Transcription
1. À propos de ce cours: Selon les personnes que vous demandez, couleur est soit la partie la plus excitante
du processus d'illustration, soit la plus terrifiante. Je suis l'une de ces personnes qui se sent comme la couleur est la partie la plus excitante du processus d'illustration, surtout, parce que je suis un illustrateur de la nature, vous obtenez le travail amusant de créer des illustrations qui parlent toujours avec le vrai esprit de l'animal que j' illustre, mais j'ai aussi l'occasion d'être un peu ludique avec la couleur afin que j'apporte ma propre voix artistique unique dans la pièce aussi. C' est vraiment amusant d'équilibrer une fois que vous en aurez le coup, une fois que vous aurez dépassé cette partie de la terreur de la couleur qui approche. Une des choses qui va rendre
la partie colorante d'illustrer beaucoup plus facile est juste d'avoir une compréhension de base
d'une théorie des couleurs et d'avoir une compréhension de base de la façon dont des choses comme la saturation et la valeur vous aideront créer une illustration forte. C' est ce que nous allons apprendre dans cette classe. Ce cours va être enseigné dans Photoshop, mais vous pouvez vraiment utiliser n'importe quelle application d'art numérique que vous voulez. Je vais passer par le processus de juste vous montrer comment je choisis les couleurs d'une photo de référence, comment j'ajuste ces couleurs en fonction de ce que je connais de la théorie des
couleurs afin de pouvoir créer une palette de couleurs plus agréable pour commencer. Ensuite, je vais utiliser cette palette pour colorer l'oiseau que j'ai dessiné. Ensuite, je vais prendre cette même palette à tout un tas de mixage
numérique des couleurs et trouver
une palette secondaire que je vais utiliser pour l'arrière-plan de l'illustration. En fin de compte, je vais vous montrer quelques derniers trucs et astuces que j'utilise tout le temps quand j'ai besoin d'ajuster les couleurs sur mes illustrations de la nature. Ce sera vraiment amusant si vous êtes prêt à être ludique et confiant avec votre couleur. Passez à la première vidéo et commençons.
2. Les bases de la théorie des couleurs: Commençons par revisiter une théorie de base des couleurs. La plupart d'entre nous l'ont appris quand nous étions enfants et certains d'entre vous ont revu les concepts de l'école d'art. Mais quand avez-vous vraiment pensé à la théorie des couleurs pour la dernière fois ? Faisons juste un rafraîchissement rapide. Maintenant, il y a des tonnes de cours, de tutoriels et de livres qui vont profondément dans la théorie des couleurs, et cette leçon n'est pas cela. Ceci est juste un rappel rapide avant de
passer à travailler avec la couleur parce que nous allons
penser à certaines de ces bases de la théorie des couleurs pendant que nous travaillons sur une illustration de la nature. C' est une roue de couleur. Il est divisé en vos couleurs primaires, qui sont le rouge, le bleu et le jaune. De nos jours, les primaires sont parfois définies comme cyan, magenta et jaune. Quelle que soit la version des primaires que vous choisissez d'utiliser dépend vraiment d'un tas de facteurs, mais pour cette classe, je vais juste rester avec le rouge classique, bleu et jaune. L' étape suivante, nous avons les couleurs secondaires, qui sont le vert, l'orange et le violet. Vous obtenez ces couleurs en mélangeant les couleurs primaires ensemble. Le rouge et le bleu font un violet, jaune et le bleu font vert, et le rouge et le jaune font orange. L' étape suivante, vous commencez à mélanger vos couleurs primaires et vos couleurs secondaires et vous commencez à obtenir des couleurs tertiaires. Ils sont jaune-orange, rouge-orange, rouge-violet, bleu-violet, bleu-vert et jaune-vert. Maintenant, les couleurs que vous voyez sur la roue de couleur sont 100 % teinte pure ou couleur. Ces mots sont interchangeables, teinte et couleur. Vous n'allez pas souvent utiliser ces sélections de teintes pures spécifiques à 100 % dans vos illustrations, mais vous allez plutôt utiliser des tons, des teintes et des teintes. Si vous mélangez le blanc avec une couleur pure, vous obtenez une teinte. Si vous mélangez le noir avec une couleur pure, vous obtenez une nuance, et si vous mélangez le gris avec une couleur pure, vous obtenez un ton. Honnêtement, la terminologie n'est pas très importante, alors ne vous laissez pas enliser avec elle. Gardez simplement à l'esprit que vous pouvez mélanger le blanc, le noir ou le gris pour changer la couleur avec laquelle vous travaillez en quelque chose de moins de 100 % de teinte pure. Pour ce cours, nous travaillons numériquement et je vais travailler dans Photoshop, mais vous allez avoir un sélecteur de couleurs similaire, quelle que
soit l'application d'art numérique dans laquelle vous travaillez. Si c'est Procreate ou Photoshop ou Illustrator ou Affinity, peu importe, vous allez avoir une situation de sélecteur de couleurs similaire. On va travailler numériquement. Nous allons mélanger nos couleurs numériquement, alors jetons un coup d'œil à disposition de base du sélecteur de couleurs dans Photoshop, et à l'endroit où vous allez mélanger ces teintes, nuances et tons. Dans le coin supérieur droit de notre sélecteur de couleurs, ce sera la version la plus pure de la couleur que nous avons choisie. J' ai choisi le rouge, et vous pouvez voir ici j'ai cette petite boîte d'avertissement,
et cette boîte d'avertissement me permet de savoir que la couleur que j'ai sélectionnée est hors de gamme pour l'impression. Si je fais de l'art pour le livre d'un enfant ou des cartes de vœux ou un certain nombre d'autres choses, cela me permet de savoir que cela ne va pas bien imprimer, si elle imprime sur papier ou un produit ou autre. Je peux en fait simplement taper ceci et cela me conduira à la version corrigée de la couleur qui se trouve dans la gamme d'impression. C' est juste une chose amusante à savoir, mais parlons de la façon dont nous pouvons faire un mélange de base de couleurs en faisant nos teintes, nos nuances et nos tons. Si nous prenons simplement cette couleur et la déplacons vers la gauche sur notre sélecteur de couleurs, nous ajoutons du blanc. Chaque fois que nous allons plus loin vers la gauche, nous ajoutons plus de blanc avec le rouge, comme si nous mélangions de la peinture, et c'est ainsi que nous créons nos teintes. Si on va jusqu'à gauche, bien sûr, on aura 100 % de blanc. Maintenant, si nous retournons dans le coin droit, revenons à notre rouge pur 100 %, maintenant si
nous descendons, nous allons mélanger le noir à ça, et comme nous mélangeons le noir, nous allons créer un ombre. Encore une fois, le libellé de ceci n'est pas super important. Il est juste important de savoir que si vous tirez votre sélecteur de couleurs vers le bas, vous mélangez du noir jusqu'à ce que vous arriviez à ce noir riche dans le coin inférieur droit. Maintenant, si nous remontons vers le haut, à notre couleur rouge vif, au lieu d'aller tout droit, si nous commençons à le tirer aussi vers le bas, nous mélangeons un peu de gris avec notre rouge et nous commençons à arriver à un peu plus de ces couleurs neutres à la place. C' est juste un aperçu de base rapide du mélange en blanc et noir et gris avec les couleurs. Maintenant, vous pouvez réellement aller un peu plus loin à ce sujet, vous pouvez réellement changer votre configuration par défaut. La couleur par défaut est la teinte, qui est la couleur que vous sélectionnez, vous pouvez également la changer en saturation. Vous aurez juste un curseur de saturation ici qui vous
permet de rendre vos couleurs plus ou moins saturées, ce qui est la même chose que vous faites si vous tirez votre couleur vers la gauche sur l'échelle de luminosité de saturation de teinte, vous ajoutez juste le blanc dedans. Ensuite, vous pouvez également ajuster votre luminosité trop simplement en utilisant le curseur, qui va encore ajouter du noir, et cela va rendre tout un peu plus sombre. Si vous le voulez, vous pouvez gâcher avec le mélange, et dire que vous voulez ajouter un peu de ton vert à votre rouge, sorte que vous pouvez essayer que si vous voulez y ajouter un peu de bleu, vous pouvez utiliser les curseurs pour essayer cela. Il y a une tonne de choses que vous pouvez faire en utilisant ce sélecteur de couleurs. Mais si vous vous sentez super submergé par tout ça, ne vous inquiétez pas parce que vous n'en aurez pas nécessairement besoin. C' est juste quelque chose que vous pouvez utiliser pour
jouer et explorer un peu avec votre couleur. Tant que vous savez que dans le coin supérieur droit est votre couleur pure, lorsque vous faites glisser dessus, vous ajoutez du blanc, faites glisser vers le bas pour ajouter du noir, ou faites glisser à un angle pour ajouter du gris, vous êtes prêt à partir. Ensuite, si vous faites de l'art pour l'impression, gardez
juste un œil sur cette petite gamme d'avertissement ici qui vous dira quand vous utilisez une couleur qui ne va pas se répliquer quand elle est imprimée. Je sais que le sélecteur de couleurs Photoshop rend la vie vraiment facile et mélanger les couleurs numériquement rend la vie vraiment facile. Mais je recommande vraiment d'acheter une roue de couleur artiste comme une roue de couleur physique réelle, ou d'en faire une. Si vous ne voulez pas en acheter un, prenez du papier,
des marqueurs, ou de la peinture, devenez fou. simple fait d'avoir une référence tactile rapide pour choisir couleurs fait une telle différence quand il s'agit de ne pas se sentir submergé par la couleur, et vous serez en mesure de choisir facilement des couleurs harmonieuses de cette façon. C' est en fait ce dont nous allons parler dans la prochaine leçon. Passez à la vidéo suivante et allons de l'avant et commençons avec ça.
