Écrire des mélodies plus percutantes : Leçons tirées des arbres, de la fumée, des muscles et des vagues (Composition musicale)

1. Introduction du cours: Hé, je m'appelle Jonathan Hitle. Ce cours va être tout sur les façons d'écrire des mélodies plus fortes. Commençons par une question. Pourquoi exactement certaines chansons et certaines mélodies résonnent si profondément avec nous ? Quand je me suis assis un peu avec cette question, voici ce qui m'est venu. La plupart du temps, quand quelque chose résonne vraiment profondément avec nous, est parce qu'il imite ou similaire au monde naturel qui nous entoure, à la nature. Par exemple, partout dans le monde, dans toutes les cultures, les gens sont attirés par la musique avec un rythme constant. En quoi cela est-il similaire à la nature ? Eh bien, dans notre corps même, nous avons un cœur qui bat à un pouls constant, et nous en dépendons pour notre survie même. Bien sûr, nous résonnons avec des choses qui ont un rythme constant. Le rythme nous garde littéralement en vie. Pour ce cours, alors que nous plongons dans des façons d'écrire des mélodies plus fortes, je vais utiliser des exemples de la nature comme cadre et comme chemin dans le matériel. Nous allons voir ce que les arbres, la fumée, les muscles et les vagues ont à nous apprendre à écrire des mélodies plus fortes. Si cela vous semble intrigant, inscrivez-vous à ce cours et plongez profondément dans l'anatomie d'une mélodie, ce qui est juste une fantaisie et trouvez notre façon de dire la théorie musicale. 2. Trees: Qu' est-ce que les arbres ont à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes ? Comme je l'ai déjà mentionné, nous résonnons avec des choses qui sont semblables au monde naturel qui nous entoure. Lorsque vous regardez un arbre, l' une des caractéristiques les plus distinctives est le motif dans les branches. Sans surprise, vous pouvez trouver le même modèle dans notre corps. C' est une image des veines pulmonaires, des vaisseaux sanguins qui sont dans nos poumons. Avec les deux branches d'arbre dans vos veines, je veux attirer votre attention sur quelque chose de spécifique. Ils ont un certain nombre de motifs plus petits qui sont très similaires les uns aux autres, et ils se combinent pour faire une forme plus grande. et c'est exactement la même structure qu'une mélodie. mélodies ont également un certain nombre de motifs plus petits qui se combinent dans une forme plus grande. Dans une théorie musicale, ceux-ci ont des noms spécifiques. Le plus petit motif est appelé un motif, et vous les combinez ensemble pour faire une phrase. Arnold Schoenberg, un célèbre compositeur a défini un motif comme une unité contenant une ou plusieurs caractéristiques d'intervalle et de rythme dont la présence est maintenue tout au long de la pièce. Maintenant, c'est une définition extrêmement académique d'un motif. Je vais essayer de vous donner une version plus simple. Un motif est le bloc de construction à partir duquel vous faites une mélodie. Semblable à h ow Legos ont ces formes très basiques et simples. Mais à partir d'eux, vous pouvez créer une variété étonnante de choses. Un motif a essentiellement deux éléments, un rythme et un intervalle de notes distinctifs. Pour vraiment comprendre cela, écoutons ce qui est probablement le motif le plus célèbre de tous les temps. Cinquième Symphonie de Beethoven est aussi un excellent exemple parce qu'il met le motif au début, et c'est si simple et si simple vous pouvez vraiment voir la magie qu'il crée ce que cette pièce. Si nous regardons de plus près ce motif, vous pouvez voir les deux éléments. Nous avons le rythme et nous avons l'intervalle. Maintenant, écoutons comment il prend ce motif et le transforme en une phrase, et juste là, il a déjà fait quelque chose de significatif avec ce motif. Il l'a répété, mais il l'a déplacé à une autre note, et cela a changé l'intervalle ici de troisième majeur à un tiers mineur, et c'est l'essence du développement mélodique. Vous prenez un motif et vous le changez de manière subtile. Maintenant, en gardant cela à l'esprit, écoutons ça à nouveau. Dans cette section suivante, il maintient la partie rythmique du motif cohérente. Mais il commence vraiment à jouer avec la variation des intervalles de notes. Nous avons un troisième majeur, une seconde mineure, un troisième mineur, un quatrième parfait, et vous ne