Apprendre la réalisation de films : de débutant à expert

1. Introduction: Caméra, lumières, sons et action [NOISE]. Vous voulez devenir cinéaste, maîtriser votre appareil photo et réaliser les vidéos les plus cinématographiques qui soient. Mais tu ne sais pas par où commencer. Eh bien, vous êtes à la bonne adresse parce que c' est ici que se trouve le cours fondamental le plus complet pour les cinéastes débutants. Les informations et les secrets exacts qu'ils enseignent dans des écoles de cinéma coûteuses. J'ai oublié de me présenter. Bonjour, je suis Jordy. environ 10 ans, j'ai obtenu mon diplôme de l'école de cinéma, puis j'ai commencé ma carrière de cinéaste et je possède un studio de cinéma dont j'ai toujours rêvé. Je partage ma passion à travers des cours en ligne et auprès d'une audience de plus de deux millions d'abonnés sur YouTube. ce moment, je suis très heureuse de vous proposer un tout nouveau cours de réalisation de films actualisé pour les débutants. Nous allons commencer par les bases et prendre le contrôle manuel de notre appareil photo. De cette façon, vous pouvez prendre des décisions créatives. Dans la seconde moitié de ce cours, nous explorerons les règles du cinéma telles que le cadrage, narration visuelle, le B-roll, etc. Enfin, dans le dernier chapitre, je vais vous présenter certains des outils d'appareil photo les plus populaires tels que le trépied, le cardan, etc. À la fin du cours, vous serez en mesure de filmer une vidéo complète qui ressemblera à celle d'un professionnel . C'est parce que vous allez devenir ce cinéaste professionnel. Ce cours est organisé de manière à ce que les écoles de cinéma enseignent. Cela signifie que vous apprendrez tout à partir des bases de manière très structurée pour que l'expérience d'apprentissage reste passionnante et engageante. Tout au long de la classe, si vous avez des questions, posez-les simplement dans la discussion ci-dessous je me ferai un plaisir de vous aider. J'espère vraiment vous voir dans ma classe et commencer ce nouveau voyage cinématographique ensemble. Je suis très excitée et j' espère que vous l'êtes aussi. Je te revois dans un instant. 2. Introduction à la caméra: [MUSIQUE] Oh, bonjour. Bonne journée Tu t'es inscrit au cours de réalisation de films. Eh bien, puis-je dire que je suis très heureuse de commencer ce voyage avec vous ? En tant que responsable de la maintenance de cette très vieille unité de stockage de matériel photographique abandonnée, j'ai presque tout vu. Les premières caméras qui sont arrivées ici avaient une véritable bande de film à l'intérieur. Puis, lorsque la révolution numérique est arrivée, toute cette salle de stockage était remplie d' appareils photo numériques comme celui-ci. Sais-tu ce qui s'est passé ensuite ? [BRUIT] Les appareils photo, dotés d'une incroyable fonctionnalité vidéo. y a de fortes chances que vous en ayez un. Il y a eu tellement de changements depuis que le cinéma est devenu un véritable métier. Mais vous savez ce qui n'a pas changé, la façon dont nous réalisons des vidéos. À la fin de la journée, peu importe type d'appareil photo que vous utilisez. Peut-être avez-vous un de ces reflex, ou peut-être un appareil photo numérique plus grand, ou peut-être utilisez-vous simplement votre téléphone. Franchement, les téléphones de nos jours ont de très bonnes caméras vidéo. Tout ce que je veux dire, c'est que le cinéma tourne autour la personne qui se trouve derrière la caméra et non de la caméra elle-même. Un meilleur appareil photo ne fera pas de vous un meilleur cinéaste. La théorie et les règles artistiques de la narration visuelle, revanche, le feront. Maintenant, nous devons choisir un type de caméra comme démo tout au long de ce cours. Nous travaillerons avec le Panasonic Lumix GH5, un appareil photo reflex très populaire. Il se compose d'un corps, du cerveau, du capteur et d'une lentille, qui va convertir la lumière qu'il capte en image. Chaque appareil photo possède ces deux éléments : un boîtier et un objectif. Parfois, la lentille est fixée sur le corps. Cela signifie que vous ne pouvez pas changer l'objectif. Maintenant, dans la plupart des appareils photo, nous avons la possibilité de retirer l'objectif, ce qui signifie que nous pouvons y fixer d'autres objectifs tant qu'ils tiennent bien au corps. Cela s'appelle la monture d'objectif. Chaque marque possède ses propres supports. est important de garder cela à l'esprit si vous envisagez d'acheter un nouvel objectif. Maintenant, j'ai installé cette caméra dans un appareil. Ce n'est pas nécessaire, mais cela facilite certaines choses. Les plates-formes sont comme des connexions, comme des Legos. Tu les as construits comme tu le souhaites. n'y a aucune règle à ce sujet. Mon tout premier engin a même été construit dans un garage pour économiser de l'argent, et il a très bien fonctionné. J'ai pu poser mon appareil photo sur mon épaule. J'ai pensé à un contrepoids et endroit où nous allions installer un moniteur externe. Aujourd'hui, cette plate-forme semble beaucoup plus petite. J'ai appris qu'un gros engin n'est pas toujours aussi utile. J'aime garder les choses compactes. Autour du GH5 se trouve une cage qui me donne une poignée supérieure et permet de fixer des tiges. À l'arrière, j' ai une grosse batterie qui alimente à la fois l'appareil photo et le moniteur externe. Parfois, vous pouvez acheter de tels appareils sous forme de package. Les fabricants vous recommanderont quelque chose, mais vous pouvez également acheter des pièces de différentes marques et créer quelque chose de complètement personnalisé, comme je l'ai fait. C'est ce qu'il y a de beau à propos de ces appareils. La plupart de ces connexions sont conformes aux normes de l'industrie. Comme ces tiges, elles ont une épaisseur de 15 millimètres. C'est pareil partout. Maintenant, pour cette classe, un tel appareil n' est évidemment pas nécessaire. Je voulais juste vous expliquer cela parce que, après tout, vous devez l'examiner tout au long de la classe, ne pas avoir à poser de questions bizarres. Maintenant, les vidéastes professionnels connaissent parfaitement leur caméra Je recommande donc vivement d' ouvrir le menu de votre caméra et de parcourir les différents paramètres. Familiarisez-vous avec votre appareil photo et n' ayez pas peur d'explorer. Il devrait toujours y avoir une option de réinitialisation quelque part si vous vous trompez. Quoi qu'il en soit, ne vous inquiétez pas trop. Nous allons le faire ensemble. Nous allons nous tenir la main et rendre agréable et confortable. Je rends les choses encore une fois bizarres. Si vous êtes piégé dans une unité de stockage comme celle-ci, vous ne rencontrerez pas beaucoup de monde. Merci de votre attention, et nous allons explorer le premier réglage ce menu complexe dans la leçon suivante. 3. L'ouverture: Trois réglages permettent de contrôler l' exposition de votre appareil photo. L'ouverture, l'ISO et la vitesse d'obturation. Chacun de ces réglages permet capturer plus ou moins de lumière. d'autres termes, l'exposition. Lorsque vous débutez, votre appareil photo est probablement réglé en mode automatique. Votre appareil photo modifiera les réglages de l'ouverture, de la sensibilité ISO automatiquement les réglages de l'ouverture, de la sensibilité ISO et de la vitesse d'obturation pour obtenir une bonne exposition. Ça a l'air d'être une bonne chose. Eh bien, ça ne l'est pas. L'art du cinéma est de prendre le contrôle des décors. Mettons donc cet appareil photo en mode manuel. Chacun de ces réglages d'exposition a un effet secondaire. C'est pourquoi nous avons trois réglages d'exposition et pas un seul. C'est au cinéaste de décider quels effets secondaires vous souhaitez mettre en évidence ou non. Commençons par l'ouverture, qui est en fait une série de lamelles situées à l'intérieur de l'objectif. Les appareils photo numériques contrôlent ces lames à l'aide d'un cadran situé sur le corps lui-même. Autrefois, il s'agissait d'une bague physique qu'il fallait retourner sur l'objectif lui-même. Lorsque vous ouvrez l'ouverture, plus de lumière passe, en d'autres termes, plus d'exposition. Lorsque vous fermez cet anneau, moins de lumière passe, le centre est moins exposé. Je pense que c'est assez évident. Le capteur se trouve d'ailleurs à l'intérieur du boîtier de l'appareil photo, derrière l'objectif. Lorsque vous retirez l'objectif du boîtier de l'appareil photo, vous pouvez réellement voir le capteur. C'est juste là. C'est ce plan qui capture l'image qui passe à travers l'objectif et la transforme en vidéo numérique. Désormais, en plus de modifier l'exposition, l'ouverture modifie également la profondeur de champ. Ce sont les effets secondaires. Comme vous le savez probablement, il y a une bague de mise au point sur l'objectif. Au fur et à mesure que vous le tournez, vous pouvez mettre les choses au premier plan , au focus ou en arrière-plan. Le reste sera alors flou, flou. Encore une fois, vous pouvez laisser votre appareil photo le faire automatiquement, ce qui n'est pas idéal, mais c'est pour plus tard dans ce cours. Pour l'instant, cette bague de mise au point est quelque chose que vous pouvez contrôler. Vous pouvez le pousser vers l'arrière ou vers l'avant. Ce qui est ciblé s'appelle le champ cible. Ce champ peut être grand ou petit. Vous avez deux personnes focalisées, même si elles ne se trouvent pas à la même distance de la caméra. Mais vous pouvez également n'en avoir qu'un seul dans le focus, essentiellement le champ de focalisation devient plus ou moins grand. La taille de ce champ de mise au point, qui est la profondeur des champs peut être contrôlée à l' aide de l'ouverture. Plus vous ouvrez l'ouverture, plus la profondeur de champ diminue. En termes de réalisation de films, nous parlons d'une faible profondeur de champ. considère souvent qu' une faible profondeur de champ est plus cinématographique, car l'arrière-plan sera plus flou. Maintenant que nous fermons l'ouverture, moins de lumière passe à travers l'objectif, mais le champ de mise au point s'élargit également. Un plus grand nombre d'éléments seront mis en évidence, mais cela affectera également l'apparence générale, d' où les arrière-plans flous. Voici les mêmes clichés où le talent se tient à la même distance de la caméra. L'un d'eux est photographié à ouverture ouverte et l' autre à ouverture fermée. Voyez ce que cela fait à l'arrière-plan. L'ouverture est bien plus qu'un simple réglage d'exposition, c'est aussi un choix créatif. Vous souhaitez plus ou moins de profondeur de champ ? Comme pour tout le reste, l'ouverture est également exprimée en unité. C'est ce qu'on appelle le F-Stop. Parfois, vous verrez ces valeurs sur l'objectif lui-même. Sinon, vous les verrez probablement sur l'écran de votre appareil photo 2.8, 5.6, 8, 11. Ce sont toutes des valeurs d' arrêt F différentes. Plus ce chiffre est petit, plus votre ouverture est ouverte. Plus la lumière passe à travers plus la profondeur du champ diminue. Or, plus ce chiffre est élevé, plus l'ouverture est proche, moins la lumière passe et plus la profondeur du champ augmente. C'est en un mot, l'ouverture. Dans la leçon suivante, nous allons explorer les paramètres ISO. 4. Paramètres ISO: Trois réglages, l'ouverture, la vitesse d'obturation et l'ISO. Ceux-ci contrôlent l'exposition, mais chacun d'entre eux contrôle également les effets secondaires. Pour l'ISO, il s' agira du bruit, ce qui en fait le contrôle d'exposition le plus simple des trois. L'ISO n'est rien d'autre qu'un contrôle numérique de la luminosité, considérez-le comme un moyen de rendre une image sombre plus lumineuse à l'aide d'un simple curseur. Malheureusement, cela introduit du bruit. Il est certain que lorsqu'il fait très sombre et que l'ISO doit être augmenté lorsque vous prenez une photo avec votre téléphone dans des environnements peu éclairés augmenté lorsque vous prenez une photo avec , vous voyez également beaucoup de bruit. D'habitude, ces photos ne sont pas très belles. C'est le réglage automatique de l'exposition votre téléphone qui augmente la sensibilité ISO pour mieux l'exposer. En vidéo, il en va de même dans une scène sombre l'exposition automatique et contrôlable augmente la sensibilité ISO, ce qui entraîne trop de bruit dans votre vidéo. En tant que cinéaste, que pouvons-nous faire ? Eh bien, tout d'abord, essayez de maintenir l'ISO aussi bas que possible et de mieux exposer le capteur en utilisant d'autres techniques, comme l' ouverture de l'ouverture ou la modification de la vitesse d'obturation, que nous examinerons dans la suite leçon. Mais vous pouvez également essayer de rendre votre environnement plus lumineux en utilisant lumières ou, si vous filmez un film après un film, en vous rapprochant des lumières de fête, tout ce qui permet de réduire l'ISO au minimum. Désormais, lorsque vous photographiez dans des environnements lumineux , comme à l'extérieur par temps ensoleillé, surveillez le réglage ISO. J'ai vu trop souvent que des cinéastes en herbe oublient ce décor et tournent à une sensibilité ISO très élevée. Ils ont beaucoup de mal à réduire l'exposition. La vidéo sera très bruyante. Prenez l'habitude de toujours vérifier les trois réglages d' exposition à chaque changement de votre environnement lorsque vous passez de l'intérieur à l'extérieur ou vice versa, vérifiez ces trois réglages et pas un seul d'entre eux. Que pouvons-nous faire maintenant en tant que cinéastes ? Devons-nous simplement maintenir l'ISO au minimum à tout moment ? Bien sûr que non. Vous voyez chaque caméra est un peu différente. Certaines caméras peuvent produire une vidéo assez nette à des ISO plus élevées, tandis que d'autres produisent du bruit assez rapidement. Il est important de savoir ce que votre appareil photo est capable de gérer et quelle sensibilité ISO maximale vous devez choisir. Si votre appareil photo est capable d'atteindre 128 000 ISO, cela ne signifie pas que vous devez réellement l'utiliser, peut-être que 6 400 est déjà un maximum acceptable. Je veux que vous le découvriez pour votre propre appareil photo, mais en mode manuel et que vous enregistriez des vidéos avec différents réglages ISO. Voyez par vous-même ce qui est encore acceptable et à quel moment cela ne l'est plus. Nous examinerons la vitesse d'obturation dans la leçon suivante, puis il sera temps pour vous de faire une petite pause et de mettre en pratique ces réglages. 5. vitesse d'obturation: Un client vient de venir ici avec cette caméra et il m'a dit qu'elle ne fonctionnait plus. Je l'ai examiné, j'ai fait quelques recherches, et il semble [BRUIT] qu'il n'y ait pas de batterie à l'intérieur. Maintenant, je ne suis pas sûr. Dois-je lui parler de la batterie ou simplement leur dire qu'elle est morte, que l'appareil photo est cassé ? Parce qu'il est peut-être temps d'investir dans un nouveau. C'est un très vieux appareil photo. Quoi qu'il en soit, la vitesse d'obturation, le dernier des trois réglages d'exposition. La vitesse d'obturation peut également être considérée comme le taux de rafraîchissement. C'est pourquoi il est exprimé en une valeur temporelle telle que 1/50 de seconde ou 1/100 de seconde. Lorsque la lumière traverse l'objectif, elle est capturée par le capteur. Le capteur attend un peu pendant qu'il est exposé et décide finalement d' écrire ces informations et de nettoyer le capteur pour qu' il écrire ces informations et soit de nouveau exposé. La vitesse à laquelle ce rafraîchissement se produit est la vitesse d'obturation. Autrefois, il s'agissait d'un véritable disque physique qui d'un véritable disque physique tournait devant la bande de film, qui est maintenant le capteur. Il y a un trou dans le disque et plus ce trou est grand, plus le film est exposé longtemps. Maintenant, nous ne pouvons pas modifier la vitesse de rotation de ce disque car elle est associée à la vitesse à laquelle le film est roulé. C'est la fréquence d'images dont nous parlerons plus tard, bientôt. Maintenant, lorsque le capteur est exposé 30 fois par seconde, il est évidemment plus exposé que si nous avions un taux de rafraîchissement de 60 fois par seconde. On parle d'une vitesse d' obturation plus lente qui laisse entrer plus de lumière ou d'une vitesse d'obturation rapide qui capte moins de lumière. Nous savons comment fonctionne la vitesse d'obturation, mais quel est son effet secondaire ? Eh bien, motion blur. le capteur capte la lumière, ce qui se passe devant l'objectif bouge. Si vous agitez votre bras, le capteur capture l'onde entière, puis il se rafraîchit pour prélever un nouvel échantillon. Une vitesse d'obturation lente permet de capturer un mouvement plus long, alors qu'avec une vitesse d'obturation plus rapide, elle ne capture qu'une petite partie de ce mouvement. C'est pourquoi vous voyez souvent ces lignes floues lorsque des personnes ou quelque chose d'autre se déplacent rapidement dans la scène. Cela fonctionne exactement de la même manière lorsque vous prenez des photos d'ailleurs. C'est du flou cinétique. Une vitesse d'obturation lente peut parfois créer des effets d' appareil photo amusants comme celui-ci ici même ou vous pouvez donner à tout un aspect très net avec une vitesse d'obturation rapide. films d'action tels que les scènes de combat sont souvent filmés à vitesses d'obturation rapides, car cela rend l'action plus difficile avec moins de flou de mouvement. Encore une fois, vous pouvez voir le choix créatif qui s'offre à nous. Une autre raison pour laquelle nous devrions filmer en exposition manuelle et non automatique. Dans les scènes sombres, nous pourrions augmenter l'ISO pour exposer les prises de vue davantage en introduisant de la lumière. Et si nous devions diminuer l'ISO et régler vitesses d'obturation plus lentes qui introduisent davantage de flou cinétique. Peut-être mettons-nous l'appareil photo sur un trépied pour qu'il ne bouge pas et demandons-nous aux talents de rester immobiles. Essentiellement, nous diminuons les mouvements dans les prises de vue, ce qui signifie que le flou des mouvements ne sera pas aussi perceptible. Maintenant, lorsque nous sommes à l'extérieur, nous diminuons l'ISO et nous fermons l'ouverture et, heureusement, notre profondeur de champ devient plus profonde. J'aimerais conserver une profondeur de champ plus faible. Et si nous ouvrions à nouveau l'ouverture et que la vitesse d'obturation augmentait rapidement, c'est une façon de compenser l'exposition. En fonction des effets secondaires que vous souhaitez avoir, vous pouvez modifier l'ouverture, l' ISO et la vitesse d'obturation. Chaque réglage modifie l'apparence de votre vidéo et c'est le choix créatif du cinéaste. Ne vous laissez pas emporter par une fonction automatique ce choix créatif. Maintenant, il est temps de s'entraîner. Entrez dans une chambre noire et modifiez les trois réglages d'exposition, voyez