Entraînement à l'aquarelle : les bases et au-delà

1. Introduction: Découvrez les bases de l' entraînement à l'aquarelle et le cours ultime pour élever vos aquarelles vers Que vous soyez un débutant qui cherche à maîtriser les bases ou quelqu'un avec un peu d' expérience qui cherche à améliorer ses compétences. Ce cours est conçu pour vous guider étape par étape vers la création d'aquarelles vibrantes et captivantes Dans ce cours, j'ai soigneusement conçu trois sections principales afin de garantir une expérience d'apprentissage complète et conciliante Dans la première section, vous allez aborder les principes de base. Comprendre les qualités transparentes de l'aquarelle, maîtriser les techniques de superposition et apprendre à utiliser efficacement les mélanges pour apporter profondeur et richesse à votre art. Vous aurez également un aperçu précieux de la valeur intrinsèque des teintes et vous terminerez une mission qui révélera dans quelle mesure vous voyez bien leurs valeurs. Passant à la deuxième section, vous explorerez le monde fascinant de la lumière sur forme. Découvrir comment peindre des objets en trois dimensions sur une surface en deux dimensions. En commençant par l'impact des valeurs sur les objets de base, vous passerez progressivement à des sujets plus complexes, en perfectionnant vos compétences à chaque étape , mais ce n'est pas tout C'est dans la dernière section que la vraie magie opère. Préparez-vous pour une série de projets passionnants qui vous mettront au défi et vous inspireront , qu'il s' agisse de simples débuts ou de peintures plus complexes. Ces projets vous inciteront à utiliser des techniques d'aquarelle spécifiques pour obtenir des effets époustouflants, vous permettant ainsi de peindre œuvres d'art plus fortes et plus expressives Lorsque vous vous inscrivez à ce cours, vous avez accès à des heures de vidéos d' instructions autoguidées, à tous les exemples de démonstration et aux réponses à toutes les questions que vous pourriez avoir en cours de route Bonjour, je m'appelle Robert Joyner. Je peins à plein temps depuis plus de 15 ans. J'adore l'aquarelle, mais surtout, j'adore partager cette passion avec vous parcours artistique, j'ai eu la chance mon parcours artistique, j'ai eu la chance de travailler avec des marques populaires telles que Carnival Cruz, le Kentucky Derby, le National Pastime Museum, sitcoms de CBS et bien d'autres encore. Alors, qu'est-ce que tu attends ? Inscrivez-vous maintenant et commencez à faire fléchir vos muscles à l'aquarelle. Embarquons ensemble dans ce voyage artistique et révélons tout le potentiel de votre talent artistique à l'aquarelle On se voit à l'intérieur. 2. Pour commencer: Salut. Bienvenue à nouveau au cours. Je suis Robert Joyner Je tiens à vous remercier d' être ici et de vous intéresser à ce que j' aime faire dans la vie, c'est-à-dire peindre et, bien sûr, vous enseigner tout ce que j'ai appris en cours de route. Maintenant, avant de passer au matériel de la première série de leçons, je tiens simplement à vous faire savoir que le premier module est destiné aux débutants. Je vais aborder certaines des caractéristiques de l'aquarelle, certaines des compétences de base que nous utiliserons tout au long de ce cours Pour ceux d'entre vous qui sont nouveaux , ne vous laissez pas intimider. Il suffit de regarder les vidéos, les visionner, puis de faire ces démos vous-même. Chaque leçon est vraiment un projet. Je vous encourage à le regarder , puis à sortir votre papier peint et vos pinceaux. Ensuite, faites la même chose que moi , puis publiez votre projet. Lancez ce truc dès que possible. De cette façon, vous serez au courant. Et alors que nous passons à des idées plus intermédiaires et avancées, vous n'êtes pas en reste. Tu n'as pas l'impression d'être dans le noir. Encore une fois, pour moi, un entraînement consiste à développer ces principes et compétences fondamentaux Mais il s'agit également d'apprendre de nouvelles choses, adopter des idées, des styles, des sujets, etc., que nous n'avons jamais essayés auparavant J'espère donc pouvoir vous les présenter dans ce cours. Je ne connais aucun de vos antécédents ni ce que vous avez fait avec la peinture à l' aquarelle, mais je vais simplement faire beaucoup de recherches et aborder des sujets et des idées que vous n'avez peut-être pas essayés, et j'espère que vous n'avez pas essayés Je sais que certains styles et sujets que je propose dans ce cours sont nouveaux pour moi. Donc, non seulement tu fais de l'exercice, mais moi aussi. Merci de m'avoir fait apprendre et de sortir de ma zone de confort de temps en temps. J'espère que vous savez, c'est un cours de 30 jours. Je vais publier les leçons du lundi au vendredi. Je prends congé le week-end, c'est du temps en famille, mais vous pouvez compter sur deux à trois leçons par jour jusqu'à la fin du mois de février. Maintenant, si le cours a débuté il y a quelques semaines et que vous êtes curieux si vous pouvez commencer, bien sûr, vous le pouvez. Vous pouvez rejoindre ce cours et commencer à apprendre à votre convenance. Je ne m'attends donc pas à ce que tu sois au courant de tout. Toutes les leçons sont essentiellement là pour que vous puissiez les assimiler et les assimiler. Et ils seront toujours là pour partager leurs compétences pour que vous puissiez les regarder en arrière. Tant que vous serez de nouveau membre, j'ai hâte de partager ces idées avec vous. J'ai hâte de commencer. Et faisons-le avec les matériaux, voir. 3. Matériaux: Bienvenue sur le site des matériaux. Avant de nous lancer dans le plaisir, je voulais juste vous parler des fournitures que je vais utiliser. Si vous n'avez pas tous ces pinceaux ou peintures, ne vous inquiétez pas. Si vous avez des questions, il vous suffit laisser un commentaire dans les discussions. Et j'essaierai de vous répondre le plus rapidement possible. Je vais donc parler de la peinture recommandée, de mes pinceaux préférés, du matériel de dessin de qualité papier, puis de ma configuration de peinture de base, c'est-à-dire de la façon dont je peins en studio. Pour les pinceaux, j'ai un rond pointu, c'est un doré naturel par un argenté, un chiffre dix. Je vais prendre un balai de Princeton, Neptune J'utiliserai également un pinceau à épée. Il s'agit d'une épée de Neptune de Princeton aux trois huitième. J'ai aussi une brosse à aiguilles. Désormais, vous n'avez plus besoin d'une brosse à aiguilles. Si vous n'avez qu' un pinceau à épée ou quelque chose qui peut tracer des lignes fines en détail, ça devrait aller. Encore une fois, ce sont mes pinceaux. Passons à la prochaine activité amusante. Et c'est de la peinture que j'utilise Hole Bine. J'ai toujours utilisé la marque, j'ai toujours eu de bons résultats. Voici un autre tube de bleu cobalt, mais je recommande une peinture grise aux artistes qui est une palette John Pyke J'y trouve une teinte neutre, du bleu cobalt, du bleu outremer, de la Sienne brûlée, du gamboge neuf, du Cad, du jaune, du citron, de l' alizarine, du cramoisi, du rouge pyrol, puis de l'orange cadmium. Ce sont donc les couleurs que je vais utiliser dans ce cours. est recommandé d'installer quelques réservoirs d'eau Il est recommandé d'installer quelques réservoirs d'eau à proximité de mes réservoirs J'ai enroulé quelques serviettes qui m'aideront à sécher ma brosse et à éliminer l'excès d'eau. Un peu de ruban adhésif aidera à utiliser le papier. Je recommande du papier de qualité artistique. C'est une presse à froid de 140 livres. C'est une marque haut de gamme Blick, mais un bon papier aura un impact énorme sur vos œuvres d'art Bien entendu, il s'agit d'une feuille plus grande que je réduirai plus tard lorsque je commencerai certaines de mes démos Vous pouvez donc les plier en deux , puis les plier en deux, puis en quatre. Voici un exemple d'une de mes démos. Vous pouvez voir que j'utilise ce papier et que je l'ai simplement plié en deux. Je recommande également d' avoir du papier à dessin à portée de main. J'utilise du papier à dessin 24 x 18, mais du papier d'impression, quel que soit le type de papier que vous avez, le dessin est bon. Je recommande d'avoir quelques crayons graphite 4b2b. L'un ou l'autre fera l'affaire. J'avais peut-être besoin d'une gomme J' y ai un morceau de noyau en mousse que j'utilise pour mes œuvres d'art. Je vais simplement mettre un morceau de ruban adhésif sur les coins arrière, puis le coller au noyau en mousse. Sous le noyau en mousse, j'ai une serviette. Vous pouvez utiliser un bloc ou tout ce que vous avez à portée de main. Vous pouvez donc voir que je vais simplement l'enrouler plusieurs fois. Je vais mettre mon noyau en mousse, qui se trouve dans mon panneau à aquarelle, puis le placer sur le dessus de la planche, et cela me permettra de faire une descente pendant tous Encore une fois, je recommande de faire surélever cette planche. Enfin, il y a des serviettes en papier parce que, vous savez, peindre, c'est salissant et plutôt bon de les avoir à portée de main maintenant En ce qui concerne mon installation, je suis droitière, donc je garde ma palette. Sur le côté droit, j'ai mes réservoirs d'eau, la plupart du temps posés sur du papier absorbant ou des serviettes de table Et puis j'ai une autre série de serviettes. Encore une fois, il s'agit de deux d'entre eux. Je vais le prendre, puis les enrouler, puis une fois que je l'aurai, je le mettrai juste là. Les réservoirs d'eau de cette façon, chaque fois que je dois retirer l' excès d'eau de mon pinceau, importe, c'est très pratique de l'avoir là plutôt que d'essayer de savoir où je l'ai mis la dernière fois que je l'ai utilisé C'est à peu près ma configuration. Je vais y poser mon panneau en mousse avec ma serviette en dessous, puis faire une petite démonstration. Juste pour que vous puissiez voir ma configuration, chaque fois que je peins, je la ferai pour toutes mes démos. Ainsi, vous saurez à quoi vous attendre Encore une fois, cette couverture vidéo, mon matériel d'aquarelle préféré C'est à vous de décider si vous les utilisez ou non. Mais juste pour info, j'ai pensé qu'il serait bon de vous faire savoir ce que j' utilise pour ma peinture à l' aquarelle Enfin, je vous ai montré ma configuration et la façon dont j'aime peindre à l'aquarelle 4. Transparence et couches: Dans cette leçon, je parlerai de la transparence, une caractéristique courante et très importante de l'aquarelle Je vais faire une démonstration de transparence. Je vais discuter des mélanges, éviter trop de passes et m'assurer qu'il fait frais. Je vais donc commencer celui-ci en utilisant mon pinceau rond pointu naturel doré numéro dix de la marque Silver. Et je vais ajouter un tas d'eau mon puits en haut à gauche de ma palette. Comme vous pouvez le voir ici, je suis en train de plonger dans de l'eau fraîche et propre J'ai besoin de beaucoup de peinture pour faire cette démo. Je vais utiliser de la Sienne brûlée. N'hésitez pas à utiliser la teinte de votre choix. Ce que je mélange , c'est un mélange en T. Un mélange T contient beaucoup plus d'eau que de pigment. Ainsi, chaque fois que vous mélangez le vôtre, assurez-vous d'avoir suffisamment d'eau, puis utilisez juste un peu de teinte pour mélanger. Maintenant, le papier est du papier pressé à froid de 140 livres. Il est réduit à environ 11 par 15. Je suis en train de me remettre en forme de rein. Lorsque je peins la forme du rein, je veux m'assurer de ne pas faire trop de passages dans la peinture que j'ai déjà appliquée. Si vous ne savez pas de quoi je parle, le but ici est de poser la peinture et de la laisser tranquille. Plus vous l'utilisez , plus il y a de chances que vous créiez un filigrane ou vous vous retrouviez avec un lavage irrégulier Ce que je viens de faire était mauvais. J'y suis retourné trop de fois. En fait, j' enlève trop de pigment . Il vaut mieux le laisser tranquille. Si vous entrez et essayez de le réparer encore plus, il y a de fortes chances que vous perturbiez la peinture qui commence déjà à rester dans le papier et que vous vous retrouviez avec un lavage très irrégulier. Encore une fois, essayez de poser la peinture le moins de coups possible et évitez d' y retourner trop longtemps. Maintenant, j'ai fait fonctionner un sèche-cheveux et j'ai séché le papier. est très, très important si vous utilisez un sèche-cheveux de le laisser refroidir avant de peindre sur la surface. Et c'est parce que le papier sera en fait chaud, il conservera donc une partie de cette chaleur. Et cela accélérera le séchage de la couche que vous peignez et créera parfois même des marques indésirables. Maintenant, vous pouvez voir que je n'utilise que le même mélange T que celui que j'ai mélangé au début. Je n'ajoute plus de pigment à ces couches. J'ai donc peint la première forme. J'ai utilisé le sèche-cheveux pour le sécher et je l'ai laissé refroidir. Je suis revenu dessus en utilisant le même mélange en T, et j'en ai peint un autre. Encore une fois, très peu de passes. Il est si facile prendre votre pinceau et de le frotter peinture. Séchez la peinture un peu trop fort, et vous allez perturber la peinture en dessous pour la réactiver L'objectif ici est d'appliquer la bonne quantité de pression et de ne pas trop frotter le papier. Et encore une fois, évitez un trop grand nombre de passes. Vous pouvez même brûler votre brosse d'avant en arrière. Le lavage provoquera à nouveau des résultats inutiles que vous ne souhaiteriez peut-être pas voir apparaître sur votre œuvre d'art. Vous verrez ici au fur et à mesure que j' ajouterai une autre couche. Encore une fois, tout ce qui se trouve en dessous est sec. J'utilise une légère pression, juste assez pour faire passer le pigment à la surface. Et puis une fois que je l'ai posé, je le laisse tranquille. Encore une fois, je vais prendre un sèche-cheveux pour le sécher. Je vais le laisser refroidir, et nous y voilà. Tout est à nouveau sec à 100 %. Maintenant, je vais peindre nouveau ma dernière couche en utilisant la même technique et la même peinture, nouveau très peu de pression sur la surface. Ne vous en servez pas trop pour obtenir une belle série de lavages uniforme Notez que j'ai pu effectuer environ cinq séries de lavages. Peut-être que tu peux même en faire six. L'essentiel ici est d'obtenir des lavages uniformes pour chaque couche, puis de pouvoir constater cette qualité transparente Donc, une couche s'empilant sur l'autre. Dans cette leçon, je vous ai présenté la transparence, une caractéristique courante de l'aquarelle J'ai fait une démonstration de transparence en utilisant un mélange. Encore une fois, évitez de passer trop de fois pour de meilleurs résultats, mettez-le de côté et laissez-le tranquille. Encore une fois, si vous utilisez un sèche-cheveux, assurez-vous que le papier est refroidi avant d'ajouter la couche suivante. On se voit dans le prochain. 5. Transparence avec des teintes multiples: Bienvenue dans une démo de transparence en trois couleurs, très similaire à la démo précédente, mais cette fois, nous utiliserons trois couleurs. Nous utiliserons à nouveau ce mélange en évitant trop de passages. Et puis notez comment nous allons créer les teintes secondaires en superposant une couleur sur une autre Commençons donc par celui-ci. J'utiliserai mon numéro rond à dix branches en argent naturel doré . Et je vais utiliser un peu d'eau sur la palette. Nous utiliserons donc le même type de mélange que dans la démo précédente. Assurez-vous donc d'avoir beaucoup plus d'eau que de pigment. La teinte est jaune cadmium, citron. J'ai choisi d'utiliser le jaune le plus clair de ma palette. Encore une fois, l'essentiel est de réduire la teinte et de ne pas faire trop de passages, couvrir le papier puis de le laisser sécher. Je vais utiliser un sèche-cheveux hors caméra pour le sécher. Et une fois qu'il est sec, ce qui est le cas actuellement, je le laisse refroidir. Maintenant, sans ajouter plus de pigment au mélange, toujours le même mélange en T, je vais ajouter un deuxième cercle. Je vais laisser une petite partie du cercle initial visible. J' aurai essentiellement deux cercles, ou un anneau autour de celui que je viens de peindre. Très bien, vous pouvez donc le voir là-bas. Je l'ai laissé sécher à 100 % et, bien sûr, refroidir un peu de pigment sur la palette. Et maintenant, il y a beaucoup d'eau dedans. Je vais utiliser mon lézard cramoisi pour mon rouge. Je vais ajouter un deuxième cercle à côté du jaune. De toute évidence, je les superpose également. Lorsque je les superpose, je superpose les deux cercles jaunes Encore une fois, posez-le, laissez-le tranquille. Ensuite, je vais le laisser refroidir puis le sécher. Avant d'ajouter le suivant ici, j'ajoute juste une petite note pour dire : «   Hé, évitez trop de passes ». Parce que dès que je commence à peindre, que je peins le rouge par-dessus, le jaune perturbe si facilement le jaune qui se trouve en dessous. Même s'il est sec, vous pouvez certainement le réactiver avec l'eau et quelques marques de pinceau vigoureuses Encore une fois, séchez à 100 % ici et laissez refroidir. Maintenant, je vais ajouter mon deuxième mélange de rouge au cercle. Encore une légère pression. Nous ne voulons pas trop nous enfoncer dans le journal. Et puis il suffit de faire quelques passes pour le répartir. Vous pouvez maintenant voir un petit pic orange à travers lequel le rouge et le jaune commencent à se chevaucher. Je vais maintenant utiliser le bleu outremer, toujours en utilisant la même technique que celle dont nous avons déjà parlé, légère pression et éviter trop passer par-dessus les couches précédentes Laissez sécher à 100 %. Maintenant, vous commencez à voir un peu de violet et aussi un peu de vert. Où le bleu se mêle au jaune. Et bien sûr, là où le bleu se superpose au rouge, c'est le pourpre d'Alizarine Vous commencez à voir du magenta et violet. Ici, nous verrons l'œuvre finale est sèche et que vous remarquerez toutes les couleurs secondaires. La transparence, encore une fois, est une caractéristique courante de l'aquarelle Pour y parvenir, nous devons nous assurer d' appliquer la peinture de manière uniforme, d'éviter de trop nombreux passages et, bien sûr, de trop frotter la surface Dans cette leçon, nous avons de nouveau parlé de transparence. J'ai fait une démonstration de transparence en trois couleurs en utilisant des mélanges, en évitant un trop grand nombre de passes. Et le résultat est que vous obtenez ces teintes secondaires où une couleur est superposée ou inférieure à une autre. 6. Fusion et gravité: Dans cette leçon, nous parlerons à nouveau de l'eau. Il s'agit d'une caractéristique courante de l'aquarelle. Nous examinerons l'eau en tant que fusion, puis nous verrons comment la gravité peut faire de même. Nous ferons également une démonstration au cours de laquelle je vais pré-mouiller le papier. Nous allons donc également y faire un test sur le fonctionnement de l'eau. Et puis une conclusion pour que nous puissions comprendre toutes ces choses merveilleuses. Maintenant, je vais commencer cette démonstration avec mon pinceau argenté, en utilisant toujours mon pointeur, mélangeant un peu de mélange, beau et fin, puis en faisant un petit échantillon Je pose ça sur du papier sec, voici mon petit échantillon de bleu Ce n'est pas grave. Mais maintenant que je mélange la suivante avec laquelle il y aura de l'orange, mon orange, si vous l'avez oublié, est là dans le coin. Encore une fois, un mélange. Et je vais ajouter un échantillon en dessous du bleu. Maintenant, l'eau fusionne ces teintes. L'eau est un élément très important du médium de l'aquarelle. N'oubliez pas que ma planche est inclinée. Nous avons également affaire à la gravité. L'eau fusionnera les teintes. Ensuite, bien sûr, la gravité, les objets qui dévalent la colline déplaceront également le pigment et le mélangeront. Ici, j'ajoute un autre échantillon de jaune, encore une fois, remarquant comment l'orange va se transformer en jaune, et cela se produit par le et cela se produit Ensuite, par gravité, je vais entrer et maintenant je mélange un vert en utilisant juste un peu de Coba, bleu et jaune, citron Je vais le rendre un peu plus vert juste pour que ce soit beau et joli quand j'aurai fini. Et voilà, l'eau fusionne ces teintes. Pour comprendre à quel point il est humide et humide, il suffit de déposer un produit de lavage humide puis en appliquer un autre d'une teinte différente. Quand ils seront tous les deux mouillés, ils vont fusionner. Contrairement à ce que nous faisions auparavant, juste au-dessus, nous avons superposé des couleurs. Mais lorsque nous les avons superposées, nous les avons laissées sécher puis nous en avons ajouté une autre. Vous obtenez une fusion, mais c'est plutôt une question de transparence. Les couleurs ne fusionnent pas nécessairement autant que dans la démo que je viens de terminer Maintenant, je vais faire une autre démo et je vais pré-mouiller le papier. Je vais mettre une très bonne quantité d'eau. J'espère que vous pouvez voir qu' il commence à s'accumuler. Maintenant, je vais prendre un petit lézard et un cramoisi. Je vais mélanger, disons, un mélange de lait. Donc pas mal de pigment. Peut-être un peu plus de pigment que le mélange T parce que le papier était prémouillé. Dès que j'y déposerai le pigment, à nouveau, le pigment se dispersera dans l'humidité du papier. Partout où il y a de l'eau comme ça, on y met du pigment. Alors, évidemment, l' eau devient un conduit et elle va déplacer ce pigment ici. Je vais faire un autre échantillon. Encore une fois, il suffit de pré-mouiller le papier, mais pas autant que la première fois que j'ai fait cet exemple J'utiliserai la même quantité de lézard et de cramoisi. Maintenant, remarquez que comme c'est moins humide, je mettrai moins d'eau que la première fois. Il va saigner ou couler dans l'eau, mais pas autant. C'est bon. En fonction du degré d' humidité de votre papier, cela aura souvent un impact direct sur la mesure dans laquelle l'aquarelle du pigment se fond dans l'humidité du Dans le deuxième exemple, où le papier n'était pas aussi mouillé, il ne saignait pas et ne coulait pas autant Maintenant, dans celui-ci, il va faire encore plus sec. J'utilise moins d'eau que dans les deux exemples précédents. Je vais y ajouter le même mélange de lézard cramoisi. Remarquez encore une fois, comme il n'y a pas autant d'humidité dans le papier, il ne s'écoulera pas autant dans l'eau elle-même Chose très importante à comprendre à propos de l'aquarelle. L'eau est un élément clé, évidemment, du support, mais chaque fois que vous avez affaire à une surface humide et que vous y ajoutez du pigment, il s' écoule dans cette eau. Partout où le papier est mouillé, c'est là qu'il ira dans une certaine mesure. Cela dépend simplement de la quantité de peinture que vous déposez et de son épaisseur. que c'est une très bonne leçon Je pense que c'est une très bonne leçon à comprendre. J'en reparlerai un peu plus tard. Mais avant de conclure, j'ai une autre démo à vous montrer ici. Je vais pré-mouiller le papier comme je le faisais auparavant, et je vais en déposer une bonne quantité Avant de peindre, je vais retirer l' excès d'eau de mon pinceau. Maintenant, je vais le tamponner directement dans l'alizarin cramoisi, puis toucher dans la zone humide Je viens de remarquer que la peinture ne se disperse pas autant lorsque vous utilisez peinture plus épaisse comme celle-ci sur une surface humide, sachez que l'eau ne la dissoudra pas Elle ne peut pas y pénétrer aussi facilement que de la peinture diluée. Juste de très bonnes choses à savoir. Et encore une fois, caractéristique très importante de la peinture à l'aquarelle, pour rappel, l' eau peut fusionner les couleurs Il peut facilement mélanger une couleur dans l'autre. La gravité est une chose importante à noter. Lorsque votre planche est inclinée, sachez qu'elle va courir dans cette direction. Sachez également que si vous travaillez avec du papier humide, l'aquarelle va se disperser dans l' humidité du Et n'oubliez pas deux : lorsque vous travaillez sur une surface humide mais que vous appliquez également une peinture beaucoup plus épaisse, elle ne se dissoudra pas autant dans l'eau. comprendre comment la peinture réagit sur une surface sèche et, bien entendu, comment la peinture réagit lorsqu'elle est appliquée sur une couche sèche, tout comme il est important de comprendre comment traiter une surface humide. Sachant que l'eau va continuer à se dissoudre et à déplacer votre couleur, l'épaisseur de votre peinture déterminera également la quantité de mouvement de ce pigment. 7. Vitesse de frappe: Bienvenue chez Stroke Speed. Nous examinerons donc les traits lents, traits rapides, effets ou l'impact que cela a sur la texture du papier, puis les raisons pour lesquelles le papier humide annule tous les traits rapides Je vais donc commencer ici avec un peu de bleu outremer et mélanger peut-être comme un mélange de lait, donc légèrement plus épais que Une fois que j'aurai obtenu le bon mélange, je ferai un échantillon. Le premier échantillon que je vais faire, je vais utiliser un trait lent Je vais parcourir le papier très lentement, comme vous pouvez le voir. En prenant mon temps, je remarque que cela couvre à peu près tout. Peut-être que vers les bords du rectangle, vous pouvez voir un peu de cette texture de papier, mais au milieu du triangle, tout est recouvert. En gros, lorsque vous utilisez un trait très lent, vous obtenez un lavage très uniforme. Vous n'obtiendrez aucune texture du papier. Bien sûr, si vous peignez sur du papier pressé à chaud, vous n'aurez de toute façon aucune texture. Cet exercice ne s'appliquerait même pas à vous. Maintenant, notez ce coup rapide lorsque je passe le pinceau sur le papier comme ça Remarquez que nous voyons une grande partie de cette texture, peu importe que vous alliez de gauche à droite ou que vous fassiez des cercles ou des traits verticaux. Si vous utilisez un trait aussi rapide , très agressif, cela révélera la texture du papier. Tant que vous utilisez du papier pressé à froid ou du papier brut, vous subissez une grande partie de ce bruit dû à la texture du papier lorsque vous le faites. Si vous cherchez à obtenir cette réflexion ou cette vibration de la texture, sachez que votre vitesse de frappe y est pour beaucoup. OK. Maintenant, ce que j'écris c'est que cela ne fonctionne pas sur un papier chaud. Comme je l'ai déjà mentionné, pression à chaud vous donnera toujours un coup de pinceau doux. Le dernier exemple que je vous donne ici est un papier pré-mouillé. Maintenant, cela peut être de la peinture jaune , de la peinture bleue ou du rouge. Peu importe. Le problème, c'est que nous avons affaire à une surface mouillée. Maintenant, observez le coup rapide. Cela ne fonctionne pas, n'est-ce pas ? Et c'est parce que ce que nous avons appris auparavant, c'est que l'eau va le dissoudre. L'eau va pénétrer le pigment et le disperser. Vous n'obtiendrez pas la même texture qu' avant avec le papier sec. Si vous recherchez à nouveau cette texture, vous devez le faire sur une surface sèche. Toute surface mouillée comme celle-ci, surtout si elle est vraiment mouillée, va simplement la dissoudre. Vous n'obtiendrez pas les résultats après quelques informations sur la vitesse de course Il est très important de réfléchir, car ce sont tous des outils et des ressources dont nous avons besoin pour une bonne aquarelle Dans cette leçon, nous avons examiné la vitesse des traits, les traits lents , les traits rapides et la manière de révéler la texture du papier. Ensuite, nous avons examiné comment le papier mouillé annulait pratiquement toute sorte de texturation que vous pourriez souhaiter 8. Eau et teintes: Dans cette leçon, nous allons parler de l'eau et des teintes. Nous allons donc utiliser de l'eau pour affiner notre teinte. Au fur et à mesure que nous atténuons les teintes, nous remarquons que leur valeur s' éclaircit et nous recherchons des changements de valeur graduels. Et je vais faire un test de huit échantillons. Nous y voilà. Commençons. J'ai donc un petit morceau de papier pressé à froid de 140 livres. Je ne lésine pas sur la qualité. J'utilise le même papier que celui que je vous ai montré dans la section des matériaux. Je vais mélanger quantité assez épaisse d'Alizarin Crimson Vous pouvez voir cela comme un mélange de miel. Il y a donc beaucoup plus de peinture et très peu d'eau. Maintenant, pour chaque échantillon, je vais tremper mon pinceau dans l'eau Et puis de nouveau la peinture. Nettoyez le pinceau, plongez-le dans l'eau, puis ajoutez un peu d'eau au mélange. Ça va être un peu plus fin. Je vais faire mon échantillon, nettoyer le pinceau, le tremper dans l'eau, ajouter de l'eau au pigment Ce faisant, notez que chaque fois que je crée un échantillon, sa valeur diminue La couleur va également légèrement changer , mais je ne vais évidemment pas y mélanger d'autres couleurs. Cela restera toujours un lézard et un cramoisi. Mais encore une fois, la transparence commence à apparaître au fur et à mesure que j'ajoute de l'eau. Et puis, bien sûr, nous obtenons une valeur beaucoup plus faible. Nous sommes passés d'un rouge bordeaux très riche et profond à ce qui sera finalement un rose. Bon à savoir, ce sont excellentes ressources à avoir pour votre aquarelle En arrivant à mon dernier échantillon, j'ai réussi à en faire neuf Si vous le faites correctement, vous devriez pouvoir en obtenir au moins huit. Mais si vous pouvez obtenir 910, voire 12 échantillons, sans qu'un échantillon ne ressemble trop au suivant, alors vous avez fait un excellent travail en ajoutant la bonne quantité d'eau ni trop ni trop peu Notez qu'au moment où j'écris ici aussi, les couleurs sur le côté gauche sont plus foncées et plus opaques. Et quand je dis plus sombre, je veux dire plus sombre en valeur. Vous pouvez également y penser dans un ton plus foncé. Lorsque nous arrivons vers la droite, ils deviennent plus transparents et plus légers en valeur ou en ton. C' était tellement amusant. Je vais le refaire, mais cette fois j'utiliserai du bleu outremer. Encore une fois, très peu d'eau et beaucoup de pigment pour commencer. Si vous commencez trop faible, vous allez manquer de place. Assurez-vous que le premier échantillon est beau et épais. Je n'étais pas assez épais. J'ai ajouté un peu plus de peinture et ça devrait suffire. Ce mélange doit être un peu collant comme du miel. Maintenant, je vais y ajouter un peu d'eau puis m'assurer que vous nettoyez votre brosse. Je vais donc enlever cette peinture, la tremper dans l'eau, puis entrer dans la peinture, faire mon échantillon, la nettoyer, tremper dans l'eau, puis la remettre dans la peinture Rincez et répétez, vraiment ? Je n'y ai pas assez mélangé de peinture. Je me suis un peu mise dans le pétrin. Même s'il s'agit d'un exercice très simple, il est plus difficile que vous ne le pensez de créer huit à dix échantillons permettant de passer progressivement d' une teinte à l'autre Cela demande une certaine habileté. Il faut bien sûr savoir comment gérer son eau. Comment gérer également le pigment. Pas trop mal. Je vais devoir examiner un peu ces échantillons et peindre dessus, car à ce moment-là, il n'y avait pas assez de changement d'une teinte à l'autre Voilà. Ce n'est que vous peignez à l'aquarelle depuis pas parce que vous peignez à l'aquarelle depuis un certain temps que vous allez maîtriser cet exercice. Nous y voilà de nouveau. Vous pouvez voir les échantillons, donc un peu plus clairs maintenant, un peu plus près encore une fois, de l'eau et des teintes En utilisant de l'eau pour atténuer les teintes, plus grande quantité d'eau équivaut à des valeurs plus claires. Et je n'ai pas non plus remarqué ici plus de transparence. Nous voulons modifier progressivement les valeurs et/ou les teintes. Et si vous pouvez faire un test de huit Swatch, alors félicitations, je pense que vous avez réussi cette partie du cours et qu'il est temps de passer à autre chose 9. Peinture aléatoire: Bienvenue à la leçon. Et celui-ci je vais le peindre au hasard. C'est un excellent exercice à faire. Cela vous aide vraiment à assimiler les caractéristiques de l'aquarelle L'objectif ici est de réaliser trois petites études. Je vais vous montrer comment gratter sur une surface mouillée, une technique que nous n'avons pas encore vraiment étudiée. Nous explorerons de nombreuses façons et nous nous familiariserons simplement avec l'aquarelle et façon dont elle réagit dans certaines conditions. Cela vous aidera à acquérir de l'expérience. Comme je l'ai mentionné, nous examinerons peinture fine et épaisse, puis nous tirerons une conclusion. À la fin de cette vidéo, je vais commencer par ajouter trois formes aléatoires. Pour mes études, il s'agit d'une demi-feuille. C'est à peu près, je crois, 11 sur 7,5, quelque chose comme ça. Je travaille assez peu. Je vais commencer par un peu d'orange. Et encore une fois, c'est de la peinture aléatoire. Je n'essaie pas de peindre quelque chose de littéral. Je veux juste remplir ces trois formes avec des couleurs aléatoires, des marques aléatoires. Le but en est, surtout si vous débutez dans la peinture à l' aquarelle ou même si vous peignez à l'aquarelle depuis un certain temps Et vous vous retrouvez simplement très rigide et vous ne pouvez pas laisser l' aquarelle faire son travail. C'est une bonne façon de le faire. Vous remplissez simplement chaque forme avec des traits et des couleurs aléatoires et vous laissez tout se mêler de cette façon Lorsque vous arrivez sur un tableau où vous essayez de faire quelque chose de plus raffiné, vous n'êtes pas surpris, vous n'êtes pas choqué par le comportement de l' aquarelle Et il faut vraiment surmonter la peur de l'aquarelle. C'est vraiment lorsque vous acceptez le médium pour ce qu'il fait de bien et pour ce qu'il fait naturellement, c'est à ce moment-là que vous commencez à adopter et que vous dites, d'accord, il est clair que nous pouvons contrôler un peu l'aquarelle. Bien sûr. Mais il y en a beaucoup, en particulier cette technique du mouillé sur mouillé, qui consiste à faire beaucoup de ces lavages où une couleur touche, les autres sont mouillées et ils vont se mélanger. Mais dans la plupart des cas, ce n'est pas vraiment un médium à contrôler à 100 %. Si vous vouliez le faire, vous tomberez sur des huiles, des acryliques, des médiums qui ne fonctionnent pas et qui ont les mêmes caractéristiques que l'aquarelle Encore une fois, lorsque je fais ces traits, je fais simplement des traits vers le bas dans des directions différentes. Je laisse un peu de l'éclat du papier, si vous ne savez pas de quoi je parle C'est le blanc du papier. Le papier pressé à froid a une texture lorsque vous passez votre pinceau dessus. Si vous le faites très lentement, comme nous le faisions auparavant lorsque nous avons donné la leçon vitesse, sur la vitesse du pinceau, si vous le faites très lentement, alors oui, cela comblera toutes les lacunes. Mais si vous commencez à y mettre un peu de vitesse, vous êtes peut-être simplement conscient du blanc du papier. Vous laissez une partie de cette texture sur le papier. Cela donne un peu d'éclat à la peinture. Une fois qu'il n'y a plus de blanc, tu ne peux pas le récupérer. C'est un autre des défis de la peinture à l'aquarelle, c'est de comprendre comment traiter le blanc. Certains sujets peuvent avoir des objets blancs dans la composition ou le dessin. Tu dois comprendre, d' où ça vient. Il y a une aquarelle blanche chinoise. Mais dans la plupart des cas, nous n' utilisons pas vraiment le blanc dans ce médium en particulier. Mais il y a du blanc dans le papier. Cela doit être planifié à l'avance. La planification est un sujet dont nous parlerons longuement une fois que nous aurons terminé ce module pour débutants. Encore une fois, cela fonctionne simplement avec une peinture très épaisse. Maintenant, j'ai mon pinceau à épée. En gros, j'ai juste plongé dans le jaune. En gros, vous pouvez penser que ce jaune sort tout droit du tube et vous pouvez simplement le déposer dans certains des points rouges qui se trouvaient sur la page ici. Travailler avec un peu de bleu cobalt mouillé à mouillé. Je laisse juste ces couleurs se mélanger, mais je vais m'épaissir maintenant Je mets de la peinture plus épaisse peinture fine, en ajoutant quelques marques, la peinture fine, en ajoutant quelques marques, tout en essayant respecter ce dont nous avons parlé, à savoir, n'essayez pas de trop y entrer, ne pas faire trop de passes. Et j'essaie de laisser le gros du linge faire son travail. Et je vais juste revenir en arrière et modifier une partie de la zone blanche, en ajoutant une petite ligne fine, y ajoutant de la peinture épaisse, en laissant se dissoudre et couler un peu Ces exercices sont tellement précieux. Je me souviens quand j' apprenais l'aquarelle, je suppose que je n' essayais pas d'être bizarre ici, mais nous apprenons toujours le médium sait jamais On ne sait jamais si bien qu' on a eu le luxe de tenir les choses pour acquises. C'est un média difficile. Ce sera toujours un défi. Il vous donnera et fera toujours des choses auxquelles vous ne vous attendiez pas. La