Pon en marcha la escritura del guión: todo lo que necesitas saber para escribir tu primer guion

1. Bienvenue au cours !: Dans ce cours, je vais vous montrer la meilleure façon d'écrire votre scénario afin d' augmenter considérablement les chances de production de votre film. Bonjour, mon nom est pur, et vous vous demandez probablement ce qui me donne le pouvoir d' enseigner ce genre de choses. Eh bien, je suis scénariste et réalisateur. Je crois que j'ai réalisé mon premier film en 2004. J'ai obtenu mon diplôme de réalisateur à l'École nationale de cinéma polonaise où les films que j'ai réalisés au fil des ans ont été projetés dans des festivals de films, au cinéma et à la télévision. Ainsi, tout en gérant mes propres projets, je travaille également en tant que consultante. Et j'ai remarqué que le problème communiste auquel sont confrontés de nombreux écrivains concerne essentiellement leur flux de travail. Donc, dans ce cours, je vous guide, depuis le moment où vous avez l'idée de votre film jusqu'à l' écriture de votre première ébauche, nous allons commencer par les cinq piliers de chaque histoire et de leur genèse ensemble sous la forme de votre script. Je vais vous montrer comment préparer l'idée de votre film afin que vous n'ayez pas à vous soucier de regarder une page blanche lorsque vous commencez à écrire. Ensuite, nous allons parler de la structure de votre histoire. Ainsi, vous savez toujours ce qui doit se passer ensuite dans votre script. Une fois que tu auras écrit ton scénario, je veux que tu trouves un producteur qui croira en ton projet. C'est pourquoi je vais vous apprendre à rédiger un package promotionnel pour votre script. Enfin, je vais vous donner quelques conseils et astuces pour explorer votre style d'écriture individuel et aussi comment conserver vos habitudes d'écriture. Tous ces concepts vont être expliqués de manière pratique à l'aide d'exemples tirés de films que vous connaissez probablement déjà. Maintenant, gardez à l'esprit que ce cours a été conçu pour les débutants. Mais je pense également que auteurs qui y ont écrit pour des scénarios trouveront de l'intérêt à systématiser leurs connaissances. Ou ceux d'entre vous qui écrivent déjà, mais dont le scénario n'a pas été produit bénéficieront de la partie où j'enseigne comment emballer votre scénario. Oui, donc oui, en gros, j'ai condensé tout ce qui est utile et absolument crucial pour commencer à écrire dans ce cours vidéo facile à suivre. Mon objectif ici est de vous préparer au succès dans les plus brefs délais. Alors j'espère te voir en cours. 2. Travailler avec vos idées - 5 piliers de chaque histoire.: Merci d'avoir suivi mon cours. Avant de commencer, veuillez noter que les sous-titres en anglais font l'objet d'une relecture. N'oubliez donc pas qu'à tout moment, vous pouvez simplement les activer. Une autre chose est que vous pouvez ralentir ou accélérer le rythme de la leçon si vous le souhaitez. De plus, vous avez des nœuds IV capables d'accéder à chaque leçon dans un fichier PDF. Il s'agit d'un guide que vous pouvez télécharger, imprimer et avoir devant vous pendant que vous regarderez mon cours. Dans cette leçon, je vais vous donner quelques conseils et astuces pour gérer le début de votre processus de création. L'idée est donc que vos films soient de toutes formes et tailles. Parfois, vous commencez à n'avoir qu'une seule scène en tête. Parfois, c'est beaucoup plus abstrait et vous commencerez par le sens de votre histoire ou par une idée de personnage. Peu importe ce que c'est. L'étincelle qui a allumé ce feu créatif. Le plus important est de le protéger. Parce qu'au début, vous ne savez pas vraiment pourquoi vous êtes tellement investi dans cette seule chose dont vous avez envie de faire un film entier. Maintenant, le processus d'écriture va s'illuminer pour vous. Pendant que vous allez écrire votre scénario, vous allez découvrir quelle est la force qui vous a poussé à raconter cette histoire en particulier. Maintenant, je ne vais pas trop parler la source de vos idées, car elle est très différente pour chaque écrivain. En général, ce sont les histoires qui laissent libre cours à votre imagination qui y restent assez longtemps pour stimuler votre créativité. Je suis sûr que vous connaissez ce sentiment lorsque vous êtes confronté une situation qui laisse une empreinte émotionnelle, peu importe qu'elle soit positive ou négative. Si la situation vous a causé un choc émotionnel, votre cerveau va revenir à la situation en essayant de déterminer la réponse optimale, car votre cerveau veut savoir quoi faire si la situation reviendra dans le futur. Maintenant, si vous êtes une personne créative, il arrive que quelque chose de beau en ressorte. Certaines histoires demandent simplement à être racontées. Dans cette conférence, nous allons parler du une page blanche à la rédaction de votre première ébauche. La première ébauche est une version complète de votre scénario. Rédiger votre script consiste essentiellement à combler les lacunes de votre idée originale. Si vous avez commencé avec un personnage, vous devrez comprendre ce qui va lui arriver. S'il s'agit d'une scène, vous devrez déterminer quels sont les personnages qui les personnages qui seront impliqués dans ce cours. Je vais vous montrer précisément quels sont les éléments de base que vous devez prendre en compte. Donc, pour les mentionner brièvement, il s'agit de cinq composants. Vous devrez réfléchir à ce qui va arriver aux personnages. C'est ce que j'appelle un complot. Je vais vous présenter ici des outils tels que les œufs et les séquences qui vont systématiser votre travail. Étape par étape, vous devrez vous demander quelles sont les ambitions des personnages. Et voici la deuxième question que veut-il et quels sont ses obstacles ? C'est le numéro trois. Et ensuite, comment va-t-il changer dans cette lutte, non ? Et enfin, une fois tout cela compris, vous devrez commencer à réfléchir au sens sous-jacent de votre histoire. Si tout cela est nouveau pour vous maintenant, ne vous inquiétez pas, je vais tout aborder dans ce cours. Donc, comme je l'ai dit, lorsque vous commencez à écrire, vous remplissez les trous de votre rangement. Il est tout à fait normal que lorsque vous commencez à écrire, vous n'ayez pas toute l' histoire en tête. Je ne pense même pas que ce soit possible. Ainsi, lorsque vous commencez par, disons, la fin de votre film, vous devez trouver toutes sortes de circonstances qui ont conduit à cette ND en particulier. Et cela ne se fera pas du jour au lendemain. Vous devrez découvrir qui sont les personnages et bien d'autres choses encore. Peu importe où vous commencez, à un moment donné, tous vos scripts, principaux composants doivent être assemblés. Et comme ils sont tous liés les uns aux autres, on ne peut pas travailler sur un personnage sans qu'aucune idée d'intrigue n'émerge. Et vous ne pouvez pas travailler sur des idées d' intrigue sans connaître les personnages et la façon dont ils vont changer. Mais comme je l'ai déjà dit, en écrivant, vous allez résoudre ces problèmes un par un. Mon premier conseil est donc de terminer l'histoire le plus vite possible. Le premier brouillon a pour fonction de vous donner un aperçu de l'histoire. Quand j'écris mon script, je veux le voir dans son intégralité. Je sais que je vais profondément réécrire mon écran. C'est pourquoi je veux que tout soit dactylographié le plus rapidement possible, pour pouvoir bien sûr le corriger lors de la réécriture. Et c'est à peu près comme ça que je fais. Mon deuxième conseil est peut-être encore plus important. Ne vous inquiétez pas, si vos idées vous paraissent moitié cuites lors de la rédaction de votre première ébauche, vous aurez tout le temps et, espérons-le, de bons conseils de la part de vos lecteurs pour résoudre tous les problèmes. Toutes les idées initiales que vous avez ne seront pas nécessairement mises en production. Utilisez donc des supports de table. Ne soyez pas perfectionniste et passez au problème suivant. Votre première ébauche n'est pas une ébauche de production. La troisième chose est que je réduis mes notes au minimum. Une ou deux pages suffisent. Quand j'ai commencé à écrire il y a des années, je prenais des notes désordonnées. J'appellerais cela une période de préparation au cours de laquelle j' écrivais des pages et des pages de notes que j'ai moi-même souvent eu du mal à chiffrer. C'était totalement contre-productif. C'est pourquoi je me suis fixé une règle selon laquelle chaque fois que je note qu'avant de commencer à écrire, cela doit être compréhensible pour d'autres personnes qui ne connaissent rien de mon idée du film. C'est une bonne pratique de le garder propre, même pour vous-même. Toutefois, si vous êtes un scénariste qui a écrit un ou plusieurs scénarios, vous pouvez rédiger un scénario, un synopsis, un traitement ou un plan avant de rédiger votre première ébauche de votre histoire. Il existe des éléments de ce que l'on appelle un kit de production. Ces documents sont des résumés de votre script. C'est quelque chose que vous donneriez à votre producteur afin qu'il puisse collecter des fonds pour votre projet. Je vais t'apprendre à les écrire. Mais ces conférences auront lieu plus tard dans le cours. Je vais d'abord vous apprendre à écrire votre script. J'ai trouvé que c'est extrêmement difficile d'écrire. Le résumé est avant que vous ne sachiez comment écrire votre histoire. Ainsi, ceux d'entre vous qui ont l'expérience peuvent commencer à rédiger un synopsis ou un traitement avant commencer à écrire le script lui-même. Mais si vous êtes débutant, je vous conseille de ne pas vous embêter avec le kit de production avant d'avoir le script que vous voulez pour la cellule. C'est pourquoi vous trouverez ces leçons sur la mise en forme de votre script après les conférences sur la réalité. Très bien. Maintenant, un dernier conseil. Lorsque vous rédigez votre première ébauche, ne vous embêtez pas avec la moyenne sous-jacente, sera au centre de vos réécritures. Pour l'instant Vous n'avez qu'à vous concentrer sur le fait de raconter l'histoire du début à la fin. Et puis, quand vous aurez tout cela, vous découvrirez quel est le moyen sous-jacent. Alors, merci beaucoup de votre attention et à bientôt lors de la prochaine conférence. 