Illustration botanique à l'aquarelle | Fleur anémone

1. Bienvenue et introduction: Bonjour, tout le monde. Je m'appelle Helen, je suis artiste botanique et professeur. Bienvenue. Bon retour. Je peins des plantes depuis environ 14 ans maintenant, et dans ce cours, je vous explique tout le processus de création cette magnifique illustration d'Ann et Lena. Je vous parlerai des matériaux dont vous aurez besoin et vous guiderai tout au long du processus étape par étape pour créer votre propre belle illustration J'espère vraiment que tu pourras te joindre à moi. 2. Matériel et mise en place: Bien, commençons donc par parler un peu des matériaux que nous allons utiliser pour cette peinture au neem La première chose dont vous aurez besoin est un morceau de papier aquarelle Le mien est un morceau de papier aquarelle arqué pressé à chaud d'un poids de 300 grammes/mètre carré que j'ai étiré sur mon tableau d'aquarelle, qui n'est qu' un morceau de J'ai ensuite collé le papier avec un ruban adhésif. Vous pouvez découvrir comment je fais cela dans mon cours sur les fondamentaux de l'art botanique, qui est le cours où nous peignons la tulipe et où je démontre ce processus étape par étape J'ai ensuite également transféré mon dessin d'anémone sur mon papier pour aquarelle Pour cela, j'utilise une technique de transfert, qui consiste essentiellement à tracer mon dessin, puis à mettre un crayon au dos de ce dessin, puis à le retoucher une fois de plus, comme vous pouvez me voir le faire ici. J'ai également démontré ce processus dans mon cours précédent. Vous devriez obtenir une jolie empreinte au crayon sur votre papier aquarelle Pour les peintures que nous utiliserons dans ce cours, je choisis toujours d'utiliser les peintures à l' aquarelle professionnelles Windsor et Newton Et ceux que nous allons utiliser aujourd'hui sont Permanent Rose, Windsor Lemon, Pline maroon et en bleu Danthrène Je travaille généralement avec une palette très limitée, souvent seulement six peintures, car j'aime le sentiment d'unité que cela apporte à une peinture. En ce qui concerne les pinceaux que nous allons utiliser, le premier que vous pouvez voir ici est le haras short flat de Rosemary and Co Je l'utilise pour mélanger sur ma palette, ainsi que pour enlever la peinture du papier. En utilisant ce pinceau sur ma palette , je suis moins susceptible d'endommager mes jolis pinceaux mélangeant vigoureusement. Ensuite, nous avons les pinceaux trois ou sept de la série Rosemary and Co en tailles quatre, deux et zéro. Ce sont des pinceaux synthétiques, mais ils retiennent vraiment très bien l'eau , et je les aime vraiment comme une excellente alternative aux pinceaux en zibeline. Ensuite, vous pouvez voir à côté de moi j'ai deux pots d'eau, que j'ai deux pots d'eau, l' un pour nettoyer ma brosse et l'autre pour mettre l'eau propre sur mon papier. J'ai ici quelques palettes avec lesquelles jouer. J'adore ces petits modèles ronds empilables. Ils viennent d'une entreprise appelée Jackson's Art. Mais honnêtement, n'importe quel type de palette de porcelaine convient. Vous trouverez les peintures en plastique plus difficiles à utiliser car la peinture vous échappe sur la palette. Enfin, je voudrais vous montrer mon mastic au cas où vous ne l' auriez jamais vu auparavant C'est une jolie gomme douce, parfaite pour enlever tout crayon trop foncé sur notre papier aquarelle, car il est très Je garderai aussi toujours un papier essuie-tout à portée de main, juste pour sécher mon pinceau pendant que je peins. Enfin, nous gardons notre image de référence à portée de main afin de pouvoir voir ce que nous peignons. C'est donc tout l' équipement dont nous aurons besoin pour peindre ce canon. Donc, si vous avez rassemblé ces objets, commençons par la peinture. 3. Lavis initial: Commençons donc à mélanger de la peinture et appliquer quelques laveuses sur notre charmant néom La première chose que je vais faire est mettre un peu de peinture sur notre palette. Et je commence par le citron de Windsor, la rose permanente et le marron Perline Donc, la seule peinture que je ne pose pas pour le moment est le bleu danthrine parce que nous n'en avons pas encore besoin Je vais donc mélanger deux mélangeurs à peinture. Le premier sera un mélange de citron de Windsor et d'une partie de la rose permanente. Et juste parce que c'est un peu brillant, je vais également ajouter un peu de marron Perlein à ce mélange Vous pouvez voir ici que c'est un bon mix. Il y a une bonne quantité de pigment, donc je suis capable d'en mélanger une très bonne quantité. Je commence toujours par mélanger beaucoup de peinture sur ma palette, en particulier lorsque je peins une grande pièce comme cette anome Cela signifie simplement que je n'ai pas à revenir à ma palette pour continuer à mixer pendant que je suis en train de poser des laveuses. Cela améliore simplement le déroulement du processus, mais je suis également plus susceptible de maintenir un équilibre des couleurs constant sur l'ensemble de la peinture. Si vous n'avez plus de peinture, vous ne pourrez jamais faire correspondre parfaitement les mêmes couleurs. Et cela n'a pas trop d'importance, car il y aura toujours une variation naturelle d'une fleur à l'autre. Mais je trouve qu'il est vraiment utile d' en mélanger une très bonne