Filmer avec un reflex numérique : passez de débutant à PRO !

1. Introduction du cours: Bienvenue au cours de réalisation de DSLR et je suis très excité que vous soyez ici. m'appelle Jordy, je suis un cinéaste belge et nous réalisons surtout des publicités, des films promotionnels et des films événementiels. Tout notre travail est tourné sur des reflex numériques car nous aimons travailler avec ces caméras tellement. Ils sont compacts, produisent une excellente image et sont super polyvalents. Maintenant, certains d'entre vous pourraient me connaître de YouTube. Nous gérons également une chaîne du nom de Cinecom, où nous partageons tous les tutoriels de premier plan, conseils de caméra, techniques d'éclairage, et plus encore. Si vous n'avez pas encore vu notre chaîne, consultez certainement ou visitez cinecom.net. Maintenant, je suis allé à l'école de cinéma, j'ai appris le cinéma d'une manière très académique, mais j'ai créé mon propre style très rapidement après. J' ai réalisé des tonnes de films promotionnels au fil des ans et j'ai créé plus de 30 cours en ligne pour les cinéastes, et je suis très heureux de sortir mon premier cours de vidéographie DSLR. J' ai réfléchi depuis longtemps à ce cours, et beaucoup d'heures, de jours et nuits ont été consacrés à la préparation de ce cours. Maintenant, je suis très positif sur l'information et la structure du cours. Je vais vous emmener dans un incroyable voyage de vidéographie DSLR professionnelle. Pendant que vous suivez ce cours, cela pourrait être une bonne idée d'avoir aussi votre appareil photo entre vos mains. Ce cours est également conçu de cette façon. Par exemple, alors que j'explique comment fonctionne le cadrage, vous pouvez vous entraîner en pointant simplement votre appareil photo vers quelque chose sur votre bureau également. La meilleure façon d'apprendre de nouvelles choses est de la pratiquer et c' est pourquoi je trouve aussi quelques tâches au cours de ce cours. Je pourrais vous demander de filmer quelque chose et d'essayer certaines des techniques expliquées. Dans le premier chapitre, nous allons couvrir les paramètres de base d'un appareil photo reflex numérique. Si vous savez déjà comment fonctionne l'ISO et la vitesse d'obturation, alors vous pouvez ignorer cela, mais il est très important de comprendre ces bases bien avant de plonger dans les techniques de narration visuelle. En plus, vous pourriez rencontrer de nouvelles choses pour que ça ne puisse jamais faire de mal à répéter. Dans le chapitre 2, nous allons passer en revue ces techniques et voir comment le cadrage fonctionne et comment relier différents plans ensemble pour ajouter deux autres dynamiques à vos films. À partir du chapitre 3, certaines techniques plus avancées seront traitées comme la psychologie profonde derrière le mouvement de la caméra. Je vais vous aider à décider si vous devez filmer sur un trépied, ou simplement à la main, et comment créer de beaux plans à main aussi bien. Enfin, nous allons allumer les lumières et voir comment nous pouvons ajouter plus de profondeur et d'émotion à vos photos. Maintenant, vous ne rencontrez pas de lumières coûteuses pour ça. La lumière est partout, que ce soit le soleil ou un éclairage pratique dans votre salon. En sachant comment cela fonctionne, vous savez où placer la caméra en position par rapport aux lumières disponibles. Maintenant, si vous rencontrez des questions pendant ou après ce cours, veuillez utiliser les forums de discussion et je vais essayer de vous aider plus rapidement. Si vous regardez ce cours à partir de 5daydeal ou toute autre promotion, alors vous pouvez toujours nous contacter via les réseaux sociaux, que ce soit dans la description ou dans un fichier texte fourni avec ce cours, vous trouverez tous les liens dedans. Mais assez avec cette introduction maintenant. Plongons dans le parcours. 2. L'ouverture: Hé les gars. Bienvenue dans le premier chapitre. Nous avons ici six leçons pour vous qui couvriront les fonctionnalités de base de votre appareil photo reflex numérique. Les choses peuvent devenir un peu techniques ici, mais il est important que vous compreniez tout ici avant de pouvoir parler de Cinématographie. La première étape que vous devez faire est de mettre votre appareil photo en mode manuel. Vous voulez avoir le contrôle de votre caméra afin que vous puissiez prendre non seulement des décisions techniques, mais aussi des décisions artistiques. L' un des paramètres les plus importants est l'exposition, ou en d'autres termes, la quantité de lumière capturée. Si vous laissez entrer trop de lumière, vos photos sembleront surexposées et si vous laissez entrer trop peu de lumière, elles sont sous-exposées. Votre appareil photo reflex numérique dispose de trois réglages qui contrôlent l'exposition, c'est-à-dire l'ouverture, l'ISO et les vitesses d'obturation. Tous les trois peuvent laisser entrer plus ou moins de lumières, mais comme ils le font, ils génèrent aussi quelque chose de plus. C' est pourquoi il est très important de trouver le juste équilibre entre ces trois. Pour chaque tournage, ces trois commandes seront différentes en fonction du film que vous voulez voir. Pour cette leçon, commençons par l'ouverture. L' ouverture est une porte mécanique à l'intérieur de la lentille. La plupart du temps, il est contrôlé électroniquement par un cadran sur le corps de votre appareil photo. Si vous utilisez des lentilles manuelles comme moi, vous devez tourner un anneau sur votre objectif trop près ou ouvrir l'ouverture. Évidemment, plus l'ouverture de l'ouverture est grande, plus la lumière entrera dans la caméra et plus vous fermez l'ouverture, moins de lumière passera. Maintenant, l'ouverture contrôle également la profondeur des champs et pour mieux visualiser cela, nous avons pris une photo d'une règle. Vous pouvez remarquer que le tir à gauche a une très petite zone de mise au point. C' est le domaine qui est pointu ou considéré comme ciblé. L' image de droite a une zone de mise au point beaucoup plus grande. Vous pouvez lire plus de chiffres, plus de choses sont nettes. Cette image est prise avec une ouverture fermée. Moins de lumière entrera dans la caméra et votre champ de mise au point, ou une profondeur de champ est plus grande. L' image de gauche a une ouverture blanche ouverte. Plus de lumière pénètre dans la caméra et la profondeur de champ est plus petite. Qu' est-ce que cela signifie sur les plans réels dans les champs ? Eh bien, voici Kim. Elle sera le modèle pour la plupart des pratiques durant ce cours. Elle travaille à son bureau et on prend plusieurs photos d'elle, pour capturer la scène. Ici, dans ce premier exemple, nous avons notre ouverture fermée. Maintenant, faites attention à l'arrière-plan, vous remarquerez que presque tout est pointu ou mis au point. Ensuite, quand on utilise le deuxième exemple, je filme avec mon ouverture grande ouverte. L' arrière-plan est maintenant hors de portée. Habituellement, cela aura l'air beaucoup mieux que ce petit sentiment plus cinématographique à elle. C' est simplement parce que nous isolons Kim en la mettant au point et en mettant l'accent sur l'arrière-plan. Nous parlons d'avoir plus de profondeur de champ dans le tir et son durable et quelque chose de très important, créant plus de profondeur. On va plonger là-dedans beaucoup plus profondément. Mais c'est l'essentiel de ce cours. C' est ce qu'est la cinématographie. Que cela ne signifie pas que vous devez toujours les remplir avec votre ouverture large ouverte. Dans certains cas, nous fermerons l'ouverture et créerons la profondeur d'une manière différente. C' est la partie intéressante de la cinématographie. Vous êtes l'artiste derrière la caméra. Vous pouvez combiner différentes façons de créer de la profondeur dans vos plans. Mais il est très important que ce soient des décisions et non définies par le mode automatique de votre appareil photo. Une conclusion rapide. Plus votre ouverture est proche, moins la lumière sera capturée et plus votre zone de mise au point est grande, plus l'ouverture est large, plus la lumière entrera et la zone de mise au point ou la profondeur de champ est petite. C' est un premier moyen facile de créer plus de profondeur dans vos plans, les rendant plus cinématographiques. 3. L'ISO: Le deuxième contrôle d'exposition d'un appareil photo reflex numérique est l'ISO. Il semble complètement numérique et est également appelé la sensibilité du capteur, ou en d'autres termes, la sensibilité du capteur à la lumière. Plus sensible, plus la lumière est captée. Selon le type de caméra que vous possédez, vous verrez différentes valeurs ISO. Certains reflex numériques auront 100 comme valeur la plus basse, d'autres commencent à 200. Plus la valeur est faible, moins la caméra est sensible. Augmenter cette valeur exposera vos photos beaucoup plus. L' effet secondaire de l'ISO est malheureusement, le bruit, le bruit numérique, qui est presque toujours indésirable. Certains reflex numériques auront de meilleurs capteurs que d'autres, ce qui signifie qu'ils peuvent être réglés à une valeur ISO plus élevée sans beaucoup de bruit numérique. Il est donc très difficile de dire quelle est la valeur ISO utilisable maximale. C' est différent pour n'importe quel appareil photo reflex numérique. C' est quelque chose dont vous avez besoin pour comprendre vous-même quelle est l'ISO maximale que vous pouvez aller. La meilleure façon de tester cela est de filmer une personne dans un environnement sombre. Augmentez lentement votre ISO et vérifiez jusqu'à quel point vous pouvez aller. Si votre ISO utilisable maximale est de 1 600, il est important de ne jamais y faire confiance. Si l'environnement est très sombre, il suffit de le garder comme ça. C' est comme ça que l'environnement est, et vous voulez le garder dans l'obscurité. Le seul bon conseil que je peux vous donner ici est de photographier en silhouettes. Cela signifie rechercher toutes les lumières que vous pouvez trouver n'importe quelle scène sombre et de la mettre en arrière-plan d'un sujet. Mais nous le couvrirons beaucoup plus tard dans ce cours. Autrement dit, l'ISO augmente numériquement l'exposition, mais ajoute aussi du bruit indésirable. Trouvez donc votre ISO utilisable maximale et essayez de ne pas le traverser. 4. La vitesse d'obturation: Le troisième et dernier réglage de votre appareil photo reflex numérique qui modifie l'exposition est la vitesse d'obturation. Autrefois, c'était un disque mécanique qui tournait devant le film. époque, on l'appelait l'angle de l'obturateur. Aujourd'hui, nous avons des appareils photo numériques et maintenant nous parlons la vitesse d'obturation car c'est quelque chose de complètement numérique. Cela se produit à l'intérieur de votre reflex numérique et définit combien de temps le centre est exposé à la lumière. Maintenant, lorsque vous prenez une photo, qui sont des reflex numériques, vous entendez également un son de clic. Ce qui se passe réellement à l'intérieur du corps est un miroir qui fait en sorte que vous pouvez regarder travers le viseur monte pendant un bref moment pour que le capteur puisse être exposé à la lumière. Si vous réglez vos vitesses d'obturation sur une valeur lente, ce miroir doit rester debout plus longtemps et si vous choisissez une vitesse d'obturation plus rapide, le miroir va monter et descendre très rapidement. Tous les reflex numériques n'ont pas un tel miroir mécanique. Eh bien, en fait ils le font parce que l'appareil photo impatient n'a qu'un obturateur numérique, c'est ce qu'on appelle un reflex sans miroir. Si on utilise ce genre de caméras pour la vidéo , je me fiche de la façon dont il les appelle. Quand je vois quelque chose en forme d'appareil photo, je l'appellerais toujours DSLR. Pendant que vous filmez, le capteur s'ouvrira numériquement pendant un certain temps, se refermera, s'ouvrira, etc. C' est ce taux de vitesse qui définit les vitesses d'obturation. Lorsque votre censuré est exposé plus longtemps aux lumières, plus de lumière sera capturée, mais nous verrons également plus de flou de mouvement. Si vous agitez vos mains pendant que la vitesse d'obturation s' ouvre et qu'elle reste ouverte toute la vague de vos mains, alors elle capturera tout ce mouvement ainsi. Vous verrez une bande très floue. Maintenant, si vous voulez rendre votre vitesse d'obturation très rapidement, il ne capture qu'un court moment de votre vague et, bien sûr, réduire cela et le flou de mouvement. Mais parce que vous n'avez laissé entrer la lumière que pendant très peu de temps, vous allez également exposer vos photos moins. La grande différence entre prendre une photo ou une vidéo est que la vidéo fonctionne avec plusieurs images par seconde. En Europe ou en Asie, c'est 25 images par seconde et aux États-Unis, c'est 30 images par seconde. De nombreux appareils photo reflex numériques vous permettent également de choisir 50 ou 60 images. Mais la raison pour laquelle je dis cela est parce que la vitesse d'obturation va un peu ensemble, qui sont des taux d'images. Lorsque vous regardez vos mains en les agitant, vous verrez également un certain flou de mouvement. Puisque vous regardez cela à travers votre propre œil, est considéré comme un flou de mouvement naturel. Pour obtenir un flou de mouvement naturel dans la vidéo, il existe cette règle générale pour définir votre vitesse d'obturation à la double valeur de votre fréquence d'images. Si vous enregistrez à 25 images par seconde, vous voulez régler votre vitesse d'obturation à un cinquantième de secondes et si vous enregistrez à 60 images, vous voulez placer cela à un vingtième de seconde. C' est une règle générale pour obtenir un flou de mouvement naturel, mais n'ayez pas peur ici de dévier de cela. Si vous tournez à 30 images par seconde et que vous avez une vitesse d'obturation d'un quarantième de secondes, le flou de mouvement non naturel ne sera pas aussi visible. Parfois, cela aide à apporter plus de lumières. Regardez aussi vos sujets, si c'est une voiture de conduite, vous pourriez vouloir coller à cette vitesse d'obturation, mais si c'est juste une personne assise immobile, cette vitesse d'obturation plus lente est à peine perceptible. Dans des films comme Saving Private Ryan, ils ont même augmenté la vitesse d'obturation pour obtenir des explosions plus nettes que les mouvements des acteurs pour rendre les scènes de guerre encore plus difficiles et plus étrangement les faire paraître réaliste. Même si la vitesse d'obturation a une règle sur la valeur qu'elle doit être définie. C' est aussi quelque chose à expérimenter pour créer un look unique. Augmenter la vitesse de l'obturateur, diminue le flou de mouvement et les lumières capturées. Rendre les vitesses d'obturation plus lentes ajoute plus de flou de mouvement et ajoute plus de lumières à vos prises de vue. La règle générale pour obtenir un flou de mouvement naturel est de le vendre au double de votre fréquence d'images. Bien que ce soient les trois réglages pour changer votre exposition, l'ouverture, l'ISO et la vitesse d'obturation. La prochaine étape est un petit quiz pour tester vos connaissances de ce que vous avez vu jusqu'à présent. Bonne chance avec ça, et je te verrai dans la prochaine leçon. 