Introduction complète à la 3D dans Adobe After Effects 2026 pour débutants

1. Intro: Salut, c'est Hongshu de Moti Circles. Dans ce cours, je vais vous montrer comment démarrer avec les trois D dans After Effects depuis l'application Ground. Il s'agit d'un cours pratique basé sur des projets conçu pour vous faire passer de zéro à travail constant en trois D dans After Effects, même si vous n'avez jamais touché trois D auparavant. Il s'agit d'un projet sur lequel nous travaillerons étape par étape afin que vous compreniez comment il fonctionne et pourquoi il fonctionne. Nous allons commencer par les fondamentaux. Nous allons commencer par expliquer comment naviguer dans l'espace tridimensionnel dans After Effects, comment configurer les lumières et les caméras, comment utiliser les caméras et ajouter des animations, comment créer de la profondeur dans la scène, comment travailler avec les matériaux et les couleurs, comment peaufiner le tout pour lui donner un aspect créatif. Chaque leçon est enseignée à l'aide d'exemples réels et chacune s'appuie naturellement sur la précédente. Au fur et à mesure que le cours avance, vous allez aller au-delà de la simple configuration des choses et vous commencerez à réfléchir de manière plus intentionnelle en trois D. Vous apprendrez à créer des environnements simples qui semblent profonds et dimensionnels, à utiliser les lumières et la caméra pour attirer l'attention, et à contrôler la couleur, le contraste et les matériaux pour créer une ambiance et une atmosphère. Au lieu de donner l' impression que les scènes sont plates ou aléatoires, votre travail deviendra plus précis, cinématographique et plus complet, car chaque choix contribue au résultat final À la fin de ce cours, vous créerez une animation cinématographique en trois dimensions de 15 secondes, vous pourrez utiliser comme bobine de démonstration pour terminer votre animation personnelle de critique de logo ou comme élément de portfolio personnalisable Plus important encore, vous repartirez avec un flux de travail reproductible et un état d'esprit tridimensionnel clair que vous pourrez appliquer à vos propres projets, pas seulement à une simple animation Beaucoup de gens pensent que les trois D et After Effects sont difficiles ou accablants, et c'est généralement parce que ce n'est pas enseigné de manière pratique. Dans ce cours, tout est expliqué dans d'un projet réel afin que vous compreniez comment chaque élément, caméra, lumière, matériau et couleur fonctionnent ensemble. Au lieu d'utiliser des préréglages de copie, vous apprendrez à penser et à prendre des décisions en trois D afin de résoudre des problèmes et créer vos propres scènes en toute confiance Une connaissance de base d'After Effects est recommandée avant de suivre ce cours. Nous n'aborderons pas les fondamentaux d' After Effects. Au lieu de cela, nous allons aborder l'aspect en trois D du programme dès le début. Si vous êtes un motion designer, un graphiste ou un amateur qui souhaite se sentir à l'aise pour créer des œuvres cinématographiques en 3D dans After Effects, ce cours est fait pour vous. Simple, intuitif, pratique. J'ai hâte de te voir en classe. 2. Projets: Bienvenue dans le cours. Parlons du devoir de classe. Dans ce cours, votre mission est simple mais puissante. Vous allez créer votre propre courte animation en trois dimensions dans After Effects en utilisant les techniques que nous avons développées tout au long des cours. Ce cours est conçu pour être suivi étape par étape, je vous recommande donc de regarder les leçons dans l'ordre. Chaque leçon présente une idée de base telle que l'espace tridimensionnel, les caméras , les lumières, les matériaux, les couleurs et l'animation, et chaque concept s'appuie sur le précédent. Au cours du cours, je vous encourage à faire une pause, à essayer des choses et à expérimenter. Vous n'avez pas besoin de copier exactement ma scène. Considérez mon projet comme un cadre, pas comme un modèle. Vous pouvez personnaliser votre texte, vos logos, votre profondeur d'extrusion, vos formes, le mouvement de la caméra, les styles d'éclairage, et surtout vos couleurs et votre ambiance. Si vous voulez quelque chose d'audacieux et de graphique, allez-y. Si vous préférez quelque chose de doux, minimal ou cinématographique, cela fonctionne aussi. Le but n'est pas de recréer mon animation. Il s'agit d'utiliser le même processus de réflexion pour créer quelque chose qui vous ressemble. À la fin du cours, vous devriez avoir une animation en trois dimensions de 15 secondes montrant des profondeurs et un espace nets, un éclairage intentionnel, un mouvement de caméra contrôlé et des choix de couleurs réfléchis. Lorsque vous avez terminé, téléchargez votre animation finale ou une image d'aperçu dans la section du projet de classe. Vous pouvez également partager des captures d'écran ou des progrès de travail. Ils sont toujours les bienvenus. N'oubliez pas qu'il s'agit d' apprendre à travailler en toute confiance en trois D, et non de perfection Suivez le processus, personnalisez-le et, surtout, appréciez l'apprentissage. J'ai hâte de te voir en classe. 3. Naviguer dans l'espace 3D: Bienvenue dans cette leçon. Dans celui-ci, nous allons vous montrer comment naviguer dans un espace en trois D dans After Effects. Tout d'abord, ouvrons After Effects. Et pour que nous ayons les mêmes mises en page, nous pouvons accéder à Windows, puis à l'espace de travail, puis choisir les mises en page standard, qui seront la mise en page par défaut lorsque vous ouvrirez After Effects pour la première fois Et une fois que j'ai choisi le standard, voici à quoi cela ressemble. Mais une autre chose que je dois faire est que je dois également réinitialiser la norme pour enregistrer la mise en page afin pouvoir la remettre à la mise en page par défaut. Et voici la mise en page que nous avons. Juste pour que nous ayons les mêmes panels sur ce programme. Maintenant, ce que nous devons faire, c'est créer une composition, sélectionner une nouvelle composition, puis nous pouvons simplement l' appeler tasse principale. Est de 1920 x 108025 images par seconde. Et faisons une dizaine de secondes. Je veux juste vous montrer comment nous naviguons dans l' espace tridimensionnel d'After Effects. Et d'abord, créons un texte. Dans ce cas, nous pouvons simplement l'appeler 13d puis l'agrandir pouvons le centrer ainsi, puis nous pouvons passer au caractère, changer la police, changer en fenêtres contextuelles, peut-être la mettre en gras pour avoir une police plus audacieuse dans un espace à trois D. Ensuite, nous pouvons centrer les points d'ancrage, maintenir la touche Commande enfoncée, puis cliquer trois fois sur l'indice du stylo pour centrer le point d'ancrage. Et maintenant, nous pouvons également centrer ce texte dans la composition. Nous passons donc à la ligne, puis nous allons centrer tout cela. Maintenant, permettez-moi de le rendre encore plus grand. Ce sera ma vue en deux D ici. Tout est deux D. Donc, pour activer les trois D, nous devons activer la fonction trois D de cette composition. Lorsque nous créons la composition, lorsque nous créons la nouvelle composition, si nous passons à la commande K, c' est notre réglage de composition Nous devons passer au rendu en trois D , puis nous assurer qu'il est réglé sur Cinema 40. Il y a aussi le trois D classique et le trois D avancé dans ce rendu. Mais dans cette leçon, dans tout ce cours, nous allons nous concentrer sur Cinema 40, qui est le réglage 3D le plus avancé d'After Effects. Nous devons donc choisir Cinema 41e, cliquer sur K, puis sur cette couche, nous devons activer cette icône en trois D ici pour assurer que cette couche est transformée en trois D. Nous allons donc cliquer sur cette icône Si vous n'avez pas l'icône, assurez-vous de cliquer sur ce bouton, le bouton du coin gauche ici pour afficher toutes ces différentes fonctionnalités de cette couche afin de pouvoir accéder aux trois boutons D. Cliquez sur trois D, et maintenant nous avons un axe, et nous pouvons voir ici qu'il indique que le rendu est réglé sur Cinema Four D, qu'il indique que le rendu est réglé sur Cinema Four puis que nous sommes dans la vue active de la caméra, puis que nous avons une vue ici. Tout ce que nous devons faire pour commencer afin de transformer une couche en trois D. Et maintenant que nous transformons cette couche en trois D, nous pouvons passer au menu déroulant ici sur cette couche. Puisque nous le transformons en trois D, nous avons ici des options de géométrie, puis une option de matériau. Dans ce cas, nous pouvons donc extruder cette couche pour la rendre plus épaisse Et pour le voir, nous avons besoin d'un autre point de vue. Donc, ici, dans le coin de ce panneau d'aperçu, nous pouvons cliquer sur cette vue , puis la remplacer par deux vues ici. Une fois que nous l'avons changé en deux vues, vous pouvez voir que nous ajoutons une vue supérieure de ce côté du panneau de prévisualisation. Et puis, ici, vous pouvez voir que cette vue de dessus est sélectionnée. Une fois que j'ai cliqué dessus, il sera surligné en bleu dans les coins. Cela signifie que cette vue est sélectionnée. Et je peux également changer cette vue de dessus en une autre vue ici en sélectionnant la vue de face la vue de gauche ou la vue de dessus. Je suis donc en train de sélectionner et de modifier cet aperçu du panneau de droite, et je peux également modifier et sélectionner cet affichage du panneau de gauche ici. Il est maintenant réglé sur la vue caméra active. Il s'agit donc d'une valeur par défaut. Je peux également changer cette vue de gauche en vue de gauche ou en vue de dessus, selon toute autre vue que je souhaite. Mais normalement, je vais juste assurer qu'il se trouve dans le champ de vision actif de la caméra. Et il s'agit d'une configuration à deux vues. Nous allons utiliser la configuration à deux vues dans la classe tout au long des cours. Et je veux juste vous montrer qu'il existe également une configuration à quatre vues. Donc, si vous travaillez plutôt sur un trois D densifié, vous pouvez avoir quatre vues différentes ici, puis chacune sera représentée sous un angle différent, comme celle-ci sera à l' arrière, puis celle-ci au recto, celle-ci est la droite pour que vous puissiez voir tous les côtés de votre objet. En une seule fois. Cependant, nous ne le compliquons pas trop. Nous nous en tenons à deux points de vue pour le moment. Ensuite, nous nous en tenons vue du haut sur ce panneau de droite, vue active de la caméra sur ce panneau de gauche, c'est bien. Ensuite, ce que nous pouvons faire, c'est étendre la profondeur de ce texte ici Si je change ce nombre pour qu'il soit plus grand ici, vous pouvez voir que je vais en fait épaissir ce texte depuis la vue du haut afin que nous ayons une certaine épaisseur au texte. C'est ainsi que nous naviguons dans les vues de l'espace à trois D. Une autre chose que je voudrais vous montrer avant de passer au cours suivant, dans lequel nous allons commencer le projet tout de suite, c'est que nous voulons vous montrer la navigation, c' est-à-dire les trois orbites de navigation différentes, N, puis Dolly Donc, pour orbiter autour de notre objet, nous devons appuyer sur C sur le clavier. C'est en fait ça ici. Le raccourci est donc C. Si nous appuyons sur C sur le clavier, nous aurons cette icône sur notre curseur. Ensuite, si nous cliquons sur le bouton gauche de la souris et que nous le faisons glisser pour pouvoir simplement orbiter autour du texte que nous avons, nous pouvons voir les différents côtés de nos objets. Alors pour l'instant, permettez-moi de changer la couleur pour peut-être une couleur rouge ici. Ensuite, nous allons cliquer sur le chemin dans le menu déroulant, aller dans Animer, choisir un côté, une couleur RGB, puis nous allons changer la couleur du côté rouge plus clair afin d' avoir une certaine séparation entre la couleur du devant et celle avoir une certaine séparation entre du côté heure actuelle, je suis toujours dans l'outil Orbit, donc je peux simplement faire glisser celui-ci et orbiter autour de cet objet héros. C'est ainsi que je tourne autour de l'objet. Cependant, il ne s'agit que d'une orbite. Nous ne sommes pas vraiment en train de transformer cet objet. En fait, nous changeons simplement la vue de la caméra ou l'aperçu de cette scène ici au lieu de changer l'objet pour qu' il reste immobile, mais nous nous déplaçons simplement pour voir les différents côtés, n'est-ce pas ? Vous pouvez voir sur le dessus de vous que mon objet ne bouge pas. Il reste immobile. C'est ainsi que nous procédons. Et une fois que nous avons atteint un angle de caméra étrange, nous pouvons réellement revenir à notre point de vue. Il suffit donc de passer à la caméra active , puis de réinitialiser la caméra par défaut. Donc, une fois que nous aurons réinitialisé, la caméra reviendra à une vue de face active. C'est ainsi que nous nous remettons à zéro une fois en orbite. Et c'est l'orbite. Une fois que nous avons à nouveau appuyé sur C, nous pouvons réellement passer à cette vue en stylo ici. Donc, le stylo se déplace simplement à gauche et droite et de haut en bas dans la scène en trois D ici. Nous voyons donc simplement les choses bouger de haut en bas, de gauche à droite. est très simple, facile à comprendre et pareil, nous ne déplaçons pas l'objet. L'objet reste immobile. Nous ne faisons que déplacer la vue ici. Une fois cela fait, la caméra sera déplacée Nous devons donc réinitialiser la caméra par défaut pour revenir au point de vue d'origine ici. Et puis le dernier sera le chariot qui zoomera vers l'avant et vers l'arrière Donc c'est un chariot. Si nous appuyons sur C, nous allons basculer entre les trois ici Je tape juste un C ici. Une fois que j'aurai l'outil Dow ici, il me suffira de cliquer sur le curseur ou le bouton de la souris pour zoomer et dézoomer sur mon objet C'est ainsi que nous naviguons dans l'espace des trois D. Et une fois que nous naviguons réellement dans cet espace en trois D en orbite, vous pouvez voir que cet axe change, n'est-ce pas ? Cela signifie que nous changeons simplement la vue de l'objet par la caméra au lieu de changer l'objet lui-même. Ce sont donc les trois outils que nous pouvons utiliser pour naviguer dans l'espace des trois D. C'est à peu près tout pour commencer. Dans la leçon suivante, nous allons commencer immédiatement le projet pour commencer à créer les scènes. Je te verrai dans la prochaine leçon. 