quantité au début. Il est un peu plus facile de mélanger de grandes quantités de peinture lorsque vous travaillez avec des tubes plutôt que des casseroles. J'ai toujours utilisé des tubes simplement parce que lorsque j'enseigne, je dois être capable de donner de la peinture aux élèves ou de mélanger de grandes quantités de peinture en une seule fois. Peu importe si vous avez des casseroles. Ils sont géniaux, vraiment polyvalents et faciles à utiliser. Vous trouverez peut-être qu'il est un peu plus difficile de mélanger de gros volumes de mélanges de peinture, comme je le suis ici. Mais fais juste ce que tu peux. Une fois que j'aurai mélangé une bonne quantité de rose permanente au vent la rose permanente citronnée avec un peu de parolin, je ferai un autre mélange également, juste pour que nous puissions ajouter de la variété à notre peinture Donc, ici, je commence par une belle quantité de rose permanente, encore une fois, de gros volumes. Ensuite, j'ajoute le marron Perlein pour lui donner une teinte encore plus prête à l' emploi, plutôt que le vif et éclatant de la rose permanente Et là, nous devrions voir que nous obtenons un rouge vraiment très beau et riche. J'aime toujours tester mes couleurs sur mon papier avant de commencer. Ce processus, en plus de pouvoir voir à quoi ressembleront les couleurs sur le papier m'aide également à enregistrer les mixages que j'ai utilisés afin de pouvoir y revenir ultérieurement. Voici donc à quoi ressemble notre premier mix avec le jaune dedans. Et puis voici à quoi ressemble notre deuxième mélange, composé uniquement de rose permanente et de marron pérylène Je les ai étiquetées comme nos sous-laveuses, parce que c'est essentiellement ce que sont nos premières couches de laveuses. Avant de commencer à peindre, je vais utiliser mon mastic et éclaircir vraiment le crayon sur mon papier pour aquarelle pour qu' il soit aussi léger que possible tout en étant capable de voir ce qu'il y soit aussi léger que possible tout en étant capable a sur le Cette étape n'est pas vraiment importante dans le cas d'une fleur foncée éclatante comme celle-ci, le cas d'une fleur foncée éclatante comme celle-ci, mais elle serait très importante si vous peigniez une fleur plus claire, car vous aurez plus de chances de voir les traits au crayon sur, disons, une fleur blanche plutôt que sur une fleur rouge vif. Et une fois que vous avez mis de la peinture sur le dessus du crayon, il est pratiquement impossible d'éclaircir ce crayon C'est donc une très bonne habitude à prendre. Nous allons travailler avec une technique humide sur mouillé pour la majeure partie de cette peinture. Si vous ne le savez pas, une technique d'aquarelle humide sur mouillée consiste simplement à déposer d' abord de l'eau propre sur le papier Nous utilisons donc de l'eau provenant de notre bocal à eau propre , puis nous appliquons de la peinture sur cette couche d'eau de lavage alors que le papier est encore humide. Si vous souhaitez approfondir cette technique et vous entraîner un peu plus, je vous suggère de revenir en arrière et de consulter mon tutoriel sur les astuces dans lequel je vous le montre plus en profondeur. J'utilise ici mon pinceau taille 4, donc je suis vraiment capable de couvrir une bonne quantité de papier à la fois. Si vous utilisez un pinceau trop petit, il est plus difficile de couvrir la zone à peindre et vous finirez par utiliser plus de coups de pinceau, ce qui peut irriter un peu la surface du papier De plus, vous constaterez peut-être que votre papier commence à sécher pendant que vous ajoutez de l'eau et que vous ne pouvez tout simplement pas suivre Il est donc préférable d'utiliser un gros pinceau pour ce genre de choses. Ce que nous recherchons avec une technique humide sur mouillé, juste pour vous rappeler, c'est cette belle sorte d' effet scintillant sur la surface du papier que vous pouvez voir ici Nous voulons qu'il soit suffisamment humide pour qu'il brille vraiment, mais nous ne voulons pas vraiment de flaques d'eau, car lorsque vous avez des flaques d'eau sur le papier, la peinture à l'aquarelle peut quelque sorte reposer sur la surface du papier au lieu de se fondre dans les fibres du papier du Vous saurez s'il y a trop d'eau sur le papier, et vous pouvez facilement y remédier en mettant simplement une brosse légèrement plus sèche dans cette flaque d'eau et en soulevant une partie de cette eau Mais cet effet, avec sa surface de papier scintillante est à peu près exactement l' effet que nous recherchons Ensuite, nous pouvons commencer à ajouter de la peinture. J'utilise donc un pinceau de taille 2 maintenant, et je ramasse juste une partie de la peinture que nous avons déjà mélangée. Voici donc le mélange avec un peu de jaune dedans. Et je suis juste en train de regarder la fleur d'anon, garder un œil sur ma photo de référence et d'y ajouter un peu de cette couleur. Je trouve qu'il est très utile de commencer par appliquer de la peinture sur les bords, comme vous pouvez me voir le faire. Mais il n'y a pas vraiment de bien ou de mal par où commencer. Je commence ensuite à ajouter un peu de cette couleur au milieu de la fleur, dans ces nervures, et vous pouvez commencer à susciter un peu d'intérêt et de détails dans le pétale lui-même Ici, j'ai pris un peu de ce mélange plus