Illustration de personnages : dessiner des gestes et poses expressifs dans Procreate

1. Introduction: Raconter une histoire à travers votre œuvre, c'est bien plus que de créer une jolie image. Il s'agit de transmettre un message ou un sentiment qui crée un lien émotionnel entre votre travail et le spectateur. Salut, je suis Sarah Holliday, et je suis illustratrice écossaise. La narration visuelle est une chose sur laquelle je me concentre beaucoup sur mon travail personnel et commandé. Typiquement, ce qui tient une histoire ensemble, ce sont les relations entre les personnages. façon dont les personnages interagissent les uns avec les autres aide non seulement à faire avancer une histoire, mais elle vous en dit aussi beaucoup sur leur personnalité et leurs motivations. L' un des moyens les plus efficaces de communiquer cela visuellement est par le langage corporel. Dans ce cours, je vais vous apprendre à comprendre et à transmettre le langage corporel à travers vos dessins, que vous pouvez utiliser pour communiquer interactions intéressantes et pousser vos compétences en narration. Dans la première partie de la classe, nous allons faire quelques exercices pour pratiquer des techniques clés, esquisser à la fois de l'imagination et de observation jusqu'à dessiner des gestes de la main et des expressions faciales. Ensuite, dans la deuxième partie, nous réunirons toutes ces techniques dans le projet de classe pour créer une illustration émotive avec deux personnages en interaction. Ce cours s'adresse à tous ceux qui veulent améliorer leur langage corporel, leur interaction avec les personnages et leurs compétences en narration, et est déjà compétent pour concevoir et poser des personnages. Si vous avez suivi mon cours précédent, Drawing People : Creating Unique and Dynamic Character Poses dans Procreate, vous serez en mesure d'améliorer vos compétences dans ce cours. Si vous êtes un débutant, alors je vous recommande de suivre mon cours Drawing People avant celui-ci. J' utiliserai mon iPad Pro avec Procreate dans mes démonstrations, mais n'hésitez pas à utiliser n'importe quel logiciel ou support avec lequel vous êtes le plus à l'aise. Si tu es prêt à commencer, j'ai hâte de te voir en classe. 2. Aperçu du cours: Cette classe est divisée en deux sections principales, à commencer par nos exercices de pratique, puis passer au projet de classe principale. Dans la première leçon, nous examinerons comportements courants du langage corporel et ce qu'ils communiquent. Ensuite, nous passerons à nos exercices. Nous allons nous réchauffer avec notre exercice [inaudible], où nous nous entraînerons à appliquer le langage corporel et les expressions dans un design très simple. Nous allons pratiquer le dessin d'observation en regardant un film ou une série dans l'étude du langage corporel de l'acteur. Ensuite, nous nous entraînerons à dessiner des expressions faciales, des gestes de la main et des poses de figure de bâton. Une fois que nous aurons pratiqué ces techniques, nous serons prêts à les rassembler pour créer un projet de classe. Nous allons travailler avec deux dessins de personnages pré-préparés. Vous pouvez utiliser absolument tous les caractères de votre portfolio, ou vous pouvez en concevoir des tout nouveaux pour le projet. Nous commencerons par faire quelques croquis initiaux pour nous entraîner à dessiner nos personnages en transmettant différentes expressions avant de faire des miniatures diverses options pour notre scénario final, puis nous continuerons à affiner et à colorier l'illustration. Ce projet va rassembler toutes les compétences de nos exercices pratiques et nous permettre de créer une illustration émotive et engageante. Il y a beaucoup à couvrir dans cette classe, alors n'hésitez pas à prendre votre temps à chaque étape, et vous voudrez probablement répartir les leçons sur plusieurs paramètres afin de terminer toutes les étapes à votre rythme. Je vais utiliser mon iPad Pro avec Procreate pour ma démonstration. Vous pourriez trouver plus facile à suivre si vous avez également une forme de logiciel de dessin numérique. Mais vous pouvez toujours suivre ce cours en utilisant uniquement les médias traditionnels. Alors que je vais dessiner dans Procreate et partager quelques conseils sur l'application en cours de route, ce n'est pas comment utiliser la classe Procreate. Si vous avez une bonne connaissance avec importe quel logiciel ou support que vous allez utiliser, alors cela vous aidera certainement. Vous avez également besoin de quelques dessins de personnages préparés avant de commencer le projet de classe. Si vous avez besoin d'aide pour concevoir vos personnages, alors vous pouvez vérifier ma classe précédente sur les gens de dessin, où je couvre comment concevoir et mettre des personnages stylisés avec des formes de corps uniques. Vous trouverez un lien vers cela dans la description de la classe. Je ne vais pas trop parler dans cette classe proportions corporelles ou de la conception de personnages. L' accent ici est vraiment sur la représentation des émotions et la narration à travers les mouvements de vos personnages. Je vous encourage également à publier vos exercices et vos croquis de travail en cours dans la section projet de classe au fur et à mesure que vous allez, afin que nous puissions tous voir vos progrès, et laissez-moi savoir si vous souhaitez des commentaires spécifiques à n'importe quel stade, et je serai heureux de vous aider. Je suis tellement excité de voir votre création, donc si vous avez vos outils de dessin disponibles et un espace confortable pour travailler, alors je vous verrai dans la leçon suivante. 3. Comprendre le langage corporel: Avant de commencer nos exercices de pratique, je voulais passer en revue certains comportements courants du langage corporel afin que nous puissions les appliquer intentionnellement, quand il s'agit de dessiner nos expressions. langage corporel est défini comme les mouvements et postures conscients et inconscients par lesquels les attitudes et les sentiments sont communiqués. Vous pouvez généralement discerner beaucoup sur quelqu'un par la façon dont ils se déplacent et se comportent dans certaines situations, ce qui peut être un outil vraiment puissant lorsque votre narration pour communiquer des choses comme les émotions, statut social, la relation dynamique, et les sensations physiques. Lorsque vous lisez des émotions chez d'autres, nous regardons généralement d'abord le visage, qui est l'une des parties les plus expressives du corps. Nous pouvons reconnaître et nous rapporter à des contorsions spécifiques des muscles officiels et appliquer nos propres jugements sur ce que cette personne pourrait ressentir, tenant compte du contexte de la situation et en la reliant à nos propres expériences. Alors que le visage est extrêmement adapté à l'expression des émotions, notre langage corporel global aide à exagérer ou contredire ces expressions pour communiquer l'effet désiré. Ceci est réalisé grâce à une combinaison de posture, gestes des bras et de la main, et de mouvements des jambes et des pieds. Afin d'être acceptés dans les groupes sociaux, les humains tentent souvent de dissimuler leurs vrais sentiments. Ils peuvent mettre sur un faux sourire et essayer de mesurer langage corporel de leurs compagnons, par exemple. Bien que l'expression faciale soit importante lorsque l'on tente de lire les sentiments d'une personne, le corps dans son ensemble donne souvent des indices qui peuvent nous aider à déchiffrer les sentiments et les motivations avec plus de précision. Généralement, plus une partie du corps est loin de la tête, comme les mains et les pieds, plus il est difficile de contrôler et donc ces parties du corps peuvent être particulièrement révélatrices. Lorsque les gens se sentent mal à l'aise, par exemple, si nous sommes nerveux ou fatigués, nous avons tendance à utiliser beaucoup de comportements apaisants. Toucher nos visages et nos mains, nous frotter le nez, nous mordre nos lèvres ou nos ongles. C' est la façon dont le corps essaie d'équilibrer l'inconfort et de se sentir mieux par le toucher. Ces comportements pacifiants sont plus susceptibles de se produire autour des parties les plus sensibles du corps. C' est nos mains, le bout des doigts, le visage et les lèvres. Nous pourrions également frotter de grandes surfaces de notre peau, comme nos bras ou nos cuisses. Croiser nos bras agit aussi comme une sucette car nous protégeons notre zone de poitrine vulnérable et nous nous faisons un câlin en même temps. Parce que les pieds sont la partie du corps la plus éloignée de la tête, nous ne sommes pas toujours conscients de ce qu'ils font et donc ils peuvent être très honnêtes partie d'une personne. Surtout si l'individu tente de dissimuler ses émotions ailleurs dans le corps, nos pieds ont tendance à faire face à des gens ou à des choses qu'ils aiment ou où ils veulent être. Si vous parlez face à quelqu'un et que vous remarquez ses pieds face à vous, cela indique très probablement qu'ils sont mal à l'aise et souhaitent quitter la situation. La tête a également tendance à suivre cette règle. Face à des gens ou des choses qu'ils n'aiment pas, et regarder vers des objets ou des lieux d'intérêt. Les gestes de la tête nous disent aussi à quel point quelqu'un d'autre est agréable et en rapport avec nous. Comment ils sont engagés dans l'événement actuel, ou où se trouvent leurs véritables intérêts. En observant comment les gens agissent les uns envers les autres, vous pouvez commencer à comprendre ce qu'ils ressentent les uns envers les autres, d'eux-mêmes et de leur situation. En comprenant ces dynamiques, vous pouvez ensuite traduire ces connaissances dans vos dessins pour communiquer des relations intéressantes. Nous pouvons penser que les comportements du langage corporel sont divisés en deux groupes, le confort et l'inconfort. Avec un langage corporel confortable qui tend à être plus ouvert et détendu tandis que le langage corporel fermé et tendu communique l'inconfort. Quand un personnage est totalement à l'aise et se sent en contrôle d'une situation, il risque de s'étendre dans son environnement. Faites-vous paraître de plus en plus grand et laissez le torse et le cou ouverts et exposés dans une attitude intrépide. L' utilisation de ce comportement fait apparaître une personne affirmée, détendue et maîtrisée. D' autres seront plus susceptibles de respecter leur autorité et de leur faire confiance pour mener une situation. Cependant, ce langage corporel peut également être perçu comme arrogant et insolent dans certaines situations. Quand un personnage se sent nerveux et mal à l'aise, il se fait souvent paraître plus petit et essaie de détourner l'attention indésirable. Hongler leur posture et leurs épaules pour défendre leur cou, couvrir leur torse avec leurs bras ou leurs jambes, garder la tête basse et éviter tout contact avec les yeux. Ces comportements permettent au personnage de protéger ses zones vulnérables contre les agressions et d'éviter de provoquer l'agression chez les autres. Vous serez également susceptible de voir ces personnages agiter beaucoup et utiliser des comportements pacifiants pour se rassurer. En évaluant ces différents comportements au sein d'un groupe de personnes, vous pouvez souvent commencer à comprendre la dynamique du pouvoir et le statut social au sein de ce groupe. Avec ceux qui affichent des postures ouvertes et affirmées classent plus haut dans la hiérarchie de dominance, comparativement à ceux qui ont un langage corporel fermé et inconfortable. L' utilisation de ces comportements extrêmes dans vos dessins peut créer un contraste intéressant entre vos personnages, pour mettre en évidence ces dynamiques sociales et ces sentiments encore plus loin. En plus de communiquer des états émotionnels et psychologiques, le langage corporel peut également transmettre sensations physiques d'un individu telles que son niveau d'énergie, température corporelle, et si la personne souffre d'une douleur physique ou l'inconfort. Lorsque vous avez froid, vous pouvez envelopper vos bras autour vous-même et essayer de créer de la chaleur en frottant grandes parties du corps ou si vous ressentez une douleur physique quelque part dans votre corps, vous pouvez essayer de frotter en protégeant cette zone pour rendre vous vous sentez mieux. Si vous avez beaucoup d'énergie, vous pouvez utiliser beaucoup de mouvements expressifs rapides et exagérés, alors que si vous avez une faible énergie, vos mouvements seront très faibles et lents. mise en miroir est un phénomène qui se produit lorsque deux ou plusieurs personnes qui aiment commencent à imiter inconsciemment les autres comportements. Ils refléteront des expressions faciales telles que le sourire ou le bâillement, et copieront les comportements et les gestes du langage corporel. En affichant le comportement synchrone, les caractères communiquent qu'ils se sentent identiques les uns aux autres. Ces émotions partagées aident à établir l'empathie, confiance et la connexion, et ainsi crée ou renforce un lien fort entre les personnages. Nous avons tous différents espaces interpersonnels réservés aux personnes avec lesquelles nous partageons différents niveaux de proximité. Avec ceux que nous sommes les plus proches, comme la famille et les partenaires étant autorisés extrêmement proches de nous, avec peut-être beaucoup de contact physique impliqué, alors nos amis encore proches mais peut-être pas touchants, des connaissances plus loin, étrangers encore plus loin, et ceux que nous n'aimons pas ou dont nous avons peur, essaieront d'éviter et de nous éloigner autant que possible de nous. Parfois, nos espaces personnels seront violés, ce qui peut déclencher des sentiments de tension et conduire à un conflit possible. Ceci est principalement basé sur la confiance. Ceux en qui nous avons entièrement confiance pour ne pas nous nuire physiquement ou émotionnellement, sont autorisés à nous rapprocher de nous qu'ils aiment, tandis que ceux en qui nous ne faisons pas confiance ou qui nous méfions activement, nous serons tenus aussi loin que possible de nous. . Vous pouvez utiliser ce sentiment de proximité ou de distance pour indiquer à quel point vos personnages se connaissent et se font confiance, ou pour créer un sentiment de tension entre les personnages. Bien qu'une grande partie de notre langage corporel soit instinctif, beaucoup de comportements qui se produisent très naturellement pour nous sont en fait culturels. Ce qui signifie qu'ils sont des comportements appris qui dépendent des traditions et des habitudes de notre environnement et de notre éducation. Prenez les salutations, par exemple, il existe de nombreuses variantes différentes de cette expression dans le monde, et chaque culture a sa propre étiquette sociale envers eux. Quelques exemples sont de s'embrasser dans les joues, de se serrer la main, de s'incliner, de s'agiter ou de s'étreindre. Ensuite, il y a beaucoup de variantes sociales qui dépendent de la façon dont vous connaissez la personne, combien de temps est écoulé depuis que vous les avez vues, si vous vous rencontrez pour la première fois, leur sexe, leur âge et leur statut social dans vous concerne. autres langages corporels culturels à prendre en compte comprennent les gestes de la main, les mouvements de la tête , les positions assises, ainsi que divers niveaux socialement acceptables de contact visuel et de contact physique. Je n'ai vraiment gratté la surface ici, mais j'espère que cela vous donne un bon aperçu avec lequel vous pouvez commencer à remarquer différents comportements et toutes les nuances et significations impliquées. En observant les humains interagissant les uns avec les autres et avec leur environnement, vous serez de plus en plus conscient des gestes et des comportements liés aux différentes expressions, et serez en mesure de les intégrer dans vos