Entrer en personnalité pour les acteurs et les actrices

1. Introduction: Bonjour, je m'appelle Justin pote. Je suis un acteur et acteur de voix basé à Los Angeles. Et ce cours est conçu pour vous apprendre à répondre à la question amorphe, Comment puis-je entrer dans le caractère ? Il y a quelques années, j'étais membre d'une compagnie de théâtre et le directeur de ma compagnie de théâtre m'a demandé comment je suis devenu personnage. J' ai réalisé à ce moment-là que je ne sais pas comment répondre à cette question. Je veux dire, j'ai compris les bases de ça. Vous devez comprendre vos lignes à travers et à travers. Vous devez connaître les motivations du personnage d' essayer de les connecter à votre propre vie intérieure. Mais je ne pouvais pas vraiment le décrire, ou du moins le décrire dans un processus reproductible. J' ai donc décidé de créer cette classe pour partager une technique que n'importe quel acteur pourrait utiliser pour entrer dans le personnage. Bien sûr, chaque acteur est différent. Parfois, les acteurs sont mieux à même de trouver le personnage en travaillant sur la physicalité. Certains acteurs ont vraiment besoin de se plonger dans la psychologie du personnage pour les comprendre. Donc, je dirais essayer tous les outils que je mets et puis voir ce qui fonctionne pour vous. Voyez ceux que vous souhaitez hiérarchiser lorsque vous créez un personnage. Et lesquels pensez-vous que vous pouvez obtenir vers la fin du processus de répétition sans plus tarder, commençons à créer un personnage. 2. Lire le script: Vous avez donc été mis en cache dans ce rôle incroyable, le rôle dont vous avez toujours rêvé. Mais avant de pouvoir monter sur cette scène ou marcher devant cette caméra et donner la performance de toute une vie. Il y avait quelque chose de très important que nous devons faire d'abord, nous devons lire le script. Mais on ne va pas lire le script une seule fois. On va lire le script trois fois dos à dos si possible. La première lecture. Notre objectif ici est d'embrasser l'histoire simplement en tant que fan de la narration, en tant que membre du public, puis nous voulons voir quels éléments de l'histoire résonnent en nous. Posez-vous la question, quelles parties de l'histoire m'ont frappé émotionnellement ? Quels personnages ai-je le mieux ? Quels sont les thèmes de cette histoire ? Quelle est l'intrigue de l'histoire ? Quelles sont les sous-parcelles de l'histoire ? La deuxième lecture. La deuxième lecture est tout à propos de vous. Vous allez lire l'histoire du point de vue de votre personnage. Alors prenez les choses personnellement, profitez de l'atmosphère de l'histoire. Dans les scènes où votre personnage n'est pas dans la pièce, imaginez qu'ils sont une mouche sur le mur pour entendre cette conversation. Quelles pensées ou sentiments pourraient surgir pour eux alors qu'ils écoutaient cela ? Les leçons à retenir que vous obtenez de lire le script comme celui-ci ne sont pas quelque chose qui devrait être mis en pierre comme un trait définitif ou un sentiment du personnage. Mais ce sont des panneaux uniques qui vous guident vers l'endroit où votre instinct veut explorer, où votre curiosité réside avec le personnage. La troisième lecture. Pour la troisième lecture, nous voulons écrire tous les faits que nous découvrons sur le monde de l'histoire, ainsi que les faits relatifs à notre personnage. Alors, découvrez à quelle heure de la journée il est, quelle année il est. Peut-être qu'il y a une ligne dans le dialogue qui décrit le type de vêtements que tout le monde porte. Mais ne sautez pas aux conclusions. Assurez-vous qu'il y a une ligne réelle qui dicte le fait que vous écrivez. Le, par exemple, si un personnage dit de beaux vêtements et vous prenez cela pour signifier que tout le monde porte des costumes ? Eh bien, c'est un saut dans la logique. Donc nous voulons nous assurer qu'il y a des preuves textuelles pour le fait que nous écrivions en ce qui concerne votre personnage tout ce qui est dit à leur sujet. Dans le Rêve de la nuit d'été. Dans le Rêve de la nuit d'été, Helena dit de la Crimée bien qu'elle ne soit que peu. Elle est féroce. C' est le genre de ligne que vous voudriez écrire sur votre personnage. Cela ne signifie pas nécessairement que le personnage se voit comme féroce, mais il est important de savoir comment les autres les perçoivent dans le monde. Une fois que vous avez terminé de lire le script trois fois, n'hésitez pas à faire une pause. Mais nous reviendrons au script tout au long du processus de répétition, il est important de lire le script autant que vous pouvez vous immerger dans le monde du script. On dit qu'Anthony Hopkins lit ses scripts une centaine de fois. Il ne mémorise pas les lignes. Il mémorise tout le script. Parfois, la revisite du script après un certain temps de travail sur le personnage peut conduire à de nouvelles idées sur le personnage. Donc, pour résumer, lors de votre première lecture, lisez-le en tant que membre du public. Au cours de votre deuxième lecture, lisez-le du point de vue de votre personnage. Au cours de votre troisième avidité. Écrivez tous les faits relatifs au monde et à votre personnage. Maintenant, nous allons passer aux questions des six acteurs dont nous avons besoin pour entrer dans le personnage. 3. Qui suis-je ?: Qui suis-je ? Maintenant, ce n'est pas une question philosophique profonde conçue pour vous casser. Il est conçu pour nos personnages afin que nous puissions laisser toute peur existentielle pour instant et nous concentrer sur le personnage avant de commencer à approfondir cette énorme question de qui suis-je ? Et il est important de se rappeler que nous voulons toujours nous rapporter au script. N' oubliez pas d'agir dans le cadre d'une forme artistique collaborative. Tous ceux qui travaillent sur la pièce ou dans le film ont aussi une voix artistique qu'ils aimeraient prêter à l'histoire. Nous devons donc toujours nous assurer que nos choix répondent honnêtement aux besoins et aux intentions du scénario. Pour faire ce genre de choix, nous devons comprendre comment notre personnage s'inscrit dans l'histoire. Alors essayez de comprendre ce qu'est l'intrigue de l'histoire. Quelles sont les sous-parcelles ? Qui sont les protagonistes, qui sont les antagonistes ? J' ai essayé de comprendre le rôle de vos personnages dans l'histoire. Sont-ils le héros de cette queue ou sont-ils le méchant ? Moi, David renifler lâche qui vend leurs amis ? Ou sont-ils le puissant guerrier qui lutte contre le statu quo ? Ensuite, essayez de comprendre vos personnages tout au long de l'histoire. Un arc de personnage est quand un personnage commence à un endroit au début de l'histoire, mais à la fin de l'histoire est transformé soit émotionnellement, psychologiquement, ou physiquement, ou les trois. Un bon exemple de cela vient du film, Les opportunités du Parrain. Et Michael Corleone commence à filmer ne voulant rien avoir à voir avec les affaires mafieuses de sa famille. Mais à la fin du film, on voit qu'il est devenu la nouvelle aube, le chef de la famille du crime. Donc, en ce qui concerne votre propre personnage, s'est demandé quand, comment et pourquoi mon personnage change ? Est-ce qu'ils commencent comme une personne généralement bonne et deviennent maléfiques vers la fin du script. Au début, sont-ils quelqu'un qui est plus un loup solitaire ? Mais à la fin de l'histoire, ils ont réalisé qu'ils avaient besoin d'une communauté. Encore une fois, je vous rappellerai que chaque personnage