pouvez pas vraiment le voir ici, mais c'est une seconde mineure. Écoutons ce que ça sonne. Prenons l'inspiration de Beethoven, et nous allons construire notre propre mélodie, mais la rendre un peu plus contemporaine. Je vais volontairement créer une mélodie très simple et basique, principalement parce que je veux que vous puissiez voir le motif et le développement très clairement. J' ai créé une mélodie de base avec laquelle nous pouvons travailler. Écoutons d'abord, puis je vais le décomposer pour toi. Pour rappel, nous n'essayons pas de créer la meilleure mélodie de tous les temps. Ne vous laissez pas distraire sur si vous avez aimé cette mélodie ou non. Nous l'utilisons comme illustration pour comprendre le processus de développement mélodique, quelque chose que vous pouvez faire à n'importe quelle idée mélodique. Dans cette mélodie, vous avez peut-être remarqué qu'il y a deux motifs primaires. Il y a cette idée, qui se répète deux autres fois, et il y a cette idée. Vous pourriez même argumenter que le deuxième motif n'est vraiment pas un nouveau motif du tout. C' est vraiment juste un développement du premier utilisant cet intervalle ici, encore et encore. Commençons notre développement en travaillant sur le premier motif, et je vais vous emmener à travers le même processus que celui que je traverse lorsque je travaille sur des mélodies et que je développe des idées. Je prends cette idée mélodique initiale, le motif et je le tourne autour d'un procès. Différentes choses. Parfois se sent un peu comme un jeu de Tetris. Commençons par le premier motif. Donnez-lui une autre écoute. Une des premières choses que je pourrais faire est de le retourner et de le jouer à l'envers. Ce n'est pas un vrai retour en arrière où je suis en train de retourner le rythme autour aussi. Dans cet exemple, je garde le rythme le même. Je change juste les notes, et ensuite je pourrais le retourner. Encore une fois, nous ne changeons pas le rythme, nous changeons simplement l'arrangement des notes. Nous pourrions essayer de le déplacer pour commencer sur une note différente, et ce que je fais ici est juste d'essayer de voir s'il y a une façon différente de tordre ce motif que je préfère. Tout comme l'édition d'une phrase que vous pourriez écrire. Par exemple, si vous essayez trop fort, il peut se retourner. Il peut se retourner, si vous essayez trop fort. N' essaie pas si fort. Lorsque vous réécrivez des phrases comme ça, vous essayez de voir s'il y a une façon plus directe de dire ce que vous essayez de dire, et la même chose est vraie avec la musique quand vous travailliez à réécrire vos motifs ou vos phrases. Maintenant, faisons la même chose avec le deuxième motif. J' entends que c'est à nouveau, et on peut renverser celui-ci. Ou essayez-le sur une note différente. Maintenant que nous avons pris ces deux motifs et que nous avons joué avec eux comme Tetris l'a retourné, combinons certains d'entre eux ensemble pour faire quelques variations sur toute cette mélodie. Nous allons prendre le premier motif, que nous tournons vers l'arrière, et nous allons le combiner avec le second motif inchangé. J' aime aussi que nous pouvons tourner le premier motif à l'envers, et nous allons combiner cela avec le deuxième motif déplacé à une note différente. Maintenant, que diriez-vous quand nous avons déplacé le premier motif sur une note différente et que nous combinons cela avec le deuxième motif déplacer vers une note différente aussi ? Maintenant, nous pouvons aussi commencer à le changer encore plus. Prenez le deuxième motif, nous allons le mettre au début, répéter, puis ajouter le premier motif retourné à l'envers. Comme vous pourriez commencer à le voir, nous pourrions le faire plus longtemps, et c'est juste une mélodie très simple avec deux motifs. Parfois, vous avez une idée et la mélodie sortant de la boîte est géniale. Vous n'avez pas besoin de le développer davantage. Mais si vous êtes quelqu'un qui veut vraiment écrire des mélodies plus fortes, cette pratique est comment vous arrivez à votre meilleur travail en créant beaucoup de variations sur votre idée puis en choisissant la plus forte. Au début de ce chapitre, nous avons examiné ce que les arbres ont à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes, et l'essence de cela est le motif, et les motifs sont les motifs que vous pouvez utiliser pour construire des mélodies. Dans ce prochain chapitre, nous allons examiner ce que la fumée a à nous apprendre sur l'utilisation de l'élément de surprise. 