3. Qu'est-ce que la narration moderne: Dans cette conférence, je vais simplifier à l' extrême la façon dont la narration a évolué dans la culture occidentale pour vous donner une idée de ce que l' on attend de votre protagoniste, votre héros. J'aime donc penser que la première histoire racontée remonte à l'ère préhistorique. Les chasseurs sont probablement revenus de la chasse et ont voulu impressionner les femmes de la tribu. Ils ont donc inventé des choses sur les difficultés qu'ils ont dû surmonter pour attraper leur proie. De cette façon. Ils sont devenus des héros. Puis, des milliers et des milliers d'années plus tard, en Grèce, ils inventent une tragédie ancienne. C'est quand un personnage se trouve dans une situation où, quoi qu' il fasse, il va perdre. En gros, il se trouve dans une impasse. Ces types de pièces se terminaient généralement par l' entrée en scène de Dieu et la résolution de tous les problèmes. Je suis sûr que vous avez entendu l'expression « ces œufs », McKinnon. Ils descendaient donc, ces acteurs qui incarnaient des dieux sur des câbles. C'est pourquoi c'était une machine. Il fait donc littéralement référence à un bras invisible qui résout les problèmes du protagoniste. Et dans les scénarios modernes, c'est considéré comme une écriture paresseuse. C'est ainsi que l'ère shakespearienne est arrivée avec cette révolution. Désormais, le conflit était en phase terminale. Hero a un problème et n'arrive tout simplement pas à décider quoi faire ensuite. De cette façon, la pression extérieure n'avait pas besoin d'être aussi forte. Et c'est devenu le fondement de la narration moderne. Et c'est à peu près là où nous en sommes maintenant. Cependant, aujourd'hui, j' observe une nouvelle tendance. Vous savez, qui est un antagoniste, non ? Il est un élément évident de notre personnage. Avec les films modernes et sérieux, je constate que le personnage est devenu un antagoniste de lui-même. Et l'anti-Q Rho devient de plus en plus populaire. En tant que scénariste, vous devez écrire un personnage avec un conflit interne, mais aussi lui conférer un défaut qui fait de lui un antagoniste partiel. Il en existe de nombreux exemples dans le cinéma moderne. Des personnages comme Daniel Plainview de There Will Be Blood ou Frank Underwood de House of Cards en sont des exemples plus évidents, non ? Je dirais que l'ambiguïté morale est la nouvelle tendance en la matière. Maintenant que vous comprenez le contexte historique de la naissance du héros moderne, nous pouvons commencer à parler ce qu'est réellement la narration. Rendez-vous lors de la prochaine conférence. 4. L'implication du public est King: L'expérience du public est reine. Vous devez les impliquer dans votre histoire. Maintenant, vous commencez toujours votre histoire de manière totalement neutre, car ils n'ont aucune information sur ce qui se passe. Comme dans la vie. Permettez-moi de vous donner un exemple. Imaginons une situation où quelque chose d' inattendu s'est produit. Imaginez que vous rentrez chez vous à pied un soir d'hiver. Les rues sont désertes et coup, juste au coin de la rue, vous voyez un homme allongé sur le trottoir. Oh mon Dieu. Vous vous dites, vous marchez vers un plan nerveux en vous demandant : qu'est-il arrivé à cet homme ? Peut-être un accident, peut-être qu'il a été agressé. Lorsque vous vous approchez de lui, il devient clair qu'il va bien. Le trottoir était glacé. Il a simplement glissé et est tombé. Vous l'aidez à se lever et c'est tout. Tu dis au revoir. Et vous suivez tous les deux votre propre chemin. Vous êtes libéré de cette situation et vous pouvez continuer votre vie. Le jour suivant. Vous pouvez parler de cet événement à quelqu'un, mais au bout de quelques jours, vous arrêtez complètement d'y penser. Maintenant, c'est ainsi que fonctionnent les histoires. Vous partez de l'insouciance, c' est-à-dire que je marche dans la rue, en m' occupant de mes affaires. Ensuite, vous vous impliquez, oh mon Dieu, qu'est-il arrivé à cet homme ? Ensuite, vous découvrez qu'il ne s' agissait pas d'une situation violente. Et de cette façon, tu es libéré. Vous l'aidez à se lever et il est temps de rentrer chez lui. Il s'agit donc de la structure en trois actes. Dans le premier acte, vous commencez par ne rien savoir de votre public. Vous devez donc leur donner suffisamment d'informations sur la situation pour qu'ils puissent s'impliquer émotionnellement. Vous voulez qu'ils pensent qu'il y a un homme de cornemuse sur le trottoir. Que ferais-je dans ce genre de situation ? Ensuite, quand vous les impliquez comme ça, il est temps de commencer à raconter la véritable histoire, dans cet exemple précis, cet homme va bien, il a juste besoin d'aide pour se lever. Ensuite, vous devez donner à votre public le sentiment d'achèvement. Tu dois leur faire savoir que cette histoire est terminée. Dans mon histoire, c' était le moment de dire au revoir et de partir. Cela fonctionne comme ça. Dans chaque scène, vos personnages vont rencontrer des situations. Vous allez écrire des scènes sur ces situations. Cela fonctionne également de la même manière à l'échelle macroéconomique de l' ensemble de l'histoire. Ce qui signifie que vous allez commencer votre histoire avec le personnage qui ne nous intéresse pas parce que nous ne savons rien de lui. Ensuite, nous le retrouverons dans le deuxième acte. Et puis à la fin, nous obtiendrons la valeur nulle. S'il a obtenu ce qu'il voulait. Vous pouvez utiliser ces techniques avancées de narration, par exemple en modifiant l' ordre chronologique des scènes. Ou vous pouvez raconter la même histoire du point de vue de différents personnages. Mais vous devez toujours commencer par donner à votre public des informations cruciales pour l'impliquer. Ensuite, vous devez raconter l'histoire et leur donner une conclusion, non ? Il s'agit donc essentiellement de la structure en trois actes d' Aristote. C'est très facile en théorie, mais il y a beaucoup de nuances. Le plus difficile est de suivre cette règle et de faire preuve d'inventivité. En même temps. Vous devez donner à votre public suffisamment d'informations pour l' impliquer, mais vous voulez le surprendre de temps en temps. Et c'est là que votre créativité entre en jeu. Il n'existe aucun manuel pour surprendre votre public. Mais c'est important aussi. Continuez à le faire pour les impliquer. Pour étudier cet aspect. Je vous encourage à analyser vos films préférés et à découvrir ce qui les a rendus spéciaux pour vous. Vous pouvez également regarder mes cours sur des films spécifiques. J'ai toujours essayé de montrer comment les scénaristes et les réalisateurs gèrent les attentes de leur public. Merci beaucoup d'avoir regardé ceci et à bientôt lors de la prochaine conférence. 