comment ils fonctionnent ensemble, puis sortez et modifiez à nouveau les réglages. Maintenant, essayez de vous familiariser avec ces paramètres et n'oubliez pas de déterminer la sensibilité ISO maximale pour votre appareil photo. Découvrez quel est le seuil en capturant une vidéo avec différents réglages ISO. Amusez-vous à pratiquer et j'ai hâte de vous revoir lors de la prochaine leçon. En attendant, je vais me coiffer parce que ça se retrouve partout. [BRUIT] 6. Fréquence de trame: Apparemment, les gens achètent toujours l'un de ces appareils photo. Votre téléphone enregistre de meilleures vidéos. Quoi qu'il en soit, j'espère que vous vous êtes bien entraîné et familiarisé avec les trois contrôles d'exposition. L'ISO, l'ouverture et les vitesses d'obturation. Dans cette leçon, ne parlons pas de mes cheveux qui sont toujours très mauvais, mais parlons plutôt de la fréquence d'images car il y a bien plus que cela. En bref, les fréquences d'images sont le nombre d'images que vous enregistrez par seconde, les valeurs courantes étant de 25 ou 30 images par seconde. En bref, nous parlons de FPS, qui signifie images par secondes. Bon travail. Maintenant, nous enregistrons principalement trois valeurs FPS , soit 24 images par seconde, ce qui est la norme pour le cinéma. Si vous allez au cinéma, vous regardez probablement 24 images par seconde. C'est considéré comme plus cinématographique. Lorsque nous créons des vidéos pour le Web, comme YouTube, nous enregistrons souvent en 25 ou 30 images par seconde. La raison pour laquelle nous avons deux normes différentes vient de l'époque où les vidéos étaient encore diffusées sur les anciens téléviseurs à tube cathodique. Maintenant, je ne vais pas entrer dans le détail de ce que c'est. C'est du passé, c'est derrière nous, mais cela dépend du taux de rafraîchissement de ces téléviseurs, qui étaient liés à la fréquence de l'électricité. Cela est différent selon les continents. En Europe, nous avons un réseau électrique de 50 hertz, et aux États-Unis, il est de 60 hertz. Je vais vous épargner tout le matériel technique nécessaire, car cela n'a plus de sens dans le monde numérique. Mais il est bon de savoir que nos jours, de nombreuses caméras filment encore en 29,97 images par seconde. C'est parce que la fréquence de l'électricité aux États-Unis n'est pas réellement de 60 hertz, mais de 59 points. C'est l'histoire de fond. Maintenant, quelle fréquence d'images devez-vous enregistrer ? Eh bien, c'est un goût personnel ou ce que votre client vous demande. Même si je viens d'Europe, je filme tout en 30 images par seconde, car personnellement, j' aime que mes vidéos soient un peu plus fluides et plus nettes que si elles tournaient à 25 images par seconde. Attendez, des vidéos plus fluides et plus nettes à mesure que ma fréquence d'images augmente ? Eh bien, plus fluide ; nous pouvons comprendre qu'une vidéo de 10 images par seconde est très nette par rapport à une vidéo de 30 images par seconde. Celui-ci ici a l'air beaucoup plus lisse mais plus net ? Pourquoi ça ? Eh bien, cela a à voir avec la vitesse d'obturation, dont nous avons parlé dans une leçon précédente. Votre fréquence d'images et vitesse d' obturation sont un peu liées. Lorsque votre appareil photo capture 30 images par seconde, cela signifie qu'il ne peut pas rafraîchir le capteur plus de 30 fois par seconde. La vitesse d'obturation la plus faible que vous puissiez avoir est de 1/30e de seconde. De nombreuses caméras ont cette option verrouillée. Essaie ça par toi-même. Réglez votre appareil photo à 30 images par seconde et essayez de descendre en dessous de 1/30e de seconde. La même chose est qu'avec 25 images par seconde, vous ne pouvez pas descendre en dessous d'un 25e de seconde. Maintenant, certaines caméras vous permettent de descendre plus bas, mais c'est un traitement numérique qui nous permet de continuer. Nous allons en fait baisser le FPS sans vous le dire. Bien entendu, les caméras ne peuvent pas le faire. Maintenant, la vitesse d'obturation a en fait une corrélation encore plus grande avec le FPS. Dans le monde réel, il existe également un flou cinétique. Il suffit de passer votre main devant vos yeux, vous verrez un flou de mouvement. Il s'agit évidemment d'une quantité naturelle de flou. Lorsque nous voulons recréer ce flou cinétique naturel, nous prenons le double de la fréquence d'images. En filmant à 25 images par seconde, nous avons réglé la vitesse d'obturation à 1/50e de seconde. Pour 30 images, ce sera 1/60e de seconde. Ainsi, le flou cinétique semble naturel en fonction de la fréquence d'images que vous choisissez. C'est pourquoi j'ai dit que mes vidéos paraissaient plus fluides mais aussi plus nettes lorsque j' augmentais cette fréquence d'images. Je règle ma vitesse d'obturation à 1/60e de seconde, ce qui réduit le flou Mes vidéos sont ainsi plus nettes et le mouvement reste naturel car il correspond aux fréquences d'images. C'est peut-être beaucoup à prendre en compte, alors ne vous inquiétez pas trop de la vitesse d'obturation et de votre fréquence d'images pour l'instant. Ce sont des réglages que vous pouvez prendre avec un grain de sel. Plus vous vous familiariserez avec la réalisation de films, plus vous ferez attention à ces détails mineurs. Mais parlons très rapidement du ralenti. Évidemment, nous aurons besoin de plus d'images par seconde, 60 images par seconde, peut-être même 120 ou 10 000 images par seconde. Oui, cela existe d'ailleurs, même si les caméras Switch sont très chères. Avoir ces images supplémentaires par seconde signifie que nous pouvons étirer nos clips vidéo. Nous n'avons besoin que de 30 images, mais nous avons 60 images disponibles pour chaque seconde. Cela signifie que nous pouvons étirer le club, doubler plus longtemps et que nous allons prendre 60 images par deux secondes. Nous avons créé le slow motion. Ou si nous faisions cela avec un clip normal à 30 images par seconde, nous obtiendrions 30 images par deux secondes ou 15 images par seconde. En regardant les vidéos de Bagdad, ça commence à avoir l'air agité, un problème que nous n' avons pas avec 60 images par seconde. Plus vous voulez de ralenti, plus vous aurez besoin d'images par seconde. La plupart des appareils photo transforment déjà leurs images par seconde capturées en 25 ou 30 images par seconde, comme mon Panasonic Lumix GH5. Je peux enregistrer en 120 images par seconde, mais vais transformer cela en un clip à 30 images par seconde. Quand je lis la vidéo, elle est déjà au ralenti. Je n'ai pas besoin d'étirer le clip lors du montage vidéo. C'est quelque chose qu' il faut garder à l'esprit. quelles images captez-vous et dans quelle image votre appareil photo les traite-t-il également ? Parfois, il peut s'agir du même enregistrement en 60 images par seconde et de son traitement en un clip vidéo à 60 images par seconde, mais il peut également enregistrer en 120 images par seconde et le transformer en un fichier de 30 images par seconde. Chaque appareil photo possède des options différentes, alors vérifiez-les pour votre appareil photo. C'est surtout une question de fréquence d'images. Plus tard dans ce cours, nous apprendrons à savoir quand filmer au ralenti et comment cela peut nous aider à filmer de meilleures vidéos. Mais nous devons d'abord exposer correctement nos clichés et c'est pour la prochaine leçon. 7. L'histogramme: Nous avons découvert les différents réglages permettant de modifier l'exposition et les effets secondaires de chaque effet secondaire, mais en regardant uniquement l'exposition, quand ma photo est-elle sous-exposée ou surexposée ? sous-exposition signifie qu' il fait trop sombre et que même extérieur, par temps ensoleillé, les photos peuvent paraître trop sombres. Vous avez trop fermé l' ouverture ou vous avez réglé la vitesse d'obturation sur élevée. décider si votre photo est bien exposée ou non Vous pouvez décider si votre photo est bien exposée ou non en regardant simplement l'écran de votre appareil photo. C'est comme sortir et deviner à quelle température il fait. Vous pouvez savoir s'il fait chaud ou froid, mais pour connaître la température exacte, nous utilisons un thermomètre, et c'est la même chose avec votre appareil photo. Nous utilisons un outil appelé histogramme pour mesurer l'exposition afin de prendre de meilleures décisions quant à ce dont nous avons besoin pour définir l'ouverture, l' ISO ou la vitesse d'obturation des annonces. Cet histogramme ressemble à ceci. Avant de poursuivre la leçon, mettez cette vidéo en pause pendant un court instant et essayez de trouver ce réglage sur votre appareil photo. Assurez-vous qu'il s' affiche sur le moniteur. Pour certains modèles d'appareils photo, vous devez appuyer plusieurs fois sur le bouton Display. Pour d'autres, il peut s'agir d'un paramètre qui doit être activé dans les menus. Nous examinons un schéma. Ces informations indiquent la lumière ou l'exposition. Sur le côté gauche se trouvent les zones sombres et sur le côté droit se trouvent les zones claires. Lorsque je ferme mon ouverture, vous verrez que le diagramme se déplace vers la gauche et que lorsque j' ouvre l'ouverture, les informations se déplacent vers la droite. Idéalement, vous devez vous assurer que le graphique de l'histogramme se trouve quelque part au milieu, sans toucher à l'extérieur. De cette façon, j'ai remarqué qu'aucune partie de ma photo n'était sous-exposée et qu'aucune partie n'était surexposée. Dans un environnement de studio comme celui-ci, c'est facile parce que j'ai un contrôle total sur la lumière et le décor, mais quand je vais à l'extérieur, cela devient plus délicat. Nous avons une forte lumière du soleil et reflets blancs sur la photo, ainsi que sur la personne debout dans l'ombre. C'est un contraste important et si l'on regarde l' histogramme, il semble y avoir deux pics à la fois dans les zones sombres et dans les zones claires. gauche se trouvent les informations sur les télons et l'ombre, et à droite, les informations sur le réflecteur blanc. Il est impossible de placer le diagramme au milieu à cause de ce contraste, une situation à laquelle vous serez souvent confronté d'ailleurs. Ici, il est important de faire un choix. Vous voulez voir des détails sur le réflecteur ou sur les télons ? Eh bien, je pense que dans ce cas, les télons sont plus importants, alors ouvrons l'ouverture. Décollez donc le diagramme du côté gauche de l'histogramme. Mais ne le mettez pas au milieu, les télons se trouvent dans l'ombre. Il fait sombre, alors gardez-le dans l'obscurité, ne le sous-exposez pas en perdant tous les détails. Voilà un exemple extrême. Une autre situation plus probable est celle où vous inscrivez votre sujet devant un ciel radieux. On pourrait dire que le sujet est trop sombre lorsque nous essayons de cibler toutes les informations au milieu du diagramme, afin d'en exposer davantage. En ce moment, le ciel sera surexposé. Il s'agit d'un cliché très typique réalisé par un cinéaste débutant. Cependant, le ciel est trop visible pour que je ne recommande pas de le faire. Essayez d'atteindre les zones claires dégagées du côté droit de l' histogramme, ramener les détails dans le ciel. Vous voulez voir la structure des nuages et pas seulement des taches blanches. Oui, vos télons sont un peu trop foncés, mais il y a toujours des détails. Nous pouvons voir le visage et si vous le pouvez, il vaut toujours mieux sous-exposer que surexposer. C'est ce qui différencie un professionnel d'un débutant. Maintenant, qu'en est-il des télons et des teints de peau en général ? Nous pouvons maintenant voir l'histogramme sous forme de barre de pourcentage. Où sur la gauche, il y a zéro pour cent de noir et sur le côté droit, il y a 100 pour cent de blancs. tons de peau plus clairs comme moi devraient être environ 70 pour cent, donc quand je prends une photo de mes télons, je pourrais me rapprocher un peu plus pour ne voir que les informations du visage, et j'essaierai d'obtenir le diagramme quelque part autour de ce 70%, lorsque je recule pour faire mon cliché moyen ou autre, je sais que j'ai exposé mes clichés correctement pour les tons de peau. Lorsque vous travaillez avec un télon ou des tons de peau aussi foncés, vous pouvez viser environ 50 pour cent, mais prenez-le avec un grain de sel. Ce 70 ou 50 pour cent est correct sur le plan académique, mais il est bon de connaître ces normes académiques. C'est ainsi que fonctionne l'histogramme. Utilisez-le tout le temps pour vérifier si quelque chose est surexposé ou sous-exposé. Votre écran ne représente pas correctement l'exposition , c'est pourquoi vous devez utiliser cet outil. 8. Autofocus: On a compris, les gars. Exposition. Arrêtons-nous avec ça. Ça suffit de parler d'exposition. Parlons de ce qui est amusant maintenant. [BRUIT] La mise au point, je veux dire la mise au point de votre appareil photo, mais aussi votre mise au point, bien sûr, deux types de focales. Bref, on dit qu'un sujet est focalisé lorsqu'il est précis. Tout autre élément en arrière-plan ou au premier plan qui n'est pas net est flou. C'est comme moi. Je suis concentré et ça, là-bas, c'est flou. Maintenant, tournez la bague de mise au point sur votre objectif pour faire la mise au point en avant et en arrière. Plus votre champ de mise au point est grand, cela dépend de l'ouverture. Nous en avons déjà parlé. Il y a maintenant deux manières de se concentrer. Soit vous le faites manuellement en tournant la bague de mise au point, soit vous laissez l'appareil photo le faire automatiquement. Souvent, vous avez un interrupteur sur votre objectif pour cela, AF signifie mise au point automatique et MF signifie mise au point manuelle. Si votre objectif ne dispose pas de cette option, vous pouvez la régler dans les menus et choisir la point manuelle ou l'une des différentes techniques que la au point automatique doit utiliser, car la mise au point automatique permet détecter des visages et essayez toujours de faire la mise au point sur un visage, ou réglez-le sur un point choisi afin de pouvoir utiliser les joysticks pour choisir un point précis lequel l'objectif doit effectuer la mise au point. Chaque option possède son propre cas d'utilisation. Ce n'est pas comme si l'un était meilleur que l'autre, ça dépend. Maintenant, l'autofocus peut sembler un mauvais choix en général. Je veux dire, jusqu'à présent, je vous ai dit de ne pas utiliser l'auto, mais il y a des exceptions. Je veux dire, la mise au point manuelle vous donne plus de contrôle. Cependant, il n'est pas toujours facile de garder le sujet au point lorsque vous le faites manuellement. Si votre objectif était de maintenir la mise au point sur votre sujet pendant que vous courez avec votre appareil photo, pourquoi ne pas le régler sur la mise au point automatique avec détection des visages ? Il vous permet de vous concentrer davantage sur le cadrage, les mouvements de caméra ou l' histogramme, etc. Lorsque vous n'avez personne dans votre cadrage, vous pouvez même opter pour l'option de focalisation ponctuelle. À l'aide des joysticks, vous pouvez le déplacer jusqu'à ce point pour vous concentrer maintenant, même pendant le tournage. Vous pouvez commencer à filmer, par exemple, un objet, courir ou faire ce que vous voulez, ou faire ce que vous voulez, puis déplacer ce point de mise au point vers un autre endroit, en modifiant la mise au point. Je pense que c'est un excellent moyen de s' entraîner avec des changements de mise au point sans trop se soucier de savoir si votre sujet est vraiment précis ou non. autofocus a certainement ses avantages, mais il présente également certains inconvénients. Vous n'avez aucun contrôle sur l'objectif. Cela se fait automatiquement. Cela signifie qu'un pompage focalisé peut se produire. C'est là que l'appareil photo se déplace pour se concentrer sur un sujet et commence à se déplacer vers l'avant et vers l'avant. Ou lorsque vous modifiez la mise au point à l'aide cette technique à l'aide des joysticks, vous n'avez aucun contrôle sur la rapidité avec laquelle la mise au point change. Si vous en avez le cran et que vous voulez un contrôle absolu, réglez votre appareil photo sur la mise au point manuelle, et nous en reparlerons plus en détail dans la leçon suivante. 9. Focus manuel: Je suis complètement déconcentré. C'est parce que mon appareil photo là-bas est réglé au point manuelle et que ma petite table, juste là, mon chariot de production est mise au point. Mais c'est mon parcours et je ne devrais même pas être ici. C'est pourquoi j'ai réglé mon appareil photo sur la mise au point manuelle. Laisse-moi juste rester en retrait. Les cinéastes professionnels utilisent rarement la mise au point automatique moins qu'elle ne présente réellement un avantage par rapport à la Au début, vous pourriez penser que autofocus a toujours le dessus. C'est parce que vous devez vous entraîner à vous concentrer manuellement. Il faut plusieurs mois, voire des années, pour le maîtriser. Une fois que vous l'avez maîtrisé, il est bien meilleur que la mise au point automatique. Commencez par vous familiariser davantage avec votre objectif. Choisissez un sujet et marchez d' avant en arrière tout en essayant de le garder concentré Vous devez savoir à quel point vous devez tourner la bague de mise au point en fonction de la distance que vous parcourez. Au début, vous marcherez lentement et au fur et à mesure que vous serez de plus en plus à l'aise, vous marcherez un peu plus vite. Maintenant, il est bon de l' enregistrer également, afin que vous puissiez vérifier votre entraînement par la suite. Parfois, il semble que notre sujet était au centre de l'attention, mais en réalité, ce n'était pas le cas. Maintenant, tout comme l'histogramme, il existe également un outil pour vous aider à mesurer la mise au point. Celui-ci s'appelle Focus Peaking. Maintenant, tous les appareils photo n'ont pas cette option, mais si c'est le cas, c'est cette option que vous devez rechercher et l' allumer, pour une mise au point maximale. Cela affichera un tas de points ou de lignes sur votre viseur. Les zones marquées sont nettes, ce qui vous permet de voir plus facilement si votre sujet est net ou non, ce qui n'est pas toujours aussi simple avec un petit viseur. Un caméraman qualifié peut même effectuer mise au point sans regarder dans le viseur. Lorsque vous tournez complètement l'objectif d'un côté, ils savent exactement à quel point ils doivent retourner pour que leur sujet soit mis au point. Mais c'est en quelque sorte les maîtres, c'est pour le sens du cinéma, ce que je suis. C'est un aspect de la mise essayer de garder votre sujet concentré, mais la mise au point manuelle permet également de faire des choix créatifs. Par exemple, vous prenez vos photos finales et vous voulez que votre vidéo ait une fin. Ce que l'on fait souvent, c'est simplement reculer la mise au point, tout rendre flou, et vous pouvez le faire en douceur à la vitesse exacte que vous souhaitez, en changeant la mise au point d'un sujet à un autre ira également beaucoup mieux. Nous filmons un sujet et le milieu du plan ou tournons molette de mise au point pour qu' un autre sujet soit mis au point. Cette technique est également appelée focalisation traction ou focalisation en rack. Dans l'industrie cinématographique, un extracteur de mise au point en tant que travail à plein temps, vous vous tenez à côté du caméraman tout en gardant le sujet au point en effectuant des racks de mise au point et, ce qui n'est pas le cas, vous êtes le tireur de mise au point. Souvent, cela peut également être fait via un système sans fil, où l' extracteur de mise au point peut se tenir un peu à l'écart du caméraman. L'extracteur de mise au point commande ensuite un moteur qui est fixé à l'objectif, mais c'est pour l'avenir. Pour l'instant, je veux que vous vous entraîniez à vous concentrer et un outil utile pour cela est en fait l'une de ces choses. Il s'agit d'un tableau de focalisation. Vous pouvez le trouver en ligne et l'imprimer. Cela vous permet de mieux voir si l'avion est focalisé ou non. Un tel tableau de mise au point est souvent utilisé pour se tenir à côté du sujet très rapidement, afin que le caméraman puisse voir si utilisé pour se tenir à côté du sujet très rapidement, afin que le caméraman puisse voir si le sujet est net ou non avant de commencer à filmer. Tu pensais n'avoir besoin que de la caméra. La réalisation de films comprend des milliers d' outils différents dont vous n'avez pas besoin, mais que vous achetez quand même. Maintenant, va t'entraîner à te concentrer, en privé. pas en arrière et en avant tout en essayant de garder ce tableau de mise au point, ou quoi que ce soit , appuyez également sur Enregistrer sur votre appareil photo, afin de pouvoir le consulter sur votre ordinateur plus tard, et je vous verrai revenons à la leçon suivante. 