doit servir l'histoire. Donc, si votre personnage commence comme un bon gars qui devient alors violent, mal à la fin de l'histoire. Tu dois jouer dans cette mentalité de méchant. Parfois, les acteurs jugent leurs personnages. Si un personnage fait quelque chose de mal, il les considère comme une mauvaise personne. Mais une personne maléfique pense rarement qu'elle est maléfique. Ils ont leurs raisons. Ils pensent qu'ils font du bien. C' est notre travail en tant qu'acteurs d'empathie avec eux et de voir comment nous pouvons logiquement comprendre et même être à bord juste dans le jeu avec leurs actions. Maintenant vous poser la question, qui suis-je ? Ça va être un processus. Nous commençons le premier jour, et nous allons continuer à l'explorer tout au long du processus de création du personnage, tout au long du processus de répétition. Une façon que nous pouvons aider à nous identifier à la vie intérieure du personnage. C' est un truc simple, mais c'est un bon, c'est de commencer à se référer au personnage avec le pronom personnel. Par exemple, si je jouais Macbeth et que je me posais la question, pourquoi Macbeth tuerait le roi ? Au lieu de le formuler comme ça, ce qui met une certaine distance entre moi et le personnage. Je voudrais le dire comme ça. Pourquoi aurais-je tué le roi en utilisant le pronom personnel I, il devient plus personnel pour moi. Je suis mieux en mesure de m'accrocher à la vie intérieure du personnage. O. En résumé, toujours s'en tenir au script. Comprenez le rôle de vos personnages dans l'histoire. Déterminer l'intrigue et les sous-parcelles de l'histoire. Déterminez votre arc de personnage et commencez à utiliser le pronom personnel I. Dans la vidéo suivante, nous allons discuter de la façon dont la localisation joue un rôle important dans la création de votre personnage. 4. Où je suis là ?: Où suis-je ? La prochaine question que nous devons nous poser est : où suis-je ? Nous nous comportons tous différemment en fonction de l'endroit où nous nous trouvons. Par exemple, vous n'agissez pas de la même façon dans une église que lors d'un match de football. Nous interagissons tous avec notre environnement et notre physiquement et émotionnellement émus par celui-ci. Notre environnement influence nos actions. Imaginez sortir de la douche dans votre chambre. Imaginez que vous sortiez de la douche et que vous avez été téléporté au milieu de New York, vous allez vous comporter différemment. Ce n'est pas seulement l'endroit physique dont nous devons nous préoccuper. Nous devons également tenir compte de l'environnement dans lequel nous nous trouvons, en particulier des détails sensoriels qui peuvent nous affecter à ce moment -là. Donc, à chaque endroit où se trouve votre personnage, demandez-vous, quel est mon personnage ici ? Qu' est-ce qu'ils sentent ? Qu' est-ce qu'ils ont ressenti ? Une note rapide sur nos compétences sensorielles. C' est quelque chose sur lequel, en tant qu'acteurs, nous devrions constamment travailler à développer. Souvent, l'irréalité de la scène ou du plateau de film sur lequel nous sommes peut être écrasante. Et maintenant, souvent, les acteurs doivent travailler sur un écran vert où ils n'ont pas d'objets physiques autour d'eux pour se connecter. Il y a même une histoire sur e et Macallan qui se décompose sur le plateau de l'habitude. Maintenant par plateau, je veux dire, sur l'écran vert du Hobbit, il a commencé à pleurer et à dire que ce n'est pas pour ça que j'ai agi pour agir avec rien autour de moi et regarder, je suis avec toi Syrienne, c'est difficile, nous immerger dans les détails sensoriels de l'environnement qui sont censés être en bonne aide nous forger dans notre performance. Mais une autre chose à considérer est où vous êtes en termes de société et de culture, vous voulez savoir dans quel genre de société votre personnage vit. Sont-ils quelqu'un qui est respectable et de la société ? Ou ils ont regardé vers le bas, sont-ils des étrangers ou utilisent-ils à ce monde quand ils travaillent sur place, nous devons aussi considérer le moment avant entrer dans une scène et le moment où nous quittons une scène. Alors pensez à ce que votre personnage a pu faire avant qu'il n'arrive sur la scène. S' ils quittent la scène, essayez de considérer où ils pourraient aller et ce qu'ils vont faire. Donc, pour résumer, déterminez l'emplacement physique dans lequel se trouve votre personnage. Quels sont les détails sensoriels de l'environnement dans lequel vos personnages se trouvent ? Comment est la société ? Comment est la culture ? Nous avons donc vu certaines des nuances que l'emplacement peut apporter à nos personnages. Maintenant, nous devons nous poser une question très importante pour citer le Dr espace-temps de la communauté. La question n'est pas où, mais quand. 5. Quand je suis de mio ?: Quand suis-je quand on pose la question, quand suis-je ? Il ne se réfère pas seulement à l'heure du jour ou de la nuit qui sont des personnages dans. Il fait également référence à l'endroit où ils se trouvent sur la chronologie. L' histoire se déroule-t-elle dans le passé, le présent ou le futur ? Si votre histoire a lieu dans le passé, félicitations, parce que lui, vous venez de déverrouiller un trésor de ressources pour l'inspiration. Lorsque vous jouez un personnage qui était dans le passé, vous pouvez regarder des documentaires, vous pouvez regarder de vieilles photos. Vous pouvez trouver des livres écrits à ce moment-là, ou des livres qui analysent ce temps. Vous pouvez même trouver de la musique à partir de ce moment-là pour écouter. Le but de cette recherche est de mieux comprendre les normes sociales, les textures que vous pourriez ressentir pendant ce temps, les odeurs, que vous pourriez sentir. Tout ce qui peut vous aider à comprendre l'ère dans laquelle vous êtes. Cependant, l'un des pièges que nous devons surveiller quand nous travaillons avec un personnage qui est dans le passé, est qu'il peut nous conduire à l'acteur cliché. Par exemple, si vous jouez un cow-boy, eh bien, nous avons tous vu des films de cow-boy. On a tous joué à des jeux de cow-boys. Donc nous avons tous une conception générale de ce qu'est un cow-boy. Ils tiennent à leur ceinture. Ils disent partenaire Howdy, et ainsi de suite et ainsi de suite. Si vous décidez juste d'agir comme la généralisation d'un cow-boy, alors il sera plus difficile de se connecter à la vie intérieure de votre personnage. En adoptant, nous ne voulons jamais être général, nous voulons être précis. Un bel exemple de spécificité vient du Parrain. Quand Marlon Brando a joué Don Corleone, il a créé la voix emblématique que nous reconnaissons tous avec le parrain. Il a décidé que le Parrain avait été abattu dans le cou, c'est pourquoi il a parlé avec cette voix raspante. Maintenant, son choix était précis. Mais nous avons vu dans beaucoup d'autres photos de la mafia, les gens ont essayé d'imiter la même voix pour leurs personnages, et cela manque toujours un peu. Ils manquent de la spécificité que Marlon Brando avait, entre autres qualités étonnantes. Maintenant, lorsque je travaille sur la question de savoir quand suis-je, nous voulons considérer le temps, plus précisément, nous voulons considérer les événements qui ont mené au début de l'histoire. Que s'est-il passé dans les jours précédant cette histoire ? Que s'est-il passé dans les mois précédents ? Que s'est-il passé dans les années précédentes ? Qu' est-ce qui a construit votre personnage ? Lorsque nous comprenons le passé, il peut fonder notre action et il peut nous aider à comprendre les besoins et les désirs du personnage dans le présent. Si vous travaillez dans le présent, ils sont encore des recherches que vous pouvez faire. Par exemple, si votre personnage est un défenseur des droits des animaux, commencez à vous plonger dans la recherche sur les droits des animaux. Essayez de comprendre ce que ce style de vie est comme vos personnages à l'avenir. C' est probablement une conversation que vous voudrez avoir avec le réalisateur ou l'auteur du film. Quand les gens font de nouveaux mondes, ils ont parfois des règles différentes qui sont promulguées dans le monde entier. Ces règles peuvent avoir un impact sur votre personnage. Donc, en résumé, déterminez où vous êtes sur la chronologie, le passé, le présent ou l'avenir. Évitez les clichés. Allez-y avec spécificité. Comprendre les événements précédents qui ont précédé le premier moment de l'histoire. Maintenant que le temps est couvert, il est temps de passer à notre prochaine question. 