Environnements illustrés : dessiner une scène de paysage stylisé dans Procreate

1. Introduction: environnements jouent un rôle majeur dans la définition de l'ambiance et du ton d'une histoire. En créant des scènes et des arrière-plans captivants, nous pouvons communiquer autant d'atmosphère et inviter le spectateur dans nos propres petits mondes, créant ainsi une expérience de narration riche et immersive. Salut, je suis Sarah Holliday, et je suis illustratrice écossaise. Je trouve des environnements tellement amusants à dessiner qu'ils vous permettent d'explorer votre propre imagination et de créer une scène dans laquelle vous pouvez totalement vous immerger. Illustrer les environnements peut représenter un défi technique, car il y a beaucoup d'aspects que nous devons considérer à la fois, tels que la composition, la perspective, la couleur et l'éclairage, sans parler des idées créatives et transmettre l'humeur et l'histoire. Mais ne vous inquiétez pas parce que dans cette classe, je vais diviser tous ces aspects en leçons et exercices faciles à suivre afin que, quand il s'agit de dessiner nos scènes, vous puissiez passer moins de temps à vous soucier de ces défis et plus de temps véhiculant atmosphère et imagination. Dans ce cours, nous allons explorer comment nous pouvons atteindre un sens de la profondeur et de la perspective dans nos scènes, comment accentuer un point focal dans la composition, styliser nos éléments en utilisant le langage de forme, et je vais vous montrer quelques conseils pratiques pour donner vie à votre scène grâce à l'éclairage et aux effets atmosphériques. Je vais ensuite vous guider à travers tout mon processus pour illustrer une scène du début à la fin de ce cours, afin qu'à la fin de ce cours, vous soyez entièrement équipé pour créer votre propre paysage saisissant. Que vous soyez encore un débutant qui aime dessiner objets ou des personnages individuels mais n'avez jamais composé de scène auparavant ou que vous soyez un illustrateur expérimenté qui cherche juste à améliorer vos compétences dans ce domaine, cette est rempli de trucs et astuces qui seront utiles à tous les niveaux. J' utiliserai mon iPad Pro avec Procreate dans mes démonstrations, mais n'hésitez pas à suivre vos outils de dessin préférés. Si vous êtes prêt à faire des scènes magnifiques, je vous verrai en classe. 2. Aperçu du cours: Qu' est-ce qu'on va apprendre exactement dans cette classe ? Pour commencer, nous examinerons comment composer notre scène en utilisant profondeur et la perspective, puis comment accentuer un point focal, comment styliser nos éléments à l'aide du langage de forme, puis donner vie à la scène avec l'éclairage et effets atmosphériques. Une fois que nous aurons abordé ces sujets, nous serons prêts à appliquer tout ce que nous avons appris dans notre projet de classe. Le projet de classe est d'illustrer notre scène paysagère. Nous commencerons par décider quel type d'emplacement nous voulons illustrer et quelle ambiance particulière nous voulons transmettre. Si vous êtes coincé pour des idées, j'ai créé une liste d'invite, alors n'hésitez pas à la télécharger à partir de la section Ressources ci-dessous quand il s'agit de cette étape. Une fois que nous aurons notre idée lâche, nous allons chercher de l'inspiration et créer un tableau d'ambiance pour inspirer notre scène, puis nous déciderons des éléments que nous voulons inclure dans la scène et dessinerons tous ces individuellement avant d'esquisser plusieurs idées pour notre composition. Lorsque nous aurons choisi notre favori, nous allons affiner un peu plus cette mise en page, parler du choix des couleurs et de la création d'une couleur rugueuse, puis nous finirons l'illustration en bloquant nos calques et ajouter des textures et des détails finaux pour donner vie à la scène. En termes de matériel, je vais utiliser mon iPad Pro avec Procreate pour montrer ces leçons afin que vous puissiez trouver plus facile à suivre si vous avez aussi une forme de logiciel de dessin numérique, mais vous pouvez toujours suivre cette classe en utilisant uniquement les médias traditionnels. Et alors que je vais dessiner dans Procreate et partager quelques conseils sur l'application en cours de route, ce n'est pas une classe « comment utiliser Procreate », donc cela aidera si vous avez une bonne familiarité avec n'importe quel logiciel ou médium que vous allez utiliser. Comme cette classe se concentre sur le dessin de paysages, nous n'allons pas entrer dans les détails sur les règles de perspective avancées ou sur le dessin de structures artificielles, et nous ne nous concentrerons pas trop sur la façon de dessiner des éléments individuels non plus. L' accent est davantage mis sur la construction d'une base de techniques pour composer des scènes immersives et atmosphériques. Et j'espère que d'ici la fin de cette classe, vous aurez appris des tas de conseils et de processus que vous pourrez intégrer à votre pratique générale de dessin et à votre style personnel afin de rendre l'ensemble du processus d'illustration scènes beaucoup plus satisfaisantes et agréables pour vous. Je suis vraiment excité de voir où votre imagination vous mène donc s'il vous plaît n'hésitez pas à télécharger vos exercices et vos croquis de travail en cours dans la section des projets de classe au fur et à mesure que vous allez et s'il vous plaît télécharger votre dernière pièce là aussi, parce que j'aime vraiment voir votre travail et donner mes commentaires. S' il y a des concepts ou des domaines de la classe sur lesquels vous êtes un peu coincé, n' hésitez pas à me poser des questions dans la section Discussions à n'importe quel stade, et je serai ravi de vous aider. Si vous êtes prêt à commencer, commençons et je vous verrai dans la leçon suivante. 3. Profondeur et perspective: Commençons par regarder comment créer un sens de la profondeur et de la perspective dans nos scènes, ce qui nous permettra de tourner des compositions plus crédible et immersives. Nous pouvons transmettre la profondeur en utilisant une combinaison de plusieurs méthodes telles que l'échelle, superposition, la valeur tonale et la perspective. Voyons comment nous pouvons utiliser ces techniques pour créer de la profondeur dans nos scènes. Commençons par l'échelle. Je vais d'abord dessiner un arbre et le dupliquer quelques fois, puis je vais aussi tracer une ligne pour notre plan au sol. Vous pouvez voir que ceux-ci sont tous de la même taille et il semble qu' ils soient tous dans une rangée sur le même niveau avec peu d'espace entre eux. Faisons d'abord un de ces arbres plus grand et un un peu plus petit. Même si ces tailles sont maintenant différentes, nous n'avons toujours pas ce sens plus clair de la profondeur. Une autre chose que nous pouvons faire est de mettre ces arbres en couches. Je vais les rapprocher un peu pour que l'un chevauche l'autre, et je ferai de même avec cet arbre plus petit qui l'emmène derrière les autres. Ensuite, nous pouvons frotter ces zones où l'arbre derrière est chevauché par celui qui se trouve devant. Nous pouvons commencer à voir maintenant qu'il y a une hiérarchie de placement avec l'arbre plus grand devant et l'arbre plus petit derrière. Nous avons une perspective qui commence à se former ici, mais ils ont toujours l'air plat comme s'ils étaient des morceaux de papier placés les uns sur les autres. n'y a pas encore de sens de l'espace entre eux. Une autre façon d'améliorer la profondeur est d'utiliser la valeur tonale, sorte que c'est comme ils sont clairs ou foncés dans le ton. Je vais colorer chacun de ces arbres en noir, puis je vais alléger beaucoup cet arbre le plus loin, puis j'allégerai un peu moins l'arbre de milieu de gamme. Au fur et à mesure que les choses s'éloignent de nous, elles deviennent plus ternes et plus légères à nos yeux parce qu'il y a plus de particules d'air entre notre vision et le sujet qui obscurcit les couleurs et les valeurs, et ce phénomène est connu sous le nom de perspective atmosphérique. Vous pouvez voir maintenant avec cette combinaison d'échelle, de superposition et de perspective atmosphérique, nous avons réussi à obtenir une illusion de profondeur très basique. Passons maintenant à quelques outils de perspective de base qui peuvent nous aider à améliorer encore plus la profondeur dans nos environnements. Quand il s'agit de travailler avec les paysages et la perspective en général, l' une des premières choses que nous voulons faire est d'identifier la ligne d'horizon. La ligne d'horizon est essentiellement la ligne qui sépare le ciel du sol. Généralement, tout ce qui est en dessous de la ligne fait partie du sol et au-dessus de la ligne est le ciel. Une fois que vous avez tracé votre ligne d'horizon, nous pouvons identifier le point de fuite et cela peut être placé sur n'importe quelle partie de cette ligne. Je vais juste le placer au milieu ici. Notre point de fuite est le point de notre image vers lequel tout s'éloigne. Vous pouvez faire de petites lignes directrices à partir de votre point de fuite vers l'extérieur, ce qui vous aidera à visualiser votre échelle ici. Cela peut juste être des lignes randomisées qui sortent de votre point de fuite à n'importe quel endroit. Vous pouvez les rendre proches ou éloignés, ça n'a pas vraiment d'importance. Si vous utilisez Procreate, il y a un outil vraiment utile que je vais vous montrer maintenant, donc vous n'avez pas à dessiner à la main toutes vos lignes directrices. Je vais juste me débarrasser de ces directives pour l'instant. Ensuite, nous pouvons aller à des actions, toile, guide de dessin, et allumer ce petit interrupteur ici. Vous pouvez voir que cette grille est apparue sur la toile. Nous devons appuyer sur Modifier le guide de dessin. Ensuite, vous verrez cette rangée de différents types de guides de dessin apparaître. Choisissons la perspective. Maintenant, vous pouvez voir en haut ici, il dit tapoter pour créer un point de fuite. Je vais puiser sur notre point de fuite là-bas, et vous pouvez voir que ça a mis au point des tas de petites lignes qui se rencontrent toutes au milieu à ce point de fuite. Je vais juste aligner ça avec notre placement original. Vous pouvez également modifier la couleur de ces directives si vous le souhaitez, et vous pouvez également ajuster l'épaisseur et l'opacité. Une fois que vous êtes heureux, cliquez simplement sur terminé. Si vous voulez l'activer et