dessins pour créer travail plus émotif. Maintenant que nous avons appris un peu sur la communication du langage corporel, passons aux exercices de classe où nous pouvons commencer à appliquer et explorer ces expressions plus loin. 4. Exercice : des sacs de farine: Dans cet exercice, nous allons dessiner des sacs de farine et leur appliquer de l'émotion. Cet exercice est couramment utilisé pour former des étudiants en animation, car il vous permet d'appliquer plusieurs techniques importantes dans un design simple. Bien que ce ne soit pas un cours d'animation, je pense que c'est utile pour nous parce que de cette façon nous pouvons commencer à explorer l'expression et la posture, sans avoir à nous soucier de dessiner l'anatomie ou des conceptions complexes à ce stade. Pour commencer, dessinons notre sac à farine de base, qui est composé d'une forme rectangulaire conique, qui devient légèrement plus large vers le bas, et il a ces quatre petites attaches autour des coins. Vous pouvez également ajouter quelques lignes pour indiquer le tissu du sac. Ensuite, je vais juste définir la forme un peu plus en ajoutant quelques courbes. Nous avons ce poids lourd à la base et vous pouvez penser que ce sac de farine est vraiment malléable et extensible. Nous allons puiser totalement de l'imagination dans cette leçon. Tout d'abord, je veux juste que tu essaies de dessiner un sac de farine sous différents angles et positions, et que tu joues avec la façon dont il bouge. Je vais commencer ma première pose juste en commençant par une courbe, et je vais construire la posture de mon sac autour de ça. J' utilise des tas de courbes ici, pour définir le mouvement de cette pose. Vous pouvez voir comment j'ai construit ma forme autour de cette courbe initiale. Ensuite, je vais juste ajouter une couture sur le côté ici, pour aider à montrer la direction de cette pose. J' ajoute aussi quelques rides dans le matériau du sac de farine, pour montrer le regroupement du tissu là-bas. Ensuite, je suis juste en train d'améliorer et d'ajouter quelques courbes et de donner cette forme globale, jusqu'à ce que nous soyons un peu plus intéressés. Déjà, vous pouvez voir qu'il y a un peu d'expression à travers ici, juste en ayant appliqué un sens de la posture et du mouvement. Dans cette prochaine pose, je vais commencer par une courbe en forme de C pour créer une pose plus tombante. Encore une fois, je dessine ma forme de sac de farine autour de ça. Vous pouvez penser à ces petites cravates en bas comme étant des pieds, puis les cravates en haut peuvent représenter des mains ou des oreilles en fonction de l'expression. J' amène la partie supérieure du sac thoracique dans cette position inclinée, et puis j'exagère le poids à la partie inférieure du sac pour transmettre cette sensation de déjection lourde. Encore une fois, je commence par une ligne courbe pour définir le flux général de la pose. C' est aussi connu sous le nom de ligne d'action. Vous pouvez simplement jouer avec cela et après avoir fait quelques-uns de ces dessins, vous commencerez à voir une variété d'expressions qui viennent à travers en fonction de la façon dont vous vous déplacez et posez votre sac de farine. Vous pouvez voir que je suis vraiment rude et grossier avec mes lignes, donc je ne vise pas du tout la perfection ici. C' est juste un échauffement pour nous mettre dans le swing des choses, alors amusez-vous et jouez et expérimentez. Dans cette pose, je joue avec la répartition du poids, en rendant mon sac de farine lourd pour aider à exagérer cette expression fière et dominante. Vous pouvez voir que j'ai déménagé de cette façon du bas de notre conception initiale à la partie supérieure du sac de farine dans cette pose, juste pour améliorer cette expression. C' est autre chose avec laquelle tu peux jouer. Nous pouvons aussi penser à contrapposto dans ces poses. Généralement, dans l'anatomie humaine, si les hanches reposent à un angle, alors l'angle des épaules tourne également en opposition à cela, ce qui crée une légère courbe dans le torse. C' est une technique assez utile que nous pouvons appliquer, afin de transmettre des mouvements plus naturels dans nos poses. Je suis en train de frotter certaines de ces marques d'esquisse au fur et à mesure que je vais, pour rendre ces expressions plus claires. Mais en général, je garde juste tous ces dessins très lâches et croquis. Je vais rendre tous ces dessins un peu plus petits maintenant, sorte que j'ai plus de place sur la page pour dessiner plus de ces expressions. N' hésitez pas à dessiner autant de ces poses que vous le souhaitez, et étirez votre imagination ici. Il peut être tentant dans cet exercice de simplement copier les poses que je dessine puisque nous ne travaillons pas à partir de référence, mais je pense que vous en obtiendrez plus si vous utilisez votre propre imagination et essayez de trouver des poses uniques de votre propre esprit. Une autre technique pour jouer avec, est écraser et étirer votre sac de farine. Ici, je suis vraiment étirer et allonger mon sac de farine à sa limite, ce qui crée une pose tout à fait extrême. Vous pouvez sentir qu'il y a un sentiment de mouvement énergique ici. J' ajoute quelques rides juste pour ajouter à la tension, et je rends les déchets un peu plus mince, juste pour vraiment améliorer cet étirement. Je vais créer une pose vraiment écrasée maintenant. Cela va être beaucoup plus large et plus ridé que la pose précédente. Je pousse ça à l'extrême opposé. Vous pouvez jouer avec un peu de torsion ainsi et essayer de dépeindre un sens du mouvement dans vos poses. Même si ce sont des dessins statiques, je pense qu'il est amusant d'essayer de capturer un mouvement qui ajoute au sens du drame ou immobilité ou tout ce que vous voulez obtenir à travers vos poses. Essayez également d'éviter la symétrie dans ces dessins. Vous pouvez voir comment nous avons une pose très symétrique dans notre conception initiale et il semble assez rigide et ennuyeux par rapport à tous nos autres dessins ici, qui sont pour la plupart asymétriques. Je ne dis pas que vous ne devriez jamais utiliser la symétrie dans vos expressions, mais généralement, les poses asymétriques semblent beaucoup plus naturelles et dynamiques. La symétrie peut être utilisée intentionnellement si vous voulez créer un sentiment de stabilité et de force, mais sinon, ce n'est généralement pas si intéressant à regarder dans une pose. Je vais juste continuer avec ces poses et essayer d'exagérer vraiment mes expressions et de transmettre différentes émotions et étirer ma créativité avec ce design. Si vous voulez aller plus loin dans cet exercice, alors vous pouvez essayer d'avoir votre sac de farine interagir avec d'autres objets ou d'autres sacs de farine et voir combien d'expression vous pouvez communiquer par ces interactions. Mais sinon, nous allons le laisser là pour cette leçon. Regardez combien d'expression nous avons pu transmettre juste à travers ce design très basique. Si nous pouvons communiquer tout cela à travers un objet sans visage, sans limbe et inanimé, alors imaginez combien d'expression nous allons pouvoir transmettre quand il s'agit de dessiner nos personnages plus tard. Une fois que vous êtes prêt, passons à l'exercice suivant. 5. Exercice : un dessin d'observation: Dans cet exercice, nous allons choisir un film ou une série télévisée et faire des études rapides sur les gestes et le langage corporel des acteurs. Allez-y et choisissez n'importe quel film d'action en direct ou spectacle que vous aimez pour cet exercice, ou peut-être même juste une scène spécifique ou une vidéo YouTube. Mais je recommande d'utiliser quelque chose qui contient une quantité raisonnable d'interaction entre les personnages et de préférence un que vous avez vu auparavant juste pour que vous soyez moins susceptible d'être distrait par l'histoire. Pour cet exercice, j'ai choisi d'étudier dans le film La La Land. C' est un film assez théâtral. Il y a beaucoup de clichés qui montrent le corps entier et les expressions exagérées. Vous pouvez trouver certains films plus difficiles à tirer s'ils se concentrent principalement sur les gros plans du visage, mais tout dépend du genre et du style de l'endroit où vous étudiez. Soyez conscient de cela lorsque vous faites votre sélection. Fondamentalement, ce que je veux que vous fassiez, c'est parcourir votre film et mettre en pause l'écran à des moments que vous sentez transmettre un langage corporel intéressant, puis faire des croquis rapides des personnages. Je me donne environ quelques minutes pour chaque étude afin que je puisse me concentrer sur l'essence principale des poses et essayer reproduire les mêmes expressions que les acteurs transmettent. Ici, je commence par ébaucher la forme de la tête et ensuite cartographier une forme rugueuse pour cette zone de l'épaule et de la poitrine. Je vais esquisser en quelques lignes pour définir le positionnement des bras. Ensuite, je suis vraiment en train d'esquisser les gestes de la main avec une forme pour la paume et des lignes pour les doigts, et de remarquer les objets ou accessoires que le personnage pourrait interagir avec, par exemple, ce morceau de papier qu'elle tient. Je vais d'abord ajouter plus de détails à ces gestes de la main parce que c'est vraiment ce que je pense être le moteur de cette expression. Ensuite, je vais construire à l'avant-bras un peu plus autour ces lignes initiales et des formes des bras et du torse. Puis une fois que j'ai défini la pose globale, je vais détailler ces traits du visage, en remarquant l'expression subtile sur son visage et ensuite j'ajouterai quelques détails aux cheveux pour compléter ce croquis. Enfin, je suis juste en train de définir cette posture dans la région de la poitrine un peu plus. Dans cette prochaine pose, je suis en train d'arracher la tête, marquant la zone de l'épaule qui est assez tendue et tirée près de la tête. Ensuite, je cartographie les gestes du bras et de la main et la posture globale. Ensuite, j'irai et j'exalterai ces formes. Je suis en train de marquer ces gestes de la main et de définir la zone du torse. Puis je dessine cette expression faciale surprise et puis les cheveux. Je le garde vraiment rude et simple et j'essaie juste d'observer ces mouvements et de comprendre comment ils affectent le sentiment général véhiculé. Dans cette prochaine capture d'écran, nous avons un peu d'interaction des personnages en cours. Je vais d'abord dessiner le personnage principal, et remarquer les angles de ces avant-bras et comment ces mains se tiennent. C' est une sorte de pose protectrice avec ces bras couvrant la zone du torse et les mains s'agrippant d'une manière pacifiante. Elle regarde de côté vers son amie, donc nous pouvons dire avec confiance que c'est là que son intérêt et son attention sont en ce moment. C' est presque une pose gaspillée. Alors, contrairement à cela, son amie dépeint un langage corporel plus dominant avec une main sur sa hanche et regarde vers le bas sur le personnage principal. Je capture le contact visuel entre les deux là aussi. Puis remarquant comment elle se penche vers l'arrière avec sa main reposant sur la hanche et l'autre main tenant les lunettes de soleil. Cette pose très confiante contraste beaucoup l'autre personnage avec son langage corporel fermé. Utiliser un contraste similaire de comportements entre vos personnages peut fonctionner vraiment efficacement si vous voulez mettre en évidence certaines différences entre leurs attitudes et leurs sentiments. Pour la pièce de dessin, il s'agit simplement de cartographier grossièrement le flux général de la forme du corps, de la posture et de la silhouette avec des lignes et des formes vraiment rugueuses, puis de les définir un peu plus avec des détails et des corrections si nécessaire. Mais gardez-le bien, gardez-le vite. Essayez simplement d'observer ces mouvements et de comprendre comment ils affectent le sentiment global véhiculé. Dans beaucoup de ces alambics, vous ne pourrez pas voir le corps entier, mais vous serez en mesure de vous voir assez des gestes nécessaires pour communiquer le sentiment et l'émotion à ce moment de l'histoire. Je dessine toujours l'expression faciale en dernier pour qu'elle coule parfaitement avec le reste de la pose. Pendant que je fais ces études, je me pose des questions comme, comment cette personne est debout ou assise, quelle est sa posture, où portent-ils leur poids, utilisent-ils des langage corporel, que font leurs mains et leurs pieds, et dans l'ensemble, quel est le sentiment principal et l'impression que je reçois de cette pose ? Il s'agit de bien plus que de copier ce que vous voyez à l'écran. Vous devez vraiment analyser ce que vous dessinez et établir des liens entre les gestes qui sont faits et les sentiments qui sont communiqués. Lorsque vous étudiez les interactions entre deux personnes ou plus, vous pouvez voir comment ces personnages jouent uns les autres et influent sur les comportements de l'autre. Vous pouvez remarquer s'il y a peut-être un miroir en cours ou peut-être qu'il y a un fort contraste ou un conflit entre les comportements du langage corporel qui attire l'attention sur attitude particulière d'un personnage envers quelqu'un ou quelque chose. Vous pouvez vous demander, qui a le pouvoir ou la concentration dans cette scène, comment les personnages se sentent-ils les uns envers les autres, comment se sentent-ils d'eux-mêmes, et quel est leur langage corporel qui vous fait arriver à cette conclusion ? Il y a beaucoup plus à penser que ces mouvements externes parce qu'ils communiquent beaucoup sur ce qui se passe à l'intérieur de la tête de ce personnage. En étudiant de cette façon, nous pouvons observer comment ces émotions sont exprimées par les acteurs de la narration, et nous pouvons utiliser ces connaissances plus tard quand il s'agit de poser nos propres personnages. Nous pouvons observer comment ces personnages utilisent leurs mains, leur posture, leurs expressions faciales et leur langage corporel global pour communiquer leurs sentiments et commencer à reconnaître beaucoup d'actions subtiles qui contribuent à la cueillette du spectateur sur ces sentiments. Parce que notre reconnaissance du langage corporel est généralement un acte subconscient, cette méthode d'étude nous aide vraiment à identifier tous les gestes et comportements subtils que nous pourrions autrement négliger. En plus d'étudier le comportement du langage corporel dans cet exercice, nous pouvons également commencer à observer comment il peut être utilisé dans un contexte narratif à grand effet. Ne pensez pas que vous devez passer par un film entier ou un épisode. Vous pouvez simplement vous concentrer sur une scène particulière ou sur quelques scènes provenant de sources différentes. Vous pouvez également étudier à partir de différents genres, juste pour analyser toute une gamme d'humeurs et d'interactions différentes. Je vous recommande également de ne pas rendre vos dessins trop gros parce que vous serez peut-être tenté d'ajouter plus de détails. En rendant ces études de petite taille, vous allez simplement capturer les ingrédients essentiels du geste, ce que nous voulons. Essayez de ne pas rester coincé à perfectionner une pose aussi. Il suffit de rester rugueux et de passer aux prochaines. Chaque fois que vous le faites, vous vous détendrez un peu plus et pourrez vous concentrer davantage sur l' analyse des mouvements et des gestes plutôt que sur vos dessins. Vous pouvez voir que dans ces études, j'ai réussi à capturer un large éventail d'expressions et d'interactions différentes, et chacune d'entre elles me transmet des sentiments clairs. J' ai capturé des conflits, des conversations engageantes, des interactions maladroites, du flirt, gêne et du gaspillage entre autres. Une fois que vous avez fait vos études, prenez le temps de réfléchir à vos dessins et essayez d'identifier les sentiments qu'ils communiquent. Plus important encore, comment ces sentiments particuliers sont véhiculés par certains gestes et comportements. Une fois prêt, passons à l' exercice suivant où nous dessinerons des expressions faciales. 