rouge pour vraiment commencer à ajouter de belles couleurs vives Avec une fleur comme ce nème, une fleur vraiment aussi éclatante, vous pouvez vraiment faire preuve d'audace dès les premiers lavages Je dis toujours que si vous n'êtes pas sûr ou vous voulez gagner en confiance avec l'aquarelle, commencez toujours par un nettoyant contenant plus d'eau car vous pouvez toujours en ajouter d'autres Mais si vous le pouvez, soyez audacieux et allez-y , car en fin de compte, vous savez, nous cherchons à avoir une fleur vraiment éclatante ici, et il y aura beaucoup de peinture sur le papier pour obtenir éclat et la couleur que nous recherchons Sachez, bien sûr, que nous ne mettons pas la couleur directement au centre de la fleur. Nous voulons montrer comment le pétale se transforme doucement en ce centre plus pâle, et nous le ferons dans la prochaine étape de la vidéo Alors pour l'instant, concentrez-vous uniquement sur le rouge des pétales. Ici, vous pouvez voir, même lorsque j'ajoute ces lignes, que la peinture coule toujours magnifiquement sur le papier. Et vous pouvez voir qu' il est encore humide, mais qu'il commence à sécher un peu. Je ne sais pas si vous pouvez voir cette sorte de lueur, cette lueur sur le papier s' C'est une chose à surveiller, car si votre papier commence à sécher, vous n'aurez pas vraiment cet effet de saignement sur le papier, et vous commencerez à avoir des lignes assez dures, ce que nous ne voulons vraiment pas à ce stade de notre peinture. Ensuite, nous passons essentiellement à autre chose et répétons le même processus sur différents pétales. N'oubliez pas de vous assurer que le pétale que vous avez peint est complètement sec avant de passer à celui qui le touche Si vous peignez avec deux pétales mouillés l'un à côté de l'autre, vous constaterez que la peinture s' écoule sur les pétales et vous finirez par donner à votre peinture un aspect vraiment désordonné auquel il est assez difficile de remédier N'oubliez pas de continuer à utiliser vos différents mélanges. J'espère que vous pouvez voir dans le pétale que nous venons de faire la variation de couleur que les différents mélanges donnent au pétale Cela donne vraiment de l'intérêt et la dimension à la peinture. J'espère que vous pouvez également voir que je laisse toujours des reflets blancs lorsque je peins, ce qui n'est pas toujours visible sur la fleur que vous peignez. Les points forts sont très importants dans l'illustration botanique. Si vous avez regardé mes vidéos précédentes ou si vous avez assisté à l'un de mes ateliers, vous savez que je parle tout le temps des points forts. En effet, la lumière et l'ombre sont exactement la façon dont nous démontrons la forme et la forme d'une fleur. Généralement, dans l' illustration botanique à l'aquarelle, nous évitons d'utiliser de la peinture blanche, préférant utiliser le blanc du papier comme La lumière provient également généralement du supérieur gauche de notre peinture, car cela donne une sensation d'unité à l'ensemble de la pièce grâce à une source de lumière constante. Si vous peignez d'après nature, vous pouvez généralement configurer votre espace de peinture de manière à la lumière atterrisse sur le sujet devant vous dans une certaine direction. En réalité, en particulier lorsque vous peignez à partir de photographies comme ici, la source de lumière peut provenir de différentes directions Nous devons donc utiliser notre imagination pour représenter la source de lumière provenant d'une seule direction Pensez donc à la façon dont les pétales sont liés les uns aux autres et à la lumière. Où les pétales attireront la lumière et où seront-ils à l'ombre. Vous pouvez ensuite utiliser plus de couleur dans les zones d'ombre, exemple lorsqu'un pétale est caché sous un pétale adjacent et laisser le livre blanc apparaître dans les zones qui captent réellement Je vais accélérer un peu la vidéo maintenant, et je vais rater à chaque fois la première étape déposer de l'eau, car la vidéo prend beaucoup de temps, et je préfère me concentrer sur la technique de peinture pour vous. N'oubliez donc pas d' ajouter d'abord votre eau. N'oubliez pas non plus que vous pouvez toujours modifier la vitesse de la vidéo à tout moment si vous souhaitez voir les choses un peu plus lentement et de manière un peu plus détaillée. Vous pouvez modifier les paramètres de vitesse en bas de l'écran. Et vérifiez également que la vidéo est en haute qualité, deux fois dans les paramètres du bas. Je vais faire une grande différence votre expérience de visionnage. Oh. , après avoir fini ces couches de vernis sur votre peinture, j'espère que vous pouvez voir maintenant que le neem prend vraiment vie Nous allons continuer avec cette technique dans la partie suivante de la vidéo, mais cette fois, nous allons nous concentrer sur augmentation de la profondeur de couleur et sur l'ajout de nuances au centre même et sur l'ajout de nuances de la fleur. 