La peinture numérique dans Photoshop : concevoir un portrait stylisé

1. Introduction: Si vous êtes intéressé à étirer votre créativité et à apprendre à peindre des portraits stylisés au lieu de réalistes, alors c'est absolument la classe pour vous. Je suis Alyssa, illustratrice et graphiste. Au fil des ans, j'ai passé des heures à m'apprendre à peindre numériquement. Dans ce cours, j'espère prendre tout ce que j'ai appris et vous le transférer. J' ai trouvé la chose la plus proche que je puisse appeler à une formule de peinture de portrait. Au cours de ce cours, nous apprendrons à trouver de bonnes images de référence, esquisser les bases de notre peinture et c'est déjà là que nous commencerons à explorer une certaine stylisation. Nous allons créer une échelle de valeur pour référence pendant que nous peignons, nous allons bloquer dans de grandes formes et peindre dans des détails plus petits, et enfin, nous apporterons des touches de finition et des ajustements. Pour peindre, je vais utiliser Photoshop, mais vous pouvez utiliser n'importe quel logiciel avec lequel vous vous sentez à l'aise. Je vous recommande d'avoir une connaissance pratique des outils et du programme que vous choisissez. Pour le projet de classe, vous travaillerez sur votre propre peinture en noir et blanc suivant cette formule que j'ai créée pour vous. Si vous êtes prêt à commencer , allons-y. 2. Trouver une référence: Parlons des images de référence, de ce qu'il faut rechercher et ce qu'il faut éviter lors de l'approvisionnement d'une image de référence pour votre peinture. Sur le côté gauche de mon écran, j'ai des images que j'éviterais généralement d'utiliser. Ensuite, sur le côté droit, j'ai des images que j'utiliserais personnellement lorsque je peins comme référence. Si nous regardons cette image sur le côté gauche, la raison pour laquelle je n'utiliserais pas celle-ci est simplement parce qu'elle est très faible en contraste. Il n'y a pas beaucoup de formes d'ombre sur son visage ou sur son corps. Je pense que c'est intéressant. J' aime vraiment ses cheveux, j'aime la forme de ses lunettes, j'adore qu'elle ait des accessoires. Mais l'image elle-même comme référence pour la peinture, ça va rendre mon travail vraiment difficile. Si on jette un coup d'oeil, essentiellement pour décrire la forme de sa tête, tout ce que j'ai sont ces faits saillants peut-être un peu autour des lèvres. Je n'ai pas vraiment d'ombres pour m'aider à décrire la forme réelle et comment elle se transforme dans l'espace. Je sais que son front est rond parce que je sais que les fronts sont généralement ronds. Mis à part cette forme de surbrillance, il n'y a rien vraiment. Une ombre juste ici serait génial. Cela m'aiderait à décrire au spectateur la dimension réelle de sa tête. Cette image, même si c'est une belle photo, elle ne fait pas vraiment une bonne référence quand on peint parce qu'elle ne me donne pas assez d'informations. Si nous regardons le Navigator, vous pouvez voir que sa lèvre supérieure juste ici, elle disparaît à très petite échelle. Pour décrire la forme de son nez, nous n'avons vraiment que cette petite ombre ici qui quand je peins, si je peins quelque chose comme ça, ça va ressembler à une ligne. Ce n'est pas assez descriptif. J' ai besoin de plus grandes formes, plus grandes formes d'ombre et de plus grands reflets. D' autre part, si vous jetez un oeil à cette image, vous pouvez voir à très petite échelle, elle lit tellement mieux que cette image. Ce n'est pas non plus vraiment une chose de noir et blanc contre couleur. Donc on va l'assommer aussi. Vous pouvez voir que vous avez fondamentalement le même gris. Vous avez le même gris de ton moyen tout au long de cette image, si je devais la peindre. Il y a très peu de contraste. Quand on jette un coup d'oeil à celui-ci, vous avez un contraste plus élevé. Vous pouvez voir la forme de son nez, vous pouvez voir ses lèvres, la zone des joues. Vous avez beaucoup de formes d'ombre différentes qui aident vraiment à décrire la forme de son visage, la forme de sa tête au spectateur. Beaucoup de formes d'ombre différentes. Personnellement, j'aime vraiment cette image parce que je pense qu'il est vraiment intéressant qu'elle ait une oreille claire et une oreille sombre, et bien sûr, la forme de ses cheveux est juste vraiment amusante et unique. Elle a aussi des accessoires qui sont amusants à jouer avec. Cette image que j'aime vraiment et je l'utiliserais moi-même. Mais celui de ce côté-ci, bien que j'aime le sujet, je pense juste que pour une image de référence, ça va me faire travailler très dur. Si je devais le peindre exactement comme je le vois, je courrais le risque de peindre une image très plate. Comme je l'ai dit, nous utiliserions surtout ce gris moyen avec un peu de points forts. Cela peut rendre notre peinture particulièrement plate et non tridimensionnelle. Nous passons à l'image suivante. Sur le côté gauche, j'ai une image que l'éclairage est très, très diffuse. Bien qu'ils soient tous les deux naturellement éclairés, l'un est, je pense, meilleure référence que l'autre. Celle-ci, on perd vraiment beaucoup d'informations ici, tout a la même apparence. Ouvrez le Navigator et vous pouvez voir son nez disparaît. Encore une fois, nous avons essentiellement seulement les faits saillants qui aident à décrire le formulaire. Nous n'avons pas vraiment les ombres qui nous aident à décrire la forme. Je ne peux pas vraiment dire si c'est juste du maquillage ou des ombres du tout. Ça ressemble vraiment au maquillage. Mais si nous devions assommer celui-ci aussi, faisons du noir et blanc. Encore une fois, vous travaillez avec la même valeur. Si tu le peignais, ici, tu perds complètement sa narine. Vous peignez juste avec le même gris partout et vous avez quelques faits saillants. C' est fondamentalement ça. Peut-être que vous avez ici quelques ombres, mais les ombres elles-mêmes sont très légères. Encore une fois, il n'y a pas beaucoup de contraste. Maintenant aussi une autre raison pour laquelle j'éviterais une photo comme celle-ci sur le côté gauche est parce que tout est si doux, l'éclairage est si doux, l'arrière-plan est floue, autour de ses cheveux est floue. Tout a juste ce filtre flou, qui signifie que quand je peins, si je ne fais pas assez attention, je vais perdre beaucoup de mes bords durs. Dans nos peintures pour créer un intérêt visuel, nous voulons avoir beaucoup de bords doux et durs à contraster. Un bord doux serait quelque chose comme quand j'utilise ce pinceau. Donc c'est le bord doux. Alors le bord dur serait ceci. Vous pouvez voir littéralement un bord doux et dur. Dans une peinture intéressante, nous voulons avoir les deux présents. Dans cette image de référence, si je ne fais vraiment pas attention, je pourrais perdre beaucoup de bords durs par accident. En revanche, sur le côté droit, j' ai encore une autre photo qui est naturellement allumée, mais évidemment elle a beaucoup plus de bords durs. La mise au point de la photo, son bras et le tissu sont hors de portée, ce qui amène ces bords mous dedans, et nous perdons ses cheveux en arrière-plan. Encore une fois, il pourrait être un autre bord mou, qui pourrait être là où nous utilisons le bord mou. Puis le long de son visage à l'intérieur, nous avons beaucoup de ces bords plus durs. On a cette belle forme d'ombre juste ici sur les yeux. Nous avons cette ombre dure pour aider à définir la forme du nez, et ici aussi, il y a un peu d'ombre ici. Mais même près des doigts, vous avez beaucoup d'informations qui vous aident vraiment à comprendre le formulaire et à comprendre ce que vous regardez en tant que spectateur. Une des choses que je n'aime pas vraiment sur cette photo, c'est cette forme de croix maladroite qui vient probablement de la fenêtre, cette ombre étant projetée sur son visage. Ce serait quelque chose que j'éliminerais si j'utilisais cette photo comme référence, comme une pseudo ombre. C' est juste quelque chose que je voudrais probablement enlever parce que je pense que c'est un peu gênant. Pour la prochaine, sur le côté gauche, j'ai une photo que je n'utiliserais certainement pas. Cette image est géniale parce qu' elle a beaucoup de ces formes d'ombre dont je parlais juste, beaucoup de ces formes d'ombre. Ceux-ci nous aident vraiment à comprendre la forme et leur contraste, bien sûr, avec les points forts que nous avons ici. Maintenant, cette photo à gauche est certainement quelque chose que je ne veux pas utiliser. J' aime bien la photo. Je