façon dont vous y faites face est importante. Si vous vous lancez, que vous essayez trop le corriger et que vous essayez de le forcer à faire quelque chose que vous devez simplement faire, de trop le corriger et que vous essayez de le forcer à faire quelque chose que vous devez simplement faire, alors je pense que le médium deviendra encore plus difficile pour vous. Les bons aquarellistes savent comment gérer les erreurs, et ils savent comment gérer ces accidents, je dois dire Et dites OK, eh bien, s' il veut le faire, alors laissez-le faire. Ensuite, je vais faire avec. J'y mettrai un arbre, j'y mettrai une voiture, j'y mettrai une personne, et je vais faire avec. Je ne vais pas essayer de le gâcher. C'est la clé. Maintenant, ce que tu m'as vu faire, c'est gratter la peinture. Tant que la peinture est encore humide, vous pouvez la rayer pour faire apparaître le blanc du papier. Ici, j'utilise un couteau Exacto, mais tu peux utiliser ton ongle Vous pouvez l'utiliser comme un couteau suisse. Maintenant, vous pouvez voir où je suis en train de gratter la partie supérieure de ce tableau qui était encore très humide S'il fait trop humide, peinture va retomber dans les rayures et cela ne fera que laisser cette petite cicatrice sur l' œuvre d'art, ce qui est très bien. Vous aimerez peut-être cela pour la texture, ou cela pourrait être une brindille ou une branche ou quelque chose Mais vous constaterez que si vous commencez à expérimenter avec différentes mouillures du papier et de la peinture, vous trouverez le bon endroit où vous pourrez le gratter Et ça va tenir la ligne un peu. Il retiendra juste assez le blanc du papier. Il va être un peu remblayé parce qu' il est encore humide, mais il ne le fera pas autant que s'il était trop mouillé C'est ça. Il s'agit simplement de faire des marques au hasard, sans essayer de faire quelque chose de précis ou de terminé ici. agit simplement de vraiment se familiariser avec le médium et de le laisser faire son travail. Encore une fois, c'est de la familiarité. Cela vous aidera lorsque vous arriverez à une peinture et vous ne serez pas surpris par ce que le médium va faire tout seul Faites-le à peu près pour cette démo. Jetons un coup d'œil à l'œuvre d'art terminée, si vous voulez l'appeler ainsi, mais vous pouvez voir toutes les techniques et les différents éléments sur la page. Dans cette leçon, nous avons parlé de quelques études de peinture aléatoires, façon de gratter une surface mouillée. Il suffit d'explorer et de se familiariser avec le médium. Plus vous pourrez le faire sans vous mettre trop de pression pour créer des œuvres d'art finies, surtout si vous êtes nouveau, mieux vous vous porterez. Cela vous donnera beaucoup d'expérience. Nous avons parlé un peu de cette peinture fine et épaisse. N'oubliez pas que la peinture fine va se diluer davantage et que l'eau là où la peinture épaisse ne se dissoudra pas autant. OK, donc c'est ça. Je vous verrai dans la prochaine série de leçons, qui seront des démonstrations de paysages faciles 10. Transitions Hue: Bienvenue dans Huge Transitions. Nous apprendrons à mélanger les teintes progressivement. C'est un excellent moyen de découvrir les variations de couleurs. Nous recherchons des changements de teinte subtils et nous allons essentiellement passer d'une teinte à l'autre. Je vais commencer par pré-mélanger un peu de bleu outremer. Nous pouvons à peu près utiliser un mélange semblable à du lait, légèrement plus épais. Alors je vais poser un échantillon, c'est peut-être un peu trop faible, mais nous allons nous en tenir à cela pour le moment Encore une fois, nous avons un peu de bleu outremer pour commencer dès maintenant Je vais juste ajouter un peu de lézard et de cramoisi Je vais en ajouter un peu plus, petit à petit. Remarquez que même sur ce troisième échantillon, la teinte commence à changer J'ajouterai que maintenant nous nous tournons davantage vers le violet. Maintenant, il est évidemment important de mélanger les deux bonnes teintes si vous voulez du violet. J'en ai beaucoup parlé dans mon cours de peinture à l' aquarelle facile Nous avons beaucoup parlé du mélange couleurs et de la façon d'obtenir de bonnes violettes et d' autres choses de ce genre J'utilise du bleu outremer parce qu'il a un biais rouge, et j'utilise un lézard et cramoisi parce qu'il Les deux se marient très bien. Ma peinture est un peu sèche. Je vais juste y ajouter un peu d'eau. Au moment où je passe à ces derniers échantillons, je me lance essentiellement dans le pur cramoisi de l'alizarine Et regardez toutes ces jolies variations entre ces jolies violettes bleues Ensuite, nous entrons dans ces violettes pures, puis dans ces magentas Et enfin, un rouge frais. Encore une fois, vous pouvez mélanger deux couleurs. Et si vous le faites, vous serez étonné de certaines des teintes que vous pouvez trouver. Maintenant, je fais des teintes plus évidentes. Comme si je mélangeais le bleu outremer et le cramoisi zarin pour mettre les violettes au milieu, je vais commencer par le jaune, le citron, puis ajouter un peu de bleu coba Comme tu le sais. Le bleu et le jaune nous donneront un vert. Au final, nous allons nous retrouver avec un bleu. Je vais complètement mélanger ces taches jusqu'à ce qu'il n' y ait tout simplement plus de jaune dans les mélanges Ces variations subtiles sont ce que nous recherchons. Bien sûr. Nous cherchons à contrôler la quantité de peinture que nous appliquons. En prêtant un peu plus d' attention aux changements graduels et, je suppose, en nous concentrant davantage sur les détails dans la façon dont nous abordons cette idée ici. Nous entrons dans de jolis tons sarceux, ces jolis bleus verdâtres, et maintenant nous arrivons enfin dans un bleu plus pur Au moment où je passe à ces deux derniers échantillons, ai plus eu de place Je vais faire un autre échantillon ci-dessous. Même cet échantillon a un peu de jaune dessus. J'aurais probablement pu pousser encore plus loin avec un autre. Quoi qu'il en soit, il y a la démo. Vous pouvez donc voir ces modifications. Mais encore une fois, Sienne brûlée, bleu outremer. Essayez Umber avec du pain. J'essaie juste un tas de couleurs différentes et je vois ce que tu peux trouver. C'est un exercice très intéressant à faire, et vous découvrirez beaucoup de choses sur votre palette lors de notre récapitulatif Il s'agissait de transitions de teintes. Mélanger les teintes progressivement. C'est un excellent moyen de découvrir les variations de couleur lorsque vous mélangez deux teintes. de subtils changements de teintes Nous recherchons de subtils changements de teintes et nous finirons par passer d'une teinte à l'autre. J'espère que la leçon vous plaira. Je te verrai dans le prochain. 11. Test de valeur et de couleur: art comporte de nombreux défis , mais la compréhension de la valeur et de la couleur est l'un d'entre eux. En gros, dans quelle mesure voyez-vous la couleur et la valeur Lorsque vous voyez de la couleur, pouvez-vous voir la valeur réelle de la couleur ? Si vous deviez utiliser une échelle de gris, quelle serait cette valeur si vous pouviez obtenir les bonnes valeurs ? Croyez-moi, peindre devient beaucoup plus facile. Nous parlerons beaucoup plus de valeur au fur et à mesure que nous avancerons, mais dans cette leçon, nous allons faire un test. Nous allons commencer par un graphique en niveaux de gris. Et nous testerons une teinte à la fois, quelles que soient les couleurs que vous utilisez dans votre palette. Et l'objectif est de faire correspondre les valeurs de l'échelle de gris. Cela vous indiquera ou révélera dans quelle mesure vous voyez la valeur d'une couleur. Maintenant, à la fin, je vais vous montrer à quel point je me suis bien débrouillé. Nous allons passer mon test que je vais vous montrer tout de suite. Et je vais l'étalonner en gris. Cela révélera donc à quel point je comprends la valeur et la couleur. Maintenant, si vous vous souvenez, nous avons fait ces simples démos de sphères et de cubes J'ai commencé avec une échelle de gris, donc la version en noir et blanc en haut. Nous allons utiliser une échelle de gris similaire pour cet exercice. Je vais commencer par une feuille de papier 11 x 15 et j' ajouterai mon échelle de gris. Maintenant, je ne prémélange pas mes gris. J'utilise une teinte neutre. Il a un biais plutôt cool, donc légèrement bleu. Si vous n'avez pas de gris, vous pouvez simplement le prémélanger en utilisant la technique que je vous ai montrée plus tôt dans ce cours, qui consiste à mélanger vos trois couleurs primaires, bleu, le rouge et le jaune Cela devrait vous donner un bon gris. Si vous voulez qu'il fasse plus frais ou plus chaud, vous pouvez toujours ajouter du bleu ou du rouge en conséquence. Une fois que j'ai saisi mon échelle de gris, et je veux être assez précise à ce sujet, je veux m'assurer que l'échelle de gris me donne au moins six valeurs allant du foncé au clair sur le côté droit. Une fois que je l'ai noté, je vais continuer et dessiner quelques colonnes. Ce que je vais faire, c'est prendre une couleur à la fois. Vous pouvez voir ma palette ici. J'ai 123456 huit couleurs et je vais commencer par l'orange de mon chat Désolé, ce n'est pas sur la photo. Je voulais m'en rapprocher un peu plus. On pouvait voir les taches par rapport au mixage. Je le mixe de la même manière dont nous en avons parlé auparavant. J'ai commencé avec un mélange très faible, donc beaucoup d'eau. Ensuite, alors que je me déplace vers la gauche vers les valeurs les plus sombres, je nettoie simplement mon pinceau et j'ajoute un peu plus de pigment au mélange. Encore une fois, ce que j'essaie de faire, c'est de regarder l'échelle des valeurs, le gris et blanc ou je suis l'échelle des gris. J'essaie de mélanger une orange qui correspondrait au gris au-dessus. Et nous allons voir maintenant. J'ai déterminé que l'orange ne deviendrait pas aussi foncée que l' échantillon de gauche Certaines teintes ne deviennent tout simplement pas aussi foncées. C'est ce que je pensais. J'ai oublié une Swatch à cette fin. Je ne mélange pas les couleurs maintenant. Je peux mélanger l'orange ou le rouge avec une autre couleur pour obtenir une valeur plus foncée. Ce que j'essaie de faire, c'est simplement de travailler davantage avec des couleurs pures. Pour l'instant, cela me donnera une bonne idée de mes points faibles. En général, les gens ne voient pas correctement le bleu ou le rouge. Quand nous arriverons à la fin de cette vidéo, nous verrons si c' est vrai pour moi. Vous pouvez voir sur cet échantillon rouge que je suis en train de faire, c'est du rouge pyro J'ai commencé par la valeur foncée. Je suis allée à l'extrême gauche car je pensais pouvoir y aller, puis je me suis frayée un chemin vers des valeurs plus légères. Il n'est pas toujours nécessaire de commencer par la valeur de la lumière. Vous pouvez simplement commencer par le noir et revenir en arrière. Mais je vous encourage à mélanger les choses. Peut-être en commencer un à la valeur claire et travailler dans le noir. Et puis au suivant, essayez peut-être commencer par le noir puis de vous diriger vers le clair. De cette façon, vous ne vous retrouvez pas dans une ornière et vous faites constamment des allers-retours entre celles-ci Voici Alizarin Crimson. Alizarin Crimson est une couleur très foncée. Je vais voir si, dès la sortie du tube il y aura une teinte aussi foncée que la teinte neutre qui sort tout droit du tube. J'ai eu l'impression que cette couleur pouvait devenir un peu plus foncée que le rouge pyrol Maintenant, j'ai affaire à une lumière jaune cadmium, ou citron. Et je vais commencer par la deuxième Swatch. va faire à peu près aussi sombre que je pense pouvoir y retourner. Ai-je raison ? Je ne sais pas. Nous verrons. Je vais y mettre mon échantillon de lampe Alors peut-être en apporter un peu là-bas. Alors voyons voir. Eh bien, oui, j'ai juste choisi les deux échantillons. Maintenant, j'ai encore trois couleurs, ou en fait quatre couleurs de plus. C'est mon nouveau pari. Pour ceux d'entre vous qui n'ont pas de nouveau gamboge, vous pouvez simplement utiliser de l'ocre jaune ocre jaune est très similaire, ou vous pouvez ajouter un peu de rouge à votre jaune ocre jaune est juste un jaune avec un peu de rouge dedans Maintenant, j'ai commencé avec la valeur la plus sombre que je pensais pouvoir utiliser. C'est à peu près sorti du tube avec un peu d'eau. Maintenant, je m'efforce d'obtenir des valeurs plus légères. Ce sont mes jaunes Et maintenant, nous pouvons passer à une Sienna brune, qui sera brûlée J'y fais quelques ajustements. Avec celui-ci, je vais commencer par ma valeur la plus légère. Vous pouvez voir que la Sienne brûlée est vraiment jaune avec un peu de rouge dedans. C'est tout ce que c'est. C'est juste un jaune plus chaud, évidemment. Vous pouvez le considérer comme une couleur brune à pâle, évidemment. Et maintenant, en ce qui concerne mes valeurs les plus sombres, ce n'est pas assez sombre. Vous allez me voir y ajouter un peu de pigment . C'est bon. Vous ne pensez pas qu'il ait tout à fait réussi. Ajoutez un peu plus de pigment ou un peu plus d'eau. Tout ce que vous devez faire pour correspondre constamment à vos valeurs. Ce que je fais, c'est que je regarde cette échelle de gris. J'essaie de regarder mes couleurs et de dire, oui, je pense que c'est à cette valeur, et ainsi de suite. donc que c'est un défi très intéressant Je pense donc que c'est un défi très intéressant de voir l' échelle de gris et de dire, d'accord, eh bien, c'est une valeur claire, c'est une valeur sombre, c'est assez facile à faire pour nous. Mais une fois que vous commencez à ajouter de la couleur au mélange, cela devient plus difficile. Lorsque vous arriverez à vos échantillons, l' échelle de gris se désaturera, découvrirez probablement des défauts dans votre théorie des couleurs et dans votre perception la valeur de la Il se peut que vous trouviez une tendance dans laquelle vous voyez mieux les valeurs sombres que les valeurs plus claires, ou le contraire. Vous constaterez peut-être que vos rouges vous dérangent régulièrement, trop clair ou trop foncé sur vos rouges et bleus. Peut-être que vos jaunes sont trop foncés, vous verrez ces motifs se révéler d'eux-mêmes. Et puis, lorsque vous peignez une véritable œuvre d'art, cela s'avérera utile car la valeur est très importante pour l'artiste. Probablement l'une des choses les plus importantes à ce stade, avec de bonnes compétences en dessin et la simple compréhension de votre médium, qui est en grande partie ce que nous avons abordé à ce stade. Les caractéristiques de la peinture à l'aquarelle. Comprendre ce que le média fait bien et comment l' utiliser à votre avantage, comment le contrôler dans une certaine mesure, puis, bien sûr, quand le laisser faire son propre travail. La beauté de l' aquarelle réside dans le fait qu'il faut équilibrer les deux. Vous devez savoir que vous serez capable de le contrôler un peu, mais il aura souvent son propre esprit et vous devrez vraiment le laisser faire son travail une fois que vous aurez commencé à faire face lavages humides et humides et certaines conditions, comme nous en avons parlé Bien, pour terminer, mon bleu cobalt, le bleu au-dessus était ultramarin Je vais juste faire un ajustement. Ça y est. Voilà mes échantillons. Et maintenant, regardons-les côte à côte. Ce que vous voyez là est la version couleur que j' ai faite sur la droite, celle que vous venez de voir, Don sur le côté gauche. C'est exactement le même, mais je l' ai pris et je l' ai désaturé. Cela va supprimer toutes les couleurs et me montrer à quel point je vois bien les valeurs. Si nous commençons par le haut, souvenez-vous que j'ai mangé de l'orange, rouge, puis un lézard et du cramoisi Quand je regarde ces trois rangées du haut, je peux mes valeurs de lumière sont probablement un peu trop foncées. Les tons moyens ne sont pas trop mauvais, et les tons sombres sont probablement un peu trop clairs. C'est juste un point sur lequel je dois travailler. Quand je regarde mes jaunes, j'ai trouvé du Cad, du jaune, du citron Et puis j'ai eu mon ocre jaune ou mon nouveau gamboge. Je pense que la lumière était bonne. Je pense que Swatch allait bien. On dirait que le citron jaune de Cad ne pourra tout simplement pas devenir assez foncé pour correspondre à ce deuxième échantillon Mais dans l'ensemble, pas trop mal pour les jaunes Mes échantillons de Sienne brûlée sont vraiment très beaux. J'étais content de ce que j'ai fait. Peut-être que la valeur la plus légère du premier échantillon aurait pu être un peu plus légère, mais pas trop minable. J'ai trouvé que le bleu outremer s'est très bien passé. J'en étais content. J'aime le bleu cobalt. Je pense qu'avec le bleu cobalt, j' aurais probablement pu le pousser à la valeur la plus foncée et m'en sortir bien J'aurais probablement pu en tirer un autre. Quoi qu'il en soit, il y a encore une fois votre test de valeur et de couleur, les caractéristiques de la peinture à l' aquarelle En commençant par le graphique des niveaux de gris, testant une teinte à la fois, l'objectif est de faire correspondre les valeurs des niveaux de gris et de révéler dans quelle mesure vous voyez les valeurs de couleur. Bonne chance et amusez-vous bien. 12. Project Silverware: Maintenant que nous avons parlé toutes ces merveilleuses caractéristiques de l'aquarelle, voici un merveilleux projet que nous pouvons réaliser J'utiliserai une bonne technique. J'espère pouvoir combiner des coups lents et rapides. J'utiliserai de la peinture fine et épaisse et je partagerai quelques conseils sur la façon d'éliminer la peinture indésirable. Je vais commencer, bien sûr, avec mon argent pointé vers le haut, puis je vais verser un peu d' eau et prémélanger un peu de gris. Je vais le faire en utilisant bleu outremer et, bien sûr, l'autre couleur primaire, afin de pouvoir utiliser un peu de mon gamboge nova puis Lorsque vous mélangez votre gris, vous pouvez modifier la teinte générale. S'il y a un biais qui penche vers le rouge, vous pouvez simplement ajouter du bleu. S'il penche vers le bleu, vous pouvez simplement ajouter un peu de rouge ou peut-être un peu de jaune. Mélanger les gris est assez facile, je pense que l'essentiel ici est d' avoir un gris froid ou un gris chaud S'il se trouve juste au milieu, là où il ne fait ni chaud ni froid, il peut parfois sembler un peu boueux. Très bien, alors voilà. J'y ajoute mon nettoyant de base. Remarquez que quand je l'ai posé, je l'ai laissé seul. Comme dans les toutes premières leçons dont nous avons parlé. Nous ne voulons pas le dépasser avec trop de passes. Ce que je fais maintenant, c'est que je n' utilise que de l'eau et je vais appuyer sur le manche d'un coup. N'oubliez pas que l'eau est un conduit. Ça va faire rentrer le pigment que j'ai dans le haut de la cuillère vers le bas dans le manche. C'est un bon moyen de créer de la variation et de susciter l'intérêt pour un lavage comme celui-ci. Maintenant, je vais enlever un peu de cette peinture. Il suffit d'utiliser de l'eau et de la laisser tomber dans le linge. Maintenant, remarquez que j'ai juste mis le pinceau à laver, le bout de la cuillère, et je l'ai laissé seul. Je l'ai enfoncée, ce qui va enlever une partie de la peinture. Cela laissera aussi un peu d' eau que j'avais. Maintenant, je vais mettre un peu de couleur plus saturée dans le quadrant inférieur gauche de cette cuillère, puis en déposer un peu dans le manche Une fois que cela a séché, cela devrait lui donner l'illusion d'un reflet et d' un peu d'ombre. Remarquez ce que je fais sur la fourchette. J'ai donc commencé par un lavis plus foncé pour la base de la fourchette. Lorsque je peins les points et les heures, j'utilise simplement de l'eau. Certains traits commenceront à la base là où j'ai ajouté le noir, puis je les tirerai vers le haut. Et pour les autres coups, je vais simplement commencer par le bout de la fourche ou la pointe et redescendre dans cette zone sombre de la base. Et l'eau va l' entraîner dans les deux sens même si nous avons affaire à la gravité et que l'eau va s'écouler vers le bas. Et n'oubliez pas que ma bordure est inclinée. Cette couleur va également continuer à augmenter. Peut-être pas au même degré qu'il se déplace vers le bas à cause de la gravité, mais il va quand même tirer ce pigment vers le haut Encore une fois, il s'agit simplement d'utiliser de l'eau pour étaler le pigment. C'est la caractéristique de la peinture à l'aquarelle. Ce sont les choses, les compétences de base, que vous devez comprendre à propos du médium. Ici, avec un couteau, j'ai commencé par un mélange fin de teinte, puis j'ai utilisé une teinte légèrement plus foncée pour le manche. Maintenant, je vais utiliser un peu de cette teinte plus foncée qui se trouve toujours sur mon pinceau et je vais simplement la déposer dans la lame. Ensuite, je vais juste lui donner une petite impression de reflet ou d'ombre. Mais remarquez que je ne l'ai pas forcé. Je l'ai posé et je l'ai laissé tranquille. Parce que je veux cette sensation d'aquarelle. Je voulais avoir l'air très transparent. Je voulais avoir l'air très liquide. Au final, je ne veux pas ressembler à une pièce d' argenterie que j'ai copiée dans le magazine Je voulais ressembler à une argenterie peinte l'aquarelle et vraiment mettre en valeur la beauté du médium Maintenant, le coup que je viens de faire pour cette cuillère a été très rapide. Quand tu fais un coup très rapide comme ça, il s'en va. Oui. C'est vrai. Une partie de la texture du papier. J'y fais également preuve de rapidité. Maintenant, je soulève et j'enlève un peu de cette peinture. Lorsque vous faites cela, assurez-vous ne pas avoir trop d'eau, mais qu'il en faut suffisamment pour dissoudre une partie de cette peinture. La clé ici est d' entrer et de sortir. N'essayez pas de trop vous en servir. Encore une fois, si vous faites trop de passes et que vous commencez à essayer de le pousser. Trop, plus loin que ce qu'il faudrait, alors cela va commencer à ruiner ce nouveau champ d'aquarelle Maintenant, pour ce fork, je l' essaie différemment. J'ai commencé par le temps, maintenant j'utilise un mélange très faible pour la base de cette fourchette. Je sais, parce que nous connaissons les caractéristiques de l'aquarelle, que la teinte qui se trouve dans les pointes de la fourchette va se répercuter jusqu' à la base de cette fourchette Encore une fois, essayez simplement de mettre en valeur les effets de l'eau et son impact réel sur votre art. Comment l'utiliser pour déplacer votre pigment. Comment l'utiliser pour fusionner des couleurs et des choses comme ça. Même si nous faisons ici une peinture très simple en niveaux de gris, elle fusionne toujours les différentes valeurs de gris Une autre lame légère et un joli manche foncé. Et j'ai laissé tomber un peu de cette obscurité sur le bout de la lame. C'est ça. Je vais quelques petits points noirs y déposer quelques petits points noirs, puis laisser ça tranquille. C'est la clé. Une fois que cela sera sec, cela révélera un aspect agréable et transparent et il n'aura pas l'air trop boueux Maintenant, pour la cuillère que je suis en train de préparer, j'utilise un trait très rapide sur les bords extérieurs de la cuillère. Utilisez également un coup très rapide pour le manche de la cuillère. Et ça va révéler la texture, non ? Nous en avons parlé et maintenant je l'utilise dans cette petite étude. Encore une fois, j'espère que vous pouvez voir que j'essaie de vraiment promouvoir l'idée d'utiliser ces compétences de base dans cette étude. Et il est très important de comprendre et de maîtriser ces compétences de base. Il suffit d'enlever un peu de peinture ici et là, et maintenant vous pouvez avoir un gros plan de la pièce. Simple, facile, mais encore une fois, l'objectif était de vous montrer comment utiliser l'eau, ces coups rapides et lents pour révéler la texture, etc. Pour notre résumé, il s'agissait du projet d'argenterie. Encore une fois, le module pour débutants où nous apprenons les caractéristiques de l'aquarelle J'espère avoir pu démontrer une bonne technique, une combinaison de traits lents et rapides utilisant une peinture fine et épaisse, puis des conseils pour enlever la peinture. est pas question ici de l'eau, l'impact de l'eau sur vos œuvres d'art et de la façon dont vous pouvez utiliser l'eau pour manipuler vos lavages. accord, un autre projet ici en argenterie, mais cette fois je vais utiliser une bonne technique Nous allons à nouveau utiliser ces coups lents et rapides. Nous utiliserons de la peinture fine et épaisse, mais la différence est que nous allons mélanger teintes en utilisant de l'eau et, bien sûr, la gravité. Donc, au lieu de travailler uniquement avec un gris ou une teinte, nous allons travailler avec deux. Très bien, nous allons donc avoir l'impression de cette argenterie qui a un petit aspect doré 13. Carrés abstraits de projet: Très bien, celui-ci, on peut lâcher les cheveux et les relâcher un peu. Ici, amusez-vous bien. Nous continuerons à exploiter la même idée, en utilisant l'eau et la gravité pour la fusion, en utilisant plusieurs teintes Cette fois, au lieu d'une ou deux, évitez trop de passes. Encore une fois, nous voulons ce look aquarelle propre et net. Et bien sûr, nous allons beaucoup nous amuser à explorer la couleur. Le papier mesure 11 15, commençant par mon pinceau aquarelle argenté, encore une fois, mon pinceau rond pointu Maintenant, je vais pré-mouiller quelques carrés. Ce ne seront pas des carrés parfaits, certains sont inclinés, autres sont grands, d'autres sont larges, autres sont maigres, etc. Mais encore une fois, il s'agit simplement exploiter et de se familiariser avec l'idée que l'eau est un moyen de déplacer et de répartir les pigments Je vais mélanger un peu de jaune de cadmium et de citron, puis continuer pour obtenir le premier carré avait un peu de rouge dans ce jaune, c' est déjà dans la palette. Je vais continuer à mettre un peu de ce rouge. Remarquez que je ne peins pas tous les bords du carré. Je me rapproche des bords, mais je sais que l'eau va se disperser et extraire le pigment de l' endroit où je l'ai déposé. Au fil du temps, cette eau va étaler la peinture sur moi. Tout ce que j'ai à faire, c'est d'en déposer assez et de le mettre dans la zone générale, et le médium et l'eau feront le reste pour moi. C'est bon. Il suffit d'utiliser des teintes différentes. Un peu d' alizarin cramoisi, un peu de rouge pyrole pour cet échantillon rouge Pour en revenir au jaune, qui contient un peu plus de rouge que les deux précédents, vous pouvez utiliser toutes les couleurs que vous voulez. De toute évidence, il n'y a pas vraiment de formule ici. Je vous encourage à explorer les couleurs, à les mélanger un peu. pense que je vais commencer par valeurs les plus claires en haut, puis au fur et à mesure que je vais aller vers le bas, je vais utiliser plus de bleus et de violets et des teintes un peu plus foncées Maintenant, remarquez que sur la deuxième série de carrés, je ne prémouille pas le papier, je pose simplement la peinture sur une surface sèche Encore une fois, il suffit de mélanger les choses et de s'amuser explorer les deux manières différentes. Il est bon de simplement appliquer de la peinture en temps sans trop de stress pour faire quelque chose de magnifique ou de vraiment très serré. Je trouve que ces projets sont parfaits pour cela car à peu près tout est permis tant que vous restez dans le confort de poser de la peinture à l' aquarelle. Nous avons parlé de ces choses. Je l'ai mentionné plusieurs fois, à de nombreuses reprises. En fait, tu as compris l'idée. Maintenant, alors que la peinture est encore humide, nous pouvons y déposer d'autres teintes. Maintenant, encore une fois, remarquez que je ne fais que le déposer dedans. De temps en temps, je fais un trait, mais vous ne me verrez pas trop mélanger. Je vais juste le poser et encore une fois, laisser l'eau et la gravité faire leur travail. Maintenant que je tiens la planche, mon noyau en mousse légèrement incliné vers le haut, cela va favoriser le cours d'eau vers le bas. C'est juste quelque chose que je suis en train de faire. Faites descendre un peu plus l'eau dans ces lavages humides Maintenant, j'utilise de la peinture jaune épaisse sur ce carré rouge. Notez que la peinture jaune épaisse ne se décompose pas aussi facilement que le diluant. Encore une fois, nous en avons parlé dans les leçons pour débutants. Et comment une peinture plus épaisse ne se dissout pas aussi facilement qu'une peinture plus fine. L'eau ne peut pas pénétrer aussi bien dans cette peinture épaisse. Il peut pénétrer un peu les bords, mais pas le tout. À ce stade, je vais commencer à penser à changer un peu de teinte. Je veux que les couleurs soient nettes. Souvent, si votre palette commence à ressembler à la mienne, elle commence à devenir boueuse et toutes les couleurs commencent à se combiner Ensuite, vous savez que toutes vos couleurs se ressemblent parce qu'elles se mélangent toutes les unes aux autres Je regarde comment l'eau s'accumule dans les carrés que j'ai déjà peints En peignant ces carrés ici, je vais toucher certains de ces endroits et remarquer comment la gravité et l'eau vont fusionner le carré précédent. Les couleurs vont essentiellement s'égoutter. Le carré ci-dessous. En peignant ces carrés, encore une fois, j'essaie simplement de faire le moins de passes possible. Parfois, je reviens en arrière et je corrige les choses. Peut-être déplacer un coin comme je l'ai fait là-bas, pour qu'il touche l'autre. Mais j'essaie de ne pas perturber les lavages qui s'y trouvent Si je le fais, je vais simplement y mettre de la couleur et essayer d'éviter de faire trop de passes ou de trop frotter dessus Parce que encore une fois, je veux que ce soit beau et net. Quand j'aurai fini de passer à quelques magentas, un lézard et du cramoisi, une touche de bleu outremer Plus de rouge que de bleu pour ça. Et encore une fois, en continuant sur le même thème et en laissant l'eau battre. Et puis on y ajoute un peu d'une nouvelle couleur, un nouveau carré, et on laisse ces couleurs fusionner et se combiner. C'est la beauté de l'aquarelle. Et chaque fois que vous pouvez intégrer cette idée dans votre peinture, c'est formidable car elle met vraiment en valeur la beauté du médium Quand il sèche, il a un aspect agréable et transparent. Et c'est juste que vous obtenez de très bonnes combinaisons de couleurs, bonnes transitions d' une couleur à l'autre. L'eau, les pigments et la gravité font tout le travail à votre place. Pour réfléchir, exploiter le pouvoir de l'aquarelle, vous devez être capable d' en mettre un peu en valeur dans vos peintures Si ce n'est pas le cas, vous pourriez aussi bien utiliser de l'acrylique ou de l'huile, Ce sont les caractéristiques uniques de peinture à l'aquarelle Et souvent, les artistes, surtout même si j'en suis coupable, je ne vais pas juste les choisir entre débutants et des artistes expérimentés, on s'y prend juste trop Nous n'obtenons pas le résultat que nous recherchons ou nous ne faisons tout simplement pas un bon travail de planification d'une peinture. Nous avons donc eu cette vision de ce à quoi nous voulons que la peinture ressemble une fois que nous aurons terminé. Et puis en cours de route, l' aquarelle fera son travail parce que nous ne la plantons pas vraiment bien Et examinez vraiment notre sujet et comprenez où se situeront les valeurs de lumière, où se situeront les valeurs les plus sombres, et établissez un bon plan de la façon dont nous allons commencer cette peinture et intégrer ces idées tout au long du processus. Ensuite, nous commençons à avoir des problèmes, et nous allons en parler longuement. Au fur et à mesure que nous passons aux sections intermédiaire et avancée de cet entraînement. Je vais m'attarder un peu sur la planification. Nous aborderons certains paysages, peut-être des natures mortes, où nous devrons réfléchir davantage à la manière dont nous allons superposer les éléments. Mais pour l'instant, nous ne faisons que nous amuser, profiter des caractéristiques de l'aquarelle, laisser ce médium briller et faire son travail. Nous comprenons la gravité, nous comprenons les effets de l'eau. Toutes ces choses dont j'ai parlé. C'est bon. Tous les lavages sont encore humides. Chaque carré que j'ai peint est encore assez humide. De toute évidence, celles que j' ai faites au début sont plus humides à ce stade C'est le bon moment pour y mettre de la couleur. Parfois, on parle de recharge, lorsque vous faites un lavage humide, puis vous revenez avec une autre couleur et vous la déposez dedans. Maintenant, je peux aussi soulever de la peinture. J'utilise une brosse propre, je passe juste en revue certaines d'entre elles et je la soulève quand je la soulève à nouveau. Tu veux une brosse propre ? Vous voulez simplement appliquer un peu de pression sur la surface avec votre pinceau , peut-être créer un trait , puis sortir de là. N'essaie pas d'y revenir trop souvent, d'accord ? Maintenant, j'utilise la gravité pour pousser l'eau dans une autre direction. Je vais retourner le tableau à l'envers, et maintenant je vais utiliser des teintes plus foncées. Encore une fois, chargez-le légèrement ou déposez-le dans certains de ces lavages humides Encore une fois, n'essayez pas de créer beaucoup de coups de pinceau ici, vous pensez simplement à les laisser tomber dans le pigment au lieu d'utiliser votre pinceau et de créer trop de traits. Si vous le faites, vous allez perdre ce mélange organique créé par l' eau et la gravité pour vous Mais je tiens à souligner que lorsque je charge ou que je laisse tomber de la peinture dans ces produits de lavage humides, j'applique une très légère pression avec le pinceau Je le mets à quelques endroits mais j'essaie de trop agiter tous les lavages. Nous ne voulons pas les mettre dans un sèche-linge, les mélanger tous et les mélanger. Vous voulez juste vous rendre à quelques endroits, puis lâcher prise. Laissez-le se mélanger et verser dans le liquide de lavage déjà présent Encore une fois, vous constaterez que si vous vous retrouvez avec carrés trop boueux et qu'ils ont l' air vraiment plats, il y a de fortes chances que vous les ayez simplement a de fortes chances que vous trop frottés et que vous ayez juste essayé de les travailler plus que ce qu'ils devraient probablement avoir. Un peu de levage ici, une brosse très propre, essayé de les travailler plus que ce qu'ils devraient probablement avoir. Un peu de levage ici, une brosse très propre, une bonne brosse dedans, puis en Voilà. Voici mon article. J'espère que ce projet vous plaira. C'est très amusant. Vous pouvez les faire à très grande échelle et les utiliser pour l'art de votre maison. Et encore une fois, vous pouvez utiliser différentes formes ou ce que votre cœur désire, mais. Et celui-ci, nous avons créé des carrés abstraits, encore une fois, en utilisant l'eau et la gravité pour la fusion. Nous utilisons plusieurs teintes. Nous voulons éviter un trop grand nombre de passes car nous avons beaucoup insisté jusqu'à présent. Et puis amusez-vous simplement à explorer les couleurs. Comme je l'ai déjà mentionné, c'est le moment idéal pour appliquer de la peinture sans aucune pression pour faire quelque chose d'excitant. Nous aborderons des sujets beaucoup plus complexes plus tard, mais le moment est venu de familiariser et de nous amuser avec eux. Ainsi, plus tard , lorsque nous commencerons à réaliser des projets plus avancés, vous serez moins intimidé. 