5. Quiz 1 - Exposition de la caméra: 6. L'histogramme: Bienvenue les gars. Maintenant que nous comprenons comment les trois contrôles fonctionnent pour l'exposition, nous pouvons jeter un oeil à l'histogramme. C' est une option que tout reflex numérique moderne devrait avoir, et il est affiché sous forme de graphique sur votre moniteur. C' est un outil très important. Tu devrais toujours le laisser allumer. L' histogramme est un outil de mesure de l'exposition capturée. C' est votre compteur de lumières de caméra, et il vous dira si oui ou non votre photo est terminée ou sous-exposée. Vous ne pouvez jamais faire confiance à l'écran de votre appareil photo. Même les moniteurs professionnels étalonnés haut sont encore utilisés avec des outils de mesure pour l'exposition. Bon, on l'a maintenant. C' est important, mais comment ça marche ? Eh bien, disons que les zones sombres complètes et un tir sont de zéro pour cent, et les zones blanches complètes à 100 pour cent. En regardant l'histogramme sur le côté gauche, on trouve zéro pour cent et 100 pour cent sur le côté droit. Le graphique représente vos plans et vous voulez vous assurer qu'il se situe entre zéro et 100 pour cent. Lorsque nous fermons l'ouverture, vous verrez que les informations vont à gauche. Le tir est maintenant sous-exposé et lorsque l'ouverture de l'ouverture est trop grande, le plan est surexposé. Nous pouvons voir toutes les informations maintenant sur la droite. Idéalement, vous voulez utiliser l'espace de l'histogramme et obtenir autant d'informations que possible entre les deux. regardant uniquement l'histogramme, je sais que mon tir est maintenant bien exposé. Cependant, dans la pratique, ce n'est pas toujours aussi pratique. Cet exemple ici, nous avons Kim debout devant une fenêtre. On voit clairement un pic sur le côté droit de l'histogramme. C' est la lumière de l'extérieur. C' est très lumineux et surexposé. Fermons l'ouverture et lâchons cette pointe du côté droit. En regardant l'histogramme maintenant, le plan est bien exposé, mais en réalité, on voit que Kim est maintenant sous-exposée. On peut toujours la voir bien qu'elle ne soit pas complètement occultée, mais elle n'a pas l'air attirante parce qu'elle est sous-exposée. D' une manière générale, vous voulez que vos sujets fassent face à environ 60-70 pour cent. Lors de l'analyse des plans, nous pouvons diviser les niveaux d'exposition en trois parties. Nous avons les ombres ou les zones sombres comme les vêtements de Kim, le visage de Kim et ses cheveux sont un peu plus lumineux et nous avons le fond qui est très lumineux. Ces zones reviennent également dans l'histogramme. Il y a en quelque sorte des pointes d'arbres. Plus la surface de chaque zone est grande, plus elle va choisir en haut de l'histogramme. Mais nous allons y entrer un peu plus profondément dans un instant. Nous savons que le visage de Kim est en quelque sorte la partie médiane, qui est la partie qui va mettre à environ 70 pour cent. Si vous remarquez que vous surestimez certaines zones trop rapidement, vous pouvez régler son visage à 60 pour cent pour préserver un peu de détails sur les faits saillants. Ce n'est pas vraiment une règle générale ici sur l'utilisation de l'histogramme parce que chaque scénario est différent. Il est important de se rappeler que vous voulez avoir un bon équilibre entre avoir votre sujet exposé correctement et ne pas aller trop ou sous-exposé. Bien que nous puissions parfois aller un peu surexposés, si vous pouvez s'il vous plaît, essayez d'éviter cela. surexposition est considérée comme très vidéo et pas du tout filmique. Si vous pouvez capturer un beau ciel bleu, vous avez vous-même un plan cinématographique. Jetons un coup d'oeil à l'autre côté de l'histogramme, les ombres. Le tir ici est extrêmement sombre. Il n'y a qu'une seule bougie qui illumine la scène. Puisque la scène est sombre, vous voulez la garder comme ça. En regardant l'histogramme, vous remarquerez que c'est presque toutes les informations. C' est parce qu'une très grande zone dans ce plan est sombre et que seule une petite tache donne de la lumière. Cet exemple extrême que vous voulez sous-exposer, bien qu'à l'époque nous ne puissions pas aller de l'avant sous affichage. Souvent, il semble que quelque chose n'est pas surpassé ou sous-exposé, mais l'histogramme nous dira différent. Utilisez l'outil pour vérifier où se trouve la plupart des informations et essayer d' exposer au sujet entre 60 et 70 % pour un plan naturel. Essayez cela vous-même, tirez quelque chose dans l'obscurité et allez sur place aussi. Utilisez votre histogramme et vérifiez si vos photos ont été correctement exposées sur votre ordinateur. 7. Focus: Nous avons la partie exposition hors du chemin maintenant, ce qui est le plus gros morceau. Vous remarquerez que tout aura besoin d'une certaine pratique. n'y a pas de cours que vous pouvez regarder à produire instantanément une meilleure vidéo. Vous voulez sortir et tirer des trucs, expérimenter avec les paramètres, regarder vos photos sur un ordinateur et voir où vous pouvez améliorer. Apprenez de vos propres erreurs. Concentrons-nous sur cette leçon maintenant. Une des choses que je ne comprends pas, c'est pourquoi les gens posent toujours des questions sur la mise au point automatique d'une caméra. Bien sûr, il y a des applications où la mise au point automatique est très nécessaire, mais quand vous parlez de cinématographie, vous voulez avoir le contrôle total de vos prises de vue. mise au point automatique signifie ne pas être en contrôle. À partir de maintenant, vous allez mettre votre objectif dans votre mise au point manuelle. Au début, il va être très difficile de mettre vos photos au point. Vous allez être frustré si vous avez toujours tiré avec la mise au point automatique, mais cela va payer. Après beaucoup de pratique, vous allez vous libérer et de vraiment créer des photos époustouflantes en ayant ce contrôle. Si rapidement, quelques pratiques sont concentrées en tirant. Vous pouvez décider de la vitesse et de la montée en tournant cet objectif, révélant des objets de la mise au point automatique à la mise au point, ou tout simplement en réalisant des clichés créatifs et en filmant complètement la mise au point automatique. Ensuite, nous allons plonger dans ces pratiques beaucoup plus profondément quand nous allons parler de cinématographie, mais vous pourriez penser, alors comment puis-je mettre mes photos au point ? Eh bien, il y a trois options qui peuvent vous aider avec ça. Parfois, il s'agit même d'une combinaison de ces trois options pour vous concentrer sur, mais cela dépend du projet et de vos besoins. abord, le zoom numérique, et je suis sûr que n'importe quel appareil photo de type reflex numérique a cette option. Sur un GH 5, j'ai pu définir cela comme une touche de fonction. Ce qu'il va faire est d'agrandir numériquement une partie d'un plan. Cela vous permet de mieux voir les détails sur un petit écran, ce qui vous aide à vous concentrer. C' est probablement l'option la plus importante. Je l'utilise très souvent et certains appareils photo comme le Canon 5D ont même un bouton dédié pour cela. Si vous avez un appareil photo reflex numérique plus récent, les chances sont qu'il est également livré avec une option appelée pic. Il suffit de parcourir les menus et de voir si le vôtre a ça. Ce que nous allons faire, c'est regarder le contraste et définir s'il est pointu ou non. Vous pouvez le voir comme ce que fera la mise au point automatique. Mais avec le pic, il ne se concentrera pas pour vous, mais juste vous dire si c'est pointu ou non. Il vous le dira en mettant en évidence les domaines d'intervention. De cette façon, vous pouvez voir instantanément si c'est pointu ou non. Disclaimer cependant, se concentrer n'est pas toujours quelque chose sur lequel compter, certainement dans des plans très larges, mais c'est quelque chose que vous pouvez découvrir en l'essayant. Je n'utilise pas la mise au point maximale autant, parce que j'utilise l'option numéro 3, et c'est un moniteur externe. Vous n'avez pas besoin de l'avoir, mais c'est un bel article de luxe qui facilite le tournage d'une étiquette. Presque n'importe quel appareil photo reflex numérique est livré avec un port HDMI sur lequel vous pouvez connecter un moniteur LCD de cinq ou sept pouces. Maintenant, il existe de nombreuses marques et modèles différents de 50$ à 3 000$. Cependant, il est important de ne pas être des moutons à ce sujet. Si vous voulez rechercher un moniteur, recherchez quelque chose qui a au moins une résolution de 1 280 par 720 pixels. J' utilise un de petite HD, qui est une des marques très populaires et j'ai spécifiquement choisi un moniteur Full HD, ce qui signifie qu'il a 1920 par 1080 pixels. La raison pour laquelle vous avez besoin de cette résolution est que vous pouvez voir beaucoup de détails sur un moniteur. Plus vous avez de détails, plus il est facile de se concentrer. Mais encore une fois, je tiens à souligner que vous n'avez pas besoin de cela. La caméra précédente était un GH 4 et a cassé le port HDMI dans le premier mois, je l'ai obtenu. Pourtant, j'ai utilisé cette caméra pendant près de trois ans sur beaucoup de projets allant des films afro aux films d'entreprise et même des publicités télévisées. J' ai un lien dans la description de cette leçon, qui vous amènera à l'une de nos vidéos sur YouTube qui expliquent quelques conseils plus avancés pour vous concentrer correctement. Vous n'avez pas besoin de le voir pour continuer avec ce cours. Au début, il est important de disposer d'un zoom numérique, pic de mise au point et d'un moniteur externe en option pour obtenir la bonne mise au point. Ensuite, sortez dans le salon ou dans la cour et filmez votre famille. Laissez-les faire tout ce qu'ils font et vous devez vous concentrer sur votre concentration et simplement vous entraîner. 