4. Créer de la profondeur avec l'extrusion: Créons simplement une nouvelle composition, 1920 x 1080. Nous allons faire 30 images par seconde. Ici, dans le rendu en trois D. Nous allons utiliser Cinema 40 aujourd'hui. Cinema 40 est un logiciel robuste. C'est un peu aussi important qu'After Effects, mais il vient d'une autre société. Et ils intègrent ce logiciel en trois D que vous puissiez obtenir un véritable 3D dans After Effects. Et je vais vous montrer ce que je veux dire par trois vrais D. Donc, nous allons bien nous en sortir, choisir Cinema 40, toutes ces options. Tu n'as pas à t'inquiéter à ce sujet. Cinema 40 est activé, puis dessinons un cercle ici. Je peux simplement accéder à l'Elliptol et ensuite double-cliquer dessus Je n'ai pas besoin de cette couleur complète, je vais donc simplement supprimer la couleur complète. Je vais remplacer le trait par un trait rouge. Et vous pouvez voir que pour ce que je passe au rouge, je passe à une couleur 255 RGB complètement rouge. Le vert et le bleu sont donc tous nuls. Je le remplace donc par un canal 255 complètement rouge. Ensuite, je vais entrer ici, aller à l'école Ellipse Je vais changer la taille ici pour peut-être 600 x 600. Je vais donc juste créer un cercle parfait ici. Je vais fixer la taille ici. Et maintenant, nous pouvons ajouter une couche 3D ici, il suffit d'activer la couche 3D, les nouvelles commandes Sema 40 sautent les visites Maintenant que nous l'avons fait, je pense que c'est trop mince. Je veux le changer à peut-être 20. Je pense que cela fonctionne. Je vais donc le remplacer par 15 pixels pour la taille du scroke Et puis une fois que j'ai activé le rendu Sem 40, nous avons en fait les autres options ici. Nous avons des options géométriques , à savoir l'extrusion. Normalement, dans les trois D classiques, nous n'avons pas de profondeur. Donc, quand vous pensez à trois D, ce sera X, Y et Z, n'est-ce pas ? X est donc l'axe horizontal, puis Y est l'axe vertical. Et puis Z sera la profondeur. Tu vas vers l'intérieur. Ce sera la dimension tridimensionnelle, non ? Donc cet axe. Mais dans les trois D classiques, nous n' avons pas vraiment de profondeur. C'est une fausse profondeur. Donc, si vous voulez, disons, 1 seconde, laissez-moi le remplacer par deux vues. Ensuite, pour celui-ci, je vais passer à la vue de dessus. Voici donc la vue de dessus de mon cercle. Pour le moment, je n' ai aucune profondeur. Tout n'est qu' une fine couche. Donc, pour Cinema Four D, je veux ajouter de la profondeur à cet anneau ici, je peux entrer dans les options de géométrie, puis passer à l'extrusion. Donc, l'extrusion signifie que je peux le rendre plus épais comme ça. Donc dans ce cas, si j'y arrive, disons 25. C'est trop fin. Peut-être comme ça. Je l'aime bien 75. J'ajoute une réelle profondeur à cette bague, de sorte que si je vais ici et que je la retourne, vous pouvez voir que j'ajoute de l'épaisseur à cette bague. Cependant, dans les trois D classiques, nous n'avons pas toutes ces vraies options en trois D. Ce que nous pouvons faire si nous sommes dans le mode classique en trois D, avant d'ajouter le rendu Cinema 40, les utilisateurs avaient l'habitude de simplement dupliquer ces couches. Si vous voulez créer quelque chose comme ça en trois D classique, vous devrez dupliquer cette couche, peut-être 75 fois. Ensuite, chaque couche sera superposée dessus. Vous allez donc utiliser une sorte de script pour peut-être repousser chaque couche de quelques pixels vers l'arrière dans cet axe. Ensuite, vous devez avoir environ 75 couches pour former cette fausse profondeur, qui est simplement formée couches individuelles et de plusieurs couches dans cet espace. Lorsque vous le tournez, vous avez presque l' impression d'avoir une épaisseur, mais c'est une fausse épaisseur. C'est donc un peu le problème des trois D. Ils n'ont pas vraiment de profondeur. Seul le Senna 40 possède une profondeur réelle, et tout cela est contrôlé par un réglage Chaque fois que vous voulez épaissir quelque chose ou que vous voulez obtenir de vraies profondeurs, disons que vous pouvez non seulement faire comme un cercle, mais aussi comme un triangle ou un carré, peu importe Vous devez passer au rendu SO 40 puis passer à cette extrusion. Nous utilisons une profondeur d'extrusion de 75, puis nous voyons la vue du dessus ici. C'est donc un peu ce que j'ai maintenant. Et puis ce que je veux aussi ajouter c'est que je veux ajouter un biseau Donc, si je zoome de près, donc pour le moment, je veux ajouter un biseau, mais ensuite, je dois d'abord activer le Bevel, c'est juste le bord. Donc, pour le moment, c'est un avantage de 90 degrés. Donc, en gros, ce truc est difficile à voir pour le moment, mais je dois arrondir mon objet Donc, si je passe à ce convexe, puis que je peux arrondir un peu, voyons si je le fais en gros, comme dix, c'est difficile à voir maintenant, donc je dois changer de couleur Pour changer la couleur, je vais cliquer sur l'outil Ellipse Vous devez cliquer sur cette ellipse ici pour ajouter une couleur Et ici sur l'annonce, je vais juste ajouter une couleur latérale. Donc ici, je peux choisir mon camp, puis passer à la couleur. Donc, pour la couleur latérale, faisons une couleur bleue. Donc, en ce moment, j'ai du rouge en 255. Je vais le mettre à zéro. Je vais faire le bleu, donc je vais faire 255 sur le bleu. Et vous pouvez voir, nous avons une couleur latérale. Il se trouve sur le côté extérieur de la bague, et nous avons ajouté une couleur bleue. Maintenant, je continue également à cliquer sur ce tabouret à lèvres, puis je vais cliquer sur ici, passer à Bevel, puis je vais ajouter de la couleur sur le biseau Pour le biseau de couleur, je vais le changer en vert, donc je vais faire 2550 Donc c'est zéro, 255, zéro, donc je vais cliquer sur OK. Et vous pouvez voir maintenant que nous avons en fait des bords verts qui mélangent le bleu et le rouge, et c'est notre biseau Donc, si je le tourne, vous pouvez voir mon bord est un peu arrondi maintenant. Si je le retourne ici sur le côté et que je le tourne comme ça, tu peux voir que mon tranchant n' est plus tranchant. Donc, si je le désactive, si je désactive le biseau, je n'aurais aucun biseau Et puis si je zoome, dans ce cas, nous avons un angle de 90 degrés, virage brusque entre cette surface rouge et cette surface bleue. Et maintenant, comme je veux juste ajouter un biseau pour le rendre plus lisse, dans ce cas, je vais ajouter un biseau convexe Vous pouvez également tous les tester. Donc, si j'ajoute celui-ci ici, c'est probablement comme pousser un peu plus vers l'extérieur Permettez-moi de réduire les profondeurs, peut-être trois. Je pense donc qu'il s'agit biseau angulaire, puis d'un biseau concave, puis d'un biseau convexe Normalement, nous utilisons simplement le convexe, tout comme nous choisissons le convexe. C'est le plus courant. Je n'utilise jamais ces deux-là, mais parfois tu en as peut-être besoin. Donc tant que tu ne le feras pas, je ne veux pas, tu sais, te submerger Utilisons maintenant le convexe, puis la profondeur du biseau ici, trois pixels . Je pense que c'est une bonne chose. Je veux juste prendre un virage un peu arrondi pour ces petites choses ici. Voici la configuration, configuration de base de ma bague ici. 5. Appareil photo simplifié: Et maintenant, je veux juste appeler ce cercle un. Dupliquons celui-ci ici. Laissez-moi passer à la vue de face. Voici la vue de face. Et puis je veux dupliquer deux fois. Je veux le rendre plus petit. Supposons que, passant à la propriété d'échelle, changeons celle-ci à peut-être 65, puis celle-ci à un nombre peut-être encore plus petit, je vais passer à l'échelle à 35. Alors maintenant, je peux également ajouter un objet nul pour contrôler la taille globale. Je vais donc simplement ajouter un contrôle nul. Ensuite, je vais associer les trois bagues. Une autre chose est ici, et vous pouvez voir ici mon zéro n'est pas juste au centre des trois anneaux horizontalement dans la vue de dessus. Il est donc actuellement dans la vue de face au centre, mais en haut, vous n'êtes pas au centre. Donc je dois soit repousser cette valeur nulle. Transformons ce zéro en trois D, puis l'épaisseur sera de 75. Quelle est la valeur 2 de 75, 37,5. D'accord. Notre épaisseur est donc de 75. Donc je le divise simplement par deux, et 37,5 devrait être au centre Il semble que dans l' échantillon, c'est bien. Donc je mets juste ce zéro au centre, puis je vais associer celui-ci au zéro. Maintenant, je peux utiliser un zéro pour contrôler la taille de ces anneaux. Ensuite, ce que je veux faire , c'est ajouter un appareil photo. Nous avons donc les trois bagues ici. Je n'aime pas trop cette vue, alors j'ai voulu ajouter un appareil photo. Alors voyons voir, passez à Layer New camera. Et pour ce qui est de la caméra, il y a un certain nombre de choses que nous devons comprendre. Cela semble assez complexe. Si vous faites de la photographie, ce sera plus facile pour vous. Mais si vous ne faites pas de photographie, je vais vous expliquer rapidement ce truc. Vous n'avez donc pas besoin de comprendre tout cela. Tout ce que vous devez comprendre, c'est la distance focale. Ainsi, la lentille focale, c'est-à-dire lentille focale de 50 millimètres, est fondamentalement similaire à notre œil Donc, à l'heure actuelle, si je prends un objectif focal de 50 à 50 millimètres, cette vue devrait être similaire à celle que je regarde actuellement car c'est comme une vue du globe oculaire Si je fais un appareil photo de 50 millimètres, voyons voir. D'accord. Donc maintenant, si je passe à la vue latérale, à gauche, donc si je fais un zoom arrière sur le côté gauche, vous pouvez voir cette caméra en ce moment, la plage focale est de 50 millimètres, puis nous avons une caméra ici Ensuite, l'appareil photo est placé devant cet objet, puis il photographie essentiellement cet objet. Et je peux également déplacer cette caméra en utilisant l' axe z, puis changer. C'est ce qu'on appelle le point d'intérêt. Donc, pour tout ce qui est en ligne de mire, vous avez besoin d'un point d'intérêt. Supposons donc que je déplace ce point de mesures ici. Il s'agit donc d'un appareil photo de 50 millimètres. Je veux donc vous montrer à quoi ressemblent 50 50 millimètres. Cela devrait ressembler exactement à ce que nous avions si nous n'avions pas d' appareil photo, car c'est ce qui ressemble le plus à un œil humain, une vue de 50 millimètres à l'œil nu Donc, si vous n'avez pas d'appareil photo, voici exactement à quoi cela ressemble. Mais en même temps, dans ce cas, je veux un peu exagérer, un objectif grand angle Dans ce cas, j'ai donc besoin d' une plage focale plus petite. Je veux le changer pour qu'il ressemble à cet extrême 50 millimètres. Ce sera donc un grand angle. Grand angle, c'est-à-dire presque comme si vous faites de la photographie, si vous photographiez en grand angle, vous aurez plus de choses dans votre champ de vision, mais il y aura ensuite de la distorsion. Sur les bords. Il va donc s'agir d'étirer les choses vers l'extérieur jusqu'aux quatre coins de la vue C'est un grand angle. Principalement pour le grand angle, vous photographiez comme un paysage. Vous pouvez obtenir plus de paysages dans votre champ de vision, mais vous n'utilisez pas le grand angle pour photographier des personnes, n'est-ce pas ? Cela va déformer le corps ou, exemple, la silhouette au point de ne pas être vraiment belle. Donc normalement, lorsque vous photographiez des gens, c'est probablement dans les 50 millimètres ou 80 millimètres Et puis les 200 millimètres, c'est ce que vous voyez ces très longs objectifs d'appareil photo où vous voyez un stade de sport Lorsqu'ils photographient tous ces athlètes, exemple lorsque quelqu'un joue au football ou au basket, ils veulent prendre une photo de ces personnes qui se déplacent très vite puis s'éloignent de l'appareil photo. Ils doivent donc utiliser environ 200 millimètres. Ce truc va donc être très loin. La caméra va être très loin de l'objet. Donc, dans ce cas, je veux utiliser un 15 millimètres. Et puis, dans ce cas, 15 millimètres, je dois insérer ce truc, puis je veux juste orienter ce point de vue sur cet objet afin que nous puissions toujours le mettre au Je dois changer celui-ci en mode de vue caméra actif. Dans ce cas, nous avons un 15 millimètres, et vous pouvez voir que nous déformons réellement cette vue Nous utilisons un objectif à angle blanc. Et puis si je vais très loin, voici à quoi ça ressemble. Mais si je zoome de plus près, vous pouvez voir l'intérieur de la bague parce qu'en ce moment, j'utilise un objectif à angle blanc, déforme en quelque sorte tout, étire tout jusqu'au coin C'est pourquoi j'ai cette distorsion ici, alors que si vous savez quoi, je crois que j'ai oublié d'activer la vue active de la caméra auparavant lorsque j'utilisais le 50 millimètres Revenons donc à 50 millimètres. Vous pouvez donc voir ici que si j'utilise un 50 millimètres, si je zoome simplement, je ne vois pas grand-chose à l'intérieur C'est une sorte de vue du globe oculaire, exactement comme il se doit Il n'y a ni exagération, ni distorsion. Si je déplace la caméra vers l' intérieur ou vers l'extérieur, gros, nous zoomons simplement sur ces anneaux Tu vois ça ? Il n'y a aucune distorsion. Ça ne va pas. Je veux une certaine distorsion, donc je dois choisir 15 millimètres Et puis, dans ce cas, si je zoome de plus près, je deviens presque asphyxiée, comme si quelque chose me tombait sur la tête Nous obtenons donc cette distorsion, ce traitement artistique. C'est donc en quelque sorte la différence entre ces deux appareils photo. Je peux donc également vous montrer ce qui se passe si nous ajoutons un objectif de 200 millimètres ici Donc, si j'éteins celui-ci, que j'allume celui-ci, et vous pourrez voir à quelle distance se trouve cet appareil photo de notre objet. En fait, ça vient d'ici, tout le chemin à partir d'ici. Et si j'enfonce cette caméra, tu peux vraiment voir ça, comme si l'objet entier s'amincit. Vous ne pouvez pas voir l'intérieur, et il s'amincit également. Il ne ressemble même pas la vue active précédente de la caméra. C'est donc en quelque sorte la différence dont vous devez vous souvenir. Si vous voulez utiliser un grand angle, ce serait exagérer. Il s'agira simplement de déformer l'image pour la rendre plus artistique Ça dépend de ce que tu aimes. Et puis, si vous voulez utiliser un 50 millimètres, il ressemblera davantage à ce que voit l'œil humain Et puis celui-ci sera tellement loin, puis un peu tout réduire. Cela dépend du cas d'utilisation. La plupart du temps, nous utilisons simplement 15, 35 ou 50. Donc, dans ce cas, nous utilisons 50 millimètres ici. Nous avons la vue de gauche ici. Je dois installer l' objet ici, alors ajustez-le. Donc, si je rate l'objet dans la vue ici, je le fais glisser ailleurs, puis il est peut-être trop petit, comme je peux le voir. Je vais juste aller ici et ensuite l'adapter à la vue, d'accord ? Cliquez donc sur celui-ci. Il va revenir à la vue par défaut ici. 6. Configuration de l'éclairage: Une fois que j'aurai cet appareil photo, je voudrais ajouter de la lumière. Pour le moment, il n'y a aucune lumière dans cette scène. Passons donc à Layers New light. Pour les lampes, nous avons quatre lampes différentes. Nous avons la lumière ambiante. Si nous ajoutons de la lumière ambiante, allons voir à la lumière ambiante. Laisse-moi créer cette ambiance. heure actuelle, l'intensité est 100 %, et la couleur est blanche. Nous pouvons vraiment faire en sorte que celui-ci soit vraiment grand, comme en 2000. Voyons voir. Si tu vois la différence, si je l'éteins. Voyez cette différence ici sur cette vue ici, la vue active de la caméra. Donc, si j'allume cette lumière ici, tout devient un peu blanc et s'éteint un peu, presque surexposé La lumière ambiante est donc très simple à comprendre. Il suffit d'ajouter une lumière, puis il n'y a plus de source de lumière. C'est juste de l'ambiance. Comme s'il y en avait partout. Si vous avez une lumière ambiante blanche, cela rend essentiellement la scène plus lumineuse dans son ensemble. Nous pouvons également changer la couleur. Voyons voir si je le change en rouge ambiant, c'est trop. C'est comme en 2000, donc nous avons complètement exagéré toute la scène pour la mettre en rouge. Ce n'est pas ce que je veux. Donc, si je le mets à zéro, il fera complètement noir car il n'y aura pas de lumière dans la scène. Permettez-moi de passer à 20. Donc, si je le passe à 20, vous pouvez voir ici que vous pouvez voir un peu de lumière, mais c'est rouge. Donc ce n'est pas vraiment ce que je veux. Je veux utiliser toujours la couleur d'origine de ma composition, et puis voici à quoi elle ressemble si j'ai, 20 % de lumière puis 30 %. Vous pouvez en explorer davantage par vous-même, mais ce n'est que l'embolt En gros, il n'y a aucune direction. Il va y avoir de la lumière dans toute la scène, partout. Nous ne l' utilisons donc pas réellement. Nous utilisons une lumière parallèle. Je vais donc vous montrer la lumière parallèle ici. Donc, la lumière parallèle ici est essentiellement comme vous l'avez dit, elle est parallèle. En gros, il tire dans une direction. La lumière va dans une direction, et elle ne va que dans cette direction. Donc, ici, je veux changer ma lumière parallèle à une intensité de 2000, et ce sera ma lumière parallèle. Cliquez sur OK. Et pour celui-ci, je veux que cette lumière filme de haut en bas. Vous pouvez donc voir en ce moment que ma lumière est ici, sur le côté gauche. C'est par ici. C'est ma lampe. Avant d'utiliser la lumière ambiante. L'environnement ambiant ne possède pas de source de lumière. Vous n'êtes donc pas en mesure d'obtenir ou de modifier la lumière ambiante. Ce sera presque comme si vous donniez une couleur plus vive à l'ensemble de votre scène. Et maintenant, nous avons une lumière parallèle. La lumière parallèle est essentiellement que nous pouvons changer cette lumière et la déplacer vers le haut. Je veux que cette lumière jaillisse du haut. Je vais donc faire glisser cette lumière ici. Mets-le ici en haut. Et puis voici la direction à suivre. Je veux donc que la direction soit filmée ici. Donc je veux que ça se passe comme ça. Ensuite, je vais le déplacer un peu. J'ai donc toujours envie de voir un peu de couleur là-bas. Donc je ne veux pas qu'il descende complètement, tout droit, presque parce que si je le laisse descendre tout droit, l'anneau supérieur couvrira une grande partie de mes lampes. Je veux donc en quelque sorte avoir cette sensation d'ombre et de lumière. Par exemple, la partie supérieure est une ombre, puis la partie inférieure est claire. Donc, je voudrais peut-être juste changer légèrement l'angle, vous voyez. Je prends cet angle, donc cette lumière passe de la position supérieure vers l'avant pour presque se réduire, puis un petit peu vers l'arrière. C'est pour cela que j'ai une lumière parallèle. Et c'est vraiment génial. C'est un parallèle d'intensité de 2000. Et maintenant, je veux ajouter une autre lumière. Je souhaite également ajouter une autre lumière parallèle. Dans ce cas, nous n' utilisons que de la lumière parallèle, nous pouvons donc choisir la direction de la lumière, et nous utilisons