Jonquilles : un guide facile pour peindre des fleurs à l'aquarelle

1. Bienvenue au cours !: Bonjour à tous. Je m'appelle Will Elliston et je suis ravi de vous avoir tous ici pour le cours d'aujourd'hui où nous allons peindre des fleurs de jonquilles simples mais captivantes En tant qu'artistes, nous ne nous contentons pas de peindre une fleur. Nous capturons l' essence d'une saison. La joie d'un nouveau départ et la promesse de jours meilleurs à venir. Les jonquilles, les pétales gracieux et le comportement ensoleillé en font le sujet idéal pour notre voyage à l'aquarelle idéal Peindre des plantes offre une merveilleuse occasion d' apprendre et de pratiquer des techniques essentielles telles que le mouillé ou le mouillé, mélange de couleurs et l'ajout détails délicats pour donner vie à nos papilles. En travaillant avec ces formes naturelles, nous pouvons explorer le contrôle du pinceau, mélange des couleurs, les techniques humide sur humide et humide sur sec. Et l'art de créer des textures qui imitent les surfaces délicates des pétales, des feuilles et des tiges Nous explorerons la beauté de la simplicité concentrant sur les principes fondamentaux qui vous aideront à donner vie à vos compositions florales. Je suis artiste professionnel depuis de nombreuses années, explorant de nombreux sujets différents, de la vie sauvage aux portraits, en passant par les paysages urbains et les J'ai toujours été fasciné par les possibilités de l'aquarelle, mais quand j'ai commencé, je ne savais pas par où commencer ni comment m'améliorer Je ne savais pas de quel matériel j'avais besoin, comment créer les effets que je voulais, ni quelles couleurs mélanger. Aujourd'hui, j'ai participé à de nombreuses expositions dans le monde entier, figuré dans des magazines et j'ai eu la chance de remporter des prix décernés des organisations réputées telles que l'International Watercolor Society, la Masters of Watercolor Alliance, Windsor and Newton et la SAA L'aquarelle peut être accablante pour ceux qui débutent. C'est pourquoi mon objectif est de vous aider à vous sentir détendu et à profiter de ce médium étape par étape. Aujourd'hui, je vais vous guider à travers une peinture complète, démontrant diverses techniques et expliquant comment j'utilise toutes mes fournitures et tous mes matériaux. Que vous soyez débutant ou que vous ayez déjà de l'expérience, vous serez en mesure de suivre votre propre rythme et d'améliorer vos compétences en aquarelle Si ce cours est trop difficile ou trop facile pour vous. J'ai une variété de cours disponibles à différents niveaux de compétence. J'aimerais commencer par une approche expressive libre, sans crainte de commettre des erreurs, en créant des textures passionnantes pour la sous-couche Au fur et à mesure que la peinture progressera, nous ajouterons plus de détails pour lui donner vie et la faire ressortir. Je m'efforce de simplifier les sujets complexes en faire des formes plus faciles qui encouragent l'espièglerie Tout au long de ce cours, je partagerai de nombreux conseils et astuces. Je vais vous montrer comment transformer les erreurs en opportunités, éliminant le stress lié à la peinture pour vous amuser. Je vous fournirai également mes tableaux de mixage d'aquarelles, qui sont un outil précieux pour choisir et mélanger les couleurs Si vous avez des questions, vous pouvez les poster dans le fil de discussion. Ci-dessous, je ne manquerai lire et de répondre à chaque opinion que vous publiez. N'oubliez pas de me suivre sur Skillshare en cliquant sur le bouton « Suivre » en haut de la page Cela signifie que vous serez le premier à savoir quand je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux Vous pouvez également me suivre sur Instagram chez Will Elliston pour voir mes derniers travaux Êtes-vous prêt à vous lancer dans ce voyage créatif avec moi ? Super, peignons une jonquille et insufflons à nos œuvres d'art la même joie et la même vitalité que cette belle fleur apporte 2. Votre projet: Tout d'abord, merci beaucoup d'avoir choisi ce cours. Je suis très heureuse que tu te joignes à moi. Aujourd'hui, nous allons peindre la jonquille dans toute sa Ce que j'aime dans ce sujet, c'est sa polyvalence. Il existe d'innombrables façons d' interpréter et de représenter sa forme gracieuse. Vous pouvez être aventureux dans vos compositions. Vous avez la liberté de laisser votre créativité et d'explorer les merveilles de l' aquarelle J'ai conçu une approche simple étape par étape que vous pourrez suivre. Cependant, je vous encourage à insuffler votre propre personnalité et votre propre style à vos œuvres d'art N'hésitez pas à expérimenter différentes couleurs, pinceau ou techniques. Dans la section des ressources, j'ai ajouté une image en haute résolution de ma peinture terminée pour vous guider. Vous pouvez suivre exactement ma peinture ou expérimenter avec votre propre composition, car nous allons nous concentrer sur l' aspect peinture de l'aquarelle J'ai fourni des modèles que vous pouvez utiliser pour transférer ou tracer le croquis avant de le peindre. Il est bon de le tracer lorsque vous l'utilisez comme guide pour apprendre à peindre. Il est important que le sous-dessin soit correct afin que vous puissiez vous détendre et vous amuser en apprenant le médium de l' aquarelle lui-même Quelle que soit la direction que vous prenez dans ce cours, serait formidable de voir vos résultats et les peintures que vous créerez grâce à ce cours. J'adore donner des commentaires à mes étudiants, alors prenez une photo par la suite et partagez-la dans la galerie de projets étudiants sous l'onglet Projets et ressources. Je suis toujours intriguée de voir combien d'élèves ont des approches différentes et comment ils progressent dans chaque classe J'aimerais connaître votre processus et ce que vous avez appris en cours de route, ou si vous avez rencontré des difficultés. Je vous recommande vivement de regarder travail de chacun dans la galerie de projets des étudiants. C'est tellement inspirant de voir le travail de chacun et extrêmement réconfortant d' obtenir le soutien de vos camarades N'oubliez donc pas d'aimer et de commenter le travail de chacun 3. Matériel et fournitures: Avant de commencer la peinture, passons en revue tous les matériaux et fournitures que j'utilise habituellement. Le fait de disposer des bons matériaux peut un impact considérable sur le résultat de votre œuvre d'art. Je vais passer en revue toutes les fournitures que j'utilise pour ce cours et au-delà. est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons Il est très utile de les avoir à votre disposition et nous vous aiderons à les suivre plus facilement. Commençons par les peintures elles-mêmes. Comme