8. La balance des blancs: Vous savez comment régler correctement votre exposition maintenant. La mise au point droite et maintenant nous allons couvrir le réglage moins métallique de votre reflex numérique. Voici les ceintures blanches. Une caméra capture la lumière, tout comme nos yeux. Si on éteint la lumière, on ne voit rien. Maintenant, les lumières viennent dans de nombreuses couleurs et saveurs. Ici, nous avons une roue de couleur, est une forme qui représente toutes les couleurs disponibles et de l' afficher de sorte que toutes les couleurs coulent bien les unes sur les autres. Maintenant, chaque couleur a une couleur opposée ou négative. Par exemple, nous avons ici l'orange d'un côté et le bleu de l'autre côté. Maintenant, cette partie de la roue de couleur est appelée la température de couleur. C' est un cadre très important au sein de notre appareil photo reflex numérique. Si nous mettons cette roue de couleur en pratique, nous pourrions dire que l'éclairage de couleur orange peut être trouvé à la lumière des bougies, la lumière tungstène, les ampoules, le coucher du soleil, et cetera. Nous appelons ces éclairages chauds. l'autre côté du spectre, nous pouvons trouver des couleurs bleues comme un jour nuageux, clair de lune, ou après un coucher de soleil. Ce sont des lumières froides. Au milieu se trouve blanc, qui est considéré comme une lumière du jour supérieure, une belle lumière du soleil élevée. Sur votre appareil photo, vous trouverez des préréglages pour ces ragoûts d'éclairage. Mais qu'est-ce qu'ils font réellement ? Eh bien, le nom de la lumière dit l'équilibre des blancs. Il va changer la température de sa caméra de sorte que le blanc semble blanc pur. Si votre balance des blancs est mal réglée, les zones blanches peuvent sembler trop orange ou trop bleues. Bien sûr, cela influencera l'ensemble de vos clichés. Maintenant, ces presets sont agréables à avoir, mais ils ne sont pas vraiment exacts. La meilleure façon de définir une balance des blancs est d'utiliser une référence ou de définir la valeur manuellement. Sous vos préréglages, vous trouverez également une option pour prendre ou définir la balance des blancs. Certaines caméras comme le Panasonic GH five vous permettent de le faire en temps réel. Sélectionnez l'option et pointez simplement votre appareil photo sur un objet blanc, appuyez sur la touche de réglage, et l'appareil photo ajustera sa balance des blancs en conséquence. Important est que vous utilisez toujours un objet blanc. Si je mettais ma balance des blancs sur un papier orange, l'appareil photo pensera qu'il faudra ajouter beaucoup de bleu pour compenser. En réalité, le tir semble beaucoup trop bleu maintenant bien sûr. Pour certains reflex numériques, il est un peu plus difficile de définir votre balance des blancs comme ceci. Souvent, il est nécessaire de prendre une photo avec un objet blanc d'abord. Ensuite, nous allons charger cette image en raison du réglage de la balance des blancs pour les mesures. Ensuite, un moyen de définir votre balance des blancs est de le faire manuellement. Encore une fois, tous les reflex numériques ne prennent pas en charge cela, mais cette option vous permet de définir la valeur Kelvin. cette valeur est basse, plus vos tirs seront bleus et plus ce nombre est élevé, plus il sera chaud. Pour une lumière du jour neutre et pure. Vous voulez choisir quelque chose à environ 5.600 intérieur, éclairage en tungstène à 3.200 et une journée nuageuse à environ 6.500. Ici, il est important que vous ayez un bon moniteur afin que vous puissiez voir ce qui se passe et comment les couleurs ressemblent tout en changeant le Kelvin. Si vous teniez votre reflex numérique en ce moment, alors essayez de régler le Kelvin vous-même, regardez les zones blanches d'un tir et essayez de les rendre blancs purs. Vous souhaitez modifier votre balance des blancs chaque fois que les situations changent. Si vous filmez à l'intérieur avec un éclairage en tungstène, vous réglez votre Kelvin à 3 200 quelque part. Si vous sortez alors, vous le changez à 5 600. Maintenant, ces échecs sont très relatifs. Si vous avez une lumière de tungstène à une grande fenêtre, vous pouvez choisir quelque chose entre les deux, comme 4.800. Mais tout comme avec la mise au point automatique, vous ne voulez pas utiliser la balance des blancs automatique. Vos couleurs annuleront les décalages. Si vous filmez une scène, vous voulez que tout soit pareil. Si vous voulez la rendre plus chaude ou lui donner un autre ton, alors faites-le et post-production, ça s'appelle le classement des couleurs. Vous ne pouvez le faire qu'avec une couleur neutre ou une bonne balance des blancs. La correction de la balance des blancs dans l'édition n'est pas si facile. Contrairement aux images rock, l'information d'une vidéo reflex numérique est intégrée. Concluons. Pour chaque situation d'apprentissage, vous voulez prendre une balance des blancs. Cela signifie changer la température de couleur de l'appareil photo pour que le blanc semble blanc pur. N' utilisez pas la balance des blancs automatique et essayez d'éviter les préréglages qui ne sont pas toujours précis. La meilleure façon de prendre une balance des blancs est de mesurer un point blanc ou de définir vous-même la valeur Kelvin. C' était la dernière commande manuelle de votre appareil photo reflex numérique. Nous avons un petit quiz pour tester vos compétences. Assurez-vous d'essayer toutes les fonctions de ce bavardage afin que vous puissiez vous familiariser avec eux. Nous ne parlerons plus des fonctionnalités de base. On va remonter le jeu maintenant et parler de la vraie cinématographie. C' est pour le prochain chapitre. Merci beaucoup d'avoir regardé. 9. Quiz 2 - Les fonctions de la caméra: 10. Règle des tiers: Bienvenue dans le deuxième chapitre de ce cours. Maintenant, il est temps de passer à l'essence de la narration visuelle. Les choses qui feront de vos vidéos un look pro, et cela commence par le cadrage ou la composition. Cela signifie savoir où placer les différents éléments, ou le sujet dans un plan. Ici, nous voyons Kim dans trois cadres différents. Laquelle devrions-nous aller ? Mais surtout, pourquoi devrions-nous choisir un cadrage plutôt que l'autre ? Comme avec tout, nous devons d'abord comprendre les bases avant de pouvoir peindre à l'extérieur de la toile, et, ces bases se réfèrent à la règle des tiers. Tu l'as probablement vu avant. C' est ce raster que vous pouvez souvent superposer sur une caméra vidéo, votre téléphone intelligent ou certains reflex numériques. Ce raster aide certainement au début, mais vous verrez finalement que vous pouvez encadrer correctement sans ce raster. Ce raster vous aidera à encadrer sous la règle des tiers, il a son nom car le plan est divisé en trois parties, horizontalement et verticalement. Par exemple, ici, nous avons Kim qui regarde loin. Actuellement, elle n'est pas bien positionnée car elle est assise au milieu du cadre. Mais nous allons la encadrer maintenant sur la droite ligne verticale. Cela semble plus attrayant et naturel. Ici, nous avons un plan de paysage. Il n'y a pas vraiment de sujet maintenant, mais nous voyons l'horizon, que nous pouvons mettre sur une des lignes horizontales. Encore une fois, il semble beaucoup plus équilibré que le recadrage sous la règle des tiers. Voici un autre exemple de ce même paysage, mais maintenant nous voyons aussi quelques arbres. Nous pouvons aligner l'horizon sur la ligne horizontale inférieure, et les arbres sur la ligne verticale gauche. Regardons un exemple de plus. Nous avons un gros plan d'une fleur. Encore une fois, nous examinons les choses sur lesquelles nous voulons attirer l'attention, et nous l'alignons sur l'une de ces longueurs. Souvent, vous pouvez également utiliser les intersections lorsque vous avez un petit objet. Dans ce plan, nous avons une bougie sur une table blanche. Il y a beaucoup d'espace autour de la bougie, et parfois pas si facile de l'encadrer correctement. Bien sûr, il n'y a rien de mal à avoir la bougie au milieu. Mais nous pouvons également mettre cette bougie sur la ligne horizontale et verticale, ce qui rend le tir beaucoup plus intéressant. Voici l'endroit où votre créativité intervient, utilisez ce raster pour vous aligner autant que possible sur. On a un tas de trucs ici dans ces photos. Regardez où les lignes se croisent à chaque fois sur quelque chose qui est un sujet. Il se sent plus équilibré et attrayant à l'œil que même lorsque nous encadrions le plan comme celui-ci, où aucun des éléments ne se trouve sur ces lignes. On va peindre un peu à l'extérieur de la toile, on a encore une bougie, et je l'encadre sur le fond. La moitié de la bougie est même coupée et vous pourriez penser qu'elle n'est pas encadrée correctement, mais quand même, elle semble fonctionner d'une manière étrange. C' est parce que j'ai utilisé la règle des tiers. Incrustons le raster. Voyez comment la bande horizontale inférieure s'harmonise avec le haut de la bougie. En faisant ça, ça apporte encore cette harmonie. Maintenant, lorsque vous faites une épaule ou simplement avoir quelque chose au premier plan, vous voulez également vous assurer que cet objet se trouve sur l'un de ces côtés, et qu'il touche simplement la ligne verticale. Parce que nous utilisons ceci comme un objet de premier plan. Tu ne veux pas y accorder trop d'attention. Si vous voulez l'aligner sur la ligne, alors nous dirons que le premier plan est trop lourd dans le plan. C' est parce que nous sommes maintenant concentrés sur la question parce qu'elle se trouve sur cette ligne. Mais l'épaule du gars n'est pas concentrée, donc ça ne semble pas juste. C' est ainsi que fonctionne la règle des tiers. Utilisez les lignes de votre raster pour aligner vos objets sur lesquels vous souhaitez attirer l'attention. Essayez de pratiquer ça un peu. Regardez autour de votre chambre et pointez simplement votre appareil photo vers certains objets. Vous pouvez même utiliser votre téléphone ici si votre reflex numérique est autour peut ne pas avoir ce raster, il suffit de regarder autour d'une ligne les éléments et peut-être prendre une photo. Vous savez comment fonctionne la règle des tiers maintenant, vous alignez les objets sur les lignes, mais sur quelle ligne ? Quand je vois quelqu'un, dois-je mettre cette personne sur le côté gauche ou droit ? C' est pour la prochaine leçon. 11. Encadrement: Vous avez probablement entendu parler des termes plans longs, plan moyen, et gros plan avant. Ce sont des types de cadrage qui correspondent à la règle des tiers. Maintenant, ces encadrements sont les bases et considérés comme académiquement corrects. Mais ils sont aussi utilisés dans la télévision, le cinéma, les publicités et tout autre pot de film. L' un des plus gros problèmes que j'ai vus avec mes élèves et mes collègues quand j'étais à l'école de cinéma, c' était qu'ils voulaient être différents. Vous voulez enlever le bord de ces encadrements et créer quelque chose par eux-mêmes. C' est quelque chose que vous ne devriez jamais faire en tant que débutant. Oui, des cinéastes qualifiés qui n'avaient pas encadré par le livre, mais ce ne serait que quelques clichés dans leur travail. Les 95 % restants ne sont que des encadrements standard. Allons aux plus importants. Nous avons quatre encadrements et le premier est le plan d'établissement. C' est un coup qui dira où nous sommes. Ce sera généralement un tir très large. S' il y a une scène à l'intérieur d'une maison, on pourrait ouvrir le film avec un plan extérieur et montrer cette maison. C' est un coup d'étonnement. Dans des films comme Star Wars, et un coup d'établissement est souvent une planète entière pour définir où nous sommes. Comme vous pouvez le voir, le plan d'établissement n'est pas vraiment défini, mais par rapport à la scène, c'est le graphique le plus large. Pensez à la règle des tiers ici que nous avons vu dans la leçon précédente tout en vous encadrant en établissant des plans. La deuxième cadrage est le long plan. Voici le sujet entier dans le cadre. Vous ne coupez pas votre défi. Ce cadrage comporte également quelques variables, telles que l'extrême plan long et le plan moyen-long. Mais sur le terrain, ces noms ne sont pas utilisés autant. Quand le réalisateur demande un tir long, le gars de la caméra sait quel long il veut dire en regardant la scène. Maintenant, voici la réponse à votre question. Où placons-nous le sujet sur la règle des tiers dans un plan long ? Cela a à voir avec la direction de la recherche. C' est un site où votre talent regarde. Si Kim regarde la caméra, il n'y a pas vraiment de direction de visionnement. Nous pouvons choisir soit l'endroit ici sur le côté gauche ou sur le côté droit, est même correct de la mettre également au milieu. Mais quand Kim regarde du côté droit de la photo, ou que je filme ses sites, nous devons lui donner un peu d'espace de visionnement. Par conséquent, la placera sur la ligne gauche du raster. Cela donne à Kim plus d'espace sur ses sites de visage et cela sera plus naturel pour le spectateur aussi. Si on la place sur le site opposé, on dirait qu'on la piège. Cela donne un sentiment très inconfortable. Cela semble aussi que le côté gauche de l'image est maintenant vide. Comme il n'est pas utilisé, est donc pas un bon cadrage. Donner un espace de visualisation aux talents est une chose. Un autre élément important est l'espace de tête. C' est un espace au-dessus de la tête de la personne. Vous ne voulez pas coller la tête du talent sur le cadre, vous ne voulez pas la couper. Il agit de la même manière que l'espace de visualisation. Vous voulez donner un peu de lecture autour de [inaudible] que le public ne se sentira pas mal à l'aise que l' [inaudible] soit pris au piège. Assurez-vous toujours que vous avez un peu d'espace au-dessus de la tête du talent, puis il y a un dernier espace à faire attention, et c'est sur le fond. Ici aussi, vous voulez avoir un peu d'espace pour éviter les mêmes problèmes. Ce dont on parle ici aussi, ce sont les effets de marionnettes, et c'est quelque chose que vous voulez éviter. L' effet de marionnette se produit lorsque votre sujet est encadré juste sous vos pieds. On dirait qu'elle marche sur le cadre. Une conclusion rapide, donnez à vos sujets et de l'espace à l'intérieur de votre cadre. [ inaudible] comprendre que nous pouvons continuer avec les autres encadrements. Le suivant, c'est les tirs moyens. Nous allons couper dans le sujet et encadrer seulement la partie supérieure du corps. Tout comme avant la placer sur la bonne ligne verticale et assurez-vous qu'elle a un peu d'espace de tête comme si quelque chose comme un coup moyen, vous pouvez utiliser les lignes horizontales de la règle des tiers, pour placer les yeux sur. La raison en est que