14. Argenterie panachée: Très bien, je vais juste le faire en dessous de la démo précédente. J'ai encore du mal à comprendre. Je vais commencer par la même idée. Je vais à nouveau essayer d'utiliser le moins de passes possible et de peindre avec le moins de traits possible. La pointe de mon fort fait maintenant glisser mon manche vers le bas. Un beau coup rapide là-dedans. J'espère que lorsque j' aurai terminé, cela révélera peut-être une partie de la texture du papier. Maintenant, j'utilise du nouveau gamboge, un peu de Cad, du jaune, citron et Je vais juste éclaircir un peu ce point. Maintenant, je suis juste en train de tomber dans la peinture. Je ne le brosse pas vraiment sur le papier, je le laisse simplement tomber Juste assez pour laisser une partie s'égoutter et se retrouver dans la peinture grise qui s'y trouve J'ai commencé par le jaune , puis j'ai fait un trait de gris. Maintenant, je vais juste ajouter un peu de gris au jaune. Encore une fois, la clé ici, et je pense que le thème que vous connaissez, j'espère que vous êtes parfaitement au courant maintenant, est de le mettre de côté et de le laisser de côté. Nous essayons d'éviter trop de passes. Très bien, au final, vous aurez quelque chose qui aura un aspect impeccable. Ce ne sera pas visible, il sera très transparent. L'eau et la gravité feront leur travail et vous donneront ce look d'aquarelle libre et direct que j' espère que vous souhaiterez et désirerez dans votre art à l' aquarelle. C'est bon. J'ai commencé avec une cuillère foncée , puis un manche de couleur claire. Encore une fois, je mélange mon jaune doré ici. Et je vais le mettre un peu dans la cuillère, dans le manche, et j'espère ne pas trop le mélanger. J'ai ce jaune. Maintenant, je vais juste commencer par le jaune. Et il suffit de faire couler de la peinture sur la base de la fourche, puis sur les attaches et les pointes, puis sur le manche. Maintenant, je vais l'inverser et y ajouter un peu de gris. Je ne le mets pas partout, je ne laisse tomber le gris qu'à certains endroits. C'est plus aléatoire. Je n'essaie pas de le forcer ou de trouver une réplique exacte de l'argent. Je n'utilise même pas d'image de référence, je le fais juste par imagination. J'ai vu des choses comme ça sur Pinterest et sur d'autres sites. J'ai pensé que ce serait un excellent projet à utiliser pour cette démo et ces caractéristiques que nous essayons d'apprendre. Très bien, ça avance plutôt bien. Il nous en reste cinq, peut-être un de plus pour y aller. Je vais commencer ou terminer avec ma cuillère. Je vais peindre une partie de la cuillère puis terminer avec le jaune. Maintenant, je vais probablement avoir un peu de gris et de jaune dans mon pinceau, alors ils recommencent à se mélanger. J'essaie de faire le moins de passes possible. Au final, quand ça sèche, ça donne vraiment l' aspect aqueux que je Très transparent Encore une fois, je veux que ce soit net et propre. Le but ici n'est pas de peindre des œuvres primées que nous allons présenter lors de la prochaine exposition d'art. Il s'agit simplement de nous concentrer sur ces caractéristiques de l'aquarelle et les compétences sur lesquelles nous avons travaillé avec tant de diligence Jetons un coup d'œil à l'œuvre d'art terminée. C'est sec et vous pouvez voir comment cette aquarelle et ces teintes se mélangent d'elles-mêmes. Nous allons faire une petite promenade dans Memory Lane et regarder la première démo. Ensuite, nous allons passer à la seconde. Mais remarquez que ces traits rapides révèlent une partie de la texture du papier. Nous avons un joli look doux. J'espère avoir pu utiliser une bonne technique dans ce projet. Mettez en valeur des traits lents et rapides avec de la peinture fine et épaisse. Et puis, bien sûr, mélanger les teintes en utilisant l'eau et la gravité C'est ça. J'espère que vous avez apprécié les projets. Je vous verrai lors de la prochaine leçon. 15. Paysage simple de projet: Bienvenue sur la démo du paysage. Cela vous aidera à tester vos compétences de base. Tout ce que nous avons abordé jusqu'à présent est donc un simple paysage. Nous utiliserons les caractéristiques de l' aquarelle au mieux de nos capacités Nous allons le garder souple et transparent. Nous allons essayer de révéler et conserver certaines de ces étincelles blanches du papier Nous utiliserons des couches humides et humides, et bien sûr, des couches humides et sèches Et pour conclure, à la fin de cette vidéo, le papier mesure environ dix sur huit ». Je vais utiliser deux ou quatre B et dessiner mes bords. Ensuite, commencez par la surface sèche comme le ciel pour ne pas avoir préalablement mouillé le papier. Lorsque j'ai fait cette première marque, j'ai remarqué que le papier brillait beaucoup de blanc à cause de la vitesse du trait Le fait qu'il s'agisse d'un papier à charbon de 140 livres va le faire maintenant. Il suffit d'utiliser de l'eau pour le dissoudre ailleurs. Il suffit de mélanger un peu de citron Cadielo et un peu de yoker citron Cadielo et un peu de yoker ou du nouveau gamboge Laisse-le faire son travail. Très bien, c'est la clé, nous voulons la poser puis la laisser reposer ici. Je vais commencer à travailler avec la terre. Je laisse une petite brèche là où la terre rencontrera le ciel, mais pas trop. Certains endroits saignent les uns dans les autres. Mais j'ai aussi une petite partie du livre blanc ici. Je vais ajouter une petite gradation. J'ajoute un peu de bleu foncé à ce ciel et je le laisse courir. Remarquez que je n' essaie pas de contrôler l'eau, contrôler l'endroit où tout saigne, et c'est la clé C'est ce dont nous avons parlé à de nombreuses reprises jusqu'à présent. Ici, j'utilise un sèche-cheveux et je veux juste le sécher. Au fur et à mesure que je le sèche, à mesure que la peinture devient plus claire, elle perdra environ 20 % de sa valeur lors du premier lavage. C'est ce qu'il me reste. C'est 100 % sec. Maintenant, je suis en train d'empiler des couches. Je mets une couche par-dessus l'autre. C'est ce que nous avons fait pour la première fois lorsque nous avons commencé à en apprendre davantage sur la transparence. Nous avons choisi les trois couleurs, le jaune, le rouge, puis le bleu. Nous empilons ces cercles les uns sur les autres. Il s'agissait essentiellement de peindre mouillé sur sec, puis d'utiliser des couches pour les empiler les unes sur les autres pendant que je peignais Ce violet magenta passe par-dessus ce jaune. Ce jaune va donner de l'éclat à ce violet. j'avais mis le violet sur le jaune alors qu'il était déjà mouillé, les lignes seraient évidemment beaucoup plus lâches car elles se répandraient dans le ciel Vous n'obtiendrez pas le même effet lumineux. Encore une fois, c'est la beauté du médium qui rend notre couleur si charmante, je pense, c'est cette belle lueur, ce look esquissé Vous pouvez vraiment y arriver travaillant rapidement, en toute confiance, en laissant simplement les choses faire le travail à votre place Mais vous pouvez voir qu'en 3 ou 4 minutes, ce tableau s'est assemblé très rapidement. Mais en réalité, le médium a fait une grande partie du travail pour moi. Ici, je mélange une peinture un peu plus épaisse, ajoute une teinte plus épaisse à la distance entre les montagnes à quelques endroits et c'est tout, juste quelques points ici et là juste pour donner détails. Ce n'est tout simplement pas si plat et ennuyeux que ça, c'est tout ce que je recherche pour le moment. Nous allons y jeter un œil ici. J'ai pris cette image qui s'affichera si jamais je peux finir de dessiner mon petit carré autour de la pièce. Je l'ai prise à la lumière naturelle pour que vous puissiez vous en faire une idée. Mais c'est simple, mais je pense que cela montre vraiment ce que le média est censé faire. Et cela doit être transparent, souple et avoir cette apparence insouciante Dans cette démo, nous avons créé un paysage simple en utilisant les caractéristiques sur lesquelles nous avons travaillé dur et assidûment jusqu'à présent. J'ai réussi à le garder souple et transparent. J'ai gardé l'éclat blanc du papier ici et là. Nous avons appliqué une couche humide et sèche, permettant à la peinture de sécher à 100 % , puis nous avons appliqué une couche par-dessus. Alors je vais le faire. J'ai inclus un modèle pour cette démo. Si vous voulez faire quelque chose de similaire, n'hésitez pas à utiliser le modèle ou vous pouvez simplement regarder mes œuvres d'art et dessiner quelques lignes. Et cela devrait être assez rapide et facile à faire. Bonne chance avec celui-ci, et je vous verrai de la prochaine démonstration de paysage. 16. Paysage intermédiaire de projet: Bienvenue dans Landscape Demo Two. Encore une fois, nous testons vos compétences de base, vos connaissances de base sur l'utilisation des caractéristiques de l'aquarelle Dans celui-ci, nous examinerons un simple ciel dégradé, un premier plan en couches, un plan intermédiaire en couches, une verticale foncée et comment soulever un pigment. Et puis une conclusion. À la fin, vous pouvez voir la configuration. Le papier est de la même taille et fonctionne assez petit à cet endroit. J'ai trouvé mon point de vue, c'est toujours mon argent pointé. Je vais pré-mouiller le papier. Quand je le prémouillerai, je laisserai quelques endroits du blanc du papier. Vous pouvez voir que j'ai des endroits dans le ciel, j'ai une petite zone au milieu sur la gauche, un triangle. Et un peu au premier plan également. Maintenant, j'utilise du bleu cobalt, commençant par un peu plus foncé en haut du ciel. Maintenant, il suffit de l'eau pour la diluer , encore une fois, l'eau va fusionner ces couleurs. Nous avons un tas de nuances, de tons de bleu différents. Même s'il ne s'agit que d'une seule couleur, il va sécher et avoir un joli aspect aléatoire. Et il sera dégradé, ce qui signifie qu'il sera plus foncé dans certaines zones et plus clair dans d'autres J'utilise un peu d'ocre et une touche de citron jaune citron au premier plan Et maintenant, j'incline le papier dans différentes directions pour permettre au lavage de couler Tout ne court pas en descente. Vous pouvez parfois incliner votre page et laisser l'eau couler dans le sens inverse. Bien sûr, vous pouvez aussi le mettre sur le côté, éviter que le lavage ne paraisse trop prévisible. Voilà, regardez ce ciel simple et la gravité a tout fait. J'ai juste ajouté de la teinte que j'ai créée. J'ai contrôlé à quel point il faisait sombre en haut. Je le voulais un peu D, j'ai laissé le médium faire le reste du travail. Pour moi, ce n'est qu'un petit peu du magenta et du violet que j'avais dans ma palette En mélangeant ça avec du bleu et du jaune et en le grisonnant un peu Encore une fois, c'est 100 % sec. Maintenant, tout ce que je fais consiste à travailler sur la première couche sèche, nous obtenons cette qualité transparente. Nous voyons donc la lueur du jaune qui vient du dessous et qui traverse la couche que je viens de poser. Bien, maintenant, en utilisant un peu de bleu outremer, un peu de lézard et du cramoisi, je vais mélanger un peu de violet et de violet aubergine et du cramoisi, je vais mélanger un peu de violet et de Un peu plus de bleu est probablement un peu trop rouge. Je vais faire un petit échantillon. J'ai un bout de papier brouillon juste en dessous mon dessin qui m'aide à tester la couleur. Avant de le poser, j'y ai mis un peu de jaune. Un peu plus d'eau, juste pour l' éclaircir un peu. Maintenant, j'utilise le côté de mon pinceau, la pointe de mon pinceau. Et il le fait glisser le long la surface avec un peu de pression ce qui va révéler une partie de cet éclat blanc maintenant Parce qu'une grande partie de cette zone sur laquelle je travaille actuellement, le côté supérieur gauche est sec. Je vais peindre l'espace en négatif, comme si de l' herbe remontait et rencontrait ces buissons violets. La peinture en espace négatif est une excellente technique de peinture. Nous allons avoir une section entière sur la peinture en espace négatif parce que je pense que c'est vraiment très important pour vos compétences artistiques. Une technique de peinture qui, je pense, vous plaira et que vous pourrez utiliser de nombreuses manières différentes. Maintenant, un peu de tente neutre, un peu de Sienne brûlée Je vais aussi emprunter un peu de violet pour trouver une belle couleur foncée ici. Je cherche une bonne verticale foncée , ce sera un arbre. Il suffit de faire glisser ce pinceau le long de la surface et là. Je viens de faire un petit tour pour révéler la texture rugueuse du papier Je suis désolée, ma main me gêne, mais j'utilise le bout de mon pinceau. C'est le moment de dessiner quelques branches. Assurez-vous simplement que les branches ne sont pas toutes dans le même sens. Assurez-vous qu'ils sont de tailles différentes. Certaines sont longues, d'autres courtes, autres vont sur le côté, d' autres vont latéralement et vers le bas, sont plus inclinées vers le haut, juste pour avoir une bonne variété Il n'y a vraiment aucune image que j'utilise ici. Il s'agit simplement d'une peinture aléatoire en termes de sujet. en jouant avec le médium et en proposant des démos et des idées simples, vous pouvez faire assez facilement avec votre aquarelle Cela vous aidera à tester de nombreuses compétences. Mettez ces éléments à votre service dans une vraie peinture au lieu de simplement faire échantillons, des études et d' autres choses du genre Maintenant, à l'aide de mon essuie-tout, je vais soulever une partie de cette peinture. Vous pouvez donc simplement le presser dans la peinture , puis le soulever. Ensuite, cela va enlever une partie de la peinture humide. Maintenant, j'ai mon pinceau à épée, qui est plutôt destiné aux détails et à quelques éclaboussures Et puis ajoutez juste quelques petites tiges et brindilles à l'arbre ici Encore une fois, en utilisant l'épée, le bout de celui-ci juste pour indiquer un peu d'herbe. Ce petit bout de texture. En descendant au premier plan, il suffit de vraiment relier le premier plan au plan intermédiaire Juste quelque chose pour attirer l'attention sur le tableau. Mon appareil photo est certainement en train de l'éteindre en termes de lumière. Je ne sais pas ce qui se passe là-bas, mais je vais me renseigner. Mais maintenant, je veux peut-être un autre petit arbre ici , juste pour lui donner un peu de distance. fait d'avoir un gros tronc au premier plan, contrastant avec un arbre plus clair et plus petit en arrière-plan, donne cette illusion de distance C'est un petit truc que l'on peut faire avec la peinture. Nous parlerons un peu de composition, choses comme ça aussi, dans ce cours. Mais pour l'essentiel, il s'agit simplement, encore une fois, d'une démonstration rapide et facile. Je vais en soulever un peu , un peu trop sombre. Mais encore une fois, une autre démonstration de paysage rapide et facile que vous pouvez faire et tester vos compétences de base. Il y a une pièce finie, belle et sèche. J'espère que vous pourrez constater une partie de cette faible qualité, certains de ces traits insouciants, sans trop essayer de contrôler le médium, en laissant l'eau gravitaire contenue dans les couleurs faire le travail à votre place. Encore une fois, un simple lavage gradué dans le ciel. Un empilement en couches au premier plan, une couche humide sur une couche sèche Même chose pour le juste milieu. Une belle verticale robuste. Juste pour ajouter un peu d'intérêt à la composition, je vous ai montré rapidement comment soulever les pigments, ce que j'ai fait à quelques reprises et jusqu'à présent dans ce cours. Vous devriez donc le connaître assez bien. Tant que la peinture est mouillée, vous pouvez facilement le faire. Ensuite, je vais terminer pour que nous ayons un autre paysage facile à parcourir. Et je vous verrai dans la prochaine démo. 17. Paysage stimulant: Très bien, bienvenue dans la troisième démo d'Easy Landscape. Encore une fois, il s'agit de tester ces compétences de base. Nous allons créer un autre paysage simple en utilisant les mêmes caractéristiques que celles dont nous avons parlé, en le gardant souple et transparent. Le timing est important. Des couches mouillées et sèches et toutes ces choses amusantes. Du papier au même format, et rien n'a changé. Ce sont donc des démos assez petites utilisant mon rond à pointe argentée À commencer par un peu de bleu coba et un peu de teinte neutre mélangés à cela, je vais me lancer directement dans le ciel sec. Je n'ai pas prémouillé le papier, je travaille ici sur du papier humide pour obtenir du papier sec. Il suffit de faire glisser à nouveau rapidement ce pinceau sur la surface, en essayant de ne pas trop y retourner Laisser cette couleur rester aussi fraîche que possible est la clé. Comme je l'ai déjà mentionné, vous commencez à vous y intéresser beaucoup, cela va commencer à s'aplatir et devenir vraiment ennuyeux. Ce n'est pas ce que nous voulons. Nous voulons que ces couleurs restent fraîches, que les traits restent frais, etc. Encore une fois, essentiellement les mêmes couleurs mais juste un peu plus foncées ici. J'ajoute juste une petite sensation de colline ou de quelque chose au loin. C'est un début assez facile. Je vais prendre une serviette en papier et soulever un peu de cette eau et ce pigment qui coulait vers la colline. Je veux que cela reste séparé. Cela ne me dérange pas d'avoir un peu d'obscurité dans la partie supérieure du ciel, mais je ne voulais pas trop me mêler à ces collines bleues grisâtres que j'ai plantées. Encore une fois, ces collines sont vraiment molles, plumeuses et vaporeuses parce que je laisse couler dans la pluie du ciel Je l'ai fait exprès parce que je voulais que ce soit assez faible en termes de qualité. Maintenant, j'ai un vert grisâtre pâle et laisse se mêler et se répandre au premier plan Encore une fois, il utilise mon pinceau de différentes manières. Donc, lancez-le de droite à gauche, en le faisant glisser vers le haut. Juste pour obtenir une variété de coups de pinceau, tout n'est pas travaillé horizontalement. Certains traits sont horizontaux, d'autres sont inclinés vers le haut, etc. Cela aidera à donner au pinceau un peu de caractère au lieu d' être vraiment rigide et plat. Mettez également un peu de Sienne brûlée dans ce mélange juste à la fin Et il suffit de le mettre au premier plan. Évidemment, utilisez un sèche-cheveux ici pour le sécher. Remarquez que lorsque j' utilise le sèche-cheveux, il est agréable et lisse sur le papier. Je n'essaie pas de le faire bouger d'avant en arrière trop vite. Parfois, cela fait pénétrer l'eau dans le linge d'une manière que vous n'aimez peut-être pas trop. C'est bon. Encore une fois, comme vous le savez, tout est sec. Remarquez le scintillement blanc du papier. J'en ai laissé une grande partie là-dedans. L'horizon, la ligne de montagne ne correspondaient pas exactement au premier plan et au juste milieu. J'ai laissé quelques petites étincelles et de petites lacunes dans ce blanc Voici juste un gris rouge brunâtre. C'est une valeur beaucoup plus sombre que celle que j'ai utilisée jusqu'à présent. Mais remarquez que ces coups de pinceau étaient beaux et lâches. Je n'ai pas essayé de contrôler ça. Je ne peignais pas des arbres ou des buissons individuels. J'avais une idée de ce que je voulais. Je l'ai attaqué de manière à ce qu'il soit spontané et libre. Ici, je mélange un mélange plus épais. Burnt Sienna, tente ultra marine neutre. Peut-être même une touche de lézard et de cramoisi là-dedans. J'ai compris et je vais faire ce petit mouvement, le coup de pinceau s'accélère et je remarque le scintillement du papier sur les troncs d'arbres Nous avons exposé cette texture, ce qui est une bonne chose. Maintenant, je vais passer à mon pinceau à épée et faire quelques petites branches, mais je remarque des traits lâches presque calligraphiques qui s'y produisent Il suffit de travailler d' avant en arrière, de s'amuser avec. Et puis il y a une alarme qui se déclenche et dit, accord, d'accord, ça suffit. Laisse-le aller. Nous ne voulons pas en faire trop, il suffit d'avoir ce réveil qui sonne. Cela vous rappelle qu'il ne faut pas aller trop loin et qu'ils projeter un peu d'eau dans le linge. Comme vous le savez, cette eau va faire fondre les choses. Cela va dissoudre et diluer la peinture. Cela va faire du travail, apporter un peu de variation à ce lavage intensif. Encore une fois, je travaille avec des gris de Sienne ajouter un peu plus de corps et teinte à ce premier plan Certains de ces accidents sont encore humides, donc nous saignons un peu. Je vais juste utiliser la même couleur pour le feuillage des arbres du milieu. Remarquez la rapidité avec laquelle je l'ai mis. Je ne peignais pas des feuilles ou des arbres individuels, je les ai simplement parcourus et je les ai presque tous peints en même temps. C'est la clé. C'est à ce moment-là que, vous savez, vous êtes dans cette zone de l'aquarelle où vous n' essayez pas de tout contrôler, vous vous contentez d'en comprendre l'essentiel Vous savez, le médium va faire beaucoup de travail pour vous. Ça va y revenir , fusionner les choses et commencer à rendre les choses un peu plus intéressantes. Une peinture un peu plus épaisse ici vers la fin. Encore quelques petits bâtons et branches et quelques belles pinceaux qui devraient suffire pour cette partie. Maintenant, je vais revenir au premier plan. Quelques verticales apparaissent peut-être ici. Peut-être de l'herbe, des petits bâtons ou quelque chose comme ça dans ce sentier. Mon pinceau est assez sec, mais il y a un peu de pigment dessus. Mais je travaille ces petits traits sur le papier juste pour indiquer un peu de feuillage sur le grand arbre maintenant, mélangeant un jaune-vert et en ajoutant un peu de feuillage vert à cet arbre également. Juste pour avoir des feuilles brunes au milieu des arbres sur la droite. Les arbres les plus proches de nous ici ont un peu de cette feuille verte. Il y a de la variété là-dedans. J'utilise mon couteau Exacto pour gratter cette peinture humide, vous le savez , peut-être aussi quelques brindilles au milieu C'est assez facile. Encore une fois, le simple fait de compter sur le médium pour faire une grande partie du travail à ma place, j'espère que lorsque vous regardez cette œuvre, il ne s'agit pas d'essayer de créer un paysage primé un paysage primé qui figurera dans la prochaine émission. Il s'agit d'apprécier et d' exploiter pleinement la beauté de l'aquarelle Et laisser les choses se mélanger, saigner, et laisser la gravité et toutes ces choses merveilleuses OK, encore une fois, ce sera le dernier paysage de cette section. J'espère que vous êtes enthousiaste à l'idée de tenter le coup. J'ai le modèle qui est inclus dans les ressources, alors n'hésitez pas à le consulter ou vous pouvez également utiliser ma peinture comme modèle, je le ferai pour celui-ci. Je vous verrai à la prochaine leçon. 18. Stratégies intermédiaires: Très bien, félicitations pour avoir terminé le module pour débutants. Ce ne sont là que quelques-unes des techniques et caractéristiques de l'aquarelle que nous avons abordées jusqu'à présent, mais il est très important pour nous de les mettre au moins sur la table Il y a beaucoup d'autres éléments de base dont nous pourrions parler et nous le ferons peut-être au fur et à mesure que nous avancerons. Mais pour le moment, nous allons simplement appuyer sur ces idées. Nous n'allons ni oublier ni abandonner ce que nous avons appris nous allons y ajouter des éléments, et nous allons utiliser ces idées dans d'autres matières. Bien entendu, nous allons également parler davantage de la manière dont nous pouvons manipuler et renforcer certaines manipuler et renforcer certaines de ces techniques. Dans la section suivante, consacrée aux stratégies intermédiaires, nous allons commencer par un éclairage sur la forme. Essentiellement, nous essayons de comprendre comment nous pouvons maximiser nos sujets et leur donner un aspect plus tridimensionnel. Ce seront des objets très simples au début, puis nous les rendrons un peu plus complexes en plongeant un peu plus profondément sans plus attendre. Commençons par ces stratégies intermédiaires et avons hâte de les partager avec vous. Merci. 19. Valeur et forme: Revenons-en à l'essentiel. Ici, nous allons examiner la valeur et la forme. Capture de l'ombre et de la lumière. Nous examinerons une échelle à cinq valeurs, faits de lumière et d'ombre, atténuant les ombres projetées Le timing est très important en utilisant, ou devrais-je dire, en empilant des couches Et puis la conclusion de cette démo, que je vais utiliser une teinte neutre pour mon gris. Mais comme je l'ai déjà mentionné, vous pouvez toujours prémélanger vos gris si vous le souhaitez Encore une fois, je vais le faire encore une fois. Du bleu outremer, du jaune, puis Ensuite, selon qu'il fait chaud ou froid, vous pouvez ajouter du bleu ou du rouge. Pour modifier la température ici, je vais faire un Swatch. Je vais y ajouter un peu d'eau, ce qui révélera sa température. Ensuite, je voudrais ajouter un peu de bleu. Je vais donc faire en sorte que ce soit un peu plus cool. Et puis un peu d' eau pour ça aussi. Vous pouvez voir que c'est juste un refroidisseur tactile et encore un peu plus cool. Je vais faire mon Swatch, ajouter un peu d'eau. Voilà. C'est un bon moyen facile de mélanger vos tons neutres si vous n' avez pas de teinte neutre ou de gris Mais encore une fois, pour moi, je vais juste utiliser ma tente neutre. Maintenant, je vais créer une échelle simple, commençant par une couleur foncée, puis en ajoutant un peu d'eau à chaque échantillon Cela va me donner une échelle qui commence en noir sur la gauche, évidemment, puis plus claire lorsqu'elle se déplace vers la droite. Je vais utiliser cette échelle pour cette démo. Une petite retouche là-haut sur mes échantillons, ils étaient peut-être un peu trop légers et nous devrions pouvoir utiliser mes quatre cartouches de graphite B. Je vais dessiner ma sphère, puis mon cube, où évidemment, pour un dessin de mise en page comme celui-ci, essayez d'utiliser des marques claires si vous ne voulez pas que les marques de crayon apparaissent. Parfois, je ne me soucie pas vraiment des marques de crayon et je les laisse transparaître dans mes œuvres d'art. Mais pour cette démo, je vais essayer de rester un peu propre. J'utilise cette poignée qui me permettra d' utiliser des mouvements plus légers Juste un peu d'eau propre pour mouiller la sphère OK, donc je peins aussi. C'est bon. Une surface mouillée. Je vais ajouter ma source de lumière, qui vient du coin supérieur gauche. Maintenant, lorsque vous avez une source de lumière, elle rebondit dans toutes les directions, mais elle descend également, touche la surface et rebondit sous la sphère qui s' Si vous plissez les yeux sur l' image de droite, vous verrez de la lumière réfléchie qui n'est rien d'autre que la lumière qui descend, rebondit puis passe qui n'est rien d'autre que la lumière qui descend, sous cette sphère De plus, la lumière atteint notre sujet, qui se trouve sur le dessus de la balle, la sphère juste là, où elle passe de la lumière à l'ombre. C'est ce qu'on appelle l'ombre centrale. Vous y aurez une petite valeur de lumière, mais ensuite il fera très sombre. Généralement, l'ombre centrale est la plus foncée des ombres. Encore une fois, si vous plissez un peu les yeux sur la sphère de la vidéo ici, vous pouvez voir que je vais également inclure cette sphère dans les ressources Vous pouvez y jeter un œil par vous-même, et bien sûr, je sais que vous voulez essayer ce projet par vous-même. Vous aurez cette ressource en utilisant une valeur très faible. C'est à peu près la première valeur de mon échelle. J'ai une échelle à cinq valeurs. Je vais peindre le ballon et l'ombre, ainsi que les flancs. Je peux le faire parce que je suis en train de regarder mon sujet. Je vois qu'il y a une partie supérieure du cube qui est assez blanche. Et puis il y a une petite partie du ballon qui est également blanche. Mais pour tout le reste, je peux peindre cette nuance de gris clair à partir de là. Je peux simplement utiliser des couches plus sombres pour y ajouter des ombres. J'adoucis l'ombre. Une ombre projetée aura des bords souples ou diffus à l'extérieur Au fur et à mesure qu'une ombre s' éloigne de son sujet, elle devient de plus en plus douce. Et en général, il sera un peu mou ou mélangé sur les bords J'utilise juste de l'eau propre pour le diffuser. Maintenant, je vais enlever un peu de cette peinture pour le haut de cette sphère. Tout va bien, mais je veux commencer par ajouter la valeur suivante à cela. Maintenant c'est encore humide. Encore une fois, vous devez vous rappeler que l'eau est un conduit pour le pigment. Pendant que je peins ceci, je vais permettre à cette eau de se répandre un peu. Je veux que le côté supérieur gauche de cette balle soit un peu léger, mais je sais que du pigment va pénétrer dedans parce qu'elle est mouillée. Mais je vais y revenir suffisamment pour permettre ce mouvement supplémentaire. OK, encore une fois, c'est juste là que nous essayons de comprendre et de respecter le fait qu' il y a de l'eau là-bas. La valeur va bouger. Le pigment va bouger. Maintenant, le timing est important. Au fur et à mesure que je passe à la couche suivante, je vais commencer à ajouter les ombres principales. Je ne veux pas qu'il soit sec si j'attends qu'il soit complètement sec. Ensuite, je vais devoir mélanger tout ce que j'essaie de faire, cette sphère mouillée à humide. Je vais attendre que cette sphère soit presque sèche, ce que j'ai fait. Mais je sais que je peux toujours y peindre. Maintenant, lorsque vous peignez sur une surface comme celle-ci, encore une fois, le timing est important. Si vous attendez trop longtemps, vous aurez parfois des filigranes Tu auras ces choux-fleurs. D'autres fois, si vous n' attendez pas assez longtemps, alors bien sûr, tout ce pigment noir se retrouvera dans le blanc de la sphère où nous avons notre lumière. Encore une fois, je tiens à ce que cela reste assez léger à ce stade. À ce stade, je dois dire. Je vais le laisser reposer. En fait, je vais en retirer un peu de pigment pour cette lumière réfléchie. Encore une fois, c'est encore humide. OK. Je dois donc autoriser ce mouvement. Je sais que l'eau va le dissoudre. Maintenant, je l'ai complètement laissé sécher. Il est 100 % sec. Et vous pouvez voir où un objet entre en contact avec un autre. Il y a généralement une ombre très, très foncée. Je vais mettre cette ombre dedans puis la mélanger. Maintenant, j'ajoute le côté obscur du cube ici. Encore une fois, cette face du cube est sèche à 100 %. Et j'ajoute juste une couche légèrement plus foncée par-dessus. Encore une fois, j'essaie d'obtenir ces coups nets et de ne pas trop m'en mêler Maintenant, lorsque des objets entrent en contact avec le sol comme ça, je vais adoucir ce bord pour qu'il ne paraisse pas trop rigide. Jetons un coup d' œil à la démo ici. vrai dire, l'ombre sur la sphère est probablement un peu trop foncée. L'ombre centrale peut être un peu plus légère, mais dans l'ensemble, je pense qu'elle donne cette impression de forme. Il a donc un aspect tridimensionnel. J'espère que nous avons tiré des leçons de cette leçon. Dans ce document, nous avons couvert des faits simples sur la lumière et les ombres sur une échelle de cinq valeurs. Adoucir les ombres projetées de manière à ce qu'il soit important de chronométrer les ombres sur le bord extérieur du cache fait, comprendre l'humidité du papier est une chose très précieuse En fait, comprendre l'humidité du papier est une chose très précieuse pour la peinture à l'aquarelle Alors, comment utiliser deux couches pour capturer le côté le plus sombre du cube ? Et maintenant, vous devriez avoir, espérons-le, un peu plus d'informations sur l'impact de la valeur sur la forme. Pour capturer un objet tridimensionnel, il est donc essentiel de bien placer vos valeurs . 20. Valeur et forme avec la couleur: Très bien, voici une autre balle et un autre cube ici. À ce stade, c'est une boule rouge. Nous avons deux couleurs différentes auxquelles nous devons faire face. Nous allons parler de la lumière réfléchie. Même chose, adoucir les ombres projetées. Chronométrage à l'aide de couches. Et puis un petit récapitulatif ici à la fin. Commençons. J'utiliserai mon même crayon quatre B pour y mettre le dessin de mise en page, cette fois à l'aide d'un trépied standard Maintenez le crayon tout essayant d'obtenir des lignes de mise en page assez claires. Voilà, j'ai trouvé l'ombre. Nous sommes maintenant prêts à démarrer. Je vais maintenant faire un test Swatch. Il est toujours bon de tester vos couleurs. Je veux juste savoir où je vais utiliser mon rouge le plus foncé Je vais ajouter de l'eau à cela pour obtenir cette valeur moyenne. Et puis peut-être un autre pour ces jolis roses qui devraient faire Je n'essaie pas vraiment de faire correspondre exactement la boule rouge, je veux juste me faire une idée. L'objectif de cette leçon est de comprendre toutes les techniques nous avons parlé, pour travailler mouillé sur mouillé. Comprendre comment l'eau est un conduit pour la peinture, gérer la gravité, etc. J'y ai ajouté un peu de magenta ou de bleu outremer pour mon ombre. Je vais utiliser cette ombre pour la boule rouge Voici une simple échelle de gris que je vais utiliser pour le cube. Je vais utiliser de l'eau et prémouiller à nouveau la sphère. S'il fait trop humide, vous allez perdre le contrôle. Comme vous pouvez le voir, la boule rouge est légèrement surlignée. Je vais donc retirer la majeure partie de cette eau. Et je vais le refaire, selon le degré d' humidité de votre papier, quantité d'eau que vous utilisez déterminera à quel point cette aquarelle bouge et envahit cet espace Chaque fois que je peins autour d'elle, j'essaie de laisser peut-être un peu plus d'espace que ce dont je pense avoir besoin. J'ai tendance à être à court la plupart du temps. Je regarde donc mes tendances, vous pouvez me le dire, vos tendances peuvent être un peu différentes, mais encore une fois, nous devons laisser cette eau se diffuser et déplacer le pigment. Maintenant, je vais utiliser une couleur légèrement plus foncée et commencer à peindre certaines des principales ombres autour de ce point culminant. Nous avons toujours l'effet de lumière rebondissante. Si nous plissons les yeux sur la balle, vous pouvez voir qu'il ne s'agit que d'une petite zone où la lumière se lève et touche le bas de cette boule rouge De plus, nous avons toujours affaire à une ombre centrale. Lorsque nous plissons les yeux, nous pouvons voir où cette lumière disparaît et où commence l'ombre Ce sera la zone d'ombre centrale et ce sera la plus sombre Je ne l'ai pas encore mis sur la sphère. Maintenant, je vais utiliser mes gris comme ombre. Je sais que ces rouges vont s'y infiltrer, ce qui est excellent fois que vous avez deux objets Chaque fois que vous avez deux objets proches l'un de l'autre et qu' ils ont des teintes différentes, vous aurez une couleur qui se répercute sur l'objet suivant Si vous regardez l'ombre de la boule rouge au-dessus du cube blanc, vous pouvez voir un peu de cette boule rouge au-dessus de ce cube. Le rouge se reflète dans le blanc. Maintenant, je n'essaie pas de le rendre parfait, j'ai juste besoin de le savoir avant de commencer et de le reconnaître. OK, eh bien, il y a du rouge dans l'ombre. Il y a une boule rouge, un objet blanc. Le ballon est posé sur le dessus. Par conséquent, je peux presque garantir qu'il y aura du rouge dans cette ombre. C'est ainsi que la lumière fonctionne, c'est ainsi que fonctionne la couleur. Encore une fois, vous avez deux objets comme ça qui se touchent. Cherchez cette lumière réfléchie. Ce n'est peut-être pas grave, honnêtement. Ce n'est pas quelque chose que j' intègre dans mes œuvres d'art. Je ne tolère pas vraiment la lumière réfléchie. Mais pour cette démo, j'ai pensé qu'il serait bon de simplement le reconnaître. Elle existe. Encore une fois, j'essaie d' utiliser cet entraînement comme un moyen de faire des choses que je ne fais pas habituellement non plus Ce n'est pas seulement pour toi, mais aussi pour moi. Voici ma Swatch sur laquelle j'utilise mon ombre centrale. Un petit peu. Juste une brosse propre. Un peu d'eau dessus, et je vais juste déplacer un tout petit peu ce pigment . Encore une fois, je n'utilise pas de coups durs. Il y a une très légère pression sur la surface. De cette façon, cela ne perturbe pas trop le lavage. Je ne l'ai pas vraiment mentionné dans l'introduction, mais nous essayons toujours de respecter le peu de passes. Chaque fois que vous le ferez, vous ferez certainement des choses que vous n'avez probablement pas envie de faire. Moins c'est mieux. Maintenant, là où la balle touche le haut du cube, il y a une petite ombre dure. Je vais juste l'autoriser. C'est sec, c'est 100 % sec. Je peux y revenir un peu et y mettre cette ombre. Ensuite, j'ajoute une couche à l' arrière de ce cube, qui est légèrement plus foncée maintenant. Je ne sais pas ce qui s'est passé là-bas, mais c'est une petite erreur. J'ai oublié de peindre l'ombre du cache. Il aurait été bon que cette ombre du cache soit peinte avec cette première couche. Mais bon, ce n'est pas grave. Je peux toujours y retourner maintenant et peindre cette ombre de cache. Mais encore une fois, si j'avais été au top de ma forme, je l'aurais fait avant laisser le disque sécher. Maintenant, là où le cube rencontre la surface, la surface de la table, regardez comme il fait noir. Ce que je fais maintenant, c'est en fait revenir à l'étude du blanc sur blanc. Je fais également mon étude des cubes. J'y ajoute une petite ligne foncée. Si ça diffuse un peu, c'est bon. Si vous regardez vraiment cette ombre, elle est assez douce de toute façon. Mais généralement, lorsque les objets entrent en contact avec une telle surface, vous aurez une ombre dure, en particulier sur le côté complètement ombragé. Bref, ça y est, je vais atténuer cette ombre et nous allons regarder la démo qui s'y trouve. Vous pouvez en voir un peu. Vous pouvez voir le rouge de la balle rebondir sur la surface du cube Nous allons regarder la première démo que j'ai faite. Nous avons maintenant la deuxième démo, mais remarquez que nous avions encore cette petite réflexion sur le ballon qui s'y trouvait. J'ai réussi à l'obtenir même si je travaillais mouillé à mouillé. Voilà. Value et forme deux démonstrations en utilisant deux teintes. Nous avons parlé de cette lumière réfléchie, de sorte que le rouge rebondissant le blanc adoucissant projetait des ombres, ce que j'ai bien fait Je n'ai pas vraiment bien joué mon ombre dans cette démo. Je m'en excuse. Le timing est important. Comme toujours, en utilisant des couches. Vous m'avez vu ajouter l'ombre au dos de ce cube. J'ai laissé sécher cette première couche, puis je suis revenue et j'ai empilé une couche par-dessus Et puis j'espère que vous avez appris que la valeur est à nouveau très importante pour saisir la forme. faire en sorte que ces placements de valeurs soient corrects ou du moins Il est essentiel de faire en sorte que ces placements de valeurs soient corrects ou du moins assez correctement placés. Si tu n'as pas une teinte ou deux, c'est bon. Mais l'essentiel que nous devons reconnaître , c'est que la valeur est importante pour saisir la forme et donner une impression tridimensionnelle à nos sujets. 