Maîtriser les compositions cinématographiques en vidéo et en cinéma

1. Introduction au cours: Vous avez pris un appareil photo et commencé à filmer des vidéos, mais vous avez du mal à atteindre ce niveau supérieur et à réaliser les mêmes clichés que les cinéastes professionnels font. Laissez-moi vous dire un secret, il ne s'agit pas de votre appareil photo, mais de la personne derrière la caméra. Bonjour les gars, je m'appelle Jordy et je suis un cinéaste de Belgique, mais la plupart d'entre vous pourraient me connaître de la chaîne YouTube Cinecom où nous partageons toutes sortes de tutoriels vidéos sur le montage vidéo et cinématographie à plus de deux millions d'abonnés. Maintenant, la composition et l'art sont tout. C' est ce qui fait que les grands peintres se démarquent, pourquoi vous cherchez pendant des heures à une seule image et de laisser tomber votre mâchoire en regardant une vidéo magnifique. C' est pour ça que j'aime t'aider. Dans cette classe, vous trouverez 12 leçons courtes très pratiques et pratiques, afin que vous puissiez apprendre à faire de grandes compositions en un rien de temps. Je ne vais pas vous déranger avec la théorie ennuyeuse. Après tout, le cinéma est une question d'expérience, et cela vient de quelqu'un qui a passé trois ans à l'école de cinéma. Nous allons voir comment mettre la règle des tiers à la pratique ainsi que le ratio d'or. Nous allons créer différentes compositions, travailler avec des mouvements, et regarder l'histoire derrière elles. À la fin de la classe, vous serez en mesure de faire grandes compositions basées sur votre choix créatif. Rejoignez ma classe dès maintenant et apprenons à faire ces compositions cinématographiques ensemble. J' espère vous revoir dans la première leçon. Merci d'avoir regardé. 2. Qu'est-ce qu'une composition ?: Eh bien, bonjour là. Tellement génial que tu as rejoint la classe. Je suis vraiment excité de travailler avec vous et de plonger dans le monde des compositions. Mais avant de pouvoir le faire, nous devons d'abord comprendre ce qu'est exactement une composition et pourquoi elle est si importante. Donc vous avez quelque chose que vous voulez capturer, nous appellerons ça le sujet. Que ce soit une personne ou un paysage, peu importe, c'est votre sujet. Maintenant, il y a différentes façons de capturer ce sujet. Vous pouvez placer votre appareil photo bas au sol, vous pouvez zoomer avant ou arrière, peut-être même déplacer la caméra. Où placez-vous vos sujets dans le cadre et combien d' éléments impliquez-vous dans vos plans ? Tant de questions. Par exemple, mon sujet est Lucia. Elle va aider tout au long de la classe. Lucia, étudiante, étudiante, Lucia. Maintenant, je peux choisir de la mettre au milieu du cadre seule ou avec un arbre. Même si mon sujet principal est Lucia qu'on me demande de filmer, je peux choisir d'ajouter plus ou moins d'autres éléments dans les plans. Vous avez des milliers de façons différentes de capturer votre sujet sur la vidéo, mais seulement quelques-unes d'entre elles sont le bon choix. Une fois que vous comprenez comment la composition fonctionne, prendre cette décision peut aller très vite. Avec beaucoup de pratique, il devient plus un sentiment que de suivre un ensemble d'instructions. C' est une façon dont les différents éléments sont disposés dans vos photos peuvent se sentir bien et détendu ou juste bizarre et irritant. Avec l'aide avec ce sentiment, il y a un ensemble de règles, dont certaines vous avez peut-être déjà entendu parler, comme la règle des tiers ou la spirale de Fibonacci, également appelée le ratio d'or, conduisant , la théorie des couleurs, etc. Maintenant, ces règles vous aideront à définir où votre sujet doit apparaître dans le cadre, comme la règle des tiers, qui est l'un de ces ensembles de règles les plus basiques qui vous aideront à améliorer drastiquement votre travail de vidéographie, et nous allons donc jeter un coup d'œil sur cela dans la prochaine leçon. Suivant est le flux, également un ingrédient important d'une composition. Même si vos éléments peuvent être placés correctement par la règle des tiers, le flux peut être complètement désactivé. Flow signifie, où les yeux ont-ils regardé et où orientons-nous les yeux ? Maintenant, par exemple, nous avons Lucia, très en vue dans le plan, donc c'est la première chose que nous regardons. Mais elle regarde Lorenzo par-dessus son épaule. Oh, ouais, Lorenzo, étudiant, Lorenzo. Vous le connaissez peut-être, il est aussi de notre chaîne YouTube. Quoi qu'il en soit, la deuxième chose que nos yeux font maintenant est d'aller dans la direction que Lucia regarde jusqu'à ce que nous atteignions Lorenzo. C' est donc une façon d'utiliser le flux, guidant les yeux pour explorer les plans. Nous pouvons même apporter cela un peu plus loin dans la façon dont nous éditons, mais c'est pour plus tard dans cette classe. Jusqu' à présent, nous avons les règles et le flux. La dernière est l'histoire, ou plus spécifique, l'histoire visuelle. Si votre personnage se sent solitaire et triste, nous pouvons jouer ça. Mais nous, en tant que cinéaste, nous pouvons aussi le montrer visuellement. Par exemple, nous pouvons placer Lorenzo très petit dans un tir avec beaucoup d'espace vide autour de lui. Tu vois ce que je fais ici, non ? En fonction de l'histoire que j'essaie de raconter, je change ma composition. Ce sont les trois ingrédients que nous allons aborder au sein de cette classe pour créer une composition, qui sont les règles, le flux et l'histoire. Merci d'avoir regardé. Dans la leçon suivante, nous allons commencer par la règle des tiers. 