Édition dans Lightroom : définition de votre style et importance des préréglages

1. Introduction du cours: En tant qu'artiste et créateur, vous voulez créer votre propre empreinte digitale dans laquelle les gens peuvent vous distinguer et votre travail. Mais souvent, la recherche de votre style peut être une chose très intimidante et c'est pourquoi j'ai fait ce cours. Je vous souhaite la bienvenue à ce cours sur l'édition de Lightroom, la recherche de votre style et l'importance des presets. m'appelle Tom Chi et je suis photographe et graphiste depuis près de 12 ans. Je suis originaire des États-Unis et je voyage autour photos pour divers clients et entreprises, spécialisée dans la mode, le style de vie et la photographie commerciale. Pour voir mon travail, la tête sur mon site Web à www dot le vrai Tom Chi.com ou regardez-moi sur Instagram au vrai Tom Chi. Je vous mentirais si je disais que je connaissais mon style quand j'ai commencé, je n'ai pas pris de nombreuses années et beaucoup d'essais et d'erreurs pour trouver mon style, un style que je vive personnellement, et en même temps envoie un message que je le veulent. Aujourd'hui, on va s'amuser beaucoup. Nous allons aller plus pour expliquer pourquoi il est important d'avoir un style unique, ainsi que comment trouver ce style. Nous parlerons également de l'importance des préréglages et des avantages de les intégrer dans votre flux de travail. Je vais vous montrer comment créer votre propre préréglage. Et puis nous allons ajouter les trois photos ensemble dans trois styles uniques. Donc, vous avez une idée du processus de pensée qui va derrière des styles particuliers de montage. Ce cours est essentiellement destiné à tous ceux qui veulent passer leur édition au niveau supérieur. Peut-être avez-vous eu du mal à trouver un style ou une voix dans votre travail, ou peut-être vous n'avez jamais pensé à l'importance d'avoir un style unique. Ou vous pourriez simplement vouloir changer le style que vous avez déjà et ne savez pas par où commencer ce cours est pour vous. Et je suis super excité de partager avec vous tout ce que je sais. J' espère vraiment que vous déciderez de vous inscrire à ce cours. Et si tu le fais, je te verrai dans la toute prochaine vidéo. 2. Pourquoi avoir un style unique ?: Et nous y voilà. Nous sommes dans la toute première vidéo de notre cours, et c'est une vidéo importante. Pourquoi avez-vous besoin d'avoir un style unique ? C' est une chose à laquelle beaucoup de photographes débutants et même certains plus développés ne pensent pas vraiment parce que c'est quelque chose qui ne vient pas vraiment naturellement. Vous ne pensez pas vraiment à pourquoi vous voulez avoir un style unique, mais c'est incroyablement important. Il y a plusieurs raisons. Les premières choses. Tout d'abord, il crée votre empreinte de pouce. Il crée un look unique qui vous est spécifique. Et pourquoi est-ce important ? C' est important car cela vous rend commercialisable. Si quelqu'un voit une photo et qu'il voit votre édition unique à elle, ne va pas penser à vous. Et je vais penser à votre style et ils sauront immédiatement, oui, c'est cette personne qui fait cette édition. Ils vont savoir qui vous êtes. Et une autre raison est qu'il vous permet de raconter l'histoire de l'image et une meilleure façon d'améliorer l'humeur, le ton de l'image peut vraiment faire ressortir le message que vous voulez passer avec votre photo. Et enfin, il vous permet de vous mettre dans votre image et vous permet de mettre votre propre style, votre propre arrière-plan, votre propre histoire et vos propres goûts dans votre photo. Personnellement, je suis très inspiré par les vibrations de AD, la culture des années 80, même dans les années 90, vous savez, je reviens dans certains des vieux looks parfois aussi bien que le look du film. Vous savez, vous pouvez être inspiré par tout un tas de choses différentes que vous utilisez ensuite dans votre propre style unique. Alors regardons quelques photographes que j'ai choisi que je pense avoir des styles très uniques et ce sont ceux que je regarde beaucoup, alors laisse passer à Instagram et laissez-moi vous montrer leurs flux. Et voici la toute première personne que je veux vous montrer un de mes photographes préférés ici. Nous avons Brahmi snow ou Simone Permanente. J' espère que je dis bien le nom, Simon br Monte. Et si vous faites défiler vers le bas et regardez ses images, tout est très unique, perdu, il peut y avoir différentes couleurs utilisées dans les images, et il y a un ton unificateur dans ses images qui fait tout semblant que c'est de un artiste, d'un photographe. Allons à un autre, hein ? Ici, nous avons un den Rubin, un designer fantastique, photographe. Mais je tombe depuis longtemps. Et si vous regardez vers le bas, son style d'édition change, mais il est toujours très unifié. Vous voyez ses six photos récentes ou tout noir et blanc, très granuleux, très vintage look. Mais alors vous faites défiler vers le bas et vous voyez ces images ont un ton unique et similaire. Et alors que vous faites défiler vers le bas, ils sont regroupés ensemble. Encore une fois, ça dit une humeur. C' est raconter une histoire qui unit toutes ces images et c'est son style unique. Maintenant, espérons plus à certains de mes photographes préférés de tous les temps. Un que vous connaissez peut-être, Peter MacKinnon. C' est un très célèbre là-bas. Et nous pouvons voir son style de montage est très grungy, très contraste le même dans votre visage. Mais si vous regardez, son style n'a pas autant de vert. C' est beaucoup de tons plus frais. C' est beaucoup de l'aspect bleu orange, beaucoup de gris, froid, métallisé IE look. Et ça marche pour lui. C' est son style qui le définit. Et maintenant, allons à Brandon Wolf Hall. J' espère que je dis bien son nom. Et il est très connu pour utiliser beaucoup de couleurs et différentes couleurs de poinçonnage dans ses modifications ainsi que les modifications nocturnes. Donc, si on fait défiler ses images, on voit beaucoup d'Edda. Il implique beaucoup de couleurs mates. Les noirs sont très délavés dans ces images. Et encore une fois, il y a des verts ici et là, mais nous voyons qu'il s'éloigne du vert de cela, beaucoup de violet et bleu et jaune, mais pas autant en vert. Encore une fois, c'est une autre façon d'avoir votre propre style. Et c'est important parce que lorsque vous vous commercialisez vous-même, accompagner pourrait vous regarder et être comme, ok, Donc nous voyons que vous montez et tous ces différents types de façons que nous voulons vous pour votre style. Donc vous voulez vous démarquer de tous les autres photographes parce qu'il y a beaucoup de concurrence là-bas. Et si vous ne vous distinguez pas avec un style unique, vous aurez beaucoup de mal à grandir et à vous faire un nom. Nous avons donc expliqué pourquoi il est important d'avoir un style unique, mais comment trouvez-vous votre style ? Dans la prochaine vidéo, je vais voir comment vous pouvez trouver votre style unique qui va vous être unique. Alors continuons. 3. Comment trouver votre style: Maintenant que nous avons examiné pourquoi il est important d'avoir un style unique. Comment trouvez-vous ce style ? Ne pas trouver votre propre style unique prend du temps et il faut des efforts, mais croyez-moi, cela vaut la peine du temps et de l'effort parce qu'il définit qui vous êtes. Il vous donne votre empreinte de pouce. Alors comment on fait ça ? Eh bien, voici quelques choses que je vous recommande de faire pour trouver votre style. Tout d'abord, créez un tableau d'ambiance de créateurs et d'images qui vous inspirent et qui correspondent à un style que vous aimez vraiment que vous pourriez vouloir imiter. Regardez non seulement la photographie, vous pouvez regarder la mode, vous pouvez regarder l'architecture, vous pouvez regarder toutes sortes de choses. Je recommande même de regarder les vieux et les peintures. Vous savez, voyez ce que certains des grands artistes du passé ont créé et ce que leurs styles fonctionnent, c'est vraiment important. Alors allez certainement créer un tableau d'humeur. Et vous pouvez voir ce qu'ils font, soit en utilisant beaucoup de couleurs fluo vives, qu'ils utilisent des pastels ? Sont-ils vraiment contraste l'édition. Donc tu sais, et à quoi tu es attirée dans ces tableaux d'humeur ? Ce sont donc des éléments que vous pouvez garder à l'esprit et regarder. La prochaine chose que je vous recommande de faire est quelque chose que je viens mentionner et qui est d'émuler l'édition de quelqu'un d'autre. Je ne dis pas de copier l'édition de quelqu'un d'autre, mais il est vraiment utile d'apprendre tout en émulant. Donc, disons que vous trouviez un montage de quelqu'un que vous aimez vraiment, tirez cette image sur votre téléphone sur un autre moniteur et essayez de la recréer, voir comment ils ont fait cela. Ont-ils augmenté le contraste sur le pourquoi, qu'ont-ils fait ? Essayez de recréer leur montage et d'en apprendre davantage, voir ce qu'ils ont fait, comment ils l'ont fait, pourquoi ils l'ont fait. Et puis essayez d'incorporer une partie de cela dans votre propre style. Vous trouverez peut-être que vous n'aimez pas trop faire l'édition à contraste élevé, mais vous pourriez trouver que c'est exactement ce que vous aimez. Donc encore une fois, essayez d'émuler certains des artistes que vous attendez parce que je peux être vraiment bénéfique pour développer votre propre style unique plus tard. Ensuite, il est super important que vous tirez autant que possible. Je ne peux pas insister assez sur cela. Plus vous prenez de photos, mieux vous aurez à prendre les photos elles-mêmes, et mieux vous aurez à retoucher ces photos. Donc, plus vous faites, mieux vous obtenez, vous ne pouvez pas simplement vous asseoir à la maison et ne pas prendre photos et ne pas modifier et vous attendre à trouver votre style, vous devez travailler activement dessus. Et plus vous le faites, plus vous trouverez les petites nuances et les petites choses que vous aimez. Vous trouverez peut-être que vous n'aimez pas avoir vert vos images comme certains des autres artistes que je vous ai montré dans la vidéo précédente, il pourrait trouver que vous aimez avoir un éditer complètement pastel lavé sur vos images. Ainsi, plus vous tirez, plus vous modifiez, plus vous découvrirez ce qui fonctionne pour vous. Ensuite, au lieu de regarder des exemples autour, vous, regardez ce qui est à l'intérieur, ce qui vous inspire en tant que personne. Je sais personnellement que je suis très attirée par l'esthétique de la AD. Le vieux jeu vidéo vintage regarde, les regards rétro, et le film vintage regarde. C' est ce à quoi je suis vraiment attiré personnellement. Ça pourrait être quelque chose d'autre gratuit. Vous pourriez vraiment être attiré par toute l'ère art déco des 19-21, tout le style d'art de l'époque, vous pourriez être attiré par certaines des nouvelles éditions, les éditions nocturnes. Alors regarde à l'intérieur, à quoi es-tu attirée ? À quoi ressemble ta personnalité ? Êtes-vous un type punchy de personne ou vous êtes plus cool, froid com personne moelleuse qui pourrait préférer avoir plus des modifications moelleuses, plus les modifications pastel. Alors regardez à l'intérieur, vous pourriez trouver qu'une grande partie de votre propre style se trouve juste à l'intérieur de vous. L' introspection est exactement ce que vous devez faire. Ensuite, nous avons des préréglages. Comment cela peut-il vous aider à trouver votre propre style ? Disons que vous avez fait le tour d'Internet, que vous avez téléchargé ou acheté des presets auprès d'autres créateurs. Comment pouvez-vous l'utiliser pour votre propre style ? Et bien, vous pouvez regarder exactement les modifications qu'ils font. Les presets vous montrent tout ce qu'ils ont fait en plus léger et qu'est-ce qu'ils ont fait avec les ombres ? Qu' est-ce qu'ils ont fait avec les couleurs ? Donc, vous pouvez vraiment apprendre de cela et voir OK, cette personne a créé ce style d'édition. Comment ont-ils fait ça ? Eh bien, j'aime vraiment qu'ils aient mis ces couleurs en sourdine et qu'ils ne les aient pas rencontrés. Encore une fois, l'utilisation de presets qui ont déjà été faits peut vraiment vous éduquer