3. Harmonie des couleurs: Maintenant que nous avons fait la version rapide de la théorie des couleurs de base, faisons la version rapide des harmonies de couleurs. Les schémas de couleurs monochromatiques sont basés sur une teinte spécifique, une seule teinte. Pour cette raison, ils sont très cohésifs. Pour ce schéma de couleurs, vous choisirez une couleur comme les violettes bleues
, puis vous pouvez choisir n'importe quel nombre de teintes,
nuances et tons de cette couleur pour créer votre propre palette. Même si vous commencez avec une seule couleur, vous pouvez vraiment créer une large palette en utilisant tous les tons, les teintes et les nuances. Les schémas de couleurs analogues sont constitués de trois couleurs qui sont assis les unes à côté des autres sur la roue de couleur, comme le jaune, le vert et le jaune-vert. Maintenant, avec toutes les harmonies de couleurs, vous allez utiliser une variété de nuances et de tons tendus. Pour cet exemple, peut-être que vous choisirez le jaune-vert comme couleur la plus saturée, votre couleur la plus pure. Ensuite, vous pouvez ajouter un peu de blanc au jaune et au vert pour trouver quelques autres options de couleurs variées qui ne sont pas 100% pures. Les schémas de couleurs gratuits sont basés sur deux couleurs qui sont assis les unes en face de l'autre sur la roue de couleur, comme mes favoris, le bleu et l'orange. Encore une fois, vous pouvez utiliser des nuances et des tons tendus pour construire votre palette de couleurs. Donc, bien que vous commenciez avec juste le bleu et l'orange, vous pouvez réellement créer une palette de couleurs qui ressemble à ceci. Vous pouvez voir qu'il y a une tonne de flexibilité dans ce domaine. Split schémas de couleurs gratuits disposent d' une couleur plus une couleur de chaque côté de son complément. Pour revenir à notre bleu, nous savons que le compliment est orange. Pour trouver cette scission gratuite, les couleurs vont être de chaque côté de l'orange. Dans ce cas, notre schéma de couleurs complémentaires fractionné sera bleu, rouge-orange et jaune-orange. Les schémas de couleurs triadiques sont réalisés en utilisant des couleurs espacées à des distances égales sur la roue de couleur formant un triangle. Vous trouverez ici quelques combinaisons de couleurs classiques comme le bleu, rouge et le jaune, ou le violet, le vert et l'orange. Enfin, les schémas de couleurs tétradiques ne sont que deux paires gratuites organisées ensemble. Ceux-ci forment un rectangle sur la roue de couleur. Un exemple de cela serait le bleu et l'orange, et le violet et le jaune. Rappelez-vous que vous n'
utiliserez probablement pas les couleurs pures que vous commencez avec lorsque vous regardez la roue des couleurs, vous jouerez avec votre valeur et saturation et obtenez ces tons, teintes et nuances. Donc toutes les couleurs ne se battent pas hardiment pour la suprématie dans votre illustration. Passez à la vidéo suivante. Avant de parler plus de la couleur, je veux vous montrer quelques inspirations auxquelles je vais penser que je travaille sur l'illustration de ce cours.
4. S'inspirer: Avant de commencer, je veux vous faire découvrir certaines choses que je trouve particulièrement inspirantes quand je pense à la couleur. Je vais vous montrer quelques illustrateurs de livres pour enfants dont j'
aime vraiment le travail du milieu du siècle et aussi des années 70 et 80, puis je vais vous montrer quelques illustrations d'oiseaux que je trouve aussi très inspirantes. Je commence par le travail de Brian Wildsmith. Brian Wildsmith est un illustrateur de la nature et un illustrateur de livres pour enfants, et son travail était tellement audacieux, coloré, texturé et magnifique. C' est l'un de mes morceaux préférés de ses et si vous connaissez mon travail, vous savez que j'aime une palette gratuite bleue et orange et cela est vraiment construit sur cela. Vous avez votre beau ciel bleu et ensuite nous avons certains de ces beaux tons orange dans le renne qui se répètent dans le troupeau. C' est tout simplement vraiment magnifique, juste un exemple vraiment réussi d'utiliser une palette de couleurs limitée d'une manière qui est toujours vraiment variée, superposée et belle. Jetons un coup d'oeil à l'exemple suivant. Ensuite, nous avons Eric Carle, qui je pense que son travail est connu par presque tous ceux qui ont déjà vu un livre pour enfants. Ce n'est pas la chenille très affamée. C' est juste son livre d'animaux. Je voulais vraiment vous montrer cette magnifique pièce d'aigle juste ici, qui est avec des palettes de couleurs monochromatiques. Mais c'est tellement vivant et superposé et magnifique. Si vous avez l'impression de vous limiter en
choisissant seulement une ou deux couleurs, vous ne l'êtes pas vraiment. C' est un lieu de départ, et puis vous construisez dessus et créez quelque chose de magnifique et vivant comme celui-ci. Ensuite, nous avons Seasons de John Birmingham. C' est évidemment un livre sur les saisons. C' est un de mes spreads préférés. C' est l'une des saisons de l'automne et j'ai l'impression qu'il a fait un si beau travail, juste capturer la lumière d'une journée d'automne, il y a des récoltes et vous êtes dans la forêt. Nous avons tous ces beaux jaunes, les oranges
et les bruns, et ensuite quelques verts aussi. C' est juste une très belle utilisation d' une palette de couleurs analogue où toutes les couleurs sont trouvées les unes à côté de l'autre sur la roue de couleur. C' est très harmonieux, très texturé, vraiment magnifique. Bien sûr, je ne peux pas vous laisser sans partager une illustration d'oiseau, une inspiration de couleur. C' est dans un livre plus grand intitulé L'art de l'oiseau et il célèbre 40 artistes d'oiseaux différents. Je veux juste vous montrer très rapidement le travail de James Lansdowne. Les couleurs sont si magnifiques. Vous pouvez voir ici comme dans cette illustration de pinsons de bol, il fonde ses illustrations sur la nature, sur le pinson de bol et les couleurs réelles, puis construit le reste de l'illustration autour de ces couleurs. C' est ce qu'on va faire dans cette classe. Nous allons prendre ce que nous savons, c'
est-à-dire les couleurs d'un oiseau, puis nous allons
construire le reste de l'illustration à partir de ces couleurs. C' est vraiment beau et cohésif. Alors bien sûr, c'est l'un de mes favoris. Les couleurs de cet oiseau sont tellement merveilleuses et c'est une pop magnifique contre
les couleurs plus neutres de l'oiseau femelle et les arrière-plans. C' est vraiment magistral comment ces couleurs se distinguent de tout ce qui se cache derrière elle. Mes amis, j'espère que vous avez apprécié juste un petit coup d'œil à inspiration de couleur et j'espère vraiment que vous prendrez un
peu de temps pour regarder quelques illustrations du passé pour gagner un peu d'inspiration couleur pour votre propre travail. D' accord. Passez à la prochaine vidéo et nous allons vraiment plonger dans l'utilisation de quelques couleurs dans une illustration.