3. La règle des tiers: Les règles. En tant que personne créative, vous pourriez ne pas aimer les règles. Mais croyez-moi, la règle des tiers est là pour nous aider à mieux comprendre où placer notre sujet et les différents éléments dans un plan. Fondamentalement, nous divisons le plan en trois parties, horizontales et verticales. Ce raster est la règle des tiers et souvent nous pouvons le définir comme une superposition sur notre caméra. Même les téléphones intelligents ont ces. Donc vous êtes probablement déjà familier avec ça. Maintenant, la façon dont nous utilisons ces lignes directrices consiste à aligner des éléments importants sur ces lignes directrices. Par exemple, placez l'horizon d'un paysage sur l'une de ces lignes horizontales. En fonction de ce qui est le plus intéressant ou de ce qui se passe dans les photos, vous choisissez le haut ou le bas. Lorsque vous avez des nuages intéressants, par exemple, nous choisissons généralement la ligne directrice du bas à placer à l'horizon. Lorsque vous êtes le ciel n'est pas si intéressant ou que vous avez quelque chose qui se passe dans le fond de votre cadre, sur le terrain, vous faites le contraire. C' est un choix que tu dois faire. Avez-vous des choses comme un arbre ou une montagne ou quelque chose d'important dans vos photos ? Ensuite, essayez d'aligner cela sur l'une des lignes verticales. Il équilibre les éléments dans les tirs. Ce que nous faisons ici, c'est créer une composition en suivant la règle des tiers, filmer une personne qui regarde directement dans la caméra, nous pouvons les placer au milieu des plans, mais les yeux vont sur la ligne supérieure. Quand cette personne regarde loin de la lentille, il existe une direction de vision, La direction que cette personne regarde. Il est important de donner de l'espace à cette zone d'observation, et donc nous plaçons cette personne sous la bonne direction dans cet exemple. Placer votre sujet sur une ligne attire l'attention. Si vous tirez deux personnes en même temps, vous pouvez choisir de placer une personne sur la ligne verticale et l'autre entre deux lignes. Dans ce cas, Lucia est plus importante que Lorenzo, nous nous concentrons sur elle. Vous pouvez déjà voir comment nous pouvons jouer avec la règle des tiers. revenant à l'idée de placer quelqu'un au milieu d'un tir, ce n'est pas une composition de chauve-souris. Mais la façon dont cela a fonctionné, c'est que vous mettiez l'accent au milieu du tir. C' est là que le public se penchera. C' est idéal pour les présentations ou où vous avez quelqu'un qui communique directement avec le public comme je le fais en ce moment. Mais si vous voulez ajouter un peu plus d'histoire, plus de flux dans votre composition, vous placez votre sujet sur la ligne gauche ou droite. Cela crée de l'espace et permet d'introduire plus d'éléments. Nous verrons comment l'histoire et le flux fonctionnent exactement plus tard dans cette classe. Pour l'instant, c'est la règle des tiers. Je vous encourage à sortir et à pratiquer ça un peu. Vous pouvez utiliser votre téléphone pour ça. Prenez des photos ou filmez des vidéos de vos chats ou de la rue ou d'un ami, peu importe, créez un sujet et créez différentes compositions en utilisant la règle des tiers. Merci d'avoir regardé. 4. Le nombre d'or: Tout comme la règle des tiers, le rapport d'or est une deuxième ligne directrice pour aligner les éléments sur une grille. Cette fois, cette grille ressemble à ça, que vous avez déjà vu. Le rapport d'or est une équation mathématique, avec laquelle je ne vais pas vous déranger, mais en bref, nous divisons un cadre de telle sorte que la partie gauche est environ 1,6 fois plus grande que les homologues, et nous Continuez à diviser ça. La partie droite sera désormais divisée verticalement selon le même rapport de 1,6. La partie suivante est divisée horizontalement par le même rapport, et cela continue et continue. Enfin, nous pouvons dessiner une spirale à travers tous ces rectangles, et c'est cette fameuse spirale de Fibonacci, nommée d'après le mathématicien qui a trouvé cette équation. Mais qu'est-ce qu'il y a dedans pour nous ? Eh bien, le rapport d'or peut être vu n'importe où. La partie inférieure de votre bras est 1,6 fois plus grande que vos mains. va de même pour la position de vos yeux, qui reposent au même rapport sur votre tête, la forme d'une fleur, la coquille d'un escargot (qui est très souvent utilisé dans cet exemple), même le système solaire, galaxies, ou les plus petites choses comme notre ADN. Tout dans l'univers semble s'aligner sur le ratio d'or. Et si nous faisons une composition qui suit également les lignes directrices du ratio d'or ? Eh bien, on finirait avec un tir très équilibré. La règle des tiers est un peu similaire et provient certainement du rapport d'or, mais avoir cette spirale supplémentaire nous aide à aligner les éléments avec un plus grand espace vide. Par exemple, nous plaçons notre sujet au rapport d'or, et nous pouvons le retourner pour que la spirale aille vers la zone la plus importante, à savoir les yeux de Lucia. En utilisant le reste de la spirale, je peux chercher des choses en arrière-plan ou au premier plan pour suivre cette ligne. Un autre exemple est celui où nous demandons à Lorenzo de s'asseoir. Il est le sujet, donc je vais retourner la superposition pour m'assurer que la spirale s'aligne à nouveau avec les autres éléments. Nous pouvons également appliquer cette règle aux gros plans où nous choisissons un point de mise au point et alignons le reste des éléments de manière à ce qu'il suit la spirale. Vous remarquerez que cela va vraiment assez facile, car le ratio d'or est quelque chose qui revient dans notre vie quotidienne. C' est en un mot le rapport d'or. Maintenant, vous pourriez être coincé avec la question : quelle règle dois-je suivre maintenant, la règle des tiers ou le ratio d'or ? Eh bien, les deux sont bons, donc il n'y a pas vraiment de réponse à ça. Au début, il est important de pratiquer les deux. Plus vous gagnez d'expérience, plus vous ressentez quelle règle vous devez suivre ou même mélanger ensemble. A partir de maintenant, nous allons également mélanger différentes techniques pour créer des clichés encore plus intéressants et dynamiques. Aujourd'hui, la règle des tiers est surtout utilisée dans le travail de télévision, les nouvelles, les vidéos d'événements, la production quotidienne qui ne nécessite pas de cinématographie spécifique, car il est facile de s'aligner sur la règle des tiers. Avec