6. Exercice : expressions faciales: Dans cet exercice, nous allons dessiner des expressions faciales. Les visages sont l'une des parties les plus chères du corps. En tant qu'humains, nous sommes vraiment habiles à les lire. Chaque fois qu'il y a un visage dans une scène, nous allons naturellement être attirés vers elle et essayer de déchiffrer ce qu'ils communiquent. Je vais d'abord décomposer six expressions faciales que nous pouvons utiliser comme base pour créer tout un éventail d'émotions, puis nous allons utiliser cette connaissance avec quelques photos de référence pour créer des expressions stylisées. Commençons par le bonheur. Ceci est caractérisé par un sourire où les coins des lèvres s'élèvent en diagonale, poussant les joues et créant des rides des pattes d'oie aux coins extérieurs des yeux. Avec les muscles serrés autour des yeux, les ivoires sont généralement détendus dans une position neutre. Un vrai sourire aura toujours ces pattes d'oie et les yeux serrés. Donc, si vous voulez dépeindre un faux sourire à la place, vous pouvez exclure ceux-ci et juste montrer le mouvement de la bouche. Une expression triste est caractérisée par une élévation des coins internes des sourcils et les coins des lèvres tirés vers le bas. Le signe le plus révélateur d'une expression triste est ce soulèvement interne du front, ce qui est vraiment difficile à simuler. La colère apparaît comme un tirant vers le bas des sourcils, un resserrement des lèvres, et les lèvres régnant vers l'intérieur. Cela sert généralement d'avertissement aux autres. Dans une expression de dégoût, nous voyons les sourcils tirés vers le bas, le nez ridé, la lèvre supérieure tirée vers le haut, et les lèvres lâches. Cela sert généralement à protéger le passage nasal contre vapeurs dangereuses et protège également les yeux. Une expression effrayante est une réponse à un événement effrayant qui montre les sourcils qui sont tirés vers le haut, et ensemble, les yeux s'élargissent et la bouche tendue ouverte. Cette expression est essentiellement de préparer le corps pour le combat ou le vol que l'œil a pris autant d' informations sur la situation qu'ils peuvent et puis la bouche respire grands haltères d'air prêt pour le corps à réagir. Surprise est une expression extrêmement brève qui nous permet de nous imprégner de notre environnement et de nous déplacer rapidement. C' est une expression très similaire à la peur avec les yeux élargis et la bouche ouverte. Cependant, les sourcils apparaîtront plus courbes et la mâchoire plus détendue. Que la surprise soit bonne ou mauvaise, l' expression est la même avant de se transformer rapidement en une autre expression car la personne est capable de juger de sa situation. dehors de ceux-ci que je viens de décrire, il y a une vaste gamme d'expressions différentes, dont la plupart peuvent être comblées en combinant différents éléments de ceux-ci. Passons maintenant à notre exercice où nous allons utiliser le visage d'un de nos dessins de personnages et les dessiner avec plusieurs expressions différentes. Choisissez l'un de vos personnages pour lesquels vous voulez dessiner des expressions, et si vous n'avez pas encore de design, alors vous pouvez simplement dessiner un visage vraiment simple pour l'instant pour pratiquer ces expressions. Vous pouvez également aller de l'avant et rassembler quelques images de référence de différentes expressions à partir desquelles vous pouvez puiser. Vous pouvez choisir n'importe quelle expression ici. Tu n'as pas à suivre les mêmes que ceux que j'ai choisis. En commençant par dessiner la forme principale du visage, qui dans ce cas est un cercle, et je vais dessiner dans quelques réticules pour marquer où traits du visage vont se situer sur cette sphère. J' ai essentiellement tracé une ligne horizontale autour de la forme de la tête où les yeux vont aller et une ligne verticale pour marquer le milieu du visage où le nez sera. Ensuite, je définit la forme du visage un peu plus en dessinant dans l'oreille, puis dans le cou, et puis je bloque la forme de mes personnages ici. Ensuite, je peux commencer à dessiner dans les traits du visage. Ce sera une expression neutre. Je dessine le nez à peu près là où j'ai marqué cette ligne verticale au centre du visage, puis je vais dessiner les yeux le long la ligne horizontale et essayer de garder les yeux cohérents les uns avec les autres. Ensuite, je peux dessiner dans la bouche et les sourcils pour correspondre au positionnement de mes yeux et de mon nez. J' aime dessiner ma bouche légèrement sur le côté du visage, mais c'est juste ma préférence stylistique. Alors dessinez ce qui vous convient et à votre style. Généralement, les yeux sont placés à mi-chemin vers le bas de la tête et le nez s'alignent à peu près à l'endroit où se trouve l'oreille, et la bouche est placée à mi-chemin entre le menton et le nez. Mais ces proportions ne sont pas fixées dans la pierre, sorte qu'elles peuvent facilement être stylisées pour créer des caractéristiques vraiment uniques et des designs de visage. Je suis juste en train d'ajouter un peu plus de forme et de définition à l'espace afin que ce ne soit pas aussi sphérique, et puis je suis juste en train de définir quelques détails. Je vais ajouter une ombre sous le menton pour créer une certaine profondeur entre le visage et le cou, puis j'ajouterai quelques détails dans les cheveux, puis je vais juste dessiner la zone trapèze où le cou se fixe aux épaules. Une fois votre expression neutre dessinée, nous pouvons passer à la pratique d'émotions différentes pour le même personnage en suivant librement quelques photos de référence. Chaque fois que je dessine mon personnage, je commence par un cercle rugueux pour le visage, puis je dessine ces réticules pour définir le placement des entités, puis je dessine le cou. Je vais dessiner une expression surprise ici. Je vais commencer par dessiner dans cette bouche ouverte. Puisque la mâchoire va être ouverte ici, le visage va s'allonger et s' étirer un peu avec ce mouvement de la mâchoire. Je vais changer légèrement la forme du visage pour montrer cet étirement. Ensuite, je dessine dans les yeux et je les dessine un peu plus loin au-dessus la croix horizontale ici parce que je pense que cela aide à ajouter à l'étirement de regarder cette expression. Alors je dessine les sourcils. L' une des principales caractéristiques de cette expression est la façon dont les yeux sont montrés. Puisque je n'ai que des points pour les yeux vraiment et une ligne pour les cils, je dois les séparer pour créer ce regard élargi. Ensuite, je vais aussi repositionner ces sourcils pour qu'ils soient vraiment étirés aussi bien. On a l'expression moyenne ici maintenant, et ensuite on peut juste nettoyer certaines choses et ajouter des détails supplémentaires à leur tête comme les cheveux, et ensuite je vais jouer plus loin avec cette forme de bouche. Je voulais montrer cette bouche ouverte, donc je vais la colorer principalement en noir, et ensuite je vais effacer quelques petites lignes pour montrer un peu ces dents. Je pense que les sourcils semblent perdus dans cette frange, donc je vais les séparer les uns des autres pour faire ressortir le mouvement des sourcils. Parce que je ferme la bouche, un peu la mâchoire n'est plus aussi tendue, donc je vais arrondir la zone du menton pour rendre ce regard un peu plus crédible. Enfin, j'ajouterai une ombre sous le menton et quelques lignes dans les cheveux pour aider à recréer la ressemblance de mon personnage. En fait, je vais changer où elle cherche, donc je vais juste ajouter des lignes pour définir le bas de l'œil afin qu'elle puisse regarder vers le bas. N' ayez pas peur d'ajouter plus de détails qui ne sont pas dans votre conception originale s'ils veulent vous aider à transmettre cette expression plus loin. L' expression suivante que je vais dessiner est la tristesse. Je dessine son visage en regardant vers le bas et son menton se glisse dans son cou. On peut voir plus du haut de la tête en regardant vers le bas. Je vais la faire fermer les yeux, donc je dessine des courbes vers le bas, puis le nez, et sa bouche est une autre petite courbe vers le bas. L' une des principales caractéristiques de la tristesse est que les sourcils internes lèvent. Je dessine ça avec les sourcils courbés vers le haut alors qu'ils se rencontrent au milieu du visage. Parfois, vous verrez un peu une ligne au milieu des sourcils ici en fonction de l'intensité de cette émotion. Je vais juste dessiner ça, puis je vais juste te dire quelques choses ici avec l'outil gomme. Je vais en fait déplacer un peu le cou vers l'arrière et ensuite définir quelques détails supplémentaires. J' ajoute cette ombre au cou et quelques lignes dans les cheveux. D' accord. L'expression suivante sera le bonheur. Pour cette expression, je vais avoir notre regard vers le haut en contraste avec le regard précédent. Vous pouvez voir que j'ai placé ce réticule horizontal beaucoup plus haut pour montrer ce levage de la tête, et nous voyons moins de cheveux cette fois que la tête est soulevée. Je vais dessiner dans le nez et ensuite je vais dessiner des courbes vers le haut pour les yeux. Nous contrastons littéralement cette expression triste précédente en retournant la position de la tête et ces courbes oculaires. Alors je vais juste définir la forme du visage ici. Les sourcils vont aussi être assez courbes et je vais lui donner un grand sourire, qui est également composé de courbes orientées vers le haut. Quand nous sourions, les lèvres supérieures sont éloignées plus loin du visage afin qu'elles apparaissent un peu plus près de notre nez que lorsqu'elles sont dans une position neutre. Les joues sont également poussées vers le haut et cela pousse nos oeillets inférieurs. Si nous voulons intensifier ce sourire, nous pouvons noircir l'intérieur de la bouche et simplement montrer la rangée supérieure de dents pour créer un sourire ouvert. Ensuite, je vais juste aller de l'avant et définir tous les autres détails. La prochaine expression que je vais dessiner est la peur. Encore une fois, je vais juste noircir la forme de la tête et les cheveux, d' abord, puis ces réticules. Je vais dessiner la bouche légèrement ouverte et courbe vers le bas. Les sourcils vont être tirés vers le haut et ensemble d'une manière similaire à l'expression triste précédente, et je vais montrer ces yeux qui s'élargissent. Encore une fois, je vais noircir cette bouche pour montrer qu'elle est ouverte et laisser une rangée de dents blanches en haut. Pour moi, cette expression n'est pas vraiment effrayante pour le moment. Je pense que ça ressemble un peu plus à la gêne, donc je pense que nous devons définir l'élargissement de l'œil un peu plus et mettre en évidence ces sourcils en déplaçant la frange hors du chemin. Vous pouvez voir que je refais juste ces sourcils un peu pour qu'ils soient plus évidents, et j'ajoute aussi une ligne au bas des yeux pour exagérer ce blanchiment. Je vais juste élargir la bouche aussi. Ces changements subtils peuvent vraiment aider à améliorer l'humeur de votre expression. Ensuite, jeter un regard critique sur votre expression et vous demander ce qu'elle vous communique va vous aider aussi parce que vos expressions devraient idéalement être vraiment évidentes quant à ce que l'émotion dépeint. Si ce n'est pas le cas, vous pouvez vraiment dire assez rapidement, puis vous aurez besoin de comprendre quel est ce dessin de l'expression afin que vous puissiez le réparer. Vous pouvez voir que ces expressions de surprise et de peur sont vraiment similaires. Sauf dans mon expression effrayante, j'ai courbé la bouche vers le bas un peu pour communiquer ce mécontentement et aussi les différentes sculptures des sourcils font une grande différence. L' émotion suivante est la colère. Avec colère, je vais incliner un peu la tête vers le bas, rétrécir les yeux, et dessiner les sourcils tirant vers le bas. Ils ont presque créé une forme de V comme ils ont tiré vers le bas vers le centre du visage. Je vais juste attirer les cheveux. En raison de cette tension dans les sourcils, vous obtiendrez ce pli apparaissant entre eux au-dessus du nez. Je vais exagérer cette tension en pointant les sourcils encore plus loin, et vous pouvez jouer sous différentes formes de bouche dans vos expressions. Je pourrais avoir un côté de la bouche arqué vers le haut de manière agressive, mais je pense que je vais garder les lèvres fermées dans cette expression particulière. Il y a beaucoup de façons différentes que vous pouvez faire varier ces expressions et les intensifier ou les rendre plus subtiles en jouant avec les courbes des sourcils et des paupières et en essayant différentes formes de bouche. Il est utile d'expérimenter différentes variations de la même émotion juste pour garder les choses intéressantes avec vos personnages. Dessinons une dernière expression, donc nous allons chercher un regard sceptique ici. C' est une expression assez asymétrique avec un côté du visage plus tendu, tandis que l'autre est plus détendu. Les sourcils coulent les uns avec les autres avec un angle vers le haut, puis coulent dans la forme plus incurvée du second sourcil. Je vais dessiner cette bouche dans un angle courbé vers le bas de l'autre côté du visage. Vous pouvez continuer à faire cet exercice avec autant d'expressions que vous le souhaitez, et vous pouvez essayer d'en tirer de l'imagination aussi. Il suffit de jouer avec elle et de voir ce qui fonctionne pour vous. Quand tu seras prêt, on passera à dessiner la main. 7. Exercice : structure de la main: Maintenant, il est temps de s'entraîner à dessiner des mains. Je sais que c'est un domaine que beaucoup d'artistes évitent parce que c'est certainement l'un des domaines les plus complexes de l'anatomie. Mais une fois que vous parvenez à surmonter cet obstacle et à trouver des moyens simplifiés de dessiner la main, cela aidera à améliorer considérablement votre travail. Vous constaterez également que vous avez plus de liberté pour dessiner des positions et des expressions que vous auriez pu éviter autrement, et votre travail deviendra beaucoup plus riche. Donc je vais tout d'abord décomposer l'anatomie de la main afin que nous puissions commencer à y penser en termes de forme et de construction. Ensuite, nous allons étudier quelques gestes de la main. Tout d'abord, nous allons dessiner la structure de la main. Dessinons une forme carrée arrondie pour former notre paume. Ensuite, notre paume peut être divisée en deux à peu près. Nous pouvons dessiner ces deux morceaux charnus de chaque côté de notre paume avec la partie charnue qui touche le pouce étant un peu plus large. Ensuite, nous pouvons attacher notre poignet qui est légèrement plus mince que la paume. Pour les doigts, j'aime commencer par dessiner une forme de mitaine avec un point vers le haut où sera notre majeur. Notre majeur est le plus long et il est généralement de la même longueur que notre paume, donc vous pouvez vérifier grossièrement ces mesures. Ensuite, nous pouvons diviser cette forme de mitaine en quatre doigts et rimer du bout des doigts ici. Vous pouvez regarder votre propre main pour référence pendant que vous faites cela, juste pour estimer ces mesures et la hauteur des doigts et penser à la relation particulière de chaque doigt avec les autres. Je vais aussi dessiner quelques petits plis ici où ces doigts s'attachent à la paume. Vous pouvez voir qu'ils apparaissent sous forme de lignes diagonales courtes, alors nous pouvons dessiner dans notre pouce. J' aime penser que le pouce fait presque partie de cette plus grande partie charnue de la paume et qu'il sort de la paume à mi-chemin vers le bas des doigts. Si