4. Lavages finaux: La prochaine chose que nous allons faire est de commencer à augmenter la couleur rouge sur les pétales, mais aussi de commencer à remplir le centre où les pétales du rouge à une sorte de gris pâle plus doux. Pour ce faire, nous allons ajouter un peu de bleu endanthrine à notre palais et commencer à notre palais et commencer à mélanger ce que j'appelle un Vous m'avez peut-être déjà vu le faire , mais pour vous rappeler que pour créer un gris botanique, il suffit de mélanger trois couleurs primaires. J'aime toujours utiliser les couleurs que j'utilise déjà dans ma peinture pour conserver à nouveau ce sentiment d'unité. Je prends donc un peu d'endanthrine bleue, un peu de citron de Windsor et de rose permanente En mélangeant ces trois couleurs, vous obtenez ce joli gris. Ce que j'aime dans cette technique, c'est qu'on peut varier la couleur du gris que l'on obtient. Vous pouvez donc avoir un gris légèrement plus rose, un gris légèrement plus bleu, un gris légèrement plus jaune, un gris plus vert, un gris plus violet, selon la quantité Cela vous permet d' adapter votre gris beaucoup plus étroitement au sujet que vous peignez et d'ajouter plus d'intérêt à la peinture plutôt que d'utiliser une couleur telle que le gris de Payne tout droit sorti d'un tube Vous pouvez le constater lorsque je le montre sur mes échantillons, toutes les différentes couleurs que nous pouvons créer Juste une petite remarque, je ne mélangerais jamais plus de trois couleurs ensemble. Cela a tendance à donner une couleur terne et boueuse qui ne sera pas particulièrement agréable à regarder Une fois que vous aurez mélangé votre gris botanique, nous allons répéter notre technique humide sur humide, exactement comme vous l' avez fait lors exactement comme vous de la première couche de lavage, en ajoutant une belle couche d'eau propre sur l'ensemble du pétale, puis en ajoutant Nous allons utiliser les deux mêmes mélanges rouges que vous avez utilisés auparavant. C'est donc une excellente occasion augmenter la profondeur du rouge sur les pétales si vous avez commencé par un peu plus pâle que moi Essayez de ne pas oublier de continuer à laisser ces jolis reflets blancs. Comme auparavant, n'oubliez pas de laver le papier avec de l'eau avant de poser de la peinture sur le papier à chaque fois. Et optez pour des couleurs audacieuses lorsque vous le pouvez, par exemple lorsque vous pensez vraiment que le pétale est dans l'ombre N'ayez pas peur de mettre une très bonne quantité de pigment pour vraiment faire ressortir la peinture de la page et contraste entre les reflets blancs que vous avez laissés. La différence, cette fois-ci, c'est que nous allons également commencer à utiliser un peu de gris botanique pour ajouter cette ombre et terminer le pétale lorsqu' il disparaît au centre de la fleur Vous pouvez me voir faire cela ici, pensant à ce qui ne capte pas la lumière et à ce qui va se trouver dans l'ombre. Il fait très sombre dans ces zones, en particulier lorsqu'un pétale disparaît sous un autre pétale et sous les étamines au centre de l'anomon Vous pouvez voir que j'ajoute également certaines lignes dans ces pétales avec le gris. Alors essayez-le et voyez si vous pouvez faire de même. Encore une fois, nous allons répéter ce processus sur chacun des pétales. Je vais donc simplement accélérer la vidéo pour des raisons de temps. N'oubliez pas, cependant, que vous pouvez ralentir la vidéo en bas de l'écran si vous souhaitez regarder les vidéos à un rythme plus lent. Bravo Waouh. Nous en sommes arrivés là, et tous les pétales ont été lavés J'espère que vous pouvez vraiment le voir prendre vie maintenant, et que vous êtes content de ce que vous avez fait jusqu'à présent. Ensuite, nous allons ajouter quelques détails aux pétales en pratiquant notre technique de brosse sèche. H 5. Ajouter des détails partie 1: Ensuite, il y a une partie vraiment très amusante, car nous pouvons ajouter quelques détails à la peinture. Nous devons donc commencer par mélanger une couleur très similaire à celle que nous venons d'utiliser dans la peinture, la rose permanente et le mélange marron paroline Nous allons garder le mélange assez fort, donc utilisez une assez bonne quantité de pigment dans le mélange. Nous allons travailler avec deux pinceaux à la main pour ce processus. L'un des pinceaux est de taille zéro, c'est ce que nous allons utiliser pour ajouter des détails aux pétales, et l'autre est de taille deux. Et cette brosse sera propre avec juste un peu d'eau propre dessus. Nous allons l'utiliser pour adoucir et mélanger pendant que nous peignons. C'est ce qu'on appelle une technique humide sur sec, et je vais la démontrer maintenant. Ici, vous pouvez voir que je ramasse un peu de peinture, et je vais juste chatouiller la surface du papier avec mon pinceau J'espère que vous pouvez voir que pour tracer une ligne fine, le bout de mon pinceau ne se plie presque pas du tout J'essaie toujours de suivre la forme du pétale. Je pense donc à la façon dont les nervures transportent l'eau de l'intérieur de la fleur , de la tige à travers la fleur, jusqu'au bord du pétale Commencez donc par vous en faire une idée et ajoutez des lignes vraiment délicates sur le pétale. Au fil du temps, nous pouvons alors commencer à renforcer ces détails, puis à ajouter une sorte d'ondulation au pétale Tout cela ne fait qu'ajouter de l'intérêt à la profondeur et à la complexité de notre illustration. Vous pouvez me voir en faire la démonstration ici. J'ajoute un peu plus de pigment à ce pétale de cette gamme Ensuite, je prends mon pinceau taille 2 qui est propre et humide, et je ramollis le bord et je l'estompe Vous vous