un peu de pratique, vous pouvez mémoriser les lignes directrices et sans réfléchir, vous alignez vos plans correctement. Le ratio d'or est un peu plus complexe et est également considéré comme une façon plus cinématographique de compositing, car il ouvre beaucoup plus pour raconter une histoire visuelle. Ce sont les deux plus grandes différences. D'accord. Je vais vous inviter à nouveau à sortir et pratiquer le ratio d'or, et si votre appareil photo ne peut pas superposer cela, il y a différentes applications pour votre smartphone qui peuvent le faire. Tant que vous pratiquez, votre téléphone est un excellent outil pour cela. Encore une fois, prenez des photos ou de courts clips vidéo de choses qui sont en train de traîner ou demandez à un ami et pratiquez le ratio d'or un peu avant de revenir. Parce que dans la prochaine leçon, nous allons examiner la profondeur du champ et comment nous pouvons l'intégrer dans ces nouvelles règles de composition que nous venons d'apprendre. Merci d'avoir regardé. 5. Profondeur de champ: Avec notre caméra, nous pouvons nous concentrer sur un sujet, ce qui rend cette personne nette et l'arrière-plan dénué. Nous parlons de mettre notre sujet en avant, et le reste hors de l'attention. L' idée derrière la mise au point est que vous pouvez créer plus adepte dans vos plans. Après tout, nous regardons une vidéo 2D à plat. Il ne semble pas que nous tournons nous-mêmes, mais le public perçoit définitivement la vidéo comme bidimensionnelle. C' est pourquoi nous, en tant que cinéastes, devons créer l'illusion que notre scène est tridimensionnelle, et la concentration est l'une des façons de le faire. Avoir votre sujet en focus et l'arrière-plan non, se sépare en deux couches, le public aura un sens plus tridimensionnel que Lorenzo était lâche de l'arrière-plan. Actuellement, nous avons deux calques, mais nous pourrions également en ajouter un troisième en introduisant également un objet de premier plan. Nous passons maintenant de la mise au point à la concentration et à la non-concentration. Ou nous pouvons même capturer un dégradé et avoir une partie centrale en focus. Nous tombons avec la règle des tiers et le ratio d'or, nous n'avons travaillé que deux dimensions. Avec la profondeur de champ, nous pouvons ajouter une dimension supplémentaire à la composition. Avec la règle des tiers, nous définissons où le public doit regarder en plaçant les yeux sur la ligne horizontale. Avec le focus, nous pouvons rendre le sujet précis et ainsi le public regarde ce point. En combinant ces deux techniques, nous pouvons mettre l'accent sur les lignes directrices et définir vraiment où le public devrait regarder. Mais aussi, nous allons éviter d'avoir un élément de premier plan hors focus à placer sur les tiers. Dans un plan comme celui-ci, on a l'impression de vouloir attirer trop l'attention sur l'objet de premier plan, qui est un rocher. C' est hors de la concentration. Dans ce coup se sent irritant. C' est pourquoi nous allons le placer à côté de la ligne directrice verticale et utiliser le premier plan pour remplir l'espace vide, mais pas attirer l'attention sur celui-ci. Maintenant, à quelques exceptions près, l'objet de premier plan hors focus peut en fait être important. Comme dans cet exemple, Lorenzo regarde le paysage et les arrière-plans. L' arrière-plan n'est pas concentré car c'est mon sujet. Je veux montrer le paysage à mon public. Mais en même temps, je veux aussi montrer que Lorenzo regarde ce paysage et en profite. Il devient plus qu'un simple élément de premier plan. C' est pourquoi nous ne pouvons pas le placer plus en évidence dans les plans sur les lignes directrices sur la règle des tiers ou même au centre comme dans cet exemple. En travaillant avec le rapport d'or, nous pouvons utiliser cette spirale pour placer cela sur une épaule hors de la mise au point et où la spirale va, remplacer cela et l'œil des personnages, que nous avons mis au point. C' est un coup d'épaule typique. Mais nous pouvons également travailler avec une branche d'arbre ou d'autres éléments comme un objet de premier plan et l'aligner sur la règle des tiers ou le rapport d'or. La bonne chose à propos d'un élément de premier plan est qu'il est souvent facile d'arts, et cela n'a pas toujours de sens parce qu'il est floue, il n'attire pas l'attention, et vous ne pouvez pas vraiment voir ce que c'est. Les milieux sont souvent un peu plus difficiles, mais vous devez vous demander, à quel point mon parcours est important, est-ce distrayant ? Alors faites-le hors de la concentration. Est-ce important ou intéressant ? Ensuite, ne le mettez pas hors de la mise au point et créez de la profondeur en utilisant d'autres techniques. Pour récapituler, les éléments hors focus sont généralement un moyen créer de la profondeur et d'ajouter un remplissage à l'espace vide. C' est pourquoi nous les alignons sur les règles de composition, afin qu'elles n'attirent pas trop l'attention, moins qu'il n'y ait une exception comme nous l'avons vu auparavant. C' est ainsi que la profondeur des champs joue un rôle important dans la composition. Dans la leçon suivante, nous allons travailler avec les couleurs et les expositions pour aider à faire une composition plus intéressante. Merci d'avoir regardé. 