trois lumières pour éclairer la scène ici. Donc, dans ce cas, j'utilise une autre lumière parallèle. Je vais le réduire à 1 000 % d'intensité, le rendre un peu moins intense. Cliquez sur OK. Et celui-ci, je voulais photographier de l' avant vers l'arrière. Donc, ici, je voulais photographier d'ici à ici. Donc, pour ajouter un peu de détails, je photographie de l'avant vers l'arrière. Et sur la vue de gauche, vous pouvez voir qu'en fait, il s'agit simplement de filmer d' ici vers l'arrière et de mes lumières ici. Montrez-moi la vue de dessus ici. Et vous pouvez également voir la vue de dessus. Ma lampe se trouve juste à côté de mon appareil photo et elle filme à l' arrière du ring. Nous avons donc un peu de couleurs différentes sur le dessus parce qu' avant, tout cela était dans l'ombre, n'est-ce pas ? Parce que la lumière précédente descend entièrement et que la partie supérieure est complètement dans l'ombre. Nous voulons donc ramener un peu de couleur ici. Nous voulons donc ajouter une lampe de plus ici, à l'avant. Et permettez-moi de revenir à la vue de gauche. J'ai donc une lumière qui va de haut en bas, une lumière qui va de droite à gauche. Et puis laissez-moi voir si je veux ajouter une autre lumière pour aller de l'arrière vers l'avant. Je vais donc le déplacer comme ici vers l'arrière , puis creuser ce point c'est là que se dirige la lumière. Je veux donc l'ajouter peut-être sous un angle différent. Par exemple, ce n'est pas défini. C'est comme si vous vouliez le filmer. Cela vous donnera un résultat complètement différent, manière dont vous souhaitez orienter ces lumières ici. Vous pouvez donc l'explorer vous-même comme vous le souhaitez. Mais c'est en quelque sorte ainsi que nous voulons configurer les choses. Nous avons, comme trois lumières jaillissent de trois endroits différents. Et puis, euh, la raison pour laquelle je veux le mettre à l'avant et à l'arrière, c'est que je veux voir la couleur qui se trouve à l'intérieur de l'anneau parce que nous utilisons un objectif grand angle, puis nous voulons pouvoir voir l'intérieur de l' anneau afin d'obtenir une certaine interaction avec la lumière. La plupart du temps, la lumière parallèle est très utile. Cela peut simplement vous donner une source de lumière allant dans une direction, donc c'est plutôt bien. Et vous pouvez également changer la couleur si vous le souhaitez, mais dans ce cas, nous ne changerons pas la couleur 7. Faites de votre objet le héros: Et maintenant, une autre chose que je veux faire , c'est parce que nous avons la lumière maintenant, et je veux une certaine interaction entre ces trois anneaux. Donc, tout d'abord, je voudrais ajouter un peu d'animation sur ces trois anneaux. Passons à la rotation. R lors de la rotation. Je veux seulement animer la rotation en Y, je vais donc ajouter une image-clé sur la rotation en Y. Donc, la rotation Y se déroulerait comme ça. Il s'agit d'une rotation en Y. Je ne fais donc qu'animer la rotation Y. Et je viens de me rendre compte que le point d'ancrage actuel n'est pas au centre de mon anneau ici parce que pour le moment, je vois si je le fais pivoter ici. Nous avons en fait ce point d'ancrage sur la surface avant de cet anneau. J'ai envie de le faire pivoter depuis le centre de l'anneau. Je dois donc me rendre à mon point d'ancrage. C'est en quelque sorte la seule fois où je dois changer de point d'ancrage. Donc 37,5, notre épaisseur est de 75, nous devons donc diviser 75 par deux Nous allons donc déplacer cet anneau un peu vers l'avant, afin d'avoir le point d'ancrage à l'avant, et je dois dupliquer ce nombre sur l'axe Z pour que tous mes anneaux soient au centre, puis mon point d'ancrage soit au centre de l'anneau, de sorte que lorsque je fais une rotation, je passe à R pour la rotation. Tout tourne en fonction du point d'ancrage central, donc je ne vais pas déplacer celui-ci vers une position étrange. C'est donc une bonne chose. Je ne veux juste pas faire une rotation très simple. Donc pour celui-ci, je vais juste le faire pivoter d'un tour positif, puis celui du milieu, je vais faire un tour négatif. Tout d'abord, je veux faire un tour positif. deuxième, je ferai un tour négatif, puis au dernier, je ferai un autre tour négatif. Je vais donc faire en sorte qu'ils tournent dans des directions différentes. Voyons à quoi ressemble l' animation. Ensuite, ils vont revenir à une rotation complète, non ? Voici donc à quoi cela ressemble ici. Ils sont donc en rotation. Je pense que l' anneau extérieur est peut-être trop grand. Je vais voir si je peux le réduire un peu. 85 ans peut-être ? Oui, je pense que ça pourrait être mieux. Donc c'est juste aléatoire, non ? Maintenant, je vois qu'il semble un peu trop grand, alors je veux juste changer l'échelle. Et après une rotation, nous voulons également que ces anneaux ne pivotent pas tous dans la même orientation, car ils tournent actuellement sur la base de l'axe Y, d' accord, parce que nous tournons sur la rotation Y. Ils pivotent donc en fonction de l'axe Y, puis ils pivotent horizontalement, gauche ou à droite, mais ils pivotent sur la base de l'axe y. Et maintenant, je veux modifier la rotation afin qu'ils ne tournent pas en fonction de l'axe Y, tournent un peu plus différemment. Donc, ici, pour ce qui est de l'orientation du premier anneau, qui est l'extérieur, je voudrais juste changer un peu cette orientation. Sur la vue latérale, vous pouvez voir comment, lorsque je change l'orientation de l'axe Z, ma bague est déplacée de cette façon. Je veux juste un truc qui a l'air cool. Disons que si je change cela à 65, puis si je le modifie pour qu'en gros, lorsqu'ils pivotent, je veux qu'ils forment une forme d'anneau, presque comme trois anneaux, presque comme s'ils se traversaient, quelque chose comme ça. Je dois donc peaufiner mon animation ici. C'est donc la première bague. J'aime bien sa rotation. Donc, pour la deuxième bague, je vais juste faire quelque chose comme ça. Cela pourrait être une bonne rotation. Donc, je veux dire, une bonne orientation , de sorte que lorsqu' ils pivotent , ils utilisent un axe différent, puis l'apparence est un peu différente. Alors celui-ci, je vais peut-être le faire comme ça. J'essaie donc juste de changer l'orientation de manière aléatoire sur l'axe ici. Voyons comment cela fonctionne. C'est donc l'orientation que j'ai modifiée. Donc au début, ce serait, d'accord, je dois mettre zéro. C'est donc le début. Tout est droit, face à la caméra, puis si j' avance dans le temps, ils commencent à tourner, puis ce truc va tourner comme ça, puis, euh, en se croisant, faire une rotation aléatoire comme ça. Je pense que c'est bon. Ça a l'air plutôt cool. Donc, si je le joue, voici à quoi il ressemble. En gros, nous ne faisons que animer dans la rotation blanche, puis nous modifions l'orientation de chaque anneau pour qu'il tourne différemment. Maintenant, j'ai la rotation de la bague. Je peux également ajouter un mouvement de caméra Je vais donc passer à P pour la position, puis je veux que la caméra soit à l'intérieur du ring. Tout d'abord, je vais simplement sortir l'appareil photo comme ça pendant qu'il tourne. Donc, au début, je veux que ce soit complètement à l'intérieur, puis à la fin, je veux que la caméra sorte comme ça. Voici donc mon appareil photo, juste en mouvement, en train de zoomer. Et voyons l' animation ici. OK, c'est comme ça que je l'aime. 8. Matériau réfléchissant: Puisque nous avons la lumière et l'appareil photo. Ce que je veux faire, c'est ajouter une certaine interaction entre ces matériaux. Je veux donc une interaction légère. Je vais donc passer à cet appareil photo. Je veux dire, encerclez-en un, descendez. Il existe une option matérielle. Il existe donc une option de géométrie que nous utilisons pour extruder la forme afin de l'épaissir Et puis il y a une option matérielle. Je vais donc passer à l'option matérielle, et je vais activer Cast Shadow. Donc, en gros, en fonction de l'endroit où se trouve la lumière, il projettera de l'ombre sur un autre objet dans le même réglage. Je vais donc activer cette ombre projetée. Et puis ici, le plus important ici, c'est qu' il y a une certaine intensité spectrale, une timidité spéculaire, et puis il y a une intensité de réflexion Donc, en gros, je dois ajouter une réflexion. Je voudrais ajouter quelques réflexions. Je veux en faire une surface plus lisse et brillante afin que, lorsque ma lumière passe à travers, il y ait une interaction lumineuse entre ces formes d'ombre et de lumière et, par exemple, entre les formes. Permettez-moi donc de porter cette intensité de réflexion à 50 %. Je vais changer la timidité spéculaire à 85 %. Vous pouvez donc voir que si je le passe à 85 %, il y a un léger changement dans le matériau. Il ne se passe pas grand-chose. Il se peut que je doive exagérer un peu plus Vous pouvez donc voir qu'il y a comme une ombre projetée sur cet anneau. Vous voyez que cet anneau bloque la lumière, et c'est pourquoi nous avons cette zone d' ombre puis la zone claire. Il se peut donc que je doive exagérer. Permettez-moi de le changer à 100 %. Je change donc la timidité spéculaire à 100 %, pour la rendre plus brillante Et puis je vais changer pour que le métal soit déjà réglé à 100 %. Intensité spéculaire, je vais la changer à cinq. Et puis le diffus, je vais le changer en 15, essayant de modifier ces paramètres afin que nous puissions obtenir une certaine interaction entre ces formes pendant qu'elles se déplacent. Tu vois ça ? Comme si quelqu'un se déplaçait par ici. Donc diffus, si nous le changeons, par exemple, vous pouvez voir, si nous le changeons à 15, nous avons des ombres et des reflets plus concentrés, mais ensuite si nous le déplaçons, plus gros, cela fait tout simplement tout exploser. Donc, dans ce cas, nous devons nous en tenir à environ 10 %. Ma façon de procéder consiste essentiellement à penser à : OK, si je veux le rendre brillant, un peu penser à : OK, si je veux le rendre brillant, comme une texture de miroir en verre, je peux vraiment le tonifier ou si je ne veux pas que ce soit comme un miroir, plutôt comme un objet en métal, je peux le réduire d'environ 50 %. Et puis la réflexion, combien de réflexion je voulais. Je ne sais pas Peut-être disons, si je veux une réflexion à 100 %. C'est juste que tout devient trop sombre. Je peux en garder 50. Gardez donc l'ombre et la zone de surbrillance toujours présentes, mais maintenez ensuite un certain degré d'ombre, ou ces reflets, par exemple, se poursuivent. Je garde donc un 50 % , puis je garde ce diffus à 10 %. L'intensité spéculaire passe à 100 % pour le moment. La timidité change peut-être 75. C'est donc un peu ce que j'aime. Si je joue à ce jeu, vous pouvez voir que ces bagues contiennent beaucoup plus de détails. Et une fois que nous aurons ajouté la couleur, elle apparaîtra du côté des couleurs. Cela va rendre les choses plus intéressantes parce que nous avons une interaction entre ces anneaux en fonction de la lumière qui passe dans différentes directions. C'est donc en quelque sorte l'option matérielle que nous devons faire avant de le colorer. Donc, en ce moment, vous voyez ici, nous avons quelques zones d'ombre, puis l'une d'elles est en train de disparaître. Vous pouvez voir tous ces détails. C'est donc l' option matérielle que je veux vous montrer avant de passer à la couleur. Et dans ce cas, après avoir ajouté le matériau, nous finissons tout ce qui se trouve dans cette composition. C'est donc exactement ce dont j'ai besoin pour cette composition. 9. Un arrière-plan avec vie: OK, donc c'est ce que nous avons ici et c'est en rotation. Ensuite, nous devons créer une pré-composition. Nous avons donc maintenant la configuration, et souvenez-vous que nous avons également fait la configuration matérielle. Donc, en dessous, dans l'option matériau, nous jouons avec le diffuseur, alors réduisez-le à 10 %. Une fois la couleur ajoutée, elle s'affichera mieux car elle aura un effet miroir. Donc, essentiellement, pour le rendu Cinema 40, nous avons ces deux options différentes, option de géométrie et l'option de matériau. Voici donc les deux options qui s'offrent à nous. Et comme nous l'avons déjà vu dans la leçon précédente, la caméra s'éteint. Nous avons la lumière parallèle venant de trois directions différentes. Ce contrôle maintenant, pour le moment, je ne l'utilise pas, donc je peux simplement supprimer celui-ci. Oui, nous ne l'utilisons pas pour le moment. C'est bon. Et maintenant je veux le précomposer. Passons à tout sélectionner, puis Command Shift C, précomposons ceci, un, deux, nous pouvons appeler cela une animation en anneau, puis cliquez sur Maintenant, nous avons cette animation de bague. Donc, si je joue à ça, tu peux voir que c'est ce que nous avons. Alors maintenant, nous pouvons simplement le considérer comme une couche en deux D, puis nous pouvons simplement la colorier en fonction de la couche en deux D. Et tout d'abord, je souhaite ajouter un arrière-plan. Ajoutons donc un arrière-plan. Je vais juste faire un arrière-plan dégradé. Passons donc à la composition, ajoutons une couche solide. Je crée un arrière-plan, donc je veux m'en tenir à ma couche solide. J'appellerai celui-ci un arrière-plan. Cliquez sur OK. Cela va créer une couche solide, la même taille que ma composition. Je vais donc le faire glisser ici. Je vais donc accéder à mes effets et préréglages, rechercher un gradient de RAM Et pour celle-ci, en changeant de couleur, nous pouvons faire comme une RAM radio, faisant glisser cette couleur noire en bas vers la gauche pour obtenir, genre, moins de noir Nous obtenons donc presque comme une lumière incandescente qui part du haut. N'oubliez pas que nous avions cette lampe supérieure comme lumière principale dans la composition. J'ai donc envie de créer un éclairage similaire. Basé sur l' animation de la bague que nous avions. Nous avions donc, genre, une lumière parallèle qui venait juste du haut. J'ai donc envie de ressembler à ça. Nous avons donc la rampe de dégradé radio, ce qui signifie que le blanc vient d'ici, puis le noir vient d'ici. Il y a donc comme un gradient radio. Je vais juste supprimer celui-ci pour que nous obtenions plus de zone grise au lieu de zone noire. Ensuite, je vais le dupliquer. Donc, même chose. Mais maintenant, je veux créer un bleu plus clair à un bleu plus foncé. Je vais donc cliquer sur cette couleur blanche, changer en bleu plus clair, peut-être comme ça, puis changer le noir en bleu plus foncé. C'est une bonne chose. Juste une couleur bleue aléatoire. Et maintenant, je veux en quelque sorte changer celui-ci en dégradé linéaire. Essayons le dégradé linéaire. Laisse-moi régler ça en solo. Pour celui-ci, je veux y aller du haut vers le bas. Comme ça. Ma couleur bleue est donc un dégradé linéaire allant du haut vers le bas. Et ma couleur noir et blanc est un dégradé radio qui vient du haut, presque comme un soleil qui brille au milieu, ici en haut, puis des lumières brillent Et puis toute la zone est plutôt lumineuse. Plus il avance, plus il fait sombre. Je vais donc utiliser le premier arrière-plan pour faire une superposition sur le second arrière-plan. Je vais donc le remplacer par overlay. Zone d'arrière-plan, superposition, superposition de motifs de fusion. Nous allons utiliser beaucoup de superpositions. Effets. En gros, assombrir la couleur la plus foncée. Et puis si vous voyez ici que la superposition fonctionne de la même manière que le mode de fusion des superpositions dans Photoshop, n'est-ce pas ? Donc, si nous éteignons la bague ici, nous avons une couleur blanche jusqu'à différentes nuances de gris, puis jusqu'au noir. Et maintenant, si j'ajoute la couleur bleue par le haut, en la mélangeant aux dégradés, nous obtiendrons des dégradés beaucoup plus fluides Et puis le blanc est toujours blanc, le noir est toujours noir. Mais entre les deux, il y a plus de séparation. Il y a différentes nuances de bleu entre les deux. Il suffit donc de créer ce dégradé de couleurs mélangées comme arrière-plan Ça a l'air plutôt subtil, plutôt sympa. Et presque comme si nous avions un soleil qui brille au sommet, et puis la zone se trouve ici, le bout est un peu noir Je dirais que c'est une façon très courante de faire le fond. Si vous ne savez pas comment créer un arrière-plan, par exemple, vous pouvez toujours utiliser cette méthode pour créer un arrière-plan. Ce n'est donc pas une sorte de façon aléatoire de créer. C'est presque comme si vous aviez besoin d'un arrière-plan, vous pouviez le créer de cette façon. C'est donc un peu une pratique courante. En gros, vous pouvez changer de couleur pour n'importe quoi, mais nous voulons toujours superposer du noir et blanc en dessous Ils changent également, comme la façon dont cette source de lumière arrive dans cet arrière-plan. Par exemple, en ce moment, la source de lumière