vous appuyez sur votre pouce en plus de vos doigts, vous pouvez voir qu'il pivote légèrement au-dessus de l'endroit où les doigts commencent. Vous pouvez utiliser cette technique lorsque vous dessinez votre pouce en dessinant une courbe pour imiter ce pivot. Notre pouce a deux jointures et il y a aussi une articulation à côté du reste là-bas. Nous pouvons dessiner quelques plis de chaque côté de ces deux jointures et ensuite nous pouvons également attacher ce pouce à la paume avec un peu de peau large là-bas. Je vais arrondir un côté un pouce et le côté opposé où l'ongle est un peu plus plat, sorte que vous pouvez reconnaître très clairement quelle direction le pouce fait face. Je vais rapidement nettoyer ça un peu et ensuite nous pouvons dessiner dans les plis de nos doigts. Notez que ces doigts se rejoignent dans un peu de courbe, il n'y a pas de vraies lignes droites dans la main, il est principalement constitué de courbes. Nous pouvons grossièrement diviser chaque doigt en tiers avec trois plis sur le côté opposé de chaque jointure. Remarquez à nouveau comment ces plis s'écoulent dans une courbe entre les doigts. Je vais aussi aller de l'avant et définir ces doigts un peu plus maintenant. On a aussi un peu plus charnu dans la paume, sous chacun des doigts. Avec toutes ces parties charnues surélevées, cela crée un plongeon au milieu de la paume. Je vais aller de l'avant et nettoyer tout ce sketchiness. En regardant cela maintenant, je pense que j'ai dessiné le pouce un peu grand, donc je vais juste ajuster cela avec l'outil de sélection. Dessinons le dos de la main maintenant avec les doigts écartés cette fois. Nous pouvons commencer de la même manière en dessinant cette forme carrée arrondie , puis quand nos doigts s'étendent vers l'extérieur, vous pouvez voir qu'ils forment une forme de ventilateur avec tous ces tendons sortant d'environ le même point vers le reste. Notez également la courbe qui se forme entre ces doigts, et n'oubliez pas de tenir compte des différentes hauteurs de vos doigts. Nous pouvons simplement dessiner un peu de saucisses pour commencer, ce qui rend le majeur plus grand et notre doigt plus petit. Une autre chose à remarquer lors du dessin ces doigts tendus est l'agitation qui apparaît entre eux. Ils ne sont pas tous complètement groupés, nous avons un petit écart entre chacun de nos doigts. Nous pouvons imaginer de l'autre côté de notre main que nous avons notre pouce attaché à cette partie charnue de la paume, qui sort vers le côté. Je vais étirer ce pouce un peu plus sur ce dessin, donc il est presque sculpté en arrière légèrement ici. Je vais dessiner dans le reste de ce plus étroit ici encore. Nous avons aussi des os et des parties noblement et le reste, que vous pouvez parfois voir, mais cela dépend du positionnement de la main et aussi des différents types de corps. Mais en général, lorsque vous dessinez des mains stylisées, vous n'avez pas besoin de vous en soucier trop. Nous allons dessiner les jointures et sur ces doigts en divisant chaque doigt environ en tiers. Ensuite, je vais définir les formes des doigts un peu plus avec des lignes plus audacieuses. Vous pouvez voir en réalité ces doigts ont beaucoup de courbes et ont tendance à gonfler vers l'extérieur autour des jointures, mais je ne vais pas m'embêter à entrer dans autant de détails ici. Je vais dessiner les ongles et aussi avec quelques formes ovales en haut des doigts. Sur le pouce, nous ne pouvons pas vraiment voir cette articulation inférieure trop à cause du positionnement du pouce ici. Je ne m'embêterai pas à dessiner et je dessinerai aussi la vignette. Dessiner cette partie charnue de la main qui frappe. Vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de morceaux dans la main que nous devons être conscients et c'est une partie vraiment complexe du corps à dessiner juste parce qu'il y a tellement de positions que nous pouvons placer la main dans. Mais une fois que vous avez une compréhension des formes qui forment la main et des mouvements qu'ils pourraient faire, alors il commencera à devenir plus facile de les dessiner. C' est à peu près la structure principale couverte. Passons maintenant à dessiner des gestes de la main. 8. Exercice : gestes de la main: En préparation de cette leçon, j'ai pris un tas de photos de ma main dans divers postes, donc j'ai ajouté ces photos aux ressources de la classe si vous voulez aussi étudier à partir d'eux. Sinon, vous pouvez faire des études à partir de photos en ligne ou de sites Web comme line-of-action.com. Pour ces études, je ne vais pas me donner une limite de temps stricte. Je vais prendre probablement 5-10 minutes en dessinant chaque geste de la main et juste essayer de comprendre la façon dont la main travaille pour former ces poses. Commençons par notre premier geste. Quand je commence le dessin, je cherche les formes très basiques qui composent l'image, et j'aime remarquer les courbes, donc en remarquant comment ces doigts coulent les uns dans les autres pour former une forme. Ici, je suis en train de cartographier toute la forme de cette section de doigt et ensuite je dessine en position de pouce. Quelque chose d'important à savoir sur ce pouce est son plan de mouvement. Votre pouce peut être aligné sur la paume, mais il peut également tourner et se plier vers l'intérieur dans cette zone de paume. C' est pourquoi j'aime penser à cette partie charnue de la paume comme faisant partie du pouce, parce que vous pouvez voir que lorsque le pouce pivote vers l'avant, cette partie de la paume se déplace avec le pouce. C' est pourquoi il peut être si utile d'étudier vos propres mouvements sous différents angles afin que vous puissiez avoir une idée de ce qui se passe dans cet espace 3D. Ce qui se passe ici, c'est que notre pouce soit plat contre la paume, le pouce est tordu vers l'intérieur, donc nous obtenons cette forme de triangle. Je vais juste dessiner l'angle du poignet maintenant. Je voudrais d'abord penser à la main comme une mitaine, donc dessiner tout le gros des doigts d'abord, puis à partir de là, je peux déterminer où se trouvent les doigts individuels dans cette forme. Dans cette pose, il y a une forme de ventilateur en cours, et vous verrez que dans beaucoup de poses de main et de gestes à l'égard des doigts. J' aime bloquer les formes rugueuses des doigts avant de commencer à dessiner dans les articulations. Avec mes études, j'aime être vraiment grossier, faire des marques légères pour commencer, puis les passer avec des marques plus audacieuses une fois que j'ai bloqué le geste principal. Ensuite, si vous voulez, vous pouvez aller mettre quelques détails comme les ongles, et les plis des doigts. Je vais aussi frotter certaines de ces marques vraiment grossières pour me débarrasser de quelques distractions. Cette forme de pouce a l'air un peu décalée, donc je vais essayer à nouveau. La clé est de continuer à regarder votre référence et non pas seulement aveuglément, mais de remarquer les relations entre les formes et les angles que vous pouvez traduire dans votre dessin pour construire le formulaire. C' était une position de la main assez difficile pour aller droit. Si vous le souhaitez, vous pouvez toujours dessiner le même geste de la main une deuxième fois, mais cette fois essayer de le dessiner plus petit et plus vite que votre étude précédente et voir combien vous pouvez simplifier les formes cette fois ou améliorer vos proportions, et quel effet la durée du temps que vous consacrez à l'étude a sur votre dessin global. Dans l'étude précédente, je pense que je me suis trop concentré sur cette forme de triangle et par conséquent, je l'ai dessiné un peu grand en proportion de la main globale. Cette fois, tout se sent un peu plus en proportion. En outre, remarquez comment le poignet se fixe à la main. Il ne s'attache pas toujours en ligne droite, il se plie à différents angles, donc c'est quelque chose à surveiller. Quand je stylise mes mains, je n'ajoute généralement pas tous les virages dans les doigts. Vous pouvez jouer avec la simplification et la stylisation de vos formes de main, mais nous allons laisser cela comme ça pour l'instant. Dans ce deuxième dessin, je pense que leurs proportions sont améliorées et que ce n'était qu'un petit changement, mais cela fait une différence. Je vais effacer le geste précédent ici. Ensuite, c'est cette main décontractée. Je commence en dessinant la forme de la paume, puis en bloquant la forme principale des doigts, en bloquant le pouce avec la section charnue de la paume du pouce. Ensuite, je vais juste tracer des lignes pour ces courbes des doigts dans une forme presque fan avec le pinky, le plus courbé et ensuite devenir plus droite vers l'index. Vous pouvez voir que si vous tendez la main comme ça, il faut un peu d'effort pour le faire. Alors qu'une position de repos plus naturelle pour nos mains est d'être dans cette position détendue. Vous pouvez voir que nos doigts courbent avec notre pinky étant le plus bouclé et nos doigts s'ouvrent dans un éventail gradué. C' est ce qu'on dessine ici. C' est pourquoi il est vraiment utile d'utiliser des courbes et des formes de ventilateur lorsque vous dessinez ces positions de main. Il donne également à vos dessins plus d'un flux et plus d'un look gracieux et naturel pour eux. Quand il s'agit de tirer les mains de l'imagination, j'aime toujours utiliser ces concepts ainsi que rappeler poses de main que j'ai beaucoup dessinées auparavant de référence. Souviens-toi, il y a une courbe ici aussi. Ce n'est pas une ligne droite. Ça rendrait notre main raide et étrange. Devenir bon pour dessiner des mains réalistes ne va pas être une tâche facile. n'y a pas de vrai fromage à part simplement apprendre l'anatomie et comment fonctionne la main, puis faire beaucoup et beaucoup d'études et de pratique. Vous pouvez voir que cette partie de la paume a beaucoup de rides, donc nous allons les attirer et attirer le reste aussi. Vous pouvez voir que j'ai allongé un peu ces doigts parce que j'ai oublié de tenir compte des différentes longueurs de doigts. Je suis juste en train de remonter ces proportions maintenant et puis de me frotter certaines de mes lignes désordonnées. Etre capable de regarder vos dessins de façon critique ici est assez important car comme la main est si compliquée, il y a beaucoup à penser à la fois, donc vous êtes obligé de faire quelques erreurs pour commencer. Mais la bonne chose, c'est que nous pouvons corriger ces erreurs. Ce ne sont pas vraiment des erreurs, ils font juste partie du processus sur lequel nous pouvons modifier et construire pour couvrir ces formulaires. J' aime utiliser l'outil gomme aussi beaucoup, donc nous pourrions aussi bien en faire usage tant qu'il est là. Je vais passer à la suivante maintenant. Une autre chose à noter est que quand une main tient quelque chose, elle va mouler à la forme de l'objet qu'elle tient et non à l'inverse. Dans ces cas, il est utile de dessiner d'abord votre objet et cela vous aidera beaucoup au lieu d'essayer de dessiner la main puis d'avoir à déplacer l'objet à l'intérieur de la main, ce qui va juste paraître vraiment bizarre. Dans ce cas, je vais vraiment esquisser grossièrement la forme de la pomme, qui est fondamentalement un cercle avec des bords coniques et aplatis. Ensuite, nous pouvons dessiner la main par rapport à la pomme. On peut remarquer comment le pouce s'agrippe contre elle. Le fond de la paume est en bas. L' autre côté de la paume s'étreint autour d'elle. Les doigts s'étendent autour de la pomme pour la tenir. Encore une fois, je suis juste à la recherche de formes, recherche de relations entre les formes, et vous pouvez aussi imaginer ce qui se passe derrière la pomme. Ensuite, nous pouvons utiliser des lignes plus sombres pour définir la forme de celui-ci plus afin que vous puissiez voir comment j'ai capturé cette ligne droite de ce côté et la forme arrondie plus charnue de l'autre côté. Vous pouvez également penser à la réduction des doigts ainsi. Je vais dessiner certains de ces plis dans la paume aussi. Je vais juste ajouter plus de détails ici. N' hésitez pas à prendre le temps que vous voulez avec ces études, mais ne vous inquiétez pas de vous efforcer de la perfection. Essayez juste de comprendre vos formes et votre anatomie et ce qui se passe, sorte que ce sera beaucoup plus facile quand il s'agit de styliser les mains. Si vous voulez ajouter un ombrage, si cela vous aide à avoir plus d'une idée de la forme, alors c'est tout à fait bien. Maintenant que j'ai rétréci et revu ma référence critique, je pense que les doigts sont en fait un peu décalés. Ce petit doigt vient vers nous beaucoup plus et serrant la pomme du côté du doigt au lieu du bas, donc je vais juste corriger ça maintenant. Je dessine tous les autres doigts pour couler avec ce pinky aussi, et je pense que ça semble beaucoup plus naturel maintenant. Lorsque nous dessinons des mains plus stylisées, nous pouvons commencer par cette forme de paume, puis marquer les doigts, en nous assurant de penser à la sculpture et à l'affinage. Ensuite, nous pouvons cartographier dans le pouce. Une fois que vous avez ce cadre du geste général, vous pouvez commencer à appliquer toutes sortes de formes en fonction votre style afin de styliser votre main un peu plus. C' est exactement le même concept que j'utilise pour styliser les poses et les formes de corps. Une façon de styliser la main est de penser aux formes de vos doigts. J' aime avoir mes doigts droits d'un côté et courbés au bout des doigts, et je n'ai généralement pas tendance à dessiner dans les ongles. Cela indique la façon dont le doigt fait face. Il existe différentes façons de styliser ces doigts. pensant à certaines formes différentes que vous pouvez utiliser. Par exemple, vous pouvez faire des doigts vraiment osseux et sorciers ou des doigts carrés et bloqués ou brumeux ou tout simplement des doigts super arrondis. Vous pouvez également styliser les articulations ainsi que vous n'avez pas à dessiner dans les jointures spécifiques avec des coudes spécifiques en eux. J' aime faire ces virages assez lisses et ne pas dessiner les jointures des doigts. Sauf si je veux vraiment indiquer une tension ou une pose spécifique qui aurait l'air bizarre sans eux. Ce que je fais ici est d'utiliser une référence précédente pour dessiner ceci, mais je mets mon propre style dedans et c'est beaucoup plus facile à dessiner puisque j'en ai tiré un réaliste à partir de la référence. Je comprends plus ou moins la structure afin que je puisse simplifier ce dont je n'ai pas besoin tout en réussissant à capturer l'essence de la pose. Vous constaterez qu'avec quelques poses de la main, vous avez besoin de dessiner dans les virages des articulations. Cela dépend de la façon dont vous voulez que la pose soit détendue ou tendue et aussi de la façon dont votre style est réaliste ou cartoony. Un autre conseil est de regarder une poignée du travail de votre artiste préféré et d'étudier comment ils stylisent leurs mains. Vous pouvez également regarder des dessins animés et voir comment les mains sont stylisées, en particulier dans l'animation, vous verrez des charges de différents styles de mains. Parce qu'il est très utile pour les animateurs de pouvoir simplifier les mains pour qu'ils soient beaucoup plus faciles à dessiner. Vous pouvez voir des personnages qui n'ont que trois doigts ou des personnages avec des mains vraiment jouffues, sorte qu'ils n'ont pas autant d'os ou d'articulations en eux. Il y a beaucoup de choses à jouer quand il s'agit de style. Une fois que nous avons cette structure, nous pouvons réduire l'opacité et passer sur le dessin et simplement dessiner les éléments très basiques que nous voulons garder dans. En simplifiant et stylisant les formes de cette façon, nous pouvons rendre les choses un peu plus faciles pour nous-mêmes et aussi créer mains plus attrayantes sans se soucier tous les