l'éteindre à tout moment, si cela vous distrait de votre dessin, vous pouvez simplement y retourner. Nous allons garder ça pour l'instant, et nous pouvons utiliser ces lignes comme guides. Tout d'abord, dessiner un tout petit arbre près de mon point de fuite. Si nous imaginons un arbre de la même taille que celui-ci a amené vers nous, alors nous pouvons suivre ces mêmes lignes et en tirer grossièrement plus loin du point de disparition. Vous pouvez voir comment ces lignes directrices sont beaucoup plus espacées éloignées du point de fuite qu'elles sont. Ce qui signifie que les objets apparaîtront beaucoup plus grands que le point de fuite, ils sont comparés à des objets de même taille qui sont proches du point de fuite. Si nous dessinons un autre arbre à mi-chemin entre ces deux, il souligne davantage cette distance et cette profondeur. Vous pouvez également utiliser ce principe de perspective atmosphérique pour améliorer la profondeur ici. La chose amusante à dessiner des paysages et scènes naturelles est que tant que nous avons ces concepts principaux à l'esprit, nous n'avons pas à nous soucier particulièrement de savoir si la perspective est totalement correcte ou non, parce que nous peut s'en sortir avec beaucoup plus par rapport à dessiner des scènes architecturales ou intérieures. Ne vous inquiétez pas trop une fois que vous avez un sens approximatif de la perspective, tant que vous respectez les principes de base, vous serez probablement bien. Vous pouvez montrer différentes tailles d'éléments et dans des emplacements assez aléatoires, et parce que nous avons déjà une perspective de base définie, nous pouvons randomiser nos tailles et formes de nos sujets sans être trop précis ou mathématique ça. La même chose se produit avec les éléments dans le ciel. Disons que nous avons un nuage qui est loin du point de fuite, il va être vraiment grand par rapport aux nuages qui sont plus près du point de fuite. Les choses deviennent beaucoup plus groupées à mesure qu'elles atteignent le point de fuite parce que l'espace semble plus compact. En faisant venir ces éléments vers nous dans le ciel comme dans le sol, il crée une expérience vraiment immersive de profondeur. Si vous voulez tracer une rivière courbée ou un chemin, vous pouvez simplement dessiner quelques lignes directrices de base que vous voulez suivre le chemin, puis vous pouvez simplement dessiner cette courbe dans ces lignes directrices. La courbe deviendra de plus en plus encombrée au fur et à mesure qu'elle se déplace vers le point de fuite. Vous pouvez voir que les espaces entre ces courbes sont assez grands au premier plan, et ils deviennent ensuite de plus en plus petits jusqu'à ce qu'ils soient vraiment regroupés vers ce point de fuite. Il est utile si vous tracez grossièrement ces lignes directrices d'abord et ensuite vous pouvez dessiner dessus avec un peu plus de confiance, et rappelez-vous aussi si c'est un chemin ou une rivière, il apparaîtra vraiment épais au premier plan et alors il sera devenir progressivement plus mince et plus mince à mesure qu'il approche de votre point de fuite. La même chose se produit avec les collines et les montagnes car elles deviennent plus petites et plus encombrées à distance. Vous avez l'idée générale. Éteignons ces couches pour l'instant, et je vais éteindre ces guides pour que nous puissions voir notre ligne d'horizon originale. Je vais juste vous montrer différentes façons de tracer votre ligne d'horizon sur votre image maintenant. Vous pouvez simplement dessiner une simple boîte autour de cette ligne pour représenter la taille de notre image. Vous pouvez voir ici, notre image est divisée en deux par la ligne d'horizon, ce qui crée une scène symétrique assez équilibrée, surtout si nous avons le point de fuite à mi-chemin le long de cette ligne. Mais cela peut aussi être assez ennuyeux et ce n'est pas très intéressant composition. J' aime avoir ma ligne d'horizon un peu au-dessus ou au-dessous de la ligne médiane parce que je pense que cela crée un peu plus d'intérêt, mais ce n'est toujours pas trop extrême. Mais si vous voulez créer une perspective vraiment extrême, alors vous pouvez placer la ligne d'horizon en haut de votre image, et cela montrera des charges de votre surface au sol et pas beaucoup du ciel. Cela donne l'impression que le spectateur est vraiment haut quelque part et qu'il regarde vers le bas, et cela lui donne un sentiment de contrôle sur la scène parce qu'il a un bon point de vue. Ils peuvent probablement voir beaucoup de la région et ce qui se passe. Inversement, vous pouvez placer la ligne d'horizon très bas dans votre image, et je vais montrer bas vers le ciel. Vous voudrez peut-être montrer beaucoup de l'action nuageuse qui se passe ou quelques oiseaux qui volent ou une montagne vraiment haute qui se profile au-dessus, ce qui donne l'impression que le spectateur regarde haut et qu'il se sent petit et ancré . Vous pouvez l'utiliser pour créer un sens de l'art ou du drame, ou peut-être qu'il y a un obstacle à surmonter. Quelque chose d'autre que vous pouvez faire pour créer un point de vue extrême est d'incliner la ligne d'horizon, ce qui fera basculer tout dans votre paysage. Tout à votre image va s'incliner avec cela, et cela joue vraiment avec notre cerveau et nous fait sentir un peu anxieux et mal à l'aise. Vous pouvez l'utiliser pour la partie de l'histoire où quelque chose ne va pas ou il y a un sens du drame, ce qui ajoutera à un sentiment de tension ou d'excitation. Mais utilisez cela avec parcimonie parce que vous voulez qu'il soit vraiment impactant lorsque vous l'utilisez, alors soyez conscient de cela. Vous pouvez voir que lorsque nous avons une ligne d'horizon droite, nous pensons, quel beau paysage. Mais quand on le tordre, ça change complètement le sentiment et on pense à ce qui se passe ? Vous pouvez également jouer avec le placement de votre point de fuite, il n'a pas besoin d'être juste au centre de votre image. Tant que c'est quelque part sur la ligne d'horizon et qu'il n'a même pas à être à votre image, cela pourrait être totalement hors de la conversation. Maintenant que nous avons abordé la façon de créer un sens de la profondeur et de la perspective dans nos scènes, passons à la façon dont nous pouvons accentuer un point focal dans nos compositions. 4. Point focal et composition: Un point focal est la maladie ou la zone dans une scène que votre œil est attiré et intrigué par l'identification du point focal dans votre composition est important car il vous donne vu un but, ainsi que de fournir un intérêt visuel. Jetons donc un coup d'oeil à quelques techniques que nous pouvons utiliser pour attirer l'attention sur notre point focal souhaité. Commençons par la règle des tiers. Ainsi, nous pouvons diviser notre composition en trois sections égales avec deux lignes verticales, puis faire la même chose horizontalement afin de nous retrouver avec neuf segments de taille égale. L' idée principale est que nous pouvons placer notre point focal sur l'une de ces quatre intersections ici, ce qui va compenser un peu l'équilibre de votre composition et ajouter un peu plus d'intérêt à votre image que si vous aviez juste votre point focal gifle bang au milieu. Donc je vais placer mon point focal sur le côté gauche de l'image ici. Et je vais aussi dessiner un point focal secondaire dans cette intersection en haut à droite. Et une autre chose que nous pouvons faire avec la règle des tiers est de l'utiliser pour nous aider à diviser davantage notre image. Pour que nous puissions placer notre ligne d'horizon au-dessus du tiers inférieur. Donc ça peut être notre avion au sol. Et puis ce type prend les deux tiers supérieurs. Ou vous pourriez toujours le faire dans l'autre sens avec deux tiers gémissés et un troisième ciel. Ensuite, nous pouvons commencer à enrichir la scène avec des détails supplémentaires et améliorer notre point focal principal. Et nous pouvons également ajouter des superpositions et de la profondeur supplémentaires à la scène en utilisant ces histoires pour aider à diviser approximativement chaque domaine d'intérêt. Vous pouvez donc voir que cela crée une dynamique de décalage agréable qui est un peu plus intéressante que si tout était plus centré. Mais cela ne veut pas dire que les compositions centrées ne peuvent pas être vraiment efficaces et efficaces elles-mêmes. En fait, créer une image plus symétrique qui est uniformément équilibrée de chaque côté et plaire votre point focal au centre même de votre scène comme un moyen vraiment simple mais efficace d'attirer l'attention vers votre point focal. Donc, vous pouvez voir que dans cette scène nous sommes tout de suite attirés vers cette cascade au milieu de la composition. Donc, ce sens de symétrie peut créer un très bel équilibre, un sentiment sûr. Examinons maintenant les lignes de départ afin que nous puissions utiliser les voies notre composition pour attirer l'attention vers le point focal. Nous pouvons le faire en utilisant des formes environnantes comme des chemins, des rivières, des collines, des nuages, et fondamentalement tous les éléments de notre image qui peuvent créer une voie directionnelle menant vers le point focal souhaité. Ainsi, vous pouvez même utiliser des arbres, par exemple, pointant vers le point focal. Et vous pouvez voir ici que tous les éléments environnants de cette scène aident à diriger notre regard vers le point focal. Et vous pouvez également utiliser ces lignes pour diriger l'œil autour l'image avant de vous reposer sur le point focal. Maintenant, regardons le cadrage. recadrage nous permet de concentrer davantage notre attention sur le principal vu beaucoup de la même manière qu'une peinture encadrée physiquement. Donc, ici je dessine des sombres et des arbres au premier plan pour créer un cadre autour de ce point focal. Mais vous pouvez également utiliser d'autres éléments pour créer des effets d'image tels que le feuillage, roches, les nuages et les effets d'éclairage. Ainsi, par exemple, vous pouvez ombrager tout sauf la zone sur laquelle vous voulez vous concentrer. Vous pouvez également créer une sorte d'effet de vignette en assombrissant les bords de votre image. Et ces techniques de cadrage fonctionnent ensemble pour aider le spectateur à diriger la partie la plus brillante de votre image. Espace négatif. Donc, disons que nous avons un arbre debout seul par rapport aux autres arbres