21. Forme et bords: Forme et bords. Ce sont des stratégies intermédiaires de peinture à l'aquarelle Dans cette leçon, nous allons parler d' un objet simple ou nous allons le peindre. Nous appliquerons les bords durs et souples dont nous avons parlé. Nous examinerons les placements axés sur la valeur. Nous examinerons également la lumière sur forme afin de créer un objet tridimensionnel, que nous avons également examiné dans le cube et la sphère. Nous appliquerons la fusion et la gravité , que vous connaissez bien, ainsi que des couches transparentes que vous connaissez également. Ensuite, à la fin de la leçon, nous aurons une petite conclusion, puis ce sera à vous de donner une chance à ces idées. Pour rappel, je vais vous montrer la leçon que nous avons eue la toute première sur la transparence forme de nos petits reins là-haut. Nous avons appliqué une couche, une couche très fine, et les avons empilées, puis les valeurs sont devenues de plus en plus sombres Nous avons réalisé un objet similaire avec les cercles en utilisant des couches sèches les unes sur les autres, afin de créer différentes teintes. Ensuite, nous avons fait la gravité, où ces couleurs se mélangent, fusionnent et se mêlent Ensuite, nous avons eu une leçon importante à propos de l'eau. Selon le degré d' humidité du papier, cela déterminera la quantité de dispersion de l'aquarelle. Et bien sûr, l' épaisseur de votre peinture. Une peinture plus épaisse ne se disperse donc pas autant. Vous vous souvenez également de la sphère dans le cube, façon dont nous avons considéré la valeur. Et c'était une introduction à la compréhension de la valeur. Le placement est important. Nous devons non seulement utiliser les techniques d'aquarelle caractéristiques du médium, mais également corriger nos placements de valeur dans notre hiérarchie Pour créer une forme, il y a une forme, qui est un carré, puis il y a un cube, qui est une forme. Un formulaire possède plusieurs faces Il ne s'agit pas d'une forme plate. J'ai ici un objet simple qui est une chaise. J'ai choisi cette chaise parce qu'elle possède des bords à la fois durs et souples. J'appliquerai une valeur très légère pour le coussin, le coussin de dossier. Et puis le coussin de siège aura évidemment une valeur inférieure à celle des pieds. Mais je vais également utiliser une technique différente pour créer un formulaire. Même si nous le considérons comme une chaise, nous voulons le décomposer en formes. Le dossier de la chaise est essentiellement un carré ou un rectangle. L'assise d'une chaise est également carrée ou rectangulaire. Dans ce cas, nous ne pouvons pas voir le siège dans son intégralité car il est en perspective. Mais nous pouvons certainement créer une forme en appliquant correctement la valeur. J'ai trouvé ma forme de base pour les coussins. À ce stade, si j'essaie de travailler directement sur cette peinture très humide, elle va se disperser trop rapidement Tout comme vous avez un guide ici, ma source de lumière viendra du coin supérieur droit. Le côté des coussins situé à la fois dans le dos et l'ensemble lui-même seront dans l'ombre Mais je ne veux pas que cette ombre soit dure que les jambes. Les pieds sont très carrés, ils sont très géométriques. Ce que je dois faire, c'est trouver le bon moment. Si j'y travaille trop tôt, alors l'ombre va trop s'infiltrer dans le reste du coussin Et ça ne va pas vraiment lui donner cette bonne forme. Encore une fois, nous allons parler chronométrage, car nous devons chronométrer l'humidité du papier afin de contrôler la quantité de peinture qui s'écoule Nous n'avons pas besoin d'une couche très épaisse, nous n'avons pas besoin d'être trop sombres. Nous allons donc utiliser une couche très fine et transparente afin d' obtenir des teintes plus ou moins correctes. Entre-temps, j'ai utilisé de la sienne brûlée et de l'ocre jaune pour peindre les pieds Maintenant, j'utilise simplement l'idée d' un trait et d'une teinte parce que je sais, comme nous l'avons fait dans le cas de l'action en forme de petit rein, que je peux le superposer par-dessus. Une fois que cela aura séché, je pourrai en appliquer une autre fine couche, probablement exactement le même mélange, et créer un côté plus foncé. Je vais maintenant faire un petit croquis dans le coin supérieur droit. Cela vous rappelle que les sphères ont des valeurs mélangées. Lorsque vous avez un objet rond, le passage de la lumière à l'ombre est très doux. Contrairement à quelque chose de carré ou de géométrie artificielle, ce généralement des arêtes dures la plupart des cas, lorsqu' un côté est éclairé et que l'autre est dans l'ombre, vous aurez un bord dur très distinct, ou cela sera très visible lorsque vous le comparez à un objet rond dont transition a tendance à être beaucoup plus douce. Cette chaise est un bon exemple de ce qu'il faut appliquer à styles de peinture ou à des techniques pour obtenir le look que l'on recherche. À ce stade, le coussin du dossier de la chaise a commencé à sécher. Je peux envisager de commencer à mélanger une teinte qui sera juste assez foncée pour indiquer cette ombre. Je vais appliquer cela et vous connaîtrez le fonctionnement maintenant. Nous allons le laisser tranquille. Et puis n'oubliez pas que moins nous avons de passes, mieux c'est. J'ai mis mes coussins dedans , ce n'est pas un dessin parfait ou quoi que ce soit d'autre, et c'est bon. On dirait toujours une chaise. Et c'est tout ce que nous recherchons. Maintenant, voici le deal. Le devant du coussin de siège que je montre du doigt sera plus clair que le côté gauche qui est dans l'ombre. C'est parce que c'est plus proche de la source lumineuse. Les avions sont importants. Vous avez le plan d'ombre du coussin de siège , puis le dossier droit du coussin de siège qui sont dans l'ombre. Ces valeurs sont à peu près les mêmes. Mais l'ombre que je place maintenant sur le devant devrait être un peu plus claire. Parce que encore une fois, cela va recevoir un peu plus de lumière parce que l'angle est plus proche la source de lumière et qu'il capte un peu plus de lumière. Ensuite, le côté gauche de ce coussin ici. Je vais juste enlever un peu de ce saignement, mais je voulais que le brun des jambes pénètre un peu dans ces coussins Juste pour que nous ayons cette fusion aqueuse d'aquarelle se produit à la fin Maintenant, j'y apporte un sèche-cheveux. Je vais avoir les jambes bien sèches. Maintenant que les pieds sont secs, je peux mélanger une valeur plus foncée qui sera de la Sienne brûlée, un peu d'outremer et une touche de Et je fais un petit échantillon haut juste pour vérifier mes couleurs Sur le côté gauche de ces jambes, je vais créer une ombre plus foncée qui donnera l' illusion que cette source de lumière touche les jambes. Maintenant, cette jambe arrière semble avoir deux sources de lumière. Mais je ne vais pas m'inquiéter à ce sujet. Je vais faire en sorte que la source de lumière vienne d'une seule direction. Au final, j'ai une chaise qui semble recevoir une seule source de lumière. Et on en voit la forme. On peut voir la carrure des jambes. Et nous pouvons sentir la douceur de ces coussins car ils ont des bords beaucoup plus doux C'est un très bon exercice pour saisir à quel point quelque chose est dur ou mou. C'est également un bon exercice pour comprendre et apprendre quand et comment appliquer ces caractéristiques et techniques de base de l'aquarelle Encore une fois, voici l'image qui a été prise à la lumière naturelle, afin que vous ayez une bonne idée des couleurs, et j'espère que vous retirerez quelque chose de bien de cette leçon. Et j'ai hâte, bien sûr, voir ce que vous allez faire également. Encore une fois, pour celui-ci, nous avons créé un objet simple. Nous appliquons les bords durs et souples en conséquence. Il était très important de comprendre les placements de valeur. Ensuite, nous avons examiné la lumière sur la forme. Nous voulons donc utiliser la lumière et l'ombre pour créer une forme. Nous avons utilisé notre fusion et notre gravité. Nous utilisons également une couche transparente. Nous avons donc empilé une fine couche sur une autre. Et ça va se reproduire. J'espère que cela vous a plu. Je vous verrai, les gars, et le prochain. 22. Forme et bords Suite: Très bien, et cette leçon continuera à nouveau sur cette forme et ces arêtes. Nous allons peindre un autre objet simple, une chaise. Nous allons utiliser toutes les techniques et les idées que nous avons utilisées dans la leçon de chaise précédente, mais cette fois, nous allons facilement ajouter un peu de texture. Nous examinerons à nouveau la hiérarchie des valeurs. Ensuite, nous examinerons cette idée de lignes de contour croisées afin d'ajouter de la forme à notre sujet. Commençons par là. C'est une chaise blanche, donc pas grand-chose. Je vais juste mélanger un gris très, très pâle. Et je vais commencer par le cadre de base, le bambou. Je ne sais pas si c'est faux ou artificiel, mais cela n'a pas vraiment d'importance. Le but de celui-ci est de vraiment utiliser ce bambou. Et nous avons affaire à ce sujet blanc avec un arrière-plan plus sombre ou un dossier de chaise plus foncé. Mais dans l'ensemble, le fauteuil lui-même, le cadre sont très pâles lorsqu'il s'agit de quelque chose comme celui-ci où vous n' obtiendrez pas une gamme de valeur énorme. Nous pouvons facilement utiliser d'autres astuces si elles sont là pour nous aider à vraiment montrer la forme de quelque chose. Encore une fois, un gris très pâle à poser sur les jambes. Une fois que j'ai compris cela, nous pourrons commencer à donner cette impression d' autant de lumière et d' ombre que possible. Je vais utiliser la même source de lumière qu'avant. Je pense que ces chaises sont, comme je l'ai déjà mentionné, équipées de deux lampes. Mais je vais placer ma source de lumière en haut à droite, comme je le faisais auparavant. Je vais continuer comme ça pour celui-ci. Et cela va m'aider à imaginer l'ombre et la lumière. Et encore une fois, je n' essaie pas de dessiner une chaise parfaite. Il s'agit plutôt de capturer la forme, puis capturer les caractéristiques des techniques dont nous avons parlé avec la peinture à l'aquarelle Maintenant, tout est assez sec. J'ai ajouté une petite touche de gris foncé sur le côté gauche de ces formes rondes. Parce que ces pieds et peu près tout le cadre sont ronds. Je suis devenue un peu trop foncée et une partie de cette couleur s'est répandue vers l'avant, ces formes. Je dois enlever une partie de cette teinte avec un simple pinceau sec. Il n'est pas sec, il est humide, mais il n'y a aucun pigment dessus. est très important si vous avez du pigment dessus, il va évidemment se décolorer C'était bien de l'utiliser juste pour, encore une fois, en soulever une partie afin d' obtenir cette sensation subtile. Le côté gauche est un peu plus foncé que le côté droit. Maintenant, ce coussin doit être un peu plus sec. Le coussin est doux. Je ne veux pas avoir d'avantage. Il n'y a pas vraiment de bords durs dans ce fauteuil. Je vais mélanger un gris bleuté très pâle, mais le coussin est légèrement humide OK. Chaque fois que vous travaillez avec une aquarelle encore légèrement humide comme celle-ci, vous devez faire très attention à ne pas mettre trop d'eau sur votre pinceau. Si vous avez beaucoup d' eau sur votre pinceau, elle va s'infiltrer dans la peinture humide Ce papier va donc éponger et extraire toute l'humidité de votre pinceau, et la prochaine chose que vous savez, c'est qu'il va couler dans votre coussin. Maintenant, remarquez également que j'ai utilisé un pinceau humide juste pour adoucir ces bords, mais je n'ai pas appuyé trop fort sur la surface et j'ai maintenu une très légère pression. La chaise est une valeur légère. Lorsque nous examinons le cadre de la chaise et du coussin, il s'agit d'une valeur de lumière que je viens d'indiquer dans cet échantillon Oublions maintenant la couleur du support pendant une seconde, comme un tissage sur le support Cette valeur se trouve à peu près ici. Il s'agit d'un gris de milieu de gamme. Je veux m'assurer que chaque fois que je mélange mon brun, que j'utilise du jaune, de l'ocre, Sienne brûlée ou une touche de bleu, je veux m'assurer qu' il correspond à Je ne veux donc pas que ce brun soit trop pâle. Et il sera facile de l'enfiler avec un jaune très pâle et il finira par avoir presque la même valeur que le fauteuil lui-même. Encore une fois, tout cela ressemble une hiérarchie des valeurs qui essaie de trouver les lumières et les ténèbres, et dans ce cas, encore une fois, ce support Ça va être le plus sombre. J'ajouterai tout cela. Je sais qu'il y a beaucoup de texture et de détails sur cette chaise, mais je vais le simplifier. Je vais ajouter ma première couche de brun. Je dois être patient. Je dois être patient pour passer à l'étape suivante. La prochaine étape sera d'y ajouter cette texture. Maintenant, j'ai oublié d'ajouter ces petites barres transversales. Je vais y retourner maintenant avec ce gris pâle et les indiquer légèrement. Je vais mettre une ombre un peu plus foncée ici pour indiquer le dessous de l'ombre. Et puis sur le côté gauche, encore une fois, je vais me fier à un contour en croix pour m' aider à indiquer la forme de ces jambes. C'est ce que nous allons faire dans un instant. J'ajoute juste une ombre projetée, un bleu très subtil, donc un peu de céruléen, un peu de gris et de Nous allons juste accentuer un peu cette couleur. J'ai complètement oublié l'ombre sur le petit corset sur la droite, mais c'est bon Il s'agit plutôt de comprendre la lumière sur la forme, d'essayer de saisir les arêtes dures et souples. Dans ce cas, nous allons apporter un peu de texture, en plaçant un sèche-cheveux au dossier de cette chaise. Maintenant, je ne vais pas le faire sécher complètement, mais je dirais qu' il est sec à environ 90 %. Et j'utiliserai une valeur plus foncée. Je veux donc quelque chose de plus sombre que ce que j'avais avant. Et je vais également passer à mon pinceau à épée parce qu'il a une pointe très fine. Vous devriez utiliser un pinceau plus petit. Dans ce cas, je veux ajouter une impression de ces textures et du tissage qui se produit dans cette chaise. Mais je ne vais pas étudier la chaise et compter le nombre de trous. Je vais juste le regarder et ensuite donner l'impression qu'il est là. J'essaie juste d' indiquer la texture. Je n'essaie pas de le peindre exactement là. J'utilise une serviette en papier juste pour effacer certaines de ces marques. Je vais prendre un sèche-cheveux maintenant et le sécher bien, puis nous commencerons à examiner les contours en croix. Remarquez la chaise, je l' ai agrandie, mais elle a ces joints où les sections en bambou se rejoignent. Et ce ne sont pas des lignes droites, sont en fait des courbes qui entourent les jambes, les bretelles et le dossier de cette chaise. Elles sont bonnes. Nous pouvons facilement y ajouter une sensation, ce qui aidera à représenter la rondeur de la jambe Il y a là une petite ombre, une ombre douce dans la plupart des endroits. Mais chaque fois que vous pouvez utiliser ces contours en croix pour indiquer une forme, vous pouvez ajouter beaucoup de plaisir à votre sujet. Dans ce cas, je vais les ajouter toutes, mais vous pouvez facilement en ajouter une ou deux et les mais vous pouvez facilement en ajouter une ou gens sauront, d'accord, que c'est probablement une chaise en bambou ou oh, qui montre clairement la courbe et la rondeur de cet objet Je vais ajouter un peu plus d'ombre le côté gauche et en dessous de certaines d'entre elles, le cadre. Maintenant, j'ai mon pinceau à doublure, car il peut créer des ridules. Je vais travailler sur la façon dont je crée ces courbes. presque un smiley, mais il se courbe un peu plus que sur les jambes à certains endroits Mais remarquez que cela indique immédiatement au spectateur qu'il y a quelque chose dans les parages. Que cet objet soit rond et qu'il ne soit même plus possible d'être carré Sur le côté gauche de ce dos, ces tubes remontent, puis ce tube nous fuit. Mais remarquez la direction dans laquelle je crée ces courbes. Encore une fois, les contours croisés sont un excellent moyen d' indiquer la forme et de donner un petit détail subtil à votre sujet. Chaque fois qu'il est là, utilisez-en un peu et voyez comment cela peut aider votre peinture. C'est ça. Jetons un coup d'œil à l'œuvre d'art terminée. J'espère que vous pourrez voir ces bords souples la rondeur des pieds et la façon dont ces contours croisés donnent au dossier de la chaise une sensation de texture semblable à celle un vannerie Et c'est cela dans cette leçon. Encore une fois, il s'agissait d'un objet simple utilisant toutes les merveilleuses techniques dont nous avons parlé. Nous avons facilement ajouté un peu de texture et nous avons examiné la hiérarchie des valeurs, puis nous avons également examiné les lignes de contour des objets d' artisanat. C'est ça. J'espère que la démo vous plaira. Ensuite, au cours de la leçon suivante, nous allons commencer à être un peu plus souples et un peu plus sommaires avec ces chaises et à nous amuser un peu plus à utiliser notre pinceau et à voir ce que nous pouvons trouver 23. Forme et bords librement peints: Bienvenue dans la leçon Form and Edges. Quatre stratégies intermédiaires. Encore une fois, il s'agit de peindre un objet simple afin que nous puissions vraiment comprendre et exploiter cette idée d'ombre et de lumière. Mais ensuite, nous devons insuffler cette belle sensation d'aquarelle que ce médium a à offrir Nous allons commencer la peinture couler de l'eau sur le papier Je vais laisser l'eau et la gravité se mélanger. Hughes, comme nous en avons déjà parlé, nous allons capturer librement la lumière et les ombres Nous allons examiner les bords perdus et trouvés puis tirer une conclusion à la fin, au laquelle nous examinerons l'œuvre d'art et, espérons-le terminerons et vous donnerons une bonne leçon solide à ce sujet. La première chose que je dois remarquer, c'est que je vais tremper mon pinceau dans de l'eau et que je vais couler de l'eau sur le papier Je suis en train de l'éclabousser et de le rater. Je ne couvre pas chaque centimètre carré d'eau. Certaines zones sont sèches, d'autres sont humides. Et cela va donner à la pièce cette belle sensation de dureté et de douceur. Voilà mon inspiration. J'ai choisi celui-ci parce que j'aime beaucoup les lignes du tissu et je trouve qu'elles donnent une très bonne forme au coussin, je dois dire. Maintenant, je vais utiliser un peu d'ocre jaune, de Sienne brûlée, une touche de bleu pour dessiner avec mon pinceau Comme nous en avons déjà parlé, je pense plutôt au dessin qu'à la peinture. Regardez les formes du bois, façon dont elles descendent dans les pieds. Ensuite, le siège est retiré et nous avons eu cette perspective. Le coin avant est le plus proche de nous. Le coin arrière de la façade est plus éloigné. Cela va nous donner notre point de vue de base. Remarquez cependant que le saignement continue. Certaines zones de ces coups saignent sur la surface mouillée. D'autres domaines se maintiennent un peu plus fermement. Cela vous donnera encore une fois cette belle qualité de bord perdu et retrouvé, ou encore une fois , un tranchant dur et souple grâce à vos coups de pinceau. Je dois dire que c'est une façon intéressante d' aborder votre peinture parfois. Si vous avez du mal à peindre en vrac en général, vous savez maintenant que l'eau va faire bouger le pigment sur la page. Si certaines zones sont dures ou sèches, pigment ne bougera bien sûr pas autant. C'est une bonne façon de le faire parce que vous obtenez ces résultats aléatoires. Comme nous en avons déjà parlé, je pense aquarelle est propice à la peinture aléatoire Oui, vous pouvez y entrer, peindre avec soin et créer ce type d'illustration. Mais je pense que c'est le médium qu'il vaut mieux utiliser, et je pense que ces bords perdus et trouvés, de ces bords durs et souples et de cette apparence délirante et insouciante, apparence délirante et insouciante, si vous pouvez utiliser l'aquarelle de cette façon, il faut de l'habileté. Cela demande de l'expérience et des connaissances. Mais je pense que cela vaut vraiment la peine d'investir du temps pour l'apprendre de cette façon. Lorsque vous commencerez à vous resserrer, vous perdrez toutes ces belles caractéristiques de l'aquarelle. Je fais tomber un peu de bleu sur ces lavages chauds, et ça va les rafraîchir un peu Ici, j'ai un petit mélange de bleu et de rouge, de bleu outremer, avec une petite touche de rouge dedans Et en peignant des ombres sur le côté droit de la chaise. Remarquez que c'est tout mouillé. Donc, bien sûr, cette peinture va se fondre un peu dans le jaune que j'ai peint auparavant J'ai un peu de ce reste de peinture grise sur le pinceau et je pense que cela fonctionnera bien juste pour ajouter un coussin de faible valeur ici Je vais utiliser un peu de mon Cad Red. Il y a juste un mélange de T très faible. Et ajoutez-le simplement dans le bureau. Peu m'importe où il a atterri. Il aurait pu atterrir sur la jambe. Il aurait pu atterrir sur le coussin comme il l'a fait. Et il se trouve qu' il a atterri sur certaines parties sèches du papier. Il a également atterri sur certaines zones humides. Ensuite, bien sûr, cette eau va commencer à la ronger et à l'étaler en biais sur mes planches. La gravité va également faire son travail. Mais j'adore la façon dont ces couleurs commencent vraiment à s'entrelacer et à se mélanger Ici, je peins l'ombre, mais remarquez que je suis passée juste au-dessus de cette jambe en bas à droite et que cela l'a presque dissoute. Vous êtes donc en train de vous retrouver dans le coin arrière droit du pied de la chaise. C'est bon. Maintenant, je vais prendre un sèche-cheveux et le sécher. Cela va me remettre le contrôle entre les mains. OK. Parce que maintenant que tout est sec, j'ai le contrôle. Mais regardons ces qualités, voyons comment tout saigne et se heurte tout saigne et se heurte à des filigranes et à tous ces bords durs et souples C'est pour moi le meilleur de la peinture à l'aquarelle. Je pense que c'est encore une fois façon dont j'aime l'enseigner et la façon dont j'aime peindre avec. C'est à vous de décider si vous aimez ou non cette idée vague. Vous préférerez peut-être vous limiter un peu et peindre un peu plus fort, ce n' est pas grave, mais le but de cette leçon était simplement de vous apprendre à utiliser une technique légèrement différente, puis combiner avec cette idée de lumière et de forme ici Remarquez comment l'épingle se raye lorsqu'elle passe au-dessus de la chaise. Le coussin de la chaise. Regarde comme ça lui donne du volume. Regardez comment cet arc et cette courbe de lignes donnent l' impression d'être un joli coussin moelleux. Cela lui donne ce rembourrage. Écoutez, je suis désolée d'avoir déménagé ici. Je ne sais pas ce qui s'est passé, mais j'ai trouvé que c'était un article intéressant à partager avec vous. Encore une fois, vous ne pouvez pas vraiment copier quoi que ce soit ici, mais vous pouvez utiliser la technique. C'est ce que je veux que vous essayiez le plus, c'est de réfléchir à cette technique et de dribbler le papier pour obtenir ces bords durs et souples. Je dessine juste avec mon pinceau. Très faible valeur pour indiquer les coins et les différentes parties de la chaise qui ont été perdus. Mais voilà. La pièce est à nouveau terminée. Image prise à la lumière naturelle, j'espère que vous pourrez vraiment voir cette sensation d'aquarelle souple Encore une fois, j'ai beaucoup travaillé, mouillé et mouillé. Nous avons versé de l'eau sur le papier. Nous en avons eu un peu mouillé et sec. Nous avons laissé l'eau et la gravité mélanger les teintes et faire leur travail, ce dont nous avons beaucoup parlé. L'idée était de capturer librement les formes de lumière et d'ombre. Et puis, bien sûr, nous avons eu ces jolis objets perdus et trouvés quand nous aurons terminé, j' espère que cela vous a plu. J'ai hâte de voir ce que vous allez faire de cette idée. Merci d'avoir regardé. 24. Forme et bords Style pictural: Bienvenue à la leçon. Encore une fois, nous parlons de forme et de bords, lumière sur forme. Encore une fois, il s'agit de stratégies intermédiaires. Nous allons peindre un autre objet simple, qui sera une chaise. Nous allons apprendre à dessiner avec le pinceau. Nous utiliserons des traits caligraphiques. Nous allons également combiner cela avec des coups rapides, dont nous avons parlé plus tôt. L'objectif ici est de peindre avec un peu plus de liberté pour exploiter pleinement les qualités de l'aquarelle Laissez-le se détacher, laissez-le se mêler, laissez-le faire ce qu'il veut. OK, je vais commencer par mon pinceau à épée. Le pinceau à épée est plus propice au dessin. Il y a un point un peu plus fin. C'est ce que je veux choisir. Je veux maintenant utiliser mon pinceau pour dessiner, j'aurais pu facilement saisir le crayon pour le poser sur la chaise. Mais parfois, il est bon d'apprendre à dessiner avec le pinceau, car encore une fois, celui-ci a un point très fin. Cela fonctionne vraiment bien. Dessiner avec le pinceau est un bon moyen d'ajouter des traits calligraphiques à votre œuvre d'art Désormais, vous n'avez plus besoin de dessiner toutes les arêtes visibles. Je suis juste en train de dessiner quelques détails. Mais tu sais, je n'essaie pas de capturer tous les coins et recoins de la chaise Je fais juste semblant, tu sais, avoir ce genre de crayon à la main et j'essaie juste comprendre le point de vue de la chaise Maintenant, remarquez les traits que je viens d'y appliquer. C'était le coup de sec, comme je viens de te le montrer. Cela crée donc un trait rapide sur la surface du papier. Et encore une fois, cela ne fonctionne que si vous avez papier pressé à chaud ou à froid. Cela ne fonctionne pas sur presse à chaud. Je vais maintenant ajouter ces petites barres transversales qui soutiennent la structure de la chaise Et vous pouvez voir que cela donne une sensation de détente en changeant votre mentalité en vous disant : «   OK, je vais peindre cette chaise ». Je pense simplement en termes de dessin. Ensuite, vous obtenez un look vraiment insouciant à ce sujet et à toutes les couleurs. Lorsque je mélange les peintures, j'utilise différentes nuances. Vous pouvez voir que j'ai les jaunes et qu'ils se transforment en gris Ici, je regarde ce détail de sangle sur le dossier de la chaise Mais je l'ai simplifié, je le simplifie simplement en lignes diagonales, verticales et horizontales. Maintenant, je vais entrer et toucher certaines articulations, mais certaines d'entre elles ne sont même pas placées correctement. Mais le but ici est d'obtenir l'essence de la chaise. Mais surtout, pour essayer d' adopter le médium avec lequel je peins. J'essaie de travailler avec ces techniques humides et humides, laisser les couleurs s'estomper, utiliser la texture du papier en utilisant ces traits rapides Bien sûr, j'ajoute une petite partie de ce dessin. Maintenant, je vais y retourner et ajouter un, je ne veux pas qu'il sèche trop à plat. J'ajoute juste quelques teintes sombres là où j'ai l' impression que les ombres se trouveraient ici. Je vais juste y ajouter quelque chose pour le coussin. Encore une fois, on ne voit même pas, c'est un coussin. Personne ne saurait qu'il y avait un coussin sur cette chaise. Mais cela n'a pas vraiment d'importance. À la fin de tout cela, je peins une chaise et je pratique ces traits de calligraphie Et surtout, comme je l'ai déjà mentionné, il s'agit d'exploiter les belles caractéristiques de l'aquarelle et de laisser le médium faire son travail. Nous n'essayons pas de le contrôler autant que nous l'avons fait lors des précédentes démonstrations de chaises. Voici une œuvre, l'image a été prise à la lumière naturelle, vous aurez donc une meilleure idée des couleurs, mais vous pouvez voir de beaux plats lâches et très aquarellés. OK, dans cette leçon, nous avons peint un autre objet simple. Introduisez l'idée de dessiner avec un pinceau. Moi aussi, vous pouvez penser à calligraphie et à la création de ces longues lignes fines sur la page Nous utilisons des traits rapides pour accentuer la texture du papier L'objectif était ici de peindre avec plus de liberté. Et il s'agit vraiment de laisser l'eau colorer, fusionner par gravité, toutes ces choses merveilleuses que nous avons apprises dans la première section de ce cours. Fais son truc. 25. Coups rapides de forme et de bord: Bien, bienvenue à la démo, je te promets que c'est la dernière chaise que nous allons peindre. C' est le numéro cinq. Nous allons, encore une fois, voir comment assouplir l'idée de peindre un objet simple et adopter réellement certaines de ces techniques d' aquarelle expressives Nous allons donc ajouter quelques teintes. Nous utiliserons un produit de lavage varié, que nous avons déjà utilisé auparavant, mais je ne l'ai tout simplement pas mentionné Quelques coups rapides, quelques coups et imprévus sur les détails, puis une conclusion à la fin, que nous examinerons l'œuvre d'art terminée comme nous le faisons toujours. Ensuite, je vais vous donner un petit résumé de ce que nous avons appris. À commencer par un peu de teinte neutre ici et un peu d'ocre jaune Je mélange ça, un mélange très fin. L'aquarelle étant fine à épaisse, nous commençons par pâlir et nous devenons un peu plus foncés au fur et à mesure que nous entrons dans la peinture. Il y a un peu de bleu céruléen. Avec ça, je cherche juste un gris neutre, légèrement chaud. Cela va changer un peu les choses. Je l'ai peint au mauvais endroit sur le papier, donc je vais devoir le renverser vers la droite, donc je vais juste l' effacer et je vais me remettre immédiatement aux affaires ici À commencer par le neutre chaud ici, la peinture gris chaud, les bretelles du dossier de Et maintenant, j'ai l' ocre jaune que j'utilise pour le siège. À partir de là, je vais simplement utiliser un pinceau humide et tout ce qu'il y a sur le pinceau et le faire glisser vers le bas dans les jambes. Et maintenant j' y mets du pigment. Je vais juste nettoyer cette petite hémorragie. J'ai une jambe mouillée là-bas. Je vais y mettre un peu d'ombre en éclaboussant un peu En m'appuyant sur la confiance que j'ai eue jusqu'à présent. J'ai utilisé plusieurs de ces techniques jusqu'à présent. Je commence à me familiariser avec le fauteuil et je suis très à l'aise avec celui-ci. Donc ce que je vais faire maintenant c'est ajouter un peu de bleu céruléen Peu m'importe où il atterrit, tant que c'est sur le papier n'importe où ailleurs avec un peu de rouge là-dedans. Il suffit de le mettre dans le linge. Même s'il fait humide, je sais que ces couleurs n'ont pas leur place ici. Si vous regardez l'image d'inspiration dans le coin supérieur droit, il est évident qu'aucune de ces couleurs n'existe vraiment. Mais si tu essaies de faire correspondre les couleurs, tu vas perdre cette bataille à chaque fois. Cette technique, l' approche que j'utilise consiste à laisser les couleurs avoir plus de liberté, en laissant un peu de ce bleu froid se mélanger aux jaunes de la zone du siège laissant ces rouges et bleus se mêler à certains des lavages plus légers que j' ai pour la base de la chaise, le dossier et les pieds Maintenant, je vais vous laisser voir ces couleurs pendant un moment et voir à quel point ces couleurs se mélangent de manière aléatoire et comment elles font leur propre Je n'essaie pas de le forcer ou de le contrôler. L'objectif ici est de vraiment tirer parti de ces exercices que nous avons faits très tôt où nous faisions des carrés abstraits laissant l'eau et les couleurs couler d'avant en arrière dans une certaine mesure, et d'essayer simplement d' intégrer cette sensation, cette liberté à un sujet réel. C'est difficile à faire, mais je pense qu'il faut d'abord y aller. Comme nous l'avons fait au début de ce cours, nous allons maintenant voir si notre cerveau nous permettra de nous en sortir. Lorsque nous peignons un sujet à l'aide d'un sèche-linge, je ne fais qu'éliminer la majeure partie de l'humidité du papier. Je veux que ce soit bien sec avant de commencer à ajouter la couche suivante. J'ai mentionné dans l'aperçu de la leçon que nous peignons le clair en noir. Je vais commencer à revenir avec des teintes plus foncées maintenant, mais je vais également commencer à capturer certains détails. Je n'essaie pas de peindre la chaise telle qu'elle est évidemment, mais je veux peut-être capturer certaines des boiseries et certains des bords intéressants qui s'y trouvent Mais je ne vais pas tout comprendre. Je veux juste des bribes. Si je reçois des bribes, le spectateur peut remplir les espaces vides. Ce que j'ai oublié ou que je n'ai pas vraiment saisi. J'ai cette jambe à l'extrême gauche et il y a comme un petit reflet dessus. Je vais peindre ce pied puis le faire monter jusqu'au sommet, qui a ce détail, cette jolie menuiserie Je suis une chaise de style fermier. Maintenant, j'ai une belle couleur foncée avec laquelle travailler pour le noir de la chaise. Mais je ne vais pas devenir trop noir pour l'instant. Je vais continuer à travailler dans ces tons moyens. Vous pouvez voir que j'utilise de l'eau pour soulever certains de ces reflets qui se trouvent sur la chaise. Il y a un peu d' éclat dans cette peinture ici. Je vais aller un peu plus loin, maintenant je vais opter pour de l'ocre, du cramoisi, du bleu outremer, une teinte neutre Et trouvez quelque chose d'aqueux, mais plus pigmenté que d'eau Je veux avoir un peu plus de contrôle sur ce qui se passe, alors je veux y ajouter des couleurs plus foncées. Je veux capturer certains détails de la chaise, mais aussi quelques autres zones sombres là où je commence à les voir. Maintenant, je vais juste un peu d'eau et je vais faire glisser cette eau directement dans ce pigment foncé. Et avec le temps, cela va lentement se répercuter sur ce côté de la chaise Peut-être qu'à la fin, j'aurai l'impression qu' un reflet se reflétera sur le dossier de la chaise, le bois. Mais si ce n'est pas le cas, alors c'est bon. Alors j'ai encore quelque chose d' intéressant à regarder ici. Je vais juste revenir en arrière et façonner certaines de ces caractéristiques dans le dossier de la chaise. Encore une fois, je n'essaie pas de tout embrouiller, mais juste un peu ici et là Un beau coup rapide. Regarde ça, ça a laissé une partie de la couleur sous les jolis lavages que j'ai utilisés Maintenant, je vais faire la même chose sur le devant. C'est agréable de voir ces jaunes et ces pourpres d'alizarine, ces roses et ces bleus et tout ce qui se passe sous le foncé que je suis en train de mettre comme base de la chaise Il y a un petit reflet ici et là sur le bois. Et je vais juste en laisser un peu et j' utilise juste un pinceau humide et je mélange tout cela en un petit moment, toutes les techniques que vous connaissez bien Ce que je fais ici c'est juste regarder le fauteuil pour m'inspirer. Quelques détails, mais réalité, j' essaie simplement d'exploiter la magie de aquarelle et de laisser certains de ces lavages la gravité et d'autres choses de ce genre faire leur travail à ma place et d'être de l'art, sans essayer d'impressionner les gens avec une représentation primée du sujet Je n'essaie pas de créer une illustration dans laquelle l'entreprise pourrait vouloir mettre en valeur tous les jolis détails de la chaise. Il s'agit plutôt d'utiliser la chaise comme moyen de mettre en valeur le support. C'est de cela qu'il s'agit. chose est sûre, nous devons tous choisir notre propre voie lorsque nous commençons à peindre et décider nous laisser aller avec notre style. Mais pour celui-ci, j'ai évidemment choisi la voie la plus agréable et la plus libre. Mais encore une fois, je pense qu' avec l'aquarelle c'est ce qu'il y a de mieux. Et vous pouvez voir maintenant juste un peu de bleu dans l'ombre Et j'essaie juste de laisser vivre la couleur et tout ça. Laissez-le simplement être vraiment spontané, énergique, mais pas trop peint, rapide, lâche, aléatoire, frais. OK. Nous ne voulons pas aller trop loin, c'est difficile à faire. Mais c'est une chose à laquelle on peut s'habituer avec le temps. Voilà, il y a une pièce finie. Encore une fois, si vous mettiez l'image d'inspiration à côté, elle ne lui ressemblerait certainement pas exactement. Mais pour ce qui est d'un joli croquis à l' aquarelle d'une chaise, je trouve qu'il fonctionne très bien En peignant un objet simple, on éclabousse quelques teintes. Il suffit d'appliquer les teintes sur le papier et de le laisser se mêler à la peinture humide et à l'eau Nous utilisons ce délavage varié, sorte que vous pouvez voir le bleu dans le jaune du siège, tout cela est Il ne s'agit donc pas d'une seule teinte. Il y a plusieurs teintes dans ces lavages. Vous pouvez même voir certains de ces roses et rouges et d'autres choses de ce genre vivons dans ce fauteuil, nous utilisons des coups rapides, et en ratant certains détails. Au final, nous obtenons une belle œuvre d'art expressive et souple. C'est ça. Je vous verrai, les gars, et le prochain. 