6. Qu'est-ce que je veut ?: Qu' est-ce que je veux ? En tant qu'êtres humains ? Nous sommes tous motivés par les désirs et les besoins. Ces désirs et ces besoins se manifestent dans nos actions et nos paroles. Alors discutons des objectifs pour le dire clairement, et l'objectif est ce que votre personnage veut. Certains acteurs aiment considérer un super objectif pour leur personnage. Le Super objectif est un besoin qui régit les personnages toute la vie dans le Tennessee Williams, un chat sur un toit en tôle chaude. On voit comment le caractère de Maggie est régi par le Super objectif d'être financièrement stable. La première scène, elle raconte comment la famille courtier a toujours été et nous regardons comment ce super objectif guide ses actions et ses paroles tout au long de l'histoire. Pour certains acteurs, savoir qu'ils sont super objectifs est incroyablement utile. Ils trouvent que cela justifie cette performance et leur permet savoir à quoi leurs personnages devraient toujours travailler. Cependant, certains acteurs préfèrent se concentrer uniquement sur les objectifs trouvés dans l'histoire. C' est quelque chose que nous devrions tous faire. Alors parcourez l'histoire et découvrez vos principaux besoins et désirs dans toutes les scènes dans lesquelles se trouve votre personnage. Ces objectifs devraient être liés aux événements et préférence, faire avancer l'action dramatique. Une bonne façon de trouver ces objectifs est de se demander, si j'étais dans la situation du personnage, ce que je voudrais ? Vous poser cette question ? Si j'étais dans ce scénario est appelé la magie. S' il s'agit d'un outil créé par Constantine Stanislavski, vous pouvez l'utiliser chaque fois que vous travaillez sur le personnage. L' idée est de vous demander, si j'étais dans cette position, si j'avais ce genre de parents, si j'étais le prince du Danemark, Comment me comporterais-je ? Cela nous aide à relier nos émotions, notre vie intérieure, aux personnages de sa vie. Maintenant, les objectifs ne sont pas quelque chose à avoir mis dans la pierre après la première répétition. Vous voulez expérimenter avec des objectifs. Par exemple, vous pouvez prendre un objectif à la répétition, essayer dans la scène, puis en essayer un autre le lendemain. De cette façon, vous pouvez voir comment vos performances évoluent avec différents objectifs. Les objectifs ne doivent donc pas être fixés dans la pierre. Il y a des outils pour nous aider à explorer le personnage. Un autre conseil avec des objectifs est de toujours essayer de les écrire sous une forme positive. Par exemple, vous pourriez écrire, je veux qu'elle reste plutôt que je ne veux pas être rejetée. Lorsque nous utilisons un objectif positif, cela nous donne quelque chose à poursuivre activement sur la scène, ce qui rend notre performance plus active et plus engageante. Maintenant, parfois au milieu d'une scène sont les objectifs peuvent changer. C' est ce qu'on appelle un rythme. Par exemple, si mon personnage rentrait à la maison pour rompre avec sa petite amie, il ouvre la porte, il allume les lumières et soudain tous ses amis sortent de derrière les meubles et crient surprise. Son objectif de rompre avec sa petite amie va changer. C' est quelque chose à rechercher dans notre script. Demandez-vous, quand mes personnages objectifs changent-ils dans la scène ? Donc, en résumé, les objectifs sont ce que veut le personnage. Un super objectif est le seul besoin qui régit la vie du personnage. Découvrez ce que le personnage veut dans chaque scène. Trouvez les rythmes dans les scènes. Ne fixez pas d'objectifs et de pierre. Donc, bien sûr, nous voulons tous des choses. Le problème, c'est qu'il y a toujours quelque chose qui gêne le chemin. C' est de ça que nous parlerons ensuite. 7. Qu'est-ce que mon obstacle ?: Quel est mon obstacle ? Imaginez une histoire où un personnage voulait désespérément un Twinkie. Elle est allée au réfrigérateur, elle l'a ouvert. Elle a attrapé le Twinkie et l'a ombragé. La fin. Ou imaginé dans le Seigneur des Anneaux, si Gandalf a donné Frodon l'Anneau, mais il a dit, ne vous inquiétez pas petit hobbit, je peux créer un cercle de téléportation, mais ça nous mènera droit au Mont Doom. On devrait en avoir fini dans environ deux minutes à plat. Ça détruirait mon enfance. Et ce serait aussi une histoire moins convaincante. Vous voyez que nos personnages ont ces désirs, ces choses qu'ils essaient d'accomplir. Mais l'histoire n'est intéressante que parce que les choses gênent le chemin. Les obstacles sont les choses qui empêchent nos personnages d'obtenir ce qu'ils veulent, ou du moins ils essaient d'empêcher nos personnages d'obtenir ce qu'ils veulent. Maintenant, les obstacles ne doivent pas être seulement des objets et des gens. Ils peuvent provenir de vos circonstances passées et présentes. Ils peuvent provenir de votre propre psyché, des objectifs contradictoires d'autres personnages, vos relations et même de votre environnement. Sans obstacles, il n'y a pas de conflit. Et sans conflit, il n'y a pas de drame. Donc, en tant qu'acteurs, ce que nous devons faire est de parcourir le scénario et de nous poser la question, qui et ce qui m'empêche d'obtenir ce que je veux ? Une autre astuce pour les obstacles est de s'assurer qu'ils sont immédiats ou urgents. Le personnage a un examen massif à venir, mais il est dans deux mois, alors la pression pour étudier ne sera pas aussi grande. Cependant, si l'examen est dans quatre heures, alors nous allons voir une histoire plus intéressante. Donc, en conclusion, les obstacles sont les choses qui empêchent ou s'opposent aux personnages d'obtenir ce qu'ils veulent. Les objectifs ne sont pas toujours tangibles. Ils peuvent aussi être intangibles sans obstacles, il n'y a pas de conflit et donc pas de drame. Et les obstacles sont toujours meilleurs quand leur immédiat et urgent. Ensuite, nous allons parler de la façon dont votre personnage répond aux obstacles, comment ils obtiennent ce qu'ils veulent. 