5. Votre personnage n'est pas une personne réelle: Votre personnage, votre protagoniste, ou comme vous le souhaitez. La colonne n'est pas un véritable être humain. En tant que personnes, nous sommes confrontés à toute cette complexité. C'est impossible à capturer dans un film. Nous avons tous ces rêves, ces désirs et tous ces souvenirs. Lorsque vous écrivez, vous devez être extrêmement pointilleux quant à vos personnages, caractéristiques que vous devez mettre en valeur pour raconter votre histoire. Votre personnage est donc une simplification. Vous pouvez choisir un seul de ses désirs. C'est ça. Votre personnage est littéralement son ambition. Peu importe ce que c'est, mais il doit vraiment le vouloir. Et cela doit être inaccessible pour lui au début. D'où les obstacles qu'il doit surmonter. Pour vous donner quelques exemples, dans Todd Phillips, Joker, Arthur veut grandir. Il a grandi physiquement, mais mentalement, il est toujours comme un petit garçon. Il est un obstacle. C'est son état mental. Il aime de façon incontrôlable dans les situations stressantes. C'est le problème interne du personnage, mais il y a aussi les problèmes externes. situation, par exemple, il vit avec sa mère malade et la ville traverse une crise sociale. Son ambition la plus évidente est donc de devenir un comédien respecté. Mais c'est bien plus que cela. Il veut prendre soin de sa mère, trouver une petite amie, etc. Lorsque vous résumez tous ses objectifs, vous vous retrouvez avec lui qui veut grandir et avoir une vie réussie. Ce film est un exemple classique de la façon de construire un personnage. Si vous souhaitez une analyse approfondie de Joker, vous pouvez regarder mon autre cours sur l'écriture de films dirigés par des personnages. Désormais, l'objectif de votre personnage n'a pas besoin d'être si personnel. Il y a peut-être quelque chose à faire. À l'arrivée de Danny Villa et F, des extraterrestres arrivent sur Terre à énormes vaisseaux et d'un seul vaisseau pour communiquer, mais personne ne semble être capable de chiffrer leur langue. Notre personnage principal est le Dr Luis Banks, qui est linguiste et occupe le poste. L'obstacle réside dans le fait que la langue extraterrestre est très difficile à comprendre. Et que le temps presse parce que le monde est au bord d'une guerre nucléaire. Donc, en gros, soit elle va traduire le langage extraterrestre, soit allons-nous tous mourir dans une explosion nucléaire ? Donc, si le personnage n'a pas besoin de changer d'intérieur pour résoudre le problème, nous avons affaire à un film centré sur l'intrigue. Si vous voulez regarder l' analyse complète d'un film sur les flagelles, j'ai également un cours à ce sujet. S'il vous plaît n'interrompez pas le visionnage de ce cours pour regarder les autres. Les cours que j'ai mentionnés seraient très utiles si vous les regardiez après avoir suivi ce cours jusqu'à la fin. Ces deux cours nécessitent les connaissances de base que je vous donne ici. Donc, pour résumer tout cela, la caractéristique la plus importante de vos personnages est ce qu'il veut. Il n'est pas nécessaire que ce soit positif. Il veut peut-être quelque chose de terrible pour aider votre public à se soucier de savoir à quel point il le veut. Et c'est la chose la plus importante à retenir ici. Merci beaucoup de votre attention et à bientôt lors de la prochaine conférence. 6. Ne pas spam votre audience: Jusqu'à présent, nous avons parlé de la création du personnage. J'ai mentionné que vous devez donner à votre public des informations sur le personnage afin de l' impliquer émotionnellement. Vous voulez qu'ils le soutiennent ou contre lui si son plan est vicieux. Quelle que soit l'idée du personnage, vous ne devez lui donner que les informations les plus importantes, rien de plus. Vous ne pouvez pas spammer votre public avec des informations qui ne font pas partie de l'histoire. C'est pourquoi je n'écris jamais ce que l'on appelle l'histoire du personnage. Pour ceux d'entre vous qui ne le savent pas, il s'agit d'un exercice que vous pouvez pratiquer avant de commencer à écrire. L'idée est donc de laisser libre votre imagination en rédigeant une biographie de votre personnage. Donc, en gros, vous écrivez tout ce qui vous passe par la tête à propos de ce personnage. Des événements de son enfant, souvenirs de sa relation avec ses parents, tout ce que vous voulez, et puis vous finissez par ne pas en utiliser la majeure partie. J'ai trouvé que c'était une perte de temps car la plupart de ces informations ne sont pas pertinentes. L'histoire. Hein ? Maintenant, comment différencier ce qui est important ou non ? Il existe deux critères. La première est simple. Vous vous demandez si ces informations sont cruciales. Si vous créez un personnage comme Arthur de Joker, vous pouvez le montrer dans un certain nombre de situations pour décrire ses objectifs. Nous avons donc une idée claire de sa quête pour grandir, non ? Vous devez prendre le temps de le montrer au travail, montrer sa relation avec la mère. Nous pouvons voir son désir de trouver une figure paternelle. Maintenant, vous pouvez avoir personnage encore plus compliqué que celui-ci, celui qui comporte deux phases. Prenons l'exemple d' olive Kate Rich de la mini-série HBO. À l'extérieur, c'est une femme très froide et désagréable, mais à l'intérieur, elle a un code moral très strict et souhaite du bien aux autres. Ainsi, lorsque vous construisez votre personnage, vous devez montrer ces fonctionnalités dans des situations spécifiques. Vous devez utiliser l'action pour présenter votre personnage au public. Vous pouvez le compléter par le dialogue, mais l'essence de votre introduction doit être l'action. Le deuxième critère pour déterminer quelles informations sont cruciales pour raconter une histoire est de ne pas se répéter. Cela peut sembler basique, mais ce n'est pas le cas. C'est une erreur courante commise par les scénaristes. Lorsque je travaille avec d'autres rédacteurs en tant que consultant, je le vois beaucoup. Et je leur dis toujours que vous devez identifier les caractéristiques les plus importantes de votre personnage et éliminer toutes les scènes qui semblent répéter les mêmes informations. Cela peut parfois être délicat. Reprenons l'exemple du Joker une fois de plus. Imaginez qu'au début du film, notre tournée soit consacrée à une activité supplémentaire, le Nika, un sport dans lequel il pratiquerait Nika, un sport dans lequel il pratiquerait basket dans son quartier. Imaginons une scène où il approcherait des gars jouent sur le terrain et leur demanderait s'il peut participer. Puis, en jouant, il riait de façon incontrôlable quand elle recevait le ballon. Supposons que les autres joueurs de Tell him to leave le rejettent, même s'il leur parlait de son état même s'il leur parlait de son état de santé. Maintenant, je peux imaginer une telle scène dans ce film, sans problème. Cette scène montrerait qu'il ne s'intègre pas dans la société. Cela pourrait être une bonne scène, mais nous avons déjà une scène qui a la même fonction. Je ne sais pas si vous vous souvenez qu' au début, il y a une scène où il fait rire un enfant dans le bus. Et puis la mère lui dit de reculer. Il se met à rire de façon incontrôlable, et tout le monde dans le bus le déteste pour cela. Ces deux scènes semblent différentes à première vue, mais au fond, elles parlent de la même chose. Son incapacité à se fondre dans la société. Quand on en a deux, ça ressemble à peu près à la même chose. Worm doit partir. J'adorerais voir le Joker Slam Dunk in the Bowl, mais je sais que ce serait un film complètement différent. Maintenant, dans Joker et tout, si Keith atteint, vous en apprendrez beaucoup sur la vie personnelle des personnages. Il n'est pas nécessaire que ce soit comme ça. Si le principal problème du film est, disons, comprendre le langage des extraterrestres, vous n'avez pas besoin de donner à votre public beaucoup d'informations sur le personnage. À l'arrivée. Le Dr Lewis Banks est le meilleur linguiste d'Amérique. Vous n'avez donc pas besoin d'en savoir beaucoup sur qui elle est pour lancer l'histoire. Tout ce que vous devez savoir au début c'est qu'elle mène une vie solitaire et qu'elle se lance dans une mission de compréhension d'un langage extraterrestre. C'est ça. Pour vous donner un autre exemple, parlons de mon histoire d'un homme allongé sur le trottoir, que je vous ai racontée lors de l'une des conférences précédentes. Avez-vous remarqué que je ne vous ai absolument rien dit sur l'endroit où j' allais ou où je me trouvais parce que dans cette situation, cela n'a aucune importance. Un étranger en a trouvé un autre sur un trottoir. La question est de savoir ce qui est arrivé aux hommes allongés sur le trottoir. Dans cette situation, cela suffit pour lancer l'histoire. Donc, pour récapituler tout cela, seules les informations cruciales devraient se retrouver dans le scénario. C'était la conférence sur l'économie de votre narration. À la prochaine. 