environnants qui ont l'air exactement le même sauf qu'ils sont tous regroupés ensemble. Cet arbre au milieu se distingue beaucoup plus à notre œil en raison tout l'espace environnant et réussit à capturer notre curiosité due au S. Et nous pouvons également utiliser le contraste pour aider ce point focal à se démarquer plus loin. Ainsi, par exemple, nous pouvons créer un contraste entre les couleurs en faisant le reste de la scène et le bleu alors que cet arbre est orange. Et puis, il est vraiment clair à quel élément est le point focal. Et nous pouvons également utiliser le contraste en valeur, par exemple, en rendant nos autres arbres plus sombres ou plus clairs que le point focal. Et nous pouvons également montrer un contraste d'échelle en rendant notre point focal beaucoup plus petit ou beaucoup plus grand que les éléments environnants de la scène. Donc ce ne sont que quelques idées, mais vraiment n'importe quel type de contraste qui vous aide points focaux de plus en plus remarquable est de grands personnages et des visages. Donc, quelque chose qui attire immédiatement notre attention dans une scène est l'utilisation de figures et de visages. Donc ici, je dessine un personnage tout d'abord, comme mon principal point focal. Et si le personnage regarde quelque chose ou geste vers quelque chose en particulier, très souvent suivre naturellement leur île pour essayer de remarquer ce qu'ils regardent. Cela peut donc être un très bon moyen de jouer avec plusieurs points focaux dans la scène avec une hiérarchie d'importance. Donc, ici notre point focal est d' abord ce personnage, puis notre point focal secondaire comme hôte, qui ont été attirés vers le panier après le personnage. Nous pouvons donc essayer de regrouper toute cette scène en combinaison avec plusieurs des techniques que je viens d'expliquer. Mais veillez à ne pas submerger votre scène avec trop de points focaux placés au hasard, car vous ne voulez pas avoir autant de choses sur votre spectateur ne sait pas ce qu'il devrait regarder ou se concentrer. Idéalement, vous voulez avoir une hiérarchie claire entre tous les éléments de votre scène. Lorsque vous avez beaucoup de petits éléments qui s' intègrent avec succès dans une composition équilibrée, le spectateur peut essayer de créer des connexions entre tous ces éléments dans son esprit. Et c'est là que vous commencez à avoir un sens de l'histoire et de l'atmosphère qui, à mon avis, crée une image vraiment forte. N' ayez donc pas peur d'ajouter beaucoup de petits détails à votre composition, mais soyez clair sur ce que votre point focal aussi. L' histoire est que vous voulez dire sont le genre de sentiment que vous voulez communiquer. Récapitons rapidement cette leçon. Nous avons examiné la règle des tiers et créé un équilibre intéressant en plaçant votre point focal le long d'une de ces quatre intersections. En plus de placer les éléments de votre scène et un bel équilibre entre tous ces segments. Nous avons envisagé d'utiliser une composition centrée, ce qui est un moyen vraiment simple et efficace d'attirer l'attention sur votre point focal. Nous avons cherché à utiliser des lignes directrices pour diriger l'œil. Nous avons examiné l'utilisation du cadrage et de l'éclairage. Nous avons examiné l'utilisation de l'espace négatif et du contraste. Et nous avons parlé d'utiliser des personnages et des excréments pour attirer l'attention du spectateur. Nous avons également envisagé d'établir une hiérarchie de points focaux ensemble dans une scène. Et enfin, mettre la scène en utilisant plusieurs de ces lignes directrices dont nous avons parlé. Alors ne vous laissez pas trop contrarié par ces directives de composition. Vous devriez simplement les utiliser pour améliorer la façon dont vous pensez lorsque vous esquissez votre mise en page. Mais une fois que vous avez une compréhension des bases, alors la plupart de cela viendra avec l'intuition. Alors n'avez pas l'impression que votre composition doit suivre complètement ces règles. Et si vous voulez enfreindre l'une de ces règles et faire votre propre chose en termes de composition. C' est tout à fait bien. Il s'agit de ce que vous voulez communiquer et du genre de sentiment que vous voulez transmettre. Passons maintenant à la leçon suivante. 5. Langage des formes: Quelque chose dont nous allons vouloir être conscients quand il s'agit de créer les éléments stylisés dans notre scène est le langage de forme. C' est juste une façon de penser à styliser votre travail, et c'est une technique vraiment intéressante et efficace que j'utilise personnellement beaucoup dans ma propre pratique. Je vais vous expliquer un peu cette méthode maintenant et comment vous pouvez l'appliquer à vos dessins et dessins pour améliorer non seulement l'esthétique de vos éléments, mais aussi le genre de sentiment qu'ils projettent. Tout d'abord, décomposons nos formes en cercles, carrés et triangles. Habituellement, nous voyons les cercles comme étant sûrs, innocents et doux. Il n'y a pas de bords tranchants pour nous faire du mal. Les carrés sont des scènes comme robustes, sensibles, fiables, souvent peut-être un peu ennuyeux, et nous les voyons plus souvent dans les structures artificielles que dans la nature. triangles sont considérés comme dangereux et excitants. Ils ont ces bords pointus, donc au niveau subconscient, nous sommes conscients qu'ils pourraient potentiellement nous nuire. Cette relation psychologique que nous entretenons avec ces formes à un niveau subconscient peut être utilisée dans nos conceptions pour communiquer des sentiments spécifiques au spectateur. Par exemple, commençons par styliser un palmier et nous pouvons utiliser le langage de forme pour influencer la perception de ce sujet. Vous pouvez voir que j'ai utilisé des formes très arrondies ici et j'utiliserai le même traitement arrondi sur le tronc. Nous percevons cet arbre comme étant assez doux et moelleux et amical en raison de l'utilisation du langage de forme. Si nous donnons au palmier un traitement plus carré et bloqué, nous pouvons considérer cela comme étant très robuste et solide. Pour moi, cela semble un peu futuriste et artificiel parce qu'il est très rare de voir ces formes dans la nature. Si nous donnons au palmier un traitement plus triangulaire épineux, il semble un peu plus dangereux, mais il semble aussi un peu plus excitant et mystérieux. Nous pouvons faire la même chose avec n'importe quel sujet. Allons de l'avant et dessinons maintenant plusieurs autres éléments avec chacun de ces traitements de langage de forme différents et remarquons comment chacune de ces styliisations évoque différents sentiments et connotations. Vous pouvez essayer cela avec beaucoup de sujets différents et voir effet que chacun de ces traitements vous donne et vous pouvez également utiliser ces différents langages de forme dans différentes parties de vos images et combiner différentes formes ainsi dans votre paysage. Si vous voulez combiner, disons, j'ai vraiment stylé un palmier avec quelques belles roches douces et amicales et quelques montagnes vraiment déchiquetées, dangereuses, alors cela donnera à vos illustrations un effet différent et ajouter un peu de histoire supplémentaire intéressante à votre pièce Ou vous pourriez vouloir utiliser langage de forme vraiment doux ou vraiment déchiqueté tout au long de votre pièce. Il suffit de jouer avec cet exercice et de voir ce que vous pouvez trouver, et une fois que vous avez eu un coup de pouce avec cela, passons à la leçon suivante. 6. Éclairage et effets atmosphériques: Ma partie préférée personnelle du processus est de donner vie à cela avec l'éclairage et les effets atmosphériques parce que c'est là qu'une grande partie de l'ambiance de votre scène est établie. Donc, dans cette leçon, je vais parcourir quelques astuces et astuces rapides que j' utilise couramment dans ma propre pratique pour donner vie à mes scènes. Commençons par la perspective atmosphérique. Ainsi, comme je l'ai mentionné dans notre leçon de profondeur et de perspective, vous pouvez utiliser le phénomène naturel de perspective atmosphérique pour créer des effets lors de la coloration de votre scène. S' assurer que les éléments en retrait sont plus faibles en contraste et en saturation par rapport aux éléments en progression, qui apparaîtront plus saturés et plus élevés et le contraste et la plage de valeurs. Donc, quelque chose que vous pouvez faire ici pour vérifier vos valeurs est d'ajouter un calque gris au-dessus de votre image et de définir ce mode de fusion de calque sur la couleur. Et puis vous serez en mesure de voir vos valeurs plus clairement sans la distraction de ces couleurs. Ainsi, vous pouvez voir que nous avons des valeurs assez fortes dans la déchirure de premier plan, qui deviennent plus légères et plus légères à mesure que ces montagnes s'éloignent. Donc, désactivons ce calque gris pour l'instant et actionnons ce calque de premier plan. Donc, si nous avons quelque chose dans la scène qui est encore plus proche de nous, vous pouvez voir comment il y a encore plus de contraste là-bas. Donc, cela ne signifie pas nécessairement que tous les éléments au premier plan seront plus sombres. Cela signifie simplement qu'il y aura un contraste plus élevé entre les couleurs et les valeurs claires et sombres. Et il y aura aussi des niveaux de saturation plus élevés dans les couleurs les plus proches de nous. Donc quelque chose d'autre que nous pouvons faire, notre dette entre nos couches est de créer une sorte d'effet désastreux. Donc, si nous choisissons une brosse douce et sélectionnons une couleur claire, nous pouvons dessiner un dégradé doux entre chaque couche, ce qui crée une belle sensation d'espace et d'atmosphère. Et ce genre d'effet peut se produire à intensité variable lorsque le temps est vraiment brumeux ou brumeux, ou qu'il y a juste beaucoup d'humidité dans l'air en général. Donc, vous pouvez voir comment cet effet a pris quelque chose qui était encore un peu plat et vraiment poussé vers le haut sentiment de profondeur. Et quelque chose d'autre que j'aime vraiment faire avec mon ciel est de créer un gradient plus léger en bas et plus sombre en haut. Ainsi, par exemple, si je crée un nouveau calque et dessine dans une bande de bleu foncé en haut de la toile. Je peux ensuite créer un dégradé en allant dans Ajustements flou gaussien, puis en flouant ce calque de sorte qu'il