Illustration de marque : créer une image de marque inoubliable et stylisée

1. Introduction: Je crois qu'en tant qu'artistes, nous n'avons pas à nous piéger nous-mêmes et à choisir d'être une chose ou une autre. Bonjour, je m'appelle Roman Muradov. Je suis un auteur primé, illustrateur et professeur au California College of the Arts. Au cours de ma carrière, j'ai travaillé pour des clients traditionnels comme Penguin Random House, Wired, New York et New York Times, ainsi que pour des entreprises technologiques comme Google, Notion, Patron et ainsi de suite. Bien que je n'aie jamais aspiré à faire de l'imagerie de marque dans le cadre de mon travail, elle est devenue une partie importante de mon portefeuille. Je pense que je l'avais développée de manière très personnelle et parfois non conventionnelle, et j'aimerais partager cette approche avec vous. Dans ce cours, nous créerons une illustration et une identité visuelle pour une marque imaginaire. Ça peut être n'importe quoi. Ici, j'ai utilisé le mot marque de la manière la plus large possible. Il peut s'agir d'un petit café ou d'un organisme à but non lucratif, ou même de la planète. En fin de compte, nous aurons un nom, un logo, un slogan et trois illustrations qui nous ont aidés à raconter l'histoire de la marque que vous avez inventée. Cette classe sera précieuse pour toute personne intéressée par la mécanique de la communication visuelle. Vous n'avez pas besoin d'être un artiste expérimenté, et l'approche originale est beaucoup plus importante ici que les compétences techniques. N' oubliez pas de partager vos projets, et j'ai hâte de voir ce que vous venez avec. 2. Tout semble identique: Donc, le problème avec l'illustration de la marque est que la plupart d'entre elles ressemblent. Pourquoi cela arrive-t-il ? Je pense surtout parce qu'il y a souvent trop de mains qui font la même chose et que les gens ont tendance à jouer en toute sécurité. Cela crée un champ où rien de nouveau ne se produit parce que tout le monde copie ce qui fonctionne déjà. Dans le même temps, tout a été fait plus ou moins, et l'histoire de la façon dont il a pris un certain temps, il est donc incroyablement difficile de trouver quelque chose de nouveau. Alors, comment se fait-il ? Eh bien, la clé à mon avis est de regarder loin de nos contemporains. Dans un de ses essais, Lydia Davis nous conseille de garder votre original plus bas que vos contemporains parce que, comme elle dit, « Vous appartenez déjà à votre temps. » Je pense que cela s'applique à peu près à toutes les formes d'art et à l'art commercial aussi. En d'autres termes, si vous voulez trouver quelque chose de nouveau dans l'environnement contemporain, il est préférable de ne pas regarder un tel environnement et de regarder en arrière. Si vous copiez ce qui est pertinent en ce moment, vous réduisez considérablement votre portée. Au lieu de cela, vous devriez l'élargir autant que possible et non seulement revenir dans le temps, mais aussi regarder d'autres médiums et choses qui ne sont pas liées à ce que vous faites réellement. Il pourrait donc être utile de se détourner de ce que font d'autres entreprises et d'autres artistes, et plutôt de rechercher des choses qui ne semblent pas liées. Graffiti, beaux-arts, littérature, poésie, à peu près tout ce qui va. Cela peut sembler non pertinent au début, mais bien sûr, le style est la somme de tout ce que nous consommons et traitons. Plus la distance entre ce que nous faisons et ce que nous consommons, plus le résultat sera original. Cela aide vraiment à vous entourer de choses que vous aimez, qu'il ait une inpertinence pour votre travail ou non, parce que tout ce qui se nourrit de votre esthétique et inspiration trouvera un moyen dans votre travail même si vous n'ont aucune idée de comment cela se passe réellement. Donc, dans mon cas, beaucoup de gens sont un peu surpris quand ils apprennent ce que je suis parce que j'aime les choses qui n'ont presque rien à voir avec illustrations commerciales telles que l'art abstrait, et l'art conceptuel, la littérature moderniste comme ainsi que le manga, et le post-punk, et des choses qui ne sont pas du tout de l'art comme la comédie et juste des choses ici dans la rue. Beaucoup de mes influences artistiques sont très différentes de ce que je dessine. Pendant longtemps, cela m'a donné beaucoup de confusion. Je me disais : « Eh bien, pourquoi est-ce que je dessine si élégamment alors que j' aime les choses qui semblent n'avoir rien en commun avec ça ? » Mais alors, bien sûr, j'ai réalisé que cela me rendait plus original en tant qu'artiste parce que ça aurait été beaucoup moins intéressant si je faisais choses beaucoup plus proches de ce que j'aime. Je pense qu'avoir cette diversité d'influences et les laisser vous emmener quelque part où vous ne vous attendez pas à aller est une partie du développement d'un style unique fort. Tout aussi important est de continuer à faire votre travail personnel sans se demander si cela a une quelconque pertinence par rapport à ce que vous voulez faire professionnellement. Donc, si vous aimez griffonner sur des morceaux de papier, écrire de la poésie, tout cela viendra d'une manière ou d'une autre et tout cela est toujours important. Il ne s'agit pas seulement d'une question de développement personnel, esthétique et de style, les clients sont beaucoup plus susceptibles d'embaucher quelqu'un qui semble passionné par ce qu'ils font plutôt que quelqu'un qui veut simplement s'adapter aux normes existantes. Dans ma propre carrière, il y a eu plusieurs exemples où je faisais quelque chose de complètement hors de propos et souvent stupide et idiote, et alors quelqu'un me demandait de le faire pour de l'argent que je ne m'attendrais jamais quand je le commencerais. Bien sûr, l'important à emporter ici est que je ne le ferais pas de toute façon parce que je le veux, et cela m'apporte du plaisir. Tout ce que j'ai fait, très peu m'a donné une valeur commerciale, mais on ne sait jamais, on essaie tout et quelque chose colle. Donc, par exemple, à un moment