la plupart des matériaux que nous utiliserons aujourd'hui, cela dépend en grande partie des préférences. J'ai 12 couleurs stables dans ma palette que je remplis à partir de tubes. Ils sont jaune cadmium, jaune ocre, sienne brûlée, rouge cadmium, alizarine, cramoisi, bleu outremer, bleu cobalt, bleu cérilien, lavande, violet, foncé, noir À la fin du tableau, j'utilise souvent du guash blanc pour les petits reflets Je n'utilise aucune marque en particulier. Vous pouvez obtenir ces couleurs auprès de n'importe quelle marque, même si j' utilise personnellement les peintures Daniel Smith, Windsor et Newton Holbeine Passons aux pinceaux. Le pinceau que j'utilise le plus est un pinceau rond synthétique, comme ce pinceau Skoda Pearl ou ce pinceau Van Gogh Ils sont très polyvalents car non seulement vous pouvez les utiliser pour des travaux détaillés avec leur pointe fine, mais comme ils peuvent retenir beaucoup d'eau, ils sont également bons pour les lavages Ils sont également très abordables. J'en ai plusieurs de tailles différentes. Viennent ensuite les brosses à balai. Les pinceaux à balai sont parfaits pour les coups de pinceau larges, remplir de grandes surfaces et pour créer des transitions ou des lavages en douceur Ils ont également une belle pointe qui peut être utilisée pour les petits détails, mais pour les très petits détails, les reflets ou tout ce qui nécessite plus de précision. J'utilise un pinceau synthétique de taille zéro. Toutes les marques en ont et ils sont super bon marché. Un autre pinceau utile est un pinceau de calligraphie chinoise Ils ont tendance à avoir de longs poils et une pointe très pointue. Ils sont parfaits pour ajouter de la texture ou créer des lignes dynamiques dans vos peintures. Vous pouvez même les étaler ainsi pour obtenir des textures de fourrure ou de plumes C'est tout pour les pinceaux sur du papier. votre papier est de qualité, plus il sera facile de peindre du papier bon marché, il se froisse facilement et est très Pour éviter de corriger les erreurs, il est plus difficile de créer des effets attrayants et appliquer des techniques utiles, comme le gommage des pigments. Cependant, un papier de bonne qualité, tel que le papier à base de coton, ne vous permet pas seulement de retravailler plusieurs fois les erreurs Mais comme le pigment réagit beaucoup mieux, les risques d' erreur sont beaucoup faibles et vous aurez plus chances de créer de meilleures peintures. J'utilise du papier Arches parce que c'est ce que l'on trouve dans ma boutique d'art locale. Un jet d'eau est absolument indispensable. En l'utilisant, vous aurez plus de temps pour peindre les zones que vous souhaitez avant qu'elles ne sèchent. Cela vous permet également de réactiver la peinture si vous souhaitez ajouter une ligne lisse ou enlever de la peinture J'ai aussi un vieux chiffon ou un t-shirt que j'ai utilisé pour nettoyer mon pinceau Nettoyer la peinture avant de la plonger dans l' eau prolongera la durée de vie de l'eau Il est toujours utile d' avoir un mouchoir à portée de main lorsque vous peignez pour enlever l'excédent de peinture. De plus, vous ne savez jamais quand éclaboussures ou des gouttes indésirables peuvent se produire et qu'il faut les essuyer rapidement. J'ai également un compte-gouttes pour garder les peintures humides. Lorsque vous peignez, il est important que leur consistance soit similaire à celle des tubes. De cette façon, il est plus facile de prélever suffisamment de pigment. Un sèche-cheveux est utile pour accélérer le temps de séchage et contrôler l' humidité du papier. Enfin, du masking tape. Bien entendu, il s'agit simplement de maintenir le papier immobile sur la surface pour l'empêcher de glisser pendant que vous peignez. De plus, si vous prévoyez de peindre jusqu'au bord, cela vous permettra de créer une bordure très nette et propre. C'est tout ce dont vous avez besoin pour peindre. Je vous encourage à expérimenter et à découvrir ce qui vous convient le mieux. Préparons-nous maintenant à commencer la peinture. 4. Astuces pour le croquis: Lorsque nous pensons au dessin, nous devons décomposer toute la complexité en autant de formes simples que possible. Nous commençons par de petites lignes claires ou des lignes larges. Par exemple, même si la fleur a plein de pétales, je vais juste la mettre en cercle pour commencer. Juste comme ça. Très légèrement, il se peut que vous ne puissiez même pas le voir à l'écran. Puis un au milieu. Ensuite, il suffit de marquer le centre de l'endroit où se trouveront ces pétales, pétale, la tige qui y descendra Et peut-être que vous pouvez avoir une autre tige qui sort de cette façon et y mettre un petit ovale pour cela. Une fleur qui n'a pas encore fleuri, un capitule fermé. Et puis peut-être qu'une feuille arrive par ici. Ce sont des lignes très lâches marquent simplement le formulaire de base. Pour commencer, une autre feuille qui descend ici a de très longues feuilles, peut-être, je ne sais même pas si on les appelle feuilles. Je suis spécialiste des termes botaniques. Nous avons une composition où tout part du centre. J'utilise ici un crayon HB, qui est un de mes préférés Maintenant, je peux entrer et voir plus attentivement dans quoi les formes évolueront. Je n'essaie pas de trop détailler la peinture, le dessin indique simplement approximativement où se situent les choses en fonction de ce que nous avons déjà dessiné. comparant , il se peut que le comparant , il se peut que le centre de la fleur soit un peu décalé. Pour ajouter un peu de profondeur à cette démonstration de dessin, je ne vais pas faire le dessin en entier car cela prendra trop de temps. Il y a trop de va-et-vient et je voudrais créer un modèle que vous pourrez suivre. Cela signifie que je dois obtenir une précision et une propreté supplémentaires, ce qui prend beaucoup de temps si vous voulez le faire correctement. Si vous souhaitez utiliser le modèle qui vous fait gagner beaucoup de temps, vous pouvez passer directement à la pratique de la peinture, qui est essentiellement le but du cours. En gros, je vais continuer comme je l'ai fait, passant en revue les formes de base avec une ligne plus raffinée. Ensuite, j' utiliserai un caoutchouc et essaierai de laisser une ligne nette afin qu'en ce qui concerne la peinture, nous sachions exactement quels morceaux . Commençons la peinture. 