détails qui ne sont pas vraiment nécessaires pour communiquer le geste. Essayons de créer une main stylisée juste directement à partir de la référence maintenant. Vous pouvez voir que celui-ci tient quelque chose. Je vais d'abord dessiner le stylo et ensuite cartographier la main autour d'elle. Il suffit de dessiner les petites lignes pour indiquer les angles des doigts, puis le pouce appuie sur ce stylo. Ensuite, je vais cartographier toute la zone de la paume et la direction du poignet. Ensuite, je peux commencer à appliquer mes formes stylisées autour de ça. Mes formes sont encore semi-réalistes, même si je les simplifie beaucoup, je continue de respecter ces règles de proportion. Mais vous verrez que je ne dessine pas trop de détails cette fois comme des plis et des ongles. J' essaie de garder l'essence principale de la pose. Je trouve beaucoup plus facile de styliser mes mains quand je les dessine plus petites parce que cela me force à laisser de côté quoi que ce soit de plus et juste me concentrer sur les formes. N' hésitez pas à utiliser ces photos que j'ai prises comme références, je vais les laisser pour vous dans les ressources de la classe, alors assurez-vous de vérifier cela. Faisons un couple de plus. Cette fois, ce sera un poing serré. Je commence par quelques formes très basiques, remarquant que l'angle incurvé formé par ces jointures, et puis je dessine dans ce pouce en commençant par la paume et en remarquant comment il est presque divisé en trois sections comme il se plie de chaque poing. Alors je dessine dans les doigts. Remarquez comment lorsque vous dessinez une main tendue, les doigts s'évanouissent vers l'extérieur. Alors que le contraire se produit lorsque les doigts se courbent et qu'ils s'évanouissent vers l'intérieur. Rappelez-vous juste que quand vous dessinez des doigts et des poings enroulés. La dernière chose est de dessiner deux mains ensemble. Contrairement à quand nous dessinons des mains autour d'un objet, nos deux mains se moulent l'une à l'autre, donc nous devons dessiner ces formes en même temps. Vous pouvez voir que je viens de cartographier des formes et de la structure très basiques, et maintenant je suis en train de décrire cela un peu plus. Encore une fois, il suffit de remarquer les relations entre ces formes et proportions. Encore une fois, il aide également à visualiser les parties de la main qui sont cachées afin d'obtenir des proportions plus crédibles et des interactions ici. Vous avez juste besoin de pratiquer autant que vous le pouvez et essayer de comprendre ces mouvements, et essayer de construire une bibliothèque de mouvements que vous pouvez utiliser avec vos personnages. Dessiner les mains n'est pas facile, et j'ai encore parfois du mal avec elle. Si vous avez du mal, ne vous inquiétez pas. Cela prend de la pratique et prend du temps et les difficultés ne font qu'une partie du processus d'apprentissage. Prenez le temps d'absorber cette information et de pratiquer vos propres gestes, soit à partir de mes photos, ou en ligne, ou en utilisant votre propre main. Une fois que vous êtes prêt, nous allons passer à un exercice amusant et rapide, dessin figure de bâton pose. 9. Exercice : poses de personnages bâtons: Dans cet exercice, nous allons dessiner des poses de figurines de bâton en commençant par quelques courbes et en créant des poses à partir de l'imagination basée sur celles-ci. Le but principal de cet exercice est de nous aider à nous détendre et à réfléchir de manière expressive lors du dessin des poses de caractère de l'imagination. Cela nous aidera plus tard quand il s'agit de créer notre projet de classe. Je vais commencer par utiliser un pinceau de couleur rouge. Je vais juste abaisser la taille de cette ligne. Je vais utiliser la brosse Mercury qui est nécessaire pour procréer pour cela afin que j'ai une belle ligne dure à voir clairement. Ensuite, je dessine ici une série de courbes de doublure randomisées. Vous pouvez penser à dessiner des formes S, des formes courbe et des lignes diagonales. Vous pouvez dessiner des courbes assez extrêmes ou plus subtiles, et celles-ci vont définir la posture de nos figurines de bâton. Remplissez simplement une page avec ces pour l'instant et ils peuvent être vraiment randomisés. Vous n'avez pas besoin d'y réfléchir trop fort à ce stade, mais assurez-vous d'être en mesure de former facilement une pose autour d'eux. Une fois que vous avez cette page remplie d'une bonne quantité de ces lignes, nous pouvons commencer un nouveau calque et changer la couleur du pinceau en noir pour dessiner nos poses sur ces lignes. Vous pouvez commencer par dessiner dans la position de la tête en haut de cette ligne, puis ajouter sur votre corps des parties autour de cela. Je vais dessiner la jambe qui suit avec le flux de cette ligne. Vous pouvez imaginer que cette ligne est la colonne vertébrale et vous pouvez faire couler ce mouvement dans le reste de la pose en quelque sorte, soit dans l'une des jambes ou simplement inspirer le flux général de la pose. Avec cette posture, c'est assez baissé. Il a l'air assez triste et faible énergie. Je vais dessiner ces bras qui pendent juste pour ajouter à ce sentiment décourageant et apathique. Dans cette prochaine pose, cette personne est encore plus pressée. Peut-être qu'ils vont enterrer leur tête dans leurs mains et un sentiment de désespoir. Ils vont juste rester immobile. Je vais dessiner ces jambes tout droit vers le bas, peut-être en creusant un peu vers l'intérieur. Vous pouvez dessiner une forme pour le torse si vous en avez envie. Mais ne vous inquiétez pas trop des proportions le moment parce que nous nous concentrons sur l'expression. Le suivant, je peux imaginer, est quelqu'un enroulé dans une balle. Peut-être qu'ils dorment ou se réconfortent dans la position fœtale là-bas. Ici, je suis juste en train de compenser un peu les jambes les unes des autres pour donner plus d'intérêt à cette silhouette. On dirait que c'est quelqu'un à genoux les mains tendues dans une expression déconcertée. La suivante semble être plus détendue. Ils ont les mains sur la tête et ils sont couchés sur un [inaudible] ou quelque chose comme ça. J' ajoute une asymétrie à ces positions de jambe. Quelque chose à être conscient aussi est la répartition du poids et l'équilibre de vos poses. Parce que si ce personnage n'avait rien sur lequel reposer son poids, dans un cadre réaliste, ce ne serait pas une pose équilibrée, et donc la personne tomberait plutôt que de se reposer dans une position statique. La méthode de travail consiste à penser au centre de gravité du personnage, qui est le point dans le corps où le poids est uniformément équilibré. Habituellement, c'est quelque part dans la zone inférieure du torse, mais cela peut varier en fonction du poids corporel et de la posture. Si nous faisons une ligne droite du centre de gravité verticalement vers le bas, nous pouvons vérifier si cela est au-dessus de notre base de support, qui est généralement entre leurs deux pieds si nous sommes en position debout. Mais la base de soutien est essentiellement n'importe quelle partie du corps qui tient notre poids. Si c'était une pose étonnante, on voit clairement que le centre de gravité n'est pas au-dessus de la base du support, ce qui signifie que ce n'est pas une pose équilibrée. Cependant, dans ce cas, parce que notre personnage repose tout son corps sur quelque chose, ils sont équilibrés sur l'objet. Nous pouvons vérifier l'équilibre dans ces autres poses en marquant grossièrement le centre de gravité et en dessinant une ligne verticale droite vers le bas. Vous pouvez voir ici, il y a une assez large base de soutien dans cette zone entre ces deux hangars et le sol. Cette pose, encore une fois, tout le corps est allongé, sorte que toute la partie du corps qui est en contact avec le sol peut être considérée comme la base de soutien. Pour celui-ci, nous sommes juste au-dessus de la base de soutien là-bas. Si ce personnage se penchait davantage en avant, il deviendrait probablement instable et il faudrait élargir leur base de soutien pour compenser cela. C' est juste quelque chose dont il faut être conscient. Tu n'as pas besoin d'y penser. Mais si votre personnage a l'air un peu déséquilibré, alors c'est quelque chose que vous pouvez vérifier. Sachez que si la personne tient quelque chose de lourd, cela ajoutera à son poids et changera le centre de gravité. La même chose s'appliquera pour les personnes qui sont plus lourdes sont les femmes avec le ventre enceinte, par exemple. Vous aurez besoin de compenser ce poids en penchant plus en arrière pour gagner l'équilibre. Je vais avoir ce personnage penché un peu vers l'avant, peut-être jouer à un jeu sur leur téléphone. Vous pouvez voir comment j'ai amené cette jambe vers l'avant pour élargir la base de soutien là-bas. Mais s'ils avaient, par exemple, une canne de marche, ils peuvent s'appuyer sur cela et l'utiliser pour élargir la base de soutien pour plus d'équilibre. Fondamentalement, je vais juste continuer à dessiner ces poses autour de ces courbes. Je suis juste en train de me rattraper. Vous n'avez pas besoin d'avoir une idée claire de votre pose avant de commencer à dessiner autour de celles-ci. Vous pouvez simplement commencer à ajouter des membres et des gestes, et voir comment cela se développe, puis exagérer encore avec plus de mouvements. Vous pouvez les éditer au fur et à mesure que vous commencez à voir un sentiment spécifique venir à travers et essayer différentes positions pour les membres et la tête. Il était juste intéressant de voir à quel point une simple courbure et flexion d'une ligne peut affecter et influencer une expression entière. Vous pouvez voir comment ces lignes ont réussi à inspirer des tas de différentes poses et expressions. C' est une façon vraiment amusante de nous aider à dessiner des poses de personnages à partir de l'imagination. Nous pouvons utiliser cette technique plus tard quand il s'agit de dessiner nos personnages. C' est le dernier de nos exercices. Si vous êtes prêt, nous allons ensuite parler du projet de classe. 10. Projet : personnages et histoire: Nous sommes presque prêts à commencer le projet de classe. Avant de commencer, vous aurez besoin de deux dessins de personnages prêts. N' hésitez pas à utiliser les personnages existants de votre propre portfolio, ou vous pouvez également en concevoir de nouveaux à ce stade. Ce n'est pas une classe de design de personnages, alors n'avez pas l'impression que vos designs doivent être super fantaisie ou un standard professionnel. Je vous encourage à utiliser tout le style et la technique qui vous semble le plus naturel, ou n'hésitez pas à expérimenter, et à jouer avec différents styles et techniques. Si vous avez besoin d'aide pour concevoir vos personnages, alors consultez ma classe précédente sur le dessin des gens, où je vais sur la façon de concevoir des personnages avec des formes de corps uniques et de les poser. chose la plus importante à garder à l'esprit dans le design de personnage est une histoire et la personnalité de vos personnages. Cela va essentiellement informer tous les aspects à leur sujet ; sur leur apparence, leur tenue et leur comportement, ainsi que sur le genre de relations qu'ils partagent. Si vous avez une bonne compréhension de qui est votre personnage, alors il deviendra facile de les visualiser, non seulement dans leur apparence, mais aussi comment ils agissent. Lorsque vous concevez vos personnages, vous avez peut-être déjà une idée claire de leur identité avant même de commencer à les dessiner. Mais vous pouvez aussi le faire dans l'inverse. Vous pouvez dessiner votre personnage, puis laisser cette personnalité se développer, au fur et à mesure que vous y ajoutez plus de caractéristiques et d'intérêts. Tout ce que vous ressentez est un processus plus naturel et fonctionne le mieux pour vous est complètement bien. Vos personnages peuvent être où vous voulez. Vous pouvez laisser votre imagination devenir folle, ou vous pouvez les garder super simples. Ils n'ont pas besoin d'être du monde réel, et ils n'ont pas besoin d'être humains, bien que cela aidera s'ils ont une anatomie humaine juste pour suivre ce que je fais dans cette classe. Puisque nous travaillons avec non seulement un mais deux personnages, nous devons comprendre comment ils sont connectés, comment se connaissent-ils et à quoi ressemble leur relation ? Cela peut être tout aussi bien. Ils peuvent être des étrangers totaux se réunissant pour la première fois, ou ils peuvent être de meilleurs amis à vie, ou des ennemis mortels, ou quelque chose de complètement aléatoire et ordinaire, comme un médecin et un patient. Une fois que nous avons compris comment ils se rapportent les uns aux autres, nous pouvons penser à leurs personnalités distinctes et à ce qu'elles ont en commun, quoi elles sont en conflit et, finalement, à quoi ressemble la dynamique de la relation. Vous voudrez également considérer l'heure et l'endroit d'où viennent vos personnages, quel est leur contexte culturel, quelles sont leurs valeurs et leurs croyances, leur éducation, ce qu'ils font pour gagner leur vie et tous les détails que vous sont pertinentes pour la mise en forme de votre personnage. Quelque chose qui va communiquer beaucoup sur vos personnages personnalités autres que la façon dont ils se comportent, est la façon dont ils choisissent de s'habiller et de se marier. Cela pourrait communiquer leur tendance particulière à la propreté ou à la paresse, et pourrait donner des indices quant à leur occupation, ou d'où ils viennent, et s'ils aiment se fondre ou se démarquer de la foule, ce genre de choses. Je ne vais pas entrer trop dans les détails à ce sujet dans cette classe, mais c'est autre chose que vous voulez considérer à propos de vos designs. Ce sont mes deux personnages que je vais utiliser pour mon propre projet de classe, Milly et Tina. L' histoire à laquelle j'ai pensé pour eux, c'est qu'ils sont cousins. Milly a sept ans et Tina a 15 ans. Bien qu'il y ait un peu d'écart d'âge, ils sont de bons amis, et aiment explorer et être stupides ensemble quand ils vont rester avec leurs grands-parents. J' ai aussi fait quelques profils de personnages pour chaque personnage juste pour avoir une meilleure idée de leur personnalité. Si cela vous aide à ce stade, alors vous pouvez aller de l'avant et le faire aussi. J' ai commencé en notant quelques caractéristiques, puis en construisant à partir de là. Milly est vraiment excitable, énergique, bavard et amical. Elle a une imagination vive, aime s'habiller, et veut devenir actrice quand elle sera plus âgée. Tina est tout à fait réservée et calme, contrairement à Milly. Elle essaie souvent d'agir tout à fait cool, mais elle est vraiment un peu nerdy, et a aussi un côté imaginatif et ludique pour elle. Je vois qu'il y a des conflits potentiels entre ces deux personnages car ils sont tous les deux très sensibles. Mais dans l'ensemble, ils ont tendance à s'équilibrer assez bien avec Milly sortant Tina de sa coquille, et Tina ayant une influence apaisante sur Milly. J' ai également essayé de refléter ces deux personnalités à travers la façon dont elles s'habillent et où elles sont ici, ainsi que les couleurs que j'ai choisies pour chacune d'elles. Dans l'ensemble, ces deux personnages sont assez simples dans leur conception, mais tout a été pensé intentionnellement, et a un lien avec leur personnalité et leurs intérêts. Toutes ces choses fonctionnent ensemble pour rendre vos personnages un peu plus réels et intéressants. Avant de passer à autre chose, je veux que vous réfléchissiez bien à vos personnages, à la personnalité et à la dynamique des relations. Pensez à certaines interactions que vos personnages peuvent partager et au sentiment qui entoure ces interactions. Sont-ils aimants, gênants, froids, ludiques ? Vous pouvez écrire des profils de caractères pour vos deux caractères, puis aussi écrire une liste de plusieurs interactions qu'ils pourraient partager et qui pourraient être des options potentielles pour votre pièce finale. J' ai une liste d'invite disponible pour cette partie dans la section Ressources de la classe. N' hésitez pas à les consulter si vous avez besoin d'inspiration supplémentaire. Une fois que vous serez prêt, nous allons nous entraîner à esquisser vos personnages en exécutant diverses expressions avant de commencer notre illustration finale. 