Illustration Procreate : dessiner des personnages et des environnements dynamiques

1. Introduction: [MUSIQUE] Chaque fois que je pense à l'illustration, je pense que c'est une narration. J'adore me perdre dans toutes les petites choses, m'inspirer et ramener tout le monde à mes illustrations. [MUSIQUE] Bonjour. Je suis Chaitanya Limaye. Je suis illustrateur et conteur visuel. Je travaille comme illustratrice indépendante depuis près de six ans. J'adore donner vie à des histoires et susciter des émotions à travers mon art. Auparavant, j'ai travaillé comme animateur de personnages 3D. J'ai eu l'occasion de travailler sur des films comme The Jungle Book, Guardians of the Galaxy, Cendrillon et bien d'autres encore. J'ai essayé d'apporter cette expérience à mes illustrations lorsque je crée mes personnages et mes environnements qui se sentent crédibles et beaux. Dans ce cours, je vais vous guider tout au long de mon processus de création d' illustrations [inaudibles] dans Procreate. La clé pour rendre les choses crédibles est de les mettre en réalité. Observer les choses que nous allons dessiner de très près, donc même si elles n'ont pas l'air réalistes, elles sont toujours crédibles, et cela nous permet alors d'ajouter cette liberté créative notre propre imagination et amenez nos téléspectateurs dans un monde complètement différent. Je vais vous montrer comment vous inspirer du monde qui nous entoure le plus de cette inspiration, puis commencer par le processus de création de vignettes, puis d'entrer dans l'esquisse, puis en créant l'illustration complète qui inclut la peinture des personnages et de l'environnement. Je suis très enthousiaste à l'idée de commencer ce cours. Allons-y. [MUSIQUE] 2. Examiner votre processus: [MUSIQUE] Même en travaillant comme animateur professionnellement, j'ai continué à dessiner sur le côté même si ce n'était pas une exigence du travail, et j'ai vraiment beaucoup aimé le faire. Finalement, j'ai commencé à les poster sur Instagram et c'était incroyable de découvrir qu'il y a une place dans ce monde pour mon travail personnel et c'est ainsi que j'ai commencé dans ce voyage d'être Illustrator indépendant. Lorsque j'ai commencé un nouveau travail, j'ai essayé de trouver l'idée la plus fraîche et la plus nouvelle possible, mais trouver une idée originale peut sembler extrêmement fatigante et intimidante. Maintenant, je pense avoir la solution à cela, me rappelant que rien n'est original. Tout est un mélange de choses que nous voyons dans le monde entier, tout ce que nous avons à faire est de nous concentrer sur les choses que nous observons dans le monde et d'essayer de les présenter de manière plus personnelle. perspective autant que possible. Ce que je veux dire par là, c'est une idée qui a été présentée de nombreuses fois auparavant, peut encore être faite avec une touche unique qui vous est très personnelle , par exemple, si vous et un groupe d'amis visitez un lieu et admirez le coucher du soleil, quels éléments vous pourriez choisir autour du coucher du soleil seraient très personnels pour vous et seront différents de ce que vos amis pourraient remarquer. Je crois que le style est une fusion de ces petits choix que nous faisons lorsque nous nous exprimons visuellement. Enfant, j'étais aussi fasciné par les bandes dessinées, les séries télévisées et les films d'animation et ils ont vraiment inspiré le sens de la narration visuelle pour moi. Même maintenant, je pense que mon style ne cesse évoluer petit à petit et cela se produit parce que je veux expérimenter les choses et cela vient s'ajouter au style que j'ai construit jusqu'ici. Pour vous donner un aperçu de mon processus, je commence par un tas d'observations, puis je les identifie à quelques éléments qui donneront un nouveau point de vue pour le public. C'est là que je commence par faire beaucoup de miniatures. Maintenant, ce sont des croquis ou des gribouillards très rapides, où j'expérimente avec la pensée, tout est possible dans ce dessin. Une fois que j'ai cette vignette, je commence à rendre le dessin très serré et propre. Pendant que je travaille là-dessus, j'ai essayé d'ajouter autant de détails que possible afin que ait l'impression d'un monde qui existe au-delà de ce dessin. Passons maintenant à la couleur, j'ai essayé d'apporter l'éclairage et de le rendre aussi crédible que possible, mais des éléments que les gens ont pu voir ici ou là comme dans le monde réel ou par exemple même les photographies et tous ces éléments s'unissent pour créer des illustrations immersives. Je crois que le style est super subjectif et que ce qui fonctionne pour vous ne fonctionne peut-être pas pour moi. Alors que vous suivez ce cours, vous n'avez pas besoin de dessiner des choses comme dire les yeux et les mains, exactement comme moi, si vous avez déjà un moyen de le faire, je vous suggérerais de vous y tenir. et mélangez cela avec les nouvelles choses que vous apprenez de ma classe pour créer votre propre travail unique. Pour la plupart de mes croquis, j'utilise généralement quelques stylos pinceaux, quelques crayons, et juste du papier ordinaire. Pour mon travail d' illustration numérique, j'ai tendance à m'en tenir uniquement à l' iPad Pro et à l'Apple Pencil, et mon application préférée est Procreate. que j'aime dans cette combinaison matérielle et logicielle de l'iPad Pro et de Procreate, c'est qu'elle est super réactive, presque l'impression de dessiner directement sur du papier comme avec médium traditionnel. J'apprécie beaucoup cela parce que la dernière chose que je veux en dessinant est un décalage. Maintenant, c'est ce que j'utilise personnellement, mais quel que soit le logiciel ou matériel que vous utilisez pour vos propres illustrations numériques, vous pouvez toujours suivre cette leçon et voir ce qui fonctionne pour vous. En fait, beaucoup de ces techniques que je montrerai en classe s'appliqueront également aux médias traditionnels. Au-delà de l'illustration numérique, j'adore expérimenter d'autres supports, comme les aquarelles, les peintures acryliques et les couleurs au crayon. Ce que j'ai appris jusqu'ici, c'est qu' il y a toujours quelque chose à apprendre de différentes techniques et qu'il y a une finalité dans les médias statisticiens que nous ne trouvons pas dans illustration numérique. car il y a un nombre infini d'annulations et de refaire que nous pouvons faire en travaillant numériquement, mais cela manque totalement dans médias traditionnels et cela nous aide vraiment à mieux planifier les choses et exécutez mieux nos illustrations numériques également. Le projet étudiant pour ce cours sera de vous faire votre propre illustration et vous pourrez suivre mon processus et choisir ce que vous aimez et l'ajouter à votre processus et à l'ajouter à votre processus et Faites-en le vôtre. Allons de l'avant et voyons comment tirer le meilleur parti de nos observations, nous allons apprendre à choisir ces petites choses qui apportent de la spécificité à nos illustrations. [MUSIQUE] 3. Affiner vos observations: Je suis constamment inspiré par beaucoup de choses que je vois autour de moi. Il peut s'agir uniquement de personnes, de leurs expressions faciales, leur posture, de leur façon de faire les choses de manière très unique, et aussi par l'environnement. Des choses comme la lumière, les ombres projetées par différents arbres et feuilles. Je suggère de toujours rester à l'affût des choses qui pourraient spontanément cliquer avec vous ou se démarquer différemment. Permettez-moi de vous montrer quelques exemples de mes illustrations et vous expliquer comment certaines observations les ont spontanément inspirées. Il y a quelques années, Ruja et moi sommes allés dans les Andamans et nous sommes allés sur ce dessin animé nocturne très spécial où nous allons voir des algues bioluminescentes dans l'eau. Maintenant, ces algues sont extrêmement minuscules. Ils sont très transitoires et ils ont une lueur très légère, ce qui ne peut être photographié du tout avec aucun appareil photo. C'était une expérience incroyable et j'ai dû l'apporter sur ma toile, surtout parce qu'on ne peut pas le dire autrement. J'aime faire de longues promenades chaque fois que c'est