5. Explorer la saturation: D' accord, alors explorons un peu de saturation des couleurs. Maintenant, une erreur que les nouveaux illustrateurs ou illustrateurs
numériques ont tendance à faire est d'utiliser des couleurs trop saturées. Fondamentalement, vous choisissez la version 100 % pure de la couleur au lieu d'utiliser une teinte ou une nuance ou un ton. C' est vraiment drôle parce que nos yeux nous diront qu'une grenouille est verte, alors bien sûr nous choisissons le vert le plus vert pour exprimer cela. C' est ce que notre cerveau pense être correct, mais la réalité est que très peu de choses dans le monde naturel se produisent à la couleur la plus saturée, et même si elles le font, nous n'avons pas nécessairement besoin de les illustrer de cette façon, surtout si nous faisons de l'art qui sera imprimé dans des livres ou sur des produits, parce que les couleurs les plus saturées comme ce rouge vif ne sont pas en fait reproductibles dans les impressions. Nous devons toujours garder cela à l'esprit en tant qu'artistes de la nature. Maintenant, pour démontrer ce point exact, jetons un oeil à cette photo de cette grenouille d'arbre vert vif. abord, faisons quelques suppositions sur couleurs
que nous pourrions utiliser pour illustrer cette grenouille, et je vais aller un peu par-dessus bord avec ça. Ce que je cherche, c'est un beau vert, ressemble à un rougeâtre, un bleu et un jaune. Je vais juste éteindre ça, et je vais juste le faire à partir de ma mémoire, je vais juste utiliser mon sélecteur de couleurs, et voir si on peut obtenir des couleurs décentes. Vous pourriez choisir cette couleur vert vif. Encore une fois, je vais vraiment passer en haut avec ça, alors gardez ça à l'esprit. Laisse-moi prendre un pinceau, et allons juste griffonner dans quelques couleurs ici, et ensuite j'ai besoin d'un rouge. C' est un rouge-orange, retirez-le un peu,
rouge-orange, et puis j'ai aussi besoin de prendre un jaune. Le jaune n'était pas très brillant, donc je pourrais peut-être avoir celui-là. Ensuite, nous avons aussi besoin d'un bleu, donc nous allons juste choisir un bleu, et vous voyez, je vais vraiment pour quelques couleurs seulement saturées ici et je peux dire en regardant cela que ce n'est pas correct. Cela va être amusant de voir quelles sont les bonnes couleurs. Maintenant, je vais utiliser mon outil pipette, et je vais retirer les couleurs exactes de zones spécifiques que je peux utiliser pour mon illustration. Je veux commencer par ce vert, qui est un peu plus sombre que ce que je pensais. Allons ici, et allons simplement gribouiller ce vert, et vous pouvez déjà voir la différence entre ce vert que j'ai deviné et ce vert qui est la réalité. C' est plus une couleur sourdine, et quand on la tire vers le haut dans notre sélecteur de couleurs, on voit qu'il y a du noir mélangé avec ce ton vert vif. C' est définitivement tonifié. Le prochain que nous voulons attraper est ce rouge-orange du pied, et il est aussi dans les yeux. C' est une grenouille aux yeux rouges, mais c'est un peu rouge-orange. Maintenant, pour celui-ci, c'est en fait presque une couleur pure de la photo, mais nous allons rencontrer un problème que ça va être hors de gamme. Je vais juste aller de l'avant et juste changer ça à la version tonique vers le bas afin que, pendant que
je fais mon art, je sais que je fais quelque chose qui va être imprimé, qui n'aura pas une tonne de changement de couleur qui va me rendre Super triste. Ensuite, prenons cette couleur jaune, que j'ai senti comme si j'étais le plus proche, mais regardez la différence entre ces deux-là. Ce jaune qui est en fait sur la photo a un peu plus de gris mélangé avec
elle, ce n'est pas aussi pur d'une teinte. Alors le dernier que nous devons attraper est le bleu, et prenons juste ici. Encore une fois, regardez notre différence. Ce bleu a en fait un peu de vert mélangé avec lui. On dirait que c'est plutôt un bleu-vert, et c'est un peu plus bas sur notre sélecteur de couleurs. Sur le côté gauche, est ce que j'aurais deviné que les couleurs étaient dans cette grenouille, puis sur le côté droit est ce que les couleurs sont réellement dans cette grenouille. C' est un exercice vraiment amusant à faire avec les photos afin que vous puissiez vraiment voir les relations de couleur entre les différentes couleurs d'une photo, surtout si vous travaillez sur une illustration de la nature. C' est vraiment important pour comprendre ces relations. Il est important de comprendre que ce n'est pas parce que nous pensons qu'une grenouille est le vert le plus brillant , cela
ne signifie pas
que A , c'est vrai, et B, si c'est vrai, cela ne signifie pas que nous devons l'illustrer dans cette couleur. Si je dessine la grenouille en utilisant ces couleurs sur la droite, il va toujours avoir l'air éclatant et beau raison des relations entre les couleurs, alors que cela aurait l'air assez criard, il serait au-dessus du haut à la fin. C' est une pratique vraiment amusante. Vous pouvez le faire avec des photos, et vous pouvez également le faire avec des illustrations. Si vous êtes curieux de savoir comment un autre artiste, un peintre ou un graphiste a utilisé la couleur, prenez une image, insérez-la dans Photoshop ou Procreate ou autre, et utilisez votre outil pipette pour explorer les couleurs. Voir quelles couleurs ont été utilisées, voir comment elles sont saturées, comment elles sont désaturées, vraiment acquérir une compréhension plus profonde de la façon dont les couleurs fonctionnent dans certaines de vos œuvres d'art préférées et je pense que vous serez vraiment surpris par certaines des choses que vous découvrirez. Passez à la leçon suivante, et nous allons parler de l'exploration de la valeur.