3. Smoke: Maintenant, qu'est-ce que la fumée a à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes ? Encore une fois, je vais proposer que nous résonnons avec l'art qui est semblable à la nature. Quand on regarde la fumée, je pense que la caractéristique la plus déterminante est la turbulence, qui se trouve non seulement dans la fumée, mais aussi dans le feu et dans l'eau. Je pense que ce qui rend les turbulences si attrayantes pour nous, c'est qu'il y a un élément de surprise, c'est visuellement imprévisible. Il y a cet équilibre entre l'ordre et le chaos, entre le modèle et la surprise. Lorsque vous regardez le flux de fumée, il y a deux parties principales à elle. Il y a le laminaire et la turbulence. Il y a un certain nombre de facteurs influençant la durée de vie de ce laminaire avant qu'il ne se transforme en turbulence et l'intensité de cette turbulence. Maintenant, en quoi cela est-il lié à l'écriture de mélodies ? mélodies ont également un flux laminaire et une turbulence. Le flux laminaire est la quantité de répétition que vous allez utiliser en ce qui concerne vos motifs. La turbulence est la quantité de changement et de surprise qui va être introduite dans la phrase. Parce que quand vous écrivez de la musique, vous essayez toujours d'équilibrer l'ordre et le chaos, le motif et la surprise. Écoutons quelques exemples pour que vous puissiez entendre quand je parle, et cela ne devient pas seulement une illustration abstraite. Je vais vous montrer ceux de ce que je considérerais être à l'extrême entre avoir beaucoup de turbulence dans la mélodie ou très peu. Je pense qu'un bon exemple de ligne de mélodie à faible turbulence serait tordu et crier par les beatles. [ inaudible] La chanson se résume essentiellement à deux motifs simples avec un peu d'embellissement. Vous pourriez même dire que ce n'est qu'un motif qui est retourné à l'envers et répété au développement dont nous avons parlé dans le dernier chapitre. Je pense qu'un bon exemple d' une ligne de mélodie à haute turbulence serait tout ce que fait Arnold Schoenberg. La plupart des pièces qu'il a écrites étaient atonales, ce qui signifie qu'elles n'existent pas à une clé particulière. Remarquez comment cette mélodie va partout, et ne se répète jamais du tout. Maintenant, malgré le fait que ces deux exemples proviennent de genres complètement différents, et que la musique pop a tendance à avoir beaucoup plus de répétition et de simplicité dans les lignes mélodiques que la musique classique. L' équilibre que vous choisirez de trouver dans votre propre mélodie lignes entre l'ordre et le chaos et la quantité de turbulence que vous voulez introduire, il va être batch votre propre goût et préférence. Revenons à la ligne de mélodie que j'ai utilisée dans le dernier chapitre pour illustrer comment développer un motif. Malgré le fait que c'est une ligne de mélodie très simple et simple, je pense que vous pouvez aider à montrer comment vous pouvez jouer avec turbulence pour développer davantage votre mélodie. Comme un rafraîchisseur, écoutons à nouveau cette phrase mélodique. Nous avions deux motifs. Voici le premier, et voici le second. Maintenant, si nous allions analyser cette mélodie à l'échelle entre haute et basse turbulence, je mettrais certainement ceci au bas de gamme. Il y a énormément de répétitions ici. Ce premier motif se répète trois fois d'affilée. Maintenant, essayons d'ajouter un peu plus de turbulence à cette ligne de mélodie. Si vous vouliez juste ajouter un peu, voici ce que vous pourriez faire. Vous pouvez répéter le premier motif quelques fois , puis changer le troisième en le déplaçant vers une nouvelle note. Disons que nous voulions aller encore plus loin et ajouter plus de turbulence. Une façon de le faire est d'apporter des changements plus importants au motif. Nous pourrions le faire en étendant ce premier intervalle lorsque nous le répétons, ce qui le rendrait moins prévisible. Ensuite, changez cet intervalle ici d'une seconde à la troisième pour un peu de surprise. Maintenant, même si nous avons ajouté une certaine turbulence à l'intervalle, cette partie du motif est restée assez cohérente et prévisible. Maintenant, si vous voulez ajouter encore plus de turbulences à cette ligne de