8. Comment puis-je obtenir ce que je veut ?: Comment puis-je obtenir ce que je veux ? Maintenant, nous comprenons ce que veut notre personnage. Nous comprenons les obstacles qui s'opposent à eux. Maintenant, nous devons déterminer comment va notre personnage pour obtenir ce qu'ils veulent. Vous avez peut-être entendu l'expression, agir, c'est traiter. Essentiellement, ce que cela signifie, c'est que le caractère est révélé par des actions, pas seulement par des mots. Nous nous référons aux choses que nos personnages font pour poursuivre leurs objectifs en tant que tactiques. Les tactiques peuvent être physiques ou psychologiques. Beaucoup d'acteurs étaient dans leur carnet ou dans leur scénario, parfois juste à côté de la ligne. Leur tactique pour obtenir ce qu'ils veulent dans une scène. Par exemple, si vous êtes dans une scène où votre personnage veut, obtenir des informations sur quelqu'un, vous pouvez écrire des tactiques comme prier, être ami, faire preuve de respect. Des choses qui pourraient amener l'autre personnage à vous donner ce que vous voulez. Les tactiques sont similaires aux objectifs et que nous ne voulons pas les mettre dans la pierre. Nous voulons expérimenter avec eux tout au long du processus de répétition. Maintenant, une petite note sur les tactiques. Je n'écris pas mes tactiques. Ce prof, je n'ai pas toujours été comme j'avais l'habitude d'écrire ma tactique, mais j'ai découvert que quand j'ai fait ça, j'avais la notion préconçue de la façon dont la scène devait se dérouler. Dans mon esprit, je développe la bonne façon de faire la scène, ce qui n'est pas vrai. Il n'y a pas de bonne voie pour une scène. Il y a des vérités et des mensonges. J' ai donc constaté que lorsque j'ai écrit ma tactique, je pensais constamment à la responsabilité que j'avais envers la scène plutôt que d'être dans le moment et de m'engager activement avec mon partenaire de scène. L' autre raison pour laquelle je ne les utilise plus, c'est que je pense que dans la vie, on ne tient pas vraiment compte de nos tactiques. Nous nous adaptons en fonction de la conversation. En tant qu'humains, nous sommes tous très adaptables. Par exemple, si vous et moi devions nous rencontrer à une fête et qu'on a commencé à avoir une conversation amoureuse et polie. Vos tactiques pourraient être plutôt positives au début de la conversation. Puis à mi-chemin, imaginons que j'ai dit quelque chose d'horrible, horriblement offensant. Eh bien, vos tactiques changeraient naturellement. Vous n'auriez pas besoin de prendre le temps de réfléchir à la façon de changer vos tactiques. Vous commencerez instantanément à les déplacer simplement par votre adaptabilité. Maintenant, avant de décider de ne plus jamais utiliser de tactiques, rappelez-vous, j'ai essayé les deux méthodes encore et encore pendant de nombreuses années. J' utilise des tactiques, puis j'ai décidé de passer à cette nouvelle façon de travailler. Donc je dirais essayer les deux, expérimenter avec la façon dont vous agissez des changements quand vous utilisez des tactiques. Et puis essayez simplement d'être dans le moment, concentrant sur ce que vous voulez et en vous adaptant à la façon dont le personnage répond à vous, bien que, en résumé, les tactiques soient les choses que nous faisons pour atteindre nos objectifs. Ils peuvent être physiques ou psychologiques. Vous pouvez écrire les tactiques de l'année prochaine lignes, ou tout simplement vous concentrer sur ce que votre personnage veut et adapter en conséquence. Voilà donc les questions des six acteurs. Maintenant, nous allons discuter quelques outils supplémentaires que nous pouvons utiliser pour donner vie à notre personnage. 9. Outils supplémentaires: Discutons maintenant des outils que les acteurs peuvent utiliser pour approfondir le caractère. Le premier outil dont nous allons discuter est la substitution. La substitution consiste à remplacer des objets et des personnes dans l'histoire par des objets et des personnes de votre propre vie. Cela peut nous aider à nous identifier avec des aspects du caractère qui peuvent ne pas nous rapporter dans notre propre vie. Par exemple, si vous étiez sur le point de jouer un tueur, vous ne seriez pas capable de revenir sur une expérience que vous avez de tuer quelqu'un, n'est-ce pas ? Cependant, peut-être qu'il y avait un temps où vous aviez l'impression de tuer quelqu'un ou peut-être que vous avez eu une fois dans un combat qui a perdu la main, au lieu d'essayer de générer l'émotion et la physicalité d'un tueur à partir de zéro, vous pouvez revenir sur ces souvenirs qui sont semblables au personnage. Il existe généralement deux écoles de pensée sur la substitution. L' une est d'utiliser vos propres souvenirs et situations de votre vie pour se connecter avec le personnage. Cette technique a été popularisée par Constantine Stanislavski. Udl Hogan clarifie l'idée quand elle dit que nous devons faire ce transfert. Nous devons faire ce transfert, cette découverte des personnages en nous-mêmes à travers une série continue et chevauchante de substitutions à partir de nos propres expériences et Souvenirs et les placer à la place du fiction dans la pièce. Disons que votre personnage avait une lettre qui les faisait chanter. Vous pourriez remplacer le contenu de cette lettre par quelque chose que vous, comme votre propre personne voudrait garder secret. La deuxième technique à utiliser pour la substitution, elle a été popularisée par Stella Adler. Elle a dit qu'elle avait eu une conversation avec Stanislavski avant passer, où il a écarté l'idée de n'utiliser que vos souvenirs. Au lieu de cela, il était d'accord avec elle pour dire que nous devrions utiliser notre imagination. Comme elle l'a dit, n'utilisez pas votre passé conscient. Utilisez votre imagination créative pour créer un passé qui appartient à votre personnage. Je ne veux pas que tu sois coincé avec ta propre vie. C' est trop petit. J' ai utilisé les deux techniques et ce que je trouve fonctionne pour moi est en fait de créer un hybride des deux. Ce que j'aime faire, c'est utiliser mon imagination, mais remplacer les personnages par des gens que je connais dans ma propre vie. Par exemple, si l'histoire implique que je trahie mon meilleur ami, alors j'imagine mon vrai meilleur ami dans ce rôle et les émotions qui viendraient si je les trahissais. Un autre outil à considérer lorsque vous travaillez sur nos personnages est l'outil de dotation. Cet outil est similaire à la substitution en ce sens qu'ils sont tous deux utilisés pour stimuler l'imagination. Cependant, cette technique consiste à doter les objets physiques que vous utilisez et la performance des mêmes qualités physiques qu'elles ont dans la vie réelle. Par exemple, disons dans l'histoire que votre personnage doit ramasser une valise remplie de pierres lourdes. Maintenant, le service d'accessoires ne va pas remplir la valise avec de lourdes pierres. Je veux dire, ce serait gênant pour tout le monde impliqué. C' est donc votre travail en tant qu'acteur de comprendre les qualités physiques que la valise aurait si elle avait de lourdes pierres à l'intérieur. Pour certains acteurs, cela peut sembler une petite chose à craindre. Je veux dire, est-ce que le public va vraiment s'en soucier si je ramasse cette valise comme si elle ne pèse rien ? Eh bien, la réponse courte est oui. Dans Bryan Cranston, c'est une autobiographie, il parle des petites choses qui composent les performances. Il dit que si suffisamment de petites pauses par rapport à la réalité se produisent, le public n'achètera pas. Pas seulement cela cependant, vous dotez des objets physiques que ces objets se sentiront plus réels pour vous aussi. Cela vous permettra d'agir et de le rendre plus crédible pour vous-même et donc pour votre public. Lorsque nous dotons ces objets, essayez d'utiliser tous vos sens pour rendre l'objet plus réel pour vous. Rappelez-vous également que les objets peuvent avoir des qualités physiques ainsi que des qualités