7. De mauvaises choses vont arriver à votre personnage: Lorsque votre histoire commence, votre personnage traverse généralement une sorte de crise et il veut s'en sortir. Peut-être veut-il gravir les échelons de la société ou résoudre un problème qu'il a. Donc, juste après avoir présenté sa situation, vous devez lui présenter des événements qui aggraveront sa vie par rapport à ce qu'elle est déjà. Ces événements sont appelés tournants. Peut-être perdra-t-il son emploi dans Joker, peut-être découvrira-t-il qu'il est atteint une maladie en phase terminale, comme dans Breaking Bad. Ce sont des situations très stressantes, mais elles peuvent aussi être moins dramatiques. Tout dépend de l' histoire que vous racontez et du genre de votre film. Dans la comédie romantique, par exemple, il peut s'agir d'un moment où un garçon perd la fille qu'il aime. La règle est que les tournants doivent être problématiques pour notre caractère. Si vous écrivez le tournant où les problèmes sont résolus pour lui, c'est considéré comme une variété et c'est aussi considéré comme de la vieille école. Vous vous souvenez sûrement que lorsque je vous ai parlé Ex Machina, la main invisible des dieux, on avait tendance à résoudre tous les problèmes du personnage sans son intervention, mais ce n'est plus le cas aujourd'hui. N'oubliez pas que nous le considérons comme un héros pour une bonne raison. Nous voulons le voir surmonter les obstacles et mettre de l' ordre dans le chaos de la vie. Maintenant, permettez-moi de le répéter car c'est crucial, les tournants sont étroitement liés aux obstacles. Votre protagoniste, quelque chose comme ça, mais il va devoir se battre pour l'avoir. partie la plus importante de votre film concerne les scènes où votre personnage surmonte des obstacles. La satisfaction de votre public est le voir se battre pour son bonheur. Donc, quand on regarde les choses sous cet angle, les points tournants sont les revers auxquels il devra faire face pour obtenir ce qu'il veut. Désormais, le nombre de points de retournement dans chaque coque est limité . Nous approfondirons cette question dans une conférence sur la structuration à l'aide de séquences plus loin dans ce cours. Merci. 8. Il va apprendre sa leçon (ou non): Nous avons déjà établi que votre protagoniste, une fois quelque chose se heurtera à des obstacles sur son chemin. Parlons maintenant de la découverte de soi de votre personnage. Il existe une autre couche de narration dont vous devez être conscient. Imagine ça sur le chemin pour obtenir ce qu'il veut. À un moment donné, il comprendra qu'il veut diriger un thème, qu'il y a quelque chose de bien plus important que son ambition initiale. Et que tous les efforts qui ont été déployés pour obtenir ce qu'il voulait étaient en fait le processus qui lui a permis de découvrir ce dont il avait vraiment besoin. Je veux que vous compreniez que ce qu'il veut au début est bien moins important pour l' histoire que ce dont il a besoin. Commençons par l'exemple le plus simple possible. Les comédies romantiques, où un garçon tombe amoureux d'une fille, c'est hors de sa catégorie. Maintenant, cela fonctionne de la même manière pour les deux sexes. Vous pouvez aussi avoir une fille qui était autrefois un garçon populaire. Mais prenons l'exemple d'un homme ordinaire qui essaie d' attirer une femme de haut statut social. Maintenant, je n'ai pas d'exemple précis à portée de main car je n'ai pas regardé de comédies roms ces dernières années. Mais vous avez probablement vu ces films où un garçon essaie de faire en sorte que la pom-pom girl tombe amoureuse de lui tout en ignorant la fille d'à côté, lui conviendraient parfaitement. Dans ce genre de films. Souvent, la fille d'à côté aide le garçon dans son aventure amoureuse en tant qu'alliée. Ils tombent généralement amoureux au cours du processus. Alors, à un moment donné, un garçon découvre qu'il ne s'intéresse plus à la pom-pom girl, veut établir le véritable lien qu'il entretient avec la fille d'à côté, non ? Dans cet exemple simple, la pom-pom girl est ce qu'il veut. Il l'aime bien parce qu'elle est jolie et populaire. Et les autres gars de l'école aussi. Il la veut donc pour de mauvaises raisons. Notre personnage poursuit ce qu'il veut. Et pendant qu'il fait cela, il découvre que ce dont il a besoin, c'est la fille d'à côté avec qui il entretient un véritable lien émotionnel. Il est plutôt superficiel ou superficiel. Ses besoins sont enracinés dans son émotivité. C'était donc un exemple théorique de comédie rom au lycée. Examinons maintenant un film plus récent, Joker. Au début, il veut s'intégrer dans la société en tant que clown. Il veut apporter de la joie et du rire aux gens. Mais au cours de l'histoire, il s'avère qu'il est plus enclin à apporter violence et destruction aux gens. Il s'avère que chaque fois qu'elle veut être un bon gars, il échoue lamentablement. Mais chaque fois qu'il commet un crime, les gens le remarquent comme quelque chose de positif. Par conséquent, Joker découvre que son véritable destin et le chemin du bonheur sont la violence D, n'est-ce pas ? Ce n'est en aucun cas un message positif adressé au public, mais c'est ce que c'est. Le résumé informatique. L'ambition de domaine de votre personnage passera de ce qu'il veut à ce dont il a besoin. Ce dont il a besoin est bien plus important que ce qu'il veut. J'irais même jusqu'à dire qu'obtenir ce qu'il veut n'a aucun impact sur la fin de l'histoire. Mais nous en reparlerons plus en profondeur lors de la prochaine conférence. 9. Le public ne se fiche pas s'il obtient ce qu'il veut: Votre public ne se soucie pas de savoir si votre héros obtient ce qu'il veut, soucie uniquement de savoir s'il obtient ce dont il a besoin. Cette décision à elle seule aura un impact sur la fin de votre film. S'il obtient ce dont il a besoin, votre film connaîtra une fin heureuse. S'il ne le fait pas, ce sera une tragédie. Par exemple, parlons de notre hypothétique comédie romantique sur un garçon et une fille d'à côté. Si à la fin de ce film, ils tombent tous les deux amoureux l'un de l'autre, ce sera une pure API ND. Il n'a pas obtenu ce qu'il voulait au début, qui dans ce cas est une petite amie pom-pom girl. Mais il a gagné quelque chose de bien plus précieux. Il est tombé amoureux de la fille avec laquelle il a un véritable lien. C'était l' exemple le plus évident d'une fin heureuse. Examinons maintenant l'exemple opposé. Le personnage qui a obtenu ce qu'il voulait mais qui n'a pas obtenu ce dont il avait besoin sera Blood de PT Anderson. Le personnage principal est Daniel Plainview, un pétrolier. Il veut être riche. Ce dont il a besoin, c'est d' être un père de famille, un père pour son fils. À la fin, il obtient ce qu'il veut. Il devient très riche, mais il devient aussi un homme brisé. Il aliène son fils pour avoir ouvert sa propre entreprise, devenant ainsi son concurrent. Il devient un ivrogne solitaire alors qu' dort sur une pile d'argent. C'est une tragédie classique. Il a pris conscience de ses besoins, mais n'a pas vraiment pu se transformer pour obtenir ce dont il avait besoin. Maintenant, ces deux histoires sont des exemples très classiques. Pour moi. Le moment le plus extraordinaire mon parcours de scénariste a été lorsque j'ai réalisé à quel point le désir est insignifiant car lorsque l'on découvre le besoin du protagoniste, son ambition première semble complètement complète. insignifiant. Maintenant, il y en a beaucoup de nouvelles. Votre fin n'a pas besoin d'être heureuse à 100 %. Toute ambiguïté est bonne. Si je veux être honnête, tout dépend du genre de ton écriture. Dans les comédies romantiques, la fin est heureuse à 100 %. Dans le cinéma d'art et d'essai, même s' il se termine bien, les personnages devront supporter une sorte de fardeau pour toujours. Le plus important est de ne pas embrouiller votre public lorsqu'il est temps de le libérer de votre histoire. Si vous vous souvenez quand je vous ai dit que votre travail était de les aider à tourner la page, n'est-ce pas ? La fin doit être claire pour savoir si votre personnage a obtenu ce qu'il voulait ou ce dont il avait besoin. Mais ce que tout cela signifie peut être ambivalent. Par exemple, je dirais que dans Joker, la fin heureuse est amère et mutualiste. Regardons donc de près la fin. Arthur n'a pas obtenu ce qu'il voulait. Il n'a pas pu s' intégrer dans la société. Cependant, il a découvert que sa véritable vocation est la violence et s'est transformé en ce méchant. C'est pourquoi, à la fin, lorsqu'il est enfermé, il marche joyeusement vers le coucher du soleil pendant que Frank Sinatra chante une chanson joyeuse. Il a obtenu ce dont il avait besoin. C'est donc une fin heureuse. Cependant, l'ambiguïté vient du NIC, message réaliste du film. Je suis sûr qu'en tant que membre du public, vous ne considérez pas la violence comme un bon moyen de résoudre les problèmes. Il y a donc un décalage entre votre expérience humaine de la vie en société et ce qui vous a été montré dans ce film. La fin est ambiguë au point de laisser penser que le message du film est bon quand il est diffusé. Maintenant, Joker est un film à succès sur un personnage de bande dessinée. Et je suis sûr que la plupart des spectateurs n'y ont jamais pensé, c'est-à-dire sérieusement. Dans les films à succès, il est normal que la plupart des trois spectateurs, ces films soient considérés comme du divertissement et ignorent le sens. Cependant, lorsque vous réalisez un film d'art et d'essai et que vous prévoyez de le diffuser dans des festivals, vous devez de l'ambiguïté de la fin attendue. Merci d'avoir regardé. Rendez-vous lors de la prochaine conférence. 