ressemble à une fusion transparente avec la couleur ci-dessous. Et je pense juste que cela aide à créer un effet naturel vraiment agréable. Ainsi, vous pouvez voir comment mettre en œuvre ces techniques très basiques peut être super, super efficace pour créer une scène immersive pleine de profondeur et d'atmosphère. La perspective atmosphérique inverse est lorsque les couleurs chaudes reculent à l'intérieur de la scène et que les couleurs fraîches avancent vers nous. Et cela arrive généralement lorsque le soleil est bas dans le ciel au lever ou au coucher du soleil. Donc, vous pouvez voir dans cette scène que nous avons des tons vraiment chauds au loin, devenant plus frais à mesure qu'ils se déplacent vers nous. Alors choisissons juste ces couleurs et voyons où elles se trouvent sur la roue de couleur. Donc, vous pouvez voir que c'est sur le côté très chaud du spectre. Et avec chaque couleur venant vers nous, que vers aller légèrement plus loin vers l'extrémité plus froide de cette roue de couleur. Donc, en dehors de la température de couleur inversée et de cet effet, l'autre perspective atmosphérique que nous appliquerons toujours en termes de valeur et de contraste. Et nous pouvons également ajouter cet effet de brume pour améliorer encore l'atmosphère ici. Regardons maintenant comment la lumière et les ombres fonctionnent. Ainsi, nous pouvons penser à la lumière comme se déplaçant en ligne droite, éclairant les sujets avec lesquels elle interagit et laissant une ombre derrière elle. Et nous avons non seulement une ombre sur le plan au sol derrière le sujet, mais il reste aussi une ombre sur le sujet lui-même. Et cela crée un sens de la forme, fournissant plus d'une apparence tridimensionnelle au sujet. Et il peut également créer un effet assez agréable, dessinant des points forts sur notre sujet et services partout où la source de lumière les frappe directement. Donc, si les sources de lumière sont vraiment intenses, vous verrez des ombres très dures et reflets durs et des charges de contraste entre vos ombres et votre lumière. Alors que si, par exemple, temps est nuageux avec peu de lumière directe du soleil, vous aurez un contraste très faible entre votre lumière et votre ombre. Et les ombres apparaîtront beaucoup plus douces sans bords durs, car la lumière est beaucoup plus diffuse dans ces situations. Et la scène globale aura l'air moins contrastée et les couleurs apparaîtront plus uniformément. Et en fonction de l'angle de la lumière. Par exemple, s'il est bas dans le ciel au coucher du soleil, les ombres apparaîtront beaucoup plus longtemps que le milieu de la journée. Quand les ombres seront d'autres plus courtes avec un haut soudain dans le ciel. Ainsi que notre principale source de lumière ici, qui est le soleil. Vous obtenez également des entités bonus de lumière moins intense, des zones ombragées, par exemple, ici, nous avons la lumière bleue dispersée tout autour du ciel. Et cette lumière est également rebondi dans les zones ombragées. Lors d'une belle journée où il y a un ciel bleu clair, vous remarquerez peut-être que les zones ombragées peuvent apparaître assez intensément bleues. Une autre chose à noter est que plus l'ombre s'éloigne du sujet, plus les espaces sont remplis de lumière rebondissant du ciel et d'autres objets. Et de sorte que la partie la plus éloignée de l'ombre apparaîtra souvent légèrement douce et plus légère que la zone d'ombre plus proche du sujet. Une autre chose que vous pourriez vouloir considérer lors de la création vos paysages est simplement l'utilisation de silhouettes, ce qui peut créer un effet incroyablement frappant. Donc, nous pouvons le faire en rendant tout dans la scène noir, sauf le ciel, dont nous pouvons faire une belle caractéristique en utilisant des couleurs vives. Et si vous rendez votre ciel assez sombre, il voudra peut-être ajouter un peu d'éclairage autour vos silhouettes juste pour les faire ressortir plus loin dans la scène. Ainsi, vous pouvez imaginer que votre fils est juste au-dessous l'horizon et qu'il illumine légèrement le contour de vos silhouettes pour attirer l'attention sur elles et créer plus de contraste et de drame dans votre composition. Maintenant, regardons comment créer un défaut de lumière brillante. Quelque chose que j'aime vraiment est de saluer les effets qui tournent autour des sources de lumière dans mes illustrations. Donc je vais vous montrer une technique très simple que j'ai utilisée pour faire ça maintenant. Nous pouvons donc commencer par dupliquer le calque auquel vous souhaitez ajouter un effet de lueur. Et puis en sélectionnant le calque en dessous. Ensuite, vous pouvez simplement aller à Réglages, flou gaussien, et créer un effet lumineux d'intensités variables en glissant simplement votre crayon le long de la toile pour augmenter ou diminuer notre flou. Et si vous voulez augmenter l'intensité encore plus, vous pouvez simplement dupliquer ce calque floue autant que vous le souhaitez jusqu'à ce que vous soyez satisfait de l'effet. Et un autre effet qui est assez agréable est que si vous créez un masque d'écrêtage sur ce calque floue, vous pouvez alors remplir ce calque de masque d'écrêtage avec absolument n'importe quelle couleur dessus. Et vous pouvez également essayer de changer le mode de fusion jusqu'à ce que vous obteniez un effet agréable. Et c'est aussi une bonne technique à utiliser si vous voulez ajouter un peu plus de couleur à votre scène. Alors on peut faire exactement la même chose avec ces étoiles. Donc, si nous tournons ces effets de lueur de, vous pouvez voir combien il y a de différence dans le charme et l'atmosphère de tout ce ciel. Une autre chose que j'aime beaucoup faire est de créer une lueur dure en dessinant tout un cercle autour de la zone que je voulais mettre en évidence. Et il suffit de changer le mode de fusion pour superposer et réduire l'opacité. Et je pourrais le répéter quelques fois pour créer une sorte d'effet de datation grise. Donc c'est une autre technique qui, je pense, fonctionne vraiment, vraiment bien. Ensuite, regardons les faisceaux de lumière. Donc voici une scène forestière que j'ai créée. Donc vous pouvez voir que j'ai ajouté des effets de lumière éclatante à cette zone où la lumière s'infiltre à travers les arbres. Et j'ai également ajouté une partie de cet éclaircissement entre ces couches de premier plan juste pour améliorer la sensation de profondeur et d'espace dans la scène. Et j'ai également étudié une zone ombragée le long ce côté gauche qui vous êtes l'œil de vous concentrer sur cette partie ultérieure de l'image. Maintenant, je vais ajouter quelques faisceaux de lumière. Imaginons donc qu'il y a beaucoup de petits trous dans la verrière au-dessus de la lumière qui circule à travers. Commençons donc par créer un nouveau calque. Et nous allons utiliser l'outil de sélection. Et commencez par marquer ou une forme de faisceau d'où nous voulons que notre lumière vienne. Donc je tape à l'extérieur de la toile pour marquer les coins de ce haricot en forme. Donc, je vais utiliser mon pinceau de texture rhizome pour cela. Mais vous pouvez utiliser n'importe quelle brosse douce qui va créer un dégradé. Ainsi, par exemple, vous pouvez utiliser la brosse souple de la section Uber de Procreate. Donc, nous pouvons simplement dessiner sur ce faisceau dans cette zone sélectionnée. Et je fais en sorte de feuille et avec plus d'intensité en haut de ce faisceau et de lui permettre de se nourrir vers le bas. Et puis nous pouvons dessiner quelques petites poutres à côté de cette plus grande, qui suivent la même direction. Je fais donc la même chose en sélectionnant les zones dans lesquelles je veux dessiner mon faisceau. Et puis filmer avec cette couleur de lumière, en veillant à augmenter l'intensité de cet ombrage vers le haut de la poutre. Ensuite, nous pouvons sélectionner Overlay dans la liste Mode couche. Et vous pouvez voir comment cela crée un effet vraiment agréable qui illumine toutes les couleurs en dessous. Et cela peut être un outil très utile pour peut-être aider à mettre en évidence notre personnage ou un point focal dans votre scène. Et vous pouvez également des robots et des sections de cette poutre avec une brosse douce juste pour créer un look plus naturel. Et une touche finale qui peut ajouter un peu de charme supplémentaire, est de simplement dessiner quelques petites particules dans ces poutres qui s'illuminent et mettent en évidence par cette lumière. Et nous pouvons les définir pour superposer aussi. Et Laura, la capacité. L' effet final que je vais vous montrer comme des reflets dans l'eau. Ajouter des reflets à de grandes étendues d'eau peut créer un effet aussi agréable. Donc, il existe plusieurs techniques sont utilisées pour créer des réflexions, et tout dépend de la façon dont vous voulez que l'eau apparaisse stérile ou agitée. Pour ajouter un reflet dans cette scène, ce que nous voulons faire est de refléter tout ce qui est au-dessus de cette ligne de flottaison en bas. Donc, nous voulons essentiellement le refléter. Donc, ce que nous pouvons faire est juste d'exporter toute cette scène en tant qu'image JPEG. Et puis nous voulons l'importer et encore, et nous voulons transformer cette image insérée en un masque d'écrêtage au-dessus de cette couche de lac. Et puis nous pouvons retourner ce calque verticalement. Et nous voulons juste aligner tout pour qu' il ressemble à un reflet dans la scène. Ensuite, nous voulons réduire l'opacité de ce calque pour créer un aspect réfléchi plus naturel. Et parce que nous avons aussi ces rochers, nous allons vouloir les embarrasser aussi parce qu'ils vont perturber les reflets de la scène ci-dessus. Nous voulons donc faire la même chose en mettant en miroir cette couche. Mais comme ils sont tous sur la même couche, nous n'avons pas besoin de l'exporter en JPEG. Nous pouvons donc simplement retourner ce calque dupliqué verticalement à la place. Et vous pouvez voir que parce qu'ils sont tous assis sur différents plans horizontaux, nous allons devoir apprendre chacun de ces plans individuellement. Ainsi, vous pouvez simplement utiliser l'outil de sélection et aligner tout cela avec leur partenaire réfléchi. Et puis nous pouvons juste apporter cette couche réfléchie sous les pierres réelles. Et cette fois, nous ne voulons pas réduire l'opacité , car alors ce calque interagit avec l'autre calque réfléchie et semble un peu