n'ai jamais été un fan d'utiliser ces photos super colorées comme référence parce qu'elles sont juste déroutant visuellement, je pense. Quand je regarde cette photo, il y a certainement une astuce de lumière qui se passe ici. On dirait qu'il y a une forme légère qui vient de tomber sur sa tête et qu'elle aplatit la forme de sa tête pour moi, c'est plus difficile à lire. Encore une fois, généralement les photos que je choisis de ne pas utiliser, je ne les utilise pas parce qu'elles sont difficiles à lire parce qu'il est difficile de voir où les changements d'avion se produisent sur le visage ou sur la tête. Nous avons essentiellement le côté de la tête et nous avons l'avant du visage, mais il est difficile de déterminer où se trouve le côté de sa tête par rapport à ce front. Si vous regardez cette image, c'est très clair. C' est tout le côté et c'est l'avant de son visage. Alors qu'ici, je ne sais pas vraiment ce qui se passe. C' est parce que l'éclairage est si doux, et ensuite j'ai ce gros patch bleu ici. Photos très fortement filtrées, que ce soit la coloration, l'éclairage, c'est très doux, c'est diffuse, j'ai tendance à éviter. Je vais pour des photos qui ont des quantités de contraste plus élevées. J' opte généralement pour des images en noir et blanc pour ne pas me laisser distraire par les couleurs, et si j'en ai besoin, je pourrais faire quelques ajustements subtils à certaines photos elles-mêmes juste pour obtenir un peu plus d'informations quand je suis peinture. Je ne vais pas peindre exactement ce que je vois, mais je veux que mon image me donne suffisamment d'informations pour pouvoir faire un choix. Je peux choisir d'inclure l'oreille ou de l'exclure. Mais quand je cherche une image de référence, je veux quelque chose qui va me donner une base, puis à partir de là je fais des choix et je prends des décisions. Dans la section Ressources ci-dessous, je vais aller de l'avant et créer un lien vers quelques sites différents où vous pouvez accéder aux images libres de droits que vous pouvez utiliser à titre de référence. 3. Configurer votre espace de travail: Une fois que vous avez une image de référence que vous aimez, vous pouvez aller de l'avant et l'ouvrir dans Photoshop. Une des premières choses que nous allons faire est de mettre en place notre Canvas. On va aller à File, New. D' habitude, je peins juste sur 8 par 10 en portrait. C' est généralement juste au cas où je voudrais l'imprimer, 8 par 10 est une taille assez standard. Tu pourrais l'encadrer. Pour la résolution, nous allons utiliser 300 DPI. La raison en est encore une fois que nous choisissons de l'imprimer, cela nous donnera une image imprimée agréable, nette et nette. Nous allons travailler dans l'espace colorimétrique RVB et tout va bien. Nous allons de l'avant et nous allons cliquer sur « Créer ». Ok, maintenant pour arranger notre espace de travail, on va aller à la fenêtre Arrangement, et on va en faire deux à la verticale. Cela placera nos fenêtres côte à côte. Cela garantit simplement que nous avons toujours un accès facile à notre image de référence et que nous ne l'avons pas réellement sur la même toile. Nous n'avons pas à nous soucier de peindre sur le dessus ou d' ajuster notre toile à la taille de l'image de référence ou quoi que ce soit du genre. Maintenant, nous allons simplement couvrir rapidement les outils que nous allons utiliser la plupart du temps lorsque nous peignons. Nous avons le navigateur, le pinceau, les paramètres du pinceau ou les propriétés du pinceau, et c'est là que nous pourrions modifier la pression du stylo à un moment donné. Brosses, vous pouvez accéder à partir de ce panneau rapide. D' habitude, je les ramène juste ici, et les propriétés que nous pouvons ou ne pas avoir besoin de cela. D' habitude, je la laisse ouverte. Nous avons également ouvert nos couches et notre roue de couleur ouverte. Si vous n'en avez pas, allez simplement à Fenêtre, et vous les trouverez ici, par exemple, dans le navigateur. suffit de cliquer dessus et il s'ouvre. Si vous manquez l'un de ceux que je viens de mentionner, allez-y et trouvez les dans Windows et configurez-les. Maintenant, pour les pinceaux, j'utilise généralement peu près trois pinceaux quand je peins et je n'utilise généralement pas plus que ça. J' aime utiliser un pinceau rond, un pinceau carré et un aérographe. Ok, donc la première brosse que j'utilise est la brosse ronde, et elle est réglée pour s'ajuster à la pression de mon stylo. Si j'appuie légèrement, la quantité de peinture qui sort est très légère et assez transparente, puis si j'appuie plus fort, il devient plus sombre. Le suivant est un pinceau carré, et je l'utilise généralement pour bloquer. Donc, bloquant dans de grandes formes, et donc je le tourne généralement vers le haut donc c'est vraiment grand et juste colorier avec elle. La dernière brosse est un aérographe, et vous pouvez voir les bords de celui-ci sont très doux et j'utilise habituellement celui-ci pour le mélange. Toutes ces brosses sont réglées pour répondre à la pression que j'utilise dans mon stylo. Parfois, j'utilise une brosse à crayon. Parfois, je ne dessine pas quand je peins. Parfois, j'irai directement aux walk-ins. Mais si vous voulez utiliser un stylo ou un pinceau et vous pouvez aller de l'avant et le faire. Sinon, en fait, le pinceau rond fera exactement la même chose si vous le réduisez en taille et le rendre vraiment petit. Tu n'as pas vraiment besoin de quelque chose de super spécial. Mais ce sont les trois que j'utilise habituellement. En tant que disclaimer, les pinceaux que j'utilise quand je peins, j'ai effectivement payé pour. Ils ne sont pas par défaut Photoshop. J' ai acheté le pack à un créateur appelé Eric J Anthony. Je pense qu'il vend sur mon chemin de revenu. Je vais supprimer le lien dans la section des ressources ci-dessous si vous voulez le vérifier. Je ne suis pas affilié à lui, j'aime vraiment la façon dont les pinceaux fonctionnent. Je trouve qu'ils fonctionnent très bien, comme hors de la boîte, et je n'ai pas vraiment besoin de faire trop d'ajustements pour eux. Si vous ne voulez pas acheter des pinceaux, je ne vous en veux pas, alors vous pouvez absolument utiliser Photoshops. Pinceaux par défaut, nous avons juste besoin de la ronde, de l'aérographe et de la brosse carrée. Photoshop en a déjà tous. Il y a aussi beaucoup de packs de pinceaux gratuits. J' avais l'habitude d'utiliser un pack de pinceaux de peinture de contrôle pendant très longtemps. Celui-ci n'a pas de pinceau carré dedans. Au lieu de cela, ça s'appelle le tour de l'aérographe, et c'est comme un pinceau elliptique. Mais ceux-là sont aussi vraiment, vraiment génial. Je vais aussi laisser tomber le lien si vous voulez les vérifier. Sinon, allez de l'avant et utilisez des pinceaux ou des pinceaux par défaut que vous savez que vous aimez utiliser. 4. Créer une échelle de valeur: Maintenant, nous allons commencer par créer une échelle de valeur. Le but de l'échelle de valeur est vraiment juste de nous fonder et de nous donner un point de référence quand nous peignons. Parfois, je vais réellement choisir la couleur à partir de l'échelle de valeur elle-même. Mais fondamentalement, si jamais vous êtes confus quant à la valeur que vous devriez réellement utiliser lorsque vous peignez, alors vous pouvez comparer votre photo de référence à votre échelle, et vous pouvez également comparer votre propre peinture à votre échelle, et il vous aidera à voir la différence si vous êtes allé trop clair ou trop sombre avec votre peinture. Tout ce qu'on va faire, c'est l'installer maintenant. C' est très simple. En gros, il va juste être noir d'une extrémité et blanc de l'autre, et tout ce qui est entre les deux sont toutes les différentes nuances de gris. Nous allons faire une échelle de valeur en sept étapes, ce qui signifie que nous allons avoir sept valeurs différentes dans notre échelle. Le gris qui va juste au milieu de notre échelle de valeur en sept étapes est censé être le gris parfait. Fondamentalement, si vous aviez la même quantité de blanc et la même quantité de noir et que vous les mélangez ensemble, vous obtenez ce 50 % de gris. C' est juste ce mélange de gris parfait au milieu. De ce gris, à mesure que nous nous rapprochons du noir, nos gris vont devenir plus foncés, puis à mesure que nous nous rapprochons du blanc, nos gris vont devenir plus légers. C' est ainsi que nous obtenons cette échelle de gradient très transitoire. Tout ce que je fais ici, c'est que