6. Couleurs et exposition: Les couleurs et les niveaux d'exposition fonctionnent un peu comme la profondeur des champs. Outre la couleur de la psychologie, son but est également de créer de la profondeur dans votre scène. Commençons par l'exposition car c'est la plus facile à comprendre. Si vous avez un fond sombre et que votre sujet porte aussi quelque chose de sombre, tout a le même ton et rien ne sépare vraiment l'un de l'autre. Si nous demandons au talent de porter quelque chose de brillant, nous attirons immédiatement l'attention sur elle. Elle apparaît parce qu'elle est séparée de l'arrière-plan. Cet exemple fonctionne exactement de la même manière qu'un arrière-plan hors focus. Nous pouvons donc commencer à appliquer les mêmes techniques. Comme avant, nous nous sommes concentrés sur l'arrière-plan et nous avons dirigé notre talent en tête dans la règle des tiers. Cette fois, nous allons tout garder au centre, mais au lieu de cela, assurez-vous que le talent porte quelque chose de brillant et opposé aux arrière-plans. Lorsque vous travaillez avec des éléments de premier plan pour créer plus de profondeur, il serait également bon de les rendre moins lumineux que le sujet. Dans cet exemple, nous avons une branche d'arbre qui plie le rapport d'or vers les sujets. Si cela devait être trop lumineux, il recevrait trop d'attention, alors travaillez avec des ombres dans vos avant-plans pour le séparer davantage. Je pense que c'est assez évident. Maintenant, avec les couleurs, cela fonctionne un peu similaire. Si vous avez une certaine palette de couleurs que vos chemises comme ce jaunâtre des sables, et qui se trouve juste être que Lorenzo portait un pull de couleur similaire, toute la palette de couleurs est très similaire donc rien ne se distingue vraiment à cause de cela . Si nous changeons les couleurs dans les arrière-plans ou peut-être changer les couleurs des vêtements du sujet, vous verrez que Lorenzo sort beaucoup mieux maintenant avec ses vestes bleues. Je pense que c'est tout à fait évident. Mais une fois que nous commençons à mélanger plus de couleurs, il est important de savoir ce qu'elles représentent afin que nous puissions décider si une couleur est importante ou non. Les couleurs proéminentes sont généralement les couleurs chaudes, comme le jaune, orange , rouge, et nous pouvons les trouver dans les tons de peau, feu, la lumière du soleil, etc Ce sont des couleurs vives vives et ils attirent l'attention. En regardant la roue de couleur, nous pouvons voir que toutes ces couleurs sont proches les unes des autres. Sur le côté opposé, nous pouvons trouver les couleurs opposées. Ce sont les couleurs froides, comme le bleu, le violet, le vert. On peut les retrouver dans les arbres, le ciel, mais aussi les ombres, les nuits. Nous ne sommes généralement pas attirés vers ces couleurs. En regardant cet exemple, nous avons un environnement bleuté et le talent tient une lumière chaude. Nous sommes instantanément attirés vers les sujets, non seulement parce qu'il y a une différence de couleur, mais aussi à cause du contraste de couleur. La couleur orange chaude contraste avec le bleu opposé. Lorsque nous tournons devant un arbre vert ou un buisson, nous pouvons faire éclater nos sujets en lui donnant une écharpe de couleur rouge, l'opposé du vert, qui tire le sujet vers l'avant et attire l'attention. C' est les bases mêmes de la théorie des couleurs. Maintenant, comment cela nous aide-t-il à faire une composition ? Eh bien, par exemple, en prenant ce sac d'environnement bleu et le talent qui tient une lumière chaude, nous pouvons utiliser le ratio d'or et utiliser la spirale pour guider les yeux du public vers le talent. Ce que nous faisons maintenant, c'est de rendre l'ensemble plus intéressant et dynamique, car le public aura plus à regarder. La spirale guide les yeux vers les talents, et je vais briser la scène encore plus, mais aussi ajouter une lumière rougeâtre pourpre en arrière-plan. Cela va être moins important parce que cette couleur se rapproche du bleu, il y a moins de contraste de couleur, mais elle se distingue toujours. Le public suit la spirale jusqu'au sujet, puis revenant aux arrière-plans rougeâtres, et revenant à la spirale, au sujet. Nous guidons le public à travers l'ensemble des clichés. C' est l'une des choses les plus fortes qu'une composition puisse faire, nous pouvons choisir de nous concentrer sur un élément spécifique ou nous pouvons choisir de guider les yeux dans un certain chemin à travers le plan. Maintenant, nous allons jouer beaucoup plus avec cela une fois que nous allons commencer à travailler avec les lignes de tête et les techniques d'édition avec le point d'intérêt. Mais, c'est pour plus tard. Pour l'instant, je veux que vous vous souveniez que les zones plus lumineuses et les couleurs chaudes ont une plus grande attraction que les tons plus foncés et les couleurs froides. Connaître ces deux différences vous aidera à décider où l'œil du public doit aller. Maintenant, j'ai peint le mur derrière moi en bleu. C' était pour une raison claire, ça me fait pop car mes tons de peau sont en contraste, aussi ma chemise rouge. Mais pour rendre le tir un peu plus intéressant, j'ai aussi laissé ce retour de couleur chaude dans les arrière-plans avec d'autres couleurs comme le vert, il vous fait regarder autour. J' ai choisi de le faire parce qu'après tout, tu as aussi besoin de me voir pendant longtemps, donc tu as quelque chose à regarder. Je ne veux pas que tu t'ennuies et que tu t'enfonces. C' est une de ces petites astuces pour garder le public branché. Très bien, merci d'avoir regardé. Dans la prochaine leçon, nous allons jouer avec les perspectives. 7. Perspective et longueurs focales: La perspective de la caméra, et cela se résume à, où dois-je placer ma caméra, mais aussi, de quel point de vue regardons-nous le sujet ou la scène ? Commençons à nouveau avec les bases mêmes, et vous avez probablement déjà entendu parler de cela. En termes de hauteur, il y a généralement trois points de peuplement. Le premier est la hauteur des yeux, juste avoir la caméra à la même hauteur que votre sujet. Cela signifie que nous n'avons pas à incliner vers le haut ou vers le bas. Un tir très neutre sans trop d'histoire derrière elle, nous alignons avec le personnage, et nous ne soulignons rien ou attirons l'attention sur quelque chose de spécifique. Il va falloir d'autres techniques de composition pour compenser ça. La seconde est la perspective basse. Nous allons regarder vers le haut le sujet, qui semble maintenant être plus grand. Non seulement visuellement, mais aussi histoire sage la personne montre confiance à cause de cela. Nous sommes littéralement à la recherche de Lucia. Habituellement, le ciel va prendre une plus grande partie du tir et moins de l'environnement, ce qui signifie que nous