' était vraiment les quatre choses dont vous avez vraiment besoin de vous inquiéter, juste Threshold. Juste pour examiner est le niveau auquel au-dessus duquel ah, le compresseur engage le rapport est combien de réduction de gain que vous utilisez. L' attaque est la vitesse à laquelle le compresseur s'engage après avoir dépassé votre seuil. Et la libération est la vitesse à laquelle le compresseur se désengage une fois que le son est repassé dessous du seuil. Donc, en fait, ce n'est pas trop compliqué. C' est juste une question d'enrouler la tête autour de lui. Très bien, à la prochaine conférence. 19. Utiliser un compresseur sur des voix de Lead: le retour d'un étudiant. Encore une fois, nous parlons de compression et de la conférence précédente. Nous venons de passer par le compresseur qui est natif de la logique et de parler des paramètres qui sont disponibles. Et maintenant dans cette conférence, je vais vous montrer comment sélectionner une piste qui a besoin étaient compression. Alors, comment déterminer où vous avez besoin de compression et ensuite comment utiliser ce compresseur Teoh. Adoptez la plage dynamique de cet instrument si c'est un problème, accord, donc, euh, j'ai déjà mentionné que l'utilisation de dans la scène mixte statique est un bon point pour C'est un bon moment. Teoh découvrez quelles pistes auront besoin de compression. La raison en est si vous n'êtes pas en mesure de trouver le bon niveau de fader pour un instrument particulier , car à certains moments, il semble trop silencieux. D' autres points, ça semble trop fort. Ce serait un excellent candidat pour un traitement dynamique, comme un compresseur, et c'est parce que le compresseur est comme un réglage automatique du niveau de fader. C' est très intelligent, et c'est très rapide, et il va ajuster le fader, euh, juste au bon moment pour le faire asseoir correctement dans le mix et d'après mon expérience, les voix principales nécessitent presque toujours un peu de compression. Ah, vous avez peut-être utilisé le compresseur dans l'enregistrement sauvage de la chaîne du signal, et ce serait bien. Mais parfois même à l'âge mixte, vous devez ajouter un peu de compression pour le faire asseoir droit dans le mélange en termes de niveau dynamique. Ok, donc dans cette conférence, nous allons regarder la piste vocale principale dans le chœur, et nous allons voir que nous avons besoin d'une compression ici parce que je n'ai pas trouvé le bon niveau de fader, et Je pousse ce fader aussi haut que possible, et à certains moments, ce n'est toujours pas assez fort. Et puis d'autres points, le chanteur dit juste un peu trop fort et beaucoup de fois avec le chant aussi, vous savez, vous savez, ils sont en quelque sorte en train de bouger ou de bondir de haut en bas, et donc ils sont dynamiques. La gamme n'est pas parfaite, ce qui est tout à fait bien. C' est juste naturel. Et c'est là que le compresseur peut entrer et juste une sorte d'égaliser les choses un peu. C' est exactement ce qu'on veut faire. Et en effet, si je regarde la forme d'onde pour ce chant de chœur. Vous verrez ici qu'il y a quelques mots ici, juste ici, voie aérienne plus calme que ce mot et ensuite par ici, et qu'il y a un peu trop de traces ici. Ces mots sont un peu trop calmes. Et puis il y a un coup d'oeil ici, non ? Et nous voulons un peu de dynamique, bien sûr. Mais nous surtout dans une chanson pop, nous voulons avoir assez une performance vocale assez forte qui étaient dans chaque syllabe, vient à travers le mélange vraiment bien et affaiblir. Écoutez au moins chaque mot qui est chanté. OK, Mais comme il est maintenant, avec ce mélange assez dense, nous ne sommes pas tout à fait capables d'entendre chaque mot parfaitement. Bon, donc nous allons utiliser un compresseur pour que je puisse juste aller aux effets d'insertion audio, passer à la dynamique et au compresseur, et, et, euh, maintenant, je peux utiliser le maintenant je peux trouver les bons paramètres pour cette chanson en particulier. Le genre, cette performance, tous ceux qui ont éclairé la décision de quoi ? Quelle est la quantité de compression que vous allez utiliser et quel type de compresseur ? Maintenant, ce que je n'ai pas mentionné dans les conférences sur l'égaliseur, et c'était un peu exprès, c'est qu'avec tous les plug-ins de ou la plupart d'entre eux, au moins vous avez quelques presets d'usine que vous pouvez choisir afin que je puisse descendre et choisir. Il y a une sorte de groupements d'instruments comme la batterie, guitares, voix, une sorte d'outils de compresseur et ensuite le type de compresseur que vous pouvez choisir I, alors qu'avec le e que. Je ne recommande pas d'utiliser des presets adul avec Hugh parce qu'il n'y a vraiment pas, il n'y a aucun moyen que le preet ne peut pas ah, quoi d'autre se passe dans la chanson ? Et toute égalisation individuelle que vous appliquez à une piste est, vous savez, vous savez, un instrument ne sera pas nécessairement pertinent par rapport à l'endroit où il se trouve dans le mix et ce qui se passe d'autre. Donc, je ne recommande pas d'utiliser des préréglages pour l'égalisation parce que cela dépend tellement de la relation objective avec les autres instruments qui se produisent, et nous avons parlé de masquage de fréquence et etc. Cependant, avec les compresseurs, je ne suis pas aussi ah, strict sur l'utilisation des presets, et en fait, j'utiliserai des presets certains temps, surtout avec le chant au moins pour obtenir un bon point de départ. Droit ? Alors écoutons cette piste vocale en solo sans compresseur, une vraie fête rapide, vraie fête rapide, puis des tirs au soleil dans le ciel et où tombent, tombant encore plus vite maintenant, non ? Pour que vous entendiez. C' est une assez bonne performance vocale. Ah, mais il a un peu trop de gamme dynamique qui perd une partie de sa puissance dans tout le mix, vous savez, dans le mix dans son ensemble. Donc on va utiliser un peu de compression. Ah, je peux activer ça à nouveau. Et maintenant, je peux aller aux presets pour la voix. Et comme vous avez pu le voir, il y en a beaucoup ici. Tout, de la voix brillante à la danse vocale fuzz narration vocale. Natural, euh, a certains, comme des types de compresseurs comme Opto vintage, dur limitant. Et en général, je choisirai juste un qui semble approprié au genre de musique avec lequel je travaille. Et comme c'est un peu comme une chanson pop rock, je peux choisir la voix en direct et voir si j'aime bien celle-ci. Et donc celui-ci va au studio fete et il nous donne un seuil de ratio négatif 23 3,5 à 1 , peu de gain de maquillage et, euh, attaque à 50 mil est 56 millisecondes libère ses 72 millisecondes, donc on peut entendre ce que cela sonne. Et nous pouvons regarder le graphique pour voir ce qui se passe avec la partie de compression, puis tirer au soleil dans le ciel et où tomber, tombant encore plus vite. Maintenant, vous pouvez voir que ça réduit le gain de ces pics, et avec le maquillage, ça nous donne un peu d'un coup de pouce de niveau tout à fait. Euh, le genou est en quelque sorte mou. On n'a aucun contrôle, mais avec ce compresseur, on mais avec ce compresseur, ona une Ernie douce. Donc, ce n'est pas aussi, euh, extrême d'une transition entre l'ONU compressée dans le signal comprimé et une sorte de temps d'attaque et de libération plus long le rendent un peu plus naturel aussi. Si nous voulions vraiment écraser ces pics vocaux, affaiblir, réduire le temps d'attaque un peu, puis le temps de sortie. Nous pourrions peut-être raccourcir cela aussi, parce que cela fera que le compresseur maintiendra son action après le, euh après que le niveau audio est passé en dessous du seuil, et cela aidera à faire apparaître ces parties plus silencieuses un peu plus, donc je pourrais juste faire les petits changements. Peut-être augmenter le ratio de 24 aussi. Allons entendre cette partie, puis le tir au soleil à travers le ciel et où tombent, tombant encore plus vite maintenant droits Cela nous donne juste un peu moins dynamique portée maintient la cohérence de la piste vocale un peu mieux. Et, ah, tu sais, ça sonne beaucoup, beaucoup plus clair dans le mix. Je pourrais même augmenter ce gain de maquillage juste un peu juste pour pousser ces voix dehors, surtout parce que mon fader j'ai dû le garder très haut. Ok, alors fermons ça et écoutons ça. Dans le contexte de tout, c'est juste un peu plus. Un ratio un peu plus élevé peut être un peu plus bas d'un seuil, donc nous compresser encore plus d'informations et apporter le maquillage, gagner un peu plus et réduire le temps de sortie. Le gars de la fête avec le chemin. Et donc, juste comme ça, les voix coupent tellement mieux parce que nous avons utilisé le compresseur pour réduire les pics et ensuite faire monter le niveau global en utilisant le gain de maquillage de mai afin qu'il y ait une plus grande cohérence niveau vocal qui affaiblissent tourner vers le haut et sans écrêtage droit. C' est ce que fait le compresseur. Cela vous permet d'avoir le niveau global un peu plus haut tout en gardant ces pics vers le bas afin que nous ne coupions pas l'audio, d' accord, accord, et je vais contourner cela maintenant en cliquant sur ce bouton d'alimentation et pour que nous puissions entendre le différence comme il va ciel avec une manière juste comme ça, vous pouvez entendre qu'il semble beaucoup plus propre avec compresseur travaillant maintenant certains. Une chose qui fait l'objet d'un débat est de savoir si la péréquation devrait intervenir avant ou après la compression. Et, euh, je ne sais pas. Je veux dire, ce que je fais normalement c'est que je vais juste les retourner. Vous pouvez simplement retirer ce cube de canal E sous le compresseur et juste l'écouter . Les avantages de cela sont qu'avec le compresseur engagé, les paramètres ACU peuvent nécessiter un traitement un peu différent, parce que lorsque nous avions réglé l'égaliseur avant, c'était le signal comprimé de l'ONU que nous traitions et ainsi de suite avec le compresseur fonctionnant sur certaines fréquences pourrait être un peu moins important. D' autres pourraient être plus importants, auquel cas vous pourriez vouloir un traitement Maury Qué après le compresseur. Ah, les avantages d'avoir l'égalisation avant le compresseur seraient que si vous avez, si vous réduisez, vous connaissez des fréquences indésirables ou autre, ou si vous réduisez les basses. Vous ne voulez pas que ces fréquences affectent le fonctionnement du compresseur ? Donc c'est juste un peu, tu sais, donner et prendre une sorte de jeu. Et bien sûr, il n'y a rien de mal à avoir un e Qué avant et après le compresseur, si c'est ce que vous préférez aussi. Alors écoutons cela avec les paramètres EQ vous comme nous les avions précédemment définis. Mais après le gars de la fête compresseur avec moyen. Donc c'est juste une sorte de préférence personnelle. Je l'aimais avant. C' est peut-être juste un biais par rapport à ce que j'écoutais. Mais, euh, vous savez, juste quelque chose à jouer avec, si vous voulez la compression avant ou après l'e que en termes de chaîne de signal et juste un bon point pour mentionner qu'il ne importe où dans la chaîne de signal vos effets d'ajustement audio sont parce qu'ils vont dans l'ordre. Donc l'audio passe par le Q et dans le compresseur, puis dans tout ce que j' ai ici. Et bien sûr, nous n'avons pas fait d' éclat sur cette voix. Nous n'avons pas de réverbération, de retard, de distorsion ou quoi que ce soit. Donc, si le son vocal un peu comme une religieuse inspirante pour le moment, nous avons encore beaucoup de chemin à faire en termes de faire de vraiment scintiller et avoir quelques fonds qui. Mais c'est juste que je voulais juste vous montrer comment déterminer ce qui a besoin de compression et ce qui ne l'a pas. Je pense qu'au début de mon voyage de mixage, tu sais, j'étais probablement trop en train de comprimer les choses parce que je pensais que c'était exactement ce que tu faisais. Je pense qu'au début de mon voyage de mixage, tu sais, tu sais, Tu sais, tu as mis de la compression sur des trucs et tu ne savais pas vraiment ce que je faisais avec la compression. Et je pensais juste que s'il y avait un compresseur sur la piste, ça sonnerait mieux. Et ce n'est pas nécessairement le cas. Ah, tu sais, je suis en quelque sorte d'avis que moins on traite, mieux c'est. Mais c'est aussi discutable. Cela dépend aussi du genre, accord, donc la clé est de chercher les pistes dans lesquelles vous ne pouvez pas vraiment trouver le bon niveau de fader, parce que la dynamique change un peu trop et vous perdez peut-être comme si c'était comme une partie de tour. Et vous risquez de perdre certaines des notes et d'autres notes, air surgit trop, alors ce serait un bon candidat pour un compresseur, puis juste aller dans votre compresseur et vous juste ajuster ces niveaux pour obtenir la bonne quantité de plage dynamique que vous voulez. Ah, que ce soit très écrasé ou juste un peu d'effondrement de ces pics. Si les choses surgissent trop, en soulevant les choses qui ne sont pas trop chaudes pour que vous puissiez l'entendre et si peut-être il disparaît dans le mélange. C' est donc le but de la compression. Et encore une fois, cela ne me dérange pas de passer en revue certains des presets ici avec le compresseur parce qu'ils vous donnent au moins un bon point de départ pour savoir où aller, où aller. Et alors n'ayez pas peur de changer ces Ah, ces paramètres et juste une sorte de jouer avec eux et de comprendre ce que vous aimez et ce que vous n'aimez pas. D' accord, c'est comme ça qu'on utilise le compresseur. Rendez-vous à la prochaine conférence. 20. Compression de série comme outil de mélange: Hé, étudiants, bienvenue. Encore une fois, nous parlons de compression ici, et nous avons parlé de ce que le compresseur est, fait et comment utiliser ce que nous avons. Dans la conférence précédente, nous avons travaillé sur la compression de la piste vocale principale pour réduire la plage dynamique de sorte que tous les mots passent clairement dans cette conférence, je veux parler de teint de chaîne latérale, compression comme une technique mixte, quelque chose qui va aider. Certains instruments se mélangent un peu mieux et spécifiquement avec le coup de pied et la base du chœur. Certains instruments se mélangent un peu mieux et spécifiquement avec le coup de pied et Donc, citant la compression, c'est le jour. Il est le plus souvent utilisé dans, comme e g m musique avec, comme, compression vraiment extrême sur une ligne de base ou même une ligne de synthé, et pour porter le sens, comme couper complètement là où les bases. Et cela donne juste la perception que la base est comme énorme droit. Le kick drum, je veux dire, est énorme et ah, donc c'est comme ça que nous avons utilisé la compression de chaîne latérale en termes de production. Je l'ai utilisé beaucoup comme sur cette base dansle ici dans les versets. Vous pouvez l'entendre pomper avec Trump pour que la compression de chaîne latérale utilisée dans la production, mais nous pouvons l'utiliser un peu dans la session mixte aussi, pour obtenir le kick drum dans la base live pour s'asseoir ensemble à la fois rythmiquement et harmonieusement. Maintenant, nous avons déjà fait un peu d'égalisation vous sur la base, la base live et le kick drum pour qu'ils jouent bien. Vous pouvez entendre les deux bien et ils sont gentils et clairs et ils ne le sont pas. Ils ne se chevauchent pas en termes de contenu de fréquence, mais nous pouvons améliorer cet effet encore plus en utilisant la compression de chaîne latérale avec l' avantage supplémentaire d'augmenter, euh, l'étanchéité rythmique aussi, parce que c'est une base en direct. Donc ça est joué par moi humain. Et, hum, ce n'est pas parfait. Et plutôt que d'aller et d'ajuster le timing, en utilisant l'art, quelques techniques de montage audio qui aborderont plus tard dans le cours des techniques plus avancées , nous pouvons utiliser une petite compression Shane latérale pour une sorte de falsifier un peu plus d'étanchéité. Et c'est quelque chose que j'ai commencé à utiliser beaucoup. C' est vraiment sympa, et , hum, c'est assez amusant d'une manière bizarre, donc je vais te montrer comment faire ça. Ainsi, la compression de sanction à son niveau de base consiste à utiliser un compresseur sur une piste, par exemple, sur une piste de basse. Mais au lieu d'utiliser l'audio réel de la base comme entrée pour le compresseur, vous utilisez en fait une autre entrée audio à la place. Et dans ce cas, eh bien, nous allons utiliser le tambour de kick comme entrée de chaîne latérale. Et ce que cela signifie, c'est que le tambour de kick dit au compresseur quand réduire le gain plutôt que la base réelle disant que le compresseur est allé réduire le jeu. Bon, alors mettons-nous un compresseur sur ce canal. Donc nous mettons le compresseur sur le canal de base, et nous allons utiliser ce menu de chaîne latérale ici, et nous allons choisir l'appât. Euh, le tambour. Et là, c'est. Audio 37 nommé Kick. Ok, si pour une raison quelconque vous ne voyez pas le coup de pied ici Ah, ce que vous pouvez faire c'est aller sur votre piste de coup et regarder ici. Ah, où c'est sa piste, et vous pouvez si vous ne voyez pas ces contrôles, vous pouvez révéler ce triangle et vous verrez que vous avez votre icône, et ils diront la chaîne à laquelle il va, qui est audio 37 Ok, Donc si pour une raison quelconque vous ne voyez pas kick là dans votre menu de chaîne latérale, vous savez juste que c'est audio 37. Vas-y, Audio 37, voilà notre coup de pied. Maintenant, vous verrez que ce compteur de vues réduit le gain lorsque le kick drum frappe, pas lorsque la base est jouée. Vous le voyez juste pomper comme ça et vous pouvez voir ce genre de réduction de gain parfait ici sur le dessus. C' est parce qu'il utilise le kick drum comme entrée audio Theo et lui dit quand compresser . Basé sur les coups de tambour, non ? Et si je fais le solo de la basse dans Hit K pour apporter mon Metrodome, vous entendrez que je ne l'ai pas joué parfaitement à temps. Donc ce n'est pas le cas. Ce n'est pas, vous savez, essentiel que ce soit parfaitement à temps, et je ne voudrais pas nécessairement utiliser les ajustements de synchronisation pour rendre ça parfait. Mais ce que nous pouvons faire, c'est juste faire en sorte que ce kick drum et la basse soient assis ensemble un peu mieux pour un impact un peu plus fort. Donc je vais en solo sur le kick drum aussi enlever le Metrodome et revenons dans notre compresseur ici maintenant. Donc, ce que nous pouvons faire est de choisir le compresseur pour le chaînage latéral. J' aime utiliser le Vintage C A. C'est à vous de choisir ce que vous aimez. Je n'ai pas nécessairement une raison pour laquelle j'aime celle-là. Mais je trouve juste que cela fonctionne bien pour la compression de la chaîne latérale. Et donc ce que nous allons faire est d'ajuster le ratio de seuil et d'attaquer et de relâcher pour juste obtenir cette ligne de base en réduisant juste un peu quand le kick drum est frappé et qui l'aura qui donnera la perception d'un peu plus rythmique l'étanchéité à elle. Ok, parce qu'alors les coups de base ne sont pas en conflit avec les coups de tambour parce que nous réduisons le gain de la base juste un peu. Et ça donne juste l'impression qu'ils sont un peu plus serrés. Alors faites de cet extrême, ce genre de tirer en arrière. Ça pourrait être un peu trop extrême. Comme ça peut être réduit ce temps d'attaque. C' est juste là. droite. D' accord. Peut-être réduit un peu ce ratio. D' accord ? Et maintenant je vais contourner ce compresseur. Vous pouvez entendre la différence juste aller et venir un peu plus lisse que moi. Et juste comme ça, nous avons juste le kick drum et la basse assis un peu plus serrés, en utilisant une compression de brillance latérale pour qu'ils soient heureux et qu'ils jouent bien et qu'ils ne marchent pas sur les orteils les uns des autres. Nous avons déjà fait une partie de cela en utilisant l'égalisation, mais je voulais juste vous montrer que vous pouvez réellement utiliser la compression de chaîne latérale dans la phase de mixage pour augmenter cette étanchéité rythmique. Et aussi Teoh sorte d'aide dans votre quête pour éviter le masquage de fréquence juste parce que, vous savez, si le coup de pied, si la base, si la base n'est même pas proéminente quand le kick tambour est joué parce que je suis en train de réduire le gain sur cette piste de base, alors nous aidons en quelque sorte ce problème de masquage de fréquence. Aider à éviter ce problème de masquage de fréquence parce qu'il n'y a même pas autant de base qu'on entende là pour qu'on puisse les faire asseoir bien ensemble comme ça . . si vous êtes beaucoup de fois, votre ligne de base s'améliore vraiment. La qualité sonore du coup de pied et vous savez, c'est pourquoi vous avez une base pour commencer. Donc c'est juste une sorte de la limite extérieure de ce que vous voulez penser quand vous utilisez la compression de chaîne latérale de cette façon, c'est que vous ne voulez pas avoir votre tambour de kick juste tout seul là-bas dans la nature, sans qu'aucun autre instrument ne soit joué la plupart du temps. Ah, dans la plupart des genres donc vous voulez votre base dans leur petit morceau parce que cela ajoute à la qualité du sonnet et et au caractère d'un kick drum. Mais en réduisant le gain sur la base juste un peu, nous pouvons les faire asseoir vraiment bien ensemble. Ok, écoutons ça dans le contexte. Attendez, je vais désengager le compresseur maintenant chercher près du gars de la fête différence avec Attendez droit, juste comme ça. Juste une technique cool que vous pouvez utiliser. Ah, comme je l'ai dit, Teoh, augmentez l'étanchéité rythmique de deux instruments, surtout ceux qui ont joué en direct et ensuite aussi pour vous aider dans votre quête pour éviter le masquage de fréquence Annulation peu fréquente. OK, dans la prochaine conférence parlera brièvement de certains des autres processeurs de dynamique comme l' expandeur, la porte et des choses comme ça, et nous allons juste brièvement les toucher et ensuite nous allons passer à autre chose. Voir là. 21. Extension: Hé, étudiants, bienvenue une fois de plus. Nous avons donc parlé de certaines techniques de compression, y compris la brillance latérale, compression, compression d'une piste vocale. Et nous avons parlé de ce compresseur dio. Et maintenant, il est temps de parler d'autres options de traitement dynamique disponibles pour vous deux d'entre eux, à savoir l'expandeur et la porte. Donc, dans cette conférence, on va parler de l'expandeur. Maintenant, vous pouvez considérer l'expandeur comme l'exact opposé d'un compresseur, alors qu'un compresseur va prendre un signal audio, et il va en quelque sorte lisser la différence entre les pics et les creux. En d'autres termes, il prendra votre forme d'onde, et il réduira la plage dynamique et créera un niveau plus soutenu dans le champ temporel de la forme d'onde. Une sorte d'expansion fait le contraire où il améliorera réellement les parties bruyantes et rendra cette partie de la forme d'onde encore plus forte, et cela réduira le gain des parties plus silencieuses. Donc c'est bien que tu sais, ils sont là. De nombreuses applications pour utiliser un expandeur, euh, et une que j'aime utiliser, parfois avec différentes parties de percussion où j'aime la percussion. Mais le nous occupé de la percussion se met en quelque sorte dans la voie de Ah, vous savez ce que les autres parties de percussion qui se passent ou je ne veux pas juste que je ne veux pas entendre tout ce qui se passe entre les parties de la percussion. Dans ces cas, j'utiliserai un expander. Donc on va mettre un expander sur cette piste de Tam Marine, qui en ce moment, sans l'expander sonne comme ça. Je vais juste le solo juste. C' est juste une boucle de tambourins normale, et nous avons le genre, 16 notes qui vont. Et puis il y a un coup de main sur le TAM Marine sur les deux dans les quatre de chaque bar. Donc, ce que je veux faire est d'améliorer ces deux et quatre et juste de réduire le gain de ceux entre les 16 notes. Donc, c'est un excellent candidat pour l'utilisation d'un expandeur. Alors mettons-en un ici. On va aller aux effets audio. C' est sous le menu dynamique, et ici c'est expander. Lâchez ça là-dessus. Et maintenant, nous avons quelques presets que vous pouvez choisir. Il n'y en a que trois. Donc, beaucoup de fois, vous savez, utiliser l'un d'entre eux ira bien, mais parlons de certains des paramètres ici. Donc, comme je l'ai dit, l'expandeur est à peu près exactement le contraire d'un compresseur. Nous avons donc un seuil de contrôle de seuil ici, alors que sur le compresseur, le seuil détermine le niveau au-dessus duquel le compresseur commencera à fonctionner dans l' expandeur. Le seuil détermine le niveau de gain en dessous duquel la réduction de gain se produira. Donc, si je mets mon seuil à 20 décibels négatif que n'importe quel signal qui entre en dessous négatif, 20 décibels verront notre réduction de gain appliquée à elle. Vous avez aussi un genou ici, donc vous pouvez en quelque sorte déterminer la pente du, euh, non traité au signal traité. Et vous avez juste de 0 à 1 sur le genou. Ensuite, vous avez un contrôle de ratio, et c'est ceci à nouveau est, comme l'opposé d'un compresseur. Eh bien, peut-être pas le contraire. Mais ce que vous