11. Projet : ébauches initiales des personnages: Dans cette leçon, nous allons faire des croquis initiaux de nos deux personnages. Le but de ceci est juste d'obtenir une meilleure sensation pour dessiner nos personnages exprimant différentes émotions et réactions. Nous allons dessiner nos deux personnages exprimant des émotions similaires ou réagissant à des situations similaires et explorer comment leur langage corporel peut différer ou correspondre en fonction de leur personnalité individuelle. Assurez-vous d'avoir vos deux dessins de personnages à portée de main pour faire référence dans cette leçon. Vous pouvez soit utiliser la référence photo pour vos expressions, soit tirer de l'imagination ici, tout ce que vous voulez. Je vais utiliser le pinceau Derwent Pencil dans Procreate, mais vous pouvez utiliser ce que vous voulez pour esquisser. Tout d'abord, nous allons dessiner ces personnages dans des humeurs différentes et considérer chacune de leurs réactions individuelles à différents scénarios et émotions. Pour commencer, je vais commencer par le bonheur, en réagissant à quelques bonnes nouvelles. Je commence par ébaucher toute la pose sous forme de bâton. Donc, en commençant par la ligne d'action, qui va être assez ouverte et se pencher légèrement en arrière. Les bras sont étalés et vers le haut comme si elle les agitait, et les jambes font une danse wii. Dessinez une jambe en soulevant sur le côté et l'autre se plie légèrement. Une fois que j'ai ce cadre rugueux, je vais juste commencer à construire mes personnages autour de cela, en ajoutant la tête et en étendant la forme du corps et en définissant un peu plus ces gestes. Je vais tracer une ligne pour définir où est le sol afin que nous puissions voir clairement qu'un pied repose sur le sol, tandis que l'autre est enlevé. Ensuite, je suis en train d'ajouter des vêtements et des détails. Assurez-vous qu'avant d'ajouter les vêtements, vous dessinez d'abord la forme du corps sous-jacente, sorte que les vêtements s'ajustent autour du corps et non l'inverse. Je dessine vraiment grossièrement ces gestes de la main avec des petites formes de boule pour les poings. Ensuite, je vais utiliser l'outil de sélection et jouer avec cette pose, essayer de voir si je peux exagérer quelque chose. J' exagère un peu plus ces jambes pour rendre ce petit gabarit plus reconnaissable et amusant. Je suis aussi en train de redessiner et de frotter certaines sections jusqu'à ce que je sois satisfait de l'expression globale de cette pose. C' est juste un cas de départ très simple, puis de construire vos formes et d'éditer ces mouvements jusqu'à ce que vous ayez une expression claire. Ensuite, une fois que je serai satisfait de cette pose globale, je vais ajouter plus de détails à mon personnage. Enfin, je vais ajouter les cheveux et le visage. Essayez d'obtenir votre langage corporel global aussi expressif que vous le pouvez avant de dessiner dans l'expression faciale. En dessinant le visage en dernier, vous vous assurez que vous ne comptez pas seulement sur cela pour transmettre cette émotion, mais que vous l'utilisez pour améliorer davantage l'expression. Enfin, je suis juste en train de vérifier toutes mes proportions par rapport mon design de personnage original et de peaufiner tout ce que je pense être un peu décalé, comme la longueur des jambes ici. Encore une fois, c'est là que l'outil de sélection est très pratique. Je vais dessiner mon prochain personnage exprimant les mêmes émotions. Vous pouvez également essayer de transmettre et de contraster différents aspects de leur personnalité dans cet exercice. Bien qu'ils connaissent la même situation ou la même humeur, leurs réactions peuvent être différentes. J' imagine que mon personnage Millie aurait une réaction plus extrême à ça. Je vais rendre ses mouvements plus érotiques et exagérés que ceux de Tina pour le transmettre. Déjà avec la pose de bâton, nous avons une expression exagérée vraiment étalée avec une jambe soulevée vraiment haut du sol par rapport à celle de Tina. Ces bras sont très larges, tandis que ceux de Tina sont juste un peu plus courbés et timides. J' essaie vraiment de transmettre plus de mouvement dans cette pose ici. Encore une fois, je dessine la forme de mon personnage autour de cette pose initiale. Ensuite, je fais quelques ajustements et corrections. Je vais mettre l'accent sur cette pose encore plus avec les cheveux en le faisant voler vers le haut pour montrer plus de mouvement et peut-être avoir son chapeau levant légèrement la tête pendant qu'elle saute autour. Alors, je reprends mes proportions. Vous pouvez également retourner votre personnage si cela vous aide à obtenir une nouvelle perspective sur l'apparence de la pose. Vous pouvez essayer de faire voler ce chapeau en l'air pour exagérer davantage ce mouvement extrême. Je pense qu'il est clair de quelle humeur ces poses expriment. Nous pouvons également avoir une petite idée des différences entre les personnalités. Nous allons faire la même chose avec plusieurs expressions différentes maintenant. Le prochain sentiment va être grincheux. Je vais montrer à mes personnages qui tombent un peu les uns avec les autres. Je commence par une posture plus pressée ici. J' ai peut-être ajouté un virage dans les jambes pour le montrer et croiser les bras. Vous pouvez refaire la figure de bâton autant que vous le souhaitez jusqu'à ce que vous sentiez l'expression désirée venir à travers. Il est beaucoup plus facile de prendre ces décisions et changements à ce stade lorsque votre dessin est encore super rugueux. Ne commencez pas à entrer dans les détails jusqu' à ce que vous soyez satisfait de la sensation générale de la pose. Vous pouvez voir que je fais beaucoup de changements ici jusqu'à ce que je sens l'émotion désirée s'exprime. Ensuite, je vais entrer avec les détails et les formes du personnage. Je vais ensuite dessiner le personnage de Millie, ce qui est plus indignant ici. Elle a un pied et ça pourrait taper sur le sol dans un sentiment d'impatience. Elle a aussi les bras croisés devant sa poitrine. Vous pouvez jouer avec différentes positions des parties du corps et voir ce que vous préférez. Le prochain sentiment que je vais dessiner est l'épuisement. Encore une fois, je vais presser les épaules ici, dessiner un bras pendant vers le bas et l'autre tenant une main jusqu'à la bouche pendant qu'elle bâille. Les jambes sont écartées assez loin pour mieux tenir son poids. Pour Millie, je vais dessiner les jambes écartées, et elle penche son poids plus sur une jambe. Je garde à l'esprit que l'effet contrapposto avec la rotation des hanches et des épaules à des angles opposés. Elle aura une main sur la hanche et une autre main sur son visage en se frottant les yeux ou quelque chose comme ça. Ils font tous les deux des gestes pacifiants ici pour essayer de répondre à ce sentiment d'épuisement. Encore une fois, Millie est un peu plus dramatique à ce sujet que Tina en se répandant plus. Pour le prochain set, je vais attirer le dégoût. Je les imagine trouver un vieux hanky dégoûtant et puant sous le canapé ou quelque chose comme ça. Tina le tient aussi loin qu'elle le peut, et elle tient aussi son nez et détourne physiquement son corps de l'objet. Je dessine une torsion ici dans le torse. En gardant ces croquis petits, vous pouvez simplement vous concentrer sur les détails nécessaires et apporter rapidement les modifications nécessaires. Millie va protéger son visage et dégoûter son nez. Elle ne veut même pas regarder l'objet et son corps s'en éloigne. Pour le prochain set, je vais les dessiner en pensant profondément. Tina a une posture de pensée classique avec une main reposant autour sa bouche et un bras reposant sur l'autre bras. Elle regarde vers le haut et vers le côté dans l'espace alors qu'elle pense à ça. Pour Millie, je vais lui montrer dans la pose étalée qui se gratte la tête avec une main sur la hanche, et elle regarde aussi vers le haut. Il suffit de la redimensionner pour qu'elle soit en proportion à côté de Tina. Pour cette dernière série, nous dessinons une expression effrayée. J' imagine qu'ils ont entendu un bruit effrayant quelque part et qu'ils se sentent un peu effrayés. Tina a les bras serrés et elle les tient jusqu'à sa bouche. Elle retient son souffle en essayant de ne pas faire de bruit. Elle a les pieds écartés pour rester équilibrée, et elle se penche un peu en arrière. Millie va avoir ses bras serrant tête et elle fait cette expression effrayante. Je vais juste rapidement ranger ces peu sur la page. Maintenant, nous avons ces miniatures esquissées, et je pense qu'il y a une émotion claire qui arrive dans toutes ces choses, mais je pense que nous pouvons vraiment les pousser plus loin pour les améliorer. Ce que je vais faire est de réduire l'opacité des esquisses et de créer un nouveau calque. Je vais zoomer sur le Canvas pour faire ces dessins afin que je puisse ajouter quelques détails. Je pense à pousser les courbes mes conceptions pour améliorer le flux de ces postures. Ensuite, j'ajoute aussi quelques détails cachés là. Vous pouvez activer et désactiver votre calque d'origine simplement pour voir comment votre pose mise à jour se compare à celle d'origine. Si vous êtes satisfait de l'apparence de votre pose, alors vous n'avez pas à changer beaucoup. Vous pouvez simplement définir plus de ces détails. Vous pouvez également utiliser l'outil de sélection pour jouer avec le placement et le mouvement de certaines parties du corps. Je vais aller de l'avant et le faire avec toutes mes poses juste exagérer l'une de ces postures, peut-être peaufiner un geste ici et là en ajoutant plus de détails, et dans l'ensemble, juste en essayant de s'assurer que ces poses sont naturelles, crédible , et communiquent l'effet désiré. Vous pouvez voir que cette étape vient d'aider à améliorer ces poses, et si nous regardons tout cela, nous pouvons clairement voir ces expressions arriver à travers. Maintenant que nous avons une bonne idée de ces personnages et comment ils expriment leurs différentes émotions, nous allons commencer à faire des miniatures pour notre dernière pièce. 12. Projet : ébauche de miniatures: Maintenant que nous nous sommes réchauffés en faisant ces croquis de personnages initiaux, nous allons commencer par quelques scénarios potentiels pour notre dernière pièce. J' ai fait quelques suggestions pour préparer ces croquis, et vous pouvez faire une liste d'idées de scénarios avant de commencer à les dessiner ou vous pouvez simplement dessiner ce qui vient dans votre tête et laisser vos scènes se développer sur la page. Tout ce qui fonctionne le plus naturellement pour vous est très bien. Si vous avez besoin d'inspiration pour vos interactions, j'ai ajouté une liste d'invites à la section projets et ressources ci-dessous. En plus de mes invites, j'ai aussi mes dessins de personnages à partir de l'écran de mon ordinateur portable devant moi pour référence. Fondamentalement, je vais remplir une page avec beaucoup de dessins super rugueux et sans citation pour aider à visualiser mes idées. Puis, à la fin, je choisirai mon croquis préféré à prendre comme dernière pièce. Je vais dessiner ma première invite ici, qui est des éclaboussures et des flaques d'eau. Je pense au langage corporel de mes personnages et à la façon dont ils réagiraient dans ces scénarios. J' imagine que ce serait une activité énergétique assez élevée. Ils se laissent lâcher et profitent d'un moment insouciant ensemble danser et éclabousser autour. Encore une fois, je ne fais que construire ces chiffres de bâton pour représenter cette expression désirée. Mes deux personnages vont probablement avoir des expressions similaires puisqu'ils partagent la même émotion en ce moment agréable. Je vais juste jouer avec ajouter un peu plus de variation entre leurs poses, et je vais aussi avoir leurs deux coiffures voler pour ajouter plus de mouvement à la scène. Ensuite, je débrouille un peu plus les silhouettes de ces personnages et j'ajoute des détails supplémentaires à la scène, comme les éclaboussures de ces flaques d'eau sur le sol. En dessinant ces vignettes, je pense aussi à la composition et à la création d'une scène équilibrée. Je ne veux pas mettre trop de détails avant d'avoir ces poses comme je les veux. J' utilise l'outil de sélection pour déplacer n'importe quoi et garder tout ça très sommaire. Ma prochaine invite est de lire dans une tente. Je vais dessiner cette forme de tente à peu près avec un triangle et ensuite dessiner le matériau de la tente ouverte. Ensuite, je vais dessiner mes personnages assis à l'intérieur de la tente, en lisant un livre ensemble. Je pense à leurs différentes possessions assises et à créer un sentiment de détente ici. Je vais juste écraser la forme de la tente un peu pour équilibrer la composition, et je vais ajouter une petite lanterne suspendue pour mettre cette scène. La prochaine invite que je dessine est en train de jouer dans les feuilles d'automne. J' imagine une autre scène amusante où Tina montre Millie et toutes ces feuilles. Je dessine d'abord Tina debout tenant un paquet de feuilles et puis Millie est en dessous d'avoir beaucoup de plaisir à jouer dedans. Je le montre avec son langage corporel ouvert et étendu, et je vais dessiner un tas de feuilles en dessous d'elle juste pour rendre plus évident ce qui se passe ici. Je vais juste continuer avec ces croquis miniatures en suivant les instructions que j'ai faites pour moi-même, ainsi que tout ce qui m'apparaît dans la tête en ce moment. Parce que nous nous concentrons principalement sur les personnages de cette classe, vous n'avez pas trop à vous soucier de dessiner le reste de la scène. Bien que s'il y a des accessoires ou des décors que vous devez inclure pour vous aider à raconter l'histoire de votre scénario, alors vous pouvez absolument les dessiner également. Tout ce que vous êtes à l'aise avec le dessin et que vous vous sentez confiant à ce stade. N' oubliez pas que si vous dessinez vos personnages en interaction avec des meubles ou tout autre type d'objets similaires, vous voudrez peut-être dessiner l'objet d'abord puis faire mouler votre personnage plutôt que l'inverse. Gardez ces lâches et rapides, juste obtenir votre idée vers le bas dans sa forme la plus simple et ensuite nous pouvons développer notre favori un de plus dans la prochaine étape. Je dessine ces poses complètement de l'imagination en ce moment. Mais si vous trouvez qu'il est plus facile d'utiliser la référence, alors vous pouvez absolument le faire. J' aime puiser dans mon imagination, en particulier à ce stade des vignettes, parce que je peux vraiment esquisser rapidement ce qui est dans ma tête sans être trop influencé par des sources externes. Si j'ai finalement besoin de référence, je peux aller le trouver à un stade ultérieur. Vous pouvez voir que je prends constamment des décisions, puis je reconsidère ces décisions, et je frotte des choses, et je bouge des choses. C' est pourquoi cette partie du processus est vraiment importante parce que c' est là que vous faites le terrain pour ensuite construire votre dernière pièce. Si l'idée et l'histoire de la pièce n'est pas là, alors vous pourriez avoir l'illustration la plus techniquement étonnante au monde, mais elle n'aurait aucune substance à elle. Même s'il semble que vous griboulez et un gâchis à ce stade, en fait, sont des gribouillis très intentionnels et ils vont vraiment aider à trouver la composition et le sentiment de mon interaction. Après avoir rempli la page avec ceux-ci, nous pouvons prendre un certain temps pour examiner toutes nos interactions et décider lesquelles d'entre elles ont un sens clair de l'histoire et de la personnalité. Cela ne doit pas être quelque chose de compliqué parce que nous ne voulons pas non submerger le spectateur avec trop d'informations à la fois. Pour moi, toutes ces vignettes ont un sens de l'atmosphère et de la personnalité, et certaines sont un peu plus évidentes, tandis que d'autres semblent plus subtiles et ambiguës. Nous avons des scénarios vraiment actifs et d'autres plus calmes et paisibles. Vous pouvez avoir un favori évident qui saute sur la page à vous, ou vous pouvez avoir du mal à choisir entre vos idées. Il suffit de choisir un qui, selon vous, ferait un bon point de départ pour une illustration. n'y a pas vraiment de mauvais choix ici. Je vais en fait choisir ma toute première vignette ici parce que je pense que c'est un scénario vraiment clair. C' est une scène assez simple, mais il montre que la nature amusante, aimante de mes personnages et ils sont relation ludique, et je pense juste que cela fera une belle illustration joyeuse. Maintenant que nous avons l'idée et le croquis des vignettes, nous allons commencer à le développer dans notre dernière pièce. 