sur la pensée de quelqu'un d'autre derrière la création de son propre style et peut aider à influencer la création de votre propre style. Quand il s'agit de trouver votre style, je vous recommande de faire preuve de retenue. Un peu va un long chemin. J' ai souligné que dans presque tous les cours que j'ai créés, cela va un peu loin. Vous ne voulez pas souffler les couleurs, il ne veut pas souffler les faits saillants. Vous voulez être très subtil avec vos modifications et très intentionnel avec la lumière. Il le fait. Vous voulez vraiment prendre votre temps et développer ce métier, affiner ce qui est unique, ce qui est important, et un peu de retenue va vraiment faire un long chemin. Parce que vos téléspectateurs, les entreprises que vous tendez la main à vos clients, verront vraiment et apprécieront la retenue que vous utilisez. Et enfin, comment trouver votre style. N' abandonnez pas. Ça prend du temps. C'est un processus. Je sais que ça peut être difficile et il peut être très tentant d'utiliser le préréglage de quelqu'un d'autre, utiliser le style de quelqu'un d'autre. Mais je vous assure qu'il est vraiment important de prendre le temps. Apprenez du style de tous les autres, apprenez de ce que font les autres. Apprenez des exemples et de l'inspiration que vous avez et intégrez cela dans votre propre style. Parce qu'au fil du temps, plus vous incorporez dans votre propre style, il va vraiment créer ce look unique que vous voulez avoir. Ça va créer votre empreinte de pouce. Maintenant, quand les gens regardent votre Instagram ou votre site web, votre portfolio de travail, ils verront cette unité et toutes vos images. Et il y aura genre, oui, on veut travailler avec cette personne. Nous voulons qu'ils prennent des photos pour nous. Et on y va. Il ya quelques façons de trouver votre propre style. Maintenant, je sais que ça peut sembler beaucoup, mais comme je l'ai dit, ça en vaut la peine. Assurez-vous donc de faire ces étapes et à temps, YouTube trouvera votre propre style. Ensuite, nous allons examiner l'importance des presets et comment les presets peuvent être utilisés pour définir votre style personnel. 4. Importance des préréglages: Parlons donc de l'importance des presets. Tout d'abord, que sont les presets ? Donc, essentiellement, un préréglage Lightroom est une configuration prédéfinie de paramètres qui créent une modification unique de votre photo. Il s'agit d'un montage que vous avez déjà créé ou que vous avez téléchargé, vous suffit de cliquer sur un bouton et il applique une modification à l'ensemble de votre image. Alors pourquoi est-ce important ? Bien qu'il puisse être très bénéfique à vous le souhaitez, il peut vous permettre d'éditer des photos par lots. Ainsi, vous pouvez sélectionner 51500 photos autant que vous le souhaitez. Et en un clic sur un bouton, vous pouvez éditer toutes ces photos avec le même préréglage. Ça peut vraiment vous faire gagner beaucoup de temps. Et l'édition de plusieurs photos à la fois peut vous aider à obtenir la cohérence de vos images. Comme nous l'avons vu plus tôt sur les différents flux Instagram de certains des photographes, je vous ai montré un style unique à travers leurs presets qu'ils utilisent et ils sont le style d'édition a créé un sentiment de cohérence et d'unité dans leur photos. Cela donne à toute leur marque un thème, et c'est ce que nous voulons faire dans les presets peut vraiment vous aider à y parvenir. Il peut vous aider à jeter un coup d'œil sur toutes vos photos. Les préréglages vous donnent également la possibilité d'avoir plusieurs options. Vous pouvez avoir cinq, vous pouvez avoir un 100 presets et installé. Je ne recommande pas d'en avoir autant, mais vous pouvez avoir plusieurs préréglages installés. Ensuite, vous pouvez regarder à quoi ressemblerait votre édition avec différents préréglages dessus. Vous pouvez regarder à quoi ressemblerait une photo avec un montage cool, avec un montage à contraste élevé, avec un montage chaud. Ensuite, vous pouvez décider ce qui convient le mieux à votre thème, à votre flux. Et une autre grande importance des presets est qu'il vous fait économiser beaucoup de temps. Donc, disons qu'une photo vous emmènera n'importe où entre 510 minutes pour l'éditer. Et si vous avez 100 photos ? Et si vous avez 500 photos ? Si vous avez 100 photos à cinq minutes, une photo qui va durer 500 minutes. C' est un temps ridicule à consacrer à l' édition de vos photos et vous n'avez pas ce temps. Ainsi, les presets vous aideront à éditer plusieurs photos en un seul clic. Cela réduira vraiment votre temps d'édition de plusieurs heures à quelques minutes. Et une autre grande chose avec les presets est que très personnalisable. Ce n'est pas juste un clic et c'est fait. Vous pouvez le faire, mais une fois que vous cliquez sur ce préréglage, vous pouvez aller et ajuster les curseurs. Si elle finit par surexposer votre photo, vous pouvez ramener l'exposition vers le bas et vous pouvez faire baisser les surbrillances. Vous pouvez rendre l'image adaptée à votre flux encore mieux, votre style encore mieux. Vous pouvez rajouter les tons frais, vous pouvez rajouter les tons chauds ou quoi que ce soit. Il est incroyablement personnalisable. De nos jours. Beaucoup de préréglage social, très bon marché. Vous pouvez même les trouver gratuitement. Et c'est vraiment utile parce que, comme je l'ai déjà dit, avoir déjà ces presets est vraiment bon parce que cela peut être un outil d'apprentissage pour vous. Il peut s'agir d'un outil éducatif à partir duquel vous apprenez votre propre style. Vous pouvez voir ce que quelqu'un d'autre a vécu là-bas, les presets, puis vous pouvez appliquer certaines choses d'eux aux vôtres ou modifier leurs presets pour qu'ils correspondent à votre propre style. Maintenant, si vous traînez à la toute dernière vidéo, je vais vous dire comment vous pouvez obtenir certains de mes presets personnels pour vous-même. Dans la vidéo suivante, je vais passer en revue votre mission pour ce cours et comment vous pouvez être présenté dans le prochain cours que je vais créer. Alors continuons. 5. Votre projet: Pour votre affectation continue TB, faire quelque chose que je n'ai jamais fait auparavant. Je vais vous donner la chance d'être présenté et mon prochain cours, votre mission sera de créer un préréglage de votre propre et l' appliquer à trois photos que vous prenez ou que vous trouvez. Mais je veux voir un style unique sur toutes les photos. Amusez-vous avec cela, soyez créatif et je choisirai l'un d'entre vous qui a soumis cette tâche pour être présenté au début de mon prochain cours pour montrer à quel point vous faites bon travail. Ensuite, nous allons sauter dans Lightroom et le vrai plaisir est sur le point de commencer. Allons-y. 6. Aperçu de Lightroom: Et nous sommes enfin l'illumination. C' est ce que nous attendons et ce que j'attendais parce que je suis prêt à vous apprendre tout ce que vous devez savoir sur la création de votre propre style et la création de préréglages. Alors, on y va. Ce sont quelques images que j'ai utilisées dans un cours précédent. Si vous voulez vérifier cela, rendez-vous sur ma page de professeur et regardez quelques-uns des cours précédents que j'ai faits. J' ai beaucoup fait à Lightroom. Alors assurez-vous d'aller vérifier ça. Maintenant, je vais utiliser Lightroom classic pour cela. Mais si vous avez Lightroom Creative Cloud, beaucoup de ces principes s'appliqueront également là. Ainsi, lorsque vous chargez Lightroom pour la première fois, vous aurez un écran semblable à celui-ci, sauf sans ces images. Donc vous verrez tous ces onglets ici. Je vais passer par ça dans une seconde, mais tu veux avoir des images ici. Donc, et nous avons des images dans Lightroom, c'est que vous allez cliquer sur Importer en bas à gauche ici. Et puis vous allez naviguer jusqu'à l'endroit où vous trouvez votre image. Maintenant, je vous ai fourni des images, alors assurez-vous de les télécharger. Ces images sont celles que nous allons importer. Donc, cliquez sur les images utilisées. Je ne vais pas utiliser les six. Vous allez avoir trois images. Et ce sont ceux qui vont utiliser. Alors laissez-moi juste désélectionner il y a ceux que je ne vais pas utiliser. Donc, dans votre téléchargement, vous devriez avoir rainbow girl dot DNG chercher CR2 et se cacher point CR2. Et ce sont tous des fichiers image bruts. Et puis tu n'as plus à faire quoi que ce soit d'autre. Il vous suffit de cliquer sur Importer. Lightroom va prendre une seconde pour importer ces images, mais elles sont toutes là. Maintenant, la première chose que je vous recommande de faire est de sélectionner toutes vos images. Vous pouvez maintenir la touche Maj enfoncée et cliquer sur tout cela ou simplement faire Contrôle ou Commande a. Et ici par collections, cliquez sur ce plus pour créer une nouvelle collection. Et ce menu pop-up va venir ici et vous pouvez le nommer n'importe quoi. Je vais appeler ce cours de création prédéfinie. Juste pour que je sache par moi-même, mais tu peux le nommer comme tu veux. Et pour les options, je vais m'assurer que cela est vérifié. Inclure les photos sélectionnées. C'est pourquoi il est sélectionné. Nous voulons les inclure dans cette collection. Alors, cliquez sur Créer et rien n'a l'air différent, n'est-ce pas ? Alors, quel est l'intérêt des collections ? Pendant qu'il est éveillé et organiser vos photos, j'ai beaucoup de collections différentes ici, mais si je voulais aller à ce cours, c'est juste là. Il peut aller à un cours que j'ai déjà fait, comment l'éditer comme un pro. Et ce sont les images de cette collection. Mais passons à cette collection de cours de création prédéfinie et nos images sont là. Donc, je vais importer une photo de plus très vite que je vais utiliser comme exemple pour vous montrer toutes les fonctions de notre onglet Développer. Laisse-moi faire ça. Donc, je suis allé de l'avant et importé notre robe fleurie et mentionné que vous auriez pu voir avant. Et je vais aller dans l'onglet Développer maintenant, ne soyez pas tenté d'utiliser un module de développement rapide ici. Il ne va pas être presque aussi bon que d'aller dans l'onglet développé normal. Donc, ignorons ça. Et nous allons développer cela, nous assurons que l'image est sélectionnée. Et allons dans l'onglet Développer. Et je vais parcourir tout ce menu à droite de tout ce que vous pouvez faire dans Lightroom. Alors faites attention. D' abord, nous avons notre histogramme ici. L' histogramme montre les noirs, les ombres, l'exposition, les reflets et les blancs de votre image et ainsi que l'endroit où les couleurs de cet art. Donc, nous voyons ici le blues a un peu de noir dedans. Donc, nous voulons nous assurer de garder un œil sur cela. Nous ne voulons pas que les faits saillants soient trop loin à droite ou aussi haut. Donc nous allons ajuster ça plus tard. Ensuite, nous avons notre recouvrement de cultures. Cela vous permet de recadrer votre image si vous avez un rapport spécifique que vous voulez, c'est là que vous pouvez choisir. Maintenant, pour Instagram, vous pourriez vouloir qu'il soit quatre par cinq pour un post régulier, ou vous pourriez vouloir qu'il soit 16 par neuf pour un article. Donc, par exemple ici, je vais juste faire cela dans un rapport 16 par neuf parce que cela remplit un peu mieux l'écran et vous pouvez voir un aperçu sur la gauche ici dans le navigateur. Donc j'aime cette récolte, donc je vais juste frapper fait ici. Et on y va. Ensuite, nous avons un retrait de taches. Si vous voulez supprimer un endroit dans votre image, disons que vous avez plus d'un portrait. Disons que je ne veux pas avoir ça. Je ne sais pas si c'est un anneau de nez ou une marque de beauté, mais disons par exemple je ne veux pas ça. Alors réduisons la taille de ceci. Vous pouvez également appuyer sur les touches de support de votre clavier. Donc je veux me débarrasser de cet endroit. Et ça va être assez intelligent pour le remplacer par quelque chose qui ressemble. Chanter traîne ça autour. Vous pouvez modifier la capacité annuelle de plume de cela. Et je vais frapper fait. On y va. J'en connais un qui l'utilise. Tu ne le remarques même pas. Donc, cela peut être génial de se débarrasser de choses comme l'acné, certaines