voulez, c'est un ratio plus bas ici. Donc si j'amène ça à gauche , , expliquez-le comme ça. Si le rapport était d'un orteil un, il n'y a pas d'expansion, et vous pourriez voir que nous avons une pente d'un orteil un dans ce graphique qui est en train de lire ici, OK, tout le chemin vers la gauche serait une expansion complète. Et c'est ça. Cette bordure gauche est de 0,5 à 1. Donc c'est la moitié de chaque, euh, tous les signaux audio qui viennent en dessous de 20 décibels négatifs seront réduits à un niveau de 200,5 à 1. C' est le rapport, qu'il sera réduit. Et encore une fois, c'est un peu déroutant. Mais l'attaque et la libération sont en quelque sorte le contraire dans l'expandeur, où alors que dans le compresseur, l'attaque détermine à quelle vitesse le compresseur s'engage une fois que le son est passé au-dessus du seuil de l'expandeur, la version détermine en fait la vitesse à laquelle votre expander va s'engager une fois que le son est passé en dessous de ce seuil et que le temps d'attaque est la vitesse à laquelle la réduction de gain se réinitialisera fois que le son est passé au-dessus de ce seuil. Il faut donc un peu de gymnastique mentale pour inverser ce que vous venez d'apprendre avec le compresseur. Mais ce n'est pas vraiment trop compliqué. Parfois, tu es genre, Attends, , qu'est-ce que je dois faire ? Allons donc allumer ça et trouver les bons réglages pour ces tambourins. Donc je veux avoir une expansion assez élevée sur ce Tam Marine, parce que si je regarde mon chemin pour lui, je vais juste frapper C. Vous pouvez voir que ces deux et quatre pics sont définitivement que j'embauche transitoire que le entre les deux, mais nous voulons créer une disparité encore plus grande entre ces pics et les autres 16e notes sur les intermédiaires. Ok, Donc ce que je veux faire maintenant, c'est écouter ça et juste une sorte de réduction laissera les temps d'attaque et de libération sur où ils sont pour l'instant. Et je vais juste réduire le seuil jusqu'à ce que j'entends vraiment cette réduction de gain sur ceux qui se situent entre 16 notes. Je vais boucler ces 2 premières barres comme ça. Maintenant, c'est peut-être un peu trop extrême, mais vous pouvez juste entendre la différence là-bas. Négatif 43 décibels. Je fais vraiment ça. Gagnez de la réduction sur ces notes plus calmes si c'est en haut à zéro décibels que j'applique l'extension à tout ce qui ne fait pas vraiment une bosse dans ce que nous écoutons. Donc on peut entendre que si je contourne, c'est fondamentalement la même chose. Mais si nous réduisons le seuil, vous pouvez vraiment entendre ceux entre les deux s'en aller et que nous recevons. Nous perdons un peu de ce transitoire, les deux et quatre, que nous ne voulons pas non plus. Donc nous pouvons changer les temps d'attaque et de libération et aussi affaiblir le gain Si nous voulons maintenant avec l'expandeur, je n'utiliserais probablement pas le gain automatique, donc nous avons limité notre propre gain de maquillage ici. Thio Thio Ayez ce droit assis au bon niveau et rappelez-vous les temps de sortie à quelle vitesse l'expandeur s'engagera une fois que l'audio est passé en dessous du niveau. Le seuil dans le temps d'attaque est la vitesse à laquelle la réduction de gain s'arrêtera se réinitialisera une fois qu'elle est passée au-dessus du seuil. Cela nous aide à garder ces transitoires en ligne. Nous voulons entendre cela transitoire fort, mais nous réduisons le gain des pièces plus silencieuses et vous pouvez utiliser le jeu de maquillage pour ramener cela au niveau que nous avions avec l'ensemble Fader. Si ce temps de libération, qui est de déterminer à quelle vitesse l'expandeur commence à fonctionner cette version temps trop long. Alors nous n'attraperons pas ces parties basses parce que ça prendra trop de temps pour s'engager. Donc nous pouvons apporter tout cela et vous pouvez entendre là que ces 16e notes plus calmes reviennent. Très bien, je veux libérer réduire ce temps de sortie. Maintenant, si notre temps d'attaque est trop court, alors nous pourrions perdre un peu de la belle sonnerie de ces deux et quatre transitoires ici, les gros. Et c'était juste comme ça, mais on veut avoir ça. On veut que cette bague de trafiquage s'éteigne un peu. Donc c'est un peu notre genre, facteur déterminant pour l'endroit où nous voulons que ce temps d'attaque soit fixé. Alors jouons avec ça, d' accord ? Et on va contourner ça pour entendre la différence. Donc maintenant, nous obtenons beaucoup plus de force de ces deux et quatre transitoires, et nous réduisons juste le gain de l'intervalle entre les deux, et cela nettoie juste un peu la boucle de percussion. Maintenant, vous pensez peut-être, OK, vous n'avez pas fait beaucoup de changement là-bas avec l'expandeur, mais c'est juste un moyen de vous montrer comment l'utiliser. Et, euh, oui, ça peut. C' est peut-être un petit changement dans cette piste solo. Mais quand vous appliquez ces processus dynamiques à ces différentes pistes de percussion, ça va vraiment resserrer la séance générale parce que vous n'avez pas toutes ces 16 notes différentes comme, vous savez, marcher sur les orteils les uns des autres. Et vous faites vraiment ressortir l'aspect de cette piste qui doit être là où, tout en laissant de la place aux autres instruments qui se déroulent. Ok, donc c'est un peu le but du traitement dynamique est d'obtenir le bon, euh, pour vraiment juste obtenir le bon équilibre de vos instruments. Tout revient à l'équilibre, et c'est pourquoi obtenir ce mélange statique est si important parce que cela vous indiquera quelle dynamique et quel traitement d'égalisation vous devez appliquer. Ok, donc c'est encore l'expandeur. C' est juste un peu comme le contraire d'un compresseur. Et, ah, donc vous pouvez juste penser de cette façon dans la prochaine conférence parlera de gating et je verrai leur 22. La porte de bruit: Hé, les garçons et les filles, bienvenue. Encore une fois dans cette conférence, nous allons parler de la barrière du bruit. C' est un autre processeur de dynamique, et je pense que c'est très sous-estimé. Et vous pouvez vous amuser beaucoup en faisant un traitement extrême, et vous pouvez aussi l'utiliser comme une sorte d'utilitaire ah, chose, que je vais vous expliquer dans un instant. La barrière de bruit, dans un sens, est comme une forme d'expansion extrême. Donc, dans la conférence précédente, nous avons mentionné comment l'expandeur vous permettra de réduire le gain de niveau audio inférieur dans une région audio. Vous pouvez réduire le gain, Ah, Ah, dessous d'un certain seuil. La grille de bruit est une version extrême de celle où vous pouvez juste couper complètement l' audio sous un certain seuil si vraiment bon. Et probablement l'application la plus courante de la porte serait comme un microphone Tom . Si vous enregistrez un kit Drum vivant et que vous avez un droit Tom Mike, et il est probablement probable que le Germer ne joue pas les toms pour toute la chanson, évidemment, selon la chanson. Mais peut-être qu'il y a juste quelques remplissages Tom tout au long de la chanson, que le microphone qui est sur le Tom Drum va récupérer le reste du kit de batterie, ce qui peut ne pas toujours être voulu parce que les paramètres que vous avez pour le son de Tom Mike Bien quand le Tom est en train d'être frappé. Mais le saignement que vous obtenez des autres tambours, peut-être indésirable pour que vous puissiez faire est de mettre une barrière de bruit sur ce microphone Tom, et ensuite vous pouvez juste avoir le microphone que dans la session de mixage. Vous pouvez, ah, en gros, couper tout le saignement du microphone et l'avoir sur Lee actif quand la grille de bruit le dit, en fonction du seuil que vous avez réglé. Donc, fondamentalement, vous forcez le silence pour tout ce que vous ne voulez pas avoir ramassé juste au lieu de couper votre fichier audio réel, ce qui est également une option. Mais peut-être pas comme le temps, le temps efficace. Ah, vous utilisez la grille de bruit pour couper tout le bruit indésirable, non ? C' est pourquoi ça s'appelle The Gate, parce que vous dites juste, je veux juste permettre à certaines parties de cet audio de passer bien dans la production pop sans batterie live, nous pouvons utiliser la porte pour d'autres raisons comme Eh bien. Donc, dans cette conférence, je vais vous montrer comment l'utiliser sur cette boucle numéro un que nous avons cette boucle sonne comme ça. moment, c'est un peu comme un coup de pied filtré et un piège avec des chapeaux hauts. Et il y a ce genre d'autre, genre, genre, genre de truc de Cynthy tonale qui se passe en arrière-plan, à droite, droite, nous donnant ces petites notes de 16e. , Eh bien, ce qu'on peut faire, c'est peut-être un peu occupé pour cette production. Comme ce qu'on a fait avec le Tambor Green. Et nous pouvons réduire l'entreprise en utilisant une barrière de bruit sur cette boucle et en laissant certains pics passer et tout le reste va tout simplement découper complètement. Ok, alors laissons tomber une barrière de bruit ici et voyons avec quoi on travaille. C' est sous le menu dynamique, et c'est le dernier. Pas d'évasion. Rapprochez ça. Donc, nous avons ici quelques paramètres qui peuvent sembler similaires avec lorsque les autres processeurs de dynamique que vous avez un seuil. Ah, vous avez la réduction du gain. Vous avez ces propriétés d'enveloppe attaquent, maintenez et relâchez Tenez ce genre de connaissance. Mais on a déjà attaqué et relâché. Donc, on va tenir. Nous avons l'histoire sys, qui devra parler et aussi le regard à venir. Et puis nous avons aussi quelques caractéristiques de la chaîne latérale. Si nous utilisons une entrée audio différente, Teoh, déterminez la réduction de gain, ce que nous ne ferons pas dans cette conférence. Mais peut-être plus tard, nous allons donner un exemple de la façon d'utiliser le chaînage latéral avec la porte est venu. Alors qu'est-ce qu'on a ici ? Nous avons le seuil. Et comme avec l'expandeur, c'est l'opposé d'un compresseur où l'amour de l'audio qui vient en dessous de ce seuil sera réduit. Donc, si nous avons l'ensemble de 50 décibels négatifs, qui est la valeur par défaut juste ici que tous les audios Ah, que tous les sons qui entrent en bas négatif. 50 décibels seront réduits. Combien sera-t-il réduit ? Eh bien, c'est ce que nous pouvons mettre ici avec le curseur de réduction de la peau. Négatif. 100 décibels est fondamentalement complètement éteint. droite. Um, vous pouvez avoir cette réduction juste un peu. Euh, tu sais, peut-être 30 décibels ou quelque chose comme ça. Je veux dire, c'est encore beaucoup, mais ce n'est pas autant de réduction de 100 décibels, donc vous pouvez la réduire autant que vous voulez. Mais la plupart du temps, quand tu utilises le gating, tu voudras sûrement avoir tout ça jusqu'au bout, non ? Sinon, vous pourriez juste utiliser un expander si vous voulez juste, euh, tamponner ces niveaux inférieurs. Um, si vous voulez juste réduire un peu le gain de ces niveaux inférieurs, vous pouvez juste utiliser l'expander. Mais depuis que nous utilisons, la porte serait probablement juste vouloir faire le silence complet venu. C' est donc la réduction de gain maintenant Attaque, maintenez et relâchez. L' attaque détermine à quelle vitesse la réduction du gain se produit une fois que le niveau est passé en dessous ce seuil. Donc c'est différent de l'expandeur. Je sais que c'est un peu beaucoup à garder une trace, mais cela détermine en fait à quelle vitesse la porte de bruit s'engage après avoir dépassé le seuil et le temps de libération détermine à quelle vitesse le gain sera la réduction de gain Wilbur définie une fois que le l'audio est retourné au-dessus du seuil et tout le temps comme un nouveau paramètre que nous pouvons utiliser pour juste traîner dehors qui gagnent l'ouverture de la porte juste un peu. Et la raison en est parfois quand vous utilisez la grille de bruit, vous pouvez obtenir une sorte d'effets secondaires funky. Ah, parce que vous savez, vous essayez de trouver le bon seuil qui permettra aux parties que vous voulez traverser , mais d'autres parties d'essayer de regarder à travers et peut-être que vous ne voulez pas que vous puissiez utiliser le paramètre hold a juste gardé cette porte ouverte un peu plus longtemps afin que vous n'obteniez pas ces artefacts audio bizarres que vous ne voulez pas. D' accord. Et donc nous pouvons juste vraiment juste une sorte de jouer avec facilité pour obtenir le bon son. L' histoire dit que c'est un peu compliqué, mais c'est une sorte d'autre façon de gérer ces artefacts audio indésirables qui se produisent quand on utilise la porte. L' histoire dit que c'est un peu compliqué, mais c'est une sorte d'autre façon de gérer ces artefacts audio indésirables qui se produisent Les histoires est effectivement juste crée comme un ah différent, niveau de seuil pour la réduction du gain, puis la réinitialisation du gain. Hum, et c'est un algorithme compliqué, mais vraiment, la façon dont tu penses c'est que tu pourrais laisser ça tomber si tu n'obtiens pas de sons bizarres et c'est un algorithme compliqué, mais vraiment, la façon dont tu penses c'est que tu pourrais laisser ça tomber si tu n'obtiens pasde sons bizarres Laisse ça tomber. Mais si vous obtenez un peu, alors vous pouvez l'activer, ce qui permet essentiellement les différents niveaux de seuil pour quand il se réinitialise pour quand la barrière de bruit se réinitialise et pour quand elle s'engage. Ok, c'est juste la façon la plus simple d'y penser. Et le regard vers l'avant permet est une sorte de chose étonnante à l'endroit où il permet à la porte de regarder littéralement vers l' avant dans le fichier audio, en fonction des millisecondes que vous définissez ici. Donc, il ne peut fondamentalement pas être surpris par l'audio qui entre. Et il peut en quelque sorte pré-traiter ce qui est sur le point de se passer à votre manière de forme. , Encore une fois, c'est un peu plus technique que ce dont nous avons besoin pour ce cours, mais vous pouvez juste jouer avec ça et voir si ça aide. Um, si ça aide le son que vous en sortez, ok. Et puis enfin, nous avons ces paramètres de chaîne latérale dont nous n'avons pas besoin dans cette conférence parce que nous n' utilisons pas le chaînage latéral étaient en fait utilisant l'audio lui-même comme entrée pour la porte. OK, alors jouons un peu avec ça. Je vais probablement monter le seuil un peu, euh, parce que je veux avoir un peu plus extrême ici. Donc, contournons encore cela et obtenons juste un rafraîchissement de ce que cette boucle sonne. Donc la raison pour laquelle je veux utiliser le bruit pour ça, c'est parce que, euh, il y a du son dans chaque, tu sais, chaque 16e note de cette boucle, non ? Il se passe quelque chose et je ne veux pas que nous soyons occupés, mais j'aime le genre de percussions filtrées cool qu'il a, et ça a un bon mouvement, mais je ne veux pas de toutes ces affaires. Alors engageons cette barrière de bruit et montons le seuil jusqu'à ce que nous obtenions une réduction de gain dans ces petites pièces entre les deux parties. Donc vous pouvez voir que je monte ce seuil maintenant est que 25 décibels négatifs. J' utilise cette barrière de bruit sur beaucoup plus de l'audio parce qu'il y a beaucoup plus de l' audio qui entre en dessous de ce seuil que cela serait alors à, vous savez, 100 décibels négatifs, évidemment. Ok, donc on va revenir au négatif 25 et on peut rendre ça encore un peu plus extrême et ensuite utiliser la fonction de maintien. Je ne veux pas perdre les petites haches de la bête. Ok, donc c'est un peu cool. Donc je suis juste que j'utilise la grille de bruit pour permettre à certains audio de passer à travers. Mais l'autre audio, c'est peut-être, euh, vous savez, qui a un gain inférieur dans la forme d'onde. Je suis juste que je suis juste en train de retirer complètement ça du son traité. Hum, et écoutons ce qui se passe quand on change l'attaque et les temps de libération cherchant ici. Je viens juste de commencer. Commencez à envoyer merdique là parce que le temps d'attaque est trop lent et et donc je perds le nous percussif de ces transitoires audio. C' est comme entendre le son de la caisse claire. Et puis c'est comme, oh, oui, je dois engager la porte et puis, mais c'est trop lent. Donc, c'est juste une sorte de sons flambés, pas vrai ? On ne veut pas ça. Si j'augmente trop le temps de libération, alors étaient en quelque sorte un peu, vous savez, niant la négation de ce que nous avons mis pour la porte. Parce que nous laissons cette porte ouverte trop longtemps et que tout y passe juste . C' est comme si on n'utilisait aucun rendez-vous du tout. La même chose serait vraie si je gardais la cale ouverte trop longtemps aussi. C' est la même chose que la perspective de l'ONU. Signal non traité. Mais si nous n'avons aucune prise, ça peut commencer à sembler un peu trop agitée. Je veux dire, c'est peut-être ce que tu veux, mais c'est en quelque sorte à toi et à ces airs de décider. Cela nécessite des réglages assez fins, bien réglés, Ah, bien réglés, Ah,ici. Fais juste attention que, tu sais, tu fais juste des petits changements à ton audio, non ? Et puis nous allons contourner ça et entendre ce que nous avions avant. Donc c'est plutôt cool. Cela le rend un peu différent parce que chaque barre, alors, est un tout petit peu différente parce que la porte réagit à l'audio et juste un peu d' une manière différente pour chaque barre. Vous savez, chaque sorte de petite phrase musicale là-bas et ceci Ce que ça fait c'est qu'il nous permet de mettre le fader à un niveau approprié, parce qu'avant dans le contexte de tout, je ne pouvais pas vraiment trouver le bon réglage pour cette boucle parce que si je l'avais assez fort pour l'entendre, alors cela a juste causé un peu trop de nous occupé. Mais maintenant, avec cette barrière de bruit sur l'endroit où je le dis, je veux seulement entendre ces transiences et peut-être juste un peu de choses entre les deux, mais pas autant. Maintenant ça veut dire que je peux mettre mon fader à un niveau approprié où il améliore vraiment la percussive nous de la chanson. Mais il ne crée pas trop d'affaires. Donc c'est un bon exemple de temps pour utiliser une barrière de bruit où le compresseur, vous savez, nous ne voulons pas de compresseur parce que ça ferait le contraire, non ? Cela ferait augmenter ces niveaux inférieurs, et cela réduirait les transitoires. Et l'expandeur ferait le lecontraire de ça. Mais peut-être que tu sais, serait encore un peu trop occupé parce que nous entendrions tous ces petits sons entre les deux. La porte nous permet de sélectionner simplement ce que nous voulons entendre et d'ouvrir la porte pour les parties de gain supérieures de la forme d'onde et de fermer la porte pour les parties de gain inférieures de la forme d'onde. Ok, donc c'est la barrière du bruit. C' est un excellent outil à utiliser dans votre arsenal de mélange. Alors essayez de mettre la porte sur vos différents instruments, et je vous verrai à la prochaine conférence. 23. Compression sur le submix de tambour: Hé, étudiants, bienvenue encore une fois dans cette conférence, je veux vous montrer comment utiliser un compresseur sur notre mixage de batterie pour faire tous les tambours collés ensemble vraiment bien. Et c'est un petit truc que j'ai beaucoup utilisé ces derniers temps. Surtout quand dans, comme une sorte de production pop Brock où étaient en utilisant différents échantillons de tambour, vous savez, différent Un échantillon de tambour de kick ou échantillon de caisse claire. Salut. Chapeaux et symboles et toutes ces différentes parties de tambour et ils sont chacun des tambours individuels. Vous savez, évidemment, nous n'avons pas enregistré de kit de batterie vivant pour cette chanson, mais nous pouvons utiliser un compresseur sur notre mixage de batterie, ce qui est une autre bonne raison pour que notre mixage soit mis en place pour commencer par mais nous pouvons utiliser un compresseur sur notre mixage de batterie, ce qui est une autre bonne raison pour que notre mixage soit mis en place pour commencer par vraiment juste faire tout ce kit de batterie collé ensemble et juste un peu plus comme un instrument complet, d' accord, accord, parce que c'est ce que les tambours ne sont pas censés être. Euh, évidemment, toutes les règles sont faites pour être enfreintes, donc vous n'avez pas à le faire par une partie de l'imagination. Mais c'est quelque chose que j'ai beaucoup utilisé et je pense que c'est vraiment cool. Donc nous allons tirer vers le haut notre mixeur hit X et tout le chemin sur la droite est que nos sujets sont juste dans le 1er 1 entendu ou mixage batterie maintenant juste cyclé ce dernier choeur et vont solo ces tambours Et voici ils sonnent bien. C' est plutôt bon. Mais essayons de mettre un compresseur ici pour faire de tous ces tambours une sorte de colle dans un seul instrument. Donc, comme nous l'avons fait avec nos autres pistes, vous pouvez le faire sur votre submix, et nous allons juste mettre un compresseur ici compresseur dynamique. Et nous allons trouver quelques paramètres ici maintenant que le but de ceci n'est pas de faire une sorte de réduction de gain extrême nécessairement, mais juste de créer un peu de cohérence dynamique entre toutes les pièces des tambours , le coup de pied, l'effondrement, le haut a eu ce crash juste pour que tout soit bien assis ensemble comme un tout complet . Hum, il se trouve que j'aime le compresseur Fet à cette fin, mais évidemment vous pouvez jouer avec vos différents types de compresseurs. Je vais désactiver le gain automatique, et, et, euh, nous devrons trouver le bon gain assis. Mais pour l' instant, gardez-le à zéro décibels. Et, euh, allons juste obtenir ce seuil et ce ratio juste d'abord. Alors on peut travailler sur l'attaque et la libération, alors ok , je garde ce seuil , je garde ce seuilà environ 18 17 décibels négatifs. Et je ne veux pas que le rapport soit beaucoup plus de 2 pour 1. Parce que si cela va à l'extrême, comme un limiteur, ça va commencer à perdre le caractère de ceux-ci. Tambour. Alors écoutons ce voleur. Je veux garder ça un peu plus bas. Maintenant, avec l'attaque dans le temps de sortie, si notre temps d'attaque est trop court que nous allons perdre le coup de poing de ces voleurs transitoires ici, ça sonne juste comme une inondation. Donc nous ne voulons pas que ça soit assez long temps d'attaque. Très bien. Et avec le temps de libération, si cela est trop court, il commencera à sembler un peu anormal à l'endroit où le compresseur se désengage un peu trop rapidement. Auto, il peut être réduit. Ok, contournons ça. Et par rapport à ce que nous avions sans le compresseur, vous pouvez entendre sans le compresseur, surtout avec les symboles comme le chapeau haut et les Cymbales crash. Il n'a tout simplement pas le même genre de son collé qu'avec le compresseur allumé. Cela rend juste le son un peu plus serré, parce que lorsque le kick drum, qui est probablement la partie de gain la plus élevée du kit de batterie, est en train de frapper, réduit le niveau global de l'ensemble du sub mix, y compris que ces symboles et cela lui donne juste un peu de continuité parce que ces symboles sont réduits juste un peu lorsque les tambours frappent bien. C' est juste un peu de voir nos réductions de jeu, juste quelques décibels. Rien de trop fou. Mais j'utilise juste un peu d'étanchéité, et je suis juste en passant d'avant en arrière parce que j'ai aimé le niveau de mon mélange de batterie avant . Et il est facile de se laisser berner en ajoutant un compresseur alors qu'il le rend plus fort. Et ça pourrait vous tromper en pensant, Oh, ça sonne mieux. Mais en fait, c'est juste plus fort, accord, et puis ça gâche tout votre mélange, donc je suis juste en passant d'avant en arrière pour m'assurer qu'avec ce compresseur engagé, je ne deviens pas trop extrême ah, différence de niveau entre le compresseur et le sous-mélange non comprimé. Droit ? Et maintenant il y a beaucoup d'autres choses vraiment cool que nous pourrions faire aux sous-mixes Eh bien, que nous allons peut-être aborder plus tard quand nous allons utiliser des effets et des bus pour le faire. Vous savez, nous pourrions faire comme une autre sorte de fausse chambre Mike Ah, en ajoutant un bus à ça, ou si vous voulez ajouter juste une réverbération vraiment subtile ou quelque chose, vous pourriez le faire aussi, même quelques distorsion qui a, comme un filtre passe-haut dessus. Il suffit d'ajouter un peu plus naturel d'un son de batterie. Tu peux t'amuser beaucoup avec ça. Et c'est juste Justin. Exemple d'une autre chose sur laquelle vous pouvez utiliser un compresseur est un groupe d'instruments pour les faire tous sorte de collés ensemble. Droit ? Hum ah, et je fais ça beaucoup de fois avec mon mixage de batterie. Vous pouvez même utiliser le compresseur sur votre submix à percussion , par exemple, pour , par exemple, pourque tous vos petits shakers, tambourins et boucles collés ensemble et s' adaptent parfaitement. Je voulais juste vous montrer que vous avez ces options. Eh bien, le compresseur n'a pas besoin d'être utilisé uniquement sur des instruments individuels. Mais vous pouvez l'utiliser sur votre sur vos sous-mixes aussi bien. Ok, bon travail. Je te verrai à la prochaine conférence. 