donné, j'étais vraiment fatigué de dessiner des trucs propres et polis pour travail et je voulais faire quelque chose qui serait tout à fait contraire. Quelque chose de beaucoup plus rude, détendu, et simple inspiré par les dessins de Paul Klee et beaucoup d'art extérieur. J' ai donc commencé à poster ceux sur Instagram et assez tôt, quelqu'un de WeTransfer m'a demandé si je pouvais faire quelque chose dans ce sens avec l'image de marque pour leur nouvelle application appelée Collect. C' était tout à fait inattendu, mais aussi vraiment libérateur parce que soudain, je pouvais faire ce que je voulais faire pour de l'argent, ce qui est assez rare. Donc, cela m'a aussi permis de changer mon approche ; au lieu de faire des croquis , de les affiner et de fournir des illustrations propres, j'ai plutôt fait 5 ou 10 versions du même dessin et je les ai faites très rapidement, puis ramassé des bits de l'un, des bits de l'autre, et les combinait ensemble. En fin de compte, cela semblait très différent de tout ce qui a été fait dans l'imagerie technologique à l'époque, et cela a vraiment résonné avec les gens parce qu'il avait une qualité si simple et dessinée à la main. Donc, pour votre propre projet, essayons de regarder loin de ce qui a été fait dans ce domaine et regarder dehors. Donc, si vous faites un café, ignorons tous les autres cafés et regardons les choses qui n'ont rien à voir avec le café. Il pourrait être bon de faire une liste de toutes ces choses qui vous tiennent debout la nuit, ou vous inspirent, ou vous abusent de vous et de voir si cela a une quelconque pertinence par rapport à ce que vous voulez faire. Sinon, peut-être que vous pouvez trouver un moyen d'y trouver de la pertinence. 3. Créer un nom et un concept: Ce n'est pas une classe d'écriture ou de dessin spécifiquement, mais bien sûr, cela implique ces deux choses. Ainsi, vous pouvez commencer par des mots ou vous pouvez commencer par des images. Peu importe ce qui vous guide. Ce qui est important, c'est ce que c'est la chaîne d'associations et d'idées qui vous mène à votre projet. Alors commençons à travailler sur votre propre projet. Certains d'entre vous ont peut-être déjà une idée de ce que vous voulez faire, et d'autres pourraient ne pas avoir vraiment quoi que ce soit et c'est aussi très bien. Vous voudrez peut-être commencer à griffonner et à griffonner et à voir ce qui se passe. Certaines personnes aiment commencer avec des images, d'autres sont plus à l'aise de synchroniser des concepts et de trouver un moyen de traduire cela en images. Trouver comment cela fonctionne pour vous personnellement est une grande partie de la détermination de votre style et de votre méthode de travail. Donc, quand vous venez avec un nom et un logo, assurez-vous qu'ils ont du sens ensemble et qu'ils se complètent au lieu de simplement faire la même chose deux fois. Si vous ne voulez pas dessiner un logo, vous pouvez simplement penser à une image d'en-tête ou quelque chose qui entoure le nom de votre projet. Rappelez-vous que la clarté et la communication sont probablement la chose la plus importante ici. Mais en même temps, je pense qu'il est vraiment important de ne pas tout préciser. Vous voulez raconter une histoire pour garder un sentiment d'intrigue et vous voulez inspirer le lecteur à regarder plus loin, puis à révéler plus à mesure qu'ils défilent vers le bas. Bien que la redondance ne soit pas nécessairement une mauvaise chose, et parfois la clarté est la seule chose dont nous avons vraiment besoin, il est bon de considérer comment les mots et les images fonctionnent ensemble. Souvent, c'est une bonne idée de les contredire ou de trouver un moyen de les interagir là où quelque chose de nouveau se passe dans l'espace entre l'image et le mot. Ainsi, par exemple, vous pouvez trouver un nom et le logo qui n'ont pas vraiment de sens par eux-mêmes, mais une fois que vous les avez réunis, ils créent un aperçu visuel ou un indice et s'ouvrent et se développent dans quelque chose de nouveau. Il n'y a vraiment aucune directive sur la façon de le faire avec succès, et tant que cela est logique pour votre projet et votre esthétique, tout est bon. Donc, pour mon projet de démonstration, je pense que je vais essayer de trouver quelque chose de peu stupide. Peut-être une application qui vous permet de sculpter avec des nuages. Je ne suis pas tout à fait sûr de comment cela fonctionnerait techniquement, mais je pourrais aussi bien imaginer quelque chose qui n' existe pas et n'a aucun moyen d'existence pour le moment. Donc, nous pouvons l'appeler quelque chose comme cloudscribbler ou cloudscraper ou cloudsculptor, vous pouvez toujours vous débarrasser des Es et Os, donc ce sera plus [inaudible]. Je pense que le grattoir a l'air sympa. Donc, nous allons rouler avec ça. Alors nous pouvons penser au logo. On peut avoir des nuages. Bien sûr, les nuages sont l'une des images les plus utilisées dans le monde de la technologie. Mais bien sûr, il y a encore des façons de dessiner un nuage qui n'a pas été fait auparavant, nous pouvons essayer de comprendre comment cela peut être fait. Bien sûr, la façon la plus simple d'aborder un logo est juste d'utiliser les lettres. Donc, ce serait C et S peut être quelque chose comme peut-être joint ensemble dans un signe d'infini. Le S peut être un peu plus comme le S dessiné à la main et peut-être qu'ils peuvent aller ensemble quelque chose comme ça, ou peut-être qu'ils peuvent être dans un petit nuage. Cela fera pour nos notes et ensuite je peux le faire d'une manière plus polie sur mon iPad. Je pense vraiment que la meilleure façon d'aborder le brainstorming est juste choisir un morceau de papier d'imprimante et de le remplir. vous inquiétez pas de la qualité, n'utilisez pas de livres de croquis et de papier fantaisie ou quoi que ce soit du genre. Plus les outils sont simples, plus il est facile de faire des erreurs et de sortir les choses de votre système et ne pas se soucier des clichés et juste de tout sortir et de choisir. Imaginons ce qu'est cette chose. Nous