marques de beauté pour les cicatrices, ou peut-être même juste un peu de poussière dans votre image. Certaines images vintage ont beaucoup de poussière dedans. Donc vous voudrez peut-être vous en débarrasser. Ensuite, nous avons une correction des yeux rouges. Nous n'avons pas d'yeux rouges sur cette image, mais certains et ceux-ci auront des yeux rouges. Et vous pouvez utiliser cet outil pour corriger cela à moins que nous ayons un filtre gradué. Et ce que cela fait, c'est que cela vous donne un filtre, un filtre gradué, un dégradé à travers votre image. Maintenant par défaut, le mien donne un à l'exposition, un positif, donc ça augmente l'exposition. Mais disons que je veux avoir une vignette venant du bas. On peut faire tomber ça. Vous pouvez jouer avec la couleur de la saturation de cette section inférieure et vous pouvez même y ajouter de la couleur. Donc si je veux que le bleu arrive par le bas, et tu peux le faire. Où utiliseriez-vous ça ? Je l'utilise beaucoup pour le ciel. J' utilise ce bleu si je vais leur demander bleu dans le ciel et de façon artificielle. Et maintenant, vous avez peut-être vu, si vous passez la souris sur cette partie centrale, elle va s'afficher en rouge, la partie affectée par votre filtre. Donc, tout ce qui est en rouge va avoir la couleur bleue appliquée, ainsi qu'une saturation accrue et une diminution de l'exposition. Maintenant, pour l'amour de ça, je ne vais pas garder cette graduation ici. Donc tu peux juste appuyer sur Supprimer sur ton clavier et ça ne va rien faire avec ça. Parfait. Donc la prochaine chose que nous avons est un filtre radial. C' est exactement la même chose que le filtre gradué, sauf dans un cercle. Vous voudrez peut-être avoir un rayon de soleil ou quelque chose qui sort du centre. Mais par défaut, il sera en dehors du cercle que vous dessinez. Vous pouvez descendre et inverser ça. Et puis ça va affecter la zone de ce cercle. Encore une fois, vous pouvez survoler cette zone centrale pour voir ce qui est affecté. Mais vous pouvez ajouter certaines couleurs à cela. Je peux ajouter de l'orange si je veux mettre un peu plus d'accent sur le soleil ou sur certains nuages, je pourrais le faire ou à une partie d'un portrait. Donc, continuons et supprimons cela parce que nous n'allons pas l'utiliser. Ensuite, nous avons aussi une brosse de réglage, qui fait exactement la même chose que le filtre radial et le filtre gradué. Mais cela vous permet de peindre dans une zone personnalisée que vous souhaitez appliquer. Donc, par exemple, disons que je veux effectuer un juste ses cheveux. Et comme nous le voyons, il applique déjà l'exposition accrue aux cheveux. Mais débarrassons-nous de cette exposition accrue. Et si nous voulons rendre les cheveux plus foncés pour que nous puissions réduire légèrement l'exposition. On peut faire monter les ombres. Et disons que nous voulons désaturer les cheveux. Nous pouvons aller de l'avant et le faire. Et si vous voulez voir cela avant et après cela, c'est très simple. Vous pouvez activer/désactiver le filtre ici pour activer ou désactiver. Donc, si vous vouliez créer un psychisme d'édition que certains filtres comme ça, vous pouvez peindre dans une zone personnalisée avec votre pinceau de réglage ici. Maintenant, je ne vais pas utiliser ça, donc je vais juste cliquer dessus et cliquer, supprimer. On y va. Donc tu veux t'assurer que si tu as encore cette ouverture pour ta mosquée, tu verras ici ça dit masque. Nous ne voulons pas modifier ici. Je vais juste faire défiler vers le bas et cliquer sur Fermer. Nous voulons avoir juste notre onglet d'édition de base ici. C' est là que le plaisir commence vraiment. Ici, vous pouvez modifier le profil de couleur de votre image. ce moment, je suis sur Adobe Color et la plupart des modifications que je fais sont en couleur Adobe, mais vous pouvez le changer en paysage Adobe. Ce sera portrait, standard et vif. Et chacun d'entre eux a leur apparence différente. Mais je vais m'en tenir à la couleur Adobe pour les besoins de cet exemple. Donc maintenant, nous devons la température et la teinte. Vous pourriez constater que la balance des blancs de vos images est désactivée. Vous pouvez donc cliquer sur cette pipette pour sélectionner une image qui est la plus proche du blanc dans votre image. Donc, dans cette image, un se trouve être quelque part autour de cela. Donc cible neutre. Donc, nous cliquons dessus et comme vous le voyez, il a changé notre teinte de température NR pour mieux équilibrer les blancs l'image. Disons maintenant que vous ne voulez pas utiliser l'outil compte-gouttes. Alors frappons les commandes de contrôle. Vous pouvez effectuer des balances de blanc prédéfinies spécifiques. Vous pouvez donc faire une balance des blancs automatique. Et comme nous le voyons qui l'a rendu plus chaud, nous pouvons mettre la lumière du jour, nous pouvons établir une balance des blancs nuageux. Et cela pourrait fonctionner pour votre image et peut-être pas. Mais comme vous le voyez ici, tout change avec nos couleurs. Et c'est ajuster la température et la teinte de notre image. Mais disons que vous voulez avoir une balle B. Disons que vous voulez le personnaliser vous-même. Donc tu ne l'as pas fait toi-même. Vous pouvez simplement cliquer sur le curseur de température soit rendre plus frais en le rapprochant du bleu, l' ordonnant plus chaud en le rapprochant du jaune. Donc, pour les besoins de cette image, je vais l'amener jamais si légèrement vers le bas sur le côté plus bleu. Et pour la boîte, vous pouvez le rendre plus magenta ou vous pouvez le rendre plus vert. J' ai l'impression que c'est un endroit assez bon où il est, donc je ne vais pas y toucher. Ensuite, nous avons la section de ton. Cela va ajuster le ton. Vous pouvez cliquer sur Auto pour pour analyser automatiquement l'image. Lightroom a sa propre intelligence artificielle et il peut créer sa propre édition automatique de votre image. Mais la plupart du temps, ça n'aura pas l'air trop beau. Alors appuyez sur Commande de contrôle Z. Allons annuler ça. Donc, tous ces curseurs fonctionnent bien, l'exposition fait apparaître ou diminue les expositions comme nous le voyons ici dans l'exemple. Nous pouvons apporter l'exposition beaucoup si, si l'image originale est sous-exposée, vous pourriez vouloir ajouter un peu d'exposition à votre image. Ou s'il est surexposé, on voudra peut-être le faire tomber si légèrement. Je vais garder ça comme il est sur mon éducation jamais si légèrement. Et nous avons notre curseur Contraste ici. Et que par définition, augmente ou diminue le contraste à mesure que vous fruits de mer diminuent un contraste, cela rend votre image beaucoup plus plate, mais c'est peut-être ce que votre style est. Votre style pourrait nécessiter un aspect plat à votre image. Donc c'est aussi quelque chose à garder à l'esprit. le seul but de cela, pour boutonner le contraste toujours aussi légèrement. Et on y va. Maintenant, pour les faits saillants, par définition, va faire apparaître ou abaisser les faits saillants. Parfois, votre image peut avoir les points forts pour être vraiment culminant. Comme on le voit ici, les faits saillants se rapprochent des blancs ici, mais je vais laisser ça ici. Et parfois, vous risquez de perdre des détails dans votre ombre. Donc vous devrez peut-être faire ressortir les ombres pour ramener les détails comme nous le voyons ici, nous ramenons le détail dans les cheveux juste en soulevant les ombres. Si nous abaissons les ombres, nous perdons des détails dans les cheveux. Donc, selon votre style, vous pouvez avoir plus de détails dans l'ombre. Ensuite, nous pouvons augmenter ou diminuer les blancs de notre image, comme nous le voyons ici, que commencer à vraiment PQ. Et nous voyons dans l'histogramme, si vous survolez ce triangle ici va montrer l'écrêtage Highlight et partout où il est rouge s'il est écrêté et cela signifie qu'il est beaucoup trop surexposé. Alors ramenons les lumières là où elles étaient. Et maintenant, on n'a pas de coupure. Très gentil. Et puis vous pouvez ajuster les noirs de votre image aussi. Encore une fois, si vous allez trop loin, ça va vous montrer où vous coupez avec le noir. Donc partout où il est en bleu et le noir est trop sombre. Donc tu veux ramener ça. Et faites attention à votre histogramme pour vous assurer que vous ne les coupez pas. Ensuite, nous avons notre section de présence ici. Vous pouvez ajuster la texture de votre image. Vous pouvez augmenter et diminuer. Et si vous voulez un look plus grogneux, vous finirez par ajouter un peu de texture à votre image et peut-être même un peu de clarté. Donc, la clarté à nouveau, adoucit votre image, donne une sorte d'aspect angélique, mais il peut également ajouter beaucoup de grunge à votre image. Donc, une combinaison de ces deux utilisés avec parcimonie peut créer une image de larme de chance vraiment grungy grungy. Ensuite, nous avons D Hayes. Donc, parfois, si vous photographiez le paysage la plupart du temps, cela se produira avec le paysage, vous allez avoir une brume au loin au-dessus de votre ciel. Donc vous pouvez D Hayes votre image et vous débarrasser de certains de ces Hazen ce soir Porches. Vous pouvez l'utiliser ou vous pouvez ajouter du brouillard si c'est quelque chose que vous voulez faire. Personnellement, je ne touche jamais trop un D Hayes. Je pourrais l'utiliser un peu dans la photographie de paysage, mais comme je ne tourne pas trop de paysage, je ne finis pas par l'utiliser trop. Ensuite, nous avons Vibrance et Saturation. Ceux-ci sont similaires mais très différents. Donc, la saturation par définition, augmente une saturation de chaque couleur. Maintenant, vous voulez utiliser un avec parcimonie car il peut finir par rendre la peau de votre sujet si vous tirez des gens semblent très orange. Ce n'est pas quelque chose que nous voulons vraiment et ça peut finir par souffler des couleurs. Alors, quelle est la solution pour cela ? Une solution est une vibrance. Avec la vibrance, il va augmenter la saturation des couleurs autour d'elle sans augmenter la saturation de la peau. Il est assez intelligent pour savoir où se trouve la peau et ne pas augmenter la saturation de cela trop. Alors annulons ça. Ensuite, nous avons notre courbe de tonalité. C' est quelque chose que j'utilise beaucoup. Et ce que j'utilise surtout c'est d'ajuster à nouveau les ombres des fléchettes, les lumières et les reflets de votre image. Vous pouvez taper les nombres spécifiquement ici, mais j'ai tendance à créer de légères courbes S dans mes images. Et puis le SSL que nous allons faire plus tard. Vous allez voir ces courbes S en jeu et à quel point ils sont utiles, son avant et après comme un petit coup de poing à votre image. Maintenant, vous pouvez également le faire sur une courbe de points. Vous pouvez ajouter un point aux nombres intermédiaires et spécifiques au type dans cela, mais pas seulement que dans la courbe de tonalité, comme ici, il peut ajuster la tonalité de votre canal rouge, où canal vert et votre canal bleu. Qu' est-ce que cela signifie ? Cela signifie que vous pouvez rapprocher vos reflets du bleu ou du jaune, ainsi que tout le reste, vos sombres, vous pouvez le rapprocher du bleu ou du jaune. Vous pouvez rapprocher vos sombres du rouge ou du cyan. Alors faisons cela par exemple. Disons que pour les sombres, vous voulez rapprocher ça du bleu. Probablement se demander les faits saillants un peu plus près du jaune. Vous pouvez donc créer un look stylisé unique en utilisant la courbe de tonalité ici. Alors parlons de l'avant et de l'après. C' est vraiment créer un look tout à fait unique à notre image. Donc je vais juste éteindre ça pour l'instant. Et on va continuer. Ensuite, nous avons notre onglet luminance saturation de teinte. Ici. Vous pouvez changer la teinte, peut rendre notre recette plus proche de Magento ou orange. On peut me rapprocher du rouge ou du jaune. Mais regardons cela comme un exemple. Donc on voit qu'il y a des bleus dans cette image, il y a du rouge, des oranges. Alors voyons. Nous voulons rapprocher nos rouges du jaune ou du magenta. On y va. Maintenant, nous le voyons. Donc on le voit surtout sur ses lèvres. Mais nous voulons rapprocher notre orange du rouge. Nous voyons cela affectant