24. Créer des effets de retour: Hé, étudiants, bienvenue une fois de plus. Maintenant, nous allons commencer à parler de l'utilisation de quelques plug-ins d'effets, et vous avez peut-être réalisé qu'à ce point dans le mélange, nous n'avons pas utilisé d'effets édulcorants. Donc, nous n'avons pas vraiment utilisé de distorsion, de réverbération ou de retards ou quelque chose comme ça. Et nous avons déjà un très bon mélange de sons. C' est parce que nous avons utilisé juste un peu de temps et d'énergie pour obtenir un bon équilibre statique , en utilisant une certaine dynamique, traitement avec le bruit de compression , les portes, etc. et aussi ah, le domaine de fréquence que nous avons traité à l'aide de l'égalisation. Et donc le but à ce stade est juste d'apporter quelques caractéristiques uniques des éléments en utilisant, ah, ah, certains effets édulcorants et aussi de créer un sens différent de l'espace et de la profondeur avec votre mélange en utilisant ah, re verbes, retards et autres effets édulcorants. Et, euh donc nous allons parler de quelques-uns d'entre eux, hum, ne pas pouvoir juste passer par et décrire tous les effets disponibles pour vous, et ce serait probablement une perte de temps de toute façon, parce que ah, beaucoup de plaisir vient juste d'expérimenter avec des choses différentes, mais je vais parler beaucoup de réverbération et de retard. Ah, qui sont en quelque sorte les effets de mélange les plus courants, les effets qui permettent à votre mix d'occuper une sorte d'espace physique cohérent, non ? Et il apporte un peu de mélange entre les différents éléments et augmente également. Le ah, sorte d'espace perçu du mélange fait sentir peut-être un peu plus grand ou plus large ou mots différents comme ça que vous pouvez utiliser pour le décrire. Eso dans la première conférence ici. Ce dont je veux parler, c'est juste mettre en place un effet de bus, donc envoyer des effets en utilisant des bus. Et c'est une excellente technique pour de nombreuses raisons différentes, une d'entre elles étant de simplement économiser de l'espace CPU, ce qui parlera d'une autre étant qu'il crée de la cohérence avec l'utilisation de la même réverbération comme, par exemple, même réverbération sur plusieurs instruments. Et ce genre de crée une cohérence avec cet effet, euh, et aussi vous fait gagner beaucoup de temps. Alors mettons en place des effets de retour ici avec le chant, donc j'ai toutes mes pistes vocales ici en bas. Si j'ouvre ma fenêtre mixte, on peut la regarder comme ça. Ah, nous y voilà, avoir peut-être 10 pistes vocales ou autres. Maintenant, au lieu de laisser tomber une réverbération différente, branchez sur toutes ces pistes pour avoir. Vous savez, une chose que vous avez peut-être fait dans le passé est de choisir une rivière, brancher et de changer les paramètres, ce que vous voulez. Et si vous l'aimez et que vous vouliez sur toutes vos voix, vous devriez simplement copier et coller ceci maintenant que c'est là que ce n'est pas mal de le faire nécessairement. Et vous voudrez peut-être un traitement de rivière différent avec vos différents canaux vocaux . Mais ça va commencer à manger votre pouvoir Cebu assez rapidement. Surtout pour vous faire ça avec toutes vos pistes. Si vous avez cinq plug-ins d'effets différents et toutes vos pistes, vous allez créer des problèmes et il y a un moyen beaucoup plus facile. Alors je vais vous montrer comment faire ça. Alors juste ici, au-dessus de notre sortie, que toutes les voix vont baiser 36. C' est leur submix vocal. Vous avez cette section d'envoi juste ici, et vous pourriez voir que c'est sa phrase dans cette rangée donc je peux choisir au lieu de choisir un bus ici, et je vais généralement commencer par le bus 10 pour mes effets de retour. Et maintenant, nous avons ce bouton rotatif à côté de l'endroit où il est dit bus 10. Et cela vous permet de choisir la quantité d'audio que vous envoyez à ce canal de retour . D' accord. Et on en parlera dans une seconde. Maintenant, sur la droite sont petit bus va apparaître, et vous pourriez voir ici le bus d'entrée 10 et sortir il bœuf. Troisièmement, boeufs numéro huit. Et alors quoi ? Je vais appeler ça, c'est du retard. D' accord ? Et cela devient maintenant notre canal d'effets de retard. Et maintenant ce qu'on peut faire, c'est lancer un retard, brancher sur ce canal, ce bus 10. Alors je vais monter ici. Et elle était de DeLay. Et peut-être qu'on pourrait nous faire. Juste un simple écho. D' accord. Et nous avons quelques paramètres ici. Et pour cela pour le chant, je vais probablement faire comme 1/4 note, peut-être demi-note et affaiblir, affaiblir, gâcher avec ces petit peu maintenant, vous remarquerez ici que le pourcentage humide est que 100%. Et c'est parce que c'est un envoi, euh, branchez. Puisque nous avons mis cela ici dans le bus, il définira automatiquement notre équilibre humide à 100%. Nous ne voulons pas de balance sèche parce que nous recevons tout le son non traité sortant directement de ce canal. Droit ? Si, par exemple, si je laisse tomber ce même délai un écho ici maintenant, nos soldes humides par défaut à 78%. Et c'est parce que si vous aviez un branchement sur le canal lui-même, vous voudriez probablement une sorte d'équilibre entre l'ONU traitée et le processus. Le fait est juste. Donc, dans ce cas, nous pourrions vouloir la plupart du temps sec et juste avoir un peu d'écho sur ce canal lui-même. Mais puisque nous utilisons un effet de retour, donc ici sont retardés notre eco qui est sur le canal de retard est automatiquement réglé à 100%. Et tu veux presque toujours ça, non ? Vous voulez juste un équilibre humide complet, et ensuite vous pouvez créer l'équilibre de l'effet de retard que vous voulez en ajustant ce bouton rotatif pour que je puisse avoir beaucoup de ce canal être envoyé à ce délai en augmentant ce bouton rotatif ou je peux juste lui envoyer un peu. Et c'est bien parce que, disons, je veux envoyer les premières voix et les chœurs à ce bus à notre bus DeLay, et je veux beaucoup plus de retard sur le chœur parce que quand les corsets il y a beaucoup plus musique et peut-être que nous voulons que ces voix sonnent encore plus grand, non ? Donc nous pouvons et juste une sorte de dans un espace plus grand. On peut augmenter la quantité de ça qui va à notre canal DeLay dans le cours, et peut-être, ah, ah, tu sais quelque chose où on pourrait avoir les voix du bridge, qui sont, euh, en bas 62. Celui qu'on pourrait envoyer au buste 10 aussi et peut-être avoir, tu sais, peut-être quelque part au milieu, comme un peu plus que les versets, mais un peu moins que le cours. Ok, donc maintenant que se passe-t-il ? Je vais juste faire le solo de notre box sub mix et ce retard et on ira au verset ici et vous entendrez le retard venir dans les rues de l'or. Que ce soit imaginé, vivre à droite. Donc, c'est beaucoup de retard. On ne veut peut-être pas beaucoup, et on peut même réduire la sortie de fader de ce canal d'écho comme ça. Nous continuons à chasser le soleil pour trouver une lumière et un désespoir. Et on l'a eu. On peut le voir. Ne regarde pas vers le bas avec ça. Juste nous donne un peu d'espace avec le retard. Et quand on va à la fête de choeur que Sun, comme tirer à travers le ciel, tu as été amusant à suivre même gros. Et quand on va à la fête de choeur que Sun, comme tirer à travers le ciel, Et si je fais le solo de ce canal de retard, vous pouvez entendre juste les retards qui arrivent dans le ciel, est-ce pas ? Et puis je pourrais même probablement changer cela à 1/4 de retard de note. Juste pour que je sache que c'est mon retard de quart parce que si je veux avoir quelques autres retards comme, par exemple, nous pouvons créer un autre bus pour une gifle arrière. Droit ? Donc maintenant, nous allons retourner au verset de ce vox et, euh, au lieu de juste ce bus, nous pouvons ajouter un autre bus, le bus 11 et maintenant nous pouvons passer par le bus 11 qui est juste ici, appeler ce retard de gifle. Et maintenant on peut lancer un autre retard, peut-être un retard de bande ou quelque chose comme ça, et on pourrait juste choisir un préréglage. Euh, peut-être 16e notes gifle. Ok, juste comme ça. Je veux probablement refuser ça un peu. Et maintenant, nous ne pouvons pas ajouter que nous pourrions envoyer de l'audio à la gifle et allons au verset ici. Des rues d'or qui font ici cette gifle Continuez à poursuivre le soleil pour trouver s'il vous plaît et nous l'avons eu . On peut voir un orteil regarder vers le bas. Où s'arrêter ? Maintenant, j'ai ce retard de quart de note et un retard de gifle. Et j'ai consenti à différents canaux vocaux pour cette claque. Ou, tu sais, je pourrais envoyer n'importe quel autre instrument à la gifle aussi. Donc maintenant, au lieu d'avoir un tas de différents plug-ins pour tous ces différents canaux vocaux, je les ai juste pour renvoyer des canaux que je peux envoyer mes différents instruments aussi. Et je peux trouver le bon équilibre en utilisant ce bouton rotatif à côté du bus sur la ligne d' envoi ici. Et puis je peux réduire ou augmenter le volume global de ce canal de retour entier. Utiliser le fader est ici à droite, et je les colorierai habituellement. Je ne veux pas qu'ils soient colorés de la même façon que le, um comme le sous-mélange sanglant. Peut-être le rendre violet ou quelque chose comme ça, juste pour que je puisse dire que ce sont des canaux de retour, non ? Et bien sûr, avec vos canaux de retour, vous ne le faites pas Il n'y a pas de règle à avoir une seule prise. Alors peut-être que sur mon retard de gifle, je pourrais lancer un peu de distorsion. Peut-être juste un peu plus de route pour juste assombrir ce retard un peu nous. Eh bien, c'est vrai. Donc maintenant j'ai ce canal de retard de gifle déformé que je peux envoyer n'importe quel nombre de mes canaux vocaux ou d'autres instruments, évidemment pas seulement des voix. Et maintenant j'ai ces deux-là. Bon, faisons un autre pour la réverbération Maintenant ce que je dis souvent c'est que je vais juste aller au mixage de batterie et créer un bus de Here Will Do Bus 12 et Bus 12 était juste ici, et on appellera celui-là une rivière, et Ensuite, nous pouvons tomber dans une rivière, brancher le concepteur spatial et peut-être juste faire quelque chose pour l'instant, nous allons juste choisir une plaque comme un tambour moyen, quelque chose comme ça, et vous verrez encore ici que nous avons zéro sur la balance sèche, droit ? Parce qu'il s'agit d'un effet de retour. Donc, nous avons juste le mélange de réverbération. Nous n'avons pas de signal sec. Nous ne voulons pas que le signal sec arrive avec les effets d'envoi avec les effets de retour, car cela pourrait perturber la phase. Et on n'en a pas besoin. On reçoit tout le signal sec de la drogue Said se rend bien. Alors, faisons le solo de la batterie et de la réverbération, et on peut juste commencer à augmenter ça un peu. Je vais remonter le chœur et on peut écouter combien de réverbération on veut ici. C' est beaucoup comme ça. Et puis j'irais probablement dans le concepteur de l'espace et, ah, je réduirais un peu les hautes fréquences. Il suffit de faire un peu d'une étagère haute comme ça, et cela ferait juste que ça sonne un peu plus naturel. Peut-être augmenté le montant de la réverbération. C' est à quoi ressemble le canal de la rivière. Maintenant, enlèvons un peu plus de ces sommets. Et puis, si on passe aux vers, c'est comme ça que les tambours sonneraient avec la rivière à mi-chemin. Ok, et on peut contourner le pourcentage, euh envoyer comme ça, et peut-être qu'on voudrait juste un peu de référence là-bas. Tu sais, hum, si tu ne veux pas appliquer ça à tout le mélange de batterie, tu n'as pas à le faire. Vous pouvez, euh, éteindre ça ou simplement l'enlever. Pas d'envoi. Et vous pouvez aller ici à vos instruments de batterie spécifiques. Peut-être qu'on veut un bus sur la réverbération sur la caisse claire pour qu'on puisse l'envoyer au bus 12 et en avoir un peu ici, non ? bus sur la réverbération sur la caisse claire pour qu'on puisse l'envoyer au bus 12 et en avoir un peu ici, Et puis peut-être que sur le clap est bien, nous pouvons envoyer ça à la rivière. Et parfois, tu sais, tu ne veux pas vraiment de réverbération sur le coup de pied ou quoi que ce soit comme ça. Donc, c'est juste que je vous donne quelques exemples de la façon de configurer ces canaux de retour. Et nous allons changer la couleur de cette jetée de rivière, clic droit signé couleur de bande de canal et juste faire ce mauve laid là-bas. Et maintenant, nous savons que nous avons ces trois canaux de retour. Nous avons un retard de 1/4 de note, retard de gifle dans une réverbération et cela bloque juste autant d'espace pour votre traitement CPU parce que j'ai ces canaux tous prêts à aller. Et je pourrais juste leur envoyer mes instruments, en utilisant les bus plutôt que d'avoir un million de branchements sur toutes ces pistes . Maintenant, je peux juste les acheminer vers ces canaux de retour et utiliser les effets de cette façon. Et en plus de sauver le CPU, l'autre avantage supplémentaire de cela est qu'il crée cette cohérence où maintenant vous avez une réverbération spécifique Ah, que vous avez choisie et que vous avez ajustée à votre goût. Et maintenant tous ces instruments vont à la même réverbération, ce qui crée uneffet de mélange agréable et cohérent, effet de mélange agréable et cohérent, non ? Eso certainement avoir beaucoup de plaisir avec ça. , Tu sais, tu peux être aussi détaillé que tu veux. Beaucoup de fois, je vais mettre en place un canal de retour vraiment fou avec, comme, des distorsions et, vous savez, des chorus, chorus, d'autres modulation, sources et d'autres effets de modulation. Et je pourrais juste lui envoyer juste un peu d'instruments différents et créer juste une sorte de retour intéressant, euh, euh, effet droit. Et tu peux t'amuser beaucoup avec ça. Donc, configurez certains envoyer des canaux de retour en utilisant vos bus. Cela vous permettra d'économiser beaucoup de temps et de puissance CPU. Et il crée une grande cohérence avec votre mélange. Rendez-vous à la prochaine conférence. 25. Effets de retour de ducen: Hé, tout le monde, bienvenue. Encore une fois, lors de la dernière conférence, nous avons parlé de la configuration des effets de retour et de l'utiliser pour économiser la puissance du processeur, mais aussi pour simplement augmenter l'efficacité et gagner du temps. Oui, parce que vous utilisez juste le même effet de retour et que vous lui envoyez plusieurs pistes aide beaucoup tout le monde à sortir. Maintenant, dans cette conférence, je veux vous parler de quelque chose que nous appelons « canard ». Le canard est essentiellement la même chose que le côté Shane Compression. Rappelez-vous, nous avons parlé de compression de la chaîne latérale dans ah il y a quelques conférences avec où nous avons utilisé la base en direct . Nous avons utilisé un compresseur sur leur et et réduire le gain de cette piste basse en fonction de l'entrée du kick drum. On peut faire la même chose avec nos effets de retour. Et cela aide à créer de la clarté dans le solde de retour d'envoi. D' accord, alors de quoi je parle ? Eh bien, prenons l'exemple ici. Donc nous avons ces voix dans le verset, à droite, et nous les avons envoyés à Ah, nous les avons envoyés à trois bus. Bus numéro 10 qui est ce délai d'écho. Bus 11 qui est un retard de bande slap back et 13 est une réverbération Ok, Maintenant oublions cette claque pour le moment, mais juste Teoh rendre cela un peu plus simple. Et peut-être même la réverbération va bien, donc on peut entendre ça. Donc nous avons ce retard buste numéro 10 et ça semble cool, mais c'est peut-être un peu trop occupé. Alors écoutons ça très vite. Les rues de Gold Way ont ça. Qu' est-ce que ce retard de demi-note arrive ? Et ça a l'air cool, mais c'est juste un peu trop occupé. Il commence à encombrer comment la, um la clarté du chant eux-mêmes. Donc, ce que nous pouvons faire est d'utiliser le canard pour réduire le, um, gain sur ce canal de retour où qu'il soit chaque fois que les voix sont chantées. Alors faisons ça tout de suite. Donc on va sur ce canal de retour et on va déposer un compresseur dessus. Souviens-toi, c'est le bus 10. Nous avons éco, et ensuite nous voulons le compresseur à la fin de la chaîne. Parfois, j'aime mettre tout le chemin au fond de votre petite pile ici, juste au cas où je veux jeter d'autres effets sur parce que c'est un peu le dernier morceau de la tarte. Hum, et peu importe le compresseur que vous choisissez. Vous pouvez en quelque sorte passer et en trouver un. Je veux dire, nous ne faisons rien de trop technique avec le compresseur, donc Ah, vous savez, nous ne faisons pas que ça marche trop dur. Tout ce que nous faisons, c'est que nous allons choisir une chaîne latérale jusqu'à ce compresseur pour réduire le gain de ce canal de retour. Ok, Maintenant, essayez de deviner quelle chaîne latérale quelle entrée audio utilisera cette chaîne latérale. Eh bien, si vous avez dit le mixage vocal, alors vous avez raison. Donc le bus numéro 36 est le mixage vocal, vous savez, pourquoi avons-nous choisi ça ? Et pas seulement le chant des vers ? Eh bien, nous n'avons pas choisi seulement le chant des vers parce que peut-être nous voulons utiliser ce même canard dans le chœur. Nous avons le, vous savez, avec des voix de chœur et d'autres choses qui vont Ah, être envoyés dans ce bus de retard aussi. Et si nous utilisons seulement les voix de vers comme touche qui évite le canal de retour, alors cela ne s'engagera pas tout pendant le chœur. Parce que c'est sur une piste totalement différente. Droit ? Donc, nous ne pouvons pas simplement utiliser les voix de vers comme entrée de chaîne latérale. Et c'est juste une autre bonne raison pour laquelle mettre en place des sous-mixes est d'une grande aide parce que, maintenant, on peut juste le dire à chaque fois qu'il y a une voix de tête, je veux que vous réduisiez le gain de ce retour de retard. Ok, donc c'est très simple. Maintenant, nous avons juste besoin de trouver les bons paramètres ici. Je veux probablement une libération plus longue parce que je voulais, euh, éteindre la voiture ici. Je veux probablement une libération plus longue parce que je voulais, euh, Je veux une version plus longue parce que je le veux. Je ne veux pas que ça ressemble à pomper, euh, et peut-être abaisser le seuil, désactiver le gain automatique dans le rapport, peut-être comme 56 ou quelque chose comme ça. Donc on va juste écouter ici. Il va dans des rues d'or où la légende continue à poursuivre les fils, trouver un moyen et juste comme ça. De cette façon, nous utilisons la clé principale de Teoh vocale dans le compresseur pour réduire le gain du délai. Donc, ce que cela signifie, c'est chaque fois que les voix chantent le canal de retard est beaucoup plus faible en gain ou en volume, et c'est juste une sorte de et puis il revient en quelque sorte à la normale quand la phrase vocale s'est arrêtée. Et de cette façon, les pistes de retard vont entrer, vous savez, à la fin d'une phrase vocale ou entre les versets ou quoi que ce soit. Et ça sonne bien là, mais ça ne gêne pas la clarté de la droite vocale principale. Et c'est donc très simple. Nous pouvons utiliser le canard pour beaucoup de raisons différentes, et c'est une grande. Et cela montre aussi la puissance d'utiliser les configurations d'effets de retour d'envoi et aussi les sous-mixes pour nos différents instruments, ce qui nous a permis d'avoir une seule entrée pour le compresseur, n' est-ce pas ? Très simple. Il suffit de jouer avec, essayer de mettre en place un peu de canard. Si vous voulez augmenter la clarté de vos canaux que l'air va à ces effets de retour de différence et ah oui, je vous verrai dans la prochaine conférence 26. Créer une pièce de tambour: dans cette conférence, nous allons continuer à parler du traitement des effets. Et je veux vous montrer comment mettre en place un bus de chambre pour le mixage de batterie. Donc c'est juste un peu cool, parce que je vais ouvrir la fenêtre de la table de mixage dans la deuxième fenêtre. Donc juste pour faire un peu de recul ici, euh, nous avons tous ces différents tambours, non ? Nous avons des coups de pied, des pièges et des chapeaux, des boucles et toutes sortes de choses. Et le kit de batterie principal est envoyé au bus 30, non ? Et la percussion pour buter 31. Donc ce sont nos sous-mixes, et ils sont par ici. On a un submix de batterie et un submix de percussion 30 et 31. On a un compresseur sur le mixage du tambour. On n'a pas encore de compression sur le mixage de percussion, mais ce qui est cool, c'est que je peux même envoyer le mixage de batterie dans un nouveau bus, non ? Et donc je peux envoyer ça pour retourner Channel. On va continuer à descendre. Alors, 36 avec quel était le dernier ? Euh, désolé. Donc, oui, on sera là. Le bus 12 est là et on peut appeler cette salle de batterie. Et maintenant, nous avons un canal de retour de chambre qui affaiblit le mixage de batterie et peut-être un peu de percussion si nous voulons Teoh et nous pouvons créer une pièce ici. Donc juste pour passer en revue la chaîne de signal est à partir des instruments de batterie que chaque instrument de saut individuel est acheminé juste ici pour descendre 30. Et puis, ah, on l'envoie à ce canal de retour pour un son de pièce. Et puis il sort à la chaîne stéréo juste le bus principal de mixage. Donc, c'est juste un peu cool que vous puissiez utiliser ce genre de routage compliqué. Teoh, j'envoie en effet si je mets un effet de réverbération ici, cerveau, je vous envoie le kick drum dans la caisse claire. Et ah, quoi que ce soit d'autre est ici un clap. J' envoie tout ça à ce canal de réverbération. Ah, mais au lieu de mettre les différents effets d'insertion sur chacun de ces canaux, je les envoie d'abord à la salle de la batterie. Je suis désolé. Je les envoie d'abord au mixage de batterie, puis ils vont dans nos canaux de retour . Tout ce que nous voulons mettre ici pour notre petite salle de batterie qui va sortir à la sortie stéréo . Donc c'est un peu soigné. Et donc ce que je vais habituellement dio juste comme un genre de chose par défaut. Son testament a mis en place une salle de batterie. Um, habituellement fera peut-être, comme un espace moyen. Mais ça va essayer une belle pièce pour l'instant, et tu verras que puisque c'est un effet de retour, on a juste l'équilibre humide. Mais ça va essayer une belle pièce pour l'instant, et tu verras que puisque c'est un effet de retour, Pas d'équilibre sec. Ça s'appelle sec et rev ce n'est pas le cas. Ce n'est pas inverser sa réverbération qui m'a embrouillé pendant un moment,d' accord ? réverbération qui m'a embrouillé pendant un moment, Et, hum, soyons en solo la salle de batterie dans le mixage de batterie. Pour l'instant, j'ai toujours essayé un autre. Ce n'est pas mal. Les chambres en direct genre d'eso cool qui est le rêve, et je ne le ferai pas d'habitude. Je n'enverrai pas une tonne de ça pour être juste un peu aide gentiment maintenant. La raison pour laquelle j'utiliserais le bus ici depuis le tambour. Un mélange à la salle de la batterie est que je ne le fais pas, je ne veux pas nécessairement se mettre dans la voie du mélange de tambour sec que j'ai euh oh. Et j'ai le compresseur dessus. Oui, mais je ne veux pas juste lancer de réverbération sur ce mixage de batterie lui-même. Au lieu de cela, je veux créer une sorte de comme un microphone de salle, droit, Teoh supplément dans le kit de batterie et ce que je ferais parfois deux ont beaucoup de plaisir jouer avec cette salle de batterie. Comme peut-être prendre cet égaliseur. Vous jouez avec un peu et donnez un peu de boost là-bas, et je prends probablement vers le bas le il est basse fréquence un peu juste au cours de faire un peu d'égalisation. Vous êtes sur la salle de batterie elle-même et vous pouvez expérimenter avec des choses différentes, aussi. Comme, je pense que beaucoup de fois ce qui est sympa est de mettre un peu d'overdrive là-dessus et ça donne juste un peu comme du grain. C' est juste que ça sonne un peu plus naturel et sale. Juste un peu de refroidissement et juste rembobiner. Peut-être perdu un peu de clarté là-bas en haut, tout comme c'est probablement bon. D' accord. Et puis rajoutez les tambours. Remontez un peu comme si vous n'aviez pas besoin de beaucoup du tout, j'utilise juste un peu d' envoyer à ce bus et juste avoir ce fader assez bas, non ? Mais il ajoute juste un peu de gentil d'un joli genre de caractère spacieux à elle. Euh et, Euh et, vous savez, vous pouvez évidemment, si vous n'aimez pas cette overdrive ou si vous voulez une réverbération différente, peu importe, il y a beaucoup d'options différentes. Mais juste pour te montrer que je peux même envoyer un de ces sous-mixes dans un bus. Donc de cette façon, euh, plutôt que de retourner à toutes ces pistes rouges toutes les pistes de batterie et de les envoyer à ce bus de chambre, ce bus de rêve , je peux juste envoyer juste le mélange de tambour à la chambre à la chambre de rêve bus, et cela me fait gagner beaucoup de temps de clic, et il rend aussi juste votre mélange beaucoup plus propre. Maintenant, la seule chose qui inquiète Teoh, c'est que beaucoup de fois Ah, si vous êtes comme écouter une de ces pistes et aussi il y a une réverbération sur ce clap, je ne chauffe pas. Je n'ai pas de verbes re que alors vous devrez vous rappeler Oh, Ouais, je l'envoie au mixage et ensuite à la salle de batterie. C' est pour ça que je deviens confus, non ? Et puis juste pour garder la tête droite, je voudrais ah, je voudrais ah, attribuer la couleur de la tranche de console à la salle de la batterie pour qu'on sache qu'on a un autre onduleur et que je ai oublié. Ici. Couleur de la tranche de canal signée. Donc, nous gardons tous nos effets de retour en place et nous sommes heureux et organisés. Écrivez de grands travaux vous dans la prochaine conférence. 