possible. Lors d'une telle longue marche, il se trouve que je suis tombé sur ce vieux monsieur qui avait, de toutes choses possibles, une lampe frontale que le cycliste pourrait porter sur sa tête. Ce vieil homme portant cette superbe lampe frontale sur sa tête était une chose très unique et elle s'est démarquée très immédiatement. Mais toutes les choses ne sont pas très évidentes tout de suite. Nous avons beaucoup de ces plantes chez nous sur notre balcon, et l'une de ces plantes est le cotonnier. Ce n'est peut-être pas très précis scientifiquement, mais ce que j'ai observé, c'est qu' il y a toujours une feuille qui apparaît chaque fois qu'un boll de coton essaie de la protéger du soleil et des éléments. J'ai senti que c'était trop comme si une personne s'occuperait de quelqu'un comme son frère ou son enfant. C'est ce qui m'a inspiré à dessiner cette illustration où une feuille s'occupe de la nouvelle boll de coton et que la boll en coton regarde de façon très mignonne, très affectueusement sur la feuille, comme ce qu'un enfant regarderait sa mère. Il est important de regarder les choses quotidiennes de différentes manières et y réfléchir un peu plus pour que nous puissions en arriver à des parties non évidentes de cela. Personnellement, j'adore rechercher symétrie et les motifs dans des choses comme les arbres, fleurs, d'autres choses de la nature. Je pense qu'il est important d'avoir beaucoup de ces observations afin qu'elles forment une banque de mémoire. Une fois que nous avons cet énorme dépôt de visuels, nous pouvons toujours les extraire chaque fois que nous travaillons sur quelque chose et que nous avons besoin de quelque chose qui s'intègre parfaitement. Lorsque vous observez le monde qui vous entoure, recherchez des choses très spécifiques à la façon dont les gens font les choses. Disons que vous voyez certaines personnes qui sont assises, première chose qui nous apparaîtra dans notre esprit, c'est qu' elles sont assises. Maintenant, nous devons nous demander ce qu'ils ressentent ? Chacun a une façon unique d' exprimer physiquement ce qu'il ressent. Quelqu'un se sent peut-être un peu triste. Vous pouvez le voir à partir de leur posture. Une fois que vous aurez cette habitude de regarder les nuances, vous commencerez à remarquer ces choses manière plus évidente. Lorsque je fais des courses ou que je suis assis dans un café ou un restaurant, j'ai tendance à regarder les gens autour de moi et à observer ces choses. Il ne serait pas possible de partager ces observations avec vous, car je n'ai pas de photos de cela. Mais ce que j'ai, c'est un cadre de l' une de mes séries télévisées préférées, Breaking Bad. Ici, nous avons ces deux personnages assis sur un canapé et tous les deux ont l'air assez détendus au premier coup d'œil. Ils ont l'air très amicaux. Si vous regardez de près, vous remarquerez que la personne de droite est plus détendue alors que la personne à gauche semble raide, et nous le voyons à partir de sa posture corporelle. La personne de droite a cette belle courbe qui, je suppose, traverse son corps qui nous dit qu'il se sent plus libre alors que l'autre personne a l'air très raide. Vous pouvez remarquer que ses épaules sont également assez raides, nous indique que la personne de gauche n'est probablement pas très à l' aise dans ce scénario. Ces nuances que nous pouvons prendre en compte lorsque nous regardons les choses de très près. Pour cet exemple suivant, faisons un petit exercice amusant. Je vais laisser cette image à l'écran pendant quelques instants. Jetons un coup d' œil attentif et voyons quelles nuances nous observons là-dedans. Voyons ensuite quelles sont ces observations qui étaient en commun et quelles sont les choses que vous auriez pu retenir et que j'aurais pu manquer. Quand je regarde ce cadre, la première chose que je remarque, c'est qu'ils semblent tous deux très intéressés par cette conversation. Cela est évident du fait que les deux sont inclinés l'un envers l'autre, mais quand vous commencez à regarder de près, vous remarquerez que la femme de gauche a les doigts attachés ensemble, et cela lui donne un sentiment tendu. En même temps, la personne de droite, bien qu'elle soit inclinée vers l'intérieur, vous pouvez voir une certaine raideur et rectitude dans sa posture, ce qui donne l'impression qu'il essaie de dominent cette conversation. Si vous regardez encore plus près leur visage, alors vous remarquerez que son visage semble assez choqué comme ses yeux sont grands ouverts, ses sourcils sont également tendus. Son visage, vous remarquerez que sa mâchoire est assez serrée et il veut dire quelque chose de peut-être méchant, et ses sourcils sont aussi tendus. Voici quelques-unes des observations que j'ai faites et je suis curieuse de savoir ce que vous avez pu trouver. Un excellent moyen de construire votre banque de mémoire et d'enregistrer votre inspiration est de faire beaucoup de croquis en direct. J'essaierais d'enregistrer les gens au fur et à mesure qu'ils bougent. C'est la clé pour les capturer en mouvement, car cela se produit en une fraction de seconde, et plus vous le faites, plus votre œil deviendra plus net pour capturer le mouvement. J'ai l'impression que maintenant que j'ai beaucoup d'expérience avec le croquis en direct, je n'en fais plus forcément beaucoup. Je me fie généralement à prendre des notes rapides et à prendre des photos rapides de quelque chose que je pourrais trouver très remarquable, et je peux toujours y revenir si je veux dessiner quelque chose en fonction. Il est important de simplement rassembler et de capturer cette idée en premier, et vous pouvez toujours revenir en arrière et dessiner les personnages, quelle que soit la façon dont vous le souhaitez, quand vous arrivez à réellement. faire l'illustration. Parfois, il peut arriver que vous voyiez un moment très intéressant , mais vous ne savez pas quoi en faire immédiatement. Il est préférable de l'enregistrer pour plus tard, car on ne sait jamais qu'on peut toujours le revoir et probablement découvrir une histoire autour de lui, ou même, en fait, ajouter des personnages et créer de la chimie pour ajouter un peu d'épices et la transformer en quelque chose auquel vous n'avez jamais pensé auparavant. Beaucoup de mes idées que j'ai remarquées sont de nature très visuelle, et il arrive souvent que je n'ai pas de carnet de croquis ni de stylo sur moi. Ce que je fais généralement, c'est faire un gribouillage rapide sur mon téléphone. Ce n'est peut-être pas joli et je ne m' inquiète pas à quel point il a l'air beau. J'utilise généralement Procreate Pocket sur mon iPhone, mais si vous préférez Android, vous pouvez toujours utiliser Autodesk Sketchbook pour la même chose. J'ai trouvé que la lumière est une source d' inspiration utile pour moi. Je ne cesse de remarquer que la lumière traverse les arbres, les branches, ou même qui rebondit sur le sol de ma maison et jette un éclat intéressant sur le mur. Tous ces éléments peuvent aider à placer nos illustrations de différentes manières possibles. Un jour, j'essayais de penser à une idée d' illustration et je me souviens juste de cette boutique de cordonnière que j'ai souvent passée . Je me suis souvenu qu'elle était assise avec son chien, caressée et qu'elle avait passé un moment vraiment merveilleux. Je l'ai dessiné et je me suis rendu compte qu' il manquait quelque chose, quelque chose qui pourrait ajouter un peu de magie à cette illustration. Je me suis vite rendu compte qu'il avait l'air assez plat et que la lumière ferait ce tour. Je pensais que le filtrage de la lumière à travers les feuilles serait la chose parfaite pour ce décor, car cette boutique de cordonnière se trouve juste en dessous d'un grand arbre. J'ai ajouté cette lumière dans laquelle nous pouvons voir les ombres des feuilles et elle s'adapte parfaitement. J'adore regarder des films et j'ai remarqué que beaucoup d'entre eux ont une excellente photographie. Des éléments tels que les angles de caméra, les palettes de couleurs ou simplement la façon dont une chose particulière est encadré peuvent être inspirants et nous pouvons toujours apporter cela à nos illustrations. Même avec des photos que vous pourriez rencontrer pendant que, par exemple, vous faites défiler sur Instagram, certains éléments que vous voudrez peut-être reprendre. Pour cet exercice de cours, vous pouvez vous rendre à votre endroit préféré, remarquer des choses qui vous plaisent ou vous pourriez vouloir dessiner et en prendre des notes. Ces notes peuvent alors prendre la forme d'un texte ou simplement d'une photographie, ou même si vous ne voulez pas sortir de chez vous, vous pouvez toujours trouver de l' inspiration n'importe où. Il suffit de regarder votre film préféré et commencer à chercher des choses qui vous intéressent vraiment. Il peut s'agir de la performance de l' acteur ou de la façon dont l'éclairage est effectué, ou de la palette de couleurs de la direction artistique, etc. Vous pouvez également en prendre note et vous inspirer pour votre prochain travail. Parlons maintenant de la façon de transformer votre inspiration et vos idées en croquis. 