ses cheveux parce que ses cheveux avaient un peu d'orange dedans. Donc, c'est une façon peut être vraiment spécifique avec les couleurs que vous utilisez. Et encore une fois, vous pouvez double-cliquer sur le nom de votre édition et il le ramènera à 0. Maintenant, nous pouvons également ajuster spécifiquement la saturation d'une coloration spécifique. Saturation des rouges. On peut faire ça et tu verras toutes les fleurs sur sa chemise juste éclatées comme ses lèvres. Eh bien, disons que nous voulons diminuer la saturation du bleu. Donc maintenant, nous pouvons aller et diminuer la saturation du bleu. Et puis nous avons presque une robe blanche avec des fleurs rouges. Donc vous pouvez être un témoin très précis. Et encore une fois, un peu va beaucoup, alors soyez très prudent avec la façon dont vous utilisez l'onglet saturation. Ensuite, nous avons Luminance. Et ce qui est des aluminiums à luminance est quelque chose qui m'a beaucoup embrouillé pendant longtemps quand je commençais à commencer. Alors que fait la luminance et ajoute du blanc ou du noir à une couleur spécifique. Donc, comme nous le voyons, le rouge est très important dans cette image. Donc, si nous ajoutons du blanc au rouge dans cette image, vous voyez qu'il est lavé. Si on ajoute du noir à notre image, il va sombre et tout ça vers le bas. Donc encore une fois, utilise très peu, il peut faire ou casser votre image. Alors soyez très prudent avec ça. Ensuite, on va aller à l'une de mes parties préférées et c'est split toning. Ici, vous pouvez ajouter une couleur spécifique aux tons clairs et aux ombres de votre image et créer un effet de tonalité fractionnée. Alors qu'est-ce que c'est ? Regardons ça dans la pratique, n'est-ce pas ? Donc, je vais choisir par défaut cette couleur ici, et c'est l'une des couleurs par défaut qui vient avec salle de lumière. Et c'est comme une couleur jaune chaud, orange. Et je vais réduire la saturation de ça à environ 19. Maintenant, pour les ombres, je veux ajouter une couleur fraîche à mes ombres. Alors maintenant, ajoutez ce bleu et augmentez la saturation de cela. Et qu'avons-nous fait ici avec du bleu ajouté à ce niveau de saturation de 16 dans l'ombre de notre image. Et en même temps, nous avons ajouté ce surlignement d' couleur orange à une saturation de 19 dans les points forts de l'image, créant ainsi une scission sur l'effet. Regardons l'avant et l'après. Très gentil. Et je vais garder cette édition pour le reste de cet exemple ici. Ensuite, nous avons notre section détaillée, et c'est là que vous pouvez ajouter l'affûtage de votre image, où vous pouvez réduire un bruit. Parfois, votre image peut être trop granuleuse. Maintenant vous montre un petit exemple de ce à quoi ressemble l'image. Et je voudrais peut-être réduire un peu le bruit. Et encore une fois, un peu va beaucoup. Tu n'as pas besoin de passer à 100. Parce que ça ressemble presque à un tableau, mais ça pourrait être votre style. Alors trouvez ce qui fonctionne pour vous. Pour moi, je vais y aller avec environ 25. Et je ne vais pas aiguiser cette image. Je pense que la netteté est très bien. Ensuite, passons à la correction de l'objectif. C' est quelque chose que vous voulez utiliser. Si vous savez quel appareil photo vous avez utilisé pour votre image, nous pouvons utiliser d'autres profils d'objectif. Donc, ce que vous voulez faire est d'activer la correction des couleurs de profil. Et puis vous trouvez la marque et le modèle de l'appareil photo et de l'objectif que vous avez utilisés. Donc, par exemple, disons que je tire personnellement avec un canon. Trouvons Canon et l'un de mes objectifs préférés à utiliser comme un 50 millimètre, je l'appelle un nifty. Et j'ai un F1 0.4. savant ont un f 1.4, et il va avoir le profil Adobe pour cette caméra spécifique. Et vous pouvez corriger n'importe quelle distorsion que cette lentille peut avoir. Donc, vous pouvez aller de l'avant et peu de choses sont en train d'être changées. Vous pouvez voir de légères modifications qui se produisent sur l'image. Et vous pouvez ajouter de la vignette ici, mais je ne fais jamais ça. Tu peux. Et encore une fois, vous pouvez activer et désactiver cette correction d'objectif pour voir la modification. Et comme vous le voyez, il y a quelques légères corrections, quelques légères vignettes. Je vais garder ça hors du reste de cet exemple. Ensuite, vous avez votre section transformée. Ici. Vous pouvez essentiellement transformer votre image de toute façon que vous voulez. Vous pouvez le transformer verticalement. Vous pouvez l'incliner vers le haut, vers le bas, et vous pouvez l'incliner horizontalement, à gauche ou à droite. Ce sont des photos plus pratiques et architecturales où vous avez construit Zeno, assurez-vous qu'ils sont alignés correctement. Ensuite, vous pouvez faire pivoter votre image. Vous pouvez également modifier l'aspect de votre image. Pour être plus mince ou plus large. Faites attention à qui vous utilisez ça. Ensuite, nous avons l'échelle. Ainsi, vous pouvez faire une image plus grande, plus petite. C' est quelque chose que je n'utilise pas trop. J' ai tendance à recadrer mon image à ce que je voulais être. Un x. Nous avons un décalage x et un décalage y, et cela se déplace juste le long des axes x et y. Comme vous le voyez ici, c'est un peu glitchy, va très bégaiement, mais on peut aussi monter, descendre. Et nous pouvons restreindre le recadrage si nous voulons une contrainte qui recadre à la zone d'image d'origine. Mais j'utilise rarement la section transformée. J' utilise simplement l'outil de recadrage pour la plupart de mes modifications. Ensuite, nous avons la section Effets, et voici où j'ai tendance à ajouter du vignettage si c'est quelque chose que je veux faire. Ainsi, vous pouvez ajouter autant ou aussi peu que vous le souhaitez. Et je vais l'exagérer pour les besoins de ça. Et vous pouvez changer où le milieu de cela, vous pouvez le faire sortir ou vous pouvez l'amener incroyablement au centre. Vous pouvez également changer la rondeur de ceci pour qu'il soit très peu ou beaucoup et cela peut fonctionner car vous pourriez vouloir avoir un travail de film très vintage et cela peut sembler très bon sur cela. Vous pouvez également changer la plume de la vignette pour être plus douce ou plus dure. Je ne recommande pas d'avoir une bière très dure plus loin. Et vous pouvez également changer le point culminant de celui-ci aussi. Je n'ai pas été si sombre. Donc, comme vous le voyez, comme nous en parlons, c'est une vignette beaucoup plus douce. Et comme nous le faisons descendre, vous pouvez avoir une vignette très subtile ici image. Mais encore une fois, un peu va beaucoup. Vous pouvez également ajouter du vert à votre image pour la rendre plus vintage. Vous pouvez ajouter du vert, vous pouvez changer la taille de ce vert, et vous pouvez changer la rugosité de celui-ci. Encore une fois, un peu va beaucoup. J' ai beaucoup ajouté à cette image. Et comme vous le voyez, ça a l'air plutôt mauvais. Mais vous pouvez être très indulgent avec cela et utiliser une très petite quantité de grain. Et ajoutez un peu de film à votre image. Maintenant, je vais éteindre ça pour le reste de cette édition et nous allons aller à la dernière section, l'étalonnage. C' est probablement la section qui m'a le plus embrouillé quand j'ai commencé parce que je ne l'ai pas vraiment compris, mais c'est très simple. Maintenant, en cours de traitement ici, il y a différentes versions. Je m'en tiens généralement à la version la plus récente actuellement , elle est sur la version cinq et pourrait être différente pour vous chaque fois que vous regardez ceci et en fonction de la version de Lightroom que vous utilisez. Mais ici, vous pouvez ajouter une teinte à vos ombres. Donc, si l'ombre est, vous pouvez l'amener directement aux verts ou au magenta. Donc, exagérons tout cela à droite pour le magenta, tout le chemin à gauche pour le vert. Maintenant, je veux garder ça au milieu. Donc j'aime les tons cool que nous avons été dans ma tête, un peu de magenta. Maintenant, nous pouvons ajuster la primaire rouge de cette image et amener cela à un magenta ou un jaune, orange et changer la saturation de cela. Allons-y et apportons ça un peu au magenta. Et je vais être saturer ce peu, rendre un peu plus stylisé. Et puis pour la teinte verte qui apporte ce petit peu au cyan, il n'y a pas beaucoup de vert dans cette image. Ça va être nul et affecté trop, mais je vais saturer ça. Et puis pour le bleu, je ne veux pas qu'il soit vu. Je ne veux pas qu'il soit proche du panneau. Mettons-le près du bleu, bleu. Donc le type de bleu le plus violent, et c'est le saturé un peu aussi. Donc, nous avons ici l'étalonnage. Deuxièmement, il vous permet d'obtenir un peu plus de détails à la tonalité spécifique que vous voulez. Mais maintenant que vous avez fait votre édition, vous voulez voir l'avant et l'après. Comment faites-vous ? Eh bien, si on descend ici en bas à gauche, on voit ça ici qui dit pourquoi et pourquoi. Et si vous survolez, il indique que les cycles entre les vues avant et après. Donc, nous allons cliquer dessus et nous voyons l'édition que nous avons créée, l'avant et l'après. Et ça va être très utile. Vous voulez voir ce que vous avez fait et vous pouvez modifier pendant que vous êtes dans cette vue. Ainsi, vous pouvez voir exactement comment vos modifications affectent l'image par rapport à l'original. Donc je vais garder cette carte d'identité mais je viens juste d'avoir, mais vous voulez revenir à votre original Tout ce que vous faites est de cliquer sur la vue en boucle ici. Mais avant de le faire, vous pouvez avoir différents types d'avant et après. Si vous continuez à cliquer ici, vous avez ce genre de largeur avant et après divise votre image en deux. Si vous cliquez à nouveau, il aura l'un au-dessus de l'autre pour l'avant et l'après. Si vous cliquez à nouveau, il va le diviser en deux cette fois, de cette façon. Et puis, si vous cliquez à nouveau, cela vous ramènera à la première vue, mais comment revenez-vous à l'original ? Vous allez cliquer ici vue en boucle, ou vous pouvez cliquer sur votre clavier. Et c'est ainsi que vous naviguez dans cet onglet Développer. Et vous pouvez retourner à votre bibliothèque, voir votre image finale. Et nous l'avons là. Il y a un aperçu de Lightroom. Ensuite, je vais vous montrer exactement comment créer un préréglage à partir d'une modification que vous avez faite. Donc, je vais utiliser cette modification que j'ai créée pour cette image et transformer cela en un préréglage. Je vais te montrer exactement comment faire ça dans la prochaine vidéo. Alors continuons à rouler. 