6. Explorer la valeur: Dans cette vidéo, nous allons explorer la valeur. C' est une autre erreur courante dans l'utilisation palettes de
couleurs et non pas qu'ils n'ont pas beaucoup de variation de valeur, ce qui rend une image vraiment plate et ennuyeuse. Toutes les parties de l'illustration qui ont tendance à avoir des problèmes de valeur ont tendance à se fondre ensemble. Rien n'attire vraiment l'œil dans l'illustration ou autour de l'illustration. C' est juste plat et juste. La valeur est la lumière ou l'obscurité d'une couleur. C' est à quoi ressemble une échelle de valeur de la couleur la plus claire, qui est blanche à la couleur la plus sombre, qui est le noir. Encore une fois, cela peut être délicat lorsque nous utilisons la couleur parce que parfois la couleur rend la valeur difficile à discerner. Voici un exemple de deux couleurs qui semblent très différentes. Mais lorsque nous les convertissons en niveaux de gris et que nous voyons les valeurs, nous voyons qu'elles sont exactement la même valeur. Si je faisais une illustration avec ces deux couleurs, rien ne se distinguerait vraiment. Tout ressemble, il est là. Vous pouvez également utiliser la valeur pour diriger l'œil autour d'une illustration pour montrer vraiment au spectateur où il doit faire attention. Vous pouvez également l'utiliser pour définir des zones de l'illustration telles que le premier plan, le milieu du sol et l'arrière-plan. Voilà à quoi ça ressemble. Un moyen très rapide de vérifier vos valeurs dans n'importe quelle application d'art numérique est simplement de créer un nouveau calque, remplir de noir, puis de changer votre mode de fusion en saturation. Maintenant, vous allez tout voir en niveaux de gris. C' est une illustration que j'ai faite. Si je voulais vérifier si les valeurs sont trop proches les unes des autres parce que peut-être je crains qu'il ne lise pas vraiment bien, je peux juste aller de l'avant et activer ma couche de saturation noire. Maintenant, je peux tout voir en niveaux de gris. Vous pouvez voir ici que j'ai tout au premier plan dans les valeurs les plus sombres. Ensuite, lorsque nous revenons à l'illustration, vous obtenez vos valeurs intermédiaires, puis vous obtenez vos valeurs plus légères comme arrière-plan. Maintenant, si j'ai cette illustration avec des valeurs sombres pour les feuilles
et les tiges, et puis j'ai aussi eu une couleur vraiment sombre en arrière-plan, tout va juste se blob ensemble et rien ne va vraiment se
démarquer et laisser le lu de façon précise pour le spectateur. Jetons un autre coup d'oeil à ça. Ceci est un concept d'art pour Sleeping Beauty et ceci est par Eyvind Earle qui est incroyable avec des valeurs. Même astuce, je vais faire un nouveau calque et nous allons le remplir avec du noir, alors je vais juste échanger ça en saturation et il est converti en niveaux de gris maintenant. Vous pouvez voir à quel point cette illustration est belle, parce que tout ce qui est dans la zone de premier plan ici est des valeurs sombres. Nous avons quelques arbustes de valeur sombre juste ici au milieu
du terrain, puis tout ce qui est en arrière-plan est plus léger. Votre œil est vraiment juste tombée à travers cette illustration et est ensuite attiré vers le château à cause de ce sont quelques-unes
des valeurs plus légères dans l'illustration entière. C' est vraiment un succès. Encore une fois, tout comme le truc de la pipette est une très bonne chose à pratiquer. Si vous voulez voir comment d'autres illustrateurs utilisent la valeur, consultez ceci. Parfois, vous seriez surpris qu'ils n'utilisent pas très bien les valeurs. Parfois, vous serez surpris qu'ils soient vraiment intelligents avec eux et les utilisent pour guider votre regard autour des illustrations. Vous pouvez également le faire avec vos photos de référence. Si vous dessinez un paysage ou quelque chose comme ça et que vous ne savez pas quelles devraient être les parties les plus sombres de vos illustrations et quelles devraient être les valeurs les plus claires de votre illustration, prenez une photo, ajoutez ce calque noir dessus et convertissez-le en saturation, puis vous pouvez voir où vos valeurs les plus sombres et les plus légères
devraient être si vous dessiniez quelque chose de similaire à ce paysage ou autre. C' est un autre truc vraiment amusant à avoir dans votre ceinture d'outils d'apprendre à être à l'aise avec la couleur. Dans la vidéo suivante, je vais vous emmener à travers mon processus de
création d' une palette de couleurs pour une illustration de la nature. Continuez à cette leçon et commençons.
7. Couleur inspirée de la nature: Maintenant que vous connaissez les bases de la théorie des couleurs et de l'
harmonie des couleurs ou que vous saviez probablement déjà ces choses, mais que vous avez eu un peu de recyclage, nous allons travailler à travers une illustration et appliquer une partie de cette connaissance des couleurs. Je suis illustrateur de la nature. J' aime dessiner des oiseaux et des animaux et tout ce qui vient du monde naturel. Nous allons dessiner un oiseau aujourd'hui. Maintenant, je me mets au défi de dessiner un oiseau que je n'aime pas habituellement dessiner, parce que je n'aime pas les couleurs de celui-ci. Mais je vais utiliser un peu de théorie des couleurs, et je vais vous montrer comment ça marche. Si j'avais une mission d'illustration pour cet oiseau, je devais trouver comment rendre les couleurs harmonieuses même si je ne pense pas particulièrement que cette photo de référence sur cet oiseau soit les plus belles couleurs du monde. Voici le croquis à partir duquel je travaille. C' est juste un croquis super simple de cette bruanterie peinte, et puis j'ai du feuillage au premier plan, au milieu et à l'arrière-plan. Mon idée est que j'aurai mes valeurs plus sombres sur les fronts, puis mes valeurs plus légères vers l'arrière de l'illustration, mais nous n'y réfléchissons pas encore. Ce que nous voulons faire d'abord, c'est que nous voulons commencer à dessiner l'oiseau. Avec n'importe quelle illustration de
la nature, la chose facile est que vous savez par où commencer avec la couleur. Beaucoup d'illustrations vous dites
: « Oh, je ne sais pas de quelle couleur je devrais faire ça. Je ne sais pas par où commencer. » Mais la chose cool à propos de dessiner quelque chose qui doit
ressembler à une chose réelle qui existe dans le monde, c'est que vous avez un point de départ pour la couleur. Ce que je sais à partir de ce moment, c'est les couleurs de cet oiseau. Je vais utiliser ces couleurs pour choisir une palette de couleurs pour l'oiseau, puis je vais construire le reste de ma palette de couleurs autour de ça. Laisse-moi aller de l'avant et prends ma photo de référence juste ici. Je vais juste utiliser mon outil de pipette. Encore une fois, je travaille dans Photoshop. Vous n'avez pas besoin d'utiliser Photoshop pour faire cela. C' est exactement ce dans quoi je suis le plus à l'aise. Je vais juste jeter les yeux les quatre couleurs principales, qui vont être ce bleu dans la tête, ce rouge du cou et de la poitrine. Ensuite, il y a un peu comme un jaune vif sur l'aile, puis il y a aussi un vert vif sur l'aile. Ensuite, il y a d'autres variations de couleur là-dedans, mais je veux juste garder cela assez simple pour construire ma palette. Puis, une fois que j'aurai choisi mes couleurs, je pourrai me baser sur ma variation de couleur. Laisse-moi juste griffonner les quatre couleurs que j'ai laissées tomber sur la photo. Encore une fois, la chute des yeux des photos est une façon vraiment amusante de comprendre comment les couleurs fonctionnent ensemble, quelles sont les relations, et vous verrez des situations de couleurs surprenantes. Quand je regarde cette sélection de quatre couleurs, je me rappelle certainement pourquoi je n'aime pas dessiner cet oiseau à coup sûr. Ce n'est pas une situation colorée qui me ravit vraiment. Avec le rouge, le jaune et le bleu primaire serait bien, mais avec ce vert vif ici, et c'est dur. Mais si je dessinais ça pour une mission, je dois m'assurer que cet oiseau est reconnaissable comme une bruanterie peinte. J' ai besoin de maintenir des couleurs harmonieuses. Je dois m'assurer que les relations entre les couleurs sont correctes. Cela signifie que même si je construis ma propre palette de couleurs en ce moment, je ne vais pas changer la partie supérieure de cet oiseau en bleu bébé, et bleu la partie du corps en un bordeaux foncé ou quelque chose comme ça. Parce que ça va être difficile de reconnaître cet oiseau, donc je dois vraiment travailler avec la palette de couleurs qui m'est donnée, et je dois comprendre comment je peux rendre ça plus agréable. Maintenant, c'est en fait assez facile, à part le fait que je n'aime pas les couleurs. Mais le plus simple, c'est que nous savons que nous avons quatre couleurs ici. Je sais que je vais devoir choisir un schéma de couleurs tétradiques. Je vais devoir choisir quatre couleurs. Si nous revenons juste à notre roue de couleur, rappelez-vous que les schémas de couleurs tétradiques sont deux paires de compléments qui sont assis l'un de l'autre sur la roue de couleur. Dans ce cas, nous aurions ces violet et jaune, et rouge