sommes plus attirés par les talents. Le troisième est la perspective élevée. C' est le contraire, nous regardons vers le bas sur le talent, nous rendons Lucia plus petite, plus vulnérable, plus de terrain est visible, ce qui agit aussi sur cela. Maintenant, lorsque vous photographiez l'architecture ou la nature, vous êtes généralement toujours à faible perspective. Ici, c'est généralement une question de distance. Plus vous vous approchez d'un arbre par exemple, plus vous devez vous incliner vers le haut et ainsi l'arbre semble plus grand et plus imposant. Ce plan ici est bien différent que si on s'éloigne de cet arbre. Maintenant, quand il s'agit de votre composition, nous pourrions faire des choses différentes. Par exemple, lorsque vous filmez d'un point de vue élevé en rendant votre sujet petit, nous pourrions placer les yeux du talent sur le guide supérieur de la règle des tiers, mais nous pourrions aussi le placer sur le guide inférieur. Ceci est considéré comme une mauvaise composition car nous créons trop d'espace pour la tête. Mais pour une raison de narration, ça pourrait marcher. Nous supprimons le personnage encore plus en l'encadrant sur le fond. Nous pouvions même l'encadrer sur le côté du cadre, révélant plus de l'environnement, rendant l'entourage plus important et le personnage plus petit. Vous pouvez voir comment nous pouvons tirer parti d'une mauvaise composition pour une meilleure narration. La même technique peut également être réalisée avec une perspective basse, en encadrant le sujet sur la ligne directrice inférieure ou au centre du plan ou en donnant plus d'espace à l'environnement. Donc, non seulement Lorenzo est maintenant impressionnant, l'environnement est encore plus. Ce plan ne concerne pas seulement le personnage, mais aussi l'environnement. Maintenant, intéressant, c'est que nous pouvons réellement rendre notre sujet petit d'un point de vue bas, par le genre de composition que nous créons. Les arbres à l'arrière prennent tellement dans le cadre que Lorenzo semble très petit contre lui. Mais il montre de la confiance parce que nous tournons sous un angle bas, quelque chose que nous n'obtenons pas quand nous tournons d'en haut. C' est essentiellement la hauteur de la caméra et comment nous pouvons l'utiliser pour une composition narrative. La deuxième partie de la perspective est la distance focale ou, en d'autres termes, combien pouvons-nous zoomer ou zoomer avec votre objectif. Pensez à ce qui suit, vous pouvez effectuer un zoom arrière, aller grand angle et rester près du sujet. Ou vous pouvez zoomer, aller doucement et rester loin du sujet. Les deux ont un cadre similaire mais ont l'air très différent l'un de l'autre. Dans la prise de vue grand-angle, nous voyons beaucoup plus de l'arrière-plan et c'est parce que notre objectif s'ouvre lorsque nous zoomons. Ce que j'aime dans le grand angle, est comment il ajoute beaucoup plus de l'environnement à la prise de vue. Cela sera plus facile lors de l'ajout d'éléments à votre cadrage, afin de les aligner sur une règle de composition. Maintenant, par exemple, nous avons ici un élément de premier plan dans le plan, et ils sont disposés sur le rapport d'or. Cela va beaucoup plus facile sur un objectif grand angle, plus l'environnement devient également plus important et joue un rôle plus important dans la prise de vue. Lors du zoom avant ou du basculement, la perspective se contracte, et nous voyons moins de l'environnement. Nous isolons le sujet beaucoup plus et comme notre champ d'adaptation devient plus superficiel, c'est idéal pour travailler avec des objets de premier plan ou un coup d'épaule. Tout ce qui met l'accent sur le sujet et les environnements joue moins un rôle. Maintenant, en termes d'édition, c'est quelque chose de génial à jouer avec. Nous pourrions introduire un environnement dans un plan grand angle, peut-être tirer est un peu par le bas, et placer le personnage sur le fond. Elle explore les environs, et ensuite nous avons coupé un plan d'un gros plan d'elle, parce que maintenant elle pourrait dire quelque chose ou nous voulons montrer son émotion en réaction à l'environnement. On pourrait même mettre la caméra un peu en place, rendre légèrement plus petite, et à l'opposé de ce qu'elle voit, et de sa réaction. Donc, un choix en termes de perspective de caméra n'est jamais le cas. C' est toujours une combinaison de ces éléments pour créer un montage intéressant, mais pensez à l'histoire que vous essayez de raconter avec chaque prise de vue que vous prenez. Merci d'avoir regardé. 8. Composition du centre: La composition du centre, une courte leçon mais il a besoin d'avoir sa propre histoire. Jusqu' à présent, nous avons vu deux grandes règles de composition, la règle des tiers et le ratio d'or, et en dehors de ces deux, il y en a plus, mais il serait écrasant et honnêtement pas si intéressant de les couvrir tous comme ils tous provenaient du rapport d'or ou de la règle des tiers. Mais il y en a un qui a besoin de sa propre attention et c'est la composition du centre. Super facile, vous venez de mettre votre sujet au centre des photos. Comme ici, Lorenzo se tient au milieu du cadre. Il est donc très important et tout est à propos de lui. Mais placons ses yeux au milieu aussi, et maintenant ça devient intéressant. Le tir est déséquilibré. Il y a trop d'espace de tête car l'environnement le capsule et devient aussi important que le sujet, donc soit nous alignons le sujet sur le côté pour faire de la place à l'environnement, soit nous plaçons juste le sujet au milieu, ce qui le rend beaucoup plus fort et plus important. Le fait de placer les yeux au milieu donne nouveau de la place à l'environnement pour raconter son histoire, et un tir comme celui-ci serait également considéré comme un tir plus créatif. Vous ne verrez pas beaucoup ce genre de clichés à la télévision, mais vous les verrez au cinéma. Dans les longs clichés, j'aime travailler avec la composition centrale. Certainement, si nous pouvons y ajouter un peu de contraste de couleur, voyez à quel point le sujet est important, mais en même temps comment l'environnement joue son rôle autour du sujet. C' est fondamentalement tout. Je voulais juste que vous sachiez que la composition du centre n'est pas un mauvais choix après m'avoir entendu parler de l'utilisation de la règle des tiers et du ratio d'or, donc certainement en faire usage si vous voulez que votre sujet soit important. C' est aussi pour ça que je suis assis au milieu, je te parle. Ce n'est pas à propos d'autres éléments, c'est à propos de toi et de moi. On a une conversation. Si je devais avoir un objet avec moi comme ce cube, alors je pourrais me placer sur la règle des tiers ainsi que ce cube, quelque chose comme ça car je parlerais de cette chose. Vous pouvez donc voir comment nous communiquons tous les deux avec vous. J' espère que tout a du sens. Merci d'avoir regardé. 