7. Comment créer un préréglage: D' accord, donc vous êtes parti et avez créé un montage, juste ? J' ai mentionné que c'est l'édition que nous avons créée tout en faisant la vue d'ensemble de Lightroom. Ce n'est pas la meilleure édition, mais c'est néanmoins un montage, ce pourrait être votre style spécifique. Donc, disons que dans cette séance photo vous avez 50 photos que vous voulez regarder exactement de la même manière. Comment allez-vous faire ça ? Vous souhaitez appliquer la même modification à toutes ces modifications. Comment veux-tu faire ça ? Une façon est de faire un préréglage. Alors comment on fait ça ? C' est très simple. Donc, dans la moitié gauche ici, vous allez voir des presets ici j'ai quelques autres qui ont déjà fait et que j'ai téléchargé avant que j'ai appris de pas trop, ont environ dix ou environ ici. Mais disons que vous voulez que ce soit votre préréglage. C' est très simple. Vous allez cliquer sur l'icône plus ici pour ajouter de nouveaux préréglages. Et vous allez cliquer sur Créer un préréglage. Et puis cette pop-up va venir pour vous. Donc, les premières choses que vous voulez d'abord nommer votre préréglage. Donc je vais appeler cette robe de fleurs préréglée. Parfait. Et pour le groupe, vous pouvez créer un nouveau groupe. Je vais le faire entrer dans mes presets utilisateur, ce qui est juste ici. Et vous pouvez le faire faire des réglages automatiques, mais j'aimerais avoir plus de contrôle sur elle. Alors voyons tout ici. Ça va inclure dans ce préréglage. Nous voulions donc que le traitement et le profil soient la même chose. Nous voulons que la balance des blancs soit traduite. Nous voulions avoir le même ton de base sur tous. La courbe de ton, la texture, la clarté, tout ce que nous avons traversé sur la droite, il est en train d'enregistrer dans ce seul montage. Il ne va pas enregistrer quoi que ce soit comme des filtres gradués ou filtres radiaux qui va être à vous d'ajouter à chaque image spécifique. Ensuite, vous pouvez activer la correction de l'objectif. Je ne vais pas activer la correction de l'objectif pour celui-ci. Laissez-moi désélectionner cette transformation. Je n'ai jamais cette sélective parce que chaque image est différente. Ensuite, nous avons les effets, puis nous avons l'aversion du processus, l' étalonnage, tout ce que nous avons fait ici. Nous voulons que tout soit là et vous pouvez vérifier que tous sont vérifiés, aucun. Mais j'ai tendance à passer par cela moi-même et assurer que tout ce que je veux vérifier est vérifié. Alors assurez-vous que le vôtre ressemble à ceci et cela va sauver tout ce que vous voulez être inclus. Donc, vous cliquez ensuite sur Créer. Et on dirait que rien n'a changé. Mais passons ici à nos presets. Défilons vers le bas. Et si nous regardons attentivement, nous en avons maintenant un nouveau ici, robe de fleur prédéfinie. Maintenant, si vous voyez, si nous survolons et que rien ne change, c'est parce que le préréglage est déjà appliqué à cela. Alors, comment puis-je l'appliquer à une autre image ? Et vous pouvez le faire de deux façons. Alors j'ai tiré une autre image. Je ne sais pas si ça va marcher, mais donnons-le un coup. Si vous survolez les paramètres prédéfinis, il vous montrera un aperçu de ce qui va ressembler. Alors passons au-dessus de notre préréglage de fleurs. Je n'aime pas vraiment comment ça ressemble. C' est ainsi que vous pouvez l'appliquer à votre image. Il suffit de cliquer dessus. Et chaque modification que nous avons faite a été appliquée à cette image. Maintenant, par exemple, disons que vous voulez une autre modification. Donc c'est mon style personnel. J' ai TK 3-sat un que j'ai créé. C' est un Genet orange cyan. Mais je veux appliquer cela à toutes les images. Disons que j'ai une centaine d'images. Assurez-vous d'avoir la seule image que vous avez modifiée comme vous le souhaitez avec le préréglage que vous possédez déjà. Et vous pouvez déplacer sélectionner chaque image. Après cela, assurez-vous que vous êtes toujours sur celui que vous avez. Ensuite, vous cliquez sur Synchroniser. Et cela va synchroniser tous ces paramètres. Donc, le préréglage que vous avez fait à chaque édition, il ne va pas mettre sur la transformation ou la correction de l'objectif ou le recadrage, mais tout le reste bien, alors nous allons cliquer sur synchroniser. Et si vous appuyez sur la commande du contrôleur, il va désélectionner. Et maintenant toutes ces images ont le même Edit appliqué à la même orange cyan. Donc, si nous regardons, cela a cette édition orange cyan appliquée à elle, tout comme cette image. Donc, c'est une façon que vous pouvez créer un préréglage et appliquer à chaque image d'une prise de vue, à partir de votre flux entier, vous pouvez changer l'apparence complète de votre site Web ou votre flux Instagram pour correspondre à un style unique. est ainsi que vous pouvez créer un cadeau et l'utiliser au mieux de vos capacités. Donc, dans les trois prochaines vidéos, je vais passer en revue trois styles uniques de montage que vous pouvez apprendre et intégrer dans votre propre style. Alors continuons et passons en revue ces trois styles. Éditons ensemble. Et faisons ça. 8. Let's un style de film vintage: Maintenant, nous en sommes venus à la partie vraiment amusante. Nous allons faire quelque chose dont j'ai parlé tout à l'heure pour trouver votre style. Et c'est de la pratique. Vous devez vous entraîner, vous devez créer du montage, vous devez sortir et tirer. Et nous allons passer en revue trois styles différents dans les prochaines vidéos. Et ce premier sera un look de film vintage. Alors allons-y et faisons-le. Nous allons utiliser cette première image que nous avons ici. Assurez-vous donc de l'avoir téléchargé et importer comme nous l'avons fait plus tôt dans la vue d'ensemble de Lightroom Video. Donc on va commencer avec le mélange DNG de fille arc-en-ciel. Vous l'avez sélectionné et passons à notre onglet Développer. Nous allons donc faire un peu de montage là-dessus pour lui donner un look de film vintage. Maintenant, juste en l'important, vous pouvez constater qu'il y a déjà des modifications appliquées à cette image. Vous voyez que l'exposition a été réduite. Le profil n'est pas Adobe Standard. Donc, ce que nous voulons faire est juste de cliquer sur Réinitialiser. Cela va réinitialiser toutes les modifications qui ont été apportées à cette image et en faire l'original. Donc on va commencer par cette image. Tout d'abord, je veux changer le profil de ceci d'Adobe Color à Adobe Standard. Et c'est un changement très subtil, mais c'est juste le profil de couleur avec lequel je veux travailler. Ensuite, nous allons ajuster le ton de notre image. Maintenant, c'est un peu trop brillant pour moi. Donc je veux juste l'exposition d'abord parce que c'est un peu trop surexposé de mon goût. En fait, je tiens à le faire, peut-être à peu près. Allons-y, je veux faire 0.75.5. Vous pouvez également taper cela et vous assurer que vous avez un négatif là-dedans. Parfait, je peux frapper Entrée. Suivant. Je veux le rendre un peu plus plat. Le look de film vintage a un aspect plat à elle et la plupart du temps. Alors allons-y et faisons tomber ça. Juste à peu près moins 12. Rien de trop. Très gentil. Passons maintenant à cette section. Réglons nos points forts ou les ombres sont blancs et noirs. Alors maintenant, pour les faits saillants, allons-y et ramenons-les un peu. Je vais ramener ça à moins 14. Moins 16, c'est bien. Pour les ombres. Je veux parler de ça. Je veux ajouter un peu plus de détails aux ombres. Pas trop. Et pour le Whitehall et pour ramener ça à moins, renverser jusqu'à environ moins deux. Donc, comme je le vois, nous aplatissons notre image. Et c'est vraiment important ici. A côté des Noirs, nous voulons ramener ça à environ moins. Allons-y moins 20. Très gentil. Ensuite, nous allons aborder la section en bas avec la présence. Alors faisons défiler un peu vers le bas. Et je ne vais pas toucher la texture ou le D Hayes, mais je vais toucher la clarté. Je vais en parler un peu à 15, et je vous montrerai un peu avant et après chaque section quand nous le traverserons ou que nous le traverserons. Et enfin, ce que nous voulons faire, c'est avec notre saturation, nous voulions amener cela à environ plus. Faisons plus. Si je peux obtenir, je veux que ce soit comme plus quatre. Plus quatre. Voyons ce qu'on a fait ici ? Regardons notre avant et après. Cyclons avant et après et en voyant que nous aplatissons l'image, nous avons pris beaucoup de contrastes. Et c'est ce que vous voulez quand vous, quand il s'agit de ce genre d'images, nous ajouterons un peu de contraste plus tard en utilisant des techniques différentes. Donc, appuyez sur D pour revenir en mode boucle ou vous pouvez simplement cliquer sur ce bouton ici. Et maintenant, passons à notre courbe de tonalité. Très gentil. Et vous voulez vous assurer que si vous ne l'êtes pas déjà, vous voulez vous assurer que vous commencez sur votre courbe paramétrique, et c'est cette première petite bulle ici. Alors, comment allons-nous ajuster tout ça ? Eh bien, nous allons le faire en tapant des chiffres ici et vous pouvez simplement cliquer et faire glisser. Mais je veux être un peu plus précis sur ce que je fais et comment je le fais. Donc, pour les faits saillants, je veux faire descendre les faits saillants un peu plus comme nous le voyons. C' est vraiment un être pris sur sa veste ici. Et je ne veux pas trop filmer car on voit où les écrêtes ont été si légèrement ici et sur sa tête. Alors allons-y et faisons tomber ça. Allons-y moins 11 là-dessus. Très gentil. Maintenant, pour les lumières, nous voulions aussi faire tomber ça. Allons-y moins cinq là-dessus. Et maintenant, pour les sombres, nous voulons faire tomber ça où essentiellement tout faire tomber, je vais aller moins sept là-dessus. Et vous verrez quel plaisir d'ajouter certains des contrastes fact4 image. Allons-y moins 12. Et parlons de ça sur et hors. Vous voyez ce que l'ajout d'une partie de cela les contraster à notre image, mais d'une manière plus intentionnelle. La prochaine chose que nous voulons faire est de passer à notre courbe de points. Et ça va être la deuxième bulle par ici. Et c'est là que nous allons commencer à ajouter un peu de la courbe S que j'ai mentionnée précédemment. Tout d'abord, je veux l'écraser plus des noirs de l'image. Et comment allons-nous faire ça ? En tant que très simple, nous allons apporter cet avantage. Et comme vous le voyez ici, vous avez une sortie d'entrée. Donc, nous voulons parler de cela et nous assurer que la sortie sera autour. Je voulais avoir 60 ans. Ça semble un peu intense, mais c'est ce dont vous avez besoin. Très gentil. Et nous voulons en ramener une partie pour ne pas perdre tout ce contraste. Alors allons de l'avant et ajoutons un point ici. Et faisons tomber ça. Je veux faire baisser cela jusqu'à ce que la sortie soit d'environ 74 ish. Très gentil. Gardons-le en bas. Et nous allons ajouter un point de plus le long de cette courbe pour créer le S. et nous allons le faire sortir quelque part ici. Et le nombre spécifique, j'ai quelques numéros spécifiques de notés. Mais aux fins de cela, essayons de viser quelque part autour. Ici. Nous voulons que l'entrée soit autour de 144 et que la sortie soit autour de 170. Alors posons ça. Allons monter. Et comme vous le savez, si vous allez à gauche et à droite, ce sera votre entrée et la sortie sera de haut en bas. Donc nous avons cette courbe. Maintenant, bascule avant et après. C' est ce qu'on a fait. On a vraiment écrasé les Noirs dans cette image. Mais nous n'avons pas encore fini. Nous allons aller de l'avant et éditer la courbe pour le canal rouge et le canal bleu. On va sauter le vert pour l'instant. Allons donc au canal rouge. Et cela va être un petit montage très subtil. On va en ajouter 1 ici, et on va le ramener à environ 67 à ce sujet. 6467 est ce que je vise. 6465 lorsque l'entrée est bonne. Et puis on descend comme ça. Donc c'est le rouge. Ok, donc ce que nous avons fait ici, c'est que nous avons rapproché certaines des couleurs plus sombres pour les lire encore si légèrement. Ensuite, nous allons aller à notre canal bleu. Alors cliquez sur la bulle bleue ici. Et on va faire un peu ici. En fait, nous allons ajouter quelques points. Donc d'abord, encore une fois, je veux écraser le blues de notre image. On en a dans sa veste, on en a dans le reflet. Alors évoquons ça. Et faisons attention à sélectionner le bon point ici. Si vous finissez par ajouter un point et appuyez simplement sur Contrôle ou Commande Z pour annuler cela. Alors parlons de ça. Et comme vous le voyez, nous sommes en train de refroidir toute notre image ici. Je veux porter ça à environ 28. Très gentil. Maintenant, ajoutons un point ici et nous allons vouloir ramener cela près de l'endroit où se trouve cette courbe d'équilibre. Donc, nous voulons que ce soit autour de l'entrée de 65 ish. Allons-y entrée de 65. Ils vont sortir de 57. Alors descendons jusqu'à ce qu'on arrive à 57 ans. Et je vais vous expliquer exactement ce qu'on fait ici dans une seconde. Donc on a 6757, mais on veut que ce soit plus 6557, donc ça va être 6667. Maintenant, nous allons ajouter un point de plus ici. Nous allons commencer et ramener ça plus près de cette ligne médiane ici. Nous voulons que ce soit autour de 133121. Ça va être assez proche. 