27. Imaging stéréo avec le cabinet de rotor: bienvenue une fois de plus. On a parlé de retards et de verbes de rivière, et je veux passer par quelques autres effets édulcorants et des trucs amusants que vous pouvez dio Teoh juste pimenter vos morceaux s'ils se sentent un peu On a parlé de retards et de verbes de rivière, et je veux passer par quelques autres effets édulcorants et des trucs amusants que vous pouvez dio Teoh juste pimenter vos morceaux s'ils se sentent un peu peu plat. Um, comme je l' ai dit, je ne vais pas juste marcher dans tous les différents effets d'insertion audio , vrai. Mais je vais en quelque sorte décrire quelques-uns que j'aime utiliser parfois à l'âge mixte pour pimenter les choses un peu parce que probablement vous avez utilisé beaucoup de plug-ins pendant la session de production, surtout avec plus comme pop et styles electronica. Um, vous utilisez beaucoup de branchements pour vos instruments et les rendant vraiment bizarres de se mêler, hum, hum, s' amuser avec ça. Donc, dans cette conférence, on va travailler sur ce vocodeur ? Hum et j'ai cette partie de vocodeur que j'ai enregistrée. Ah, et, hum, ça a l'air cool, mais c'est un peu Teoh, comme dans ton visage. C' est trop centré dans le mix, et c'est une sorte de distrait du chant principal. Donc ce que je vais faire, c'est utiliser une armoire Roeder. Teoh sorte de masquer un peu et de le faire étaler un peu sur l'image stéréo . Alors écoutons cette partie en solo, d' accord ? Et puis avec tout le mélange sonne comme ça. Je rembobine le cycle un peu comme ça. Oui. Ok, donc c'est cool, mais c'est juste un peu trop à l'avant. Et donc ce que je vais faire, c'est que je vais passer sous le menu de la modulation, cette armoire Roeder et ce genre de, hum, émule avoir une Leslie dans une armoire d'orgue, ce qui est juste une grosse boîte avec un tambour rotatif là-dedans. qui souffle, souffle de l'air en cercles et, en quelque sorte, euh, vous savez, amplifie le son, euh, cette façon. Donc c'est plutôt cool. Et il y a beaucoup de choses amusantes que vous pouvez avoir et que vous pouvez changer ici. Vous pouvez modifier le type d'armoire qu'il s'agit. Vous pouvez mettre les micros à l'arrière. Vous pouvez changer d'avis pour aimer une chose stéréo X y. Donc beaucoup de trucs amusants avec tous les effets. Vous savez, je suis sûr que vous connaissez déjà beaucoup de choses, mais juste pour vous montrer que l'ajout de ceci dans créer un peu de mouvement dans ce vocodeur partie. Écoutons et je veux dire et juste changé l'équilibre un peu plus à la corne. Non. Ouais, donc tu peux entendre que ça bouge un peu. J' ai juste la rotation sur lente parce que rapide serait un peu trop. C' est cool, mais on va le laisser lentement. Et, euh, je peux changer le taux maximum à C'est soigné de toute façon, mais ça crée juste un peu de mouvement stéréo. C' est un peu comme un trémolo ah, qu'on aurait pu utiliser, tu sais, trémolo. Mais c'est juste un peu plus comme un sentiment naturel, et c'est assez subtil, qui est plutôt cool pour que nous puissions l'écouter en contexte. Trouver le chemin de la maison. ai eu. Eso comme ça. Ça s'installe beaucoup mieux, et ce qui est bien, c'est qu'on n'a pas eu à changer le fader. Donc encore une fois, tout cela revient à votre mix statique parce que pour entendre ce vocodeur, j'avais avide un peu plus fort. Um, mais une fois, c'était assez fort pour entendre ça s'est fait un peu trop. Plutôt que d'utiliser la dynamique, si j'utilise ce genre d' effet d'insertion d'imagerie stéréo et que je l'étalais un peu sur le champ stéréo, alors il va juste s'asseoir dans le effet d'insertion d'imagerie stéréo et que je l'étalais un peu sur le champ stéréo , mélangez un peu plus et laissez le chant principal sortir à droite. Donc juste des petits outils comme ça et juste une sorte de réflexion si vous prenez un peu de recul et que vous pensez OK, vous savez que vous vous présentez en quelque sorte avec le problème, et ensuite vous essayez de trouver des moyens de le résoudre de manière créative, droit ? Donc, encore une fois, mon problème était que vous savez, pour entendre ce vocodeur, je devais l'avoir à un certain volume sur le fader. Mais à ce volume, c'était juste trop face au chant principal. Et ce n'était pas un problème de fréquence, vraiment. C' était trop, juste au milieu, juste dans ton visage. Mais si j'ai juste essayé de le déplacer de gauche à droite, alors ça perd une certaine fraîcheur. Alors quoi ? Quelle est ma solution, c'est d'utiliser, hum, cette armoire Roeder, qui sorte de moulage le, hum, un peu le son d'avant en arrière, juste un peu et crée ce genre de mouvement qui permet aux voix de s'asseoir qui sont assis au milieu. Teoh être vraiment présent. Mais je ne perds pas ce vocodeur, est-ce pas ? Encore une fois, c'est juste une sorte de définir vos problèmes. Et puis, euh, vraiment en train de les réparer de manière créative. Excellent travail. Et nous vous verrons à la prochaine conférence. 28. D'un délai de l'arrivée à l'augmentation de votre chanson vocale: Hé, tout le monde, bienvenue. Encore une fois dans cette conférence, je vais vous montrer une sorte de technique classique qu'on utilise beaucoup de fois pour élargir une piste vocale. Hum, et c'est un peu irrecevable en ce qui concerne ce que je ferais. , Je ferais normalement tout mon pitch,le timing et le montage audio avant de faire certains de ces effets, mais je voulais structurer ce cours un peu plus. Ah, essayer d'équilibrer entre aller dans l'ordre de quoi ? Comment vous feriez un mélange et aussi une sorte de complexité de construction un peu. Et certaines de ces techniques d'édition audio sont un peu plus difficiles et techniques, et donc je les garde pour plus tard. Mais si je n'aime pas que je ne ferais probablement pas trop de traitement des effets vocaux dans un in A dans un mélange quotidien normal. Avant, jusqu'à ce que je fasse tout mon réglage audio et comme fixer la hauteur ou le timing ou autre chose. Donc, juste pour vous dire que, euh, vous pouvez dire, Eh bien, nous n'avons encore édité aucune des voix. mais je suis juste en quelque sorte d'essayer d'aller un peu par ordre de complexité de toute façon, que hors du chemin, je vais vous montrer cette technique. Il s'agit de créer deux envois pour le chant. Ah, et puis une sorte de peindre ceux à gauche et à droite avec un retard subtilement différent et des prises pas. Et c'est en fait assez simple, mais c'est une façon vraiment, vraiment agréable d'élargir une seule piste vocale. Donc nous avons ce chœur ici petit pot, puis soleil à droite, et c'est juste au milieu. Maintenant, ce n'est pas mal, nécessairement. Mais si on veut l'élargir et le faire sentir un peu plus grand, on peut utiliser cette technique, et je vais juste te montrer comment le faire maintenant. Donc voici notre piste vocale, ce chant de chœur, et je vais créer deux péchés donc Bus 14 utilisera et aussi bus 15 jeu, et nous allons juste créer Want to say négatif huit pour ces deux. Ok, donc vous pouvez double-cliquer sur ce bouton rotatif et taper le numéro. C' est un peu plus facile que d'essayer d'entrer et, genre,de frapper exactement huit ça vous fait gagner un peu de temps. essayer d'entrer et, genre, genre, Ok, donc les bus 14 et 15. Maintenant, nous les avons ici sur la droite, et je vais appeler ça, euh je veux dire, vous pouvez l'appeler comme vous voulez, mais c' est comme un retard de décalage de la fosse pour qu'on puisse appeler ce retard de décalage de pitch PSD ou un retard de DPS, Pit shift, tout ce que vous voulez, et nous appellerons celui-ci à gauche. Et celui-ci PSD, c'est ça. Ok, si tu veux le taper, décalage de hauteur, retard à gauche. Tu peux le faire. Tu sais, si ça t'aide, si ça t'aide, souviens-toi. Mais j'essaie de le garder aussi simple que possible. Donc je vais juste faire pst gauche et psd, d' accord. Et nous allons basculer l'utilisation sur piste mono afin que vous puissiez cliquer dessus et choisir mono, ou vous pouvez simplement eso si vous faites un clic droit, vous pouvez sélectionner mono. Um ou vous pouvez simplement cliquer sur ces petits cercles avec un clic gauche, et il va changer de monastère. Ok, gauche sera à gauche, évidemment à droite sera à droite. Maintenant, nous avons ces deux cents et tout ce que nous faisons c'est de les changer en mono et de les envoyer de gauche et de droite comme ça. Et maintenant, nous allons créer une prise de retard et une prise de pitch in. Donc, euh, je vais probablement utiliser soit le concepteur de retard soit le délai d'échantillonnage. Vraiment, un ou l'autre. Je pense que tu sais que ça n'a pas vraiment d'importance. Mais la bonne chose à ce sujet est que nous pouvons choisir des millisecondes, donc nous allons de select sink parce que nous ne voulons pas qu'il soit synchronisé à n'importe quelle grille. Nous voulons juste vraiment, vraiment court délai quelque chose comme 15 millisecondes. Donc, je peux juste cliquer sur cette millisecondes ici et taper 15. Maintenant, nous avons juste une répétition très simple à 15 millisecondes, non ? Et, euh, je vais copier ça et le coller dans le bus 15. Et pour ce faire, vous pouvez maintenir l'option, la commande, cliquez et faites glisser. Et maintenant c'est là-bas. Mais alors nous devons ouvrir le 2ème 1 et changer ceci à quelque chose comme 18. Droit ? 19 ou quoi que ce soit juste C'est un peu plus lent d'un retard, mais c'est vraiment proche. Ok, donc 15 millisecondes en 18 millisecondes. Et maintenant, quand on joue ça donc je suis juste en solo laisser chœur voix, fête, fête, puis tirer au soleil à travers le ciel, vous agitez. Nous avons déjà un peu d'élargissement en cours, et c'est juste parce que nous faisons des retards subtils et les envoyons à gauche et à droite. Et c'est en plus du signal sec qui sort juste au milieu. Nous avons donc déjà un peu de retard. Mais il y a ça a l'air un peu Comey comme si c'était une sorte de filtrage de peigne qui arriverait . Um, et avec tous ces effets élargissants, vous voulez être sûr que vous vérifiez votre mixé en mono pour que ce ne soit pas comme si semblez vraiment, vraiment merdique sur mono, parce que chaque maintenant et alors votre auditeur l'entendra en mono et, ah, que cela, vous savez, vous aide en quelque sorte à garder une certaine cohésion dans votre mélange. Si vous vous assurez que cela ne semble pas merdique, ce que vous pourriez devoir faire est de changer certains des délais correctement. Mais nous n'avons pas encore fini. Nous devons ajouter quelques prises de pitch, donc je vais choisir dans le menu pitch. Ah, le pitch shifter, mono encore et demi-tons est zéro. Nous ne voulons pas de réglage de la hauteur du mélange de demi-tons. Je veux dire, mais pour le sens, ce que je vais faire, c'est que je vais te faire aimer les 5 négatifs maintenant ascension. Il y a 100 cents dans chaque demi-ton, et un demi-ton est juste 1/2 pas sur le clavier. Droit ? Donc c'est comme 5 1/100 de ah, d'un demi-ton. Donc, c'est entre 1/2 étape. C' est juste un très, très petits ajustements de hauteur et fera le mélange 100% ici. D' accord. Et puis on fera la même chose. Copiez et collez ceci sur le canal droit. Le bus 15 au lieu de cinq négatifs changera cela à seulement cinq. Donc nous avons un suspect répandu de l'autre côté. Donc celui-ci est légèrement vers le bas, décalé dans la hauteur, et celui-ci est légèrement décalé vers le haut. Ce retard est à, vous savez, peu importe. C' était 15 secondes. Cela retarde à 18 millisecondes. Donc, ce que nous faisons, c'est créer deux canaux qui sortent l'une légèrement retardée, plus que l'autre n'a baissé que cinq cents. Un a monté cinq cents et de prendre tous ensemble qui va créer ce genre de perception d' un effet d'élargissement, parce que si vous n'avez pas la hauteur que cela semble un peu funky. Votre cerveau interprète l'élargissement différemment, et ça peut devenir un peu déroutant. Votre cerveau interprète l'élargissement différemment, Mais quand vous entendez juste, je veux dire que vous ne pouvez même pas vraiment entendre la différence de hauteur comme dans l'isolement. Mais dans cette configuration, cette différenciation subtile va en quelque sorte tromper votre cerveau en pensant que vous entendez comme une image plus large. Ok, c'est un truc bizarre, genre , psycho acoustique qui arrive. Écoutons ça maintenant faire la fête, puis tirer au soleil dans le ciel. Vous étiez en entonnoir , d' accord, donc ça donne juste un peu d'effet d'élargissement. Retournons à ce parcours de club et coupons les deux bus pour qu'on entende comment c' était. Et puis, vous savez, nous sommes, mais juste en passant ces bus et ensuite on y va, Teoh les réengage pour qu'on puisse entendre la fête de la différence. Puis un soleil Ok. Et puis avec cette nouvelle fête à effet PSD, puis, puis, nuit de fils, accord, pour que vous entendiez là. Ça l'élargit juste un peu. Et puis, dans le contexte de tout ce que vous pourriez avoir besoin d'entrer, et juste quelques choses comme, je pense que je pourrais vouloir avoir un peu plus de retard. Mais, tu sais, si tu as trop de retard, ça commence à ressembler à une claque. Et ce n'est pas exactement ce que nous voulons, mais juste pour modifier certaines de ces choses. Mais, vous savez, vous pouvez avoir à faire en termes de juste, vous savez, vous savez, pas tous les réglages comme tous les morceaux ne nécessiteront exactement le même délai dans le paramètre de pitch , donc ils pourrait avoir à quelque sorte de fudge certains d'entre eux pour obtenir le son que vous voulez, mais je voulais juste vous montrer ce genre de ah ah ah, technique classique que nous utilisons Teoh pour élargir une piste. Ce n'est pas seulement du chant non plus. Tu pourrais faire la même chose pour un patch de synthé. Si c'est juste comme un patch vraiment mono Depuis que vous voulez élargir ou quelque chose, vous pouvez le faire aussi. C' est ainsi que nous avons mis en place ceci afin de l'élargir. Essaie ça, regardecomment ça marche pour toi et je te verrai à la prochaine conférence. Essaie ça, regarde 29. Utiliser Overdrive pour homer un tambour de piètement de piètement: Hé, étudiants, bienvenue une fois de plus. Donc, ce que je fais maintenant, je passe en quelque sorte par mes traces. Et j'écoute vraiment chaque élément individuel, essayant de comprendre ce qui a besoin d'un peu d'aide. Droit ? Hum parce qu'idéalement, vous savez, nous avons fait beaucoup de bon travail dans la production, et nous aimons tous nos instruments. Mais de temps en temps, quand vous entrerez dans cette session de mixage, vous commencerez à découvrir que quand tout sera assemblé et que vous aurez une nouvelle perspective, oreilles fraîches. temps en temps, vous trouverez Oh, cette piste ne fait pas tout à fait ce que je voulais faire, non ? Et tu sais,par exemple, j'entends le piège et les pièges un peu trop sec et croustillant pour moi. Et tu sais, par exemple, par exemple, Je veux qu'il soit un peu plus harmonieusement riche en ce moment. Puisque je suis le producteur de la chanson, je pourrais y aller et trouver un autre piège et, vous savez, vous savez, créer un son de caisse claire, et il n'y a rien de mal à ça. Mais de temps en temps, vous savez que c'est une bonne expérience d'apprentissage de trouver des moyens de résoudre ces problèmes. R. Et B. Hum, si vous n'êtes pas le producteur et que le producteur vous a donné le piège, vous pourriez vous en sortir avec un autre piège, bien sûr. Mais tu sais, c'est aussi un bon exercice à comprendre. Comment puis-je aider le piège ? Asseyez-vous dans le mélange un peu mieux ? Donc, comme je l'ai mentionné les pièges juste un peu trop secs pour moi, je vais solo le submix de batterie ici. Ah, c'est là. Donc, un Z Comptel. C' est juste peu à croustillant et comme l'eso à son clair pour faire face à une partie de cette netteté et aussi le genre de ce n'est pas très harmonieusement riche. C' est un peu trop simplement accrocher, donc je vais utiliser une fiche de distorsion pour ajouter du contenu harmonique à la caisse claire, et aussi cela égalisera donc je vais utiliser une fiche de distorsion pour ajouter du contenu harmonique à la caisse claire, la dynamique un peu plus. Nous n'avons pas de compresseur sur la caisse claire, et j'aime , vous savez, compression est super, mais j'aime trouver d'autres moyens créatifs de résoudre ce problème dynamique. Donc, ajouter un peu d'overdrive à la caisse claire ajoutera du contenu harmonique, rendra un peu plus riche. Et il va aussi tasser en quelque sorte que le transitoire de la caisse claire frappe et une sorte de l' égaliser un peu. Ok, donc je vais aller à ma caisse claire, et je vais juste ajouter un peu d'overdrive. Et c'est juste une question de, genre, jouer un peu avec ces paramètres. Vous avez une quantité de lecteur, vous avez la tonalité qui forme en quelque sorte la réponse de fréquence ah, puis la sortie juste le niveau. droite. Donc je ne vais pas solo le mixage de batterie à la place, juste en solo la caisse claire. Essayez de trouver quelques paramètres ici. Donc je pense que le son assez cool juste là et alors ce que je ferais toujours est contourné ce plug in pour s'assurer que notre niveau est très proche de ce qu'il était sans la distorsion, non ? Un peu, aussi. C' est à peu près maintenant. Entendons ça dans le contexte de l'ensemble du mixage de batterie. Donc je peux invendu de la caisse claire et juste en solo la batterie un peu plus de ton, non ? Je pense que ça a l'air vraiment cool. Allons l'entendre sans la distorsion et je vais la ramener et vous pouvez l'entendre avec l'overdrive. C' est ça égalise un peu la dynamique, et ça donne un peu plus de soutien à la caisse claire parce que c'est trop de conduire ce signal audio. Et cela ajoute juste dans cette richesse harmonique et sorte de compresse le signal global dans lequel ce qui lui donne un peu plus soutenu et un peu plus juste comme le corps harmonique. Tu sais, on peut utiliser le mot « body » pour décrire ça a plus de choses et se sent bien de temps en temps, tu fais quelque chose et tu sais qu'ils ont l'air bien comme ça. Mais vous voulez vous assurer que cela sonne bien dans le contexte de la chanson entière. Et vous pouvez avoir besoin d'ajuster le fader juste un peu ou même une partie de l'e que. Donc, parfois, vous devez travailler en quelque sorte à l'envers. Une fois que vous avez résolu un problème, ça peut souvent en créer d'autres. Mais écoutons cette année, tu sais, tu sais, je vais contourner cette overdrive pour qu'on puisse entendre la différence ici. J' aime vraiment. C' est cool. Donc tout ce qu'on a fait, c'était juste une simple prise d'overdrive dans la caisse claire, ce qui a aidé avec un peu de, vous savez, le genre. dynamique interne de chaque coup de caisse claire a créé un peu plus soutenu, un peu plus de contenu harmonique, ce qui ajoute du corps aux pièges. Ça fait sentir un peu plus de péché. Ari à moi. D' accord. Et moins comme un clap ou un clap. Donc on n'a pas besoin d'entrer et de trouver un nouveau son de caisse claire et, tu sais, tout goûter. On vient de laisser tomber une prise sans overdrive, et ça a résolu notre problème, donc c'est plutôt cool. D' accord. Excellent travail. Rendez-vous à la prochaine conférence. 30. D'une fois de phases sur les guitares: Halo Boys and Girls sont les bienvenus. Encore une fois dans cette conférence, nous allons essayer de traiter un problème très commun qui va trouver dans beaucoup de chansons pop . Et c'est le choc entre les guitares et le chant, parce que les guitares, en particulier les guitares électriques, occupent souvent la même gamme de fréquences que les voix. Par conséquent, cela peut être une vraie douleur dans les fesses. Teoh, euh, évite le masquage de fréquence avec les guitares et le chant. Et évidemment, nous avons travaillé là-dessus dans le passé, et nous avons obtenu un très bon mélange entre les guitares et le chant. Mais de temps en temps, toutes vos fréquences, manipulations et astuces d'égalisation ne suffiront pas vraiment en termes d'obtenir le chant pour être clair et les guitares pour être fortes parce que le problème avec l'égalisation ah, Tu sais, faire des trucs e que à tes guitares et à tes voix, c'est que c'est statique, non ? Et donc ce qui peut être un bon mélange de fréquence entre les guitares et le chant et le versus n'est pas tout à fait suffisant pour les chœurs. Ah, ou vous savez, si les voix sont coupées et qu'il y a juste une partie de guitare, alors peut-être que les guitares sonneront un peu à plat parce que vous avez travaillé si dur pour que le chant soit assis sur les guitares. Mais quand les voix ne se produisent pas, les guitares peuvent sembler un peu ringard. Et alors, comment pouvons-nous contourner ça ? Eh bien, nous avons parlé à quelques reprises de l'utilisation d'un canard, qui utilisait un compresseur avec une certaine entrée entrant dans la chaîne latérale pour dire au compresseur de réduire le gain sur n'importe quelle voie utilisait. Droit. Donc, ce qu'on pourrait faire c'est aller à notre mixage de guitare ici et jeter un compresseur dynamique de compresseur et ensuite utiliser le bus vocal, c'est le mixage vocal, qui est buste 36 comme chaîne latérale, non ? Et de cette façon, nous pouvons dire au mixage de guitare de réduire et de gagner quand les voix chantent juste un peu. Et ça nous donnera juste un peu de canard. Cela se produirait quand les voix chantent, et cela laisse juste un peu plus de place aux voix pour s'asseoir dans le mix. , cette approche pose un problème Cependant, cette approche pose un problème, et c'est par nature ce que nous faisons ici. la voix est forte, plus la réduction de gain se produira sur les guitares, qui est en fait le contraire de ce que nous voulons arriver. Oui, parce que si les voix font une partie particulièrement forte, alors on n'a pas besoin d'autant de réduction de gain sur cette partie de guitare, est-ce pas ? Et si les voix sont plus silencieuses, c'est le point où nous avons probablement besoin d'un peu plus de réduction de gain sur la guitare pour que les voix sortent bien. Donc c'est un peu le contraire de ce que nous voulons juste utiliser cette méthode de chaîne latérale ah pour réduire le gain des guitares. Mais il y a une technique vraiment cool et très avancée que nous pouvons utiliser pour contourner cela. Et c'est quelque chose qui va vous faire sentir vraiment, vraiment intelligent et impressionner tous vos amis. Ok, donc on n'utilisera pas un côté compresseur Jean. Donc je veux dire « Pas de branchement » sur ça. Ce qu'on va faire à la place c'est qu'on va mettre en place une porte comme effet d'envoi de la Guitar Channel, et on va utiliser le chant comme chaîne latérale pour la porte, et ensuite on va inverser la polarité de ce canal de retour, qui, au lieu d'utiliser la compression de chaîne latérale pour éliminer la guitare Channel, utiliseraient cette polarité inversée du Return Channel, qui provoquera une annulation de phase à nos guitares et cela va, ah, cela fera la bonne chose de créer la bonne réduction de gain dans la Guitar Channel pour quand ? Quand les voix sont là. OK, alors allons-y et faisons-le et peut-être admettre, ça a pu sembler un peu trop fou. Mais une fois qu'on l'aura fait, tu verras que c'est plutôt joli, euh, plutôt normal. Ok, donc voici notre mixage de sous-guitare. Donc on va choisir le bus et on va faire 16 ans sont le prochain bus sur une sorte de nos péchés ici. D' accord. Et maintenant, nous sommes là, Buste 16. Et colorions ce violet pour commencer comme ça et en fait honte pour moi. Mais je n'ai pas fait ces violettes non plus. Alors faisons-le pendant qu'on est là, fiston. Pourpre là, allez. D' accord. Alors maintenant 14 et on peut appeler cette porte de phase ou ce que tu veux appeler ça. Ok, donc on va mettre ici. Juste un bruit normal. Gate Dynamics, Noise Gate comme ça. Et pour la chaîne latérale, on va utiliser le mixage vocal, qui est buste 36. Ça devrait être, ah, un peu mémorable maintenant. Maintenant, après la porte, on va déposer, hum, hum, un gain d'utilité, euh, brancher. Et maintenant, nous pouvons inverser la polarité de ce jeu en utilisant ce plug in en sélectionnant ce canal gauche et droit. Donc on est juste en train d'inverser la polarité de tout cet envoi, hum, ce canal de retour d'attente avec ce branchement, Ok, on n'a pas besoin de toucher autre chose là-bas. Maintenant, nous devons nous occuper de cette porte. Donc je vais juste tirer ce choeur et faire un tour un peu plus, et on peut même juste juste pour avoir un peu plus de clarté, affaiblir juste en solo le mixage de guitare et le mixage de sous-guitare vocale. - Ok , Maintenant, nous devons définir le seuil, parce que rappelez-vous, le seuil est le niveau en dessous duquel la réduction du gain se produira. Nous voulons donc fixer ces seuils du point où ah, la