Étudier les masters : La vie et l'art de Vincent Van Gogh

1. Introduction: Bienvenue dans la première partie d'une série où nous allons étudier les maîtres, les artistes du passé, qui ont créé un héritage, soit par leur style, soit par leur sujet, et nous allons apprendre d'eux. Nous allons étudier leur travail, leur vie, ce qui a rendu leur art spécial, et comment nous pouvons nous en servir pour devenir de meilleurs artistes nous-mêmes. Alors, on y va. Aujourd'hui, tout tourne autour de Vincent Van Gogh. Et je sais que je ne l'ai probablement pas très bien dit parce que j'ai grandi avec des garçons en disant Vincent Bango. Je ne sais pas pour vous, mais ça va prendre un peu de temps pour le reformater dans mon cerveau C'est un artiste familier. C'est quelqu'un que nous pouvons reconnaître immédiatement après avoir vu la plupart de ses œuvres. Il a créé de nombreuses œuvres qui ne sont peut-être pas toutes reconnaissables pour nous. Mais dans la leçon d'aujourd'hui, nous allons nous concentrer un peu plus sur la dernière partie de son parcours et nous en servir comme source d'influence pour nous lancer dans quelques exercices qui nous aideront à mieux connaître Vincent. Si vous n'avez jamais suivi de cours avec moi auparavant, je m'appelle Christina Moyer et je suis une artiste spécialisée dans les peintures acryliques C'est mon médium préféré, mais j'adore me plonger dans d'autres médiums, m'entraîner et perfectionner de nouvelles compétences et nouveaux processus pour améliorer mon propre niveau de compétence J'enseigne également depuis plus de vingt ans, je crois, depuis plus de vingt ans. J'ai commencé à enseigner la danse, j'ai enseigné l'art, j'ai enseigné à l'église et j'ai enseigné l'anglais langue seconde, et j'adore vraiment établir des liens avec les étudiants J'espère donc que votre projet sera téléchargé à la fin afin que je puisse vous faire part de mes commentaires , que nous puissions nous connecter, et que je puisse voir à quel point vous avez apprécié cette leçon. 2. Le projet: Le projet de ce cours va être vraiment amusant, car nous allons commencer par des exercices tout au long de la leçon qui vous aideront à créer votre propre projet. Donc, tout au long du cours, nous allons faire, vous savez, des études sur le travail de Vincent Benko, où cela ressemblera davantage à la recréation d'une autre œuvre Avec quelques exercices, essayez la nature morte, le portrait et les paysages, et les paysages, lesquels Vincent est célèbre pour avoir fait les trois Ensuite, nous allons sélectionner notre propre sujet pour créer notre projet final en utilisant le style et les éléments que nous avons appris dans cette leçon pour créer ce projet. Vous allez me voir créer le mien, mais je veux que le vôtre soit spécial pour vous. Le but de cette leçon est de vous donner les outils de votre ceinture à outils, en tant qu'artiste, qui vous permettront de recréer ce style avec votre propre sujet C'est pourquoi il s'agit du projet final. pourquoi c' est également plus pour les étudiants de niveau intermédiaire, car vous n'avez pas besoin d'autant de prise de main à ce stade. Vous plongez un peu plus dans ce que vous voulez créer. Mais nous vous y amènerons avec les autres exercices, apprenant les compétences et le style de Vincent en cours de route pour en arriver là. Alors ne vous inquiétez pas, vous l'avez. 3. Préambule de l'exercice 1: Commençons par le premier exercice, où nous allons prendre le tableau Starry Night, un de ses tableaux les plus célèbres, et nous allons le recréer en utilisant le support que vous souhaitez pratiquer Je vais utiliser des pastels à l'huile, mais vous pouvez utiliser des pastels à la craie Vous pouvez utiliser des peintures, que ce soit de la peinture acrylique, de la gouache ou de la peinture à l'huile, selon celle que vous souhaitez pratiquer ou simplement pour nous familiariser un peu avec son style Comme il peignait à l' huile assez fréquemment, j'ai l'impression que je voulais utiliser quelque chose de similaire, donc les pastels à l'huile vous offrent une expérience un peu similaire Ce n'est pas exactement pareil, mais j'ai décidé d'y aller. Commençons donc par sortir votre matériel, votre carnet de croquis, et suivons 4. Démo de la nuit étoilée partie 1: Commençons par étiqueter notre page, en lui donnant un petit titre. Inscrivez la date dans les informations qui seront pertinentes pour vous. Vous pouvez inscrire le titre de cette leçon si cela vous sera utile à l'avenir. Je pense qu'il est toujours utile d' ajouter quelques informations supplémentaires. Date. Absolument. Intitlez ceci, dites qui était le professeur. Cela vous aide à savoir où retourner si vous devez revenir à cette leçon à un moment donné. Donc, j'étudie les masters, Vincent Van Gogh. C'est ainsi que nous le disons en Amérique du Nord. Mais si vous étiez néerlandais, cela ressemble plus à cela. Maintenant, je ne suis pas néerlandais, donc je ne peux pas très bien le dire, et nous l' avons déjà vu. Mais Van ressemble plus à un son F, comme Van. Et allez, ils le prononcent plutôt comme H. Et donc, comme je suis au Canada, je vais dire Vincent Vang J'espère que cela vous convient. Je l'ai donc daté, et je vais créer juste un petit cadre. Je vais donc me donner un petit cadre dans lequel travailler sur ma page, et vous pourriez choisir entre le grand et le petit. Ce n'est qu'une petite étude, alors j'ai décidé de la garder assez petite, à peu , vous savez, une taille de six sur quatre. Alors n'hésitez pas à suivre exactement la même procédure six par quatre ou à l' agrandir, remplissez toute la page si vous le souhaitez. Ensuite, nous allons esquisser l'image. Recherchez donc la nuit étoilée, et vous trouverez toutes sortes d'images Vous pouvez acheter des tirages de ce tableau. Essayez d'en trouver un qui vous plaît et qui vous semble beau, avec de bons détails et ce genre de choses à suivre. Quelque chose de plus original, ce n'est pas la création de Starry Night par quelqu'un d'autre, mais l'original créé par Vincent est un peu plus utile Je vais donc utiliser un crayon et dessiner l'arbre qui s'y trouve et juste mes coteaux Je ne vais pas entrer dans les détails, mais simplement me fixer des limites quant à savoir par où commencer, où placer tout. C'est toujours utile. En tant qu'artiste intermédiaire, je suis sûr que cela vous est familier en termes de création. De plus, je voulais juste noter que je l'ai encadré avec un stylo. Cela dépend entièrement de vous. Vous n'êtes pas obligé de le faire, mais vous pouvez simplement utiliser un crayon si vous le souhaitez. Mais pour moi, je ne voulais juste pas que ce soit quelque chose qui doive être effacé ou caché Donc, avoir un cadre solide avec un stylo me convenait parfaitement. Alors je cherche des zones. Si vous n'avez pas beaucoup d'expérience en matière de croquis, je recherche les domaines d'intérêt et le type de marquage d'un lieu Donc, l'arbre. Celui-là est assez évident. Ensuite, il y a la ligne d'horizon. Je ne sais pas si j'ai eu du mal à prononcer ce mot. Et puis j'ai installé cette église. Cela m'a ensuite aidé à identifier l'emplacement d'autres bâtiments et à les marquer. Recherchez donc les zones d' intérêt qui sont des moments visuels vraiment forts. Et si vous pouvez identifier où cela se trouve dans le cadre. Est-ce centré ? Est-ce décentré ? Dans quelle mesure est-il décentré ? Pensez à découper une tarte ou un gâteau, vous essayez de couper des quantités égales ou couper la même quantité qui ressemble à ce que vous regardez. C'est ainsi que je visualise les choses. S'il y a du gâteau, je suppose que ça peut fonctionner. Et puis, même en les marquant un peu, j'ai décidé de marquer dans le tourbillon, très légèrement, en particulier là où il doit être léger avec le matériau que j'utilise Et maintenant, si vous utilisez un matériau susceptible de se fondre dans les crayons, vous devez simplement en tenir compte Je n'ai pas recommandé l'aquarelle. Je ne dis pas que c'est impossible, mais avec ce style particulier, avec ces courts coups de pinceau expressifs, je ne pense pas que l' aquarelle soit idéale pour Maintenant que j'ai les choses esquissées, je vais sortir mon médium Donc, si vous utilisez des pastels à l'huile. Maintenant, les pastels à l'huile, vous pouvez les mélanger. Je ne mélange pas exactement mien comme avec des minéraux avec des huiles ou, vous savez, vous pouvez utiliser de l'huile pour bébé Vous pouvez utiliser toutes sortes de choses pour les mélanger. Je vais m'en servir pour mélanger et m' aimer les uns les autres, fondre un peu les uns dans les autres et conserver cet aspect expressif du coup de pinceau Je vais donc faire un petit tiret. Donc, en ce moment, je choisis ma couleur. Donc, si vous pouvez le faire avec le support de votre choix , choisissez toutes les couleurs dont vous aurez besoin dans cette étude particulière. Il y a beaucoup de bleus, de gris, de violets, de jaunes, de blancs C'est un peu un tas de pastels à l' huile Je n'ai donc pas toujours les couleurs exactes. Mais je veux que tu t' entraînes en faisant de petites marques. Et si vous n'avez pas couleur exacte que vous recherchez, voyez s'il existe deux couleurs que vous pouvez mélanger. Et vous pouvez utiliser un doigt pour mélanger lorsque vous mélangez réellement Vous pouvez essayer de mélanger. J'aime mélanger une couleur claire à une couleur foncée. Je trouve que j'ai besoin d'un blanc pour mélanger ces tons clairs. Mais gardez simplement à l'esprit comment cela fonctionnera une fois que vous aurez travaillé sur votre pièce réelle. Pourquoi j'aime faire ces petits échantillons sur le côté. Testez les choses. Voir si vous pouvez faire défiler l'écran et voir à quoi ressemble réellement l'image de près peut vous aider à déterminer les couleurs dont vous pourriez avoir besoin. Et cela dépend simplement de votre niveau de connaissance du médium que vous avez choisi Peut-être que c'est très simple pour vous, et peut-être que c'est un peu difficile pour vous. Vous pouvez voir que j'ai pris un rouge. Il y a juste de très petites marques rouges, mais cela peut également être utile pour mélanger dans certaines zones Même dans le vert, si j'avais un vert vif et qu'il était trop clair, je pourrais y ajouter du rouge pour atténuer ce vert, ce qui semble contre-intuitif, mais cela fonctionne vraiment. À la recherche de couleurs qui fonctionnent bien dans l'arbre. Et vous pouvez voir si je devais mélanger ces pastels comme quelqu'un voudrait obtenir un look lisse Vous pouvez voir dans l'arbre que cela ne fonctionnerait pas comme ça. Je veux donc que cela reste aussi similaire que possible, juste pour me faire comprendre qui était Vincent. Et nous commençons en ce moment par beaucoup de discussions sur la façon de créer cette pièce et, vous savez, mes pastels à l'huile, et le simple fait de configurer ma page et tout le reste, et vous pouvez voir que mes doigts deviennent un peu gras en touchant toutes ces Existe-t-il des pastels à l'huile ? Il fallait donc s'y attendre. Et assurez-vous quand même que ma couleur est correcte. Donc, en ce moment, vous savez, nous sommes en train de mettre en place les choses. J'espère vous aider à mettre les choses en place correctement afin que vous puissiez commencer, et c'est parti. Mais plus loin, nous parlerons certainement de la vie de Vincent, ferons un petit tour d'horizon. Donc, vous savez, probablement ou peut-être pas. Ce n'est pas grave si vous ne le faites pas, qu' une grande partie de son travail ait cette sensation expressive. de pinceau sont un peu lâches parce que vous pouvez les voir. Ils ne sont pas tous combinés avec des transitions vraiment fluides Ils ont un aspect un peu plus sévère avec des contours vraiment forts ici et là. Et au fur et à mesure que vous découvrirez sa vie, vous découvrirez pourquoi il peint de cette façon. Au moins dans une certaine mesure, nous n'avons peut-être pas toutes les réponses, mais heureusement, nous avons en fait pas mal d'informations. Et nous allons passer en revue certaines de ces questions au cours de cette leçon. Vous allez donc apprendre une partie de sa vie. Et pour moi, cela a été très intéressant d'étudier sa vie en vue de cette leçon Au fur et à mesure que j'en ai appris davantage sur qui il était et ce qu'il a vécu, et, vous savez, les défis auxquels il a été confronté et la courte durée de vie qu'il a eue, j'ai eu une incidence sur moi. Et en créant ces pièces, c'était une façon de lui rendre hommage d' une manière ou d'une autre, mais aussi d'essayer de tirer le meilleur parti de ses années d'expérience. Et même s'il n'a pas eu beaucoup d'années, il a créé de nombreux tableaux. Nous pouvons donc en apprendre beaucoup, à tout le moins, la persévérance et de simples efforts, comme éthique de travail, pour créer autant de peintures en si peu de temps C'est tout simplement très inspirant pour moi. J'espère donc que le fait d'en apprendre davantage sur sa vie, ainsi que de recréer son travail, vous aidera également à vous influencer Ensuite, lorsque vous créerez le projet final de cette leçon, vous aurez une bonne expérience, quelque chose de plus personnel et pourrez penser à sa vie. Si vous n'avez pas entendu la chanson, Starry Night, je pense qu' elle s'appelle Starry Josh Goben le chante. Et je n'y avais jamais vraiment pensé avant, mais c'est certainement une question à laquelle j'envisagerais après, vous savez, avoir étudié sa vie. Absolument, allez écouter cette chanson. Tu sais, si tu travailles sur ce morceau pendant que tu écoutes la chanson, c'est encore plus spécial. C'est très pertinent. Alors vas-y, enfile-le. Donc, comme vous pouvez le voir, j'ai commencé par un bleu clair. Et maintenant, je vais utiliser ce bleu plus foncé, en remplissant certaines des zones qui nécessitent cette couleur, puis je vais mélanger le tout. Il est donc parfois judicieux de commencer par une couleur plus claire et parfois par une couleur plus foncée. Dans tous les endroits où il est censé être très clair, je ne vais pas mettre de couleur foncée pour commencer. Mais avec les pastels à l'huile, cela fonctionne plutôt bien de commencer par un ton moyen-foncé , puis d'ajouter un ton plus clair En fait, cela fonctionne plutôt bien. Donc, si vous n'avez jamais essayé votre médium auparavant, je vous recommande vivement de vous entraîner un peu avant de vous lancer, mais cela pourrait être une pratique pour vous, et il n'est pas nécessaire qu'elle soit parfaite. Nous allons simplement consulter notre carnet de croquis et utiliser, vous savez, ce maître artiste, son travail comme, vous savez, cette influence et cette pratique Donc, même si ça ne se passe pas bien, ne t'inquiète pas pour ça. Ce n'est pas le projet final. Et même toi, tu en arrives là. Cela ne devrait pas être un moment stressant. C'est de l'exploitation et juste quelque chose qu'il faut apprécier et essayer vous savez, d'essayer quelque chose de différent Et cela fait partie de ce que c'est. Nous sommes donc à la fin de cette première partie, nous avons trois parties dans cette démonstration. Alors continuez et continuez. Tu as compris ça ? 