10. Balance des blancs: Salut les gars. Bon retour. Quelque chose ne va pas. La balance des blancs. Laissez-moi juste régler cela correctement. On y va. Il existe différents types de lumières dans ce monde. Vous avez des lumières chaudes au tungstène comme celle-ci ici, des bougies ou un soleil chaud très faible. Mais de l'autre côté du spectre, il y a lumières froides comme celle-ci ici, mais aussi des lumières éteintes chez le dentiste. Même les lumières du soleil peuvent également être très bleues. Par temps couvert , par exemple. Les nuages changent la couleur de la lumière du soleil, ou lorsque le soleil se couche après l'heure dorée, nous obtenons l'heure bleue. La différence entre ces couleurs d'éclairage naturel est appelée température de couleur et voici une photo qui le montre très bien avec des exemples de types de lumières que vous pouvez trouver sur le spectre. Une bougie sur le côté gauche où se situent les couleurs oranges et une journée nuageuse sur la droite dans le ton bleu. Nous pouvons même donner une valeur spécifique à la température de couleur, qui est exprimée en Kelvin. Une bougie a une température d'environ 2 000 kelvins. Une lampe au tungstène est de 3 200. Vous pouvez souvent retrouver ces valeurs lors de l'achat d'une ampoule. Les lampes LED n'ont pas de Kelvin spécifique, elles peuvent donc avoir n'importe quelle valeur. Au milieu, autour des 5 500 et 6 500 kelvins, nous pouvons retrouver la lumière naturelle. C'est là que la lumière du soleil n'est pas bloquée par les nuages et qu'elle se trouve très haut dans le ciel. Vers midi et sur le côté droit à environ 7 ou 8 000 kelvins, nous pouvons retrouver le temps couvert et admirer le ciel bleu lui-même. Maintenant, pourquoi est-ce si important à comprendre ? Eh bien, nos yeux s'adaptent automatiquement à ces couleurs. C'est pourquoi nous ne le remarquons même pas ou ne sommes même pas dérangés par cela. Mais un appareil photo ne le fait pas automatiquement. Vous devez définir la valeur Kelvin. Je filme dans une pièce avec des lumières au tungstène, environ 3 200 kelvins. Je cherche le menu de balance des blancs et je saisis cette valeur. Cela donnera à la lumière au tungstène aspect blanc ou neutre. Cette technique s'appelle la prise d'une balance des blancs. Nous équilibrons la couleur de la lumière pour qu'elle apparaisse en blanc sur la caméra. Maintenant, le fait de régler cette valeur Kelvin exacte vous donne, bien entendu, le plus de contrôle. Mais vous pouvez également choisir parmi une série de préréglages. Vous verrez des icônes dans votre menu de balance des blancs qui représentent les lumières que vous avez. Ce sont des valeurs prédéfinies et plupart du temps, elles sont tout aussi bonnes à cause d'une astuce. Il y a une option que vous ne devriez jamais choisir, savoir AWB, ou balance des blancs automatique. Bien qu'une balance des blancs automatique semble être une bonne idée, elle provoque des décalages et des changements de couleurs. Les couleurs de vos photos doivent rester les mêmes, sauf si vous avez une bonne raison. Nous comprenons de quel équilibre des blancs il s'agit maintenant. L'idée de faire apparaître un avion blanc comme blanc sur la caméra. Certaines caméras, certainement des caméras vidéo professionnelles vous permettent même de capturer un point blanc. vous suffit ensuite de pointer un livre blanc vers l'appareil photo et de réaliser une balance des blancs. L'appareil photo calculera le Kelvin pour vous et s' assurera que le papier apparaît en blanc. Il enregistrera cette valeur et ne changera plus automatiquement par la suite. Maintenant, ce ne sont pas tous les reflex ou les caméscopes grand public qui peuvent le faire Nous allons donc ignorer cette partie. De plus, vous n'avez pas besoin d'être aussi précis. Vous voyez, un cliché comme celui-ci ne semble pas naturel, même si le blanc est blanc. Nous pensons que quelque chose ne va pas. La chaleur des couleurs tungstène intérieures a disparu et la lumière du jour qui passe par la fenêtre est de deux bleutés. Peut-être qu'au lieu de 3 200, nous devrions régler le Kelvin à environ 6 000. Visez les couleurs de la lumière du jour. Ça améliore l'éclairage des fenêtres, mais à l'intérieur, c'est beaucoup trop orange. Dans un tel scénario, vous voulez donner l'impression que la lumière bleutée de l'extérieur passe par la fenêtre et que nous avons une lumière chaude à l'intérieur. Choisissons plutôt quelque chose entre 4 500. Cela rend la lumière de la fenêtre un peu plus bleue et les lumières intérieures plus naturelles et chaudes. Peu importe que vous tiriez à 4 200 ou 4 800. Tant que vous êtes quelque part entre le tungstène et la lumière du jour. Lorsque vous filmez uniquement en intérieur sans éclairage de couleurs mixtes, je ne recommande pas non plus régler la balance des blancs sur le tungstène. Tu veux garder ce ton chaud à l'intérieur. Peut-être l'avoir réglé autour de 4 000. photographiez à l'extérieur pendant la journée, cela est considéré comme de la lumière naturelle C'est donc une bonne idée de régler votre balance des blancs en conséquence et de faire apparaître les blancs comme des blancs. Enfin, une journée nuageuse est maussade et vous pouvez faire le choix créatif de maintenir votre balance des blancs réglée à la lumière du jour, pour votre balance des blancs réglée à la lumière du jour, rendre cette journée un peu plus bleue. Cela ajoute à l'apparence, mais c'est au cinéaste de décider. Maintenant, bien sûr, une fois que vous allez passer à la phase d'édition, il y a aussi la partie correction des couleurs dans laquelle nous pouvons modifier la balance des blancs et d'autres couleurs également. Ne vous inquiétez pas trop de la balance des blancs pendant le tournage. Essayez simplement d'y réfléchir un peu pour que vos talents ne ressemblent pas à une citrouille ou quelque chose comme ça, car plus la différence est grande, plus il sera difficile de corriger les couleurs. Vous voulez toujours vous assurer d'être correct d'une manière ou d'une autre. Nous n'aborderons pas le montage vidéo dans ce cours, mais je propose un cours de montage et Adobe Premier Pro ainsi qu'un cours de correction des couleurs. Si vous êtes intéressé, vous pouvez toujours les consulter. Maintenant, merci de m'avoir écouté et à bientôt dans la prochaine leçon. 11. Les photos de profils: Maintenant, j'ai vu beaucoup de choses, même une très mauvaise balance des blancs, mais voici, où sont mes couleurs, publicités et mon anti-contraste. Ça a l'air tellement délavé. Oh, c'est de retour. Exact, la photo de profil. Bon retour les gars. Vous avez presque suivi toutes les leçons concernant les réglages de l' appareil photo. Après celui-ci, vous êtes prêt à vous lancer dans la réalisation de films. L'idée des premières leçons était de vous permettre de comprendre votre appareil photo à l'intérieur et à l'extérieur, et nous y sommes parvenus. Bon travail. Ils font un travail formidable. Vous pouvez vous donner une tape sur l'épaule, mais arrêtez, ne vous tapotez pas trop encore parce qu'il y a encore tant à apprendre. Profils photographiques. Selon les marques d'appareils photo que vous possédez, cette option de profil photo est cachée quelque part dans ces menus. Il suffit de le feuilleter jusqu'à ce que vous le trouviez. Vous rencontrerez différents profils d'image, tels que standard, neutre, vif, peut-être même en noir et blanc ou monochrome. L'utilisation de l'une de ces options modifiera l'apparence de votre vidéo. Vivid vous donnera un aspect très saturé avec beaucoup de contraste tandis que le neutre sera plus plat et désaturé. La plupart des marques d'appareils photo vous permettent même d'accéder à ces profils d'image et de les modifier un peu plus en modifiant le contraste ou la saturation individuellement. Maintenant, la même question se pose, comme toujours. Pourquoi ? Eh bien, il y a deux raisons pour lesquelles vous souhaitez modifier un profil photo. Tout d'abord, vous ne savez pas ce qui vous attend lorsque votre caméra sort de la boîte, vous êtes cinéaste, alors vous choisissez le look de vos vidéos. Soit vous voulez une belle photo directement depuis l'appareil photo, alors vous pouvez choisir quelque chose comme des standards ou peut-être des couleurs vives. Mais si vous souhaitez avoir plus de contrôle correction des couleurs plus tard dans l'édition, il est préférable de choisir quelque chose d' aussi plat que possible choisir le neutre et de réduire le contraste, la saturation vers le bas et la netteté aussi. Nous avons une image plate et laide, mais nous pouvons ajouter du contraste, des couleurs et de la netteté lors de la retouche. Cela nous donne beaucoup plus de contrôle. C'est ce que vous avez vu au début de cette vidéo. Vous voyez, voici l'image plate qui est enregistrée par l'appareil photo avec une correction des couleurs activée. Nous le faisons parce que nous ne pouvons pas supprimer le contraste ou les couleurs saturées uniquement dans une certaine mesure. C'est pourquoi les cinéastes aiment prendre des photos à plat pour avoir la possibilité de classer les couleurs et d'obtenir un look cinématographique. Les caméras vidéo professionnelles et même un petit nombre de reflex prosommateurs ont la capacité de prendre photos avec un profil d'image journal. Il s'agit généralement d'un paramètre encore plus dissimulé, mais il s'agit essentiellement d'une image très plate, comme vous pouvez le voir ici. Mais il contient toutes les informations dont nous avons besoin. Un cliché comme celui-ci peut facilement être attribué à quelque chose comme ça, en fait, à un aspect plat. Ce profil est en fait un profil d'image verrouillé et cela me donne la possibilité classer en couleur comme je veux, comme ceci ou cela, peut-être ceci. Vous voyez, vous pouvez faire tout ce que vous voulez avec cela, ce qui est beaucoup plus difficile et peut-être même impossible avec quelque chose comme un profil photo vif. Maintenant, chaque marque a sa propre saveur de ce profil de journal de bord. Les appareils Sony l'appellent S-Log, appareils Panasonic V-Log, pour Canon c'est C-Log, etc. Mais tout se résume de la même manière. S'il s'agit de profils photographiques ou de quelque chose que vous connaissez déjà, jouez avec un profil photo de journal et consultez mon cours sur l'étalonnage des couleurs. C'est tout nouveau pour vous, alors ne vous embêtez pas à tirer sur Log pour l'instant. Réglez simplement votre caméra sur les normes ou sur la neutralité , selon vos préférences, et concentrez-vous d'abord sur le reste du cinéma, parce qu'il y a beaucoup à apprendre et que le spectacle ne fait que commencer, mais je suis très enthousiaste à l'idée vous emmenez dans ce voyage. Ce que j'aimerais que vous fassiez maintenant, c'est passer tous les réglages de votre appareil photo, si ce n'est pas déjà fait. Assurez-vous de vous sentir à l'aise avec les différents outils et commandes manuelles et, lorsque vous vous sentirez prêt, revenez, car dans les prochaines leçons, nous allons commencer par une toute nouvelle et découvrez le côté créatif de la réalisation d'un film, qui commence par la règle des tiers. 12. Règle des tiers: Aujourd'hui, si vous filmez une vidéo, vous suffit de sortir la carte SD de votre appareil photo, brancher sur votre ordinateur et de commencer à la regarder. Autrefois, vous deviez sortir la bande de film de votre appareil photo, la développer, [NOISE] la mettre sur ce film juste ici, qui projetait ensuite le film pour le regarder. En parler me fait me sentir très vieux, même si c' était avant mon époque. Quoi qu'il en soit, maintenant vient la partie amusante. Les leçons suivantes vous sépareront d'un débutant car connaître votre appareil photo de fond en comble est une bonne base. Mais si vous ne savez pas comment l'utiliser correctement, vous faites toujours les choses mal. Commençons par le cadrage. C'est ainsi que vous dirigez votre appareil photo vers vos sujets. Vous avez probablement déjà entendu parler d'une composition. C'est ainsi que vous positionnez différents éléments d'une prise de vue. Nous avons cette pierre juste ici, et quelques arbres à l' arrière en me déplaçant, et la façon dont je pointe mon appareil photo vers ces objets, je peux les positionner différemment dans le cadre de mon appareil photo. Un cinéaste sait ce qu'est un bon cadrage ou une bonne composition. En d'autres termes, ils savent où placer ces arbres et ces rochers pour rendre la photo intéressante et agréable à regarder. Maintenant, il existe différents types de techniques de cadrage, mais presque tout se résume à la règle de base des tiers. Vous divisez votre plan en trois parties, à la fois horizontalement et verticalement , d'où la règle des tiers. Vous connaissez peut-être cette grille, comme vous pouvez l'appeler, car une superposition sur presque tous les appareils photo, y compris votre téléphone, est généralement appelée grille. Il s'agit d'un guide que nous pouvons utiliser pour aligner différents objets, et commençons par les bases. Nous filmons un paysage qui se divise avec l'horizon. L'idée est de placer l'horizon soit sur la ligne directrice supérieure, soit sur la ligne inférieure. Cela dépendra de ce que vous voulez montrer le plus, s'agit-il des nuages ou du paysage lui-même ? S'il s'agit du paysage, vous placez évidemment l' horizon sur la ligne supérieure. Il s'agit d'un cliché équilibré. C'est agréable à regarder parce que nous l'avons aligné sur la règle des tiers. Entrons maintenant un sujet dans le cadre, tel qu'un arbre. Un arbre est grand, nous ne pouvons donc pas positionner sur les lignes directrices de l' horizon. Nous allons utiliser l'une des verticales, soit à gauche, soit à droite. En même temps, nous allons garder l'horizon sur la ligne supérieure ou peut-être sur la ligne inférieure. Une composition sera toujours composée de plusieurs objets ou sujets qui doivent être alignés. Tout comme pour l'horizon, réfléchissez à la zone qu' il est le plus important de montrer , c'est-à-dire le côté gauche ou le côté droit de l'arbre, en fonction de laquelle vous choisirez la ligne directrice sur laquelle vous allez aligner l'arbre. Parfois, votre sujet ou votre objectif principal est beaucoup plus restreint que l'environnement, comme le Terence ici présent objectif principal est beaucoup plus restreint que l'environnement, , qui est assis sur un rocher au loin. Dans un cas comme celui-ci, nous pourrions les positionner à la fois sur une ligne verticale et une ligne horizontale, choisissant essentiellement l' une des croix. Maintenant, si certaines zones n'ont vraiment aucun sens, vous pouvez opter pour une composition centrale, en centrant le sujet, soit parfaitement au centre, soit en le plaçant toujours sur l' un des directives horizontales, cela fonctionne aussi. faisant une composition aussi centrée, vous mettez toute l' attention sur le sujet. filmant le sujet de plus près, on peut faire de même. Placez un sujet gauche, à droite ou au centre. Mais que mettons-nous sur la ligne horizontale ? Le point d'intérêt. Où le public cherche-t-il une personne qui sera ses yeux ? Nous posons leurs yeux sur la ligne horizontale supérieure. Le fond pourrait également fonctionner, mais vous avez besoin d'une très bonne raison pour cela. Il se passe quelque chose au-dessus de la tête de Terence. Ensuite, en ce qui concerne les lignes verticales, tant que la personne qui regarde la caméra, vous pouvez choisir. Souvent, une composition centrée est utilisée, mais lorsque le Terence détourne le regard de la caméra, quelque chose se passe. Soudain, une direction d'observation se produit. Le Terence regarde soit vers la gauche, soit vers la droite. Dans notre composition, nous devons laisser de place à cette direction d'observation. Lorsque votre Terence regarde vers la gauche, il place cette personne sur la ligne verticale droite avec l' espace de visualisation sur la gauche, et bien sûr vice versa. Maintenant, cette règle ne s'applique pas seulement aux personnes, mais à tout ce qui a un visage, comme les animaux, les statues ou les ours en peluche. En fait, il fonctionne avec tout ce qui a un recto et un verso. Pensez à une voiture, elle n'a pas de visage, mais elle a une façade, alors assurez-vous de donner à cette voiture un espace de visualisation. Enfin, il y a aussi un espace de marche. Si un humain marche dans une certaine direction, donnez-lui un espace de marche. C'est la même chose que l'espace de visualisation. S'ils marchaient de gauche à droite, vous placez cette personne sur la ligne directrice de gauche et vous suivez ses mouvements. Encore une fois, cela fonctionne avec tout ce qui se déplace, y compris les voitures, les avions, les animaux, etc. Bien entendu, cela implique uniquement que lorsque vous suivez un sujet, lorsque vous avez un cadrage fixe et choisissez de laisser le sujet prendre des photos d'étudiants ivres, vous n'avez évidemment pas à leur donner de l'espace de marche. Mais c'est ainsi que fonctionne la règle des tiers, et en fonction des domaines les plus intéressants, où le sujet se penche ou se déplace, endroit où le sujet se penche ou se déplace, vous les inscrivez sur une ou plusieurs lignes directrices. Dans la leçon suivante, nous allons travailler un peu plus sur la règle des tiers et nous concentrer uniquement sur les personnes. 