réduction du gain est gagnée Onley. Réductions sur lee qui se produisent lorsque les voix de l'air frapper et que vous pourriez voir ce bouton d'activité s'allume. Et nous voulons juste être sûrs que cela s'allume juste quand les voix Aaron Ok. Et puis la lumière s'éteindra quand les voix s'éteindront. D' accord ? Je ne veux pas que ça soit trop bégaiement, ok ? Et maintenant ce que cela fait est le Depuis que nous utilisons tirer ce retour vers le haut. Puisque nous utilisons le mixage sous vocal comme côté Jane, chaque fois que les voix se produisent, cette porte s'ouvre, mais la porte est en train d'être envoyée à partir du mixage de guitare. On doit envoyer un peu de ce mixage de guitare à ce jeu de chaîne de retour. Et, hum, puisque nous envoyons la chaîne de guitare à cette porte, OK, et la porte s'ouvre quand les voix sonnent. Donc ce qui arrive alors, c'est en fait de la guitare. Donc, ce canal de retour ne produit pas. Vocal produit de la guitare. Mais puisque nous avons inversé la polarité de tout ce canal de retour, cela signifie qu'il va envoyer un signal inversé au mix qui va entrer en conflit avec notre mixage de guitare normal. Et cela provoquera l'annulation de phase parce que la phase est inversée. Donc, cela annulera ce niveau de guitare en fonction de combien nous avons envoyé en utilisant cela. Senden ici. Ok, fête, puis soleil. Vous pouvez entendre un peu ça là-bas. Je voudrais augmenter la sortie un peu parce que cela semble un peu anormal, donc nous voulions juste être un peu plus d'un mélange lisse là-bas. Essayons encore ça. Fête, puis soleil. Attendez un peu plus de sortie. C' est l'heure. Quand avec parti liquide, puis soleil OK, et maintenant nous allons contourner qui envoyer afin que nous puissions entendre la différence. Ce n'était pas un obstacle. Ok, et maintenant avec. fête, puis le type de soleil. Attendez, Il est temps quand vivre dans des rois liquides, refuser cette histoire dit ici, fête, puis façon solaire. Maintenant, si vous avez l'impression que c'est un peu trop évident et que la réduction du gain est un peu trop évidente, vous pouvez tous les deux simplement vous pouvez refuser ce fader ici, ce fader de volume, parce que moins qui sort de ce canal de retour, alors cela signifie moins qui est annulé avec le mix mince de guitare. Vous pouvez également baisser ce bouton rotatif pour que nous puissions simplement réduire cet effet un peu les droits juste comme ça. Donc, l'avantage de cela, plutôt que d'utiliser la compression de chaîne latérale pour créer un effet de canard, est que puisque nous utilisons une porte, il s'agit juste d'une réduction de gain normalisée qui se produit. Euh, peu importe à quel point la chaîne vocale est forte, donc nous sommes juste en train de créer des incohérences, juste un peu par rapport au gain de ce mixage de guitare. Et encore une fois, la raison pour laquelle cela se produit est que nous avons inversé la polarité de ce canal de retour , qu'il provoque, Ah, la fréquence, fréquence, qui provoque excusez-moi, ce qui provoque l'annulation de phase de notre canal de mixage de guitare d'origine. D' accord. Et c'est un peu funky comme avec toutes ces guitares différentes qui se passent. Comme, je dirais, c'est probablement mieux servi si vous avez juste peut-être une ou deux chaînes de guitare, même une probablement meilleure. Mais comme nous avons ces différentes chaînes de guitare qui se produisent, ça peut sembler un peu funky. sympa, c'est que, euh, tu sais, nous ne le sommes pas. On n'a pas besoin que ça sonne fantastique avec les guitares et les chants en solo parce que ce n'est pas la chanson, non ? Donc, si nous mettons tout en contexte, ça sonnera. Ça sonnera bien. Et il va juste créer un peu plus de clarté sur le chant afin que nous n'ayons pas à mettre tout le travail du côté de l'égalisation étaient juste de réduire le jeu juste un peu , Um, de la piste de guitare quand pistes de guitare plutôt quand les voix Aaron Tout droit, et nous allons l'entendre sans que la vie de péché. Et de cette façon, vous pouvez avoir un euh cohérent, vous savez, e que mis en place pour vos guitares. Ça a l'air sympa, mais vous cachez juste un peu la piste de guitare quand ces voix pompent à droite  ? Et nous n'utilisons pas la compression Side Jean parce que cela rendrait cette réduction dépendante du niveau des voix, ce qui rendrait cet effet plus évident et non pas ce que nous voulons. Droit ? Donc on utilise cette porte avec des polarités inversées pour tromper nos guitares. Teoh réduire ce gain quand les voix Aaron Ok, donc c'est un peu technique. Si tu dois y retourner et regarder ça une fois de plus, , allez-y,mais une fois que tu l'as essayé, tu verras. Ok, ce n'est pas trop mal. Ce n'est pas trop mal du tout. Et je te verrai à la prochaine conférence. 31. Édition audio - Quand et pourquoi l'utiliser: et bonjour, les étudiants. Bienvenue une fois de plus. Ah, ravi de vous avoir de retour. Maintenant, nous allons commencer à parler un peu de montage audio, quelques techniques avancées pour régler, nettoyer le timing et la hauteur de vos fichiers audio. Et comme je l'ai mentionné précédemment, c'est probablement quelque chose que je ferais normalement assez tôt dans le processus de mixage. Hum, et j'ai eu du mal dans ce cours où placer ces concepts, et j'ai décidé de les avoir un peu plus loin vers l'arrière du cours juste parce qu'ils peuvent être un peu techniques. Et, euh, je ne voulais pas submerger les nouveaux étudiants qui sont nouveaux dans certains de ces trucs. Et juste pour montrer que juste quelques pas, vous savez, vous savez, rapides pour obtenir l'équilibre, le contenu de la fréquence et la dynamique, juste. Et vous pouvez avoir un très bon mix sans vous amener à vous enliser sur le montage audio . Et aussi, euh, le montage audio qui a vraiment beaucoup à voir avec le genre avec lequel vous travaillez, n'est-ce  ? Si vous utilisez, si vous utilisez, si vous enregistrez comme un groupe de rock indie ou quelque chose que vous ne voudrez probablement pas orteil comme réparer tout le temps de tous les tambours et tous les autres instruments. Donc c'est comme un super enfermé parce qu'il y a une sorte de sentiment qui vient juste des humains jouent bien. Mais avec, comme une musique pop que cette chanson est un peu pop, les tambours sont tous des programmes, donc nous n'avons pas vraiment à nous soucier du timing pour ça. Mais certains des autres instruments, comme les guitares ou la base, ou même le chant, peuvent être un peu croquis parfois avec le pitch, juste au point où c'est un peu distrayant et je vais y aller et je vais arranger certaines de ces choses. Je ne suis pas puriste dans aucun des deux côtés du spectre, euh, euh, qui pense que vous ne devriez pas faire de réglage du timing ou de la hauteur. Je ne pense pas non plus que vous devriez toujours faire tout parfait et mécanique droite. Je pense qu'il y a toujours une sorte de tension créative qui arrive, essayant de trouver le juste équilibre entre la sensation et l'ambiance d' une performance naturelle. Ah, mais pas au point où c'est comme distraire et que l'auditeur moyen va dire, Oh, ce son semblait bizarre, non ? Donc, je vais juste vous montrer quelques techniques juste pour vous aider à commencer avec certaines de ces pratiques de montage audio. Et, euh, ouais, alors on y va. Donc, je suppose que la première considération serait généralement de savoir ce que je dois corriger ou quel orteil fonctionne lorsque je fais le montage audio, que ce soit le timing de lanceur. Et, euh, encore une fois, je pense que la réponse à ce genre de choses dépend du genre, mais aussi de votre jugement en tant que mixeur, non ? Je pense que la règle la plus simple est que vous travaillez sur l'autre, ces autres choses, quand vous obtenez l'équilibre et que vous ajoutez des effets, vous obtenez la bonne dynamique. Je pense que la règle la plus simple est que vous travaillez sur l'autre, ces autres choses, quand vous obtenez l'équilibre et que vous ajoutez des effets, S' il y a quelques choses qui vous ennuient et qui vous tiennent tout le temps, c'est probablement une bonne indication que vous devriez travailler dessus correctement si c'est distrayant. Et si vous travaillez sur autre chose et que vous entendez cette partie vocale et que le timing est juste un peu désactivé et à chaque fois que vous l'entendez, c' est ce à quoi vous pensez ? Alors c'est probablement une bonne indication que vous devriez travailler dessus maintenant. Quelque chose que je n'ai pas encore mentionné. Je ne pense pas que dans ce cours est le bloc-notes, ce qui je pense est vraiment utile. Donc, dans le coin supérieur droit, vous avez cette icône de bloc-notes, et vous pouvez l'ouvrir et vous pouvez simplement taper quelques notes ici. Donc, genre, si je passe par une séance mixte et que je trouve sur laquelle on va travailler dans le second chant du pont un peu précipité à droite. Et je viens de trouver que le chant du pont ou juste un petit peu se précipita vers la fin. Donc je veux arranger ça. Droit ? Et, Aiken, je peux ajouter cette petite note, et je pourrais juste garder un onglet de choses qui ont remarqué que je veux regarder vous pouvez aussi, bien sûr, changer la couleur de cette région audio qui apparaîtra à vous quand vous regarderez toute votre session mixte et pensez Oh, j'ai besoin de regarder ça. Droit. Um, si l'autre chose cool ici, donc vous pouvez faire des notes sur l'ensemble du projet, mais vous pouvez aussi faire des notes spécifiques à la piste afin que vous puissiez en quelque sorte organiser ceux-ci un peu mieux. Je n'utilise pas souvent ça. Je ne prends pas assez de notes pour être dérangé par ça. Donc, je vais généralement garder tout dans l'onglet du projet. Droit ? Ensuite, vous pouvez fermer ça. Donc, ce que j'ai remarqué, c'est que , comme je l'ai dit, les voix entendues juste vers le bout du pont ou juste un peu précipitées. Hum, donc je vais juste créer un petit cycle de psychopathe ici pour peut-être le voir d'ici. Des choses. Cette dernière ligne du pont est juste un peu pressée pour moi, et elle perd une partie de l'énergie qui mène à ce solo de guitare. Donc, hum, si je fais ça en solo et que je mets mon Metrodome, tu pourrais probablement entendre encore un peu mieux que ça. C' est un peu décalé devant le rythme. Ok, Yeux. Vous pouvez faire les secondes. C' est juste deux de ces lignes qui sont un peu pressées. Donc, quand vous parlez de timing, il y a quelques choses à savoir. , Tout d'abord, j'essayerais toutes les autres techniques avant de faire l'option ah ah ah, flextime que vous avez dans la logique et le temps flexible. Cela peut être vraiment cool, mais plus vous pouvez vous en sortir avec ne pas l'utiliser, plus, hum, le hum, son naturel sera que vos modifications seront. Donc ce que je ferais dans ce cas et c'est un peu de repos. Donc je vais juste couper cette partie, non ? Je sais que c'est une sorte de section de problème, donc je viens d'utiliser la commande de l'outil de sélection et de cliquer et juste faire quelques modifications de chaque côté. Et maintenant, si j'ai l'impression que c'est un peu précipité plutôt que d'entrer et d'utiliser le temps flexible, ce qui le fera dans une seconde. Mais juste pour illustrer, euh plutôt que de faire l'édition du temps flexible, je prendrais juste toute cette région et la glisserais sur quelques millisecondes. Et vous pourriez même, vous savez, essayer de regarder ces divisions de barres et juste obtenir certains de ces transitoires, comme se sentir peut-être un peu mieux comme ça, et voir si ça résout votre problème. Alors écoutons ça maintenant. C' est juste un peu de mouvement, fermez les yeux. Vous pouvez faire les secondes. Donc je pense que ça avait l'air bon pour la première mi-temps. Mais une fois que les secondes comptent, entrez. Ah, nous jurons encore un peu. OK, donc on va devoir utiliser le temps de flexion, ce qui est très bien. Mais juste pour vous faire savoir, avec toutes ces choses de synchronisation, je voudrais essayer de déplacer toute la région de problème re autour, et vous pourriez trouver que c'est juste résoudre votre problème. Et puis tu as économisé beaucoup de temps, non ? Ah, et vous pouvez le faire même avec juste une courte phrase vocale ou quoi que ce soit. Hum et, donc nous devrons utiliser le temps flexible sur ce sujet, que nous aborderons dans la prochaine conférence juste pour les garder aussi courts que possible. Mais disons que cela a résolu notre problème. On est heureux avec ça. Et maintenant, nous avions juste besoin de nettoyer la région audio et de s'assurer que c'est correct. Donc, vous remarquerez ici que dans ce vide de silence ici, il y a un peu de il y a un peu desaignement d' écouteurs ou autre chose. Ce truc très bas, c'estque c'est peut-être que c'est juste un saignement d'écouteurs du chant ou autre chose. c'est Et, hum, ça peut devenir un problème. Donc, ce que je ferais probablement est de les assembler et de créer un fondu croisé entre les deux. Maintenant, si je trouve que je ne peux pas les aligner à l'endroit où ils sont juste dos à dos, ce que vous pouvez faire est juste glisser sur un peu et ensuite appuyer sur la barre oblique inverse. La touche barre oblique inverse les alignera parfaitement. Et maintenant, nous pouvons utiliser l'outil de fondu pour créer un beau fondu en croix ici. Heureusement, nous créons un fondu de croix sur un morceau de silence. Si vous devez le faire au milieu d'une note, cela peut devenir un peu plus difficile, mais nous le faisons sur une partie non chantée, donc il ne sera pas trop difficile d'avoir un beau fondu en croix. Donc si je frappe la lettre T, ça fait apparaître ces ça fait apparaître cesoutils de curseur. La valeur par défaut est l'outil de pointeur, mais ce que je veux, c'est l'outil de destin. Et pour que Aiken, déplacez mon, euh, pointeur vers le bas. Je peux cliquer dessus, ou il peut aussi frapper t comme je l'ai dit, puis zéro, et cela ira tout droit à elle. et c'est une bonne chose d'être vraiment bon pour les touches chaudes et des choses comme ça. Donc maintenant, si je clique sur, hum, une de ces régions et que je fais glisser cela crée un fondu croisé automatique, et que vous n'avez pas besoin de quelque chose de trop grand, vous savez, probablement juste comme ça va. Et ce que ce fondu croisé indique, c'est que la région audio à gauche de ce volume va descendre et à peu près ici, il passera à la suivante, et il continuera à descendre à zéro tandis que cette région audio sur le commence à rien et s'estompe en quelque sorte sur la lumière au-dessus de la frontière entre les deux, puis jusqu'à plein volume. Donc, cela crée juste une belle transition en douceur entre les deux. Et puis nous pouvons faire un autre fondu de croix ici aussi de ce côté. Et nous allons, euh donc juste appuyer sur t zéro pour faire apparaître l'outil de fondu, faire glisser comme ça. Maintenant, évidemment, le pont se termine juste ici, donc je n'ai même pas vraiment besoin de ce fondu croisé. En entrant dans cette région audio vide, je pourrais juste avoir le je pourrais juste avoir le ah, cette région audio juste disparaître complètement. Mais juste pour vous montrer comment fonctionne la phase croisée, c'est tout à fait bien. Maintenant, dans la prochaine conférence, on va devoir regarder l'outil Flex Time et ah, eh bien, eh bien, on va plonger dans ça dans la prochaine conférence. Voir là. 32. Temps flexible: Hé, étudiants, bienvenue une fois de plus. Maintenant, dans cette conférence, nous allons regarder le temps flexible, qui est un outil vraiment puissant dans la logique. Et, hum, c'est un peu intimidant au début, mais ce n'est pas trop compliqué, alors on va juste le regarder. Donc, la façon dont je le ferais est que je sélectionne cette région problématique, non ? J' ai juste une partie du pont. C' est juste un peu précipité, alors j'ai essayé de le déplacer à gauche et à droite. Mais certaines de ces syllabes différentes, ou tout simplement pas tout à fait aligner. Donc, cela signifie que nous devons aller dans une partie juste différente de la région audio audio pour les aligner un peu mieux afin que je puisse sélectionner cette région, puis appuyer sur la commande F et cela ouvrira votre temps de flex. Il y a aussi ce bouton en haut. Ce genre de, tu sais, c'est tourbillonnant. Ah, sorte de forme d'onde. C' est un show hide flex. Il peut l'utiliser, mais j'utilise toujours la touche de raccourci, accord, Commandement F. Et maintenant on voit. Ici, nous avons ce bouton flextime que nous pouvons activer et qui va activer le temps flex pour cette piste. Donc la commande f vous montre ce que vous travaillez avec. Et puis vous devez l'activer pour cette piste. Ok, C'est pourquoi il dit activer leur flex. Et maintenant, il va généralement déterminer ce que le type ah de timing flex dont vous avez besoin. Euh, donc ça va dire Automatique. Et dans ce cas, l'automatique est polyphonique. Maintenant, ce n'est pas exactement correct, parce que c'est une piste vocale principale. Donc c'est en fait la phonique de Monta. Donc, parfois, ce n'est pas tout à fait en ce moment en termes de l'algorithme que vous choisissez, C'est juste une sorte de question de ce que le contenu audio que vous essayez d'ajuster est juste . Donc vous avez polyphonique, ce qui est, vous savez, plusieurs notes jouées comme si vous jouiez une, vous savez, une guitare rythmique, quelque chose Ah, ça serait La ligne de base polyphonique serait Monta Phonic parce que c'est juste une note , hum, à chaque fois trancher. J' utilise beaucoup de fois quand, genre, genre, je découpe vraiment un battement de batterie ou quelque chose comme ça. Puis il y a Ah rythmique, nous sommes fait la vitesse polyphonique et tempeh téléphone vitesse et téléphone temple. Ils ont ces effets à côté d'eux. Et c'est parce qu'ils sont un peu plus déformés, comme si c'était un peu plus un effet. Et honnêtement, je ne les utilise pas beaucoup. Hum, juste pour être honnête, parce que je fais normalement du temps pour l'édition de toute façon, donc je suis normalement juste de choisir le découpage rythmique polyphonique ou monan Phonic. Um, rythmique serait bien si tu faisais, genre, genre, une boucle de shaker ou quelque chose comme ça, et que tu veux le changer en temps de swing. Tu pourrais faire ça. , Bref, donc on travaille à Maan un phonique maintenant, et donc tu peux voir ici. Je veux dire, appuyez sur les lettres E, et ça va juste zoomer un peu sur notre région audio, et vous pouvez voir ici que c'est en quelque sorte de trouver la transition. Les transitoires sont le premier, genre, grand type de pic dans le poids dans la voie de la forme. D' accord. Et il en trouve généralement un peu plus que ce que je veux, et c'est bon. On n'a pas besoin de le faire. Nous n'avons pas besoin d'entrer et d'enlever ces transitoires, nécessairement, nécessairement, parce que nous ne le sommes pas. Il n'a rien bougé pour nous, alors maintenant ce que je vais faire c'est d'entrer et de trouver les pièces problématiques qui sont un peu avance sur le rythme. Et je pense qu'ils sont en quelque sorte vers la seconde moitié de ça. Ensuite, je vais vous montrer ce que ces outils font avec mon pointeur. Vous pouvez voir mon curseur. Voici ceci. J' ai ce genre de ligne droite que j'ai la ligne avec un petit point sur les trois premières lignes, trois lignes sans les points sur le dessus. Alors, que sont tous ces méchants ? On va les mettre dans une seconde. Ok, alors écoutons ça en solo avec une piste de clic, tu dois faire compter les secondes. Vous pouvez faire compter les secondes. Vous pouvez faire les secondes. OK, donc c'est sur les secondes qui sont juste ici. Ça me pose un problème. Donc je peux cliquer ici sur ce transitoire, et vous pourriez voir que j'ai ce genre de ligne fanée. Il est déjà en quelque sorte trouvé qu'il y a un transitoire là-bas donc je peux cliquer là, et maintenant je peux déplacer ça. Le problème, c'est que si je commence à passer à l'échec, ce qui est juste ici Ah, alors quoi ? Il le fait aussi, et c'est un peu agréable est qu'il va créer une bordure sur le prochain transitoire avant, puis le transitoire après. Cependant, ce n'est pas exactement ce que nous voulons dans ce cas, parce que nous ne voulons pas compresser cette région. Donc ce blanc, le blanc indique que nous élargissons une région, et le bleu indique que nous sommes en train de la compresser. Donc, euh, je veux que ce transitoire soit juste ici sur le mauvais rythme. Oui, mais je le sais. Je veux que cette région juste avant qu'elle soit compressée autant. Non, je ne le fais pas. Donc, je peux double-cliquer sur cette ligne, et ça va tout bouger un peu. même chose avec le droit que je peux faire ça. Et cela va tout déplacer un peu vers la droite. Parce que maintenant ce que je fais c'est que je suis juste que je prends essentiellement cette section entière à droite de mon transitoire et juste la cogner un peu à gauche et l'agrandir et ensuite tout à droite. Je compresse juste un peu, accord ? Cela a peut-être causé plus de problèmes, mais nous allons l'entendre et voir si cela l'a corrigé. Vous pouvez faire les secondes. Peux-tu faire ça. Et maintenant que make et Thies est juste un peu avant le rythme, ce qui est un peu distrayant. Prenons ça ça et apportons ça un peu, accord ? Et écoutons ce que ça sonne. Maintenant, tu dois faire compter les secondes. Vous pouvez faire la vache seconde, et maintenant cette marque est juste un peu lente. Alors passons ça juste un petit peu. Vous pouvez faire le deuxième chat. Vous pouvez faire la deuxième à droite, donc ça me semble beaucoup mieux. Et la clé ici, je pense, est de faire des changements aussi larges que vous pouvez parce que même si certains de ces petits, comme des syllabes percussives ne sont pas tout à fait exactement sur le rythme. Ah, ça sonnera beaucoup plus naturel si vous faites le principal comme le rial, parties punchy frappent directement sur le rythme, mais vous n'avez pas besoin de tout avoir parfaitement à temps pour qu'il soit perçu par l' auditeur de Ça sonne bien, non ? Il a juste besoin de l'être. C' est juste une question de trouver cet équilibre. Ok, alors écoutons ça dans le contexte de toute la piste. Et si je désactive le temps flexible, écoutons ce thème ici. J' étais juste un peu ralenti là-bas parce que j'ai bougé tout ça et juste un peu vite au début et ralenti à la fin. Il n'a pas la couture. Même effet que le fait d'avoir ce timing fixe un peu, juste agréable et frappant clairement là, atterrissant directement sur le rythme en ce moment juste pour illustrer pourquoi il est important d'utiliser ce genre de changements plus larges. Comme je l'ai dit, nous avons une compression en cours, une expansion en cours. Mais il y a une sorte de plus grandes parties de la forme d'onde comme si nous n'entrons pas et faisons tous les petits transitoires et simplement l'aligner parfaitement. Et si je, euh, juste pour vous montrer pourquoi c'est mieux, je vais monter ici par l'inspecteur et ici. Donc nous avons la région sélectionnée dans cette région, donc c'est d'Oxbridge, et c'est la troisième cause que j'ai, genre, coupé quelques parties, juste pour que vous puissiez voir ici. Ce bouton flexible est activé, il suffit de l'afficher pour le voir. Et il y a un menu des liens Kwan pour que je puisse y aller. Et je pourrais quantifier cela par huitième notes, exemple, et cela compensera ou élargira tous les transitoires qu'il trouve ou la plupart des importants qui se trouvaient sur les huitième notes. 