et le vert pourraient être notre palette de couleurs tétradiques. Construisons sur ce que nous avons déjà et voyons si cela fonctionne. Maintenant, la raison pour laquelle je pense que ça va marcher est que nous avons déjà le bleu comme l'une de nos couleurs principales, et je pense que le fait de passer ça à une violette va vraiment marcher assez bien. Cela ne va pas être vraiment choquant et ça va encore rendre cet oiseau reconnaissable, mais ça va être visuellement beaucoup plus agréable, parce que nous travaillons dans les limites de la théorie des couleurs ici. Commençons à choisir des couleurs. Maintenant, vous pouvez utiliser le sélecteur de couleurs si vous le souhaitez ou vous pouvez aussi simplement utiliser les nuanciers, si vous avez des nuances que vous avez utilisées et que vous aimez
vraiment ou si vous avez des couleurs ici que vous utilisez tout le temps. Tout ce qui fonctionne pour vous. Je veux m'assurer que la violette que je choisis a un peu de nuances bleues. Je vais aller avec le violet foncé, je pense pour le noggin. Maintenant, c'est peut-être trop sombre. On verra. Le rouge, je voudrais en fait choisir un rouge qui est un peu tonifié vers le bas de ce rouge très vif. Je pense que ça va mieux fonctionner dans l'illustration. Puis la même chose avec le jaune, puis vert. Je veux juste choisir des versions de ces couleurs qui ne sont peut-être pas aussi purement saturées. Rappelez-vous toujours que lorsque vous choisissez ces palettes, vous avez accès à tous les tons, teintes et nuances de cette couleur, de sorte que vous n'avez pas à utiliser uniquement les teintes pures. Encore une fois, vous pourriez utiliser le sélecteur de couleurs pour cela. Vous pouvez voir ici, où mon jaune s'insère ici. C' est au milieu d'ajouter un peu de blanc à cette couleur pure de jaune, ce
qui, je pense, serait un peu beaucoup. Alors pour le vert, je veux faire la même chose. Maintenant, le vert est un peu délicat, parce que je voudrais le tonifier, mais j'ai encore besoin d'avoir cette luminosité pour lui. Je vais juste choisir un vert olive vif, et je pense que cela sur le côté droit va être une palette de couleurs pratique pour notre illustration. Jetons un coup d'oeil à ça. Laisse-moi revenir ici, et je vais faire une nouvelle couche. Ensuite, je vais juste commencer à bloquer mes couleurs, juste pour que je puisse avoir une idée de si cela va fonctionner ou non, et juste comme un sens général de ce à quoi ça va ressembler. Encore une fois, je veux m'assurer que ce que je fais restera fidèle à l'oiseau que j'illustre. Maintenant, cette petite section ici, ici en fait juste une couleur neutre qui
ressemble serait faite à partir du mélange d'autres couleurs. Mais je vais aller de l'avant et en
faire une version plus légère du violet foncé que nous avons utilisé là-bas. Je pense que ça va être vraiment sympa pour nos globes oculaires. Je pense que ces couleurs ont l'air bien. Je suis un peu préoccupé par le fait que ces violettes sur la tête va être un peu trop sombre, mais je vais aller de l'avant et commencer à travailler avec lui de toute façon, parce qu'il fait toujours de petits ajustements pendant que je travaille. Comme vous pouvez le voir déjà, juste en voyant cette palette de couleurs de base ici, cela tient toujours à l'esprit de l'oiseau que nous illustrons. Si vous voyez cela, vous saurez toujours qu'il s'agit d'une bruanterie peinte. Si vous saviez ce qu'était un bunting peint en premier lieu, il serait vraiment facile d'identifier. Même si j'ai pris la palette de couleurs que j'ai laissée de l'oiseau et je l'ai transformée en quelque chose qui s'intègre dans la théorie des couleurs de base, cela fonctionne encore ensemble comme une illustration de la nature. Je vais juste commencer à peindre dans ce petit oiseau maintenant, et puis dans la leçon suivante, nous allons parler des couleurs de fond et comment nous allons colorer toutes ces feuilles en fonction des couleurs que nous venons de choisir l'oiseau.
8. Couleur secondaire: Voici nos progrès jusqu'à présent sur cette illustration de fanions peints. C' est à quoi ressemblait la couleur rugueuse et puis c'est là que nous en sommes avec la couleur jusqu'à présent. Vous pouvez voir, même si nous avons déplacé le bleu
du haut de la tête vers un violet bleu ou un violet, cela fonctionne toujours très bien. C' est toujours reconnaissable comme cet oiseau particulier. L' étape suivante consiste à prendre cette palette de couleurs et à l'utiliser pour colorier dans le reste de l'arrière-plan de cette illustration. Évidemment, nous avions notre point de départ, c'est-à-dire les couleurs
et l'oiseau, et ensuite nous allons utiliser tout cela pour construire. Lorsque nous partons de ces quatre couleurs que nous utilisons ici, nous allons choisir des couleurs de fond qui vont
nous donner un sentiment global de cohésion
au lieu de simplement choisir des couleurs aléatoires sur le sélecteur de couleurs ou sur le Nuanciers de couleur. Cela va nous donner un genre d'ensemble plus agréable. Maintenant, cette partie prend un peu d'essais et d'erreurs, mais avec la patience et la pratique, elle devient plus intuitive au fil du temps. Je veux que vous commenciez par penser à ce que vous voulez transmettre dans votre illustration. Y a-t-il une humeur ou une émotion spécifique que vous essayez de transmettre ? Un moment précis de la journée ou peut-être une certaine saison, comme le printemps ou l'automne. Demandez-vous, quel est le récit visuel ici ? Qu' est-ce que j'essaie de dire avec cette illustration ? Qu' est-ce que j'essaie d'évoquer avec cette illustration ? Commencez toujours avec ce que vous savez et construisez à partir de là et plus vous pouvez être spécifique, une palette de couleurs est facile à construire. Je sais que si je veux une illustration qui va mettre en valeur une scène nocturne, alors je sais que je vais compter sur beaucoup de bleus et de violets dans mon illustration. Si je pense que quelque chose va se passer à l'automne, alors je sais que je vais avoir beaucoup de jaunes et d'oranges, des touches de rouge et de brun, juste des couleurs vraiment terreuses. Penser à cela avant même de commencer à travailler sur l'une de vos couleurs, est vraiment super idée. Encore une fois, c'est un processus vraiment intuitif et c'est vraiment là que vous commencez à voir les relations entre les couleurs et vous commencez à faire des ajustements, vous allez vraiment vous mettre à l'aise sans essais et erreurs, une théorie de travail sur la couleur. Même si vous pouvez commencer par une palette spécifique comme celle-ci, fur et à mesure que
vous commencez à travailler, vous pouvez faire de petits ajustements et ajustements en
fonction de ce que vous voyez et de la façon dont les couleurs fonctionnent ensemble. Nous allons commencer par construire une palette pour l'arrière-plan de cette illustration, puis comme j'utilise cette palette pour dessiner cette palette,
je peux apporter quelques ajustements au fur et à mesure que je vais faire. Pour cette illustration, je sais deux choses. abord, je sais que je veux être ludique avec les couleurs des feuilles et des branches. Je n'ai pas besoin d'être littéral et de rendre les feuilles vertes et les branches brunes. Je peux si je veux, mais je ne veux pas le faire maintenant. Ce que je veux vraiment faire, c'est juste expérimenter avec certaines de ces couleurs que j'ai déjà utilisées, les violettes, les rouges, les verts et le jaune. Je veux faire un peu de mélange de couleurs et juste voir ce que je peux obtenir pour travailler. Maintenant, la deuxième chose que je sais est que je veux que mes valeurs les plus sombres soient