13. Projet : affiner le croquis: J' ai ouvert une toile A4 à 300 DPI, et je vais coller dans la vignette que j'ai choisie. Ensuite, je vais aller à Actions, Canvas et activer le panneau de référence ici. Maintenant, cet onglet de référence est apparu et nous pouvons le redimensionner. C' est une fonctionnalité très utile sur Procreate si vous voulez zoomer et que vous dessinez et apportez des modifications. Ensuite, vous pouvez voir à quoi il ressemble dans son ensemble sans zoomer. Une autre chose que vous pouvez faire est d'importer une image de référence. Nous pouvons sélectionner Image, puis importer, et nous pouvons importer n'importe quelle image de notre photothèque. Je vais importer mes dessins de personnages afin de les avoir juste à côté de moi pour référence, pendant que j'affine mon croquis. Ensuite, je vais redimensionner ceux dans l'onglet de référence afin qu'ils soient faciles à voir et qu'ils ne gênent pas trop mon dessin Canvas. Maintenant, je vais baisser l'opacité de l'esquisse initiale et l'agrandir sur le Canvas. Je vais travailler avec la brosse à mercure ici et je commence une nouvelle couche. Je vais juste dessiner sur le croquis grossier et exagérer ces pauses plus loin. Je change légèrement le positionnement du membre, et je vais faire en sorte que mon personnage tienne la main dans cette pièce, juste pour montrer leur proximité en ce moment. Je veux faire croire que c'est un moment vraiment amusant et ludique. J' essaie d'obtenir beaucoup de flux dans ces personnages en utilisant des tas de lignes incurvées dans les parties du corps pour faire couler tout dans l' autre et créer ce mouvement dynamique vraiment agréable. Surtout entre les bras de mon personnage depuis qu'ils se tiennent la main. Je veux créer une très belle courbe là pour montrer le flux et l'harmonie entre leurs mouvements. Je suis en train de dessiner une photo plus détaillée ici aussi pour rendre vraiment évident ce qui se passe. Ensuite, je peux déplacer ce panneau de référence près de mes personnages juste pour vérifier leurs proportions. Je vais éditer certaines de ces proportions qui sont un peu décalées en ce moment. J' utilise simplement l'outil de sélection pour le faire. Je commence aussi à affiner ces formes un peu plus pour m'aider à visualiser les proportions. Au fur et à mesure, je suis toujours en train d'éditer certains de ces mouvements. J' ai fait pencher Tina un peu plus ici, ce qui a l'air plus naturel. Je peux ajouter ce parapluie comme accessoire, juste un soupçon des vibes de jour pluvieux dans la scène. Encore une fois, je suis toujours en train de jouer avec l'outil de sélection, et juste déplacer ces personnages autour. Je joue avec ces gestes pendant qu'on est encore sur la scène désordonnée. Je ne veux pas commencer à mettre des détails avant plus tard quand mes poses entières seront plus définies. Je travaille vraiment sur la structure globale de la façon dont mes personnages se déplacent à ce stade. Si je rallume ma miniature initiale, vous pouvez voir combien plus naturel et exprime mes poses développées sont comparées à cela. Je vais maintenant dupliquer cette esquisse, puis déplacer ce calque dupliqué sur le côté de mon esquisse originale, sorte que je puisse éditer à côté de ce dessin et visualiser facilement les gestes que je préfère. Je peux jouer avec l'ajout de cet accessoire de parapluie à nouveau, et donner à ces poses des mouvements légèrement différents. Je vais encore dupliquer ce croquis et dessiner une troisième version afin d'avoir quelques variantes à décider entre pour développer plus avant. Je ne changerai pas Mary parce que je suis très content de son expression là-bas. Je joue vraiment avec la posture et les gestes de Tina pour voir s'il y a de meilleures façons de la mettre en pause. J' ai quelques options ici, et j'aime qu'elles soient toutes honnêtes. Je vais les retourner horizontalement afin de les voir d' un point de vue différent avant de prendre ma décision finale. Je vais aller avec mon premier croquis ici. Je pense que cela semble le plus naturel, et je pense que montrer le parapluie est en fait distraire de ces expressions. Je vais désactiver ces deux autres couches et agrandir mon croquis pour prendre la plupart de la toile. Je vais retourner le Canvas horizontalement pour l'instant, et je diminue l'opacité de ce calque et recommence un nouveau calque. Je vais tracer mon croquis de plus près cette fois-ci, passant par ces formes et en ajoutant certains de ces détails de mon personnage et en améliorant tout ce qui, selon moi, en a besoin. Je vais aussi vérifier à nouveau mes proportions par rapport à ce panneau de référence. Je pense qu'en général, ils vont bien, mais j'ai fait la taille un peu long ici, donc je vais resserrer ça. Je dessine les expressions faciales sur scène aussi, et je définit les gestes de la main ici. Maintenant, je vais vérifier ces silhouettes en coloriant mes personnages en noir. Je suis juste très dur avec ça. Je veux juste vérifier s'il y a quelque chose que je dois rendre plus clair ou plus exagéré. Je pense que ceux-ci sont assez lisibles et nous avons un bon flux vers les poses. Bien que quelque chose qui pourrait rendre cela plus lisible comme si je changeais la position du bras de Mary vers le côté. Je vais essayer ça rapidement. Je pense que cela fonctionne toujours, mais je préfère en fait le langage corporel de la pose précédente parce qu'il montre plus d'énergie. Je vais juste besoin d'être prudent quand il s'agit de coloration pour m'assurer que le bras est bien contrasté contre les cheveux. Maintenant, je vais ranger mes calques en supprimant toutes ces esquisses, je n'en ai plus besoin. Je vais juste nommer mon calque de croquis pour que je ne supprime pas celui-ci par accident, mais tout le reste dont je vais juste me débarrasser. Je peux le faire en faisant glisser vers la droite pour sélectionner tous mes calques que je veux supprimer. Ensuite, je peux les supprimer tous en une seule fois. Maintenant, nous avons notre croquis raffiné, et nous allons nettoyer cela plus loin dans la prochaine leçon. 14. Projet : les tracés: Maintenant que nous avons préparé notre croquis, nous pouvons réduire l'opacité de cette couche, puis créer une nouvelle couche en plus de cela, et je vais utiliser la brosse à mercure pour cette étape. Je vais à peu près suivre ces lignes de mon dessin, et j'essaie de stabiliser les mouvements de ma main, et de garder ces lignes vraiment lisses et fluides. Vous pouvez voir que je fais un zoom avant afin que je puisse dessiner chaque ligne avec un mouvement lent de la main et avoir un contrôle maximal sur la fluidité de cette marque. Je prends aussi beaucoup de temps ici pour décider du positionnement des mains. Donc, je dessine et redessine le positionnement de ces mains et doigts, et j'essaie de comprendre ce qui fonctionne le mieux en harmonie avec le geste global. Cette étape ne consiste pas seulement à retracer notre croquis précédent, mais nous sommes plus décisifs ici sur les formes finales et définition des détails nécessaires pour préparer la coloration. Bien que j'aie tracé les parties qui me satisfont dans mon croquis précédent, je change également certains éléments pour paraître plus attrayants, et je les définit plus clairement. Bien que mon travail de ligne ici ne fasse pas partie de mon esquisse finale, je veux encore définir ces formes assez clairement pour que , quand il s'agit de dessiner ces éléments dans la prochaine étape, j'ai déjà toutes mes décisions là prêtes à suivre, et ça me rendra les choses beaucoup plus faciles. Une fois que vous êtes satisfait de votre travail de ligne et des expressions à ce stade, alors nous pouvons passer à la coloration. 15. Projet : les couleurs: Maintenant, nous allons commencer à colorier. Je nommerai rapidement ma couche de travail de ligne, et je vais créer un nouveau calque sous ce travail de ligne. Je vais nommer cette couleur de couche rugueuse. J' ai toujours cette brosse à mercure sélectionnée, et ce que je vais faire maintenant est de choisir les couleurs de cette couche de référence. Je tiens juste le crayon sur la couleur que je veux, et cela changera mon pinceau à la couleur sélectionnée. Tous dans le même calque, je vais vraiment colorer mes personnages en gros. Je ne m'inquiète pas de rester dans les lignes ou d'être soigné parce que je veux juste avoir rapidement une idée approximative de ce à quoi ces couleurs vont ressembler avant de tout polir. Je choisis juste ces couleurs de l'image de référence et les dessine là où je vais les vouloir. En rendant une couleur rugueuse comme celle-ci, nous pouvons vraiment tester rapidement les effets d'éclairage et l'équilibre de nos couleurs ensemble dans la scène, et jouer avec les choses et apporter des changements. qui est beaucoup plus facile à faire à ce stade difficile plutôt que plus tard. Je vais leur donner des joues roses aussi, donc j'ajoute une nouvelle couche. Je choisis une couleur rose vif, que j'ai déjà dans ma palette de couleurs Procreate et je les dessine. Je change cette couche de joues roses en mode de fusion multiplier, et j'abaisse l'opacité là jusqu'à ce que je sois content de l'intensité de ces joues roses. Ensuite, je vais juste pincer ces deux couches ensemble pour les fusionner. Je vais maintenant ajouter un autre calque sous mon calque rugueux couleur pour jouer avec les autres couleurs de cette scène. Je dessine en forme de flaque d'eau avec juste une couleur sarcelle aléatoire pour commencer, et dessine aussi sous la pluie. Ensuite, je vais aller à Teinte, Saturation, Luminosité, sélectionner Calque et jouer avec ce ton. Je vais rendre cette couleur un peu plus terne et peut-être plus opaquelement de sorte que la turquoise dans les personnages se distingue toujours. C' est peut-être un peu trop sombre, alors je vais l'éclaircir un peu. J' aime beaucoup cette combinaison maintenant. Je vais dans mon onglet Calques et je vais juste fusionner ces deux calques ensemble pour que tout soit à nouveau sur ce calque rugueux de couleur. Je vais ajouter un nouveau calque au-dessus de la couleur rugueuse cette fois, et maintenant je vais jouer avec quelques effets d'éclairage. Ce que je vais faire est de choisir une couleur plus claire et de dessiner le long d'un côté de mon personnage, puis je vais voir à quoi cela ressemble comme un calque de superposition. Vous pouvez voir que cela a éclairci ces couleurs sous mon calque de superposition, ce qui crée un effet comme si le Soleil brille derrière mes personnages. On peut activer et désactiver ce calque pour voir l'effet qu'il a. Je préfère les couleurs sourdes de la scène parce que je ne veux pas que la scène ait l'air ensoleillé. Je veux qu'on dirait qu'ils profitent d'un jour de pluie. Je vais désactiver ce calque pour l'instant, et ajouter un autre calque pour voir à quoi cela ressemble avec des ombres plus dures à nouveau. Je choisis une couleur pourpre foncé et je mets un mode de fusion des calques pour se multiplier cette fois. Ensuite, je vais dessiner ça du côté opposé de ces personnages, où que les ombres soient. Ensuite, je vais réduire l'opacité de ce calque, et si nous activons également le calque de superposition, nous pouvons jouer avec différentes combinaisons d'éclairage et jouer avec l'opacité de ces deux couches. Je vais aussi voir à quoi ressemblerait un simple arrière-plan. Je pourrais jouer avec une couleur grise, qui aide à définir davantage cette scène pluvieuse terne, ou peut-être que certaines formes de nuage fonctionneraient mieux. Je vois à peu près à quoi ça ressemble. Je vais également ajouter quelques plus petits pour équilibrer cet arrière-plan. Ensuite, je peux jouer avec les couleurs en ajoutant un nouveau calque et en le transformant en masque d'écrêtage au-dessus de ces nuages, et en remplissant le calque avec une couleur aléatoire. Ensuite, je vais à la teinte, la saturation, la luminosité et jouer avec ces niveaux. J' aime bien cette couleur bleue de mentoré, qui vient complimenter les personnages sans être trop surprenante. Ensuite, je peux fusionner toutes ces couches ensemble. Si je désactive mon calque de travail de ligne, je peux visualiser ces couleurs par elles-mêmes et voir si elles communiquent ce que je veux qu'elles fassent. J' aime comment ça a l'air. Ensuite, je vais ajouter un nouveau calque ci-dessus et le remplir avec une couleur grise. Je vais définir le mode de fusion sur couleur, et nous pouvons maintenant vérifier toutes nos valeurs de cette façon. La lumière ou l'obscurité de chaque élément, et assurez-vous que chaque élément est clairement distinguable l'un de l'autre. Nous pouvons également réduire l'image vers le bas et vérifier que tout est clair et communiquer le message désiré. Mon illustration semble déjà assez lisible, et je ne pense pas avoir besoin de changer trop ces valeurs. On va le laisser comme ça pour l'instant. Une autre chose que nous pouvons faire est de dupliquer ce calque et d'aller dans Courbes, Calque, puis nous pouvons jouer avec la balance des couleurs globale. Nous pouvons jouer avec le déplacement des courbes ici et voir quel effet cela a sur votre pièce. Si nous tapons rapidement à l'extérieur de la toile avec un doigt, nous pouvons faire apparaître ce panneau qui nous permet de prévisualiser les modifications que nous avons apportées. Nous pouvons également annuler, réinitialiser, appliquer ou annuler ces modifications. Nous pouvons également jouer avec la teinte, la saturation et la luminosité ici, et voir si nous pouvons apporter des améliorations. Je préfère toujours l'original, et je vais juste supprimer ce calque dupliqué. N' hésitez pas à jouer avec ces ajustements si vous le souhaitez. Nous pouvons réactiver le calque de travail de ligne et aller à Actions, Partager, et juste exporter ceci comme une image JPEG. Je vais juste enregistrer ça sur mes photos. Nous allons remplacer ces dessins de personnages par cette miniature de couleur maintenant, parce que nous n'avons plus vraiment besoin de ces dessins. Nous avons déjà terminé notre croquis en ligne et obtenu toutes les proportions et la ressemblance que nous voulons. Nous pouvons maintenant importer notre vignette couleur dans ce panneau de référence à la place. Je vais juste nommer cette miniature de couleur maintenant aussi. Je vais rapidement recadrer ma toile parce que je n'ai pas besoin de cet espace supplémentaire. En faisant cela, cela me permettra une limite de couche plus élevée sur cette pièce, dont je pourrais avoir besoin