5. Sous-couche de fleur: Je vais donc commencer cette peinture en faisant la sous-couche pour les pétales des capitules Je vais utiliser pour mes jonquilles un mélange de un mélange Je sais que certaines jonquilles sont blanches et dorées et ont toute une gamme de Je vais m'en tenir au jaune classique. J'ai du jaune cadmium. Voici une bonne occasion d'explorer tous les jaunes qui ont à offrir, une bonne occasion d'explorer tous les jaunes qui ont à du jaune citron au jaune taxi, au jaune du Gabon, en passant par un peu d'ocre jaune, que nous utiliserons également Je vais le faire car c'est le début de la peinture et il n'y a aucune contrainte pendant la sous-couche Je vais juste remplir cette section très centrale ici. Si vous regardez attentivement mes jaunes ici, je pense que j'ai environ trois jaunes différents mélangés là-dedans Ils portent tous le titre de Cadmium yellow in my eyes. Le jaune de cadmium n'est que le jaune vif du noyau. J'aime bien tous ces jaunes réunis et ils créent leur propre jaune unique quand j'entre et que je sors tout le temps Il en va de même pour beaucoup de mes autres couleurs, comme mon rouge, mon vert. simple fait de mettre différentes variations de teintes appartenant à la même famille rend les choses un peu plus uniques. De plus, j'aime tout le temps expérimenter de nouvelles teintes. Nouveaux tubes de peinture. Je les teste toujours. Avant de les utiliser, je peux voir à quel point ils sont similaires. Je sais qu'ils peuvent être mis dans la même poêle en toute sécurité. Nous venons d'y peindre la tête centrale. Vous pouvez aller trop loin si vous le souhaitez. J'essaie juste de trouver une case à cocher sur laquelle vous pouvez peindre pour vous détendre un peu en pensant à l'étape suivante. Je pense qu'à la prochaine étape, nous incorporerons un peu d'ocre jaune Je vais l'activer sur la palette avec un peu d'eau. Ajoutez un peu de Dm et de jaune à cela, car je ne veux pas d'ocre jaune pur En fait, ce que nous pouvons faire, c'est me laisser nettoyer mon pinceau. Je garderai mon pinceau rempli d' eau, mais d'eau propre. Et je vais juste mouiller certains de ces pétales ici. Il s'agit d'être joueur. Vous n'avez pas à vous soucier des bords. Embrassez la liberté. Tu vois, je tape juste sur ce bord maintenant. Ça commence déjà à saigner, mais ça ne m'inquiète pas J'essaie de puiser dans cette mentalité enjouée. Parce que si vous le faites, quoi qu' il arrive dans le tableau, tant que vous êtes joueur et que vous passez un bon moment, il y aura une sensation et une émotion qui se refléteront il y aura une sensation . Même si le résultat final ne correspond pas à ce que vous aviez prévu dès le départ, à ce que vous aviez imaginé, il aura toujours quelque chose d' unique, c' est de cela qu'il s'agit En fin de compte, comme l' art est très objectif, il est assez difficile de considérer peintures en termes de bien ou de mal, réussite ou d'échec. Parce que quelque chose que vous créez vous-même, que vous pensez infructueux, peut être adoré par d'autres personnes 6. Avantages de l'aquarelle: Certains bits sont plus foncés que d'autres, d'autres sont plus clairs que d'autres. Peut-être un peu d'ocre jaune pur là-dedans. Tout change. Il y a 5 minutes, j' ai dit que je ne le ferais pas. Eh bien, moins que ça, il y a 2 minutes, j'ai dit que je ne le ferais pas , de l'ocre jaune pur Mais je me sentais bien. Alors je l'ai fait. C'est l'une des choses que j'aime vraiment à propos de l'aquarelle, qui n'est pas très comparable à d'autres médiums Sa spontanéité, le changement de plan Avec l'aquarelle, vous pouvez être spontané. Vous pouvez mélanger les choses, jouer avec le médium et le laisser faire de la magie de son propre chef. Vous pouvez laisser l'eau et le pigment faire des choses indépendantes de votre volonté avec de l' huile et de l'acrylique. Cependant, vous devez vraiment le faire, toujours penser à vous-même, pour ainsi dire. Cela ne joue pas sur le papier en soi comme le fait la couleur découpée à l'eau, ce qui est une bonne chose à certains égards. C'est plus fidèle à ce que vous voulez exprimer. Mais j'aime l'aquarelle parce qu'elle interagit de manière intéressante C'est assez éthéré, presque parce qu'il fait quelque chose de son propre chef. Bien sûr, c'est vous qui le manipulez et l' encouragez à voir ces choses Mais c'est intéressant d' éclabousser un peu de papier blanc pur juste pour un peu de texture Je vais peut-être rendre ça un peu plus vivant ici, dans le maquis central , par rapport à l'eau pure Je m'en fous si ça crée des bords laids ou durs, c'est juste une sous-couche Pour le moment, ces bords laids sont en fait très intéressants pour les sous-couches. Passons à autre chose, en regardant l'anatomie d'une jonquille sur la tige près de la Il y a généralement une partie brune, je ne connais pas le terme, mais si vous voyez des photos ou des références, vous pouvez voir qu' elle a la texture d'une feuille desséchée . Je vais donc simplement peindre cela en fin de couche pour cela ici. 7. Deuxième fleur: Maintenant, je peins ce capitule de fleur. Avant de commencer à peindre, comme je le faisais avant d' enregistrer ce cours, j'ai pris quelques minutes à regarder ce que je m' apprêtais à peindre pour voir quelles zones je vais peindre premier et quelles zones je vais superposer. Si vous regardez l'image finale dans la section de référence, vous verrez que je suis en train de passer en revue cette zone. Mais je sais que plus tard, comme il fait plus sombre, je vais passer sur cette partie avec un vert plus foncé. Peu importe si je le superpose maintenant avec le bout de mon pinceau. J'utilise mon pinceau à perles, taille 8 pour le moment, un Skoda Je vais essayer de peindre la majeure partie de la peinture avec ce pinceau car s'il est appliqué avec une telle pression, vous pouvez obtenir un coup de pinceau assez épais. Mais il y a aussi un petit conseil sympa à la fin. Mélangez un peu de cobalt à cette extrémité et laissez vert ressortir du bleu outremer ici Deux, en mélangeant avec ce jaune pour obtenir un vert. Peut-être que si je fais très attention, pourrais mélanger un peu de rouge à ce jaune pour obtenir une orange. Il suffit de le tamponner un peu ici pour la sous-couche C'est à peu près ça. Maintenant, nous pouvons continuer et créer quelques textures supplémentaires en plus, mais avant cela, nous devons nous assurer que le produit est complètement sec Je vais donc utiliser mon sèche-cheveux pour m'assurer qu'il est sec. Peut-être que je peux, avant de le faire, ajouter un peu plus de ce vert ici 8. Donner une forme de pétales: Maintenant, nous pouvons y retourner et appliquer une autre couche sur les capitules. Et je vais utiliser l'ocre jaune pour commencer en mélangeant beaucoup d'eau sur mon pinceau Il suffit de caresser quelques lignes, peindre jusqu'à la section centrale Je vais peut-être taper un peu de rouge là-dedans. Oh, c'est très fort. C'est trop. C'est bon Je peux le diluer encore plus. Un peu de ça là-dedans. J' ajoute juste un peu plus de profondeur. Peut-être qu'un peu de ce brun fait