émotionnelles. Par exemple, si ta grand-mère t'a donné un collier qu'elle avait gardé toute sa vie ? Eh bien, que Nicholas va avoir de l'Ajahn. Il existe depuis longtemps. Il a aussi une valeur émotionnelle pour vous. C' est personnel. Nous voulons donc doter l'objet de ces qualités émotionnelles. Le dernier outil dont nous voulons discuter est le quatrième mur. Donc si on est sur scène, on a la toile de fond derrière nous. Nous avons nos deux côtés, puis devant nous, nous avons le public. Ou si nous tournons, nous avons la caméra à quelques centimètres de nous dans certains cas, maintenant bien sûr, nos personnages ne voient pas le public. Ils ne voient pas la caméra. Mais parfois, en tant qu'acteurs, il peut être difficile de surmonter le fait que ces deux choses sont si présentes. Donc, nous créons ce mur imaginaire, le quatrième mur tout en complétant la pièce ou prolongeant l'horizon si nous sommes une zone extérieure, cette façon nous ne sommes pas aussi conscients du public ou de la caméra à, pour noter les distractions du public ou de la nous nous concentrons entièrement sur ce que veut notre personnage et nous créons le quatrième mur pour certains acteurs, le quatrième mur est toujours détaillé et spécifique quand ils le regardent. Et si c'est le cas, c'est génial pour eux. Certaines personnes sont très visuelles, mais rappelez-vous le quatrième mur et n'a jamais à être autre chose qu'une métaphore. Son seul objectif est de protéger votre réalité d'être brisée par le public ou la caméra. Donc, en conclusion, nous pouvons utiliser la substitution, ce soit à partir de nos propres souvenirs ou notre imagination pour remplacer des personnes et des objets dans la pièce. Et le vent arrière est utilisé pour donner des objets tangibles et agissent les qualités physiques précises qu'ils auraient dans la vie. Utilisez le quatrième mur, le mur imaginaire, complétant la pièce ou la zone dans laquelle vous vous trouvez pour protéger votre réalité du public ou de la caméra. Maintenant que nous avons discuté de ces outils supplémentaires, plongons un peu plus profondément dans le processus de création d'un personnage. 10. Recherche: Nous avons passé en revue les six questions principales que vous allez vous poser lorsque vous travaillez sur une pièce. Maintenant, nous allons plonger un peu plus profondément dans le développement de notre personnage. Rappelez-vous que le caractère est révélé par l'action. Et que vous jouiez un Joe moyen ou un PDG, vous voulez toujours viser à être un être humain crédible. Le texte est notre plus grande ressource pour enrichir le personnage. Et nous voulons toujours revenir au texte en répondant à la question, qui suis-je ? La raison pour laquelle qui suis-je était la première question est qu'elle touche toutes les autres questions que nous avons. Par exemple, vous ne pouvez pas déterminer vos tactiques tant que vous ne savez pas comment le personnage le ferait, jusqu'à ce que vous sachiez qui vous êtes. Avant d'aller plus loin, j'aimerais discuter de quelque chose. Beaucoup d'acteurs ont cru que se perdre dans la partie est l'idéal. Nous entendons des histoires tout le temps où des acteurs se font applaudir pour leur caractère profond. Cela peut nous conduire, en tant qu'acteurs, à nous efforcer de nous perdre dans un rôle que nous faisons, juste que nous perdons notre propre âme . En réalité. Nous voulons utiliser le rouleau pour explorer des aspects de nous-mêmes qui nous relieront plus profondément au personnage et donneront une performance plus véridique. Donc, plutôt que de vous détourner de vous-même, essayez de vous retrouver dans le rôle. Ryan Gosling dit que, tous mes personnages ou moi, je me rapporte à chacun de ces personnages parce que les aspects de leur personnalité me ressemblent. Et je ramène les parties de moi-même qui sont eux et je refuse les parties qui ne le sont pas. Alors rappelez-vous que vous êtes la plus grande ressource pour votre personnage. Il y a une raison pour laquelle tant d'artistes différents reviennent au rôle de Hamlet à chaque fois et d'autres acteurs entrent dans le rôle de Hamlet, ils apportent leur propre humanité unique au personnage. C' est ce que nous voyons, c'est ce qui nous attire, et c'est pourquoi nous avons tant de représentations différentes de Hamlet. Revenons à la question de savoir qui suis-je ? Parce qu'il peut être assez intimidant de penser que vous ne pouvez pas répondre aux autres questions tant que vous n'aurez pas compris celle-ci. Je veux dire, c'est une question énorme. Donc, quand nous cherchons la réponse à qui je me souviens, elle ne sera pas trouvée instantanément. C' est pourquoi nous avons le processus de répétition pour essayer de trouver cette réponse. C' est là que nous pouvons expérimenter nos tactiques, avec nos différents objectifs, ainsi que nous expérimentons comment nous voyons différentes relations dans la même chose. Cependant, dans le cinéma et la télévision, Vous pourriez ne pas avoir la chance d'explorer le personnage avec la même quantité de temps que vous le feriez dans le théâtre. Dans ce cas, nous devons nous appuyer davantage sur le texte. Une façon de le faire est de parcourir littéralement le script. Et après chaque ligne, votre personnage parle, se demandant pourquoi mon personnage dirait ça ? En explorant le genre de choses qu'ils disent façon dont ils parlent, la conversation ou la façon dont ils répondent aux questions. Nous pouvons nous rapprocher de la psychologie du personnage, ce qui nous aidera à comprendre le personnage. Voici quelques choses que vous pouvez surveiller lorsque vous lisez le script. Encore une fois, essayez de comprendre tous les conflits humains qui se produisent tout au long du script. Voyez si vous pouvez comprendre les besoins opposés de différents personnages. Recherchez des liens personnels, des images, des odeurs, des sons et des sentiments. Relation aux événements du script. Notez tous les mots clés et expressions qui renseignent et décrivent votre personnage. En faisant ces choses après chaque lecture, notre compréhension de l'intention de l'auteur devrait devenir plus claire. Rappelez-vous que nos personnages doivent toujours servir l'histoire. Donc, comprendre ce que voulait le dramaturge ou le scénariste est une grande partie de la création d'un personnage véridique pour aider avec l'intention d'auteur, essayez de définir en une phrase ce que l'auteur essayait de communiquer avec cette œuvre. Lorsque nous travaillons de cette manière à partir de l'intention de l'auteur, notre personnage servira toujours le texte plutôt que de servir notre propre ego. Demandez-vous constamment, que veut l'histoire ? plus de plonger dans le scénario, nous pouvons aussi concentrer notre énergie sur la recherche. Le but de notre recherche est d'essayer de comprendre comment notre personnage devenu la façon dont il est physiquement et émotionnellement. Avant le début de l'histoire. Certains acteurs choisissent de faire leurs recherches en écrivant des histoires de fond entières pour leurs personnages. Viggo Mortensen écrit une histoire depuis la naissance de son personnage jusqu'au début de l'histoire qu'il raconte. Avoir ce genre de passé détaillé peut vous fonder sur votre performance. Cependant, vous devez être prudent lorsque vous écrivez quelque chose comme ça, car il est possible que le réalisateur ne soit pas d'accord avec un élément de votre passé et que vous vouliez jouer le personnage d'une manière différente. Parfois, nous