vient d'ici. Donc, si je fais glisser le pointeur ici, cela signifie que ma source de lumière vient de la droite. Et puis si je le change simplement pour superposer la première couche par-dessus, cela signifie que j'ai une source de lumière qui arrive par là Je peux également créer un très beau dégradé. Et maintenant j'ai l'impression que le blanc est trop fort ici. Maintenant, je peux entrer dans cette couche ici , puis peut-être faire glisser la zone des lumières de départ vers le haut pour obtenir plus de couleur grise au lieu de couleur blanche. Et maintenant, si je superpose simplement ce bleu sur le dessus, cela créera cette couleur d'étalonnage en diagonale Ça a l'air plutôt sympa. Je peux aussi faire glisser ce noir ici. Cela vous donnera donc un dégradé plus subtil au lieu d'avoir une seule couche de dégradé, qui est assez plate. Si vous créez simplement un dégradé comme celui-ci avec du bleu, par exemple, une couleur bleue et une couleur bleu plus foncé, trop foncé, c'est vraiment plat. n'y a pas de Light Schwartz. Il n'y a pas d'environnement. J'ai l'impression que c'est juste un arrière-plan simple qui n'a pas de vie, n'est-ce pas ? Donc, une fois que nous avons superposé des dégradés en noir et blanc, cela vous donnera un peu de Cela va vous donner une source de lumière. C'est pourquoi nous utilisons deux couches pour créer un arrière-plan. Et maintenant, je veux juste que le blanc soit ici en haut, puis le noir, je vais juste faire ici pour que nous ayons presque comme une lumière qui descend ici. 10. Coloration RGB à échelle de gris: OK, cool. Laisse-moi juste mettre l'animation de ma bague. Maintenant, voici une pièce pour le transport de charges lourdes. Nous devons colorier cette bague ici. Nous voulons donc le colorier. Pour le moment, c'est en RGB. C'est ce qu'on appelle la coloration RVB, la coloration RVB. Cela signifie que votre objet ne doit avoir que trois couleurs. Votre objet ne doit être doté que de la couleur RGB. Dans ce cas, la façon dont nous voulons le colorer en fonction de la couleur RGB est que nous pouvons réellement séparer chaque couleur en utilisant l'effet mat défini. L'effet set MD est donc le même que celui du tapis de course. Donc, en gros, si j'y vais, laisse-moi voir ici. Permettez-moi d'ajouter une couche solide, puis nous allons choisir celle-ci pour l'appeler side, puis nous allons l' ajouter. En gros, nous allons utiliser trois couches, colorer en niveaux de gris abord, nous devons colorer en niveaux de gris, puis nous allons superposer des couleurs au-dessus des niveaux de Tout d'abord, la première logique est que nous devons utiliser le noir et blanc pour transformer le RGB en noir et blanc. Ensuite, une fois que nous aurons obtenu les niveaux de gris, nous utiliserons la superposition de couleurs pour colorer le noir Et c'est ainsi que fonctionne la logique. Alors, n'oubliez pas, du RVB aux niveaux de gris, de gris Nous allons donc créer trois couches solides différentes pour représenter trois zones, la zone RGB. Nous avons donc le côté, qui sera de couleur rouge, et je pense que le côté est rouge, non ? Oui, le côté est rouge, puis l'extérieur va être bleu. Nous allons donc avoir un côté. Nous allons avoir un côté, un à l'extérieur, puis un beble. Faisons donc d'abord le côté. Nous créons simplement une couche solide, puis nous ajoutons un dégradé, le gradient rem. Laisse-moi l'allumer. Je pense donc qu'en termes de niveaux de gris, en termes de niveaux de gris, nous voulons également séparer davantage les trois zones différentes afin que pour celle-ci, il y Laisse-moi l'échanger. Donc, du blanc au noir, puis pour le noir, je vais utiliser un gris au lieu du noir. Donc, en gros, ici, je vais utiliser une couleur moyenne. Donc, disons que pour celui-ci, je vais le renommer en side maton Mi tone signifie simplement que nous n'avons pas de reflets ou d'ombres. En gros, tout va d' un gris clair à un gris plus foncé. C'est donc un peu le ton intermédiaire que j'ai. Et dans ce cas, une fois que j' aurai cette rampe de dégradé, je vais utiliser les sets mates. Donc seulement deux effets, rien de compliqué, seulement deux effets, le gradient ram et le semat Maintenant, j'utilise des effets de tapis fixes, puis ici, nous pouvons prendre un tapis d'une chaîne. Nous avons donc le canal RGB, qui est un canal rouge, vert et bleu. N'oubliez pas que la bague est rouge. Nous prenons donc le tapis du canal rouge, puis nous allons utiliser des effets et des masques ici, puis nous reprenons le canal rouge de l'animation du ring. Donc, ce qui se passe, c'est que nous colorons cet anneau rouge ici en dégradé de couleur ici. Tu vois ça ? C'est couvrant. Il faut prendre ces tapis. Il l'utilise presque comme un tapis de course où vous pouvez utiliser une couche comme tapis de piste pour une autre couche, puis il va essentiellement remplir la couleur de la couche de tapis, partout où elle est visible. Dans ce cas, partout où il est visible en rouge, si je l'éteins, désolé. Éteins celui-ci. Chaque fois que cela est visible en rouge dans l'animation ici, vous voyez ici, cela va essentiellement la remplir avec ce dégradé de couleur. Maintenant, laissez-moi en créer un autre. Je vais juste opter pour un nouveau solide. Donc celui-ci, je vais le nommer à l'extérieur. Et puis celui-ci, je veux en faire une gamme complète. Donc, du surlignage à l'ombre car c'est la zone la plus importante. À l'extérieur, c'est la couleur bleue. Nous avons la couleur la plus bleue. Je veux donc que la couleur bleue soit complète , des reflets aux ombres. Il couvrira toutes les couleurs du blanc pur au noir pur, de sorte que plus tard, lorsque nous procéderons à la superposition de couleurs, nous aurons une plus grande gamme Mais pour le côté, nous optons pour le ton moyen, donc nous n'allons pas avoir une gamme aussi large. Je veux donc juste avoir une certaine séparation entre ces trois couches différentes afin d'avoir plus de contraste. Donc, en gros, dans celui-ci, je vais passer du surlignage à l'ombre, donc je vais passer à nouveau à Gradient RAM. Et puis pour celui-ci, je vais l'échanger, passer du blanc pur ici. Je vais juste faire presque comme une diagonale. Je pense que cela n'a pas beaucoup d' importance, mais je veux faire comme ça pour que nous ayons du blanc pur ici, du noir pur ici, tout ce qui se trouve entre les deux est gris. Nous avons donc une gamme complète pour l'extérieur, puis nous allons utiliser un effet de tapis fixe. Appelle celui-ci. Nous devons donc choisir une couche à partir de laquelle nous prenons le tapis. La couche est donc appelée animation en anneau. Nous prenons cette couche, et nous utilisons les effets et le masque. Et pour le moment, vous pouvez voir qu'il est réglé sur le canal Alpha. canal alpha signifie simplement que tout ce qui est visible va prendre cette forme à partir de cette couche, qui est une couche annulaire, mais nous n'utilisons pas le canal alpha. Nous utilisons le canal bleu. Alors allons-y, changeons le canal bleu. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai une chaîne bleue en niveaux de gris ici. Et n'oubliez pas que nous avons ajouté du matériel. Puisque nous avons le matériel, vous pouvez voir certaines de ces transparences bleues à partir de l'échelle de gris, ce qui est tout à fait normal, car nous voulons ces Lorsque nous ajoutons de la couleur, la couleur interagit avec le matériau. C'est donc un peu ce que nous avons ici. Nous avons donc le méton extérieur surlignant le côté ombre , puis il ne nous manque que le biseau, n' Nous faisons donc la même chose. Passez au solide et appelez cela un biseau Peu importe la couleur de ce solide, car nous ajoutons un dégradé de niveaux de gris Nous faisons donc une échelle de gris ici. Appelle celui-ci. Celui-ci ne sera que le point culminant. Faisons simplement un dégradé. RAM. Et puis dans ce cas, j'utilise juste Je vais changer de couleur. Je veux toujours que le blanc soit au top. Et puis c'est un point fort Je veux juste remplacer ce noir foncé un gris plus clair afin que nous n'ayons que du blanc au gris plus clair comme celui-ci. Assez subtil. Comme ça. Nous avons donc ceci, puis nous allons ajouter un ensemble d'effets Mad. Livre. Ensuite, je vais le remplacer par l'animation en anneau, remplacer par Effets et masque, puis changer le canal Alpha en canal vert. Maintenant, j'ai cet avantage qui est mis en évidence. Pensez-y presque comme un avantage. Vous voulez toujours que le bord soit surligné, puis le bord sera surligné en blanc. C'est donc un peu ce que j'ai ici. C'est en niveaux de gris maintenant. Et c'est exactement ce que je fais. 11. Appliquer des couleurs à haute densité: Non, il faut ajouter de la couleur. La façon dont nous ajoutons de la couleur est donc, tout d' abord, de dupliquer cette animation en anneau. Nous devons utiliser la superposition de couleurs pour ajouter de la couleur au dégradé Donc, en termes de superposition de couleurs, nous avons toujours besoin de cette forme d'animation en anneau Nous avons besoin de cette couche parce que nous devons prendre la forme pour appliquer une superposition par-dessus celle-ci elle-même. Nous devons donc dupliquer celui-ci , puis le déplacer complètement vers le haut et appeler celui-ci overlay Alors maintenant j'ai cette superposition. Et pour la superposition, je veux ajouter de la couleur. Je n'ai donc plus besoin de cette couleur RGB originale. Je dois donc me baser sur les tons clairs et foncés et sur le ton, je dois colorer ça. Alors laissez-moi passer à mes effets et continuer. Je dois rechercher un effet appelé toner CC. Ajoutez-le. Donc, par défaut, ce sera un triton. Cela va donc me mettre en valeur ton et mon ombre. Et en ce moment, mes reflets sont en train de colorer en blanc. Ça colore mon ton pour moi, genre brun, puis ça colore mon ombre en noir. C'est donc ce que je reçois. Ça n'a pas l'air bien parce que je n'aime pas ces couleurs. Il fait trop sombre. Je dois donc utiliser Penton. Penton va donc me donner cinq couleurs. Au lieu de trois, Triton va être trois. J'ai besoin de Penton. Le penton est composé de cinq couleurs. Je souhaite donc modifier ces couleurs pour qu'elles soient plus belles. Je veux juste le garder, plutôt bleu et rose. J'ai donc rassemblé cette composition de couleurs ici. Nous l'avons. Vous pouvez en fait choisir une couleur au hasard, mais c'est celle que je choisis et elle fonctionne plutôt bien en ce moment. J'utilise donc les reflets comme couleur rose, puis les tons clairs, je veux que ce soit le bleu vif Le bleu clair, puis les tons moyens utilisent le bleu moyen. Et puis le ton foncé utilise le bleu foncé. Et puis l'ombre l'utilise, presque comme un beige. Je peux désactiver cette couleur pour le moment, mais j'ai déjà ce toner CC. Tout est réglé sur sa propre couleur. Je vais le changer en mode superposition. Je vais donc superposer, pour que ça soit transparent. Mais c'est la première superposition que j'ai. J'utilise donc cette forme, en ajoutant un toner CC, car si je n' ajoute pas le toner CC, la couleur RGB restera visible. Ce n'est donc pas ce que je veux. Je veux utiliser un toner CC, voir à travers certaines de ces couleurs très délavées, puis utiliser une superposition Ensuite, nous allons ajouter quelques styles de couches ici. Nous pouvons ajouter une superposition de gradation. Nous allons donc utiliser une autre superposition par-dessus cette superposition Nous allons utiliser la superposition de gradation, puis cliquer sur la superposition puis cliquer sur la Nous ajoutons les styles de couches, n'est-ce pas ? Permettez-moi donc d'activer la couleur pour la superposition de dégradés, je vais simplement ajouter des dégradés Je vais utiliser ce dégradé ici, de couleur orange à la couleur bleu foncé, donc nous avons un peu de rose entre les deux. Ce sera donc ma superposition. Je couvre le tout, donc je dois changer le mode de fusion en mode superposition Et maintenant, j'ai un peu de couleur visible. Vous pouvez voir qu'après avoir ajouté la superposition, si je désactive la couleur ici, cela me montre déjà une assez belle couleur ce moment. Alors jouons à ça. Oui, je pense que ça va. Après la superposition, je souhaite également ajouter des ombres, des ombres intérieures et des lueurs intérieures Dans ce cas, je n'ai pas besoin d'une boîte de réception capable car elle est déjà en trois D. Alors maintenant, permettez-moi d'utiliser une ombre intérieure. Vous pouvez donc voir qu'il y a une ombre noire là-bas. Rentre ici. Je veux changer la couleur de l' ombre pour elle soit plutôt rose. Je veux que la couleur soit plutôt rose, donc le style général est plus exagéré. C'est donc plus stylisé. Ensuite, je veux agrandir la taille. Alors tu verras si je l'agrandis. Ensuite, je change la distance ici. Vous pouvez donc voir cette couleur rose violet apparaître comme une ombre là-bas Je peux donc probablement augmenter l'opacité à 100 % et cela s'ajoute comme une ombre rose. Par exemple, si je réduis la taille, voici à quoi ça ressemble. Si je modifie la distance, c'est l'ombre qui vient du haut. Tu vois ça ? Je peux également modifier l'angle si je le souhaite. Mais pour le moment, je pense que c' est bon, peut-être comme ça. C'est donc mon ombre. La distance est bonne. Changez simplement la taille pour qu'elle se fond dans la bague, n'est-ce pas ? Nous avons donc cette ombre qui perdure. Regarde si je fais en sorte que ce soit un peu plus sombre. Oui, le plus sombre est trop foncé. Peut-être que je préfère un endroit par ici. Vous pouvez également utiliser d'autres couleurs, comme le jaune ou il y aura simplement plus de couleurs dans la scène. Je pense que ça n'a peut-être pas l'air bien. Je pense que le rose est plus beau. Gardez-le simplement de la couleur rose comme ça. C'est bien. Donc, laissez-moi voir si je change le mode de fusion. Soit comme la superposition, je pense que la superposition ressemble davantage à une lueur qu'à une ombre Je vais donc m'en tenir à multiplier. Ensuite, une fois que j'aurai l'ombre intérieure, j'ajouterai juste une dernière chose , à savoir la lueur intérieure. Je vais juste entrer dans la lueur intérieure, puis entrer ici. Donc, pour ce qui est de la lueur, si je désactive l'icône en forme d'œil, c'est une toute petite lueur qui se trouve sur le bord en ce moment, pour pouvoir l'agrandir. Passons donc à la taille et augmentons la lueur. C'est trop gros. Alors peut-être qu' il suffit de le remplacer par ce que je n'aime pas, c'est que je n'aime pas la lueur sur ces bords ici. Cela dépend donc de vos préférences. Permettez-moi d'ajouter un petit chiffre, 25 ou quelque chose comme ça, puis de le garder comme ça. C'est donc un peu comme ça que j'ai installé la bague ici. Et maintenant, je dois ajouter une autre couche pour ajouter plus de couleur à cette bague Donc encore une superposition. Ici, j'ai besoin d'un outil rectangulaire. Ce sera donc la dernière superposition. Et la couleur que je veux utiliser est le bleu, le jaune et le rose. C'est un peu mon thème ici. J'ai donc obtenu la couleur à partir de ma composition chromatique. C'est donc la couleur de la superposition finale, du rose au jaune en passant par le bleu foncé J'ai donc ceci, puis j'ai simplement commencé à le superposer. Alors maintenant, si je l'éteins, voici à quoi ça ressemble. Je n'ai toujours pas beaucoup de détails. Et il y a tous ces reflets, ce qui est plutôt cool, mais c'est quand même assez plat. Il n'y a pas trop de vie. Donc, une fois que j'ai ajouté la dernière superposition, voici à quoi cela ressemble Cela a beaucoup plus de vie, il suffit de colorer la scène dans son ensemble et elle interagit avec l'arrière-plan, avec le premier plan, avec les anneaux ici C'est peut-être trop saturé. Je peux le modérer si je veux. Peut-être 65 % ou quelque chose comme ça. Ou continuez simplement à ajouter à l'ajustement final. C'est donc la couleur que j'aime. Je peux le faire en fonction de vos préférences. Je peux le régler à 100 %. Ça a l'air plutôt bien, ou je peux le modérer. Et puis une autre chose que je veux ajouter c'est que je veux ajouter une couche de réglage ici. Je peux donc supprimer la composition chromatique du calque de réglage. C'est ce que j'appelle des rayons lumineux. Nous allons donc aller dans Effets, prétraiter et rechercher rayon CCl, puis l'ajouter Donc, pour ce rayon lumineux c'est si je le fais glisser ici. Donc, juste ici. Chaque fois qu'il est recouvert par l'anneau, vous pouvez voir des rayons lumineux jaillir. Presque comme une source de lumière rétroéclairée recouverte par l'anneau, il y a une sorte de source de lumière qui entre, comme lors d'une fusillade. Je veux donc le placer au centre de telle sorte que lorsque mon anneau interagit avec le centre, il projette des rayons ici. Je vais donc peut-être modifier certains paramètres, continuer à modifier et voir ce que j'aime. Donc je pense que c'est bon. Ainsi, lorsque l'anneau interagit avec le centre, vous voyez que des rayons lumineux proviennent du centre. Tu vois ça ? Cela lui donne un peu plus de vie. Donc ça a l'air plutôt cool. C'est une chose que je voudrais ajouter. Ce sont donc des rayons lumineux, qui vous donnent effets de rétroéclairage et qui vous donnent des rayons lumineux. C'est donc un effet de rayon lumineux CC. Et puis je vais faire, genre, le flash CC. C'en est donc un autre. Je vais donc ajouter l'effet CC light burst. Et aussi petit qu'un flou cinétique, dont l' intensité est actuellement de 100 % Donc, si je joue l'animation, tout est flou. C'est assez intense. Je voudrais peut-être le réduire à 20. Non. Et la lentille est trop grande. C'est donc un 50. Changez-le en dix ou 20. Donne-lui juste un petit chiffre ici. Nous avons donc une sorte de flou cinétique. C'est donc une lumière qui éclate dans la ville. Si c'est le cas, augmentez-le complètement vers le haut, c'est presque comme un flou cinétique qui s' estompe depuis le centre et fait éclater Et je n'en garde qu'un petit pourcentage. Je peux voir les rayons lumineux passer. Chaque fois que ces rayons lumineux peuvent aider à les convertir en éclats et à vous donner un peu de flou cinétique, plus d'action dans la scène ici Nous avons un tas de superpositions, non ? Nous avons cette superposition d'animation en anneau l'aide du toner CC Penton, puis à l'intérieur, nous avons ajouté une superposition d'étalonnage de style calque utilisant cette couleur d'étalonnage Vous pouvez réellement modifier si vous le souhaitez. Ça va vous donner, genre, des résultats différents. L'écran est plutôt joli. Je ne veux donc pas qu'il soit de la même couleur, donc je dois m'assurer que les deux couleurs sont de deux couleurs différentes. Donc, si vous le modifiez en vert et en jaune, je trouve que cela a l'air plutôt cool également. Cela dépend donc de la couleur que vous souhaitez. Et puis nous avons ces lumières et ces ombres et, par exemple, des reflets qui se produisent en fonction du matériau choisi à l'intérieur de la bague. 