26. Project Comples Grange Humide à Sec: Très bien, nous avons peint un objet simple, appelons-le un objet plus complexe. Nous traitons les choses avec plus de détails, plus d'angles, etc. Mais le but ici est d'utiliser des couches humides et sèches , que vous connaissez déjà. Quelques lavages variés que nous avons utilisés. Mais nous en parlerons un peu plus dans cette leçon. J'évite les détails dans l'ombre, suggère d'autres détails, puis une conclusion à la fin, qui, bien sûr, vous donnera un bon choix de démo. Ensuite, je vais probablement passer revue quelques points pour terminer la leçon, comme je le fais toujours. Très bien, j'ai donc quelques couleurs prémélangées ici, rouges et des gris dans la palette Je vais utiliser une touche d'orange, un peu de Cad, de lumière rouge, un peu de blizzard et de cramoisi, ajouter un évier de cuisine rouge, mais très fin Si vous vous souvenez de notre leçon où nous avons travaillé l'utilisation de l'eau et des teintes. Et en gros, en commençant par une couche presque opaque et foncée. Et puis en ajoutant de l'eau jusqu' à obtenir une couche presque transparente. Nous avons affaire à un mince mélange de ce rouge. Pareil pour le toit, nous avons un toit gris sur ce truc Toit métallique, encore une fois, très faible. Laisser ces choses se mélanger un peu, c'est bien. Ajouter un peu de gris dans le rouge, un peu de rouge dans le gris ira bien. Cela va juste créer un peu d'harmonie. Et vous allez éviter les arêtes raides. Si vous vous souvenez de notre bel exercice que nous avons fait avec les carrés abstraits où nous laissons ces couleurs courir et se mêler un peu C'est ce que nous recherchons, mais avec un peu plus de contrôle maintenant. Je vais prendre un sèche-cheveux ici, essayer, en parlant de contrôle, de remettre dans mon coin. Comme vous le savez, lorsque l'aquarelle est mouillée, vous aurez moins de contrôle. Mais une fois qu'il sèche, vous reprenez le contrôle. Maintenant, vous avez de meilleures chances créer des arêtes dures, n'est-ce pas ? Parce que, vous savez, lorsque vous peignez mouillé sur mouillé, vous n'aurez pas de bords durs. Je veux dire, c'est plus propice à peindre des objets ronds et lisses, à les mélanger, etc. Mais lorsque nous peignons sur de la peinture sèche ou que nous lavons à sec, comme je vais le faire maintenant, tout est bien sec. Nous allons avoir la possibilité de créer de jolis bords durs. en revenir à mon feu rouge Cad et à un peu de bleu outremer, je devrais trouver une couleur décente avec laquelle travailler ici Je n'essaie pas du tout de faire correspondre les couleurs à l'image, ce n'est pas ce que je fais, mais je fais attention à la valeur. La valeur, c'est la façon dont nous allons créer la forme, la façon dont nous allons suggérer des ombres, c'est la façon dont nous allons suggérer un objet tridimensionnel. Si vous commencez à faire correspondre les couleurs, vous perdrez la bataille numéro un, car vous ne pourrez jamais égaler la nature. Mais si vous réfléchissez davantage à la valeur et que vous vous contentez de la mettre au point, tout ira bien Je suis juste en train de mettre un peu d' eau dans ce lavabo J'y ajoute juste un bon blues riche et je le mélange , mais pas trop. Souvenez-vous que je l'ai juste heurtée et que j'en suis sortie peut-être un peu plus sombre sous ce toit. Cela devrait être assez proche de nous mener là où nous devons être. Encore une fois, le lavage panaché se produit lorsque vous avez plus d' une couleur dedans J'ai trouvé que le simple fait d'utiliser la seule couleur d'ombre rouge aurait été un peu trop ennuyeux. Je pense qu'il aurait séché à plat en y ajoutant une touche de bleu et même en y jetant un peu d'eau cela me donnera une certaine variation. Il va donc falloir cette teinte foncée et la rendre plus intéressante. La couleur foncée que j'ai mise sous la veille sur la droite, le côté clair était plutôt bleu outremer, mais ça va se fondre et se fondre dans cette ombre rouge qui, encore une fois, est un lavis varié cette ombre rouge qui, encore une fois, . Vous obtenez plus d'une couleur au lavage. Chaque fois que vous le ferez, encore une fois, vous aurez un lavage encore plus excitant si vous ne le faites pas, je dois dire. Ensuite, la plupart du temps, le linge devient vraiment plat et terne lorsqu'il sèche. Il n'y a aucun contraste là-dedans. Il n'y a pas de chaleur, pas de froid ou quoi que ce soit d'autre. Je voulais que le nettoyant soit cette couleur bleu chaud ou rouge, mais je voulais aussi le séparer un peu de cette couleur mais je voulais aussi le séparer un peu de avec une Bien que ce soit encore humide, mais pas complètement saturé. J'y ai ajouté un bleu grisâtre riche pour suggérer une porte et peut-être une petite fenêtre ou quelque chose haut où l'on jette les balles de foin et tout ce genre de Je suggère juste d'y mettre un peu d'herbe. Et j'ai fait la même chose en arrière-plan. Mais remarquez que je laisse tout se mêler et se mélanger. Je n'essaie pas de contrôler, je fais juste attention aux valeurs, c'est tout ce que je fais. Et en prêtant attention à certaines des choses que j'ai apprises au fil du temps. Par exemple, ne peignez pas trop de détails dans l'ombre. Quand les choses sont dans l'ombre, il vaut mieux ne rien dire. N'essayez pas d'être obsédé et de mettre chaque fenêtre, chaque petite nuance dans l'ombre, car cela gâcherait la lumière Cela va devenir très distrayant quand les choses sont vraiment dans Il suffit de les atténuer et de les laisser silencieuses dans l'image. OK, maintenant j'utilise mon pinceau à épée et je fais tomber des pigments un peu plus foncés sur les vitres. Je m'en sers pour tracer des lignes. Je fais semblant d'avoir de la texture sur le toit. Cela contribue également au contour. Cela contribue à la forme du toit. Mais remarquez à quel point je suis très lâche avec les couleurs. Je ne pose jamais quelque chose et je le laisse à plat. J'essaie d'y ajouter un peu de teinte foncée, un peu, un peu de fraîcheur. Et mélangez un peu les choses. Encore une fois, c'est ainsi que vous créez ces accidents heureux et que vous obtenez cette sensation de détente et d' insouciance que nous aimons tant à l'aquarelle sensation de détente et d' insouciance . Démo très rapide, mais en même temps, je faisais très attention aux valeurs et j'essayais manipuler le média lui permettre de faire ce qu'il fait de mieux. Et c'est pour créer belle fusion et une qualité transparente. J'espère que lorsque vous regardez cette image ici, vous pourrez voir beaucoup de choses dont nous avons parlé jusqu'à présent. De plus, nous avons une belle forme tridimensionnelle. Nous transformons maintenant cette idée de cube en rectangle. Maintenant, nous en faisons une grange, tout en préservant l'esprit libre de l'aquarelle encourageant et en lui permettant de faire ce qu'il veut Nous n'essayons pas de tout contrôler . Lorsque vous regardez vraiment cette pièce, la magie, le toucher et toute sorte de qualité que vous pourriez aimer résident probablement dans les accidents et dans la façon dont le support est autorisé à faire son travail. Et cela n'est pas contrôlé sur chaque centimètre carré du papier. Dans cette leçon, nous avons utilisé un sujet ou un objet plus complexe. Nous l'avons mouillée et séchée, alors nous en avons fait une couche puis nous l' lavée. Ensuite, nous l'avons laissé sécher. Nous y sommes revenus pour obtenir les bords durs et nets dont nous avons besoin pour ce genre d'objets carrés fabriqués par l'homme Nous avons parlé un peu plus d'un lavage varié. N'oubliez pas d'éviter de trop nombreux détails dans l'ombre, et nous n'avons suggéré des détails que partout ailleurs. OK, alors j'espère que vous apprécierez la leçon et je vous verrai à la prochaine. 27. Projet de grange complexe avec des couches: Nous examinerons la formation des arêtes. Et nous allons également utiliser une grange comme muse. Ensuite, nous allons examiner les valeurs. Les valeurs de planification sont importantes. Nous examinerons les lavages en couches, afin d'éviter à nouveau de trop nombreux détails dans l'ombre. Et puis un petit résumé. À la fin de cette vidéo, je vais commencer par ma balle pointue et le but ici est de simplement prémouiller le papier Mais encore une fois, je ne vais pas boire trop d'eau. Il suffit de le mouiller pour qu' il puisse être bien lavé. Maintenant, lorsque nous examinons la valeur, lorsque nous examinons notre sujet, nous voulons toujours prendre un moment pour examiner la structure de valeur. Où est notre lumière, notre lumière, où est l'obscurité, l'obscurité, d' où vient la lumière ? Et cela va nous aider à planifier notre aquarelle. Comme nous en avons déjà parlé, il vaut probablement mieux peindre à l'aquarelle du clair au foncé. Maintenant, je ne veux pas établir de règles, mais dans cette démo, c'est ainsi que je vais me concentrer. Je vais me dire, d' accord, que la grange est d'une couleur relativement unique, plutôt jaune ou rouge froid. Chaque fois que je pense à aborder le sujet et le peindre, je me dis : « OK, eh bien, je ne peux pas simplement utiliser une touche de rouge délavé sur l' ensemble de la grange et cela peut revenir dessus et ajouter des valeurs plus sombres en conséquence Tout comme lors de notre tout premier exercice où nous avons étudié la forme des reins, où nous avons simplement superposé des mélanges très fins uns sur les autres pour obtenir une valeur plus foncée. C'est la même idée Nous revenons à ces notions de base très simples, savoir comment fonctionnent les couches et comment empiler une couche sur une autre couche sèche et cela nous donnera une valeur plus sombre. C'est ce que je recherche ici. Vous pouvez voir que j'ai déposé un très fin mélange d'eau Alizarin Crimson Alizarin Crimson va vous donner rouge très froid, une C'est ce que j'ai choisi. Je vais maintenant réduire un peu la grange pour que nous n'en ayons pas, cela ne masque pas ou ne masque pas la palette. Je vais y ajouter un peu d'ocre jaune. Maintenant, je vais peindre toute la grange. Et je peux le faire parce que je sais que le devant de cette grange est dans l'ombre. C'est bien d'emporter ce linge dans toute la grange, et je peux commencer à le sécher au fur et à mesure. Je vais prémélanger un peu d' ocre jaune et un peu de Sienne brûlée Et je vais l' atténuer un peu parce que ce toit est également très léger. Je ne veux pas que ce toit soit trop sombre. Chaque fois que je peins, il se peut que je regarde mon sujet. Dans ce cas, je suis pour les couleurs, peut-être quelques conseils sur les teintes que je devrais utiliser. Mais je laisse la valeur prendre le dessus, je suppose que je veux dire que je ne veux pas essayer de faire correspondre les couleurs , mais plutôt m' assurer d'obtenir la bonne valeur en place Parce que si les valeurs sont incorrectes, cela va simplement gâcher la lumière. Maintenant, je vais prendre un peu de lézard et de cramoisi et un bleu outremer et mélanger une couleur rose et mélanger une Et tout est sec aussi. J'utilisais le sèche-cheveux pour tout sécher. J'empile des couches. Je reviens à une façon plus stricte de peindre à l'aquarelle. Lorsque vous travaillez mouillé sur mouillé, vous obtenez cette belle fusion et le mélange aléatoire de couleurs, un peu aléatoire de toute façon Mais lorsque vous commencez à empiler des couches comme celle-ci, les choses vont se compliquer un peu , car vous n' en aurez pas autant Un bon tableau possède un peu des deux. Il va y avoir de la pluie et de la pluie. Il va y avoir un peu de pluie sur sec. Un tableau a besoin d' un peu de détails. Si vous faites tout mouillé ou mouillé, cela se produit parfois. Un peu trop lâche et vous ne pouvez pas vraiment réduire vos bords et vos formes autant. Maintenant, lorsque j'ai choisi cette teinte, je devais garder à l'esprit que l'aquarelle allait sécher plus clairement. Nous en avons déjà parlé auparavant. C'était important pour moi de le faire. Cela peut sembler un peu fort au début, mais il faut toujours tenir compte que les objets vont sécher un peu plus légèrement, puis ils recommencent, en emportant mon sèche-cheveux dessus . Maintenant, je vais le faire sécher. Ensuite, j'espère que vous pourrez commencer à comprendre comment un concept de peinture simple et comprendre comment un concept de peinture simple très basique permettant de comprendre les valeurs est la clé pour mettre en lumière la forme. C'est la clé pour faire ressortir vos sujets quel que soit le style dans lequel vous peignez. Vous devez toujours tenir compte de la hiérarchie des valeurs. Prenez donc un moment pour regarder vos lumières les plus claires, vos ténèbres les plus sombres Sachez où ils vont se trouver , puis planifiez-le en conséquence. Puisque je n'ai pas fait trop nuit devant cette grange. Je peux maintenant revenir avec une couleur légèrement plus foncée et juste indiquer quelques détails. Encore une fois, je n'aime pas mettre beaucoup de détails et d'ombres. Je recommande d'être très limité dans la quantité d'informations que vous mettez dans les ombres, car cela commencera à ruiner votre lumière et vos ombres Maintenant que la grange a pris forme, vous pouvez commencer rendre compte qu'il est important de retrouver la bonne valeur. Mais souvenez-vous également que nous avons pu utiliser cette superposition sur un mélange plutôt qu'un autre Dans cette pièce, on obtient tout de une certaine transparence quand on regarde le côté ombre de la grange. Nous avons encore beaucoup de transparence dans cette zone sombre. J'ai pris un pinceau juste là. Une brosse humide, une brosse humide, et j'ai retiré une partie de ce noir, d' autres de ces bords durs. Juste pour que nous n' ayons pas tous un tas de bords durs et d'ombres. Pour terminer, j'ai mélangé un peu de vert avec un peu de mon seau jaune, un peu de gamboge ocre Je vais également alléger un peu cet angle de la grange , car l'angle du haut de la grange, parce qu'il y a deux angles , sera plus direct et plus ensoleillé, est presque aussi plat que le plan du sol. Le plan du sol sera la valeur la plus légère en dehors du ciel. Le ciel est l'endroit où se trouvent vos sources de lumière. À moins que vous ne fassiez face à une journée très nuageuse ou des conditions atmosphériques, le ciel peut être généralement plus clair, la plus légère en valeur que le plan du sol, puis votre angle, comme l'angle du toit, puis vos verticales Les verticales ont également tendance à avoir une valeur un peu plus foncée , surtout si elles sont dans l'ombre Nous n'en parlerons pas trop. Ce cours ne porte pas vraiment sur la finition de la peinture , mais sur le fait de passer d'une technique à l'autre Les caractéristiques de l'aquarelle En peignant une variété de sujets, travaillant sur de multiples sujets, vous abordez l'éducation et l'expérience dans différents Oui, il suffit de peindre quelques arbres là-bas, un peu d'ombre et voilà l'œuvre d'art terminée. J'espère que vous comprendrez un peu mieux en revenant à ces principes de base qui empiler une couche sèche sur une couche sèche , à conserver cette transparence ne pas trop faire nuit Laisser sécher cette peinture à l' aquarelle un peu plus claire que lorsque nous la déposons d'environ 15 à 20 %. Encore une fois, il suffit de minimiser les détails et les ombres Si vous les trouvez trop durs, trop raides, vous pouvez toujours faire ce que j'ai fait, c' est-à-dire utiliser mon pinceau pour soulever certains de ces bords durs. Voilà, vous allez un peu planifier vos valeurs, leur importance. Parfois, si les choses sont trop sombres, il faut les réduire un peu. Ne les peignez pas foncés, ils sont parfois trop clairs. Il faut les peindre un peu plus foncés pour qu'ils fonctionnent. Quoi qu'il en soit, j'espère que vous apprécierez cette démo et je vous verrai à la prochaine. 28. Grange complexe avec des lavis panachés: C'est bon. Notre dernière petite grange ici. Encore une fois, les formes et les bords, la lumière sur la forme, essayant de capturer une idée réaliste sur la page pour obtenir de la lumière, comprenant que certains bords doivent être durs, d'autres peuvent être souples et mélangés, etc. Nous allons donc travailler avec des couches humides et sèches. Encore une fois, nous examinerons nos valeurs, puis nous terminerons un petit résumé à la fin. C'est bon, voici notre grange. Il s'agit de l'heure dorée, juste au moment où le soleil se couche ou peut-être le matin, tôt le matin, alors qu'il ne fait que percer l'horizon. Et pour moi, j'ai choisi cette image parce que je pensais que c'était un peu plus difficile lorsque vous avez affaire à ces ombres très épaisses. Comme le soleil est si bas dans le ciel, vous ne recevez pas beaucoup de lumière réfléchie. La façade de cette grange qui est dans l' ombre semble très sombre à cause de cela. Lorsque le soleil est plus haut dans le ciel, tout le ciel est illuminé. Même si quelque chose est dans l'ombre, il reçoit de la lumière réfléchie ou rebondie provenant du sol même s'il est dans l' ombre. C'est bon. est de ma technique, ce qui est de ma technique, j'ai mouillé un endroit où je savais que la grange se trouverait . Chaque fois que vous mouillez des objets comme ça, que vous les mouillez au préalable et que vous y mettez du pigment, Pour ce qui est de ma technique, j'ai mouillé un endroit où je savais que la grange se trouverait. Chaque fois que vous mouillez des objets comme ça, que vous les mouillez au préalable et que vous y mettez du pigment, ils sèchent encore plus légèrement. C'est parce qu'il se dissout dans cette eau. Au lieu de charger votre pinceau pigment et de simplement le peindre sur un morceau de papier sec. Encore une fois, on pré-mouille le papier comme ça, ça va le dissoudre un peu plus. Et nous en avons parlé dans l'une de nos toutes premières séries de leçons. Là où nous laissons le papier, nous y déposons de la peinture et nous le regardons se disperser dans l'eau s'agit de revenir à une connaissance un peu de ces principes de base , puis à exploiter un peu ces idées Maintenant, je vais prendre un sèche-cheveux ici dans une seconde. Quoi qu'il en soit, une fois que j'aurai dessiné mon petit rectangle autour de notre pièce, je la ferai sécher à nouveau . Vous allez en recevoir une bonne quantité ici, surtout parce que j'ai prémouillé le papier. Comme je vous l'ai dit il y a une minute, cela va jouer à notre avantage, car à l' heure actuelle , nous avons toute cette Alizarin Nous avons de l'ocre jaune. Un petit jeu neuf, le côté éclairé de la grange Il fait presque trop noir. Mais vous pouvez voir que pendant que je le fais sécher ici, il commence déjà à s'estomper un peu, pas mal en fait. Maintenant que c'est sec, je vais en dessiner un petit échantillon, carré autour Et maintenant, nous devons prendre en compte ce côté obscur. C'est là que les choses se compliquent car le toit est plus sombre que la façade de cette grange. D'accord ? Nous devons donc laisser un peu de marge de manœuvre L'erreur la plus courante ici est de faire trop sombre à l' avant de la grange. Ainsi, lorsque vous faites cela, vous n'avez nulle part où aller pour le toit. Maintenant, je vais supprimer l'image pendant une seconde, afin que nous puissions nous concentrer sur le mélange de la peinture. J'utilise un peu d'outremer, un peu de lézard et de cramoisi, un peu de Sienne un peu de lézard et de cramoisi, un peu un peu C'est bien d'avoir du papier test Encore une fois, vous devez tenir compte du fait que nous peignons maintenant sur une surface sèche. Nous ne peignons plus sur du papier mouillé. Tout ce que je ferai maintenant se fera sur la surface sèche du papier. Je vais faire un peu d' ombre sous la veille, puis je retournerai à l' avant de la grange chaque fois que je choisirai la couleur ici. Et pendant que je mixais, je devais garder à l'esprit qu'il allait y avoir une baisse. Mais je dois aussi garder à l'esprit que nous allons avoir un toit très sombre. Ce sera notre point le plus sombre ici. Je fais juste tomber un petit lézard, un peu cramoisi, un peu bleu, je le soulève à quelques endroits, puis tu dois entrer et sortir C'est vrai. Si nous faisons le tour et que nous devenons trop flous, nous perdrons cette belle et nette sensation d'aquarelle Maintenant, juste pour rire, je vais juste relier la clôture à la maison et créer une petite scène dans laquelle je n'essaie pas vraiment de laquelle je n'essaie pas vraiment peindre un paysage fini ici J'ajoute juste quelques détails ici et là parce que, vous savez, j'adore la peinture, tout comme vous. Et c'est difficile de s'arrêter, non ? Prenez une brosse, une brosse chargée dans votre main, un sèche-cheveux et l'autre. Et je vais en ville, je ne sais pas quand m'arrêter. En gros, je le sais. Ma femme me le dira. C'est bon, votre temps de parole est écoulé. Viens ici, aide-moi à m'occuper des enfants et à préparer un dîner ou quelque chose comme ça, elle n'est pas comme si elle était vraiment détendue de toute façon. Alors maintenant je vais le sécher à nouveau. Nous assisterons à une légère baisse valeur du côté obscur de cette grange, mais l'essentiel que vous devez savoir ici, c'est qu'il s' agit de vous laisser une marge de manœuvre, d'accord ? Il faut avoir assez de marge de manœuvre pour ajouter le toit vraiment noir qui s'y trouve C'est à cela que sert la hiérarchie des valeurs. Il s'agit de prendre le temps de regarder votre sujet juste pour voir où se trouvent les lumières les plus claires et les zones sombres Ensuite, vous devrez peut-être prendre des décisions concernant, accord, je dois le réduire, ou je dois l' augmenter en termes de valeur maintenant, juste un peu d'ultramarin, un peu de teinte neutre J'y ai même mis un peu d' ocre jaune juste pour le réchauffer. Et, mais je dois toujours garder à l'esprit que je ne veux pas passer au noir pur. Je ne veux pas devenir très épais, super opaque. Si je peux toujours garder une certaine transparence dans mes lavages, c'est très bien. Parfois, j'utilise de la couleur directement sortie du tube. Quand je fais ça, il s'agit généralement plus d' un accent que d'un lavage. Pour mes lavages, j'aime garder un sentiment de transparence. C'est bon. C'est peut-être un peu difficile à dire ici parce que nous avons un petit reflet, mais vous verrez quand cela sèche et je vous montrerai l'image Quand j'aurai fini, il fera plus sombre que sur le devant de cette grange. Promesse. C'est bon. Maintenant, je vais utiliser encore cette couleur foncée sur mon pinceau en pensant simplement à faire rebondir un peu cette couleur foncée dans quelques autres zones Nous avons un petit détail de la grange en haut. Je suggère juste que je ne vais pas m' embêter avec ça, je ne pense pas Maintenant, je vais juste entrer quelques valeurs plus claires ici. C'est ce que nous appelons les tons moyens. Vous avez les valeurs les plus claires, puis les tons moyens. La majeure partie d'une peinture est généralement un ton moyen. Une grande partie du travail que nous ferons se fera dans ce domaine des tons moyens. Vous allez avoir des éclaboussures de lumière, des lumières les plus claires, et vous aurez votre super noir Mais dans la plupart des cas, c'est dans les tons moyens que se trouve la majeure partie de la peinture. Bien, encore une fois, je ne peux pas m'empêcher d' ajouter quelques gribouillis de branches d'arbres, de troncs d'arbres Encore une fois, je n'avais pas vraiment l'intention d'essayer de terminer quelque chose, mais j'ai pensé juste à quelques détails juste parce que c'est amusant à faire. Mais l'objectif principal ici était de se concentrer sur cette hiérarchie. Le défi consiste à comprendre comment l'aquarelle sèche et quelle est l'épaisseur de votre pigment. Si vous avez affaire à un pigment d'attitude très épais, vous n'en perdrez pas beaucoup. Mais si vous le diluez avec de l'eau et que vous le déposez sur une surface humide, il y aura toujours cette chute Cela ajoute quelques tons plus foncés l'arbre pour les branches. Voici quelques petits détails. Une petite ombre projetée par la clôture, peut-être une petite porte de grange là-bas et peut-être un toit de l'autre côté. Eking, il y a une petite fenêtre pour le haut. Ouais J'espère que vous pouvez également voir maintenant comment ce toit affiche une teinte ou deux de plus que la façade de cette grange. Mais j'y ai laissé quelques lacunes. J'ai laissé un peu de cette couleur ocre d'origine sur le toit Je pense que c'est bien de le faire. mon avis, la ligne de toit aurait dû être inclinée vers le bas je n'ai pas tout à fait compris, , mais je n'ai pas tout à fait compris, mais je suis un peu rude quand il s'agit de ce genre de Je ne peins pas vraiment à la perfection j'aime simplement me retrouver avec quelque chose d'amusant à regarder, comme des imperfections. Quoi qu'il en soit, c'est là que nous en sommes aujourd'hui. Une petite ombre projetée sur la grange s'y trouve. Peut-être un autre, un arbre derrière la clôture, rassemble lentement mais sûrement. J'espère que vous commencez à en savoir un peu plus sur votre planification de la valeur. Il suffit de prendre le temps d' examiner vos sujets, ce qui est essentiel si vous ne faites pas cette partie. Si vous n' avez pas les bonnes valeurs, rien d'autre ne compte vraiment. Vous pouvez avoir le meilleur flow, fusions lâches et tout le reste, mais lorsque vos valeurs ne sont pas là, va souvent tout gâcher simplement parce que cela ne vous ressemble pas tout à fait, à vous et au spectateur. C'est ça. Jetons un coup d' œil à la pièce terminée ici. Je vais juste prendre un moment et je vais juste le faire sécher à ce stade. Ensuite, nous devrions être prêts à partir. Le voici donc dans toute sa splendeur. Agréable et sec. Encore une fois, je prends mes photos et la lumière naturelle, l'éclairage intérieur va vous donner une teinte jaune. J'espère donc que cela vous donnera une représentation plus précise de ce que nous avons obtenu Encore une fois, il s'agit de peindre un sujet plus complexe mais de supprimer beaucoup de ces détails. Travailler mouillé ou sec, parfois même mouillé ou mouillé, valorise les gens qui planifient, c'est de cela qu'il s'agit. Je dois toujours comprendre les lumières les plus claires et les ténèbres les plus sombres et planifier en conséquence, c'est Je vous verrai, les gars, et le prochain. 29. Dessiner avec le pinceau: Bienvenue à la leçon. Nous allons explorer certaines techniques de peinture, différentes idées que nous pouvons avoir pour mettre de la peinture sur le papier. Cette section sera dessinée avec le pinceau. Nous allons insuffler les caractéristiques de l'aquarelle tout au long du processus Nous allons mélanger les valeurs claires et sombres, en évitant les détails. Nous essayons juste de donner une idée générale. Et puis une jolie conclusion, concluez-la à la fin, rédigez un discours afin que nous puissions espérons-le, tirer le meilleur parti de cette leçon. Vous savez maintenant que vous pouvez dessiner avec un crayon, ce que je vous montre ici, mais nous pouvons également dessiner avec un pinceau. Certaines personnes pensent simplement qu'un pinceau sert uniquement à peindre, mais il peut être utilisé de la même manière qu'un crayon. J'ai mon pinceau à épée et puis j'ai aussi pointé ce petit bout. Les deux sont propices à la réalisation de bons traits fins et longs, c'est ce que je vais démontrer dans cette vidéo. Chaque fois que vous dessinez avec votre pinceau, il est probablement préférable d'utiliser un mélange de peinture fin ou laiteux. S'il est vraiment épais et sec, vous n'aurez pas une très longue file d'attente. Dans ce cas, je vais prémixer quelques couleurs et voilà mon image d'inspiration. Je vais rebondir. Nous avons des bâtiments, des voitures. Et ainsi de suite, je crois que c'est un taxi qui part sur la droite. Je vais d'abord explorer celui-ci. Vous pouvez voir que cette image est grisée. Je ne me concentre pas sur la couleur ici, je me concentre ou non, je pense à des couleurs plus arbitraires. Et lorsque j'utilise une image grise, je pense que cela m'aide à m' éloigner de la couleur réelle du sujet. Même si ces voitures peuvent être jaunâtres ou jaune-orange. Dans la vraie vie, je pense de manière plus arbitraire. J'ai également utilisé des bleus fins, bleus grisâtres et des violets Remarquez que je garde cette idée de laisser les choses se mêler un peu Travaillez mouillé sur mouillé, laissez la couleur agir, sans essayer de tout contrôler. Si j'ai un petit saignement ou une petite goutte à goutte ici et là , peut-être un accident, je ne vais pas transpirer Je vais laisser ça insuffler un peu de jaune et d'autres Vous voulez trouver ce dessin ou simplement avoir l'idée que votre dessin est utile en peinture, en particulier pour les aquarelles. Parce que vous arrivez à un certain point dans un tableau et que vous devrez peut-être ajouter des détails. Vous voudrez peut-être faire du travail de chaîne et tout ça. Avoir l'expérience d'utiliser votre pinceau comme outil de dessin est très utile. Honnêtement, peindre c'est dessiner, il n'y a pas vraiment de différence entre les deux. La première est que vous avez un pinceau et que vous notez de la couleur. L'autre, c'est que tu as un crayon et que tu es en train de mettre du gris. Il peut s'agir d'un crayon de couleur et ainsi de suite. Mais ils sont tous pareils. Les pinceaux sont de tailles très épaisses, formes différentes et tout ça. Et les crayons ont tendance à avoir une pointe, ou peut-être utilisez-vous du charbon de vigne dont base est plus large Mais dans tous les cas, le but ici est simplement de retrouver une certaine liberté avec l'idée de dessiner avec votre pinceau. Lorsque vous faites cela, encore une fois, nous n'essayons pas de dessiner des images parfaites de ce qu'est notre sujet. Nous essayons simplement de trouver la liberté en utilisant le pinceau si souvent qu'il est facile de le serrer très fort lorsque vous l'avez en main. Mais si vous l'utilisez dans un jeu de calligraphie gratuit, laissant explorer et se déplacer, alors c'est vraiment une bonne expérience à vivre Cela vous permet de penser un peu différemment à votre art. Encore une fois, c'est une chose très importante, comme vous le verrez au fur et à mesure que nous progresserons dans ce dessin avec la section du pinceau. Cela sera très utile lorsqu'il s'agira de lui insuffler l' idée de peindre des blocs de couleur et de forme, etc. Donc, comme vous pouvez le voir, c' est très imparfait, mais très beau, et nous obtenons cet effet d'aquarelle C'est ce que nous recherchons ici. Je vais passer à la suivante et je vais prendre le taxi dans le coin gauche Encore une fois, sans lâcher, essayant de colorer le taxi lui-même, je n'ajoute aucun bloc de couleur. Il s'agit simplement de le regarder et de me dire, d'accord, si j'avais un crayon à la main, comment pourrais-je griffonner griffonner et dessiner ce truc J'essaie juste de le garder bien souple. C'est le flux qui suit de toute façon. Et laisser les choses fonctionner se mêler et tout ça est également un élément essentiel de cet exercice. Les voitures sont intéressantes, elles peuvent être un sujet très difficile, mais ce sont essentiellement des rectangles Ou je suppose que vous pourriez dire des rectangles qui planent au-dessus du niveau du sol, puis les pneus relient ce rectangle au Lorsque vous avez une ombre, elle se trouve juste sous le rectangle flottant. Je ne sais pas s'il peut l' imaginer ou non, mais c'est ainsi que je les vois. Et puis, bien sûr, le rectangle est découpé en angles et en formes qui contribuent à créer le capot le pare-brise, etc. Mais en continuant sur cette lancée, je vais y ajouter une petite ombre, reviendrai sur cette étape du jeu. C'est tout ce qu'il faut. Encore une fois, il suffit de trouver cette liberté avec le pinceau pour dessiner. Donner à mon cerveau et à mon corps l'idée de dessiner avec un pinceau. Tout cela en fait partie. est important de faire ces mouvements physiques puis de vous entraîner mentalement pour pouvoir facilement dessiner avec un pinceau. Maintenant, je vais regarder le bâtiment à l'arrière. Certains bâtiments publics ont l'air très importants, n'est-ce pas ? Je vais commencer par le haut, puis par le clocher, puis redescendre. Il suffit de cliquer et de rater certaines zones du bâtiment. Je n'essaie pas de me laisser complètement absorber par tout ce qui concerne le bâtiment. Il suffit de le regarder, d' essayer de définir quelques formes, d'essayer de préciser quelques détails, puis de laisser le reste se calmer un peu. Même à ce stade, j'essaie de conserver cette impression de peinture aléatoire, mais cette fois, je pense simplement au dessin aléatoire, comme rester assis à esquisser et à griffonner, plutôt que d'essayer de créer des dessins d' objets parfaits C'est bon C'est un très bon moyen de vous familiariser avec votre pinceau. C'est un bon moyen de créer des lignes fines, des lignes épaisses, des lignes brossage à sec où vous pouvez obtenir des traits plus rapides et où vous commencez à faire ressortir un peu de la texture du papier travers certaines lignes, comme je suis en train de le faire Maintenant, j'utilise mon autre pinceau . En fait, non, je suis désolée. C'est toujours mon pinceau à épée, mais il suffit d'utiliser le bout de celui-ci pour créer des lignes très fines, semblables à celles d' un crayon à plume Et puis, bien sûr, au fur et à mesure que j' appuie sur la surface, les poils s'étalent un peu Je vais me retrouver avec une ligne beaucoup plus épaisse. C'est vraiment un bon exercice à faire. Nous allons le faire pas mal, juste pour le sentir ici. Je joue juste avec l'un des personnages qui se tiennent là. Et encore une fois, sans essayer choisir une couleur ou une teinte qui devrait être présente, je plonge simplement mon pinceau au hasard dans les différentes zones de ma palette pour en extraire un peu de peinture Très bien, allez ici et entrez On dirait que c'est le bâtiment. Encore une fois, je vais retourner au bâtiment en arrière-plan et jouer avec certaines de ces formes. Et je prends juste un moment pour observer le bâtiment et essayer de voir des choses que je ne verrais pas d'habitude si je le regardais simplement en y jetant un coup d'œil Hé, c'est un arrière-plan donc je n'ai pas vraiment à m'en soucier, il faut juste avoir une forme intéressante. Et je vais passer à autre chose. Je prends un peu plus de temps pour remarquer comment les choses se connectent et fusionnent. Et bien sûr, essayez simplement de rester souple et ludique dans l'exécution lorsque vous le faites. Pour simplement prendre note de vos faiblesses et de votre point de vue. S'il y a certaines difficultés à dessiner des figures. Si tu trouves qu'il y a certaines choses qui t'attirent, tu vas le faire et tu te dis, mec, que j'ai vraiment aimé travailler avec les voitures. Ou peut-être souhaitez-vous dessiner les arbres, les arbustes ou les bâtiments rectangulaires en arrière-plan. C'est bon de savoir que nous avons la plupart du temps en tant qu'artistes. Quoi qu'il en soit, peignez et attirez-vous sur les choses que nous trouvons intéressantes Dans un paysage comme celui-ci, où nous avons des personnages, des arbres, des bâtiments, des objets de cette nature, vous pouvez avoir dix personnes, dix aquarellistes différents pour le peindre Chacun aura un sentiment différent à propos de chaque aspect de cela. Certains peuvent être plus enclins à l'architecture, d'autres peuvent être plus fascinés par la voiture ou par la façon dont les voitures sont connectées aux buissons et aux arbres. C'est une bonne chose à savoir, car c'est là que l'on commence à développer un certain style. Vous commencez à découvrir ce qui vous intéresse dans la peinture. n'est pas parce que vous voulez regarder quelque chose visuellement, comme, oh mon dieu, ce coucher de soleil ou ce paysage de montagne, c' est tout simplement phénoménal Cela ne se traduit pas toujours par un bon sujet pour vous. Si vous prenez cette idée et que vous commencez à dessiner des fruits, vous commencez à dessiner des tasses à thé, vous commencez à dessiner différentes choses, alors vous découvrirez peut-être que vous savez quoi, j'aime dessiner des fruits tropicaux. C'est juste quelque chose qui, pour une raison ou une autre, lorsque je le peins ou le dessine de cette façon, je suis vraiment attirée par cela je suis vraiment tant que sujet et en tant qu'artiste sur le plan créatif et peut-être que vous n'avez jamais vraiment su que quelque chose vous plairait Tout en établissant ces liens qui deviennent très importants en tant qu' artiste pour votre travail à long terme. C'est si facile de tomber dans ce piège et comme si, oh, c'était une image vraiment cool, je vais la peindre. Ensuite, vous perdez du terrain pour diverses raisons. Mais parfois, vous vous perdez simplement parce qu'il n'y a pas assez d'enthousiasme. a rien En tant qu'artiste, il n'y qui vous passionne. Tu es du genre : « Waouh », tu es du genre : « Eh bien, qu'est-ce qui se passe ? J'aime regarder l'image, mais pour une raison ou une autre, elle ne me touche tout simplement pas sur le plan artistique. Je ne le sais pas. Juste quelque chose à garder à l'esprit. Très bien, nous allons jeter un œil à l'article ici. Encore une fois, en dessinant avec le pinceau, c'est vous qui brisez la glace avec cette idée. Et vous pouvez voir que rien n'est vraiment coloré, ce ne sont que des contours. Et j'espère que cela nous fera du bien et nous sera utile au fur et à mesure que nous avancerons. D'accord, nous avons donc été dessinés avec le pinceau, insufflez les caractéristiques de l'aquarelle Nous recherchons donc de la transparence, pinceaux secs qui saignent, toutes ces choses merveilleuses dont nous avons parlé. Nous mélangeons les valeurs de la lumière et de l'obscurité. Vous ne voulez donc pas que tout soit trop édulcoré ou trop léger et trop précieux. Tu ne veux pas que tout soit trop noir. Il suffit donc de mélanger et d'assortir. Il n'est pas nécessaire qu'il fasse sombre ou clair dans une zone spécifique, juste ce que vous avez envie de poser. Encore une fois, évitez de trop nombreux détails. Ne vous laissez pas trop emporter par des choses qui n'ont pas d'importance. Décrivez simplement l' idée générale comme si vous esquissiez et griffonniez et passez à autre chose. Ça y est. Je vais vous voir et la prochaine que nous allons ajouter à cette merveilleuse idée de dessiner avec le pinceau. 