5. Partie 2 de la démo étoilée: Deuxième partie de cette démonstration. D'accord, désolée, si c'est trop fort. Excité, excité. Poursuivons avec ce type de gammes de tons moyens dans cette section particulière, dans cette deuxième partie. La troisième partie nous emmènera dans les ténèbres, les grandes lignes, ce genre de choses, même si j'en ai un petit aperçu Nous allons également l'assombrir plus tard. Donc, il faut prendre ces tons moyens pour démarrer. C'est un peu comme commencer par notre base dans un tableau où nous recouvrons, vous savez, la totalité de la toile. C'est un peu différent parce que je ne couvre pas seulement l'ensemble du cadre. Je commence par vous savez, j'ai commencé par mon croquis, puis je construis par zones. Travailler par sections, remplir avec ces petits tirets, c'est devenu partie intégrante du style de Vincent C'est important pour son style. Continuez donc à travailler dans ces couleurs. Et commençons par parler de la vie de Vincent. Donc, ce que je vais faire, c'est commencer par un bref aperçu de la vie de Vincent Vang, d'accord ? Et je fais cela pour que si vous voulez vous référer à cette vidéo, vous puissiez obtenir la version d'aperçu rapide et, vous savez, la version résumée des choses Ensuite, nous aborderons plus en détail les leçons à venir. Soyez donc enthousiastes à l'idée. Donc, si vous ne le saviez pas déjà, Vincent Bango a grandi au 19e siècle aux Pays-Bas C'est donc un peintre néerlandais. Et étonnamment, il ne savait pas ce qu'il voulait faire. Pendant longtemps, il ne l'a pas vraiment fait, il n' était pas un enfant de 5 ans, genre, je vais devenir artiste Comme si ce n'était pas, tu sais, quelque chose qui était très clair pour lui au début. Mais il aimait dessiner, mais il ne savait tout simplement pas ce qu'il voulait faire. Il a essayé plusieurs carrières, mais elles n'ont pas vraiment marché pour lui. entretenait une assez bonne relation avec son frère Theo, et son frère lui a dit, tu sais, tu es doué pour le dessin Alors pourquoi ne pas en faire quelque chose ? Pourquoi ne le sais-tu pas ? Il a donc décidé de devenir artiste. Il a vraiment pris cela à cœur, et j'en suis vraiment impressionné. Oh, nous ajoutons cette couleur dorée. Désolée, j'ai hâte de revenir à la photo sur laquelle nous travaillons, juste un instant, alors que je commence à ajouter du jaune, parce que lorsque vous avez couleurs froides et froides au départ, nous avons commencé avec ces bleus cool Ensuite, nous commençons à ajouter cette couleur dorée chaude, c'est très excitant car cela crée cet équilibre. Et oui. OK. Ce qui est intéressant, c'est qu'il préférait dessiner et peindre la vie des gens ordinaires, par exemple, l'agriculture, la famille. Et vous pouvez le constater dans l' une de ses œuvres précédentes, Les mangeurs de pommes de terre C'est un tableau assez célèbre. Et il fait très noir. Et c'est intéressant que quelqu'un veuille peindre ça. Tu sais, tu penses à ce que les gens peignent maintenant ou à ce que tu veux peindre maintenant. Quels sont les sujets que tu aimes peindre ? Et il aimait peindre, vous savez, choses de tous les jours, ce que je trouve vraiment très intéressant. Il était fier de son travail. Il l'était, vous savez, mais les autres ne semblaient pas trop aimer ça. Il voulait juste être un bon artiste. Et il a travaillé très dur pour le devenir. Vous savez, il a juste continué à pratiquer, à pratiquer et à pratiquer. Il a fait beaucoup de dessins, beaucoup de peintures. Il a déménagé à Paris pour vivre avec son frère, où vivait son frère, Theo. Il y a pu rencontrer d'autres artistes qui l'ont inspiré. Il a été inspiré par certains de ces peintres qui ont peint des peintures de type paysan avec des ouvriers dans les champs et ce genre de choses. Il a commencé avec des couleurs vives et gaies, des couleurs vives et primaires. Il n'avait pas beaucoup d'argent. Il est un peu stéréotypé, on parle de l'artiste affamé Et je pense que beaucoup de gens pensent à Van Go parce qu'il n'a pas vraiment réussi dans sa vie. Et puis, comme j'entends souvent ça, les gens diront : Oh, tu sais, quand tu seras mort, c'est comme ça que tu auras du succès. Eh bien, c'était un exemple où oui, c'était le cas pour Vincent. Genre, il n'a pas vraiment eu succès dans sa vie, spoiler alert Mais voici un gros plan. Mais il a créé des œuvres qui sont, vous savez, mondialement connues, n'est-ce pas ? C'est donc très intéressant, mais il avait peu d'argent. Beaucoup d'artistes louaient donc des modèles pour peindre. Vous savez, ils n'avaient pas ce que nous avons maintenant en termes de, vous savez, je peux rechercher un modèle sur Pexels et peindre à partir de celui-ci Vous savez, si je devais essayer de convaincre un ami de s'asseoir là et de peindre, cela me permettrait de les peindre à ce moment-là et tout le reste. Je ne pense pas que j'y parviendrais si je ne les payais pas. Il n'avait donc pas les moyens d'acheter des modèles. C'est pourquoi vous voyez beaucoup d'autoportraits. Il a posé pour lui-même. Je pense que c'est plutôt ingénieux. Et il voulait clairement devenir artiste. Il allait faire en sorte que cela fonctionne, quelle que soit sa situation. Et cela m'inspire. Il a juste posé devant un miroir et l'a payé lui-même. Et il y a beaucoup d'autoportraits, et je n'y avais jamais pensé auparavant. Genre, était-il juste un homme concédé ? Oh, revenons au tableau juste pour un moment. Je vais l'appeler une peinture, même si j' utilise des pastels à l'huile, mais comme vous pouvez le voir, j'utilise ce blanc pour créer la douceur du mélange Donc, plutôt que d'utiliser un doigt ou de l'huile pour le mélanger, j'adore le mélanger avec un ton plus clair ou avec une autre Parfois, cela ne fonctionne pas parce que vous le pouvez Si le papier ne prend pas assez de matière avec des pastels à l'huile, cela va vous poser quelques problèmes, mais par exemple, cela s' accumule et ne se mélange pas faudrait peut-être utiliser le couteau à palette pour le mélanger s'il commençait à y mettre trop de matière ? Qu'est-ce que tu peux faire ? Le mélange blanc sur le dessus, si je n'ai pas fait trop de marques ou s'il n'y a pas trop de matière dessus , fonctionne plutôt bien pour le mélanger J'ai également constaté que la qualité importait beaucoup. Certains d'entre eux étaient de très bonne qualité, puis ils étaient vraiment de bonne qualité, puis comme si ce blanc n' était pas de la meilleure qualité, il était donc très difficile d' essayer de le mélanger. Tous les pastels à l'huile fins que j'ai sont de moindre qualité Les plus épais sont, je pense, tous de meilleure qualité. Peut-être pas tous, mais j'ai découvert qu' il y avait une grande différence entre la façon dont ils mais j'ai découvert qu' se mélangeaient et juste le pigment, la façon dont il apparaissait sur la page Donc, détournez-vous. Mais je veux juste que vous obteniez des informations sur ce que je fais avec ce matériel, ainsi que sur cette histoire que je trouve très excitante et intéressante. Si peu d'argent. Il a donc fait autre chose pour économiser de l'argent. Vous savez, lorsque vous essayez de comprendre un schéma de couleurs, travaillez les couleurs comme je l'ai fait avec petits échantillons et que nous ferons de petits travaux sur des échantillons pour nous assurer que les pratiques utilisées dans les études pratiques sont similaires, même, vous savez, c'est une Au lieu d'utiliser ses peintures son matériel artistique pour les tester et voir ce qui fonctionnait et ce qui ne fonctionnait pas pour la coloration et ce genre de choses, il avait des pelotes de laine utilisait pour voir à quoi ressembleraient les couleurs. Je trouve donc cela tellement intéressant. Et d'ailleurs, vous pouvez aller au musée There's a Ngo , et aux Pays-Bas, vous pouvez y aller. Maintenant que j'ai découvert sa vie, je veux y aller. Et ne vous contentez pas de voir certaines de ses œuvres, apprenez-en plus sur sa vie. Écoutez certaines de ces histoires que je vais partager d'une manière plus intéressante. Et voit aussi. Ils ont en fait de la laine, ces pelotes de laine, que je trouve intéressantes. Je ne suis pas un passionné d'histoire, mais j'étudie certainement sa vie. Je l'ai trouvé vraiment chouette, et surtout quand on se connecte à un certain niveau, j'ai eu l'impression qu'il y a des moyens de communiquer avec lui. Et j'ai pensé, vous savez, que cela rend toujours une histoire plus captivante lorsque vous ressentez un lien ou que vous pouvez vous identifier d'une manière ou d'une autre à un artiste. J'espère donc que vous trouverez des manières positives d'interagir avec Vincent . Même si ce n'est pas une chose négative, ou même si c'est une chose négative, cela peut tout de même vous apprendre quelque chose , vous motiver et vous inspirer. donc ce que j'espère. Il était donc clairement intelligent avec ses matériaux. Il était donc à Paris, non ? Et quand il était à Paris, c'était un endroit très fréquenté. Et personne ne voulait acheter ses tableaux. Il a donc déménagé plus au sud. Et puis, il y avait trop de monde. Il en avait assez de la vie citadine. Il a donc déménagé plus au sud de la France, et c'est là qu'il a peint la nuit, la mer, les champs. Il voulait peindre la vie telle qu'il la voyait et la ressentait. Mais tout le monde ne l' a pas compris. Il a donc eu des discussions animées avec un autre artiste. Il a noué des liens avec d'autres artistes de cette région. Et j' aimerais le faire davantage. Je ne pense pas le faire assez. Parfois, le monde de l'art semble très distinct ou élitiste à certains égards Et je veux être quelque part. Je suppose que je ne veux pas être dans un endroit où je suis trop aise parce que vous voulez pouvoir grandir, et parfois c'est là où vous vous sentez mal à l'aise, mais dans un endroit qui n'est pas toxique de toute façon Il ne voyait donc pas les choses de la même manière que Paul Gugin, avec qui il a noué des liens dans le sud de la France Nous allons entrer dans les détails à ce sujet, mais il a eu des discussions animées sur la façon dont on devrait peindre Et un soir, ils se sont tellement disputés que Vincent s'est embrouillé et s'est blessé. C'est alors qu'il se coupe l'oreille. Ce que je trouve vraiment intéressant, c'est façon dont il se peint lui-même, comme des autoportraits avec un pansement sur l'oreille. Je pense juste que c'est vraiment intéressant. Je ne sais pas exactement ce que cela dit de lui, mais je suppose que cela indique qu'il est mignon. Il a donc été admis dans un hôpital spécialisé raison de ses problèmes de santé mentale, de ce qu'il fait, cette confusion qu'il ressent. Et il continue de peindre. J'adore le fait qu'il continue à peindre quelle que soit la situation dans laquelle il se trouve. Et il peint une œuvre spéciale pour son nouveau neveu que Theo a mise au monde. J'adore le fait qu'il ait créé quelque chose de spécial pour lui. Et quand il s'est rétabli, il est retourné dans le nord, dans la campagne près de Paris, et là, devinez quoi ? Il peignait continuellement. Oui, tu l'as deviné. Mais une fois de plus, il est devenu confus et a trouvé la vie très difficile. Cela a été difficile pour lui. est ainsi qu'à 37 ans, l'été, quand il entre dans un champ de maïs, il se suicide dans un champ de Et quelle triste et difficile façon de terminer cette belle histoire, cette belle vie passée à créer des centaines de peintures et de dessins qui apportent au monde tant de valeurs auxquelles nous attachons tous aujourd'hui de la valeur. Ce n'est donc qu'un petit résumé de notre deuxième partie. J'espère que cela ne vous a pas trop déçu, mais si vous ne connaissiez pas déjà une partie de sa vie, c'est une partie de sa vie qu'il ne peut nier. Nous allons donc passer à la troisième partie tout de suite. 6. Démo de la nuit étoilée partie 3: OK, nous en sommes à la troisième partie de l'étude Starry Night Et je commence par ce contour avec ce noir, et c'est très excitant. Je veux dire, j'aime déjà le look de ma pièce, si je la regarde seule, mais maintenant que je l'ajoute, c'est un peu effrayant parce que c'est très dramatique. Mais nous allons aller de l'avant sans avoir peur. J'allais créer les grandes lignes indiquant qu'il faisait partie du style , puis combler ces lacunes. Nous nous fondons donc sur ces autres tonalités. Vous voyez que c'est ce qui s'est passé là-bas quand j'ai ajouté ce violet sur le dessus. Passons donc à l'arbre, cette sorte de cyprès Je pense que c'est un cyprès ici. Et en commençant par pas le noir cette fois. Je sais J'ai dit qu' on pouvait commencer par le plus foncé, puis le plus clair, mais je pense qu'avec le noir, les choses peuvent parfois être un peu différentes Je suis juste en train d'essayer ça. Et ce qui est cool avec les pastels à l' huile, c'est la façon dont ils se fondent comme les huiles font avec d'autres huiles , car ils ne sèchent pas de la même manière que peintures acryliques Donc, quand je dessinais sur une autre couleur, je l'incorporais un peu aux peintures préexistantes, à condition que les choses soient encore humides si vous utilisez Avec les pastels à l'huile, ils ne sèchent jamais vraiment. Vous pourriez utiliser une sorte de fixateur ou quelque chose comme ça, je crois Je ne connais pas très bien les pastels à l'huile. Ce n'est donc pas mon point fort, mais c'est pour cela que j'étudie sa vie, vous savez, celle de Vincent, parallèlement à cette matière. Donc quelque chose que je peux apprendre de toute façon. Je n'ai pas ressenti le besoin d' utiliser un fixateur ou quelque chose comme ça pour ensuite agir sur les huiles Ne pensez pas qu'il y ait quelque chose dans le cas d' un matériau à base d'huile qui vous inciterait à utiliser un autre matériau par-dessus. Mais je peux me tromper. En fait, je pense que je peux me souvenir d' un cas où nous avons fait quelque chose de similaire, où nous avons réalisé un projet artistique il y a longtemps, je crois, en cinquième ou quatrième année, et j'ai eu un professeur d'art amusant, et nous avons couvert une page entière avec du pastel à l'huile rouge, je crois que c'était le cas. Puis elle a utilisé, je ne sais pas quel type de peinture elle a utilisé par-dessus, mais elle a utilisé une sorte de peinture noire, je ne sais pas si c'était de la peinture tempérée ou quelque chose Mais ensuite, nous avons utilisé un outil pour gratter, et nous avons en quelque sorte créé une œuvre d'art à gratter avec cela, et nous avons étudié, je crois, la poterie ou quelque chose comme ça, parce que nous faisions ce genre de parce que nous faisions ce genre de dessins avec des scènes de style potier. Quoi qu'il en soit, je suppose qu' il y a des cas où l'utilisation d'un autre matériau sur les pastels à l'huile peut avoir du sens Donc je suppose que je ne devrais pas dire tout le genre de «   ne jamais dire jamais ». Quoi qu'il en soit, comme vous pouvez le constater, je continue simplement décrire les points de départ pour ajouter de la profondeur à ces domaines Un peu comme la façon dont nous avons commencé cette pièce. Vous commencez par cartographier les choses, puis vous commencez à les remplir. Lorsque vous êtes plus sûr d'avoir la bonne position. C'est pourquoi, personnellement, je n'aime pas terminer une petite partie de ma peinture avant de passer à d'autres, à moins que cela ne soit logique. Comme le ciel entier. Vous pourriez travailler là-dessus ensemble. Mais j'ai d'abord esquissé les choses. Donc je suppose que si vous avez confiance en votre croquis, vous pouvez en quelque sorte travailler de cette façon. Mais j'aime bien la méthode qui consiste travailler sur l'ensemble de la pièce avec la couleur ou le type de méthode similaire que j'utilise. Et il y a des raisons pour lesquelles Vincent peint comme il le fait. Vous savez, en ce moment, vous avez ces peintres impressionnistes, Monet et ceux qui peignent avec ces couleurs vives qui sont heureux Et