une partie de ce brun là-dedans. Explorez vraiment ce que vous voulez faire. Une ligne comme celle-ci, peut-être en passant par les différents pétales un par un, vous pouvez expérimenter avec un pigment épais, comme je vais le faire maintenant. L'un des aspects les plus intéressants de l'utilisation pigments épais à l' aquarelle est sa capacité à créer des effets riches et texturés qui ont de la profondeur et L'utilisation d' un pigment épais donne ce trait audacieux et expressif qui peut évoquer l'énergie et la vitalité des peintures 9. Astuces d'autres couleurs: Je peux peut-être vous aider à ajouter un peu de pigment plus foncé là où il atteint la partie intérieure, en le laissant saigner. le premier peu de pigment puissant que nous appliquons, J'ai ajouté le premier peu de pigment puissant que nous appliquons, c'est de la Sienne brûlée D'ailleurs, cela peut sembler une couleur étrange à ajouter au jaune, mais lorsque je peins des tons différents et que j'essaie d'exprimer du volume avec des zones claires et sombres, au lieu d'utiliser du noir pour le rendre plus foncé, j'aimerais simplement utiliser une variété d'autres couleurs. J'aurais pu utiliser le violet parce que c'est une couleur complémentaire. Je vais peut-être refaire la même chose ici. Je devrais peut-être prendre le risque avec un peu de vert ici, juste pour un peu de variété. Ce que j'essaie de faire, c'est d'avoir un schéma de couleurs primaires principal. Ensuite, j'influence les autres couleurs, ajoutant juste de petites touches pour les rendre plus intéressantes et leur donner de la profondeur. En intégrant ces petites touches de teintes secondaires ou tertiaires, nous en augmentons la complexité visuelle. Et le placement stratégique de ces influences subtiles peut aider à créer un équilibre, évoquer des humeurs et à guider le regard du spectateur Cette approche ajoute un peu de sophistication et invite à un engagement plus profond avec l'ensemble de l'œuvre d'art. Retournez là-haut avec les brûlés. Maintenant, je vais travailler du haut vers le bas de l'autre côté. Curieusement, le premier tableau qui m' a vraiment intéressé à l'art quand j'étais à l'école est un tableau de Salvador Dar intitulé La métamorphose de Narcisse. Curieusement, le premier tableau qui m' a vraiment intéressé à l'art quand j'étais à l'école est un tableau de Salvador Dar intitulé La métamorphose de Salvador Dar intitulé La métamorphose Narcisse, il représente en fait une jonquille dans cette peinture, car le nom latin de la jonquille car le nom latin de la Le tableau lui-même raconte le mythe grec de Narcisse, qui tombe amoureux de son propre reflet et transforme en narcs, la Cela se voit dans le tableau d'une manière très surréaliste L'utilisation de la jonquille dans ce tableau est hautement symbolique et c'est de là que la fleur tire 10. Jeu de lumière et d'obscurité: Je trouve que c'est un peu trop fort en haut, donc je vais juste utiliser un mouchoir en papier. Tamponnons-le un peu. Pourquoi ça ? Passons au pétale suivant, je devrais peut-être incorporer un peu plus de jaune maintenant Parce que le reste d'entre eux sont un peu bruns ou dorés pour un peu de variété. Je pense que je veux juste réessayer le jaune en utilisant un salaire élevé. En fait, j'en ai eu une petite idée, comme vous le voyez ici. Nous avons les parties sombres qui contrastent avec la lumière du milieu. Je pense que de ce côté, je vais le rendre un peu plus dynamique en le rendant plus foncé sur ces parties, ou plus foncé sur la lumière. L'interaction entre la lumière et l'obscurité est cruciale pour créer des œuvres d'art dynamiques et captivantes fait d'avoir des zones claires des zones sombres ou des arrière-plans sombres, puis des éléments sombres arrière-plans clairs ajoute de la profondeur, du contraste et un intérêt visuel à la composition. Ce contraste définit les formes, met en évidence les points focaux et donne une impression de tridimensionnalité à ce qui est essentiellement une surface bidimensionnelle Cela contribue également à l'ambiance et à l' atmosphère générales de l'œuvre d'art, permettant aux artistes de transmettre des émotions, du drame et de la tension, si c'est l'émotion que vous souhaitez transmettre. La maîtrise de l'équilibre entre la lumière et l'obscurité améliore la lisibilité globale et l'impact de l'œuvre Attirer l' attention du spectateur et guider son regard tout au long de la composition. Qu'il s'agisse de peinture ou de dessin, le placement de la lumière sur l'obscurité et de l'obscurité sur la lumière est essentiel pour créer des œuvres d'art captivantes et mémorables. Peut-être que je peux être particulièrement courageuse ici et faire très sombre avec un peu de rouge juste là. Je ne sais pas pourquoi je dis cela parce que je suppose que c'est risqué, car il n'y a rien à perdre en cas de problème à la fin de la journée. 11. Trouver votre style: Faire preuve de courage et prendre des risques en peinture est essentiel croissance artistique et à la création d'œuvres vraiment percutantes Parce qu'il s'agit de dépasser les zones de confort, d'explorer nouvelles techniques et de remettre les approches classiques de l'art. C'est ce qui les rend uniques et c'est là que vous pouvez trouver votre propre style et votre propre vision. Et en tant qu'artistes courageux ils s' ouvrent à cette expérimentation. Permettre la découverte, prendre des risques, c'est ne pas avoir peur de faire des erreurs Et reconnaître que l'échec fait partie intégrante du processus créatif et des opportunités d' apprentissage et de croissance Il s'agit d'abandonner le perfectionnisme et de faire preuve de spontanéité, laissant l'intuition et l'émotion guider les coups de pinceau et le Je prends un peu de bleu et vert parce que c'est déjà jaune. Je ne vais même pas ajouter de nouveau jaune à ce bleu parce que je sais qu'il se transformera lui-même en vert lorsqu'il se superposera au jaune qui se trouve déjà sur le papier. Il est important de faire attention aux couleurs de la première couche de peinture car elles servent de base aux couches suivantes. Bien entendu, les premières couleurs utilisées dans cette couche peuvent influencer et interagir avec les nouvelles couleurs appliquées, affectant l'apparence générale et l' harmonie de l'œuvre d'art. Par exemple, si une nuance chaude dans la couche initiale, les tonalités froides suivantes peuvent apparaître plus atténuées ou atténuées lorsqu'elles sont appliquées par-dessus, Lorsque des couleurs vives sont appliquées sur des couleurs ternes, la base neutre peut paraître moins intense Et c'est quelque chose que vous pourriez vouloir ou ne pas vouloir. Quelques stands ajoutent un peu plus de texture et sous-tendent