retrouvez donc avec un peu plus d'intérêt et de détails. Je vais vous le montrer une fois de plus ici en temps réel. Vous pouvez donc voir que j'ajoute une bonne quantité de peinture à ce petit coin et à cette ligne que j'ai déjà tracée avec mon petit pinceau. Il fait très sombre. C'est une bonne chose. Ensuite, je le mélange, en le ramollissant avec une brosse à dents de la taille Nous venons de mettre de l'eau potable dessus. Nous pouvons ensuite répéter ce processus de nombreuses sur la surface du pétale et cela lui donnera vraiment vie. Et en fait, grâce au volume et au nombre de ces petites lignes que nous pouvons ajouter, vous obtenez toujours la texture du pétale que nous recherchons Je porte une attention particulière à l'endroit où les pétales plongent et se courbent pour s' éloigner de la lumière, car c'est la direction des nervures qui va vraiment vous donner la forme du pétale, et c'est très important Vous verrez donc cela au fur et à mesure. Encore une fois, comme je l'ai déjà fait, je vais accélérer un peu la vidéo pour gagner du temps. Mais vous pourrez toujours me voir faire chaque pétale au cas où vous voudriez y faire référence en cas où vous voudriez y faire référence plus de la photo de référence Et n'oubliez pas que vous pouvez régler la vitesse en bas si vous souhaitez ralentir les choses. 6. Ajouter des détails partie deux: Oh. Alors c'est tout. Voilà tous les détails que nous avons ajoutés à nos pétales maintenant. Nous devons donc maintenant passer au centre. Et, oh mon Dieu, quand on l'aura dedans, la fleur entière va vraiment sortir de la page. Je suis très heureuse pour toi. 7. Le centre - Première partie: La partie suivante est donc très amusante car nous pouvons mélanger des notes botaniques noires. Nous avons créé des gris botaniques, et le noir botanique est essentiellement une couleur très, très foncée ou un gris botanique très, très foncé C'est toujours ainsi que j'utilise mes peintures pour mélanger un noir. Je n'utilise jamais de noir sorti du tube, tout comme je ne choisis pas d' utiliser du gris pâle parce que, encore une fois, il s'agit de donner à la peinture une sensation d'unité. Si nous pouvons utiliser les mêmes peintures que celles que nous avons déjà utilisées sur notre peinture pour créer notre noir, alors c'est génial. Et nous pouvons obtenir les subtilités de couleur que vous ne pouvez tout simplement pas obtenir avec le noir ou le gris directement dans le tube Nous avons donc ajouté le bleu endowthrnblue, pérylène marron et le citron de Windsor le pérylène marron et le citron de Windsor à notre palette. Nous allons simplement mélanger des mélanges très puissants de ces peintures et jouer avec la façon dont elles apparaissent sur votre papier , car c'est parfois difficile à voir sur la palette. Vous pouvez donc voir ici que ce que j' essaie de faire, c'est simplement de changer un peu la couleur du noir botanique. J'en ai qui sont assez bleus, puis j'en ai d'autres qui deviennent un peu plus roses, violets et rouges. C'est très subtil, mais c'est exactement ce que nous recherchons. Nous allons utiliser ces noirs botaniques pour peindre les étamines au centre de la fleur Permettez-moi de vous montrer, avec un petit dessin, la forme de ces étamines car il est assez difficile de les voir sur la photo Ils sont essentiellement constitués d' une structure qui ressemble beaucoup à celle-ci, l'anthère au sommet avec la petite tige, le filament Et si je vous montre cela, c'est parce que comprendre comment ils se forment nous aidera à les peindre. Ce que nous allons essentiellement faire, c'est peindre le contour de ces anthères individuelles, y compris la ligne centrale Ensuite, cela nous permet d'ajouter un peu de couleur plus tard sur le côté de l'anthère qui est dans l'ombre Ainsi, même s'il s'agit d'un tout petit détail, les peindre de cette façon nous permet de saisir la complexité et les détails, ainsi que la façon dont ils sont liés les uns aux autres. Ici, vous pouvez me voir ajouter une autre anthère derrière, et nous pouvons assombrir celle qui se trouve derrière pour montrer comment elles sont liées les unes aux Alors laissez-moi vous montrer comment nous le peignons réellement. Nous allons prendre notre pinceau taille zéro, notre plus petit pinceau, et encore une fois, comme je l'ai dit, nous allons simplement tracer le contour des anthères avec l'une de nos plaques botaniques Utilisez celui qui vous convient le mieux. C'est aussi simple que cela. Je dessine simplement le contour et la ligne médiane, et c'est tout ce que nous allons faire à ce stade. Nous allons répéter ce processus, presque comme si nous dessinions toutes les anthères du centre Il n'est pas nécessaire d'ajouter d' ombre à ce stade. Nous allons le faire un peu plus tard. Vous n'avez pas à vous soucier de reproduire la photo exactement ici Le plus important est que nous ayons une idée du volume des étamines et qu' elles soient peintes proprement et proprement Continuez à vous référer à votre photo, mais ne vous sentez pas obligé de placer les anthères exactement là où vous les voyez sur la photo Il suffit de les construire régulièrement d'une manière qui vous convient. Je vais maintenant accélérer un peu la vidéo pour que vous puissiez voir le processus au fur et à mesure qu'il