pourquoi utilise-t-il ces tons sombres ? Et, vous savez, c'est peut-être en partie à cause de son côté émotionnel. Mais il s'intéresse aussi à lui et Theo collectionne tous les deux. Et vous pouvez le voir utiliser ce pastel à l' huile bon marché qui se trouve juste là. Non, n'en achetez pas de bon marché. Il suffit d'en acheter quelques très bons, vous savez, beaucoup de produits bon marché qui sont tout simplement de très mauvaise qualité. J'adore ce moment, où j' ajoute cet autre ton, créer un joli mélange. En fait, vous pouvez difficilement dire quelle couleur je mets dessus, mais ce que cela fait, c' est se mélanger pour moi Je crée donc des zones mélangées, afin que cela ne paraisse pas trop rugueux, car son travail n'a pas nécessairement l'air très rugueux Il y a une certaine qualité mixte, en particulier parce qu'il utilise de la peinture, mais c'est ce que je fais ici pour obtenir un résultat entre le rugueux et le lisse Quoi qu'il en soit, en revenant, lui et Theo collectionneraient ces gravures sur bois japonaises C'est donc ce qu'ils collectent. Vous pouvez voir que ces contours reflètent en quelque sorte cela. Je pense donc que c'est très intéressant à noter, car nous pensons parfois que les gens font quelque chose sans raison. Et je pense que parfois nous pensons que les artistes font tout pour une raison, et c'est peut-être vrai. Mais dans ce cas, c'est vrai. Il s'inspire des découpes japonaises que lui et Theo collectionnent que lui et Theo Et je pense que sa relation avec Theo est très importante pour lui. Je trouve donc intéressant de constater que c' est ce qu'il ressent lorsqu'il peint. Surtout parce qu'il peint ce qu'il voit. Je trouve donc très intéressant le fait que cela ressemble un peu à une méthode de dessin animé à certains égards, mais il peint ce qu'il voit, même si ce n'est pas nécessairement beau à regarder, vous savez, il le peint. Comme je l'ai dit, la peinture est assimilable à un autoportrait lorsqu' il s'est fait couper l'oreille et qu'il avait un pansement dessus. Pour moi, c'est vraiment intéressant. Vous savez, si j' ai une blessure, je sais, ou si je ne suis pas sous mon meilleur jour, je ne vais probablement pas, vous savez, prendre mon appareil photo et commencer à prendre des photos ou, vous savez, m'en servir comme quelque chose que les gens voudraient acheter, je pense. Je trouve cela vraiment très intéressant. Donc, ici, j'essaie juste de me fondre davantage, essayer de suivre le tableau que je vais terminer et de m'assurer que c'est ce que j'ai l'impression Nous passons donc à la touche finale, à la touche finale de cette pièce en examinant, en révisant et en apportant des modifications en conséquence. Alors, regardez votre article et voyez avec un peu de chance que vous vous en sortez bien, quel que soit le support avec lequel vous avez décidé de travailler. Et si vous avez besoin d'aide, vous pouvez toujours créer une discussion dans cette leçon afin que nous puissions nous aider les uns les autres. Donc, en ce moment, j'ajoute du noir dans des zones qui ne semblent pas devoir le faire, mais elles ne devenaient tout simplement pas assez foncées avec le bleu que j' essayais d'ajouter. Ce n'est tout simplement pas le cas, je n' ai tout simplement pas la bonne couleur . J'ai donc dû ajouter du noir pour obtenir tons plus foncés dans les zones que je souhaitais, pour des tons plus foncés dans les zones que je souhaitais, pour créer du contraste et conserver les derniers petits coups de pinceau qui sont super visibles dans son travail. Donc, nous sommes sur le point d'en avoir fini ici. J'essaie le violet. Encore une fois, ces modèles maigres sont les moins chers, et j'ai vraiment dû les muscler pour qu'ils fonctionnent vraiment. Et ce n'est pas comme ça que ça devrait être avec les pastels. Je recommande donc vivement de vous en procurer quelques bons, de les essayer, de voir si vous aimez le médium. Cela pourrait être dit pour la plupart des médiums. Il y en a certains que vous pouvez essayer avec une qualité moindre, mais même dans le studio d'art dans lequel je travaillais, nous utilisions des produits de bonne qualité pour les jeunes enfants. Et peut-être que pour le contexte, pensez aux domaines dans lesquels vous pouvez utiliser des produits de moindre qualité, puis déterminez les domaines dans lesquels vous pouvez utiliser des produits de meilleure qualité. Parce que si vous vous entraînez toujours avec une qualité médiocre, vous pouvez ensuite fabriquer une belle pièce finie avec, vous savez, une qualité professionnelle. Ensuite, vous allez vivre de nouvelles expériences. Ce sera peut-être plus facile, mais en même temps, vous allez apprendre de nouvelles choses sur votre type de copie finale, pour ainsi dire. Donc, je vous recommande vivement de vous entraîner avec la qualité de quelque chose si vous travaillez sur une commande ou si vous savez, juste une pièce que vous voulez accrocher chez vous. Vous devez certainement envisager de vous entraîner avec ce que vous allez faire réellement. Tout comme dans la danse, nous pratiquerions notre danse à l'endroit où nous allons réellement nous produire. Et les fois où nous n'avons pas eu l'occasion de le faire, j'étais un peu nerveuse parce que vous n'êtes pas habitué à l'espace de la même manière. Il y a donc des variables qui influent sur votre performance, et cela peut également être dit avec l'art. L'ensemble de votre environnement peut changer les choses. Donc, je ne sais pas, comment avez-vous aimé créer cette œuvre de paysage, recréer une œuvre des maîtres Avez-vous déjà fait quelque chose comme ça ? Comment s'est passé le vôtre ? Comment vous sentez-vous après avoir appris un peu plus sur sa vie ? appris un peu plus sur sa vie Et êtes-vous prêt à passer à un nouveau genre ? Nous avons donc des paysages plus bas. Il a fait beaucoup de paysages. Certaines de mes activités préférées. Essayons-en une que je n'ai pas l' habitude de fréquenter , à savoir la nature morte. La nature morte n'est pas mon genre d'œuvre préféré, mais il est toujours bon de se surpasser. Je suis donc impatiente de voir ce que vous allez proposer et de vous voir dans la prochaine leçon. O. 7. Démo des tournesols partie 1: Commençons par notre prochain exercice, qui est une nature morte, et j'ai sélectionné des tournesols C'est une pièce très populaire. Et une chose à laquelle je n'avais jamais pensé, et alors que je prépare mes couleurs, ce qui est notre première étape, préparer toutes ces couleurs, trouver les couleurs dont j'ai besoin, puis je pourrai les conserver sans chercher et chercher des couleurs. Est-ce que ces tournesols n'en sont pas tous à leur première floraison complète, c'est souvent ce que vous verrez des artistes peindre des fleurs sous leur meilleure forme Mais vous pouvez voir, ce sont des tournesols que certains vont semer, je ne sais pas Ils ont perdu leurs pétales. C'est donc très intéressant de savoir ce qu'il a sélectionné pour cette pièce. Donc, je fais défiler l'écran pour zoomer, je dois dire, pour voir quelles couleurs conviendront aux sections qui présentent un peu petites sections qui présentent un peu de différence, et aussi pour déterminer quels jaunes conviendront le mieux à cette pièce, car il y a beaucoup et aussi pour déterminer quels jaunes conviendront le mieux à cette pièce, car il y a C'est une peinture très jaune avec seulement de petites zones sombres qui créent un équilibre trouve donc très intéressante la façon dont cette peinture fonctionne avec autant de jaune. Encore une fois, une autre leçon que nous pouvons tirer, surtout lorsque vous voyez que la pièce n'a pas beaucoup de valeurs tonales différentes, ce dont je parle beaucoup dans mes leçons, est de créer cet équilibre avec les valeurs tonales Mais le simple fait d'avoir ces petites zones mineures d'obscurité vraiment extrême suscite l'intérêt Il savait donc ce qu'il faisait, je suppose. Il était très intelligent, et oui. J'apprécie son travail. Je travaille donc sur ces jaunes. Et j'essaie de créer le jaune que je veux lorsque j' utilise ces petits objets fins qui sont probablement inférieurs à la qualité des notes des étudiants, semble-t-il. Cela ne me donne tout simplement pas le résultat que j'aime. Ce n'est tout simplement pas agréable de travailler avec. Cela devient un défi. Et vous pouvez voir que je travaille sur la même page que celle où se trouve mon article Starry Night Et c'est bon. C'est juste parce que j' avais tellement d'espace en bas. Je ne voulais pas encore passer à la page suivante, car, comme vous le verrez bientôt, j' ai décidé d'aller un peu plus loin sur cette pièce. Je vais donc grossir un peu. N'hésitez pas à rester dans la même taille que la précédente ou à agrandir. Et j'envisageais de faire, vous savez, au départ, j'avais prévu de faire mes trois exercices potentiellement sur cette page. Mais comme mon pastel à l'huile a un peu gâché la page, je ne voulais pas déjà entacher ma pièce Prenez donc votre temps pour sélectionner vos couleurs, vous assurant d' avoir ce dont vous avez besoin. Faites quelques exercices pendant que vous mélangez. Je suis en train de trouver une couleur qui me convient. Très bien Je cherche dans le désordre d' un bac à pastel à l'huile. Et vous pouvez pratiquer vos mélanges sur cette page, pas seulement sur une seule couleur, mais aussi, vous savez, comment allez-vous créer ces autres tons, en particulier ces sortes de jaunes verts et de subtils changements C'est le moment de s' entraîner. Et si j'appuie très fort, il se peut que l'excès de pastel à l'huile se détache. Et à l'avenir, j'essaierais un couteau à palette pour voir si je pouvais le mélanger à ça. Ensuite, je pourrais essayer autre chose, comme l'une de ces autres méthodes, comme utiliser une huile pour les mélanger, ce que je n'ai pas vraiment exploré. Pendant tout le temps que j'ai passé à utiliser les pastels à l'huile, j' ai simplement utilisé le pastel à l'huile lui-même, peut-être en le mélangeant un peu avec le doigt, mais sinon, je n'ai utilisé aucun autre outil Je ne pense pas que nous ayons fait beaucoup de pastels à l'huile. Je faisais plus de pastel à la craie au quotidien. Exactement. J'ai donc déjà créé mon cadre. C'est assez grand cette fois, et je ne voulais tout simplement pas avoir à faire de petites fleurs, je suppose. Je voulais me donner un peu d'espace. C'est comme si vous vous donniez de l'espace pour respirer. Et ce n'est pas parce que nous grandissons que cela va nécessairement être plus difficile. En fait, il est parfois plus difficile de fabriquer une pièce plus petite. Je vais donc juste dessiner les tournesols. Doucement. Tu peux à peine voir. Nous pouvons en quelque sorte mieux voir la page précédente que le dessin que je suis en train de faire en ce moment. Mais d'après ce que vous voyez, c'est tout ce qui compte. Donc, juste un léger croquis. Et je ne veux pas dessiner sous pression, car cela va créer de la densité sur ma page, et lorsque vous utilisez un pastel à l'huile, en particulier ou que de nombreux autres supports seront également affectés par cela, vous allez créer des bosses sur votre page, qui créera une texture indésirable À moins que ce ne soit voulu, et que vous le fassiez exprès. Mais je ne le veux pas personnellement. Donc je vais juste esquisser le canal. J'ai commencé par le vase, apporté quelques fleurs, puis j'ai apporté le bord de la table. Ensuite, nous pouvons ajouter quelques détails supplémentaires. Commencez par les fleurs qui vous donnent une idée de l' ensemble de la composition. Par exemple, qu'y a-t-il au centre, qu'est-ce qu'il y a en haut ? Quelle est la fleur la plus haute ? Quelle est la fleur la plus éloignée de la droite ? Il n'est pas nécessaire que ce soient les toutes premières fleurs que vous dessinez, mais parfois, le fait d'indiquer où elles pourraient se trouver vous aidera à dessiner les autres. Par exemple, si je dessine du bas vers le haut, il se peut que je ne me laisse pas assez d'espace quand j'arrive en haut, que je doive tout froisser Et nous ne voulons certainement pas le faire. Donc, si vous pouvez vous autoriser à faire une petite marque, cela peut être très utile. Et maintenant, pour vraiment entrer, une fois que j'aurai dessiné, et que j'en serai contente, vous pouvez commencer à colorier des choses avec celles-ci Je commence donc par la base ici. Et vous pouvez commencer là où vous vous sentez à l'aise. Vous n'êtes pas obligé de suivre exactement comment je commence ou quoi que ce soit d'autre. Même si vous utilisez le même matériau que moi, si vous pensez que vous devriez commencer par les fleurs ou par l' arrière-plan, allez-y. Donc, même si j'ai préparé et planifié les couleurs, je suis encore en train de trouver des solutions parfois. J'essaie donc juste d' obtenir ce jaune, et je pense que je me suis davantage concentrée sur couleur jaune de la fleur que sur ce jaune en particulier sur la base. J'essayais donc de comprendre. Et tu sais quoi ? Cette partie serait une bonne occasion d' utiliser une technique de mélange avec des pastels à l'huile Donc, si vous utilisez des pastels à l'huile, essayez peut-être de les mélanger avec votre doigt Essayez de le mélanger avec de l'huile pour bébé ou de l'essence minérale, quelque chose que vous utiliseriez avec de la vraie peinture à l'huile si vous avez ce matériau Et si ce n'est pas le cas, ne soyez pas stressé en n' ayant pas de matériel. Je ne me mêle pas à ces techniques, donc je ne pense pas que tu sois obligée de le faire Et j'espère que vous avez un doigt avec lequel vous pouvez créer des liens. J'en accumule donc légèrement les couches parce que j'ai découvert essayant de créer mes couches avec des pastels à l'huile Si vous exercez trop de pression, vous créez simplement de petits copeaux excès d'huile qui se détachent de votre pastel faut donc essayer de les mélanger, et parfois j'utilise le bâton de couleur que j'ai, comme vous pouvez voir ce que je fais en ce moment, pour les intégrer. Et c'est bon. C'est presque comme utiliser la méthode du couteau à palette pour mélanger. Essayez-le si vous êtes toujours en train d'apprendre le médium dans lequel vous travaillez. Si ce n'est pas le cas, si vous utilisez simplement un support différent et que vous êtes à l'aise, réfléchissez à la composition, au type de chose qu'il peint, aux couleurs, concentrez-vous sur les couleurs, concentrez-vous sur la technique en termes de coups de pinceau que vous voyez. Lorsque j'utilise travail d' un autre artiste pour faire une étude, en particulier, vous savez, ceux qui ont un long passé, c'est que j'aime regarder comment ils ont créé quelque chose, comme une sorte de méthode. copie pas nécessairement chaque coup de pinceau, parce que j'ai l'impression que lorsque vous essayez de copier, recréez le coup de pinceau de quelqu'un C'est presque comme essayer de recréer la signature de quelqu'un. Vous pouvez certainement le faire, mais je pense que c'est plus une question de comment ils l'ont fait que d'obtenir exactement les mêmes coups de pinceau. Maintenant, nous ne sommes pas en train de reproduire ici. Nous sommes juste, vous savez, l'essentiel n'est pas reproduire exactement l' œuvre d'art Nous pratiquons le style actuel avec des coups de pinceau expressifs visibles, vous savez . C'est la clé sur laquelle vous devez vous concentrer, non pas copier le coup de pinceau exact qu'il a fait à chaque coup de pinceau. Je pense que ce ne serait pas très amusant non plus. Je pense donc qu'il est bon de s' amuser lorsque vous utilisez également cette méthode. Donc pour le moment, cela ne semble pas grand-chose. C'est un peu désordonné. Et l'autre chose que nous pourrions faire est coller du ruban adhésif sur les bords de notre pièce si vous voulez qu'elle soit un peu plus belle. Ici, il y a une petite touche de couleur, et j'essaie de créer une belle sorte d'ombre. Et juste pour le rendre plus foncé, j'ai ajouté ce rouge et avec ce jaune, cela m'a donné une couleur brun orangé juste avec ce qui s'y passe Donc, oh. Nous en avons un petit excédent. Essaie de l'enlever. Nous y voilà. Je ne veux pas le salir. Je dois faire attention. Bien, il s' agit donc de la conclusion de la première partie de cet exercice Nous avons trois parties pour compléter notre pièce sur le tournesol. Je te verrai donc dans le prochain . 