10. Meilleur logiciel (et gratuit): À ce stade, vous savez, quels sont les éléments les plus importants de l'histoire ? Ils sont au nombre de cinq. Et j'ai parlé du centre commercial. Il y a d'abord l'intrigue et toutes ces choses vont arriver à votre personnage. Cela commence par sa situation. Quand tu commences à raconter ton histoire. Ensuite, vous avez l'ambition de votre personnage, c'est ce qu'il veut. Un autre élément concerne les obstacles qu'il doit surmonter pour obtenir ce qu'il souhaite. Et puis sa transformation, sa découverte de ce dont il a vraiment besoin sont très importantes . Et puis le cinquième élément est le sens sous-jacent de l'histoire. Alors, lorsque vous savez tout cela, c'est le bon moment pour vous familiariser avec les outils nécessaires pour rédiger votre formulaire. Il existe des programmes spécialement conçus pour vous faciliter la tâche. Mon conseil est de ne jamais utiliser Microsoft Word ou tout autre éditeur de texte. C'est un objectif général pour écrire votre script. scénarios ont un format spécifique. Et si vous utilisez un éditeur de texte polyvalent, vous allez passer beaucoup de temps formater plutôt qu'à écrire. Maintenant, dans ce cours, je partage avec vous le programme que j'ai utilisé pendant mes dix premières années d'écriture. Il s'agit d'une version gratuite de Celtx. Il s'agit d'un programme autonome que vous pouvez télécharger sur Internet et installer sur votre ordinateur. Vous utiliserez une ancienne version de Celtx. La dernière version que vous pouvez trouver est Celtx to 97. Il existe également une version pour les ordinateurs Apple. Si vous avez un Mac, il suffit de le rechercher sur Google et je suis sûr que vous le trouverez quelque part sur Internet. Si tu veux. Plus d'instructions sur la façon de configurer votre projet et d'autres conseils et astuces découlant de l'utilisation du programme pendant plus de dix ans. Veuillez consulter mon cours sur Celtx. Il dure environ 1 h et explique en détail comment utiliser le programme. 11. Combien de points de virage ? Structurer avec des séquences: D'accord, vous connaissez l'intention et les obstacles de votre protagoniste. Vous savez également que ce qu'il veut va se transformer en ce dont il a besoin. Donc, en gros, vous savez que du début à la fin , l' histoire connaîtra des changements appelés tournants. Vous vous demandez probablement de combien d'entre eux vous en avez besoin et à quelle fréquence l'histoire devrait changer de direction. Eh bien, cette conférence porte sur la structuration de votre script avec des séquences afin de vous donner un aperçu de cette théorie des séquences. Il y a quelques décennies, quelqu'un de très intelligent remarqué que l'expérience cinématographique la plus optimale dure environ 2 heures maintenant et qu'elle a un point tournant toutes les 15 minutes. Cela nous donne huit séquences dans un film de 2 heures. Maintenant, voici la chronologie d'un film typique. Ces marques constituent ici les tournants. C'est vraiment un ajout à la structure en trois actes dont nous avons parlé dans les conférences précédentes. Le premier acte, ce sont les premières séquences, nous rencontrons notre personnage en crise. Il reconnaît qu' il manque quelque chose dans sa vie et il veut quelque chose. Comme je vous l'ai déjà dit, cette situation est très grave. Le premier tournant, c'est lorsque le précurseur du changement arrive et dit : « Allons changer de vie ». Faisons le voyage pour obtenir ce que vous voulez d'habitude, alors notre personnage dit au Herold qu'il n'est pas prêt. Hein ? Puis, dans le deuxième acte, les choses ne font qu' empirer. La situation devient insupportable et il n' a pas d'autre choix que de partir en voyage. Nous parlons du voyage d'une manière très symbolique. Il n'a pas besoin d'aller littéralement n'importe où. L'important est qu'il essaie de résoudre activement son problème. La décision de faire quelque chose pour remédier à sa situation marque le début du deuxième acte qui dure quatre séquences. À cette partie du film, la tension monte et le personnage essaie différentes approches pour obtenir ce qu'il veut. Maintenant, nous allons parler du passage de ce qu'il veut à ce dont il a besoin. Pendant qu'il éprouve des difficultés, il se rend de plus en plus compte qu' il doit poursuivre quelque chose de bien plus important. Ceux qu'il avait auparavant deviennent une représentation superficielle de ce dont il a réellement besoin. Et au moment où l'histoire porte davantage sur ce dont il a besoin que sur ce qu'il veut. C'est ce qu'on appelle le milieu, exactement le milieu du film. C'est généralement le moment du film où notre héros affronte le bras droit de son ennemi. Habituellement, dans cette confrontation, il perd misérablement. Et c'était une double volonté qui l'amènerait à repenser sa stratégie. Quoi qu' il en soit, à partir du milieu , son besoin deviendra plus évident et dirigera l'histoire jusqu' au deuxième point culminant qui mettra fin au deuxième acte. C'est le moment où notre héros se bat avec son adversaire. C'est la fin de la sixième séquence. À cette époque, notre héros a changé et il revient maintenant de son voyage métaphorique. Le troisième acte contient les deux dernières séquences où nous, le public, apprenons s' il s' agit d'une tragédie ou d'une fin heureuse. Cela dépend uniquement de savoir s' il a obtenu ce dont il avait besoin. C'était donc l'approche séquentielle. En résumé, encore une fois, il y a beaucoup de nuances à cela. J'ai un cours où j'étudie de manière approfondie le fonctionnement de chaque séquence. Sur l'exemple du film Joker. Je trouve que ce film est un excellent exemple classique d'approche séquentielle. Maintenant, vous pensez peut-être que cette approche structurelle peut sembler un peu bloquante. C'est parce que vous n'avez pas encore commencé à écrire et que vous êtes censé planifier à l'avance. Vous pouvez avoir l'impression que cela vous ôte le plaisir de la créativité. Eh bien, mon conseil est d'écrire votre scénario de manière intuitive. C'est comme ça que je fais quand je commence un nouveau film, le plus important est de m'amuser en écrivant. C'est pourquoi je ne recommande pas de trop réfléchir à la structure de votre histoire avant de commencer à écrire. Cependant, l'approche séquentielle est idéale lorsque vous rencontrez des problèmes. C'est un excellent outil pour prendre du recul et regarder l'histoire d'un point de vue. L'approche séquentielle peut vous donner une idée de ce qui devrait se passer ensuite. Maintenant, l'approche séquentielle peut sembler compliquée au premier abord, mais après un certain temps d'utilisation, elle devient une seconde nature. Tu développeras une intuition. Et à un moment donné, vous n' aurez plus besoin d'utiliser des diagrammes ou des tableaux pour utiliser cette méthode. Je le recommande vivement, surtout si vous souhaitez écrire des films destinés à un public plus large. Merci d'avoir regardé. 12. Deux forces qui stimulent l'action en avant: Lors d'une conférence précédente, je vous ai expliqué comment le changement des personnages fait avancer le film. L'idée est que dans la plupart des films, nous devons suivre le personnage principal. Il ou elle est la prison dans laquelle nous regardons l'histoire et évaluons les scènes. Si notre personnage souffre, nous le considérons comme négatif. S'il est content, nous y voyons une victoire. En tant qu'écrivain, vous devez également définir ce qu'il veut. Notez que ces caractéristiques sont toutes très personnelles à notre personnage, car vous devez le montrer de manière à orienter votre public vers lui. Le plus important est de leur faire ressentir de l'émotion. C'est donc la première force qui anime votre film, l'empathie que votre public éprouve pour votre personnage principal. Maintenant, il y a une autre option. L'action elle-même peut être à l'origine du film. Dans ce cas, vous n'avez pas besoin de créer des personnages détaillés. Tout ce que vous avez à faire est de définir que les enjeux sont très élevés. Si vous écrivez un film d'action, vous n'avez pas besoin d'avoir un personnage avec Strong Want and meet. Dans des films comme Die-hard, les terroristes attaquent la ville et la seule personne qui peut les arrêter est un bref policier incarné par Bruce Willis. Maintenant, ses désirs et ses besoins sont assez évidents. Et il n'a pas besoin de changer non plus, car son objectif est de sauver la ville et de capturer les terroristes. Un autre bon exemple est le film que j'ai déjà mentionné dans ce cours. À l'arrivée, peu importe qui est le Dr Lewis Banks. Sa mission est de trouver un moyen de parler aux extraterrestres. Et c'est ce qui fait avancer le film. C'est ce que nous appelons des films axés sur l'intrigue, par opposition à des films dirigés par des personnages. Donc, chaque fois que vous avez événement ou un problème qui n'est pas très personnel au personnage. Vous êtes probablement en train de regarder. Un complot est tombé. En gros, cela dépend toujours du genre du film que vous réalisez. Les films d'action ou d'horreur sont très souvent bien ficelés. La principale caractéristique à cet égard réside dans les enjeux très élevés. C'est également très universel. Si c'est une horreur, lorsqu'un groupe d'enfants fuit un tueur en série, nous n'avons pas besoin de savoir qui ils sont. Ils veulent juste leur sauver la vie. Ça suffit. Si vous voulez apprendre à écrire des films prélevés sur le sang, vous pouvez regarder mon analyse de l'arrivée, où je décompose le film en séquences et vous montre comment scénariste et réalisateur a réussi à raconter l'histoire. Rendez-vous lors de la prochaine conférence. 