4. Création de vignettes: Quelle est la première étape que je fais lorsque je commence réellement mon illustration ? Je pense aux idées que j'ai , puis je fais d'abord la vignette. Maintenant, qu'est-ce qu'une vignette ? Thumbnail est une petite esquisse qui est un endroit où je peux explorer l'idée en détail en termes de composition, d'angle, de perspective, de positionnement de différents éléments, qui est un endroit où je peux explorer l'idée en détail en termes de composition, d'angle, de perspective, de positionnement de différents éléments, la pose du personnage et de l'histoire sera très éclairée par ces minuscules décisions, toutes réunies. Je peux simplement faire beaucoup de miniatures si je le veux et explorer les angles de caméra BCL ou différentes façons de placer différents éléments et il me sera beaucoup plus facile de refaire des choses. si quelque chose ne fonctionne pas. J'ai quelques illustrations à montrer et décrire ce que j'ai fait ici. Jetons un coup d'œil à eux. Dans cette première illustration, je voulais communiquer une ambiance très horreur car c' était la couverture d'un livre d'horreur. J'ai essayé de minimiser l' espace pour ce personnage, essayer de le faire paraître claustrophobe et d'essayer de cacher le visage de ce personnage pour qu'il soit très mystérieux. Une autre chose que j' ai faite a été de jouer avec autant d' éléments effrayants que possible , des cheveux longs et un corps semi-transparent pour ce personnage. Dans la prochaine illustration que j'ai ici, nous avons beaucoup d' espace car il y a quelques personnages qui survolent la ville dans un avion en papier et cela crée une ambiance plutôt mignonne. Je voulais m' assurer que tout semble lumineux et joyeux et c'est ainsi que j'ai pensé ajouter les satellites ci-dessous, puis à avoir des nuages perplexes pour que ça se sente. Encore plus magique. Maintenant, lorsque nous regardons les deux ensemble, nous constatons que les deux ont exactement la même palette de couleurs, qu'il s'agisse d'or et de noir, ou disent jaune et noir, mais pourtant ils disent complètement des choses différentes. Maintenant, c'est à cause des choix que nous avons faits lors de la création de vignettes dès le départ. C'est pourquoi nous devons prêter plus attention aux miniatures même si cela peut sembler être une chose jetable. Nous pouvons utiliser différents éléments de composition tels que des formes, des tailles, des contrastes lignes de pointe pour informer l'attention du spectateur et les amener littéralement à endroit où vous voulez qu'il regarde. J'ai ici une photo que j'ai dessinée où un père présente à son petit enfant des fleurs printanières. Je veux que l' attention du spectateur atteigne le point où le petit bébé cueille les fleurs J'utilise donc différents éléments de composition comme ces lignes de la clôture à côté eux, puis ils fusionnent dans cet arbre, puis ils élèvent le bébé , puis se plient dans les fleurs. De même, les autres éléments, comme le haut de la clôture, le font également. Les mains du père mènent également exactement à la même chose, y compris ses yeux et l'autre côté du sentier mènera également au même point. De cette façon, vous pouvez avoir toutes sortes de lignes différentes qui sont cachées à l'endroit où vous voulez que le spectateur regarde exactement. J'ai ici un autre exemple où la comparaison est assez intéressante. Je voulais dessiner ce personnage cuisinant dans la cuisine et l'espace que je voulais montrer était assez petit. Ce que j'ai pensé ici, c'est que je peux probablement utiliser une vue de poisson. Désormais, Fish Eye est un objectif particulier dans les appareils photo, dans lequel vous pouvez compresser un espace et le montrer même dans un cadre plus serré. Je voulais donner ce sens de l'espace même avec une vue très proche, et cette vue a vraiment aidé et a fait une composition très intéressante. Un autre facteur important à prendre en compte lors de la composition d' images est de penser l'angle que nous regardons la scène. Si nous voulons faire paraître quelqu'un ou quelque chose de petit, nous pouvons le composer sous un angle supérieur ou si nous voulons que quelque chose soit assez grand, assez grand, nous pouvons le composer du point de vue de Moïse, regardant de bas en haut. Vous pouvez toujours penser à la façon dont vous souhaitez que le spectateur perçoive les choses, puis placez la caméra en conséquence. Une autre chose à retenir lorsque vous travaillez sur nos miniatures est l'échelle et la proportion. Une échelle et une proportion peuvent être utilisées de plusieurs manières, dont l' une consiste à ajouter de la profondeur à une scène ou nous pouvons également utiliser pour ajouter différents niveaux d' importance à différents personnages ou éléments d'une scène. Ici, j'ai quelques couples portant des kayaks et j'ai décidé de faire en sorte que l'un d'entre eux soit devant et grand pour que l' attention du public soit d'abord portée sur eux, mais je voulais aussi donner le sentiment qu'il y a plus de gens comme eux. Une autre chose généralement importante que j'ai apprise en travaillant comme animateur professionnel est la pose de personnages. À présent, il y a deux aspects à cela. L'un d'entre eux est la clarté et la communication et l' autre est la mécanique corporelle. J'ai ici un clip que j'ai animé plus tôt que je vais utiliser pour vous expliquer cela, j'ai ce personnage qui commence vraiment aggravé et plus en colère à propos de quelque chose. Je l'ai posé de telle manière qu'il flatte ses bras en l'air et qu'il piétine et autres. Plus tard, il passe à la phase où il plaide et sa colonne vertébrale est pliée et ses épaules sont penchées aussi, tout essayant de dire qu'il ne passe tout simplement pas une bonne journée. Vers la fin du spectacle, je l'ai fait paraître très cool dans la façon dont il bouge. Toutes les formes sont certainement simplifiées, comme cette forme très incurvée dans sa colonne vertébrale dit qu'il se sent complètement détendu, mais il se couvre pour quelque chose et c'est clair parce qu'à la fin, il revient encore une fois à plaider. L'autre aspect de la pose du personnage est la mécanique du corps. Il y a beaucoup de petites choses qui se produisent dans le corps, dans les hanches lorsque nous marchons sans trébucher et c'est le domaine de la mécanique corporelle. Lorsque nous posons un personnage, il est très important de penser à l'endroit où se trouve le centre de gravité d'un personnage pour qu'il soit crédible que ce personnage se trouve réellement debout et ne tombe pas. J'ai ce personnage au début où il est debout et la majeure partie de son poids est sur sa hanche gauche et plus tard alors qu'il bouge, le poids se déplace vers sa hanche droite et c'est ainsi qu'il peut réellement bouger sa jambe gauche puis entrez dans cette pose. Là encore, quand il fait ce gros geste, son poids se déplace soudainement vers sa hanche gauche à nouveau. Ces petites choses, aussi petites qu'elles puissent paraître, sont très essentielles à la pose d'un personnage. C'est pourquoi il est très important utiliser ces deux aspects de pose du personnage pour rendre nos personnages crédibles, et vous pouvez vous assurer que la prochaine fois vous passerez à dessinez un personnage, vous