nous avons tendance à regarder les yeux d'un acteur ou d'une actrice. Dans les longs clichés, nous n'avons pas fait ça, et nous donnons trop d'espace au talent. Vous voulez toujours équilibrer votre sujet dans le cadre, c'est pourquoi vous voulez généralement commencer à encadrer les yeux sur la règle des tiers à partir d'un plan moyen. Enfin, vous voulez faire attention à l'effet de marionnette à nouveau. On a déjà coupé le sujet, donc on ne peut pas la placer en bas du cadre. Où cet effet de marionnette peut-il avoir lieu dans un médium ? Eh bien, cette fois, on regarde les articulations. Ce sont les angles, les genoux, le bassin, le cou, et même les coudes pour certains coups. Vous voulez couper après le cadrage juste au-dessus ou en dessous de ces joints. Pour une alternative du long plan, vous voulez couper le sujet et sa taille ou dans les jambes du tibia. Dans un plan moyen qui va être juste au-dessus du bassin dans l'estomac. Ne jamais couper dans ces articulations car cela va créer leur effet de marionnette à nouveau, et c'est quelque chose de vraiment important. Porter attention à l'espace autour du sujet et éviter que les effets de marionnettes font une grande différence dans l'apparence de vos photos et ceci ici est un tir professionnel. C' est quelque chose que l'on pouvait voir dans une production hollywoodienne haut de gamme. Comme vous pouvez le voir, tout est mauvais. La connaissance, savoir comment cela fonctionne techniques, et les utiliser. Les gens, continuons avec le gros plan, le dernier en ligne et vient également avec quelques alternatives comme le gros plan moyen, également nommé les tableaux de poitrine parce que nous coupons dans la poitrine et à l'extrême gros plan. Mais encore une fois, dans le champ utilise dire prendre un gros plan des yeux. L' idée d'un gros plan est à une boîte, un cadre intuitif sujet. Vous voulez couper en front et placer les yeux sur la règle des tiers nouveau puisque l'idée d'un gros plan est de rétrécir sur le sujet et d'isoler cette personne. On peut donc oublier l'espace de tête. Toutes ces choses comme l'espace de visualisation, la règle des tiers, et l'effet de marionnette doit encore avoir attention portée sur le front et non sur les articulations. Toutes les choses dont nous parlons maintenant ne s'appliquent pas seulement aux humains. J' avais vu des sujets souvent, donc nous respectons tous Kim, mais c'est comme ça que nous devons voir nos éléments dans un coup. Tout est un sujet, qu'il s'agisse d' une personne, d'un bâtiment, d'un arbre, d'une tasse de café, peu importe. Une fois que vous pointez votre appareil photo sur quelque chose, il devient un sujet. Essayez de voir les techniques de cadrage dans n'importe quel sujet. Tu as vraiment une tasse de café et une longue dose. Voyez comment je fais attention à l'espace de tête de la tasse. Éviter l'effet de marionnette en utilisant la règle des tiers et même en lui donnant de l'espace de visualisation. La tasse n'a pas d'yeux, mais nous avons l'impression que l'arrière de la tasse est là où l'iris parce que nous le tenons de cette façon pour regarder l'avant de la tasse et cela devient subjectif bien sûr, et donc la direction d'observation n'est pas toujours aussi important avec des sujets comme celui-ci. Mais quand il y a un meilleur visuel comme un bâtiment qui a une entrée, nous pourrions certainement voir cela comme le visage et lui donner une direction de visualisation à partir de là. Les gars, c'était un gros morceau d'information. Écrivez peut-être ces mots sur un papier. Direction d'affichage, espace de tête, effet de marionnette et règle des tiers. [ inaudible] papier que vous en ce moment, et aller tirer des trucs dans le jardin. Essayez de faire un plan d'établissement, un plan long, un plan moyen, et un gros plan de quelque chose. Une fois que vous avez fait cela, vous pouvez revenir à l'intérieur et suivre le reste de ce cours. Dans la leçon suivante, nous allons aborder la position de la caméra qui sera beaucoup plus facile que vous savez comment fonctionne le cadrage. Merci beaucoup d'avoir regardé. 12. La position de la caméra: Bienvenue les gars. J'espère que vous avez eu de l'air frais à l'extérieur et que vous avez également pratiqué les techniques pendant ce cours. Il est très important que toutes ces informations soient nouvelles pour vous. Il est préférable d'apprendre quelques nouvelles choses, puis de pratiquer cela, de revenir et d' apprendre quelque chose de plus. Dans cette leçon, nous allons parler de la position de la caméra. Nous avons un monde tridimensionnel, ce qui signifie que nous pouvons placer la caméra n'importe où sur la surface, mais aussi en hauteur. Vous pouvez placer votre appareil photo sur quelque chose ou utiliser un trépied, que vous pouvez changer en hauteur. Mais commençons par la surface plane d'abord. Ici, nous voyons quelques arbres. Nous pouvons placer la caméra là où elle se trouve maintenant, mais nous pouvons aussi la déplacer quelques pieds plus loin, filmant sous un angle différent. Deux positions de caméra différentes et les deux prises de vue semblent également différentes. Si vous faites attention à tout ce que nous avons appris précédemment sur le cadrage, les deux coups sont bons. Mais analysons ces photos un instant. Quelle est l'histoire visuelle qu'on raconte ? Que ressent le public en regardant les deux clichés différents ? En un seul coup, les arbres prennent beaucoup de la trame. Ils sont très proéminents, ce qui signifie que toute l'attention va à eux. Il y a beaucoup de détails, ce qui rend le coup un peu trépidant. Tu peux cacher des choses ici parce qu'il y a tellement d'entracte. Comme Kim marche à distance, cela pourrait prendre une seconde ou plus avant que le public ne le remarque. Les arbres sont plus proéminents que Kim. Elle s'avère très petite par rapport aux arbres proéminents. Bien que l'analyse d'un tir comme celui-ci ne soit pas si difficile, c'est quelque chose que vous devez pratiquer sur beaucoup. Il suffit d'aller et google Image Search et regarder n'importe quel type de photo que vous voyez, ou vous pouvez également aller dans un musée et juste regarder des peintures. Prenez le temps de réfléchir à l'histoire visuelle qui est racontée. C' est aussi la raison pour laquelle vous obtenez des artistes qui vont à l'école de cinéma. Beaucoup de gens le détestent, mais c'est quelque chose de super important, c'est là que la cinématographie a commencé. Les principes utilisés au Moyen Âge s'appliquent encore aujourd'hui. Jetons un coup d'oeil à l'autre tir maintenant. Les mêmes arbres à partir d'une position différente de la caméra. Prenez un moment pour analyser cette photo. Regardez ce qui est important ou peut-être ce qui ne l'est pas. Où votre œil est guidé et pourquoi est-ce ? Les arbres sont à droite. Nous avons un grand espace ouvert sur la gauche. C' est tout le contraire de ce que nous avions avant. Il y a moins de détails, on n'a plus rien de trop important. Alors que Kim entre dans le tir maintenant, vous êtes instantanément attirée par elle. Elle n'est pas intimidée par autre chose. Elle a l'espace autour d'elle libre, ce qui lui permet, ainsi que le public, de mieux s'épanouir. La morale de l'histoire, réfléchissez à ce que dit votre tir. Si les arbres sont trop réunis, mais que vous souhaitez créer un ton dramatique, prenez votre appareil photo et repositionnez-le pour répandre ces arbres. Ce n'est qu'un exemple, mais il y en a des milliers d'autres. Je n'ai pas le temps pour ça, alors jetons un coup d'oeil à un de plus. Ici, nous avons un plan moyen de Kim, et ici nous avons un autre plan moyen de Kim. Alors qu'elle est juste au même endroit, je déplace mon appareil photo sur les côtés opposés pour les autres photos. Regardez les arrière-plans. L' un d'eux est très lumineux et l'autre est très sombre à cause des arbres à nouveau, et je ne pense plus avoir besoin d'expliquer. Que disent les arbres ? Il fait très sombre. Il y a des ombres, beaucoup de détails, donc un peu trépidante ou plus dramatique. Bien que ces arbres puissent aussi être un bâtiment ou autre chose, l'idée est que nous avons quelque chose de plus sombre avec plus de détails à l'arrière. L' autre coup, tout est lumineux, blanc et ouvert, ce qui est plus positif et relaxant. Par conséquent, il est super important de réfléchir à l'endroit où vous placez l'appareil photo. La prochaine chose, c'est les hauteurs. Par rapport au sujet, il y a essentiellement trois niveaux de hauteurs. Vous avez un angle bas, hauteurs oculaires et un angle élevé. Certains d'entre eux ont un nom alternatif, comme la vue à vol d'oiseau pour le grand angle, ou ici, en Belgique, nous disons perspective grenouille aux tirs à angle bas. Ces angles sont toujours relatifs aux yeux des sujets ou au point auquel le public est attiré. Un tir à angle bas se produit déjà lorsque vous êtes juste sous les yeux. Il est donc très important de comprendre ce que fait la différence de hauteur. Un de mes travaux récents a été de faire une vidéo promotionnelle pour un artiste de rue. Souvent, je le filmais sous un angle bas. La raison pour cela est que le public semble regarder cet homme vers le haut. Cela fait paraître l'artiste plus grand dans les hauteurs et son statut, ce qui est exactement l'histoire que je veux apporter. C' est un grand artiste, que nous attendons. Au cours de ce même tournage, je le filmerais aussi sous un angle élevé. Ça fait le contraire avec lui, on le rend petit et on le regarde vers le bas. Là où nous avons l'œuvre au premier plan pendant qu'il y travaille, cela le rend petit, à l' opposé de l'œuvre. Dans la fiction, cela est souvent utilisé pour rendre quelqu'un de plus petit en statut. Le grand patron d'une entreprise est généralement filmé d'en bas et les employés d'en haut, quand ils sont dans le bureau du patron. Le tournage d'en bas ou d'en haut fait quelque chose au sujet. Plus cet angle est grand, plus vous soulignez cela, alors soyez prudent en utilisant ceci. Pour les clichés naturels, vous voulez être au niveau des yeux comme nous le sommes maintenant. Je ne veux pas t'intimider ni avoir l'air précaire. C' est pour ça que je me suis mis au même niveau que toi parce qu'on fait ce cours ensemble. Pour conclure cette leçon, analysez vos photos et regardez ce qu'est l'histoire visuelle. Vous pouvez prendre votre appareil photo et le repositionner pour obtenir une perspective ou un arrière-plan différent. Utilisez la hauteur de l'appareil photo pour définir le statut de vos talents. Plus cet angle est grand, plus ce statut devient grand. Dans certaines occasions, vous voulez juste être légèrement plus haut que les yeux des sujets. Mais si vous voulez être au même niveau de votre audience, assurez-vous que la caméra est toujours. Merci beaucoup d'avoir regardé, et je te verrai dans la prochaine leçon. 13. Objectifs: Dans cette leçon, je veux parler des lentilles et pas tant de celle que vous devriez obtenir ou celle qui est la meilleure. Mais à propos de la distance focale, vous savez, ces millimètres sur un objectif, vous pouvez le voir comme un zoom avant ou arrière. Par exemple, c'est ici une lentille de 35 millimètres. Ça s'appelle une prévalence parce qu'il ne peut pas zoomer. Il n'a qu'une distance focale, 35 millimètres dans cette lentille ici et 18 à 200 millimètres. C' est ce qu'on appelle un zoom et il a une plage de focale. En général, les objectifs principaux sont considérés comme meilleurs et de qualité que les objectifs zoom, mais tout est très relatif. Il y a beaucoup d'objectifs de zoom là-bas à surperformer, certains objectifs de premier plan. Quand il s'agit d'acheter des lentilles et certainement en tant que débutant, ne obtenez pas de lavage de cerveau rapidement sur le besoin de dépenser beaucoup d'argent à ce sujet. Tant que vous n'êtes pas sur les marchés de production haut de gamme, alors ne vous dérange pas de ces objectifs de 5 000$ plus de cinéma. Un kit d'objectif est souvent la meilleure façon de démarrer. En règle générale, vous voulez obtenir un nouvel objectif si vous voulez une distance focale différente ou une ouverture plus large pour obtenir une profondeur de champ plus faible et des performances de faible luminosité. Parlons encore des longueurs focales. Vous avez deux options pour faire un tir moyen de quelqu'un. Vous pouvez vous tenir près de cette personne et effectuer un zoom arrière, ou vous pouvez vous tenir plus loin et zoomer avant. Dans un coup, on parle d'un angle blanc et l'autre, c' est du téléobjectif ou juste du téléphon ? Mais quand une lentille est-elle blanche ou télé ? Eh bien, c'est comparé à l'œil humain. L' œil humain est assis quelque part à environ 50 millimètres de distance focale. Il y a des discussions à ce sujet, c'est pourquoi je dis environ 50 millimètres. Tout ce qui suggère en dessous 24 est considéré comme un grand angle et tout ce qui dépasse 50 millimètres est considéré comme téléle. Un 50 millimètres n'est pas le même sur n'importe quelle caméra et cela a à voir avec la taille physique réelle du capteur. La plus grande taille est appelée plein cadre. caméras Bubbler comme le Canon 5D ou A7S pierreux ont un tel capteur plein cadre. De tels capteurs nous parlons d'un facteur de culture 1. Cela signifie un multiplier 50 par 