9. Lignes directrices: Les compositions se résument à guider les yeux du public. Voulons-nous qu'ils examinent un sujet fort ou qu'ils s'interrogent autour de la photo ? Les lignes de tête sont probablement une technique qui est la plus forte dans ce domaine. Qu' est-ce qu'une ligne de départ ? Essentiellement, c'est un élément visuel qui agit comme une ligne, et en suivant cette ligne, nous finissons avec le sujet, donc nous avons conduit les yeux du public vers les sujets. Bien sûr, ce sujet peut être n'importe quoi. Il pourrait s'agir d'une personne où nous avons une branche menant vers eux, mais cela pourrait aussi être un chemin menant vers cette entrée du parc. Maintenant, comme les lignes de tête sont un élément si fort pour se concentrer sur les sujets, il est donc souvent utilisé pour établir plans longs où il n'est pas aussi facile de localiser les sujets. D' accord. Nous l'obtenons, des lignes imaginaires qui mènent les yeux du public. Mais comme toute autre chose dans vos prises de vue, les lignes de tête sont aussi des éléments. Ils sont soit un objet, soit quelque chose qui attire l'attention, et comme nous l'avons vu auparavant, nous avons deux règles de composition, la règle des tiers et le rapport d'or. Et si on plaçait ces lignes directrices sur l'une de ces compositions ? Ensuite, nous obtenons un tir très intéressant. Prenons par exemple la règle des tiers. Nous avons quelques lignes de conduite ici vers le sujet. Comme nous pouvons le voir, ces lignes directrices reposent sur les guides de la règle des tiers. C' est un cadrage équilibré, mais là où ça devient vraiment intéressant, c'est si nous utilisions le ratio d'or. La spirale que nous voyons ici est une ligne de tête, donc si nous pouvons trouver un objet qui correspond à cette spirale, nous obtenons un tir super intéressant. Dans cet exemple, nous avons Lorenzo comme sujet, et ce chemin ici forme une ligne de tête allant dans une spirale vers lui, et comme nous le découvrons dans le plan, nos yeux sont guidés au début de cette spirale avec cette branche juste ici qui forme une autre ligne de conduite. Nous revenons au début de la spirale, qui nous ramène à Lorenzo, et donc le spectateur a vu tout le plan. Grâce à une technique de composition très simple, nous avons rendu la photo si intéressante que nous regardons tous les coins de l'image. Cela signifie également que nous sommes en mesure d'avoir cette photo plus longtemps dans l'édition sans que cela devienne ennuyeux. Regardez autour de votre environnement. Peut utiliser voir les éléments qui forment une ligne ou une spirale ? Super. Maintenant, alignez ça à la règle des tiers ou au ratio d'or et vous avez un coup super intéressant. Maintenant, gardez à l'esprit que toutes les autres techniques que nous avons vues précédemment s'appliquent toujours. Travaillez avec la profondeur de champ, la couleur , l'exposition et la perspective de la caméra. Jusqu' à maintenant, nous avons surtout travaillé avec des images fixes, donc tout s'applique aussi à la photographie. Dans les prochaines leçons, nous allons voir comment mettre le mouvement dans notre plan ou comment le montage vidéo fonctionne avec différentes compositions. Peut-être, faites une pause. Sortez et pratiquez les techniques des lignes de tête ainsi que tous les autres conseils que vous avez vus auparavant, et je vous reverrai dans la prochaine leçon. Merci d'avoir regardé. 10. Point d'intérêt: Le point d'intérêt, maintenant en tant que cinéaste et monteur moi-même. Je trouve cela l'une des techniques les plus intéressantes parce que nous pouvons vraiment commencer à jouer autour maintenant avec les yeux du public. Qu' est-ce qu'un point d'intérêt ? Eh bien, c'est un point dans vos clichés où le public regarde. C' est aussi simple que ça. Nous avons déjà vu comment nous pouvons utiliser diverses techniques de composition, comme les lignes directrices pour déterminer où le public devrait regarder. Habituellement, ce sera votre sujet, le point d'intérêt. Lorsque nous montons et que nous avons deux clichés qui se suivent, nous pouvons utiliser ce point d'intérêt pour jouer avec. Par exemple, lorsque le point d'intérêt se trouve ici dans le premier plan, cela signifie qu'il commencera également sur ces points dans ce second plan et nous pouvons faciliter le public en veillant également à ce que les sujets soient dans le même zone comme point d'intérêt des tirs précédents ou les opposés. C' est là que ça devient vraiment intéressant. Nous pouvons avoir le sujet dans le second être de l'autre côté du cadrage. Le public doit d'abord chercher où est le sujet ou même mieux, nous allons utiliser des lignes directrices pour guider le public vers le nouveau point d'intérêt. Bien sûr, nous n'avons pas toujours à travailler avec les lignes directrices. Nous avons aussi vu d'autres techniques. Jetons un coup d'oeil à une petite séquence. Avec chaque prise de vue, nous changeons le point d'intérêt, mais nous utilisons des lignes de repère, la profondeur de champ, les couleurs , la perspective et l'exposition pour le faire. Maintenant, un changement de point d'intérêt est aussi un changement psychologique. Voyez que nous tournons un classique