pour la prochaine étape. Je vais changer ces paramètres ici pour en faire une culture carrée, et je vais juste repositionner ce panneau de référence aussi. Si vous êtes dans une position similaire à moi et que vous avez plus d'espace dans votre toile, je vous conseille de le faire à ce stade aussi. Je vais juste désactiver mon calque rugueux de couleur, et supprimer ce calque gris pour l'instant, puis ajouter un autre calque. Je reste avec mon travail de ligne. Ensuite, je vais choisir une couleur de ma miniature de couleur, je vais également réduire l'opacité de ce calque de travail de ligne. J' utilise toujours cette brosse à mercure ici. Je suis fondamentalement juste tracer chacun de ces éléments colorés le long de ma ligne d'origine, et je vais garder chaque partie séparée sur un calque différent. Pour chaque section, je dessine le contour assez soigneusement, puis je m'assure de fermer le tracé avant glisser dans la même couleur pour remplir la forme. Je vais créer un nouveau calque et faire la même chose à chaque fois, puis choisir les couleurs de ma référence de vignettes de couleur, je m'assure juste que mes contours sont fermés en boucle avant de faire glisser la couleur pour les remplir. Sinon, cette couleur va remplir tout le calque et je ne veux pas ça. Si j'ai besoin de nettoyer l'un de ces bords comme je vais, j'utilise simplement l'outil gomme et je m'assure de frotter avec la même brosse que je dessine. Vous pouvez voir que nous avons déjà beaucoup de couches qui s'empilent. Pour faciliter la gestion des choses, je vais créer un groupe de calques pour chaque personnage. Je peux sélectionner toutes les parties de mon premier personnage en faisant glisser vers la droite sur ces calques. Une fois que j'ai tous ceux mis en évidence, je peux sélectionner le groupe. Je vais juste renommer ce groupe Milly, et je ferai de même pour mon second personnage. Ensuite, je vais juste continuer à aplatir ces couleurs pour l'instant sur des calques séparés à chaque fois. Je vais dessiner les éléments scéniques aussi maintenant, donc je bloque cette flaque d'eau. Je vais aussi dessiner sous la pluie en dessinant une série de lignes droites, puis je vais simplement les tordre en diagonale, et effacer quelques parties aléatoires pour créer un champ pluvieux plus naturel et aléatoire. Ensuite, je vais bloquer ces nuages aussi et juste définir ces formes un peu plus. Maintenant, nos couleurs et formes principales sont bloquées, nous sommes prêts à ajouter des détails, des textures et des touches finales. 16. Projet : les détails: Maintenant que nous avons nos couleurs plates, nous pouvons commencer à ajouter quelques détails. Je vais activer le calque Linework à une faible opacité. J' ajoute un nouveau calque maintenant. Alors je vais utiliser une couleur pourpre foncé pour l'instant. Vérifiez que je suis toujours sur cette brosse à mercure, puis je vais juste zoomer et commencer à définir certains de ces détails dans les vêtements. Je réduirai un peu plus la transparence sur mon travail de ligne d'origine afin que je puisse voir les lignes que je fais plus clairement. Je vais juste commencer à marquer les détails qui, je pense, ont besoin d'une définition supplémentaire. Je me concentre sur les rides dans les vêtements et tous les détails supplémentaires qui doivent être clarifiés. Je vais définir ces lignes pour se multiplier. En fait, je viens de réaliser que j'ai oublié d'ajouter quelques éléments. Je vais vite y retourner et les dessiner maintenant, ce qui étant les chaussettes et les badges. Je vais juste retourner à la ligne maintenant et continuer à marquer ces détails dans les vêtements, dans les cheveux et marquer les doigts des mains. Vous pouvez ajouter tous les détails stylistiques que vous aimez ici aussi. J' ajouterai une nouvelle couche pour les traits du visage et je les dessinerai simplement en traçant mon travail de ligne précédent. Je vais définir ce calque pour se multiplier aussi, puis je vais ajouter un nouveau calque pour dessiner dans les dents blanches. Mais d'abord, je vais colorer dans cette bouche ouverte. Je colore ces dents blanches maintenant sous l'expression faciale. En fait, je pense qu'ils sont un peu trop blancs. Je vais les changer pour une couleur plus crémeuse en définissant l'Alpha Lock pour verrouiller les pixels de ce calque et simplement en dessinant avec la nouvelle couleur. Je vais aussi dessiner des joues roses. J' utilise cette couleur rose vif et les dessine. En fait, je vais déplacer ce calque dans le groupe de calques de ce personnage. Ensuite, je vais déplacer à nouveau le calque pour qu'il soit sur le dessus du visage et le transformer en masque d'écrêtage. Ensuite, je vais changer le mode de fusion pour multiplier et abaisser l'opacité à environ trente pour cent. Je vais faire exactement la même chose avec mon autre personnage maintenant. Je vais en fait jouer avec le positionnement de la frange de Millie ici légèrement parce que cela entrave un peu l'expression faciale. Je suis juste en train d'utiliser l'outil de sélection ici et d'effacer et de dessiner dans certaines parties à nouveau. Ajoutons un peu de pluie maintenant. Je dessine juste des lignes diagonales autour de mes personnages, créant un effet de pluie aléatoire. Je peux jouer avec la teinte, la saturation, la luminosité de ces lignes aussi bien. Je vais maintenant faire une nouvelle couche au-dessus de ma flaque et mettre cela sur un masque de coupe pour que je puisse dessiner plus de détails ici. Je dessine les ondulations dans cette flaque juste pour donner plus de vie et compléter tout le mouvement et les éclaboussures qui se produisent. Je vais définir cela pour multiplier le calque et continuer à dessiner dans ces détails. Ensuite, je vais ajouter un autre calque au-dessus de celui-ci et aussi le mettre sur un masque de coupe attaché à cette flaque d'eau. Je vais utiliser une couleur claire ici, définir le mode de fusion des calques pour superposer et continuer à définir ces ondulations avec cette couleur plus claire maintenant. Je réduirai un peu l'opacité sur cette couche aussi. Je peux également jouer avec la teinte, la saturation et la luminosité. Maintenant, nous avons plus de détails dessinés. Nous allons passer à autre chose pour ajouter un peu de texture. 17. Projet : la texture et les touches finales: Nous allons maintenant ajouter de la texture et des touches finales. Malheureusement, mon appareil photo n'a pas enregistré le début de cette étape ici, mais fondamentalement, j'ai ajouté un masque de coupe avec un peu de texture à ma couche de vêtements. Maintenant, je vais sélectionner ma couche de vêtements, et aller à la teinte, la saturation et la luminosité, et rendre ce calque blanc. Ensuite, je vais dupliquer le masque d'écrêtage pour renforcer l'intensité de cette texture, puis fusionner ces calques de masque d'écrêtage ensemble. Nous pouvons ensuite aller à la teinte, la saturation, la couche de luminosité, et jouer avec la couleur ici. Ensuite, je vais sélectionner ma couche de flaque, ajouter un nouveau calque de masque d'écrêtage au-dessus de cela, et changer mon pinceau pour ce pinceau de taille ou de texture dense. Je vais colorer PEC cette couleur de la flaque d'eau. Il suffit de les vérifier sur cette couche de masque d'écrêtage, puis dessinez ma texture sur la couche de flaque d'eau. Je vais me débarrasser de ce panneau de référence parce que je n'en ai plus besoin. Ensuite, je vais blanchir la couche de flaque d'eau d'origine, et dupliquer mon masque d'écrêtage texturé quelques fois, puis fusionner ces calques ensemble. Je vais y ajouter une autre couche de masque d'écrêtage, et changer mon pinceau pour ce shader de texture riser, et choisir une couleur pourpre foncé, puis je dessine juste cette texture sur ma flaque pour obtenir un effet de dégradé agréable. Je vais changer le mode de fusion pour se multiplier, et réduire l'opacité de ce calque également. Je vais ajouter un nouveau calque et choisir une couleur claire cette fois, et dessiner cela sur ma flaque d'eau aussi. Ensuite, je vais régler cette couche pour superposer, et baisser légèrement l'opacité, ce qui donne à cette eau un aspect naturel plus brillant. Je vais ajouter plus d'un dégradé à mes vêtements maintenant aussi. J' ajouterai un nouveau calque, et je le changerai en masque de coupe sur mes vêtements. Je vais choisir cette couleur grise, puis commencer à dessiner le long de la partie inférieure de mes vêtements. Je vais configurer le calque pour se multiplier, et jouer avec l'opacité à nouveau. Vous pouvez voir que j'ai perdu un peu de contraste entre les vêtements et mes flaques d'eau ici, alors je vais devoir jouer avec ça un peu plus pour voir ce qui va mieux fonctionner. Je vais désactiver cette couche de dégradé de nuage et ajouter une nouvelle couche. Ensuite, je sélectionne une couleur blanche et dessine ainsi le long de la zone inférieure de mes vêtements maintenant. Cela semble beaucoup mieux donc je vais supprimer le masque d'écrêtage gris précédent. Je vais à nouveau ranger ces couches en créant un groupe pour ma flaque d'eau et un groupe pour mes couches de nuages. Vous remarquerez que je ne nomme pas toutes mes couches maintenant, mais si cela vous aide à garder une trace de tout, alors vous pouvez absolument le faire. Je suis juste en train de garder une trace des groupes de calques et je peux ensuite facilement identifier chaque élément à partir des vignettes. Maintenant, je vais commencer à ajouter certains de ces ingrédients de textures à mes personnages. Je fais essentiellement la même chose ici en créant un calque de masque d'écrêtage au-dessus de chaque élément. Choisir une couleur foncée et dessiner cette texture sur une section du calque d'origine. Je vais changer le calque de masque d'écrêtage pour se multiplier, et je vais continuer à faire la même chose pour chaque élément de mes personnages maintenant, et essayer de garder le placement de ces dégradés généralement du même côté de mon personnage afin que nous émuler quelques ombres douces. Nous pouvons réduire l'opacité des ombres pour réduire l'intensité des ombres jusqu'à ce que nous soyons satisfaits de l'effet qu'elles créent. Maintenant, je vais faire la même chose, mais avec les faits saillants cette fois. Je vais ajouter un nouveau calque de masque d'écrêtage au-dessus du masque d'écrêtage précédent, changer la couleur de mon pinceau en quelque chose de léger, puis dessiner ces surlignées du côté opposé à mes ombres et définir un mode de calque pour superposer et jouer avec l'opacité ici aussi. Comme avant, je vais faire la même chose avec chacun de mes éléments colorés ici. Vous pouvez voir qu'il s'agit d'ajouter une texture agréable ainsi que de régler l'ambiance un peu plus avec ces effets d'éclairage doux. Votre pièce peut avoir une sensation totalement différente mienne et vous pourriez vouloir jouer avec un éclairage beaucoup plus intense avec des ombres plus dures et des bords durs, ou peut-être pas d'effet d'éclairage de grande taille selon votre style. Vous pouvez simplement expérimenter, et jouer avec ce qui se sent bien avec votre pièce ici. Je vais maintenant ajouter un nouveau calque au-dessus de tous mes autres, et changer mon pinceau pour ce Mercury 1. Modifiez ce mode de fusion de calque en superposition, puis je vais commencer à dessiner des surlignées avec ces lignes juste pour aider à définir certaines zones encore plus. Je vais débarrasser certaines parties de ces faits saillants avec ce shader de texture riser, juste pour les adoucir un peu. Je vais maintenant ajouter un peu de réflexion à l'eau, donc je vais exporter mon image en JPEG, puis je vais la ramener à nouveau. Je vais sélectionner l'un de ces calques au-dessus de mon groupe de flaques d'eau, puis importer cette image ici à nouveau, et cela sera automatiquement ajouté à ce groupe de masques d'écrêtage. Ensuite, je glisserai l'énergie verticalement, et nous pouvons capturer le reflet de nos deux personnages reflétés dans l'eau ici. Je peux aligner la plante de leurs pieds, puis j'abaisse l'opacité de cette image importée afin que nous puissions encore voir ces dégradés brillants aussi, et je vais la changer en couche de superposition. Maintenant, je vais dessiner sous une pluie plus texturée. Je commence un nouveau calque et je veux changer mon pinceau en quelque chose de très texturé. Je vais à mon jeu de pinceaux de contes, et en utilisant cette doublure moyenne rugueuse. Ensuite, je choisis une couleur sombre dans la flaque d'eau, et je vais dessiner quelques lignes droites en diagonale ici. Si vous dessinez votre ligne grossièrement, puis maintenez votre crayon dessus pendant une seconde ou deux, Procreate redressera par magie cette ligne pour vous. Je les dessine simplement dans un motif randomisé dans la même direction. Je vais éteindre les autres lignes de Greenie et multiplier ces lignes. Ensuite, je vais jouer avec la couleur, donc je vais m'éclaircir et jouer avec la teinte et la saturation. Je réduirai aussi l'opacité. Ensuite, je vais ajouter une autre couche et changer ma brosse pour la doublure rugueuse maintenant, et je vais ajouter quelques gouttes de pluie à nouveau pour créer de la profondeur ici. Je vais jouer avec l'opacité à nouveau, je vais ensuite dupliquer ce calque et essayer différents modes de fusion ici. J' essaye ce mode d'ajout qui éclaircit les couleurs sous ce calque, et crée un bel effet carré. Ensuite, je vais juste ajouter quelques gouttes de pluie de plus. Nous avons presque fini l'illustration maintenant. À ce stade, je vais continuer à ajouter des textures et des détails supplémentaires, et à peaufiner les couleurs, et les modes de fusion pour vraiment aider cette pièce à briller. Je ne vais pas entrer trop en détail sur mon processus ici parce que c'est juste beaucoup d'essayer les choses, voir ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, et c'est vraiment spécifique à l'humeur que vous voulez atteindre ainsi que votre style. A ce stade, je recommande juste d'expérimenter avec vos textures, et vos couleurs, et essayez également de ne pas en faire trop. Si vous avez l'impression que votre illustration est complète et que vous en êtes satisfait, vous n'avez pas besoin de changer trop. Soyez fiers de votre réussite parce que nous sommes vraiment loin de ces croquis de miniatures initiales. Une fois votre illustration terminée, vous pouvez l'exporter sous forme de JPEG ou d'image PNG, et assurez-vous de télécharger votre pièce dans la galerie de projets parce que j'aime vraiment voir votre travail. 18. Réflexions finales et remerciements: Oui, bien joué pour atteindre la fin de la classe. J' espère vraiment que vous avez apprécié à la fois les exercices de classe et le projet, et que vous avez appris des charges en cours de route. Je suis tellement excité de voir vos projets, alors n'oubliez pas de les poster dans la section projet. Je vous encourage à examiner les projets et à laisser des commentaires positifs à vos collègues étudiants. N' hésitez pas à me marquer dans vos messages sur Instagram aussi. Je suis, @sarahholliday, avec deux l, et vous pouvez utiliser le hashtag characterinteractionclass. Je serais ravi si vous pouviez me laisser un avis et me dire ce que vous avez aimé dans la classe, et aussi se sentir libre de partager avec quiconque que vous pensez appréciera. Vous pouvez me faire savoir ce que vous aimeriez apprendre ensuite dans la section de discussion, et me poser des questions là-bas aussi. Si vous êtes aux prises avec l'une de ces leçons ou concepts, faites-le moi savoir et je ferai de mon mieux pour vous aider. Si vous voulez rester au courant des cours à venir, alors assurez-vous de me suivre ici sur Skillshare, et vous pouvez également me suivre sur Instagram, @sarahholliday. Merci beaucoup d'avoir rejoint moi. Ça a été un plaisir absolu et j'ai hâte de te voir la prochaine fois.