la forme. Être conscient des couleurs de la première couche de peinture et de la façon dont elles peuvent interagir avec les noyaux appliqués Nous pouvons planifier stratégiquement nos compositions, créer de la profondeur et de la dimension. Bien entendu, l'expérimentation et l'observation sont essentielles pour maîtriser cet aspect La seule façon de le faire est de s'entraîner et de le découvrir par vous-même. Mais vous pouvez le faire par le biais de leçons comme celles-ci et par le biais de vos propres études si vous le souhaitez également. Permettez-moi d'ajouter un peu de jaune pur à certaines de ces zones. OK, je vais juste le mettre un peu mes pourboires, et je trouve que c'était un peu trop coloré. Je ne veux pas que cette partie soit si brillante, alors je vais utiliser le même bleu. Diminue juste un peu le dynamisme comme ça. Maintenant, je vais le sécher à nouveau afin que nous puissions passer à la couche suivante. En fait, pour la prochaine étape, je vais peindre ici, mais j'ai besoin que tout soit sec à l'extérieur ne pas le maculer lorsque je le peins Je vais donc utiliser le sèche-cheveux. 12. Création de la profondeur: En utilisant les mêmes couleurs que celles que j'ai déjà sur ma palette, juste pour peindre quelques textures au milieu, j'ai déjà marqué de nombreux traits au crayon Il me reste donc beaucoup de temps à les remplir. en revenir à ce dont je parlais tout à l'heure, il n'est vraiment pas rare que les artistes se sentent déconnectés de leur propre travail. Ils trouvent des défauts ou se sentent insatisfaits même lorsque les autres l'admirent vraiment Ce phénomène met en évidence la nature subjective de l' appréciation de l' art et la diversité des points de vue que les spectateurs apportent à une œuvre. Même si l'artiste estime personnellement qu'un tableau est un échec, d'autres peuvent le percevoir différemment. Trouver une résonance esthétique ou une profondeur émotionnelle qui résonne avec eux. Cette dissonance, pour ainsi dire, entre la perception de l'artiste et la réaction du public souligne complexité de l'interprétation artistique et la myriade de facteurs qui influencent les réactions individuelles Cela nous rappelle que l'impact de l'art va au-delà des intentions ou des jugements de son créateur. Les spectateurs apportent leurs propres points de vue et expériences uniques à l' interprétation de la pièce. Au cours de l'histoire, tant d'artistes ne se sont pas contentés leur travail devenir leur œuvre principale par la suite, qu'il s'agisse de musiciens ou de peintres. En fin de compte, cette disparité de perception souligne la richesse et la diversité de l'expérience artistique, mettant en évidence le pouvoir de l'art de susciter des émotions et des liens variés Même si les artistes eux-mêmes n' apprécient pas pleinement l'œuvre, vous pouvez commencer à la superposer, en épaississant de plus en plus Plus on se rapproche du centre. La raison pour laquelle nous devenons plus sombres lorsque nous arrivons au centre de cette fleur est que nous essayons de créer de la profondeur et de la forme. En manipulant la lumière et ombre à l'aide de différentes valeurs, nous créons une forme tridimensionnelle, peu de noir pur juste au milieu pour créer un contraste saisissant 13. Scrapter la peinture: Bien qu'il s'agisse d'un pigment épais et qu'il ne soit pas encore séché, vous pouvez utiliser un cure-gazon. Pourquoi ? Je l'ai à portée de main. Je vais juste en gratter quelques-uns. J'ai oublié comment ils appelaient les particules de pollen. Grattez-les comme ça. J'ai l'habitude de le faire à la toute fin, mais je ferais mieux de le faire maintenant pendant que j'y pense. Je vais prendre du blanc pur et remplir quelques-uns des morceaux que nous venons de gratter, juste pour qu'ils sortent directement du tube Commençons maintenant à penser aux feuilles et aux tiges. J'aimerais commencer de gauche à droite car je suis droitier afin ne pas gâcher ce que j'ai déjà fait Afin que toutes les couleurs soient harmonisées. C'est une bonne idée de les mélanger tous d'abord. Parce que si vous mélangez une couleur ici et que vous ne savez pas comment la mélanger à nouveau et que vous n'en avez plus, cela ne créera pas le sentiment d'illusion souhaité, surtout s'il s'agit de la même tige de feuille. Je vais passer à un pinceau légèrement plus grand. Vers quel pinceau dois-je passer ? Ce pinceau Van Cough numéro dix. Je n'ai pas de brosse Skoda numéro dix pour le moment, cette brosse Van Gogh fera l'affaire, nous pouvons utiliser les jaunes que nous avons déjà ici pour nous aider à mélanger Je vais utiliser le vert comme base. Quoi qu'il en soit, mélangez ça avec le jaune, mais j'ai l'impression que l'idian est un vert assez artificiel Je vais y mélanger un peu de bleu marine ultra. C'est plutôt sympa. Mais je pense que c'est plutôt une teinte. Il fait noir. Mélangeons un peu celui-ci. C'est trop brun. En fait, je vais utiliser mon mouchoir pour nettoyer cette section. Je vais en prendre un peu, un peu plus de jaune de cadmium, une bonne quantité, et y mélanger ça. C'est un vert vif. Mais est-ce le genre de vert que je veux ? Je pense que je vais ajouter un peu de turquoise ou de bleu sérilien, ça ressemble un peu plus à ça Je vais peut-être en ajouter un peu plus. Du vert varidien, peut-être pas tant que ça. Peut-être un peu plus. Passons à une autre section. Il faut donc un peu de temps pour réfléchir à la couleur que vous voulez réellement. 14. Commencer les feuilles: Le vert est une couleur particulièrement difficile à obtenir, n'est-ce pas , parce que vous avez nombreuses couleurs différentes à partir du jaune, tous ces bleus et du vert lui-même. Je pourrais y ajouter un compliment, pour le griser un peu parce que je ne veux pas qu'il soit si anormalement éclatant Ça ressemble un peu plus à ça en fait. C'est un peu plus naturel. Je pense que c'est un bon point de départ, alors peut-être un peu plus. Je vais commencer par là. Je pense que je vais mouiller mon pinceau. Allons-y directement. L'avantage de ces feuilles, qu'elles peuvent être un peu plus abstraites car c'est le point central, celui qui nécessite le plus d'attention. Et les autres parties, secondaires, n' ont pas besoin de l'être, elles n' ont pas besoin d'être correctes. Tant qu'ils n'ont pas tort au point de détourner leur attention du point principal, cela ne devrait pas avoir d'importance. J'ai de la chance de voir comment ça se passe. Mettez-y ce ton bleuté. Peut-être pourriez-vous utiliser ce vert plus artificiel ici ou là-bas, plutôt qu'un peu plus foncé au bout. C'est bon pour une première prise. Nous reviendrons sur quelques tons d' ombres un peu plus tard. Mais pour la première prise de