12. Scène 2 : flux de travail de configuration: C'est la composition sur laquelle nous allons travailler aujourd'hui. Nous avons donc une configuration similaire, mais il y a trois anneaux à un coin de la composition. Et puis nous avons d'autres effets spéciaux qui ont été ajoutés. En termes de configuration, celle-ci est un peu différente. Changez l'angle de prise de vue pour cette prise de vue , puis travaillez davantage avec l'appareil photo que lors de la prise de vue précédente pour obtenir composition similaire à celle-ci. Mais les techniques d'ombrage sont les mêmes. Nous utilisons donc le même flux de travail pour travailler sur celui-ci. Vous pouvez voir qu'il y a une caméra, un peu comme si elle volait dans l'espace C'est donc l'animation que nous essayons d'obtenir. Allons-y et créons la composition à partir de zéro. Allons créer une composition, puis appelons-la main com. Et celui-ci, nous avons 1920 x 1080, puis la fréquence d'images par seconde, restons-en à la 32e. La durée peut être de dix. Nous devons passer au rendu en trois D. Assurez-vous qu'il est configuré pour envoyer un rendu à quatre. Cliquez sur OK. Et maintenant, nous devons créer trois anneaux. Et dans ce cas, puisque nous voulons créer ces anneaux orientés sur le côté, si nous regardons l'exemple, les anneaux sont en fait juste orientés sur le côté. C'est donc en quelque sorte le look final. C'est le look que j'essaie d'obtenir. Je dois donc réfléchir à la logique qui nous permettra d' accéder plus rapidement à ce ring. Et vous pouvez voir qu'il est en fait orienté sur le côté. Je pense donc que dans ce cas, le meilleur moyen pour moi est de créer les anneaux dans la vue latérale de sorte que dans la vue de face, ce soit réellement le côté. Dans la vue de caméra active, il s'agit en fait de la vue latérale. Je vais donc vous le démontrer pour que vous le compreniez mieux. Créons d'abord une bague ici. Dessinons simplement un cercle parfait maintenant les touches Option et Shift enfoncées. Nous avons donc le cercle ici. Supprimons le remplissage. Je vais cliquer sur le remplissage, cliquer sur celui-ci, puis me dire : OK, je dois placer le point d'ancrage au centre de l'anneau. Je vais donc accéder à ma position, outil de point d'ancrage, cliquer sur le centre, cliquer sur repositionner. Maintenant c'est au centre. Je dois également faire cette bague au centre de la composition. Je dois donc accéder à l'outil d'alignement. Ensuite, assurez-vous qu'il s' aligne sur la composition, appuyez sur l'alignement vertical, horizontal et vertical Maintenant, j'ai cet anneau complètement aligné au centre avec le point d'ancrage au centre. C'est génial. Ensuite, je vais accéder à mon outil de sélection. Maintenant, je dois transformer celui-ci en trois D. Appelons celui-ci, peut-être en sonnons un. Je vais passer celui-ci à trois D. Ensuite, je dois diriger mon panel ici. Je dois aller sur MyTView. C'est tout le chemin sur le côté, donc je dois diriger celui-ci vraiment vers la droite accéder à ces deux vues ici. J'ai deux points de vue. Et maintenant, vous pouvez voir dans mon champ de caméra actif que j'ai cette bague tournée vers l'avant, n'est-ce pas ? C'est donc la vue active de la caméra en ce moment. Et puis, sur la vue de gauche, la bague est en fait tournée vers le côté. Donc, tout d'abord, permettez-moi d'ajouter un peu d'extrusion. Je vais ajouter le beble ici, convexe, 0,3 ici, puis extruder, je vais juste en faire 50, donc nous avons une certaine profondeur dans cet anneau Et dans ce cas, je veux vraiment que ces anneaux soient vus côté dans cette vue de caméra active parce qu'à la fin, je veux que les anneaux soient un cette vue de caméra active parce qu'à la fin, peu tournés vers le côté dans le coin droit, dans le coin supérieur. C'est donc très simple. Tout ce que j'ai à faire c'est de le faire pivoter, non ? Et avant cela, je souhaite également changer le point d'ancrage au centre de l'extrusion ici. Vous pouvez donc voir que le point d'ancrage se trouve actuellement sur le côté de cette extrusion. Je dois accéder au réglage de mon point d'ancrage, appuyer sur A sur le clavier. Et puis ici, dans ce réglage, je dois le changer en 25. Mon extrusion est de 50. Donc, une fois que je l'ai changé en 25, j'aurais dû. Ai-je mis une extrusion de 50 ou 50 ? Donc, une fois que j'ai mis 25 sur la position du point d'ancrage, je devrais avoir le point d'ancrage au centre. Maintenant, il ne me reste plus qu'à le faire pivoter de 190 degrés pour que la vue latérale soit orientée vers l'avant. Passons donc à la rotation ici. Ensuite, je vais simplement changer l'orientation de l'orientation Y pour m' assurer que ma bague est orientée vers nous, n'est-ce pas ? Je vais donc lui donner un angle de 90 degrés. C'est une bonne chose. C'est donc exactement ce que je veux. Je veux que cet anneau soit orienté sur le côté dans la vue active de la caméra, sorte que lorsque je duplique plusieurs anneaux, les deux autres anneaux, je veux dire, trois anneaux au total soient orientés sur le côté. Je veux juste qu'ils soient orientés sur le côté parce la composition finale que je veux a les anneaux orientés sur le côté, sorte que nous la construisons sur la vue de gauche, un peu selon une logique différente de celle du dernier exemple que nous construisons dans la vue de face, puis que nous utilisons la vue de gauche pour nous aider, n'est-ce pas ? Pour positionner une partie de l'éclairage et certaines positions de la caméra. Maintenant, nous le construisons dans la vue de gauche parce que dans la vue de gauche, nous pouvons voir presque comme une vue de face en ce moment. C'est donc en quelque sorte le changement de logique là-bas. Maintenant, j'ajoute juste de la couleur RGB à cette bague. Passons donc au contenu. Assurez-vous que nous cliquons sur cette ellipse ici. Si vous ne cliquez pas sur l'ellipse, une erreur s'affichera et vous ne pourrez pas ajouter de couleur Je vais donc accéder à l'annonce ici, puis j'ajouterai une couleur latérale ici. Passons à la couleur. Donc pour la couleur latérale, je vais juste ajouter du vert. Donc 255 ou en utilisant le RGB pour le colorer. Donc tout devrait être vert pur, bleu pur et rouge pur, non ? Donc 255 vert pur, cliquez sur. Vous pouvez voir que le côté est passé au vert. C'est une bonne chose. Et puis continuez à cliquer sur cette ellipse pour ajouter une couleur de biseau Pour le biseau, je vais le changer en bleu. Donc 255 en bleu, puis changez le rouge en zéro. Maintenant, nous avons un bleu pur ici. Cliquez sur. Maintenant, vous pouvez voir qu'il y a un biseau en bleu, puis l'extérieur est vert et le recto est en fait rouge. C'est donc tout ce dont nous avons besoin. Maintenant, j'ai juste besoin de dupliquer cette bague ici. Commande D, Commande D, dupliquer. Je vais passer à cette vue de face, vue de caméra active. J'ai juste besoin de faire légèrement glisser celui-ci , peut-être par ici. Ou si vous voulez faire plus précisément, laissez-moi extraire la propriété position. N'oubliez pas que l'extrusion est de 50, me suffit donc de retirer cette position. Laissez-moi simplement faire glisser celui-ci pour l'aligner. Regardez ça Je vais juste regarder ça. Pas besoin d'être exact, non ? À peu près comme ça, non ? J'ai donc trois bagues l'une au-dessus de l'autre. Vous pouvez calculer si vous voulez le rendre plus précis, mais maintenant je pense que c'est bon. Alors laisse-moi le faire de cette façon ici. Trois anneaux superposés. Et maintenant, je veux en changer la taille. Il me suffit donc de le réduire. En fait, je peux simplement cliquer sur un lien dans la propriété d'échelle, puis peut-être changer celle-ci en 65 et changer X et Y en 65 sans toucher le z pour que mon extrusion d'épaisseur soit toujours la même. Nous pouvons donc maintenant l'obtenir en utilisant la propriété scale puis en la modifiant à 45 % ici, puis à 45 % ici, afin de conserver cette épaisseur, l'épaisseur de l'extrusion. Et nous le changeons à 65. Je n'ai pas aimé cet écart, alors je devrais peut-être agrandir la deuxième bague. Vous voyez donc que cet écart ici est plus grand que cet écart ici. Modifions-le donc à 70 au lieu de 65. OK, c'est mieux. Nous avons donc ici un écart plus ou moins espacé. C'est ainsi que nous avons créé les trois anneaux très facilement, comme nous l'avons fait la dernière fois. 13. Contrôle parfait de caméra: Il ne reste plus qu' à ajouter de la lumière. Donc pareil, passez à une nouvelle lumière. Nous allons simplement aller plus vite cette fois, car nous vous avons déjà montré comment tout faire. Nous allons faire Paralyt One. On pourrait dire que celui-ci est peut-être du haut vers le bas. Et puis, avec intensité, nous l'avons vraiment fait, donc ce sera l'an 2000. Vous pouvez voir qu'une fois que j'ai ajouté ce panneau de gauche ici, tout est soufflé et non détruit. Il fait vraiment noir. Je dois donc le modifier pour assurer que nous l'avons en haut, puis je pourrai diriger ce point vers le bas. Je ne montre donc que la moitié de la bague éclairée. Et l'autre moitié, c'est un peu noir. Donc je ne veux pas non plus qu'il soit pointé directement vers le bas. Je voudrais vous donner un angle de vue. Essayons donc de rester comme ça, quelque chose comme ça. Si cela ne fonctionne pas, nous pourrons le modifier ultérieurement. Alors maintenant, deuxièmement, l' une peut être de l'avant vers l'arrière, puis l'intensité, nous la changeons à 1 000. Celui-ci est donc de l'avant vers l'arrière. Cependant, nous sommes dans une vue latérale. Donc, dans ce cas, je dois revenir à ma vue de face, à la vue active de ma caméra, pour m' assurer qu'elle passe en quelque sorte à travers les anneaux. J'ai donc besoin que celui-ci aille de l'avant vers l'arrière. Donc, le devant est ici, c'est l'avant, puis l' arrière est ici. Nous allons donc passer par ce ring. Et je veux aussi m'assurer que cette vue latérale est probablement celle dont j'ai besoin, l'anneau au centre pour qu' il puisse aller de l' avant vers l'arrière, passant par les anneaux parce que c'est une vue latérale, ou vous pouvez changer celle-ci pour une vue de dessus. Et voici la vue de dessus. Vous pouvez voir qu'il ne passe pas par là. Je dois donc m'assurer que nous allons vivre comme ça. C'est comme ça que ça va se passer, non ? Je ne veux pas que ce côté soit complètement sombre Je souhaite donc modifier l' angle de manière à ce que dégradé d' ombres soit un peu plus clair. Donc ça a l'air plus beau. Maintenant, j'utilise la vue de dessus et la vue de face pour voir clairement que cette lumière traverse les anneaux situés au centre. C'est donc une bonne chose. Et maintenant, permettez-moi d'ajouter la troisième lumière ici. Celui-ci sera rappelé à l'avant, puis 1 000 d' intensité ici. Ce sera le retour au premier plan. Et même si je fais glisser le feu de l'arrière vers l'avant dans la vue active de la caméra, vous pouvez toujours voir en haut, il n'est pas vraiment au centre. Donc je dois quand même m' assurer qu'en haut, c'est aussi au centre, non ? Donc quelque chose comme ça. OK, et ensuite je vais revenir à ma vue de gauche. Les lumières, des lumières parallèles. L'un est de haut en bas, puis de haut en bas. L'autre est de l'avant vers l'arrière, puis l' autre est de l'arrière vers l'avant. donc les trois lumières que nous avons ajoutées, comme dans le dernier exemple que nous avions. Ensuite, je peux soit ajouter un appareil photo, soit ajouter un matériau. Ajoutons donc d' abord un appareil photo. Les caméras sont un peu délicates cette fois. Alors laissez-moi vous montrer ici. C'est la méthode la plus courante pour faire de la caméra. Beaucoup de gens ne connaissent pas cette méthode, ce qui rend l'utilisation de l'appareil photo si difficile. Donc, tout d'abord, nous ajoutons une caméra. Même chose. Nous avons parlé de caméra, puis nous avons parlé de la distance focale. Dans ce cas, je vais utiliser un angle semi-blanc, qui est de 35 millimètres Je ne veux pas avoir 50 millimètres, ce qui est un peu la même chose qu'un œil humain Donc c'est ennuyeux. Je ne veux pas cet énorme angle blanc. Ça va me donner trop extorsion en fin de compte, donc c'est un peu trop. Je vais juste le garder 35 millimètres. Toujours un grand angle, mais pas trop de distorsion. Cliquez sur OK. Maintenant, nous avons un appareil photo. Ce que je dois faire, c'est utiliser l'appareil photo sans changer la position de la bague. J'ai besoin d'un appareil photo pour pousser la bague dans le coin. Normalement, nous gardons simplement l'objet du héros au centre du cadre. Vous pensez au moment où vous photographiez un mannequin, n'est-ce pas ? Quand vous photographiez comme un mannequin célèbre ou quelqu'un d'autre, vous vous retrouvez dans un studio, n'est-ce pas ? Vous ne demandez pas au mannequin d'y aller, vous savez, pouvez-vous y aller sur la droite ? Il s'agit simplement d'un décor, presque comme une composition. Et puis au centre, il y a un bon éclairage. Tous les éclairages sont réglés, puis vous avez un mannequin qui essaie peut-être différents vêtements au centre Et puis le caméraman va changer de position peu partout devant le mannequin pour obtenir une bonne composition. C'est ainsi que nous faisons de la caméra. Nous ne demandons pas au mannequin de déménager. Le modèle peut vous donner différentes poses qui bougent légèrement, mais nous ne demandons pas à cette bague de se déplacer vers le coin. Donc non, la bague va rester au centre. Nous allons changer de caméra pour la déplacer en fonction de la composition que nous voulons. Mais le problème, c'est que lorsque nous ajustons l'appareil photo, disons si je veux changer la bague dans le coin. Je peux m'en rapprocher. C'est une bonne chose. Je peux venir ici. Supposons ensuite que nous changions ici, puis que nous effectuions une rotation ici, comme ceci. Et puis d'accord, nous changeons simplement la caméra à angle plat ici. Nous devons donc également modifier la position de la caméra pour montrer une plus grande partie de l'avant. Il est donc très difficile de contrôler l'appareil photo de cette façon avec la poignée de l'appareil photo. signifie qu'à l'heure actuelle, si nous voulons vraiment avoir une bonne image de ce modèle ici, nous devons déplacer cette caméra manière aléatoire dans l'espace parce que l'espace est si large, puis nous devons nous assurer que notre point d' intérêt se situe également toujours sur ce modèle sur cet objet héros à l'intérieur de l'espace en trois D. C'est donc très difficile de le faire de cette façon parce qu' en fin de compte, vous allez gâcher l'appareil photo parce que vous modifiez tellement de paramètres ici, et puis vous n'avez pas vraiment