13. Cadrage de talent: Nous avons compris la règle des tiers et comment utiliser les directives pour cadrer différents objets dans une prise de vue. Mais l'objet le plus courant ou mieux défini est l'être humain. Qu'il s'agisse de filmer une présentation, un dialogue entre deux personnes, une scène d'action, peu importe. Filmer des gens s' accompagne de règles de cadrage. Il existe trois cadres principaux : le plan rapproché, le plan moyen et le plan long. Entre les deux, nous avons des sous-cadres tels que des gros plans extrêmes, ou des plans moyens et longs, des plans extrêmement longs. Il s'agit de sous-cadres et il n'est donc pas si important de les mémoriser. Vous pouvez aussi dire : «  Faisons un plan long », ce qui est un peu plus proche. Cela n'a pas vraiment d' importance tant que vous comprenez les trois principaux cadres. Commençons par un plan lointain. Cela signifie que nous allons cadrer de manière à ce que le talent soit complètement visible dans le tir, de la tête aux pieds. Comme nous l'avons appris dans une leçon précédente, nous pouvons opter pour une composition centrale s'ils regardent la caméra. S'ils détournent le regard de la caméra, offrez un espace de visualisation à vos talents et alignez-les du bon côté des lignes directrices verticales. L'utilisation des lignes directrices horizontales devient plus délicate. Nous regardons le visage, nous pouvons donc l'aligner sur la ligne directrice horizontale. Mais à long terme, cela crée trop d' espace au-dessus du sujet. Cet espace s'appelle espace de respiration. Vous en avez besoin, mais pas trop. Juste assez pour détacher votre sujet du cadrage. Sur la partie inférieure, là où se trouvent les pieds, vous devez également laisser un peu d'espace pour respirer, l' espace entre les pieds et le cadre inférieur. Si vous voulez coller les pieds au cadre, cela semble très étrange. , c'est ce qu'on appelle l'effet marionnette , mais ne me demandez pas pourquoi c'est juste ça. Pareil pour la tête de votre talent, le coller au cadre supérieur est étrange. Cela crée cet effet de marionnette, que vous voulez éviter, en lui donnant un peu d'espace pour respirer. Maintenant, approchons-nous un peu plus du talent. Ceci est considéré comme un plan moyen-long. Nous allons nous débarrasser des talents. Je veux dire, pas pour de vrai, juste en l'encadrant. Nous avons maintenant découvert l'effet de marionnette. Vous ne voulez pas que quelqu'un se tienne debout sur votre cadrage. La même chose se produit avec n'importe quelle articulation. Cela signifie les chevilles, les genoux, le bassin, etc. Évitez de couper tout ce qui peut se plier. Un tir moyen-long comme celui-ci est étrange car on se coupe les genoux. Je sais que le cinéma est cruel, il y a beaucoup de découpage. [RIRES] Quoi qu'il en soit, vous ne voulez pas faire ça, coupez toujours au-dessus ou en dessous d'un joint. Cela semble tellement plus naturel. Maintenant, prenons une photo moyenne. Nous allons couper au-dessus du bassin. Intéressant maintenant, c'est que notre sujet est devenu plus visible sur un plan. Il occupe une plus grande partie de l'encadrement. Nous pouvons à présent placer les yeux du sujet sur les lignes directrices horizontales. N'oubliez pas de laisser de l'espace pour respirer au-dessus de la tête, définitivement, pour un tir moyen. Nous pouvons aller encore un peu plus près et prendre un gros plan moyen. Essentiellement, nous coupons sous les épaules. Nous nous rapprochons tellement qu'il est maintenant impossible de laisser de l'espace pour respirer au-dessus de la tête. Nous allons couper la tête, évitant l'effet de marionnette, et nous nous assurerons de couper également le front. On s'y met, les gars. Allons-y pour un gros plan. Vous voulez être au-dessus des épaules maintenant, mais sous le cou, car c'est aussi une articulation. Les yeux seront placés au-dessus de la ligne directrice supérieure, sinon nous couperons trop de cou et de menton pour laisser un espace indésirable au-dessus des yeux. Le front ne prend plus autant d'importance, nous nous concentrons sur les yeux, le nez et la bouche en gros plan. Enfin, il y a le gros plan. En gros, vous pouvez choisir ce sur quoi vous souhaitez vous concentrer maintenant. seront soit leurs yeux, soit leur bouche, ou quoi que ce soit d'autre. Le plus souvent, vous allez l'encadrer au milieu sauf si vous avez une bonne raison de montrer d'autres zones. exemple, si vous optez pour les yeux mais aussi pour le nez, vous pouvez placer les yeux sur la ligne supérieure ou un peu au-dessus et laisser de la place en dessous pour le nez. C'est en résumé comment définir un talent. Tout comme dans l'espace de visualisation, vous pouvez également retrouver des visages sur d'autres objets. Un ours en peluche est également un talent qui peut être encadré par les mêmes principes. Même des objets ternes comme un frigo. Avant de vous demander, qu'en est-il des joints, eh bien, qui sont les intersections entre les deux portes. Cela est également considéré comme un joint. De nombreux objets ont quelque chose comme ça. Pensez par exemple à ma lumière à l'arrière. Ici, à côté du phare je peux l' incliner de haut en bas, c'est considéré comme un joint. Vous pouvez soit couper le cadre juste au-dessus, soit juste en dessous. Il y a maintenant un dernier type de cadrage dont nous n'avons pas encore parlé, et c'est le plan de départ. Il ne s'agit même pas d'un véritable cadrage, mais plutôt d'un plan narratif. Un plan de mise en scène est souvent utilisé au tout début d'un film ou d'une nouvelle scène. Il affiche le lieu et parfois aussi l'heure. Par exemple, une vue d' ensemble d'une maison. Ce qui suit est la scène d' une famille en train de dîner dans cette maison. Mais cette photo de la maison montre au public que la famille est dans la maison de son père et que est dans la maison de son père et que, pendant la journée, le soleil brille. Cela aide à localiser où nous en sommes, et nous pouvons utiliser ce principe pour tricher un peu, car ce tir ne doit pas nécessairement être une relocalisation. Mais vous pouvez faire croire à votre public que c'est le lieu où la scène est jouée. Voici un exemple ces gratte-ciel où se produit soudainement une explosion. Nous avons ensuite pris une photo de moi où je prétends avoir essayé de désamorcer la bombe, mais cela a échoué. Évidemment, je ne suis pas vraiment assise dans ce bâtiment en particulier, mais du point de vue de l'histoire, je le suis. C'est là que les clips de collection sont également très pratiques. Pour cela, nous utilisons une bibliothèque appelée Storyblocks. Ils étaient nos partenaires de longue date d'ailleurs. Il s'agit essentiellement d'une bibliothèque contenant plus d'un million de vidéos de différents genres et thèmes. Vous pouvez les utiliser à des fins commerciales et télécharger des contenus vidéo illimités avec un abonnement actif. C'est pourquoi je peux le recommander vivement à tout le monde. Par exemple, je suis tombé sur cette photo emblématique d'une planète. C'est quelque chose que je ne peux évidemment pas filmer, mais je peux le télécharger à partir d'ici, et cela me permet de signaler une scène spécifique qui se joue sur différentes planètes, comme Mars. Nous avons ensuite pris ces photos ici et nous avons l' impression que ces gars sont sur Mars, ce qui n'est pas le cas, bien sûr. C'est dans un désert, juste ici, sur la planète Terre. Ce sont également des clips de Storyblocks, mais vous avez compris. Tu sais quoi ? Je vais laisser un lien dans les notes de cours. Si vous souhaitez consulter Storyblocks, il s'agit d'un lien spécial, d'ailleurs, qui soutient notre activité et les cours que nous créons ici. Quoi qu'il en soit, un plan établi n'a pas vraiment de règles quant à la largeur de votre tir. Je veux dire, ça peut être une planète entière. L'important est qu'il indique le lieu et peut-être aussi à une heure de la journée. Assurez-vous de traiter votre objet comme un sujet. La maison entière et la planète entière deviennent un seul sujet. Comme nous avons appris comment encadrer un sujet selon la règle des tiers, donnez-lui un peu d'espace de respiration et un espace de visualisation si vous ne choisissez pas de composition centrale. Maintenant, nous n'en avons pas encore fini avec le cadrage. Il existe deux autres leçons sur le cadrage avec des objets de premier plan et une sur les arrière-plans. Après cela, vous pouvez faire une petite pause. En attendant, continuez à regarder, les gars. 14. Foregrounds: Jusqu'à présent, nous n'avons piégé qu'une seule personne, mais que se passerait-il s'il y avait une conversation entre deux personnes ? tirant de côté, nous pouvons placer chaque talent sur les lignes verticales et appliquer les règles du cadrage selon qu'il s'agit d'un plan long, plan moyen ou d'un gros plan. fait d'avoir deux personnes dans la prise de vue est également appelé un tir à deux. Nous nous concentrons essentiellement sur les deux talents. Les deux sont tout aussi importants, à deux coups. Mais au moment où l'un d'eux commence à parler, nous passons souvent à un tir par-dessus l'épaule. Ici, nous avons un talent concentré et l'épaule de l'autre personne floue sur le côté du cadrage. En d'autres termes, l'épaule agit comme un objet de premier plan. Lorsque nous examinons la règle des tiers, nous allons encadrer l'épaule dans cet exemple sur le côté droit de la ligne verticale, non pas dessus mais à côté de celle-ci. Le sujet lui-même peut être encadré normalement selon les directives verticales. N'oubliez pas que ces directives sont là pour attirer l'attention sur un sujet. Nous ne voulons pas que l'épaule attire l'attention, elle est juste là en tant qu'élément de premier plan. La photo par-dessus l'épaule vous permet de mieux comprendre où nous en sommes. Nous pouvons voir que le talent parle à une autre personne. C'est un cadre que nous pourrions utiliser pour échanger entre les deux personnes pendant qu'elles discutent. Nous déplaçons la caméra d' une personne à l'autre. C'est une méthode très typique mais une façon de capturer une conversation. Les objets de premier plan ne doivent pas toujours être une épaule. Cela peut aussi être un rocher ou un arbre, n'importe quoi. fait d'avoir un premier plan flou crée en fait plus de profondeur dans vos prises de vue. Vous commencez à voir une plus grande parallaxe entre les sujets et les premiers plans. C'est un moyen très simple de rendre vos photos tout simplement plus intéressantes. Parfois, cet objet de premier plan devient plus important. Nous allons recommencer à travailler avec un talent et cette personne examinera la distance. Maintenant, nous pouvons choisir de faire un cadrage par-dessus les épaules, cette façon, nous montrons que la personne regarde le paysage. Mais nous pouvons également placer le talent sur l'une des lignes directrices verticales même si le premier plan n'est pas clair. Cela devient une partie plus importante des prises de vue. Vous pouvez également opter pour une composition centrale. Un plan comme celui-ci est souvent utilisé pour raconter une histoire visuelle. Le paysage est vaste et les talents sont prêts à l'explorer et à partir à l'aventure. s'agit évidemment de techniques de caméra plus avancées , mais je veux que vous sachiez que cadrage d'une caméra à un niveau avancé se résume à une narration visuelle. Il existe deux manières de cadrer un sujet, soit pour réaliser une prise de vue naturelle qui plaise au public, soit pour aller plus loin pour raconter une histoire visuelle. L'art de créer des histoires visuelles dans la réalisation de films s' appelle la cinématographie. Dans les films, vous allez voir un mélange de plans normaux et de plans de narration visuelle. Pour l'instant, concentrons-nous sur les cadres de base et obtenons-nous d'abord une bonne idée de ceux-ci, puis nous pourrons passer au niveau suivant. 15. L'arrière-plan: Il y a une dernière chose que nous n'avons pas encore abordée en matière de cadrage, à savoir les arrière-plans. Que se passe-t-il en arrière-plan ? Maintenant, nous avons une belle vue moyenne du talent encadré par la règle des tiers. Bien que ce soit un bon cliché, nous avons oublié de penser à ce qui se passe en arrière-plan. En fait, ce n'est pas une bonne photo. Nous avons un arbre juste derrière le talent et il ressort de derrière la tête du talent. Cela semble très étrange et quelque chose que vous voulez toujours éviter. S'il y a un arbre, un poteau ou quoi que ce soit d'autre qui pourrait ressortir de l' arrière du sujet, veillez à éviter cela. Placez toujours un arbre comme celui-ci à côté du sujet ou découpez-le un peu hors du cadre si vous ne voulez pas attirer l'attention. Outre le cadrage, l'arrière-plan nous indique également où nous nous trouvons. Sur un plan moyen comme celui-ci, le sujet est très visible sur les plans et nous ne voyons pas beaucoup d'arrière-plans, mais nous avons l' impression d'être dans une forêt ou dans un parc parce que nous pouvons voir arbres en arrière-plan. C'est pourquoi, en tant que cinéaste, nous devons réfléchir à ce qui se passe en arrière-plan et à ce que nous voulons en arrière-plan, à ce qui convient le mieux à mon histoire. Est-il logique que nous soyons entourés d'arbres ou vaut-il mieux entrer à l'intérieur et avoir un salon en arrière-plan ? C'est à nous d'en décider. Avec cette leçon, je voulais juste que vous sachiez quels sont les antécédents. Regardez-le et posez-vous la question de savoir s'il y a quelque chose d'ennuyeux ou non et si cela a du sens, les éléments en arrière-plan doivent également être encadrés correctement. Maintenant, faisons une petite pause. Prenez votre appareil photo ou même votre téléphone et essayez certaines de ces techniques de cadrage. Demandez à un ami ou, s' il n'y a personne disponible, remplissez simplement votre ours en peluche, entraînez-vous à faire des plans longs, moyens et gros plans en suivant la règle des tiers. Si vous le pouvez, activez même ce grain en tant que superposition sur votre appareil photo et, enfin, voyez à quoi vous pouvez faire face avec les objets de premier plan. Pratiquez cela un peu, et lorsque vous vous sentirez prêt, revenez et nous continuerons avec le reste. 16. distance focale: Hey, bon retour. Il existe deux types d'objectifs que vous pouvez fixer à votre appareil photo. Il s'agit soit d'un objectif à focale fixe, soit d'un objectif zoom. Les objectifs à focale fixe ont une distance focale fixe , par exemple 50 millimètres. objectif zoom peut couvrir une plage complète, par exemple, de 24 millimètres à 70 millimètres. En tournant la bague sur l' objectif, vous pouvez zoomer ou, en d'autres termes, modifier les focales. Aujourd'hui, les objectifs à focale fixe ont tendance à être de meilleure qualité, car ils sont plus faciles à fabriquer et à maintenir cette meilleure qualité optique. C'est pourquoi ils sont moins chers que zooms de qualité égale. C'est l'histoire de fond. Mais maintenant, quels sont ces millimètres dont je parlais et comment affectent-ils nos prises de vue ? Eh bien, il existe trois différences focales distinctes. Tu as un grand angle. D'une manière extrême, nous pouvons même appeler ce fisheye normal, qui est juste proche de la façon dont nous voyons le monde ou de la distance focale de nos yeux. Enfin, la télé, qui est zoomée, permet de voir les choses de plus près qu'elles n'y paraissent dans la vie réelle. Maintenant, l'œil humain se trouve à environ 50 millimètres. C'est pourquoi un objectif de 50 millimètres est si populaire. Tout ce qui se trouve en dessous est un grand angle, donc un objectif de 20 millimètres ressemble à ceci. très grand angle. L' objectif de 100 millimètres du côté opposé est zoomé. Nous parlons d'un téléobjectif dans les prises de vue, et il y a encore beaucoup de choses à faire lorsque l' on change la distance focale. En fait, nous allons examiner trois effets secondaires différents qui accompagnent n'importe quelle distance focale. Nous avons ici un aperçu moyen de notre talent à des focales de 100 millimètres. Voici à nouveau ce même cliché, un cadrage moyen à 20 millimètres. La première chose que nous remarquons est l'arrière-plan et en prise de vue grand angle, nous pouvons voir beaucoup plus de l'environnement qu' avec le téléobjectif. Cela est dû au champ de vision qui change. À partir du grand angle, nous avons un grand champ de vision qui devient plus étroit au fur et à mesure que nous zoomons . Faire cette astuce ici avec vos bras aide vraiment à visualiser ce qui se passe. Lorsqu'un arrière-plan est moins important, vous pouvez zoomer un peu plus avant, lorsqu'il est plus important et que vous souhaitez montrer une plus grande partie de l'environnement, peut-être effectuer un zoom arrière et vous rapprocher du sujet. Il est très important d'en être conscient. Ne vous contentez pas de zoomer parce que c'est plus facile, car le meilleur choix est peut-être de zoomer en arrière et de vous rapprocher réellement des sujets. Ce même effet du champ de vision se retrouve sur le talent lui-même. Regarde ce que ça fait au visage. Il élargit davantage le visage un plan large et le comprime davantage sur un téléshot. C'est pourquoi les photos de beauté sont toujours filmées à 50 millimètres et plus. Quatre-vingt millimètres, par exemple, sont quelque chose qui est souvent utilisé dans la mode parce que cela vous rend plus belle, plus agréable. Un plan large vous donne un air drôle et bizarre, alors filmez-vous des comédies ou quelque chose de plus sérieux comme la mode ? Vous savez maintenant quel type de distance focale choisir. C'était la première chose, le champ de vision. La deuxième chose est la profondeur de champ, et nous en avons déjà parlé. fait d'avoir une ouverture ouverte crée une profondeur de champ plus faible. La zone ciblée est plus petite. Maintenant que l'ouverture de ce champ de mise au point s'élargit ou que la profondeur de champ devient plus grande, nous pouvons mettre plus de points au point. La même chose se produit lors d'un zoom avant ou d'un zoom arrière. zoom arrière ou un grand angle, nous avons une grande profondeur de champ et des objectifs très grand angle, comme votre fisheye, pour que vous puissiez tout mettre au point. C'est l'une des raisons pour lesquelles ces caméras d'action comme la GoPro sont dotées d'un objectif si grand