sous-couche, tout va bien Je pense que nous laissons ces pigments faire leur magie pour le moment. Faisons la même chose ci-dessus. Celui-ci est un peu plus compliqué car les pétales se chevauchent Nous devons nous assurer qu' il y a une certaine unité. Une bonne façon de le faire est de vous assurer de peindre les deux côtés avec la même couleur. C'est ce que je vais faire. Je vais m' assurer qu'il y a suffisamment de pigment sur mon pinceau. Et je vais juste compléter ces sections initiales jusqu'au bout. Vous devez donc vous assurer que les tonalités sont également similaires. Les tons, je veux dire, la légèreté et l'obscurité. Il suffit d'ajouter un peu d' eau sur mon pinceau, l'eau pure, parce que je veux garder la couleur, mais remplir cette zone avec l'eau comme là. OK, je vais reprendre celui-ci bleu et quelques touches de bleu ici Quelques-uns, eh bien, je les appelle bleus. Je veux dire, le vert bleuté est toujours vert. Ça a l'air vert ici. Ici. Il semble bleu parce que nous avons déjà un bleu très fort sur le pigment, sur le papier. Ce que j'aime dans ce pigment bleu, que je crois que c'est le bleu de Sérilien que j'ai ici C'est un pigment de taille différente de celle du pigment vert. Quand il sèche, c'est difficile à voir sur la caméra, mais quand il sèche, on peut voir les différents pigments aux différents endroits. Cela crée un joli petit effet. 15. La différence des pigments: différentes peintures à l'aquarelle possèdent des épaisseurs de pigments différentes Et cela influence le comportement des peintures lorsqu'elles sont mélangées sur du papier séché ou lorsque les peintures sont mouillées ensemble sur le papier. Et il en résulte des résultats uniques et visuellement captivants. Les aquarelles contenant des pigments plus épais ont tendance à conserver leur intensité et leur opacité manière plus visible, créant traits audacieux et À l'inverse, les peintures contenant des pigments plus fins produisent des lavages plus translucides et des couches délicates, permettant à la lumière d'interagir avec le papier sous-jacent Lorsque ces peintures sont mélangées sur le papier, leurs diverses consistances interagissent de manière dynamique, produisant toute une gamme d'effets, tels que la granulation, où les pigments s'installent dans les textures des motifs du papier, ou les fleurs lorsque les pigments se diffusent de manière imprévisible C'est celui-là qui est fait. Je passe maintenant à cela avec la même couleur de base au milieu. J'utilise un pigment très épais pour commencer pour obtenir ce beau contraste entre le jaune du pétale et le vert de la tige Ensuite, une fois que nous l'avons fait, nous pouvons simplement le remplir avec ce que nous voulons. fur et à mesure que l'eau s'évapore pendant le processus de séchage, les pigments se déposent. Les pigments se fixent et se lient aux fibres du papier, capturant ainsi l'essence de leur interaction. Cette interaction entre les épaisseurs de pigments donne lieu à une riche palette de couleurs, de textures Rendre chaque aquarelle vraiment unique grâce à son expression des techniques de l'Arctique aux qualités intrinsèques des pigments eux-mêmes. J'ai l'impression qu'il fait un peu trop foncé, alors je peux juste nettoyer mon pinceau et j'aspire une partie de ce pigment Juste un petit peu comme ça. Je pense à une deuxième couche plus tard dans le tableau le tableau, s' il fait déjà trop sombre que cela ne sera plus beau plus tard. Maintenant, cela peut devenir un peu compliqué ici avec tous les différents chevauchements des différentes feuilles et tiges vertes Je vais faire en gros un seul lavage pour la sous-couche sur l'ensemble Ensuite, la deuxième couche différenciera, différenciera les différentes sections un peu mieux en reliant le tout, en s'assurant de peindre les bonnes zones et en laissant les espaces blancs un peu plus grands. Be, ouais, je crois 16. Utiliser des couleurs non naturelles: Un peu plus vert. Maintenant que nous arrivons au sommet, c'est presque du bleu pur. Mais il est normal d'incorporer couleurs non naturelles, pour ainsi dire. Tant que les zones importantes, comme les pointes, sont entièrement vertes et que cela a du sens, incorporation de couleurs non naturelles dans une œuvre d'art peut être un outil puissant pour créer, intriguer et capter Lorsque nous nous écartons des palettes de couleurs réalistes, nous avons la possibilité de susciter des émotions, remettre en question les perceptions et de susciter curiosité de notre public De plus, les couleurs non naturelles peuvent ajouter un élément surréaliste et fantastique à l'œuvre, et cela amène les spectateurs à un état d'esprit plus imaginatif , plutôt qu'à quelque chose de directement réaliste ou figuratif directement En utilisant un peu de ce vert non naturel. Non, si vous ne cherchez pas à mélanger vos propres couleurs, certains verts que vous pourriez obtenir sont le vert émeraude ou le vert forêt. Ce sont des teintes typiques de la nature. J'ai tendance à utiliser le vert dian , que l' on trouve moins dans la nature. Je l'utilise simplement comme couleur de base car elle peut être mélangée à de nombreuses choses différentes. Vous pouvez même, je vais essayer d' utiliser un peu de noir juste pour le griser. En le grisonnant un peu, on rehausse vraiment l' éclat de ce jaune Associer des couleurs sourdes à des couleurs vives est une technique puissante pour renforcer l'illusion d'éclat En supposant des couleurs tamisées avec des teintes vives, nous pouvons créer un contraste dynamique qui rend les couleurs éclatantes encore plus intenses Les couleurs douces servent de toile de fond permettant aux couleurs vives de se démarquer principalement et de capter l'attention du spectateur Ce contraste ajoute non seulement un intérêt visuel, mais crée également une impression de profondeur et de dimension dans la composition. Les couleurs atténuées procurent un effet apaisant, empêchant les couleurs vives de submerger le spectateur tout en leur permettant de briller de mille feux Je reviendrai sur cette section plus tard, mais je la compléterai et j'ajouterai plus de définition le moment venu. En incorporant plus de légumes verts, tous les types de légumes verts sont présents dans cette peinture maintenant. 