d'ancre. Il n'y a aucun point d'ancrage à la caméra. Genre, tout est aléatoire. La rotation est donc aléatoire. La position est aléatoire. Vous vous souvenez juste que dans un espace en trois D, ce n'est pas comme si vous étiez d'un côté de la vue, n'est pas comme si ce que vous voyez était ce qu'il est. Parfois, vous modifiez la vue de gauche, puis vous constatez qu'elle fait peut-être face correctement à l'objet. Mais quand vous allez voir la vue d'en haut, tout est en fait foiré. Nous ne sommes donc pas en mesure de travailler de cette façon efficacement si vous utilisez uniquement ce réglage de caméra et que vous continuez à pointer la caméra vers l'objet de cette façon en faisant glisser la rotation et la position de manière aléatoire, vous n' obtiendrez pas ce que nous voulons Donc, au lieu de cela, ce que nous faisons, c'est me laisser remettre à zéro. C'est donc réinitialisé. J'ai l'appareil photo. Tout est nul, puis je pourrai me rapprocher de celui-ci. Gardez le point de vue sur le ring ici. C' est un point de vue. Nous avons besoin du point de vue, car parfois, si nous créons le flou de l'appareil photo ou quelque chose comme ça , si nous n'avons pas le point de vue sur l'objet, si nous n'avons pas le point de vue sur l'objet, l'objet devient flou C'est donc presque comme la profondeur de champ que nous avons devant la caméra. Donc, la façon dont nous procédons est d'ajouter un objet nul, alors passons à un objet nul, et cela s' appellera contrôle de caméra. Et puis l'objet nul, je dois m' assurer que l'objet nul est trois D, et je dois m'assurer que l'objet nul est également au centre de mes trois anneaux. se peut donc que je veuille placer ce zéro ici vers cet anneau central ici. Donc, si je passe à la propriété de position, je vais simplement appuyer vers la gauche jusqu'à cet anneau central ici, peu près dans cette position ici, de sorte que sur la vue de face, cette vue de caméra active, j'ai cet objet nul au centre de trois anneaux. C'est une bonne chose. Et puis dans la vue de gauche, j'ai l'objet nul au centre de l' anneau. C'est une bonne chose. Maintenant, c'est le contrôle de ma caméra. Il ne me reste plus qu'à coupler mon appareil photo à la commande de la caméra. Je place cette caméra sur la commande de la caméra. Et maintenant je vais changer le réglage de la commande de l'appareil photo au lieu de celui de l'appareil photo. Je vais donc extraire ici la propriété de position et la rotation d'orientation. Donc, si je change le contrôle de la caméra, je place le point d' intérêt de la caméra au centre de l'objet héros signifie que partout où je déplace ce zéro, la caméra pointe toujours vers mon objet héros. Donc, avant, si nous modifiions le réglage de la caméra ici, la position, la rotation, peu importe, la position, la rotation, l'orientation, peu importe, nous changeons en fait du côté de la poignée de la caméra. Donc, une fois que nous avons changé le manche de la caméra , de manière aléatoire , nous perdons parfois l'objet. Nous allons perdre le focus. Nous allons perdre des produits phares parce que nous changeons en fonction du manche de l'appareil photo. Cependant, dans ce cas, parce que le zéro se trouve à l'intérieur de l'objet héros, nous associons ensuite la caméra au zéro. Donc, dans ce cas, nous changeons de caméra en fonction du zéro contenu dans ce héros, ce qui signifie que nous sommes réellement où que nous allions, nous avons toujours la caméra face à l'objet. Donc, si je change la rotation, vous voyez que la caméra est toujours face à l'objet, peu importe où nous changeons. Quoi que nous fassions avec la rotation, la position, l'orientation, où que nous allions utilisons en fait cet objet nul pour contrôler le point d'intérêt de cette caméra afin que celle-ci soit toujours face à l'objet au lieu de le perdre si nous changeons la caméra depuis le manche. 14. Animation de caméra: Donc, une fois que nous l'avons obtenu, c'est vraiment facile maintenant. Il suffit de déplacer cette valeur nulle. Donc j'ai juste besoin de changer ça. Maintenant, je n'ai même plus besoin de ces deux points de vue, je pense. Je vais simplement transformer celle-ci en une seule vue, zoomer ici, puis déplacer la rotation ici. Une fois que j'ai le contrôle de la caméra, je peux librement faire glisser ces rotations. Je suis sûr que mon appareil photo est toujours orienté vers mon objet, n'est-ce pas ? Je n'ai donc pas à m' inquiéter de perdre mon appareil photo. Je dois donc faire glisser celui-ci ici comme ça. J'ai juste besoin d'obtenir une belle composition. Dans ce cas, j' utilisais en fait la position de contrôle de la caméra pour repositionner cette caméra ici Même si vous faites glisser la position de contrôle de la caméra pour repositionner la composition, la mise en page, je pense que c'est bon La seule chose que vous devez comprendre, c'est qu' une fois que vous commencez à faire glisser cette position, vous éloignez en fait l'objet nul du centre de cet anneau ici. Tu vois ça ? Ce n'est donc peut-être pas ce que vous voulez. Donc, la seule différence est que si vous creusez cela, le zéro n'est plus au centre. Donc, si vous voulez le modifier de cette façon, vous devez le comprendre. Mais tant que vous comprenez cela et que vous le gardez à l'esprit, si cela n'affecte rien suite, je pense que tout devrait bien se passer. Donc dans ce cas, la seule chose que je veux est pousser ce truc, le zéro ici. Alors maintenant, si je suis la position, elle ne bouge même pas Je dois donc utiliser ce zéro parce que je déplace la position de la caméra, cela ne pousse pas cet objet dans le coin. Ici, il ne fait que déplacer l' angle de la caméra. Tu vois ça ? Et puis il n'y a que l'axe Z, je peux le rapprocher ici pour le rapprocher. Je peux donc le rapprocher, mais j'en ai quand même besoin pour le faire glisser dans le coin. Quelque chose comme ça. OK, j'ai juste besoin d'une belle composition comme celle-ci. Ensuite, je peux animer cette rotation blanche pour que ce truc apparaisse comme ça, peut-être Une fois qu'ils sont arrivés comme ça, ajoutez une rotation, puis allons-y peut-être 4 secondes. Continuez à tourner comme ça. Nous avons donc une rotation dans un espace en trois D comme celle-ci. Hein ? Ainsi, lorsqu'ils entrent , ils se trouvent sur le côté, et vous n'avez même pas à vous soucier de l' endroit où se trouve cet appareil photo , car il fait toujours face à notre objet. Tout ce que nous travaillons, c'est sur cet objet, n'est-ce pas ? Nous avons donc le même choix. Je vais ajouter une animation sur le ring ici. Alors maintenant, j'ai une animation de caméra qui fait tourner la rotation Y comme ceci. C'est plutôt cool. Et maintenant je vais aller chez Scale Property. Je vais d'abord me positionner. Passons à la position des yeux. C'est la position finale, donc j'ai dû peut-être revenir au bout de 20 images. Et puis, au début, j'ai voulu sortir du cadre, qui est X ici. Je vais donc aller jusqu'au bout comme ça. Je vais donc pousser jusqu'en dehors du cadre, puis je vais facilement l'assouplir, faire la même chose qu'avant. Nous allons essayer d' assouplir la courbe ici. Ensuite, je vais découper peut-être une, deux, trois, quatre, cinq images, découper là pour que nous puissions passer à l'action, n'est-ce pas ? Je veux donc aussi faire de la rotation, je veux dire, de l'animation à l'échelle. Je vais donc passer à S pour l'échelle, puis je vais ajouter une échelle. Je vais créer un lien. Ce sera donc l'échelle finale, donc je vais avancer peut-être huit images pour constituer l'échelle finale. Et puis, au début, essayons de le faire passer à zéro, puis nous allons faire un dépassement ici Ce sera donc la finale, puis je vais aller dépasser ce point. La finale est donc 45 70. Je vais ajouter un dépassement. Cela pourrait être 50. Je vais passer à 75, et celui-ci à 100, donc je vais passer à 110. Nous ajoutons donc un dépassement ici, zéro pour dépasser à cette position Je vais y aller doucement, oui, puis explorons l'éditeur de graphes. Comme ça, ajoutez un peu d' eZa. C'est une bonne chose. Et non, donc je dois les échelonner. J'ai besoin de cette grosse bague en premier, puis après peut-être une, deux, trois, quatre, cinq, un, deux, trois, quatre , cinq, après cinq images, je vais faire apparaître l'autre bague. Devrais-je avoir la petite bague à monter en premier ? Je ne sais pas Voyons voir. D'accord. OK, ça peut sembler mieux, mais je n'aime pas que ça vienne de 100, je veux dire, de zéro à 100 %. Je vais donc déplacer ces anneaux ici, reculant légèrement la propriété d'échelle pour ne vouloir que la partie supérieure Je ne veux donc pas qu'il repart de zéro parce que j'ai l'impression que le rebond est trop important. Je déplace donc cette image-clé vers l'arrière afin de réduire l'échelle pour qu' elle remonte déjà à cette taille Donc, une fois qu'ils apparaissent, ils sont déjà gros. Ils ne viennent pas de zéro. J'ai juste besoin d'un petit dépassement. Peut-être que ce n'est plus très visible, donc je devrai peut-être rendre le dépassement plus visible, mais je vais juste le repousser d'une image de plus. Oui, ça a l'air mieux. C'est bon Je vais juste le garder comme ça. Nous faisons donc monter la bague puis la faire pivoter comme ça. Oh. Como Rotation C'est peut-être trop rapide. J'ai l'impression que la rotation de la caméra est trop rapide. Je vais donc le faire glisser jusqu'à six secondes pour le ralentir. Donc, ce truc arrive puis on le fait pivoter. Et cela complète la configuration que nous avons. 15. Créer une impression d'espace: Ensuite, je veux vous montrer un autre effet qui est vraiment important chaque fois que nous utilisons un appareil photo. Passons donc à une couche solide. J'ai besoin d'effets appelés CC Ball Action. C'est ce que nous appelons une action de balle CC. Changez-le en gris clair, puis je vais passer dans Effets et préréglages pour rechercher CC Ball Action Donc, si je le mets, vous voyez ici, cela génère essentiellement un motif ici, presque comme un motif de papier peint. On peut vraiment étaler ces boules. Ce ne sont en fait que des boules ou des cercles dans l'espace. Si je fais glisser le décor idéal, je vais agrandir les balles. Je vais passer à 20. Et puis changez la taille de cette balle en 20, réduisez-la. Et vous voyez, nous avons ces balles ici. Ensuite, je vais changer le scatter à 1 000. Se disperser dans l'espace. Je veux des étoiles dans l'espace. Et maintenant, tout d'un coup, vous pouvez voir qui a des étoiles. Et je veux colorer celui-ci en blanc. Je vais donc créer un effet de couleur de remplissage. Je vais passer au blanc. C'est donc mon jeu de balle CC. Donc ce que j'ai fait, c'est que je dois également baisser les trois D. Sur trois D ? Cet effet, la meilleure caractéristique de cet effet, est qu' il s'agit d'un effet en trois D. Cela signifie que si une caméra se déplace dans votre scène, cet effet se déplacera avec votre caméra. Donc, si j'active celui-ci sans rien montrer, si je joue à celui-ci, d'accord, nous n'avons pas besoin d' activer le trois D parce qu'une fois que j'active le trois D, il y a une erreur ici. Nous n'avons pas besoin d' activer le trois D, mais il possède une fonction 3D. Cela signifie que si nous avons un mouvement de caméra dans la scène ici, l'effet entier se déplacera avec la caméra pour créer l'espace en trois D. Et comme nous n' avons aucun point de référence ou de point de référence dans l'espace, nous ne savons pas quelle est la taille de ces anneaux, puis lorsqu'ils apparaissent, nous ne savons pas vraiment qu'ils déplacent réellement l'espace. Il n'a pas de référence visuelle. Nous utilisons donc l'action CC Ball pour ajouter de l'arrière-plan, comme étoiles dans le dos ou très loin, afin créer un espace, une sensation d'espace. Il bouge avec la caméra. Vous voyez ce léger mouvement avec la caméra, elle capte ce mouvement de la caméra sans aucune image-clé action de la balle CC, car il s'agit de trois effets en D. Ainsi, une fois que l'action de la balle CC sera active, elle héritera du mouvement de la caméra et ajoutera une sensation d'espace à notre composition Et c'est essentiellement ce que nous obtenons. Si vous trouvez que c'est trop, nous créons une composition, nous combinons le tout. C'est ce que nous appelons l'animation One Ring. Ensuite, je vais exécuter cette action de balle, commander X, la couper, puis je vais la déposer ici et je vais précomposer celle-ci , appeler cette composition d'action CC Ball Je vais également copier la caméra et l'objet nul dans l'action CC Ball. Je dois copier ces effets, assurer qu'ils se trouvent dans l'action de la balle CC ici. OK, et puis ici à l'intérieur, j'ai juste besoin de faire bouger la caméra un peu lentement. Comme actuellement, le mouvement prend 6 secondes. Je vais passer à 10 secondes pour que action de ma balle CC se déplace plus lentement que celle de la caméra, ce qui vous donne une sensation d'arrière-plan. Je vais le mettre sous l'animation du ring ici, et vous pouvez voir, jouons l'animation. Nous avons deux couches. L'une est une animation en anneau, l'autre est une action de balle CC, et nous avons deux ensembles différents de mouvements de caméra. Avec l'action de la balle CC à l'intérieur de la composition, la caméra se déplace un peu plus lentement, mais la trajectoire de déplacement est exactement la même. Il a donc la même rotation dans l'espace, donc cela donne le même effet de parallaxe, et l'anneau arrive ici, mais l'anneau fait un mouvement de caméra plus rapide Cela vous donne cette impression d'espace ici. Et vous pouvez également ajouter un effet fastboxblur. Pour brouiller donnez-vous un flou à deux points au point que je brouille certaines étoiles plus éloignées de nous, Et puis une fois que nous avons ajouté un peu d'arrière-plan, je peux être plutôt jolie. 16. Appliquez des looks créatifs: Continuons donc sur celui-ci. Nous avons les étoiles à l'arrière, puis nous avons la bague ici. Maintenant, il suffit de créer un arrière-plan, non ? Alors, allez créer un solide. Créons un arrière-plan. Celui-ci pourrait donc être celui de l'arrière-plan, puis passons aux dégradés de RAM Celui-ci, je vais le mettre à l'arrière. Je veux que la source de lumière vienne de ce coin pour que nous ayons une zone sombre sur la gauche. Utilisez donc toujours les dégradés radio pour échanger la couleur. Donc ça pourrait être le noir. C'est un noir. Nous avons donc une forme de ventilateur ici, puis la lumière vient de ce côté. Donc ça a l'air plutôt cool. Maintenant, je vais simplement dupliquer celui-ci, changer le premier en bleu plus clair, puis changer la deuxième couleur en bleu plus foncé et peut-être ajuster légèrement les points ici, puis je vais simplement superposer le premier arrière-plan au-dessus du second Je trouve donc que les couleurs sont encore un peu délavées Je vais donc remplacer le bleu clair par un bleu clair plus saturé. Ensuite, faites glisser davantage ce point blanc vers l' extérieur pour qu'il pointe vers, vous voyez, comme si je le mettais ici, il serait soufflé. Je veux donc faire glisser ce point blanc un peu plus vers l'extérieur pour qu'il y ait plus de couleur ici. Et vous pouvez simplement modifier celui-ci comme bon vous semble, une fois la superposition configurée Je peux donc approfondir celui-ci un peu plus. Je trouve que ça a l'air plutôt bien. J'aime bien ça. Et maintenant, nous avons le contexte. Nous les avons. Maintenant, je dois configurer mon niveau de gris, non ? Je dois donc passer à un autre solide appelé celui-ci. La droite est donc à l'avant. Avant, je vais le faire. Je vais juste faire les points saillants alors. Je choisis les tons clairs et foncés, je pense juste à la zone qui apparaît le plus, j'utiliserai la gamme complète, c' est-à-dire le vert ici. C'est le vert qui apparaît le plus. Je veux donc que le vert soit la gamme la plus large , allant du blanc au noir, avec à la fois des tons moyens élevés et des ombres, sur toute la gamme. Et puis le rouge, je peux probablement faire les tons moyens, mais je pense que le truc, ce sont les angles Vous voulez donc les incliner différemment afin qu'ils soient séparés sur chaque panneau, sur chaque surface. Donc, en ce qui concerne l'angle, disons que si nous voulons faire ce surlignage sur le devant rouge, je vais juste passer du blanc au gris plus clair, puis je vais juste passer du blanc au gris plus clair, puis je passerai d'ici à ici, n'est-ce pas ? Ensuite, j'utiliserai un set mat. Choisissez l'animation de l'anneau, les défauts et les masques, puis le canal rouge. C'est donc le point fort dont je parle, tout comme Brighter, n'est-ce pas ? Cette surface est donc plus lumineuse. Et disons que si je duplique celui-ci, celui-ci que nous appelons vert pourrait être latéral, puis je voudrais utiliser la gamme complète pour le