16e La plupart serait un OK encore plus détaillé, et écoutons ça. Maintenant, vous pouvez faire la seconde que vous pouvez entendre. Ça semble vraiment anormal tout d'un coup parce que nous faisons trop d' édition de chronométrage ici. Ça ne sonne pas bien sur une piste vocale. Si vous faites une boucle, vous savez, ou un autre type de batterie et que vous utilisez un algorithme de flextime différent, vous pourriez vous en sortir, mais avec une voix principale, c'est juste trop contre nature. Il est allé bien au-dessus de la falaise. Donc je vais éteindre ça, et ça devrait nous ramener aux autres modifications qu'on a faites. Ici, vous pouvez voir que nous n'avons que trois modifications. Les trois lignes blanches sont les lignes que nous avons choisies d'aligner la piste audio sur le rythme dans ces trois modifications la rendent beaucoup plus naturelle que d'utiliser la fonction de quantités pour le temps de flexion. Tu peux faire la seconde, non ? Ça a l'air bien plus naturel. Comme si nous n'avions pas de modifications. Vraiment, ce qui est en quelque sorte le point. La plupart du temps, vous voulez qu'il sonne, Ah, imperceptible les modifications que vous faites. Ok, cool. Donc on est tous bons avec ça ? C' était ça le problème. Une partie de notre pont. Et maintenant tout est pris en charge pour que je puisse appuyer sur la commande f et sortir du temps flexible pour ça . Et maintenant mon pont de sonnerie très serré. Regardons un exemple de plus juste pour illustrer cela. Donc la base en direct , c'est un peu de temps libre et une partie de la cour, donc je vais essayer de trouver ici un peu de la base. Donc ce que je vais faire, en fait, juste pour avoir un peu plus de contrôle, qu'est-ce qui est si petit ? Le sous-mélange de base dans le mélange de tambour et va faire le cycle jusqu'au cours. - Ok , donc juste là, il y a quelque chose d'bizarre qui se passe juste là. Um et donc si je me débarrasse de ma fenêtre de mixage, et si je sélectionne cette région audio, le coup Z va zoomer pour que je puisse l'entendre. Et je pense que c'est quelque part dans ces deux bars. Ok, c'est juste là. Donc c'est ce battement juste ici. Donc je vais frapper la commande pour lui apporter mon temps de flexion. Oui, je veux l'activer pour cette piste. Doit l'analyser un peu. Et nous voulons faire Monta Fonet parce que c'est la base. Et maintenant, nous pouvons regarder de plus près et découvrir ce qui se passe ici. Ok, donc c'est juste là. J' ai juste un peu un peu de bruit, et c'est plutôt mineur, mais je pense que ce transitoire est un peu en avance sur le rythme. Donc juste pour obtenir un peu plus de clarté sur ces outils de pointeur, vous remarquerez que si j'ai mon pointeur vers le haut de la région audio ici, juste une ligne pour que je puisse cliquer dessus et que je peux créer un transitoire, et puis je peux compresser ou développer toute la région audio. Zoom arrière un peu, Vous pouvez voir ça. D' accord. Mais je ne veux pas ça . Si je ramène mon pointeur vers le bas vers le bas de la région audio Maintenant, j'ai ces trois lignes. Et ce que cela fait, c'est que va créer un transitoire lorsque je clique dessus et créera également un transitoire verrouillé à gauche dans la droite au transitoire avant dans le transitoire après . Donc toutes ces autres choses, je pense, sont assez bonnes à temps, non ? Et c'est très bien. Mais on a juste besoin de glisser un peu ce petit gars. Donc, de cette façon, nous pouvons faire un petit ajustement ici comme ça. Essayez d'apporter cela pour voir si cela fonctionne, et cela va étendre cette partie blanche à droite ? Et ça a comprimé cette autre partie alors que nous déplaçons ça d'ici à là. Donc, cela signifie que nous élargissons cette région et comprimons celle-ci pour le rendre adapté. Alors écoutons ça. Dis juste que c'est parfait. Donc on a juste glissé un peu. Nous n'avons pas eu à jouer avec les autres transitoires parce que tout le reste était en bon temps. Mais c'est juste ce petit truc qui m'embêtait. Alors je l'ai attrapé et je l'ai déplacé encore et encore. Si vous créez un point en bas de la région audio. Ensuite, vous pouvez verrouiller ces trois transitoires de chaque côté ou à des transitoires de chaque côté que vous comptriez juste cet endroit ? Vous n'êtes pas en train d'étendre celui-ci, cet endroit sans jouer avec l'autre, Hum, sans jouer avec vos autres parties de la région audio. Et si vous n'aimez pas ce que vous avez fait, vous pouvez toujours double-cliquer sur ces lignes blanches. Sortez-le de là. Ok, donc maintenant on a juste réparé cette petite place et on est prêts à y aller. Et si je l'éteins, affaiblir. Si je l'éteins, vous pouvez l'entendre à nouveau. Si je l'éteins, Vous pouvez entendre ce mouvement qui glisse vers le haut. C' est juste un peu en avance sur le rythme, non ? C' est gênant. Donc juste comme ça, c'est le temps flexible. C' est vraiment, vraiment facile. Ah, une fois que vous essayez un peu. C' est beaucoup moins compliqué qu'il n'y en a l'air, et c'est un peu amusant de et ah, c'est vraiment puissant. Alors allez-y et jouez. Essayez de réparer certains des gênants endroits gênants. Étaient des choses de timing qui sont vraiment bogage que vous ne deviez pas trop fou avec quanta toutes vos régions audio pour le rendre super mécanique. À moins que vous ne sachiez, c'est un effet que vous allez chercher. Ça pourrait être cool. Mais soyez prudent, parce que parfois ça commence à sembler vraiment anormal et bizarre. Donc, vous savez, j'essaie d'habitude de garder ça au minimum. Hum, super. Dans le prochain dans la prochaine conférence parlera de réglage. On se voit là-bas. 33. D'un pitch de flex (partie 1): Mesdames et messieurs, bienvenue encore une fois dans cette conférence, nous parlons de réglage. Mesdames et messieurs, bienvenue encore une fois dans cette conférence, Nous avons parlé de montage, timing, et maintenant nous sommes fatigués. Il est temps de parler de l'édition de l'accordage de certains instruments et encore avec le timing. Je m'abonne en quelque sorte. Toothy less, c'est plus l'école ici quand il s'agit d'éditer le réglage des choses. La plupart du temps, je suis en train d'éditer l'accordage des voix. Évidemment, parfois si j'ai enregistré une partie de guitare et une des notes, c'est juste un peu funky. Je vais y aller, essayer de réparer ça. Mais la plupart du temps, tu vas régler la voix, est-ce pas ? Et la logique a un moteur assez cool appelé Flex Pitch juste assez similaire au temps flexible. Mais il y a beaucoup de différences, alors on va le regarder. Ah, ici et je vais juste te montrer des choses. Mais dès le début, je dirais, Soyez très prudent avec éditer votre pitch parce que parfois vous savez que vous pouvez être, vous pouvez en quelque sorte se perdre dedans, et puis tout d'un coup vous êtes chant ont perdu tout leur parce que ça sonne comme un mauvais travail de tuning automatique, non ? Et nous n'utilisons pas Antar est auto tuning. Nous utilisons juste tout dans ce cours, nous utilisons tous les plug-ins natifs juste pour vous montrer que vous pouvez mélanger avec juste ce que vous avez dans votre d. euh mais vous savez, temps en temps, il y aura un peu de réglage qui va en quelque sorte supprimer une note distrayant ou simplement faire quelque chose un peu plus. Ah, agréable d'écouter, Teoh. Et c'est tout à fait bien. Je dis juste, sois un peu, tu sais, fais attention que tu ne deviens pas trop fou avec ton accord. D' accord ? Donc juste comme avec, euh, le temps flexible, ce qu'on peut faire est peut-être qu'on peut regarder ces choeurs et que tu peux appuyer sur la commande f, et ça fait apparaître ton genre de menu flex. Maintenant, au lieu de ces moments, tu peux choisir le flex pitch ici, ok ? Et puis assurez-vous qu'il est activé avec cette forme d'onde torsadée violette peut l'activer comme ça. Et donc ce que cela fait est qu'il analyse votre piste et il trouve la hauteur de chaque note de la piste vocale afin que nous puissions juste zoomer sur Ah juste ce premier chœur et vous pouvez voir ici dans cette région audio dans la fenêtre de portée, il a une sorte de L'Europe. Votre terrain va, et là au-dessus de la forme de vague elle-même. Alors voici la façon dont le formulaire passe à travers, et ensuite il a vos petites notes qui vont à droite. Et maintenant en bas, il ouvre une sorte de version plus détaillée de ça. Cette dispersion de notes. C' était, parfois ça arrive. Assurez-vous que vous développez, faites simplement glisser, cliquez et faites glisser ce petit clavier de piano sur. Et puis vous pourriez voir certains de ces outils de pitch flex time un peu plus facilement, et je vais juste les parcourir très rapidement. Donc ah, et la bonne chose de dire que je fais défiler de haut en bas dans cette fenêtre et que vous pourriez voir mon clavier de piano reste le même. Mais je pouvais voir la vague se former derrière, et ah, donc c'est juste un peu sympa. Vous pouvez déplacer ça de haut en bas. Juste être capable de voir vos notes un peu plus clairement. Ok, alors qu'est-ce qu'on a ici ? Nous avons un curseur de correction de hauteur de 0 à 100. Et c'est la quantité de correction de hauteur des notes sélectionnées. Aucune note n'est sélectionnée en ce moment, donc nous ne le ferons pas. Vous avez également la possibilité de chronométrer les yeux de quanta afin que vous puissiez en quelque sorte tuer deux oiseaux avec une pierre où vous pouvez quantifier votre piste. Pendant que tu fais encore tes corrections de pitch, je serais prudent avec ça, euh, seulement parce que, tu sais, avec une piste vocale, tu n'as pas besoin d'avoir tout comme, Pendant que tu fais encore tes corrections de pitch, je serais prudent avec ça, euh, seulement parce que, tu sais, avec une piste vocale, tu n'as pas besoin d'avoir tout comme, chaque petite syllabe, parfaitement quanta isée pour qu'elle sonne naturelle et cool et dans beaucoup de temps, les chanteurs vont juste interpréter les paroles d'une manière que vous savez, d'une manière émotionnelle où certaines choses sont un peu pressées. Certaines choses sont un peu retirées, et c'est ce que vous voulez. Donc, pour être honnête, je n'utilise jamais vraiment les yeux de quanta du temps. Si j'ai besoin d'éditer un peu de timing, peut-être que je vais faire quelques petites choses. Mais en général, je les fais comme deux tâches distinctes. Droit ? Ensuite, vous avez un petit curseur pratique appelé gain, et le gain juste va augmenter le gain d'un des notes sélectionnées. Donc si je l'ai découvert et qu'on pourrait faire ça, euh, cette note ici est un peu calme et vous pourriez voir dans le chemin des formes un peu calme. Donc, si je voulais juste augmenter le gain de cette petite note un peu, je pourrais le faire ici. Et vous pouviez voir la façon dont la forme augmente. C' est plutôt sympa, non ? Et puis vous avez aussi une échelle quantifie ce que je ne recommande pas d'utiliser non plus, sauf si vous voulez faire quelque chose comme, vraiment extrême auto Tooni genre de chose où vous pouvez sélectionner l'échelle que la chanson ne voit pas , donc je pourrait dire, Voyez, Major et moi pouvions tout sélectionner et je pouvais. Kwan lie tout pour voir les majors que toutes les notes sont enfermées dans cette échelle. Mais encore une fois, je pense que ça va un peu trop loin. Il est préférable de savoir quelles sont vos notes de problème et de les ajuster de cette façon, est-ce pas ? Euh, plutôt que de faire tout ça parce que chaque fois que vous savez maintenant, un chanteur fera des virages ou une sorte de tranchant naturel ou de planéité, et c'est bien. Nous voulons que nous ayons cette interprétation émotionnelle. Si nous perdons ça, ça peut perdre une partie de l'impact émotionnel. Donc, je ne recommande pas vraiment de faire cela à moins que vous ne vouliez faire un effet de réglage automatique extrême , ce qui est totalement bien. Sache juste que c'est ce que tu cherches le plus, non ? C' est bon d'avoir ah, un peu plus d'orientation quand on fait ces choses. Donc maintenant vous pouvez voir que les notes sont divisées en plus. La partie vocale est divisée en ces différentes notes. J' ai donc une note ici. Une autre note ici. Une autre note là-bas. Ah, une sorte de petite note ici, non ? Et nous avons ce clavier qui traverse une houle. Et donc ici, nous pouvons voir cette note si je zoome un peu. Cette note, qui est une sorte de D, est un peu comme à mi-chemin entre le D et le D pointu, et c'est pourquoi on peut voir que c'est comme noir là-bas parce que la note est à mi-chemin entre ce D et le D. Sharp. Cependant, vous pouvez également voir cette ligne blanche. La ligne blanche est la voix réelle, euh, vous savez la ligne vocale réelle qui va un peu dans le D pointu, puis un peu bas dans le D et puis tout le chemin jusqu'ici dans la droite E. C' est donc l'ambiance naturelle. Rato de la voix des chanteurs La boîte bleue est juste que la note racine que l'algorithme trouve et encore ici, c'est comme un d. Mais le vibrato monte et sa petite goutte à goutte, vous savez, une petite goutte, et puis il descend tout le chemin, quelque sorte à la fin de la note, selon ce que vous savez, le tamis de l'OLP se trouve à la fin de la présente note. Si c'est comme la lettre B ou quelque chose quand tu pars, mais ça n'a pas vraiment de mot. Donc ça ne pouvait pas tomber et faire ce truc funky. Et puis, si nous avançons, nous avons ce Ah, note ici, qui est ce que f est un f et le genre F glisse dans la mer. Droit ? Hum et donc je te montre juste ce que tu regardes. Vous avez l'algorithme qui trouve cette note ici, mais le blanc réel. La ligne blanche est en fait le chanteur qui se déplace à travers cette note, puis glisse entre les autres notes. Voici un petit virage dans le E, puis il s'agit d'une sorte de crêtes d'ici et ensuite d'avoir des D. Ok, donc c'est une autre bonne raison pour laquelle je ne veux pas juste utiliser une mise à l'échelle parce que je peux vouloir les diapositives naturelles de haut en bas autour des notes et en fonction de ce que la syllabe est, ça peut être bizarre si vous êtes juste quanta, l'isant à la note elle-même. Donc, vraiment, le but est d'écouter la piste et de comprendre ce dont elle a besoin et ce dont elle n'a pas besoin et juste réparer certaines choses dont elle peut avoir besoin. 34. D'un pitch de flex (partie 2): Alors passons en boucle ce chœur et je ne l'écouterais pas en solo,d' habitude parce que peu importe à quoi ressemble la voix en solo sur le chœur parce que vous ne l'entendez pas en solo. boucle ce chœur et je ne l'écouterais pas en solo, habitude parce que peu importe à quoi ressemble la voix en solo sur le chœur Vous l'entendez dans le contexte de la chanson entière et en solo Ah, une note qui peut sembler un peu bizarre, peut-être totalement bien dans le contexte du concours de toutes les guitares et de la base et tout le sens et tout. Donc vous ne voulez pas perdre votre temps à éditer, vous savez, accord qui semble parfaitement cool avec toute la chanson, Right, Right. Ok, donc il y a quelques choses que j'ai entendues qui pourraient nécessiter un peu d'ajustement, celle-ci juste ici depuis, euh, et c'est une bonne chose à savoir aussi. J' accorderais généralement beaucoup d'attention aux notes racines, et ce sont les chansons dans la clé de C. Et donc la mer serait la note racine. Et si mon C est un peu bizarre, je m'assurerais de faire peut-être l'accord un peu parce que c'est la note racine. Tu veux que ce soit gentil et fort. Donc, nous pouvons voir ici que le ce n'est pas trop mal hors de terrain. Disons des choses ici, non ? Si c'est comme ça que la note du chanteur dit la note, ce serait un problème parce que maintenant nous sommes en C pointu comme nous sommes entre C et C. Ce serait un problème donc vous pouvez cliquer dessus. Nous avons ces six points ici, et je vais les examiner rapidement. Ce haut milieu est le bon pas. Je m'amuse avec ça, euh, le pointeur gauche est la dérive de hauteur, que vous pouvez considérer comme la transition entre la note précédente et ces notes. Vous pouvez sorte de funk que autour d'un peu, ce qui va juste aborder le début de la note, et la même chose avec le bouton en haut à droite est comme la fin de la note, juste où il va à la note suivante. Dans ce cas, il y a du silence après, mais vous pouvez voir que lorsque je déplace ceci et que je déplace cette dérive de ma note de haut en bas , alors vous avez un décalage de format. Le contremaître est comme le son de la voyelle, donc beaucoup de fois, ah, les producteurs vont l'utiliser pour s'amuser, où vous pouvez sélectionner la maison, toute la région audio et déposer toutes les menthes vers le bas comme une octave. Et ça a l'air vraiment bizarre. Ah, et cool. Mais, euh, tu sais, si tu fais juste du montage, tu n'as probablement pas besoin de t'embêter avec ça. La seule fois c'est un peu plus comme un effet déformé, non ? Jouer avec le format. C' est comme le son de la voyelle. Ensuite, vous avez librato ah, que j'utilise beaucoup quand j'édite les voix parce que de temps en temps le chanteur dit un peu trop secouement et ils ont juste fait un peu frénétique autour de la note et on peut réparer ça, ou s'ils disent que jusqu'à droite, nous pouvons ajouter un peu de vibrato, mais c'est moins commun. Et puis vous avez un contrôle de gain, qui est le même que le curseur ici. Donc, si vous avez trouvé que cette note est un peu trop calme, vous pouvez augmenter le gain un peu, et vous pourriez voir la forme d'onde bouger quand je fais ça. Très bien, juste comme ça, vous pouvez créer un peu plus de cohérence de cette façon. Attention, cependant, cependant, avec la canne. Parce que si tu fais trop fort comme ça, c'est fou ici, évidemment. Mais si vous regardez la forme, il y a juste un saut super soudain entre ces deux notes qui sonnera vraiment bizarre et non naturel. Où est le gain ici c'est ça et au milieu de la note, tu sautes comme un tas de décibels, non ? Alors soyez prudent avec les ajustements de gain que le maintien d'un mouvement naturel entre les notes que le chanteur dit Droit. Ok, alors regardons ça un peu plus en détail. Donc la note de ceci était correcte. Et une chose que vous pouvez dio est aussi juste. Cliquez sur cela et définissez la hauteur d'origine, qui a été trouvé exactement où il était, et vous pouvez voir que maintenant c'est là que le terrain était. C' était un cent plus élevé que le droit de voir. Donc, je pourrais juste laisser tomber ça à zéro, ou vous pouvez faire un clic droit et dire, mettre à la hauteur parfaite, ce qui le verrouillera dans cette scène. Donc, si c'était comme tout droit ici et je pourrais faire un clic droit pour mettre la hauteur parfaite. Il le laisserait tomber jusqu'à la mer. Si je clique simplement sur la note et la déplace, je peux la déplacer en demi-étapes. Tu vois ça comme ça, donc tu n'as pas à t'inquiéter du bon terrain jusqu'au bout. Vous pouvez simplement le déplacer dans de vraies notes comme ça. D' accord. J' ai dit ça pour parfaire le pitch à nouveau. Et maintenant, ce que je voudrais peut-être aborder, c'est un peu le désespoir, parce que le tout début de cette note est juste un peu en dessous de la note. Hum et je ne suis pas trop inquiet pour ça. Et la raison pour laquelle je ne suis pas trop inquiet à ce sujet, c'est parce que la planéité de cette mer est un B et A B est en fait dans cette échelle. Si c'était un « D », c'est ça, comme ici. Et nous avons cette planéité qui va au-dessous du D et qui en fait un C pointu. Eh bien, ce n'est certainement pas dans l'échelle de C mineur, le C. pointu. Donc ça pourrait être un peu plus un problème, non ? Ah, mais puisque c'est un C et R, la planéité est un peu dans le personnage du rythme, vous savez, dans la catégorie B. C' est très bien. On n'a pas trop à s'en soucier. Mais comme c'est la note racine et c'est une sorte de fin d'une phrase vocale, je voudrais peut-être aborder un peu le vibrato, auquel cas je peux simplement cliquer et faire glisser ça juste assez pour porter, comme la plupart de ma note est dans cette mer, droit ? Si je fais glisser ça tout le chemin vers le bas et que je fais comme une ligne parfaitement droite, j'ai changé l'orteil de dérive comme ça, et maintenant j'ai juste cette j'ai changé l'orteil de dérive comme ça, et maintenant j'ai juste cetteligne droite parfaite. Ça va sonner bien. Eh bien, peut-être pas bien, mais ça va probablement sembler anormal. Hum, donc je peux faire un clic droit et dire, Réinitialiser la courbe de hauteur. Et donc c'est là que ça va avant que je commence à tout gâcher pour vous montrer ce qu'on fait pour que je puisse juste en parler un peu. Et plus vous faites des ajustements plus fins, plus vous serez heureux dans la vie plus longue. Vous vivrez parce que cela, vous savez, parfois faire ces ajustements de réglage créer plus de problèmes qu'ils ne résolvent, non ? Donc c'est juste quelque chose à penser. Alors écoutons ça maintenant. Juste cette petite édition. Tout ce qu'on a fait, c'est qu'on a mis la note sur ah, parfait. Tu vois ? Et puis on a juste tiré un peu le vibrato pour apporter plus de cette dérive de tangage à l'intérieur de cette note de C qui lui donne juste un peu plus de force pour moi. Euh, et ensuite quoi ? Je pourrais aussi bien me déplacer ici. Amenez le gain de cette note inférieure parce que beaucoup de fois pour les chanteurs tombant bas, ils ne peuvent pas tout à fait chanter aussi fort que nous le pouvions. Apportez un peu le gain sur celui-là. Et venons. Allons voir s'il y a d'autres choses qu'on pourrait gâcher. D' accord. Et maintenant sur ces, euh, ces deux notes, je veux que les orteils réduisent un peu le vibrato, une houle et peut-être avoir un peu plus d'une dérive entre les deux, donc je peux faire des notes ou plusieurs notes en même temps en appuyant sur Maj. Donc, je clique sur les deux, et maintenant je peux juste cliquer sur le vibrato sur l'une des notes. L' un ou l'autre, et je peux aborder ça pour les deux en même temps. Et je pourrais peut-être créer un peu plus de continuité entre ces deux. Ok, je ne veux pas faire ça parce que j'ai ajusté le côté gauche de cette note. Donc cette note. Je veux juste un peu plus de continuité entre les deux et sur cette dérive de terrain. Je peux faire tomber ça un peu et ça va juste créer un peu plus lisse d'une diapositive entre ces notes. Allons entendre ça. Donc c'était trop. Ne fais pas tomber ça encore. Apportez ça un peu et amenons un peu la librato dans celle-ci, parce que encore une fois, c'est la note racine. La mer et moi voulions être gentils et forts et pourrait même faire ressortir le gain de cette dernière note juste un peu. Ok, écoutons ça comme ça. Donc, je suis juste en train de traverser. J' écoute la piste vocale dans son contexte, découvre ce qui semble petite semaine, ce qui pourrait peut-être utiliser un peu d'ajustement de la hauteur, et je fais juste excellents ajustements, ce qui va le faire paraître beaucoup plus naturel que si je devais juste Kwan lie tout à échelle parce que si vous regardez ici comme cette note n'est pas en accord. Et puis j'ai vraiment ce genre d'extrême, comme le fait de descendre ici, mais dans le contexte de tout, ça semble bien, tu vois ? Donc, je n'ai pas besoin d'entrer et juste sélectionner tout et de le verrouiller correctement dans l'ensemble pour un pitch parfait . Ça pourrait faire paraître pire que si je trouvais les parties problématiques et les mettais en accord, d'accord. Et puis juste pour passer en revue vous avez ces. Pour chaque note, vous avez ces différentes notes ici. Il y a six nœuds. Vous avez votre dérive de hauteur, ce qui vous permet d'ajuster le début de la note. Et vous avez ça des deux côtés. Vous pouvez ajuster le début ou la fin de la note et la façon dont elle est en quelque sorte de transitions de la note antérieure. Vous avez le bon terrain. Ah, et puis vous avez le vibrato, qui est ce nous-même de la ligne sur toute la longueur de la note. Ensuite, vous avez le poste de contremaître, et je suppose que je me suis rencontré aussi juste te montrer donc Prenons tout cet audiophile et faisons tomber toute la formance. Euh, comme ça. Très bien, donc ça gâche juste le son vocal. Ça change en quelque sorte la longueur de la gorge du chanteur, euh, de façon technique. Ah, et ça a l'air bizarre, mais ça peut Tu peux t'amuser beaucoup. Comme jouer avec une piste vocale comme celle-ci et la mettre derrière le chant principal. Droit ? Alors c'est le contremaître et ensuite, ah, on a le jeu. Nous pouvons également ajuster le gain de chaque note. Si c'est un peu trop calme, peu trop bruyant, on peut s'y mêler. Et c'est juste que c'est une façon vraiment agréable de créer une forme d' onde plus cohérente pour cette région audio. Droit ? Alors, voilà. C' est le flex pitch. Et, euh, allez-y et vous connaissez la vraie clé avec les emplacements flexibles. Juste être capable d'écouter les problèmes et de comprendre quelle est la meilleure solution. Et il vient vraiment du temps de le faire encore et encore et encore, et vous obtiendrez très rapidement et vous réaliserez que vous n'avez pas besoin de réparer est beaucoup comme vous le pensiez. Mais de temps en temps, il y a quelque chose qui doit être abordé. Et que ce soit pour ajuster l'orteil du soutien-gorge ou la transition entre les notes et peut-être que la note entière elle-même est un peu déréglée, vous pouvez jouer avec elle et vous pouvez obtenir au bon endroit. Droit ? Excellent travail. Essayez quelques-unes de ces techniques dans vos propres mixes et nous vous verrons dans la prochaine conférence . 