réfléchissez également à ces aspects. Comme je l'ai déjà mentionné, beaucoup de mes idées sont enregistrées au départ sous forme note rapide ou de quelque chose ou d'une photo, donc lorsque je commence à faire des vignettes, je les regarde puis je commence à partir de là. Il y a aussi des moments où je commence à puiser dans ma mémoire. Dans la classe d'aujourd'hui, je vais dessiner quelque chose basé sur un souvenir récent. a quelques jours, je suis allé sur une colline voisine et j'ai remarqué une chose très fascinante. Il y avait beaucoup de chiens de compagnie et beaucoup d'entre eux étaient très heureux d'être à l'extérieur et ils tiraient leurs propriétaires en laisse. J'ai pensé à capturer ça pour le cours d' aujourd'hui, alors commençons. La clé ici est de ne pas se marier avec la première idée visuelle qui vous apparaît dans votre esprit, mais d'explorer les options et de voir ce qui fonctionnerait le mieux pour cela. Je songe à faire quelques options avant de pouvoir commencer par le dessin principal. Je veux explorer à quoi cela ressemblera sous deux angles différents. Un angle auquel je pensais était de face où le chien est probablement en tête. J'essaie de faire une perspective forcée et de rendre le propriétaire vraiment petit pour donner l'impression que le chien tire vraiment très fort sur la laisse et crée aussi ces lignes qui l'attention du spectateur du propriétaire au chien et je peux probablement le remplir avec beaucoup d' herbe menant à la direction de ces lignes que j'ai. Pour la prochaine vignette, je pense que les choses sont plus simples. Voyons comment cela fonctionnera pour faire passer l'humour. Dans cet exemple, j'essaie de mettre en scène tout ce qui est très plat pour le spectateur, et je peux déjà sentir que si je vais pour une manière légèrement humoristique, cette version va beaucoup fonctionner mieux comparé à celui-ci parce que dans celui-ci, tout commence à paraître super dramatique et cela peut être très utile pour quelque chose où je veux le rendre très lourd d'action. C'est peut-être l'intrigue d'un comique de détective ou quelque chose comme ça, mais je suppose que c'est ce que je vais m' en tenir pour celui-ci. Un élément essentiel du processus créatif consiste à recueillir des commentaires puis à les appliquer. La meilleure façon de commencer, je pense, est d'obtenir des commentaires directement à partir des miniatures. Lorsque nous faisons des miniatures, nous n' investissons pas trop de temps à les faire, et s'il y a des erreurs ou si certaines choses ne sont pas assez claires, nous pouvons facilement les mettre au rebut et recommencer. En prenant ces commentaires et en l'appliquant, vous pouvez toujours effectuer des ajustements et des modifications pour vous assurer que l'histoire que vous racontez est racontée de la meilleure façon possible. Vous pouvez également publier sur les forums de discussion de Skillshare et obtenir des commentaires d' autres étudiants. Dans cet exercice de leçon, vous pouvez prendre l' observation antérieure, puis dessiner des miniatures en dehors de la tête. En dessinant ces vignettes, vous pouvez vous assurer que la composition fait de son mieux pour raconter l'histoire que vous voulez raconter. Vous pouvez refaire ces vignettes encore et encore jusqu'à ce que vous en soyez satisfait, et elles racontent l'histoire le plus clairement possible. Une fois que vous avez atterri sur une miniature dont vous êtes vraiment satisfait, vous pouvez prendre une photo, puis continuer ce processus numériquement. 5. Detailing votre croquis: [MUSIQUE] La plupart du temps, quand j'ai une vignette dont je suis vraiment content et que presque tout a été élaboré en détail. Je vais simplement prendre un clin d'œil sur cette vignette à l'aide mon iPad ou de mon téléphone , puis j'y mettrai un calque dessus, puis je baisserai l'opacité de ce calque d'esquisse, puis je commencerai mon dessin réel par-dessus. Mais dans certains cas les miniatures ne sont pas très claires. Dans ces cas-là, j'utilise ces vignettes juste comme référence, puis je recommence à dessiner. Comme vous avez dû le voir dans les miniatures de ce dessin. Je n'avais pas beaucoup de détails pour le personnage ici et maintenant, alors que je fais le dessin, je vais étoffer ces détails, en particulier les formes du torse et des jambes pour qu' ils créent très des formes graphiques claires qui peuvent simplement rendre le dessin très agréable et amusant à regarder. Donc, avec ces formes graphiques, j'essaie de créer une harmonie visuelle car il y a des lignes très longues et droites , puis il y a des lignes courbes, toutes ensemble. créer une image attrayante à regarder. Il est vraiment important de jouer avec les expressions des personnages et de s'assurer qu' elles sont super expressives. Donc, dans ce cas, je dessine ce personnage. Le visage de cette fille montre un sourire très large. Elle aime évidemment son chien de compagnie, mais elle est aussi agacée qu'il la tire tout le chemin et je veux vraiment souligner cette contradiction avec ses sourcils qui deviennent trop serrés et tendue alors qu'elle a encore un sourire très large. Ici, je joue juste avec la forme de sa queue de cheval. Je veux m' assurer qu'elle a l'air super cinétique et en plein mouvement, juste pour rehausser la nature de cette scène qu'elle sèche. Alors que je travaille sur le chien ici, je m'occupe la mécanique et de l' anatomie des jambes. Il arrive parfois que je ne sache pas quels muscles un chien utiliserait, à quoi ressemblerait sa structure osseuse et comment puis-je la rendre crédible. Dans de tels cas, il est préférable de rechercher des références. concerne les références, j'ai généralement tendance à commencer par une idée, donc le piège qui consiste à commencer à chercher des références avant d'avoir une idée claire de votre illustration est que nous pouvons finir par être esclave de ces références. Ils peuvent certainement limiter fortement notre créativité et notre imagination , et c'est la dernière chose que nous voulons en tant qu'illustrateurs. Parfois, lorsque je veux me renseigner sur la précision de l'anatomie d'un personnage, le meilleur moyen est de simplement installer un trépied et d' installer appareil photo de mon téléphone sur un retardateur, puis être mon propre modèle et de prendre des photos. moi-même. De cette façon, je peux avoir des références exactes sur ce que je cherche. Cela aide également à découvrir des poses que je n'aurais peut-être pas imaginées mais que je me sens vraiment bien pour le dessin. Maintenant, je vais aller de l'avant et détailler le reste du croquis. [MUSIQUE] Une caractéristique très cool de Procreate I love est la forme rapide. Si je prévois de tracer ligne très droite, elle doit généralement être dessinée à main levée mais comme vous le remarquez parfois, il peut arriver qu'elle soit légèrement courbée. Mais si je veux l'avoir exactement droit, alors ce que je peux faire, c'est dessiner une ligne , puis maintenir le bout du crayon sur l'écran , puis il se convertit une forme rapide qui est une ligne droite. Puis, une fois que je l'ai laissé là, il devient partie intégrante du croquis. De même, si je devais dessiner une ellipse, je peux simplement dessiner une ellipse, puis la tenir simplement pour obtenir une ellipse parfaite en utilisant cette fonction et encore une fois, de même, si je veux dessiner une Cercle sans avoir à dessiner moi-même un cercle parfait, je peux faire une ellipse comme ça, il suffit de tenir avec le crayon sur l'écran et avec mon doigt, placer ma main sur l'écran et ensuite ça devient un cercle. Je peux le mettre à l'échelle comme je veux, puis laisser le crayon hors l'écran pour que je puisse obtenir le cercle sur l'écran. C'est donc très utile pour les dessins particulièrement techniques. Lorsque nous travaillons sur la partie dessin, nous devons nous assurer qu'elle semble anatomiquement correcte. Une façon de vérifier cela est de faire une pause et de regarder l'image après un certain temps , puis vous commencerez à réaliser des erreurs très rapidement. Une autre façon de le faire plus rapidement consiste à accéder à l'option « Canvas » ici, puis à utiliser