visible. Donc, au lieu de cela, nous pouvons alléger le ton de ceux-ci pour les distinguer des sujets réels. Ainsi, comme vous pouvez le voir, cette réflexion semble très immobile et claire pour le moment, presque comme s'il s'agissait d'une vitre ou d'un miroir. Donc, si nous voulons rendre cette eau plus rugueuse et plus rapide, ce que nous pouvons faire est d'aller à Ajustements, flou de mouvement. Et puis vous pouvez tailler le crayon verticalement et vous verrez cette voie passer par le haut. Et cela indique simplement l'intensité de ce flou de mouvement. Donc, nous voulons un citer vers le bas et une ligne verticale par opposition à horizontalement. Et j'aime ça quand c'est un peu floue. Et puis on peut faire la même chose avec les rochers. Donc une autre chose que nous pouvons faire est d'utiliser l'outil anti-taches. Et vous pouvez l'utiliser avec n'importe quel pinceau que vous voulez. Et nous pouvons simplement créer des lignes horizontales de différentes tailles et emplacements. Et c'est juste que toutes les couleurs de votre calque sélectionné dans l'autre pour créer un effet d'ondulation. Une autre chose que nous pouvons faire est d'ajouter quelques faits saillants. Et cela fait un bon effet si vous placez votre point culminant sur le même plan vertical que la source de lumière de votre image. Donc ici, vous pouvez voir que j'essaie de placer ces faits saillants à peu près en dessous de la lune. Donc, comme vous pouvez le voir, cela crée un look vraiment agréable et nous pouvons faire un bel effet lumineux dans l'eau en utilisant ce flou gaussien et superposer à nouveau, vous pouvez également juste caresser les couleurs directement de l'eau et faire des ondulations de ceux-ci. Et essayez différentes techniques et façons de styliser. L' eau est quelque chose que vous pouvez être assez ludique avec l'abstraction. Et vous n'avez pas toujours besoin de créer une réflexion miroir lorsque vous illustrez l'eau, je dirais que la meilleure façon d'apprendre à dessiner différents effets d'eau et effets d'éclairage en général, est de faire des études à partir de photos, puis de voir jusqu'où vous pouvez pousser la stylisation. Donc ce ne sont que quelques onglets très simplifiés parce que je ne veux pas vous submerger en devenant trop technique. Et si vous créez des scènes tout à fait abstraites et stylisées, vous pouvez être un peu plus ludique et plier ces règles à votre puits que si vous voulez créer des scènes réalistes. Ainsi, vous pouvez voir comment toutes ces techniques ensemble peuvent vous aider à vraiment améliorer l'atmosphère et l'humeur de votre scène entière. Donc, une fois prêt, passons à notre prochaine leçon. 7. Trouver l'inspiration: Il est temps de commencer notre projet dès maintenant. Avant de commencer à chercher l'inspiration, décidons d'abord d'un thème général ou d'une idée pour notre dernière pièce. Pensez tout d'abord à quel type d'environnement vous voulez dessiner, qu' il s'agisse d'une forêt, d'une plage, d'un désert, montagnes ou autre chose, et peut-être aussi à une idée de l'ambiance et de l'ambiance que vous voulez définir. Une fois que nous aurons une liste, plus nous serons en mesure de chercher plus intentionnellement l'inspiration autour de cela. Pour ma pièce, j'ai décidé de faire une scène montagneuse avec un sentiment d'aventure. Maintenant que j'ai cette direction, je vais chercher des images que je peux utiliser comme inspiration. N' hésitez pas à recueillir autant de références de photos que vous le souhaitez à partir de différentes sources à ce stade. Cela pourrait provenir de recherches d'images en ligne, ou peut-être que vous voulez aller prendre vos propres photos d'un endroit spécifique. Mais ce que nous voulons faire est de nous inspirer de beaucoup d' images différentes afin que nous puissions choisir et choisir différents éléments, et assembler un peu de chacun pour créer quelque chose qui nous est unique. Nous nous concentrerons davantage sur l'inspiration des photos de cette classe plutôt que du travail d'autres illustrateurs, car il est plus facile de styliser quelque chose d'une manière qui vous est propre lorsque nous référençons des photos, plutôt que d'illustrations qui ont déjà été stylisées par quelqu'un d'autre. De cette façon, nous éviterons de copier involontairement travail de quelqu'un d'autre et notre pièce sera plus originale pour nous. Cela dit, je trouve souvent utile de créer également un tableau d'ambiance Pinterest avec des illustrations et des images qui ont réussi à capturer le même sentiment général et l'humeur que je veux aussi transmettre. Je vais juste faire des notes mentales sur les choses que j'aime vraiment à propos de chaque pièce, que ce soit les couleurs, les textures, la forme, le langage ou la composition, et ce sont toutes choses que je peux garder à l'esprit quand je façonne ma finale tout en gardant à l'esprit de ne pas copier ces œuvres directement. L' astuce ici est de s'inspirer de nombreuses sources différentes afin que vous puissiez remixer ces idées pour créer quelque chose de nouveau et de frais, plutôt que de simplement s'inspirer d'une seule pièce et de la copier directement. Une fois que vous avez rassemblé quelques images ou créé un tableau d'ambiance à utiliser comme inspiration, faisons un mémoire plus spécifique pour nous-mêmes. Pensez à ce que vous voulez que votre point focal soit dans la scène. Que voulez-vous mettre en évidence ? S' agit-il d'un sujet spécifique ou peut-être simplement d'un domaine spécifique ? Pensez à l'heure de la journée, et à la saison. Enfin, faites une liste mentale de tous vos éléments que vous souhaitez apparaître dans la scène. Pensez à la vie végétale, les roches, les différents signes de vie, sont leurs vêtements, plans d'eau, différentes situations météorologiques et ce genre de chose, et considérez à la fois vos grands éléments et petits. Une fois que vous avez une idée plus claire de ce qu'il faut inclure dans votre scène, passons à la leçon suivante où nous pouvons commencer à tirer nos éléments individuels de référence, puis décider comment nous pourrions les styliser. 8. Dessiner des éléments isolés: Dans cette leçon, nous allons dessiner tous nos éléments individuels que nous pourrions vouloir placer dans la scène. Cet exercice nous aidera à nous faire une idée claire de ce à quoi ils vont ressembler avant de commencer à tout mettre ensemble, car il permettra s'assurer que quand il s'agit de dessiner toute notre scène, nous ne serons pas coincés sur ce que n'importe quel individu va ressembler et le processus sera beaucoup plus lisse et plus amusant. J' ai fait une liste de tous mes éléments que je veux inclure dans ma scène. Sur cette liste, il y a des pins, des rochers, des montagnes, des chemins , de longues herbes et des fleurs, puis j'ai choisi plusieurs photos de référence à partir de cette liste d'éléments dont je vais tirer. Commençons par dessiner une ligne approximativement au milieu de la page. D' un côté, nous allons faire des croquis simples à partir de la référence, puis l'autre côté, nous allons styliser et abstraire ces éléments en utilisant notre imagination. Je vais commencer par dessiner plusieurs arbres. Je suis juste vraiment en train d'esquisser les moutons de ce que je vois et d'essayer de garder mon dessin petit et d'être assez rapide à ce sujet. Par exemple ici, je remarque que la forme triangulaire globale , puis la courbure générale de ces branches dans cette forme. En réalisant plusieurs études à partir de différentes images de référence, je peux identifier les similitudes et les différences entre ces types d'arbres et leurs structures. Cela m'aide à construire un peu plus d'une bibliothèque visuelle sur laquelle je pourrai puiser plus tard. Je vais aller de l'avant et faire la même chose avec le reste des éléments de ma liste. Esquisse plusieurs variantes de tout et se faire une idée de la façon de les dessiner tous de différentes manières. Je ne fais que garder ces dessins petits et remplir le côté gauche de la page avec tous ces croquis d'observation. Maintenant que nous avons tiré tous ces éléments de référence, nous allons les redessiner en utilisant un peu plus de notre imagination cette fois et en y ajoutant notre propre style. À ce stade, je ne veux pas que vous regardiez votre référence si vous pouvez éviter parce que vous pourriez être attiré vers des formes plus réalistes. De cette façon, nous pouvons créer des éléments plus stylisés et apporter un peu de style et de personnalité uniques quand il s'agit de dessiner nos scènes. Par exemple, si je prends cette première esquisse d'arbre ici, je peux en gros tracer cette forme triangulaire pour commencer , puis dessiner le long de ces courbes pour créer cette forme plus définie et stylisée. Ici, vous pouvez simplement jouer avec l'abstraction et la simplification des formes de vos croquis précédents et essayer différentes choses en fonction du style dans lequel vous aimez travailler et aussi garder à l'esprit langage de forme que vous voulez utiliser et quel sentiment général vous voulez rencontrer. Vous pouvez rendre ces éléments vraiment simplifiés et symboliques à la recherche, vous pouvez essayer de jouer avec ce à quoi un groupe de ces éléments ensemble va ressembler et vous pouvez également essayer différents niveaux de détail de vraiment simplifié à des formes plus détaillées. Vous pouvez déjà voir que mes croquis sur la droite sont beaucoup plus graphiques et je pense qu'ils ont un sens plus fort du style et de la personnalité que les croquis plus représentatifs sur la gauche. Laissez-vous amuser ici, jouer autour, expérimenter, et voir où ça vous mène. En créant ainsi une bibliothèque visuelle d'éléments stylistiques, il est plus facile de savoir ce que nous voulons inclure dans notre scène et comment nous voulons le dessiner quand il s'agit de composer notre pièce. C' est aussi un bon exercice pour nous aider à nous réchauffer et à nous entraîner à être un peu plus expressif, que ce soit le style d'illustration ou les compétences de dessin avant de passer à la création de notre scène finale. Une fois que vous êtes prêt et que vous avez eu une bonne chance de pratiquer cet exercice, passons à esquisser nos compositions. 