au premier plan de cette pièce, puis mes valeurs plus légères en arrière-plan. C' est le croquis original où j'ai déjà enfermé que je veux que les feuilles et l'avant soient plus sombres en valeur. Alors que nous revenons à travers l'illustration, tout devient un peu plus léger que cela. En utilisant ces deux bits de connaissances, je peux commencer à travailler sur les couleurs pour les éléments d'arrière-plan. Pour ce faire, je vais faire un peu de mélange de couleurs. Je vais créer de nouvelles couleurs à partir de cette palette de couleurs originale juste ici. Ça va me donner ce beau sentiment de cohésion que je n'aurais pas si je choisissais des couleurs aléatoires de partout. Maintenant, si vous êtes un peintre traditionnel, mélanger des couleurs avec de la peinture et mélanger des couleurs dans Photoshop ou n'importe quelle application numérique ne sont évidemment pas la même chose. C' est bon. Les choses vont marcher un peu différemment, mais nous allons nous détendre et nous allons juste travailler avec ce que nous avons et nous allons nous amuser de toute façon. En commençant par mes couleurs originales, je vais juste aller de l'avant et choisir un pinceau. Peu importe la brosse que vous utilisez, mais j'utilise la nouvelle brosse pastel de Kyle Webster. Je vais aller de l'avant et laissez-moi juste saisir mes quatre couleurs ici et je vais aller de l'avant et juste griffonner quelques gros échantillons de chacun parce que je vais juste mélanger quelques couleurs sur ceux-ci et juste aller voir ce que je peux obtenir qui pourrait être utile. Maintenant, je pense que je veux avoir un peu d'ambiance automnale dans mon illustration. Je pense que ce que je veux faire est peut-être une orange peut-être,
peut-être quelques couleurs d'automne. Voyons comment ça se passe. Je vais changer de pinceau pour se multiplier et ça va me permettre de superposer ces couleurs les unes sur les autres. En fait, je vais commencer par mélanger du jaune et du rouge. Parce que je sais que je veux une orange et ça me donne juste un rouge plus foncé. Si je couche le jaune sur un autre jaune, j'obtiens un jaune riche, donc c'est une possibilité. Puisque j'ai cette couleur sélectionnée, je vais juste aller de l'avant et la couche sur le violet et aussi sur le vert. Voyez quelles couleurs je reçois et puis allons de l'avant et faisons la même chose avec notre rouge. Vous voyez quand je couche ça sur le violet, j'ai juste des sombres qui ne
vont probablement pas fonctionner pour cette illustration. Je vais essayer de réduire l'opacité de mon pinceau. Je vais réduire l'opacité à environ 50 % et cela va me donner un peu de transparence. Imaginez que vous mélangez des couleurs avec des aquarelles et c'est essentiellement ce que c'est. Si j'ai juste superposé ça, ce que je me passe ici, vous pouvez voir que j'ai juste des variations plus subtiles. Voyez si on a une belle orange. Ensuite, nous allons continuer à superposer et à expérimenter, voir ce que nous obtenons. Chaque fois que je fais ça, je vais juste prendre ma pipette et voir si j'ai quelque chose qui semble être intéressant. Je vais juste continuer à expérimenter. On dirait que c'est peut-être une belle orange que j'ai couchée ici. Oui, donc cette orange ici semble être vraiment bonne. Allons-y et mettez-le ici comme une possibilité puisque je veux
avoir une palette de couleurs automnales. Ce jaune pourrait très bien marcher, nous verrons. Cette couleur marron foncé. C' est une couleur rouge plus foncé. Vous pouvez voir ici juste en regardant ces quatre couleurs que même si lorsque vous regardez ce désordre sur la droite, il n'a pas l'air bon ou cohésif du tout. Mais parce que je construis des couleurs basées sur ces quatre couleurs originales, je vais juste les superposer les unes sur les autres et obtenir ces résultats vraiment assez cohésifs et juste vraiment construire des palettes de couleurs que je vais être en mesure de faire un beaucoup avec. Ce sont une possibilité à coup sûr, mais je sens aussi que je veux avoir un peu de violet, dire que quatre fois vite. En gros, je vais continuer à faire ce que j'ai fait. Je vais juste ajouter un peu de violet aux couleurs que je viens de
poser juste pour voir si je peux obtenir quelque chose qui pourrait être utile. Oups. Je m'assure toujours de revenir à l' opacité à
100 pour cent lorsque je teste ces couleurs que je fais, sinon je vais obtenir la version transparente au lieu de la version pleine couleur. Je veux la version en couleur. J' aime ce marron orange ici, je pense que ça allait être sympa. Alors j'aime aussi ce rouge ici. Ça a l'air assez bien jusqu'à présent. Alors une autre chose que je peux faire, c'est, rappelez-vous, que je peux mélanger des neutres. Je peux essayer d'aller avec un gris et voir quelles couleurs je reçois de faire cela et voir si je reçois quelque chose d'utile. Peut aussi simplement aller dans le noir avec mon opacité réglée à
50 pour cent et juste faire un peu plus de mixage et voir ce que je peux obtenir d'autre. C' est beaucoup trop sombre. Je pense que le violet va être trop sombre, mais mec, j'aime vraiment ça. C' est un joli violet foncé que j'ai eu là. Laisse-moi aller de l'avant et juste faire une nouvelle couche. Je vais aller de l'avant et le remplir de blanc. Alors je vais juste le rendre un peu plus petit ici pour que je puisse voir mes couleurs que je choisis. Je vais aller avec un petit assortiment de couleurs ici. Ensuite, nous allons juste tester et voir ce qui fonctionne le mieux pour cette illustration. Comme la dernière fois, on va faire une couleur rugueuse. Nous pouvons avoir une idée de ce qui va le mieux fonctionner. Ensuite, nous pouvons partir de là et travailler sur nos couleurs. C' est la palette potentielle partir de
laquelle je vais travailler pour les couleurs d'arrière-plan. Ceci est basé sur les couleurs du bunting. Tout devrait vraiment être cohésif et vraiment beau comme je commence à rassembler tout cela. Je vais faire une nouvelle couche. J' ai retrouvé mon pinceau à la normale. Je vais juste commencer à bloquer dans certaines couleurs super grossièrement sur cette couleur rugueuse. Je n'essaie pas d'être soigné par tous les moyens, j'essaie juste d'obtenir un peu de couleur pour juger si mes valeurs vont être bonnes. Je vais vous montrer l'astuce de valeur que nous avons déjà parcourue. Je vais vous montrer comment je l'utilise à ce stade pour m'assurer que je suis bon d'y aller. Maintenant, pour cela, je mets mes différentes couches de mon illustration sur leur propre parce que j'ai le sentiment que dans cette couleur rugueuse, je vais vouloir changer certaines choses comme ce qui se passe en ce moment. Dites certainement freak ce tour est trop intense pour cela donc je vais juste faire une superposition de couleur rapide et je peux l'échanger contre cette orange à la place que je n'aime pas non plus. Laissons-le avec le rouge pour l'instant. Alors attrapons cette couleur orange. J' ai quelques formes de feuille que je vais vouloir ajouter en arrière-plan ici juste pour ajouter de