progresse. Finalement, vous vous retrouverez avec les anthères qui ressemblent à ceci Ensuite, j'aimerais que nous ajoutions les filaments, qui sont les petites tiges qui relient l'anthère à la fleur Pour ce faire, nous allons mélanger une couleur rose assez forte. Nous ne voulons pas qu'il fasse trop sombre, ce que j'aime appeler un ton moyen. Il ne s'agit donc pas d'une sorte de savon au thé pâle, mais pas aussi foncé que celui que nous utilisons déjà , quelque part entre les deux. Ensuite, tout ce que nous allons faire, en restant très simples, c'est simplement tracer une ligne de cette couleur rose à partir de chacune des anthères que nous avons dessinées au centre de la fleur Soyez simplement très attentif à la direction dans laquelle se dirigent ces filaments. Ils balaient ce centre et en dessous. Faites donc très attention à cette direction et courbez-les simplement en dessous. Je peux comprendre que cela peut être un peu intimidant et un peu bouleversant de voir un centre comme celui-ci Mais si vous pouvez le décomposer au fur et à mesure que vous l' illustrez et que vous pouvez le représenter d' une manière à la fois précise et qui vous permet de le peindre et de raconter ce qui se passe dans la fleur, alors j'espère que cela la rendra un peu plus facile et plus amusante à peindre. Comme pour les anthères, il n'est pas nécessaire de tracer les lignes exactement là où vous les voyez sur la photo Assurez-vous simplement qu'il est logique que chaque anthère soit reliée à la fleur par un filament et que vous créez une jolie illustration au fur M Maintenant , une fois que vous avez inséré ces lignes, même si elles sont minuscules, minuscules, nous voulons montrer où la lumière les atteint et où se trouve l'ombre. C'est donc un autre test de notre motricité fine, car nous choisissons une couleur rouge plus foncée, presque comme le noir botanique , mais avec beaucoup plus de rouge, et nous allons ajouter un peu d' ombre sur le côté droit de chaque filament. Fais juste de ton mieux. Il n'est pas facile d'obtenir des détails aussi fins, alors ne vous inquiétez pas trop. Si c'est vraiment difficile, fais ce que tu peux. Je pense qu'il est particulièrement utile d'ajouter un peu d' ombre là où les filaments se chevauchent car cela indiquera lequel est devant et lequel est derrière. Lorsque vous aurez terminé ce processus, vous devriez vous retrouver avec ce qui est en train de devenir un centre très, très complexe avec de nombreuses démonstrations de lumière et d'obscurité, ce qui correspond exactement à ce à quoi ressemblerait la fleur dans la vraie vie Maintenant, nous allons ajouter un peu de couleur à ces canettes. Je prendrais un noir botanique, mais une version plus bleue, et je l'édulcorerais. On en revient donc essentiellement à un joli gris botanique subtil. Ensuite, j'aimerais que vous le fournissiez en utilisant une technique de brosse sèche sur les parties de l'étamine qui seront dans l'ombre Donc, généralement sur le côté droit, où l'un est derrière l'autre. Quand je parle d'une technique au pinceau sec, il s'agit essentiellement mettre la peinture directement sur du papier sec. Et puis vous devriez vous retrouver avec ces sortes d'étamines noires que nous recherchons et qui sortent vraiment de la page Mais aussi, en y regardant de plus près, nous pouvons voir leur forme, leur forme et la façon dont ils sont liés les uns aux autres. Bravo. Si vous en êtes arrivé là, cela représente un travail vraiment très détaillé impliquant des niveaux de concentration très élevés . Donc, si vous voulez faire une petite pause, c'est un bon point pour le faire. Allumez la bouilloire ou étirez-vous les jambes, comme bon vous semble. nous allons commencer à Ensuite, nous allons commencer à combler les espaces blancs situés derrière les étamines, les zones qui seront dans l'ombre Oh 8. Le centre - Partie 2: Donc, pour combler ces lacunes, nous allons utiliser le même gris botanique que celui que nous utilisions sur les pétales. Nous allons simplement, encore une fois, utiliser une technique de brosse sèche. C'est donc la peinture grise qui va directement sur le papier aquarelle sec, et nous allons juste essayer de combler ces lacunes Essayez de ne pas ramasser trop de peinture sur les anthères et les étamines et faites en sorte que tout soit vraiment net et Si vous le souhaitez, vous pouvez commencer à ajouter certaines des lignes les plus détaillées dans le gris botanique, juste pour montrer également les parties intérieures du pétale Réfléchissez-vous bien aux parties qui seront vraiment, vraiment , très, très gris foncé ? Et ce sont généralement les parties qui se trouvent vraiment dans l'ombre, donc sur le côté droit du centre de la fleur en dessous. Mais en rentrant sur le côté gauche, il fera également assez sombre, pratiquement aucune lumière n' atteindra Une fois que j'aurai intégré tout le gris , j'y retournerai et j'ajouterai encore plus de profondeur de ton, en assurant qu'il capture vraiment l'ensemble du spectre des tons reflets blancs sur le pétale et les anthères jusqu'aux zones noires vraiment très foncées où aucune lumière n' atteint La dernière partie de la peinture de la fleur consiste à peindre dans ce centre duveteux et velu. Vous vous êtes probablement demandé : « Comment diable