sur l'épaule, comme nous coupons à l'autre personne, que le point d'intérêt se déplace de l'autre côté. Nous ne changeons pas seulement le point d'intérêt, nous disons aussi, hé, c'est une personne différente, il y a un changement, et vous pouvez utiliser la même technique aussi pour différentes scènes. Nous allons d'une forêt où le point d'intérêt se trouve juste ici à une surface de sable où nous avons changé le point d'intérêt. On doit toujours faire ça ? Non, bien sûr que non. Le maintien du point d'intérêt dans la même région a également ses avantages. n'y a pas de changement. Donc nous avons lié les deux coups de feu plus ensemble. Ici, vous avez Lucia lâche qui regarde profondément dans les yeux de Lorenzo. Filmer cela d'une manière classique les sépare encore les uns des autres. Tournons ça tout droit et tous les deux doivent regarder dans l'objectif maintenant. Leur point d'intérêt est le même et donc leur amour est encore plus connecté. De petites choses comme celles-ci peuvent faire une incroyable cinématographie. Bien sûr, il y a bien plus qu'une histoire d'amour typique. Jetons un coup d'oeil à ces vidéos de voyage typiques où vous avez cette édition rapide. Pourquoi cela fonctionne-t-il ? Comment se fait-il que nous comprenions ce qui se passe dans chaque tir même si ça va si vite. La réponse, le point d'intérêt. Vous voyez, quand vous coupez sur un plan où le point d'intérêt se trouve ailleurs, il faut du temps pour que le spectateur le remarque. Nous devons nous assurer de tenir ce tir assez longtemps, où nous avons coupé à un tir pour que le point d'intérêt reste le même. Le spectateur comprend également beaucoup plus rapidement ce qu'est la nouvelle prise de vue, et c'est ce qui rend ces modifications rapides possibles. Chaque tir est lié entre eux à travers le point d'intérêt. Pendant un tir, nous pouvons déplacer ce point d'intérêt autour. C' est la belle chose à propos de la vidéo. Nous pouvons déplacer la caméra ou le sujet, et de cette façon nous pouvons garder l'édition intéressante et ne pas laisser le spectateur regarder la même zone tout le temps. Mais avec toutes les coupes que nous faisons, le point d'intérêt reste dans le même domaine. C' est donc le point d'intérêt et comment nous pouvons jouer avec. Il est important de savoir que nous devons d'abord créer un point d' intérêt à travers diverses techniques de composition que nous avons déjà vues. Nous pouvons ensuite couper un nouveau plan et soit guider le spectateur vers un nouveau point d' intérêt, soit couper un plan qui avait son point d'intérêt dans une même zone. Utilisez-les à bon escient et à votre avantage. Merci d'avoir regardé. 11. Mouvement d'image: Le réalisateur le plus remarquable est probablement Akira Kurosawa quand il s'agit de mouvements dans ses clichés. Il y a un lien vers une vidéo YouTube dans les notes de cours ici que vous devriez certainement voir. Il a choisi l'œuvre de Kurosawa et comment il transforme le mouvement en composition. C' est vraiment intéressant. Il existe deux façons de traiter les mouvements. Soit vous déplacez la caméra et modifiez fondamentalement la perspective des prises de vue, soit vous gardez les caméras immobile et laissez vos objets bouger. Il peut s'agir de votre talent en marchant ou de la pluie qui tombe, de la fumée qui sort d'une cheminée, etc. Avoir un mouvement dans votre tir change la façon dont vous composites, par exemple, les lignes de conduite. Dans cet exemple, nous avons Lucia regardant à gauche. Derrière elle, à droite, se tient Lorenzo. Maintenant, quand nous demandons à Lucia de regarder dans l'autre sens au-dessus de son épaule, ses yeux fonctionnent comme des lignes directrices qui vont dans la direction de l'endroit où se trouve Lorenzo. Au cours d'une prise de vue, nous créons de nouvelles lignes de conduite. La pluie pourrait également servir de lignes d'attaque. Il vous permet d'avoir un ciel très proéminent, mais le focus va toujours sur le sujet au bas du cadre. Lorsque vous ajoutez du mouvement dans vos tirs, nous modifions le point d'intérêt, et nous pouvons l'utiliser à notre avantage. Ici, nous avons notre talent debout dans un étang. On regarde Lucia. Mais comme elle jette un rocher dans l'eau, nous plions automatiquement les profondeurs et le point d'intérêt va à une nouvelle zone différente. Cela nous permet de couper à un nouveau plan ou le point d'intérêt se trouve sur le même site, peut-être. Le mouvement attire également l'attention. Dis qu'on a deux personnes dans un coup. L' un d'eux commence soudainement à bouger. Je parie que tu as vu ça. Votre point d'intérêt était ici. C' est une autre excellente façon de changer le point d'intérêt. Ici, on a une photo de Lorenzo. Il est le seul dans le cadrage, mais soudain quelqu'un entre dans le tir, un nouveau mouvement. Instantanément, votre point d'intérêt change en points. Considérez ça comme une renonciation. Si vous voulez avoir de l'attention dans les grandes foules, vous commencez à sauter et à agiter votre bras, vous faites des mouvements. Nous savons que nous pouvons manipuler le point d'intérêt par le mouvement, mais le mouvement permet aussi quelque chose d'autre, le changement de cadrage. Aussi l'une des techniques étonnantes de Kurosawa. Nous pouvons avoir un talent dans un long plan et leur demande de courir vers la caméra faisant un tir moyen. Il y a un début et une fin distincts pour les tirs. Nous pourrions avoir des coupures entre les deux encadrements, ou nous aurions pu conduire au mouvement, les relier ensemble, créant un flux. Maintenant, l'une des dernières choses que je voudrais mentionner est que vous pouvez également utiliser des effets de superposition comme la pluie, fusées éclairantes ou la fumée pour créer du mouvement en post-production. Un graphique comme celui-ci devient plus intéressant quand on y ajoute mouvement, c'est comme la brume qui traverse la scène. Ces mouvements vous font vous émerveiller plus autour du tir que vos yeux sont poussés dans la direction de la brume. Soudain, l'environnement devient plus important à cause de ce simple mouvement. On fait des vidéos, pas des photos. Le plus grand avantage que nous pourrions avoir est la possibilité d' ajouter des mouvements réels dans nos tirs. Utilise ça. Laissez vos acteurs bouger. Créez de nouvelles lignes d'attaque ou utilisez des mouvements environnementaux à votre avantage. Merci d'avoir regardé. 