pouvons commencer par un slogan ou nous pouvons commencer par le concept et ensuite trouver des mots pour cela. Quelque chose qui apparaît dans mon esprit est que le ciel est votre Canvas, parce que pourquoi pas ? Ça ressemble à un slogan et ça l'est. Aussi le mot Canvas a les lettres C et S, comme le nom, donc c'est sympa. Nous pouvons imaginer que vous choisissiez votre téléphone et que vous pointez vers le ciel, puis il y a un nuage, puis vous déplacez votre doigt et vous pouvez organiser ces nuages en différentes formes. Prenez une photo et envoyez-la à quelqu'un et partagez-la. Peut-être que plusieurs personnes peuvent collaborer et le faire sur le même nuage et peut-être qu'elles peuvent lire sur ces nuages et apprendre leur accumulation ou d'autres mots qu'elles ne connaissent pas. Nous pouvons donc diviser notre histoire en trois parties. L' un est que, ce sera comme une application AR afin que vous puissiez prendre la nature et faire votre propre chose. Ensuite, la partie 2 peut être la collaboration et la partie 3 peut être le partage. Cela raconte une histoire d'une personne à plusieurs. Vous voudrez peut-être développer votre projet et y réfléchir plus en détail sur la façon dont il existe ou n'existe pas. Dans mon cas, je me fiche d'un match de mort, c'est juste un peu de fantaisie. Donc, je vais m'intéresser plus à la façon dont il est présenté et à la façon la plus abstraite de le montrer. Je pense donc que l'émotion est au moins aussi importante que le concept. Le sentiment de regarder quelque chose, qu'il s'agisse d'un roman expérimental ou simplement d'un simple site de marketing, est toujours le même, c'est toujours un aspect important. Parce que nous ne coulons pas seulement sans cerveaux étaient aussi l'expérience de tout avec notre corps et il ya très réelle sensation tactile de regarder quelque chose. Alors maintenant pensons-nous au style, ou continuons-nous à penser à cette histoire ? Eh bien, vous pouvez l'aborder de toute façon ou vous pouvez les faire tous les deux ensemble. Les styles devraient éclairer le récit et le récit devrait éclairer le style. Donc, dans mon cas, je pense que je vais commencer par une histoire et ensuite trouver quelle serait la meilleure façon de la dessiner. Commençons par le début. Nous pouvons imaginer comment il apparaît sur le site Web et ce serait probablement un environnement de balle de défilement horizontal. Ensuite, nous pouvons penser à la plupart des sites que nous voyons. La plupart d'entre eux ont le fond blanc ? Alors les nuages sont larges, que pouvons-nous faire ? Peut-être qu'on peut utiliser de l'espace négatif. De cette façon, il ressemblera à un papier découpé et le texte sera là. Alors que vous faites défiler, peut-être que nous pouvons avoir un mouvement de parallaxe et nous pouvons avoir un nuage dans le nuage qui se déplacera à différentes vitesses et cela vous donnera l'impression de regarder les nuages qui passent par. Donc, pour notre histoire, la première sera sur les possibilités ouvertes que vous pouvez faire n'importe quoi avec les nuages. Donc, nous allons avoir notre forme découpée et avons un petit caractère d'espace réservé ici, peut-être avec le pinceau, et ensuite nous pouvons penser à ce que ce personnage est plus tard. Nous pouvons aussi avoir quelqu'un juste dessiner quelque chose griffonnant, peut être griffonner toute la toile ou vous ne pouvez pas avoir de caractère du tout. Vous pouvez simplement avoir ce ciel ouvert et plusieurs formes qui se chevauchent comme ça. Donc ce sera notre premier. Pour une seconde, c'est la collaboration. Peut-être que notre seule forme de découpe peut être deux, quelque chose comme ça. Mais bien sûr, c'est un peu difficile parce que, comme l'a dit Marcel Duchamp, je crois que « Quand on en a un, c'est un, quand on en a deux, c'est un couple, et quand on en a trois, c'est n'importe quel autre numéro ». Ce qui, je pense, est une leçon importante que si vous voulez montrer la possibilité de collaboration, vous ne voulez pas en avoir seulement deux parce que c'est presque trop intime et si vous en avez quatre, alors c'est deux paires et si c'est cinq, alors c'est trop. Mais si vous avez trois choses différentes, cela implique à peu près n'importe quel nombre de participants. Ensuite, nous pouvons aussi penser à avoir une seule forme et juste à l'intérieur cette forme il y a un tas de personnages qui font quelque chose ensemble. Maintenant, je pense qu'il est vraiment important d'opter pour la quantité plutôt que pour la qualité à ce stade. Assurez-vous donc de trouver au moins trois idées différentes pour chacune d'elles. Ensuite, nous pouvons les affiner et jeter ceux qu'on n'aime pas, peu importe. Pour le dernier, le partage. Donc le partage parce que toujours un concept un peu difficile parce qu'il y a tant d'images clichées de gens qui envoient les uns les autres choses se serrant la main et tout ça. Mais cela ne signifie pas que nous ne pouvons pas trouver quelque chose de nouveau et ne signifie pas non plus que nous pouvons prendre quelque chose qui est assez standard et lui donner un tour intéressant. Ainsi, par exemple, nous pouvons jouer à nouveau avec l'idée de parallaxe et revenir au tout début et avoir beaucoup, beaucoup de couches qui semblent suggérer l'infini et peut-être leurs personnages et toutes ces couches. Il y a peut-être beaucoup de petits nuages comme ça et ils sont tous liés ensemble. Peut-être qu'il peut y avoir une combinaison de ces deux idées. Donc ce paysage qui se passe ici et puis les plus petits se retirant dans l'arrière-plan. On peut aussi penser aux idées de collaboration de ces petits personnages, construire quelque chose ensemble, former une petite sculpture. Alors remplissez une page ou deux ou autant que vous voulez avec des idées. Gardez-le lâche à ce stade, n'essayez pas de faire de beaux dessins, juste obtenir autant d'idées que possible. Vous pouvez commencer à penser au style tout de suite, ou vous pouvez y penser à l'étape suivante de notre prochaine leçon. 