8. Démo des tournesols partie 2: Poursuivons avec la deuxième partie de trois de la pièce sur les tournesols Je travaille donc toujours sur la zone du vase, la partie inférieure de la pièce. Ensuite, je pense que nous passerons aux fleurs. J'ai une question à vous devons-nous aborder la nature morte différemment des paysages ? Dans l'affirmative, qu'en pensez-vous ? Cela pourrait être une discussion intéressante à créer pour cette leçon. Je ne sais pas. Je pense que oui, il existe différentes manières d' aborder la peinture. Chaque pièce peut nécessiter une approche différente. Mais je me demande ce que vous pensez approche différente du paysage par rapport à la nature morte. Y a-t-il quelque chose que nous devons prendre en compte ? Ou existe-t-il une méthode unique pour la peinture en général. Vous savez, commencez par le contexte, puis continuez à partir de là. Et peut-être que cela dépend davantage du matériau que vous utilisez, car c'est très différent de mon approche de la peinture. Si vous avez suivi l'un de mes cours de peinture, vous remarquerez que je commence souvent par un arrière-plan, puis je continue à travailler à partir de là. Alors que dans cette œuvre, non, je ne fais pas d' abord l'arrière-plan, même si, vous savez, vous pourriez peut-être considérer la table comme arrière-plan, mais je ne suis pas vraiment du genre si je peignais ceci, je commencerais par un lavage, puis je continuerais à partir de cela. Et c'est un peu différent. Mais est-ce que j'aborderais quelque chose différemment, tu sais, le paysage par rapport au pastel à l'huile ? Je veux dire, paysage contre nature morte au pastel à l'huile. Est-ce que ça va être une structure différente, tu sais ? Est-ce que je vais suivre une autre étape ? C'est peut-être plutôt ainsi que je présumerais les choses. Parce que si j'utilise un certain médium, je vais aborder une œuvre différemment et suivre un système conforme aux règles de ce médium, t. C' est donc un peu ce que j'en pense, mais j'adorerais connaître votre opinion parce que je ne sais pas tout, et j'aime entendre point de vue des autres pour en savoir plus moi-même. Donc, si vous avez un point de vue différent ou le même, n'hésitez pas à le partager. Et dites-moi ce que vous en pensez. Devons-nous aborder la nature morte différemment des paysages ? Quoi qu'il en soit, matière à réflexion. Et lorsque je crée de l'art, je trouve que c'est agréable d'avoir parfois ces questions en tête alors que j' apprends, que je grandis et que je crée de nouvelles stratégies. Et la façon dont j'aborde cette pièce en particulier n'est peut-être pas exactement la même. Je veux dire, dans un paysage, vous avez des éléments différents de ceux d'une nature morte. Alors peut-être, vous savez, il existe différentes approches dans une certaine mesure. Mais par exemple, avec mon œuvre de paysage, The Starry Night. J'ai commencé par le ciel, ce qui est assez typique pour moi avec un paysage. Donc je ne sais pas. C'est difficile à dire. J'aime m'embrouiller, et c'est pour cela que j'ai eu du mal à choisir plusieurs réponses, car je trouve souvent le moyen de donner un sens aux deux réponses. Je pense en quelque sorte : OK, eh bien, oui, vous savez, nous devrions les aborder différemment, et alors non, nous pourrions les aborder de la même manière. Je suppose que cela dépend des différences auxquelles vous faites référence. Mais je pense qu'avec un média en particulier, vous pourriez trouver certaines règles à suivre. Donc, pour ce médium en particulier, je commence par un toucher plus clair et un ton plus moyen, parfois un ton plus foncé, mais c'est vrai, dans ce médium, c'est un peu le ton moyen du jaune, et, vous savez, je n'ai pas cette couleur exacte qui est très importante dans cette pièce avec ce genre de jaune presque sale. Un peu d'ocre jaune, mais mélangé à un peu de vert C'est donc un peu boueux, disons. Vous essayez donc de le créer avec des couleurs que vous n'avez peut-être pas achetées pour être floues, car vous souhaitez une certaine polyvalence avec vos matériaux Il serait donc très intéressant de voir si nous pouvons créer une discussion à ce sujet et en quoi est-ce différent d'aborder différents genres de peinture ou d'art ? Y a-t-il vraiment une différence ? certaine manière, je pense que lorsqu'il s'agit de dessiner, par exemple, une personne plutôt qu'un paysage, la seule raison pour laquelle il faut vraiment les aborder différemment, c' est qu' il faut plus d'efforts pour mettre de côté pour travailler avec le côté droit de notre cerveau. Je pense que c'est un peu plus difficile de ne pas voir, surtout s'il s'agit de quelqu'un que vous connaissez . C'est encore plus difficile parce c'est tellement facile pour nous de voir si quelque chose ne va pas dans cette pièce, alors c'est moins acceptable. Tu sais, si les yeux sont trop éloignés dans un portrait, si tu fais tout ça. Et pour cette pièce, vous savez, si je faisais les fleurs trop petites ou trop grandes et que le vase était coupé ou que les fleurs étaient coupées, cela n'aurait tout simplement pas l'air normal par rapport à un paysage. Oui, vous avez besoin d'un bon positionnement pour une bonne composition, mais vous pouvez également trouver une grande marge de manœuvre dans le paysage Vous pouvez savoir que si vous ne faites pas les choses correctement avec l'éclairage et ce genre de choses, cela n'aura pas l'air réel. Mais c'est un peu différent de quelqu'un qui dit en regardant un visage ou en regardant, vous savez, ce truc de fleurs ici, et qui est capable de voir que, vous savez, les proportions sont loin d'être bonnes. Je pense que les proportions jouent un rôle qui influence vraiment le côté droit le côté gauche du cerveau où nous voyons quelque chose qui nous est familier. Nous voyons des visages tout le temps. Nous voyons des visages et des objets. Il est donc facile pour nous reconnaître ce qui ne va pas avec cela. Presque comme la façon dont tout le monde, quel que soit son niveau de compétence, peut savoir quand un tableau accroché mur se trouve à un moindre degré de différence. Si c'est juste un petit peu bizarre, c'est parti. C'est complètement nul. Je me demande donc si cela entre en ligne de compte dans cette idée de savoir si vous pouvez ou non aborder une nature morte la même manière que vous le feriez avec un paysage. Je ne suis pas aussi intimidée par une nature morte que un portrait, car on peut jouer avec certaines choses, comme ici lorsque je travaille avec ces fleurs Je n'ai pas besoin de faire la fleur, à 100 % pour vous aider à voir que c'est une fleur. Je peux quand même le faire avec une personne. On pouvait voir que c'était censé être une personne, mais cela pourrait sembler horrible en comparaison. J'ai l'impression que je les aborde de la même manière avec les outils que j'utilise, vous savez, en cartographiant les choses , en utilisant la lumière, des coups de pinceau, puis maintenant en utilisant un peu plus de pression lorsque je prends le dessus sur la pièce et que je commence à introduire certains de ces types emblématiques de mouvements et de marques que vous voyez dans l'œuvre. Et nous étudions également en ce moment. Dans ce cas précis, nous étudions un artiste qui a fait preuve d' une certaine variété dans son œuvre. Ce n'était pas toujours la même méthode ces petits coups de pinceau. Cette pièce semblait un peu plus fluide et moins visible que la précédente. Peut-être que c'était plus développé, et le premier était un peu plus souple. Je ne sais pas. Mais il semble que celui-ci soit plus mixte et ce genre de choses J'ajoute donc simplement cette première couche de vert, puis je vais m' appuyer sur une autre couleur. Et j'ai fait de même avec le paysage. J'ai donc l'impression que d'une certaine manière, je l'aborde de la même manière. Mais, encore une fois, je suis curieux de connaître votre opinion à ce sujet. Nous approchons donc de la fin de la deuxième partie de cette démonstration. Et finissons cette pièce sur les tournesols par les détails Ne vous arrêtez pas là car ce n'est pas tout à fait terminé. Nous voulons apporter la touche finale. Souvenez-vous de ces moments vraiment sombres qui le font vraiment ressortir. Alors rendez-vous dans la troisième partie. 9. Démo des tournesols partie 3: Commençons la dernière partie des tournesols, terminons-la. Dans le précédent, nous avons créé quelques tournesols, et maintenant je crée ma couche de vert par-dessus ce ton jaune Et c'est presque comme un jaune brunâtre, peu comme une sienne. Nous l'avons mentionné. Maintenant, je fais un peu de vert pour recréer la couleur que je vois dans l'œuvre de Vincent Maintenant que nous avons fait un résumé de sa vie, nous l'avons fait dans la deuxième section de Starry Night deuxième section de Que ressentez-vous lorsque vous regardez son travail ? Voyez-vous quelque chose de différent ou connaissez-vous simplement sa passion pour la menuiserie découpée japonaise Qu'est-ce que tu en penses ? Est-ce que cela change la façon dont vous voyez son travail ? Est-ce qu'une partie de sa vie, peut-être la brièveté de celle-ci, nombre de peintures qu'il a créées, change-t-elle, comment vous vous sentez lorsque vous voyez son travail ? Pour moi, cela me fait réfléchir un peu plus quand je regarde ses tournesols, par exemple, et que je vois et je pense qu'ils ne sont pas tous contents Mais dans l'ensemble, je me sens heureuse. Mais d'une certaine manière, je l' interpréterais comme une émotion qu'il essaie de partager. Peut-être qu'il essaie d'exprimer ses sentiments face à cette confusion, vous savez, à la lutte, et parfois c'est encore plus beau quand un artiste fait cela. Vous savez, si vous vivez quelque chose de traumatisant, vous avez parfois envie de créer, parfois vous voulez l'exprimer dans une chanson ou dans quelque chose de créatif. Donc, cela illustre en quelque sorte cela. Mais en même temps, pour moi, c'est un frein parce qu' il veut être un grand artiste et qu'il voit ce que sont les grands artistes. Et nous aborderons quelques détails supplémentaires à ce sujet dans la version plus détaillée de sa vie dont nous parlerons dans la section portrait, c'est à ce moment-là que nous allons approfondir cela. Donc, euh, pour en revenir à l'œuvre d'art elle-même, vous pouvez voir que je suis en train de créer un look mixte avec les fleurs en ajoutant cette autre couleur sur le dessus J'ai donc commencé avec cette couleur, opté pour ce ton vert, maintenant je suis de retour avec ce type de ton beige. C'est un peu ce que j'aurais aimé avoir le nom des couleurs. Mais comme ils sont tous très bien utilisés, ils me transmettent du matériel. Parfois, vous n'avez pas le nom des couleurs. Il vous suffit donc de suivre le courant, de faire de petites pratiques et d'apprécier ce que vous avez. Et que cela vous a été donné et que vous n' avez pas eu à l'acheter. Mais je crée ces mélanges, puis nous pouvons également corriger certains des inconvénients si nécessaire, et commencer à examiner certains de ces autres points détaillés qui nécessitent notre attention. Nous allons donc commencer à postuler. J'aime utiliser une seule couleur et parcourir plusieurs zones d'une pièce avec cette couleur. Dans les limites du raisonnable, je n'utilise pas nécessairement cette couleur dans toute son étendue sur l'ensemble de la pièce pour y revenir ensuite. J'utiliserai cette couleur ici et là où cela aura du sens, et je l'ajouterai peut-être au besoin plus tard. Je trouve donc cela utile, surtout lorsque j'utilise des peintures acryliques, d'utiliser cette couleur là où c'est nécessaire au début, sauf si j'ai besoin de la mélanger avec une autre couleur humide ou humide. Donc, pour le fond, je vais juste utiliser le côté de l'une des couleurs, et j'utilise ce jaune clair pâle. Et je vais juste passer en revue l'ensemble de la pièce. Ce qui est bien, c'est parce que c'est jaune pâle, est pas grave si j'ai des bouts de blanc. Cela fonctionne en quelque sorte pour cette pièce en particulier. Si nous avions un arrière-plan sombre, vous savez, je devrais peut-être aborder cette pièce différemment. Et je trouverais probablement difficile d' utiliser du pastel à l'huile faire parce que vous ne serez pas capable, vous savez, commencer par un fond noir, puis d'utiliser une couleur claire par-dessus cela. Cela ne fonctionnera pas vraiment si vous avez besoin d'un blanc pur et brillant ou de toute autre couleur pure et brillante. C'est juste pour brouiller les choses et vous donner une pièce vraiment maussade, mais pas vraiment diversifiée en termes de valeurs tonales de toute façon Mais bon, si tu veux l'essayer, par tous les moyens, vas-y. Retournez au blanc, et cela va le mélanger pour adoucir certaines de ces marques rugueuses et aider à l'atténuer un peu. Donne-nous un blanc plus clair et uniforme. Un jaune plus clair, uniforme. C'est ce que j'adore vraiment. J'adore ces moments. Maintenant, certaines personnes peuvent détester ça. Et il y a peut-être eu des moments dans ma propre histoire où j'ai détesté ça. Mais ces lignes fortes qui indiquent que c'est juste là, mettons simplement un peu de bleu vif. C'est juste un peu choquant, mais ça marche d' une manière ou d'une autre D'une certaine manière, c'est le cas Et parfois, vous devez en quelque sorte dépasser les limites que les gens disent : c'est ainsi que vous procédez. Même en tant que professeur, cela semble un peu stupide à dire, parce qu'alors vous vous dites : «   Eh bien, dois-je suivre ce que vous dites alors ? Mais évidemment, lorsque vous apprenez, il y a des choses valables et des choses que nous pouvons apprendre des gens. Mais vous savez, cela ne signifie pas que vous ne devez pas expérimenter ou question certaines choses que vous avez apprises essayer de jouer et d'explorer, car vous pourriez découvrir quelque chose. Et peut-être que cela fonctionne pour la composition avec laquelle vous travaillez ou pour le style que vous développez. N'ayez donc pas peur d'explorer. Et vous savez, peut-être que les gens n' aimeront peut-être pas ça, et c'est bon. Mais je pense qu'il est important d'y aller de toute façon. Vous pouvez donc voir à quel point c' est amusant d'ajouter ces couleurs. Je pense qu'il y a quelque chose de plus harmonieux dans la pièce, parce que cela crée un équilibre qui n'existait pas auparavant avec une sorte de pièce unicolore. Et maintenant, nous avons ajouté ces moments lumineux et audacieux qui font tourner le regard autour de la pièce. Ils ont ces coups de pinceau plus expressifs et ces petits tirets courts qui sont devenus son style. Alors peut-être en essayant ce style avec ces petits coups de pinceau. Peut-être que vous êtes comme moi, que vous avez tendance à avoir des œuvres très mixtes et que vous n'avez pas beaucoup de coups de pinceau visibles Peut-être qu'en faisant cette pratique, vous trouverez des moments pour explorer davantage cette question et avoir la confiance nécessaire pour le faire. Ce n'est pas toujours la bonne solution, mais peut-être que c'est la bonne pour vous, mais peut-être que c'est la bonne pour vous, et vous ne vous êtes tout simplement pas assez permis de l'explorer. C'est tellement satisfaisant de me fondre dans une autre couleur comme je le fais en ce moment. Et cela me donne ces moments d' ombre et je réduis en quelque sorte certains de ces moments choquants. Je ne sais pas si tu viens d'entendre mon chien aboyer. Il suffit donc de les mélanger, tout en laissant certaines de ces marques apparaître dans certaines zones , ou si vous ne les aimez pas, mélangez-les. Mais je pense que c'est bien de vivre certains de ces moments où les traits sont visibles. Et vous pouvez toujours les ajouter par la suite si vous voulez avoir un look mixte et des sections où vous les verrez plus visibles, n'est-ce pas ? Je peux donc revenir sur ces marques, et la pièce paraîtra un peu plus naturelle, plus réaliste et plus développée. Et en ajoutant un peu de ce bleu, cela contribue même à réduire la force de ce rouge. Cela enlève une partie de la force du rouge y ajoutant un peu de bleu. Nous arrivons donc à la fin de cette démonstration de Sunflowers Que pensez-vous de votre œuvre ? J'espère que vous apprenez de précieuses leçons, obtenez des outils précieux que vous pouvez utiliser pour votre propre style si vous êtes encore en train de développer votre style et votre propre pratique. Et c'est peut-être quelque chose que tu aimes tellement que tu aimerais l' installer quelque part. Qui sait ? Mais au moins, nous pouvons apprécier travail de Mango et cette pièce qu'il a créée. Je vous verrai donc dans le prochain exercice où nous examinerons les portraits. Alors, n'ayez pas peur. Tu peux le faire. Si vous n'avez jamais fait de portrait auparavant, accrochez-vous. Nous allons nous amuser avec ça. Nous vous verrons dans la prochaine leçon. 