je peins en gris. Je ne m'embête pas. Mais je veux dire, tu pourrais être mathématique avec ça si tu veux. J' aime vraiment le regarder et deviner, alors je vais juste aller de l'avant et je mélange juste sur la couche. Ce que je fais quand je crée ma balance, c'est j'essaie de m'assurer qu'il y a une différence nette entre les gris. Fondamentalement, quand je passe d'un gris à l'autre, je veux m'assurer qu'il devienne peut-être 50 pour cent plus sombre. Si vous regardez le numéro 4 et le numéro 6, le numéro 5 est en fait juste au milieu de ces deux. Si vous deviez à nouveau prendre la quantité parfaite de numéro 4, et la quantité parfaite de numéro 6, mélanger ces deux ensemble, alors vous obtenez la valeur numéro 5. Tout comme ça, si vous deviez mélanger la valeur numéro 5 avec la valeur numéro 7, vous obtenez la valeur numéro 6. C' est ce que nous essayons de faire. Nous essayons de nous assurer que nous devions de plus en plus sombres, puis du côté de la lumière, nous essayons de nous assurer que nous devions progressivement plus légers. Parce que je vais avoir cette valeur à l'échelle tout le temps que je peins, je lui donne sa propre couche, que j'ai nommée échelle de valeur, vous pouvez voir là-bas. Je vais juste le nettoyer. Je vais juste m'assurer que tout est un joli petit carré. J' utilise l'outil Lasso et je vais juste supprimer les bords junky que j'ai créés, juste pour le nettoyer un peu, et c'est tout. 5. Qu'est-ce que le stylisation ?: Parlons de la stylisation et de ce que cela signifie pour nous. Lorsque vous stylisez une œuvre d'art, ce que vous faites, c'est que vous sortez du domaine du réalisme. On ne va pas créer quelque chose qui ressemble à une photo à la fin de ce cours. Styliser quelque chose signifie essentiellement simplifier les formes et les formes, les lignes, parfois même les couleurs que vous voyez. Dans certains cas, vous pourriez en fait finir avec quelque chose qui ressemble plus à un dessin animé que quelque chose de réaliste. La façon dont ça va fonctionner, c'est que nous allons utiliser une photo de référence d'un modèle, et en fait nous n'allons pas chercher une ressemblance exacte. Nous n'utilisons vraiment que la photo de référence comme source d'inspiration. Si votre modèle, par exemple, a de grands yeux et un nez vraiment petit, vous pouvez faire exactement le contraire dans votre portrait, et vous pouvez rendre les yeux vraiment petits et le nez vraiment grand juste pour voir ce qui se passe. Nous essayons vraiment d'explorer et de voir quelles formes nous aimons, et nous ne faisons que jouer. J' ai quelques exemples différents que je veux vous guider. Ce dont je vais parler, c'est qu'il se passait dans ma tête quand j'approchais de ce tableau. Pourquoi ai-je fait certains choix ? Pourquoi ai-je choisi de styliser quelque chose d'une certaine façon ? Il suffit de traverser ce processus cérébral. Ce premier exemple que j'ai est la peinture que j'ai faite il y a un moment. Je me souviens de ce que j'ai vraiment aimé sur cette photo quand je regardais la photo, j'ai vraiment aimé cette peau brillante rosée, et j'ai adoré cette zone des yeux, ainsi que cette zone des lèvres. Comme je l'ai dit, c'est juste que la peau avait l'air si rosée et si brillante, et je pensais que ce serait tellement amusant à peindre. C' est ce sur quoi je me suis concentré dans ma propre peinture. Vous pouvez voir comment j'ai rendu les faits saillants sévères partout où j'ai vu le brillant, je voulais le mettre dedans. Elle a l'air brillante, c'est ce que je regardais sur cette photo. Je regardais à quel point elle était brillante et je voulais traduire ça. La partie inférieure ici pour moi n'était pas aussi importante. Je ne m'en souciais pas beaucoup, donc je ne me suis pas concentré là-dessus et c'est pour ça que c'est si simple ici. Mais quand vous regardez les vêtements en fait, j'ai eu beaucoup de plaisir juste avec tous ces petits détails de jean bleu, et donc je voulais vraiment les capturer et les mettre dedans. C' était juste amusant pour moi. C' est pour ça que les vêtements sont détaillés. Mais là-haut, pas vraiment trop. Quand je peins, je peins pour moi, j'explore, je trouve des choses sur la photo que j'aime et puis je me concentre sur celles-ci. Avec l'oreille, vous verrez que l'oreille est vraiment grande, donc l'œil est aussi très grand. La raison pour laquelle j'ai fait ça, c'est parce que j'aime vraiment cette oreille et que j'aime vraiment l'œil. Quand j'ai parlé de cette zone des yeux, je l'ai peinte belle et grande parce que c'est ce que je regardais, c'est ce que j'aimais, j'aimais les formes, j'aimais les petits cils et cette zone du couvercle. Maintenant, avec l'oreille, j'ai vu cette forme, elle a cette forme. C' est ce que je vois quand je regarde ça, je vois cette forme géométrique. Pour son oreille quand je la peignais, je voulais créer une forme géométrique. J' ai forcé cette forme à entrer. Évidemment, son oreille n'est pas vraiment comme ça. Je ne pense pas que personne dans la vraie vie ait une oreille comme ça. C' était la même chose que de dire avec ces cheveux, j'ai vraiment aimé cette forme ici. Pour moi, je voulais vraiment imiter ça. Je voulais qu'elle soit carrée, et c'est ce que j'ai fait de ce côté-ci. Au lieu de l'avoir rond en haut et carré en bas, j'ai dit que je voulais vraiment jouer avec les formes. Je veux pousser et tirer les formes, donc j'ai fait exactement la même chose ici, je l'avais carrée. Puis quand il est venu à ce petit bob, j'ai pensé que je voulais faire quelque chose d'un peu plus amusant. Je courais aussi, comme vous pouvez le voir, près de la toile, donc au lieu de faire comme une petite balle ronde, j'ai juste fait quelque chose comme ça, et j'étais, c'est assez bon, c'est génial. Quand je regarde une image et que je fais des choix, habituellement ce que je regarde c'est que je regarde les différentes formes et parfois les différentes textures. Comme je l'ai dit, celui-là était une question de textures. J' aime la brillance, la brillance ici et puis j'aime la rugosité et les détails du jean, et donc vous pouvez voir que c'est ce sur quoi je me suis concentré. Maintenant, je saute un peu en avant, mais je veux vous montrer un peu du processus. C' est mon fichier de travail, et j'ai toutes les différentes couches ici. Je peux vous montrer où je commencerais. Ce n'est pas là que je commencerais. C' est là que je commencerais. Je commence par un croquis. Mes croquis ne sont pas toujours fabuleux. Parfois, ils sont maladroits, ils sont bizarres, les proportions sont foirées, elles sont moches. Je vais faire une version et ensuite je vais esquisser dessus pour réparer certaines des erreurs que j'ai senti que j'ai commises. Je vais continuer à explorer dans cette phase, continuer à esquisser. La suivante que j'ai faite, vous pouvez voir à cause des lignes fantômes. Vous pouvez voir que j'ai pris de l'avant un peu plus de cette façon et que j'ai réparé cet œil. C' était le croquis que j'ai fini avec. J' ai dit : « J'aime vraiment les formes que je vois ici. Je pense que je suis prêt à aller de l'avant. » À partir de là, c'est à ce moment que je commence à faire les block-ins, et je commence à bloquer dans certaines formes et ombres de base que je regarde. C' est toujours des ombres en premier. Puis enfin, je commence à ajouter certaines lumières, puis je continue à peaufiner ça. S' attaquer à une partie des cheveux. À ce stade, c'est à ce moment que je commence enfin à m'attaquer à une partie de ce matériel de jean, et à un peu de nettoyage là-bas. Vous pouvez voir que j'étais en désordre ici, puis j'ai nettoyé ça et fait quelques ajustements. Nous allons passer par toutes ces étapes, du croquis à la peinture en passant par les ajustements. Mais c'est un aperçu de l'ensemble du processus et de la façon dont il prend vie. Nous passons à l'exemple numéro 2. Par exemple numéro 2, encore une fois ce sur quoi je me suis concentré est la forme. stylisation va apparaître différemment pour tout le monde parce que deux personnes pensent la même chose, nous n'avons pas les mêmes expériences dans la vie, nous ne sommes pas tous intéressés par les mêmes choses. Pour moi, je suis vraiment intéressé par une forme, et c'est donc généralement ce sur quoi je me concentre, et généralement ce que j'exagère. Quand je regardais cette image, j'ai vraiment aimé cette ligne ici, ainsi le cou se fond directement dans les épaules et dans les cheveux. J' ai aussi vraiment aimé