13. Découvrir le sens de votre histoire: Nous avons discuté de la façon dont le personnage change au cours du film, façon dont il reconnaît l' importance de ses besoins cachés. Au début, il n'est pas au courant de sa rencontre cachée. L'essence de votre film est le processus de découverte dont vos personnages ont besoin. Maintenant, le besoin caché de votre personnage est étroitement associé au sens caché de votre satiété. C'est le dernier et le plus important élément de votre histoire. abord, parlons de la signification de votre film. Je suis sûr que vous vous souvenez d'histoires pour enfants racontées lorsque vous étiez très jeune. Il y a toujours eu un moral bas. Par exemple, ne faites pas confiance à des étrangers , ne suivez pas votre intuition , ou ne jugez pas quelqu'un uniquement sur son apparence physique. Comme toujours, je vais vous donner un exemple. Il y a l'histoire d'un lapin et d'une tortue effacés. Le lapin perd car il est tellement confiant dans sa victoire qu'il fait une sieste avant la ligne d'arrivée. Je dirais que cette histoire nous incite à ne pas sous-estimer nos adversaires. Maintenant, le sens doit être masqué. La façon dont fonctionne notre psychologie humaine est que le message a d'autant plus d'impact s'il est raconté sous la forme d' une histoire sur le personnage que nous soutenons, et non sous la forme d'une phrase logique et abstraite. Dans la plupart des films, le sens est caché et sujet à interprétation, en ce sens que vous ne devez pas mettre les mots de votre sens dans le dialogue du point de vue du public. Cela devrait être le cas et verbaliser le sens de votre histoire. La meilleure façon d' exprimer le sens de votre histoire est de la présenter comme une réponse du monde aux actions de votre protagoniste. Cependant, lorsque vous écrivez votre script, vous devriez être capable de verbaliser vous-même le sens caché. Le sens ne doit être caché qu'à votre public. Quand tu travailles. Tu devrais savoir exactement ce que c'est. Vous devriez également être en mesure de réduire le sens de votre histoire à une phrase. Maintenant, je sais que votre film parle de tellement de choses. Je sais. Je ne dis pas que ce n'est pas le cas. Ce que je te dis de faire, c'est d'en choisir un. Et le plus important pour toi, c'est d'essayer de le résumer en une phrase. Laissez-vous guider dans votre travail par cette phrase. Je vais vous donner quelques exemples de ce type de phrases. Commençons par l'arrivée. La vie vaut la peine même si parfois ça fait mal. Maintenant, vous vous souvenez qu'à notre arrivée, nous commençons par le personnage du Dr Lewis Banks qui vit sa vie loin des gens. Elle est douée dans ce qu'elle fait. Mais dès le début du film, on a l' impression qu'elle n'est pas impliquée dans la vie et qu'elle est très seule. Et à la fin, tu la vois embrasser la vie. Joker est un autre exemple. Cette fois, je vais commencer à en parler du point de vue du personnage. Au début, Arthur essaie de s'intégrer dans la société. Il essaie de faire de bonnes choses. Il prend soin de sa mère, ses clowns dans les hôpitaux, et ses efforts ne sont pas appréciés. Il est piégé dans cette société impitoyable. Ce n'est que lorsqu'il commet des crimes qu'il découvre que les gens semblent le savoir. Permettez-moi de le répéter. Il n'est apprécié que pour ses crimes. Donc, je pense que le Joker signifie que Filers vous libère. Le personnage se veut humaniste, mais il échoue. Puis il découvre qu'il est mutualiste et psychopathe dans son cœur. Arthur en est donc récompensé par la société. Il a donc besoin d'être violent. Arthur ayant réussi à prendre conscience son rôle dans les actes de violence, le film se termine par une fin heureuse. Joker est un bon exemple pour vous montrer comment nos outils s'adaptent autrefois à ses besoins. Donc, en gros, son humanisme a été remplacé par le néoréalisme. Et l'histoire s'est terminée par une fin heureuse. Parce que le scénariste a voulu mettre en évidence le sens mécaniste de cela. La violence à mesure que vous êtes libre. Alors voilà. C'est le sens de la violence du Joker quand on est libre. Quoi qu'il en soit Ces deux exemples de Joker et Arrival avaient des pensées assez simples comme des humeurs cachées. Vous pouvez être beaucoup plus complexe. Le chef-d'œuvre de PT comprend le titre. Il y aura du sang, il pensée bien plus complexe. Je pense qu'il y aura du sang signifie que l'argent et la religion sont toutes deux perdantes si vous aimez le pouvoir. Maintenant, remarquez que j'ai quand même réussi à le simplifier en une seule phrase. Mais l'idée sous-jacente est bien plus complexe. Le film compare l'empire pétrolier de Daniel Plainview à l'empire religieux de son ennemi Eli. Les deux hommes ont obtenu ce qu'ils voulaient mais ils ont très mal fini. Ils ont tous deux acquis de l'argent et pouvoir et n'ont pas réussi à obtenir ce dont ils avaient besoin, soutien émotionnel de leur famille. Le film nous montre qu'être déterminé et psychopathe peut vous donner du pouvoir et de l'argent, mais que cela ne vous donnera pas une vie heureuse. Peut-être pourrions-nous simplifier encore davantage cette phrase. Qu'en est-il de l'argent et du pouvoir ? Est-ce que les deux perdent des gains qu'il n'y paraît encore plus simple ? D'accord ? Vous en connaissez donc le sens. Parlons maintenant du processus de découverte du sens de votre histoire lors de l'écriture. Parfois, vous avez votre sens caché dès le début de votre écriture. Mais dans la plupart des scénarios, cela vous viendra plus tard. Il va falloir le découvrir. Quel est donc le meilleur moment pour découvrir le sens de votre histoire ? Je dirais qu'une fois que vous avez rédigé votre première ébauche, votre histoire est dactylographiée dans son intégralité. C'est le moment idéal pour décider quelle mise en miroir est la plus importante pour vous. À ce stade, votre histoire peut signifier plusieurs choses. Vous vous souvenez de l'histoire, The Fable, que je vous ai racontée à propos la course entre un lapin et une tortue, n'est-ce pas ? Je vous ai dit que pour moi, il s'agissait ne pas sous-estimer votre adversaire. Mais cela peut aussi signifier que la constance l'emporte avec un talent naturel. Pourquoi pas ? Comme vous le savez, la tortue n'a pas abandonné même lorsqu'il a perdu le lapin de son côté. Peut-être que cette histoire parle de toujours espérer gagner, même si tout le monde doute de vous, non ? Donc, comme vous pouvez le voir, est une histoire très simple. Et juste comme ça, nous avons ces trois options. Dans ton scénario. Il y aura probablement plus d'options que trois. Donc, une fois que vous avez écrit l'intégralité du premier brouillon, vous devez le lire et en choisir un, ce qui signifie que c'est le plus important pour vous. Vous pouvez vous y consacrer un peu de temps car c' est une décision très importante. Rangez peut-être votre scénario pendant un moment et lisez-le à nouveau. Je ne sais pas, après une semaine, ça dépend entièrement de toi. C'est à toi de décider. Maintenant, lorsque vous décidez quel sens est le plus important pour vous, tout le processus de réécriture doit être centré sur ce sens. Maintenant que vous savez où l'obtenir, vous devez examiner les cinq piliers de votre histoire. À partir du moment où vous avez décidé de votre signification, prochaine étape consiste à examiner les éléments précédents de l'histoire, qu'ils soient favorables ou défavorables aux Marines, Il est tout à fait normal que vous deviez modifier la structure de votre histoire, les souhaits du protagoniste ou tout autre élément susceptible d'exprimer votre sens caché. C'est l'œuvre qui est censée rendre l'histoire plus honnête et plus puissante. Il s'agit d'une phase très importante de votre travail. Il vous faudra peut-être quelques brouillons pour arriver là où vous voulez être. Pour moi personnellement, c'est le visage le plus satisfaisant. J'ai l'impression que lorsque j'ai écrit toute l'histoire du début à la fin, je travaille déjà sur quelque chose de complet. Et tout ce que j'ai à faire, c' est l'améliorer. C'est très, très gratifiant parce que je sais exactement où je veux en venir avec mes textes. Je connais le sens caché et je peux concentrer toute mon attention sur les scènes particulières. 