angle. n'y a pas d'options de mise au point, donc ces caméras d'action doivent être d'un objectif grand angle pour que tout soit net. Mais plus on commence à zoomer, la profondeur de champ devient faible. Souvent, un caméraman ferme peu plus son ouverture lorsqu'il filme un téléobjectif C'est là que vous pouvez à nouveau agrandir votre champ de mise au point, ce qui vous permet de garder les objets dedans plus facilement. se concentrer. Si vous souhaitez obtenir cette profondeur de champ cinématique, il vous suffit de filmer à partir d'une focale plus grande ou de zoomer. Cela nous amène au dernier effet la distance focale, le point de vue du public. Le public ou les personnes qui regardent vos vidéos voient tout grâce à la caméra. C'est évident. Ils découvrent l'histoire que vous racontez de vue de la caméra. Maintenant, si nous filmons nos sujets à distance et que nous zoomons, le public a également l'impression qu'ils sont loin. Ils regardent quelque chose à distance et s'agit là encore d'une technique de narration visuelle dont nous avons déjà parlé. de regarder quelque chose à distance crée la même sensation. Maintenant, nous ne sommes pas impliqués dans l'examen de la situation, mais nous n'en faisons pas partie. Maintenant, en face, nous pouvions effectuer un zoom arrière, prendre un grand angle et nous tenir très près du sujet. Soudain, le public se tient juste à côté du sujet. Ils font partie de la situation actuelle. Lors d'une scène d'action, le public se sent également en danger. La distance focale vous permet de placer le public où vous le souhaitez. Un outil très puissant de narration visuelle. Très bien, c'est ainsi que fonctionnent les différentes distances focales. Mais maintenant, lorsque vous allez au magasin et que vous achetez ce très bel objectif de 50 millimètres, vous remarquerez peut-être qu'il n'est pas vraiment comparable à l'œil humain. En fait, c'est peut-être plus télévisé. Cela ressemble peut-être à 80 millimètres. Comment est-ce possible ? Est-ce que j'ai menti tout le temps ? Ne t'inquiète pas, je ne l'ai pas fait. Le fait est que pour voir l'objectif de 50 millimètres en entier, vous aurez besoin d'un capteur plein format. C'est la petite puce qui se trouve à l'intérieur du boîtier de votre appareil photo. Attends, laisse-moi juste en prendre un. Il a une certaine taille physique. Plus la taille est grande, plus elle couvrira la surface de l'objectif. Si votre capteur est plus petit, vous ne capturez qu'une plus petite partie de cet objectif. En gros, vous recadrez la vidéo. Maintenant, les capteurs plein format comme celui-ci existent certainement, mais des capteurs tels qu' un capteur APS-H ou un capteur APS-C comme cet appareil photo sont également très populaires. Dans ces capteurs, les tailles peuvent être trouvées dans tout appareil photo Sony, Nikon ou Canon, peu importe. En termes de taille, ils ont tous leur propre saveur, mais cela revient à peu près à la même chose. Maintenant, Micro Four Thirds est également une taille de capteur très populaire, qui est encore plus petite que celle-ci. Maintenant, ils se trouvent dans les appareils photo Panasonic Lumix. Cela signifie que pour avoir une vue de 50 millimètres, vous devez acheter un objectif de 35 millimètres si votre appareil photo est équipé d'un capteur de taille APS. Si je le sais , c'est parce que je peux me renseigner sur le facteur récolte. Il s'agit d'un nombre multiplicateur tel que un et demi, qui est destiné aux capteurs APS-C. Un objectif de 35 millimètres multiplié par 1,5 revient à environ 50 millimètres sur un capteur APS-C. Pour un capteur Micro Four Third, vous devez le multiplier par deux. Vous voulez regarder un objectif de 25 millimètres ou 24 millimètres, ce qui est plus facile à trouver. De cette façon, vous pouvez avoir ce champ de vision de 50 millimètres. Maintenant, pour rendre les choses encore plus compliquées qu'elles ne l' sont déjà, je suis désolée les gars, je ne l'ai pas inventé, mais les objectifs peuvent également être fabriqués spécifiquement pour une taille de capteur spécifique. Cela signifie que vous avez des objectifs plein format, des objectifs APS-C, des objectifs Micro Four Third. Maintenant, leur facteur de récolte reste le même, il n'y a donc pas lieu de s'inquiéter, mais leur couverture, en revanche, est différente. Un objectif APS-C est suffisamment grand pour couvrir la taille d'un capteur APS-C et tout ce qui se trouve en dessous. Mais cela signifie également des capteurs Micro Four Third, mais pas un capteur plein format. Si vous placez un objectif APS-C sur un capteur d'appareil photo plein format, vous verrez apparaître une vignette de l'objectif réel. C'est parce qu'il n'est pas assez grand pour couvrir l'ensemble du capteur. Il est très important de savoir quand vous allez rechercher un nouvel objectif. Si vous choisissez d'acheter un objectif pour une certaine taille de capteur, cela signifie que vous ne pourrez plus l'utiliser lorsque vous achèterez un appareil photo à l'avenir, qui pourrait avoir une taille de capteur plus grande. Idéalement, vous achetez des objectifs plein format, mais ils sont beaucoup plus chers. Ils sont plus gros et plus lourds. C'est un choix que tu dois faire toi-même. J'ai un ensemble d'objectifs APS-C car la plupart des appareils photo utilisent des capteurs de cette taille. Le plein format est plus souvent utilisé en photographie qu' en vidéographie. C'est ce que vous devez savoir sur les lentilles. Si vous avez des questions, ou si vous envisagez d'acheter un nouvel objectif ou quoi que ce soit d'autre, faites-le moi savoir dans la discussion ci-dessous, les gars, et je suis heureuse de vous donner quelques conseils à ce sujet. 17. Position de la caméra: Maintenant, bien qu'une caméra puisse prendre n'importe quelle position, il en existe essentiellement trois différentes. Filmez-vous pour moi, en angle bas, ou vous montez en hauteur, ou vous passez au-dessus des yeux et prenez une photo haute ? Cela signifie que tout ce qui est inférieur à la hauteur des yeux est considéré comme un cliché à faible angle. Tout ce qui se trouve au-dessus de l'œil est considéré comme un angle élevé. Mais commençons par l'angle bas et pourquoi vous devriez l'utiliser ou non. Maintenant, tout d'abord, la position de la caméra crée une histoire visuelle. Cela en dit long sur le personnage. N'oubliez pas que le public percevra toujours la vidéo qu'il regarde du point de vue de la caméra. Nous en avons déjà parlé lorsque nous plaçons l'appareil photo près du talent ou loin. Maintenant, lorsque nous photographions sous la hauteur des yeux du talent, nous admirons le personnage. Ils apparaissent plus grands à l'écran, mais aussi en statut. Tout à coup, mon talent, c'est quelqu'un qui compte. Ils ont le dessus, ils ont le contrôle, ils sont les chefs. Même lorsque vous filmez légèrement en dessous du niveau des yeux, vous racontez déjà cette histoire. C'est pourquoi il est si important d'en être conscient. Bien entendu, le simple fait de passer légèrement sous le niveau des yeux ne donnera pas à cet effet une telle importance, mais la différence de statut est légèrement présente. Maintenant, dans le cas extrême, nous parlons d'une perspective de robe. Il est utilisé lorsque vous voulez montrer que votre personnage est le vrai boss, le dur à cuire, celui qui a tout et qui a tout le contrôle. Ensuite, nous avons la hauteur des yeux. C'est lorsque vous êtes au même niveau que votre public, que vous mettez votre personnage sur un pied d'égalité. Rien de spécial, une position de caméra neutre, souvent utilisée dans les interviews. Enfin, nous avons la perspective haute. Le personnage semble petit à l' écran et son statut diminue également. Nous méprisons les talents. Ils semblent plus vulnérables et, dans les cas extrêmes, on peut même parler d'une perspective à vol d'oiseau. Maintenant, des choses assez compréhensibles, mais comment implémenter cela dans un projet vidéo ? Disons que nous avons deux personnes qui se parlent. L'un des personnages est l'employé et l' autre est l'employeur. L'employé contacte le patron pour demander une course. Au début, l'employé se sent vulnérable, il a un peu peur de demander. Nous photographions les talents d' un point de vue supérieur. Lorsque nous photographions par-dessus l'épaule, nous associons même cette perspective à la personne à qui le talent parle. Lorsque le boss commence à parler, nous changeons d'angle de caméra et prenons des photos un peu plus bas. L'employeur a de bonnes raisons. Ils peuvent prendre la décision, mais tout à coup, l'employé passe à la vitesse supérieure. Nous changeons de position de caméra et filmons légèrement par le bas, ce qui donne au talent une apparence plus forte. Peut-être que l'employé menace de démissionner, alors le patron pourrait avoir un peu peur. Nous tirons sous un angle légèrement plus élevé, ce qui fait que le boss se sent désormais vulnérable. Mais c'est un excellent exemple de la façon dont vous pouvez définir et modifier le statut d'un personnage. Cela s'applique également aux œuvres créatives ou aux vidéos d'événements. Une fois, j'ai rencontré une courte vidéo sur quelqu'un qui fait de la peinture en aérosol. J'ai créé un mélange de prises de vue à la fois depuis un angle bas pour le faire apparaître comme un grand artiste, mais aussi depuis un angle élevé pour visualiser à quel point il est petit devant le grand mur qu'il s'apprête à peindre. Cela nous en dit long sur la toile sur laquelle il travaille. Pensez toujours à la position de la caméra et au statut que vous souhaitez donner au personnage ou aux talents. 18. La règle des 180: La règle des 180 degrés est probablement l'une des règles les plus importantes pour tous ceux qui débutent dans le cinéma. Dès que vous avez deux personnes qui discutent entre elles, nous pouvons ensuite le remplir sous plusieurs angles pour rendre la vidéo plus intéressante, comme nous l'avons déjà appris, nous pouvons faire un double plan ou peut-être un plan par-dessus l'épaule, peut-être un plan long vu sous un angle, peut-être changer la position de la caméra et aller un peu plus bas. Bien que nous ayons la liberté de placer la caméra où nous le voulons, vous devez vous assurer de ne pas désorienter le spectateur. C'est là qu'intervient la règle des 180. Vous voyez, en tant que cinéaste, nous savons à quoi ressemble le lieu. Nous l'avons vu de nos propres yeux et notre cerveau peut immédiatement savoir où tout se trouve. Mais le public ne voit l'emplacement que conformément à la vision de la caméra. C'est quelque chose de très important dont il faut être conscient. Nous pouvons tracer une ligne invisible à travers les deux personnages, couper dans la direction qu'ils regardent, nous la divisons en deux parties toutes les deux, 180 degrés, d'où vient le nom. Maintenant, il est important de choisir l'un de ces sites et d'y rester. Cela signifie que nous pouvons placer la caméra ici , puis la couper selon cet angle ou ici. Mais vous ne pouvez pas mélanger des photos d'un site à l'autre. Cela va désorienter le public. Laissez-moi vous montrer pourquoi. Ici, le talent regarde du côté droit du cadre. Tant que nous resterons du côté de la règle des 180 degrés, les talents continueront de regarder les droits. Mais une fois que nous avons dépassé la limite, le talent regarde soudainement vers la gauche. Pour le public, on a l' impression que le talent a changé, mais ce n'est pas le cas. Cela devient encore plus confus avec deux personnes. L'un est orienté vers la droite tandis que l'autre est orienté vers la gauche. C'est normal car ils se tiennent l'un en face de l'autre. Mais lorsque nous franchissons la ligne, leur direction d'observation est désormais différente et nous perdons le sentiment qu'ils se tiennent l'un en face de l'autre. Cette règle s'applique également à différents endroits où nous avons les mêmes sujets, comme la conduite d'une voiture. Si la voiture s' éloigne d'un endroit, nous choisissons une certaine direction. En général, c'est de la gauche vers la droite. Lorsque vous suivez cette voiture ou que vous prenez plusieurs photos de celle-ci à différents endroits, nous veillons à respecter la règle des 180. Ainsi, la voiture roule toujours de la gauche vers la droite, quel que soit l'endroit. Si vous tiriez de l'autre côté, la voiture roulerait dans l'autre sens. Maintenant, il semble qu'il ait fait demi-tour entre deux coups de feu. C'est pourquoi il est si important de photographier d'un côté de la règle des 180 degrés pour que votre public reste orienté. Cependant, vous avez parfois envie de désorienter le public. Pensez à une scène de combat. C'est évidemment un faux combat et vous voulez éviter cela, le spectateur le voit. Nous sauterons constamment au-dessus de la ligne des 180 degrés pour désorienter le public et dissimuler les erreurs. Mais cela crée également un chaos et une confusion qui correspondent à la scène. C'est une forme de narration visuelle. Enfreindre les règles du cinéma est parfois bénéfique, mais vous ne pouvez enfreindre les règles que si vous les comprenez d'abord. C'est pourquoi je veux que vous suiviez d' abord la règle des 180 degrés, que vous fassiez des photos et que vous les éditiez ensemble, afin voir comment cela influence votre scène. Une fois que vous avez compris, vous êtes prêt à enfreindre cette règle. Bien entendu, pour une raison précise, tout ce que vous faites dans le domaine du cinéma doit avoir une raison. Merci de m'avoir regardé. 19. Mouvement porté par la main: Mouvements de caméras portatives Nous commençons à avoir une idée du fonctionnement des films. Nous avons couvert la plupart des règles, nous sommes donc prêts à commencer le tournage. Pour la plupart des gens, commencez simplement par tenir leur appareil photo dans leurs mains. Absolument rien de mal à ça. Même les grandes productions hollywoodiennes sont souvent prises à main levée. Cependant, la prise de vue à main levée est un choix et non une chose que vous faites simplement parce que c'est pratique. Comme nous l'avons déjà dit, le public perçoit votre vidéo à travers la caméra, et le sentiment que vous lui donnez dépend de ce que fait la caméra. Ainsi, le fait de secouer l'appareil photo donnera au public une sensation différente celle que vous ressentirez si vous filmiez à partir d'un trépied robuste. Handheld est plus dynamique, plus agressif, plus vivant, plus énergique et plus ludique. Une scène d'action comme une poursuite en voiture ou une scène de combat est donc plus souvent filmée à main levée. Si le temps presse, par exemple, une simple action, comme composer un numéro et appeler quelqu'un, peut être filmée à la main pour mettre en valeur l'ambiance. Mais aussi des choses comme un entretien, qui doit sembler plus décontracté et personnel, qui peut également être filmé à la main levée. De nombreux cas d'utilisation différents. Bien entendu, il existe une différence entre les types de mouvements portatifs. Vous pouvez faire des mouvements grands et rapides, ou des mouvements doux et lents. Lorsqu'une scène de combat reçoit beaucoup plus de mouvements de caméra, pour la rendre plus agressive, un entretien informel donnera un mouvement manuel plus doux et plus fluide pour la rendre plus dynamique. Mais dans tous les cas de mouvement manuel, il est toujours maîtrisé. Passons en revue deux extrêmes, une scène de combat et un entretien informel. À commencer par cet entretien. L'idée n'est pas d'attirer l'attention sur le mouvement de la caméra, mais plutôt sur le talent et son histoire. Vous devez commencer par trouver une position confortable afin de pouvoir filmer très longtemps. Il est fort probable que vous preniez des photos avec l'un de ces appareils photo reflex. Tenez-le avec la poignée et soutenez le corps avec vos autres mains, comme ceci. Vos coudes entrent dans votre poitrine ou votre ventre. Votre colonne vertébrale est importante. Ne vous penchez pas comme ça, comme si la scène se passait tout le temps. Si vous avez besoin de vous pencher en arrière comme ça pour une raison quelconque, tenez-vous simplement droit et prenez du recul. C'est pareil. Tenez-vous debout avec vos deux pieds , fermement sur le sol, et vous êtes maintenant prêt à tirer. Les mouvements manuels occasionnels n' ont pas besoin d'être effectués exprès. Il y est déjà. Il vous suffit d'inspirer et d' expirer et de laisser votre appareil photo bouger avec votre respiration. Lorsque vous inspirez, la caméra monte, et lorsque vous expirez, la caméra descend. J' exagère un peu, bien sûr. Mais tu comprends l'idée. Voici un meilleur exemple. Continuez à vous concentrer sur le cadrage. Vous voulez éviter que votre encadrement monte et descende. Fais-le doucement. Dans un exemple plus extrême, comme une scène de combat, vous souhaitez effectuer des mouvements petits mais rapides autour de votre sujet. Vous gardez la même pose comme ça, mais vous suivez le rythme des sujets. Lorsqu'ils effectuent un mouvement spécifique, vous pouvez suivre ce mouvement, généralement pour rendre leurs impacts plus puissants. Mais il est important que vous preniez la photo d'un sujet, fassiez un cadrage correct et que vous fassiez de petits mouvements rapides. Lorsque vous changez de sujet pendant une prise de vue, vous effectuez un mouvement rapide vers celui-ci et vous vous fixez sur les nouveaux sujets. C'est ce cliché d' un sujet à l'autre qui rend vos commandes de mouvement portatives. Donnez à votre public le temps de comprendre ce qu'il voit. Ne vous éloignez donc pas trop vite du sujet. Nous parlerons plus en détail des supports pour appareils photo tels que les trépieds plus loin dans cette classe. Pour commencer, passer à la main est certainement une bonne idée, condition de le faire correctement et de manière contrôlée. Merci de m'avoir regardée. 20. ralenti : Lorsque vous filmez à 60 images par seconde, vous pouvez y ajouter du ralenti car vous pouvez étirer à 30 images par seconde. Nous en avons déjà parlé dans la leçon sur les fréquences d'images. Mais en dehors de cette explication technique, il existe également une règle créative. Quand devons-nous filmer au ralenti et quel est l'impact que cela a sur notre vidéo ? Notre talent saute par-dessus tout, nous avons vu ce qui se passe, mais nous n'avons pas vu les détails parce que c'est allé si vite. Reprenons cette photo, mais cette fois au ralenti. Cela donne au public le temps d' examiner plus en détail, par exemple, quelle est l'expression d'un talent ? Y a-t-il de la nébulosité dans l'air ? Quelle est la position de leur corps, etc. ? spectateur commence automatiquement à regarder ces détails, car il a l' impression que nous avons plus de temps pour regarder, même si le clip lui-même n'est pas vraiment plus long. Ce sont les parties intéressantes. Un gros plan normal où il ne se passe même pas quelque chose d'excitant . En temps réel, nous voyons une personne, un clip de cinq secondes. Maintenant, montrons le même plan, durée également de cinq secondes, mais au ralenti. Le public commencera automatiquement prêter attention aux détails et au visage. Parce que nous regardons le visage d'une personne plus en profondeur, nous percevons beaucoup plus ses émotions. Sur ce cliché, le talent penche la tête vers le haut. Rien de spécial, juste lorsque nous jouons au ralenti, leur émotion devient soudainement plus forte. En fonction de l'histoire que vous racontez, vous le soulignerez. C'est l'essence même de ce que fait le slow motion. Il n'est pas toujours nécessaire que ce soit des plans d'action rapides, même les petits mouvements ou les émotions des personnages peuvent être améliorés au ralenti. Ne l'utilisez donc pas tout le temps, mais utilisez cette puissante technique à bon escient. 