l'option « Flip Horizontal ». Donc, si je fais cela, il retourne la toile et soudain, je commencerai à remarquer des choses que je n' aurais peut-être pas remarquées plus tôt. C'est juste quelque chose à voir avec notre cerveau que si nous commençons à regarder les erreurs pendant très longtemps, elles commencent à paraître correctes, mais si nous les regardons un angle différent. , une perspective différente, ou simplement retournez l'image pour que vous puissiez commencer à voir des problèmes avec elle. Donc, si j'ai l'impression que les yeux ne regardent pas exactement le personnage, peut-être que je modifie légèrement l'eye-line et ensuite je pense que nous ferons bon d'y aller. Une fois que j'ai fait les ajustements, je retournerai à nouveau horizontalement et je suis retour là où j'ai commencé avec le bon eye-line maintenant. Ce que je vais faire ensuite, c'est prendre tous mes calques de dessin et les combiner en un seul calque , puis je mettrai un calque dessous et je réduirai l'opacité de ce dessin. couche à environ 30 pour cent afin que je puisse commencer le processus de coloration sur le calque ci-dessous. Pour cet exercice de leçon, vous pouvez réaliser le dessin réel fonction de la vignette que vous avez choisie. Vous pouvez également ajouter de nombreux détails en fonction de votre observation. [MUSIQUE] 6. Explorer le panneau des couleurs: [MUSIQUE] Avant de commencer le processus de coloriage, j'adorerai vous guider dans le panneau de couleurs Procreate et vous montrer comment je choisis les couleurs. Lorsque nous allons dans ce coin et que nous appuyons sur ce bouton de panneau de couleurs, nous pouvons voir cette vue disque, dans laquelle nous pouvons voir la gamme complète de toutes sortes d'utilisations, puis nous pouvons choisir la teinte exacte de celle-ci. teinte particulière, en fonction de la légèreté ou de l'obscurité ainsi que de la saturation ou de la désaturation. Ensuite, il y a aussi cette vue classique où vous pouvez être plus précis sur vos choix et vos décisions. Ce que nous avons ici, c'est un curseur pour sélectionner une teinte en particulier, puis nous avons également ce curseur dans lequel je peux sélectionner et choisir la quantité de saturation ou de désaturation que je veux, puis je avoir cet endroit pour choisir le ton. Maintenant, le ton ou la valeur n'est qu'un autre mot pour désigner la quantité d'obscurité ou luminosité d'une image particulière. Ces curseurs se combinent pour nous donner la couleur exacte que nous recherchons, sorte que nous puissions la choisir directement comme ça ou nous pouvons l'adapter spécifiquement à ce que nous voulons. Parfois, nous voulons rendre quelque chose d'un peu sombre et aussi légèrement plus saturé, disons, pour créer une ombre particulière d'objet. Donc, dans ce cas, ce que je vais faire, c'est de prendre légèrement plus de saturation et d'y ajouter un peu plus d'obscurité. Plus d'ombre que je veux parfois je peux faire plus de l'obscurité, et aussi modifier la saturation en fonction de l'éclairage que je veux dans la scène. Ici, nous avons cet onglet Harmony à l'intérieur du panneau de couleurs, qui est excellent et très sympa de Procreate, où nous pouvons sélectionner et créer différentes combinaisons de couleurs immédiatement à partir de ce panneau. C'est quelque chose que l'on devrait planifier et faire traditionnellement, regardant différentes nuances de couleurs, mais la caractéristique géniale de Procreate est qu'il est intégré et qu'il aide à réaliser ce processus beaucoup plus vite. Si je cherche la teinte complémentaire pour une nuance de vert particulière, je peux simplement utiliser cette méthode et obtenir la nuance exacte opposée de rouge. Nous pouvons également consulter d'autres schémas de couleurs comme split complémentaire, dans lequel nous avons une couleur puis deux couleurs juste en plus la couleur opposée de celle-ci. Ici, j'ai de l'orange, puis je prends couleur cyan puis du bleu, et ceux-ci ensemble feront une combinaison de couleurs vraiment géniale. Ensuite, pour expérimenter l'obscurité de celui-ci, je peux aussi choisir, disons, cet orange vif, puis aller plus sombre, puis utiliser cet orange vif avec ce cyan et bleu, qui sont des versions plus sombres de eux-mêmes pour créer quelque chose d'intéressant. De même, nous avons également le schéma de couleurs analogue, dans ce schéma, nous pouvons sélectionner n'importe quelle couleur puis il nous donne des couleurs que je viens de lui envoyer, et en attendant en petites quantités que nous peut obtenir une légère gradation. Ensuite, il y a un jeu de couleurs triadique, qui ressemble à un triangle sur la roue chromatique, ce qui est également un moyen cool de colorer vos dessins. Outre ces jeux de couleurs dont nous avons discuté, la chose la plus importante à laquelle je crois dans le choix des couleurs sont les couleurs chaudes et froides. Toutes les couleurs adjacentes à l'orange, ce qui serait rouge, orange, jaune sont connues sous le nom de couleurs chaudes car elles dégagent de la chaleur, et de même, toutes les couleurs adjacentes bleu sont connues sous le nom de couleurs froides car elles ont cet effet rafraîchissant que nous voyons dans la nature. Il peut sembler très simpliste que certaines couleurs sont chaudes et qu'un ensemble particulier de couleurs soit cool. Mais même dans une couleur fraîche, nous pouvons toujours avoir des couleurs plus chaudes. Disons que je vais faire une grande partie de mon illustration en couleur bleue, mais même à l'intérieur de cela, je peux avoir cette nuance d'avoir quelques parties de l' illustration plus chaudes, donc je peux aller plus loin vers le jaune, puis ces parties de bleu commenceront à paraître plus chaudes, et les parties encore plus bleues peuvent paraître encore plus fraîches. Nous pouvons mélanger et associer les réchauffements et les refroidissements pour créer ces combinaisons de couleurs intéressantes, et donner une impression de lumière du jour ou de différents types d'éclairage dans nos illustrations. [MUSIQUE] 7. Colorier votre arrière-plan: Pour mes illustrations, j'ai généralement tendance à choisir davantage de couleurs naturalistes. Je crois qu'ils fonctionnent le mieux avec le genre d' illustrations que je fais. Beaucoup de couleurs sont déjà connues pour avoir un certain effet sur le spectateur. Disons que c'est quelque chose comme du rouge. Le rouge est la couleur de la passion, du danger et le bleu peut donner une certaine fraîcheur à une image, sorte que nous pouvons choisir des couleurs afin de créer une ambiance exacte que nous voulons transmettre au spectateur. Outre l'humeur, l' éclairage de la scène est une autre chose importante. Gardez à l'esprit que c'est l'heure de la journée que nous choisissons pour notre dessin. Il nous parle également de la source de lumière. En règle générale, il existe deux sources de lumière différentes. L'une est la source directe et l'autre est une source de lumière diffuse. soleil est une source directe de lumière. Vous remarquerez que les ombres projetées par le Soleil sont très spécifiques et très nettes, alors qu'avec une journée couverte, vous remarquerez que toutes les ombres projetées sont assez diffuses et douces. Nous devons choisir le type de scénario d' éclairage et d'ombre que nous voulons avoir dans une image. Dans ce premier exemple, j'ai choisi l'heure de la journée pour être le lever du matin. Dans cet exemple, vous remarquerez que les ombres projetées par le Soleil à l'arrière sont extrêmement nettes et qu'elles contrastent fortement avec la lumière du soleil qui se répand sur les feuilles d' herbe autour. ça. Dans l'exemple suivant, vous remarquerez qu'il s'agit d' un autre scénario similaire. Au lever du soleil, nous avons des traces de soleil à partir d'une fenêtre d'un avion. Ce qui est différent ici, c'est qu' étant donné qu' il s'agit d'un scénario intérieur, la même lumière du soleil ne rebondit pas différentes surfaces , ce qui rend les ombres beaucoup plus diffuses. Vous remarquerez que la lumière qui rebondit sur différentes surfaces illumine également les ombres et que le fait de faire ce choix tôt indiquera comment nous faisons les ombres et le reste de