17. Pourquoi le vert est difficile: Il s'agit plutôt d'un vert barridien que l'on utilise actuellement du bout de mon pinceau pour m'assurer que l'extrémité est fine. Salut, allons-y. Et je suppose que je vais devoir rejoindre cette tige et suivre de la page jusqu'à la bordure. Et c'est la première prise pour les feuilles et les tiges. Maintenant, peut-être que nous pouvons recommencer à partir de là, mélangeant le bleu cobalt et le jaune. Je passe juste en revue certaines sections pour ajouter détails un peu plus approfondis, impliquant des détails Plutôt que de peindre tous les détails. Ce que j'aime faire, c'est attendre quelques secondes que le bord sèche. Et une fois que le bord est sec, j'utilise un mouchoir pour essuyer le reste. Et ça laisse juste un côté dur. Mais je vais devoir attendre encore un peu avant d'en arriver à cette étape. Le vert peut être une couleur très difficile à mélanger. L'une des plus difficiles, c'est qu'elle occupe une position unique dans le spectre chromatique de la roue chromatique, car ce n'est pas une couleur primaire, elle demande un peu plus de réflexion lors du mélange. Il peut être difficile d'obtenir la bonne teinte de vert, car légères variations de ces pigments peuvent donner lieu à des tons très différents, émeraudes éclatantes aux feuilles d'olive atténuées Les pigments verts ont tendance à être moins intenses et plus susceptibles de produire des mélanges boueux ou ternes lorsqu'ils sont combinés avec d'autres couleurs Parce que les pigments verts naturels contiennent des impuretés qui peuvent modifier leur teinte ou leur opacité lorsqu'ils sont mélangés à d'autres couleurs Voyons voir si cela fonctionne. Non, ça n'a pas marché. Je n'ai pas attendu assez longtemps. C'est bon Tu pourras l'essayer la prochaine fois. 18. Être ludique: Être un peu plus joueur après avoir fait toutes les ridules pour atteindre le bord des lignes. Il est plutôt temps de se détendre à nouveau et de revenir à un état d'esprit ludique Je vais faire très sombre dans la section située derrière pour séparer les différentes tiges et feuilles. Je vais garder ce pigment épais ici et j'ai besoin d' un petit pinceau pour l'étaler. Pour poursuivre ce que je viens de dire, si nous examinons certains exemples célèbres, cela pourrait nous rassurer quant à ce que nous pensons des résultats de nos peintures. Par exemple, Vincent Van Van Go avec son tableau Star A Night. Il est connu pour ses problèmes de santé mentale et a souvent exprimé des doutes quant à son travail Mais ce tableau est aujourd'hui l'un des tableaux les plus emblématiques. Beaucoup de gens le considèrent comme le meilleur peintre de tous les temps. Même s'il a apprécié le processus de peinture, il avait l'impression de réaliser son potentiel, il n'a jamais eu l'impression d'être arrivé. Et aussi, de Léonard de Vinci, l'un des tableaux les plus célèbres, sinon le plus célèbre qui existe, il a constamment peaufiné et peaufiné, jusqu'à sa mort Il n'a peut-être même pas considéré que c'était un succès complet maintenant qu'il n'avait jamais eu l'impression que c'était complet. Oh, j'ai posé ma main sur le papier. Il faut s'en méfier. Si vous avez vu mes autres cours, vous savez à quel point j'aime utiliser pigment épais puis l' étaler avec de l'eau. Je l'aime bien parce qu'il offre une belle petite interaction entre contrôle et spontanéité Et cela produit généralement des effets captivants que je ne peux pas prévoir Je ne fais que le manipuler et je vois où l' aquarelle le mène car cela favorise des textures et des résultats intéressants. Je crois davantage en ce processus que si je devais simplement mélanger la bonne consistance et simplement remplir cette zone moi-même, en un trait très épais, puis en la ramollissant avec un pinceau humide Quelques traces de pinceau sèches, encore une fois, il y avait un pigment épais, puis on a utilisé de l'eau pure pour l' influencer et le manipuler. 19. Théorie des couleurs: Permettez-moi de parler un peu de la théorie des couleurs. Bien sûr, vous avez vos couleurs primaires qui sont le rouge, le jaune et le bleu. Les couleurs secondaires sont ensuite créées en mélangeant deux des couleurs primaires. Le rouge et le jaune font évidemment l'orange, jaune et le bleu, le vert et le bleu et le rouge font le violet. Les couleurs tertiaires, quant à elles, sont formées en mélangeant une couleur primaire avec une couleur secondaire adjacente à celle-ci sur la roue chromatique. Par exemple, la couleur principale bleue. La couleur secondaire verte produit une couleur turquoise, une couleur bleu-vert. couleurs secondaires et tertiaires offrent une vaste gamme de teintes qui ajoutent de la profondeur et de la complexité. Ou du moins, cela donne une impression de complexité alors qu'en fait, cela peut simplement être résolu. De plus, en sachant quelles couleurs se trouvent sur la roue chromatique, cela vous aidera à savoir quelles fonctionnent ensemble en tant que couleur complémentaire. Habituellement, les couleurs complémentaires sont directement opposées. Mais vous pouvez diviser deux couleurs complémentaires en trois couleurs complémentaires si vous les regardez en trois. Si vous faites le tour de la roue chromatique en trois parties au lieu de la moitié, soyez un peu plus abstrait. Encore une fois, un peu d'excitation. Ce n'est pas que j' essaie de changer orientation par rapport au résultat final de la peinture, je n'essaie pas d'en faire une peinture abstraite, je fais juste une transition temporaire vers je fais juste une transition temporaire style plus expressif et plus souple afin d'insuffler de la vitalité et d'empêcher l' œuvre de devenir monotone ou d'être submergée par les détails au fur et submergée par à mesure que la peinture avance, un peu de pigment bleu foncé, encore une fois, en allant jusqu' ici, en utilisant l'eau. Encore une fois, même technique qui consiste à utiliser un pigment épais puis à l' étaler avec de l'eau. 20. Détails vs expression: Certains artistes ou moi-même pouvons nous retrouver attachés rendu méticuleux ou trop focalisés sur la précision, étouffer la spontanéité et En introduisant un petit changement vers l'expressivité, il favorise un sentiment de libération et permet plus grande exploration de la texture, de l' émotion et de l'expression juste En relâchant les coups de pinceau, en adoptant des couleurs vives et en renonçant au strict respect du réalisme, nous pouvons insuffler plus d'énergie et de dynamisme à nos œuvres d'art Cette approche revitalise le processus de peinture, ravivant à nouveau la passion et l'enthousiasme, tout en favorisant un lien plus profond avec le De plus, adopter l'expressivité à mi-chemin d'une peinture peut être un outil puissant pour surmonter les blocages créatifs et dépasser les limites que un outil puissant pour surmonter les blocages créatifs et dépasser les limites l'on s'est imposées Adopter une approche plus intuitive et instinctive encourage les artistes à faire confiance à leur instinct, prendre des risques et à accepter imperfection dans le cadre de Il favorise un sentiment de spontanéité et de fluidité, permettant à la peinture d'évoluer manière organique