la profondeur. Ensuite, nous aurons aussi une couleur de fond et je ne pense pas que ce sera aussi jaune. Je pense que ce jaune va être trop audacieux. Oui, trop audacieux. Mais encore une fois, nous allons faire des essais et des erreurs. Si je mélange alors un peu de blanc, cela fonctionne un peu mieux. Je ne suis pas sûr que ce soit un succès à 100 %, mais nous y sommes presque. On va faire du bricolage, ça va aller. Laisse-moi juste dessiner dans la branche. Pas cette couleur. On y va. Il y a une ambiance vraiment automnale en ce moment avec ça. Maintenant, ajoutons un nouveau calque, puis allons de l'avant et remplissons ce calque de noir. Nous pouvons passer à la saturation, et maintenant je peux voir si cela est fidèle à ma vision originale. Ma vision originale était les couleurs plus sombres à l'avant, les valeurs moyennes au milieu, puis les valeurs plus claires à l'arrière. Ça marche jusqu'à présent. Je me sens un peu comme si je voudrais que les valeurs moyennes ne soient pas aussi sombres pour que ce que je fais vraiment attention, c'est l'oiseau. Je ne sais pas, j'aime vraiment ces valeurs comme elles sont. En fait, il semble étonnamment bon, mais je ne suis pas un 100 pour cent vendu sur les couleurs. Regardons ça à nouveau. Je vais juste commencer à faire des superpositions de couleur. Essayons ce violet foncé que je ne pensais pas aimer au départ. Mais voyons ce qui se passe si on a juste un petit bricolage avec les couleurs. Ce violet et jaune pourrait être sympa. Je suis un peu déchiré si je veux laisser la couleur violette ou si je veux aller avec plus d'une couleur bleu violet. Ensuite, les feuilles vont juste trier un primaire de bleu, rouge, et jaune travailler en arrière. Essentiellement, je vais utiliser un peu de ce bleu, mais je pense que je vais le superposer sur le violet. Nous allons certainement avoir un moment où nous allons juste avec le flux un peu et voir ce qui se passe avec cette illustration pendant que nous travaillons dessus. Mais encore une fois, parce que ce ne sont pas seulement des couleurs aléatoires que j'ai sélectionnées, sont des couleurs qui sont basées sur cette palette de couleurs originale de l'oiseau, tout va se sentir plus cohésif. Il va juste avoir une meilleure ambiance dans l'ensemble. Je vais aller de l'avant et aller à la coloration et regardons à quoi ça ressemble quand j'ai fini. Jusqu' à présent, j'ai bloqué dans juste mes couleurs rugueuses des feuilles et des branches dans les arrière-plans. J' ai juste utilisé des pinceaux rugueux pour bloquer les formes ici. Je vais vraiment commencer à superposer un peu de couleur maintenant, comme je l'ai fait avec l'oiseau. Vous remarquerez que j'ai tonifié le jaune dans le fond juste un peu, le fond laisse, parce qu'il
se sentait juste un peu agressif en ce qui concerne la luminosité va. J' ai juste un peu tonifié ça et je pense que ça a l'air beaucoup plus cohésif maintenant. Je vais juste continuer avec ajouter un peu plus de texture. J' utilise ce très grand pinceau Kyle Webster de l'une de ses mises à jour de pinceau d'hiver ; ça s'appelle une brosse cassée. Il vient d'obtenir cette texture vraiment magnifique et il a aussi beaucoup de dynamique de couleur intégrée. C' est vraiment agréable pour la superposition sur différentes couches de couleur et de texture. Un autre pinceau que j'aime utiliser pour le faire est sa brosse Gouache a Go Go. Il a aussi une texture très agréable, mais c'est un peu plus doux, un peu moins agressif. Je vais probablement utiliser la Gouache a Go Go pour ça. Je vais aller de l'avant et continuer à superposer dans toutes ces couleurs maintenant. Tous les bons amis. C'est tout pour cette illustration de fanions peints. J' ai fini d'ajouter dans toutes les couleurs feuillues et le fond et tout. Juste un rappel, c'est ce que nous avons commencé avec ; un oiseau dont je n'aime pas vraiment la coloration, mes globes oculaires ne l'aiment pas, et je me suis mis au défi de créer une illustration en utilisant quelques bases de la théorie des couleurs comme base pour mes palettes de couleurs, puis à partir de ça. Vous pouvez vraiment voir comment nous sommes passés de la création de nos palettes de couleurs originales pour essayer de calquer beaucoup de couleurs différentes et Photoshops afin que nous puissions voir quelles combinaisons de couleurs différentes nous allions obtenir. Cela nous a vraiment aidés à trouver cette palette de couleurs vraiment assez harmonieuse qui reste fidèle à la nature. Cela ressemble toujours à un bunting peint, même si les couleurs ne sont pas exactement correctes et c' est en fait un peu plus agréable à l'œil parce que ce
n'est pas cette palette de couleurs vives folles originales que nous avons obtenu lorsque nous avons sélectionné des couleurs à partir de la photo de référence. C' est pourquoi la théorie des couleurs est si importante lorsque vous dessinez de la nature, parce que vous pouvez choisir la couleur directement à partir d'une photo de référence et obtenir une palette qui va bien, les couleurs exactes, mais cela ne va pas cette belle nuance qui va venir de la compréhension de la façon dont les couleurs fonctionnent ensemble et comment créer une très belle harmonie avec vos couleurs. Rafraîchissez-vous sur cette théorie de base des couleurs de temps en temps. Il est si important de revenir à. La dernière chose que j'ai faite dans le processus d'illustration
des feuilles était que je viens d'ajouter un peu de texture à toutes mes couches. Puis j'ai ramassé cette couleur pourpre clair des ailes et des pattes de l'oiseau, puis je l'ai utilisé comme une couleur de surbrillance sur les feuilles sombres qui sont au premier plan, ce qui me semble très bien. Maintenant, tout au long de ce processus, vous avez remarqué que ma couche de valeur était activée. Pendant que je travaillais, j'activais et désactivais continuellement mon calque de vérification de valeur, sorte qu'il pouvait m'assurer que je suivais mon idée originale ; qui était mes valeurs plus sombres à l'avant, tons moyens au milieu, et plus légères que je recule dans l'illustration. C' était super utile à vérifier et puis,
bien sûr , j'ai continué à me référer à mon bonus de couleur, ce qui a changé un peu au fur et à mesure que je progressais ici. Parce que encore une fois, beaucoup de cela est juste des essais
et des erreurs, et vraiment apprendre à faire des ajustements qui fonctionnent avec les couleurs que vous choisissez. La plupart des ajustements que j'ai faits ici étaient soit
en ajoutant une partie de ce violet bleu parce que je pensais que le violet était trop intense. Puis, dans certains cas, il suffit de mélanger un peu de blanc avec certaines des couleurs juste pour les rendre un peu plus légères qu'elles ne l'étaient, parce que je ne pensais pas que ça fonctionnait très bien. Passez à la vidéo suivante. Je viens d'avoir quelques dernières astuces que je
vais vous montrer pour que si vous êtes un artiste numérique, vous pouvez faire quelques ajustements rapides des couleurs quand vous en avez besoin.
9. Astuces de couleurs finales: Il n'est pas rare de terminer une illustration et avoir l'
impression que les couleurs ne sont toujours pas tout à fait correctes. Habituellement, un ajustement rapide corrige cela. Je vais vous montrer quatre façons de faire ces ajustements dans Photoshop. Si vous utilisez Procreate ou une autre application d'art numérique, les mêmes théories de base s'appliquent également. Vous devriez être capable de faire quelque chose de similaire. Mon premier objectif est généralement de simplement ajouter une couche de saturation de teinte et de
luminosité sur l'ensemble de l'art ou peut-être en tant que masque d'écrêtage à une section spécifique. Peut-être que c'est comme un de ces groupes si j'avais l'impression qu' un domaine particulier avait besoin d'un ajustement. Tout ce que je vais vous montrer dans cette vidéo est non destructif. Cela signifie que cela n'affectera pas cet art que j'ai créé. Je vais juste ajouter des calques au-dessus de cet art que je peux supprimer si je ne veux pas, ou je peux les activer et les désactiver pour avoir une idée de savoir si ce que j'ai fait fonctionne ou non. Pour ajouter mon calque de saturation et de réglage de la luminosité, je vais simplement appuyer sur l'icône du petit demi-cercle ici. Choisissez « Teinte/Saturation ». Si je retourne en arrière et regarde mes calques, c'est sur son propre calque au-dessus de tout le reste de mon illustration. Tous les ajustements que je fais dans ce menu Propriétés vont affecter l'ensemble de mon illustration. J' ai un curseur où je peux bricoler avec la teinte si je le veux, mais je ne veux certainement pas faire ça. quoi je veux penser, c'est peut-être juste ajuster un peu la saturation. C' est un peu trop lumineux pour que je puisse le baisser un peu. Si je veux voir la différence ici, tout ce que j'ai à faire est de frapper l'icône du globe oculaire. C' était mon art original. Maintenant, si je frappe à nouveau le globe oculaire, cela me montre ma saturation de teinte et la couche de réglage de la luminosité, ce qui ne fait pas vraiment de différence ici, c'est juste un petit peu d'ajustement, mais parfois c'est tout ce dont vous avez besoin dans vos illustrations. La bonne chose à propos de ces calques de réglage est que vous pouvez ajouter plusieurs couches de réglage différentes et les