mélodie, nous allons devoir étendre les choses encore plus loin et réduire le nombre de répétitions qui se produisent pour que nous puissions le rendre plus imprévisible. Une façon de le faire serait de construire sur le dernier exemple, où nous avons pris cet intervalle initial et l'avons étendu. On pourrait même essayer de le tronquer ou raccourcir tout ce motif en oubliant une des notes. Nous avons certainement rendu cela beaucoup plus complexe, nous avons supprimé une partie de la répétition, nous avons ajouté de la turbulence. Je me demande si on pourrait aller encore plus loin. Pour ce faire, nous allons probablement devoir secouer les choses encore plus. Jouons avec ce motif, nous allons le rendre encore plus court, juste jusqu'à deux notes et étirer le rythme. Ensuite, prenez ces deux notes et répétez-les, ce qui crée presque un troisième motif. Comme je l'ai mentionné précédemment, c'est une ligne de mélodie assez basique que que j'ai créée juste pour les besoins de cette illustration. Vous pourriez commencer à réaliser que nous aurions même pu aller beaucoup plus loin, nous ne travaillons qu'avec le premier motif et nous n'avons même pas touché le second. Vous avez peut-être entendu une version là-dedans que vous aimeriez mieux, et cela se résume vraiment à la préférence. Ce qui est plus important et ce que j'espère que vous en retirez, c' est que vous apprenez quelques techniques pour prendre vos idées mélodiques, quel que soit le style et le genre dans lesquels vous écrivez, et ensuite voir s'il y a un moyen que vous pourriez le développer davantage. Ensuite, vous cherchez des moyens de réduire la quantité de turbulence ou de l'augmenter au goût. Maintenant, passons au chapitre suivant sur les muscles. 4. Muscles - partie 1: Maintenant, qu'est-ce que les muscles ont à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes ? Encore une fois, je vais suggérer que nous répondions à des choses semblables au monde naturel qui nous entoure. Les muscles jouent évidemment un rôle très important dans chaque mouvement et action que nous prenons. Les principes fondamentaux du fonctionnement d'un muscle sont tout au sujet de la tension et de la relaxation. Dites-vous créer du mouvement et de l'équilibre, la tension et la relaxation sont également la clé pour écrire de la musique. Mais contrairement à un muscle, qui n'a vraiment qu'une seule façon de construire la tension, qui est par la contraction, vous pouvez construire la tension dans la musique de plusieurs façons différentes. Le principal étant la dissonance d'utilisation, qui peut se présenter sous la forme d'une dissonance harmonique ou rythmique. La répétition et la hauteur sont d'autres moyens de construire une tension et une ligne de mélodie. Regardons d'abord la dissonance, mais avant de le faire, je pense qu'il est important de noter que la dissonance est assez relative. Ce qui serait considéré comme dissonance à l'époque de Bach est très différent pour ce qui est considéré comme dissonant dans la musique pop, ou même dans la musique classique contemporaine. Encore moins si nous décidons d'entrer dans la dissonance dans la période médiévale ou dans différentes cultures comme dans musique indienne parce que la structure harmonique à époque ou dans ces cultures est si différente de la musique occidentale. Pour ce cours, nous allons nous concentrer sur la musique occidentale dans la théorie de la musique traditionnelle. Vous ne pouvez pas vraiment commencer à comprendre la dissonance tant que vous ne comprenez pas les consonnes. Consonantes dans la musique occidentale, est basé sur le principe fondamental d'un accord. Si vous ne savez pas ce qu'est un accord ou si vous avez besoin d'un rafraîchissement rapide, je vais prendre 20 secondes ici pour le définir. Un accord se compose de trois notes et de deux intervalles ; l'intervalle d'un cinquième, puis d'un troisième. Si c'est un accord majeur, il y aura un tiers majeur au milieu, qui sonne comme ça et si c'est un accord mineur, il y aura un tiers mineur au milieu, qui sonne comme ça. Dans la plupart des musiques occidentales, la mélodie est opposée à la progression des accords. Lorsque les notes de votre mélodie tomberont parfaitement en accord avec l'accord qui s'y trouve, vous aurez plus d'un son consonne. Par exemple, s'il s'agit d'un accord que vous utilisez dans votre chanson, il