10. 1887 Autoportrait partie 1: Bien, commençons notre troisième exercice, étudiant Bango avec un portrait Maintenant, vous pouvez utiliser ce portrait, ou vous pouvez en utiliser un autre si vous le souhaitez. Vous n'êtes pas obligé d'utiliser le même que moi, mais n'hésitez pas à suivre celui-ci. Il date de 1887, autoportrait en est le titre. Juste un titre, pas de chichi, j'adore. Ça va de soi. Quand vous entendez le titre, vous comprenez ce que c'est, même avec Starry Night et tournesols, assez simple. C'est ce que c'est. Mais je pense que nous pouvons en tirer davantage, mais je pense que c'est intéressant, car j'aime parfois créer toutes sortes de noms créatifs pour mes œuvres d'art. Je pense donc qu'il est intéressant d'avoir, ici, voici ce que c'est. Je vais donc d'abord esquisser la pièce. Et pour le portrait, cela peut demander un peu plus d'efforts que pour les paysages, comme je l' ai mentionné. J'utilise donc tous les outils dont je dispose Je vais donc utiliser mon crayon de différentes manières en ce qui concerne la façon dont je le tiens. Et comme il est beau et long, je peux l'utiliser pour m'aider à connaître les angles. Maintenant, si vous avez vraiment du mal à dessiner, essayez d'abord quelques classes de dessin. J'ai quelques cours de dessin, puis je m'y intéresse. Ou vous pouvez trouver des pages à colorier à colorier si c'est ce qui vous intéresse également. Je préfère donc mettre en pratique mes compétences en dessin et les développer davantage. Je vous encourage donc vraiment à l'essayer, même s'il n'est pas parfait, et le mien ne l'est certainement pas. Essayez-le, car plus vous pratiquez cette compétence, plus votre main comprendra comment le cerveau communique avec elle. On commence à s'y habituer. Et évidemment, il ne suffit pas de dessiner au hasard, mais aussi de comprendre, de mettre en pratique certaines compétences, comme le simple fait de prendre la distance entre les choses, l'angle , de pratiquer des formes, si vous ne savez vraiment pas dessiner, pratiquer des formes est énorme. Cela vous mènera jusqu'ici. Donc, c'est quelque chose à considérer, c' est vraiment essayer. Prenez 10 minutes supplémentaires avant de vous plonger dans le médium et exercez vos compétences en dessin. Examinez la forme des objets en termes d'objets qui vous sont familiers et que vous avez déjà dessinés. Tu vois des cercles ? Voyez-vous des rectangles, des triangles ? Je vois un triangle quand je regarde le nez, mais j'en vois aussi. Je l' imagine sous sa forme en trois D d'une manière ou d'une autre, afin pouvoir essayer de créer cette forme d'une meilleure façon si je lui laisse suffisamment d'espace pour qu'il soit ce qu'il est. Cela fait partie de l'essentiel. mesurant la distance, si vous voyez du côté le plus éloigné de la tête, comme les côtés extérieurs, quel est le centre ? Qu'y a-t-il au milieu de tout ça ? Cela peut vous aider à dessiner juste pour identifier ces choses ? Par exemple, où se trouve le centre ? À quelle distance se trouve l'oreille par rapport à l'œil, vous savez, donc établir certains de ces points peut vraiment vous aider à l' esquisser avec plus de précision. Et une fois que vous l' avez compris et que vous vous sentez assez en confiance, vous pouvez utiliser votre médium, mais prenez le temps. Tu sais, prends 10 minutes. Ou plus longtemps, s'il le faut, mais ce ne sera pas un dessin terminé. Nous allons dessiner des choses, puis nous allons utiliser notre médium par-dessus. Donc, souvenez-vous simplement de cela. Il s'agit de la partie esquisse. Mais cela dit, vous voulez également vous donner le meilleur départ possible. Lorsque vous pouvez vraiment bien commencer, vous pouvez continuer . Vous avez une bonne longueur d'avance lorsque vous commencez à vraiment vous démarquer avec, dans mon cas, des pastels à l'huile Si mon nez n'est pas à sa place et que j'ai déjà commencé à placer mes pastels à l'huile, je ne m'en sortirai pas très bien Vous pouvez donc voir que je tiens mon crayon d'une manière différente. Vous pouvez essayer cette méthode. Il existe également d'autres moyens de tenir un crayon. Mais celui-ci offre un avantage intéressant à certains égards pour certaines formes, et aussi simplement de remplir les zones très légèrement, comme lorsque je remplis les cheveux, si je tiens mon crayon perpendiculairement, comme vous pourriez écrire qui est de remplir les zones très légèrement, comme lorsque je remplis les cheveux, si je tiens mon crayon perpendiculairement, comme vous pourriez écrire. Ce que nous ne faisons pas techniquement, généralement, gens n'écrivent pas avec une perpendiculaire à 100 %, mais nous ne voulons pas cela. Nous voulons nous donner le meilleur angle possible. Et c'est juste quelque chose à essayer si vous ne l'avez pas encore fait. Donc je ne fais que compléter, surtout parce que j' ai tous ces poils faciaux à traiter. Et tout ça. J'implémente donc certaines valeurs totales. Il n'est pas nécessaire que ce soit parfait à cet égard, mais cela m'aide simplement à comprendre pour l'avenir. lorsque je commence à appliquer du pastel à l'huile, je sais à quel point de référence je fais référence. Vous pouvez donc voir comment je tiens mon crayon sur l'image, mon image de référence, puis je la ramène. Et sur le papier. Et j'utilise mon doigt pour tacher un peu ou effacer des marques Oh, c'est intéressant de le dire. Faites quelques marques d'effacement. Et tu peux dessiner avec une gomme. Et pour moi, avoir les yeux est l'une des choses les plus importantes. Je veux dire, tu pourrais avoir de beaux yeux, et le reste peut être horrible, et ça ne va pas être beau. Mais se tromper d'œil et avoir tout reste génial, c'est juste que ça ne marche pas. Donc, tout le monde regarde ses yeux, et le fait de les avoir correctement peut vraiment aider le reste de l' image à bien fonctionner. Donc, comme vous pouvez le constater, je prends le temps de le terminer, sans me soucier de la perfection, mais j'aimerais avoir un semblant de réalité J'essaie de le rendre plus réaliste, et cette fois sans utiliser de grille Je ne suis pas contre l'utilisation d'une grille, mais j'aimerais essayer de mettre en pratique cette compétence. C'est une bonne compétence à posséder. Et si vous pouvez dessiner rapidement, sans utiliser de grille, eh bien, gagnez du temps. Je veux m'assurer que la forme du nez correspond bien à celle de la narine Certaines zones sont difficiles à corriger parce que c' est ainsi que nous savons à quoi ressemble un nez dans notre esprit. Nous savons quelle est sa fonction. Mais cela fait aussi partie du problème. Nous ne le voyons pas nécessairement dans les formes qui constituent un nez. Nous pensons au nez d'une certaine façon. Et nous nous sommes probablement entraînés à les dessiner comme deux parties d'un triangle, comme les deux côtés d'un triangle. Tu sais, la saleté, la saleté. On dirait un homme qui a un angle un peu plus aigu. Mais ce n'est donc qu'une question à laquelle il faut réfléchir. Mais en mettant le front dedans, pour m'assurer que vous pouvez voir, je suis en train de sectionner des objets, de prendre des mesures. J'utilise mes propres compétences en matière de mesure ici. Donc, si vous utilisez quelque chose qui ne change pas, je veux dire, mes doigts peuvent facilement créer une erreur. Mais si vous avez quelque chose, ne serait-ce qu'une partie du crayon, lequel vous pouvez utiliser une mesure, c' est peut-être le dos de la gomme Peut-être que c'est la partie métallique, peut-être que votre crayon a de petites lignes dessus. Vous pouvez l'utiliser comme mesure et voir ce que vous savez, les espaces entre le bas du menton, le nez et les yeux, en quelque sorte voir à quelle distance cela se trouve sur l'image. Et cela peut également vous aider à obtenir meilleures proportions sur votre dessin. Donc, vous n'avez qu'à l'utiliser. Et puis évidemment, mon dessin est plus grand que l'image de référence. Vous devez donc l'étendre à ce que vous avez. Mais vous l'utilisez simplement en termes, disons, que c'est à la même distance entre, vous savez, le menton est à la même distance que le nez. Ensuite, vous pouvez utiliser cette longueur comme petite mesure. C'est vraiment un bon outil pour dessiner. Et aussi en utilisant le crayon pour obtenir les angles, n'est-ce pas ? Si vous maintenez le crayon au-dessus de votre image de référence, vous pouvez voir quel est l'angle, puis déplacer et le marquer sur votre page. Maintenant, une chose avec mon médium en particulier, que je l'utilise avec beaucoup de crayons, façon dont j'ajoute des éléments d'ombrage et la façon dont je l'ai esquissé Ça va un peu embrouiller les choses pour moi. Et je suis juste en train de le tester de toute façon, et je vais juste voir comment ça se passe Il semblerait que cette pièce ait été créée sur une toile teintée. Je me trompe peut-être, mais on dirait que c'est sur une sorte de toile beige ou qu'il a peut-être été lavé au préalable. J'ai donc l'impression que le fait d'avoir un peu sali ma page avec des marques de crayon n' affectera pas le résultat de façon négative, mais cela vaut la peine de le noter, selon le support que vous avez choisi d'utiliser Je ne veux juste pas que quelque chose s'y infiltre. C'est bon de revoir et de voir comment les choses se passent, et si c'est comme vous le souhaitez. Prenez du recul un instant et dites : «   D'accord, ai-je mis les choses au bon endroit ? Et si c'est vraiment faux, c'est le moment de le changer. N'attendez pas d'avoir commencé à enfiler votre matériel. Et j'ai décidé que l'œil n'était pas tout à fait au bon endroit. J'ai donc dû le déplacer un peu. J'utilise le maculage pour effacer un peu, mais ça ne marche pas toujours Marquez, indiquez tout ce qui vous sera utile pour le support que vous avez choisi. Si vous avez l'impression, vous savez, qu' un simple croquis peut le faire, alors vous n'avez pas besoin d'en ajouter d'autres. Nous sommes donc sur le point de passer à l'ajout proprement dit du média. Nous reprenons donc son croquis, enfin. toi qui l'as fait. Oui Bon travail J'espère que vous avez essayé de dessiner de cette manière et que vous êtes satisfait du résultat Nous vous verrons dans la prochaine partie de la leçon. 11. 1887 Autoportrait partie 2: Ajoutons de la couleur. Sortons donc de notre support et retirons les couleurs qui accompagnent l'image de référence. Demandez donc à l'image de référence située à proximité de zoomer pour trouver les bonnes couleurs dont vous avez besoin, et commencez à vous lancer, en utilisant du papier brouillon pour en prendre note. serait peut-être mieux que de simplement faire des marques dans les carnets de croquis à côté de l' œuvre que nous sommes Mais en même temps, cela ne me dérange pas parce que je sais que c'est de la pratique, et c'est juste que dans mon carnet de croquis, cela ne m'inquiète pas Cela dépend donc du type de carnet de croquis que vous souhaitez avoir. Peut-être que vous pouvez simplement avoir un carnet de croquis, un carnet de croquis séparé, juste pour C'est ce que tu veux. Tu pourrais totalement le faire. Cela pourrait en fait être très intéressant. Donc je vais juste garder ceux que je veux. Maintenant, j'essaie de trouver ceux que je veux, mais c'est trop difficile dans ce petit contenant, alors allez les jeter. Mais si vous faites quelque chose comme ça, assurez-vous simplement que vous n'avez pas tapis sur le sol ou quoi que ce soit d'autre qui pourrait s'abîmer. Soyez donc attentifs à cela. Et j'ai, vous savez, un revêtement de sol en vinyle, donc ça ne m'inquiète pas. Et je vais continuer à trouver et à sélectionner mes couleurs dans ce pétrin dans lequel je suis en train de regarder. Vous pouvez donc faire de même. Mélangez quelques couleurs si vous utilisez de la peinture, et nous pourrons commencer à colorier. Je vais commencer par les yeux. Et ce qui est vraiment cool, c'est qu'il a les yeux verts. Je vais donc prendre du vert. J'adore la façon dont il utilise la couleur dans ses pièces. Et le fait de créer des marques expressives leur donne simplement cette émotion. Donc, il y a une chose je me bats quand j'essaie de le faire briller, c'est si je veux que ce soit vert vif Maintenant, quand je regarde les images de référence, n'est pas vraiment clair, mais parfois nous avons l'impression que les choses sont un peu plus lumineuses simplement parce que nous regardons ce petit point. Mais je veux essayer faire en sorte que ce soit un peu vert vif , puis d'utiliser un peu de bleu sarcelle autour pour le mettre en valeur, et un peu de noir que j' ajoutais pour commencer à mélanger les ombres Nous allons commencer à y mettre de la couleur. Quand je trouve une couleur, je pense qu'elle pourrait fonctionner. Je vais commencer à le saisir. Je commence par ce gris dans les cheveux trouve juste les endroits où cette couleur convient, puis je la remplace quand je ressens le besoin de changer les choses Je n'ai pas fait beaucoup de mélanges préliminaires, vous savez, pour cette pièce en particulier Je m'en tiens un peu au courant, mais nous n'en avons fait que deux. Je me sens donc un peu plus confiante dans la réalisation de certaines de mes notes, mais aussi dans mes décisions concernant le mélange des couleurs Vous pouvez gagner en confiance dès les premiers exercices et vous sentir un peu plus libre. C'est pourquoi j'ai suggéré si