puis-je peindre cela ? Parce que j'ai eu la même idée. Mais en gros, ce que nous allons faire, c'est le décomposer à nouveau et le peindre tel qu'il se forme. Et ce que je veux dire par là, c'est qu'il est fait de tous ces poils vraiment très fins. Nous allons donc littéralement peindre dans les cheveux et peindre dans un si grand nombre d' entre eux qu'ils commencent à paraître denses et formés, comme dans la vraie vie. Les principaux points à prendre en compte ici sont la couleur et l'ombrage. Alors, tout d'abord, pensez à la noirceur de votre peinture. Vous devriez probablement commencer par assez claire, puis ajouter une couleur plus foncée sur le dessus, en vous assurant de laisser jolis reflets là où la lumière va capter, en particulier en haut à gauche. J'utilise l'un des noirs botaniques que j'ai créés avec une teinte plus bleue similaire à celle des ans Vous pouvez donc me voir ici lentement, ajouter lentement ces poils fins et augmenter la profondeur du ton au fur et à mesure. Je pense toujours à la direction dans laquelle vont les cheveux. Vous devez vous assurer que les poils partent en quelque sorte de la base puis remontent vers le haut vers le centre supérieur. Peignez-les avec une jolie courbe pour donner à ce centre la forme en forme de dôme que nous recherchons Au fur et à mesure que je développerai, vous verrez comment nous pouvons obtenir couleur vraiment très foncée que nous voulons en ajoutant simplement plus de couches de couleur. C'est bien si vous pouvez également varier un peu les couleurs, varier le noir botanique dedans juste pour donner un peu plus d'intérêt à la peinture. Par exemple, vous pouvez ajouter une teinte légèrement plus claire à gauche et une teinte légèrement plus bleue à droite, là où elle apparaît dans l'ombre Mais vous pouvez jouer un peu et voir ce qui fonctionne pour vous. H Euh Alors voilà. Le centre est terminé. C'est à peu près aussi sombre que possible et aussi sombre que nécessaire. Ce que je fais ici maintenant, c'est que je vais juste faire le tour et faire les dernières petites retouches, en réparant les bords Et s'il y a des zones où je pense qu'elles pourraient être un peu plus sombres et augmenter légèrement le contraste , alors je le fais maintenant. Veuillez donc faire quelques dernières retouches vous le jugez nécessaire. Mais alors c'est la fleur peinte. Ensuite, nous allons passer à nos feuilles puis à notre tige. 9. Les feuilles: En ce qui concerne les feuilles, nous devons créer de jolis verts en utilisant les couleurs que nous avons déjà utilisées dans la peinture. Citron Windsor et bleu marine endanrine. Si vous trouvez que le mélange semble un peu trop artificiel, nous pouvons ajouter un tout petit peu de rose permanente. Cela peut simplement le renverser très joliment et créer un vert beaucoup plus naturel. Voyez si vous pensez que c'est quelque chose dont vous avez besoin. Ici, j'ai mélangé deux mélangeurs, l'un qui est un peu plus jaune et l'autre qui contient un peu plus de bleu endanthrine J'ai quelques variations de couleur que je peux utiliser sur les feuilles. Maintenant, je m'attaque à ces feuilles en utilisant une technique humide sur mouillé. Vous pouvez donc le voir encore une fois, comme nous l'avons fait auparavant, j'ai déposé de l'eau, puis j'ajoute de la peinture. Je travaille sur ces feuilles section par section. Donc, plutôt que de mettre de la couleur sur toute la feuille, je vais peindre petit à petit afin de créer cette texture moelleuse assez classique de la feuille de neem Je vais utiliser une teinte de peinture légèrement plus jaune sur le devant des feuilles Et pour les feuilles qui sont plus en retrait et plus ombragées, je vais utiliser un mélange vert d'une teinte plus bleue Vous allez donc me voir faire cela et changer mon mélange de peinture au cours de la peinture. Avec ces feuilles et ces différentes sections, gardez toujours à l'esprit les ombres. Pensez à l'endroit où la lumière arrive et à l'endroit où nous serons dans l'ombre, même si les nervures centrales s'étendent au milieu et où la surface des pétales est légèrement ondulée Essayez de capturer ces variations subtiles, si possible, et de conserver ces jolis reflets qui, nous le savons, font briller le tableau comme vous l'avez fait avec les pétales. Continuez simplement à travailler section par section et à augmenter la couleur au fur et à mesure. Nous ajouterons un peu plus de détails aux feuilles une fois que nous aurons peint toute la surface. Vous constaterez peut-être que vous n'avez besoin que d' une seule couche de nettoyant pour ces feuilles, mais voyez comment vous vous y prendre. Vous pouvez toujours répéter le processus comme nous l'avons fait avec les pétales si vous pensez avoir besoin de plus de couleur. Encore une fois, comme avant, je vais accélérer un peu la vidéo, afin que vous puissiez me voir travailler sur toutes les feuilles dans un délai raisonnable. Mais ralentissez à nouveau comme d'habitude, si vous le souhaitez. UU Alors voilà, je mélange maintenant un mélange vert légèrement plus bleu, encore plus que le précédent, afin de montrer que ces feuilles que je peins sont bien en retard sur les feuilles que nous venons de peindre bien en retard sur les feuilles que nous venons Vous savez, c'est comme lorsque vous regardez