35. Plus de détails sur l'outil Fade: Hé, étudiants, bienvenue. Encore une fois. Excellent travail de passer à travers le temps flexible et les conférences de pitch flex. Je sais qu'il y avait beaucoup de choses couvertes. Leur, hum ne soit pas trop intimidé par ça. C' est juste une question de passer du temps avec ces, euh, ces différents moteurs et d'avoir une bonne idée sur eux. Mais ils ne sont pas très compliqués. Mais c'était beaucoup d'informations. Donc je voulais juste faire une conférence rapide sur. Nous continuons avec notre montage audio et nous voulions juste parler un peu nettoyage et de nous assurer que vous avez des fondus si vous en avez besoin. Donc avec la piste pop comme ça, j'ai beaucoup d'instruments ici qui sont, euh, tu sais, tu sais, comme une cloche de synthé, non ? Comme celui-là, c'est juste une cloche de synthé. Juste un échantillon de cloche. Ce n'est pas enregistré. Je ne suis pas sorti dans une pièce et frapper une cloche, écrire et l'enregistrer donc je n'ai pas à m'inquiéter d'avoir des fondus sur mes régions audio maintenant, parfois dans le passé, de temps en temps, j' aime vraiment bien d'être cohérent avec juste avoir, vous savez, fondu et fondu out sur toutes mes régions audio dans mon mix. Mais dernièrement, j' ai juste eu un peu de mou à ce sujet. Mais, euh, puisque c'est une cloche de synthé, je n'ai pas vraiment à être trop préoccupé par les pops ou quelque chose de bizarre qui se passe avec le début et la fin de mes régions audio. Mais si vous voulez être cohérent et bon à ce sujet, c'est en fait super rapide à créer. Fondu en. Alors appuyez sur t zéro, et ça fait apparaître votre outil de destin. Vous pouvez simplement créer un petit destin minuscule du début et de la fin. Et, comme cette région audio, n'a même pas besoin d'être aussi longue. Je peux raccourcir ça et créer mon fondu là, là, c'est une bonne façon de le faire. Vous pouvez aussi, si je l'annule, vous pouvez également cliquer sur la région audio, aller à votre inspecteur Dittemore et juste donner un peu de fondu en sept millisecondes , quatre millisecondes, et cela le fera. Vous pouvez également sélectionner toutes les régions audio comme ça. Toutes mes cloches remontent ici. Juste donner un peu de fondu dans un peu de fondu et maintenant j'en ai un que vous pouvez voir ici, j'ai un fondu dans chacune de ces régions audio donc ça ne prend pas trop de temps si vous voulez être vraiment bon incohérent à ce sujet. Mais j'aime être sûr que tout ce que j' ai enregistré a ce genre de choses, et une chose que tu pourrais faire, tu sais, je pourrais juste entrer et sélectionner toutes ces voix, par exemple, et assurez-vous juste que cela a un peu de fondu dans un peu de fondu et vous pourriez voir qu' il y a une étoile ici et c'est parce que j'ai différent. J' ai peut-être eu d'autres fondus déjà placés. Et donc ce petit Astérix dit juste, Hey, Hey, tu as différentes longueurs de fondu juste pour que tu saches, non ? Mais maintenant, vous pouvez voir ici que tous ces éléments ont juste un peu d'un fondu dans un peu de fondu , et cela va juste s' assurer que je ne reçois pas de pops au début ou à la fin de ma région audio afin que vous puissiez le faire rapidement. Ce n'est pas très difficile, mais disons que nous avons quelques problèmes ici. Donc, comme avec cette piste de chance, nous avons un peu de saignement. Ce n'est peut-être pas un problème, mais dans le cas où c'est le cas, nous pouvons régler ce problème rapidement. Alors écoutons cette chance ici. Oui, le silence. Alors juste avant ces malheurs, il y a un peu de chant là-bas. Je ne sais pas si c'est un saignement d'écouteurs ou si je fais du vélo là, je peux l'entendre maintenant. Le problème, cependant, est que si nous coupons cette section et supposons de près que nous découpons ce petit truc de chant, alors nous risquons de perdre une partie du souffle de pris avant l'occasion. Et j'aime les respirations. Certaines personnes sont anti-haleine dans leurs enregistrements vocaux. Ça ne me dérange pas, mais attrapons tout ça. Et donc je pourrais juste appuyer sur commande, puis cliquer et faire glisser, et cela sélectionne une partie de la région audio, je peux littéralement juste appuyer sur Supprimer et Aiken prendre cela. Alors écoutons comment ça revient ici en ce moment. Je veux peut-être un peu plus de souffle que ça pour que je puisse ramener la région audio à Peut-être ici et ensuite je reçois un peu de ce chant. Donc j'essaie juste de trouver la bonne longueur ici, et c'est probablement très bien. Maintenant, je vais créer un fondu ici. Hum, donc j'ai frappé t zéro, ce qui me permet d'utiliser l'outil de fondu. Et si je vais juste au coin de la région audio qui pourrait amener ça. Et je veux juste m'assurer que le début de ce peu comme la zone de respiration est à plein volume. Probablement, tu sais, n'a pas à avoir exactement raison. Je peux faire passer ça un peu. Mais maintenant une belle chose que vous conduisez Aziz bien, a changé la courbe de ce destin. Ainsi, vous pouvez voir que le fondu par défaut est cette ligne droite linéaire, ligne diagonale. Mais je peux aussi changer la courbe du fondu en cliquant ici n'importe où au milieu du fondu. Et je pourrais juste le faire glisser et cela va créer une courbe um plus algorithmique et je pourrais le faire de cette façon, ou je peux le faire de cette façon. Donc, le faire de cette façon aurait moins de volume jusqu'ici. Et puis ça se balaie assez vite, aussi, juste là. Et c'est peut-être ce que je veux parce que je veux me débarrasser de cette petite note de chant qu'on a fait. Ah, et que le chanteur l'a fait. Et puis, assurez-vous que j'ai le souffle qui vient avant que ça raccourcisse ça comme ça. Maintenant, je reçois le vote, le souffle arrive, ce qui semble naturel, mais je réduit en ce qui semble naturel, quelque sorte le bourdonnement qui s'est produit avant, non ? Et maintenant, puisque j'ai coupé ma, euh, ma région vocale et la moitié ici, je peux juste m'assurer que j'ai un fondu en croix ou un fondu là-bas. Donc je n'aurai pas de pop juste au cas où il serait là. Puis, à la fin de cette chance, il y a un peu de bruit ici aussi que je ne veux pas. Donc je peux juste couper cette partie aussi, comme ça. Créez un fondu de ce côté et de ce côté. En fait, je n'ai même pas besoin de ce côté-ci parce que la région vocale se termine. Alors on y va. Donc, nous allons entendre que juste comme ça ont découpé ce petit qui s'est passé juste et maintenant j' ai quelques fondu ins sympa, fondu out et j'ai parlé de changer la forme de la courbe du fondu dans la seconde moitié ici et sonne assez Cool, non ? Donc juste facile, mais je voulais juste vous montrer que vous avez ces différentes options, non ? D' accord. Excellent travail. Rendez-vous à la prochaine conférence. 36. Accélération et Slow: Salut, étudiants, bienvenue. Encore une fois, cela va être une conférence rapide pour parler des options de montée et de ralentissement que vous avez avec l'outil de fondu. C' est beaucoup de plaisir, quelque chose que vous pouvez faire pour manipuler l'audio, et c'est un peu plus comme une technique de production. Donc, c'est un peu un mouvement audacieux si vous mélangez quelque chose pour quelqu'un d'autre, mais vous savez que vous pouvez aller de l'avant et essayer et voir, voir s'ils l'aiment, et vous pouvez aussi l'utiliser assez soudainement. Alors de quoi je parle ? Eh bien, nous avons parlé du destin en utilisant l'outil de fondu. Teoh, hum, vous savez, créez des fondus croisés entre les modifications dans vos régions audio, ou aussi juste pour s'assurer qu'il n'y a pas de pop audio, vous savez, inaudible au début et fin des régions audio. Mais il y a un autre outil que vous pouvez utiliser à l'intérieur de l'outil destin pour créer une sorte de goûts émulés accélérer une machine à bande ou ralentir, et je vais vous montrer exactement ce que je veux dire. Donc juste ici, à la fin du chœur postérieur allant dans le verset 2 et Ah, ça ressemble à ça ici. J' ai ce petit balayage avec quelques élévateurs et des choses comme ça, mais je vais utiliser l'outil de fondu pour créer un peu de ralentissement à la fin de cette section de pad. Donc ce brevet a l'air d'avoir une petite rampe, et ensuite il redescend à cet autre niveau. Ok, donc ce que je vais faire, c'est que je vais utiliser mon outil de chapiteau pour, euh, couper cette région audio entre le verset et puis le Vous savez ce qui est arrivé avant dans les scores postaux. Je ne vais pas manipuler cette zone de vers ici, mais je vais faire est de créer un fondu à la toute dernière barre du cours de post pour que je puisse appuyer sur t pour l'apporter mon point ou menu et ensuite, ah, zéro pour faire apparaître l'outil de fondu. Maintenant, je vais juste créer un fondu sur cette dernière barre, et, vous savez, vous savez, ça n'a pas besoin d'être parfait, mais vous pouvez zoomer un peu et juste obtenir ce noeud comme, peu près correct à cette division du barreau. Ok, donc maintenant on a juste un fondu, et ça ressemble à ça. Je veux dire, vous pouvez entendre le volume s'estomper comme ça, mais au lieu de, euh, s' estomper, ce que nous allons faire est de changer ce type de fondu en un ralentissement. J' ai donc cette région audio sélectionnée, non ? Et puis ici, dans l'inspecteur, , euh parfois ces, euh, , ne sont pas divulgués. Vous pouvez divulguer ce triangle avec le titre de la région, et il est dit pad 1.5 donc vous pouvez simplement doubler le pavé de contrôle 1.5. Il nomme les régions audio, et la suivante que vous pouvez voir ici est pad 1.6. droite. Donc, hum, maintenant sous le triangle plus sur ce peut ne pas être divulgué non plus. Donc, si ce n'est pas le cas, divulguez-le, et vous pourriez voir que vous avez un fondu et s'estomper. Et en ce moment, c'est un 500 à ah, je suppose que c'est une milliseconde fondu out. Donc, vous l'avez dit fondu ici et puis le type est sorti et vous pouvez choisir fondu croisé puissance égale fondu, etcetera Oh, ou vous pouvez sélectionner ce mot fondu out et vous pouvez choisir ralentir à la place. Même chose avec le fondu en marche. Peut-être qu'on peut le faire juste pour s'amuser. Juste pour le montrer dans une seconde. Tu pourrais accélérer le dio, non ? Mais pour l'instant, on ne va pas changer ça. Nous allons juste regarder ça Le ralentissement et vous pouvez voir la couleur du fondu changer pour , comme, une teinte orange plutôt que le blanc. C' est quoi ça ? Le fondu s'éteint. Ok, donc le ralentissement. C' est à ça que ça ressemble ce ralentissement. Vous écrivez une sorte d'émule les goûts, juste vous éteignez une machine à bande. C' est juste que ça, comme presque rebobinage genre de son. D' accord. Et eso puis dans le contexte de tout, écoutons juste cela là. C' est juste une technique très instable, mais c'est plutôt cool. Vous l'utilisez beaucoup de fois avec même des instruments de percussion. Juste un coup d'oeil très rapide. Fade out va créer un effet assez intéressant. Maintenant, faisons la même chose au début de ce 1er 2 avec une accélération juste pour le plaisir. Donc il est déjà coupé ici pour que nous puissions commencer un nouveau fondu au début du verset. Il atteindra t zéro pour faire apparaître l'outil de fondu et juste créer Ah, vous savez, peu importe. Un bar Ah Fay, un fondu de vitesse et il est blanc maintenant c'est un fondu dans, mais au lieu de cela, nous allons choisir la vitesse. Donc maintenant cette région est sélectionnée pad 1.6. Et si on va voir l'inspecteur, on verra que c'est ce qu'on regarde. Au lieu de fondu dans va accélérer et maintenant il devient orange. Alors maintenant ce pad sonnera comme ça. Super. Donc c'est vous savez, je ne ferais probablement pas cela en termes de point de vue de production pour ce verset, mais juste pour montrer juste pour démontrer son même principe exact que le ralentissement de la vitesse. Tu sais, la vitesse fonctionne de la même façon. Ok, alors amusez-vous avec ça. Essayé sur des choses différentes. Instruments de percussion de au chant. Bonne façon de ah, éditer des mots de jument. Si vous devez le faire pour, genre, genre, version non éditée, vous pouvez le faire sur eux au milieu d'un mot de serment. Beaucoup d'options. Leur excellent travail. Je te verrai à la prochaine conférence. 37. Utiliser l'automatisation pour un mélange dynamique: Bonjour, les étudiants. Bienvenue une fois de plus. Maintenant, nous allons commencer à parler d'automatisation. Alors, qu'est-ce que l'automatisation ? Eh bien, vous pouvez le considérer comme une sorte de crédit supplémentaire après avoir obtenu votre mix statique. Alors rappelez-vous, quelque sorte. Vers le début du cours, nous avons beaucoup parlé d'obtenir un bon mélange statique, qui est simplement un équilibre de tous les différents éléments utilisant les échecs dans le mélangeur, droite. Nous voulons avoir la bonne quantité de chaque instrument pour que vous puissiez tout entendre clairement et que tout s'intègre. Et puis quand nous avons eu quelques problèmes avec certaines des pistes que nous avons utilisé le traitement dynamique Ah, nous avons utilisé une manipulation de fréquence avec e que pour obtenir tout pour s'asseoir bien ensemble. Et maintenant l'état À ce stade, ce que nous pouvons faire est d'utiliser une certaine automatisation pour donner au mélange un peu plus d'impact dynamique. C' est une sorte de but de l'automatisation. Parce que si vous y pensez, vous savez, le plomb de guitare dans les vers pourrait être un bon niveau, parce qu'il y a moins de choses là-bas, et dans les chœurs, il peut être un peu plus fort ou quelque chose comme ça. Vous pouvez donc utiliser l'automatisation pour changer le, euh vous savez, les niveaux de fader au fil du temps, le volume Vous pouvez utiliser l'automatisation pour changer vraiment n'importe quel paramètre que vous pourriez imaginer dans, euh, à l'intérieur de chaque effet. Et je ferais ça beaucoup de temps. Nous allons donc donner quelques exemples de la façon dont vous pouvez utiliser l'automatisation pour rendre votre mix un peu plus dynamique. Donc, commençons par peut-être juste la forme la plus basique d'utiliser l'automatisation, qui serait juste d'utiliser l'automatisation de volume. Et jetons un coup d'oeil à ce verset d'ambiance de guitare, n'est-ce pas ? Cette guitare ressemble à ça, n' est-ce pas ? C' est comme une partie de guitare vraiment vibe e spacey. Maintenant, je pense que le niveau est vraiment bon pendant les versets, mais il peut être juste un peu trop. Une fois que le choeur frappe et que tout le reste arrive, cela pourrait juste ajouter un peu trop occupé nous Um, et il pourrait occuper trop du spectre de fréquences. Donc ce qu'on peut faire est juste d'utiliser un peu d'automatisation du volume pour faire baisser le niveau de cette guitare dans les chœurs, comme elle le transporte dans le chœur, c'est bon, donc je vais frapper la lettre A sur mon clavier, et qui fait apparaître ces options d'automatisation pour vous. Et voici notre verset d'ambiance de guitare. Et maintenant, si vous regardez ici sur la gauche maintenant que j'ai touché la touche a, vous pourriez y voir quelques options différentes qui sont disponibles pour vous. Vous avez ces paramètres d'automatisation que vous pouvez choisir, et nous ne serons pas trop compliqués avec la façon dont cela fonctionne car il y a quelques choses plus techniques que vous pouvez faire. Mais nous allons juste garder ça assez simple dans ce cours. Donc, ici, où il dit volume, c'est comme le paramètre d'automatisation par défaut. Ok, maintenant, si je clique dessus, je peux choisir d'autres paramètres. Euh, il y a du volume et du pan, mais vous êtes un peu les deux plus communs. Et puis aussi sous le menu principal, je pourrais choisir différentes options de volume entre absolu et relatif. Je peux choisir la peinture panoramique qui est à gauche et à droite, et je peux, euh, en solo dans certaines sections. Je peux aussi le couper en sourdine où je peux contourner mon insert numéro un qui est le canal eq u. Et puis, bien sûr, vous pouvez aller à l'intérieur du canal EQ vous et vous pouvez automatiser les différents paramètres à l'intérieur du canal e que nous allons regarder un peu plus tard. Ce serait vrai. En outre, si vous avez plusieurs autres effets d'insertion ici que vous pouvez choisir parmi ces effets d'insertion et automatiser les paramètres à l'intérieur de ceux comme si vous avez un trémolo, vous pouvez automatiser la profondeur du trémolo. Ah, si vous savez, si vous avez un compresseur, vous pouvez automatiser le rapport que vous pouvez automatiser à peu près n'importe quel paramètre dans n'importe quel effet ou si vous faites la production est, eh bien, juste f y I Vous pouvez automatiser les différents paramètres dans le synthé sur lequel vous travaillez, par exemple, droite, à droite, Nous allons garder assez simple, donc nous pouvons juste faire un peu d'automatisation de volume. Maintenant, vous verrez ici si je zoome un peu, nous avons cette ligne qui traverse et c'est notre ligne de volume. Nos paramètres d'automatisation le sont aussi. Le volume sélectionné et il est là à 7,4 décibels négatifs, qui, qui, si j'ouvre ma table de mixage, va à cette piste et vous pouvez voir que c'est là que mon fader est réglé. Et si je bouge, ça pourrait bouger ça de haut en bas. Vous pouvez voir la ligne d'automatisation de ligne monter et descendre dans la fenêtre d'arrangement, n'est-ce pas ? Alors remettons-le là où il est parce qu'on l'aimait. Et maintenant, il y a quelques façons de le faire. Une chose que vous pouvez dio est juste de créer des nœuds en double-cliquant ici et maintenant. J' ai une note ici au début du chœur, et je pourrais mettre une autre note à la fin du chœur, comme ici. Et je peux peut-être que si je veux l'avoir lentement une sorte de rampe vers le bas. Je pourrais mettre une note là et une note là, et maintenant j'ai ce genre de j'ai le volume de cette piste qui descend un peu , puis remonte. Ok, et je vais juste supprimer ça parce qu'il y a un peu plus facile de le faire. Ce que je peux Aussi dio a frappé la commande, qui fait apparaître l'outil de sélection. Et puis je pourrais juste dessiner une région à travers ce choeur, qui le fera et ensuite si je clique sur cette ligne, je pourrais la faire descendre. Cela crée ces noeuds parfaits à la fin au début, à la fin de l'endroit où de dessiné cette boîte de réception. Donc, si je voulais juste faire un petit endroit comme ça, je pourrais le faire là aussi. Et cela crée juste un peu de, euh, réduction de volume. Et bien sûr, vous pourriez le faire de l'autre côté. Vous pouvez augmenter le volume d'une pièce particulière comme celle-ci. C' est donc juste une façon vraiment agréable de créer les étapes qui créeront un mouvement dynamique dans cette piste en termes de niveau de fader. Et si je le joue, tu pourras voir le Fader monter et descendre pour ramener la table de mixage, jouer comme ça. Évidemment, c'est un peu bizarre de juste avoir ces pas aléatoires, non ? Mais si j'enlève ce que j'ai fait là-bas et que j'ai juste ma petite chute de chœur maintenant, vous entendrez que l'ambiance de guitare du verset sera un peu plus forte, et ce sera à 11.4 négatif pendant le choeur. Je pense que c'est juste un moyen de créer un mouvement dans certains de vos instruments. Maintenant, c'est vraiment utile, aussi. Si tu as, hum, peut-être que juste une partie de guitare qui est 11 spot de c'est super cool. Et vous savez que vous ne pouvez pas vraiment obtenir le bon niveau de fader, Ah, pour que ce soit le bon niveau pour la plupart de la piste. Mais il y a juste une partie que tu veux vraiment sortir. Vous pouvez simplement saisir cette petite section et faire ressortir ce volume juste un peu juste là et cela va vraiment vous aider à créer ces beaux moments spéciaux où vous voulez vraiment que cette partie de guitare éclate vraiment. Mais le reste de la chanson, vous savez que vous voulez que ce niveau de fader soit dit à ce qu'il était avant, non ? Donc, automatiser le volume de chaque piste est un moyen vraiment utile de s'assurer que ah, bonnes pièces sortent fort et peut-être que certaines inondations soient des parties ou quelque chose. C' est un problème ou un peu distrayant ou une sorte de chevauchement les voix un peu trop. Tu peux le laisser tomber là-bas, non ? Hum, et donc c'est un peu la façon la plus simple de penser à l'automatisation dans les conférences suivantes va examiner d'autres options que nous avons et jouer avec celles-ci. Je te verrai là-bas. 38. Plus sur l'automatisation: Hé, étudiants, bienvenue une fois de plus. Ah, nous parlons d'automatisation ici pour rendre votre mix plus dynamique. Et nous avons parlé de l'utilisation de l'automatisation du volume comme un moyen simple de faire ressortir différentes parties de votre piste. Peut-être que certaines pièces, tu sais, doivent être un peu plus fort. D' autres pièces doivent être un peu plus silencieuses, et vous ne pouvez pas tout à fait obtenir ce travail de remorquage avec vos compresseurs de traitement dynamique et vos vannes et quoi de ne pas ? Et vous pouvez simplement utiliser une automatisation de volume simple pour déplacer ces faveurs. Et il n'y a rien de mal à ça. En fait, il y a beaucoup de choses à faire avec ça. Il rend vos micros plus vivants et dynamiques. Mais il y a aussi beaucoup d'autres façons d'utiliser l'automatisation. Je vais juste en passer quelques uns pour te donner un avant-goût de quoi ? Les possibilités sont là. Donc quelques-uns des simples seraient les premiers. On va balancer quelqu'un qui a frappé un pour faire apparaître ma fenêtre d'automatisation. Donc nous allons juste jeter un oeil à notre cloche ici, qui, si je sonne en solo comme ça et comme vous pouvez le voir, c'est dur, qui, si je sonne en solo comme ça et comme vous pouvez le voir, c'est dur, en ce moment. Donc, ce que nous pouvons faire est au lieu du volume, vous pouvez choisir Panoramique. Et maintenant, vous pouvez voir que cette ligne se trouve tout en bas de la zone d'automatisation. Ça veut dire que c'est dur, non ? Je peux créer quelques notes si je voulais faire comme un simple trémolo sur cette région de cloche . Ce que je pourrais faire est de créer une note ici, puis de créer une autre note en haut. Et, euh, tu sais, ça va peut-être aller toutes les trois barres de haut en bas, créer un nœud comme ça et ensuite peut-être revenir en arrière ou quoi que ce soit. Et donc si nous l'écoutons, vous l'entendrez passer d'avant en arrière Maintenant, juste comme ça. Maintenant, je ne veux pas vraiment ça dans cette piste, mais je montre juste que vous pouvez créer un mouvement, hum, sans utiliser une prise de trémolo. Si vous vouliez juste sur une section ondulée, c'est un moyen facile de le faire. Vous avez juste quelque chose bougé d'avant en arrière, donc c'est panique maintenant. Vous pouvez également avoir quelques options à partir de ce menu principal, qui incluent également le pan et le volume. Mais vous pouvez aussi faire l'équilibre solo et muet, et j'utilise solo et muet. J' utilise le solo gauche moins souvent, mais je vais utiliser muet un peu souvent parce que, surtout dans la phase de production, lorsque vous travaillez avec l'audio brut à ce stade du mixage, c'est en fait beaucoup plus facile orteil comme juste découper une section, juste hacher l'audio. Mais juste pour montrer que vous pouvez utiliser muet à votre avantage. Donc ce que je veux faire ici c'est avoir la cloche muette sur la dernière barre du solo de guitare et ça ressemble à ce bas invendu que j'ai cette cloche qui frappe le quatrième temps de barre pour que je puisse juste cliquer et glisser sur cette quatrième barre, et maintenant je peux créer une petite région en sourdine comme ça. Donc, ce que ça fait, c'est qu'il met en sourdine la piste. Donc si j'ai ma tête de jeu avant la piste, tu verras qu'elle est colorée en vert comme ça, et qu' elle n'est pas en sourdine. Et puis quand ma pièce est sur cette section en sourdine, toute la piste elle-même est en fait en sourdine. Ok, donc ça sonnerait comme ça. Et juste comme ça, je veux avoir un peu découpé. Je pourrais le faire comme ça. Maintenant, la seule chose à mentionner lorsque vous faites de l'automatisation avec muet ou solo est de temps en temps vous oublierez que vous avez fait ça. Et, vous savez, vous travaillez peut-être sur votre mix et vous êtes comme, je veux juste rencontrer cette partie ou quoi que ce soit et si vous essayez de le mettre en sourdine ici, je ne peux pas parce que j'ai cette automatisation muette en marche. Et donc c'est confus. C' est comme, non, ce n' est pas sourd parce que vous avez déjà créé un peu d'automatisation, est-ce pas ? Donc je vais juste laisser ça là. Je pense que c'est cool et je veux ma cloche, donc n'ai pas à vous en inquiéter, mais juste ça ne note pas. Vous pouvez oublier que vous avez placé les nœuds d'automatisation et ensuite être vraiment confus. Mais même si vous le faites également avec votre volume, vous avez créé l'automatisation du volume. Ensuite, vous essayez de déplacer votre Fator parce que vous voulez un peu plus fort, puis vous commencez à jouer la piste dans le fader descend. Tu es genre, attends, quoi ? Et puis vous réalisez, Oh oui, j'ai créé une automatisation du volume, donc juste quelque chose à savoir. Vous devrez peut-être frapper un et vérifier et voir. Oh, ouais. Est-ce que j'ai fait de l'automatisation du volume sur celui-là ? Donc juste quelque chose à penser. Ok, donc ce sont quelques-uns des paramètres d'automatisation intégrés ? Allons faire, euh OK, alors allons au verset vers ici, quand je veux faire, c'est créer un effet de filtre comme un filtre passe-bas montant sur le plomb de vers de guitare qui vient ici. Je veux juste avoir un peu une hausse dans un filtre sur ce plomb de vers de guitare. Donc, ce que je peux faire est de cliquer sur cette piste et je peux aller dans ma chaîne. Eq, c'est ça ? Donc nous avons un peu de coupure ici. Tout à fait une coupe importante ici, ainsi qu'un filtre passe-haut filtre à coupe basse en bas. Quand je veux faire, c'est activer ce filtre passe-bas, qui est le sélecteur de filtre le plus éloigné ici sur la droite, et nous pouvons juste le laisser tel qu'il est pour l'instant. Mais si cela n'est pas activé, nous ne pouvons pas en faire. Si on fait de l'automatisation, rien ne se passera. Mais juste pour le regarder visuellement, ce que je vais faire pour ce deuxième verset est d'avoir ce, um, filtre passe-bas commencer comme peut-être juste ici autour de 500 hertz et juste un peu se lever lentement jusqu'à la seconde moitié de le verset. Probablement ce que je veux dio. Ça va juste créer un petit mouvement intéressant juste là au début du verset 2. Alors frappez un apporter mon automatisation. Et maintenant, pour notre paramètre d'automatisation, nous ne choisirons pas le volume Pan mute solo ou quelque chose comme ça. Ce que nous allons