1, qui fait 50 millimètres. Mais lorsque vous utilisez quelque chose comme un Canon AD ou un Nikon 7,200, vous avez un capteur de taille recadrée. Produits chimiques que APSC, c'est Nikon noms, c'est DX. Vous avez aussi des variations comme APSH, super tele 5, etc. Mais quoi qu'il soit appelé, il a un facteur de culture qui se trouve autour de 1,5. Vous pouvez rechercher cela pour vos caméras spécifiquement. Il suffit de taper votre appareil photo myelin sur Google Plus ou facteur de recadrage. Multipliez 1,5 par 50 millimètres et vous obtenez une lentille de 70 millimètres. Pour avoir une vraie lentille de 50 millimètres, vous devez mettre une lentille de 35 millimètres, ce qui se traduira par une lentille de 55 millimètres, mais un déjeuner de 33,33 n'existe pas. Ensuite, vous avez micro quatrième troisième capteurs, qui, je crois, sont les plus petits capteurs pour les appareils photo reflex numériques. Ce sont des caméras comme le JH cinq, noir seau magique caméra cinéma, Olympus EM1 et ils ont un facteur de recadrage de 2.0. Vous devez doubler la distance focale réelle. Il existe des adaptateurs comme le méta-osse de vitesse ou que vous pouvez connecter entre le corps et l'objectif, ce qui augmentera optiquement la taille d'un capteur de sorte que vous n'avez qu'un facteur de recadrage de, disons 1,5 sur un micro capteur à quatre tiers. Mais c'est une toute autre histoire. Important de savoir quel appareil photo vous avez et combien il est recadré usines. Maintenant que vous savez comment cela fonctionne, j'aimerais répondre à la question que nous avons soulevée au début de cette leçon. Devrions-nous reprendre et rester près comme sujets ou zoomer et se tenir loin des sujets. Lorsque nous zoomons ou utilisons une distance focale Tilly, alors nous compresser tout et l'arrière-plan devient plus hors de la mise au point. Lorsque nous sommes près de Kim avec le même cadrage, le champ d'image est blanc et il capturera beaucoup de l'environnement et l'arrière-plan est plus mis au point, en les comparant l'un à côté de l'autre, nous remarquons également ce qu'il fait avec la forme du visage de Kim. L' angle blanc n'était pas si flatteur qu'il déformerait l'image. Plus vous allez blanc, plus la distorsion est grande. Jusqu' à ce que les lentilles semblent plus flatteuses et aussi quelque chose qui est utilisé plus et des plans de beauté donc. Mais en dehors de la distorsion U, nous disons aussi un stockage visuel ici. Si vous êtes près de votre sujet sur un objectif grand-angle, le spectateur est plus attiré vers la scène. Cela est souvent utilisé dans les films de guerre qui veulent déjà que le public se sent assis à côté des soldats sur les champs de bataille. Lorsque vous prenez une distance avec votre appareil photo et effectuez un zoom avant, vous emmenez également le public à distance, ce qui a de nombreux effets. Imaginez que si vous regardiez quelque chose de loin, une fille pourrait être plus jolie que si elle se tenait devant vous. Tu peux regarder quelqu'un pendant que cette personne ne sait pas que tu les regardes. C' est aussi plus relaxant que vous pouvez simplement vous pencher en arrière et regarder à distance. Ce sont les deux principales différences. Jetons un coup d'oeil à cette scène un instant. Nous avons commencé avec un téléshot pour créer un sentiment de détente. Nous apprenons à connaître le personnage mais comme il a vu des changements et Kim s'arrête, nous avons rapproché le spectateur ou envoyer ou ils ressentent la même tension dans le tir après cela, nous quittons le personnage à nouveau. Cela la rend vulnérable car elle semble être de retour seule. Voyez comment l'utilisation de cette longueur focale compte beaucoup. Au lieu de zoomer avant et arrière, pensez également à reculer et avancer. C' est quelque chose de très amusant à jouer lors d'une scène où vous pouvez couper deux longueurs focales différentes. Merci d'avoir regardé et je vous verrai dans la prochaine leçon. 14. La règle des 180: La règle de 180 degrés. Lorsque vous allez éditer plusieurs plans ensemble, cette règle est super importante. Le plaisir à propos de cette chose est que vous pouvez même enfreindre cette règle pour une très bonne raison. Mais commençons par comprendre cette règle. Quand nous sommes à un certain endroit, nous savons comment il est là. Nous avons une idée de l'espace, donc après avoir tourné quelques clips là-bas, nous avons également une meilleure idée de l'orientation. Maintenant, le public n'était pas là, donc ils n'ont aucune orientation. Quand une personne marche du côté gauche vers le côté droit, et le prochain tir de votre droite vers la gauche, il semble que cette personne s'est retournée entre les deux. Mais en réalité, Kim Miller marchait dans la même direction. Nous plaçons la caméra seulement du côté opposé de ce chemin. En regardant ce dessin rapide ici, le sujet marche de gauche à droite dans le premier coup. Dans la photo suivante, nous plaçons la caméra de l'autre côté de la route. Maintenant, cette personne marche de droite à gauche. En voyant ce dessin, il n'a pas l'impression que la personne marche en arrière parce que nous avons le sens de l'orientation. Mais sans ce dessin, vous ne le feriez pas et c'est la règle des 180 degrés. Choisissez un côté dans la direction où la personne marche, il n'a jamais franchi cette ligne. Vous avez 180 degrés d'espace pour placer votre appareil photo, donc il y a d'où vient la règle du degré. C' est quelque chose de super important si vous ne voulez pas désorienter le spectateur. Maintenant, cette direction de marche est la base, mais votre règle de 180 degrés arrive plus souvent que vous ne le pensez. Ici, nous avons Kim et mon collègue génial, debout l'un devant l'autre. Ils sont juste en train de parler. Typiquement, vous voulez filmer plusieurs plans comme celui-ci sur épaules ou les avoir tous les deux dans un plan moyen, etc. La même règle s'applique à vos deux. Regardez la direction de visualisation des acteurs et tracez une ligne visible entre eux. Choisissez un site et ne le franchissez pas. Voici un exemple où nous franchissons cette ligne. Regardez comment la direction de visionnement de Kim est la même que génial. Cela devrait être opposé si vous vous tenez devant l'autre. Prenons cela à un niveau plus avancé. Nous avons un gros plan de Kim et nous avons coupé à un plan moyen de Kim. la caméra, on ne fait rien de mal ici. Mais vous avez probablement vu l'éclairage changé aussi. Dans le premier coup, nous avons eu l'éclairage à l'arrière de Kim et dans le deuxième coup même lumière a changé de place et c'est maintenant sur la face avant de Kim. Cette fois, pas à la caméra, mais la lumière a franchi cette ligne. Cela crée aussi de la confusion car nous attendons la lumière de l'arrière. Le public pourrait penser que Kim s'est retourné. Au début, j'ai dit que vous pouviez enfreindre cette règle. C' est fait assez souvent en fait. L' idée de la règle de 180 degrés est de s'assurer que le public reste orienté. Si nous voulions le casser, le public se confond sur l'espace et la direction que les acteurs se déplacent. Ceci est souvent utilisé dans les scènes de combat pour les rendre plus chaotiques et réalistes. Si le public a trop d'orientation, il peut voir les erreurs mineures et peut-être le combat bâclé bouge. Quand le public n'est pas orienté, il a moins de temps pour se concentrer sur cela et la scène de combat serait beaucoup plus forte. C' est une utilisation de l'endroit où vous pourriez franchir cette ligne. Mais il y a plus de raisons. Pensez simplement à ce que la règle implique et à quel effet elle a sur le public et voyez si vous devez la briser ou non. Merci d'avoir regardé. 15. Ralenti: De nombreux appareils photo reflex numériques de nos jours peuvent tirer au ralenti ou à une cadence d'images plus élevée. Par exemple, vous pouvez filmer à 60 images par seconde, mais éventuellement exporter vers 30 images par seconde. Cela signifie que vous pouvez étirer la vidéo afin avoir deux images disponibles pour chaque image réelle. Mon GH5 peut même tirer à 180 images par seconde. C' est un peu plus de sept fois plus lent si elle exporte cela à 25 images par seconde. Quoi qu'il en soit, si votre appareil photo peut le faire, jouez avec. ralenti semble très bien, mais devrait également être manipulé avec soin. Nous vivons dans un monde où tout est en temps réel, pas au ralenti. C' est naturel et on est habitués à ça. Rien de spécial à ce sujet. Maintenant, quand nous regardons quelque chose au ralenti, nous avons plus de temps pour regarder le même clip. Nos yeux se demanderont et commenceront à regarder les détails. C' est l'un des plus grands avantages du ralenti. Plus votre ralenti est grand, plus nous avons de temps à regarder autour de vous. Ici, nous voyons Janic courir et sauter par-dessus ce rocher. On a vu ce qui se passe. Mais jouons ça maintenant au ralenti, vos yeux ont plus de temps pour regarder ce qui se passe réellement et vous commencez à regarder d'autres choses comme comment il s'est poussé ici. Quelle est son expression faciale pendant qu'il planait sur le rocher, et comment il atterrit. Vous obtenez beaucoup plus de détails d'un tel coup. ralenti fonctionne très bien pour les coups d'action comme celui-ci, mais il n'est pas toujours nécessaire de l'être. C' est aussi l'une des erreurs que les gens font. Vous souhaitez montrer le détail, puis vous ralentir mo. Si ce n'est pas le cas, alors ne ralentissez pas mo. Y a-t-il un grand mouvement ou une action dans votre scène ou juste un personnage debout ? Dans les deux scénarios, le ralenti a une grande puissance. Ici, nous voyons Kim regarder dans la caméra. Rien de spécial ne se passe. Le public perçoit Kim comme une personne qui regarde dans la lentille. Si nous devions mettre ce clip au ralenti, regardez ce qui se passe. Cette émotion s'est soudainement agrandie. Non pas que le clip soit plus long, mais parce que c'est le ralenti, nous avons tendance à regarder les détails plus, qui dans ce cas est l'émotion. Nous l'utilisons très souvent dans nos productions pour souligner certaines émotions ou pour attirer le public dans le film. Comme vous l'avez vu, beaucoup de clips provenaient de films d'action ou de vidéos d'événements. Habituellement, ces photos sont du bureau, ce qui ajoute une grande dynamique à vos projets, mais c'est pour la prochaine leçon. 16. L'importance de la bobine B (B-roll): Le nommage B-roll vient des premiers jours cinéma où vous aviez un vrai film sur un rouleau. Le A-roll était la caméra principale et le B-roll était la deuxième caméra prenant différents clichés de la même scène. Au fil du temps, cette définition a évolué parce que la production cinématographique en général a également changé à ce que nous appelons aujourd'hui la réalisation moderne. Mais le principe est toujours le même. Disons que vous faites une interview, que vous avez une caméra et une personne qui regarde cette caméra ou juste à côté. C' est la caméra principale et c'est ainsi que votre configuration démarre. En d'autres termes, c'est votre A-roll. Cependant, nous ne l'appelons plus ainsi. D' habitude, c'est juste une caméra principale. Imaginez si c'était le seul coup que vous avez eu. Une caméra capturant l'interview. Ça va être une vidéo assez ennuyeuse. C' est une même image, par exemple, un tir moyen, et c'est tout. Pour le reste, vous pouvez juste écouter cette personne et il n'y a plus rien à surveiller. Ajoutons un second angle de caméra à l'interview. Cet appareil est appelé le rouleau B et est généralement considéré comme plus créatif. Dans cet exemple, je tiens également les ordinateurs de poche de la caméra et je fais un cadrage différent tout au long de l'entrevue. La vidéo a maintenant des angles différents auxquels nous pouvons couper. Il continue à donner des déclencheurs de nouvelles informations au public, les gardant plus intéressés. Donc, nous pouvons conclure que lors d'une interview, vous devriez toujours tirer avec une seconde caméra. Mais disons que vous n'avez pas de seconde caméra. Eh bien, voici un projet plus petit sur lequel j'ai travaillé. Je n'avais qu'une caméra disponible, donc j'ai tourné toute l'interview à partir d'un long plan , puis j'ai refait l'interview avec un tir moyen. Ce n'est pas si important qu'une personne dise exactement la même chose. Vous pouvez prendre une citation de la première entrevue et une autre citation de la seconde. Mais cela rend votre scène beaucoup plus organique et vous le remarquez probablement aussi ici. Nous travaillons aussi avec deux angles de caméra, qu'il y a la caméra principale, et ici nous avons le B-roll. Donc rendre vos vidéos plus dynamiques est l'une des raisons. La deuxième raison pour laquelle vous avez besoin de B-roll est de rendre vos coupes imperceptibles. Supposons que votre sujet dit quelque chose de mal ou dites quelque chose que vous voulez découper par la suite. Puisque nous découpons ces parties, nous voyons la vidéo sauter. ce qu'on appelle des sauts et c'est quelque chose que je déteste voir. YouTube est plein de ça et je les vois même des productions professionnelles. À mes yeux, il montre de la paresse et du travail très bâclé. La moindre chose que vous pouvez faire est de recadrer la vidéo entre les deux, sorte