1.3.2 E122 commençait à ajouter ce millésime. Vous regarderez notre image. Très beau et très objectif. C' est tout pour la courbe de ton. Donc, si nous parlons de l'avant et de l'après, nous l'avons pris de cette image très plate à une image qui a beaucoup plus de caractère à elle, beaucoup plus de style plus de ce film vintage look très joli. Alors maintenant, nous allons vers notre panneau d'éclairage de saturation de teinte. On y va. Et nous allons sauter dessus. Commençons par l'onglet Teinte. On ne va pas trop ajuster ici, mais on va juste toutes les couleurs, mais pas trop si ça a du sens. Nous voulons donc rapprocher les rouges de l'orange, lui donner plus de ce ton sépia. Un peu de regarder quelqu'un à ça. Voyons voir, allons-y cinq. Et ce que nous voulons faire avec l'orange, nous voulons rapprocher ça du rouge. Donc, nous voulons trouver un peu de viande entre le rouge et l'orange. Donc, ramenons ça d'environ 20 assez. Le jaune, nous voulons le rapprocher du vert. J' ai l'impression qu'il y a beaucoup d'image de jaunissement. Je veux équilibrer ça un peu et le rapprocher du vert. Alors passons à environ, allons 37 à ce sujet. Et nous allons rapprocher le vert d' un peu plus près du jaune, désolé petit peu. Ensuite, nous allons nous attaquer à l'UCLA End of blue. Donc, le OK, eh bien nous voulons rapprocher ça du bleu. Donc on va y aller et ajouter un peu à ça. Allons-y plus, plus huit sur ça. Et le bleu, nous voulons rapprocher ça d'UCLA. Je veux être très proche de ça, ce ton sépia, ce look de film vintage. Donc, si vous étudiez des images de films photographiques, vous allez découvrir que la lumière fuit dans le film et que cela crée des couleurs différentes, des tons différents. Une des choses qui se passe est qu'il prend beaucoup de bleus et le rapproche d'un type de couleur aqua cyan. Et c'est ce que j'essaie d'imiter ici. Alors rapportons ce bleu un peu plus près du cyan. Je vais y aller avec moins 17. Et maintenant, nous allons nous attaquer au violet et au magenta. Je veux rapprocher le violet du magenta. Un montant assez important. En fait, je ne veux pas avoir beaucoup de violet dans cette image. Alors allons-y 2027. Et je voulais les rapprocher du rouge. Alors allons de l'avant et ajoutons porter cela à environ plus 17. Donc, si nous bascule l'avant et après, vous voyez que les couleurs ont changé de notre image. L' arc-en-ciel à l'arrière est beaucoup plus défini et notre modèle ici est mis à part de cela un peu plus juste à cause des couleurs. Ensuite, passons à notre onglet saturation. Et nous allons éclaircir avec la saturation de nos couleurs. Maintenant, une fois que vous apportez un peu plus de saturation dans les rouges et les oranges parce que c'est ce que nous allons faire ici était le travail du film vintage. Alors allons de l'avant et amenons la saturation de la lecture vers le haut. Pas encore trop, petit peu va beaucoup. Alors faisons à propos de plus. Voyons si on peut aller à plus 20. Si vous rencontrez des problèmes avec le curseur, vous pouvez simplement taper le numéro ici. Maintenant, pour l'orange, allons de l'avant et abordons cela avec la Saturation, environ 27. Très gentil. Maintenant, pour le jaune. Donc, je suis allé à D saturer le jaune en fait un peu jamais si légèrement. Je vais ramener ça à moins dix. Juste ces saturer un peu parce qu'il semblait que c'était un peu trop et vous êtes face au jaune. Ensuite, nous voulons ajouter un peu de saturation dans nos verts. Alors allons-y et faisons-le. Ne va pas plus de 10 pour celui-là. Maintenant pour l'aqua, je veux vraiment frapper la saturation parce que nous allons avoir beaucoup de ça dans sa chemise et sa veste ici et dans le reflet de cette fenêtre derrière elle. Allons-y et portons ça à environ 25. Peut-être même faire sauter ça et 27. Et portons cette saturation du bleu assez haut à environ 17. Et comme vous le voyez, sa veste commence à apparaître plus comme un reflet dans la fenêtre, créant un joli encadrement pour son visage. Ensuite, pour le violet, amenons un peu la saturation du haut. Allons jusqu'à dix. Et je ne vais même pas toucher à la saturation du magenta car il n'y en a pas, il n'y a pas beaucoup en magenta ici. Il y a un peu de violet dans son bandeau ici et dans le reflet là-bas. Donc, là, nous avons la saturation. Maintenant enfin, passons à notre panneau de luminance. Et nous ne toucherons que la luminance de l'orange, du jaune, du magenta et du violet. Donc, nous voulons ajouter un peu de noir dans notre orange, voulons ramener la luminance de cela vers le bas. Mais ça va être très subtil. Allons-y moins trois là-dessus. Si on peut l'avoir moins trois et qu'on va l'aborder avec le jaune, n'ajoutera pas un peu de blanc dans le train jaune. Laver un peu comme ces vieux films vintage. Regarde oncle plus cinq pour ça. Et maintenant, pour l'agenda enum violet, nous allons y ajouter du noir. Nous ne voulons pas que ces couleurs apparaissent trop. Quelqu' un pour faire tomber la luminance de ceux qui sont là. Je vais les assombrir. Donc, pour le pourpre, faisons tomber ça d'environ. Allons-y moins cinq. Et pour le magenta, ramenons ça à environ moins huit. Très gentil. Alors actionnons et désactivons ça. Qu' avons-nous fait de notre saturation de teinte et de notre lumière ? Nous avons fait beaucoup pour la tonalité de couleur de notre image. Ils sont significativement différents. Et je pense que ça a l'air très bien. Maintenant, on va sauter sur notre section tonifiante. Nous ne toucherons pas ça pour cette édition, mais nous allons aller de l'avant et faire un peu avec notre affûtage ici dans la section détaillée. Donc, tout d'abord sont l'affûtage et nous voulons augmenter l'affûtage de notre image. Allons de l'avant et augmentons cela à environ, passons à environ 85. On veut vraiment pousser ça. Et pour le rayon, amenons un rayon vers le bas. Et je vais vous montrer à nouveau l'avant et l'après de ce que fait cette section détaillée. Maintenant, quand il s'agit du détail et masculin, nous ne allons pas toucher le détail, mais le masquage, nous voulons faire passer le 40 à environ 47. Très, très gentil. Ensuite, nous avons notre réduction du bruit et vous voulez prendre cela de dix à zéro. Et on ne veut pas réduire le bruit. Nous voulons avoir tout le grain, tout le grittiness qui vient avec un look un peu film. Et c'est tout pour la section détaillée. Alors activez-le et désactivez. Vous ne voyez peut-être pas grand-chose ici, mais nous allons zoomer un peu. Et si on parle de « off » et « off », vous verrez beaucoup de changements qui se produisent ici. Il y avait beaucoup de muscles, beaucoup de grossier ici. Quand nous avons ça sur aussi lisse, beaucoup de ça dehors. Donc c'est très gentil. Alors faisons un zoom arrière. Très gentil. Et passons à notre section de correction d'objectif. On va activer la correction du profil. Et par défaut, il va l'activer pour Apple, Apple iPhone dix s.C' Apple iPhone dix s. est ce que cette image particulière a été prise avec. Et on va le garder et comme il est. Alors, à quoi sert cette correction de lentille ? Il corrige toujours aussi légèrement la distorsion qui se produit avec cette lentille particulière. C' est donc tout ce que nous voulons faire. Maintenant, nous allons passer au-delà de la section transformée et nous allons nous arrêter aux effets. Nous n'allons pas ajouter quoi que ce soit dans notre fichier image, nous voulons ajouter du grain. C' est un vieux filtre vintage et vieux look vintage que nous voulons faire. Allons-y et ajoutez-y du grain. Pas trop. Encore une fois, un peu va un long chemin. Et je vais continuer à le dire parce qu'il est très important de savoir quand augmenter le montant à environ 35. Et nous voulons diminuer la taille. Nous ne voulons pas que ce soit trop gros. Très agréable et rugosité. Nous voulions aussi les ramener à la rugosité. Nous voulions être très subtils avec ça. Alors maintenant, nous allons zoomer sur, regardons cette section. Vous verrez qu'il y a du grain dans cette partie de notre image. Parlons de ça avant et après avoir vu la différence. Très gentil. Je suis vraiment content de ça. Ça donne vraiment ce look de film. Finalement, passons à notre section d'étalonnage. La section qui, à mon avis, est la plus effrayante à la recherche. Mais tu ne devrais pas avoir peur. Tout ce que nous allons faire, c'est augmenter la saturation de notre Primaire Verte d'environ quatre. Et nous allons diminuer la saturation ou une primaire bleue, environ trois, ou disons par quatre, faisons quatre. Donc, si nous parlons de l'avant et de l'après, c'est un changement très subtil pour les verts et les bleus de notre image. Et on y va. Nous avons terminé ce style de film vintage. Et maintenant regardons l'avant et l'après de cette image. Il s'agit là d'un changement important. Si vous avez votre flux entier avec ce style, que vous avez un style unique, style très unique. Vous pouvez ajuster tous ces paramètres à vous-même. Revenons dans la vue de Luke et transformons cela en un préréglage comme nous l'avons fait avant. Ça va être très simple. Nous allons cliquer sur cette icône plus par presets. Créer des préréglages. Et on va appeler ce millésime sans coeur et devenir créatif avec la façon dont tu nommes les choses. Donc je vais tout garder comme il est. Je ne vais pas inclure la transformation, et je ne vais pas inclure la correction de l'objectif. C'est tout ce qu'on veut. Cliquez sur Créer. Et nous avons maintenant un préréglage appelé un bord de film vintage. Très, très gentil. Le sel permet de revenir dans notre bibliothèque. Ensuite, nous allons faire un style grunge que l' un de mes photographes préférés utilise, Peter MacKinnon, il a un coup de poing très grunge dans votre visage, contraste le style, et je vais vous montrer comment faire avec notre prochaine image. Alors continuons et faisons le style numéro deux. 9. Let's un style de grunge à contraste élevé: Très bien, et nous sommes prêts à entrer dans le style numéro deux, et ce sera un style grunge à contraste élevé. C' est un que j'aime personnellement. Ça a fortement influencé mon style personnel. Alors faisons ça ensemble. Entraînons-nous, apprenons, entrons-y. Donc, pour celui-ci, je vais utiliser cette deuxième image que vous avez téléchargée appelée Looking up CR2. Assurez-vous que vous avez importé le. Et passons à notre onglet Développer. Très gentil. Donc, en regardant cette image, elle est très délavée, elle est très simple. Il n'y a pas beaucoup de contraste et nous voulons changer celui-ci pour rendre cela plus cinématographique. C' est le point d'un look grunge à contraste élevé qui le rend plus cinématographique et vraiment frappant dans votre visage. Et j'aime vraiment ce style. Alors remontons jusqu'au sommet. Si vous n'êtes pas déjà en haut de ce menu latéral ici. Et cela commence à ne pas vouloir changer le profil de couleur Adobe à Adobe Standard. Et je ne vais même pas toucher la température ou dix pour celle-là. Pas du tout. Et je suis content de l'exposition. Ce que je vais faire, c'est que je vais commencer à augmenter le contraste. Je vais commencer ici très subtilement. Je vais faire plus 11 sur ça juste pour faire tourner les choses. Et ramenons les faits saillants. Il n'y a pas beaucoup de points forts, mais je veux ajuster les points forts de plus tard. Alors amenons-le ici d'abord. Et nous allons vraiment l'écraser en fait, nous allons ramener ça à environ moins, faisons-le moins 16. Et pour les ombres allaient porter ça à environ 50. Faisons 51. Nous rendons notre image plus flatteuse avant de la rendre plus contrastée. Et cela prend du temps. Ensuite, nous allons nous ajuster. Les Blancs allaient vraiment le faire descendre jusqu'à moins sept. Et nous allons faire tomber les Noirs très peu. Faisons moins deux. Très, très gentil. Et nous allons maintenant passer à notre section actuelle. Encore une fois, je ne vais pas toucher la texture ou D Hayes, mais je n'augmenterai pas la clarté de notre image. Allons à environ, passons à environ plus 12 pour ça. Très gentil. Et je vais seulement ajuster la saturation, donner un peu plus de saturation à nos couleurs et du plus cinq. Alors qu'avons-nous fait de ça ? Mettons notre avant et après. Nous avons donc aplati notre image à la fois avec le contraste et la couleur. Mais nous allons ajouter tout cela à nouveau, à venir dans les prochains petits onglets ici. Revenons donc en mode boucle. Vous pouvez cliquer dessus ou appuyer sur D sur votre clavier. Alors passons à notre vue en boucle. Et nous allons commencer ici sur notre courbe paramétrique. C' est la première petite bulle que vous voyez ici. Donc je vais m'assurer que vous êtes sur la courbe paramétrique. Et encore une