14. Attirer un producteur avec votre logline, votre synthèse et votre traitement (projet de cours): Dans cette conférence, nous allons parler de matériel promotionnel. Comme vous le savez, le scénario d' un long métrage compte environ 90 pages. Rédiger votre script est un effort énorme, mais la lecture de 90 pages demande également du temps et de l'énergie. Convaincre un producteur de lire votre œuvre est une forme d'art en soi. Pour cela, vous aurez besoin d' une présentation plus courte de votre film. Dans cette conférence, nous allons parler d'un synopsis logique et d'un traitement. D, la version la plus courte de votre script est un logline. Idéalement, il devrait s' agir d'une phrase. Cette phrase est censée contenir trois éléments. Le personnage, ce qu'il veut et un obstacle. Remarquez que ce sont trois des cinq piliers de chaque histoire. Maintenant, par exemple, je vais vous donner un logo de Godfather. Prêt, le patriarche vieillissant d' une dynastie du crime organisé transfère le contrôle à son empire clandestin, à son fils réticent. Pour autant que je sache, c'est un véritable slogan de ce film, mais je ne suis pas sûr à 100 % que ce soit le cas. J'ai décidé de l'utiliser dans ce cours car c'est un excellent exemple. Regardons donc de plus près. Le personnage est, bien sûr, le patriarche vieillissant. Il en est un, il doit transférer le pouvoir de la dynastie. Et l'obstacle est évidemment la réticence de son Fils. Comme vous pouvez le constater, une phrase peut résumer votre film. Ce n'est pas censé être beau ou poétique. N'oubliez pas que cette phrase est censée donner à quelqu'un une image de votre idée. Il s'agit plutôt d'un matériau de travail. Votre logo est donc comme un pied dans la porte et un excellent moyen d'attirer l'attention d'un producteur. Si vous êtes dans une situation sociale, ils peuvent vous demander, accord, sur quoi travaillez-vous en ce moment ? Maintenant, cela peut permettre au producteur de poursuivre la conversation à propos de votre script. Peut-être recherchent-ils un projet comme le vôtre. Dans l'idéal, il vous sera demandé de fournir plus de détails sur votre projet. Vous pouvez le présenter personnellement ou l'envoyer. C'est finalement la prochaine étape. Dans l'industrie cinématographique. Un résumé d'une page de votre projet s'appelle un synopsis. Dans ce document qui ne doit pas dépasser une page, vous devez inclure un bref résumé de l'histoire. Il est très important d'inclure le ND Toute personne intéressée par votre projet doit savoir comment l'histoire se termine. Alors n'essayez pas d'être mystérieux. Maintenant, ce texte, nous aurons environ 500 mots ou plus. Cette fois, vous devez inclure les informations de base sur transformation de votre personnage, sur la façon dont il prend conscience de ses besoins. Et à la fin de votre synopsis, vous pouvez expliquer brièvement de quoi parle l'histoire pour vous. Bien sûr, si au moment de rédiger votre synopsis, vous avez choisi de quoi il s'agit. Un bon synopsis contient les cinq piliers de votre histoire. L'objectif de présenter le synopsis de votre logo à un producteur est donc de le convaincre que votre scénario est intéressant. Parfois, après une réunion, vous entendez votre slogan, ils sont déjà intéressés. La plupart du temps, ils voudront consulter le synopsis avant de s'engager à lire notre brouillon. En fin de compte, vous n'avez pas besoin de passer par toutes les étapes pour que quelqu'un lise vos textes. Vous pouvez ignorer le synopsis si vous pensez que slogan a suffi à susciter l'intérêt de quelqu'un. Maintenant, il y a une autre étape supplémentaire à considérer. Un traitement, c'est-à-dire une nouvelle qui décrit l' action de votre film. Ce document est rédigé sous une forme descriptive sans dialogue. Donc, au lieu d'écrire des dialogues, vous allez utiliser la phrase. Par exemple, Joanna demande, Mark, que fait-il ici ? Il essaie de s'expliquer, mais cela n'a aucun sens. Elle décide de mettre fin à leur relation alors et là, fin de citation. Comme vous pouvez le constater, il s'agit d'une simplification du dialogue que vous passeriez beaucoup plus de temps à écrire dans votre brouillon. Habituellement, le traitement est de 17 pages sur 20 pour un long métrage. Certains producteurs préfèrent lire le traitement avant le brouillon, mais c'est rare. D'après mon expérience, si le producteur pense que votre synopsis est le producteur pense intéressant, il sera prêt à prendre le temps de lire votre brouillon. De plus, les traitements d'écriture sont assez ennuyeux pour vous en tant qu'écrivain J'ai l'habitude de sauter cette partie à moins que la procédure de financement ne l'exige. En Europe, lorsque vous postulez pour un programme de développement, vous pouvez choisir de postuler avec un brouillon ou un traitement. Je recommande de postuler avec un brouillon. Cependant, vous pouvez rédiger un traitement plus rapidement qu'un brouillon décent. Et dans certaines situations où vous avez une date limite, le traitement est meilleur. Parlons maintenant de la fonction de ce type de matériaux. J'ai l'impression qu'écrire un logline, synopsis et un traitement gâche le plaisir de créer. Lorsque vous rédigez votre premier script, vous devez d'abord commencer par écrire un brouillon. Il peut être tentant de commencer par écrire quelque chose de plus court, comme le synopsis du logline, mais d'après mon expérience, c'est en fait plus étouffant parce qu'en écrivant ce synopsis du logline, vous s'engager auprès d'un personnage répondant à ses besoins et à ses désirs. Et ces éléments devraient être sujets à modification au cours du processus de rédaction de votre première ébauche. Maintenant, lorsque vous voulez écrire votre histoire, il y a généralement une scène par laquelle vous voulez commencer ou un personnage. Commencez par ce que vous avez déjà en tête et ajoutez toutes les autres choses qui suivent, surtout au début d'un voyage d'écriture de scénario. C'est pourquoi, à mon avis, lorsque vous écrivez votre premier scénario, vous devriez d' abord rédiger un brouillon, puis tout le matériel promotionnel lorsque vous savez déjà ce que vous avez écrit. Et maintenant, nous passons enfin à votre projet de classe, film plus grand que vous aimez, et nous essayons d'écrire un scénario et un synopsis de ce film. Vous n'êtes pas obligé d'écrire l'intégralité du traitement, mais essayez d'écrire un traitement pour les trois premières scènes du film. Ce que je veux essentiellement que vous fassiez, c'est rétroconcevoir ces matériaux à partir du film qui a déjà été réalisé. Maintenant, en faisant cela, vous vous entraînez sur le film qui est terminé que vous aimez. En faisant cela, vous apprenez également auprès de quelqu'un que vous appréciez en tant que cinéaste. Maintenant, si vous voulez vous entraîner à écrire ces documents pour votre idée de film, vous pouvez le faire, mais je vous déconseille de le faire, surtout si vous êtes un débutant qui écrit Son premier scénario, je ne veux pas que tu te sentes obligé de prendre toutes les décisions avant de commencer à écrire les scènes. Lorsque vous débutez, vous devez vous concentrer sur le plaisir d'écrire des scènes et des dialogues. En vous obligeant à prendre toutes les décisions concernant chaque pilier de votre histoire, vous risquez de perdre du souffle et de ne rien écrire. Maintenant, la rédaction de votre première ébauche doit être amusante et intuitive, puis la réécriture de votre script doit être ciblée. Essaie de ne pas l'oublier. Merci. 15. Votre habitude d'écriture: Le rituel que vous construisez autour votre écriture est plus important que vous ne le pensez. Vous pouvez comparer l'écriture d'un script à la course à pied d'un marathon. Et le brouillon de la 19e page n'est pas quelque chose que vous pouvez écrire en une seule séance ou même en une semaine si vous voulez qu'il soit bon. Si vous utilisez toute l' énergie au début, vous n' atteindrez pas la ligne finale. C'est pourquoi j'ai décidé d' inclure quelques conseils et astuces qui me permettront de continuer plus facilement. N'oubliez pas que vous êtes là pour le long terme. Commençons donc par l'état d'esprit. Lorsque vous écrivez, vous devez être axé sur les processus. Cela signifie que vous ne devriez pas vous fixer des objectifs comme aujourd'hui. Je vais écrire cette séquence ou aujourd'hui je vais écrire autant de pages. Cela ne fonctionne tout simplement pas, surtout au début. Ce que vous devriez plutôt faire, c'est prévoir un certain nombre de sessions d' écriture dans votre calendrier pour la semaine et vous y tenir. Plus vous pouvez apporter de cohérence à votre pratique de l'écriture, mieux c'est. Il y a quelques éléments à prendre en compte ici lorsque vous établirez votre routine d'écriture. La première chose à laquelle vous devez penser est l'heure de la journée. Certains écrivains aiment taper des mots. À la première heure du matin. D'autres peuvent prendre le temps d'écrire pendant leur pause déjeuner ou après le dîner, tandis que d'autres adorent écrire le soir. Cela dépend entièrement de vous , de votre style de vie et de vos engagements. Tenez compte de votre propre