l'éclairage. . Si vous regardez les ombres et que vous les comparez, vous remarquerez que les ombres, dans un scénario où la lumière est diffusée, ne sont pas si contrastées et elles expliquent également comment nous choisissons la saturation de la teinte et la luminosité de ces ombres. L'utilisation de la lumière est un excellent moyen d'attirer attention sur l' attention sur les personnages que nous voulons mettre en valeur. Dans ces deux exemples, j'utilise la lumière du soleil de cette façon. Vous remarquerez que le fermier ici et son chien à l' arrière sont également éclairés par le soleil qui vient de l'arrière et qui les aide à se démarquer du reste de la scène à gauche. De même, dans l'autre exemple, les visages du personnage éclairés par la lumière du soleil. Dans cette image, les visages sont la partie la plus importante que je veux mettre en valeur et la lumière aide de cette façon. Je pense que lorsque nous peignons par imagination, éclairage est l'une de ces choses qui peuvent être très difficiles au début, parce que notre esprit n'a pas assez de ressources pour s'en tirer. Une fois que nous aurons l'habitude de regarder beaucoup d' images ou d'observer la lumière dans notre environnement, je pense que cela viendra beaucoup plus naturellement et que nous pourrons créer de l' éclairage à la volée. Comme je l'ai mentionné initialement, j'ai tendance à opter pour des couleurs naturalistes, mais il est également important de me rappeler que j'avais cette licence créative pour me rappeler que j'avais cette licence créative pour choisir et choisir ces autres couleurs qui peuvent faire et donnez cette ambiance exacte à laquelle je veux aller. Commençons par le processus de coloriage de cette illustration. une des questions les plus fréquemment posées sur mon Instagram est quels pinceaux dois-je utiliser ? J'ai un tas de pinceaux MaxPacks que j'ai obtenus ce site Web appelé MaxPacks et j' utilise également un tas de pinceaux par défaut fournis avec Procreate. Je tiens à souligner que les pinceaux ne sont pas la chose la plus importante dans le processus créatif. Vous pouvez choisir n'importe quel type de pinceau, ce qui vous convient. La première chose sur laquelle j'insiste, c'est colorer l'arrière-plan, car tous les autres choix , par exemple les personnages, les autres objets de la scène, sont fortement influencés par l'éclairage créé. déjà en arrière-plan. Très tôt, j'avais l'habitude de faire les personnages en premier, parce que j'avais l'habitude de sentir que cela me vient plus naturellement , mais j'ai toujours fini par arriver à un endroit où l'arrière-plan ne correspond pas à le personnage, puis j'ai dû refaire le personnage. Au début, je commence généralement par bloquer les grandes formes pour l'arrière-plan. Je vais utiliser ce pinceau appelé Nikko Rull, qui est par défaut dans Procreate. Mais vous remarquerez ce petit à la fin et c'est parce que j'ai dupliqué ce pinceau. J'ai tendance à personnaliser légèrement mes pinceaux pour qu'ils me donnent la façon exacte de travailler, ce que je préfère, par rapport à la façon dont le pinceau est proposé par défaut. Je commence généralement par choisir une couleur dominante, puis je cherche d'autres couleurs qui peuvent bien fonctionner avec elle. Pour commencer, je veux un regard boueux pour l'arrière-plan. Je vais le remplir avec une couleur bronzée brunâtre, puis j'opte généralement pour ces gros pinceaux pour que je puisse le faire plus rapidement. Parce que je pars avec un fond boueux, les autres couleurs que je vais chercher vont aussi être boueuses. Je vais créer un autre calque. J'ai tendance à le faire pour que tous ces calques distincts aient couleurs différentes et qu'il soit beaucoup plus facile revenir en arrière et de modifier certaines choses si je ne les aime pas. Cela aide beaucoup si vous pouvez garder les choses plus organisées en couches. Ne passez pas par-dessus bord avec des calques car plus vous avez de couches, les choses deviennent trop compliquées et nous n'avons pas besoin cette complexité inutile lorsque travaillez sur nos photos. Une fois que j'ai verrouillé les grandes formes en arrière-plan, je commence par ajouter un peu d'ombres et de hautes lumières pour commencer à y ajouter des dimensions. Au début, je vais choisir une teinte bleutée ici et en utilisant le même pinceau, probablement réduire la taille et réduire l'opacité. J'ai cette photo de référence que je clique à cet endroit. Je voulais capturer cette lumière à cette époque, et c'était un R doré, juste avant le coucher du soleil. Il y avait cette belle lumière orangée qui rebondissait du mur. Je voulais apporter ce genre de sens à cette illustration. Je vais commencer par y ajouter une dimension prête en utilisant ces quelques traits. Ces coups, je ne suis pas très précis avec eux au départ parce que tout ce que je veux faire est de donner impression que cette surface n'est ni super lisse ni propre. La nature verticale de ces coups de pinceau indiquera également au spectateur qu'il s' agit de plaques très rocheuses. L'une des choses très cool que j'aime Procreate est le fait qu'il dispose d'une interface utilisateur très minimaliste et que ce panneau latéral est si facile à manipuler et change simplement la taille du pinceau ou l'opacité. Une fois que j' en ai fini de faire la texture du mur de roche à l'arrière et pas si propre, je vais commencer à utiliser la gouache lisse 1 pinceau ici, que je peux utiliser pour ajouter beaucoup de détails très rapidement et créez des formes plus petites qui ressembleront à des roches. J'ai également remarqué qu'il y a eu ces petits changements dans les couleurs des rochers et je veux également apporter ce look à cette image. Je suis allé avec un vert terne, qui est très ennuyeux. J'ajoute des coups aléatoires ici et là pour que ça ressemble davantage au dessous d'un énorme rocher. Je suis plutôt content de ce que j' ai maintenant pour la base de la structure rocheuse. Maintenant, je vais y ajouter beaucoup de lumière solaire. Pour cela, je vais créer un autre calque et je vais utiliser une couleur orange ici. Je ne veux pas qu'il soit super saturé car la lumière du soleil que je montre ici en ce moment n' est pas très nette à ce moment-là. Il est moins lumineux et a un ton plus rouge et orangé que jaune. Je vais chercher quelque chose entre eux et quelque chose qui n'est pas saturé au sommet , mais quelque part au milieu. Peut-être pourrais-je reprendre ce pinceau plus tôt, donc je peux faire ces patchs plus gros avec une meilleure vitesse. Ce que je cherche, c'est les surfaces qui regardent vers le Soleil. Je laisse de côté les zones dans lesquelles je veux avoir des ombres. Cela commence immédiatement à donner un niveau de contraste à l'image, puis commence à la rendre également dimensionnelle. Je m'assure que toute la palette de couleurs n'a pas l'air super saturée car cela peut paraître très amateur. Une autre chose est que si tout est au même niveau de saturation, l'œil du spectateur ne peut pas être vraiment dirigé. Avoir certaines pièces désaturées peut vraiment aider dans ce cas. Une fois que j'ai fini avec la partie dominante de l'arrière-plan, je commence par les autres parties plus petites. Je travaille sur l' herbe à l'arrière, ajoutant juste une sorte de texture pour donner à cette herbe séchée. Selon la nature de la lumière, je choisis les couleurs que je préfère pour les reflets et les ombres. Comme vous l'avez dû le remarquer ici, nous utilisons ici une grande source de lumière solaire, située près de la rue dorée, qui aura une influence jaune sur tous les points forts des objets. Pour ces points chauds, je prends cette couleur locale de l'objet. couleur locale est la vraie couleur d' un objet sans interférence de la lumière extérieure. Je prends cette couleur, qui est vert olive, puis j'ajoute plus de luminosité et de saturation. Si je déplace le sélecteur vers la droite, il ajoute de la saturation et si je déplace mon sélecteur vers le haut, il ajoute de la luminosité. J'ajoute un peu des deux et déplace probablement un peu plus l'utilisation vers le jaune. C'est ainsi que j'obtiens les reflets vifs de mon feuillage à l'arrière. Je les