30. Combiner dessin et peinture: Bienvenue à la leçon. Nous allons à nouveau explorer les techniques de peinture. Encore une fois, ce sont des idées différentes. Nous commençons par dessiner avec le pinceau. Ici, nous allons mélanger l'idée de dessiner au pinceau avec l'idée de peindre. Nous allons donc bloquer un peu de couleur, encore une fois, détails minimaux en utilisant de la peinture épaisse et fine. Et puis l'emballage à la fin en mélangeant de la peinture. Ici, je vais utiliser mon jaune avec petite touche d' orange et lire ce qui suit. Procurez-vous quelque chose de substantiel mais peut-être un peu plus épais. Je vais mettre une touche, puis je mettrai une petite touche de rouge. Même si vous ne pouvez pas voir ma palette ici, parce que j'apporte l'image, le but ici est de penser comme un délavage varié. ne voulons pas sécher à plat comme nous en avons parlé. C'est bon d'avoir un peu de chaleur, un peu de fraîcheur. Quoi que vous fassiez, ne vous contentez pas d'en utiliser un. Il ne mélange pas un lot d'orange. Si vous voulez prendre un taxi jaune-orange et simplement utiliser le même taxi sur le côté, vous pouvez y mettre un peu plus de rouge sur le côté, vous pouvez y mettre un peu plus de jaune. Là-bas, vous avez une large gamme de teintes similaires qui conviendraient au taxi. Ainsi, une fois le lavage terminé, il est intéressant de le comparer à quelque chose qui va se présenter. Encore une fois, faible et timide, regardez à l'intérieur. Nous voulions avoir cette sensation insouciante de l'aquarelle pour laquelle nous avons travaillé si dur pour y parvenir Nous avons vraiment intégré cette idée dans la dernière section où nous avons travaillé avec chaises et nous avons peint les granges et d'autres choses du genre, où nous espérons avoir choisi un sujet très simple et laisser l'aquarelle être le point central Au lieu de laisser le fauteuil, c'est la façon dont on le peint qui devient intéressant. C'est à ce moment-là que je pense que l'art prend beaucoup plus d' Quel est le mot que je recherche ici ? Je pense que c'est lorsque cela devient un peu plus engageant, lorsque le style et la façon dont les choses sont faites sont aussi intéressants ou plus intéressants que le sujet lui-même. C'est là que j'ai l'impression que, tu sais, tu es sur la bonne voie. Maintenant, permettez-moi de rétropédaler ici où je travaille en ce moment. N'oubliez pas que je l'ai posé et que je l'ai laissé sécher un peu. laisser sécher un peu réduira la quantité de saignement maintenant. Il fait encore très humide. Lorsque vous verrez l'image ici à la fin de la vidéo, vous remarquerez qu'il y a beaucoup de saignements et de fusions. Mais si je le faisais un peu trop tôt, il y en aurait peut-être trop. Nous n'obtiendrions pas une bonne séparation entre les valeurs et les autres. Je l'ai laissé sécher un peu. Je bloque toujours des choses. Je prends quelques couleurs de moins. Je veux mettre de la couleur par terre. Je veux le bloquer. Mais je prends aussi mon temps à ce sujet. Je fais des allers-retours. Je vais y mettre une petite touche, mélanger une couleur différente, y mettre du bleu, y mettre une petite touche. Permettez-moi de passer ici à ce domaine et de travailler un peu là-bas. J'ai tendance à rebondir un peu. Je ne me laisse pas trop emporter par une partie du tableau. J'utilise un peu de jaune pour le phare. Remarquez à quel point toute cette fusion commence vraiment à prendre de l'importance maintenant. Maintenant, je vais enfin commencer à travailler en quelques étapes. Vous avez vu que c'était un dessin, un cercle autour du phare Je vais ajouter ma petite ombre ici pour commencer à faire en sorte que ce truc s'assoit un peu sur la page. Les ombres ont tendance à le faire. Ensuite, je vais commencer par dessiner un peu au fur et à mesure que nous approfondirons le sujet. Il suffit de mettre un peu de couleur ici et là. Encore une fois, il s'agit de peinture aléatoire, non ? Nous voulons conserver un peu cette idée , même à ce stade. Bien sûr, rien n'est parfait et c'est très bien. Il y a un buisson vert derrière le taxi. Je vais m'en servir pour réduire un peu la peinture spatiale, ce dont nous n'avons pas parlé. Mettre ce green derrière cette voiture m'a permis de prendre l' avantage sur le capot. Et définissez le côté gauche de cette voiture, l'avant, le côté gauche. Maintenant, il y a juste un peu d'eau sur le pinceau. Je nettoie donc ma brosse et je verse un peu d'eau. Je vais maintenant me diriger vers le bâtiment. Maintenant, le but ici n'est pas de créer une œuvre d'art terminée. Il s'agit d'utiliser cette idée de combinaison du dessin et de la peinture. Vous allez voir maintenant que je dessine plus que je ne peins. En rebondissant, en frappant quelques arêtes, frappant quelques lignes qui créent la forme de ce bâtiment qui est amusant dans cet exercice c'est que vous peignez un peu pour bloquer quelque chose. Ensuite, tu te retires et tu dis, OK, eh bien, je n'ai pas vraiment besoin de peindre ça. Je peux presque le dessiner. Mets une ligne et dessine et tout ira bien. Je vais peindre l'espace négatif autour de ce taxi en arrière-plan juste pour créer la forme qui définisse où se trouvent actuellement le haut et les côtés de ce taxi. Il suffit d' y ajouter un peu plus de valeur saturée et tout ce qui est amusant. À ce stade, principalement en peignant, j'ai commencé le processus de dessin, mais je dirais que je peins encore plus que je bloque des choses dans le fait que je dessine et c'est parce que tout est encore humide, n'est-ce pas ? Allez-y et je commence à contourner un tas de lignes, puis ça va juste trop saigner dans cette aquarelle C'est donc là que le timing est important. Nous ne voulons donc pas précipiter les travaux de chaîne. Nous devons être un peu méthodiques et faire attention au moment où nous le déposons et, une fois que nous l'avons fait, nous allons vraiment y aller . C'est bon. Maintenant, il suffit d'enlever un peu de peinture sur ce capot. Juste une serviette. Il y a donc mon dessin au trait qui revient, ajoute des détails avec cette ligne ici, je dessine ce pneu. Maintenant je vais entrer, je suis en train de tester ça sous le gril. Maintenant, j'ai mon petit pinceau et j'ai dessiné quelques lignes pour représenter le gril. C'était probablement un peu trop tôt car cela se dissout assez rapidement. J'espérais que cela tiendrait un peu mieux la forme, mais je n'ai pas tout compris. Nous allons faire une pause ici et je vous verrai dans la deuxième partie. Tout est donc encore en cours de préparation, tout est encore assez humide sur le papier. Je vais prendre une autre petite section et jouer avec ce bâtiment en arrière-plan. Vous m'avez vu soulever un peu de cette peinture sur l'échantillon orange qui s'y trouve Et il suffit d'enlever une partie de l' humidité pour que je puisse entrer dans cette zone et la peindre un peu plus tôt que tard. C'est bon. J'ai un petit pinceau maintenant. C'est vraiment un petit rond pointu. Je veux assécher certaines de ces zones afin de pouvoir commencer à y insuffler un peu de dessin Je veux en venir à ce point en y ajoutant un petit bloc de couleur. Et je vais faire un peu de peinture en espace négatif autour de cette voiture, encore une fois, juste pour jouer avec elle. Encore une fois, cet exercice est toujours de la peinture aléatoire, il s'agit simplement de jouer avec cette idée. L'objectif était de toujours garder cet aspect ludique à l'esprit, mais nous voulons ajouter de la couleur à nos sujets, puis, bien sûr, revenir et y dessiner. Nous obtenons ce travail au trait qui fait partie du sujet. C'est comme si nous tenions à nouveau un crayon et que nous dessinions dedans. C'est l'attitude que vous voulez avoir à son égard. Mais encore une fois, le dessin arrivera bientôt une fois que les choses seront sèches. Mais ici et là, je vais ajouter une ligne et je pense que je suis en train de la dessiner. Je ne vais pas le peindre. J'ai un crayon à la main et je le dessine simplement comme si j'utilisais simplement un papier à dessin et un crayon. Encore une fois, juste une petite peinture spatiale négative. Je joue avec ce petit taxi à l'arrière. Je joue avec les couleurs, les couleurs arbitraires. Pour la plupart, je connais ces couleurs qui ressemblent à de l' acajou profond Elles n'existent pas vraiment sur la photo que j'utilise, mais il suffit de les explorer et de m'amuser connais ces couleurs qui ressemblent à de l' acajou profond. Elles n'existent pas vraiment sur la photo que j'utilise, mais il suffit de les explorer et de m'amuser avec. C'est plutôt sec. J'y ai juste ajouté un joker. Je vais maintenant aborder l'idée de dessiner quelques détails du bâtiment juste pour lui donner un aspect fini, aspect ludique et sommaire Je veux dire, il y a beaucoup d'artistes qui utilisent ces techniques de trait et de lavage. Je n'aime pas tracer une ligne autour chaque centimètre carré et de chaque bord d'un sujet. J'aime les choses qui sont plus aléatoires que ça, moins prévisibles, je suppose, que de faire ça. Dessine un livre de coloriage où tu mets une ligne autour tout ce que j'aime taper et rater. C'est ce que je recherche ici encore une fois, je suis dans ce mode de dessin. Vous pouvez voir les lignes très fines et je suis en train de dessiner mon sujet maintenant , que je vais vous remettre en place. Mais je ne suis pas vraiment en train de le peindre. Je me demande, d'accord, combien d'informations, combien de lignes ou combien de dessins dois-je écrire pour avoir une idée de mon sujet ici ? J'ai juste utilisé très peu de lignes, pas juste quelques lignes autour des colonnes. Et le petit triangle qui s'y trouve. Quelques-uns pour le clocher qui s'élève. Maintenant, je vais prendre un peu de bleu ciel et détailler le reste. Je vais peindre des espaces en négatif au sommet de ce clocher Si je faisais un paysage et que j'avais besoin d'un ciel, ou si je voulais le peindre, c'est tout ce que j'aurais à faire. J'apprends, d'accord, Robert. Hé, une petite touche de couleur. Quelques lignes ici et là. Cliquez sur « rater » sur le dessin. Un peu de bleu sur le pourtour. Et tu t'es trouvé un bâtiment cool, une idée sympa, ludique, attentionnée, gratuite et non forcée. Il y a beaucoup de découvertes à faire avec ce truc. Maintenant, vous pouvez voir que je dessine beaucoup plus. Au lieu de mettre une grande quantité de couleurs, j'utilise mon petit pinceau, ajoute quelques détails ici et j'attaque cet exemple plutôt avec un dessin. Pour commencer, j'aime bien l'idée de mettre d'abord la couleur, mais vous pouvez mélanger et assortir comme bon vous semble. Maintenant, il s'agissait plutôt de bloquer certaines couleurs pour en réduire la couleur, mais d'utiliser mon petit pinceau pour le faire. Mais regardez comme cela a l'air cool lorsque vous commencez à combiner cette idée aléatoire de peindre et de dessiner et à faire des allers-retours entre ces deux idées. façon super cool et amusante d' aborder votre sujet et d'appliquer de la peinture. Ce sont toutes des techniques de peinture, choses qui, espérons-le, vous amèneront à penser un peu différemment à vos sujets et à la façon dont vous, au lieu de faire les choses de manière ABC, vous avez plusieurs façons de jouer avec. J'ai donc de nouveau mon petit pinceau et je dessine, je trace quelques lignes autour du panneau sur le dessus du taxi. Tracez quelques lignes à l'arrière du taxi pour créer le coffre, ajoutez-y des teintes foncées pour les pneus, créer un trait cool à cet endroit. Je vais retourner au grill pour que tu puisses voir que c'est génial. Ce n'est pas vraiment quelque chose qui soit proche du sujet, mais l'image n'est qu'un moyen de peindre. C'est tout ce que c'est. C'est un, hé, regarde-moi, je suis cool. Et puis c'est tout. Nous partons de là et nous apportons notre propre touche aux choses. Nous y ajoutons notre personnalité et notre façon de l'exprimer. Au final, je pense que c'est juste ça devient un peu plus créatif. Il y a beaucoup plus de liberté, mais aussi plus de marge d'erreur. Mais c'est tellement mieux que de peindre à l' emporte-pièce. Regardez tous les dessins que je fais sur ce taxi, sympa et gratuit. Et vous allez commencer à voir comment cela peut devenir une façon de peindre addictive. Quand je peins, honnêtement, j'aime intégrer les deux idées. Je me retrouve toujours à prendre un crayon, un fusain ou même mon pinceau. Je dessine aussi beaucoup avec mon pinceau. Je découpe mes sujets en peignant les blocs de valeurs chromatiques Ensuite, j'utilise le pinceau ou autre chose pour dessiner certains détails et bords et des choses comme ça qui nécessitent peut-être un peu plus d'attention de toute façon. Oui, vous pouvez commencer à voir comment cette combinaison commence à aider un peu. Il me reste un peu de peinture sur la palette, j'ai un peu de temps ici et il me reste aussi du papier. Je vais donc remplir ce formulaire. Je peux vous dire que lorsque je peignais ce dessin, je m'y suis beaucoup amusé. J'en ai fait plusieurs. Je ne vous montre que celui-ci, mais j'en ai une pile. J'en ai vraiment eu l'idée et je l'ai vraiment acceptée. Et j'en ai fait un tas de choses différentes. Peut-être qu'à la fin du cours, je montrerai certaines choses qui n'ont pas été retenues. C'est juste que tu ne veux pas m'entendre répéter la même chose encore et encore. J'essaie juste de faire connaître les idées. Et puis je me que si ce que j'ai là-bas est assez bon, je n'ai pas besoin de me répéter. Et vous n'avez pas besoin de m'entendre me répéter. accord ? Maintenant, bloquez simplement en couleur. Donc, juste une sorte de peinture aléatoire. Tirage au sort, non ? Vous pouvez me voir dessiner dans les phares, dessiner différents détails du taxi, les roues. Je manque de place là-bas, évidemment, mais je vais y aller ce que je peux. Et encore une fois, combiner les deux , c'est très amusant, et bien sûr, vous pouvez le faire avec n'importe quel sujet. J'ai pensé que ce serait cool parce qu'une scène comme celle-ci contient beaucoup de détails et d'options. Cela nous donne à peu près tout ce dont nous avons besoin. Nous avons des objets fabriqués par l'homme, des objets naturels tels que les arbres et tout ça. a beaucoup de choix à partir de là pour ce qui de la façon dont nous pouvons rebondir Mais bien sûr, vous pouvez utiliser des images de votre plage, vacances et de vos fruits, peu importe. Je vais aborder quelques fruits tropicaux avec cette idée dans les prochaines leçons. En commençant par quelques voitures et la construction, je vais vous montrer comment nous pouvons le prendre et le mélanger à autre chose. Et j'espère que c'est assez d' inspiration et d'informations pour que vous puissiez vous en servir. Maintenant, remarquez les traits que je viens de mettre qui dessinaient beaucoup avec mon pinceau, qu'il n'est pas toujours nécessaire d'utiliser une aquarelle fine et transparente Parfois, il est agréable de le tremper dans cette peinture épaisse, d' y mettre un peu d'eau devenir riche et de mettre ces couleurs trop accentuées. Mets-le à quelques endroits ici et là. Il a également une belle apparence , surtout si vous pouvez infuser très fins avec ces lavages Et puis donnez-lui un peu de cette belle peinture épaisse, plus opaque, ce mélange de miel, voilà. Voici mon bureau où se mêlent peinture et dessin. Je vais vous rapprocher un peu plus pour que vous puissiez voir une partie de la peinture. Et voyez une partie de cette texture plus épaisse et des trucs comme ça que j'utilise. Encore une fois, des trucs très amusants. C'est ainsi que cela devrait être. Ça devrait être amusant. Vous ne devriez pas être stressée, en vous rongant les ongles et transpirant devant le prochain chef-d'œuvre Amusez-vous bien, les gars, les chefs-d'œuvre apparaîtront à condition que vous appréciez le processus et que vous appreniez à utiliser le médium. OK, encore une fois, en mélangeant dessin et peinture en utilisant différentes techniques Détails minimaux, peinture fine et épaisse. Et vous y avez vu la photo, alors amusez-vous bien. Courez avec et je vous verrai à la prochaine leçon. 31. Aller bananes: Plus de techniques de peinture et de dessin au pinceau Cette fois, nous allons passer aux bananes. Nous allons dessiner des détails avec un pinceau, des contours, des formes, des volumes, des choses comme ça. Nous voulons conserver ce look d'aquarelle. Nous allons mélanger certaines ombres du cache pour qu'elles ne paraissent pas trop raides. Et puis, bien sûr, un petit résumé à la fin où nous examinerons les œuvres d'art. Ensuite, donnez-vous quelques conseils supplémentaires sur la façon dont vous pouvez utiliser ces idées. Il y a l'image d'inspiration. Encore une fois, dessiner au crayon est courant. Je vais juste le démontrer ici. J'y penserais plutôt en termes de sketch jouant avec. Je n'essaie pas de faire un dessin photoreprésentatif. Il suffit de travailler rapidement, de regarder les angles et d'être un peu plus joueur au lieu d'essayer d'être réaliste. Comme je l'ai déjà mentionné, nous prenons la même idée et essayons de reproduire avec un pinceau Je vais utiliser des ocres jaunes, sienne brûlée, des tons neutres, des couleurs différentes qui figurent sur la palette Je vous encourage à ne pas utiliser les couleurs lorsque vous faites cet exercice. Parce que si vous ne le faites pas, vous allez vous retrouver avec un croquis totalement gratuit ou le dessin ne sera pas visible. Lorsque vous utilisez des couleurs arbitraires et que vous placez quelques valeurs sombres dans la zone claire, quelques valeurs claires dans la zone sombre, ces marques ont tendance à persister tout au long de l'esquisse. Tout ce deuxième dessin, encore une fois, il suffit de dessiner avec le pinceau. Et ici, je vais ajouter de la teinte au volume de la banane. Maintenant, remarquez, et voilà, je n'ai pas couvert chaque centimètre du blanc du papier. Je suis lâche, mais je laisse les couleurs se mêler et fusionner un peu d'elles-mêmes. Cette deuxième teinte était juste un peu de Sienne brûlée C'était juste un peu bleu foncé. Comme la banane est d'un jaune chaud dominant, j'ai pensé qu'il serait bon d' y ajouter un peu de fraîcheur. C'est comme l'exercice sur chaise et les différentes choses que nous avons faites jusqu'à présent pour mettre fin à un lavage à plat. Pour un lavage à plat, vous pouvez utiliser une seule teinte et que tout est chaud ou froid et que, lorsqu'il sèche, il donne un aspect plat et ennuyeux, même s'il n'y a ni bleu ni vert. Peut-être que dans l'image d'inspiration, vous devez vous rappeler que l'image ou la photographie est ce qu'elle est. En tant qu'artiste, nous devons faire en sorte que les choses paraissent intéressantes sur le papier. Maintenant, si vous aviez un travail et que votre travail consistait à créer une illustration représentant la photo, vous n'auriez évidemment pas la liberté de faire ces choses. Mais si votre quête est créer un joli croquis à l' aquarelle devoir le représenter et d'avoir cette impression d'insouciance , cette aquarelle est tellement douée pour ce genre de hasard Joyeux accidents. Ensuite, nous devons prendre la liberté d' apporter des modifications, d'accord ? Et pour m'amuser un peu, je suis là, je fais juste un peu de lifting. C'était donc une brosse humide mais contenant très peu d'eau. Il était juste assez humide pour extraire une partie de cette peinture. Mais il était important de noter que je suis entrée et sortie. Je ne suis pas restée assise là à trop embrouiller. J'avais un travail à faire. J'ai décidé comment je voulais le faire, je l'ai fait et je suis resté tranquille. C'est bon. Alors maintenant, je vais mettre un peu d'ombre sur la banane en bas. Et je vais faire de même ici pour la banane sur la gauche. Il suffit de créer des arêtes dures. Lorsque vous peignez mouillé à mouillé, il est évident que les couleurs vont fusionner et se mélanger. Mais au fur et à mesure que je fais le sèche-cheveux ici , les objets commencent à sécher et leur valeur devient un peu plus claire, comme fait l'aquarelle lorsqu'elle sèche, puis je peux revenir et créer un bord dur ou deux juste pour montrer la forme et le volume de cette banane. Très bien, ici j'utilise un peu de rouge, une lumière rouge foncé avec de la Sienne brûlée et je dessine Très bien, ajouter des détails. En dessinant et non en peignant, c'est là que dessiner peut vraiment être amusant. Si vous êtes illustrateur, que vous aimez faire ces choses et que vous aimez l'idée du dessin, utilisez-la dans vos illustrations car c'est vraiment un excellent moyen de donner un aspect ludique à l'œuvre d'art, à tout ce dont elle a besoin. Cela lui donne forme. Cela lui donne forme. Vous pouvez commencer à sentir où se trouve l'ombre. Vous pouvez commencer à sentir où se trouvent les côtés les plus sombres de la banane. Ici, je dessine un peu plus, en utilisant un peu plus de ces teintes présentes dans la palette. Je crée ce peeling et j' essaie de lui donner une apparence décente. L'objectif est, encore une fois, ne pas copier l'image, de ne pas copier l'image, mais simplement de capturer l'essence de celle-ci, de sorte que lorsque vous la regardez d'un point de vue et d'une distance normales, vous puissiez voir que c'est une banane. Vous n'avez donc pas à vous asseoir là à gratter la tête pour savoir ce que c'est. Mais au fur et à mesure que vous vous en approchez, il commence à s'effondrer un peu. Toutes ces teintes, ces lignes et tout commencent à ressortir un peu plus et vous commencez à voir cette touche espiègle. En ce moment, lorsque je passe à cette banane, j'utilise une peinture beaucoup plus épaisse C'est presque tout droit sorti de la peinture en tube. Beaucoup de gens n' utilisent pas l'aquarelle de cette façon, cela revient à ce lait et à ce miel Le thé est très fin, aqueux et transparent. Le lait est très transparent, mais pas autant que les mélanges de thé. Et puis le miel est une peinture très épaisse qui sort du tube. Tu peux l'utiliser de cette façon. C'est bon, c'est parfait. Il n'est pas nécessaire d'avoir l'ensemble du croquis ou de la peinture à l'aquarelle pour être transparent Personnellement, je pense que vous voulez un peu de chacun. Vous voulez ce démaquillant légèrement transparent. Tu veux lavis au lait plus épais. Vous voulez aussi ces zones opaques, comme pour les accents et autres choses de ce genre. Chaque fois que nous regarderons cette image, une fois terminée, vous pourrez voir les zones plus épaisses que j'ai insérées. C'est très bien. C'est presque comme peindre à l'acrylique, mais vous obtenez le meilleur des deux mondes Vous obtenez ces mélanges transparents et aqueux. Et puis vous obtenez ces épais traits de peinture presque texturée. J'ai d' abord peint la banane, puis je suis revenue avec l'ombre. Je laisse cette ombre se fondre dans le jaune et l' or dans la banane Chaque fois que vous expérimentez ces idées, mélangez-les un peu, peignez d'abord l'ombre, puis revenez peindre la banane Peignez la banane, puis faites l'ombre. Dessinez d' abord quelques contours, puis revenez et remplissez-les de couleur. Appliquez de la couleur comme je le fais actuellement, allers-retours aléatoires entre le côté ombre et le côté clair, puis revenez et ajoutez du dessin au trait. C'est de cela qu'il s'agit. Vous ne voulez pas rester coincé ou prendre l' habitude de faire les choses de la même manière tout le temps là-bas. La beauté de ce gribouillage et de ce croquis, et j'espère que tout ce cours, est de vous présenter les bases, les caractéristiques et de vous amener à les adopter en premier Ensuite, pour vous donner quelques idées sur la façon dont nous pouvons exploiter et nous amuser un peu l' exploiter et nous amuser un peu sans être trop rigides à ce sujet. Toutes ces techniques peuvent être combinées. Vous pouvez utiliser cette idée du dessin comme je le fais actuellement, et la combiner avec différentes choses que nous avons abordées, différents sujets, des choses comme ça. Vous pouvez voir maintenant que je vais y retourner avec quelques dessins au trait et tout n'est toujours pas vraiment mouillé. Mais vous pouvez voir qu' en bas à gauche, la banane est très brillante, elle est très humide Mais j'ai un autre petit coin ici. Je voudrais recouvrir cette page de bananes à nouveau, juste pour jouer. Maintenant, je constate que plus je le fais et plus je m'y intéresse, plus les choses se compliquent, plus les idées commencent à circuler. C'est pourquoi il est si important de faire ces choses. L'art fini est une bonne chose, mais ce n'est qu' un indicateur de ce que vous savez déjà. Vous ne ferez jamais de votre mieux lorsque vous aurez terminé une peinture. C'est comme une performance, un danseur de ballet, un acteur ou autre. Quand ils font des répétitions ou quoi que ce soit d'autre, ils réussissent. Ou quand ils s' entraînent seuls , ils réussissent. Mais lorsque vous êtes devant le public, que la musique est allumée , que les lumières sont allumées, nous avons tendance à nous demander si nous pouvons faire 80 % à 75 % de nos capacités, nous avons de la chance, c'est ainsi que les se passent et c'est ainsi que l'art est terminé. Mais quand vous êtes ici , que vous griffonnez sans vous soucier de cela, il n' y a plus de pression Vous n'êtes donc pas stressé à l'idée de peindre quelque chose de génial que vous pouvez publier sur Instagram. Tu l'as, d'accord ? Je vais faire des expériences. Je veux jouer et je veux apprendre. Et je veux repousser les limites de ce que je sais. Si je m'assois là et que je peins ce que je sais tout le temps, à quoi bon ? Ce genre de choses, ce que je vous montre maintenant, est parfois stupide, peut-être ou peut sembler. À quoi bon ? Qu'est-ce que je cherche ? Mais pour les artistes, pour ceux d'entre vous qui passent du temps, est ce que cela va vous apprendre, et ce que vous savez peut-être déjà, c'est que cela commence à développer un style. Vous commencez à trouver des choses auxquelles vous vous accrochez. Il y a d'autres choses auxquelles vous ne vous accrocherez peut-être pas et que vous pourriez dire, mais ce n'est pas tout à fait ce que je recherche. Peut-être que je ne veux pas poursuivre dans cet angle. Mais le but est de faire les choses d'une manière que vous ne feriez pas normalement Et tu trouves des découvertes. Tu commences à voir les choses différemment. Et vous commencez à développer ces coups de pinceau emblématiques, ces mélanges de couleurs. Et n'abordez que l' attitude qui me permettra d' aborder mon art de cette manière très insouciante et de ne pas me stresser à ce sujet Ou je peux m'asseoir ici , me serrer les doigts tenir la brosse fermement, serrer les dents et , tenir la brosse fermement, serrer les dents et faire quelque chose de très forcé, rigide et prévisible Nous ne voulons pas le faire. L'art, c'est une fois que vous commencez à apprendre le médium et que vous commencez à vous familiariser avec ses gammes, tout se résume à votre signature. À quoi ressemble ton art ? Et comment y mettre votre personnalité, votre style et votre énergie ? Et c'est ce que ça t'apprend. Si vous le faites encore et encore, vous allez commencer à développer ce lien personnel avec le médium et vos sujets. Et unifier votre propre voix, votre propre façon de faire les choses J'espère que cette vidéo a aidé. J'ai trouvé que c'était plutôt bien là-bas. J'enlève juste un peu de peinture pour que tu puisses voir l'ombre. Mais oui, c'était très amusant. J'ai beaucoup aimé cet exercice de peinture et de dessin et le fait de travailler un sujet simple pour trouver ma voie. Mais au final, j'ai trouvé que c'était une bonne pièce. Je veux dire, je l'emporterais probablement dans ma cuisine. J'adore ce genre de choses. Quoi qu'il en soit, en dessinant les détails avec le pinceau, en variant les teintes, les valeurs et l' épaisseur de la peinture, nous voulons conserver cet aspect d'aquarelle insouciant de différentes manières : vous pouvez mélanger, projeter des ombres, travailler mouillé sur mouillé, etc. J'espère que cela vous a plu et, bien sûr, je vous verrai dans le prochain. 32. Projet melons avec Fusion: Bien, comme pour les bananes, nous allons faire la même idée. Nous voulons donc dessiner un peu, mais ce serait plutôt un dessin minimaliste, en ajoutant simplement une petite touche ici et là, en variant les teintes et les valeurs, variant les teintes et les valeurs, en conservant un aspect aquarelle souple Nous allons faire une fusion humide et humide pour obtenir une certaine gradation, fusionner les ombres dans l'objet, puis tirer une conclusion à la fin afin de pouvoir jeter un coup d'œil à l'œuvre d'art et faire un petit récapitulatif Très bien, donc en utilisant mon petit pointeur. Je vais commencer par ce dessin du dessus du melon. Si vous regardez l' inspiration du melon sur la droite, je fais maintenant celle en haut à gauche. Je sais que je peux me retrouver juste en dessous avec un peu de vert plus foncé. Je mélange ce vert avec un peu de cobalt, un peu de jaune citron. Touchez-le à peine. Quand on le touche à peine comme ça, ça va se fondre. Nous allons obtenir cette fusion. Le vert et le jaune vont commencer à se mélanger, mais le jaune que j'ai déposé était également plus épais que le vert que je suis en train de déposer maintenant parce que c'est une peinture un peu plus épaisse, que cette fine couche que je suis en train de faire avec le vert sur le côté ombré ne l'envahira pas autant simple fait d'utiliser cette peinture plus épaisse permettra, encore une fois, à l'humidité d'y résister un peu plus. Mais ça va quand même se mélanger un peu, comme vous le voyez ici. Vous remarquerez que si nous regardons l'image d'inspiration et que nous la comparons à ce que je fais, elles ne sont pas vraiment proches. Ils sont peut-être similaires en termes de perspective et de correspondance des couleurs, sauf qui concerne les endroits exacts où il y a de la lumière et de la valeur, une valeur foncée et tout ça Je veux dire, il y a des imperfections quand on le compare à l'image, mais ça ne vous inquiète pas trop, d'accord ? Je veux dire, si ce genre de choses vous stresse, alors c'est là que vous allez gâcher l' impression d'aquarelle ici J'ai commencé par le côté obscur. J'ai pris le vert, le vert foncé en premier. Ici, j'ajoute des ocres jaunes et des siennes et j'y ajoute ça Maintenant, je vais me concentrer sur le jaune. C'est entre le miel et le lait. Donc un bon mélange épais. Il s'agit de la peau ou de l'écorce, puis je vais juste l'enrouler C'était une belle ligne de dessin d'ailleurs. Même s'il ne s'agissait que d'un simple trait, je l'ai traité en dessinant ce bord tout autour. Je vais passer à ce jaune dans une minute. Apparemment, je vais faire une petite gradation ici. Je sais que c'est mouillé. OK. Je peux donc prendre un mélange plus foncé de vert et le faire passer en bas. Et maintenant je laisse les choses se mêler. Je ne vais pas m'embêter avec ça. Cependant, cela me convient , tant que je une petite touche de cette teinte plus foncée vers la base de l'orange, là où elle s'estompe. C'est tout ce que je voulais. Un dégradé d' un vert plus clair à un vert plus foncé lorsque nous y allons, que nous commençons à le gâcher et que nous nous disons, oh, ça ne ressemble pas à la photo On dirait cette photo. C'est à ce moment-là que nous commençons à vraiment avoir des problèmes. Nous voulons juste une représentation d' un melon et d'un melon tranché et c'est tout Si vous recherchez une œuvre de représentation photographique, alors honnêtement, vous devriez probablement huile ou de l' acrylique ou quelque chose plus propice à cela, parce que vous allez vraiment lécher votre peinture au point qu'elle perdra son aspect aquarelle Et quel est l'intérêt d'utiliser l'aquarelle ? Si vous voulez forcer le contrôle à ne pas vraiment faire ce pour quoi il est le mieux conçu. C'est comme acheter une Ferrari et parcourir 16 km à l' heure partout. Tu sais, si tu veux juste te déplacer, achète-toi une petite Hyndai ou quelque chose J'ai fait le vert intérieur du melon et maintenant je vais utiliser d'ocre et un peu de sienne brûlée. En ajoutant la sensation de l'écorce, il y avait une valeur un peu plus légère sur C'est toucher le soleil, plutôt la lumière. Et je sais que ça va se mélanger et saigner un peu. C'est bon. C'est ce qu'il est censé faire. lorsque nous commençons à y opposer que nous avons tendance à avoir des problèmes. L'aquarelle, c'est comme, hé, c'est pour ça que je suis conçue, oh, eh bien, je ne vais pas te laisser faire ça. C'est bon. Maintenant, je vais mélanger une belle teinte foncée, une valeur foncée, je dois dire, où une partie commence à sécher. Maintenant, je peux commencer à y retourner là où se trouve cette croûte Il est probablement encore humide, mais il commence à sécher un peu. Je vais avoir un peu de sang, mais ça ne devrait pas saigner aussi fort que si je l'avais fait dès que je l'ai peint C'est juste une question de timing, d' être un peu patient. Je laisse tomber de la peinture un peu plus épaisse et plus foncée à la base, là où elle touche le sol. Cela va l'ancrer un peu plus pour qu'il n'ait pas l'impression de flotter là. C'est bien d'avoir cette petite ombre de contact là-dedans. C'est juste un gris neutre. Il n'y a pas autant de couleur dans cette ombre. Tu peux le voir. Tout ce vert est encore très humide. Tout cela se répand dans l'ombre. Mais c'est ce que j'ai fait et je pense que mon instinct naturel serait d' essayer de régler ce problème au lieu de le laisser faire son travail lorsqu'il sèche. Cela va être intéressant à regarder, tout aussi intéressant que quelque chose qui est peut-être peint un peu mieux ou avec plus de précision. Ce sont vraiment ces accidents qui jouent un rôle important dans la peinture en couleur. Mais malheureusement, notre cerveau n'aime pas les imperfections, surtout chez les adultes. Nous essayons de corriger les choses à mort. Je vais y retourner avec un peu de noir maintenant, en commençant par mettre quelques points et à dessiner de petites formes de graines dedans Et en parlant de dessin, comme je l'ai dit, il s' agit plutôt d'un dessin minimaliste Je suis en train de démonter la majeure partie du tableau , puis je reviendrai pour faire quelques croquis plus tard Maintenant, j'utilise de la peinture jaune plus épaisse pour capturer la lumière qui frappe la tranche. La partie supérieure de la tranche montrera son épaisseur. Tout commence à bien paraître. J'aime la façon dont tout commence à fusionner. J'utilise un peu de rouge Cad, un peu de Sienne brûlée, aussi un peu d'ultra marine neutre Et trouver la couleur foncée souhaitée et la mélanger un peu avec les verts également. Maintenant, je vais d'abord ajouter de la couleur, mais ajouter quelques graines ou de petites formes qui pourraient être les graines de cette partie du melon à la fin . Le spectateur s'en fichera. Ils ne vont pas voir l'image d'inspiration, ils vont juste la regarder. Ah oui, ce sont des sets. Il suffit d'en dessiner un ou deux ou d'en définir un ou deux. Le reste peut être fait de petits points très lâchement parce qu'ils imagineront ou inventeront le reste dans leur esprit Une fois qu'ils en auront vu un, ils en verront un tas d'autres. C'est la beauté de la peinture abstraite libre. Maintenant, en utilisant ma teinte foncée ici, un peu de cette couleur grisâtre, bleu grisâtre qui se trouve sur la palette, et en ajoutant un peu d'ombre projetée, ce jaune est encore humide, donc la croûte, et c' Je veux que l'aquarelle soit un peu attirante pour me donner un peu de magie Hein ? Je n' essaie pas de l'éviter ici. Je commence à dessiner, maintenant. Je trace des lignes, des arêtes, des angles et des trucs comme ça. Des détails que j'ai manqués lorsque je le peignais. Mais lorsque nous peignons mouillé à mouillé comme ça, vous savez, vous allez avoir beaucoup de bords souples. Maintenant, je peux revenir avec ce pinceau, ma petite doublure ici, et juste dessiner quelques détails. C'est tout ce que je fais ici. Vous pouvez voir que je dessine le coin sur le dessus. Faire descendre cette ligne dans le Rhin. dessine quelques graines et je rebondis juste un peu là-bas Avec un peu de bleu, plutôt un bleu-vert ici. Je joue avec les couleurs, j'essaie de voir jusqu'où je peux les pousser. Encore une fois, dessin minimaliste, mais dessin quand même. Encore une fois, ce sera très amusant à faire pour certaines illustrations et autres choses comme celles où vous voulez ressembler à l'objet, tout en y ajoutant un peu d'espièglerie Mais quoi qu'il en soit, ça y est. J'espère qu'il vous a plu. Donc, du dessin et de la peinture minimalistes, encore une fois, avec des teintes et des valeurs variables, donnant à cette aquarelle un aspect un peu humide et humide pour Et en utilisant Fusion, bien entendu, pour les ombres et les objets, tout est beau et souple comme il se doit. Je vous verrai, les gars, et le prochain. 