9. Miniatures de la composition: Maintenant, nous allons commencer à esquisser plusieurs miniatures de composition à choisir entre pour notre dernière pièce. Ok, donc nous pouvons commencer par dessiner notre cadre et nous garderons ce petit pour commencer. Donc, je crée juste une ligne droite dans Procreate en dessinant une ligne rugueuse et en gardant le crayon sur la toile pendant quelques secondes. Et si nous maintenons notre autre doigt sur la toile, cette ligne s'accrochera à différents angles. C' est donc un moyen facile de créer un cadre rugueux avec des lignes droites. Maintenant, gardez ces miniatures très petites et essayez de ne pas zoomer sur Mars. Maintenant que nous avons cet espace défini pour jouer, distinguons tout d'abord où se trouve la ligne d'horizon. Donc, je vais placer ma ligne d'horizon assez bas dans la scène pour que nous puissions voir plus du ciel. Donc je dessine simplement une ligne horizontale et la moitié inférieure de ce cadre. Et cela donne l'impression que nous regardons légèrement vers le haut. Je vais dessiner une montagne au milieu de la composition ici. Et ça va être mon point focal. Donc, je veux que tous mes éléments de reddition complètent la ness et aident à attirer l'attention sur elle. Les hommes qui pensent à ce langage de forme ici aussi, je veux que la montagne paraisse dangereuse et excitante avec ce traitement triangulaire. Je dessine quelques collines environnantes pour créer un paysage plus naturel et fournir une certaine variation et maturation. Ensuite, je vais dessiner quelques arbres au premier plan pour commencer à établir un sentiment de profondeur ici. Donc vous pouvez voir que je dessine ces gros et qu'ils disparaissent du côté du cadre, ce qui donne l'impression qu'ils sont assez proches de nous. Et bien que ce soit une composition assez asymétrique, je veux toujours créer une variation naturelle entre les deux côtés de l'image en dessinant mes éléments. Donc, vous allez vouloir des éléments considérables que vous voulez montrer dans votre premier plan, milieu et arrière-plan, et ce qu'est le point focal et comment vous allez attirer l'attention sur ce point focal. Dans cette scène. Je veux que l'accent soit mis sur cette montagne. C' est donc un peu encadré dans ces arbres. Et nous allons aussi dessiner d'autres éléments autour de cette montagne et faire en sorte que cela semble un peu plus fluide et réaliste. Donc je dessine d'autres enfers et, et crée plus de couches dans la scène. Je vais remplir cette zone de milieu après, car elle a l'air un peu vide. Donc je dessine quelques courbes pour définir quelques enfers, puis dessine un lac qui coule entre eux et qui vient vers nous ici. Vous pouvez donc simplement continuer à ajouter des choses et à éditer votre composition jusqu'à ce que vous commenciez à créer un sentiment de profondeur et d'atmosphère ainsi qu'un bel équilibre et à vous rendre à votre scène. Je dessine des nuages dans le ciel ici maintenant, et je fais délibérément ceux qui sont courbés vers le bas vers cette montagne pour aider à conduire l'œil vers elle et ajouter de la grippe supplémentaire et du cadrage à la scène. Je vais aussi attirer le soleil et derrière cette montagne parce qu' en ayant notre source de lumière directement au-dessus du point focal et aidera à l'exagérer et attirer l'attention sur la forme de la montagne quand il s'agit de définir tous les effets de couleur et d'éclairage. Et nous pouvons créer un très bel effet en montrant cette lumière qui rayonne vers l'extérieur dans le ciel. Ok, Donc je suis tout à fait satisfait de cette composition maintenant, mais essayons de créer quelques miniatures supplémentaires ici et d'explorer quelques idées différentes. Donc, vous n'avez pas besoin de rester dans le même format. Vous pouvez essayer de travailler dans de très longues toiles orientées portrait ou des formats panoramiques très larges. Donc ici, j'ai dessiné une assez longue boîte pour représenter la toile. Et encore une fois, je commence par définir le placement de ma ligne d'horizon, puis dessiner mes éléments pour correspondre à cela. Encore une fois, je ne fais que définir beaucoup de couches et de formes dans ce paysage. Et parce que c'est une composition plus longue et consomme plus de ce qui se passe à la fois dans le sol et dans le ciel. Donc, je fais vraiment usage de l'espace supplémentaire. Et peut-être que cette fois nous aurons une sorte de falaise et le premier plan avec un chemin menant vers la montagne et peut-être quelques fleurs sur les côtés. Et cela fait un endroit idéal pour mettre un personnage en haut de ce chemin. Donc, lorsque nous ajoutons un personnage dans notre scène, souvent le point focal change et sera dessiné pour regarder le personnage tout d'abord, alors sachez simplement que vous voulez inclure un personnage dans votre scène. Donc, pour moi, cette scène a l'air pleine d'aventure. Il y a beaucoup de zigzags et de langage de forme triangulaire. Il se sent assez énergique, tandis que notre composition précédente se sent plus calme, a plus de lignes fluides et un langage de forme circulaire. Je vais donc continuer à faire différentes tailles de compositions jusqu'à ce que je remplisse cette page avec quelques options. Et puis je verrai ce que j'aime le mieux prendre en tant que dernière pièce. Alors, jouez avec vos compositions. Laissez-vous salissant et gribouillé et donnez-vous un peu d'espace pour expérimenter. Vous pouvez essayer différents formats de scènes, du paysage au portrait, deux carrés, triangles, compositions centrées. Essaie de leering. Essayez d'avoir quelques points focaux différents et voyez si vous pouvez créer une sorte d'équilibre et de hiérarchie entre eux. Essayez de créer un chemin et d'utiliser des lignes de repère, et essayez d'utiliser des diagonales pour créer un sentiment d'énergie. Et vous pouvez essayer de créer des compositions vraiment dynamiques et complexes. Ou vous pouvez les garder super simples et simplement être conscient du genre d'humeur qui se présente et de l'équilibre général de votre scène. Une dernière astuce que j'aime faire est de retourner ma toile horizontalement. Et cela nous permet de voir ces miniatures d'un point de vue nouveau et de nous aider à décider quelle composition nous voulons passer à l'étape suivante. Donc, j'aime vraiment la façon dont cette composition s'est avérée ici. Je pense qu'il y a un bel équilibre entre tous les éléments et un bon sens de l'atmosphère. Donc, je vais prendre celui-ci pour finaliser les prochaines leçons. 10. Affiner la mise en page: Je vais créer une nouvelle toile dans Procreate maintenant et je veux que ma pièce soit de taille d'écran. Je mets mes dimensions à 1 920 fois 1 080P à 300 DPI. Mais n'hésitez pas à utiliser les dimensions qui vous conviennent, selon ce que vous allez utiliser votre pièce et où vous voulez la partager. J' ai ouvert ma toile et je vais maintenant coller dans la vignette que j'ai choisie. Je vais appuyer sur ce bouton « Ajuster à l'écran », puis baisser l'opacité de cette vignette. Ensuite, je vais créer un nouveau calque et changer mon pinceau en quelque chose de plus propre pour dessiner dans mon travail de ligne. Je vais maintenant passer sur ces lignes rugueuses et peut-être modifier quelques choses pour définir ces formes et affiner davantage la composition. Je suis juste en train de tracer ces marques initiales et d'essayer de garder ma main stable et de créer des lignes lisses et nettes pour que je puisse définir des formes plus décisives à ce stade. Vous pouvez voir qu'il y a beaucoup de modifications des formes en cours ici et essayer d'améliorer le sens du flux et le langage de forme entre tous mes différents éléments de la scène. Si à tout moment au cours de ce processus vous vous sentez un peu coincé à ne pas savoir comment représenter un objet ou un détail particulier, allez juste trouver une référence. Ne vous laissez pas frustrer en essayant de tout tirer de la mémoire et de l'imagination si vous n'êtes pas prêt pour cela. Mais si vous êtes à l'aise avec ça, alors c'est génial. Faites tout ce qui vous semble naturel en fonction de votre niveau de compétence. Une fois que nous avons fait beaucoup de lignes, nous pouvons désactiver cette couche rugueuse et voir à quoi ressemble ce travail de ligne. Ensuite, nous pouvons ranger tout ce qui semble un peu déséquilibré. Maintenant que les grandes formes ont été principalement définies, je passe à dessiner certains des éléments plus petits dans les détails. Vous n'avez pas besoin de dessiner tous les petits détails, mais ceci est juste pour vous donner une mise en page globale avec laquelle travailler et une meilleure idée de la façon dont vous voulez que vos éléments ressemblent en termes de forme et de style. Votre esquisse raffinée n'a pas besoin d'être absolument parfaite tant que vous êtes généralement satisfait de la mise en page générale, de votre langage de forme et de la superposition. Ensuite, nous pouvons commencer à se moquer d'une idée approximative de la façon dont nous voulons colorer la scène. 