choisir est un paramètre à l'intérieur de notre canal e que et que canaliser ce paramètre serait la fréquence de coupe élevée. Ok, maintenant, la fréquence de coupe élevée est la même chose que la fréquence du filtre passe-bas. Ok, coupe haute signifie que tu découpes les hauts. Le passe-bas signifie que vous laissez passer les bas. Donc, vous devez faire un peu de vous gymnastique mentale pour vousrappeler que la coupe haute est la même chose. Le passe-bas va bien ? Mais pour leurs normes de dénomination, ils utilisent la coupe haute, alors choisissez la fréquence de coupe élevée et cela devrait être d'environ 20 000 hertz, ce qui est celui de 19 800. Donc, ce que je voudrais, c'est utiliser mon outil de chapiteau et juste le faire glisser sur toute la longueur de première partie du verset 2 parce que le verset change au verset pour être, euh , vous savez, les tambours entrent et tout. Donc maintenant, si je clique sur cette petite région que je viens de sélectionner maintenant, j'ai deux nœuds. Donc ce que je vais faire, c'est d'entrer et de créer deux autres nœuds, ou au moins une note ici, et je vais le faire descendre à Peut-être qu'on va essayer, genre, 400 hertz ou quelque chose comme ça. Et maintenant ce film, cette fréquence de filtre passe-bas va augmenter, et on va juste ça dans une seconde. Mais juste pour qu'on puisse l'écouter en solo, vérifions tout de suite. droite ? Maintenant, à l' écoute, ce que je sais, c'est que je veux que ce filtre baisse un peu plus. Je veux changer la courbe de l'automatisation, et je veux que toutes ces hautes fréquences soient dans cette petite note de tête juste ici, qui arrive juste ici à la toute dernière barre e veut que cet orteil transitoire ait la pleine balance de fréquence que j'avais mis précédemment, aussi. Faire cette automatisation. Ok, donc je vais déplacer ce noeud juste avant ce transitoire juste ici et ensuite je vais aussi déposer ça un peu, et je peux apporter le début, donc il y a un peu plus d'un mouvement là-bas. Et je veux que ce nœud inférieur se produise avant que ce transitoire ne vienne. Maintenant, je peux aussi changer la courbe de cette ligne, qui est assez cool. Donc, au lieu d'avoir juste des clips linéaires droits, pourquoi est-ce que ça a bougé vers le bas ? On y va. Ce que je veux faire est de rendre cela plus un peu plus algorithmique afin que je puisse appuyer sur t pour lui apporter mon point ou mes outils. Et au lieu de zéro pour l'outil de fondu W est l'outil de courbe d'automatisation. Donc c'est un bon outil, Aiken. Cliquez maintenant sur cette ligne, et je peux changer la courbe pour être vraiment, euh, vous savez, comme une parabole a là, ou je peux la faire aller dans l'autre sens comme ça. Vous pouvez même faire des courbes s, ce qui est un peu soigné. Vous pouvez également faire des courbes s. Mais ce que je veux, c'est une courbe algorithmique comme celle-ci. Je voulais être un peu plus bas au début, puis une sorte de me lever un peu plus rapidement, ce qui crée juste un peu plus d'énergie. Ok, alors écoutons ça, c'est comme ça. Donc maintenant, il se lève, mais il a une sorte de mouvement différent de ce qu'il faisait quand il était juste linéaire. Et je vais aussi raccourcir un peu cette goutte parce que ça semblait un peu anormal. Mais pour ce faire, je dois revenir à mon point ou à mon outil normal. Alors frappez t t et maintenant je peux bouger ça à peu près juste il devrait y avoir bien. D' accord, d'accord. Maintenant, écoutons ça dans son contexte et voyons comment ça sonne. vais à des choses que j'ai remarqué que j'ai laissé tomber ce filtre probablement un peu trop loin. Donc je vais ramener ça à environ 400 hertz, quelque chose comme ça. Et je dois aussi augmenter le volume de cette section et, euh, juste un peu pour faire ressortir ce son filtré un peu plus parce que nous l' avons perdu . OK, donc et c'est un bon exemple d'utilisation de plusieurs paramètres d'automatisation. Donc on va sortir de l'égaliseur de canal. Au lieu de cela, vous allez aller au volume. Et maintenant ce que je peux dio c'est juste créer une chose similaire. Mais ce sera en fait comme l'opposé de cette autre courbe, parce qu'à mesure que les hautes fréquences reviennent, on peut ramener ce volume. Donc ce que je vais faire est que je vais juste augmenter le volume un peu, genre, probablement manger correctement. Il y aura bien, euh, et puis, mais cette fois nous allons faire une ligne vers le bas, et nous allons choisir T W pour faire apparaître notre outil de courbe et créer une petite courbe algorithmique vers le bas comme ça pour faire le contraire de ce que fait le filtre. Alors écoutons ça maintenant. Ciel comme augmente le chemin et écoutons à nouveau que je change cette façon de commencer maintenant. Donc quelque chose comme ça fonctionnera très bien. Je passerais probablement un peu plus de temps vraiment à régler cejuste équilibre, parce que juste équilibre, lorsque nous découpons ces basses fréquences, nous entendons chuter le volume perçu. C' est pourquoi nous voulons aborder cette question avec cette automatisation du volume. Et maintenant, vous pouvez voir que j'ai mon devis, mon automatisation du volume va et vous pouvez voir cette sorte de ligne bleue moins foncée en arrière-plan. Et voilà mon filtre, , Thea, le filtre passe-bas. Et si j'y vais, je pourrais revenir à ce Q. de canalisation et maintenant je peux jouer avec ça mais peut-être vouloir moins d'un son filtré ou quoi que ce soit. Et puis je pourrais revenir au volume, changer ça là pour que vous puissiez juste passer rapidement entre les deux. Vous êtes différents paramètres d'automatisation, et vous pouvez avoir plusieurs paramètres d'automatisation sur chaque piste, sorte que vous pouvez vraiment devenir fou avec cela. Et donc cela montre que, euh, euh, vous pouvez utiliser l'automatisation sur différents paramètres à l'intérieur de n'importe quel des plug-ins. Si j'avais une fiche de distorsion ici, par exemple, comme un concasseur de bits, je pourrais entrer et je peux choisir parmi le connecteur de concasseur de bits, et je peux automatiser ces différents paramètres. Clip de niveau de clip, échantillonnage tondu. Je peux utiliser des lignes d'automatisation pour ces différents paramètres aussi bien, donc vous pouvez vraiment devenir fou avec ça. Et il crée juste un mélange vraiment vivant quand vous utilisez l'automatisation de cette façon, il se sent juste que, um, chaque partie a tous les éléments juste au bon endroit, et il se sent juste comme si c'était un genre de vie et respire un peu plus. Très bien, alors amusez-vous avec vos différents paramètres d'automatisation. Essayez d'apporter à votre mixto la vie un peu plus et des changements subtils. Faites-vous une grande différence ? N' ayez donc pas peur de faire des changements subtils que dans In Summation. Avec tous ces changements subtils, vous remarquerez une grande différence dans la vie de votre mélange. Excellent travail. Je te verrai à la prochaine conférence. 39. L'étape de notes: et bonjour les étudiants. Bienvenue une fois de plus. Donc, à ce stade du mélange, il est temps de commencer à se demander Ai-je fini ? Et cette question simple me causera souvent beaucoup de nuits blanches. C' est difficile de savoir quand un mélange est fini parce que, vous savez, si vous y pensez, il y a toujours quelque chose de plus que vous pourriez faire. Vous pouvez essayer de modifier les paramètres d'une fiche. Vous pouvez essayer, vous savez, différents arrangements et mettre en sourdine différentes choses ou simplement ajouter un petit motif de synthé supplémentaire ou quelque chose comme ça. Alors tu sais quoi ? Je pense que c'est le Vinci qui a dit : Ah, Ah, l' œuvre d'art n'est jamais terminée, seulement abandonnée. Alors peut-être que la question devrait être Puis-je abandonner ça ? Je vais donc vous donner quelques conseils pratiques pour vous aider à déterminer quand ou comment un mélange est terminé dans cette dernière section du cours. Ok, donc le 1er 1 qui discutera ici est de prendre des notes, et cette technique est vraiment puissante et très, très facile à regarder, et de ne pas prendre vos propres conseils ou prendre mes conseils. Mais j'ai découvert que quand j'ai utilisé cette technique, je suis un million de fois plus heureux avec mon mix à la fin de la journée, et ça vous fait économiser beaucoup de folie. Ok, alors quel est le processus de notes ? Le processus de notes est très simple. Ce n'est pas compliqué du tout. C' est juste difficile de te faire faire ça pour une raison quelconque. Et ce que tu fais c'est que tu sors un bout de papier et un stylo. Vous pouvez également utiliser le bloc-notes ici. Si vous voulez le taper sur. Si vous n'avez pas de stylo, de stylo et de papier à portée de main, vous pouvez le faire aussi. Ok, alors tu sors d'un bloc-notes et d'un stylo, et tu peux. Ce que je vais faire d'habitude, c'est d'abord le verset un premier, vous savez, verset de chœur à n'importe quel choeur post-chorus à la panne de pont solo. Il suffit d'écrire les différentes sections et d'avoir un peu d'espace entre les deux afin que vous puissiez prendre des notes pour chaque section. Et alors ce que je vais faire, c'est mettre mon moniteur à dormir Ah, ou simplement fermer les yeux ou autre. Regardez loin. Vous ne voulez pas regarder votre session de mixage parce que regarder votre session mixte sera une sorte de biais. Qu' est-ce que vos oreilles entendent. Si vous regardez et que vous savez que le cours arrive et que vous pouvez voir toutes ces pistes ici , alors vous êtes votre cerveau. pense automatiquement que ça va être plus fort ou ça va être plus excitant. Mais, vous savez, l'auditeur moyen n'est pas ou non, aucun de vos auditeurs ne va regarder votre session mixte, non ? Donc tu ne veux pas nous acheter ce que tes oreilles entendent avec quoi ? Tes yeux. Quoi ? Vos oreilles entendent avec ce que vos yeux voient. Ah, tu veux juste avoir Ah, une sorte d'environnement d'écoute naturel est venu. Donc je vais juste commencer par le début et je vais juste commencer à passer par. Et si j'entends quelque chose qui me dérange ou que je veux changer, je vais juste en prendre note. Alors peut-être que je dis dans le verset 1. Le bassin doit venir un peu, donc juste je vais juste écrire sous le verset un de mes bassins de notes jusqu'au jeu, puis le verset un B entre. Il y a peut-être un petit truc de guitare qui est comme, sorte de flubbed ou quelque chose que je n'avais pas remarqué avant, mais maintenant j'écoute vraiment très intentionnellement. Et je dirai, Oh, vous savez, note de guitare, hors de l'écoute, besoin de réparer. Et la clé est Et la raison pour laquelle c'est en fait une tâche si difficile, c'est tellement tentant de s'arrêter et d'être juste comme, Oh, je vais juste réparer ça de temps en temps je vais recommencer. Mais si vous faites cela et si vous êtes particulièrement si vous réglez le niveau ou quelque chose et que vous savez si vous changez le bassin, vous pouvez trouver que Ok, il est venu là-bas, mais maintenant c'est trop fort dans le deuxième verset ou Quelque chose. Et puis tu oublies que tu as fait ce changement. Et donc quand vous écoutez la deuxième fois et que vous arrivez au verset 2 du synthé de basse est trop fort, vous venez de défaire ce que vous avez fait pour le premier verset et vous abaissez le niveau, et maintenant vous êtes de retour là où vous avez commencé et vous n'a fait aucun changement. Mais ce dont vous avez réellement besoin, c'est de l'automatisation. Le bassin doit être plus fort dans le premier verset, calme dans le second verset. Donc, vous utiliseriez l'automatisation pour résoudre cela. Mais si vous faites juste ces changements rapides, vous oublierez ce que vous avez fait, et vous n'aidez pas réellement la dynamique du mix. C' est pourquoi vous devez simplement jouer de l'avant en arrière sans vous arrêter et faire toutes vos notes. Euh, et tu sais, je le ferais. Alors quoi ? Normalement, je ferais juste le processus complet de lecture, prendre des notes pour chaque section, puis je vais juste aller dans ma liste et faire ces changements. Ok, j'ai trouvé le synthé de basse et le verset un. Ça semblait bien inverse, donc je n'ai pas à faire face à ça. Change-le pour le verset 1. Écartez-le. Et puis j'ai eu un truc bizarre de guitare qui s'est passé dans le verset 1. Vous savez, partie guitare a réglé cette petite partie de guitare ou l'a édité, a édité. Découpez-le. Peu importe. Cochez la liste et il y a une partie vocale qui doit apparaître comme une annonce vocale. Lib doit venir un autre Idlib vocal qui doit descendre et les vérifier hors de la liste. Vérifiez-le de la liste. Alors tu recommences à zéro. Vous créez un nouveau morceau de papier avec toutes les sections dessus, et vous commencez dès le début et vous le lisez à nouveau et vous faites de nouvelles notes parce que maintenant vous avez apporté ces autres modifications. Mais peut-être qu'il y avait plus de choses que vous ne pouviez pas écrire assez vite ou que vous n'avez pas entendu la première fois et vous l'avez entendu la deuxième fois. Donc maintenant, vous avez une nouvelle liste et vous passez à travers et vous retranchez ces choses. Et probablement votre deuxième liste est plus courte que la première parce qu'ils sont vous savez, vous avez déjà abordé des choses, alors votre troisième liste est probablement plus courte que la deuxième liste. Peut-être qu'il y a juste deux choses là-dedans que vous devez changer, et finalement vous arriverez au point où vous pensez, accord, je ne pense pas que je puisse entendre autre chose qui me cause du chagrin, et c'est une bonne indication que vous êtes vraiment, très près de la fin de votre mélange. Si votre liste est super longue et vous savez qu'il a juste un 1.000.000 choses dessus, alors , ok, j'ai certainement besoin de faire plus de travail, et vous pouvez revenir aux autres processus dont nous avons parlé avec la dynamique ou e ou quelle que soit l'automatisation que vous pouvez revenir en arrière, puis vous pouvez enregistrer votre étape de notes pour plus tard . Mais vous êtes probablement prêt pour l'étape des notes à ce stade. Et c'est juste une excellente façon de vous assurer que vous avez attaché toutes vos extrémités lâches et tout ce qui vous dérange, parce que le pire est quand vous tournez dans un mélange et que vous écoutez un mois plus tard et que vous êtes comme, Oh, merdique, ce truc est vraiment ennuyeux. Et je ne l'ai pas entendu parce que je suis assis avec ce mélange depuis une semaine, et je vous ai regardé. Vous seriez surpris de ce que vos oreilles choisiront de ne pas entendre. Si tu travailles , sur quelque chose pour toujours, tu penses juste que tu te débrouilles, tu sais, et c'est bon. Probablement vous êtes le seul à le remarquer, mais vous voulez quand même être heureux avec votre mix, donc la scène des notes est un excellent moyen de passer par votre mix, de le jouer de devant en arrière et de simplement prendre des notes. Cochez les hors de la liste et de votre liste. Tu deviens plus court, plus court et plus court, et tu dois probablement le faire cinq fois et puis, ah, avant que tu le saches. Vous avez résolu toutes les choses qui vous boguent, et c'est tellement plus efficace que de commencer par le début et d'apporter des modifications au fur et à mesure. Parce que, comme je l'ai dit, beaucoup de fois vous allez juste annuler ce que vous avez fait la première fois et vous finissez par ne pas faire de progrès. Ok, c'est aussi important, et je déteste juste harper sur ce sujet, mais c'est aussi important parce que vous devez prendre en considération toute la trajectoire de votre chanson droite, quelque chose qui peut est ennuyeux pour vous si vous êtes en solo sur un nouvel instrument ou que vous écoutez une seule section alors que dans le contexte de la chanson entière, peut-être que cela doit être ainsi, parce que lorsque vous écoutez de front en arrière, c'est un expérience que de faire du vélo à travers un bar du chœur, n'est-ce pas ? Donc, il Zim Porton d'y penser dans le contexte de la chanson entière, et vous devez prendre vos décisions de mixage de cette façon, donc c'est le stade des notes de votre mix. Et comme je l'ai dit, c'est très, très simple tâche. C' est remarquablement difficile de vous motiver à le faire correctement. Tu penses que tu es meilleur que ça. Mais tu ne l'es pas. Vous devez prendre vos notes et les radier de la liste. OK, alors fais ça. Et dans la prochaine conférence parlera du test de voiture et du test des amis et de la famille. D' accord, je verrai leur 40. Exporter votre mélange pour la maîtrise: et bonjour, les étudiants. Bienvenue une fois de plus. Eh bien, nous sommes maintenant à la dernière étape très excitante de votre session mixte, qui prépare votre mix pour le mastering. Et c'est vraiment juste la création d'un nouveau fichier audio que vous pouvez ensuite apporter dans une session de mastering et vous maîtriser ou l'envoyer. Je ne suis pas un ingénieur de maîtrise, pas même un ingénieur de mixage. Mais eso je voudrais toujours Opto avoir quelqu'un d'autre maîtriser ma piste. R Je n'ai pas tout l'équipement matériel que les ingénieurs de mastering pro ont et je viens passer, genre, genre, un mois sur cette piste et je l'ai mélangé moi-même. Et je veux que quelqu'un d'autre le fasse correctement. Ah, mais, euh, toute façon, vous allez devoir leur envoyer Ah, fichier d'onde haute résolution. Donc, je vais juste vous montrer comment exporter votre session de mixage pour le mastering. Maintenant, la première chose dont il faut parler dans cette étape est la longueur de votre chanson. Euh, je veux m'assurer que ma chanson que le projet réel contient toute la chanson et tout ce que je veux dire par ça, c'est pour une raison quelconque de temps en temps, si tu es fin, si ton marqueur final coupe une partie de ta chanson ici. Et tu ne veux pas ça, hein ? Vous voulez que cela finisse juste au moins une barre, quelques barres ou quoi que ce soit après la fin de la chanson. Même chose avec le début de votre chanson, vous pourriez avoir un peu foiré ou autre chose. En outre, si vous avez accidentellement sélectionné votre région de cycle et que vous essayez de rebondir votre chanson, il va simplement rebondir votre cycle. Donc, si j'appuie sur commande être, vous verrez que commencer dans les positions de fin. Bon, 38 bar 38 se termine au Bar 46, on ne veut pas juste rebondir le 1er 2 à droite. On veut rebondir toute la chanson. Et si vous aussi juste pour que vous le sachiez, si vous avez une région sélectionnée comme ça et que vous appuyez sur commande étant que vous essayez de rebondir que ça va juste rebondir cette petite région audio. Eh bien plutôt que votre chanson entière. Donc juste quelque chose à prendre en compte. Assurez-vous que rien n'est sélectionné. Il suffit de cliquer sur une pièce vide. Vous n'avez pas de région de cycle sélectionnée au début et à la fin. Les nœuds sont en fait au début et à la fin de la chanson et que tout votre audio va être englobé par ces marqueurs. Donc j'appuie sur la commande Be, um vous pouvez aussi, si vous savez, pour une raison quelconque, vous pouvez aussi définir manuellement ceci pour que je puisse le changer pour commencer à la barre 8 si je voulais. Bien, mais je veux vraiment commencer em bar 1 et se termine au bar 107 C'est tout à fait bien. Ok, donc quels sont les autres paramètres ici ? Certains sont nerveuses et pas super importants. D' autres sont un peu plus importants, donc nous allons juste les parcourir. Le premier est le sélecteur de destination. Donc le PCM est le genre de haute qualité non comprimé, Um, audiophile et je choisis toujours parmi ces paramètres, hum, fichier d' onde et la résolution 24 bits. Ah, le taux d'échantillonnage. Si vous savez que ça va être, vous allez probablement mettre ça sur Soundcloud de toute façon, éventuellement. Donc, soit 44 1 sur 44 100, vous pouvez faire 96 000, mais c'est un taux d'échantillonnage beaucoup plus élevé . Et, vous savez, ce ne sera probablement pas nécessaire, mais ces air sont les deux plus communs. Mais d'habitude je fais juste 44 1 comme ça avec le type final. Si je maîtrise cela moi-même, inter part. Très bien. Si vous devez le faire pour une raison quelconque, allez dans comme une session d'outil pro plus tard ou vous pensez qu'il pourrait être envoyé à des outils pro. Vous pouvez utiliser le type de fichier split, mais j'utilise généralement juste inter leaved de toute façon. Ah, et avec le dithering, vous n'avez probablement pas besoin de l'utiliser, mais vous voudriez que Teoh utilise un peu de terreur. Si vous avez des enregistrements 24 bits et que vous envoyez cela à 16 bits, vous savez que vous voulez que ces enregistrements 24 bits passent en 16 bits, alors vous pouvez utiliser le dithering. Mais on va utiliser 24 pas de dithering. Ah et ah, nous l'avons fait. Nous avons nos heures de départ et nos heures. C' est très bien. En temps réel et hors ligne. Le mode rebond la plupart du temps hors ligne, ira bien. Surtout si vous avez beaucoup de branchements. Mettre hors ligne peut être préférable car si vous remarquez que lorsque vous jouez attirer votre projet prop se fige souvent que d'utiliser le temps réel peut devenir un problème, mais vous voudriez utiliser le temps réel si vous rebondissez. C' est probablement plus pour la session de production, mais vous voudriez utiliser le temps réel si vous utilisez, comme le midi externe ou les instruments qui ont beaucoup d'instruments de synthé qui nécessitent beaucoup de traitement le pouvoir. Et cela ferait juste en sorte que ce que le synthé fait, il le fait vraiment de temps en temps. Si vous n'utilisez pas le temps du rial et que vous rebondissez comme nous, vous connaissez un très gros fichier de synthé , , un instrument de synthé très puissant. Ça ne fera pas exactement ce qu'il faisait pendant que tu travaillais dessus, si tu sais ce que je dis. Mais à la fin d'un âge mixte, hors ligne est probablement bien que je ne fais jamais. Normalement, je ne fais pas la normalisation ou la protection contre les surcharges sur Lee. Je vais juste le garder parce que j'ai suivi mon projet pendant que je le mélange, vous savez, et je ne reçois aucune coupure. Tous mes niveaux sont inférieurs à zéro décibels, donc je n'ai pas besoin d'utiliser la normalisation. Ce n'est pas mal, mais d'habitude je ne l'utilise même pas. Ok, euh et donc c'est pour notre PCM. Maintenant, si je sélectionne les trois députés, j'ai d'autres options. Parfois, si je suis en train de rebondir et que je voulais aller à MP 3 et les fichiers de façon, je vais l'envoyer au mastering, mais je veux juste avoir une version MP 3 pour moi-même. Comme ma propre démo. Peu importe. Vous pouvez également activer le MP trois. Et vous pouvez choisir parmi certains de ces autres paramètres nerdier à nouveau, vous avez un débit binaire mono dans le débit binaire stéréo 96 1 92 sont assez communs. , Je ne sais même pas ce que l'enterrement,mais le codage des taux est pour être honnête, et j'utiliserai le codage de haute qualité. C' est très bien. Nous n'avons pas besoin de fréquences inférieures à 10 hertz pour un MP 3 de toute façon. Ah, stéréo articulaire. Si vous voulez écrire, i d trois balises ces air comme l'artiste et le nom de la piste. Et de cette façon, il va, vous savez, juste est étiqueté avec les bons paramètres, sorte que vous pouvez aller à vos paramètres et vous pouvez mettre les artistes et le numéro de piste de l'album. Peu importe. Ok, il y a des informations différentes. Droit ? Donc c'est votre député 3. Vous pouvez également choisir de graver un CD ou un DVD Teoh. Je n'ai pas de lecteur de CD, donc c'est bon. Je n'ai pas besoin de m'inquiéter pour ça. La plupart du temps, tous se souciaient ici est le PCM dans ces paramètres ici, mais juste passé par quelques-uns des autres pour vous. D' accord. Ah, et puis tu viens de frapper rebondir, et ça va rebondir ta piste dans un et puis tu viens de frapper rebondir, et ça va rebondir ta piste dans unfichier d'ondes stéréo d'une grande qualité de taux d'échantillonnage élevé et il est prêt à passer au mastering. fichier d'ondes stéréo d'une grande qualité de taux d'échantillonnage élevé et il est prêt à passer au Rendez-vous à la prochaine conférence. 41. BONUS : Merci et prochaines étapes: Hey les gars, je voulais juste entrer et dire, merci beaucoup de vous inscrire à ce cours. J' espère vraiment que ça vous a plu. J' espère que vous avez beaucoup appris. Et surtout, j'espère que vous vous sentirez mieux sortant et en faisant de la musique parce que c'est pour ça que je crée ces cours. Donc, si tu veux rester au courant de ce que je me passe là-bas. Il y a peu d'abord, abonnez-vous à ma chaîne YouTube. Ici, je vais poster des tutoriels gratuits, des interviews de limaces, des critiques de musique, et toutes sortes de trucs amusants. Ensuite, suivez-moi sur Instagram, Twitch, Tiktok, en utilisant cette poignée. Et j'adorerais rester en contact avec vous. Enfin, l'une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour m'aider à évaluer et revoir ce cours. Il aide les autres étudiants qui songent à s'inscrire au cours. Et cela m'aide à m'améliorer en tant qu'instructeur et à améliorer mon prochain cours. Encore une fois, merci beaucoup pour tout et nous vous verrons dans le prochain cours.