s'agit d'un accord en C majeur avec C, E et G. Si votre ligne de mélodie tombe sur l'une de ces trois notes, il va sonner en consonne. Si les notes de votre mélodie tombent en dehors de ces trois notes de votre accord, ça va sembler dissonant. Tout comme nous l'avons discuté dans le dernier chapitre, votre ligne mélodique peut tomber sur le spectre entre la dissonance élevée et la dissonance faible. Un bon exemple pour une chanson qui a une faible dissonance harmonique est à nouveau, Twist and Shout. Maintenant, avant d'écouter, laissez-moi vous expliquer ce que nous regardons ici. Les notes bleues sont la ligne de mélodie et les notes orange sont les accords. Lorsque les notes bleues et orange se chevauchent ici, ce sont les moments où vous allez vous sentir plus détendu ou consonne. Quand ils ne se chevauchent pas, ça va créer une dissonance ou une tension harmonique. Dans la chanson, vous remarquerez peut-être que c'est vraiment seulement cette seule note qui ne correspond pas aux accords, mais contrebalance la clairvoyance est le fait qu'ils commencent par cette note et qu'elle s'appuie sur elle à travers toute la phrase. En écoutant à nouveau cela, je veux que vous remarquiez ce que cette note ressent par rapport aux autres. Tout comme avec vos muscles, la tension n'est jamais durable. Il y aura toujours un attrait pour passer de la tension à la détente et la même chose est vraie avec la musique. Toute dissonance veut toujours trouver une solution. Dans Twist and Shout, cette note dissonante tire vers la note suivante. Dans ce modèle de tension et de relaxation et ce motif est ce que je pense est la caractéristique de Twist and Shout. Passant à vous donner un exemple d'une pièce à forte dissonance harmonique, nous pourrions facilement revenir à cette pièce Schoenberg parce qu'il n'utilise même pas vraiment les progressions d'accords. peu près chaque note va être tendue et dissonante. Revenons à la ligne de mélodie que j'ai écrite pour cette classe et nous allons l'analyser dans le contexte de la dissonance harmonique. Si on mettait ça sur notre spectre de dissonance élevée ou faible, je le mettrais probablement quelque part au milieu. Voici la ligne de mélodie originale, qui est en bleu, et les cordons sont en orange. Maintenant, si nous devions définir un point central pour cette mélodie, je pense que ce devrait être cette note E et pas seulement parce que nous la répétons plus que n'importe quelle autre note, même si nous l'entendons sept fois dans cette phrase, mais aussi parce que notre expression tourne constamment autour de cette note, dérive au-dessous ou au-dessus de celle-ci. Puisque cette note forme notre centre de gravité et s'aligne la plupart du temps avec les accords en dessous, sauf ici, notre phrase entière va avoir un ton global d'être très consonne et en harmonie avec les accords en dessous. Avec cela à l'esprit, écoutons encore ça. Si nous regardons comment la tension et la relaxation jouent un rôle dans la façon dont cette mélodie se sent, c'est probablement cette note dissonante ici qui est la caractéristique déterminante. Vous sentez cette tension et la résolution ? Cela dit, la seule raison pour laquelle cette note est dissonante est parce qu'elle ne correspond pas à la progression d'accord originale que j'ai choisie pour cette pièce. Si je changeais la progression de l'accord, ça changerait les notes dissonantes. Pour illustrer mon point de vue, jouons un peu avec cela et faisons une version où nous éliminons toute tension harmonique. Je vais utiliser la même ligne de mélodie, mais je vais juste changer la structure de l'accord que toutes les notes de la ligne de mélodie s' alignent avec les accords en dessous d'eux. Voici notre mélodie. J' ai changé les accords pour ne pas créer de dissonance harmonique. Si vous regardez ces notes, vous verrez que la mélodie et les accords se chevauchent 100 pour cent. Écoutons comment ça sonne. Après avoir écouté ça, vous pourriez avoir l'impression que vous aimeriez que cette version soit la meilleure. Ce qui est une bonne information à avoir sur vos propres préférences. Que vous préférez qu'il y ait beaucoup moins de dissonance ou de tension. Maintenant, faisons une autre version qui est fondamentalement toute dissonance. Nous allons utiliser notre même ligne de mélodie, mais je vais changer les accords pour augmenter la tension