21. B-Roll: Le nom B-roll vient de l'époque où il y avait une véritable pellicule à l'intérieur de l'appareil photo. La caméra principale avait le A-roll. C'est ici. La deuxième caméra avait le B-roll. Maintenant, ce nom n' arrêtait pas de disparaître. Mais bien sûr, la fonction de la caméra B-roll n'a pas beaucoup changé. Maintenant, ne vous inquiétez pas, vous n'avez pas besoin d'une véritable deuxième caméra. En fait, vous pouvez créer une vidéo complète avec uniquement des prises de vue en B-roll. Commençons simplement par un entretien. Le talent qui parle devant la caméra est photographié avec le A-roll. Habituellement, nous l'appelons la caméra principale. La caméra B-roll repose généralement davantage sur les côtés et prend un cadrage différent. Maintenant, cela n'est pas nécessaire, mais cela rend l' entretien plus dynamique. Cet appareil photo B-roll pouvait même prendre des photos des mains du talent. Cela signifie que si vous n'avez qu'un seul appareil photo, vous pouvez prendre de telles photos après l'entretien. Vous pouvez les modifier de telle sorte qu'il semble que gestes de la main pour le B-roll aient été effectués pendant l'entretien. Mais le B-roll peut également être constitué de photos prises en dehors de l'entretien ou du message principal que vous présentez. Par exemple, nous avons encore une fois cette interview, puis nous montrons des extraits de ce dont parle la personne, qui peuvent être tournés à un autre endroit, peut-être même des extraits de stock. Un autre exemple est celui où vous passez à une séquence de B-roll après un entretien. La musique commence soudainement et vous voyez un montage de plans créatifs. En substance, le B-roll donne vos vidéos un aspect plus dynamique. Ils ne racontent pas d'histoire directe ou du moins pas d'histoire importante, mais ils visualisent beaucoup de choses, ce qui rend vos vidéos plus agréables à regarder. C'est comme si dans ce cours, je pouvais aussi parler tout le temps sans rien vous montrer. Vous obtenez toutes les informations, mais ce serait plutôt ennuyeux. Tous les exemples que je montre sont des B-roll, qui rend ce cours plus intéressant. Mais comme je l'ai déjà dit, une vidéo peut également exister uniquement à partir de plans B-roll. Pensez à une vidéo créative, peut-être à une vidéo de voyage. Vous jouez une chanson en arrière-plan et vous montrez un joli montage de plans B-roll. n'y a pas de photos de premier plan, comme une interview, un monologue ou quelque chose comme ça. Maintenant, parfois, le B-roll est si court qu'on peut aussi l' appeler un insert shot. C'est essentiellement du B-roll, mais il a un but précis. Quelqu'un regarde ici un objet posé sur la table, et ce qu'un cinéaste dirait souvent, c'est qu' il faut insérer un graphique de cet objet. Vous allez en faire un gros plan et le modifier de manière passer d'un plan lointain à un plan rapproché de cet objet. Revenez ensuite au plan long. C'est comme si vous aviez inséré un plan entre les deux. Ce type de prise de vue au rouleau B est souvent utilisé pour montrer plus de détails sur quelque chose d'important. Il ajoute des informations supplémentaires à la scène. Alors que le B-roll normal n'est peut-être pas si important, un insert l'est. Enfin, nous avons le découpé, également une forme de rouleau B, mais encore une fois, un cas d'utilisation très spécifique. découpes sont essentiellement des encarts qui ne sont pas aussi importants, comme les mains de la personne qui parle pendant un entretien. C'est du B-roll, mais plus précisément appelé un plat découpé. Cela peut aussi être une toute autre photo quelque chose dont parle la personne. Mais c'est toujours une chance. Nous nous sommes éloignés du A-roll pendant un court instant. Lorsque vous avez plus de photos, gros, de petites modifications, nous n'appelons plus cela un découpage, juste une séquence de B-roll. Maintenant c'était un peu compliqué, ne m'en voulez pas. Ce sont des termes cinématographiques inventés autrefois. C'est juste bon de savoir que ces choses existent. Des séquences de B-roll, des plans d'insertion et des découpes, mais vous pouvez également tous les nommer B-roll. n'y a rien de mal à cela. Assurez-vous simplement de penser au B-roll lorsque vous tournez un projet. Ne quittez pas le tournage après l'entretien, le dialogue ou quoi que ce soit d'autre. Pensez toujours aux plans supplémentaires dont vous avez besoin pour rendre vos montages plus dynamiques et intéressants, les plans B-roll. Avant de terminer cette leçon, j'aimerais mentionner une ressource très utile, encore une fois, Storyblocks, dont j'ai également parlé auparavant. Mais une bibliothèque comme elles est super utile, bizarre, vous n'avez pas le bon B-roll. Storyblocks propose plus d'un million de clips libres et des résolutions HD et 4K. Cela signifie que vous pouvez utiliser vos téléchargements même à des fins commerciales, ce qui est très bien. Parfois, j'ai l'impression de ne pas avoir fait de B-roll. C'est une erreur que tout le monde commet à certains moments. Vous pouvez résoudre ce problème en téléchargeant une vidéo d'archive. Ou peut-être avez-vous besoin d'un insert. Vous pourriez vous filmer en vous retournant pour regarder une horloge, par exemple, mais vous n' avez pas cette horloge sophistiquée. Il suffit de rechercher une horloge sur Storyblocks et l' utiliser comme plan d' insertion. Tu y vas. Vous pouvez toujours consulter Storyblocks. Encore une fois, je laisserai un lien ici dans les notes de cours si vous souhaitez le consulter pour plus d'informations. 22. Filmer pour le montage: Le seul problème avec l'unité de stockage de mon appareil photo , c'est que l' une de ces lampes fonctionne sur piles. Cela signifie que je dois y réfléchir pour changer cette lumière, que j'ai complètement oubliée. Est-ce que cela fait de moi un mauvais cinéaste ? Non, parce qu'un bon cinéaste commence par le montage puis tourne ses vidéos. Je sais que cela semble impossible, mais écoute-moi. On vous demande de remplir une action simple, comme si quelqu'un versait un verre d'eau et qu'il en boive. Avant même d'appuyer sur le bouton d'enregistrement de votre appareil photo, vous devez d'abord penser à les modifications. Disons que vous avez tout photographié sous un seul angle, vous n' avez qu'un seul cliché. Dans l'édition, vous remarquerez que vous ne pouvez pas vraiment faire grand-chose avec cela. En tant que caméraman, vous devez réaliser des prises de vue utilisables par l'éditeur. Ou si vous êtes vous-même monteur, assurez-vous de ne pas vous fâcher pas avoir fait assez de clichés. Comment y parvenez-vous ? Eh bien, vous découpez chaque scène ou action en plusieurs plans. L'important est de toujours créer des cadres différents. Par exemple, vous commencez par un tir long pendant que l' [inaudible] prend la bouteille, puis vous faites un gros plan en versant l' eau dans le verre. Ensuite, vous prenez du recul pour prendre des photos moyennes de la boisson [inaudible] que vous buvez dans ce verre. Nous avons divisé l' action en trois plans. Cela signifie que nous pouvons également jouer un peu avec la durée de la scène en coupant plus rapidement, l'ensemble de l'action devient plus rapide ou que nous pouvons allonger la scène entière. Nous donnons à nous-mêmes ou à l'éditeur des options de modification. C'est ce que vous voulez toujours essayer de faire en réalisant trois plans individualistes de la scène. Maintenant, bien sûr, il pourrait y avoir d'autres clichés, à votre discrétion. Maintenant, ne pourrions-nous pas simplement faire trois plans longs, par exemple, ne serait-ce pas plus facile ? Vous prenez une photo sous cet angle, l'une d'ici et l' autre de là. Tous les plans lointains. Malheureusement, de tels clichés ne coupent pas. Vous allez passer du même cadrage à l'autre. Ce qui se passe, ce sont des coupures. Nous voyons un saut dans le mouvement ou, en d'autres termes, le spectateur remarque les coupures et vous voulez à tout moment éviter cela. Bien que cela soit nettement plus acceptable de nos jours dans le cinéma professionnel, faut quand même éviter les sauts, à moins qu'il n'y ait un choix créatif. Vous pouvez enfreindre n'importe quelle règle cinématographique, mais vous avez besoin d'une bonne raison pour cela. Pour chaque prise de vue qui suit, vous modifiez votre cadrage. Plan moyen, gros plan, moyen, plan long, très gros plan , plan moyen long, plan moyen long, gros plan, plan long, etc. Je pense que vous avez compris l'idée. Supposons maintenant qu'on vous demande de photographier un événement professionnel. Il se passe toutes sortes de choses et nous pourrions filmer de nouveaux produits là-bas, dans l'autre coin, des invités arrivent. Il y a un bar où l' on prépare des cocktails. Pour chaque scène, vous faites suffisamment de plans et je veux dire, des cadrages différents. Il est également plus facile de passer d'une scène à l' autre et vous risquez moins de vous retrouver avec des sauts. Comprendre cela m'amène à la deuxième partie de cette leçon. Prendre des photos pour le montage, c'est aussi chercher des crochets intéressants. En fait, j'ai photographié de nombreux événements professionnels à mes débuts. Je faisais souvent une photo d' une salle à manger vide. Plus tard dans la soirée, je prenais les mêmes photos le même angle et cadrage lorsque cette pièce était pleine de monde. Je sais que c'est un saut, quelque chose que je viens de te dire de ne pas faire. Mais j'avais une raison. Je pourrais ajouter une petite transition entre les deux ou simplement la garder comme saut et ajouter une plage à la musique en dessous. J'ai pensé que c'était une bonne idée de passer d'une pièce vide à une pièce pleine. Maintenant, cela n'a été possible qu' en ayant cette idée de montage en tête pendant que je tournais. Je vous encourage à faire exactement la même chose. Lorsque vous filmez une vidéo, pensez à des transitions intéressantes que vous pourriez effectuer ou peut-être à une séquence de prises de vue. En résumé, réalisez toujours plusieurs plans de la même scène filmés avec des cadrages différents, mais essayez également de prendre quelque chose que vous pouvez utiliser de manière créative dans vos montages. Ce qui est utile, c'est de considérer le travail des autres comme une source d'inspiration. Si vous trouvez une belle séquence de transition ou de montage, notez-la et emportez-la avec vous lors de votre prochaine prise qui vous aidera à vous rappeler quelles photos vous devez prendre. 23. Pratique: Nous avons passé en revue la plupart des règles fondamentales du cinéma. Cela a demandé beaucoup de temps à traiter. Sortons maintenant et mettons en pratique ce que nous avons appris jusqu'à présent. Pour être honnête, j'ai aussi besoin d' une pause, les gars. Le cinéma est un voyage sans fin Même après plus de 10 ans, j'apprends encore de nouvelles choses sur cinéma chaque jour. Ne vous laissez pas submerger par toutes ces informations. Allez-y étape par étape et , surtout, profitez de ce voyage. La première chose que je veux que tu fasses est faire un court métrage d'action. action, je veux littéralement tout dire. Cela peut être de couper des légumes pour faire de la soupe, de nettoyer la voiture ou de jardiner à l'extérieur. Des actions scriptées comme celles-ci vous permettent de vous préparer. Je veux que vous esquissiez un storyboard des différents clichés que vous souhaitez prendre. Pendant que vous préparez ces plans, revenez sur les leçons de ce cours, en particulier les leçons sur règles du cinéma et la narration visuelle. Essayez d'y réfléchir autant de choses que possible pendant que vous vous préparez. Demandez ensuite à un ami de faire preuve de talent et suivez simplement votre propre storyboard. Vos choix créatifs ont déjà été faits, vous n'avez donc plus besoin d' y penser. Il suffit de suivre ces storyboards. Cela vous permet de prêter attention aux aspects techniques du cinéma. Les leçons que nous avons apprises, telles que le réglage de la bonne exposition sur votre appareil photo, mise au point, la balance des blancs, etc. C'est un excellent exercice pour mettre en pratique les compétences techniques et créatives. Certainement, si vous faites cela avec un ami, vous n'avez pas à vous inquiéter faire quelque chose de mal. En parlant de mal faire les choses, je veux vraiment que vous fassiez une erreur parce que si vous essayez toujours de ne jamais faire d'erreur, vous vous limiterez. Osez expérimenter et osez faire des erreurs. On ne peut apprendre de nouvelles choses qu'en faisant des erreurs. Ce cours a été une énorme erreur. Tu as appris tellement de nouvelles choses. Cela s'est très mal passé. J'espère que vous appréciez, les gars. Quoi qu'il en soit, sortez maintenant et commencez ce projet vidéo avant de poursuivre le cours. Vous pouvez publier cette vidéo ici sur Skillshare, si vous le souhaitez, et moi ou un membre de mon équipe la regarderons pour obtenir des commentaires. Le cours n'est pas encore terminé, nous allons également parler d' outils photo très importants lors de la prochaine leçon. Mais je vous conseille d' abord de mettre en pratique ce que vous avez appris jusqu'à présent. Allez-y étape par étape. Merci de votre attention et nous nous reverrons très bientôt. Je vais verser du nouveau café dans ma tasse. [RIRES] 24. Les filtres ND: Hey, bon retour. J' espère que vous avez apprécié de réaliser votre toute première vidéo tout en gardant à l'esprit les règles du cinéma. Il nous reste environ six leçons, je crois, qui porteront sur [inaudible] et les supports de caméra. Une fois que vous serez plus à l'aise avec la réalisation de films, vous commencerez rapidement à chercher à investir dans de l'équipement supplémentaire. Malheureusement, j'ai été témoin de nombreuses erreurs d'achat de la part de cinéastes débutants. C'est pourquoi j'aimerais vous donner quelques conseils à ce sujet, mais aussi vous apprendre à utiliser correctement un trépied par exemple. Mais nous allons commencer par le filtre ND. C'est probablement la toute première chose que je recommande, car vous êtes prêt à dépenser un peu plus d'argent. Le filtre ND est un morceau de verre très simple, un filtre rond qui se visse sur votre objectif. ND signifie densité neutre, mais il s'agit essentiellement de lunettes de soleil pour vos verres. Le but de ce filtre est de bloquer la lumière. Mais pourquoi en avons-nous besoin ? Pouvons-nous simplement fermer l'ouverture si la vidéo est trop lumineuse ? Bien sûr que tu peux. Mais nous avons également découvert les effets secondaires de l' ouverture, une plus grande profondeur de champ. Une prise de vue simple comme celle-ci permet de mettre presque tout en évidence. Le premier plan n'est tout simplement pas séparé de l' arrière-plan à cause de cela. Si nous pouvions bloquer la lumière à travers un filtre ND, nous pourrions à nouveau ouvrir l' ouverture, réduisant la profondeur des champs, et ainsi obtenir une prise de vue plus cinématographique. Cela permettra déjà à vos vidéos de se démarquer des autres. Maintenant que le filtre ND est conçu pour bloquer une certaine quantité de lumière, il existe également différents types de filtres ND. Maintenant, la quantité de lumière qu'ils bloquent est notée dans leur numéro ND. Plus ce chiffre est élevé, plus la lumière est bloquée ou plus vos lunettes de soleil sont résistantes. À commencer par le ND2, qui bloque la moitié de la lumière. En d'autres termes, il laisse passer la moitié des lumières. Le ND4 laisse passer un quart ou 25  % des lumières. Si nous ignorons quelques chiffres, un ND100 ne laisse passer qu'un pour cent des lumières. En fait, c'est assez simple. Le nombre ND fait référence à la fraction, donc un ND16, laisse passer un seizième de lumières. Il y a donc une chose qu'ils ont rendue facile à comprendre. Mais maintenant que nous connaissons les calculs qui sous-tendent ces filtres ND, quel filtre ND avons-nous réellement besoin maintenant ? Parce que la moitié ou le quart de la lumière n'est pas facile à visualiser. Eh bien, les filtres ND sont le plus souvent utilisés à l'extérieur, où il y a beaucoup de lumière. Dans ce cas, vous regarderez principalement un ND8 pour les jours nuageux, puis ND32 pour les jours où le soleil est haut dans un ciel clair. Les ensembles populaires de NDs se composent donc généralement d'un ND8, d'un ND16 et d'un ND32. Parfois, il y a aussi un ND64 dedans. Avant de demander, pouvez-vous visser plusieurs filtres ND sur votre objectif ? Bien que ce ne soit pas recommandé. Oui, tu peux. Si ce n'est pas recommandé, et je vais sortir les filtres ND de leur étui, je n' y pensais pas, [RIRES] c'est parce que la lumière doit traverser deux morceaux de verre. Ainsi, plus la lumière doit traverser de morceaux de verre, plus la qualité optique diminue et vous commencerez à voir des images fantômes ou une image plus douce. C'est pourquoi ces filtres ND fixes sont si populaires. Ils vous offrent généralement la meilleure qualité optique. C'est comme un objectif à focale fixe, comme nous l'avons déjà vu. Comme celui-ci, un objectif fixe de 50 millimètres est généralement de meilleure qualité qu'un zoom du même prix. Cela est dû au fait qu' un zoom nécessite plus d'éléments en verre , ce qui réduit la qualité. Mais prenez-le avec un grain de sel. La technologie a beaucoup évolué ces derniers temps. zooms sont certainement un excellent choix. Maintenant, avec des filtres ND comme celui-ci, nous avons la même chose ici. Ici, il s'agit d'un filtre ND variable. Ce sont les zooms des filtres. Ils se composent de deux filtres et plus spécifiques aux filtres polariseurs afin que vous puissiez les faire pivoter et qu'ils laissent passer plus ou moins de lumière, n'est-ce pas cool ? Laissez-moi juste le mettre ici devant cette lampe pour que vous puissiez voir ce qu'elle fait réellement. N'est-ce pas génial ? En gros, vous obtenez une plage d' environ ND2 à ND400. En fait, vous n'avez même plus besoin de penser à l'ensemble des nombres ND et la quantité de lumière qu'ils bloquent ou laissent passer. Il vous suffit de tourner le filtre, regarder votre moniteur, garder un œil sur l' histogramme, et c'est tout. Pour cette simplicité, je vous suggère également de vous en procurer un. En fait, la seule fois où je travaille avec des filtres ND fixes comme celui-ci, c'est lorsque je tourne du contenu scripté où j'ai le temps d'échanger les filtres et de vraiment obtenir la meilleure qualité possible. C'est généralement lors d'un court métrage par exemple. Mais pour le reste, j' utilise un filtre ND variable. Vous avez donc choisi votre filtre ND, bon travail. Mais maintenant vient la taille du diamètre ; 73 millimètres ou 77 ou peut-être 82. C'est la taille du filtre qui menace ici à l'arrière. Lorsque vous regardez votre objectif, vous devriez voir un symbole comme celui-ci avec un chiffre à côté. Cela fait référence à la taille du filtre de votre objectif. Mais vous vous rendez compte que vos autres lentilles ont des tailles de filtres différentes. Achetez-vous deux filtres ND maintenant ? Bien sûr que non. Il est préférable d'acheter un filtre ND de grand diamètre, par exemple 82 millimètres. C'est la taille qui est souvent choisie. Vous pouvez les visser sur votre objectif, mais vous ne trouverez pas d'adaptateurs pour les adapter. ce que l'on appelle des anneaux élévateurs, vous passez d'une taille de filtre à une autre. Ces bagues, ici, ne coûtent que quelques dollars, alors j'en ai équipé tous mes verres. Comme ici, vous pouvez voir que nous passons de 52 millimètres à 82 millimètres. De cette façon, je peux installer ce très grand filtre ND sur un très petit objectif. Je n'ai eu qu'à dépenser de l'argent pour un seul objectif ND et il s'adapte à tous mes objectifs. C'est l'histoire du filtre ND. En résumé, je recommande d'acheter un filtre ND variable de 82 millimètres et de vous procurer des bagues d'augmentation pour chaque objectif que vous possédez. C'est la solution la moins chère et la plus polyvalente. 