vous ne voulez pas faire ce portrait en particulier, il en a d'autres que vous pouvez suivre. Mais si vous en êtes encore à un stade vous avez besoin d'un peu plus de conseils, n'hésitez pas à me suivre étape par étape. Assurez-vous donc de regarder la direction des lignes qu'il crée dans son œuvre et de voir comment elles s'harmonisent avec les différentes parties du visage. Et cela vous aidera lorsque nous arriverons à notre projet final. Et il suffit de réfléchir à la façon dont vous pourriez également l'utiliser pour vos propres projets à l'avenir en vous déplaçant en faisant des marques dans la direction, comme des hachures, ce genre de choses lorsque vous faites de l'ombrage Il est donc tout à fait logique de procéder de cette façon. Si je les faisais dans le sens inverse, cela ne montrerait probablement pas la forme de l'article. Cela lui permet de comprendre l' effet des trois D et de savoir où il vit réellement. Est-ce, tu sais, enfoncé, ou est-ce qu'il est un peu gonflé ? Vous savez, tout comme le nez, surtout autour du nez, autour des tempes, vous pouvez voir comment tracer des lignes directionnelles. Assurez-vous donc de prendre note de ces choses. Essayez d'être très attentif. Et comme vous pouvez le voir ici entrer dans l'oreille et maintenant dans cette zone du menton. l'oreille, en particulier, j'avais tellement de ce crayon que cela brouillait un peu ma couleur Si vous vouliez éviter cela, vous pourriez effacer ces marques et simplement laisser une ligne fine où vous coupez, vous savez, des choses comme le menton et l'oreille, puis ajoutez ces détails avec vos crayons, vos pastels ou vos peintures ou tout autre support que vous utilisez, ce vous utilisez, Je vais donc continuer à faire des marques, en ajoutant des couleurs au fur et à mesure, en créant les tons et les transitions correctement, lentement mais sûrement . Et j' aime bien le résultat avec le crayon qui s'est mélangé Je sais que, vous savez, il y a encore de la couleur que je dois y ajouter, mais j'aime bien ce que cela fait jusqu'à présent. Au début, je ne sais pas si ce sera une bonne chose, mais oui, il peut être intéressant de l' essayer sans cela et d'effacer la plupart des marques, même en utilisant une gomme amovible pour effacer certaines, afin que cela ne se répercute pas autant sur votre couleur J'adore ajouter cette orange . C'est très excitant. Et cela peut être un peu effrayant, mais pour éviter le moment angoissant de faire une marque en gras, commencez par l'endroit le moins visible Commencez par un endroit où vous êtes sûr que cette couleur devrait être. Au moins partiellement confiant. Commencez quelque part. Il faut bien commencer quelque part. Je commence donc par les endroits où c'est l'orange le plus vif et où il est évident que ce sera l'orange juste là Vous savez, si c'est un tout petit peu orange sur le haut de la joue, ne commencez peut-être pas par là Commencez peut-être par la moustache où toute la lèvre supérieure est, vous savez, principalement orange ou sur le menton, ou sur le coin de la pommette. Vous savez, trouvez le point qui semble sûr et commencez par cet endroit, ce qui vous aidera dans toutes les situations où vous avez peur de commencer. C'est ce que je fais. Et cela aide parce qu' une fois que vous avez commencé, c'est moins effrayant. Il suffit de suivre le courant. OK, je vais vous permettre continuer à travailler sur votre article, de suivre. Et comme je l'ai déjà dit, j'allais passer en revue une histoire plus détaillée de Vango Et vous pouvez également consulter en ligne plus d'informations sur lui, en faisant des recherches vous-même. Vous pouvez aller au musée Vango et en apprendre beaucoup sur lui. Même en ligne, ils ont accès à des ressources du musée Vango, et c'est là que j'ai acquis la plupart de ces informations Vous pouvez donc l'obtenir ici, je peux vous le faire parvenir, et vous pouvez approfondir vos connaissances en allant sur ce site. Et en découvrant certaines de ses œuvres en personne. C'est ce que j'adorerais faire. Rien de tel que de voir œuvres originales de certains maîtres. C'est vraiment époustouflant. C'est vraiment le cas. Si vous n'en avez pas encore fait l' expérience, si vous n'avez vu que ce type d'œuvre d'art de ce calibre, uniquement en ligne ou simplement, vous savez, sous forme numérique ou imprimée, n' est pas la même chose que de voir l'œuvre originale que vous savez que cet artiste a créée C'est quelque chose de magique à 100 %. OK, revenons en arrière, avant qu'il ne décide commencer à faire de l'art et d' en faire sa carrière. Et vous savez, avant de vraiment me plonger dans le vif du sujet, je tiens à dire que j'ai rencontré beaucoup d'artistes. Peut-être pas beaucoup, mais il y en a plusieurs que j'ai rencontrés qui disent, vous savez, que l'art ne devrait pas être quelque chose que l'on devrait essayer de faire en tant que carrière. Et je ne suis absolument pas d'accord avec ça. Tu peux en faire une carrière. Vous pouvez décider que c'est ainsi que vous allez gagner vos revenus. Mais nous allons devoir enregistrer ces informations pour la prochaine leçon. Nous allons donc passer à la troisième page pour discuter de certains des emplois qu'il a occupés avant de devenir artiste et de décider que l'art était son truc. Alors rejoignez-moi pour la troisième place pour obtenir cette information. 12. 1887 Autoportrait partie 3: OK, troisième point, nous plongeons dans l'histoire un peu plus en détail qu'auparavant. C'était donc en quelque sorte un résumé rapide. J'espère donc pouvoir vous donner des informations plus détaillées et quelques éléments qui vous aideront à mieux comprendre Vincent et qui espérons-le, vous aideront à vous lancer dans la réalisation du projet. Et voici notre troisième pièce. Alors peut-être qu'à ce stade, vous commencez à ressentir un certain lien avec lui et avec la façon dont il a créé les choses, et il sera vraiment intéressant d'en savoir plus sur lui. Commençons donc par le fait qu' avant de devenir artiste, il avait du mal à trouver une place et il avait du mal à trouver une place et la religion est devenue une chose pour laquelle il pensait que ce serait sa vocation. Il a commencé comme marchand d'art, ce qui n'était pas vraiment son truc. Il admirait le travail de peintres paysans tels que François Milette et Jules Breton Il est devenu maître d'école, puis libraire à 24 ans, puis prédicateur laïc, mais son contrat n'a pas été renouvelé Il ne se sent donc pas très confiant. Et quelqu'un peut-il s'identifier ? Mains en l'air Son frère, Theo, a dit : « Tu sais quoi ? Pourquoi ne pas être artiste, vous savez, ou faire quelque chose avec votre art. Vous avez des compétences en dessin et vous aimez dessiner. Pourquoi ne pas essayer. Et il s'est lancé à fond plongé directement dedans et a juste dit : «   Oui, je vais devenir artiste  ». OK, c'est moi qui le fais. Ce qui m'intéresse vraiment, c'est que j'ai rencontré d'autres artistes dont je me souviens particulièrement. Je ne dis donc pas que tous les artistes que j'ai rencontrés disent cela, mais cette personne pensait qu'il ne faut pas travailler pour devenir artiste rémunéré, ce qui, à mon avis, est vraiment intéressant. Alors que la plupart des autres, vous savez, même dans le domaine des arts ou autres, si vous voulez que ce soit votre métier, vous le faites un peu différemment que s' il s' agit simplement d'un passe-temps ou d'une activité que vous aimez faire en parallèle J'ai donc trouvé très intéressant que Vincent ait dit : « OK, c'est lui qui a pris la décision. Ce n'était pas nécessairement, vous savez, qu'il est né dans ce scénario. Je vais devenir un artiste. C'est une décision qu'il a prise, et il a senti qu'il pouvait toujours faire l'œuvre de Dieu en tant qu'artiste. C'est très intéressant pour moi d'apprendre cela parce que cela me concerne un peu et certaines de mes convictions. J'ai donc trouvé cela très intéressant. Donc, en 1981, il retourne vivre chez ses parents. Ses parents ne sont pas contents de son choix de profession. Quelqu'un peut-il s'identifier ? Je pense que nos parents veulent que nous soyons en sécurité et, vous savez, ce n'est pas très sûr d'avoir sa propre entreprise en soi. Il a donc travaillé sur de nombreux dessins. Il a beaucoup dessiné. C'est vraiment le fondement, les fondamentaux de l'art. Et si tu parviens à perfectionner ces compétences. Il s'agit d'une communication entre votre cerveau, de ce vous observez à votre main que vous observez à votre main, et la création de cette mémoire musculaire qui vous permet de savoir comment créer des formes que vous voyez ou que vous imaginez, et c'est vraiment ce que c'est Bref, il dessine beaucoup en plein air. Plan air est donc une autre façon de le dire. Cela signifie donc que vous regardez quelque chose à l'extérieur. Tu es en train de le dessiner. Je veux dire, ça pourrait aussi être à l'intérieur. Il est également connu sous le nom de dessin d'observation. C'est donc quelque chose où, au lieu de dessiner à partir d'une photo, ils n' y auraient pas vraiment eu accès à l'époque. Donc, les choses auxquelles nous avons accès, vous savez, nous avons une vie différente maintenant. Il est donc normal d'essayer les choses différemment, mais n'hésitez pas à travailler en plein air si vous le souhaitez, et une chose que j'aime vraiment dans l'histoire, c'est son frère Theo Son frère Theo est présent tout au long de l'histoire. Et je pense aussi que parce qu'il écrit, ils s'écrivent entre eux. Nous avons donc cette histoire et ces connaissances à partager avec le monde entier, vous savez, par le biais de cette écriture et de cette communication qu'ils ont eues. Donc, lorsque Theo reçoit une promotion et qu'il travaille comme marchand d'art , c'est également très intéressant Mais c'est peut-être la raison pour laquelle il a suggéré cela en raison de son expérience de marchand d'art. Quand Theo reçoit une promotion, il s'en sort plutôt bien financièrement Alors il dit à Vincent : «   Regarde, concentre-toi sur ton art. Je m'occuperai de toi financièrement. Cela m'a vraiment touché le cœur quand j'ai entendu cela. Quel beau geste et quelle confiance que de dire quelque chose, de faire ce genre d'offre. Et puis, vous savez, Vincent est tombé amoureux de sa cousine, qui est veuve, et c'est plutôt intéressant. Mais elle ne s'intéressait pas à Vincent. Et puis il y a cet artiste, Anton Move. Et voici le cousin par alliance de Vincent. Et il ne tombe pas amoureux de cette personne. Mais Anton le découvre et l' artiste bien connu d'Anton s'en sort très bien. Il peint des paysans travaillant dans les champs. C'est un peu son truc principal, ces magnifiques peintures réalistes. Et Anton Move découvre que Vincent a décidé de le faire, vous savez, quand il apprend que Vincent veut devenir artiste, il donne des cours de peinture à l'aquarelle et à l'huile à Vincent Donc, tu sais, ce n'était pas juste, j'ai tout le talent dont j'ai besoin. Je vais devenir artiste. Je suis artiste. Allons-y. J'allais travailler sur les compétences dont j'ai besoin. Je vais travailler dur chaque jour pour créer, créer, créer et obtenir l'inspiration, le soutien, le soutien. Il se peut qu'une seule personne vous soutienne. Ses parents ne le soutiennent pas. Vous savez, mais obtenir, vous savez, ce cousin par mariage, ce soutien par le biais du mentorat là-bas est très utile J'aimerais en savoir plus moi-même. Et vous pouvez le trouver ici. Moi, en tant que professeur. J'espère donc pouvoir vous en offrir une partie. C'est en partie pour cela que j' aime enseigner car vous pouvez partager des connaissances que les autres n'ont peut-être pas encore, et les aider à grandir et à apprendre, et les voir s'épanouir est tellement excitant. Quoi qu'il en soit. Ce qui est vraiment mignon, c'est sa première commission payée. Donc ce n'est pas qu'il n'a jamais vendu d'œuvres d'art, d'accord ? C'est juste qu'il n'a pas encore eu autant de succès. Je pense que s'il avait vécu plus longtemps, il aurait connu le succès. C'est ce que je crois. Mais sa première commission payée provenait de son oncle. Il s'agissait de 12 paysages urbains dessinés à l'époque. C'est une bonne pratique en perspective pour lui. Et puis, tu sais, il est tombé amoureux de cette prostituée. Qui avait déjà un enfant et était enceinte. Tu sais, les choix de vie de Vincent sont parfois discutables, mais je pense que nous commettons tous des erreurs. Celui-ci est un peu étrange, mais c'était le modèle de Vincent et son amant. C'était donc en 1982. Ils sont restés ensemble pendant un an et demi. Il était déterminé à prendre soin d'elle. Tu sais quoi ? Cela montre le genre d'homme qu' il était, tu sais ? Puis il s'est rendu compte, tu sais, qu'elle était trop loin. Tu sais, tu ne peux pas changer les gens. Tu ne peux pas vivre ta vie comme ça, et c'est ainsi que ça s'est terminé. Vincent a donc donné des peintures à Theo à vendre chez le marchand d'art Theo a dit : «   Allez, essayons ça. Mais malheureusement, rien n'en est ressorti, car les peintures de Vincent étaient trop sombres par rapport à ce qui était populaire à l'époque. Vous savez, si vous pensez aux peintures lumineuses et joyeuses de certains impressionnistes qui dégageaient une ambiance romantique, un style de idyllique et ce genre vie idyllique et ce genre de choses Ce n'était tout simplement pas ce qu'il proposait. Il a donc vécu avec ses parents jusqu'à la mort de son père, puis il a vécu dans le studio. Il a ensuite passé une courte période à l'Académie d'art d'Anvers, et il ne retournera plus jamais aux Pays-Bas par la suite. Il a passé le reste de son temps dans différentes régions de France. Et il a trouvé que les cours de dessin de cette académie d'art d'Anvers étaient trop traditionnels, alors j'ai trouvé cela intéressant. Il est donc allé à Paris et a pris des cours au Fernet Common Studio Donc, 1886-1888, il est passé de ces peintures sombres, vous savez, à des peintures comme celles des mangeurs de pommes de terre de 1885, à ces peintures claires, vous savez, comme la Colline du Mont Mart avec Corey en 1886 à ces peintures claires, vous savez, comme la Colline du Mont Mart avec Corey Donc, en un an seulement, vous savez, beaucoup de grands changements. C'est donc à Paris que Vincent a développé à cette époque son propre style reconnaissable aux couleurs vives. Mais après deux ans passés en ville, c'était trop pour lui. Ce n'était plus une source d'inspiration. Theo, en tant que directeur d'une boutique d'art, a présenté à Vincent le travail de Claude Il a également fait la connaissance de Henry D Talus Latrec et Emil Donc, vous savez, ces artistes à succès dont il a appris et dont il s'est inspiré et qui ont eu un impact sur son travail. Cela l'a aidé à passer d' œuvres populaires, comme les mangeurs de pommes de terre, à celles, comme je l'ai dit, The Hill of Mont Mart avec rey 18 86, tons étaient plus clairs et correspondaient mieux à ce qui était, je suppose, tendance à l'époque Mais il a développé son propre style avec ces courts coups de pinceau. Et c'est en quelque sorte ce à quoi nous travaillons ici, non ? Ces coups de pinceau sont visibles dans ces courts tirets Et son sujet a changé pour les cafés, les boulevards, la campagne, les natures mortes fleuries Et il a essayé des sujets vendables, tels que les portraits. Il essayait donc de gagner sa vie en tant qu'artiste. Et je l'en félicite. C'est ce que je suis en train de faire. J'apprécie donc cela. Et j'ai l'impression qu'il n'y a rien de mal à cela. C'est honorable. Et, vous savez, il était du genre « Je suis prêt à créer un sujet qui intéresse les gens ». Mais il avait toujours son style. Il est toujours resté fidèle à son style. Et comme je l'ai dit plus tôt, il s'est inspiré des gravures sur bois japonaises Theo et lui les ont récupérés. C'est ainsi que vous commenceriez à voir, comme ces contours qui ont influencé le style de Vince C'est donc très intéressant de voir que cela venait de quelque chose qui l' intéressait, pas simplement d'un événement aléatoire, mais de quelque chose qui l' intéressait et qui l'a influencé. Donc de Paris à la Provence. Il s'éloigne donc de la vie trépidante de la ville pour Arles Le sud de la France est donc notre prochaine aventure. Nous allons donc parler du sud de la France, où la plupart de ses peintures les plus célèbres ont été réalisées en P 4, où nous terminons ce portrait et évoquons la dernière partie de sa vie, ces dernières années. Et nous vous verrons dans la prochaine leçon. 