dans ses cheveux comment il était vraiment lourd, mais aussi vraiment agité. Il a ces petites queues de cheval qui sont coupées et c'était très agitée, alors j'ai fait exactement la même chose ici où c'est agité. Encore une fois, je me suis concentré sur cette ligne. Vous pouvez voir à quel point la ligne est grande. J' ai même sorti son cou un peu plus pour que je puisse le souligner encore plus. Alors je me souviens, j'aime vraiment l'œil à nouveau, et j'ai vu cette pommettes et la mâchoire très fortes. C' est ce sur quoi je me suis concentré, encore une fois dans ma peinture, cette joue, et la mâchoire, puis l'œil. Je pensais que ses lèvres étaient vraiment belles, brillantes et dodues, et je voulais souligner cela aussi. Les lèvres sont plus grandes et les yeux sont plus grands que sur la vraie photo. Son nez en fait, je l'ai rendu un peu plus léger là-dedans. Si je vous montre où commence celui-ci, je peux vraiment vous décrire le processus pendant la phase d'esquisse. C' était le premier croquis, très basique, très rapide. J' essayais juste d'ancrer, où est la lèvre ? Où sont les yeux ? Puis j'ai vu ces angles. Je n'arrêtais pas de voir ces angles. J' aime vraiment ces angles, et j'ai décidé de les forcer dans mon dessin. J' ai cette ligne qui est répétée plusieurs fois pour créer ce genre de rythme, et la prochaine fois que j'ai dessiné mon croquis, vous pouvez voir que j'ai forcé le corps à se joindre à toutes ces lignes différentes. C' est comme ça que j'ai forcé ce rythme à l'image. Puis après que j'ai été heureux avec cela, encore une fois, même processus de peinture, donc je continuerais. Je ne travaille que dans l'ombre pendant un moment. Celui-ci est un peu différent du processus que je vais vous enseigner. J' ai sauté d'avant en arrière entre les ombres et les reflets, mais habituellement, je ne peins que les ombres d'abord, puis les reflets sur le dessus. Celui-ci est légèrement différent dans la méthode, mais je voulais vous montrer quand même. Vous pouvez le voir, juste toutes les peintures se produisent étape par étape. Dans ce dernier tableau, ce que j'ai vraiment aimé de cette photo que je regardais étaient les ombres extrêmement dures. J'adore ça. Ces ombres ne font qu'occulter toutes les informations. Comme sa chemise, il n'y a à peine aucun détail là-dedans. Je ne sais pas où son menton se termine et où le cou commence. La lèvre supérieure, on dirait qu'il est presque noir, et les sourcils, les ombres sont si intenses qu'ils se fondent dans ses cheveux et font ces sourcils géants chenille. Rappelez-vous dans la photo de référence, j'ai parlé de révéler certaines informations, vous n'avez pas toujours à le faire, c'est le choix. Dans celui-ci, quand je regardais cette photo, j'ai dit que j'aime vraiment ces ombres sombres, je veux me concentrer sur celles-ci. Je ne peignais pas vraiment ses caractéristiques et je n'étais pas vraiment concentré sur l'exagération de ces fonctionnalités, j'étais plus concentré sur la capture de ces formes d'ombre. C' est là que j'ai commencé. Croquis vraiment basique. C' était juste pour ancrer tout pour que je ne peigne pas sans indication, je ne pose pas ses yeux quelque part ici et l'autre ici. Juste des formes très simples. Puis à partir de là, j'ai commencé le bloc. Celui-ci, je l'ai fait entièrement avec un pinceau carré. C' était un tableau très rapide, ce n'était pas plus d'une demi-heure, mais je tombais dans un tas de blocs différents parce que je me suis dit  : « Il a l'air vraiment bloqué. Il pourrait être amusant d'utiliser un pinceau en bloc. » Je continue à peindre, et c'est là que les faits saillants arrivent enfin, puis continuent à affiner jusqu'à ce que nous ayons fini. C' était fondamentalement tout. Comme je l'ai dit, un très rapide, mais en termes de stylisation pour celui-ci, ce sur quoi je me concentrais vraiment étaient ces formes d'ombre et comment tout dans cette image si angulaire et si blocky, et donc je voulais apporter cela dans ma propre image. Lorsque vous cherchez à styliser votre propre image, vous pouvez vous poser quelques questions. Qu' est-ce que j'aime dans cette image ? quoi dois-je me concentrer ? Y a-t-il quelque chose que je veux dire au spectateur ? Par exemple, avec celui-ci, je voulais que les gens voient  : « Regarde comme son visage est brillant. Regardez à quel point les lèvres sont pulpeuses. » C' est vraiment ce que je voyais et c'est vraiment ce que j'aimais dans celui-ci. Posez-vous quelques questions, la stylisation est différente pour tout le monde, vous n'allez probablement pas styliser les choses de la même façon que moi. Vous ne vous souciez peut-être pas tellement des formes, vous pouvez vous soucier plus des textures. N' ayez pas peur d'explorer et d'essayer différentes choses et de faire esquisses laides juste pour expérimenter pendant que vous travaillez sur votre propre projet de classe. 6. Esquisser une base: Quand je fais des esquisses pour la peinture, ce que je fais c'est que je cherche des formes et des angles spécifiques. Je ne suis pas vraiment intéressé à faire un dessin parfait, parce que je sais que tout ça va être couvert de peinture de toute façon, et ça va juste disparaître. Parfois, quand je dessine aussi, je dessine des formes que je vois. Comme si j'avais cette petite ligne que j'avais dessinée sur l'épaule qui représente cette ombre sur son épaule. C' est ce que je fais quand je croquis, je cherche juste des points de repère. Je suis passé à ce pinceau, que j'avais montré dans notre vidéo de l'espace de travail. Comme je l'ai déjà dit, si vous vouliez simplement utiliser un pinceau rond pour esquisser, allez-y. Ou un pinceau carré, peu importe ce que vous utilisez. Encore une fois, nous ne faisons pas un dessin parfait, nous allons littéralement tomber dans quelques repères, sorte que quand nous peignons, nous ne devinons pas 100%. Pour le visage, je suis tombé dans ces lignes de construction. J' ai cette ligne verticale, je l'ai laissée tomber pour que je sache où se trouve le milieu de la bouche et où se trouve le milieu du nez. Pour le nez, je n'essaie rien, ni épaule, ou quoi que ce soit comme ça. Cette forme de nez, c'est une grosse ombre, donc je l'ai coloriée. Je vais faire des ajustements plus importants. J' utilise l'outil Lasso pour incliner la tête parce qu'en général, je pense, je ne l'ai pas assez incliné. Je vais prendre tout le truc et faire une transformation rapide. Je sais que j'ai tendance à dessiner très gros. Quelque chose que je dois habituellement faire est juste de transformer le dessin entier et de le réduire en taille. Parce que pour l'instant je ne peux pas rentrer dans les cheveux, donc je suis juste en train de les réduire pour que je puisse vraiment dessiner dans les cheveux, parce que c'est l'une des choses que j'aime tant dans cette photo de référence, c'est que tous les cheveux qu'elle a. Je ne veux vraiment pas perdre ça. Quand je dessine les cheveux, je ne dessine pas vraiment aucun des brins du tout. Ce que je cherche, c'est la forme générale des cheveux. Comme je l'ai déjà dit quelques fois, je pense que je ne vais pas pour un dessin qui soit précis à 100 pour cent, mais je veux quand même vérifier que c'est exact, que mes proportions sont correctes, qu'un œil n'est pas plus haut que l'autre, ou que le nez est hors centre ou quelque chose comme ça. Ce que je fais quand je veux vérifier la précision, c'est que je vais prendre mes règles. Vous pouvez utiliser Command ou Control R, pour tirer vos règles, et puis je vais juste faire glisser la libération verticale ou horizontale, cela dépend de ce que je vérifie réellement. Ici, j'ai choisi la zone des joues, cette pommette. J' ai laissé tomber dans une règle verticale sur mon dessin, puis je tombe dans une règle verticale au même endroit sur ma photo de référence. Je regarde en bas de cette règle et je vois, y a-t-il des repères qui s' alignent sur cette règle que je peux vérifier dans mon propre dessin ? Vous pouvez voir sur la référence, son pli du coude s'aligner avec la règle, ainsi que l'endroit où sa main chevauche son autre bras. On a cette petite forme de V parfaite, qui s'harmonise avec cette règle. Si vous regardez mon dessin, vous pouvez voir que j'ai complètement raté ça. Je suis loin. J' ai, eh bien, peut-être pas si mal avec le pli, mais la main est complètement éteinte. Mon choix, si je veux corriger ça ou non. Je pense que je veux le réparer un peu. Je pense qu'un ajustement rapide et facile pour