25. Le trépied: Les trépieds. forme la plus élémentaire de support de caméra est pourtant bien plus complexe que ne le pensent la plupart des cinéastes en herbe. Vous avez essentiellement trois trépieds : ceux en plastique bon marché, les trépieds photo, puis les trépieds vidéo. Maintenant, nous pouvons déjà éliminer ces trépieds en plastique bon marché. Vingt dollars semblent être une bonne affaire pour un trépied, mais en réalité, vous ne faites que jeter ces 20 dollars. Il nous reste ensuite ce trépied photo et le trépied vidéo. Un trépied photo est généralement très léger. Il a un design simple et permet de maintenir les petites caméras robustes. Ils sont destinés à contenir des appareils photo, qui peuvent également être votre caméra vidéo. Mais si vous envisagez de construire votre reflex comme nous l'avons fait avec notre Panasonic Lumix GH5, ce trépied photo n'est peut-être plus aussi solide. Le déverrouillage rapide est bizarre. L'appareil photo se verrouille dans les trépieds et il est assez petit sur les trépieds photo. Les caméras plus grandes se déplaceront donc davantage. Désormais, un trépied est toujours composé de deux parties. Tu as les jambes et la tête. Vous pouvez en fait acheter ces deux choses séparément si vous le souhaitez. Parfois, vous aimez une certaine tête et des jambes très spécifiques. Vous pouvez ensuite les combiner ensemble, très facilement. Maintenant, une tête de trépied possède trois axes. Vous pouvez plier ce qui est un mouvement horizontal, vous pouvez l' incliner verticalement et, enfin, incliner ou faire rouler la caméra. Cela est nécessaire pour faire des photos verticales. vidéos professionnelles ne s'affichent presque jamais à la verticale, c'est pourquoi un trépied vidéo ne peut que se plier ou s'incliner. Maintenant, en regardant de plus près de la tête vidéo, vous pouvez voir qu'elle possède une base beaucoup plus grande, une base à dégagement rapide beaucoup plus grande. En fait, dans les segments haut des caméras vidéo et de cinéma, on peut même trouver de tels trépieds. Regardez la taille [BRUIT] de cette plaque à dégagement rapide. Cela rendra certainement notre appareil photo robuste. Il y a une raison pour laquelle un trépied vidéo existe parce que vidéo se déplace. Un trépied vidéo est donc conçu pour prendre des photos animées, alors qu'un trépied photo est conçu pour prendre des photos fixes. En fait, nous allons également ignorer le trépied photo. Maintenant, regardons de plus près le trépied vidéo. Laisse-moi juste prendre celui-ci. Celui-ci est un peu plus léger. Vous trouverez trois commandes ici. Il y a les commandes de résistance ou de friction, le contrepoids et les verrous. Les trépieds vidéo ne sont pas tous dotés des trois fonctionnalités et c'est là que se situe la différence de prix. Maintenant, les serrures sont généralement toujours là. Vous pouvez les retrouver ici, sur votre panneau de commande, qui les verrouille. Cela fera en sorte que vous ne puissiez plus faire de casseroles. Il en va de même pour l'inclinaison. Si tu le verrouilles, tu ne peux plus l'incliner. [RIRES] Notez que la traînée ou la friction doivent être fluides et vous pouvez le retrouver dans la description des trépieds. Si vous ne trouvez pas les mots têtes fluides, c'est qu' il n'a pas cette fonctionnalité. Une fonctionnalité essentielle. Une tête fluide vous permet de faire des mouvements de flexion et d'inclinaison des fluides. Dans les trépieds moins chers, cela est parfois intégré à la serrure de vos trépieds. C'est une façon de créer cette traînée. Plus vous le verrouillez, vous faites glisser, mais ce n'est pas vraiment une bonne traînée. Si vous souhaitez effectuer des mouvements très petits et doux, une plus grande traînée vous permet de le faire plus facilement. sorte que vos caméras aient également besoin de plus de résistance ou de friction. Bien que cela semble être une bonne idée, la commande de verrouillage des fluides n' est pas aussi fiable. Après une utilisation modérée, vous rencontrerez également rapidement des problèmes où, par exemple, la commande panoramique peut avancer. Ou même lorsque vous verrouillez presque entièrement un plateau, vous pouvez toujours le déplacer sans que la traînée ne soit suffisante. Idéalement, vous devez disposer d' une commande de déplacement et d'un verrou séparés. rotation de cette molette ajoute également plus de résistance à la casserole, ce qui me permet d' effectuer des mouvements plus précis. Lorsque je dois effectuer des mouvements plus rapides, je peux simplement réduire la traînée. Un trépied comme celui-ci durera beaucoup plus longtemps, même s'il est un peu plus cher. C'est à vous de décider lequel choisir. Enfin, nous avons le contrepoids. C'est la fonctionnalité que ne possèdent pas tous les trépieds vidéo et elle n'est généralement nécessaire que pour vos appareils photo. si votre budget le permet, optez pour cette fonctionnalité car elle rendra votre trépied prêt à être utilisé sur un futur appareil photo qui sera plus lourd. Un trépied n'est pas un appareil électronique, il peut donc durer toute une vie. C'est pourquoi je ne réduirais pas quelque chose comme ça. Le contrepoids est un ressort que les têtes poussent vers l'arrière lorsqu'il est incliné. Vous avez différents paramètres de forces ici. L'idée est de le placer à la bonne hauteur pour que votre appareil photo reste toujours la position dans laquelle il est incliné sans avoir à utiliser le verrou. Cela est en fait nécessaire pour éviter les tremblements de l'appareil photo lorsque vous devez les remplir sous un angle et que vous devez faire efforts pour maintenir les caméras immobiles. C'est pourquoi il s'agit d'une fonctionnalité optionnelle qui est plus importante pour les appareils photo plus lourds. Maintenant, regardons les pieds, livrés avec ou sans écarteur, qui se trouve juste au milieu. L'écarteur s'assure que les pieds restent en place et rend le tout plus robuste en général. Maintenant, il y a un épandeur central comme celui-ci ici, mais il y a aussi des épandeurs de sol ou écarteurs de fond comme le lourd trépied ici. Les deux font bien l'affaire, mais je suggère de vous procurer un épandeur central, car si vous avez une surface irrégulière, cet épandeur ne vous gênera lorsque vous placerez votre trépied quelque part, comme dans un escalier ou lorsqu'il y a de nombreux sites rocheux. écarteurs inférieurs sont vraiment utilisés dans les environnements de studio où vous avez toujours une surface plane. Enfin, examinons la connexion entre les pieds du trépied et les têtes vidéo. Vous pouvez avoir une tête de bol, également appelée demi-cuve, ou des supports plats. Dans la plupart des cas, ils ont des bols dont les têtes peuvent également être détachées pour que vous en ayez deux en un. Selon les normes de l'industrie, nous travaillons toujours avec des têtes de cuvette. Il y a quelques exceptions où un support plat se place directement sur les pieds, mais je ne le recommande pas. L'avantage têtes de bol est qu'elles sont posées avec n'importe quel bol de cuisses et vous pouvez ensuite les verrouiller en place en bas. Avoir ce bol vous permet de niveler les têtes vidéo comme vous pouvez le voir. Il existe presque toujours une sorte d' outil de niveau et un top pour vous y aider. Cela signifie que vous pouvez étendre les pieds des trépieds très rapidement comme vous le souhaitez. Vous n'avez pas à vous soucier de savoir si votre trépied est droit ou non. Vous pouvez simplement utiliser un verrou ici en bas. Utilisez les têtes de bol pour niveler votre appareil photo. Les têtes de bol sont disponibles en deux tailles, 75 et 100 millimètres. Vous pouvez toujours adapter un 100 à 75, comme avec les augmentations progressives dont nous avons parlé précédemment. Mais on ne peut pas passer de 75 à 100. Encore une fois, c'est quelque chose qu'il faut garder à l'esprit. C'est l' histoire des trépieds. Dans la leçon suivante, nous verrons à quel moment utiliser un trépied et j' ai également un très bon exercice pour vous permettre de vous entraîner à vous déplacer et à incliner. 26. Bronzage et inclinaison: Un trépied nous permet de faire des mouvements horizontaux ou de faire un virage ou un mouvement vertical, c'est-à-dire de faire une inclinaison. Vous pouvez maintenant voir que le trépied est l'opposé d'un trépied portable. L'appareil portable est considéré comme plus dynamique, ludique et parfois chaotique. Elle a une forme de réalité. Vous avez montré la profondeur d'une scène davantage grâce au mouvement de la caméra. Une prise de vue fixe sur trépied produit l'effet inverse. Il est statique mais aussi solide et confiant, propre, on peut créer des mouvements en bronzant ou en inclinant, mais c'est un mouvement contrôlé. Les scènes tournées sur un trépied sont plus détendues. Vous pouvez en fait mixer ces plans à des fins de narration. Disons que quelqu'un est assis dans une pièce et qu'il lit quelque chose. Nous le photographions depuis un trépied car il y règne une atmosphère détendue. Mais tout à coup, le sol commence à trembler, peut-être un tremblement de terre. Le ton de la scène devient plus dramatique, et pour souligner que nous utilisons la main levée et ajoutons un petit mouvement de caméra. Ce n'est pas pour rien que nous choisissons de filmer à main levée ou sur trépied. Il est très important de garder cela à l'esprit. L'entreprise est généralement filmée sur un trépied parce que cela montre de la confiance. C'est comme se tenir debout les deux pieds sur le sol. Cependant, sa mise en place prend un certain temps. Tu dois apporter ce trépied. Pourriez-vous l'installer à la bonne hauteur, y attacher votre appareil photo, etc. Vous pouvez passer à la main, mais la raison pour laquelle vous optez pour la technologie portable n'est pas à cause de la narration, mais parce que c'est plus qui vous convient et c'est un mauvais choix. Si je dis cela, c'est parce que c' est une erreur qui est souvent commise. Je l'ai vu beaucoup trop de fois sur de petites productions, où ils commencent à tourner sur un trépied, mais au fil de la journée, ils commencent à filmer à main levée pour gagner du temps et être plus rapides. Réfléchissez à la technique de tournage qui profite le mieux à votre histoire ou à votre projet. Passons maintenant au panoramique et à l'inclinaison. Il est important que vous vous entraîniez à démarrer et à effectuer un tel mouvement en douceur. Une fois que vous avez commencé avec une poêle, par exemple, vous devez continuer. Ça n'a pas l'air bien si tu te vois t'adapter. Si vous constatez que vous allez trop vite, ralentissez simplement jusqu'à ce que le sujet rattrape son retard. Bien que cela semble si simple, panoramique et l' inclinaison doivent être pratiqués. Voici la meilleure façon de procéder. Prenez neuf feuilles de papier et accrochez-les au mur. Chaque papier est numéroté de 1 à 9. Maintenant, zoomez dessus. Vous n'avez qu'un seul papier dans le cadre. L'idée est maintenant de commencer par passer d'un numéro à l'autre. Essayez de démarrer doucement, poursuivre un mouvement solide et arrêter sans avoir à réajuster votre cadrage. Ensuite, vous faites la même chose pour l'inclinaison. Une fois que vous vous sentez prêt, déplacez-vous sur le côté, en vous inclinant et en vous inclinant en même temps. Maintenant, c'est bien d' avoir quelqu'un d' autre derrière vous en criant un chiffre. De cette façon, c'est plus surprenant et vous apprendrez à agir plus rapidement tout en conservant un mouvement fluide. Essayez également différents niveaux de friction. Les mouvements lents avaient une friction beaucoup plus importante ce qui vous permettait de faire des mouvements très fluides. Si vous voulez aller plus vite, vous devez réduire la friction, essayer de trouver un bon point de friction qui soit très doux au toucher mais qui vous permette d'effectuer mouvements de panoramique et d'inclinaison rapides. niveaux de friction ne doivent pas nécessairement être les mêmes pour le pan et pour l'inclinaison. En fait, c'est parfois une préférence personnelle où quelqu'un aime avoir plus de friction, alors que quelqu' un d'autre pourrait ne pas le faire. Le niveau de friction peut également être complètement désactivé. Nous avons parlé de tirer sur une tête lâche. Évidemment, vous verrez beaucoup plus de tremblements de caméra, mais c'est exactement ce que vous voulez. En fait, c'est un moyen de photographier à main levée, mais c'est un mouvement manuel plus contrôlé car le trépied est ancré à un point fixe. Faites bien les exercices de panoramique et d'inclinaison avec la tête lâche, essayez de faire des mouvements fluides. Certainement, quand vous commencez et arrêtez, ce sera beaucoup plus délicat. Tirer sur une tête lâche vous permet également de mieux alterner entre les prises de vue semi-synthétiques et les mouvements plus lourds. Il est également plus facile de suivre quelqu'un sur un trépied tout en ayant cette sensation de main, ou vous pouvez le voir comme un cliché à main levée, mais ne le voyez pas si mal. n'y a rien de mal à tirer sur une tête lâche. En fait, elle a ses propres avantages. Alors sortez maintenant et entraînez les mouvements de votre trépied avec cette technique à neuf feuilles. J'ai hâte de vous revoir lors de la prochaine leçon. 27. Le support de caméra: Il existe essentiellement deux types de caméras. Vous avez, les caméras de cinéma, elles sont généralement très grandes, d'une extrême sévérité et ressemblent à des pignons qui se dressent partout. Ensuite, vous avez la caméra vidéo, comme ici. Les caméras vidéo ont généralement une bonne ergonomie et tout est intégré. Il fonctionne dès la sortie de la boîte. Les caméras vidéo ou les caméscopes sont disponibles en petites, mais aussi en grandes tailles. Nous l'avons déjà vu avec celui-ci là-bas. Essentiellement, ce sont les mêmes. code d' entrée d'un film de dette en brique est audio. Mais un jour, ce petit bonhomme est arrivé avec le reflex ou l'appareil photo, qui peut apparemment choisir des vidéos de très haute qualité. y a de fortes chances que vous en ayez un. Mais où se situent ces caméras avec les caméras de cinéma, les caméras vidéo ou quelque chose entre les deux ? Eh bien, ce ne sont pas vraiment des caméras vidéo, ce sont des appareils photo et pas vraiment des caméras de cinéma parce que nous regardons la différence. Nous avons donc leur propre catégorie. Cependant, cette catégorie intermédiaire est en fait plus importante pour les caméras de cinéma. Ces deux choses sont assez similaires. Je sais que c'est fou, mais n'oubliez pas que les caméras vidéo fonctionnent prêtes à l'emploi avec les reflex, pas vraiment, ou que cela dépend de vos besoins. Par exemple, d'un point de vue ergonomique, ce n'est pas génial. Vous n'avez pas de microphone utilisable non plus, souvent vous devez d'abord vous plonger dans les paramètres, nous changeons tout un tas de choses pour rendre meilleur pour la vidéo. Son écran est très petit. n'y a pas de plafond élevé ici, comme c'est le cas pour la caméra vidéo. Même les appareils photo reflex ne sont pas tous capables de s'incliner ou de se déplacer correctement par rapport à l'écran, même si c'était surtout un problème avec la première génération de ces appareils photo. Donc, si l'on considère que les reflex se tournent davantage vers les caméras de cinéma, car ces caméras sont essentiellement des cubes qui n' offrent pas beaucoup de fonctionnalités comme celle-ci ici. Il s'agit de la caméra numérique rouge utilisée pour filmer Hollywood et la production haut de gamme. Mais si vous sortez ce truc de la boîte, il ne peut rien faire. Il n'a même pas d'écran. Zut, il n'a même pas la capacité d'y connecter une batterie. Cela semble très étrange, mais l'idée est de construire cet appareil photo selon vos propres besoins. Je peux acheter un présentoir et l' attacher à cette brique, mais cela signifie que je peux obtenir un type de présentoir qui me plaît. Et parlons de ce que le fabricant me donne. C'est très différent d'une caméra vidéo où tout est intégré. Une caméra de cinéma peut prendre de nombreuses configurations différentes. Si vous photographiez vous-même, cette configuration peut être compacte. Nous avons donc ici un objectif, un écran, la poignée du site et une grosse batterie. C'est ça. Mais je peux aussi le transformer en quelque chose de plus grand, ce qui me donne plus de contrôle lorsque je travaille en équipe. Et ils passeront en revue chaque composant ici, mais cela ressemble à ceci. Et, comme la plupart des reflex ne disposent pas de ce type de fonctionnalités, vous pouvez trouver la même chose pour évaluer les besoins en caméras de cinéma, mais aussi en appareils reflex. Pour vous donner une idée, je peux