que vous pouvez couper numériquement d'un plan long à un plan moyen. Lorsque la taille de l'image change, le public ne remarque pas que cela coupe trop. C' est aussi la raison pour laquelle nous utilisons ce B-roll. Chaque fois que le sujet dit quelque chose de mal, nous coupons à l'autre angle. Mais pour vous assurer qu'il ne saute pas, vous voulez vous assurer que la taille de l'image est différente et que vous voulez prendre une certaine distance par rapport à la caméra principale. Plus la différence de position entre les deux ou l'angle est grande, moins les coupes seront perceptibles. On a parlé de la même scène, deux caméras capturant la même chose. Qu' il s'agisse de deux caméras ou de répéter la scène avec une caméra. En plus de cela, vous voulez aussi remplir les choses dont la personne parle. Il ajoute les mêmes avantages. Vous pouvez rendre les coupes imperceptibles, plus vous visualisez ce dont parle la personne, ce qui le rend vraiment intéressant pour le public. Vous avez vu ces exemples d'interviews, qui est un peu plus dynamique avec deux angles, mais il n'y a qu'une seule personne qui parle. Alors ajoutons des photos de l'usine et des pommes de terre qu'ils produisent, ce qui est de ce dont ils parlent, cela fait que la vidéo complète. Vous avez une interview dynamique, photos à l'usine, les machines avec lesquelles ils travaillent, le personnel, le stock, etc. Un bon conseil que je peux vous donner est de tirer autant que possible B-roll. Vous remarquerez dans l'édition qu'il vous manque toujours un B-roll, vous ne pouvez jamais en avoir assez. C' était donc un exemple assez simple d'entrevue. Mais si vous faites autre chose comme une vidéo de voyage, par exemple , votre principal point de vue de la caméra est la marche. Essayez d'obtenir quelque chose d'autre là aussi, comme les environs, une activité sur le site, un gros plan d'une rivière. Ça n'a pas d'importance. Si tu vlogging la même chose. Ne parlez pas tout le temps à travers la caméra. Assurez-vous d'avoir des images supplémentaires qui couvrent les choses dont vous parlez. Maintenant B-roll est quelque chose que vous pouvez obtenir très créatif avec. Cela pourrait aussi être comme les mains de la personne qui parle. Ou vous pouvez aussi couper en images subjectives de cette personne qui se prépare ou réfléchit pendant cette entrevue. Dans ce studio, nous pourrions faire quelques photos des ampoules ici et peut-être, et jouer avec celles-ci, cela rend la vue amusante, ludique et très dynamique. Donc B-roll aide avec les coupes pour les rendre invisibles pour le public. Il vous aide à couper à différents angles ou à visualiser plus, rendant son plus dynamique et il aide à mieux raconter votre histoire parce que vous la visualisez. Parfois, il n'est pas si facile de savoir quel B-roll vous allez avoir besoin parce que c'est quelque chose qui se passe dans le montage. C' est comme ça que tu dois filmer pour les modifications, et je te montrerai comment faire ça dans la prochaine leçon. 17. Filmer pour le montage: Si vous travaillez sur un court métrage ou un long métrage, vous êtes probablement une demi-liste. Tu as réfléchi aux plans avant d'aller au cinéma, et ça en a fait une liste. C' est très bien que tu le fasses. Cela signifie donc que vous pouvez maintenant vous concentrer sur cette liste et ne pas penser photos dont vous aurez besoin et vous concentrer sur d'autres tâches de production telles que la mise en scène, éclairage, le son ou la logistique. Mais pour tout autre projet, vous n'avez probablement pas de liste restreinte. Par exemple, je fais beaucoup de vidéos d'événements. Un de mes plus gros clients en tant que franchise BMW qui organise des événements très souvent. J' apporte ce jour-là dans une vidéo amusante que tout le monde peut regarder sur les réseaux sociaux par la suite. Il y a certainement des choses que je peux préparer. Je peux demander à l'organisation ce qui va se passer là-bas, et ce qu'ils veulent vraiment être filmés. Mais c'est plutôt une liste de choses à faire. Lors d'un événement, les choses se passent en direct, vous rencontrerez des choses que vous ne saviez pas, des situations peuvent changer et même le client peut vous demander de filmer soudainement quelque chose de nouveau. C' est pourquoi vous devez réfléchir à la façon dont vous allez éditer la vidéo pendant que vous filmez. n'est qu'en faisant cela que vous pouvez savoir quels types de coups vous allez rencontrer. La première chose que vous devez faire est de penser à la situation globale. Cela veut dire que vous avez une introduction, un milieu et une fin. Un certain coup qui ouvre la vidéo, puis vous avez vos affaires entre les deux et enfin, une belle photo de la vidéo se terminant où vous pouvez passer gentiment au logo ou quelque chose comme ça. Vous pouvez le préparer comme sur les fronts, mais vous pouvez également regarder ce qui se passe sur l'événement, ou tout ce qui se passe dans votre journée si vous êtes vlogging ou peu importe ce que vous faites. Tu veux avoir un début, un milieu, une fin. C' est la première chose à garder à l'esprit et cela vous aidera déjà à obtenir une image globale à placer. La prochaine chose à faire attention sont les petits événements. Par exemple, vous voulez filmer un bar à cocktails. Maintenant, avant de le faire, pensez d' abord aux modifications. Comment allez-vous éditer cette scène ? Comment veux-tu le faire ressembler ? Peut-être que vous voulez ouvrir avec un long plan, puis aller à un gros plan du verre en cours de remplissage, et enfin, un plan moyen du verre qui est donné à un invité. Vous visualisez ça d'abord, puis commencez à tirer. C' est vraiment les bases de la prise de vue pour les modifications. Si vous entrez dans une pièce où quelque chose se passe, la première chose que vous faites en tant qu'opérateur de caméra est de regarder autour de vous et de photographier cette scène dans différents clichés, mémoriser, de la visualiser, puis de tirer ce qui est nécessaire. Passons ça à un niveau supérieur. Je ne veux pas vous surcharger d'informations car il faut d'abord beaucoup de pratique et d'expérience. Habituellement, si vous obtenez les bases de la prise de vue pour les modifications, vous trouverez que des techniques plus avancées vous-même. L' une de ces techniques avancées sont les transitions de scènes. Cela n'a rien à voir avec le montage, mais purement avec l'appareil photo. Si vous tournez une scène en particulier, comment allez-vous passer de cette scène à la suivante ? Il y a plusieurs façons de le faire. Lors d'une fête, vous pouvez filmer directement dans les lumières, créant cette lumière éclate dans votre objectif. Sur ce flash, vous pouvez couper à la scène suivante. Vous pouvez aussi faire des choses comme des lingettes. Si vous essuyez à la fin de votre premier plan et que vous commencez votre prochain plan avec la même lingette, vous pouvez les connecter ensemble en plaçant simplement ces deux clips l'un à côté de l'autre et vous avez vous-même une belle transition. Maintenant, nous avons fait une vidéo entière à ce sujet ainsi que sur YouTube. Vous pouvez trouver le lien vers elle à partir de la description des leçons à elle. Mais une transition peut aussi être très simple, comme passer d'un gros plan, ou d'un plan moyen à un coup long très blanc soudain. Avoir ce grand changement dans la taille de l'image fonctionne comme une belle transition entre les deux scènes. Vous avez aussi des choses comme des transitions à travers lesquelles quelqu'un marche devant votre objectif, comme il fait sombre, vous pouvez ensuite couper à la scène suivante, et ça continue comme ça. Mais il y a des choses que vous devrez penser pendant le tournage. Alors les gars, commencez par l'image globale et pensez à une ouverture, au milieu et à une fin, puis divisez des scènes individuelles en différents plans avant de commencer à tourner cette scène. Si vous voulez passer au niveau supérieur, essayez de réfléchir à la façon dont vous allez passer d'une scène à l'autre. C' était la dernière leçon du chapitre et vous avez passé en revue toutes les bases maintenant. Vous savez comment fonctionne votre appareil photo et comment faire la photo parfaite sur un sujet. Ce que je veux que vous fassiez maintenant, c'est de dresser une liste des différentes leçons de ce chapitre. C' est la règle des tiers. Cadrage, position de l'appareil photo, objectifs, règle de 180 degrés, ralenti, bureau, et prise de vue pour les modifications. Maintenant, trouvez un beau projet que vous pouvez filmer, peut-être que c'est la façon dont vos enfants jouent, traîner avec vos amis au parc, ou simplement demander à quelqu'un de faire quelque chose de simple comme faire un café. Important est que vous avez un vrai sujet ou un certain événement que vous pouvez prendre plusieurs prises de vue. Pendant que vous filmez, prenez le lentement et passez par cette liste pour vérifier si vous faites tout bien. Faites-le d'abord, puis revenez pour un petit quiz, qui vient juste après cette leçon. Si vous remarquez que vous avez fait trop d'erreurs, ce qui est parfaitement normal, essayez de regarder à nouveau certaines des leçons. Quelque chose que vous devez toujours garder à l'esprit, c'est que l'art du cinéma prend de la pratique. Ça prend des années de pratique, et vous obtenez un tas d'informations de ce cours. Donc, la clé est de pratiquer et de ne jamais abandonner. Merci d'avoir regardé et bonne chance avec votre petit projet de film en ce moment. 18. Quiz 3 - Le langage vidéo: 19. Introduction au mouvement de caméra: Bienvenue les gens. J'espère que vous avez eu une bonne pratique et que vous avez bien marqué au quiz. Peut-être que tu regardes ce cours en une seule grève. Eh bien, c'est aussi bien. Je peux imaginer que si vous êtes assis à l'aise dans un canapé en ce moment, vous ne voulez pas vous lever pour filmer des trucs. Mais il est important que vous pratiquiez pendant ce cours. Si vous choisissez de regarder tout le cours en premier, essayez de regarder à nouveau certaines leçons après quelques exercices. Nous allons accélérer le jeu et parler du mouvement de la caméra. Il existe tellement d'outils pour faire bouger votre appareil photo. Il y a des grues, des chariots, des cames fixes , des curseurs, des cardan, des camps de câbles, etc. Cette liste continue tout simplement. Ensuite, nous avons aussi les choses pratiques comme un trépied ou simplement tenir les mains de l'appareil photo tenues. Chaque outil fera bouger la caméra différemment. C' est ce que vous devez comprendre. Pourquoi choisir entre un curseur, main ou un trépied ? Dans les leçons à venir, nous allons parler de ces trois catégories. Trépieds pour le contrôle des mouvements. Je crois que tu devrais apprendre à faire ça d'abord. Puis tenue à la main, qui a beaucoup plus en elle que la plupart des gens le pensent. Enfin, les mouvements de la caméra en général. Et d'avoir à regarder deux appareils populaires, le curseur et le cardan, qui couvre tous les deux déjà beaucoup de mouvements possibles. Si vous n'avez pas de curseur ou de cardan, alors ne vous inquiétez pas. C' est toujours quelque chose que vous pouvez obtenir à l'avenir si vous le voulez. Vous devez aussi regarder vos projets, le travail que vous faites. Il est certainement intéressant de connaître l'histoire derrière les mouvements de la caméra indépendamment, si vous avez l'équipement approprié ou non. Ce que je conseille cependant, est d'abord d'obtenir un trépied. C' est le support de caméra le plus basique et le plus utilisé. Alors passons à la leçon suivante et voyons pourquoi vous devriez utiliser un trépied ou non. 20. Le trépied: Je pense que nous savons tous ce qu'est un trépied. Trois jambes et une tête. Sur cette tête, vous placez votre appareil photo. C' est l'outil le plus élémentaire pour obtenir un tir stable et c'est exactement à quoi sert un trépied, pour obtenir un tir stable. Un tir stable neutre sur un trépied semble professionnel. La raison en est que les prises de vue à la main nécessitent une certaine technique et vous devez vous concentrer sur vos mouvements portatifs. Lorsque vous n'êtes pas concentré sur cela, il est préférable d'utiliser un trépied. Un trépied signifie contrôle. C' est très naturel et agit un peu comme la confiance. Avec les têtes, nous pouvons faire un mouvement de pan, qui fait basculer votre appareil photo de gauche à droite. Ou on peut faire un mouvement d'inclinaison, on balance la caméra de haut en bas. Nous pouvons également combiner ces deux mouvements et passer d'un coin de haut en bas. Ces mouvements nécessitent une tête fluide sur votre trépied. Fondamentalement, il existe trois types de trépieds. Vous avez les trépieds en plastique bon marché qui n' ont pas de têtes fluides et vous voulez les éviter. Ensuite, il y a des trépieds photo RD ou des trépieds semi-vidéo, qui sont certainement un bon début. Faites attention qu'il est dit tête fluide. Ensuite, vous avez les trépieds professionnels avec des têtes de bol, mais ceux-ci vous donneront la meilleure performance et ont des tonnes d' excellentes options pour équilibrer votre appareil photo ou à différents niveaux de frottement. Si vous commencez et que vous avez un budget serré, alors je recommande de commencer avec un trépied