fais généralement très rapidement. Maintenant que j' ai fait ce gros buisson à l'arrière, j'ajoute juste un peu de réflexion parce que c'est un petit étang que je voulais montrer. Je n'utiliserai que les couleurs du buisson en haut. Une chose importante à retenir est que nous devons nous concentrer sur ce sur quoi nous voulons que notre public se concentre. Si vous souhaitez que le personnage soit le principal centre d' une illustration, l'arrière-plan doit comporter des détails moindres. La quantité de détails est un facteur de différenciation important entre les choses que le public examinera attentivement et ne regardera pas. Plus le détail est important, plus il attirera l'attention du spectateur. Dans le cas de cette illustration, je veux que ce personnage qui se fait traîner par ce chien de compagnie soit au centre de ses préoccupations. Je vais garder l' arrière-plan super simple, aussi simple que possible. J'ajoute cette texture ou tout simplement comme une variation de couleurs pour l'herbe au premier plan. Plus tôt, nous avons appris que si chaque couleur a également son côté frais et chaud. Si j'ai voulu faire quelque chose de chaud, je choisirai quelque chose comme ça, qui sera plus proche du jaune, mais je veux que cette partie de la scène soit dans l'ombre. Cette ombre est projetée par un autre mur de l'autre côté et c' est pourquoi la majeure partie de la lumière qui frappe dans cette partie va venir du ciel, qui est fortement influencé par bleu. C'est pourquoi je vais opter pour un vert légèrement plus frais et aussi désaturé, il a presque l'air gris donc je suppose que cela fonctionnera le mieux pour moi. J'aime bien la couleur que j'ai trouvée ici. Je vais commencer à travailler sur l'herbe entière et m'assurer que l'arrière-plan semble cohérent. Je me souviens que cette colline avait beaucoup d'arbres au sommet, donc je vais rapidement en dessiner quelques-uns. Je vais commencer par le même type de couleur sous-verte, encore une fois avec le pinceau plus petit. Maintenant que j'en ai fini avec les arbres, je suis plutôt content de l' arrière-plan que j'ai ici, mais j'aimerais vous montrer un outil très précieux. C'est quelque chose que je n'utilise pas constamment, mais je l'utilise définitivement si je veux modifier, disons, l'obscurité des paires de couleurs, la teinte ou la saturation. Vous pouvez commencer par effectuer une sélection sur une partie d'un calque, ou vous pouvez choisir cette couche entière pour effectuer cet ajustement. Vous pouvez accéder à ce menu, c' est-à-dire Réglages, puis utiliser la saturation et la luminosité. Vous obtiendrez ce panneau où vous pourrez régler ces trois éléments. Si je devais faire en sorte que ces arbres au sommet soient cool, alors je ferai passer ce curseur vers la droite, et maintenant ils semblent plus frais. Si je veux les rendre plus chauds, je déplacerai ce curseur vers la gauche et de la même manière. Si je veux le rendre plus sombre, je peux simplement utiliser cet outil. Si je veux le faire ressortir avec beaucoup de saturation, je peux en ajouter un tas de cette façon. Mais dans ce cas, je suis plutôt content de ce que j'ai, donc je n' utiliserai pas ces ajustements. Je vais juste les défaire en utilisant un simple toucher de deux doigts pour qu'il le ramène rapidement là où j'étais. Votre exercice pour cette leçon consiste à peindre votre arrière-plan et à réfléchir aux concepts que nous venons discuter de la couleur et de la lumière. Rappelez-vous que cet arrière-plan va être au service de l'histoire des personnages et ne devrait pas les dominer. 8. Colorier votre personnage: [MUSIQUE] Maintenant que j'ai l'arrière-plan prêt, je veux commencer à travailler sur la coloration de mes personnages. La première étape pour moi consiste à entrer dans les calques, puis à les sélectionner tous ensemble. Ce que je vais faire, c'est de les sélectionner en les faisant glisser avec le crayon , puis en les regroupant. Une fois que j'ai cela, je peux facilement les cacher et tout ce que j'ai, c'est le personnage sur lequel travailler en toute concentration. La première chose que je vais faire est de bloquer les formes. Je vais juste les remplir d'une couleur très plate. Maintenant, cette couleur n'est pas nécessairement la couleur finale souhaitée pour cette forme particulière ou une partie du personnage. C'est juste quelque chose qui vous aidera dans le processus. Je vais juste sélectionner teint de la peau et ensuite, à l'aide de ce pinceau plus petit, je vais marquer les formes. Maintenant, ce processus peut sembler très imposant car il faut que les bords soient nets et propres et que vous devez utiliser le même pinceau pour tout remplir. Ce que vous pouvez faire alternativement, c'est simplement marquer le contour en utilisant la forme encore plus nette du pinceau. Il suffit d'utiliser la taille du pinceau. Il suffit de faire glisser la couleur au milieu et de la maintenir enfoncée. Assurez-vous que le crayon supérieur ne quitte pas la surface et qu'il soit juste pour qu' il se remplisse sans inonder toute la toile. Vous remarquerez qu'il s'est correctement rempli, mais il reste encore quelques sections. Cela se produit parce qu' il y a beaucoup de changements dans l'opacité lorsque nous utilisons le pinceau. Nous pouvons simplement le remplir et nous assurer qu'il soit net et propre. [MUSIQUE] J'ai maintenant terminé le blocage de l'ensemble du personnage. C'est le moment idéal pour commencer à travailler sur les détails du visage. Je vais simplement zoomer et ensuite utiliser à nouveau le petit pinceau, je vais dessiner les détails de l'expression. Il s'agit de la dernière étape pour obtenir les détails corrects. Si vous n'êtes pas très satisfait de ce que vous avez, il suffit d'effacer et de dessiner ces détails car une fois que nous aurons terminé les personnages , nous finirons principalement avec l'illustration entièrement. J'ai maintenant complété tous les détails de leurs traits du visage. La prochaine étape consisterait à activer le groupe de fond. Vous pouvez voir cette contradiction entre le personnage qui semble super plat et l'arrière-plan assez détaillé par rapport à cela. La prochaine étape consisterait à entrer sur le personnage, puis à lui ajouter de la lumière et des ombres. ce faire, je sélectionne généralement calques particuliers sur lesquels je veux travailler, suffit de taper dessus, puis de dire « Alpha Lock ». La même chose peut également être faite en glissant simplement sur cette couche à l'aide de deux doigts à la fois. Cela peut également activer le verrouillage du canal alpha. En gros, chaque pixel est composé de quatre canaux. C'est le R, G, B et E. R signifie rouge, G pour vert, B pour bleu et A pour alpha. Alpha est donc un canal qui contrôle l'opacité de chaque pixel. Lorsque nous allumons le verrou Alpha, nous limitons toutes nos actions lorsque nous la peignons à la zone sur laquelle nous avons déjà une forme. Si je devais peindre quelque chose en plus de cela en utilisant cette couleur rouge vif, vous remarquerez qu'il ne peint que dans les limites de ce que j'ai déjà. C'est un excellent moyen de gagner beaucoup de temps. Maintenant que nous savons ce qu'est Alpha Lock, je peux commencer à vous montrer comment j'allume le personnage. La première chose que je fais est de passer chaque couche où j' ai des morceaux du personnage, puis d'activer ce verrou Alpha, donc je n'ai pas à m'en inquiéter plus tard. Maintenant, si vous regardez cette scène que nous avons construite, c'est que la lumière du soleil vient de derrière le spectateur, et c'est juste jeter de la lumière sur sa tête et peut-être juste son haut du torse, mais la plupart de cela une autre section va se trouver dans l'ombre. Étant dans l'ombre, cela ne fera que s' allumer cette nouvelle lucarne alors que cette pièce aura beaucoup plus de chaleur et de luminosité. C'est la partie où je vais m'amuser beaucoup et ajouter beaucoup de dimensionnalité à ces personnages. Ce que je vais faire, c'est juste choisir la couleur locale que j' ai créée pour le personnage, je sens que tout est trop cool et trop bleu, je pense pouvoir y ajouter un peu plus de brillance et d'obscurité. Je vais juste