33. Exploiter le dessin: Dans cette démo, nous allons exploiter le dessin. Nous allons faire en sorte que les lavages soient fins. Nous examinerons les lavages variés, en ajoutant des lignes de perspective juste pour donner un peu plus de profondeur à la pièce Et nous allons utiliser un minimum de détails, ce qui pourrait être un sujet récurrent comme vous le savez probablement. Et puis une conclusion. À la fin, nous allons jeter un coup d'œil à l'œuvre d'art et faire un petit résumé. Voici mon image d'inspiration sur la droite. Même s'il s'agit d'un bâtiment blanc cassé, si vous plissez les yeux, il devrait perdre une partie de sa couleur Vous vous rendrez compte à quel point ce bâtiment est sombre. L'erreur en faisant ce type d'œuvre d'art, je dois dire, est de devenir trop sombre ou trop clair lorsqu'il s'agit d'un sujet aussi clair que celui-ci. Si vous comparez simplement le bâtiment au ciel, vous verrez qu'il s'agit certainement d'un ton moyen. Il faut tenir compte que vous voulez perdre environ 15 à 20 % de la valeur de la couleur parce que nous avons affaire à de l'aquarelle. Cette couleur va tomber en séchant. Ce que je fais maintenant, c'est juste utiliser un mélange de tons neutres et d'ocres jaunes Vous pouvez voir qu'il y a aussi un peu de bleu qui est considéré comme un lavis varié. Vous n'utilisez pas une seule teinte, vous en utilisez en fait plusieurs. Nous l'avons déjà fait, cela n'a rien de nouveau, mais un lavage varié convient Même si nous regardons ce bâtiment, nous pourrions facilement choisir un blanc cassé rosé et peindre l'ensemble du bâtiment de cette Vous devez savoir que cela va simplement avoir l' air très plat et terne. Le but n'est pas de reproduire l'image et d'en faire une illustration, mais plutôt de l'utiliser comme source d'inspiration, pour créer de l'art. Quelque chose qui ressemble à de l'eau, qui a des caractéristiques, etc. Ici, je laisse tomber un peu de jaune dedans. Et je veux juste m' assurer une fois de plus que nous aurons un lavage intéressant une fois tout cela terminé. Maintenant, nous ne voulons pas trop nous en mêler. Cela ne fera que ternir les couleurs. Même si vous ajoutez des teintes chaudes et froides, vous allez simplement frotter la peinture à mort et tous les cristaux et autres objets de ce genre vont se frotter ensemble. Et puis vous vous retrouvez avec quelque chose de plat même si vous utilisez plusieurs couleurs. Bien, comme vous pouvez le voir, mesure que ça sèche, ça devient beaucoup plus léger. Je pense que pour cet exemple, je voulais y faire deux versions. Je te montre juste mon pinceau à épée. Je vais donc me mélanger. Tout gris, légèrement chaud, légèrement frais dans certaines régions, arrosé vers le bas. Mais nous ne pouvons pas aller trop loin, sinon la limite ne sera pas visible sur le ton moyen que nous avons défini pour le bâtiment. Mais nous ne voulons pas non plus qu'il soit trop épais juste dans cette zone du mélange de lait. Quelque chose comme ça. Ça devrait plutôt bien fonctionner. Je n'aime pas utiliser la même couleur. Je vais mélanger un peu de bordeaux, un peu de bleu, puis peut-être un gris, juste pour que, lorsque je peins, j' obtienne plusieurs couleurs. Encore une fois, il s'agit d'une version assez sombre, probablement un peu trop foncée, mais nous pouvons tout de même travailler avec. Mais nous devons réfléchir et planifier les choses comme nous le faisons avec notre art. Supposons que vous vouliez créer un style comme celui-ci et exploiter certaines des techniques de dessin que vous avez apprises, puis vous devez commencer à penser en termes de couches et vous dire, d'accord, eh bien, si je mets de côté cette valeur plus sombre, est-ce que cela va me laisser ? Alors je devrai me concentrer sur les détails. Comme vous le voyez, j'ajoute des détails. Je dessine, tout cela n'est rien que je fais semblant d'avoir un crayon sur la main ou un fusain, et je dessine ces fenêtres et les autres détails du bâtiment Mais encore une fois, vous devez dire, d'accord, eh bien, si je dois ajouter une couche plus foncée pour certains détails et qu' il y a peut-être une autre couche de noir que je devrai ajouter, peut-être même plus de détails. Si nous regardons les fenêtres, elles sont très sombres, alors il y a les détails à l'intérieur de la fenêtre. Si nous voulons ajouter un petit indice à tout cela, nous devons planifier en conséquence Nous devons donc réduire légèrement la valeur ou parfois encore une fois, cela dépend de ce que vous peignez. Dans d'autres cas, il se peut que vous deviez faire trop sombre ou légèrement plus foncé. Cela dépend simplement. Mais encore une fois, il s'agit simplement de réfléchir à ce que vous voulez faire avec l'art avant de commencer. Vous pouvez voir cette petite tache verte qui se trouve au bout du bâtiment J'ai juste fait quelques petites marques autour de ça, juste pour dire que c'est un arbre, c'est très ludique, c'est très simple et ça a vraiment un joli look. Je pense que cela se prête bien à la peinture à l'aquarelle ici J'y retourne et j'ajoute juste quelques points, quelques lignes, quelques traits de dessin, juste pour donner un peu plus de profondeur à la peinture et au bâtiment. J'utilise une peinture très épaisse, donc les vitres que j'ai peintes plus tôt ont déjà recommencé à sécher. Ils vont sécher un peu plus légèrement, alors maintenant je peux utiliser peinture plus épaisse et plus foncée et ajouter quelques détails supplémentaires, quelques accents supplémentaires juste pour les rendre un peu plus crédibles Mais encore une fois, j' aime beaucoup ce genre de look, cette idée de combiner dessin et peinture. C'est juste très amusant de travailler avec. Et lorsque vous abordez un sujet qui contient beaucoup de détails et d'informations comme celui-ci, comme un bâtiment, vous pouvez vraiment amuser avec lui et passer au niveau supérieur. Mais je vais faire une pause ici et je vous verrai dans le deuxième exemple de cette démo. Dans cet exemple, je vais utiliser la même image, mais je vais réduire légèrement la valeur. Le bâtiment lui-même sera un ton moyen, mais je ne vais pas faire aussi sombre Cela va me donner un peu plus de marge de manœuvre. Je pense que le défi de la peinture à l'aquarelle, c'est que lorsque vous voulez superposer des couches et tout ça, il s'agit simplement d'essayer d'obtenir le bon rapport qualité-prix pour vos lavages , car c'est difficile C'est exactement pourquoi j'ai abordé le défi de la valeur dès le début de ce cours. Parce que lorsqu'il s'agit de couleurs, nous sommes souvent amoureux du jaune ou du bleu ou quoi que ce soit d'autre, mais nous n'en voyons pas vraiment la valeur réelle Cela prend juste un peu de temps et puis, bien sûr, vous tenez compte du fait que l' aquarelle va juste sécher. La luminosité dépend du degré humidité du papier lorsque vous posez la peinture. En ce qui concerne la quantité de pigment qui sera absorbée , mélangée et éliminée par l'eau Toutes ces choses sont importantes, ça prend du temps. Mais je pense que ce sont ces choses qui frustrent de nombreux artistes et ils passent à l'acrylique, à l'huile ou autre. Je pense que vous pouvez commencer à comprendre le mystère qui s'y rattache ou certains de ces détails. Et je pense que le médium va devenir très agréable. Et ce sont vraiment les imperfections et tout ce qui rend ce médium si charmant et agréable à utiliser. Mais encore une fois, si vous êtes nouveau ou si vous le faites depuis un certain temps, que vous l' abordez simplement de la mauvaise façon et vous essayez de tout contrôler, alors, bien sûr, vous avez vraiment du mal à le faire parce que vous essayez utiliser d'une manière qui, selon moi , n'est tout simplement pas vraiment destinée à le faire. Très bien, alors regardez le dépôt que nous recevons déjà. Vous pouvez voir qu'avec le sèche-cheveux, cette teinte commence vraiment à perdre un peu de valeur. C'est ça, c'est la caractéristique du médium auquel nous devons faire face Mais si nous commençons à comparer cela à la valeur que je donne maintenant au bâtiment de droite, vous verrez que je suis un peu plus clair. Encore une fois, cela me donnera un peu plus de marge de manœuvre pour utiliser des lignes un peu plus claires au départ Puis mes détails, mes notes finales. Je n'ai pas besoin d'être aussi sombre non plus. S'ils sont aussi sombres, ils vont apparaître un peu plus, même à ce stade. Si vous comparez les lignes que je suis en train de tracer à celles de la première version, vous verrez qu'elles ont une valeur plus faible. Je n'ai pas besoin d'opter pour une valeur beaucoup plus foncée pour obtenir cette première couche de détails et dessiner, c'est tout. C'est exactement ce que je suis en train de faire. Ce qui se passe, c'est que j' utilise mon pinceau comme outil de dessin. Cela peut être un morceau de fusain, un crayon ou autre. Je dessine essentiellement beaucoup de ces détails dans le bâtiment ici. J'ai juste décidé d' ajouter spontanément un petit chiffre. Je vais y soulever un peu de cette peinture, y mettre un peu de teint. Peut-être que nous allons simplement tirer quelque chose d'un peu plus de ce croquis, de l'étude. J'y ai également laissé une petite zone pour ajouter une voiture. Nous sommes presque en train de transformer celui-ci en un tableau. Mais encore une fois, ce n'est pas mon intention, laisse juste l'esprit créatif prendre le dessus. J'ai mes fenêtres, évidemment. Si vous regardez les fenêtres, si vous les mesurez, proportions et tout ça, je suis loin. Mais j' essaie simplement de peindre un bâtiment doté de fenêtres et présentant un certain intérêt architectural. L'image n'est qu'un moyen, moyen pour moi de le faire. Je vais y jeter un coup d'œil de temps en temps et en extraire quelques détails, puis je ferai mon propre truc. C'est très amusant. Toutes ces marques sèches aussi, nous obtenons cette texture. Maintenant, je vais y retourner et ajouter quelques détails supplémentaires vers le haut. Encore une fois, je ne compte pas les fenêtres qui essayent de les rendre parfaites. Je ne regarde pas non plus tous les détails du bâtiment. Tout ça, c'est ce que c'est. Mais je veux que l'art soit différent du bâtiment lui-même. Si j'étais engagé par le propriétaire du bâtiment et qu'il voulait une œuvre d'art qui lui ressemble, je pourrais peut-être resserrer un peu les choses et faire quelque chose qui soit plus représentatif ou plus précis du Mais comme c'est de l'art, je suis libre de l'exploiter comme je veux. Et j'ai tendance à toujours y repenser, à regarder toutes ces jolies petites marques de dessin ici et à tracer des lignes, m' amusant avec certaines de ces caractéristiques et de ces détails. Et c'est de cela qu'il s'agit : le lavage varié, en ajoutant une petite touche de jaune et de bleu au lavage initial sur les deux, fait vraiment une grande différence Cela transforme une couleur plate et ennuyeuse en quelque chose de plus excitant. Oui, on ne peut pas regarder le bâtiment et dire qu'il existe, parce qu' il n'existe pas vraiment. Mais quand on regarde l'art, on peut voir qu'il a l'air plus vivant plus intéressant et tout ça. Je vais ajouter une petite ombre sur ce côté du bâtiment. Même si, encore une fois, cette ombre n'existe pas vraiment. J'ai pensé que je pourrais aller de l'avant et rendre un peu plus foncé pour qu'il ait un peu plus de forme et de volume. J'utiliserai la serviette de temps en temps juste pour appliquer le peu de peinture sur les lèvres afin que le nettoyant ne redevienne pas trop plat et similaire dans la zone d'ombre En utilisant mon sèche-cheveux, je le sèche un peu. Je vais soulever un peu ici et là juste pour briser les lignes dures et ce genre de choses. L'essentiel est que nous voulons toujours omettre plus que ce que nous ajoutons. Je pense que c'est une bonne règle empirique à laquelle réfléchir en termes de détails. Encore une fois, il ne faut pas ajouter tous les détails de l'image, sinon elle perdra son aspect original et ludique de l'aquarelle En travaillant un peu plus épais, la valeur est maintenant un peu plus foncée, en ajoutant quelques détails. Maintenant, je vais dans les fenêtres pour ajouter les petites lignes et tout ce qui s'y trouve. Mais frappez, ratez, frappez et ratez, obtenez-en quelques-uns, frappez quelques-uns, lâchez prise. C'est un jeu d'équilibre, mais en même temps, vous devez savoir avec quoi vous travaillez et ce que vous essayez de faire. Il s'agit d'exploiter dessin et d'y injecter davantage de dessin Comme vous pouvez le constater, le dessin est idéal pour les détails, ajout de texture, ajout d'informations au bâtiment lui-même. N'importe quel plan, comme je l'ai fait avec l'arbre ou quelque chose comme ça, est un avantage. C'est vraiment une bonne façon d'aller à l'extérieur et faire des études aériennes et d' autres choses de ce genre. Ce truc rapide pour le rincage et le lavage, le cordage et le lavage. Je pense que la plupart des artistes, lorsqu' ils l'utilisent, ont tendance à mettre une ligne autour de tout et à simplement remplir un peu de couleur, ce qui, à mon avis, est un peu plus intéressant, un peu différent que cela. Ce ne sont que des lignes de perspective. Je vais faire semblant que c'est un carré, que nous avons de grosses pierres ou quoi que ce soit d'autre sur le sol, mais cela ajoute un peu de perspective. Les lignes de perspective vous attirent même un peu vers le bâtiment, mais elles sont toujours amusantes à installer. Je peux voir qu'il y a du pavé ou quelque chose qui se passe dans la rue dans cette pièce J'ai juste changé le type de pierre et j'ai décidé de faire un peu différemment ici. Ajoutez quelques figurines dans la pièce de droite, c'est de la peinture très épaisse qui ne fait qu'ajouter du tube. Il ne faut pas être trop faible sur de la peinture foncée comme ça. Ça va vraiment commencer à avoir l'air délavé. Regardez ce qui se passe une fois que j'ai ajouté l'ombre sur cette première version. Les choses commencent vraiment à s'assombrir. Maintenant qu'il y a quelque chose de mal à ça. Peut-être que vous voulez le placer sur un ciel bleu ou peut-être qu'il y a des voitures blanches ou des personnages portant des chemises blanches. Et vous voulez accentuer tout cela en ayant un arrière-plan sombre Bien sûr, vous pouvez aussi faire tout cela. Je vais juste mettre une petite figurine au premier plan. Juste pour le fun, remarquez les petits traits rapides qui s'y trouvent. C'est sympa et facile. Ce n' est qu'une brosse humide. Beau et propre, pas de pigment dessus. Je vais juste soulever une partie de cette peinture. Lorsque vous le soulevez, assurez-vous simplement qu'il y a des moments où nous ne voulons pas perturber la peinture située en dessous et parfois nous voulons la perturber. Tout dépend de ce que vous recherchez. J'essayais d'enlever la peinture. Évidemment, en frottant un pinceau humide dessus , je la soulèverais ici En mélangeant un peu de vert foncé, jetez une petite ombre sur cet arbre. C'était très amusant. Et c'est une énorme liberté de peindre de cette façon. Et considérez parfois votre pinceau comme un outil de dessin. Et étudiez simplement votre sujet et essayez de vous faire une idée de la façon dont vous souhaitez utiliser les lignes dans le travail. Je fais juste des expériences, et c'est ce que c'est. Encore une fois, il est plus important de faire des études comme celle-ci que de réaliser des œuvres d'art achevées. Très bien, jetons un coup d'œil à l'article ici. Ça y est. Prendre la lumière naturelle. Je vais vous en rapprocher un peu plus pour que vous puissiez voir certains détails, une partie de ce beau travail de dessin et la façon dont cela se marie bien avec le sujet lui-même. Quoi qu'il en soit, j'espère que cela vous a plu. Dans cette leçon, nous avons exploité le dessin. Nous avons fait en sorte que les lavis soient généralement fins afin de pouvoir tracer les lignes et de ne pas avoir à faire trop noir. Nous avons parlé de lavages variés. Je vous ai montré un petit outil rapide expliquant comment utiliser les lignes de perspective en ajoutant des petits carrés ou quelque chose comme ça sur le sol pour vous attirer vers le bâtiment. Détails minimaux. Encore une fois, laissez de côté plus que ce vous avez investi et vous devriez être prêt à partir. J'espère que cela vous a plu. Et je vous verrai dans le prochain. 34. Introduction du projet: Il est maintenant temps de passer à quelques projets. Dans cette section, nous allons revenir un peu en arrière et revoir certains des exercices ou des exercices similaires que nous avons réalisés, mais nous allons leur ajouter un niveau de complexité afin vous puissiez voir des choses qui vous sont familières Mais encore une fois, ils seront un peu plus difficiles, car le sujet nécessite peut-être de meilleures compétences en dessin ou une meilleure manipulation de votre pinceau, etc. Très bien, j'espère que vous appréciez les projets maintenant. Nous vous verrons quand vous aurez terminé. Au revoir. 35. Projet crème glacée: Très bien, bienvenue dans le projet. Trois cuillères et un cône. Donc, des techniques humides et humides fonctionnant avec des lavages fins. Nous allons utiliser l'arrière-plan pour façonner un peu l' espace en négatif et peindre les détails. Nous allons donc utiliser le dessin pour ajouter certains détails. Et puis enveloppez-vous un peu à la fin en utilisant mon balai et juste un peu d'eau Et je vais en tirer trois boules de crème glacée Encore une fois, en laissant un peu de blanc ou de sécheresse sur le papier. Je ne couvre pas toutes les petites spécifications du document. Donc, il suffit de l'ébaucher, comme nous l'avons fait avec les pots en métal Maintenant, un peu de vert sur le dessus, peut-être un peu de pépites de chocolat à la menthe ou quelque chose comme ça, un peu de pistache pour le dessus Cette cuillère peut être un peu de chocolat ou quelque chose comme ça. Un peu de caramel salé. Mon préféré. Quoi qu'il en soit, j'adore ce caramel salé. Je ne peux pas battre ça. Maintenant, en travaillant avec un peu d'Alizarin Crimson vraiment dilué un peu de fraise ou quelque chose sur un peu de fraise ou quelque chose Nous avons ce rouleau dedans, voici nos trois cuillères Remarquez que j'utilise du papier brouillon. Je vais utiliser un fond sombre. J'ai pensé que ce serait amusant d'utiliser un petit drap comme celui-ci. Si vous aviez des quarts de drap ou de petits bouts de papier à portée de main Ils sont parfaits pour ces petits tableaux amusants. Et je ne sais pas, il y a quelque chose dans le fait de peindre sur une feuille de papier qui n'est pas d'un blanc éclatant. Cela ne fait que me détendre. Donc je ne suis pas stressée, comme si, oh mon Dieu, avait créé quelque chose de génial. Donc c'est comme si c'était juste un bout de papier. Je peux y aller. Quelle est la perte ? Au fond, il y avait juste un peu d'ocre jaune, un peu de sienne brûlée pour le cône Remarquez que je tape le pinceau, j'ai ces petites marques d'éclaboussures sur certains cônes et d'autres choses de Ça ne fait qu'ajouter au fun. C'est un sujet très simple. Ce n'est pas comme si nous devions nous concentrer sur la peinture de personnages, de voitures ou objets qui demandent plus d' efforts et de compétences en dessin. Ce ne sont que des formes simples maintenant, qui fonctionnent simplement avec une peinture plus épaisse ici. OK, et il suffit le mettre dans les glaces qui s'y trouvent déjà C'est tout ce que je fais, c'est juste y ajouter un peu de peinture plus épaisse, permettre la fusion, le laisser partir. Je veux que le fond des glaces soit un peu plus foncé. Le bas, chaque cuillère, puis le côté supérieur gauche pour qu'il soit un peu plus foncé Source de lumière, disons venant du coin supérieur gauche. En utilisant mon sèche-cheveux, je vais le sécher un peu et éliminer une partie de cette humidité. Tu vois, ça commence vraiment à faire des flaques d'eau. Je suppose que je vais utiliser ma serviette pour enlever un peu de ce pigment Supprimez-en probablement trop. Je vais en retirer un peu de chaque côté de la boule de glace juste pour donner l'illusion d'un peu de lumière Encore une fois, il ne me reste plus qu'à dessiner avec mon petit pinceau. D'accord, j'utilise mon pinceau comme outil de dessin, comme si j'avais un crayon et que je dessinais simplement la texture et les détails du cône. C'est une autre bonne façon de revenir en arrière, faire une petite promenade sur Memory Lane. N'oubliez pas que dessiner avec le pinceau est très amusant. Cela ajoute du détail. Il peut prendre quelque chose qui n'était qu'une tache de jaune et de brun et en faire un cône en quelques traits diagonaux Maintenant, je vais incliner la planche et vous encourager à recommencer à courir pendant le lavage. Au lieu de tout courir dans une seule direction, je vais juste le faire monter un peu pour mélanger les C'est ça. Vous pouvez voir qu'il commence à sécher, qu'il commence à perdre beaucoup de sa valeur. N'oubliez pas que vous aurez toujours cette baisse de 15 à 20 %. C'est exactement comme ça maintenant pour l'arrière-plan. Je ne veux pas être trop épais, donc je veux maintenir une certaine transparence. Je vais utiliser un peu d'outremer, un peu de séné brûlé, un peu de Au fur et à mesure que je fais le tour de la crème glacée, je superpose certaines zones pour obtenir des couches transparentes, qui s'empilent les unes sur les autres. Ensuite, dans les autres domaines, je vais laisser le blanc du papier. Je vais éviter de peindre sur la crème glacée ou le cornet qui ne fera que créer des bords blancs La couleur de fond ne doit pas nécessairement recouvrir toutes les glaces. Vous obtenez donc des zones qui sont superposées. J'espère qu'au final, ce sera juste une forme intéressante avec le fond. C'est tout ce que je fais. Remarquez qu'en faisant le cône, j'essaie d'obtenir la texture d'un cône. J'utilise les lignes pour créer les diagonales, mais si vous regardiez le cône, cela ressemblerait à ces indentations de J'ai juste essayé d'indiquer que très lâchement, n'étais pas stressée à ce sujet, essayais de le faire parfaitement Mais je me suis dit qu'utiliser la peinture en espace négatif, utiliser cet arrière-plan pour raccourcir un peu et juste pour ajouter un peu de texture est toujours une bonne idée très rapidement ici, peindre très amusant. Je vais revenir un peu dans le cône juste pour ajouter un peu plus de texture. Une partie s'est légèrement estompée au fur et à mesure qu'elle a séché, a permis d' enlever un peu de peinture avec ma serviette en allant ici aussi Il n'y a vraiment rien à voir ici. Il suffit de huit fois la vitesse réelle pour le sécher et le produit est fini. C'était très amusant. Ma fille l'a déjà réclamée. Elle le veut dans sa chambre. Voilà, avec celui-ci. Nous travaillons à nouveau mouillé à humide en utilisant principalement des lavages fins. Nous utilisons l'arrière-plan pour la mise en forme. Donc pour façonner la glace, pour façonner le cornet, pour lui donner un peu de texture. Et c'est à peu près tout. J'espère donc que cela vous a plu et je vous verrai dans le prochain. 36. Rouge à lèvres et maquillage Project: Très bien, bienvenue à la démo. Nous allons faire du parfum et du rouge à lèvres. Travailler à nouveau avec du mouillé et du mouillé. Peinture fine et épaisse. Essayez de ne pas contrôler la fusion et la gravité minimiser les détails et vous concentrer un peu sur la fin. C'est bon. À l'aide de mon petit pinceau, je vais commencer un brun neutre. Un peu de gris neutre avec peu d'ocre jaune et du CN brûlé dedans Et je vais aussi y toucher un peu plus foncé, juste pour le faire saigner et mélanger un peu pour qu'il ne soit pas plat Je vais maintenant dessiner le cas en commençant très simplement ici. Peut-être une petite boîte ou un petit truc de maquillage. Des petits cils ou quoi que ce soit d'autre, c'est possible. Et du maquillage pour les cils, je dois dire. Ensuite, nous allons commencer à entrer dans la couleur et à d'autres choses plus excitantes. Mais maintenant, pour passer à la couleur, je vais commencer par le jaune. Il y a de l'ocre jaune, un peu de jaune citron dedans Et je vais en supprimer une partie pour que nous commencions à obtenir cet aspect fin et très transparent. Je vais ajouter un peu de rouge, c'est probablement un peu de lézard et de cramoisi, une petite touche d' orange là-dedans également Et je commence à mettre en place cette fusion. Joli mélange et mélange de teintes les unes dans les autres que nous aimons tant Et de la peinture un peu plus épaisse sur le dessus de la bouteille. Je suppose que ça pourrait être un peu de parfum ou quelque chose comme ça. Maintenant, je vais passer à un peu de jaune épais, nouveau à cette peinture très épaisse Il va être difficile de la faire pénétrer pour un lavage plus fin. Maintenant, je vais utiliser un peu de teinte neutre. Vous verrez que le jaune sur le dessus coule dedans. Mais encore une fois, cette teinte foncée ne pourra pas pénétrer autant dans cette peinture épaisse. Maintenant, je vais juste le toucher sur le côté droit de la bouteille. Il paraîtra un peu trop sombre au début, mais avec le temps, il va saigner et sécher Cela aura donc l' air un peu plus léger une fois que tout sera dit et fait. C'est bon. Maintenant, je vais emménager avec de l'alizarin cramoisi dilué et Et je vais prendre un peu de carton droit, rouge moyen, et le déposer dans le pigment. Vous verrez ce rose sous la base, puis le rouge s'y fondra C'est difficile de le saisir sur l'appareil photo, mais je pense qu'une fois la démo terminée et je vous montrerai les illustrations, vous verrez une subtile différence. J'ai juste soulevé un peu le côté droit de cette bouteille. Donnez-lui juste un petit look carré. Les autres objets étaient plus ronds, ils n'avaient pas vraiment un aspect carré. Je voulais que celui-ci ait un aspect carré. Tout cela est aléatoire. J'ai vu l'art et différentes choses se maquiller. Ma femme l'a, ma mère l' avait et tout ça. J'invente juste un peu les choses . J'ai vu de petits croquis comme celui-ci sur Pentrast à différents endroits, juste sortis de ma tête Mais le but ici est faire briller le médium de l'aquarelle, encourager vraiment ces heureux accidents Faites ces choses simples pour que nous puissions nous souvenir et nous rappeler à quel point il est important de ne pas contrôler chaque coup de pinceau et chaque zone de la peinture C'est pourquoi ces objets faciles comme celui-ci sont si importants, car il y a plus de place pour la liberté, pour une raison ou une autre lorsque nous commençons à faire des choses simples. Ensuite, lorsque nous commencerons à faire des choses plus complexes, nous espérons que attitude insouciante et cette tolérance que nous avons apprises grâce à ces choses disparaîtront et se fondront dans notre agitation Et j'espère que nous deviendrons de plus en plus tolérants et indulgents au fur Très bien, un peu de rouge à lèvres, commençant par le bas , de l'ocre, puis ajoutant du rouge et du cramoisi, une peinture encore plus épaisse en haut Ici. Je commence par le rouge à lèvres lui-même, commençant par les rouges intenses et transformant maintenant en une base noire pour le bas. Il suffit d'un peu de brosse sèche, et vous pouvez voir que cela coule bien dedans. Et c'est ce que nous essayons de faire. Nous visons cet objectif qui est de simplement laisser l'eau et la gravité agir, de permettre aux couleurs de se mélanger et de se mélanger sans trop contrôler les valeurs, contrôler l' épaisseur de la peinture, contrôler les couleurs que nous appliquons et tout le reste Mais une fois que nous commençons à travailler aussi mouillé et à laisser des objets mouillés, c'est là que nous devons nous en sortir. Nous travaillons en fonction des résultats que nous obtenons plutôt que de dire non, non, ce n'est pas ce que je recherchais, cela ne marchera pas, ce n'est pas ce que je voulais, puis nous commençons à nous battre un peu. C'est pourquoi j'ai inscrit un grand nombre de ces projets dans ce cours. Parce que je voulais conserver la mémoire, l'activité physique et le fait de laisser agir mentalement ces choses, et le fait de laisser agir mentalement ces choses plutôt que l'inverse où nous abordons sujets très complexes et la prochaine chose que vous savez, c'est de les combattre. Même les sujets complexes peuvent avoir autant de liberté et c'est ce que nous voulons. Mais encore une fois, vous assemblez des arrière-plans, des plans intermédiaires, des premiers plans, et vous essayez de composer et tout ça C'est un tout autre tas d' astuces que tu dois utiliser. Je vais suivre un cours sur le design de composition pour l'aquarelle Je pense que cela va beaucoup aider à trouver la liberté dans ces sujets plus complexes. Mais cela demande un peu plus de planification que de simplement peindre ces objets simples, mais c'est très faisable Et quelque chose sur lequel nous allons travailler un peu plus tard. J'allais intégrer cela à ce cours, mais j'ai trouvé que c'était un peu trop. Je voulais que ce cours traite du caractère aléatoire de l'aquarelle, lui permettant d'être essayons de montrer et d'illustrer les choses que nous pouvons contrôler, les choses que nous devons contrôler, comme la valeur. Et nous essayons de faire en sorte que nos formes soient claires et ombrées, qu'elles soient correctes et qu'elles définissent le juste milieu avec nos sujets, avec l'aquarelle elle-même. J'espère qu'à la fin de ce cours, vous l'aurez accepté. Et vous ne serez pas esclave de tous les détails que votre sujet et tout ce qui vous attend parce qu'ils le sont. Cela va continuer à vous marteler et à vous dire que vous devez peindre ceci, vous devez peindre cela. Vous devez inclure ce détail, vous devez inclure cette branche, mais vous ne le faites pas. Cela se fait avec le temps, avec pratique, le simple fait de faire des kilomètres et de voir visuellement votre art dans un état peut-être plus inachevé et plus brut Bien sûr, les exercices aident aussi, car ils vous mettent de bonne humeur et vous apprennent que vous n'avez pas besoin de toutes ces choses. Ici, moins peut être plus. Il suffit de soulever une partie de cette peinture. Il y a très peu d'eau sur mon pinceau maintenant. Humide. Il n'y a vraiment rien d'autre dessus que de l'humidité, poils et que j'essaie de soulever une partie de ce pigment J'ai pensé que c'était peut-être une bonne idée mettre une petite étiquette sur celui-ci, étant donné que je n'ai pas vraiment attiré l'attention sur aucune d'entre elles. Peut-être qu'à la fin je mettrai une étiquette fantaisiste sur celui-ci. Maintenant, je laisse tomber un peu de valeurs sombres ici et là. Tout est encore assez humide. Je peux donc commencer à chronométrer un peu les choses. Si je vois quelque chose qui a besoin d'une valeur un peu plus foncée, je peux y ajouter un petit peu . C'est bon. Une autre petite teinte violette ici. En posant ça, c'est beau, fin, très transparent. Je vais probablement devoir le laisser sécher avant d'aller trop loin, mais je vais y ajouter un peu de dessus. Ensuite, je reviendrai dans un instant pour ajouter un petit détail à cela. Il suffit d'y ajouter un peu de chaleur. Tout n'est pas cool, même si elles sont simples. J'essaie d'y mettre un peu de chaleur, parfois aussi d'y ajouter un peu de fraîcheur, juste pour équilibrer un peu les choses. Un peu d'harmonie des couleurs. Vous pouvez voir que même si j'ai travaillé assidûment pour lever cette étiquette, ce pigment est encore très humide Le papier est très humide, il remplit donc cette zone. Ce n'est pas un problème. Je peux revenir et en soulever un peu maintenant. Je vais y mettre un peu mon sèche-cheveux pour ralentir le saignement. Mais aussi la bouteille de gauche qui est de cette couleur violette. Je veux que ce soit beau et Dro, je veux en ajouter une petite couche par-dessus. Tout cela s'est très bien passé. Je vais ajouter un peu de valeur noire dans le manche. Sûrement un petit flacon de parfum. Nous participerons aux courses pour en faire un peu plus. Encore une fois, ce n'est pas encore sec. En arrivant probablement à ce stade de séchage à 70 %, je suis juste en train d'y ajouter un peu de couleur. Encore une fois, vous devez faire très attention ne pas avoir trop d'eau sur votre pinceau, car si l'eau est dominante, ce n'est pas le cas de la peinture. Donc, si vous n'avez pas un bon mélange de lait ou même plus épais, alors cette eau se dispersera dans le liquide d'origine, et c'est se dispersera dans le liquide d'origine, et c' là que vous commencerez à obtenir les choux-fleurs que nous ne désirons pas vraiment Très bien, voici un petit dessin pour toi. Il suffit d'y apposer une petite étiquette. Juste pour ajouter un peu de dessin, ajoutez-en un peu, les techniques sur lesquelles nous avons travaillé plus tôt dans ce cours. Peut-être un de plus pour y aller. Encore une fois, travaillez avec ces roses, magentas et violettes. Je vais juste garder ce rouge à lèvres simple, un gris ardoise délavé avec un peu de rose très clair Ce rose est juste l'eau d' un lézard et d'un lézard cramoisi. Et le pourpre est une couleur idéale pour trouver des roses d'un jaune très épais Vous savez, maintenant que cette peinture est très épaisse, elle va pénétrer un peu, mais elle ne va pas se dissoudre comme la peinture plus fine Maintenant, je vais ajouter quelques touches plus sombres ici et là. Peut-être quelques touches plus légères s'il en a besoin. suffit de dessiner un petit point pour que cela rebondisse et ajoute de l'intérêt à certains d'entre eux Mais nous voulons être frais, souples et imparfaits, et nous ne voulons pas que ces choses air d'avoir été travaillées dessus Nous voulons avoir l'air d' avoir les pieds en l'air, en sirotant un thé glacé et en regardant la télévision en même temps, comme si ce n'était pas grave C'est à cela que nous voulions ressembler. S'il semble que nous transpirions des balles grincions des dents et tout ça, alors nous avons laissé le médium prendre le dessus sur nous et nous n'avons pas apprécié ce qu'il pouvait faire Eh bien, c'est une peinture aléatoire. Joyeux accidents et toutes les choses dont nous avons parlé. Quoi qu'il en soit, une petite touche supplémentaire sur ce point. Allez-y, jetez un œil à l'œuvre d'art ici pour voir l'œuvre un peu plus saturée que ce que la caméra vidéo peut probablement capter, mais elle est très lâche, très libre et très colorée. Encore une fois, ce sera un joli petit cadeau ou une petite pièce pour votre chambre, votre salle de bain ou autre. Quoi qu'il en soit, c'est un bon exercice pour nous en tant qu'outil d'apprentissage. Encore une fois, en travaillant mouillé sur mouillé, en appliquant une fine couche de peinture épaisse, essayant de ne pas contrôler la fusion et l' adhérence, laissez agir le produit. Détails minimalistes. C'est ça. Je vous verrai dans le prochain. 