moi est en fait de déplacer la position de sa tête, plutôt que de redessiner cette zone de bras. Je vais pousser la tête un peu vers la gauche, puis je vais réaligner ma règle. Je suis toujours dans la zone des pommettes et maintenant je vérifie. Maintenant, je suis un peu plus précis. Toujours éteint, je vais le réparer un peu, mais je ne suis pas super préoccupé par ça. Vous pouvez le faire à n'importe quel endroit sur votre dessin. Vous pouvez utiliser, comme je l'ai dit, les règles horizontales si vous voulez vous assurer que vos yeux sont alignés correctement, si vous voulez vous assurer que le fond de votre nez est aligné correctement, ou même comme les coins des lèvres, le coins de la bouche. Une autre chose que je fais souvent est de retourner ma toile. J' ai mes raccourcis clavier configurés. Ce n'est pas configuré par défaut. J' utilise la commande ou le contrôle F, pour retourner. Retourner mon image, ça me rafraîchit les yeux, ça rafraîchit mon cerveau. Cela me permet de voir mes erreurs rapidement. Cela me donne une nouvelle perspective, fondamentalement, sur mon dessin. Une fois que je suis satisfait de mon dessin de construction, ce que je vais commencer à faire, c'est déjà que je vais commencer à le styliser. Ce que j'ai fait ici, j'ai sauté devant. Ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai dupliqué ma couche. Juste au cas où je fasse quelque chose que je voudrais ne pas faire et que je dois revenir à mon dessin de construction d'origine, je travaille sur un calque en double. J' essaie de créer une forme plus dominante, au lieu de ces petites chevilles et des trucs comme la mâchoire, par exemple. La mâchoire, on dirait qu'elle chevauche le cou, comme si ces deux-là ne s'alignaient pas. Mais je pourrais en fait vouloir faire exactement la même chose que je l'ai fait avec le menton et aligner ceux, parce que cela simplifie la forme, et pour moi cela semble plus stylisé et me permet de me concentrer plus sur la forme globale, de la personne par opposition à aimer toutes ces petites bosses et des accrocs, et des choses comme ça. Je voudrais peut-être commencer à explorer la forme des cheveux. Je ne suis pas vraiment très heureuse. Je ne suis pas vraiment trop sûr d'aimer les formes de champignons que j'ai en ce moment. Je vais tirer un peu ma photo vers le bas, pour que je puisse mieux voir. Je vais juste commencer à explorer avec les formes ici et voir ce que j'aime. Ici, si j'allume et éteins rapidement les couches, vous pouvez voir le dessin de construction, et ensuite vous pouvez voir ce que j'ai fait. n'y a pas de différence énorme ici. La plupart du temps, je viens de simplifier cette forme autour du menton et du cou. 7. Blocs de couleurs: Parlons des blocs. C' est notre prochaine étape. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai créé un nouveau calque au-dessus de mon calque d'esquisse. J' ai verrouillé mon esquisse et ma couche d'échelle de valeur pour m'assurer que je ne peins pas dessus. Maintenant, je vais prendre mon pinceau carré et je vais simplement colorer dans les lignes. Je vais me donner une base pour travailler. Quand je regarde mon modèle, je regarde où sont les sombres et où sont les lumières les plus légères. Quand je peins, je sais que je veux préserver le noir et le blanc, donc ce sont les deux extrémités d'une échelle de valeur, tu te souviens ? Je sais que je ne veux pas peindre avec l'un ou l'autre de ceux-ci parce qu'une fois que je peins avec du noir, je ne peux pas aller plus sombre que ça et une fois que je peins avec du blanc, je ne peux pas aller plus clair ou plus brillant que ça. C' est comme la fin de la ligne. Si je viens de peindre ses cheveux en noir pur, si vous regardez ses cheveux, elle a aussi beaucoup d'ombres dans ses cheveux qui sont jetées par les boucles. Si je peignais toute la forme avec du noir en ce moment, il n'y a aucun moyen que je puisse faire entrer ces ombres parce que je suis devenu aussi sombre que possible. Toujours quand je peins, je préserve le noir et je préserve le blanc juste pour m' assurer que je peux toujours aller plus sombre ou plus clair dans mes tableaux. Les points les plus sombres sur elle sont ses cheveux, ses vêtements, la chemise, je ne sais pas si c'est une robe, la chemise, et je dirais que ses yeux sont très sombres, sinon les points les plus sombres sur le tableau. Je vais utiliser ma deuxième à dernière couleur là-bas, donc mon numéro 6. Je vais commencer à remplir mes formes avec le numéro 6. J' ai ouvert mon navigateur pour me donner cette vue aérienne. Si j'étais vraiment loin de ma peinture, est-ce que ça traduit encore ? Est-ce que ça marche encore ? Est-ce que ma peinture encore une lecture d'une très, très petite échelle, comme une échelle miniature ? Si cela ne fonctionne pas dans le navigateur, alors je sais que j'ai un problème. Je garde toujours le navigateur ouvert quand je peins comme un autre point de référence. Je vais déplacer mon croquis sur le dessus et je vais le mettre pour se multiplier parce que maintenant je suis toujours en coloriage dans les lignes donc je suis juste en utilisant mon croquis comme référence et j'ai besoin de pouvoir voir. Ensuite, je veux peindre sa peau et le modèle a une peau assez sombre. En général, sa peau est plus comme ce ton moyen, de sorte que 50 pour cent gris et puis il y a des reflets en plus de cela. Mais le teint de base n'est pas si brillant. En fait, je dirais à propos du gris moyen. Pour la majorité de ma peinture, je vais travailler avec ces gars ici et je peux juste ignorer les valeurs les plus brillantes au sommet. J' appuie sur « Alt » lorsque j'utilise mon pinceau et cela m'amène directement au compte-gouttes de couleur et je ramasse généralement les couleurs de la peinture elle-même ou de l'échelle de valeur. La façon dont je travaille quand je peins c'est que je travaille toujours du plus grand au plus petit. En ce moment, ce que j'ai fait, c'est que j'ai bloqué les plus grandes valeurs. Vous pouvez voir que ce sont des couleurs complètement plates. J' ai vraiment utilisé seulement deux valeurs à ce stade et je vais continuer à travailler de plus en plus en détail, donc je suis juste en train de tomber dans les sourcils. Je vais tomber dans la couleur des yeux, mais je ne suis pas encore coincé dans les détails. Je veux ignorer les détails. Quand il s'agit de la forme des yeux, je sais parce que j'ai regardé crânes et des trucs comme ça et étudié un peu l'anatomie de la tête. Je sais que nos yeux sont dans les sockets et que nous avons notre os sourcil qui sort un peu vers l'extérieur, donc nos yeux sont généralement dans l'ombre. Si vous regardez, vous pouvez voir que ses paupières sont et ensuite elle a les sacs sous ses yeux comme les couvercles inférieurs. Ils sont tous un peu plus sombres que sa zone de joue et c'est parce qu'ils sont dans l'ombre. Il y a aussi parce que ses cheveux sont vraiment grands et bouclés, ils projettent des ombres aussi bien sur son visage. Je vais aller de l'avant et généralement teinter autour des yeux juste un peu plus sombre parce que je sais qu'en général ils sont plus sombres. À ce stade, je ne peins pas personnellement, mais j'essaie de me mettre en place pour que j'aie la majorité de mes valeurs vers le bas et la majorité des grandes formes vers le bas. Je veux m'assurer de ne pas rester coincé dans les détails à ce stade. Une des façons de m'assurer de ne pas rester coincé dans les détails est de m'assurer que mon image de référence est fondamentalement zoomée comme elle l'est actuellement ou je vais zoomer encore plus loin pour m'assurer qu'elle est un peu plus petite. Parce que si je zoomais de près, je pourrais voir ses narines, je pourrais voir les pores de sa peau et je ne veux pas me concentrer sur tout ça maintenant. Je garde mon image en zoom arrière et c'est ainsi que je m'assure de ne pas être pris dans tous les petits détails. Maintenant, je descends vers le cou, donc juste en dessous de la mâchoire. Si je plissais sur mon image de référence, je peux voir qu'il y a une ligne assez dure entre le bas de la mâchoire et la zone du cou. Mais le reste de son corps en fait, les ombres sont très douces. Je passe à mon aérographe et je vais utiliser celui-ci pour les ombres. Il n'y a pas trop de bords durs sur ses bras, donc j'utilise mon aérographe pour apporter une partie de cette obscurité. Je regarde à nouveau mon navigateur pour m'assurer que ce que je fais fonctionne. Je considérerais toujours ce