fois, je vais taper les chiffres ici parce que vous ne pouvez pas obtenir un clic spécifique et faire glisser ceci ici. Donc, nous allons faire des contrôles sur cela. Donc, pour les faits saillants, je veux commencer à ramener les faits saillants ici. Je vais faire plus 20 sur ça. Appuyez sur Entrée. Très, très gentil. Et maintenant, pour les lumières, nous allons l'élever ainsi que d'être 15 sur ça. Vous voyez, nous ramenons une partie de ce contraste à notre image. Pour les sombres, faisons un plus sept là-dessus. Mais pour les ombres allaient faire tomber ça, je vais aller moins dix sur ça. Et déjà avant et après quoi ? Ajout de contraste dans notre image. Très gentil. Maintenant, nous allons sauter notre courbe de points ici. Nous n'avons pas besoin d'ajuster trop. Là. Donc, si nous cliquons sur ça et nous pouvons juste laisser ça tel quel. Paul, nous allons ajuster chaque canal ici cette fois en commençant par notre canal rouge. Donc nous n'allons pas écraser ce genre de noir comme nous l'avons fait pour le montage vintage. Nous allons créer un contraste avec cela et cela va utiliser des courbes S, quelque chose que j'ai mentionné précédemment pour mon style personnel, courbes de glace S beaucoup. Et c'est quelque chose que je vous encourage vivement à expérimenter. Vous pourriez trouver que vous aimez vraiment utiliser des courbes S aussi. Alors allons de l'avant et cliquez sur notre premier ici. Et faisons tomber ça. Je veux ramener cela à environ 70 sur l'entrée, et je veux qu'il soit environ 38 sur la sortie. On y va. Faisons 3769. Très gentil. Maintenant, cela a l'air très, très vert cyan, pas très bon. Nous allons réparer ça. Ne vous inquiétez pas. Maintenant, nous voulons ramener le point médian au point médian ici. Alors, cliquez sur un point ici. Et amenons cela à un peu le point médian ici à environ 130 à 139. Voyons si on peut deviner où c'est 132. Et puis 1.3.6, allons-y que 138 et nous y allons, un 33, 138 mètres assez près. Et enfin, nous voulons soulever le point en haut ici. Et ça va être vers 204222. Donc, c'est en fait un très bon point de départ ici. Alors allons à o pour si on peut l'avoir. Et puis à deux H12 O6, deux contre un, ça va être assez proche. Ce n'est pas trop beau, n'est-ce pas ? Mais qu'avons-nous fait ici ? Ce que nous avons fait, c'est que nous avons apporté les noirs, les noirs de l'image le plus proche du vert. Ainsi, comme vous le voyez, les parties sombres de l'image sont plus proches du vert. Et nous avons combattu les reflets, les parties claires de notre image plus près de ce rouge. Donc vous voyez ça sur sa peau et dans le ciel ici. Maintenant, pour la courbe de ton vert, je vais vraiment taper les chiffres. Je vais te montrer une autre façon de faire ça. Donc, le premier que nous allons ajouter, nous allons ajouter un point ici. Et tu peux taper le numéro N. On va aller au 36. Et on va taper 12. Donc, en ajoutant du violet maintenant dans les sombres de notre image, nous allons ajouter un autre point quelque part par ici. Et ce point va être autour de 78. Et la sortie va être autour de 57. Ne jamais essayer d'avoir ce look cinématographique. Et cette fois, nous n'allons pas ajouter un point médian à cela. Nous allons ajouter un point élevé. Je vais soulever un point quelque part et nous allons taper des chiffres précis. Nous voulons que ce soit 175. Et nous voulons que la production soit 198 ici. On y va. C' est de plus en plus à ce look cinématographique que nous essayons d'adopter avec ce style Ranjay très contrasté. Finalement, passons à notre courbe de ton bleu. Et je vais continuer à taper mes numéros ici par souci de simplicité. Commençons à nouveau par le fond. Nous voulons rapprocher nos sombres des jaunes. Et une fois le petit jaune de retour dans ça pour contrer ce qu'on a déjà fait. Alors, cliquez sur notre premier ici. Et ce sera 29, et la production sera juste neuf. Très simple. Notre prochain point sera. Partout où je peux cliquer ici si je le voulais. Et ce point sera à 7353. Alors assurez-vous de taper ça aux bons endroits. Entrée 73 sur 53. Très gentil. Nous allons ajouter un point ici. Nous voulons que ce point soit au milieu de notre ligne d'équilibre. Donc nous allons nous assurer que ce sera à 129 et Alpha sera 133. Parfait. Et nous allons ajouter un point de plus pour compléter la courbe S. C' est juste faire glisser ça vers le haut. Et nous allons taper ceci manuellement à nouveau pour être 188, déjà très proche de la fin. Regarde qu'on avait déjà 211. C' était une supposition géniale. Et regarde ça. On en a fini avec la courbe de ton. Eh bien, regardons l'avant et l'après de exactement ce que nous avons fait avec ça. Donc si nous leur avons enseigné avant et après, nous avons ajouté le contraste là où c'est important où nous le voulions, nous étions très intentionnels avec les couleurs et conscients que nous les prenions, nous prenions les sombres dans le cyan, aussi dans le magenta, et dans le jaune. Nous avons donc refroidi cela, refroidi les fléchettes avant d'y ajouter un peu de chaleur. Et en même temps avec les faits saillants, nous y avons ajouté un peu de chaleur, quelques tons chauds ici, avant d'ajouter un peu de fraîcheur pour l'équilibrer. D' accord, alors ensuite, nous allons descendre dans notre section de saturation et de luminance. Et modifions ces paramètres toujours aussi légèrement. Alors, on va descendre ici maintenant. Alors commençons par la teinte. Et encore une fois, vous pouvez taper des nombres ici aussi. Donc je vais taper pour celle-là. Donc vous voyez différentes façons de faire ça. Et vous pouvez parcourir tous ces éléments. Vous pouvez simplement tabuler vers le bas. Donc, je vais me taper. Cela peut vous aider à accélérer votre flux de travail. Donc, pour le rouge, nous voulons le rapprocher un peu de l'orange. Je veux vraiment que ça soit plus chaud. Du sel. Faisons plus 11 pour ça, pour l'orange. Rapprochons encore ça du rouge, je veux trouver le point du milieu. Alors faisons Vout moins 12 là-dessus. Et je vais vous montrer l'avant et l'après de l'énorme Luminance de Saturation ainsi que nous allons faire. Maintenant, pour le jaune, rapportons ça plus près de l'orange. Moins 11. Un peu va un long chemin. Souviens-toi, maintenant pour le vert, je veux l'éloigner du jaune, rapprocher ça du vert. Alors faisons plus six sur ça. Et l'UCLA, je voulais rapprocher ça du bleu. Je ne veux pas avoir autant de cyan dans cette image. Alors allons de l'avant et ajoutons un peu de ça, juste plus quatre. Et pour le bleu, nous allons nous rapprocher de l'Aqua avec un moins six. Très gentil. Maintenant, pour le violet et le magenta, je vais avoir tous les deux autour de sept. Très gentil parce que ce qu' on fait, on rapproche les violets du magenta et on rapproche le magenta au rouge. Donc essentiellement, nous nous débarrassons de tous les bleus violets qui sont dans cette image. Donc, si nous en parlons avant et après, vous pouvez voir certaines des couleurs changer dans sa chemise, sur son visage et son ellipse, ce qui a fantastique. Passons à notre onglet saturation ici. Et je veux vraiment me débarrasser de l'image autant verte et maladroite que possible. Donc nous allons être très intentionnels ici. Commençons par notre vert. Essentiellement, nous allons tout désaturer. Alors commençons par le rouge. Allons-y moins 12 sur le rouge. Allons-y moins sept sur l'orange et le jaune. Je veux qu'elles soient aussi équilibrées que possible. Maintenant, pour le vert, je ne veux pas de vert dans cette image. Alors allons-y moins 58. Et de l'aqua, faisons moins 14 rayons. Joli. Et pour le bleu laisse saturer que deux moins 27 et pour le violet moins 24. Donc, comme vous le voyez pour commencer à vraiment diffuser ces couleurs et créer ce regard grungy cinématographique que nous voulons vraiment atteindre. Enfin, nous voulons la luminance, et nous allons seulement ajuster la luminance du rouge, du vert, du bleu aqua. Alors commençons par le rouge. Nous voulons essentiellement sombre et toutes ces couleurs. Donc, pour le rouge, allons de l'avant et ramenons ça à moins 16. Maintenant, passons à notre vert comme du moins huit sur le vert, moins deux sur l'UCLA et moins 20 u. laissez-moi taper ce moins 21 sur le bleu. Alors qu'avons-nous fait ici ? Nous l'avons vraiment désaturé, ajouté du Black, ajouté du Black à nos couleurs et vraiment créé un look plus cinématographique, Moody. Très, très gentil. Donc, nous avons fini avec le curseur de luminance de saturation de teinte ici. Alors continuons à descendre ici. On va sauter sur la tonification divisée. On va sauter sur les détails. On va sauter sur la correction de l'objectif. Nous n'avons pas besoin de faire de correction d'objectif pour cette image, n'avons pas besoin de faire de transformation de cette image. Mais nous devons faire en sorte que nous n'ayons pas de vignette et pas de grain parce qu'il y a déjà beaucoup de grain dans cette image. Nous allons donc nous arrêter à la toute dernière section de l'étalonnage. Et cette fois, nous allons ajuster les primaires rouges, vertes et bleues. Donc pour la primaire rouge, et rapportons ça plus près de notre orange jaune ici. Alors amenons ça à environ. Faisons plus 11. Très gentil. Maintenant, pour la Primaire verte, rapportons la teinte de cela à une connexion. Alors faisons plus quatre là-dessus. Mais on va le désamorcer en même temps d'environ cinq. Enfin, il, nous allons changer la teinte primaire bleue pour être plus proche du bleu au lieu du cyan ici. Alors faisons plus, voyons, plus sept là-bas. Et nous allons aussi augmenter une saturation de cela toujours aussi légèrement. Donc, si nous bascule l'avant et après de cela, vous voyez quelques petits changements de couleur se sont produits, principalement dans le teint de la peau. Je me suis débarrassé d'un peu de magenta dans la peau et je l'ai rendu un peu plus cinématographique. Et on y va. C' est notre montage de style grunge très contrasté, qui est très cinématographique, très similaire à l'un de mes photographes préférés là-bas, Peter MacKinnon. C' est pourquoi pour s'inspirer de cette édition. Jetons un oeil à l'avant et après de cela. Alors, cliquez sur ce regard à cela. C' est un changement radical dans notre image et je suis vraiment content de la façon dont il est sorti. Revenons donc en mode boucle. Retournons dans un onglet de bibliothèque. Et pour le style final, je vais vous montrer mon style personnel, qui est un style d'édition orange cyan. Et continuons avec ça. Entraînons-nous. Développons notre style ensemble. 