emploi du temps, de votre énergie créative. Il ne sert à rien d'écrire quand on fatigué et qu'on a envie d'aller au lit, il vaut mieux prendre l'habitude d' écrire à une certaine heure de la journée. Maintenant, ne surestimez pas la quantité de travail que vous pouvez accomplir en une seule séance, car un travail ciblé consomme beaucoup d'énergie. Comme si quelques heures d' écriture pouvaient t'épuiser. Parfois, je peux écrire pendant 3 heures. La plupart du temps, c'est moins. Stephen King écrit dans son autobiographie qu'il écrit 4 heures par jour. Je veux dire, c'est beaucoup. Prenez votre temps et trouvez votre équilibre, sinon vous allez vous épuiser. La deuxième chose à prendre en compte est votre espace de travail, votre bureau. De nombreux écrivains ont réalisé leur meilleur travail dans un cadre spécifique. Vous pouvez faire le vôtre assis à la table de la cuisine, un café, une bibliothèque ou au parc, peut-être dans votre bureau à domicile comme celui-ci. Même si j'ai cette pièce que je considère comme mon studio, je fais la plupart de mes écrits dans mon lit maintenant, je ne sais pas pourquoi. Le plus important, c'est de ne pas être distrait. Maintenant. Vous pouvez être distrait par des choses négatives comme le bruit. Et vous pouvez être distrait par de belles choses comme le paysage devant votre fenêtre. Dans la culture pop, il y a cette image d' un cavalier assis quelque part devant sa jambe pendant un coucher de soleil. Il se concentre sur la création de son chef-d'œuvre. Vous savez, les oiseaux chantent, annonçant la création de cette magnifique œuvre d'art. Non, non, non, non, non. Ce n'est tout simplement pas pratique. Chaque fois que j'écris et que je lève les yeux depuis l' écran de mon ordinateur portable, je ne veux rien voir, rien qui attire mon attention. Et c'est exactement ce que je vois dans ma chambre. C'est un mur vide. Et chaque fois que j'écris, il y a aussi un mur vide comme celui qui est derrière moi. Vous pouvez donc me croire sur parole. D'accord ? De plus, lorsque vous pensez à votre espace de travail, vous devez également penser à l'atmosphère. C'est comme une extension de son espace de travail. Par exemple, y a-t-il des lumières qui s'allument ou peut-être qu'elles sont téléchargées ? Est-ce que le soleil brille à travers la fenêtre ? Est-ce que la musique joue ? Vous préférez le silence ou le bruit blanc ? C'est facultatif. Encore une fois, je suis fan de la privation sensorielle et de la concentration. J'utilise de la musique minimaliste chaque fois qu' il y a un bruit extérieur que je veux étouffer. Maintenant, j'espère que vous voyez que j' essaie de vous donner la recette d'un rituel. Si tu veux devenir bon, tu devras passer du temps à écrire. Tu dois te faciliter la tâche. Et associé à des activités agréables, il est beaucoup plus facile de commencer séances de travail quand cela commence par, je ne sais pas, par boire son café, par exemple maintenant, enfin, la troisième chose est que vous pouvez renforcez vos habitudes d'écriture en suivant régulièrement vos progrès. Certains auteurs se tiennent responsables de leur pratique en rédigeant leur calendrier chaque jour où ils écrivent. D'autres entretiennent une chaîne d'e-mails régulière avec leur partenaire critique, partagent leurs progrès et partagent leurs réseaux sociaux. Créez une feuille de calcul pour suivre vos habitudes ou tenez un journal personnel. Trouvez votre propre façon de suivre vos progrès. Je trouve qu'un groupe de pairs est le meilleur. À mon avis. Il y a encore une chose que vous pouvez faire, qui peut vous aider à rester motivé. Il existe un livre de Steven Pressfield. Le titre est La guerre de l'art. Cela dépend en grande partie de votre éthique de travail. Dans ce livre, il explique qu'être professionnel est une décision que l'on prend soi-même. Il définit ensuite qui est le professionnel. semble parfois ésotérique, Le livre semble parfois ésotérique, et c' est certainement un livre d'auto-assistance. Mais je le recommande car cela m'a aidé dans mes moments de doute. Quoi qu'il en soit, lorsque vous réfléchissez aux moyens de renforcer la cohérence de votre vie d'écrivain, faites ce que vous pouvez. Si tu peux fixer un moment de la journée pour écrire. Mais vous vous assurez toujours de faire en sorte que l'écriture se réalise. C'est très bien. Si tu ne peux pas écrire au même endroit, tu peux écrire en même temps. Faites-le comme si une progression constante emportait avec une excellente technique à chaque fois. Merci de votre attention et à bientôt lors de la prochaine conférence. 16. Affiner votre goût: Affinez vos goûts. C'est un sujet très important. Ainsi, lorsque vous regardez un film que vous aimez vraiment, ne vous contentez pas de le consommer superficiellement. Apprenez à connaître un plus profond. Ne cherchez pas encore les avis. Essayez d'abord de trouver votre propre reflet dans cette œuvre d'art. Essayez de trouver les moments qui vous parlent vraiment. Peut-être qu'ils te rendent triste, peut-être qu'ils sont très joyeux. Et dans cet esprit, regardez à nouveau le film. Ensuite, j'ai essayé de l'analyser par vous-même. Maintenant que vous connaissez les cinq piliers de chaque histoire, essayez de les comprendre. Ensuite, lorsque vous pensez avoir trouvé les cinq piliers de l'histoire, essayez de parcourir le remblai et de vous concentrer uniquement sur la construction. J'ai essayé de trouver les principaux tournants. Et ce n'est que lorsque vous vous retrouvez dans le film que c'est le bon moment pour obtenir des informations externes. Le type d'information qui place ce film dans son contexte. Vous pouvez en savoir plus sur le réalisateur, écouter la musique originale, découvrir comment les costumes et les décors ont été créés. Vous pouvez regarder un making off, qui est un court documentaire tiré du tournage du film. Il est généralement ajouté à la sortie du DVD en tant que disque bonus. Vous pouvez également lire les critiques. Mais tout cela devrait être secondaire. Le plus important, c'est vous et ce que vous avez aimé du Fill. Maintenant, vous n'avez pas à vous embêter comme je l'ai fait pour Arrival et Joker dans mes cours où je démonte ces films et je les examine. simple fait de regarder les films seul et de les conserver fera la différence. Si vous achetez un DVD et que vous le mettez sur une étagère, vous aurez envie de revenir voir ce film à l'avenir. Et c'est exactement ce que je fais lorsque j'écris un scénario qui contient des éléments similaires au film du passé que j'ai aimé. Vous pouvez donc voir à quel point il est pratique de conserver une telle collection Cette collection de films vous donnera une idée de ce que vous aimez au cinéma. Cela peut être surprenant. Vous découvrirez peut-être que vous êtes fan d'un genre que vous pensiez ne pas aimer et vous vous demandez  : Oh mon dieu, pourquoi y a-t-il tant de comédies et d'horreurs romantiques ici ? Ou inversement, pourquoi est-ce que je continue à regarder ces films d'art et d'essai pakistanais que je ne comprends même pas culturellement ? C'est un processus de découverte de soi que je veux que vous abordiez avec un cœur ouvert, avec une collection comme celle-ci. Et cela en vaut vraiment la peine. Merci beaucoup de votre attention et à bientôt lors de la prochaine et dernière conférence. 17. Bonne chance !: Très bien, merci beaucoup d'avoir suivi mon cours. J'espère également que c'était une source d'inspiration. Donc, dans ce cours si court, il est impossible de dire tout ce il y a à savoir sur l'écriture de scénarios. Cela étant dit, j'espère que vous aimerez également mes autres cours à ce stade Je propose deux types de cours. Maintenant. cours Jumpstart to Screenwriting sont des cours conçus pour les débutants, tout comme le cours que j'ai créé un programme Celtx en masse. Et les cours, le titre commence par l'écriture de scénarios. Tout comme les cours dans lesquels j'analyse Joker et Arrival sont destinés aux écrivains qui ont maîtrisé leurs connaissances de base. Ce qui signifie vous, puisque vous venez de terminer les partitions sur les bases de l'écriture de scénarios. Maintenant, le meilleur moyen de suivre ce que je publie est mon site web Cinema Explained. Mets l'adresse quelque part ici. Je tiens ce site Web à jour. Je vous encourage à y jeter un coup d'œil car j'utilise différentes plateformes. Vous y trouverez toutes les informations sur les vidéos pédagogiques sur ma chaîne YouTube, ainsi que sur tous mes autres cours. Toujours sur Cinema Explained, vous pouvez demander un guide gratuit que j'ai écrit sur la façon d'analyser vous-même des films. Dans ce guide, je partage ma façon personnelle d' analyser les films. Il s'agit d'un organigramme en cinq étapes. Vous pouvez utiliser cette méthode pour comprendre cette profondeur symbolique de n'importe quel champ. Maintenant, si vous avez bénéficié de ce cours, pensez à laisser un commentaire. Au plaisir de vous voir bientôt. Au revoir.