blocage dans. Ça commence à ressembler un peu à la peinture, mais j'essaie généralement d'obtenir certaines de ces valeurs. Je veux vraiment dire les couleurs. Quand je bloque, je ne me concentre généralement pas. Je ne me concentre pas sur les faits saillants ou quoi que ce soit du genre. Je travaille juste avec les zones d'ombre et je bloque dans ces formes plus grandes. Maintenant, je suis juste en train d'ajuster la forme que j'ai créée plus tôt avec les cheveux. Je ne pense pas que j'aime la forme que j'ai en ce moment. Je ne suis pas vraiment trop sûr de ce que je veux en faire, donc je joue juste avec cette forme en ce moment. Je regarde le navigateur pour m'assurer qu'il se traduit bien. 8. Peindre les ombres: C' est là que j'ai fini. J' ai changé la forme, un peu de cheveux. Laisse-moi passer à mon tour ou je vais augmenter la pression du stylo. Je vois qu'il y a cette luminosité à la lumière des yeux. Je veux juste laisser tomber ça rapidement. L' œil droit n'est pas aussi brillant que le gauche. J' ai utilisé différentes valeurs là-bas. C' est le seul type de luminosité que je vais apporter dans la peinture pour l'instant. part ça, on va juste peindre dans l'ombre. Maintenant, je vais commencer à regarder les différentes formes. Je veux m'assurer que la forme de l'œil est un peu plus précise, qu'elle ressemble plus à un œil, et n'oubliez pas de tirer vers le haut et ce Navigator à nouveau pour que vous puissiez voir ce que vous faites. C' est là que je commence le processus de raffinement parce que c'est vraiment tout ce que la peinture est. En ce moment, je crois que je travaille avec la deuxième valeur la plus sombre de notre échelle. Je cherche où puis-je voir cette même valeur dans mon image de référence ? Je le vois autour du contour des yeux, et je le vois autour du nez. Tout ça est un peu plus sombre que je ne l'ai fait. J' y vais, j'amène ces ombres. Je passe à mon aérographe parce que beaucoup de transitions sur son visage sont en fait assez douces. Ils sont tout à fait mélangés. J' utilise mon aérographe pour la plupart de ça. Je regarde à nouveau le Navigator pour m'assurer que ce que je fais se traduit à très petite échelle. Parce que si ça ne marche pas, quand c'est vraiment petit comme ça, alors je sais que j'ai acheté un plus gros problème. J' amène cette obscurité dans la joue. Beaucoup de cette zone de joue est amoureuse. Les faits saillants ici nous surévaluons les compétences et je vais donc ignorer cela pour l'instant, et je vais juste essayer de peindre dans l'ombre que je vois. Je regarde la direction de la lumière sur mon image de référence et son dos est un peu dans l'ombre. La lumière vient de l'avant et peut-être du côté droit d'elle. Je sais que son dos est dans l'ombre. Là où ses cheveux chevauchent son front, elle a une sorte de frange bouclée. Celles-ci vont aussi jeter des ombres sur son front. Je dois encore assombrir le front. Je l'ai fait plus tôt, mais je ne pense pas être allé assez loin. Je vais essayer d'apporter une partie de cette obscurité. Alors que je répare cette zone du front, je fais des échantillons de couleur à partir du gris de ton moyen sur ma peinture. Ce n'est pas un point fort que j'apporte. C' est encore cette moitié de gris. Un peu de navigateur. Je pense que pour la plupart, ça marche, ça arrive. Nous en sommes encore aux tout premiers stades de notre peinture, alors ne vous découragez pas. Les choses sont vraiment bizarres ou merdiques en ce moment. Je pense que les peintures passent toujours par ce processus vraiment bizarre où elles ont juste l'air moche pendant 80 à 90 pour cent du temps que je peins. Puis finalement, à la fin, ils commencent à se réunir. Encore une fois, la zone du cou est assez sombre, comme juste en dessous de la mâchoire. Je ramènerai une partie des ténèbres là-dedans et juste autour de ce genre de zone d'épaule aussi. Je pense qu'un peu trop sombre avec ça. Je vais apporter une partie du ton médian à nouveau. Parce que encore une fois, je regarde mon navigateur et je vois qu'il a l' air assez sombre dans mon navigateur et que tout commence à se fondre ensemble. Vous ne pouvez pas voir sa chemise, par exemple, dans le navigateur. Après avoir fait une note mentale de ça et je vais l'ajuster dans un instant. Quand je peins, je peins souvent hors des lignes en fait. J' y vais et je le nettoierai après. Vous pouvez voir avec l'aérographe, ça fait un gros gâchis. Je ne m'inquiète pas parce que je sais que je peux arranger ça plus tard. Je sais que je ne suis pas encore assez sombre avec la chemise. Par exemple, ses yeux et ses cheveux. Je peux supporter de les rendre plus sombres. Je vais augmenter la pression de mon stylo, et ce que cela fait, c'est que je n'ai pas à appuyer si fort ou répéter mon coup si souvent parce que plus de peintures sortent du pinceau. Je l'affiche pendant que j'essaie de réparer ces bords de la chemise ici. Je nettoie encore cette zone, quand je regarde le navigateur, ça a l'air un peu mieux. Pas aussi contraste avec E que la photo de référence, mais mieux. Au lieu de rester concentré dans un de mes tableaux, j'aime beaucoup sauter. Donc je sais que je vais devoir faire sombre dans la chemise à un moment donné, mais je vais laisser ça pour l'instant et je vais commencer à me concentrer ailleurs. Quand je regarde l'œil droit, par exemple. ma photo de référence, vous pouvez voir qu'elle a une grosse mèche de cheveux qui couvre son œil. Je ne veux pas ça dans ma peinture. Je vais devoir y arriver. Je vais juste peindre l'œil au mieux de mes capacités et faire semblant que cette mèche de cheveux n'est pas là parce que je ne veux pas qu'elle soit là-dedans. Quand j'aurai fini ça, je vais faire un zoom arrière. Parce que rappelez-vous, je ne veux pas rester trop longtemps zoomé sur ma photo de référence , car alors je court le risque de rester coincé sur les détails. Je regarde mon navigateur et je pense que c'est mieux dans le visage. Je pense que les sourcils, vous ne pouvez même pas voir dans le navigateur, donc je dois les rendre un peu plus sombres. Je vais travailler sur la zone du nez, donc zoomer encore un peu parce que je sais qu'elle a une ombre qui est jetée par son nez, mais alors vous pouvez aussi voir un petit peu de la narine là-bas. J' aime ce petit détail. Je veux en quelque sorte mettre ça là-dedans. Je vais juste zoomer un peu parce que c'est dur pour moi de voir loin ce qui se passe avec le nez. Je vais zoomer un peu ici. Juste pour travailler un peu dessus, puis je vais le laisser et faire un zoom arrière. Alors que je peins le nez ici et que je me concentre sur cette forme d'ombre, essaie de m'assurer que je sois aussi précis. Puis les lèvres évidemment, quand je bloquais avec un pinceau carré, les lèvres étaient très désordonnées et la forme est totalement fausse. Maintenant, je retourne avec ma brosse ronde et juste une sorte de raffinage ou juste de fixer la forme. J' amène une partie de ces ténèbres dans la boucle. Si je plissais sur ma photo de référence, je peux voir que la lèvre supérieure est toujours aussi légèrement plus foncée que la partie inférieure. Je veux le faire dans ma peinture. Parfois, je vais retourner à la fois ma toile et mon image de référence juste parce que cela aide à réinitialiser le cerveau. Cela me permet de voir ce genre d' erreurs que je ne pouvais pas voir autrement parce que j'étais déjà tellement perdu dans la peinture. Je répare juste cette zone. Ensuite, je vais commencer à travailler sur la zone de la mâchoire. Il y a une légère ombre parce que son menton est rond, que je veux m'assurer d'entrer dans ma peinture parce que je ne veux pas que son visage finisse par être vraiment plat. Je vais passer à mon aérographe parce que je sais que l'ombre ici sous la lèvre inférieure est assez douce et dans ma peinture est très difficile parce que je l'ai fait juste avec un pinceau carré. C' est ma base pour commencer. Alors je vais juste commencer à essayer de le mélanger. Mon blocage me donne une bonne base pour commencer à partir de là que j'affine. C' est tout ce que je fais ici, en essayant d'apporter une partie de cette douceur à l'aide de mon aérographe. 