activer et désactiver et juste voir quelle version va vraiment fonctionner le mieux pour vous. La prochaine chose que je vais faire est un autre calque de réglage, et ce n'est qu'un réglage de la luminosité et du contraste. Vous pouvez voir qu'il a ajouté sa propre couche ici. Si je passe à Propriétés, je peux
maintenant utiliser mes
curseurs de luminosité et de contraste pour ajuster ma luminosité et le contraste de mon illustration. Je peux soit le cogner, soit le descendre, et puis bien sûr, je peux activer ou désactiver ça si je veux voir ce qui marche. Ensuite, je peux basculer entre les deux couches de réglage que j'ai déjà. Une autre astuce consiste à ajouter un remplissage de couleur, puis à utiliser un mode de fusion pour créer une superposition cohésive sur l'ensemble de votre illustration. Vous pouvez le faire avec des tons froids ou des tons chauds ou même des neutres. Si j'avais l'impression que cette illustration avait l'air un peu trop chaud, je pourrais faire une superposition bleue et ensuite
tester certains modes de mélange pour voir ce qui fonctionnerait le mieux. Ce que je vais faire, c'est que je vais créer un calque de remplissage. Je vais aller à Calque,
Nouveau calque de remplissage, puis couleur unie. Il va juste le remplir avec tout ce que j'ai sélectionné jusqu'à présent. Disons juste que je veux refroidir un peu ça. Cela nécessite un peu d'expérimentation, alors ne soyez pas frustré si cela ne ressemble pas à un processus de rationalisation pour vous. Il faut certainement un peu d'essai et d'erreur pour trouver les choses qui fonctionnent le mieux pour l'art que vous voulez créer. De là, je peux aller de l'avant et parcourir mes modes de mélange. Encore une fois, nous allons juste faire quelques essais et erreurs. Habituellement, je sens que l'opacité comme meilleur à 50 pour cent ou moins, généralement autour de 50 pour cent à 35 pour cent va me donner le look que je veux sans vraiment affecter ma couleur sous-jacente trop. J' utilise juste la flèche vers le bas pour faire défiler mes options. Encore une fois, je peux activer et désactiver ce calque pour voir ce qui se passe lorsque j'ajoute ces couleurs. Parce que j'ai fait un calque de remplissage de couleur, je peux double-cliquer sur la couleur, et voyons quand j'essaie d'ajouter un ton chaud à la place. Maintenant, je peux choisir une teinte orangée ou ce que je veux, appuyer sur « Ok ». Maintenant, vous verrez que l'illustration entière a vraiment eu plus d' un ton lumineux chaud que je ne l'avais avant. Allons éteindre ça. Nous avons trois options différentes pour ajouter quelques ajustements de dernière minute à la couleur d'une illustration. L' une des dernières choses que vous pouvez faire, est que vous pouvez simplement ajouter une superposition de texture. Maintenant, lorsque vous faites cela, vous voulez généralement faire des superpositions qui sont des tons neutres ou comme pâturage ou bruns. Mais vous pouvez également faire une chose similaire à cette couche où nous ajoutons des réchauffements et des refroidissements. Vous pouvez également utiliser une superposition de texture qui a une certaine couleur à elle. Encore une fois, c'est juste un peu d'expérimentation pour voir ce qui fonctionne le mieux pour vous. J' ai copié ma superposition de texture et je l'ai collée dans mon document oiseau. Cette texture est en fait assez grande, donc je vais juste la redimensionner juste jusqu'à ce que j'obtienne une bonne quantité de texture. Vous pouvez le rendre aussi grand ou aussi petit que vous le souhaitez lorsque vous faites des superpositions de texture. Encore une fois, je vais juste choisir un mode de fusion. Cette fois, je vais baisser l'opacité à 35 pour cent, et j'utilise juste la flèche vers le bas de mon clavier juste pour faire défiler les options pour voir si quelque chose semble fonctionner. Overlay est généralement une bonne option. Il suffit d'ajouter un peu de texture et de rendre tout cohésif. Mais nous avons aussi d'autres options qui semblent être intéressantes. Cela dépend vraiment de l'effet global que vous souhaitez obtenir de votre illustration. Si vous voulez tonifier un peu vos couleurs, vivre ici dans la saturation de la teinte et la couleur, est généralement un bon endroit pour exister. Peut être ramener ça à 25 pour cent. Encore une fois, je peux désactiver cela, je peux l'activer à nouveau et je peux utiliser n'importe lequel de ces ajustements et combinaison les uns avec les autres, donc je peux faire une superposition de texture, puis peut-être que j'ai aussi ma saturation de teinte et la luminosité est activée. Il faut juste un peu de violon pour obtenir tout exactement comme vous le voulez. Il vous suffit de tester ces choses et de voir ce qui fonctionne le mieux pour votre illustration. Ou si vous avez confiance en l'
apparence de votre illustration sans aucun ajustement ou texture, respectez-y. Vous n'avez pas à faire ces ajustements de dernière minute. Ce sont juste pour les moments où vous avez l'impression que quelque chose est juste un peu décalé, et peut-être que vous avez juste besoin de rendre votre illustration un peu plus chaude ou plus fraîche, ou peut-être simplement de la tonifier un peu avec un neutre. Passez à la vidéo suivante et je vais juste
parler brièvement de l'inspiration de la nature lorsque vous choisissez vos palettes de couleurs.
10. Couleur de la nature: Que vous soyez illustrateur de la nature ou non, la nature offre les palettes de couleurs les plus inspirantes. Au fur et à mesure que vous commencez à faire attention à ceux-ci, vous constaterez que vous êtes moins intimidé par la couleur. Prenez des photos de la nature à chaque fois que vous êtes dehors et sur ou enregistrez des photos de la nature que vous voyez sur Instagram ou Pinterest ou n'importe où. Évidemment, vous ne voulez pas nécessairement dessiner directement à partir des photos de quelqu'un d'autre, mais vous pouvez créer des palettes de couleurs en les utilisant comme référence. Vous pouvez également créer des palettes de couleurs à partir de ces morceaux d'inspiration et
créer simplement une bibliothèque d'entre elles pour les moments où vous avez besoin d'une palette de couleurs rapide et facile, ou lorsque vous avez besoin de commencer un projet d'illustration et que vous n'êtes pas sûr sur les couleurs. Plus vous remarquez la couleur et les relations entre les couleurs, plus vous vous sentirez confiant à l'utilisation de la couleur. C' est une pratique amusante juste de commencer à prêter attention aux palettes de couleurs dans la nature qui rendent vos globes oculaires vraiment heureux, alors venez de l'avant et amusez-vous avec ça.
11. Réflexions finales: Intimidé par la couleur, la meilleure façon d'aller au-delà de ce sentiment est de pratiquer. Rappelez-vous, la patience et la pratique. La seule façon de mieux faire quoi que ce soit,
vraiment, c'est d'être patient et de pratiquer. Passez du temps à prêter attention aux couleurs qui vous attirent naturellement, en particulier les couleurs de la nature. Utilisez Photoshop ou Procreate, ou quelle que soit votre application préférée est de déposer des palettes de couleurs à partir de photos ou d'illustrations, et vous aurez vraiment commencé à comprendre les relations entre les couleurs, et les hypothèses que nous faisons sur la couleur cela peut être vrai ou non. Vous pouvez commencer à réfléchir à la façon dont vous pouvez utiliser toutes ces choses dans votre propre travail d'illustration. Vous pouvez également utiliser les astuces de vérification de la valeur pour voir comment d'autres illustrateurs, designers et artistes utilisent la valeur pour diriger l'œil autour de la pièce, et tout ce qu'ils utilisent pour vraiment transmettre. Vous pouvez commencer à construire vos propres palettes de couleurs inspirées de la nature. Utilisez-les dans votre propre travail. Rappelez-vous, même si vous n'êtes pas un illustrateur de la nature, vous pouvez toujours être inspiré par la couleur de la nature. Vous pouvez combiner les couleurs que vous voyez dans la nature, avec ce que vous savez sur la théorie des couleurs et construire belles palettes de couleurs cohésives qui feront belles illustrations peu importe ce que vous dessinez. Merci d'avoir regardé ce cours. Si vous avez aimé cela et que vous voulez recevoir courriels
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Stephanie Fizer Coleman, children's book illustrator/bird artist