fixer une poignée supérieure à ma caméra de cinéma, ce que je ne peux pas faire avec mon reflex. Mais si je le mets dans une cage, j'ai plus d'options de montage, y compris la possibilité d' ajouter une poignée supérieure. Vous tiendrez la plupart des écrous bien évaluez ainsi la sévérité des caméscopes, c'est pourquoi ses reflex sont si spéciaux. Un tout nouveau marché a explosé et vous trouverez de nombreuses marques qui évaluent de telles sévérités. Il existe même des configurations folles qui font votre petit reflex ressemble un gros appareil photo de production hollywoodien. Mais que vous ayez réduit au minimum la gravité de votre appareil photo reflex ou que vous l'ayez construit en grand format, nous parlons toujours de créer un appareil photo. Ce n'est pas nécessaire, mais un bon équipement facilite certainement les choses et il n'y a pas de règles en matière de fabrication d'un engin. Je vais donc partager mon idée personnelle à ce sujet. Et cela commence par la cage, qui vous permet de monter une poignée supérieure et de fixer un microphone plus facilement. C'est le cœur de la plate-forme. En bas, vous pouvez opter pour un ensemble de tiges de 15 millimètres. Ils sont conformes aux normes de l'industrie et vous permettent de fixer des objets comme un bol de mise au point. Ce truc glisse sur les rochers et vous permet de contrôler l'anneau de mise au point plus facilement, ou plus encore, vous pouvez ajouter un côté manipulé à travers ces tiges ou même peut-être une boîte à médicaments. Ceci est à la fois utile pour bloquer la lumière lumière et pour filtrer les filtres tels que ce filtre ND. N'oubliez pas que ces filtres rectangulaires ne sont pas plus conviviaux. Je m'en tiendrais à ceux à vis. Les filtres Med-box sont rectangulaires et sont plus souvent utilisés dans la production en studio où vous travaillez avec toute une équipe. Quoi qu'il en soit, et écran externe, ce n'est pas une mauvaise idée. moniteur plus grand est toujours plus agréable à avoir et il existe de nombreuses options parmi lesquelles choisir. fait d'avoir cette cage initiale me permet également de connecter la batterie. Et là, il y a une assiette. Il glisse également sur les tiges de 15 millimètres. Je peux y connecter une grosse batterie, qui alimente à la fois l'appareil photo et le moniteur externe. Une grosse batterie comme celle-ci me donne énergie pendant presque toute la journée. C'est donc mon équipement personnel. Il est compact et ajoute tout un tas de fonctionnalités supplémentaires que je souhaite. Mais qu'est-ce que cela vous mène ? Vous êtes peut-être confronté à la question suivante [inaudible], que me recommandez-vous maintenant ? Il est malheureusement très difficile de répondre à cette question, car outre les nombreuses options dont vous disposez, il existe également une grande différence de prix entre ces différentes marques, et c'est pourquoi je ne peux pas donner conseils par le biais d'un cours comme celui-ci. Cependant, un gros conseil que je peux vous donner est de commencer simplement. N'achetez jamais un appareil complet et ne faites jamais de gros investissements. Commencez par une cage pour appareil photo et une poignée supérieure. En cours de route, voyez par vous-même quelle fonctionnalité vous pourriez encore manquer, puis achetez-les plus tard, ou cela pourrait être un moniteur externe. Mais réfléchissez bien question de savoir si vous avez besoin d'un grand écran ou d'un écran plus petit. Quelle boîte de nuit peut-être. Vous voyez que les options sont infinies, alors prenez votre temps pour faire des recherches, mais aussi pour connaître vos propres besoins. Il est probable que tout, les produits et les marques changeraient. Si vous me demandiez aujourd'hui de chercher une nouvelle plate-forme, je devrais parcourir à nouveau Internet pour voir ce qui a changé. Et s'il peut y avoir un nouveau produit ou une nouvelle marque innovante sur le marché. Mais au moins, vous avez maintenant une idée des supports pour appareils photo reflex, ce qu'est un appareil photo et à quoi il est destiné. J'espère donc que vous avez appris quelque chose de cette leçon. Si vous le souhaitez, n'hésitez pas à demander conseil dans la discussion ci-dessous, peut-être à expliquer quel type de tournage vous faites et quel est votre budget. Et je vais voir ce que je peux te recommander . Merci de m'avoir regardée. 28. Le cardan: Ils disent que la réalisation de films est un passe-temps ou un travail coûteux. Ce n'est pas vrai. Le problème, c'est que lorsque nous entrons dans un magasin d'appareils photo, nous avons l'impression d'être dans un magasin de bonbons. Vous n'avez pas besoin de tout le matériel supplémentaire, mais vous le voulez vraiment, et le cardan est probablement l'un des outils supplémentaires les plus populaires dont personne n'a besoin, mais que tout le monde achète. [RIRES] Peut-être que vous en avez déjà un ou que vous avez yeux rivés sur un et si vous n'avez pas encore pensé à un cardan, croyez-moi, ce moment viendra. Qu'est-ce qu'un cardan ? C'est un appareil dans lequel vous insérez votre appareil photo et en l' allumant, les moteurs essaieront de maintenir votre appareil photo stable. Cela signifie que vous pouvez vous déplacer, mais que votre appareil photo gardera un mouvement fluide tout au long de la scène. Ils sont devenus très abordables, c'est pourquoi de nombreux cinéastes adorent travailler avec eux. Tout comme les appareils photo , les cardans se présentent également sous différentes formes et tailles. Vous avez des cardans conçus pour les téléphones ou les plus grands pour les caméras de cinéma plus lourdes. Mais les principes sont toujours les mêmes. Bien qu'il existe deux modèles distincts, vous avez les cardans à manche et les cardans suspendus. cardans à manche peuvent être actionnés d'une seule main et sont plus petits, ce qui les rend plus faciles à transporter. cardans suspendus doivent être actionnés à deux mains et sont plus larges. Ces cardans, quels que soient ceux qui sont plus faciles à utiliser puisque le poids est suspendu au bas, ces cardans en sucette ont leur poids au-dessus de votre poignée, donc plus de secousses se produiront. Bien sûr, cette secousse est réduite par le cardan lui-même, donc elle ne sera pas si perceptible. Maintenant, il existe également des hybrides qui vous permettent de passer facilement du design à bâton au design suspendu. Cela vous donne une idée du cardan qui existe sur le marché. Mais maintenant, comment faire fonctionner correctement l'un d'entre eux, comme pour tout, cela demande de la pratique, mais il y a déjà quelques points que vous pouvez garder à l'esprit en tant que débutant. Tout d'abord, ne vous attendez pas à ce que le cardan maintienne votre appareil photo parfaitement stable. n'y a pas de stabilisation ascendante ou descendante moins que vous n'en obteniez une avec une sorte de ressort. Marchez toujours avec les genoux légèrement fléchis et essayez de placer vos orteils en premier sur le sol. Lorsque vous marchez ou courez à un rythme plus rapide, il est beaucoup plus difficile de baisser les orteils en premier. Dans ce cas, votre bras devient plus important, considérez votre bras comme une source naturelle. Pliez-le à un angle de 45 degrés et maintenez-le lâche. Déplacez votre corps et vos bras séparément. Vous devriez essayer de maintenir votre appareil photo à une hauteur fixe. Cependant, il est également important de bouger légèrement votre bras de haut en bas pour attraper les bosses de vos pas. Désormais, la flexion et l'inclinaison sont soit automatiques en tordant le cardan, soit elles peuvent être contrôlées via un joystick. Ce joystick n' est cependant pas une bonne idée. Vous aurez un contrôle beaucoup plus précis du mouvement en tournant simplement le cardan le dirigeant dans la bonne direction. Cette direction doit être effectuée en douceur, comme vous le feriez sur un trépied ou que vous l'incliniez, poussiez doucement, que vous laissiez les moteurs faire leur travail et que vous vous arrêtiez lentement. Ne vous contentez pas de serrer le cardan pour faire un mouvement rapide. Enfin, voyons où utiliser un cardan et où ne pas le faire. L'idée du cardan est de vous déplacer, si vous prévoyez de vous tenir au même endroit et d'utiliser la main levée ou de prendre des photos depuis un trépied si vous prévoyez de vous tenir au même endroit et d'utiliser la . cardans sont conçus pour explorer l'espace, les sentiers pédestres, les objets ou les murs, montrer une grande profondeur dans la scène. N'ayez pas peur d' expérimenter également des mouvements verticaux. Utilisez l'espace qui vous entoure, parcourez-le et trouvez des angles intéressants. Le cardan est probablement l'un des outils les plus dynamiques, alors utilisez-le également de manière dynamique. Voici en quelques mots ce qu'est le cardan et comment l'utiliser. Maintenant, le cardan seul pourrait utiliser sa propre classe séparée. Je n'ai fait qu'effleurer la surface, mais au moins tu as une introduction. 29. Le curseur: Bien que je puisse m' attarder pendant des heures sur différents outils et accessoires de l'appareil photo, je vais terminer ma liste avec le curseur de l'appareil photo dans cette dernière leçon. C'est d'ailleurs mon tout premier slider que j'ai reçu lorsque je viens de commencer à faire des films. Les curseurs de caméra sont des gadgets très simples, un rail et une plate-forme que vous pouvez faire glisser sur ce rail de gauche à droite, c'est tout. Maintenant, ils ne sont plus aussi populaires depuis mon époque. Je pense que le cardan a pris de nombreux outils différents, comme la flèche, que je n'aborderai pas dans ce cours. Le slider, cependant, est toujours quelque chose qui attire l'attention car il est très sous-estimé. Lorsqu'un cardan doit effectuer des mouvements plus rapides et que c'est généralement un peu plus rugueux, un curseur est très précis. Vous pouvez effectuer des mouvements lents tout en conservant ce mouvement fluide. Les curseurs peuvent même être équipés d' un moteur vous permettant d'aller encore plus lentement avec un mouvement beaucoup plus contrôlé et précis. C'est la grande différence entre un cardan et un slider. Si vous filmez des vidéos de produits, un curseur est une excellente option, car votre sujet est petit et repose généralement sur une table, le moindre mouvement de caméra étant visible. J'avais l'habitude de photographier tout le temps sur un slider. Celui-ci en particulier parce qu'il est très cinématographique. Ce qui est à la fois idéal pour les entreprises, les publicités, les courts métrages ou quoi que ce soit d'autre. Les curseurs peuvent être placés sur une table ou au sol, ce qui vous permet de prendre des photos à très faible angle. Mais nous pourrions également le monter directement sur un trépied, ce qui ouvre un tout nouveau monde. Nous allons avoir besoin d'une deuxième tête à monter sur le curseur. En fait, je vous suggère de vous procurer une tête photo, car elle peut se déplacer, incliner, mais aussi rouler ou s'incliner. Vous voyez, nous pouvons aller latéralement sur un curseur ou pousser la caméra vers l'avant et vers l'arrière. C'est ce que l'on appelle d'ailleurs un track in ou un track out shot. Mais ici, ça commence à devenir intéressant. Nous pouvons incliner ce curseur puisque nous l'avons monté sur un trépied de toute façon. C'est là que ces têtes photo sont utiles car nous pouvons aligner l'appareil photo sur le troisième axe. Nous pouvons désormais effectuer des mouvements de flèche ou de levage de haut en bas. C'est ce que j'ai fait si souvent car j'ai beaucoup aimé ces clichés. Maintenant, nous pouvons y ajouter un mouvement supplémentaire. Comme le curseur est monté sur un trépied, nous pouvons le déplacer avec lui tout en effectuant ces légers mouvements. Vous pouvez retourner des objets. Cela fonctionne particulièrement bien avec les vidéos de produits où vous souhaitez faire un arc de cercle autour du produit. Gardez à l'esprit que vous avez le trépied vidéo et un curseur ensemble. La combinaison de ces deux éléments permet de tracer des dizaines de mouvements différents. Des mouvements détendus, dynamiques, contrôlés, précis et d'une apparence très cinématique. C'est tout pour les curseurs de caméras et je vous ai montré tellement de matériel photo différent maintenant que vous vous demandez peut-être encore pourquoi nous avons besoin de déplacer la caméra. C'est quelque chose que j'aime vous montrer dans la dernière leçon de ce cours, Creating Depth. Ce qui constitue l'essence même de la cinématographie et également la prochaine étape vers les techniques avancées de réalisation de films. 30. Création de la profondeur: Vous avez probablement déjà entendu parler du mot «  cinématographie ». C'est un art visuel, et un projecteur de film est également un directeur de la photographie, et son rôle est de prendre des décisions créatives concernant à la fois la caméra et les lumières. Dans les petits projets, ils peuvent également être le caméraman, mais le plus souvent, ils ne touchent pas la caméra. ce que fait le caméraman et il écoute ce que le directeur de la photographie lui demande de faire. Jusqu'à présent, dans ce cours, nous avons appris les bases de la réalisation de films. heure actuelle, vous disposez d'un ensemble de connaissances techniques qui font de vous un excellent caméraman. Vous savez comment configurer correctement la caméra, faire un joli cadrage académique de l'objet. Vous comprenez qu'un directeur de la photographie vous a demandé de prendre des photos à main levée plutôt que sur un trépied. Vous savez comment fonctionne un trépied et pourquoi vous devez ou ne devez pas utiliser un cardan. Le rôle du directeur de la photographie va bien au-delà de cela. Raconter une histoire visuelle à travers l'éclairage, cadrage et les mouvements de la caméra, le cadrage et les mouvements de la caméra, raconter mille mots à travers une seule prise de vue et, surtout, créer de la profondeur. Créer de la profondeur, c'est par cela que tout commence. C'est le prochain chapitre de votre carrière de cinéaste. Je pourrais créer un nouveau cours à ce sujet, ici là, voici une introduction. Ce que beaucoup de gens oublient, c'est que la vidéo est bidimensionnelle, plate. Vous pouvez projeter une vidéo sur une feuille de papier, c'est à quel point la vidéo est plate. Ne vous méprenez pas, nous capturons un monde en 3D, mais nous le regardons sur un écran 2D. C'est pourquoi il est si important de créer de la profondeur afin de pouvoir montrer le monde bidimensionnel sur le plan 2D. Maintenant, une façon d'y parvenir consiste simplement à ajouter des mouvements de caméra. Que vous utilisiez un appareil portatif, que vous preniez des photos sur un cardan ou sur un curseur. Vous déplacez la caméra dans la scène, et nous voyons donc une parallaxe. En d'autres termes, le public comprend mieux l' espace dans lequel se trouvent les caméras. Une autre façon de créer plus de profondeur consiste à défocaliser les objets de premier plan et d'arrière-plan. Nous ouvrons l'ouverture, la zone de mise au point devient plus petite et l'arrière-plan devient plus flou. Nous pourrions même placer un objet au premier plan pour obtenir les mêmes résultats. Nous pouvons maintenant regarder ces photos ici en trois couches. Les objets de premier plan, les sujets et les arrière-plans sont séparés les uns des autres. Cela crée de la profondeur. cadrage est un autre outil permettant de créer plus de profondeur. Supposons que tout soit mis au point et que nous prenions des photos à partir d'un trépied. La façon dont vous cadrez votre scène ou sujets peut donner à celle-ci une apparence plate ou montrer de la profondeur. Il se trouve que j'ai un cours complet sur le cadre de caméra cinématographique dans lequel je vous recommande vivement de suivre. Je vais suivre le lien en direct ici dans les notes de cours ainsi que dans une description du cours. Maintenant, sans entrer dans les détails, nous pouvons utiliser l'éclairage et les ombres pour mieux montrer les rouleaux bidimensionnels. Les couleurs et les contrastes sont autant de façons différentes de créer de la profondeur. Maintenant, il n'est pas nécessaire de créer profondeur de toutes les manières possibles. Vous pouvez choisir une ou deux techniques , à condition de rechercher activement au moins un moyen de créer de la profondeur à chaque prise de vue. Cela m'amène à la fin du cours. Maintenant, il me reste une dernière leçon de conclusion, alors ne pars pas tout de suite. 31. Conclusion: Maintenant, commençons par vous applaudir. Félicitations pour avoir terminé ce cours. Vous avez maintenant une solide compréhension du fonctionnement du cinéma professionnel. Les bases sont là et vous êtes prêt à poursuivre sur cette lancée. Maintenant, j'ai quelques cours avancés que je vous recommande vivement de consulter. Des liens vers ceux-ci peuvent être trouvés dans la description de cette classe ainsi que dans les notes du cours. Mais laisse-lui un peu de temps. Comme je l'ai déjà mentionné à de nombreuses reprises, réalisation de films nécessite de la pratique, alors sortez et filmez, mettez en œuvre les techniques que vous avez apprises lors de ce cours, mais je vous mets également au défi d'expérimenter. En commettant des erreurs, vous apprendrez ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas. Maintenant, quelque part dans la moitié de ce cours, je t'ai demandé de faire une courte vidéo scénarisée. Si vous ne l'avez pas encore fait, c'est le moment. Créez vous-même un storyboard afin d' avoir suffisamment de temps pour réfléchir aux différentes techniques que vous souhaitez mettre en œuvre. Planifiez vos prises de vue et revisionnez-les peut-être avec les leçons au fur et à mesure que vous le faites. Une bonne préparation signifie que vous pouvez vous concentrer sur d'autres éléments pendant la prise de vue, tels que les réglages de l'appareil photo. Réalisez une courte vidéo, une vidéo de produit, une simple action de quelqu'un qui prépare un café ou peut-être un mini-court métrage. Vous n'avez pas à le modifier tant que ça, suffit de mettre les plans dans une séquence et publier votre travail ici afin que je puisse vous faire part de vos commentaires. Je vous souhaite bonne chance, beaucoup de plaisir et de plaisir, puis je suppose que c'est au revoir pour le moment. Ce sont toujours des moments très difficiles. Vas-y maintenant, sois libre, cherche ton propre chemin dans la vie. Promets-moi juste une chose, ne m'oublie jamais, surtout quand tu es directeur de la photographie sur un très grand plateau hollywoodien, alors j'espère que tu penses toujours à moi. Quoi qu'il en soit, merci beaucoup d'avoir regardé les gars. Ce fut un réel plaisir de vous donner ce cours et, comme nous le disons toujours, restez créatifs.