4. Créer son personnage: Passons maintenant à la statique et au style. À quoi ressemble le projet et comment communique-t-il le concept ? Rappelez-vous que le style est substance. Vous pouvez avoir une histoire qui a beaucoup de sens, mais ensuite raconte-la d'une manière vraiment fade qu'elle ne rend pas justice à l'histoire et que tout va s'écrouler. D' autre part, vous pouvez avoir quelque chose de assez simple qui sera toujours affecté si vous pensez vraiment au style. Il peut donc être un peu accablant de penser à toutes les différentes choses que vous pourriez faire et à tous les styles et médias que vous pourriez utiliser, et ce pourrait être une bonne idée d'utiliser des contraintes. J' utiliserai toujours les contraintes dans ma propre pratique artistique, qu'il s'agisse d'un travail personnel ou professionnel. Les raisons pour lesquelles je le fais sont très simples ; parce qu'elle vous libère de la peur et de la tyrannie de l'inspiration, d'attendre l'inspiration, penser où elle viendra, et juste d'avoir cette feuille de papier vierge ou un iPad et essayer de comprendre comment faire quelque chose à partir de rien. Donc, la façon dont vous utilisez les contraintes dépend entièrement de vous, elle peut limiter votre jeu de couleurs ou votre travail de ligne. Par exemple, peut-être que vous ne vous donnez pas la possibilité d'utiliser différentes ondes de ligne, d'utiliser des motifs spécifiques ou d'utiliser du matériel trouvé. Les contraintes peuvent aussi être brisées et devraient peut-être être brisées. Pensez-y comme un moyen de lancer vos idées. Donc, disons, vous vous donnez une contrainte pour n'utiliser que 10 lignes par caractère. Cela vous permettra de simplifier les choses et de ne pas en faire trop. Eh bien, une fois que vous avez quelque chose développé que vous aimez bien et que vous avez l'impression qu'il bénéficiera d'avoir quelques lignes supplémentaires, alors allez-y. Donc, pour mon projet, je vais utiliser un iPad pour quelques raisons ; parce qu'il me permet de simuler beaucoup de choses différentes sans aller trop loin de mon chemin, mais vous pouvez utiliser n'importe quel support que vous aimez et se sentir à l'aise avec ou mal à l'aise, ce qui peut en fait être mieux. Encore une fois, il est bon de commencer par de simples gribouillis. Comment dessinons-nous les nuages ? J' aime bien me gribouiller. C' est quelque chose que je fais presque compulsivement et c'est une grande partie de mon travail. Même quand je fais plus de dessins polis, j'essaie toujours de conserver une qualité gestuelle manuscrite à tout. Donc, je peux penser à des nuages comme ce petit mouton comme gribouillis ou alors je peux aller quelque part tout à fait différent et avoir une idée de formes plus ovales avec des textures, vous pouvez avoir des motifs. Vous pourriez avoir un nuage comme ça, qui se chevaucherait avec le nuage comme celui-ci et en créer un troisième. La même chose peut être faite avec la couleur, bien sûr. Je peux aussi penser à du matériel trouvé et avoir une idée de morceaux de papier peut-être déchirés qui jettent des ombres. Vous pouvez faire de petites maquettes ou simplement sortir votre iPhone et prendre quelques photos. Nous pouvons penser à où vous allez utiliser les gens du tout. Alors si on le fait, comment allons-nous les dessiner ? Peut-être qu'il peut être juste un protagoniste qui a un nuage comme des touffes de cheveux. Ce sera notre porte-parole, peut-être quelque chose comme ça. Peut-être qu'ils peuvent porter des lunettes parce que vous avez des cercles ici qui complimentent les cercles. Je pense que lorsque vous concevez des personnages, il est souvent bon de penser aux choses concrètes comme des formes abstraites. Donc, dans votre esprit, réduire vos personnages et votre environnement à des formes seulement. Donc dans notre cas, c'est quelque chose comme ça. Ils sont ronds et simples et c'est une combinaison de lignes droites et de cercles. Cependant, je pense que pour ce projet, il serait logique de faire quelque chose de plus abstrait parce qu'il s'agit de quelque chose qui existe dans la nature. Nous pouvons penser à faire peut-être des créatures nuageuses qui sont les protagonistes de notre histoire, afin qu'elles puissent ressembler à ça. En cas de doute, vous pouvez toujours mettre un moyeu et cela rend tout plus mignon. Ensuite, nous pouvons plonger un peu plus profondément et penser à la façon dont les visages peuvent ressembler. Il peut être un peu plus réaliste comme ça, ou il peut être encore plus réaliste comme ça, ou complètement abstrait, peut-être juste les yeux. Vous remarquerez que plus nous ajoutons de détails, il peut être difficile de se rapporter au personnage. Donc, parfois, le processus de simplification signifie aller un peu trop loin et ensuite voir ce que vous pouvez emporter. Alors considérons notre nuage comme une forme. Tout d'abord, nous avons la forme du domaine. Maintenant, comment peut-on faire ça ? Il peut s'agir de papier déchiré, ou il peut s'agir d'une forme abstraite faite numériquement, il peut s'agir simplement d'un travail de ligne, ou il peut s'agir d'une combinaison de ces choses, peut-être d'un motif. Je pense qu'il serait logique de dessiner la forme numériquement et ensuite peut-être mettre une texture sur le dessus. Alors nous ne voulons pas que ça ressemble trop à un nez, alors évitons les associations. Maintenant, la forme est toujours complétée par des lignes. Pas toujours, mais ça peut l'être. On peut avoir des jambes et des mains. On a besoin des jambes ? Peut-être pas. On peut jouer autour de quelque chose comme ça, donc ça ressemble à une casquette. Prenons notre buree parce qu'un personnage a si peu de détails que tout aide. Nous allons avoir juste une main et de cette façon, il ressemble moins à un personnage complètement soufflé et plus une abstraction qui a reçu une touche de caractère. Maintenant, le personnage a un pinceau. Maintenant, le problème ici est que nous avons deux lignes droites l'une à côté de l'autre et elles ont l'air assez semblables. Alors, qu'est-ce