11. Brouillon de couleurs: Maintenant, nous allons commencer à poser quelques idées de couleurs rugueuses pour la scène. Donc, je vais me débarrasser de quelques couches dont je n'ai pas besoin pour le moment, laissant juste la disposition de l'écran pour travailler avec. Maintenant, je vais créer un nouveau calque et je vais nommer le calque de mise en page d'origine, Rough Layout. Ensuite, nommez ce nouveau calque, Color Rough, puis amenez-le sous la mise en page. Maintenant, nous allons vraiment définir nos idées initiales pour les couleurs. Je veux que ma scène se déroule autour du coucher du soleil, donc je vais d'abord choisir une couleur orange éclatante pour le ciel et ensuite je peux choisir toutes mes autres couleurs basées autour de ça. Vous pouvez également avoir un moment de la journée, de la saison ou de l'humeur que vous voulez transmettre qui informera votre schéma de couleurs désiré. Donc, je commence juste à bloquer grossièrement dans des couleurs auxquelles je pense sans être trop précis. Nous pouvons jouer avec tout ça et essayer quelques effets d'éclairage après qu'ils sont bloqués. J' ai donc choisi une couleur verte mentholée pour ces collines de Mitterrand ici et je les bloque tout ça d'un coup. Donc vous pouvez voir que j'essaie d'être très rapide et de ne pas m'inquiéter de rester dans les limites ou quoi que ce soit parce que je ne veux pas perdre trop de temps ici. Donc je veux que cette herbe au premier plan de la falaise soit plus d'un vert jaunâtre, contrairement à ces collines. Donc je bloque ça aussi. Je vais faire de cette montagne au loin une couleur lilas pour l'instant. Notre soleil va être un jaune clair et clair et notre roche de falaise va être un brun grisâtre pour l'instant. Je veux que le lac soit de couleur turquoise. Donc je viens d'alléger le ton pour qu'il se démarque un peu plus des collines. Je pose toutes ces couleurs sur ce même calque parce que nous voulons faire de l'évanouissement avec trop de couches à ce stade. Il s'agit juste de faire tomber l'idée vraiment rude avant de tout peaufiner plus tard. Donc, si nous désactivons cette couche de mise en page, vous pouvez voir qu'il n'y a aucune perception de la profondeur entre ces collines. Je vais donc choisir cette couleur verte et ensuite créer différents tons de la même teinte. Nous aurons donc une version plus sombre pour les couches les plus proches de nous, puis les rendre un peu plus légères et plus désaturées à mesure qu'elles reculent dans la scène. Donc, si nous éteignons à nouveau cette couche, vous pouvez voir comment cette plage tonale a fait tant de différence dans la perception de la profondeur ici. Donc, une fois que nous avons des couleurs vraiment basiques bloquées, nous pouvons jouer un peu avec l'ajout de quelques effets d'éclairage de base et voir si nous voulons changer l'une de ces couleurs une fois que nous avons une idée de l'éclairage et de l'atmosphère. Je veux que le ciel ait une pente plus légère vers l'horizon. Donc, je vais créer un nouveau calque et dessiner avec mon pinceau de texture un peu plus clair, puis je vais juste changer la teinte légèrement pour quelque chose jaune et ensuite je vais définir ce calque pour superposer. Ainsi, vous pouvez déjà voir comment un effet d'éclairage vraiment simple peut ajouter autant d'atmosphère à la scène. Ensuite, je vais créer un autre calque et dessiner une partie de cette texture dans une couleur plus foncée pour établir des zones ombragées dans les endroits qui sont plus éloignés du soleil. Je vais ensuite définir ce calque pour se multiplier et jouer avec la saturation et la luminosité de la teinte. Alors maintenant, je commence à avoir une idée très approximative du style d'éclairage et de la façon dont cela va fonctionner avec mon schéma de couleurs. Ainsi, une fois que vous avez des couleurs grossièrement bloquées, vous pouvez jouer avec la saturation de la teinte et la luminosité du calque Color Rough et voir les différents effets que vous pouvez créer. Rappelez-vous que vous n'avez pas à coller avec des couleurs réalistes du tout, vous faites les règles ici. Alors essayez juste d'écouter votre intuition sur la façon dont ces différents schémas de couleurs vous font sentir et ce que vous pensez fonctionne, et ce qui ne fonctionne pas. Une autre chose que nous pouvons faire si nous voulons jouer avec une seule section de l'image est d'utiliser l'outil Sélection. Donc ici, je sélectionne cette zone de falaise au premier plan. Ensuite, allez dans la saturation de la teinte et la luminosité à nouveau. Maintenant, si je joue avec ces curseurs, ne change que les couleurs dans ma zone sélectionnée. Donc, j'essaie de décider ici si je veux faire ressortir cette falaise et être assez contrastée avec le reste de l'image, ou si je veux qu'elle se fond harmonieusement et harmonieusement et si je veux qu'elle soit plus fraîche ou plus chaude que le reste de l'image. Donc, ce sont toutes les choses que vous pouvez également considérer dans vos jeux de couleurs. Je vais donc continuer à jouer avec mes couleurs et mes effets d'éclairage, essayer des choses différentes et à voir pourquoi je pense que cela fonctionne le mieux avec cette image. Si vous voulez faire plusieurs versions de combinaisons de couleurs complètement différentes, sorte que vous pouvez comparer celui que vous aimez le plus, alors allez-y. Mais aussi, si vous atterrissez sur un schéma de couleurs que vous aimez vraiment tel qu'il est, alors vous pouvez absolument rester avec cela. Il n'y a pas besoin de trop penser. Comme vous pouvez le voir, j'ai fait beaucoup d'expériences et de jouer avec les couleurs là-bas et j'ai enfin la couleur rugueuse que j'aime vraiment. Je vais m'en servir comme base pour informer les couleurs et les effets d'éclairage de ma dernière pièce. Passons donc à la prochaine leçon où nous allons bloquer nos couleurs conformément à cela. 12. Blocage des couleurs: Maintenant, nous avons notre idée approximative pour les couleurs, et je vais probablement changer certaines de ces couleurs plus tard, mais cela nous donne une bonne base pour commencer. Je vais juste aplatir mes couches en fusionnant tout ici parce que j'ai fini avec quelques couches supplémentaires pendant que j'essayais de comprendre les effets d'éclairage. Je suis en train de fusionner tout ça en pincant mes deux doigts avec un tas de couches entre les deux jusqu'à ce que tout soit sur cette seule couche. Je vais ensuite exporter ceci en tant qu'image JPEG, puis je vais à Actions, Canvas, activer ce petit bouton « Référence » pratique, et vous pouvez voir que cet onglet « Référence » est apparue. Ensuite, je vais aller à Image, Importer l'image, et juste ajouter cette couleur rugueuse là. Je vais juste le redimensionner rapidement pour qu'il ne prenne pas trop d'espace à l'écran. De cette façon, je serai en mesure d'avoir toutes ces couleurs à référencer, et je peux désactiver ce calque de couleur rugueuse sur ma toile, donc je vais commencer un nouveau calque, et je peux simplement choisir ces couleurs dans l'image de référence en maintenant mon crayon sur la couleur désirée pendant une seconde et commencer à les bloquer sur ma toile. Pour chaque zone de couleur que je bloque, je crée un nouveau calque pour garder tous ces éléments séparés. Je vais juste désactiver la transparence de mise en page afin que je puisse voir les bords de mes éléments plus clairement. Ensuite, je peux suivre ces lignes directrices avec des traits lisses, tout d'abord en créant un contour soigné que je peux ensuite bloquer pour compléter la forme. Le pinceau que j'utilise ici est le MaxU Toothy Inker de la bande dessinée MaxPacks ensemble parce que j'aime vraiment la variation de la texture ainsi que la pression de la ligne. Évidemment, vous n'avez pas à utiliser les mêmes brosses que moi. Vous pouvez simplement utiliser ce que vous vous sentez le plus à l'aise avec et vous pouvez certainement obtenir un effet similaire avec les pinceaux Procreate natifs ou les pinceaux d'autres fabricants. J' aime commencer par décrire la forme d'abord avec une petite taille de pinceau, puis aller à l'intérieur et la colorier avec une plus grande taille de pinceau afin que je puisse maintenir une partie de cette texture granuleuse. Un autre pinceau que j'aime utiliser est ce RISO Texture Shader, qui provient de l'ensemble de pinceaux RISO de Tip Top Brushes, et qui donne une belle texture granuleuse douce qui est idéal pour créer des gradients. Nous allons l'utiliser ici pour créer un gradient doux dans le ciel. Il existe un pinceau natif de Procreate que vous pouvez utiliser pour obtenir un effet très similaire, que vous trouverez dans le dossier Esquisse. Si vous allez au bas de cette liste, ça s'appelle Bonobo Chalk. Cela crée une texture très similaire, agréable et granuleuse. Mais personnellement, je préfère le RISO Texture Shader juste parce que c'est un peu plus fin. Je vais définir cette superposition de dégradé, puis je vais bloquer certaines formes de nuage à l'horizon, puis après cela, je vais modifier un peu les couleurs et commencer à ajouter certains des éléments plus petits maintenant que nous avons les couleurs principales bloquées. Maintenant, je veux ajouter une texture de forêt subtile à certaines de ces couches. Je dessine quelques formes triangulaires basiques, pour commencer, pour représenter une collection d'arbres, et j'ajouterai quelques formes d'arbre différentes juste pour créer une variation supplémentaire. J' efface juste certaines parties de ces arbres pour créer un bord plus net. Maintenant que j'ai un petit groupe de ces arbres, je vais aller à Ajustements, puis cloner en bas, et vous verrez que ce cercle a éclaté. Je vais déplacer ça sur mon petit groupe d'arbres et j'augmenterai la taille de ma brosse. Partout où je dessine sur le canevas avec cet outil de pinceau, je cloner n'importe où dans cette zone de cercle sur le même calque. Nous allons juste utiliser cette technique pour créer un motif aléatoire sur cette colline. Je vais juste continuer à déplacer ce cercle et à dessiner différents endroits jusqu'à ce que cette zone soit pleine de toutes ces formes d'arbre. C' est un excellent moyen à la fois de gagner du temps et de créer un effet de motif naturel vraiment agréable. Votre motif peut se retrouver avec la zone que vous voulez, alors nous pouvons simplement utiliser l'outil Gomme pour effacer toutes les formes indésirables. J' aime beaucoup les arbres qui sortent de cette silhouette de couche parce qu'il ajoute un peu d'intérêt supplémentaire. Alors ce que je vais faire est de dupliquer cette couche d'arbre et de la réduire un peu, puis de la déplacer dans ces parties qui sont un peu plus loin. Encore une fois, je vais juste frotter toutes les zones dont je n'ai pas besoin. Je vais ensuite définir ces calques sur Multiplier , puis abaisser l'opacité pour créer un look plus subtil. Maintenant, je vais faire la même chose avec les autres couches, veillant à considérer l'échelle et le niveau de détail diminuant à mesure que la scène recule dans la distance. Maintenant que la plupart de nos couches sont bloquées avec la couleur, passons à l'ajout de détails, d'éclairage et d'effets atmosphériques. 