37. Projeter des pots en métal: Très bien, bienvenue dans le projet. Ce sont des pots en métal. Nous travaillons donc avec une palette minimaliste similaire à ce que nous avons fait très tôt avec les cuillères et les fourchettes, mais nous allons utiliser principalement Nous allons ajouter des touches de peinture épaisse pour plus de détails. Nous allons passer en revue l'élimination de la peinture sur une surface mouillée, puis, bien sûr , les détails minimaux, car nous essayons simplement de comprendre l'essentiel du sujet Maintenant, ce que j'utilise, c'est mon gros balai. Et je l'utilise parce que je sais qu'il peut contenir beaucoup d'eau et qu'il devrait être capable de décharger suffisamment pour la forme complète de mon pot en métal Maintenant, je dessine essentiellement avec le pinceau. Je vais passer en revue cela, je vais le rapprocher de la caméra. Je suis en train de redéfinir la forme de base. Mais remarquez les petites zones blanches, le papier sec que je laisse. C'est important parce qu'une fois que je commencerai faire tomber de la peinture dedans, ces petites zones ne seront plus couvertes. Cela aura un peu plus de sens au fur et à mesure que je commencerai à mélanger ma peinture ici. Je vais maintenant passer à mon petit pinceau. Comme nous l'avons appris très tôt, l'eau est un conduit pour la peinture humide. Si vous utilisez le thé et le lait comme des mélanges et que vous le déposez sur une surface humide comme celle-ci, tant que votre pinceau n'est pas trop humide, le pigment sera extrait du pinceau. Remarquez qu'en faisant cela, cela se répand, mais les zones que j'ai laissées sèches à la surface restent blanches. C'est une technique vraiment intéressante, un peu différente de celle que nous avons essayée, mais c'est fondamentalement la même idée. Encore une fois, je rebondis un peu en utilisant une teinte principalement neutre dans mes couleurs J'utilise une teinte neutre sur ma palette. Vous pouvez prémélanger un gris. J'en ai parlé plus tôt dans ce cours, mais j'ajoute juste une touche d'ocre jaune à certains endroits, ainsi qu'une touche de Sienne brûlée Et il y a probablement aussi un peu de bleu dans ma palette. Je ne nettoie pas bien ma palette. Je le fais exprès parce que j'aime utiliser des tons neutres et un peu de hasard. Je n'aime pas commencer par une zone de mélange de palette blanche propre, mais plutôt propre. Très bien, vous pouvez voir maintenant que je commence à y déposer de la peinture Cette peinture est un peu plus épaisse. J'utilise mon pinceau pour petits détails, donc c'est juste une très petite brosse pointue idéale pour entrer dans ces petits morceaux du pot. Et maintenant, je mélange un mélange un peu plus foncé, encore une fois, une teinte neutre, et j'y ajoute juste un peu plus de couleur, une valeur un peu plus foncée au fond du pot. C'est très aléatoire. Je ne regardais pas une image d'inspiration ou quoi que ce soit Je voulais juste peindre cette idée de simples pots en échelle de gris et me concentrer davantage sur la technique d'élimination de la peinture. Travailler mouillé sur mouillé, pré-mouiller le papier comme je l'ai fait dans la forme que je voulais, en laissant la peinture agir. Et il ne s' agit pas vraiment du pot lui-même, mais plutôt de son approche. Et la plupart du temps, c'est à cela que se résume l'art. Cela ne dépend pas tant du sujet que de la manière dont vous l'avez fait et de l' approche que vous adoptez. Ici, je fais la même chose. J'utilise mon pinceau pour petits détails cette fois parce qu'il y a encore quelques petits coins et recoins dans celui-ci. Je prémouille certaines zones, certaines des masses de la forme Mais j'en laisse également certaines. Je dis en laisser un peu, je laisse une partie du papier blanc. Je le laisse sécher. fur et à mesure que celui-ci progresse, vous allez voir qu'il y a certaines de ces bandes certaines de ces bandes sur le devant. Ces bandes sont mouillées, puis le reste reste à nouveau sec. Lorsque j'ajoute de l'eau à la surface, j'essaie de laisser des zones sèches à nouveau au hasard. Une fois que j'ai ajouté cela, pigments vont commencer à circuler et à se répandre dans l'eau, ce sont alors les zones qui sont sèches. Doit rester le blanc du papier. Bien, je retravaille avec un mélange en T ici, très fin mais les tentes neutres étaient légèrement tachées. Cela va faire du bon travail en ajoutant de la valeur à ce domaine. Vous pouvez déjà voir que dès que vous commencez à toucher du pigment dans ces zones, il se répand. C'est ce qui est cool avec cette technique. Je tiens à dire que non, ce n'est pas aussi aléatoire que dans certains endroits où nous avons installé la chaise et où nous avons jeté de l'eau au hasard, et les résultats étaient moins prévisibles. Celui-ci est un peu plus serré que cela parce que nous avons la forme du papier du sujet que nous traitons Mais encore une fois, certaines zones sont sèches, nous ne mouillons donc pas tout Vous pouvez voir une teinte principalement neutre. J'ai aussi un peu d'ocre là-dedans. Je pense qu'il est bon d'ajouter une touche chaude au gris, juste pour mettre fin à cette fraîcheur et à son aspect monotone monochromatique Je vais le cacher un peu. Je vais garder le bas de cette teinte ou valeur très pâle , puis je vais garder la partie supérieure un peu plus foncée et un peu chaude. J'ai un peu d'ocre et de Sienne brûlée dedans. Nous avons fait en sorte que celui-ci fonctionne plutôt bien pendant tout ce temps. Je vais travailler un peu sur ces choses. J'essaie de trouver le bon moment. Tu me vois retourner dans le premier pot. Maintenant, souvenez-vous que chaque fois que vous retournez sur une surface mouillée comme celle-ci, vous devez faire attention. Je pense que c'est là que des accidents peuvent se produire si votre pinceau est trop humide, si vous n'avez pas assez de pigments et que vous avez principalement de l'eau, vous allez commencer à obtenir ces résultats de ballonnement Vous pouvez les vouloir ou non. Je ne sais pas, mais je suppose que tu n'en voudras pas. Faites juste attention à ne pas avoir trop d'eau. Assurez-vous simplement que si vous mélangez de la peinture, séchez bien votre pinceau, puis remettez-le dans votre mélange, chargez votre pinceau, puis déposez-le dedans. Vous n'avez pas d'excès d'eau sur votre brosse ? L'eau que j'utilise pour nettoyer ma brosse commence à être un peu contaminée. Il y a certains des gris que j'ai utilisés sur mon pinceau, ce qui est bien maintenant Au fur et à mesure que je mouille le papier et que je prémouille la forme, vous pouvez commencer à voir un peu plus clairement ce qui se passe. Encore une fois, en le mouillant, mais en laissant quelques trous blancs dans le papier, que vous pouvez voir un peu mieux ici sur cette troisième version Maintenant que ces autres pots commencent à sécher, le moment est venu. Il faut attendre que les choses se mettent en place. Je veux travailler mouillé sur mouillé. Je ne veux pas sécher complètement puis y retourner parce que cela va créer des bords durs. Et je veux qu'ils aient l' air mélangés et qu' ils aient vraiment cet aspect de fusion et de gravité que j'aime tant J'espère que ce n'est pas trop de travail. Maintenant, je vais revenir à mon troisième pot, qui était une peinture très épaisse, et je remarquerai que j'ai fait un trait rapide le long de la surface, un trait rapide le long de la surface, laissant un peu de la texture du papier se mélanger en un trait aussi rapide Ajoutez de la peinture épaisse par endroits , puis de la peinture plus diluée et plus fine et d'autres qui, une fois sèches, ne sont pas plates. C'est intéressant, c'est agréable à regarder. Cela cause les effets d' aquarelle, les accidents et tout ce sur quoi nous avons travaillé si assidûment dans ce cours Je voulais que cette dernière série de leçons soit un résumé. Mais je voulais aussi les rendre un peu plus difficiles afin que nous ne le soyons pas, nous y ajoutions une sorte de couche de complexité. J'essaie de les rendre similaires mais légèrement différents. De cette façon, vous aurez un peu plus de défi à relever, mais vous aurez également de très bons rappels. Et parfois, vous pouvez essayer d'en faire trop et cela commence à devenir accablant. Je voulais m'assurer que ce cours était limité, qu' il contenait beaucoup de contenu et d'informations, mais que vous n'ayez jamais l'impression d'être dépassé. Je pense qu'une grande partie du processus d'apprentissage consiste à s'appuyer sur ce que nous savons déjà, ce que vous savez déjà et à y ajouter de cette façon. Ce n'est pas comme si vous vous lanciez constamment de nouvelles choses. J'espère que ce projet, dans la façon dont je le peins, mon approche, vous permettra de constater qu' il est un peu plus difficile, mais très similaire. J'espère que ce sera un apprentissage. Un autre outil, je dois dire, dans votre arsenal d'aquarelle. Et tu peux le préparer quand tu veux. Nous pourrions peindre n'importe quoi comme ça, des paysages en bouteille, peu importe. Vous pouvez toujours prémouiller la forme que vous souhaitez créer, puis laisser l'aquarelle prendre le dessus sous l'effet de la gravité de fusion . Voici donc à quoi ils ressemblent. Sec. Encore une fois, ces images sont prises à la lumière naturelle afin que vous puissiez avoir une bonne idée de la couleur réelle et de tout le reste. Joli, souple et facile. Rien de spectaculaire ici, mais du bon côté ludique. Et je pense que c'est un excellent exercice d'apprentissage. Encore une fois, une palette minimaliste, principalement des lavages fins, mais nous avons ajouté de la peinture plus épaisse Au fur et à mesure que la pièce dans chaque pot progressait, nous avons pu enlever la peinture avec le pinceau Encore une fois, assurez-vous que votre pinceau n'est pas trop humide afin de ne pas laisser trop d'eau et de traces d'eau sur les détails minimalistes OK, c'est ça. Je vous verrai, les gars, et le prochain. 38. Spoons à fentes pour projet: Très bien, bienvenue dans le projet. Celui-ci fera des cuillères à fentes, très similaires à ce que nous avons fait avec le pot Donc, une palette minimaliste, principalement des lavages fins. Nous allons conserver une partie des espaces blancs, très petits détails des petits trous dans les cuillères. Et bien sûr, nous allons laisser l'aquarelle faire quelque chose de magique, commençant par mon rond pointu. Je vais pré-mouiller une partie de la cuillère, mais je vais aussi laisser un petit endroit où je voudrais avoir quelques points blancs pour nommer cette cuillère à fentes, mais il y a vraiment de petits trous dans les ustensiles, mais je vais utiliser un produit similaire ici, encore une fois, prémouiller le papier, afin de lui donner la forme que je Je suis un peu hors écran , mais ne t'inquiète pas. Je vais l'ajuster dans une seconde. Et voilà, tu pourras tout voir. Je continue à me peindre hors de l'écran, mais en gros, je mets cette forme pour le manche. Et maintenant, je vais mélanger à la cire un peu d'ocre jaune et un peu de Sienne brûlée, principalement de l'ocre jaune Et ça, je vais le mettre à quelques autres endroits. Juste un peu dans le manche, puis un peu dans la cuillère, ou ça pourrait être une trancheuse à gâteau Je ne sais pas ce que c'est, je les ai juste déjà vus et j'ai pensé que ce serait amusant à faire. Encore une fois, c'est très similaire à nos fourchettes et cuillères. Nous avions déjà utilisé une technique similaire, mais nous essayons d'utiliser cette idée humide et humide Mais nous essayons également de faire art un peu plus élaboré ici parce que nous essayons de réserver de petits cercles dans l'ustensile C'est pourquoi nous devons faire un peu plus de détails. J'utilise ma petite pointe. J'aurais pu utiliser mon pinceau à épée, quel que soit le petit pinceau que tu as. Il suffit de créer un joli petit dessin pour indiquer certains de ces petits trous que nous voyons parfois. Encore une fois, il s' agit de la contrôler, gérer l'eau et de faire face aux accidents. Ce faisant, certains de vos trous recevront de l'eau. Nous allons simplement les contourner, puis vous aurez une brèche et l'eau coulera et les remplira à nouveau. C'est bon. C'est là que vous devriez savoir maintenant que ces choses vont se produire. Vous ne pouvez pas contrôler la majeure partie de la couleur de l'eau, surtout lorsque vous travaillez ainsi dans cet environnement humide et mouillé. C'est génial, c'est ce que nous voulons faire. Nous voulons y renoncer. Mais nous pouvons également contrôler une certaine quantité de choses, comme la valeur, le degré d'humidité ou de séchage du papier. Ce sont des choses que nous pouvons faire par nous-mêmes. Mais dans l'ensemble, nous devons toujours nous attendre à l' inattendu avec ce média. Et quand ça arrive, vas-y. Et c'est ce qui fait la beauté de tout cela. Ensuite, l'erreur est d' essayer de le corriger, de le corriger excès, de le battre à mort et d'essayer de le réparer. Ensuite, vous vous retrouvez avec quelque chose qui semble difficile et surchargé Je ne veux pas être un record battu, mais c'est comme ça. C'est juste la nature du médium et c'est notre nature. Les humains doivent essayer de correspondre à tout ce que nous voulons. Et nous avons une vision, surtout en tant qu'artistes, nous avons cette idée de ce que nous voulons faire qui peut être une bonne idée, mais l' aquarelle aura son propre agenda. Et dans quelle mesure vous vous entendez avec ça, quelle mesure vous coexistez avec elle, c'est ce qui fera la différence, d'accord ? Et si vous commencez à suivre, laisserez ces erreurs se produire. Encouragez-les presque. Vous allez découvrir que les erreurs sont parfois bien plus intéressantes que notre idée originale. C'est ce qui fait vraiment la beauté de tout cela. La beauté réside dans les imperfections. Une fois que vous aurez commencé à le laisser aller , à le laisser faire son travail, à l'accepter, les choses deviendront beaucoup plus faciles Je pense que c'est une tâche beaucoup plus facile pour vous de le faire. Maintenant, je ne dis pas qu'il faut être négligent à ce sujet et juste, oh, eh bien, je vais juste y jeter n'importe quoi et tout ira Parce que Robert a dit que les erreurs s' arrangeront d'elles-mêmes dans une certaine mesure. Nous devons encore gérer la pièce et nous devons le faire, vous avez un dessin décent, nous voulons un contrôle décent sur les valeurs. Nous voulons que la hiérarchie des valeurs soit correcte. Mais dans des œuvres comme celle-ci, nous n'avons pas à trop insister à ce sujet lorsque nous réalisons des paysages ou d'autres choses de ce genre. Lorsque nous devons mettre nos valeurs au point ou que la peinture ne tient tout simplement pas la route, cette partie devient plus importante Nous devons être à notre niveau là-bas. Quoi qu'il en soit, vous pouvez voir que je mets maintenant une valeur plus foncée et que j'ai fait très sombre autour des trous parce que je voulais un bon contraste. J'utilise aussi de la peinture plus épaisse. C'est entre le lait et le miel que je suis en train d'en déposer un peu dans le manche, puis de le mélanger un peu là où je suis maintenant. Et j'ai un petit sèche-cheveux pour essayer d' accélérer le processus de séchage. Nous devons être prudents. L'objectif principal ici est de commencer et de terminer ces épreuves mouillées et mouillées. Nous ne voulons pas le sécher complètement pour ensuite le recouvrir. Nous ne voulons pas peindre à sec ou mouillé. Ici encore, le but est d'être mouillé et mouillé du début à la fin. Lorsque vous utilisez un sèche-linge, il sèche parfois trop vite, alors soyez très prudent. Ne placez pas votre sèche-linge trop près de vos œuvres d'art. N'oubliez pas qu'un sèche-linge réchauffera le papier. Parfois, même lorsque vous éteignez le sèche-linge, la peinture sèche assez rapidement. Parce que le papier est très chaud, il fait sécher la peinture pour vous. Il faut laisser les choses refroidir un peu. Parfois aussi, si vous le faites lorsque je l'utilise dans un environnement comme celui-ci, où je veux travailler mouillé ou mouillé, j'ai tendance à l'éloigner un peu de l'œuvre d'art. Environ 8 «, 10". Je ne m'en approche pas et cela m'aide à prendre de l'avance sur moi-même. Ici, vous pouvez voir que j'ai peint autour la zone humide ou de la zone où je voulais que les trous se trouvent. Maintenant, je tombe dedans et je m' éclabousse dans une eau pleine d'eau. Il y a aussi un peu de pigment sur mon pinceau, l'eau va se disperser C'est la partie que vous ne pouvez pas contrôler une fois vous y avez projeté de l'eau et que vous l'avez encouragée à gonfler et à obtenir ces marques d'eau, alors vous devez la laisser tranquille. Vous ne pouvez pas y retourner et commencer à le bousculer. Posez-le et vous sortez de là. Il suffit d'y ajouter un peu de chaleur. Vous pouvez voir qu'il n'y a pas vraiment de rime ni raison à cela, ou pourquoi je suis la source de chaleur dans certaines zones et pourquoi certaines zones sont grises, si ce n'est que je mets du noir autour des trous Juste parce que j'essaie d' accentuer cet aspect. J'essaie de vraiment montrer le contraste entre le blanc du papier et les valeurs plus sombres qui l'entourent. Très bien, vous pouvez donc y voir une valeur assez sombre. Je vais donc juste le voir éclabousser, devrais-je dire, dedans Et je vais prendre ma serviette et la toucher à quelques endroits, juste pour soulever un peu de pigment afin qu'il ne le fasse pas une fois qu'il sèche. Il ne s'agit pas d'une seule valeur. Vous ne voulez pas de surface, vous ne voulez pas de zone, aucune zone de la cuillère ou du manche, qui soit trop grande de la même valeur. Vous voulez chaque petit endroit comme si nous avions découpé un centime ou un centime dans un papier Vous le passez au-dessus de votre œuvre d'art et vous la déplacez. Vous voulez de la variation dans cette petite découpe. Vous ne voulez pas survoler une zone trop étendue et obtenir la même valeur Vous voulez cette variation partout. Même dans une zone, que signifie une valeur plus faible ? Nous pouvons en avoir une infinité en cours de route. Nous voulons que cela reste intéressant en veillant à ce qu'il y ait de la variété. Très bien, les trous ici vont donc former un ovale. Je suppose que ce sera plus une spatule qu'une cuillère. Mais j'aime bien le nom Slotted Spoon. Je suppose que ce sera une spatule à fentes. Une cuillère à trous se détache juste de la langue, un peu amère. Vous pouvez voir qu'il suffit d' ajouter la valeur la plus foncée vers le haut ici et c'est juste un pinceau humide là . Il suffit de le faire passer le long du bas et de laisser couler ajouter la valeur la plus foncée vers le haut ici et c'est juste un pinceau humide là ce qui est tiré vers le haut dans le bas de la spatule , qui était aussi épaisse qu'elle ce qui est tiré vers le haut dans le bas de la spatule sortait du tube Maintenant, je suis tombé un peu dans le manche et je vais y ajouter une valeur plus foncée et le laisser faire son travail. C'est comme une petite rivière aquarelle coule le long d' un ruisseau ou autre et qui fait son travail. Cela semble facile, mais lorsque vous commencez à avoir certaines zones du papier que vous souhaitez garder blanches, c'est difficile, surtout lorsque vous travaillez mouillé et que vous le faites et que vous avez ces petits détails sur le blanc du papier, les trous, il n'est pas facile de les préserver. Je pense que vous allez avoir du plaisir à relever le défi que représente ce projet. Encore une fois, si vous en perdez certains, ce n'est pas grave. Tu ne t'en fais pas trop. Je vais vraiment bien nettoyer ma brosse. Mettez-y une belle peinture épaisse , puis appliquez-la dans la partie supérieure de la spatule. Vous pouvez voir que là où se trouvait le manche, les valeurs les plus sombres commençaient déjà à se répandre là où j'avais cette épaisse peinture jaune. Mais je vais le soulever dans une seconde et vous verrez comment cette peinture épaisse tient toujours le coup. Voilà. Je vais soulever ce petit lavis et voir comment ce jaune très épais, qui est toujours là, ne se dilue pas même lorsque l'aquarelle, cette fine couche de lavis, coule dessus. C'est comme si vous heurtiez un petit ralentisseur avec cette épaisse couche de peinture et que vous le rencontriez dessus Une autre astuce que vous pouvez y faire. Et je savais que cela allait probablement se produire. C'est pourquoi j'utilise cette peinture très épaisse. Parce que je savais que je pouvais revenir et le soulever. Si la gravité faisait son truc là-bas et le cachait, je pourrais le récupérer. C'est bon. Vous pouvez donc voir qu'il faut un sèche-cheveux Maintenant, nous avons des zones assez humides, donc je vais juste éliminer une partie de cette humidité, ajouter un peu de valeur ici sur la spatule pour y donner une petite forme. Dans l'ensemble, tu sais, c'est plutôt bon. Encore une fois, il est un peu plus difficile qu'il n'y paraît préserver ces petits trous dans cet espace blanc du papier. Encore une fois, surtout en travaillant avec cette technique humide et humide. Cela représentait alors un défi un peu plus important que ce que nous avions à relever auparavant, mais vous pouvez certainement faire quelque chose. Et quand tu auras terminé, tu auras une jolie petite peinture et un bureau avec lesquels travailler ici. Et peut-être même un joli petit cadeau à offrir à vous-même ou à offrir à l'un des membres de votre famille ou à un proche. Il y a une pièce finie entièrement sèche. Allons-y et examinons à la fois les pots et les cuillères. Voilà. J'espère que vous appréciez les techniques. Vous avez d'autres idées amusantes à essayer. Encore une fois, un palais minimaliste, principalement des lavages fins, préservant cet espace blanc Travaillez à nouveau mouillé et mouillé. Neuf, c'est facile. Mais je sais que vous pouvez le faire, en laissant l'aquarelle faire son travail. OK, je vous verrai et au prochain, au revoir. 39. Tasse à thé projet: Très bien, voici un projet simple qui sera certainement un peu difficile. Nous allons pré-mouiller la surface. Nous procéderons à des lavages humides et humides, à de la peinture fine et épaisse, en ajustant les teintes et en éclaircissant les ombres pour qu'elles aient une qualité un peu plus réaliste Très bien, je vais commencer par prendre mon pinceau humide, pour qu'il y ait une assez bonne quantité d'eau. Faites couler l'eau à différents endroits. Certaines parties du papier sont mouillées et d'autres sont sèches. coup sûr, je ne mouille toute la zone sur laquelle je vais peindre C'est très important. Cela vous donnera un joli look aléatoire avec des bords durs et souples. Mais tu n'es pas restée assise là à le planter. Je pense que c'est très propice à l'aquarelle, cette peinture aléatoire, non ? Un peu d'ocre jaune, un peu de jaune, citron et un peu d'orange Je vais prendre ces lignes ondulées qui représentent le bord de la tasse à thé Je vais faire pareil pour ma soucoupe. Il faut un peu de vision à cet égard. Il faut avoir une certaine confiance pour le faire sans dessiner. Mais si vous voulez mettre un dessin, si cela ne vous , faites-le certainement. Mais pour moi, je voulais me débrouiller. Je ne voulais pas déposer le dessin, car j'ai alors eu l' impression que cela irait à l' encontre du caractère aléatoire de cette technique Mais encore une fois, vous devez être à l'aise avec vos compétences en dessin pour y parvenir. Et juste des imperfections, vous devez vous rendre compte que lorsque vous dessinez ceci à main levée et que vous le peignez en même temps, vous n'allez pas réussir. Mais je pense que ce sont ces imperfections, combinées aux résultats aléatoires que l' on obtient de toute façon avec l'aquarelle, qui en font une bonne chose Mais il y a une ligne que vous pouvez franchir là où le dessin manque vraiment et ne tient tout simplement pas. Vous perdez ce facteur de crédibilité. Mais je pense que si vous pouvez y arriver et faire en sorte que l'eau soit aussi humide et sèche en commençant par les éclaboussures aléatoires que nous avons faites pour commencer, vous obtiendrez de très bons résultats Lorsque nous avons essayé cette technique avec le fauteuil plus tôt, le fauteuil est un peu plus facile à utiliser. Vous avez affaire principalement à des pieds des carrés et à des rectangles. Lorsque vous avez affaire à une tasse à café, vous avez des formes plus rondes. Et bien sûr, cette tasse à café, nous la regardons de haut. Le niveau de nos yeux est au-dessus, ce qui nous permet de prendre du recul. Les sphères, les formes ovales, etc., ont tendance à décourager les artistes lorsqu'ils sont en perspective. Il suffit de faire avec. Si vous essayez cette technique mais que l'œuvre elle-même ne tient tout simplement pas la route, prenez simplement un crayon et du papier et dessinez-en mais que l'œuvre elle-même ne tient tout simplement pas la route, prenez simplement un crayon et du papier et un peu comme si vous teniez un pinceau. Et voyez si vous pouvez trouver vos erreurs. Bien sûr, si vous n'avez jamais suivi de cours de dessin et que vous savez que vos compétences en dessin font défaut, vous devez bien sûr les renforcer, car peinture est une extension du dessin et qualité dépend de vos compétences en dessin. Il y a quatre techniques de dessin que j'examine. Il y a la capacité de dessiner avec précision, puis la capacité de dessiner de façon gestuelle. Donc, pour exploiter et adopter un style plus souple, vous devez être capable de savoir comment les choses sont construites avant de pouvoir les déconstruire. Il y a de la valeur, il faut être capable de faire de bonnes études de valeur. Il y a aussi la composition et le design. C'est quelque chose de très important. Ce sont toutes des compétences de dessin très importantes que vous devez maîtriser. Si vous les contournez, cela va apparaître. en revenir à l'œuvre d'art, ce que je suis en train de faire, c'est ajouter quelques détails à la tasse Mais remarquez que j'utilise rouges foncés et des bordeaux et que l'ombre un peu plus épaisse que là est un peu plus épaisse que là où elle capte le plus de lumière J'essaie de diluer un peu cette peinture avec de l'eau pour obtenir une valeur plus légère. revient aux toutes premières leçons dont nous avons parlé, l' utilisation de l'eau pour teinter et aussi pour en réduire la valeur, mais c'est très subtil lorsque je choisis mes couleurs. Ce faisant, je suis très consciente de la valeur et de la couleur que je mets sur le papier. J'essaie encore une fois de trouver une teinte qui soit plus claire soit plus foncée selon l'endroit où je veux la placer ici. Je vais juste renforcer un peu l'ombre. Je le garde très fluide et transparent, rien de trop épais ni trop intense Il y aura quelques endroits où je vais appliquer une peinture un peu plus épaisse à la fin. Mais le plus dur avec un tableau comme celui-ci, dans un style comme celui-ci, c'est de ne pas aller trop loin. Je pense que nous sommes tous d'accord là-dessus. C'est si facile d'aller trop loin, rester léger, de rester calme. Et n'essayez pas de saisir chaque détail ici. J'utilise un peu de Sienne brûlée mélangée à du rouge Un peu plus épais, jaune ocre. Il suffit de toucher quelques zones d'ombre dans la bordure dorée de la tasse. Et encore une fois, il suffit de taper et rater, je veux dire, c'était probablement ailleurs. Je l'ai oublié là où il y avait un petit filigrane sur l'or Maintenant, j'aime bien cette imperfection. J'aime cet heureux accident. Je n'ai donc pas mis d' ombre ici et là, exprès parce que je voulais que cela continue faire partie de l' Jetons un coup d'œil à la pièce terminée. Ça y est. Dans l'ensemble, tout s'est bien passé, je trouve que cela ressemble à une tasse à café, même si la première fois que je l'ai montrée à ma femme, elle a pensé que c'était un crabe Va comprendre. Quoi qu'il en soit, avec celui-ci, nous avons fait une simple tasse à thé. Nous pré-mouillons la surface. Nous utilisons principalement des lavages humides et humides. Peinture fine et épaisse. Généralement fin, mais ajustant les teintes en fonction de la lumière et des ombres. Des teintes plus foncées dans les ombres. Teintes un peu plus claires et valeur ajoutée aux lumières. C'est ça. Je vous verrai dans le prochain. 40. Chevaux au galop Projet BONUS: Très bien, j'ai pensé que ce serait bien d'ajouter des peintures animalières au cours. Quelque chose d'un peu différent alors Peut-être que le style pourrait aussi vous intriguer. Pour prendre cette idée et l'utiliser pour d' autres animaux ou quelle que soit l'idée, nous allons simplement faire un tas de chevaux au galop J'ai fait quelque chose de similaire dans mon atelier de peinture animalière abstraite, mais c'était avec de l'acrylique, collage et des techniques mixtes Je vais juste faire quelques chevaux ici et encore, peut-être en faire une série en galopant sur la page ici pour les garder bien Nous allons adopter cette sensation d'aquarelle. Laissons briller ces caractéristiques de l'aquarelle , nous les étendons un peu plus en avant C'est vraiment le but. Nous voulons toujours garder ce médium à l'esprit. On dirait un tigre. Permettez-moi d'épingler ces oreilles un peu en arrière. J'en ferai peut-être un autre ici. Peut-être en montant, peut-être une tête plus petite. Euh, tu peux mélanger et assortir. Votre design ne doit pas nécessairement ressembler au mien, il peut certainement être différent. Je vous encourage à les faire un peu différemment une fois que vous aurez commencé à les dessiner. Je pense qu'ils vont commencer à devenir un peu plus faciles au fur et à mesure. Je le dis plus pour moi que pour toi. Nous en ferons un autre ici. Ce que nous allons faire, cependant, lorsque nous les peignons c'est utiliser des couches. Nous allons donc commencer cette idée de travailler de la lumière à l' obscurité sur certains réseaux. J'ai oublié les crinières, plus les chevaux sont légers, ils seront plus éloignés, ceux qui se trouvent tout en arrière. Ensuite, nous deviendrons plus sombres à mesure qu'ils s'approcheront de nous. Mais nous n'allons pas être aussi dogmatiques à ce sujet. Nous allons le faire, mais de manière très souple. Bien sûr, peut-être que nous en ferons un ici, en quelque sorte avec sa tête baissée. voyez, à vrai dire, le dessiner prendra probablement plus de temps que le tableau lui-même, mais ça arrive, nous en ferons une autre ici, peut-être une autre tête en bas, la bouche Et peut-être une jambe en arrière. Encore une jambe ici. L'homme est de retour ici. Faisons une sorte de remontée maintenant. Eh bien, pour continuer, peut-être un petit quelque chose ici. Faisons en quelque sorte le. Je pense que ça va marcher. Je vais utiliser un pinceau à épée pour cela. J'ai ma petite et moyenne teinte neutre ici. Encore une fois, en commençant très pâle, je devrais probablement prendre une photo de cette photo afin d'avoir un modèle à partager avec vous. Encore une fois, je vous encourage à mélanger et assortir un peu. Tu n'es pas obligée de monter des chevaux comme les miens. De plus, je vais faire principalement des niveaux de gris. Je vais y mettre une touche d' ocres et de bruns Ils sont déjà sur ma palette, donc ils y figureront de toute façon. Une fois que j'ai mis de l'eau dessus, tout recommence à tout réactiver Je vais chercher un petit quelque chose ici, puis je vais acheter une tente un peu plus neutre. Il y a un peu de lézard et de cramoisi, un peu d'ocre jaune un peu d'ocre jaune. Je vais faire un peu plus. J'ai des teintes plus foncées ici. Au fur et à mesure que j'ajoute des fonctionnalités et des choses différentes. Je vais y mettre des teintes plus foncées et laisser les choses s'estomper, se mélanger et se mêler toutes seules Cette jambe qui sort de la page, peut-être que nous allons faire un petit bonhomme peut-être que la tête est plutôt brune. Vous pouvez peut-être même y laisser des marques indiquant un petit œil Bien. Et je vais en faire une autre ici. Nous allons passer à celui-ci. C'est la maman à très petite tête qui touche des choses plus sombres là-dedans. Maintenant, à peu près tout avec ces lavages très fins, vous savez, les jambes qui s'étendent ici, peut-être que je vais rendre cette jambe un peu plus foncée Ensuite, bien sûr, nous voulons les laisser se toucher et se mêler, y ajouter un peu de touche et maintenant , revenir à mon mélange faible Je vais faire celui-ci parce que je vais revenir en arrière et le faire un peu. Je peux entrer directement dans le vif du sujet. Je sais qu'ils vont saigner l'un dans l' autre parce que je travaille mouillé sur mouillé Je ne veux pas qu'il soit brun. Je vais choisir une teinte un peu plus neutre sur la palette. Faites-le un peu plus sur l'échelle de gris. Le gars a beaucoup de bave, séchez-la. a probablement rendu le corps trop petit pour que je puisse faire cet ajustement au fur et à mesure. Je vais faire un peu plus sombre ici pour la jambe. Juste une petite jambe osseuse. Il y en a un de plus là-dedans. Cela doit être un peu connecté ici. Maintenant, je vais passer à une, peut-être un peu plus, du côté brun. Je pense que je vais même le rendre un peu plus brun cramoisi. Un peu de ces tentes neutres. Et j'ai juste trempé mon pinceau et mon eau hors de la caméra. C'est principalement de l'eau que j'utilise et que je dilue simplement ce que j'ai Maintenant, je peux aller beaucoup plus loin et dessiner sur quelques jambes. Maintenant, je vais passer presque à cette vraie peinture épaisse. Tu y vas encore une fois. Peut-être qu'il fait noir là-bas. Mets-y un peu pour rire. Allez-y, faites celui-ci. Oui, une fois que tu auras joué un peu avec ça, prends peut-être des vaches, des chats, tout ce qui t'excite et vois si tu peux y trouver quelque chose par toi-même J'en ajouterai peut-être quelques autres au fil du temps. Ce cours ne cessera de s'étoffer. Je trouve juste qu'il contient un très bon contenu, reflète le caractère de l'aquarelle Et il y a encore beaucoup à apprendre de ces leçons. Et je veux essayer de rendre cela possible grâce à plus de contenu. Nous allons entrer ici et y mettre un peu de noir alors qu'il est encore humide. Mettons celui-ci ici, ventre là, laissez-les se mélanger et saigner un peu Nous le gardons frais, donnons cette teinte et nous le laissons faire son propre travail. OK ? N'essayez pas de trop le contrôler. C'est donc comme du pigment pur ici. Je vais faire tomber quelques petites oreilles un peu foncées là-bas, passer à certains de ces bruns Je pense que je vais passer à mon petit pinceau ici. Je vais faire un petit aperçu ici. Il y a à nouveau très peu de pression sur la surface, les laissant se mêler un peu à la colonne vertébrale Je vais donc faire celui-ci très pâle et il laisse de petits blancs dans le papier. Il peut s'agir d'yeux ou autre, mais le spectateur prendra cette décision lui-même. Nous vous indiquons qu'il n'est parfois pas nécessaire de tout peindre. Vous pouvez simplement suggérer des choses et le spectateur saura ce que c'est. À présent, ils peuvent regarder certains détails et, peu importe ce qu'ils veulent, quelque chose dont vous devez savoir qu'il existe, afin que vous n'ayez pas à tout dessiner et à tout peindre pour le spectateur. Laissez-les en faire une partie. Laissez-les utiliser leur imagination. Un peu de lézard, de pourpre, un peu d'ocre jaune et peut-être un peu plus d'ocre jaune Maintenant, je vais juste venir ici et renforcer certaines de ces teintes, pas toutes, donc nous n'avons pas besoin que tous les chevaux soient noirs. Mais je veux dire, je pense que quelque chose comme ça est plutôt bien. Je vais juste passer au noir pur ici et le mettre dans celui-ci. C'est une bonne chose. Je vais donc laisser ça détester Je vais le rendre officiel ici. Peut-être y mettre un peu de dégradé, en laissant cette couleur à nouveau. Peut-être un peu noir là-dedans. Je vais le faire. 41. Récapitulatif et projets: Félicitations, vous avez terminé. J'espère que vous avez apprécié les bases de l'entraînement à l'aquarelle et bien plus encore. C'était un plaisir de vous l' apporter. J'espère que vous avez pu saisir certaines des caractéristiques de l' aquarelle N'oubliez pas que l'aquarelle n'est pas un médium parfait. Ce n'est pas vraiment censé être fait de manière très réaliste, même si je sais que certains artistes aiment peindre de cette façon, et c'est parfaitement normal. Mon approche consiste à utiliser le médium pour ce qui est le mieux, savoir les accidents heureux, la fusion, la gravité. Il y a des moments où nous devons contrôler les choses, mais dans la plupart des cas, l' aquarelle est destinée à ne pas être contrôlée autant ou du moins pas tout le temps. Je tiens à vous remercier d' avoir suivi le cours. J'ai d'autres cours d'aquarelle que vous pouvez consulter. N'oubliez pas de laisser vos commentaires ou toute question que vous pourriez avoir au cours des discussions. Je suis toujours là pour y répondre à votre place. Bien sûr. J'espère que vous avez pu vous plonger dans les projets et les mener à bien. Chaque leçon était un projet. Cela a été fait avec l' intention que vous regardiez la vidéo, puis que vous vous retrouviez les manches et que vous fassiez la même chose que moi. Si vous ne l'avez pas fait, je vous recommande de revenir en arrière, commencer par la première leçon et de faire tous les exercices de manière à tirer le meilleur parti de cette expérience d'apprentissage en ligne. Encore une fois, je m'appelle Robert Joyner. Je tiens à vous remercier de l' intérêt que vous portez à mes cours. J'espère vous revoir très bientôt dans un autre cours. Prends soin de toi. Au revoir, au revoir.