prendre ce pinceau plus gros et la remplir. J'opte pour une couleur légèrement tamisée et plus foncée que lorsque j'ajoute de la lumière cela fasse briller ces pièces. La prochaine étape consiste à ajuster la couleur locale que j'ai. Je ne fais que choisir la couleur que j'ai. Je me dirige vers les jaunes et j'y ajoute beaucoup plus de luminosité. Essayons ça. Oui, je pense que c'est joli. Ça donne une sensation de lumière qui lui tombe dessus. En règle générale, lorsque nous avons affaire à l'entrée des magasins, nous devons avoir des ombres très nettes. Mais dans ce cas, la lumière n'est pas si nette. Ok, maintenant que j'ai ces points forts, je vais choisir la couleur locale , puis ajouter un peu d'ombres. Maintenant, il y a cette simplification que parfois les gens font, que les ombres doivent toujours être fraîches et que les points forts doivent toujours être chauds, mais ce n'est pas vraiment vrai. Cela dépend entièrement des couleurs qui se trouvent dans l'éclairage à ce moment même. Dans ce contexte, les ombres ne recevront que de la lumière du puits de lumière au-dessus. Je vais toujours y aller avec des ombres bleues. Je vais le déplacer légèrement vers le bleu, puis y ajouter un peu d'obscurité, probablement même une certaine saturation. Ensuite, je vais presque commencer à sculpter autour du personnage pour qu'il commence à avoir l'impression d' avoir une troisième dimension. Je pourrais simplement passer au pinceau plus petit pour faire quelques détails. Vous pouvez également travailler sur n'importe quel type de chute dans les vêtements et de sorte qu'il commence à se sentir encore plus tactile. Parfois, j'ai envie de faire cette transition d'un point culminant au milieu. Dans ces cas, je ne peux utiliser cet outil intelligent qu'avec ce pinceau acrylique humide ou vous pouvez choisir n'importe quel autre pinceau et voir ce qui vous conviendrait le mieux. J'ai beaucoup d'expérience dans le travail de l'acrylique, et j'ai cette texture. J'adore vraiment ça, mais c' est un choix très personnel. Je vous recommande vivement d'essayer différents pinceaux et de voir ce qui vous parle le mieux. [MUSIQUE] Maintenant que j'ai terminé le personnage principal, c'est-à-dire le propriétaire de l'animal, je vais travailler sur le chien ici. Je vais commencer par sélectionner la couleur locale que j'ai sélectionnée précédemment. Assurez-vous que le verrou du canal alpha est activé , puis commencez à peindre sur le dessus. [MUSIQUE] Maintenant que j' ai le reste de l'éclairage du personnage prêt, je sais exactement sur quoi je peux me concentrer. Je veux m'assurer que son visage reçoive beaucoup de la lumière du soleil sur laquelle j'ai travaillé, autour du haut de son corps. Pour donner ce sentiment, je vais commencer par le peindre dans une couleur plus chaude et plus saturée. Cela peut paraître légèrement anormal, pour commencer, parce que personne n'a l'air d'une nuance brillante de jaune-rouge pâle, mais une fois que je mettrai dans l'ombre, il sera très clair ce que j'essaie de réaliser ici. Maintenant, je vais opter pour une teinte plus foncée et rougeâtre. Ensuite, je vais activer mon calque de dessin contre juste à une très faible opacité afin qu'il puisse me guider à travers le reste. Je vais travailler à ajouter ces tons moyens et ces ombres. Maintenant, je vais ajouter quelques ombres pour montrer où se trouve le nez. Mais nous montrons aussi un peu les détails de l'oreille. Vous remarquerez maintenant soudainement que le personnage se sent un peu plus dimensionnel parce que le visage manquait cela plus tôt. Maintenant, je vais juste ajouter un peu de noir au milieu des yeux. Ce que vous pouvez faire pour rendre cela beaucoup plus facile, c'est que vous pouvez créer des formes d'yeux blancs, puis créer les yeux. Mais pendant ce temps, il suffit d'allumer le masque de détourage. Lorsque vous activez le masque d' écrêtage sur le calque, le calque au-dessus de cette grande forme large que vous avez le limite et verrouille tout ce qui se trouve dans cette forme inférieure. C'est un très bon conseil à utiliser lorsque vous voulez faire les choses plus rapidement. Maintenant, à ce stade, j'ai l'impression que l'arrière-plan est déjà terminé à 80 %, mais je cherche toujours des choses que je peux améliorer et améliorer une fois que j' ai le personnage en place. Je viens de remarquer que les reflets sur les rochers à l'arrière ne sont pas assez brillants et saturés. Ce que je vais faire, c'est revenir dans le groupe de calques en arrière-plan, chercher les surlignements. Heureusement, je les avais gardés dans une couche distincte. C'est là que des couches séparées sont vraiment utiles. Ce que je vais faire, c'est juste le dupliquer et immédiatement la pop profonde maintenant. Je les aurai légèrement transparents pour qu'ils ne soient pas trop brillants. Je pense que c'est bien mieux qu'avant, non ? Je viens de remarquer que j'avais complètement oublié d'ajouter des ombres sous les personnages. Ce que je vais faire maintenant, c'est juste mettre une couche supplémentaire sur la couche d' herbe , puis de les recouvrir rapidement avec une couleur plus foncée. Permettez-moi maintenant de vous dire quelque chose sur bureau de dessin numérique que nous n'avons pas de médias internationaux pour la peinture, et c'est les modes de fusion de calques. Si vous créez un nouveau calque, si vous appuyez sur « N », vous remarquerez que « N » était normal. Il existe de nombreux modes de fusion de calques différents. Permettez-moi de vous montrer rapidement un et ensuite vous pourrez expérimenter avec les autres. Je vais vous montrer la superposition aujourd'hui. C'est celui que j' utilise assez fréquemment. Si je l'allume pour ce calque, je vais choisir une couleur brillante, surtout quelque chose autour du jaune. Ensuite, à l'aide de ce petit pinceau, je vais ajouter quelques reflets à ses cheveux. Mais il est important de ne pas faire trop et de l'utiliser excessivement parce que c'est quelque chose qui doit être utilisé avec beaucoup de parcimonie, donc tout ne commence pas à paraître super brillant et vibrant. Maintenant que j'ai fait tout ce que je voulais faire dans cette illustration, je vais ajouter un peu des tireurs de points qui conservent un peu plus de contraste. La façon dont je l'aborde, c'est que je prends généralement tous les calques , puis je les fusionne en utilisant ce geste en une seule couche plate. Mais soyez très prudent, assurez-vous d'avoir une copie dupliquée de votre fichier afin que vous puissiez toujours revenir à votre fichier et apporter des modifications si vous le souhaitez. Je vais dans le panneau de réglages, puis j'utilise des courbes. Dans les courbes, vous verrez cet histogramme et vous pouvez ajuster les ombres et les hautes lumières, ainsi que les tons moyens. Ce n'est qu'un graphique, vous pouvez tracer n'importe quel point, puis modifier et déplacer les choses. Si je veux rehausser les points forts, je pourrais simplement tracer un point ici et les augmenter. Mais ce n'est pas ce que je veux car ça va commencer à paraître très délavé. Je vais simplement le supprimer. Je vais faire un point près de l'ombre, puis je le baisserai légèrement. Je pense que j'adore ce que j'arrive ici, il est important de se rappeler que tu ne devrais pas trop faire ça aussi. Je pense que j'en ai fini avec cette illustration et j'en suis plutôt content. Votre exercice pour cette leçon consiste à ne pas peindre vos personnages et à les intégrer de manière cohérente à l'arrière-plan. N'oubliez pas que vous pouvez toujours revenir en arrière-plan si vous sentez qu'il manque un certain nombre de détails, puis simplement l'ajouter, vous aurez une image bien meilleure de cette façon. [MUSIQUE] 9. Réflexions finales: [MUSIQUE] Félicitations. Merci d'avoir suivi ce cours avec moi. J'espère vraiment que vous aurez appris quelques choses que vous voudrez peut-être appliquer à votre prochain projet. Bien sûr, partagez votre projet dans la galerie de projets et j' aimerais y jeter un coup d'œil. Vous pouvez me trouver sur Instagram sur [inaudible] et vous pouvez également consulter [inaudible] Row et Jack. Merci beaucoup d'avoir participé à ce voyage.