les montagnes au loin, en général, elles sont bleues, et le bleu est souvent associé à des choses plus éloignées. C'est donc une très belle façon de distinguer les feuilles qui sont plus en avant de celles qui sont plus en arrière 10. La tige et la finition: Nous y voilà donc. La dernière pièce du puzzle est notre tige. Maintenant, la tige du nem présente de nombreuses variations de couleur Nous voulons donc mélanger un beau green, bien sûr, ce que vous pouvez me voir faire ici, exactement comme nous l'avons fait auparavant. Donc, un peu de jaune, un peu de bleu, et un peu de rose permanente aussi, juste pour la faire revenir , comme pour les feuilles. Vous pouvez voir ici encore à quel point cela fait une différence de couleur. Tu as un beau vert qui te plaît. J'aimerais aussi qu'on mélange une couleur plus neutre. Pour ce faire, je prends du vert, puis en ajoutant un peu plus de rose permanente. Vous vous retrouvez donc presque avec une sorte de couleur verte et neutre en brownie, que nous pouvons utiliser pour ajouter un peu plus d'intérêt à notre tige, tout en essayant de correspondre à ce que nous voyons réellement sur la tige elle-même Lorsque nous l'ajoutons à l' eau à côté du vert, vous verrez à quel point cela crée un bel effet. Vous pouvez voir ici, lorsque je fais ces échantillons, les différentes variations de couleur qui peuvent être obtenues en additionnant simplement ces trois couleurs Lorsque je peins des tiges, le plus important est la lumière et l'ombre afin de montrer la forme de la tige et le fait qu'elle est cylindrique. Pour obtenir un joli mélange de couleurs sur la tige, je recommande d' utiliser ici encore une fois une technique humide sur humide. Donc, exactement comme nous l'avons fait tout au long du processus, déposez cette couche d'eau , puis commencez à ajouter un peu de couleur. Faites très attention lorsque vous appliquez votre eau ici. Comme partout où vous déposez de l'eau, la peinture suivra, et nous voulons vraiment nous assurer que bord de la tige soit vraiment net et droit, sans aucun vacillement Je commence ici par ma couleur verte, et je la fais passer le long du bord droit de la tige, car c'est le côté de la tige qui est dans l'ombre J'ai maintenant choisi un peu de couleur neutre, et je vais continuer à la changer vers haut au fur et à mesure que je descends sur la tige. Ajoutez un peu de vert, puis un peu de neutre et créez en quelque sorte cette variété et cette couleur que nous voyons dans la tige. Pendant que le papier est encore humide, vous pouvez augmenter le ton et la profondeur de couleur en le repassant. Nous voudrons aussi un peu de couleur sur le bord gauche. Passez donc doucement votre pinceau vers le bas avec une couleur assez pâle, juste pour que la tige soit complète. Mais faites très attention et essayez garder ce surlignage plus à gauche si possible, car c'est de là que vient notre source de lumière. Vous pouvez continuer à ajouter de la peinture, comme je l'ai dit, pendant que le papier est humide. Mais comme nous en avons déjà parlé, si le papier commence à sécher, arrêtez simplement, car vous vous retrouverez avec une ligne plus dure Vous pouvez voir ici que mon papier commence à sécher. Je vais donc profiter de l'occasion pour faire une pause et descendre et nous pourrons commencer à remplir les autres zones de la tige, comme celles-ci entre les feuilles. Le plus important ici est de vous assurer qu'il y a un peu d'ombre à l'endroit où la feuille recouvre la tige, juste pour montrer ce qui se passe et le faire comprendre au spectateur du tableau Ensuite, nous pouvons terminer jusqu'au bout exactement comme vous l'avez déjà fait avec des quantités différentes de vert et de neutre. Maintenant, il se peut que vous vouliez laver une autre couche sur votre tige si celle-ci est assez pâle, et c'est tout à fait normal. Il suffit de répéter le processus avec une couche d'eau puis une couche de peinture. En fait, je choisis de ne pas appliquer une autre couche sur ma peinture, car j'aime le fait que la tige soit assez pâle sur ma propre illustration. Mais si vous pensez avoir besoin d' un peu plus de couleur que par tous les moyens. Et voilà. Notre peinture au neem est terminée J'espère vraiment que cela vous a plu et que vous avez une illustration vraiment amusante et magnifique qui vous plaira vraiment. J'espère que vous avez beaucoup appris, et peut-être que c'est une autre pièce que vous pouvez exposer chez vous ou offrir à quelqu'un que vous aimez. Si vous avez apprécié le cours et que vous vous sentez à l'aise, veuillez partager votre projet dans la section des projets ci-dessous, car je sais que d'autres personnes aimeraient s' inspirer de ce que vous avez créé. Viens aussi passer du temps avec moi sur Instagram. Je suis chez Helen Cousins Botanics et je vous montre de nombreux courts clips de moi en train de peindre, ainsi que des trucs et astuces qui espérons-le, vous inspireront au long de votre parcours de peinture J'ai également d'autres tutoriels sur le partage des compétences qui pourraient vous plaire, comme cette rose, cet arbre à pensées Ensuite, nous revenons directement aux fondamentaux de l' art botanique dans mon cours où nous peignons une jolie tulipe violette Merci beaucoup d'être là, et je vous reverrai bientôt.