13. 1887 Autoportrait partie 4: Très bien, dans le sud de la France, ce qui semble être une période excitante. Il a vraiment hâte . Il a cette vision de faire venir des artistes dans le sud de la France, loin de la ville. Et c'est là que son style devient plus souple et plus expressif J'ai l'impression qu'il est de plus en plus confiant, et c'est très excitant. Il possède des vergers en fleurs, apporte des récoltes, des bateaux, toutes ces peintures réalisées dans cette région et sur la période Il a donc essayé de créer un studio du Sud à Arles en faisant venir un groupe d'artistes dans une maison, puis ils pourraient vendre cette œuvre à Paris Il y a une citation de Vincent datée du 18 mai 1988 qui dit : «  Vous savez, j'ai toujours pensé qu'il était stupide que peintres vivent seuls, etc. Tu perds toujours quand tu es seul. M. J'ai trouvé cela très intéressant. Et il croyait vraiment en une sorte de communauté d'artistes. Et ce serait une autre bonne chose de pouvoir créer. Et je pense que lorsque vous êtes fidèle à vous-même et que vous partagez ce qui vous a été donné, qu' il s'agisse de la capacité d'enseigner aux autres ou inspirer les d'inspirer les autres avec votre travail ou quoi que ce soit d'autre, et en partageant cela librement sans vous y accrocher et en le cachant, vous créez une communauté. Offrir aux autres. Vous les invitez à se joindre à vous. Et je trouve que c'est une belle chose. Il était donc tellement confiant dans cette idée et cette vision qu'il a loué ce que l' on appelle la Maison jaune. Et il y a loué quatre chambres. Il s'attendait à ce que d'autres artistes se joignent à lui, mais malheureusement, un seul l'a fait, Paul Gogan est alors que nous entrons dans une lutte contre la santé mentale, et je ne vais pas présumer que jusqu'à présent, il n'avait aucun problème à ce sujet , mais c'est là que nous voyons cela le plus évident. Revenons également à cette œuvre d' art pour le moment , reconnaissons les vêtements amusants qu'il porte et remarquons comment, lorsque vous avez des marques rapprochées et alignées, cela donne vraiment une idée de ce qu'est le vêtement par rapport à ce genre de pièces amples et plus aléatoires qui essaient de vous donner du sens de quel type de tissu il s'agit. Bon, revenons à la santé mentale. Ce qui est intéressant, c'est qu'ils étaient des artistes très différents, Paul Gog, si vous connaissez certaines de ses œuvres Il a principalement travaillé pour la mémoire et l'imagination, alors que Vincent a préféré peindre directement ce qu'il pouvait voir, qui a créé des tensions entre les deux. Gogan a donc menacé de partir, ce qui a créé beaucoup de pression sur Vincent Et cette vision qu'il a eue, vous savez, est sur exploser et de prendre fin Il a donc menacé Gauguin avec un rasoir. C'est vraiment un excellent moyen de garder les gens dans votre tribu. Plus tard dans la soirée, il s'est coupé l'oreille gauche, l' a enveloppée dans un journal et l'a remise à une prostituée dans le quartier rouge voisin. OK. Oui, tu as des problèmes. Il a donc été admis à l'hôpital d'Arles. Et Gog a quitté Paris. Surprise, surprise. Cela ne l'a pas incité à rester Il est donc sorti de l' hôpital en 1889, et il a recommencé à peindre. Sa santé mentale évoluait à la hausse et à la baisse. Tu sais, il avait peur. Il l'a donc admis lui-même. C'est donc vraiment intéressant. Il a reconnu qu'il éprouvait des difficultés et qu' il a pu s' avouer lui-même. Je l'admire donc pour cela. Il s'est donc admis à l'établissement psychiatrique Saint-Paul de Moselle à Saint-Rémy. Et c'était en mai. Il y est resté un an, et il réalise 150 tableaux par an. Je ne crois pas en avoir déjà fait 150. Je ne pense pas avoir fait 150 tableaux jusqu'à présent . Honte à moi, car en un an, il a peint 150 tableaux. C'est incroyable. Malgré cette maladie, il a continué à travailler. Ainsi, du 18 février 88 au 18 mai 89, il réalise plus de 180 peintures. C'est incroyable. Il a donc copié des estampes d'artistes tels que Rembrandt et Millet. Et c'est ce que nous faisons en ce moment. Nous prenons certaines notes et travaillons à créer des œuvres d'art similaires à celles-ci. Il a peint dans le jardin, et pendant un certain temps, il n'a été autorisé à dessiner que parce qu'il était tellement confus qu'il a mangé de la peinture à l'huile. Il était donc clairement aux prises avec des problèmes de tête. Son frère, Theo, a épousé Johanna en 1889, et ils ont fait une annonce de naissance en janvier 1890 Ils ont donné à leur fils le nom de Vincent. Vous pouvez donc voir que Theo et Vincent entretenaient un lien. Vincent crée donc pour lui une peinture intitulée Almond Blossom, et c'est l'une de ses peintures les plus célèbres. C'est une peinture magnifique et joyeuse . Six des peintures de Vango ont donc été exposées à Bruxelles en 1890 Et un tableau a été vendu. C'était le vignoble rouge. C'est donc très excitant. Et, tu sais, parfois les choses commencent à décoller, non ? Peut-être que cela prend juste un moment et que les choses commencent à avancer, non ? Mais nous parlons de 18 90. Et comme nous le savons déjà, il n'a pas vécu au-delà de 18 90 ans. Donc, pour moi, il commençait à y arriver, il n'avait tout simplement pas assez de temps pour y arriver, vous savez ? En mars 189010 œuvres étaient exposées lors d' une exposition annuelle du Salon des en Ds pardon à Paris, et il a eu des réactions très positives à son C'est ce qui m' amène à croire qu'il était sur le point de réussir, mais que les problèmes de santé mentale auxquels il était confronté étaient tout simplement trop importants, et cela me brise le cœur. Vraiment, parce que nous avons probablement tous quelqu'un dans notre vie qui a des problèmes santé mentale ou qui s' est suicidé. Et c'est un problème très difficile auquel si vous êtes personnellement confronté, il existe des ressources à envisager et pas seulement à prendre en compte, mais si vous éprouvez vraiment des difficultés, il y a des personnes autour de vous pour vous aider. Je vous encourage donc à obtenir l'aide dont vous avez besoin et à ne pas être seuls dans cette situation, car nous ne sommes pas faits pour être seuls, comme Vincent le disait, comment les artistes sont censés être ensemble. Je pense que c'est un conseil assez judicieux. Les derniers mois de sa vie, il était à A Curse, un village près de Paris. C'est donc le 18 mai 1990 qu'il a quitté l'asile, et c'est alors qu'il a déménagé dans cette petite ville. C'était paisible, tranquille, restant proche de Paris, afin qu'il puisse être proche de son frère Théo. Il y avait un médecin qui surveillait la santé de Vincent, Paul Gachet C'était un artiste amateur, Paul Gachet l'était. Certains diront peut-être que Vincent l'était aussi, mais non, nous parlons de Paul Gach Il a encouragé Vincent à se consacrer entièrement à la peinture. À cette époque, il réalisait presque un tableau par jour. C'est impressionnant. C'est quelque chose qu'il faut essayer de respecter. Mais au début du mois de juillet, vous savez, il a rendu visite à Theo, et Theo envisageait de démissionner du marchand d'art pour démarrer sa propre entreprise, ce qui représentait un Et n'oubliez pas que Theo s'occupait financièrement de Vincent Theo s'occupait financièrement de donc ajouté de l'inquiétude à Cela a donc ajouté de l'inquiétude à tout ce mélange de tout ce à quoi Vincent avait affaire dans sa tête, vous savez . Nous ne pouvons pas vraiment nous rendre compte de ce que c'est. Il était donc inquiet. Il est donc retourné à O. Et quoi qu'il en soit, comme Theo et Joe, ils ont vraiment essayé de rassurer Vincent, tu sais quoi ? Tout va bien se passer ? Par exemple, nous allons toujours vous soutenir . Ne t'inquiète pas pour ça. Malheureusement, peu après son retour, il s'est suicidé. Il s'est tiré une balle dans la poitrine avec un pistolet. Blessé, il est retourné dans sa chambre à l'auberge Rav où il séjournait Et Theo a quitté Paris et O. Il était là quand son frère est décédé des suites de ses blessures le 29 juillet Et cela me rassure un peu que son frère Theo était avec lui. Alors que dans la version abrégée, nous savons juste qu'il était dans un champ et s'est suicidé, savoir que, vous savez, eh bien, c'est assez triste qu'il ait dû souffrir d'une certaine façon, mais, vous savez, le fait de savoir que son frère a pu être là et lui dire au revoir apporte un certain réconfort. Il a donc été enterré à O le 30 juillet 1990, et il a laissé derrière lui un grand nombre d'œuvres d'art, comme vous pouvez l'imaginer, plus de 850 peintures, près de 1 300 œuvres sur papier Malheureusement, seulement six mois plus tard, à 34 ans, son frère Dépression nerveuse, syphilis. Il y a des questions à ce sujet. peintures de Vincent sont alors confiées aux soins de sa femme, Joe. Et en 1901, Joe se remarie, et elle se remarie avec un peintre, Johan Et Joe meurt en 1925. Les peintures sont ensuite transmises au fils Vincent. Qui prête l'œuvre à un musée d'Amsterdam. Et cela gagne en popularité. Son travail gagne en popularité, et ils le prêtent Et sa popularité ne fait que croître . Et comme vous pouvez le voir, aujourd'hui encore, certaines de ses œuvres se sont vendues pour des millions et c'est juste, vous savez, un artiste très connu. C'est une histoire incroyable pour moi. Et, tu sais, c'est vraiment déchirant. J'étais assez calme. Cela m' a un peu fait profil bas. Mais en même temps, regardez ce qui perdure. Il a laissé cet héritage de travail et ces choses que nous pouvons apprendre et appliquer à notre travail, et pas seulement à ses œuvres, mais aussi à la façon dont il a abordé le métier d'artiste. exemple, je vais devenir une artiste, donc c'est ce qu' il faut pour en être une, et je vais y travailler. Et voici une citation de Vincent du 25 octobre 1988. ne peux m'empêcher de constater que mes tableaux ne se vendent pas, mais le jour viendra où l' on constatera qu'ils valent plus que ce que nous y avons investi pour la peinture et mes maigres moyens de subsistance C'est quelque chose qu'il a écrit à son frère, Theo. C'est très intéressant, vraiment je ne sais pas. Dites-moi ce que vous en pensez. Je pense que chaque personne aura une expérience différente en écoutant cette histoire fonction de son propre point de vue et de ce qui se passe dans sa vie en ce moment. Mais je pense que nous pouvons toujours tirer les leçons de la vie des autres et de leurs œuvres d'art J'espère donc que cela vous a aidé à voir plus que l'œuvre d'art, mais aussi la personne qui l'a créée. Et que cela vous aidera à démarrer votre projet, qui est à venir. Ouais. 14. La démonstration du projet partie 1: OK, il est temps de sélectionner le projet. Qu'est-ce que tu vas choisir ? Vous avez un paysage, une nature morte ou un portrait. Sur lequel avez-vous envie de travailler ? Suis ton instinct. C'est peut-être quelque chose que vous voulez pratiquer davantage. C'est peut-être quelque chose qui t'intéresse. Peut-être avez-vous un sujet précis en tête. Peut-être que vous voulez prendre ce que vous avez appris et faire quelque chose de différent, comme un portrait d'animal ou quelque chose, vous savez, un portrait de chien. Essayez-le. Cela pourrait être vraiment intéressant dans le style de la fourrure, surtout avec toutes les fourrures. Vous n'êtes donc pas obligé de vous en tenir à ces genres en tant que tels. Vous pourriez même entrer dans les paysages urbains. Il a fait, vous savez, les cafés, les boulevards, tout ce genre de choses Peut-être un paysage urbain. C'est exactement ce que je viens de dire. Peut-être un paysage océanique, un paysage marin, ce genre de choses, par exemple, trouvez un genre qui vous intéresse. J'adore l'idée d' un scénario de la vie de tous les jours. Est-ce que je suis avec un selfie. Vous pouvez utiliser une image numérique, comme moi. C'est un peu difficile pour moi d' utiliser un miroir pendant le tournage. J'imagine que j'aurais probablement pu trouver une autre configuration, mais je voulais que vous voyiez ce que je dessinais. Alors j'aurais peut-être pu trouver une solution. Je suis créatif. Allez. Mais choisissez quelque chose, trouvez quelque chose qui vous intéresse, et qu'il s'agisse d'un défi ou simplement d'un dessin que vous aimez dessiner et que vous avez déjà dessiné. Je pourrais même être quelqu' un que vous avez souvent dessiné. C'est quelque chose que vous créez souvent, pour lequel vous êtes peut-être connu, et vous voulez l'essayer dans un style différent dans ce style Van Goo C'est donc également une autre option. Esquissez-le, si vous voulez créer une grille, si vous voulez vous entraîner la même manière que nous, en utilisant simplement le crayon comme guide, vous devez décider. Et vous pouvez effacer certaines marques de crayon ou les conserver, selon que vous avez aimé ou non le résultat de ce qui s'est passé lors de la précédente. Les trois exercices précédents. Nous en avons tiré des leçons. Il est maintenant temps de passer à la vitesse supérieure et de prendre l'avion. C'est le moment de vous l' approprier un peu, et cela ne signifie pas que vous devez être parfait dans ce domaine ou quoi que ce soit d'autre, mais qu'il est temps approprier un peu plus en termes de sélection du sujet. Et ensuite, comment allez-vous utiliser les outils sur lesquels nous avons, vous savez, travaillé pour que votre article soit un succès pour vous, peu importe ce qu'il vous semble. vais commencer par avoir une apparence un peu étrange, et je trouve qu'il y a toujours des aspects étranges lorsque je travaille sur mon art. certains moments, je trouve que c'est horrible. C'est un peu flippant. Mais ce n'est qu' une partie du processus. Vous devez simplement garder cette vision vivante et comprendre qu' elle s'améliorera fur et à mesure que j'appliquerai ma pratique. Les choses que je sais, les choses que j'ai apprises parce qu'à l'heure actuelle nous n'avons qu'une seule couche, et j'ai décidé de commencer, vous savez, ne pas terminer un domaine pour ensuite passer au domaine suivant. Tu sais, j'ajoute juste une couche de skin de base gagnant-gagnant. Maintenant, j'ajoute de la couleur aux yeux. Maintenant, je pourrais terminer une section, exemple s'il s'agit d'une petite section dans les yeux ou ce genre de chose, mais je pourrais laisser certains détails à un peu plus tard, surtout lorsque vous travaillez avec quelque chose qui vous gâche les doigts les mains, et que vous ne voulez pas le maculer au mauvais endroit, n'est-ce C'est donc quelque chose à envisager, comme