qu'on peut faire à ce sujet ? Eh bien, peut-être que la main peut être quelque chose comme ça, ce qui fera ressembler un peu à un fantôme, mais je pense que ça peut marcher. Comme alternative, la brosse peut être un peu plus épaisse et avoir un peu plus de forme. Encore une fois, nous réduisons nos dessins au niveau de l'abstraction. J' aime bien dessiner le nez parce que je pense qu'ils donnent beaucoup de caractère, et je pense en fait, très souvent vous pouvez faire sans bouche et juste avoir le nez. Je pense que Steinberg a dit que le nez est la seule partie de notre anatomie qui ne ment pas, et j'ai tendance à être d'accord avec ça. On peut rendre leurs visages assez stupides ou peut-être des dessins animés. Encore une fois, certaines personnes aiment développer quelque chose complètement à ce stade, et certaines personnes préfèrent commencer à travailler et voir où cela les mène. Je pense que vous devriez juste aller avec ce qui vous semble intuitif et voir où cela vous mène. 5. Créer une maquette: C' est aussi une très bonne idée de faire une petite maquette, pas seulement pour vous-même, mais pour les clients. Bien sûr, il est très pratique d'envoyer des croquis qui sont juste en noir et blanc, gribouillis comme ce que je viens de faire, mais en même temps, certains clients ont une meilleure idée de ce à quoi ressemblera votre travail dans le forum final que d'autres, c'est donc une bonne pratique de commencer à faire des maquettes de l'œuvre finale en même temps que les croquis. Donc une maquette n'a pas besoin d'être polie, elle n'a pas à ressembler exactement à la finale bien sûr, mais elle devrait vous donner une idée, et vous laisser imaginer à quoi ressemblera la finale. Dans notre cas, il peut s'agir de choisir les bonnes couleurs et de voir comment ils se sentent. Vous prenez un gros pinceau et créez une forme. Gardez les choses très simples, et là. Maintenant, nous pouvons imaginer à quoi cela ressemble sur notre site, puis nous pouvons imaginer à quoi cela ressemblera avec un peu de parallaxe. Donc peut-être que ce sera quelque chose comme ça, et alors nous pouvons imaginer comment ces calques peuvent se déplacer uns contre les autres pendant que vous faites défiler la page, et ensuite nous pouvons prendre un peu d'arrière-plan ici. C' est une couleur hideuse. Faisons quelque chose de plus comme ça. C'est encore pire. Bien sûr, pourquoi pas. C'était un accident complet, mais explorons-le pendant que nous y sommes. On dirait vraiment que c'est le mauvais ton pour le projet, mais pourquoi pas ? Donc maintenant on peut dessiner un petit gars des nuages, quelque chose comme ça. Ça a l'air plutôt sympa, beaucoup plus dramatique qu'il n'en a besoin, alors je vais me débarrasser de ce ciel très sombre et choisir quelque chose de plus léger, peut-être une couleur sablonneuse. Pas cette Sandy. Oui. Ça pourrait être trop léger. C' est juste une maquette. Donc, pour l'instant, ce que nous devrons faire, nous pouvons rendre l'arrière-plan un peu plus léger, peut-être quelque chose comme ça, et nous pouvons donner à notre nuage un peu de fonctionnalités, que ce soit un pinceau différent, peut-être un peu plus griffonné, quelque chose comme ça. Maintenant, nous pouvons penser à des ombres et à des choses comme ça, donc entre ces deux couches par exemple, nous pouvons obtenir un pinceau très doux et lui donner un peu d'ombre, pas tellement. Donc c'est très rude, mais ça nous donne une idée de ce que ça pourrait ressembler, et ensuite nous allons remplacer toutes ces choses par de vraies textures et des choses comme ça, et nous pouvons même prendre notre stylo, et imaginez où sera le texte, peut-être quelque chose comme ça, et peut-être que le texte peut être en blanc, ce qui aurait vraiment beaucoup de sens. Ça peut être une combinaison. Maintenant, un logo peut être quelque part ici. Je pense que le garder perdu est une très bonne idée à ce stade, et toujours vous laisser beaucoup de place pour l'improvisation quand il s'agit de la finale, parce que vous ne vouliez pas tout préparer au point où la finale est simplement remplir les blancs, vous voulez toujours vous donner assez de place pour jouer et expérimenter, et essayer quelque chose de nouveau jusqu'à la fin. 6. Affiner son style personnel: Alors maintenant, quand nous passons à la finition de notre œuvre, la chose à vous demander d'abord est, quelle sera la première impression ? Je pense à cela de la même façon que lorsque vous approchez d'une affiche ou d'une couverture de livre parce qu'avant de comprendre ce qu'il s'agit et ce qui se passe, vous avez une réaction émotionnelle très immédiate juste aux formes et aux couleurs, et vous devez demander vous-même, qu'est-ce que cela fait et comment cela se rapporte-t-il au produit en question ? En même temps, il est tout aussi important de maintenir un niveau de complexité. Donc tu ne veux pas tout dire tout de suite, tu ne veux pas tout renverser. Vous voulez inviter les gens, mais laissez-les ensuite explorer l'imagerie et les mots eux-mêmes et tirer leurs propres conclusions. Tout aussi important que le style est de connaître et de comprendre votre public, mais en même temps de ne pas jouer complètement à leurs goûts et attentes. En fait, il est souvent bon de jouer avec ces attentes et de les subvertir. Une autre chose à considérer est la diversité et la représentation. Donc, si vous faites quelque chose de tout à fait abstrait, comme My Clouds, ce n'est pas vraiment un problème, mais si c'est une vraie cause, alors bien sûr, il est extrêmement important d'être respectueux et en même temps de penser au niveau de détail que vous mettez dans la représentation humaine. Par exemple, si vous faites quelque chose dans un style réaliste, il est un peu plus difficile de se rapprocher ces personnages parce qu'ils deviennent plus spécifiques et plus réels, tandis que quelque chose de plus dessiné et minimaliste signifie que toute personne peut se projeter sur cette image. n'y a pas de bien et de mal ici, et ce n'est pas une échelle glissante. Il