13. Détails, éclairage et atmosphère: Maintenant, il est temps de pousser plus loin l'ambiance de la scène avec les détails, éclairage et les effets atmosphériques. Donc, nous voulons créer un effet de lueur autour du soleil ici. Et vous pouvez voir que pour y parvenir, je dessine quelques cercles de diamètre croissant derrière notre filiation originale. Et j'applique des modes de fusion à ces couches en fonction de l'aspect que je veux obtenir. Donc, je joue avec multiplier et superposer et voir comment ces couleurs se fondent toutes ensemble. Et sachez que je vais faire est de dupliquer la couche solaire d'origine, puis d'aller aux ajustements, flou gaussien, et jouer avec l'opacité ici. Et vous pouvez voir que c'est juste donner une belle lueur douce. Et nous allons jouer avec le mode de fusion et l'opacité sur ce calque floue également. Donc maintenant je commence juste à bloquer certaines de ces formes fermées, ce qui va ajouter une atmosphère et des intérêts supplémentaires à ma scène. Donc, je peux vraiment pousser les formes et la direction de ceux-ci en fonction de l'humeur que je veux atteindre. Donc, si heureux ceux-ci à un angle assez diagonale pour ajouter un peu plus d'énergie et de mouvement dans la scène. Et j'ai aussi dessiné certains de ces nuages devant cette montagne lointaine pour rehausser ce sentiment de profondeur. Et j'utilise aussi l'outil gomme pour effacer ces formes pour les obtenir exactement comme je veux. Alors, je vais définir le mode de fusion des calques pour ajouter et jouer avec l'opacité. Et maintenant, je vais soulever quelques sections de ces nuages. Je vais donc sélectionner cette élévation ou Texture Shader comme brosse à effacer. Et puis je suis juste en train de frotter doucement certaines zones de ces formes pour créer un look plus translucide tout en ajoutant une texture subtile. Ainsi, vous pouvez voir cela aide juste à créer un sentiment plus doux et naturel. Je vais maintenant passer à une nouvelle couche et dessiner quelques reflets dans l'eau. Donc, pour commencer, je crée plusieurs lignes horizontales à des emplacements aléatoires, correspondant à peu près à la zone sous le soleil. Et puis je vais changer le mode de calque en superposition. Et puis je vais juste aller à des bateaux à rames et à des sections de ces voies et les faire paraître un peu plus soignées. Ok, maintenant je vais commencer une nouvelle couche juste au-dessus ma couche d'eau et ensuite choisir une couleur vert foncé. Et je dessine les reflets de ces montagnes dans cette eau. Donc je prends juste mon temps pour comprendre quels moutons ces réflexions seront et m'assurer que tout s'alignera bien. Ensuite, je vais aller aux réglages, la teinte, la saturation et la luminosité et jouer avec la couleur de ces reflets, les rendant un peu plus tard et plus bleus que les vraies montagnes ci-dessus. Et maintenant, je vais aller dans ces réflexions avec l'outil gomme et juste en caoutchouc quelques sections sur les bords ici pour créer un effet d'ondulation subtil dans l'eau. Maintenant, je vais ajouter quelques détails à la montagne lointaine. Je vais donc créer une nouvelle couche au-dessus de cette couche de montagne. Ensuite, je vais créer un masque d'écrêtage en tapant sur le côté gauche du calque vide et en sélectionnant Masque d'écrêtage à partir de ce moins qui apparaît. Et cela garantira que tout ce que je dessine reste dans les pixels de la forme de montagne ci-dessous. Donc, je vais juste à des formes sèches et rugueuses ici, commençant à définir un sens de lumière et d'ombre sur cette montagne. Donc, une fois de plus, je suis juste effacer quelques zones avec l'outil gomme et redessiner des pièces jusqu'à ce que je sois très content de l'effet de ces formes. Et en ajoutant des ombres ici, nous créons un sens de la forme pour que la montagne semble plus 3D et pas complètement plate. Ensuite, parce que cette montagne assez loin et la distance, nous ne voulons pas que les ombres soient deux contrastées en termes de valeur. Donc, je baisse l'opacité ici, ce qui crée un aspect plus naturel. Et je vais aussi jouer avec la teinte juste un peu. Je vais ajouter un peu de texture à la montagne savoir, donc je vais créer une nouvelle couche de masque de coupe juste au-dessus de cette montagne et sélectionner ma brosse texturée. Et puis je vais dessiner au-dessus de la montagne avec cette texture de sorte que le mode de mélange pour multiplier et puis baisser l'opacité. Je frotte aussi un peu de cette texture au sommet de la montagne avec le même pinceau. Et encore une fois, je joue avec la teinte là-bas. Maintenant, je vais ajouter un peu d'un défaut de désordre en créant des nuages bas par l'eau. Donc, je bloque juste une fois de plus certaines formes fermées graphiques sur des calques séparés. Être conscient du placement de ces couches dans le canevas. Et j'abaisse aussi l'opacité de ces couches pour créer un effet brumeux translucide. Ensuite, je vais ajouter des dégradés souples à ces autres calques. Je vais donc commencer par créer un nouveau calque de masque d'écrêtage au-dessus du sujet, en sélectionnant à nouveau ma brosse texturée, ainsi qu'une couleur vert foncé. Et puis dessiner avec cette texture dans les zones où je veux créer un défaut d'ombre douce. Et puis je changerai le mode de fusion pour se multiplier. Et je peux rapidement jouer avec la couleur là aussi. Maintenant, je vais aller de l'avant et faire la même chose avec mes autres couches pour leur donner un peu plus de forme et de texture. Donc, à ce stade, je vais me débarrasser de ma référence de couleur rugueuse parce que nous sommes à ce stade maintenant où nous avons la plupart de nos couleurs définies et cela fournit un peu de distraction pour le moment. Donc, je vais juste passer ça là-bas. Ensuite, je continuerai à ajouter divers dégradés et effets d'éclairage à mes calques. J' ajoute donc un gradient plus léger venant d'en dessous de ces montagnes pour rehausser les profondeurs et l'aspect atmosphérique brumeux. Et puis j'améliore encore la lueur venant du soleil en dessinant cette texture avec un jaune clair et en réglant le mode de fusion à superposer. Et puis je joue avec la saturation de la teinte et la luminosité. Je suis aussi juste de jouer avec le placement du soleil ici aussi, et de voir ce que différent ressemble que contre moi. Ok, donc à ce stade maintenant que nous avons beaucoup d'éclairage défini, je vais ajouter un calque totalement d'accord et régler ce mode sur la couleur afin que nous puissions vérifier toutes nos valeurs. Je pense donc que cette zone de la composition fonctionne bien, bien que nous puissions avoir besoin de créer un peu plus de contraste entre ces couches lointaines. Cependant, dans cette partie de notre scène, vous pouvez voir qu'il n'y a pratiquement aucune variation de valeur entre ces deux couches. Nous allons donc devoir les modifier afin de pouvoir jouer avec plus d'ombres ou de surlignements dans ces zones pour créer un peu plus de contraste. Quelque chose d'autre que j'aimerais faire périodiquement tout au long du processus est de retourner ma toile horizontalement. Et cela me permet de voir ma composition d'un point de vue nouveau. Et je pourrais être en mesure de remarquer des choses que mon, je m'étais habitué auparavant. Donc maintenant je peux voir que cette texture de forêt n'est pas très visible ici. Donc je pourrais apporter un peu l'opacité de cette sauvegarde. Ainsi, avec votre propre pièce, vous pouvez jouer et expérimenter des effets d'éclairage et ajouter ombres, des reflets et des effets lumineux. Peut-être essayer d'ajouter un peu foutu si c'est le genre d'atmosphère que vous voulez opter. Mais cela va être spécifique à la boucle que vous voulez réaliser, à votre réglage, à l'heure et à la situation météorologique. Alors n'ayez pas peur d'expérimenter et d' essayer différents modes de mélange et de voir ce qui fonctionne pour vous. Tu n'as pas à suivre ce que je fais. Donc, il suffit de s'amuser et de jouer avec elle et ne vous inquiétez pas d'obtenir des choses parfaites. Ce n'est absolument pas le but. Le but est de simplement l'utiliser comme un outil pour nous exprimer et exprimer notre imagination. Et souvent, votre pièce ne se révélera rien de tel que vous l'aviez imaginée à l'origine. Mais tout cela fait partie du plaisir aussi parce que nous pouvons explorer et changer de chemin le long du chemin et nous surprendre avec de nouvelles découvertes. Donc, je vais aller de l'avant et accélérer la dernière partie du processus et vous me verrez prendre des tas de décisions et essayer des choses dont je ne suis pas sûr. Et puis essayer différentes choses et essentiellement juste jouer et expérimenter et lui dire enfin dans une position où je suis heureux de laisser la pièce telle qu'elle est, oui. C' est une histoire vraie. Salut. Donc, nous l'avons ici. Je suis enfin content de la façon dont toute ma scène s'est déroulée. Et je suis vraiment satisfait de l'éclairage et des couleurs et de l'humeur globale. Donc, si nous activons notre calque de mise en page rugueuse seule, en maintenant la case à cocher de visibilité enfoncée, nous pouvons voir jusqu'où nous sommes allés en ajoutant toutes ces couleurs, détails et effets. Donc, une fois que vous êtes satisfait de votre scène, vous pouvez simplement exporter votre pièce en JPEG ou en PNG. Et n'oubliez pas de télécharger votre projet et les esquisses de travail en cours dans la galerie de projets. 14. Merci: Merci beaucoup d'avoir pris le temps d'apprendre avec moi dans cette classe, et j'espère que vous avez pris quelques outils utiles que vous pouvez prendre plus loin dans votre pratique de dessin. J' ai hâte de voir votre magnifique création, alors n'oubliez pas de télécharger votre projet dans la section du projet ci-dessous. Je serais super reconnaissant si vous pouviez me laisser un commentaire et me faire savoir ce que vous avez aimé dans cette classe, et cela aidera d'autres personnes à décider si cette classe leur sera utile, et cela m'aide également à en savoir plus sur ce qu' continuer à faire ou à améliorer pour les futures classes. Si vous avez des questions ou des idées sur ce que vous aimeriez apprendre de moi ensuite, alors vous pouvez faire un post dans la section discussion et je reviendrai vers vous dès que possible, ou vous pouvez également m'envoyer un message sur Instagram si vous préférez. Si vous voulez également partager votre travail sur les réseaux sociaux, ce serait incroyable. Si vous le faites, alors s'il vous plaît balisez-moi sur Instagram @Sarahholliday afin que je puisse l'aimer et le partager là-bas aussi. Si vous voulez rester au courant de mon travail et des cours à venir, alors assurez-vous de me suivre sur Instagram et aussi ici sur Skillshare. Si vous voulez en apprendre plus de moi, alors j'ai quelques classes d'illustration de personnage que vous pouvez apprécier, et vous pouvez vous rendre à mon profil Skillshare pour les consulter. Merci encore une fois, j'espère que vous avez eu beaucoup de plaisir et j'ai hâte de vous voir la prochaine fois.