devons faire preuve de souplesse avec nos administrateurs. Encore une fois, le storytelling est collaboratif, donc nous voulons permettre au réalisateur d'avoir aussi son point de vue sur le personnage. Ils peuvent voir quelque chose avec le personnage ou avec l'histoire globale que vous ne voyez pas à partir de votre objectif étroit sur le personnage. Une autre bonne façon d'en savoir plus sur le personnage est de remplir un questionnaire sur le personnage. Vous pouvez les trouver simplement en cherchant en ligne et ils peuvent fournir différents types de questions, choses que vous pourriez ne pas penser qui vous aideront à mieux comprendre votre personnage. Une dernière façon d'en savoir plus sur notre personnage est de nous poser des questions abstraites sur le personnage. Quelque chose comme, si votre personnage était un verre, quelle boisson seraient-ils, ou quelle couleur ressemble le plus à votre personnage ? Nous poser ces questions abstraites peut nous aider à nous engager avec le personnage d' une manière qui est un peu hors des sentiers battus et peut-être plus créative. En fin de compte, ce que nous devrions faire est de nous poser des questions sur les personnages. Vous pouvez soit les écrire ou simplement passer un peu de temps à méditer sur eux. Je dirais que votre imagination s'enfuit. Posez n'importe quelle question, quelle que soit la taille ou la taille de la question, Qui était le seul véritable amour de ma vie ? Ou ça peut être quelque chose comme, qu'ai-je pris pour le petit déjeuner ce matin ? Ce sont toutes des questions qui sont stimulées par votre subconscient, il vous montre ce qui pourrait vous intéresser en tant que personnage. Alors pensez à eux, écrivez-les si vous n'y répondez pas, ayant les questions dans votre subconscient percolant toute la journée, ou peut-être vous conduire à de nouvelles idées. Pour résumer, revisiter et plonger dans le script. Considérez l'intention d'auteur. Cherchez le personnage. Rédigez une histoire de fond, remplissez un questionnaire sur les personnages ou envisagez des questions abstraites pour vous aider à comprendre comment votre personnage est devenu comme il est au début de l'histoire. On va parler du côté physique de nos personnages. 11. Physiquement: Physicalité, Sanford Mies ni une fois dit une once de comportement vaut une livre de mots. Par cela, il veut dire que notre caractère est révélé à travers ce qu'ils font, pas nécessairement ce qu'ils disent. Fondamentalement, le public peut lire le personnage en fonction de la façon dont le personnage est assis, comment ils se tiennent, comment ils boivent une tasse de thé. Toutes les actions physiques de caractère fait, aide le public à créer l'image de ce personnage. Un bon exemple de ces citations annonceurs comportements vaut une livre de mots vient de feu grand acteur John, parce que l du film chasseur de cerfs, pendant la scène de fête de mariage, son personnage est censé courir dans un tard aligner avec le reste des damiers qui se préparent à prendre une photo. C' était ce qui était écrit dans le script parce que le personnage de la SLA arrive, il fait la queue, ils prennent la photo, il était en retard. C' est ce que les indices surpassés. Au lieu de cela, il a couru rapidement juste avant que la photo ne soit prise. Il a regardé vers le bas, a réalisé que sa braguette était dézippée et l'a glissée vers le haut. Et juste par cette petite improvisation, par ces petits amplis de comportement, nous avons une meilleure compréhension de son caractère. Il y a essentiellement deux façons de manifester notre physicalité. Et ils se rapportent aussi à la façon dont nous créons un personnage. On peut travailler soit de l'intérieur, soit de l'extérieur. Inside out signifie que vous commencez à partir de la vie intérieure du personnage et utilisez les pulsions psychologiques et émotionnelles pour se manifester dans la physicalité à l'extérieur par des moyens commençant par la physicalité, ce que fait le personnage, comment ils déplacer, et l'utiliser pour informer la vie intérieure du personnage. Si vous décidez de travailler de l'intérieur vers l'extérieur, essayez de discerner ce que le personnage peut ressentir à différents moments tout au long du script. Alors demandez-vous, quand ai-je ressenti quelque chose comme ça ou quelque chose de similaire ? Quels sont les parallèles que je peux trouver dans ma propre vie, je devais une fois jouer un personnage qui a eu un énorme combat avec leur autre significatif. Maintenant, j'ai été dans des situations de ma propre vie où j'ai été dans des combats avec mon autre important. Je devais me demander Comment étais-je pendant ces moments, quel était un sentiment ? Comment ai-je réagi physiquement ? Je sais que quand je me bat, je ne fais pas beaucoup de contact visuel. Je suis aussi très rigide. C' est comme ça que je me débrouille dans une altercation verbale avec un autre significatif. J' ai donc apporté ces traits que la physicalité au personnage de travailler de l'extérieur dans, nous inversons cette procédure. Nous commençons à jouer avec différents mouvements physiques. Peut-être que ça gratte un sourcil, peut-être que ça caresse ta barbe. Peut-être que c'est la façon dont vous secouez la tête. Nous voulons essayer une physicalité différente et voir comment cela affecte nos émotions et notre psychologie. Essayez donc différentes façons de parler, de marcher et d'interagir avec le monde qui vous entoure. Mais nous n'avons pas seulement à nous concentrer sur les grands mouvements. Il est également intéressant d'explorer la physicalité avec de petites choses aussi. Essayez de comprendre comment votre personnage se brossent les dents. Comment ont-ils fait du café ? Comment attachent-ils leurs chaussures ? Lorsque nous explorons ces différences subtiles, nous pouvons lentement nous intégrer dans le caractère d'une manière organique qui pourrait nous sembler plus naturelle. Une autre bonne idée, juste en général pour jouer est de toujours garder un carnet avec vous lorsque vous sortez, ou peut-être garder un onglet Notes ouvert sur votre téléphone. Chaque fois que vous êtes dehors, passez du temps à regarder les gens. Je veux dire, c'est ce qu'on va jouer, non ? De vraies personnes. Alors regardez comment les gens se comportent dans le monde. Lawrence Olivier gardait un cahier qu'il utiliserait chaque fois qu'il sortait et qu'il regardait les gens. Si tu voyais un comportement intéressant, il l'écrirait dans son carnet. Donc il peut peut-être l'utiliser pour un personnage ou plus tard. Quelle que soit la méthode que vous choisissez, n'oubliez pas la physicalité que vous explorez doit être liée au texte. Non seulement cela, il est important de ne pas enfermer notre physicalité dès le début en tant qu'artistes, nous devons prospérer sur l'incertitude du processus créatif et nous devons faire choix qui peuvent nous faire peur parce que cela signifie qu'il y a un plus grand risque, une plus grande chance d'être révélée. Si nous faisons des choix sûrs, cela nous donne une marge de manœuvre pour nous cacher, qui n'est pas ce que nous voulons faire, ce sont des acteurs. Une dernière chose à retenir avec physicalité est que notre physique de base peut changer en fonction de l'intention du moment. Donc, d'un moment à l'autre, alors que les objectifs de nos personnages changent ou que leur intention change, leur physicalité peut aussi changer. Par exemple, si votre personnage marche dans la rue pour se rendre à une fête d'anniversaire, cela aura l'air différent de si votre personnage marche dans la rue pour se rendre à un enterrement. Donc, pour résumer, une once de comportement vaut une livre de mots. Nous pouvons trouver la physicalité en travaillant de l'intérieur vers l'extérieur ou de l'extérieur dans. Si vous travaillez de l'intérieur vers l'extérieur, décidez ce que le personnage ressent et déterminez comment vous vous êtes comporté dans votre vie quand vous vous sentez de la même façon, travaillant de l'extérieur et essayez différentes actions physiques, soit grand ou petit, et voyez comment ils ont un impact sur votre personnage. Gardez un bloc-notes et notez tout comportement intéressant que vous voyez dans le monde. physicalité de l'explorateur telle que révélée par le texte, ne vous contestez pas de la physicalité tôt. Et la physicalité de base peut changer en fonction de l'intention. Ensuite, nous discuterons de l'importance des relations et de la façon dont elles affectent notre caractère. 