vidéo semi-professionnel. Plus tard sur la route, vous remarquerez qu'un deuxième ou même un troisième trépied est utile. C' est pourquoi je ne recommande pas le meilleur trépied pour commencer. C' est une introduction rapide aux trépieds. Je ne veux pas trop me concentrer là-dessus. Assurez-vous juste qu'il est dit tête fluide si vous voulez en acheter un et vous ira bien. Il suffit de faire quelques recherches sur Google pour savoir quel est le meilleur trépied pour votre budget. Comme je l'ai déjà dit, un trépied montre de la stabilité dans vos tirs. Il ajoute un ton de confiance, neutralité, d'être, de contrôle sur la situation. Cela vaut aussi pour votre mouvement. Si vous suiviez quelqu'un avec un stylo, il est assez facile de garder cette personne sur la règle des tiers avec une certaine pratique. Il en va de même pour les photos de produits. Faites une petite bande sur son pour ajouter plus de profondeur à la prise de vue. Nous y reviendrons dans un petit instant, mais c'est très contrôlé, très neutre et cela montre à nouveau ce professionnalisme. De meilleurs mouvements d'inclinaison doivent également être pratiqués. Vous voulez essayer de commencer, doucement, faire un mouvement constant et arrêter lentement. Une excellente façon de pratiquer cela est d'accrocher trois par trois papiers sur un mur et de les numéroter de 1-9. Puis pliez, inclinez ou faites les deux d'un nombre à l'autre. Pour vous défier un peu, vous pouvez demander à quelqu'un d'autre d'appeler des numéros et vous devez essayer d'agir rapidement. Maintenant, si vous voulez tourner un film d'action où ces mouvements d'envergure ou d'inclinaison peuvent être beaucoup plus rapides, nous restons ce contrôle et qui réfléchit sur les sujets. Quelqu' un avec un statut élevé qui gagne le combat, ce personnage a le contrôle d'une situation et nous pouvons le refléter en filmant sur un trépied. C' est essentiellement ce que représente un trépied. Plus tôt, je parlais de profondeur, et j'ai également mentionné cela au début de ce cours. L' essence de la cinématographie est de créer de la profondeur. Voici la raison pour laquelle. Nous vivons dans un monde tridimensionnel. Cela signifie qu'il y a de la profondeur tout autour de nous, mais en vidéo c'est plat. Tu regardes des vidéos sur un écran plat. C' est aussi la raison pour laquelle ils ont inventé des films 3D. Pour créer l'illusion de la profondeur. Dans la leçon sur l'ouverture de l'objectif, nous avons parlé un peu de la façon dont un fond flou ajoute plus de profondeur à la scène car il créera une différence entre les avant-plans et les arrière-plans. Désormais, lorsque vous effectuez un déplacement panoramique, vos objets de premier plan se déplacent plus rapidement que les objets d'arrière-plan. Cela crée ce sentiment de profondeur quand il s'agit de mouvements de caméra. C' est l'une des grandes raisons pour lesquelles vous devriez toujours ajouter du mouvement à vos tirs. Pour créer de la profondeur, ce qui est encore l'essence de la cinématographie. A partir de maintenant, je vais donner des exemples clairs sur la façon de créer une telle profondeur dans chacune des leçons suivantes, car la profondeur peut être créée de milliers de façons. C' est fait que le mouvement de la caméra , l' éclairage, la conception sonore, les compositions , la direction artistique, le classement des couleurs , les effets visuels, ces lunettes 3D, etc. Un bon cinéaste va essayer de créer autant de profondeur que possible. Bien sûr, on ne peut pas prendre tous les éléments. C' est ce processus créatif qui consiste à combiner différents éléments pour créer de la profondeur qui est si intéressant. Bien que comme je l'ai déjà dit, ça va vraiment profond et vous aurez déjà besoin d'années d'expérience pour vraiment maîtriser ça. Nous allons donner quelques-unes des essences de ce cours pour vous aider à commencer. D' accord. La leçon suivante est tout sur les mouvements de mains. Donc je vous vois tous là-bas. 21. Le mouvement de la main: Handheld est le contraire de ce qu'un trépied signifie, vous obtenez des images instables et instables. Cependant, il existe de multiples variations de mouvements portatifs qui ont tous leur propre sens. Commençons par le mouvement de main doux. L' idée est d'essayer d'obtenir son tir stable sans trépied. Vous voulez chercher un bon moyen de tenir votre appareil photo bien serré. Des choses comme mettre vos coudes contre votre poitrine fonctionne très bien ou en se penchant contre un mur ou un arbre. Maintenant que vous allez appuyer sur ce bouton d'enregistrement, vous voulez faire attention à votre respiration. Vous pouvez soit retenir votre souffle pour réduire le mouvement, soit respirer doucement et sortir, et pousser la caméra autour de votre respiration. Votre respiration contrôle la vitesse des mouvements de la caméra. C' est un mouvement de poche très relaxant, mais il enlève ce bord de ce tir de trépied. Lorsqu' il est correctement fait, il ajoute certainement un peu plus dynamique, mais ce n'est pas toujours aussi pratique. Si vous êtes sur un objectif long ou un téléobjectif, dont nous avons parlé précédemment, il est plus difficile de maintenir votre vidéo stable. Cela fonctionne mieux sur les objectifs grand angle, où vous remarquez moins que le mouvement. Des choses comme les stabilisations de lentilles ou dans les civilisations de capteurs de caméra comme le GH5 a, fonctionnent également très bien pour ces prises de vue. Encore une fois, la raison pour laquelle vous voulez aller pour un coup de main est de créer plus de profondeur dans vos plans. Un aspect important ici est de chercher des objets de premier plan, et cela peut littéralement être n'importe quoi. Ici, nous avons Kim sans objet de premier plan, et voici Kim avec des objets de premier plan. Très simple, mais cela crée plus de profondeur. Vous pouvez rechercher des objets qui ont quelque chose à voir avec les sujets comme ce spray de peinture ici que nous avons avec l'artiste dans les arrière-plans, ou quelque chose de vague qui se trouve devant la lentille. Attention cependant à les utiliser dans la fiction. Il crée également un point de vue de quelqu'un qui a l'air très sournois à quelqu'un d'autre à cause de ces mouvements de poche et des avant-plans vagues. Mais pour des choses comme la prise de vue de produits , les vidéos d' événements, etc., c'est certainement un excellent moyen d'ajouter des détails et de la profondeur à vos photos. Le mouvement de poche n'est pas aussi contrôlé que les barres rayées. Ça ajoute un peu plus de tension. Il réfléchit sur le personnage qu'ils ne sont pas super stables eux-mêmes. C' est pourquoi vous voyez souvent des mouvements plus importants lors d'une scène dramatique où quelqu'un a été arrêté ou pendant un film de guerre, et le gars de la caméra marche avec les soldats dans la bataille. Ces personnages ne contrôlent plus. Leur situation n'est pas stable, et vous pouvez le souligner avec le mouvement des portables. Mais c'est très important que tu saches ce que tu fais. Ne commencez pas à faire tourner votre appareil photo. Même avec des mouvements plus importants, vous voulez toujours vous déplacer doucement. Si vous allez secouer avec la caméra, alors il semble qu'il est filmé par un amateur, touristes désastreux ou quelque chose comme ça. Ces secousses soudaines : essayez d'éviter cela. Si vous voulez obtenir un chaos des mouvements de poche, alors ne essayez de pomper de haut en bas une seule fois. Regardez les mouvements dans cet exemple. C' est plutôt trépidant, ce qui est génial pour les films d'action et autres, mais c'est contrôlé. Voici un exemple de mouvement portatif qui n'est pas contrôlé. Très typique, vous verrez cette vidéo fragile où la caméra monte et descend trop rapidement et trop. Voici un dernier exemple de lien entre vos mouvements et la tension de la scène. On voit la boxe géique. Ce sont des mouvements lourds. Mais quand il s'arrête soudainement pour se reposer, le mouvement de la caméra va aussi au repos. C' est très important que tu le fasses. Essayez d'ajouter des avant-plans lors prises de vue à main pour obtenir un peu de mouvement entre les différents objets, et faites attention à votre mouvement. Assurez-vous qu'il est contrôlé que vous ne secouez pas l'appareil photo et que vous vous adaptez à la scène. Une chose que je ne recommande pas pour les débutants est de marcher avec une caméra, ce n'est certainement pas facile, mais quelque chose qui peut aider avec ce sont des cartouches, et nous allons y arriver dans la prochaine leçon. Merci d'avoir regardé. 22. Le slider et le gimbal: Dans cette dernière leçon de ce chapitre, nous allons parler du reste des mouvements de la caméra. On ne peut pas parler de tout parce que ça nécessiterait un nouveau cours. De plus, je l'ai dit au début, qu'il est important de se concentrer uniquement sur vous et votre appareil photo en tant que débutant. Mais il est important de noter ce qu'il y a là et quel est le sens derrière certains mouvements. Dans cette dernière catégorie, nous pouvons trouver toutes sortes d'équipements qui nous permettent de déplacer la caméra dans l'espace, mais très contrôlé. Ainsi, vous pouvez le voir comme un trépied et portable dans un seul. Ce sont des choses comme des grues ou des mini flèches qui sont plus appropriés pour nous les réalisateurs de films reflex numériques. Cams stables ou stabilisateurs de type glidecam, cardan motorisé, qui sont même très populaires parmi les utilisateurs mobiles pour les vidéos amateurs. Les jeux de curseurs sont disponibles dans toutes sortes de formes et d'accessoires, ce qui permet à votre appareil photo de glisser sur un rail et cette liste continue. Je suis sûr que vous avez déjà entendu parler de ces choses avant. Regardons de plus près ce curseur. Il s'agit d'un rail sur lequel vous pouvez glisser de gauche à droite ou de l'arrière à l'avant. Avec un peu de créativité, vous pouvez vraiment faire des mouvements impressionnants avec elle. Mais encore une fois, c'est contrôlé et ça donne le même ton à la scène. Une glissière latérale normale crée beaucoup de profondeur. Encore une fois, vous voulez rechercher ces objets de premier plan. Il révèle également beaucoup d'espace. C' est également un excellent exemple lorsque vous utilisez un objectif grand angle où tout est mis au point. Nous ne pouvons pas vraiment créer cette profondeur avec un fond flou. À l'aide d'un curseur, nous créons de la profondeur d'une manière différente. Jetons un coup d'oeil aux gimbals maintenant, car ils sont si populaires. Ceux-ci sont fabriqués à partir de différents moteurs qui assureront la stabilité de la caméra. Vous pouvez courir avec un cardan et avoir un bon coup de feu fluide. Il y a un peu plus de mouvement en tant que curseur, car nous allons latéralement et de haut en bas. Il a plus d'une touche de main à elle. C' est moins contrôlé qu'un curseur. Si vous voulez avoir la même liberté qu'un cardan, mais plus de contrôle, vous allez devoir regarder des grues ou des flèches. Ainsi, les cartouches sont souvent utilisées pour suivre quelqu'un. Vous pouvez glisser à travers l'espace. Il a plus de cela étant en statut de contrôle à lui. Parce qu'il est placé comme ça, c'est un mouvement plutôt cool. Vous avez aussi toute la liberté avec un cardan. Presque n'importe quel mouvement est possible. Voici quelques mouvements courants. Vous pouvez faire un suivi sur un sujet. De cette façon, vous isolez le sujet, en vous concentrant davantage sur les talents. Vous pouvez également faire une trace pour quitter le sujet. Par exemple, quand un personnage a le cœur brisé à cause de la perte de quelque chose, ou qu'il est perdu au milieu de nulle part et se sent seule. En traçant, le public quitte le personnage en soulignant cette émotion. D' autres mouvements cool courent autour de quelqu'un. Cela fonctionne très bien sur les télélentilles et fait bouger rapidement les arrière-plans. Vous ne pouvez pas l'utiliser lors d'une réalisation du personnage car il isole énormément le personnage d'une manière dramatique. Mais quel que soit le mouvement que vous faites, essayez toujours de rechercher des objets dans les avant-plans, les arrière-plans ou sur le côté. Pendant que vous effectuez vos mouvements, vous souhaitez apporter du mouvement dans les éléments de l'espace 3D que vous capturez. Commencez par pratiquer sur un trépied. Accrochez ces neuf morceaux de papier au mur et tournez et inclinez d'un nombre à l'autre. Ensuite, essayez plusieurs photos de poche différentes. Commencez par des mouvements doux, puis des mouvements de poche plus grands. Si vous avez un curseur ou un cardan, je suis presque sûr que vous avez déjà joué avec. Mais ce que vous pouvez faire ensuite, c'est penser à ce que votre mouvement dit en premier. Vous quittez le personnage ou vous rapprochez ? Votre mouvement est-il rapide ou lent ? Mais rappelez-vous toujours que la clé du mouvement de la caméra est de créer de la profondeur. Cette leçon fait suite à un petit quiz pour vérifier si vous avez fait attention. Dans le prochain et dernier chapitre, nous allons jeter un oeil à la lumière. Je vais vous montrer le principe de base de l' éclairage et comment cela s'applique à tous les environnements. Que vous mettiez en place des