ajouter le noir dès maintenant, Mmm. Je voulais mélanger, c'est une bonne idée, et si je ne veux pas que ça se mélange, je ferais mieux d' attendre la fin pour ajouter ce genre de détails. Mais commençons à nous coiffer. Et avec cette méthode, on a parfois l'impression que cela prend, vous savez, beaucoup de temps pour le remplir. Si je pouvais juste faire une longue marque pour chaque mèche de cheveux. Ce sera peut-être plus rapide, mais je veux suivre les techniques que nous avons utilisées et que nous avons apprises de Vincent et voir ce que je peux créer de différent, nouveau, d'excitant et de stimulant. Et parfois, cela peut aussi être passionnant lorsque c'est difficile, car vous apprenez de nouvelles choses, et vous grandissez en tant qu'artiste lorsque vous apprenez de nouvelles choses. J'ai donc d'abord commencé à le mettre n' importe où dans les cheveux de façon un peu systématique, puis là, je commence vraiment à suivre un système parce que je veux que les cheveux aient le type d'effet ondulé que j'ai sur mon image de référence J'ai donc commencé et je ne veux pas non plus que cela ressemble à un zèbre J'ai donc commencé à ajouter d'autres lignes pour donner un sens aux choses Et parce que son style a ce look contourant, je peux aussi l'avoir dedans Tout fonctionne donc lorsque vous suivez le système que vous avez mis en place. Créez le système, suivez-le. Et ensuite, ça peut marcher. Et si ça ne marche pas, c'est bon aussi. Ce n'est qu'un entraînement. Ce n'est peut-être pas votre préférée parmi toutes les pièces que vous avez créées. Cela ne signifie pas que vous ne progressez pas . Souviens-toi juste de ça. n'est pas parce que vous créez une œuvre d' art qui ne vous semble pas être la meilleure que vous. Chaque œuvre d'art ne sera pas nécessairement meilleure que la suivante. J'espère que nous avons progressé, par exemple, au fil des ans. Si vous continuez à y travailler, à apprendre de nouvelles choses et à pratiquer de nouvelles techniques qui se sont révélées efficaces, et si vous les mettez en pratique, vous constaterez une croissance Tu le feras. Il faut donc continuer et tirer parti de ce que nous avons appris de cet incroyable artiste Zenvango, car personne ne peut dire qu'il n'a pas essayé Il a vraiment essayé. Et pour quoi ? À peine dix ans. Cela ne semble pas être une tonne de temps pour devenir un véritable artiste professionnel, et pourtant il avait déjà connu un certain succès juste à la fin. Il avait juste besoin d'un peu plus de temps. Je vais donc lui rendre hommage pendant que je crée ceci. Et pendant que je le créais, je n'ai pas pu m'empêcher de penser à la chanson Star Starry Night C'est juste passé en replay dans mon esprit. J'espère donc que vous avez des idées positives sur ce que vous pouvez devenir et sur ce que vous en êtes aujourd'hui Cela ne signifie pas nécessairement trop de ce que vous pouvez devenir et de ce que vous voulez aller. Que ce soit juste, je suis heureuse de faire de l'art un passe-temps, et je n'ai pas vraiment envie d'en faire ma carrière. C'est très bien Tu n'es pas obligée d'en faire une carrière, comme Vincent le voulait. Alors fais-le, tu prendras tes propres décisions avec ça. Mais c'est amusant à apprendre et cela nous aide à grandir en découvrant ce qui fonctionne, puis en le mettant en pratique. Et observez la croissance se produire au fil du temps. Il vous sera plus facile de faire ce genre de croquis si vous vous y tenez Si vous ne l'essayez pas, cela n'arrivera pas. Et si vous n'expérimentez pas, vous pourriez rester le même avec votre travail. Même si tu fais beaucoup de tableaux. N'oubliez pas que Vincent a pris des cours d'art. Il a bénéficié d'un mentorat Il a collaboré avec d'autres artistes en termes de discussions et de cette inspiration d' être proche d' eux, de voir leur travail. Je sais que cela m'inspire. Cette partie est donc un peu amusante parce que j'ajoute ce ton doré à mes cheveux. Ensuite, je peux ajouter des tons plus foncés par-dessus pour obtenir un aspect plus réaliste de la couleur que je recherche, mais ajouter cette touche dorée m' aidera vraiment lorsque je veux ajouter des tons plus foncés, et n'ayez pas peur d' ajouter de la couleur sur la peau. Cela peut vraiment créer un teint dynamique qui semble plus réaliste car nous pensons qu' il ne s'agit que d'une seule couleur. Mais lorsque vous regardez toutes les ombres ou que vous recherchez image pixélisée d' Chaque pixel est presque d'une couleur différente. Par exemple, vous avez évidemment des répétitions de la même couleur partout, mais vous n'avez pas simplement énormes sections d' une seule couleur C'est donc quelque chose à garder à l'esprit si vous n'avez jamais vu ce zoom sur une image dont vous pouvez accéder à la partie pixelisée, comme Photoshop ou autre, et c'est une expérience très intéressante Et cela commence à prendre vie pour moi alors que je commence à ajouter le bleu, le rose et le jaune et que je trouve vraiment moments où la couleur devrait être 15. La démo du projet partie 2: Bienvenue dans la deuxième partie de la démonstration du projet. Bien sûr, le vôtre sera très différent du mien parce que je suppose que vous n'allez pas créer un je suppose que vous n'allez pas portrait de moi-même, mais quelque chose qui a du sens pour vous. Félicitations donc pour être arrivé jusqu'ici. J'espère que vous avez travaillé sur quelque chose qui a du sens pour vous, quel qu'il soit, et que vous êtes prêt à élargir vos horizons grâce à cela. Et je pense qu' en suivant ce cours, vous avez déjà décidé de le faire. En étudiant la vie et l'œuvre de Vincent, ce voyage a été intéressant et instructif pour moi Je crois qu'il y avait des choses que je savais que je n' écoutais tout simplement pas quand je suivais des cours d'histoire de l'art au fil des ans, ou que je regardais simplement l'art sans cours d'histoire de l'art au fil des ans, ou je regardais simplement penser à la personne , à l'époque où elle vivait ou à l'endroit où elle vivait, vous savez, avoir autant d'artistes que nous considérons comme influents, vous savez, pour moi, les impressionnistes ont toujours fait partie de mes artistes préférés J'aime aussi le travail de Renoir et Monet. Ce serait vraiment passionnant de créer plus de leçons pour étudier les masters. Ce n'est donc que le début de cette œuvre de Vincent, et j'espère qu'il y a quelque chose que vous avez appris , qui influencera votre art à l'avenir. Je pense que ça va être puissant. Et parfois, nous savons une chose, mais nous sommes influencés d'une manière dont nous ne nous rendons pas pleinement compte. C'est pourquoi il est important, vous savez, d' être très intentionnel lorsque nous sélectionnons les médias que nous regardons et les choses que nous consommons pour notre cerveau, n'est-ce pas ? Cela doit être intentionnel, tout comme nous devons avoir une certaine intentionnalité lorsque nous mettons ce que nous consommons, vous savez, de la nourriture, ce genre de choses Ce qui entre dans notre cerveau aura une incidence sur nous. Donc, rien qu'en regardant ce cours, il y aura des choses qui vous influenceront et que vous ne vous en rendrez compte que plus tard, ou peut-être que vous ne vous en rendrez jamais compte. Et c'est bon. Mais notre cerveau est intelligent et nous n'avons pas toujours besoin d'être pleinement conscients de tout ce qui se passe. Cela peut être très épuisant. Nous pouvons donc assimiler les choses sans nous en rendre compte. C'est donc ici que je me suis laissé un peu d'espace pour estomper la peau autour des yeux avant de saisir ce scénario, vous savez, du type eye-liner Et tout ça. Si j'avais mis cela d'abord et complètement développé l'œil , puis si j'avais contourné le problème, je pourrais finir par avoir des taches ou ce genre de choses qui se produisent dans des zones où je ne veux pas que cela se produise parce que j'ai tendance à porter un eye-liner qui est un type d'eye-liner très précis, pas comme un eye-liner pas comme un C'est donc ce que je vois, et je vais peindre ce que je vois parce que c'est ainsi que Vincent a peint. Et un selfie fait partie de la vie quotidienne, surtout dans le monde d'aujourd'hui. Je me demande donc ce qu'ils diraient de nous voir aujourd'hui avec la technologie nous disposons, comment nous l'utilisons et comment nous créons de l'art de manière similaire et différente. Et ce qu'il penserait de nous, en l'utilisant comme point d'étude comme référence pour son style et son œuvre. C'est assez intéressant d'y penser. Et une autre chose que j'ai trouvée intéressante alors que nous approchons de la fin. Vous savez, je réfléchis à mon expérience et tout cela revient même à utiliser un matériel que je n' utilise pas très souvent pour créer ces études et pour créer cet examen de la vie d'une personne dans cette étude C'est un processus intéressant, surtout sans rendez-vous, vous savez, j'aime travailler avec des pinceaux plus précis. Cela m'oblige donc à m'en éloigner, qui est vraiment un lieu de vie où il fait bon apprendre. Et c'est là que l'apprentissage se produit, c'est là que la croissance se produit. Tu sais, si tu veux grandir, tu dois te sentir un peu mal à l'aise et essayer quelque chose que tu n'as jamais essayé auparavant. Si vous restez toujours dans votre zone de confort, où allez-vous apprendre, où allez-vous grandir ? Ce sont ces moments où je repense à toutes les expériences que j'ai vécues jusqu'à présent dans ma vie. Ce sont les moments les plus inconfortables qui m'ont le plus appris. J'ai donc essayé de ne pas être trop bouleversée lorsque je suis dans ces moments-là, ou lorsque j'ai ces opportunités, et j'adorerais arriver à un endroit où je les accueillerais presque. Voici quelque chose. Je ne sais pas si vous le faites déjà avec votre art, mais je veux que vous pensiez aux yeux, et nous pensons que le blanc des yeux est si brillant. Mais en réalité, lorsque vous regardez la pièce, le point le plus brillant est la chemise dans certaines zones de ma chemise sur l'image de référence blanc dans mes yeux, il y a des reflets du blanc dans mes yeux, il y a des reflets, mais en fait , n'est pas comme si la lumière sortait de mes yeux, tu sais ? Ce qui peut vraiment changer le réalisme de votre œuvre, c'est de pouvoir la regarder différemment. Et si vous êtes aux prises avec cela, et tout ce que vous voyez, c'est je vois un œil, je vois des lèvres, je vois ceci. Au lieu de la forme, de la couleur, du ton, essayez de retourner votre pièce à l'envers ou sur le côté, essayez différentes directions qui obligent le cerveau à voir les choses différemment. Et cela aidera à le désactiver car nous ne voyons pas les visages à l' envers aussi souvent ou de côté Nous en voyons certains de côté, mais à l'envers, certainement pas aussi fréquemment C'est donc un excellent exercice à essayer. Même si vous êtes à peu près sûr d'être prêt à l'accepter, vous avez plutôt bien compris les choses. Essayez de retourner les choses à l'envers et voyez où les choses ne vont pas bien Ou donnez-vous simplement un peu d'espace. Rangez-le, revenez-y plus tard le lendemain, quelques heures plus tard, faites une pause lorsque cela ne vous vient pas à l'esprit, car lorsque vous y reviendrez, vous verrez ce qui ne va pas. En ce moment, je le vois. Je vois que l'angle sur lequel je place la tête n'est pas tout à fait correct, ce qui a gâché certains autres points, en particulier lorsque vous utilisez certains points en référence à d'autres aspects de la pièce, ce qui peut vraiment tout gâcher C'est là que je suis vraiment excitée. En ajoutant ce bleu sarcelle au contour de la sarcelle, cela ajoute simplement une couche qui manquait, et cela rend les choses vraiment excitantes cela ajoute simplement une couche qui manquait, et cela rend Et il suffit de voir ce qui se passe lorsque je crée ce contouring avec lui et que j'approfondis ces zones Il y a cette boucle qui entre dedans. Je dois avoir quelques chiens errants. Il n'est pas parfaitement adapté. Et c'est un peu chaotique avec certains de ces gribouillis, mais c'est ce que je veux dire. C'est donc très amusant d' ajouter de la couleur là où vous pensez qu'il y en a peut-être pas ici. Mais j'ai l'impression que parfois un brun peut sembler trop vif, et donc en y ajoutant une autre couleur, cela lui enlève déjà un peu de son éclat Si vous ne vous en êtes jamais rendu compte, essayez-le, entraînez-vous à mélanger plus de couleurs. Comment rendre une couleur vive un peu plus terne ou une couleur plus terne un peu plus Cependant, lorsque vous mélangez une couleur, cela la rend un peu moins éclatante. Mais si vous avez une couleur plutôt terne et que vous y ajoutez quelque chose de vraiment brillant, cela peut vous aider de toute façon, comme son éclat dans une certaine mesure, mais cela ne la rendra pas plus lumineuse que les couleurs que vous utilisez ? Absolument pas. Nous approchons donc de la fin de cet article. Nous avons presque terminé. Nous devons ajouter quelques détails ici. Comme vous pouvez le voir, j' ajoute du rouge et je vais m' amuser avec le fond. Sélectionnez donc le type d' arrière-plan que vous souhaitez, que vous l' ayez déjà fait, que vous souhaitiez qu'il soit plus lisse, je suis un schéma similaire à celui je suis un schéma similaire à du portrait que nous avons suivi. Mais vous pouvez certainement jouer. J'ai l'impression que j' aurais pu ajouter encore plus à l'arrière-plan et m'amuser davantage. Et qui sait ? Je vais peut-être essayer une autre pièce inspirée de Vincent Vango avec un support différent Maintenant que vous l'avez essayé, vous savez, les trois exercices et maintenant ce projet, il est temps de voir comment vous pouvez utiliser ces compétences, ces connaissances dans votre travail et dans votre vie. Que pouvez-vous en tirer ? Comment pouvez-vous l'améliorer ou vous l'approprier ? Nous ne voulons pas copier intégralement, mais quelles sont les choses que vous aimez et comment pouvez-vous les intégrer ? autre manière, je réfléchis aussi manière dont je peux faire partie de la communauté d'un artiste et, vous savez, le soutenir, d'une manière que je ne fais pas déjà de nouvelles manières, en personne. Tu sais, je peins souvent seul. Je n'ai pas l'habitude d' avoir un public, mais je pourrais peut-être mieux le connecter à l'ère numérique. Tu sais, les gens vont vivre et ce genre de choses ? Il est peut-être possible de se développer de cette façon et de franchir ce pas, ce qui est un peu effrayant. Mais voici la pièce finale. Le projet terminé. N'oubliez pas de le télécharger dans la galerie des étudiants. 16. Félicitations ! : Félicitations pour avoir atteint la fin de cette leçon. Donnez-vous une petite tape dans le dos. Tu le mérites. Je t'ai donné une petite récompense. Tu as réussi. Cette leçon. Bravo. Merci beaucoup d'avoir participé à ce cours. J'espère voir ton travail dans la galerie. Et si cela ne vous dérange pas, prenez juste une minute pour soumettre une critique pour ce cours. Cela m'aide vraiment à savoir dans quels domaines je me suis vraiment bien débrouillé et quels domaines puis-je améliorer ? Vos commentaires sont très précieux pour moi. Merci beaucoup. Et j' espère te voir au prochain cours. Nous allons donc continuer sur cette lancée en apprenant auprès des maîtres. Faites-moi savoir au cours de la discussion, créez une nouvelle discussion et dites-moi quel artiste vous aimeriez voir et étudier. Merci encore. Nous vous verrons la prochaine fois. Prends soin de toi. Au revoir maintenant.