12. Relations: Il y aura du sang est l'un de mes films préférés de tous les temps. Je ne jette pas le mot chef-d'œuvre beaucoup, mais mon Dieu, c'est un chef-d'œuvre. Daniel Day Lewis, sa performance en tant que Daniel Plainview, est dans mon esprit la plus grande performance d'acteur que j'aie jamais vue. Ils perdent est dit être le plus grand acteur de méthode vivant, sinon, de tous les temps. Cependant, même le jour même Lewis l'a dit, vous ne connaissez pas vraiment le personnage avant de commencer à jouer avec les autres acteurs, jusqu'à ce que vous compreniez les relations. Nous devons établir les relations de votre personnage avec tous ceux qu'ils voient ou entendent parler de notre relation avec la personne et peuvent commencer avant même de les rencontrer, nous construisons une image mentale de qui cette personne est basée sur des choses que nous pouvons avoir vu à leur sujet, ou basé sur des choses que d'autres personnes ont dites. Parfois, nous développons même une connexion émotionnelle avec cette personne malgré à nouveau, ne les ayant jamais rencontrées. Un bon exemple récent de cela, selon quand vous regardez ceci, est tiré du film Joker Walking personnage de Phoenix, Arthur Fleck a une relation avec le personnage de Robert do Nero Murray, qui anime une émission de télévision. Même si Arthur n'a jamais rencontré Murray, il ressent un lien émotionnel avec lui au point que cette relation entraîne une partie du film. Donc, notre travail ici est de développer toutes ces relations avec détails spécifiques qui affectent votre vie intérieure et vous affectent émotionnellement. Une façon de le faire est de discuter avec d'autres interprètes leurs relations qui se produiront sur scène ou sur le film. Parfois, avoir une histoire partagée avec la personne, une histoire sur laquelle vous êtes tous les deux d'accord peut vous aider à vous fonder tous les deux dans le moment. Une autre chose que vous pouvez faire avec d'autres interprètes est demandé si vous pouvez improviser comme vu du passé de votre personnage ensemble. Peut-être une scène qui n'est même pas dans le scénario. Par exemple, si vous jouez à un couple marié qui a passé 20 ans ensemble, peut-être que vous pouvez améliorer ce que était le premier état. De cette façon, vous avez une vraie mémoire sensorielle. Vous pouvez vous en remettre lorsque vous regardez cette personne et pensez à votre relation. Parfois, on n'a pas la chance de travailler avec les autres acteurs, ou peut-être qu'ils ne sont pas dans l'idée improvisée ou partagée de l'histoire. Je sais que certains acteurs veulent juste trouver leur propre histoire et c'est très bien. Nous devons travailler dans toutes les limites que nous avons. Donc, une autre façon de commencer à travailler sur nos relations est de commencer par définir les relations dans le script avec un terme global large. Donc nous pourrions définir une relation avec les mots, je les aimais, ou je les déteste, ou je suis intimidé par eux, ou je suis encouragé par eux. Nous utilisons une phrase large pour commencer, puis nous plongons dans les détails et comprenons ce que nous voulons que l'autre personnage ressente. Pour plonger dans les détails. Encore une fois, nous nous concentrons sur le texte et nous nous concentrons sur le travail que nous faisons sur le plateau. Une autre chose qui peut aider à donner vie à nos relations est de se concentrer sur les tentes érigées majeures et mineures sur la personne. Peut-être que vous décidez que l'autre personnage en dit beaucoup trop. Et ça te dérange comme ça. Chaque fois que ce personnage dit genre, tu vas avoir une réaction. Bien sûr, lorsque nous décidons de ces irritants, rappelez-vous un doit avoir un sens dans le texte. Si vous jouez à Juliette et que vous décidez que tout ce que Roméo fait est ennuyeux, vous n'allez pas servir l'histoire. Nous voulons également considérer le statut en fonction de notre relation. Par exemple, si vous jouez à un patron qui parle à l'employé, cela va être différent de si vous jouez à un employé qui parle à son patron. statut peut être défini comme place réelle ou imaginée de chaque personne dans la hiérarchie sociale par rapport à tout le monde, les gens portent souvent des jugements sur leur propre importance par rapport aux autres autour d'eux sur la base de cela, statut et statut peuvent même former notre physicalité. Par exemple, si votre personnage est président des États-Unis, ils se sentent probablement beaucoup d'autorité, beaucoup de pouvoir. Alors peut-être qu'ils sont grands, peut-être qu'ils bouffent leur poitrine, peut-être qu'ils parlent d'une voix très présidentielle. Inversement, si votre personnage se considère classe basse sont sans importance, que peut-être l'essayer de se cacher avec leur physicalité. Peut-être qu'ils se tiennent constamment, les rendant plus petits. Peut-être parler un peu tranquillement, nerveusement parfois, si c'est OK. Une autre chose sur laquelle vous devez vous concentrer est la façon dont votre personnage perçoit son statut par rapport à tout le monde. Et le maître d'œuvre m'a dit Quand vous jouez le roi, cherchez le mendiant en eux. Quand tu joues au mendiant, cherche le roi. Je pense que c'est un point très intéressant parce que nous avons tous des moments dans notre vie où nous nous sentons forts. On a l'impression d'avoir une certaine autorité. Nous avons l'impression de pouvoir parler avec un coffre et ensuite nous avons d'autres problèmes ou d'autres moments où étaient hésitants, nous ne savons pas comment sauter, nous préférerions être invisibles. Donc, en conclusion, rincez les relations de caractère avec tout le monde que vous rencontrez ou ici à propos. Une façon est de commencer par définir la relation et le terme à l'étranger, puis d'entrer dans les détails. Vous pouvez travailler avec d'autres acteurs pour développer une histoire partagée ou moments improvisés de votre histoire pour vous donner un souvenir sensationnel sur lequel vous pouvez vous reposer. Considérez les irritants majeurs et mineurs impliqués dans la relation. Tenez compte de l'état de la relation et de la façon dont ce statut informe la voix, la physicalité et le comportement de votre personnage. Et ensuite, nous discuterons de la voix du personnage. 