12. Mouvement de caméra: La deuxième façon d'ajouter du mouvement dans vos prises de vue est de déplacer l'appareil photo. Ce qui se passe est un changement de perspective, où nous regardons d'abord notre talent d'un point de vue bas, maintenant pourrait changer de perspective, et comme nous l'avons vu auparavant, cela change également l'histoire visuelle. Le mouvement de la caméra est beaucoup d'histoire et d'émotion. Maintenant, vous pouvez écrire des livres à ce sujet. Pour cette leçon, je veux uniquement me concentrer sur le mouvement et les compositions de la caméra. Dans cette photo, nous suivons notre talent. Elle est placée sur la règle des tiers avec l'espace vide devant elle. C' est l'espace de marche et donne la raison pour laquelle elle marche vers l'avant. Maintenant, à un mouvement soudain, elle s'arrête, mais je m'assure de régler la caméra, encadrant du côté opposé. Donc, nous avons changé la composition lors d'un tir à travers le mouvement de la caméra, en ayant l'espace vide derrière elle, nous disons, « Hé, elle a oublié quelque chose et doit revenir en arrière. » Nous changeons l'histoire visuelle de son désir d'aller de l'avant à celle qui veut revenir en arrière. Dans l'exemple suivant suivent notre talent marchant sur un chemin. Il y a une composition centrale parce que tout est autour de ces sujets, à un moment donné un second talent arrive. Nous avons deux choix ici, soit nous interdisons un peu la caméra pour faire de la place au second talent, donc les deux marchent de part et d'autre de la règle des tiers. Maintenant, les deux sont tout aussi importants, mais si nous laissons le talent rester centré, la nouvelle personne qui vient se sent désactivée. Ça ne rentre pas dans une composition. C' est cet inconfort qui est si grand, le nouveau sujet n'est pas le bienvenu, donc, nous gardons la personne la plus importante dans le centre et l'autre vaut mieux ne pas rester ici. Nous vendons une histoire visuelle tout à fait différente en changeant ou en ne changeant pas la composition. Les mouvements de la caméra ne doivent pas toujours être le mouvement de la caméra. Il peut aussi s'agir d'un changement d'orientation. Voici Lorenzo à nouveau, et comme il regarde derrière lui, nous tirons la mise au point que selon votre tir, vous pourriez avoir besoin d'ajuster le cadrage, mais c'est la mise au point qui a créé un mouvement en premier lieu. Nous pouvons également ajouter de nouveaux éléments dans la scène avec des mouvements de caméra. Ici, nous avons une belle photo où le talent est aligné sur le ratio d'or. Nous n'utilisons pas encore vraiment la spirale, mais nous pouvons apporter un changement à cela, déplaçant la caméra vers l'arrière, introduisant un nouvel élément qui va fonctionner comme cette spirale, intéressant à ce sujet est que nous avons d'abord le point d'intérêt sur le sujet. Au fur et à mesure que nous reculons, en introduisant de nouveaux éléments, le point d'intérêt change. Cela forme une spirale que nous suivons et le point d'intérêt est de retour sur le sujet. Nous avons guidé les yeux sur tous les plans, ce qui le rend très dynamique. Nous pourrions également mettre l'accent sur les lignes directrices. Ici, nous avons une ligne de départ qui va vers le sujet. En suivant la direction de ces lignes, nous les rendons beaucoup plus forts. Ce que j'aime aussi beaucoup faire, c'est changer la perspective des lignes de tête. Ici, nous avons un joli plan plat où le talent est assis sur un banc. Il est correctement équilibré à une composition et le banc fonctionne comme des lignes directrices. Mais au fur et à mesure que je me rapproche de ce banc, il devient plus tridimensionnel, pointant vers le talent alors qu'elle se lève et s'éloigne. Encore une fois, nous renforçons la ligne de conduite, pourquoi devrions-nous le faire ? Eh bien, au début, le talent n'est toujours pas une raison réelle d'avoir lignes de tête qui vont à elle, mais quand elle décide de partir, on change la perspective de la caméra, ce qui rend ces lignes de tête plus fortes, ce qui pointe vers sa direction. Il existe un flux plus dynamique dans la composition. Le mouvement de la caméra est idéal pour ajouter de la profondeur et plus de dynamique à vos vidéos, mais pensez également à la composition et que vous pouvez modifier la composition par le mouvement de la caméra. Merci d'avoir regardé. 13. Conclusion: Nous sommes arrivés à la fin de la classe et j' espère vraiment que vous l'avez apprécié et que vous avez appris une nouvelle vision du cinéma. Maintenant faire des compositions est quelque chose que vous devez pratiquer, donc très important est de sortir et de faire des vidéos. Je me suis assuré que chaque leçon de cette classe est courte afin que vous puissiez facilement les regarder à nouveau pendant que vous pratiquez avec ces techniques. La meilleure façon de le faire est de regarder une leçon puis de pratiquer cette technique. Vous voulez le faire pour chaque leçon de cette classe, et une fois que vous vous sentez prêt, vous pouvez commencer à combiner plusieurs techniques ensemble dans une vidéo complète. ici sur Skillshare, vous pouvez télécharger vos propres projets, et pour cette classe, je veux que vous fassiez une petite vidéo d' environ une minute dans laquelle vous créez différentes compositions. Faites attention aux couleurs et à l'exposition, mais pensez aussi aux mouvements et au point d'intérêt. Lorsque vous avez terminé, téléchargez votre vidéo ici et je serai heureux de vous faire part de vos commentaires. Je vous souhaite tout le meilleur dans le futur avec votre passion pour le cinéma. Merci beaucoup d'avoir regardé ce cours, et comme toujours, restez créatif.