vert. Cela pourrait donc être la plage fo, ce qui signifie qu'elle va du blanc au noir. Ensuite, nous allons le mettre sur le canal vert ici. Donc, dans ce cas, une autre chose que je peux faire est d'échanger les couleurs que nous ayons le noir en haut et le blanc en bas afin que nous ayons un angle différent de celui du canal y précédent afin d'avoir plus de contraste entre ces surfaces. Vous pouvez voir lequel vous préférez, mais pour moi, je peux le tester avec celui-ci pour le moment. Nous avons donc l'obscurité en haut et la lumière en bas. Et puis il y a beaucoup de contraste entre cette couche rouge, ici, et le canal vert parce que c'est noir et du blanc pur. Beaucoup de contraste. Pour le biseau, j'ai toujours envie de le surligner parce que je veux le bord soit parfois surligné Donc, pour le bleu, qui est un biseau, je vais faire des reflets. Nous avons donc deux points forts et une gamme complète. Peu importe si vous voulez changer celui-ci en tonalité moyenne, vous pouvez le faire aussi. Cela vous donnera probablement des résultats différents. Vous pouvez faire quelques tests, mais ce n'est pas vraiment important. Tu peux en quelque sorte jouer avec. Pour le biseau, je vais simplement remplacer le blanc par le blanc Celui-ci passe au canal bleu. Oui, je veux juste qu'il y ait plus de points forts. Donc je vais juste faire celui-ci ici. Maintenant, nous avons l'échelle de gris, et ils vont dupliquer l'animation de la bague, déplacer en haut, puis créer un effet de toner CC, puis nous allons la changer en PentOf, je vais récupérer ma composition chromatique je vais récupérer ma Change la couleur ici. Même la couleur du toner, vous pouvez changer ce que vous voulez. Et maintenant, il me suffit d' ajouter une couche cele, qui est la superposition de gradation. Pour la superposition de gradation, je vais changer la couleur en Sears. De la même manière que nous avons ajouté de la couleur la dernière fois. Nous devons donc nous assurer de changer également le mode de fusion en mode superposition Nous devons également nous assurer de changer le mode de fusion de cette couche en mode superposition Et puis éteins ça. C'est juste ici. Maintenant, je veux juste ajouter une autre ombre intérieure ici. Je passe donc à la cellule de couche, à l'ombre intérieure. Pour l'ombre intérieure, je peux peut-être choisir une couleur rose. Ensuite, je peux agrandir la taille, augmenter la distance. Comme ça. Une taille plus grande comme ça ? D'accord. C'est une bonne chose. Et puis, si vous le souhaitez, voyons comment fonctionne la lueur intérieure. Je ne suis pas sûr que ça va bien fonctionner. OK, ajoutez-en un peu. Je pense que c'est bon. Peut-être 25 %. Une lueur intérieure, une lueur là-bas. Nous avons donc sorti celui-ci. Et maintenant, nous avons besoin d' une autre superposition en plus de cela sans rien sélectionner Vous souhaitez simplement ajouter un outil rectangulaire. Et puis ce sera ma superposition de couleurs. J'ai donc acheté cette couleur. Il s'agit d'une nouvelle couleur. Cela vient aussi de ma composition de couleurs ici, celle-ci. C'est donc une sorte de nouvelle couleur que je l'ai choisie. Il s'agit d'une nouvelle couleur, puis je vais la configurer pour qu'elle soit superposée Peut-être trop. Je vais donc ramener l' opacité à 75 %. Vous pouvez également double-cliquer sur cette couleur de dégradé pour modifier les dégradés comme vous le souhaitez Donc, si tu en as envie. J'ai l'impression que le rose est peut-être trop fort. Je vais reculer le rose puis vous donner plus d'orange. Le bleu, c'est trop. Ajoutez peut-être une autre orange ici. si j'ajoutais de l'orange, il y a un bout orange ici qui est plutôt joli. C'est blanc, orange, bleu. Et si j'ajoutais plus d'orange ici ? Oui, tu peux choisir ces couleurs comme tu veux. Cela va vous donner d' autres variantes. Donc c'est après ça, et ça va tourner comme ça. J'ai l'impression que le biseau est peut-être trop fort. Je veux dire, le biseau est trop blanc. Si je passe au style de couche et aux dégradés, si je changeais la couleur du dégradé ici ? C'est donc la couleur qui compte le plus. Cela va donner le ton de votre superposition de couleurs. Donc, si je le remplace par ce vert, il y aura un peu de vert ici. Je peux également ajouter une autre couleur entre les deux. Peut-être que ça a l'air mieux. C'est donc bien mieux. Et ça a l'air plutôt cool. Vous voyez, trois couleurs, il y a beaucoup plus de couleurs, beaucoup plus de reflets. Donc, si vous aimez le ton vert, vous pouvez choisir le vert. Ou si vous aimez le contraste, nous avons le violet, le jaune et le vert. Donc ça a l'air plutôt cool aussi. Je crois que c'est ce que je préfère. Je vais donc rester comme ça, en me donnant beaucoup de couleurs là-bas, étant plutôt jolie. Tu sais quoi ? J'ai oublié ? En fait, j' ai oublié d'ajouter du matériel. C'est même sans le matériel. Donc, par défaut, il y a un peu de matière. Nous pouvons donc le réduire à 30, changer le sinus à 50, réflexion à peut-être 50 pour ajouter un peu de réflexion ou les trois anneaux. Je vais dupliquer l'option matérielle et la coller sur ces deux éléments. Voyons ce qui se passe à l'extérieur. Cela rend simplement les anneaux plus réfléchissants. Je trouve que ça a l'air plutôt sympa maintenant. 17. Retouche finale avec les effets: Nous pouvons simplement ajouter quelques effets supplémentaires. Disons que nous ajoutons la couche de réglage, et celle-ci nous permet de créer les rayons lumineux CC. Ce sera donc ma course légère ici. Ce sera un peu comme si j'avais l'animation, comme le centre, ajoutais une image-clé au début, puis une fois que je serais apparue, je placerais le centre ici Faites donc entrer une sorte de lumière comme ça. C'est peut-être trop lent. Je vais le terminer pendant 1 seconde. Et encore un peu d'assouplissement, donc ça va bien avec l'assouplissement global de cette animation. C'est trop clair. Je peux le réduire à 50. Oui, quelque chose comme ça. Je vais donc également ajouter le CC light burst. Ensuite, pour celui-ci, changez l'objectif à quatre ou cinq et maintenez l'intensité à 100. C'est plutôt bien. Donc c'est avant peut-être dix, dix ou huit de trop. Après un peu de flou cinétique. Et maintenant tu vois le problème. Mes étoiles à l'arrière prennent la couleur de la superposition. Je ne veux donc pas que ces étoiles soient colorées. Je dois donc déplacer l'action de ma balle CC vers le haut, afin qu'elle ne se trouve pas en dessous de ma couche de réglage ou de la couche de couleur, de la couche de superposition Ils sont donc toujours de couleur blanche. Je veux donc qu'il soit de couleur blanche. Remettez-le à six, c'est un peu trop flou. Et le centre, je veux qu'il soit là. Déplace le centre ici. Ce point est donc le plus net. C'est la résolution la plus élevée partout ailleurs, il va y avoir une rafale de lumière. Je n'aime pas non plus cette phrase ici. Donc, ce que je peux faire, c'est que je peux réellement animer les effets de couleur de ce fichier Donc, si je descends, vers le contenu, vers le rectangle, vers le gradient fo, jusqu' au point de départ. Je veux donc qu'elle arrive en même temps que cette bague. Donc, au début, je veux que ce point soit ici. J'anime donc le point de départ de ce dégradé. C'est presque comme si elle allait arriver en même temps que cette bague, de sorte qu'elle va la remplir de couleur. Je vais donc faire quelques ajustements pour les courbes, leur donner une courbe d'assouplissement extrême comme ça. Ça va être comme ça pour que nous n' ayons pas cette ligne là-bas. Voici donc la configuration complète : la bague et le mouvement de la caméra. Et nous avons la superposition, tout ce dont nous avons parlé la dernière fois, n'est-ce pas ? Bibliothèque CC, labeurs CC. Nous l'ajoutons dans l'action du ballon. Assurez-vous qu'il est sur le dessus pour qu'il ne soit pas coloré. Enfin, nous pouvons faire un flare d'objectif, puis nous pouvons le terminer. Passons donc à ajouter une couche de réglage, appelons-la une couche d'objectif. Nous allons donc extraire le reflet de l'objectif depuis Effects ici. Et voici une couche de lentilles. Il en existe trois types différents. Il s'agit d'un type par défaut. Ça ressemble à ça. Je pense donc que nous pouvons utiliser celui-ci. Ça a l'air plutôt cool. Une autre est une couche sans apprêt de 35 millimètres. Ça ressemble à ça. C'est trop gros. ne me plaît pas. 105. C'est vraiment subtil. Il est devenu grand et petit, très long. Je préfère donc la première , la forme, mieux. Ensuite, je peux me fondre dans l'original. Faisons un mélange à 50 %, pour que ce soit plus subtil. Et nous pouvons animer le centre de focalisation de l' objectif. Partons donc du centre pour que mon objectif se superpose, puis ajoutons une image-clé, appuyons sur le clavier et tout revient ici pour que mon objectif se superpose, puis ajoutons une image-clé, appuyons sur le clavier et tout revient Je vais faire descendre le menu déroulant Lenslare ici. Donc, mon lnslaer vient d'être levé pour déménager ici. Ça va venir de l'extérieur. Puis entrer puis monter, presque comme dans ce mouvement de caméra, monter et puis ça va s'arrêter ici. Nous allons donc passer à la scène suivante. Et dans ce cas, c' est mon objectif. J'aime son apparence. Vous pouvez également modifier la luminosité. Tu peux le rendre vraiment brillant. Il va être éteint ou simplement le garder à 100 %. Et autre chose , je n'aime pas que cet objectif apparaisse de ce côté. La source est ici. Il va y avoir un point faible qui va entrer dans ma scène ici. Il ne me reste plus qu'à me procurer un masque. Je vais juste passer à l'outil Ellipse, puis je veux juste que ce côté de l'objectif soit visible. Donc je coupe l'autre côté. Je ne montre que ce côté ici. Nous ne voyons donc pas le centre de réverbération de la lentille source qui arrive par le côté. C'est vrai. Et nous avons cette lampe éclairante qui revient d'un point à un autre. OK, ça a l'air plutôt cool. Et dans l'exemple original, j'ai aussi une simple animation de balle comme ces deux balles. J'ai donc ces deux couches qui apparaissent de ce côté, je vais juste les copier parce que c'est comme une animation de trajectoire très simple. J'ai donc ce cercle qui arrive. Je vais maintenant m'en servir pour déplacer le cercle ici. Et puis une fois qu'il sera là, il tournera à l'intérieur de ce ring. Donc, si je joue l'animation, voici à quoi elle ressemble. Il faut le couper ici. Donc, comme si elle entrait dans le ring, je ne veux pas qu'elle se superpose au-dessus de cet anneau, donc je veux que cette balle entre dans le ring Le prochain cadre va donc être découpé comme ceci. Nous avons donc cette balle qui arrive. Et puis je me suis fait sucer. C'est comme un point de saut. Vous avez ce vaisseau spatial qui arrive, puis voyez ce point de saut , puis vous vous en allez Je n'aime pas ces deux gros points sur le devant, qui m' empêchent de voir cette balle ici C'est donc tout ce que je joue. Je peux probablement agrandir la taille. Juste pour découper deux boules là-bas, agrandissez un peu les côtés, comme ça. Je pense que c'est bon. Nous n'en avons donc qu'un. Ou autrement, vous pouvez probablement simplement ajuster certains des paramètres ici, l'espacement de la grille, 21 Ouais. Peut-être qu'un espacement de 21 entre les grilles permettra de se débarrasser de ce plus grand cercle Nous avons donc ce truc qui arrive, donnez-lui une rotation. Donc ça se passe de cette façon ici. Et puis ça va tourner. Il va voir s'il va être aspiré puis tout d'un coup se retrouver aspiré dans le point de saut de l'univers C'est donc la dernière animation que nous avons. 18. Scène 2D 1 Aperçu: Dans cette leçon, voyons comment nous avons animé les deux premières scènes en D ici. Jetons donc d'abord un coup d'œil à cela , puis nous pourrons assembler les trois scènes. Permettez-moi de passer à ma première scène ici, et voici le montage de ma première scène. En gros, j'ai cette animation ici. je ne vais pas Dans ce cas, je ne vais pas détailler les étapes exactes, car il s'agit principalement de deux D. Nous passons donc d' un environnement bidimensionnel dans la scène un à un environnement tridimensionnel dans les scènes deux et trois C'est ainsi que l' animation a été configurée. Si je joue cette scène, vous pouvez voir il s'agit d'une scène très simple et directe ici. Nous n'avons qu'un tas de cercles, un tas de lignes ici. Nous utilisons des tracés de découpe pour tout animer. Alors laissez-moi vous expliquer comment j'ai configuré cela. Tout d'abord, si je désactive toutes ces couches ici en bas, nous avons juste un fond noir. Il ne se passe rien. Ensuite, nous allons activer cette animation ici. Ce sont les deux cercles avec des motifs. Donc, si je joue cette animation ici, vous pouvez voir nous avons essentiellement un tas de motifs dans cette composition, qui sont en train de changer. Continuez à changer. Comme ça. Ensuite, si nous sortons, nous utilisons une couche de forme comme tapis de course pour que mon motif entre dans cette couche de forme. Et il y a une petite animation sur cette forme, de sorte que nous avons un cercle plus grand et un cercle plus petit comme ça. C'est donc mon animation de cercle. Et puis, si nous sortons dans la première scène, j'ai ces deux cercles dont le motif change constamment, flottant vers le haut comme ça. OK, c'est donc la configuration du cercle, puis nous avons quelques lignes ici. Nous avons donc ces lignes qui descendent comme ça. Ensuite, la façon dont nous animons les lignes est cette composition ici avec un tas de lignes, puis si nous passons à l'intérieur de l'animation des lignes, nous avons animé l' effet trim pass du début à la fin. Il s'agit donc de la trajectoire de découpage, puis nous avons cette animation linéaire avec l'effet de passe de découpage. Nous avons cette configuration d' images-clés de début et de fin comme celle-ci , de sorte que chaque composition possède cette ligne qui tourne comme ça Ensuite, dans la composition précédente, nous dupliquons un tas de ces lignes ici, et il y a aussi des points qui s'animent, et c'est ainsi que nous avons configuré les lignes de vitesse en arrière-plan Ensuite, si nous revenons à la première scène, donc que nous assemblons tout, nous avons un objet nul contrôlant toute la scène, donc tout va d'abord vers le haut, puis l'objet nul fait pivoter la scène entière à un angle de 90 degrés sur le côté afin que le cercle tourne vers la droite. Et en même temps, alors que le cercle tourne vers la droite, nous avons un arrière-plan lumineux qui se produit À partir de là, nous avons cette rampe rayonnante qui part de cette couleur bleue visible sur le côté droit, puis presque comme si une lumière s'éteignait, de sorte que le cercle se rapproche de la lumière Donc, toute l'animation va être comme ça. Non, déplacez-vous si vous voulez regarder de plus près, vous pouvez prendre ce fichier de projet et examiner de plus près les images-clés et la façon dont nous les avons configurées Je ne vais pas entrer dans les détails car il s' agit d'un cours en trois D. C'est entièrement en deux D. De plus, si vous n'aimez pas la configuration, vous pouvez également créer votre propre première scène. Tu peux tout faire. Vous pouvez faire n'importe quoi sur D, puis le cercle tournera dans une direction, puis nous ferons un découpage pour passer à la deuxième scène. C'est ainsi que nous avons mis en place la première scène ici. 19. Transition Star Burst: Dans cette leçon, associons les trois scènes. Allons créer une nouvelle composition. Appelez celui-ci le rendu final. 