9. Peindre les tons clairs: Enfin, nous allons commencer à apporter certaines lumières dans notre peinture. C' est là que nous allons commencer à travailler avec certaines de ces valeurs à notre échelle qui sont plus proches du blanc, toujours pas du blanc, je vais le réserver. Mais j'ai des reflets dans les joues, le nez, les lèvres, et cette zone de l'épaule et de la clavicule. D' abord, je vais me concentrer sur l'épaule. Ce que j'ai fait, c'est que j'ai compressé tous mes anciens calques et que j'ai créé un nouveau calque sur le dessus pour mes surlignements. Je vais utiliser ma gomme pour couper une partie de la peinture brillante que je viens de poser, parce que son épaule a cette petite forme ici, cette forme carrée. Ce n'est pas aussi doux parce que je l'ai fait. En fait, je suis juste en train d'effacer certains des faits saillants. Maintenant, je retourne avec mon aérographe pour égayer certaines zones. En fait, avant de commencer la vidéo, j'ai juste jeté dans quelques zones lumineuses des cheveux où je pense que la plupart des faits saillants sont, juste messivement je l'ai jeté là-dedans. Encore une fois, comme vous peignez dans les faits saillants, assurez-vous de regarder le navigateur pour voir si vous êtes devenu trop brillant, comme dans cette région de la clavicule, je pense que peut-être je l'ai rendu un peu trop lumineux. Je pense aussi que je n'ai pas rendu l'ombre assez difficile. Je vais entrer avec mon pinceau rond et peindre le long de cette zone d'ombre et de la zone de surbrillance. Maintenant, je vais dans le visage, le nez et les joues parce que très évidemment ces zones sont plus brillantes que je ne l'ai fait. Je dois faire attention à ne pas rendre le côté droit de son visage trop lumineux parce que quand je plisse le côté droit de son visage, la majorité de celui-ci est en fait toujours dans l'ombre, donc je veux m'assurer que je vais trop brillante avec elle. Je commence à zoomer ici, en peaufinant le contour des yeux, en obtenant un peu plus de détails. Au fur et à mesure que nous continuons la peinture, nous entrons toujours un peu plus dans les détails. clair que ce n'est pas là qu'on commence. Nous commençons par les grandes formes, puis nous devenons de plus en plus petits. C' est là que je m'efforce d'affiner un peu les yeux. Je crois que c'est la zone de l'arc du Cupidon. J' ai juste oublié ce qu'on appelle, mais cette zone de ses lèvres est vraiment brillante, je veux m'assurer que je capte ça, je veux m'assurer que je capte ça, et la lèvre inférieure attrape beaucoup de lumière aussi. ce moment, je suis un peu pris dans les détails. J' aime peindre dans les lèvres, les petites lignes sur les lèvres. Parfois, je le fais peut-être un peu prématurément. Parce que cela arrive, parfois je suis encore pris dans les détails et une fois que je remarque que cela arrive, je fais juste un zoom arrière et je passe à autre chose ou à une autre zone de la peinture. Il y a un peu de luminosité sur le menton, donc j'ai laissé tomber ça dedans, et je compare partout, je compare les différents points. L' épaule est-elle aussi brillante que la joue ? Est-ce que je l'ai rendu aussi brillant ? Devrait-il être aussi brillant ? Devraient-ils être les mêmes ? Le nez est-il plus brillant que la joue ? Le nez est-il plus brillant que l'épaule ? Je compare toujours la zone que je viens de peindre. Comment cela se compare-t-il aux zones que j'ai déjà peintes ? Ai-je besoin d'être plus lumineux ou dois-je aller plus sombre ? Maintenant, quand je regarde le navigateur, je vois que ma peinture n'est certainement pas aussi sombre qu'elle pourrait ou devrait l'être. Parce que j'ai déjà utilisé essentiellement la couleur la plus sombre que je peux utiliser sans utiliser le noir, ce que je vais faire est en fait que je vais créer une nouvelle valeur entre le noir et ma valeur numéro 6. C' est quelque chose que je fais quand je peins, c'est que si je remarque que j'ai besoin d'une valeur que je n'avais pas créée, alors je vais aller de l'avant et je vais la créer. C' est très bien. Je sais que je dois devenir plus sombre, mais toujours pas trop noir, donc je vais juste commencer à peindre. Je cherche les zones les plus sombres. Le nez [inaudible], les coins des lèvres, les yeux, ses cheveux et sa chemise, tout cela doit être plus sombre que je ne l'ai fait. C' est tout ce que je fais en ce moment. J' utilise ma brosse dure, parce que si vous regardez sa chemise, elle a des bords très durs en comparaison. Si vous comparez sa chemise à son épaule, ou son cou, ou sa zone des joues, toutes ces zones de peau, ils ont des transitions très douces où les reflets saignent dans l'ombre, alors que la chemise a très dur bords en comparaison. Je n'utilise pas mon aérographe pour la chemise, j'utilise mon tour dur et je peins sur les bords de la chemise. Quand j'ouvre à nouveau le navigateur, vous pouvez voir que c'est beaucoup plus précis qu'auparavant. Vous pouvez voir les cheveux que je n'ai toujours pas fait aussi sombre, et c'était la même valeur que la chemise précédemment. Maintenant, vous pouvez voir son bras en fait alors qu' avant il était plus difficile de voir son bras parce qu'il s'est mélangé à la chemise. Mais maintenant les deux contrastent beaucoup et vous pouvez voir que ce sont deux choses distinctes, la chemise et le bras. 10. Exagération et nettoyage: Encore une fois, j'ai tout compressé en une seule couche, et la raison pour cela, c'est que je vais essayer de pousser mon tableau un peu plus loin, la stylisation de celui-ci. J' utilise le filtre Liquify de Photoshop pour le faire. Quand je regardais ma peinture, j'ai pensé que ce n'était pas mal, mais je veux en faire un peu plus. J' ai l'impression de pouvoir pousser et tirer certains de ses traits un peu plus. Je mettrai ma peinture dans Liquify, et je commencerai à pousser les choses. Je veux changer la forme de ses cheveux à nouveau, je n'en suis toujours pas content. J' utilise ce petit outil de poussée pour le remodeler, et je cherche juste, ai-je cette forme ? J'aime pas cette forme ? C' est un moyen rapide et facile de manipuler la peinture. Je veux pousser un peu le bras, juste ajuster une partie du corps. Ma chose préférée à propos de Liquify c'est en fait jouer avec les fonctionnalités. Quelque chose que j'aime faire, c'est rétrécir et faire pousser les choses. Fais ses yeux vraiment, vraiment minuscules ou je peux les rendre vraiment grands. Je veux juste voir ce qui se passe. Je peux toujours annuler n'importe lequel de ces changements, donc je vais rendre ses yeux très grands. Je pense qu'elle a l'air flippante. Je ne pense pas vouloir garder ce changement. Mais ça valait la peine d'être exploré. C' est peut-être un peu plus grand. Quoi d'autre ? Peut-être pousser le nez un peu. On devrait changer l'expression faciale, même lui faire sourire. Tout est un peu effrayant, mais tout changement que je fais dans Liquify, je peindrais ensuite. En fait, c'est quelque chose d'aigre. En fait, j'aime vraiment ça, je veux le garder. Essayez de faire grossir les lèvres. Je ne pense pas que ça marche. Je pense que j'aime vraiment quand elle a les lèvres, et elle a l'air si bouleversée. Quoi qu'il en soit, on va annuler ça. J' ai fait quelques changements subtils. Parfois, à Liquify, je fais des changements assez massifs. Parfois, je ne le ferai pas. Parfois, je vais juste faire de très petits changements. Mais c'est généralement comme ça que j'utilise Liquify. Maintenant ce que je veux faire, c'est que je veux nettoyer un peu la peinture, parce que j'ai fait un gros gâchis autour de la zone du corps en particulier. Habituellement, ce que je fais est de créer un nouveau calque et je vais saisir la couleur d'arrière-plan et je vais commencer à créer juste ces lignes dures. Ce que vous pouvez faire est de masquer le calque sur lequel vous peignez si vous savez comment créer un masque de calque. Mais d'habitude, je peins juste la couleur de fond dans. Vous pouvez le voir dans le Navigator, il commence vraiment à prendre forme. La partie du corps surtout, maintenant que je l'ai nettoyée, nous pouvons vraiment voir la personne parce que c'était très désordonné avant. Maintenant, je vais commencer à peindre des cheveux. Quand je peins dans les cheveux, je ne vais pas peindre dans chaque mèche de cheveux. Ça me rendrait dingue. Ce que je vais me concentrer sur faire à la place, c'est juste choisir quelques brins et juste laisser entendre que ses cheveux sont bouclés. Je vais dessiner les brins autour des bords de ses cheveux, donc autour de sa frange et juste par ici. Je choisis quelques boucles. Mais qui sont à l'intérieur, je vais juste le griffonner messieusement pour lui donner un peu de texture. Mais je ne fais absolument pas un brin par brin, et je ne fais pas curl par curl. C' est un peu abstrait. Je vais utiliser un gros pinceau, et je vais les trier avec messiesse. C' est seulement autour des bords que je me concentre sur la définition des boucles. Je passe d'un gros et d'un petit pinceau. J' utilise généralement un pinceau plus petit près des bords où je veux trouver un peu plus de boucles. Je passe entre la grande et la petite brosse parce que quand je regarde ses cheveux, je vois qu'elle a de plus grandes bouffées de boucles, et ensuite elle en a de très petites aussi, donc les boucles elles-mêmes vont de boucles épaisses aux boucles minces. C' est pour ça que je fais la même chose. J' imite ce que je vois en ce moment. Je ramollit dans certains des bords en apportant une partie de la couleur de fond à nouveau. J' adoucit les bords de ses boucles. Dans le Navigateur, les choses arrivent définitivement. Je pense que ses sourcils pourraient être un peu plus sombres parce que dans le Navigator en ce moment, vous ne pouvez pas vraiment les voir si bien, donc je vais les rendre un peu plus sombres pour correspondre aux cheveux sur le dessus de sa tête aussi. 