et de se déployer de manière inattendue, ce qui la rend permettant à la peinture d'évoluer de manière organique et de se déployer de manière inattendue, ce qui la rend vraiment unique. En fin de compte, l'intégration l'expressivité à mi-chemin d'une peinture revitalise le processus artistique et donne à l'œuvre une toute nouvelle ampleur de vie, lieu de s' enliser dans détails monotones qui n'ajoutent pas réellement d'émotion ou Un obstacle courant que presque tout le monde doit surmonter lorsqu'il apprend à peindre, y compris moi pendant une très longue période, est la tendance à se concentrer sur la maîtrise des détails Souvent au prix de l' expression et de l' espièglerie dans leur travail. Bien que l'acquisition de compétences techniques soit sans aucun doute importante et essentielle. Être trop préoccupé par cette précision peut entraver le développement artistique et étouffer Cette fixation sur la perfection découle souvent du désir de produire des pièces polies ou finies. Amener les élèves à aborder leurs œuvres d'art avec un sentiment de rigidité et de pression auto-imposée. Cependant, la véritable expression artistique s'épanouit lorsque les artistes se donnent la liberté d'expérimenter, prendre des risques et de jouer avec leur médium Adopter un état d'esprit ludique encourage l'exploration et la découverte Favoriser un lien profond avec ses instincts créatifs et son intuition. Plutôt que de rechercher une exécution parfaite, les artistes qui privilégient l'expression peuvent laisser libre cours à leur imagination , donner un sens personnel à leur travail et communiquer des émotions qui trouvent un écho profond chez les spectateurs Se concentrer uniquement sur les compétences techniques peut donner lieu à des œuvres d'art parfois stériles ou dépourvues d'émotion et de personnalité Mais en revanche, le fait d'insuffler une touche ludique au processus de création, même si, si je comprends bien, il est presque inévitable de créer œuvres visuellement insatisfaisantes au départ Cela insuffle à l' œuvre d'art de la vitalité et la spontanéité ainsi qu'un véritable sentiment d' authenticité qui captivent vraiment le public et qui ne fait que se renforcer au fil du temps fait de considérer les erreurs comme des opportunités de croissance et d'apprentissage favorise réellement la résilience et encourage les élèves à dépasser leur zone de confort. Cela conduit en fin de compte à un développement artistique et à une innovation accrus. 21. Touches de finition: J'ai affaire à un noir pur juste ici. La gamme complète, quelques points à différents endroits, mais je ne veux pas en faire trop . Donc je pense que c'est ça. Nettoie mon pinceau. Ça va faire quelque chose ici. Je ne sais pas quoi exactement. J'ai juste l'impression que ça ne marche pas. Ça va donc l' aplatir un peu. Il y avait un peu de brun. Ensuite, j'allais déplacer mon petit pinceau. C'est un conseil juste pour quelques points saillants à certains endroits, peu de gens y pensent vraiment, juste à quelques endroits où il juste à quelques endroits où difficile de savoir ce qui se passe. Mais comme je l'ai dit, je ne veux pas en faire trop. Donc je pense que c'est ça. Je pense que je vais retirer la cassette maintenant. Peut-être pas, peut-être que je vais le faire tout à heure. Je pense que c'est ça. Sinon, vous pouvez continuer éternellement avec ces choses. Je vais retirer la cassette et passer en revue ce que nous avons appris aujourd'hui. 22. Réflexions finales: Bienvenue et félicitations pour avoir terminé le cours. J'espère que tu as pris du plaisir à regarder. Et si vous n'avez pas encore donné ce tableau et partez, c'est le moment de mettre en pratique ce que vous avez appris. Je tiens à prendre un moment pour remercier chacun d'entre vous de m'avoir rejoint dans cette aventure artistique. Ce fut un plaisir absolu de vous guider tout au long du processus de peinture de cette magnifique fleur. L'une des principales techniques que nous avons utilisées est le mélange humide et humide En appliquant de la peinture humide sur du papier mouillé, nous pouvons obtenir des transitions douces et fluides entre les couleurs, donnant ainsi une impression de profondeur et de dimension à nos pétales de jonquille Nous avons également expérimenté des techniques de superposition pour augmenter l'intensité et la richesse de nos fleurs de jonquilles En ajoutant plusieurs couches de couleur translucide, nous sommes en mesure d'obtenir des teintes éclatantes et variations subtiles qui imitent la beauté naturelle de la jonquille N'oubliez pas que la peinture à l'aquarelle n'est pas seulement une question de compétences techniques, mais aussi d'expression votre créativité et de votre style personnel Je vous encourage à continuer à explorer, à expérimenter et à repousser vos limites pour créer vos propres chefs-d'œuvre d' aquarelle uniques À la fin de ce cours, j'espère que vous vous sentirez plus en confiance et aise avec vos capacités de peinture à l'aquarelle La pratique est essentielle pour améliorer vos compétences. Continuez donc à peindre et à expérimenter. Je tiens à exprimer ma gratitude à chacun d'entre vous. Votre passion pour la peinture à l' aquarelle est tellement inspirante et je suis honorée d'être votre professeur Si vous souhaitez avoir des commentaires sur votre peinture, je serais ravi de vous en faire part. Veuillez donc partager votre peinture dans la galerie de projets étudiants ci-dessous. Et je ne manquerai pas de vous répondre si vous préférez, vous pouvez le partager sur Instagram, en me taguant Will Elliston comme j'adorerais le voir Skillshare aime aussi voir le travail de mes étudiants, alors taguez-les également sur Skillshare après y avoir consacré tant d' Pourquoi ne pas partager votre création ? Si vous avez des questions ou des commentaires sur cours d' aujourd'hui ou si vous souhaitez des conseils spécifiques concernant l'aquarelle, veuillez me contacter dans la section de discussion Vous pouvez également me faire part de tout sujet, la faune ou de toute scène sur lequel vous aimeriez que je donne un cours. Si vous avez trouvé ce cours utile, j'apprécierais vraiment de recevoir vos commentaires à ce sujet. La lecture de vos critiques me remplit le cœur de joie et m'aide à créer la meilleure expérience pour mes étudiants. Enfin, veuillez cliquer sur le bouton de suivi en haut pour pouvoir me suivre sur Skills Share. Cela signifie que vous serez les premiers informés lorsque je lancerai un nouveau cours ou que je publierai des cadeaux J'espère que vous avez beaucoup appris et envie de peindre davantage avec ce magnifique médium. J'ai hâte de tous vous revoir dans de futurs tableaux. En attendant, bonne peinture.