1920 x 1080, il nous reste peut-être environ 15 secondes. Cliquez sur Passons maintenant à mon dossier de ressources. Je vais intégrer ma première scène à la composition. C'est donc ma première scène ici. Ça part de zéro seconde en ce moment, et ça va se passer comme ça. Ensuite, pour tourner vers la droite, lorsque la vitesse est la plus rapide, je vais passer à la deuxième scène, peut-être par ici. Je vais donc ajouter l'animation de ma deuxième scène, qui est la première option de la deuxième scène. Pour la deuxième option, il s'agit essentiellement une autre variation de couleur que vous pouvez regarder et explorer. Mais nous allons utiliser l'option 1, qui est celle que nous avons utilisée dans la leçon précédente. Je vais simplement le mettre à ce stade, puis nous verrons si la vitesse et la transition correspondent. Vers le haut. Je pense que c'est un peu trop tard. Peut-être que ça va suffire ici. Donc je vais juste le couper ici. Un. Ensuite, je passerai la résolution à la troisième afin que nous puissions effectuer le rendu plus rapidement. Oui, je pense que cela correspond plutôt bien en termes de vitesse et d'élan. Terminé. C'est donc ma deuxième scène. Ensuite, au fur et à mesure que le cercle atteindra le point de saut, je passerai à la troisième scène. À ce stade, je vais passer à la scène trois, option 1 ici, et la découper ici de telle sorte que dès que le cercle atteindra le point de jonction, nous passerons à la troisième scène Mais ensuite, je vais probablement couper peut-être les deux premières images. Nous allons donc commencer par ce cadre. Je vais choisir le crochet gauche, le couper ici, puis le déplacer à nouveau jusqu'à ce point afin que nous puissions rapprocher les deux scènes. Oui, je trouve que ça a l'air plutôt bien. Dès que le point atteindra le point de jonction, nous passerons à cette scène où la caméra sort de ces anneaux rotatifs Jouons l' animation. Non, non Et puis à la fin, je veux vraiment que tout soit résolu en un logo ou une ligne afin que vous puissiez le personnaliser vous-même, n'est-ce pas ? Donc, ce que nous allons faire, c'est ajouter une transition après la troisième étape, puis nous allons passer à une révision du logo. C'est ce que nous allons faire. Et puis pour la troisième scène, comme vous pouvez le voir, ce qui nous manque en fait, c'est qu'il nous manque un peu de sens de l'espace. Nous avons parlé du sens de l'espace dans la leçon précédente où nous utilisons l'action de la balle CCD Et je vais vous montrer une autre façon ajouter une sensation d'espace, puis nous allons introduire un tunnel rapide pour faire la transition vers la dernière critique du logo. Pour ce faire, je dois d'abord créer une nouvelle composition. Laissez-moi simplement créer une nouvelle composition, appelez-la transition en une étoile, puis nous utiliserons environ 10 secondes. Cliquez sur OK, puis revenez au rendu final. Ce que nous devons faire en fait, c'est faire apparaître les étoiles dans la troisième scène afin qu'elle puisse créer une impression d'espace et passer à la scène suivante. Nous allons donc utiliser le même mouvement de caméra que celui de la troisième scène. Nous allons entrer dans la troisième scène, entrer dans l'animation du ring et copier cette caméra. Si vous voyez ici, il s'agit d'un mouvement de caméra que nous avons. L'appareil photo se retire simplement pour que cet anneau fasse un zoom arrière depuis l'appareil photo Copions donc ces mouvements de caméra. Commandez C puis lancez la transition, collée dans l'appareil photo Si je vais vous voir tous les deux, vous verrez que nous avons réellement cet appareil photo. Je vais couper les deux premières images car l'appareil photo est du mauvais côté. Mais nous avons cette caméra qui sort comme ça dans la vue de dessus. Passons maintenant au nouveau solide de Layers. Créons une couche d'éclats d'étoiles. Peu importe sa couleur. Nous allons utiliser un Effex appelé CC star burst. Ajoutez-le sur la couche solide, et vous verrez que nous avons un tas d'étoiles. Mais d'abord, changeons-le en blanc, pour qu' il soit plus facile à voir. Nous allons utiliser l' effet folk, le changer en blanc. C'est une bonne chose. Et puis les étoiles sont trop nombreuses. Vous devez donc augmenter l' espacement de la grille, comme ceci. Modifions-le à 20. Et puis les flancs de l' étoile sont trop grands. Nous devons donc le réduire. Nous pouvons à nouveau le changer à 20. Ensuite, pour ce qui est de la dispersion, agrandissons la dispersion afin que les étoiles soient plus éloignées les unes des autres J'utilise un réglage d'environ 300. Et puis, si je joue l'animation, vous pouvez voir la star entrer en scène. Cependant, dans ce cas, nous voulons en fait que l'étoile recule parce que notre appareil photo se retire. Pour ce faire, je dois donner une valeur négative à la vitesse. Si je fais une réponse négative, vous pouvez voir l'étoile s' éloigner réellement de nous, de la caméra. Donc, ce genre de correspondance avec le réglage de l'appareil photo. Donc, au début, je veux que ce soit vraiment lent, très subtil. Je vais créer une vitesse négative de 0,1 pour la première partie, rendre vraiment lente, très subtile. Pour correspondre au mouvement de la caméra ici. Et puis, dans environ 2 secondes, je vais commencer à accélérer les choses. Je vais donc ajouter une image-clé au chronomètre, appuyer sur le clavier pour afficher les images-clés, passer à trois images, puis la changer en moins cinq, et non en 0,5, moins cinq, afin que nous ayons une vitesse beaucoup plus élevée comme celle-ci non en 0,5, moins cinq, afin que nous ayons une vitesse beaucoup plus élevée Les étoiles s'en vont comme des fous, alors c'est ici que nous allons faire la transition. Et puis pour mieux faire la transition, nous avons également besoin de certaines lignes rapides, n'est-ce pas ? Dans ce cas, je vais ajouter un autre effet sur cette couche, appelé écho. Pour les effets d'écho, si vous regardez, si je change le nombre d'écho à peut-être dix, nous pouvons créer des feux de vitesse comme celui-ci. Mais cela ne fonctionne pas car dix n'est pas un chiffre suffisant. Si nous augmentons, nous pouvons réellement relier ces points afin que toutes les lignes soient visibles et qu'il n'y ait aucun point. Nous allons donc changer le nombre d'échos à 60, puis nous allons réduire le temps d' écho à un nombre beaucoup plus petit Ça fait deux -0,01. Et je pense que ce n'est même pas encore assez petit. Je vais donc le remplacer par un très petit nombre, 0,001 afin que nous puissions réellement faire en les lignes soient vraiment connectées sans aucun cercle Donc, à ce réglage, 0,001, et avec 16 nombres d'échos, nous pouvons voir que les lignes sont connectées Permettez-moi d'appuyer sur le chronomètre pour ajouter une image-clé sur les deux propriétés Et au début, je veux quand même m'en tenir à un seul écho pour qu'il n'y en ait pas au début. Et puis au bout de 2 secondes, il y a des échos, puis toutes les étoiles s' éloignent très vite de nous C'est donc là que les transitions se produiront. C'est donc en quelque sorte mon cadre de transition. J'aime bien ça. J'aime la rapidité. Nous avons cette configuration de composition. Revenons à mon rendu final. Passons à ma transition d'étoiles ici. Donc dans 5 secondes, je vais faire tomber l'étoile. Nous avons donc les étoiles qui s'en vont. Et peut-être parce qu'en ce moment, les étoiles se superposent au-dessus des anneaux, ce que nous ne voulons pas Je vais donc copier cette composition, couper, commander X, puis la déposer dans la scène 3 pour que nous puissions avoir les étoiles réellement derrière le ring. Je vais donc déplacer les étoiles derrière l'anneau pour que nous puissions toujours voir les étoiles, mais ensuite l'anneau se recouvrira de dessus. Et dans ce cas, dans ce cas, je pense qu'une transition de deux secondes est bien trop rapide ou bien trop tôt. Nous devons donc faire la transition, peut-être ici, quatre secondes là où les bagues prêtent. Permettez-moi donc d'entrer et de déplacer les images-clés à environ quatre secondes. C'est une bonne chose. Je n'ai pas besoin de cette image-clé car nous ne modifierons pas la valeur du temps d'écho. Alors laisse-moi y retourner. C'est donc là que la bague prête, puis nous allons procéder à la transition comme ça. C'est. Et je ne veux pas non plus qu'il y ait une transition après l'objectif annulaire, donc je veux faire la transition juste avant Il se peut donc que je doive déplacer celui-ci un peu plus tôt, juste avant quatre secondes ici. C'est là que nous allons effectuer la transition. Et au fur et à mesure de la transition, je souhaite également modifier la couleur de l'arrière-plan. Là-bas. Donc, si je fais un solo sur le dernier fond, qui est en noir et blanc, voici à quoi cela ressemble. Et puis c'est la couleur bleue superposée dessus. Permettez-moi donc de modifier la rampe de dégradé dans ce dernier arrière-plan. À ce stade, je vais ajouter une image-clé de début puis une image-clé de fin de rampe Au fur et à mesure de la transition, allez de l'avant. Nous allons faire glisser celui-ci vers l' extérieur, puis le faire glisser vers le bas pour que tout devienne un peu plus blanc comme ça. Voyons si cela fonctionne mieux. Eh bien, comme s'il y avait une lumière au centre qui brillait et recouvrait tout comme ça Permettez-moi donc d'ajouter la même image-clé sur ma couche de superposition bleue Je vais donc copier l'image clé des de début et de fin , puis la coller ici. Voyons à quoi ça ressemble maintenant. Oui, tout est détruit, puis nous allons aussi effacer les bagues ici. Passons donc à cette composition de bagues. Ajoutons quelques images-clés à l'opacité. Au fur et à mesure que l'arrière-plan s'estompe, nous allons changer l'opacité à zéro afin de faire disparaître les anneaux ici Permettez-moi également de copier l'image-clé de ces trois couches de coloration ici C'est presque comme s'il y avait une lumière qui entrait dans la scène, qui soufflait tout et qui le rendait si brillant comme ça. Ce sera donc une transition arquée. Oui, je trouve ça plutôt cool. Permettez-moi de revenir à mon rendu final et de jeter un œil à cette partie de l'animation. Au fur et à mesure que la ligne de vitesse arrive, je pense que je veux que cette animation lumineuse commence tôt dès que la ligne de vitesse arrive Donc par ici, je dois faire glisser toutes ces images-clés ici Et puis ceux qui se trouvent également dans ces trois couches, je dois appuyer sur le clavier, les aligner ensemble pour qu'ils puissent commencer la transition un peu plus tôt. Oui, je crois que j'aime bien ça. Ça a l'air plutôt cool. 20. Révélation de logo: Maintenant, ce que nous devons faire, c'est ajouter des logos ou du texte dans la scène finale ici. Nous pouvons donc en fait faire deux versions. L'une est une version blanche, puis nous pouvons faire une version noire. Mais avant de faire quoi que ce soit, essayons d'abord de faire la version noire, non ? Donc pour la version noire, je me suis laissé revenir à la scène que j'ai déjà mise en place. Je peux copier ces couches ici. J'ai une bande son que je peux copier. Je vais donc coller ma bande originale. Je peux vous montrer ce que cela signifie plus tard, mais c'est bien d' avoir du son. Vous pouvez également créer votre propre son. Et puis pour le logo, je peux simplement saisir le logo, saisir le texte. J'ai une couleur unie noire. Permettez-moi donc de copier ce solide noir. Essentiellement, lorsque nous passons à cette couleur vive, nous utilisons cette couleur noire pour la superposer afin que tout se transforme en noir Je l'ai fait Scène ici après le passage du feu de vitesse. Je vais donc copier celui-ci. C'est ma scène finale ici. C'est donc la même chose que la troisième scène. Cependant, j'en ai simplement fait un noir et blanc avec les effets noir et blanc, puis j'ai modifié le contraste. Donc, si je joue cette scène en solo, voici à quoi elle ressemble. En gros, c'est la scène ici. Si je supprime les effets, j'utilise cette composition interne au ring comme point de départ. Mais comme ça, de la même manière que nous avons animé la troisième scène. Ensuite, j'ajoute la couleur noir et blanc. Les effets en noir et blanc ont légèrement modifié le réglage pour améliorer l'apparence, puis j'ai utilisé la luminosité et contraste pour modifier le contraste. Maintenant, nous avons cette scène ici, et puis en plus, nous ajoutons un solide noir juste par-dessus pour que nous puissions faire la transition si je les dévoile en solo Au fur et à mesure de la transition, nous allons simplement passer à la dernière scène qui sera noire, comme ça. Et puis, au fur et à mesure que nous passons à la scène noire, je peux également revenir à ma composition et retrouver mon logo et le texte ici afin de ne pas avoir à refaire le logo et le texte Et puis, au fur et à mesure que le ring s'ouvre ici, nous allons montrer le texte animé s'estompe, rien de spécial Alors peut-être qu'ici, je vais le réduire à 13 secondes. Nous allons passer à cette scène ici. Permettez-moi de changer la résolution à un quart, car le rendu est vraiment lent en ce moment parce que nous avons ces trois problèmes en cours. Mais je veux vous montrer à quoi cela ressemble aujourd'hui après la transition. Cela pourrait donc être la fin de votre bobine de démonstration ou vous pouvez l'utiliser pour présenter votre logo. Vous pouvez modifier le texte ici. heure actuelle, je vous remercie d'avoir regardé la démo 2026, puis le logo Motion Circles Vous pouvez personnaliser cette scène comme vous le souhaitez en fonction de vos besoins. Mais pour le moment, je suppose simplement que nous pouvons utiliser ceci comme fin de la démo et simplement dire merci d'avoir regardé quelque chose comme ça. Une autre façon de le faire est créer une option de couleur blanche, puis d' ajouter une couche de réglage, puis d'appeler celle-ci « inverser la couleur Nous pouvons donc ajouter un effet de canal inversé sur cette couche de réglage ici Ensuite, je le fais simplement glisser jusqu'en arrière. Donc pour le moment, je pense que la fin va bien fonctionner, car vous pouvez voir le cadre noir devient un cadre d'extrémité blanc pur. C'est ainsi que nous avons également réalisé la couverture de la section, comme vous le savez déjà. Voici donc à quoi ça ressemble une fois que nous avons inversé la couleur des anneaux Nous avons un petit aperçu de l'animation des trois anneaux en D en arrière-plan, comme du blanc et du gris plus vif. Et puis nous avons le logo et le texte en noir. Donc ça marche bien. La seule chose, c' est que cette transition ne fonctionne pas pour le moment. Laissez-moi ajouter une couche solide, changer en noir ici, puis je dois la déposer sous ma fine composition, puis la pousser jusqu'ici. J'ai donc besoin que cette scène soit réellement sombre lorsque nous introduisons la couleur inversée, car nous l'inversons en blanc, et elle doit être complètement sombre au début Donc dans ce cas, je dois vraiment faire un fondu. Du blanc au noir complet. Et pendant que nous estompons la couleur, je vais mieux aligner celle-ci ici, puis je vais également modifier l'opacité de la couleur inversée de 0 à 100 % Donc zéro au début, puis 100 %, sorte que nous passons à une voiture de couleur blanche ici Et je pense qu'à l'heure actuelle, elles ne sont pas très bien liées Je dois donc mieux repositionner ces couches En fait, il suffit de couper toutes ces couches à partir de maintenant. Je vais donc couper les trois couches, couper, les couper et les couper ici, puis je pourrai tout regrouper ici. Je vais juste regrouper les extrémités, appeler celle-ci Command Shift C, appeler celle-ci blanche et cadres. Ensuite, à partir de ce moment, je vais simplement tout estomper, trouver une opacité ici, changer de zéro à 100 % pour que nous puissions nous décolorer à la fin de la voiture comme ça, en la gardant blanche C'est ainsi que nous effectuons la transition. Voyons si cela fonctionne mieux. Oui, je pense que ça marche bien. Nous avons donc cette transition , puis nous passons à la fin de la carte. Il s'agit donc d'une version blanche. Je vais vous montrer à quoi il ressemble une fois que je l'aurai rendu. Allons-y et rendons-le. Accédez à la composition, ajoutez-la à Adobe Media Encoder Q, et votre encodeur multimédia s'ouvrira Donc, ici, nous pouvons choisir le H 264, qui est le format MP 4. Et il existe également un autre format que vous pouvez choisir. Pour l'instant, nous allons nous en tenir au problème 64. Il existe également une version rapide que vous pouvez utiliser. Nous allons donc nous en tenir au numéro 64. Et ici, nous n'avons pas besoin de changer quoi que ce soit. Nous conservons simplement le même tel quel, débit élevé, source correspondante, puis nous pouvons choisir un dossier dans lequel nous voulons exporter, enregistrer, puis appuyer sur ce bouton de lecture rendu va démarrer. Et voilà. C'est ainsi que nous effectuons le rendu. Jetons un coup d'œil à la finale. 21. Félicitations !: Avec cela, vous avez terminé le cours, alors félicitations. Si vous suivez notre exemple, vous devriez désormais vous sentir plus à l' aise pour travailler en trois D dans After Effects et trois D dans After Effects et prendre des décisions créatives avec les appareils photo, lumières, les matériaux et les couleurs. J'espère que ce cours vous a montré que trois D ne sont pas forcément compliqués. Il suffit d'adopter le bon processus et la bonne façon de penser. Si vous aimez le cours, je vous serais très reconnaissant vouloir laisser un bref commentaire. Cela aidera ce cours à toucher un plus grand nombre d'étudiants et à me faire savoir ce qui a bien fonctionné pour vous. Je partage d'autres tutoriels de motion design, des flux et des répartitions créatives sur ma chaîne YouTube Motion Circles Vous pouvez également trouver d'autres ressources sur motioncircles.com. Merci encore d'avoir suivi le cours et d'avoir appris avec moi. Continuez à créer et je vous verrai la prochaine fois.