13. Voix: La voix, le travail vocal est un autre sujet qui peut honnêtement avoir une classe en soi. Ça a été formidable pour mon jeu d'acteur. Il vous aide à vous engager avec votre souffle, avec votre voix. Et ce faisant, vous pouvez être propulsé par votre souffle dans vos impulsions. C' est un travail vraiment fascinant. Je recommande de lire des livres différents dessus comme Kristin Linklater libère la voix, ou Dudley écrit, parlant avec compétence, il y a beaucoup de grandes ressources là-bas. Et si vous en voulez plus, n'hésitez pas à me le faire savoir dans les commentaires, la voix peut nous en dire beaucoup sur le personnage. À certains égards, notre voix est un résumé des expériences que notre personnage a vécues au cours de leur vie. Quand on pense à la performance des livres de santé tardifs comme le joker, une des choses les plus emblématiques qui en est ressorti était la voix des jokers. Daniel Day Lewis va souvent lire, frapper le script encore et encore et ne parlera pas les lignes jusqu'à ce qu'il croit pouvoir trouver la voix du personnage dans sa tête. Meryl Streep a donné d'innombrables performances où elle change complètement sa voix pour aider à délivrer un tout nouveau personnage. Cela étant dit, nous n'avons pas toujours à changer fondamentalement notre voix pour le personnage. Il y a des choses à considérer. Par exemple, si votre personnage a grandi à Brooklyn et y est resté toute sa vie, il a probablement un accent de Brooklyn. C' est quelque chose que vous devriez travailler sur pour apporter au personnage. Comme je l'ai déjà dit, notre voix est un résumé de nos expériences. Alors, qu'est-ce que votre personnage a traversé dans leur vie et comment cela aurait pu avoir un impact sur leur voix ? Si vous jouez un personnage qui est un politicien, ils ont probablement suivi des cours de parole en public. Alors peut-être parlent-ils d'une question plus raffinée. Ils parlent clairement, ils énoncent. Que faire si votre personnage était constamment ridiculisé comme un enfant ? A chaque fois qu'ils parlaient, on leur a dit de se taire. Eh bien, alors peut-être que votre personnage hésite un peu plus que cette voix. Ils parlent un peu plus doux. Ils ne savent pas vraiment si c'est le moment ou l'endroit pour dire quelque chose, mais peut-être qu'ils devraient. Ou peut-être que votre personnage a grandi dans un quartier difficile où il a eu beaucoup de bagarres. Donc peut-être que chaque fois que votre personnage parle, il semble presque que les combats avec quelqu'un, vous savez, fondamentalement, nous voulons considérer le passé de notre personnage et considérer comment ce passé a influencé la façon dont notre personnage parle. Demandez-vous pourquoi mes personnages parlent comme ils le font ? Ce qui les a poussés à parler comme ça. Donc, pour résumer, vous n'avez pas à changer fondamentalement votre voix pour le personnage. Si votre personnage vient d'une autre région du monde que vous, il est considéré comme un travail de dialecte. Notre voix est un résumé de nos expériences. Considérez le passé de votre personnage et demandez-vous comment ce passé a-t-il influencé la voix de mon personnage ? Ensuite, nous allons parler d'un sujet un peu difficile, mais c'est un sujet vital pour les acteurs. 14. Vulnérabilité: Vulnérabilité De grands acteurs véridiques se révèlent, non seulement émotionnellement, mais aussi psychologiquement. Qu' est-ce que cela signifie d'être vulnérable ? Pour nommé Brown est l'une des principales autorités en matière de vulnérabilité. Elle étudie la honte et elle a beaucoup de super TED Talks en ligne. Elle a une spéciale Netflix, elle a des livres incroyables. Je recommande fortement à quiconque les a vérifiés. Son travail est très transformateur. Mais d'après sa définition, être vulnérable signifie avoir un cœur ouvert. Être prêt à nous partager pleinement, et non pas seulement partager, mais aussi à être pleinement affecté. La vulnérabilité ne signifie pas être faible. Au contraire, être vulnérable demande courage et force. Probablement le point le plus important est que vous, comme vous l'êtes aujourd'hui, êtes digne d'amour et d'appartenance. Et c'est la totalité de vous. Toi quand tu es à ton meilleur et toi, quand tu es au pire, tu es digne. Parfois, la pression d'être quelque chose de plus grand que nous-mêmes peut restreindre notre capacité d'être simplement nous-mêmes. Beaucoup d'entre nous passent des années à nier notre propre vulnérabilité parce qu'on nous apprend très tôt qu'être vulnérable est digne de honte. En tant qu'acteurs, nous devons savoir que ce n'est pas vrai. Être vulnérable n'est pas digne de honte. Nous devons reconnaître le pouvoir de la vulnérabilité. L' expression de votre vulnérabilité est ce qui déplace les gens sur un plan émotionnel. Il relie les gens à leur propre humanité. Pour mettre notre vulnérabilité à profit, nous devons déterminer ce que nos personnages traversent dans l'histoire et comment nous réagirons si nous étions dans ce scénario, découvrir les sentiments, les émotions et la psychologie derrière elle, et aussi comprendre les mouvements physiques qui se manifestent à partir de ces choses. Ensuite, nous devons donner à cette vulnérabilité honnête, la vérité sur la façon dont nous ferions face à ces mêmes circonstances. Le personnage. C'est ce qui peut rendre les choses difficiles. Tu te révéles émotionnellement et psychologiquement, pas seulement à une autre personne, mais à quiconque regarde. Mais rappelez-vous, cette personne que vous révélez est digne d'amour. En fin de compte, la vulnérabilité est un parcours sur lequel nous devons constamment travailler. Je suggère de journaliser et de méditer et, si vous en avez les moyens, aller à la thérapie et de déballer les murs que vous pourriez avoir inconsciemment érigés au fil des ans. Notre travail est de nourrir notre corps, notre esprit et notre esprit afin qu'ils soient doux et élastiques et qu'ils puissent absorber et rebondir. Vous pouvez être effectué et affecter les autres. Le travail est de trouver de la compassion en vous-même afin que vous puissiez la voir chez les autres, même ceux qui pourraient ne pas la voir en vous. Nous devons donc nous remplir de soin de soi, d'amour de soi et d'expression artistique pour être plus honnêtes et plus vulnérables dans le monde. Donc, pour résumer, être vulnérable signifie avoir un cœur ouvert. Vous, comme vous l'êtes aujourd'hui, êtes dignes d'amour et d'appartenance. Notre vulnérabilité déplace les gens et les relie à leur humanité. Attachez vos propres émotions et mouvements physiques à tout ce que le personnage peut traverser. Nous devons nourrir notre corps, notre esprit et notre esprit afin que nous puissions être vulnérables tout en agissant. 15. Conclu: Voici le processus ou plus de la liste de contrôle point r que nous avons présenté. Les trois lectures, les six acteurs questionnent, substitution et dominante. Et le quatrième mur, la recherche, la physicalité, les relations, la voix et la vulnérabilité. La partie la plus difficile dans l'écriture d'un processus pour entrer dans le caractère est que chaque rôle est différent. Tous ces outils dont nous avons discuté sont utilement utilisés lorsque vous entrez en caractère peuvent varier à chaque fois. Parfois, se concentrer sur la physicalité vous mènera dans le personnage. D' autres fois, il pourrait se plonger dans la recherche. La clé est de suivre votre instinct, suivre votre curiosité pour vous conduire au personnage. Et rappelez-vous que quoi qu'il arrive, vous serez suffisant. J' espère que vous apprécierez ce cours. Et si vous avez des questions, des commentaires ou des préoccupations, hésitez pas à me contacter et je répondrai dès que possible. Merci.