s'agit plutôt d'examiner ce que vous faites, et le fait que cela peut avoir sur les gens, et s'il y a des chances de mal interpréter ou d'offenser et comment éviter cela. En général, les gens ont tendance à graviter vers art qui n'a pas l'air d'essayer de leur vendre quelque chose, donc il est probablement préférable d'éviter les images marketing agressives et très agressives et d'essayer d'opter pour quelque chose de plus subtil. En général, les gens n'aiment pas avoir l'impression d'être fréquentés. Il est donc préférable de ne pas se plier à une population spécifique et d' essayer d'être respectueux dans n'importe quelle représentation que vous choisissez de faire. Donc encore une fois, il n'y a pas de bonne façon de le faire, la seule chose que je peux suggérer est de faire beaucoup et beaucoup d'exploration, être ludique et léger, et de considérer beaucoup d'options différentes, différents médias, différents styles et représentations, et voir ce qui a du sens. Dans mon propre travail, j'aime commencer la journée en faisant des petits gribouillis, bien que je ne le fasse pas tous les jours, mais tout cela s'inscrit dans mon esthétique générale et lui permet de se développer lentement et graduellement au lieu de s'asseoir et vous cogner la tête contre le mur jusqu'à ce que quelque chose de nouveau arrive. Je pense qu'il est vraiment bon de pratiquer l'observation pour attirer des gens, vos amis et des étrangers, pour le faire dans autant de styles différents que possible. Je suis vraiment contre toute cette idée qu'en tant qu'artiste, nous devrions trouver une façon de faire les choses et nous y tenir. Je pense qu'il est de plus en plus acceptable d'être quelque chose de polymère et de travailler dans différents médias. Bien que je sois surtout connu pour mon travail d'encre, j'ai récemment appris Blender en 3D et fait des choses qui sont complètement hors de ma zone de confort. Je pense qu'il est aussi très important de faire beaucoup de versions de la même chose, pas même essayer d'explorer autant, mais juste de répéter parce qu'il est absolument impossible de faire le même dessin deux fois et chaque fois que vous essayez de répéter quelque chose, vous venez inévitablement avec quelque chose de nouveau. Donc, ce processus d'exploration est comment vous arrivez à quelque chose qui est unifié, simple, et qui a l'impression qu'il vient de sortir de nulle part. Il est également très important de considérer votre tempérament et de considérer la marque comme un processus. Donc, très souvent, je commence juste à faire des gribouillis complets qui n'ont absolument aucun sens ou contexte et c'est simplement une façon d'exercer mon écriture et mon geste. Plus vous le faites, plus il devient le vôtre. Alors quelque chose comme ça a la même écriture manuscrite et la même qualité gestuelle que quelque chose de plus élaboré. Assez souvent, je tire trop, puis je m'en fiche, et c'est aussi un processus légitime de minimiser votre matériel. Donc, beaucoup de mes dessins commencent autant de versions que j'ai mises ensemble, suppriment quelques bits ici, quelques bits là, essayent différentes choses. Souvent, j'ai une pile de dessins pour une seule impression finale, puis à la fin, vous aurez quelque chose comme ça. Mélanger les médias traditionnels et numériques vous permet d'avoir de la spontanéité, mais en même temps avoir le contrôle. En parlant de cela, j'ai d'autres cours sur l'encre et sur les médias numériques que vous pouvez regarder pour une exploration plus approfondie des choses techniques. Encore une fois, je pense qu'il est important de comprendre et de respecter votre tempérament. Par exemple, je suis assez impatient et il est plus facile pour moi de dessiner plusieurs versions de la même chose au lieu d'en polir une seule et c'est pourquoi j'utilise divers papiers d'impression simples et bon marché pour la plupart de mon travail. Trouver celui qui se sent juste plutôt que le meilleur est aussi très important parce que très souvent ce n'est pas celui qui est le plus poli et le plus beau, mais celui qui transmet le sentiment mieux que tout autre. C' est bon de jouer avec les conventions et les attentes. Par exemple, dans ce dessin, l'attribution du noir est complètement déraisonnable. Il y a de gros morceaux qui ne sont pas remplis et il brise beaucoup de règles de base du dessin et de la création d'images, mais bien sûr cela me chatouille parce que c'est mon travail personnel et je peux faire ce que je veux. Alors que vous finalisez votre projet, pensez à qui il sert, qui va le regarder, ce qu'ils vont ressentir, et pensez au style. En même temps, ne vous obsédez pas trop de ces questions. Essayez de trouver un équilibre entre la liberté et l'examen. C' est bon de scruter, mais en même temps, il est bon de ne pas se laisser trop emporter et de perdre une trace de ce que vous voulez réellement faire. 7. Présenter son œuvre: Maintenant, alors que vous terminez votre projet, demandez-vous, pourquoi est-il là ? Pourquoi ce n'est pas seulement une photo ? Pourquoi a-t-il besoin de dessins ? Parfois, nous pouvons nous laisser emporter et simplement faire les choses compulsivement sans vraiment comprendre leur but, et il est vraiment important de vous interroger de temps en temps et de comprendre, quel est le but de l'illustration ici et comment vous l'utilisez -vous ? Alors, quelle est la fonction d'une illustration ? Eh bien, il peut y avoir beaucoup de choses qu'une illustration peut faire. Il peut attirer l'attention, vous aider à vous démarquer de la foule, inspirer quelque chose, contredire le texte , le compléter, il peut séduire le lecteur ou peut-être les détourner, et il peut faire toutes ces choses ensemble de manière complexe et subtile. Lorsque nous avons passé trop de temps avec notre projet, il peut être facile d'oublier ce que c'est de le voir pour la première fois. Il est donc bon de s'en éloigner, peut-être de le mettre de côté, aller dormir et de le regarder à nouveau le matin, de le montrer à quelqu'un d'autre et de voir