11. Touches de finition: Nous arrivons à la fin de notre peinture. C' est le point où je passe en revue mon travail pour m'assurer qu' il n'y a rien qui soit super dans ma peinture. Quand je regarde la position de son nez, je pense qu' il doit se déplacer un peu vers la gauche. C' est ce que je fais maintenant. Je vais prendre l'outil Lasso et je vais prendre le nez et le déplacer vers la gauche. Je n'utiliserais pas Liquify pour ça parce que Liquify peut être bizarre que je trouve. L' outil Lasso me donne juste de meilleurs résultats quand je bouge quelque chose. Une fois que j'ai cassé l'image comme ça, j'ai besoin de la réparer. Mais c'est une solution très simple. Je vais juste l'échantillon de couleur dans les zones ici et je vais juste peindre dans toutes les lacunes. Quand je finis le tableau, je vérifie mon travail. Puis finalement à la fin ici, c'est là que je commencerai à apporter le noir pur et le blanc pur. Blanc pur, généralement pas tellement. Mais par exemple, quelque chose que je vais faire est prendre du noir pur et de le laisser tomber dans les yeux. Parce que d'habitude, quand je peins un portrait, je veux que mon spectateur regarde dans les yeux de mon sujet. Donc, la zone des yeux est l'endroit où j'aurai le plus de contraste. Bords doux et durs ainsi que contraste de couleur ou contraste de valeur. Les yeux que je vais faire comme du noir pur et puis je vais en fait tomber un peu de blanc pour le blanc de l'œil. D' habitude, je ne suis pas blanc pur parce que je trouve que c'est très choquant. Surtout sur ce tableau parce que la plupart de celui-ci est comme dans cette gamme de tons moyens jusqu'à l'extrémité inférieure de notre échelle de valeur. Donc, ajouter du blanc pur dans cette peinture est particulièrement choquant. Je veux ajouter quelques faits saillants aussi parce que je pense juste que ses yeux ont l'air un peu morts pour moi. Même si elle n'a pas de faits saillants dans la photo de référence et que la photo de référence semble bien, je pense que dans la peinture, elle a l'air un peu vitrée et morte. Donc j'ajoute juste quelques faits saillants aux yeux et ensuite je vais apporter ces reflets dans le nez et comme cette zone des lèvres aussi. Peut-être même égayer une partie de la joue. Je n'ai pas non plus ajouté de faits saillants à ses cheveux. Cela ajouterait vraiment une certaine tridimensionnalité à cela. Donc je vais aller de l'avant et juste tomber dans quelques faits saillants parce que maintenant ses cheveux sont vraiment plats, surtout sur le côté droit. Donc, je regarde mon image de référence et je tire certaines des formes que j'aime. Mais même dans l'image de référence, les faits saillants dans les cheveux ou pas si lumineux. Ce que je fais est en fait beaucoup trop brillant. Vous pouvez voir à quel point ce n'est pas réaliste. On dirait qu'elle a des miettes dans les cheveux si vous regardez le Navigateur. Donc je dois adoucir ça. Je vais le faire en ajoutant un masque. Rappelez-vous plus tôt, j'ai parlé de masques. Si vous ne vouliez pas peindre l'arrière-plan directement sur votre peinture lorsque vous effectuez votre nettoyage, vous pouvez utiliser un masque à la place. Donc j'utilise un masque ici. J' utilise juste le masque pour cacher certains de ce que je viens de peindre. Ça l'adoucit. Vous pouvez voir le Navigateur maintenant ce n'est pas aussi choquant qu'avant. La touche finale est vraiment pour moi de nettoyer toutes les zones problématiques, ainsi que de nettoyer la peinture si je coloriais en dehors des lignes n'importe où. Ensuite, il suffit d'ajouter les surlignements et d'ajuster une partie du contraste. La dernière chose que j'aime faire parfois, c'est que je vais ajouter un masque. Si je fais un calque composite de tout, c'est l'option de commande Shift E. Ensuite, j'ajoute un filtre à celui appelé Masque Unsharp. Je peux vraiment aiguiser mon image entière, ce qui signifie qu'elle la rend plus nette et réduit une partie du flou. Alors je vais faire ça. Alors les seules zones réelles que je veux aiguiser sont autour des yeux, peut-être une partie du nez et des lèvres. Encore une fois, je vais utiliser un masque pour cacher le filtre que je viens appliquer et ne l'appliquer que sur les yeux et cette zone de la bouche du nez. Vous pouvez voir dans mon petit masque là-bas, couche 5, le noir sur ce petit masque cache tout. Ensuite, les zones blanches sont l'endroit où cette couche est révélée. Donc, de cette façon, seuls les yeux et autres sont aiguisés. Ok les gars, je veux prendre un moment pour parler de quelque chose de vraiment important à faire quand vous peignez. En fait, il prend des pauses. Pendant toute la durée que j'ai filmé ce cours, je n'ai pas fait de pause une fois. Je ne me suis pas levé de mon ordinateur. J' étais complètement enveloppé dans ce que je faisais. J' avais mentionné au cours de la peinture qu' il y avait quelques choses que je voulais réparer. J' y arriverais plus tard, comme les yeux, la forme des cheveux dont je n'étais pas vraiment content. Mais après avoir fini de filmer la classe que j'étais, c'est génial, c'est fait. Je suis content de ça. C'est bon. Je suis sorti 15 ou 20 minutes pour promener le chien, et quand je suis revenu et j'ai regardé, j'étais comme, mon Dieu, c'était si évident. Je sais où je peux faire des ajustements. J' ai fait des choses comme réparer les lèvres. J' ai simplifié la forme des lèvres. Je change la forme d'un, sinon les deux yeux et fixe les cheveux, ainsi que d'augmenter le contraste. Tous ces changements que j'ai faits, je crois, rendent la peinture meilleure qu'elle ne l'était avant. Alors assurez-vous de vous déconnecter de votre peinture. Un bon 10-15 minutes, au moins peut-être toutes les heures. Mais surtout si vous vous sentez frustré à un moment donné. Si vous êtes frustré par le dessin que vous créez, vous n'en êtes pas satisfait. Faites une pause. Absolument. Même chose avec la peinture. Si à un moment donné vous êtes vraiment coincé ou que vous commencez à parler négativement, peut-être que vous peignez n'est pas bon, vous ne savez pas pourquoi vous le faites. Prends une pause, c'est sûr. Sois gentil avec toi-même. Donnez-vous une pause mentale, et réessayez plus tard. 12. Conclusion: Merci beaucoup de rester avec moi pendant toute la durée de ce cours. J' espère vraiment que vous avez appris quelque chose de nouveau. En ce qui concerne votre projet de classe, vous pouvez trouver les instructions ainsi que l'un des liens que j'ai dit que je publierais. Ainsi, des liens vers des pinceaux, des liens vers des sites de référence photo, tout cela se trouve dans l'onglet Projets et ressources juste en dessous de cette vidéo. Veuillez publier vos projets de classe afin que je puisse voir ce que vous avez fait et que vous puissiez partager votre travail avec vos collègues. Si vous voulez, vous pouvez me trouver sur les réseaux sociaux, eh bien, Instagram vraiment. Je ne suis pas vraiment nulle part ailleurs, @melissadn_art. Je pense que c'est tout, donc jusqu'à la prochaine fois. Au revoir. Oh, un de plus. S' il vous plaît laisser un commentaire honnête si cette classe a été utile pour vous, si vous avez lutté avec quoi que ce soit, juste une critique honnête parce que cela aide vos camarades de classe à déterminer si la classe vaut aussi leur temps. Alors oui, merci d'avoir fait partie de cette communauté. À plus tard.