10. Let's mon style: Et nous sommes prêts à faire notre troisième et dernier style pour aujourd'hui. Et c'est mon style personnel. Mon style personnel est un très contrastes. Ces type de style orange cyan que j'ai vraiment aiguisé au cours des deux dernières années que j'ai vraiment aimé. Je veux vous montrer comment j'ai réalisé mon style personnel. Donc ce qu'on va faire avec notre image finale ici, qui s'intitule se cacher. Maintenant, les premières choses que vous voyez d'abord cela n'est pas tourné correctement. Vous pouvez donc cliquer sur ces flèches en bas, à gauche et à droite pour faire pivoter notre image. On y va. Maintenant, passons à notre onglet Développer, et allons jusqu'au sommet. Très gentil. Alors commençons ici. Tout d'abord, je veux m'assurer que je suis un Adobe Standard. Beaucoup de mes modifications ne sont pas toujours standard, et c'est ce que j'aime modifier la taille de la fenêtre que vous pouvez voir dans toutes les images que nous avons éditées aujourd'hui, j'utilise le profil Adobe Standard. Tout d'abord, je veux refroidir un peu cette image. donc très chauds. Alors allons de l'avant et ramenons ça à environ. Allons le faire tomber. Je veux que ce soit autour de 5100. Et si vous ne pouvez pas obtenir le nombre exact, celui-ci est très difficile à obtenir directement sur ce curseur si vous voulez un nombre spécifique. Donc je vais juste aller 5100 là-dessus. Et donc les teintes, je vais laisser ça tel quel. Maintenant, pour l'exposition. C' est un peu surexposé. Donc, je veux faire tomber ça d'un bout à l'autre. On va descendre de 0,97. Très gentil. Et je veux commencer à augmenter le contraste ici. Alors passons au plus 34. Si je pouvais obtenir ce 33 ira bien. Et je veux me débarrasser de tous les faits saillants donc j'apporte le tout le chemin vers le bas un 100%. Ensuite, avec les ombres, je veux avoir des détails dans l'ombre. Donc, ramenons ça presque complètement à environ 70. Allons-y 77. Et amenons les Blancs à environ 50. Allons-y 56. Très gentil. Et encore, les Noirs, je vais porter ça à environ 35. Très gentil. Je suis content de ça. Maintenant, allons par ici. Je vais parler de la clarté. Andy Hayes, comme vous le remarquez, je ne touche pas vraiment la texture. Donc, pour plus de clarté, je veux vraiment faire tomber ça. Je veux adoucir cette image parce que c'est un portrait. J' ai tendance à les adoucir encore si légèrement. Et donc le D Hayes, je veux porter ça à environ 37. Très gentil. Et maintenant, pour notre vibrance, je veux faire monter la vibrance un peu plus 11, mais je suis allé dire la saturation vers le bas. Donc je vais ramener ça à moins sept. Très gentil. Je ne suis pas fan des courbes de tonalité. Je n'aime pas trop passer mon temps là-dessus. Donc je ne fais rien avec le bleu, le vert, les canaux rouges, mais je fais des trucs sur la courbe ponctuelle et les courbes paramétriques. Commençons par la courbe des points. On doit ? Encore une fois, j'utilise une courbe S et toutes mes modifications. Alors commençons par ce premier bas en bas à gauche. Je veux parler de ça. Je veux porter ça à environ 24 et je suis allé écraser tous les Noirs ici. Et maintenant, commençons à rajouter un peu de contraste dans notre image. Donc le premier que nous allons ajouter va passer à 4850. Très gentil. La seconde que nous allons ajouter va aller à un 103111. Très gentil. On va en avoir un troisième ici. À mon, ma courbe de points a plus de points que les autres modifications que nous avons apportées, mais c'est juste la façon dont je travaille. C' est un style qui me correspond. Alors continuons ici. Ajoutons notre troisième. Et ça va être à 147. Étaient déjà très proches de la 0.159. Très gentil. Et nous allons ajouter un dernier point ici pour nos points forts, pour les lumières de l'image. Et on va porter ça à 105. Et la production ici va être 209. Donc, nous sommes incroyablement proches de lui. Très gentil. Voyons donc ce qu'on a fait avant et après. Comme vous le voyez, nous avons croisé une partie de la, le noir et l'image à contraste élevé. Et nous avons vraiment créé une sensation presque vintage à l'image juste par ceci. Très gentil. Donc maintenant, si nous nous dirigeons vers notre courbe paramétrique, nous voyons que la courbe est juste comme nous voulons et nous n'allons rien faire ici parce que nous venons de l'avoir dans nos courbes de points. Très gentil. Ensuite, passons à notre section de luminance de saturation de teinte. Et passons à notre teinte. Commençons par le Whew. Maintenant, je ne vais pas m'adapter à beaucoup d'ici. Je vais seulement ajuster le jaune, le vert, l'UCLA End of loop, juste ces quatre. Ce que je veux faire, c'est rapprocher les jaunes de l'orange. Donc je vais faire tomber ça d'environ moins 27, Ryan Ice. Et pour le vert, je veux rapprocher ce chemin du jaune. Je ne veux pas de vert dans cette image. Alors faisons moins 71. Impressionnant. Et puis pour la citation tout entière, rapportons ça au bleu. Donc on va ajouter 30 à ça. Et pour l'île bleue de rapprocher ça, trop gênant. Encore une fois, j'essaie de trouver ce point intermédiaire entre les deux. Et c'est moins 23. Très gentil. Passons à notre onglet saturation ici. Très gentil. Alors maintenant, nous allons seulement toucher le couple le plus haut ici. On ne touchera pas le violet ou le magenta. Donc pour que le rouge ou que ça soit plus saturé, on va aller plus 19 pour ça. Mais nous voulons apporter la saturation de l'Orange et vers le bas. Allons-y moins 28 parce qu'il devenait un peu trop saturé dans la peau. Alors amenons la saturation jaune à environ 22 pour le vert et nous voulons la désaturer. Comme je l'ai dit, je ne veux pas de ça sur l'image. Même vague, le bleu aqua. Les deux seront les saturés de moins 16, moins 34 respectivement. On y va. Maintenant, passons enfin à notre onglet luminance. Et ici, nous allons seulement ajuster la luminance de R sont égaux et le bleu, je veux changer la luminance de ce qui se passe à l'arrière ici. Donc pour l'aqua, on va porter la luminance de ça à environ 39 et ajouter du blanc à ça et au bleu de l'image, on veut y ajouter du noir. Donc c'est moins 24. Alors qu'avons-nous fait de la luminance de saturation de la teinte ? Nous avons vraiment changé le ton de couleur de notre image et la saturation. Maintenant, on va aller à l'une de mes parties préférées et c'est split toning. On va fractionner notre image. Et nous allons trouver une couleur de surbrillance ici, puis est plus dans la famille jaune, orange chaud ici. Alors passons à environ, trouvons une bonne couleur. Allons à environ 37. C' est très gentil, mais c'est un peu trop saturé. Alors amenons la saturation de ça presque tout le chemin. Allons-y avec environ sept pour ça. Maintenant, pour les ombres, vous pouvez cliquer ici et on va aller chercher une couleur bleue. Alors voyons. Je veux en faire un qui est autour de la nationale sexuelle précoce en 215. J' aime ça. Et nous allons vouloir ramener la saturation de cela aussi à environ moins 13. Vous pouvez cliquer sur X ici pour fermer cela. Et activons et désactivons ça. C' est un changement majeur à notre image, c'est vraiment ajouter ce split tone que j'utilise dans beaucoup de mes images. J' adore split toning, C'est mon style. Donc maintenant, nous pouvons à peu près centrer sur tout le reste sur le site ici jusqu'à ce que nous arrivions à notre section d'étalonnage dans la section finale ici. Et ce que je vais faire, c'est que je vais à la primaire rouge, vert et bleu, tout ça. Alors rapportons notre lecture au jaune, orange. Faisons plus 11 là-dessus. Et nous allons les saturer un peu, beaucoup à moins cinq là-dessus. Maintenant, pour le vert, on va l'amener jusqu'au jaune. On va aller deux moins, moins 39. Nous ne voulons pas de vert dans cette image. Souviens-toi de ça comme mon style. Et en même temps, nous allons aussi saturer ça un peu. Et enfin, ce que nous allons faire, c'est pour la primaire bleue, nous allons rapprocher ça du cyan. Donc je vais aller moins, allons-y moins 16 sur ça. Et très gentil. Et on va saturer ça de 10 ou 11 ans. On y va. Et ça affecte le bleu en arrière-plan ici. Et c'est mon style personnel. C' est très similaire au style Peter MacKinnon, le style grognements à contraste élevé que nous venons de faire dans la vidéo précédente. Mais c'est un peu différent ton de couleur en utilisant beaucoup plus de science et d'oranges. Et c'est ce que vous pouvez trouver sur mon site web, sur mon Instagram et tout le travail que je fais. Jetons donc un coup d'oeil à l'avant et à l'après de cette modification que nous avons faite en cliquant ici et regardons cela. Il s'agit là d'une différence substantielle par rapport à l'avant. Elle se fond presque dans l'arrière-plan. n'y a pas beaucoup de différence entre les deux, la couleur sage, vous savez. Mais dans notre après nous l'avons vraiment distinguée, nous avons refroidi l'arrière-plan. Nous avons gardé son teint de peau, sa couleur pour vraiment le mettre en évidence et vous savez, et vraiment créer ce sentiment de profondeur, un sentiment de contraste dans notre image. Revenons donc dans notre vue en boucle, et revenons dans notre bibliothèque. Et on y va. Nous avons fait trois modifications ensemble et j'espère que vous avez beaucoup appris. Ça a été vraiment génial. Soit temps vraiment amusant vous apprendre ces styles, pratiquer avec le gong à travers ceux-ci avec vous. Et j'espère vraiment que vous les appliquez à votre propre style que vous trouverez votre propre style. Ensuite, je vais vous parler de ce que vous devez faire pour développer votre propre style. 11. Aller de l'avant: Et nous approchons de la fin du cours. Mais où allons-nous à partir de maintenant ? Où devriez-vous aller, aller de l'avant après la fin de ce cours, après avoir continué à créer ? C' est très simple. N' abandonnez pas, n'abandonnez pas la pratique, continuez à pratiquer. Ça va prendre beaucoup de patients. Les patients et la pratique seront essentiels pour vous dans le développement de votre propre style unique. Ça va prendre du temps, ça va prendre des efforts. Ça n'arrivera pas du jour au lendemain. Et ça peut prendre des années pour moi, ça a pris des années, mais ça vaut la peine. Cela rapporte des dividendes à la fin, lorsque vous êtes finalement satisfait dans le contenu que vous mettez en vente pour d'autres, ainsi que le contenu qu'ils finissent par donner à vos clients. Il aide à construire votre marque, aide à créer cette empreinte unique qui rend votre style spécifique vous. Et c'est ce qui est à emporter pour toute cette leçon. Prenez son temps, perfectionnez vos compétences. Allez-y et continuez à créer et ne vous arrêtez jamais. Dans la prochaine vidéo, je vais revenir sur quelques réflexions finales fin de ce cours et parler de la façon dont vous pouvez utiliser certains de mes presets personnels pour vous aider dans votre éducation en développant votre propre style personnel, vous pouvez apprendre de mes presets. Vous pouvez modifier mes propres Presets et aller de l'avant à partir de là. Alors allons-y et entrons dans nos dernières pensées. 12. Réflexions finales: Et là, vous l'avez. Tu l'as fait tout au long de ce cours. Vous l'avez fait tout au long de l'édition de Lightroom, définissant votre style et l'importance des préréglages. J' espère vraiment que tu as beaucoup appris. Je suis presque sûr que vous l'avez fait, et j'espère que vous pourrez prendre ce que vous avez appris dans ce cours et l'appliquer à votre vie, à votre montage, à votre art à l'avenir. Maintenant, assurez-vous de ne pas oublier la mission pour ce cours. Si vous revenez à cela, votre mission et votre vidéo dans ce cours pour voir ce que vous devez faire et comment vous pouvez être mis en vedette. Et mon prochain cours. Maintenant, pendant le cours, j'ai parlé de mes propres Presets. Comment tu peux, comment tu peux obtenir mes presets. Ou en ce moment, si vous vous dirigez vers mon site Web, www dot il réel Tom Chich.com et dirigez-vous vers la section presets de mon site Web. Vous pouvez l'acheter et pack de presets que j'ai fait à un prix très, très bas. J' ai fait un prix bas pour le rendre abordable et accessible à tout le monde commence le plus du niveau débutant au niveau intermédiaire et avancé. Et je veux juste vous aider. J' espère que vous allez vérifier ça et peut-être utiliser mes presets. Si vous ne vous êtes pas déjà rendu sur ma page de professeur, j'ai fait une pléthore d'autres cours déjà sur Photoshop et Lightroom, fois la manipulation de photos et les techniques de retouche photo Lightroom. Alors Op, allez voir ça. Je suis sûr que vous en apprendrez beaucoup. Je suis vraiment heureux que vous ayez choisi de vous inscrire à ce cours et que vous l'ayez suivi. Cela demande beaucoup d'efforts, beaucoup de détermination. Et je vous félicite pour votre excellent travail à ce sujet. Et j'espère que ça t'a vraiment aidé à développer tes compétences et je vais t'aider à avancer dans ta carrière artistique et photographique. Si vous avez apprécié ce cours, veuillez laisser un commentaire. Je suis plus qu'ouvert à la critique, à la critique. Et aussi bien que les bonnes choses que vous aimez. Assurez-vous de laisser une note sur le cours qui m'aide en tant que professeur. Et s'il y a autre chose que vous aimeriez apprendre, assurez-vous de laisser un commentaire sur ce cours. Faites-moi savoir ce que vous aimeriez apprendre. Je serais plus qu'heureux de vous l'apprendre. Déménager pour ça. J'espère vraiment que vous serez en mesure de trouver votre propre style. J' espère que j'ai été en mesure d'aider avec ça et que vous allez créer votre propre empreinte de pouce et ça va faire de vous et de vos dessins vous. Et c'est la chose la plus importante que je veux que vous enleviez de ça. Ce fut un plaisir de vous enseigner aujourd'hui et j'espère vous voir dans un autre de mes cours. Prends-le doucement.