ce qu'ils pensent. Le même principe est appliqué à la présentation finale. Essayez de trouver un moyen de le présenter qui lui donne justice et qui joue également avec votre concept. Donc, il peut être une série d'images ou vous pouvez même construire un site Web ou il peut être une chose Instagram défilante, ou une carte postale ou tout ce qui a du sens pour ce que vous essayez de faire. Donc, pour mon projet, je vais le présenter comme une série d'images qui vont simplement l'une après l'autre et racontent l'histoire. Cela peut être plus compliqué que cela, il peut être encore plus simple, quel que soit le sens pour votre projet. Une autre compétence extrêmement importante à posséder est la volonté de faire des révisions. Tant d'artistes ne sont pas tout à fait prêts et ne réalisent pas à quel point la révision a tendance à aller dans le travail professionnel, surtout quand ils terminent l'école d'art, et il y en a beaucoup. Être capable de faire des révisions pour votre propre travail juste parce que vous voulez le rendre meilleur et pas même mieux, mais d'explorer quelles autres possibilités il ya est vraiment important et utile à la fois dans votre professionnel et votre personnel pratique. Enfin, il est bon de considérer comment vous vous présentez sur Internet. C' est bon de penser comment les gens vous voient en ligne. Pour moi, je ne m'en fiche pas vraiment, mais pour les gens qui sont plus préoccupés par leur image professionnelle, ce sera plus un problème. Donc, pour moi, je suis très ouvert et honnête dans ma présentation et je poste beaucoup de choses qui ne sont pas nécessairement liées à mon travail professionnel. Mais là encore, il est lié à mon esthétique qui sont toutes basées et inspirées par la bêtise et l'enjouement. Si vous voulez quelque chose de plus sérieux, cette approche n'a peut-être pas de sens. La seule chose à éviter est l'affectation. Il est toujours préférable de se présenter d'une manière honnête et directe que de prétendre être l'artiste que vous n'êtes pas vraiment. Donc, pour mes versions finales, je suis allé avec quelque chose de assez simple. Il y a un logo simple et une police simple, et puis nous avons trois images qui sont construites comme panorama avec une petite parallaxe implicite. Le premier, nous avons une petite créature nuageuse prête à affronter la toile. Je voulais embrasser l'ouverture et je ne voulais rien mettre en arrière-plan parce que je voulais donner l'impression que vous pouvez faire tout ce que vous voulez, et ce n'est pas une chose spécifique qui est annoncée ici. Dans le second, je voulais me concentrer sur l'interaction de ces trois personnages qui travaillent ensemble, et surtout, je voulais qu'il se sente léger et ludique, et je ne voulais pas lui donner l'impression qu'ils font quelque chose de difficile ou qu'ils y mettent trop d'efforts. Je voulais que ça se sente comme quelque chose que n'importe qui peut ramasser et commencer à travailler. Dans la troisième image, je voulais me concentrer sur les profondeurs et la possibilité de ce projet. Que ce n'est pas seulement ce que vous voyez devant vous, mais c'est une infinité de toiles et vous pouvez la partager et voir ce que les gens ont fait partout dans le monde et ainsi de suite. Donc, pour la finale, j'ai décidé d'utiliser une palette de couleurs très simple et de mettre un peu de texture de papier. De cette façon, ce n'est pas exactement la texture du ciel, mais c'est une texture de quelque chose qui nous est tangible et familier et qui nous rappelle les nuages. Donc, d'une certaine manière, il faut un peu loin de la réalité, mais en même temps se sent enraciné dans la nature. Donc, une fois que vous avez terminé, jetez un coup d' œil à l'ensemble du projet et posez-vous toutes ces questions. Qu' est-ce que chaque image établit ? Quelle est la progression de l'un à l'autre ? Comment cela change-t-il ? L' un d'eux est-il nécessaire ? Peut-on l'enlever ? Peuvent-ils être remplacés ? La commande peut-elle être modifiée ? Je pense que poser toutes ces questions peut vous donner une meilleure compréhension de ce que vous avez fait, et ce n'est pas nécessairement pour changer quoi que ce soit. Cela peut être tout aussi simple que d'obtenir une meilleure vue de votre propre projet et de ce que vous avez accompli. Donc, du côté technique, j'ai décidé de faire tout le travail et de procréer en utilisant des brosses logicielles pour les couches extérieures et des brosses légèrement plus dures pour les nuages eux-mêmes. De cette façon, il y a un peu de contraste, puis les lignes sur les entités sont un peu déchiquetées que plus dessinées à la main. En dernière touche, j'ai tout exporté dans Photoshop et appliqué des textures et des courbes simples. Vous pouvez en apprendre plus sur toutes les choses de ma classe sur l'impression numérique, qui couvre tout cela et bien d'autres techniques. Pour votre présentation finale, il peut être tout ce que vous voulez. Le moyen le plus simple serait d'exporter un tas d'images et de les mettre l'une après l'autre. Mais si vous le souhaitez, vous pouvez écrire plus sur votre idée et utiliser plus de textes et même des animations si cela correspond à vos besoins. Je pense que c'est toujours bon de montrer ce genre de choses en contexte. Donc, plutôt que de séparer des images, prenez des captures d'écran de ce travail, ou si c'est une publication, alors vous pourriez aussi bien prendre une photo. Si c'est une couverture de livre, prenez une photo à la librairie. Mettre les choses en contexte donne aux gens une meilleure idée de l'endroit où elles appartiennent et de la fonction qu'elles servent. Une dernière question que vous voudrez peut-être vous poser est avez-vous aimé faire cela ? Tu veux le refaire ? Aimeriez-vous le faire pour le reste de votre vie ? Je pense qu'il est assez facile de rester coincé à faire quelque chose que vous ne voulez pas particulièrement parce que c'est pertinent en ce moment ou c'est branché, ou si vous êtes juste doué, et vous pouvez passer beaucoup de temps, et je parle par expérience, faisant quelque chose que vous ne voulez pas vraiment. Souviens-toi, tu vas mourir, tu voudrais continuer à faire ça jusqu'à ce que ça arrive ? C' est une question que je me pose presque tous les jours et je n'ai pas vraiment de réponse, mais je pense que c'est une question qui mérite d'être examinée. 