lumières supplémentaires ou non. Merci beaucoup d'avoir regardé et bonne chance avec le quiz. 23. Quiz 4 - Mouvement de caméra: 24. Introduction à la lumière: Bienvenue les gens. Jusqu'à présent, vous avez appris comment fonctionne votre appareil photo, comment faire des photos d'apparence professionnelle et comment y ajouter une grande dynamique avec les mouvements de l'appareil photo. Vous êtes presque prêt à commencer votre projet de film parce qu'il y a une autre chose que nous ne pouvons pas négliger, c'est la lumière. Si vous éteignez les lumières, il fait sombre. Un écran noir. Vous pouvez imaginer à quel point la lumière est importante, non ? Il y a deux choses que nous voyons lors de l'analyse de la lumière, c'est-à-dire la lumière elle-même et l'ombre qu'elle crée comme vous pouvez le voir ici aussi sur mon visage. Souvent, il est négligé, mais les ombres sont tout aussi importantes que la lumière. Rappelez-vous que nous essayons de créer de la profondeur dans nos plans. Eh bien, l'éclairage pourrait être les éléments les plus importants pour créer de la profondeur. Si vous dessinez un cube 3D, mettez un crayon, que feriez vous pour le rendre aussi réel que possible ? Exactement. Vous dessineriez à différentes intensités d'ombre dessus. Si vous dessinez une balle, vous obtiendrez ce dégradé d'ombre sur elle pour la faire ressembler à un vrai objet rond. Les ombres sont l'essentiel pour définir la texture ou la profondeur d'un objet et c'est pourquoi vous devez faire attention à l'endroit où vous placez ces ombres dans vos plans. Les leçons suivantes ne seront pas spécifiques sur la façon de configurer l'éclairage, mais je vais vous expliquer comment fonctionne l'éclairage pour une vidéo. Une fois que vous comprenez cela, vous savez aussi comment traiter avec les satellites ou où placer votre sujet dans une pièce dotée d'un éclairage occasionnel. Comme si vous avez la possibilité de vous déplacer ou de décoller vers les lumières, de placer des bougies ou de fermer les rideaux, alors vous saurez quoi faire pour créer plus de profondeur cinématographique dans vos clichés. 25. L'éclairage en 3 points: L' éclairage à trois points est un principe qui définit l'essentiel de la création de profondeurs. Nous allons utiliser de vraies lumières de film pour expliquer cela, mais vous remarquerez que c'est une technique qui peut être appliquée à n'importe quel objet qui donne de la lumière. Ce sont des fenêtres, une télévision, lumières décoratives, des bougies, et ainsi de suite. Comme son nom l'indique, l'éclairage à trois points existe à trois sources lumineuses. Le premier s'appelle les lumières de remplissage. Le but de la lumière de remplissage est de remplir la pièce et le sujet pour un éclairage global. Maintenant, comme je l'ai déjà mentionné, les ombres sont très importantes, c'est ce qui crée de la profondeur. profondeur placera cette lumière sur le site du sujet, sorte qu'elle ne puisse pas créer une ombre sur le visage de Kim. Maintenant très important pour une lumière de remplissage est qu'il n'est pas trop intense. Idéalement, vous voulez avoir une lumière douce, quelque chose de très doux qui crée une ombre douce, illuminant toute la pièce, c'est pourquoi je mets un filtre doux devant les lumières, qui ne font pas trop attention à l'équipement utilisé. Rappelez-vous juste trop grand une lumière globale douce. La lumière suivante est appelée la lumière clé. Il se trouve de l'autre côté du visage de Kim et il fonctionnera comme une lumière plus artistique. Vous pouvez utiliser un point dur si vous voulez, mais généralement les visages sont littéralement un lumières de logiciel. Une chose est sûre que la lumière clé va être plus intense. Si une lumière clé et une lumière de remplissage sont tous les deux les mêmes, vous n'aurez pas ces ombres qui échangent la profondeur. Nous allons mettre sur un endroit plus grand et plus intense pour les lumières clés. Maintenant, vous verrez que nous avons une belle dégradation sur le visage de Kim. Son côté gauche est plus éclairé que le site des droits créant des profondeurs. Ensuite, la dernière et la troisième lumière sont le rétro-éclairage, qui est les lumières les plus puissantes pour créer de la profondeur. Si vous n'avez qu'une seule lumière disponible, utilisez-la comme rétro-éclairage. Mais nous en parlerons beaucoup plus profondément dans la prochaine leçon. Le rétro-éclairage est assis à l'arrière du sujet, et toujours du côté opposé des lumières clés, et il brillera à l'arrière du sujet, créant ce joli halo, comme vous pouvez également le voir ici dans le studio. Puisque la lumière clé est l'éclairage avant le plus lumineux, nous voulons nous assurer que le rétro-éclairage brille sur le site des lumières de remplissage, il crée plus de contraste ce plus de profondeurs visuelles. Le rétro-éclairage peut être une lumière très dure et intense, donc nous n'avons pas besoin de l'adoucir. Avoir une lumière chaude à l'arrière crée un joli halo autour du sujet, les faisant sortir. C' est l'éclairage à trois points, et il contient l'essentiel de ce qu'est la lumière. Rappelez-vous que le but est de créer des ombres et un contraste entre différentes sources de lumière. Nous allons travailler plus loin sur ce principe dans la prochaine leçon et utiliser toute la journée des sources de lumière comme le soleil lorsque ces lumières décoratives, etc., pour créer plus de profondeur dans nos prises de vue. 26. Lumière naturelle: La configuration d'éclairage à trois points contient de nombreuses pratiques, mais nous n'avons pas toujours besoin des trois lumières. Vous pouvez parfaitement choisir seulement un rétroéclairage ou seulement une lumière clé, et souvent la lumière de remplissage est déjà là. Par exemple, donnez-moi debout dans notre salon, à travers les fenêtres, venez diapositives. Il y a donc nos lumières de remplissage. Je vais ajouter une lumière clé sur le côté de son visage pour créer un peu de contraste dessus. C' est maintenant une configuration d'éclairage à deux points, ce qui est également parfaitement possible, que la position de la lumière clé est très importante. Cela a à voir avec la direction de visionnement des talents. On en a déjà parlé. Quand le talent regarde sur le côté gauche, nous allons également positionner les lumières clés sur le côté gauche. Cela permettra de s'assurer que la lumière clé fonctionne un peu comme un rétroéclairage, ce que j'ai mentionné précédemment, est une position d'éclairage très puissante pour créer de la profondeur. Si cette lumière se trouve de l'autre côté, elle s'aplatira comme le sujet. Avec n'importe quel type de source de lumière, vous avez toujours voulu être sur le dos du sujet, même si c'est juste d'un très faible degré. Kim regarde devant une fenêtre. Quand je prends une photo frontale de ça, je vais lui demander de mettre un peu sur le côté pour que la lumière de la fenêtre rebondisse sur son côté et que je puisse filmer de ses sites d'ombre. C' est un principe super important et nous allons plonger un peu plus loin dans la dernière leçon. Mais d'abord, je vais parler de la lumière du soleil, probablement la source de lumière la plus utilisée par tout le monde. La lumière du soleil est une source de lumière et elle brille sur l'environnement tel que le sol. Cet environnement reflète cette lumière qui agit maintenant comme une seconde source de lumière. Ça va être les lumières de remplissage. Notez que la lumière du soleil peut fonctionner comme le rétro-éclairage ou la lumière clé, mais parce que la lumière du soleil est si intense, le placera généralement comme rétro-éclairage. Il crée également un très beau halo autour du sujet. Parfois, ce rétro-éclairage est si intense que nous avons besoin de créer une lumière clé. La façon la plus simple de le faire est de refléter la lumière du soleil. Vous pouvez utiliser des réflecteurs professionnels ou simplement un panneau de mousse blanche du dépôt à domicile. Tout ce qui a une entrée de surface blanche faits, les lumières fonctionnent. Comme nous l'avons vu dans la leçon précédente, nous voulons le rétro-éclairage du côté opposé de la lumière clé. Dans cet exemple, reflétera la lumière du soleil sur le côté gauche de Kim. Comme le rétro-éclairage vient de son épaule droite de notre point de vue. Comme vous pouvez le voir, vous pouvez prendre les principes de l'éclairage à trois points et les appliquer à n'importe quelle situation. Vous pouvez même opter pour une configuration d'éclairage à deux points, où vous n'avez qu'un rétroéclairage ou une lumière à clé. Important de toujours se rappeler, c'est que vous créez des ombres avec votre lumière clé et un joli halos avec le rétro-éclairage. 27. Éclairage pratique: Dans un éclairage spécial, nous pouvons trouver de nombreuses sources de lumière. Lorsque vous faites des configurations plus avancées, cela va avoir beaucoup plus de sens. Mais j'aime déjà vous donner certaines des bases à ce sujet. Nous parlons ici d'éclairage pratique. Au début, cela n'a rien à voir avec la configuration d'éclairage à trois points, mais cela ne peut pas avoir d'influence sur elle. Les lumières pratiques sont des sources de lumière qui sont visibles dans votre prise de vue, comme ces ampoules ici autour de moi. Ce sont des lumières pratiques. Avoir une source de lumière dans vos prises de vue crée une profondeur énorme, car vous avez une tache qui crée plus d'exposition que son environnement. Cette ampoule ici est plus lumineuse que ses arrière-plans. C' est un rétroéclairage qui ne brille pas directement sur vos sujets. Voici un autre exemple tiré d'une vidéo que nous avons faite pour le bit premium, l' un de nos sponsors sur YouTube. Remarquez comment nous avons cette source de lumière dans les arrière-plans. Il donne vie à toute la scène en brisant cette ombre plate dans les arrière-plans. Mais donne-moi ton siège à une table, et il n'y a que quelques lumières de remplissage de la lampe au-dessus d'elle. Pour rendre la scène plus intéressante, nous allons allumer les lumières pratiques derrière elle. Maintenant, il est important que vous ayez des pratiques qui ont du sens. Si vous filmez dans un salon, assurez-vous d'avoir dans cet arrière-plan une source lumineuse qui s'insère dans une scène, telle qu'une position dégonflée [inaudible]. Si vous faites une interview dans une usine industrielle, alors vous pouvez ajouter un voyant d'alarme rouge dans les arrière-plans. Vous rendez le luminaire visible dans votre photo pour qu'il corresponde à notre scène. Une conclusion rapide de ce chapitre. Les principes d'une configuration d'éclairage en trois points sont de créer des ombres. Vous voulez avoir vos lumières provenant d'un site et créer un haut bas, en mettant un rétroéclairage plus dur à l'arrière. Utilisez ce principe dans les situations quotidiennes, les fenêtres, la lumière du soleil, les bougies, etc., tous fonctionnent comme une source de lumière. Essayez de les positionner sur votre sujet afin qu'ils puissent s'adapter à ce principe d'éclairage en trois points. La dette est créée en ayant ses lumières venant de l'arrière, même si c'est un angle court, ce qui signifie placer votre sujet d'abord, puis la lumière clé. L' éclairage avant est considéré comme des appartements. Enfin, essayez d'expérimenter avec des pratiques. Ce sont des lumières qui sont juste visibles dans votre photo. Si vous aviez un petit quiz pop venir tout de suite pour tester vos connaissances et après cela une conclusion finale et un conseil de vie. Merci beaucoup d'avoir regardé et bonne chance. 28. Quiz 5 - Lumière pour la vidéo: 29. Conclusion: Donc, nous sommes les gars. La dernière et dernière vidéo de ce cours. Tout d'abord, félicitations pour avoir terminé son. C' est aussi génial que vous soyez toujours là pour regarder cette vidéo de conclusion. Cela signifie que vous êtes vraiment dévoué à vous mettre au niveau supérieur de la réalisation cinématographique. Pour tout le monde va avoir besoin de la pratique. Ne vous attendez pas à être mieux soudainement après un seul cours. Tu vas avoir besoin de plusieurs mois de pratique maintenant. Heureusement, vous avez ce cours, sorte que vous savez sur quoi vous pratiquer. Tu as vraiment fait un grand bond en avant. C' est ainsi que j'aimerais terminer le cours, avec trois mots qui se sont adressés à moi et à un cinéaste, à un entrepreneur, à un YouTuber à plein temps et à quelqu'un qui est capable employer et de travailler sur des projets cinématographiques pour d'énormes réclamations. N' abandonnez jamais. C' est un secret pour ce cours et pour la vie. Vous avez accès à ce cours à vie. Alors s'il vous plaît ne reregardez quelques-unes des leçons et peut-être tout à nouveau, pratiquez tous les directeurs. Sentez-vous à apprendre de vos erreurs et faites mieux votre travail. Mais ne jamais abandonner et je veux vous remercier autant d'avoir participé à ce cours. Vous pouvez rester en contact avec moi sur YouTube, il suffit de vous abonner à Cinecom ou de visiter cinecom.net et vous vous inscrivez à notre newsletter pour recevoir une notification chaque fois que nous téléchargeons une nouvelle vidéo de trucs et astuces. Il y a toujours cette chose que nous disons à la fin de nos vidéos. Merci d'avoir regardé. Par conséquent, restez créatif.