8. Réflexions finales: Félicitations pour avoir terminé ce cours. Merci d'avoir regardé et merci pour tout votre travail. N' oubliez pas de partager votre projet dans la galerie de projets. Rappelez-vous qu'il n'y a pas de véritable distinction entre l'art et l'illustration, entre l'illustration commerciale et personnelle, c'est la même chose. Toutes ces distinctions sont l'hypothèse que nous créons nous-mêmes. Donc, nous n'avons pas à penser à ces choses et nous pouvons simplement renouer avec la joie de faire et de créer, et trouver différentes sources pour cela et différents débouchés. C' est ce dont j'aimerais que tu te souviennes. 9. Étude de cas : Notion: Donc, un autre exemple de mon travail personnel et de l'esthétique qui alimente mon travail commercial serait la marque que j'ai faite pour Notion. J' ai toujours été un grand fan de la gravure et des sérigraphies ou du risographe, et j'ai toujours aimé la beauté des images dessinées à la main, et j'ai toujours travaillé principalement avec de l'encre et des crayons plutôt que du numérique. Donc, avec des pièces comme ça, je ferais une ou deux impressions couleur, et puis je développerais aussi une habitude de joindre quelque chose encore et encore jusqu'à ce que le sentiment soit juste, qui je pense est vraiment important de ne pas aller pour perfectionnisme de qualité en tant que telle, mais pour trouver le bon sentiment. Donc, par exemple, si on regarde ces chats, ils sont tous très bien, mais l'un d'eux est un peu plus naïf et détendu que les autres, et c'est celui que j'ai décidé d'utiliser pour cette impression finale. Donc, je fais ces impressions et dessins à l'encre pour moi-même depuis très longtemps sans aucun but en tête. J' aime juste faire ça. Quand Notion m'a approché, ils étaient attirés par ce que je faisais pour New York ou le New York Times qui avait unequalité très texturée et dessinée à la main, qualité très texturée et dessinée à la main, et ils voulaient en avoir pour leur image de marque. Ainsi, en tant que produit et marque, Notion est construit sur le minimalisme et la simplicité et l'accessibilité. Par conséquent, les illustrations devaient aussi refléter l'idée sous-jacente. À l'époque, la plupart de la marque de démarrage technologique était très coloré et assez uniforme et très poli et propre. Donc nous voulions trouver quelque chose qui serait radicalement différent, qu'il n'aurait qu'une seule couleur, peut-être parfois une couleur secondaire, surtout noir et blanc, et qui aurait un gestuel très, dessiné à la main, peut-être une qualité légèrement excentrique à elle. Donc, pour développer le style Notion, je suis tout de suite allé chercher quelque chose qui serait très simple, très lisse et assez poli, mais qui aurait en même temps une qualité gestuelle assez prononcée. Donc, afin de développer un style qui se sentait très léger, et en contact avec le produit, qui est également assez minimaliste, je voulais venir avec ce look qui ne repose que sur un seul geste pour chaque forme. Donc je ne construirais jamais sur la ligne. J' utiliserais juste un geste pour définir la forme d'un visage, ou des cheveux, ou autre chose. Au début, j'ai travaillé avec du pinceau et de l'encre. Donc, je ferais des dessins comme ça, qui sont assez gentils, mais aussi prendre beaucoup de temps à faire, et dans le climat de démarrage où les choses ont beaucoup changé et vous devez retravailler le même élément beaucoup, bien des fois, c'était plutôt insoutenable. Donc, je développerais un look légèrement simplifié pour beaucoup de notre image de marque, qui serait ce qui est maintenant principalement sur le site Web. Bien que toutes les illustrations de Notion soient assez cohérentes, il y a toujours un degré de finition variable. Certains d'entre eux sont plus minimalistes, d'autres plus réalistes, certains sont dessinés avec un pinceau et de l'encre, et d'autres sont réalisés entièrement numériquement, ce qui permet un peu de variation qui ne traverse toujours pas dans un territoire qui ne se sent pas en contact avec l'identité de la marque, avec ses valeurs et ce que signifie le produit. Je pense aussi qu'il était très important pour moi de rechercher et de comprendre l'inspiration derrière Notion, les pionniers concurrents qui les ont inspirés, et cela m'a également permis de créer un style logique pour le produit et le transfert, pas seulement le concept, mais l'émotion derrière lui. Donc, je ne m'attendais pas vraiment à ce que le style Notion devienne populaire, mais il l'a fait, ce qui est génial. Mais aussi cela a inspiré beaucoup d'imitateurs, et je pense que ce que les gens manquent à propos de la qualité de style, c'est la cohérence et le geste derrière lui, et aussi l'idée que pour arriver à quelque chose de si minimaliste, en fait, il faut aller très loin et faire beaucoup de recherches et construire quelque chose qui est bien au-dessus du dessus, recherches et construire quelque chose qui est bien au-dessus du dessus, puis réduire les choses et trouver quelque chose comme celui-ci qui est très petit et simple. Mais si vous prenez quelque chose comme ça et essayez de le répliquer, cela ne fonctionne pas tout à fait. En d'autres termes, si vous avez affaire à une esthétique minimaliste, vous devez toujours vous rappeler que derrière tout simple il y a une gigantesque montagne de choses que vous ne pouvez jamais voir, ce qui est encore une autre raison pour laquelle vous ne devriez pas regarder de trop près les produits finaux de vos contemporains et plutôt regarder en arrière et essayer de comprendre ce qui les a inspirés et toutes les choses qui sont dans les coulisses, et trouver des montagnes similaires de vos propres, puis les couper vers le bas.