harmonique. Voici encore notre ligne de mélodie et voici la nouvelle progression des accords. Notez combien de ces notes ne s'alignent pas avec les accords. Il y a quelques notes qui se chevauchent. Je voulais que notre exemple sonne au moins aussi musical que possible. Essayez de faire quelque chose sonner 100 pour cent dissonant n'est pas vraiment si difficile à faire. Je pourrais juste choisir des accords aléatoires et les jeter là-dedans, mais encore une fois, je voulais vous donner un exemple plus musical. Avant d'écouter ça, je veux attirer votre attention sur une chose de plus. Nous avons déjà parlé de la façon dont cette note E est ici le centre de gravité de cette phrase. Avec notre nouvelle progression d'accord, aucune de ces notes n'est alignée avec l'accord qui le sous-tend , ce qui va rendre toute la phrase plus dissonante. Alors que cette note ici était la note dissonante de l'original, avec la nouvelle progression de l'accord, ce sont maintenant les notes dissonantes. Avec cela à l'esprit, écoutons comment cela sonne. Maintenant que vous avez entendu cette version, vous pourriez vous sentir comme celle-ci la meilleure, mais le point que j'essaie de faire et que vous m'entendrez dire encore et encore, c'est que la quantité de tension que vous utilisez revient à goûter. La clé ici est de comprendre comment la dissonance harmonique sert d'outil pour créer des tensions. Ensuite, nous allons parler de dissonance rythmique. Le terme théorique musicale pour cela est la syncopation. Comme je l'ai mentionné comment la musique occidentale est tout au sujet d'une mélodie sertie contre une progression d'accords, elle se concentre aussi rythmiquement autour d'un rythme constant. dissonance rythmique ou la syncopation se produit lorsque vous avez une note qui est décalée du rythme. Pour illustrer cela, utilisons cette ligne de mélodie très simple. La première itération n'aura aucune syncopation du tout. Dans cet exemple simple, chaque note de la mélodie s'harmonise parfaitement avec le rythme. Pour le faire syncoper, il suffit de glisser ces notes pour qu'elles arrivent en retard ou qu'elles viennent tôt et voici à quoi elles ressemblent. Vous avez peut-être remarqué que ceux-ci sont assez semblables les uns aux autres. Pour mes oreilles quand vous sautez le rythme ou quand vous venez tôt, c'est un peu plus agressif, la syncopation est plus prononcée. Quand vous arrivez après le rythme, j'ai l'impression que c'est un peu plus décontracté, ce qui est logique parce que vous ne faites pas le changement qu'après le beat hit. Je pense qu'il est également important de noter que dissonance rythmique et la dissonance harmonique vont souvent de pair. La syncopation est l'un des principaux moyens de créer une dissonance harmonique. Revenons à notre mélodie pour illustrer cela et déplacons notre ligne mélodique encore plus loin, ce qui rendra la dissonance harmonique encore plus perceptible dans ces deux points. Parce que nous étendons maintenant ces notes encore plus loin dans une zone où elles ne s'alignent pas avec les accords. Écoutez plus près comment cela augmente la dissonance et ces domaines. Juste pour le plaisir, étendons encore plus loin pour souligner cela encore plus. Comme je l'ai déjà dit, beaucoup de choses se résume au goût. Le but de ces illustrations est simplement de vous donner quelques idées sur la façon dont vous pouvez utiliser la syncopation pour créer une accentuation rythmique et aussi une dissonance harmonique. Une autre façon de créer la tension dans la musique est la répétition qui peut être soit la répétition harmonique, soit la répétition rythmique. C' est généralement un peu des deux. Chaque fois que vous répétez quelque chose, cela crée une tension. Chaque fois que vous répétez quelque chose, cela crée une tension. Parce que les auditeurs se demandent quand vous allez arrêter ou quand quelque chose va changer. s'attend à ce qu'il y ait une sorte de rémunération. Je pense qu'un bon exemple, c'est la chanson de Katy Perry, qui a aussi une syncopation très forte. Écoutons d'abord, puis discutons. Je vous ai dit qu'il y avait beaucoup de répétitions dedans, le motif principal joue six fois. J' ai maintenant une fois au milieu où ça change un peu, mais c'est fondamentalement le même motif. La répétition à certains égards est comme une feuille à la turbulence. Parce que pour obtenir plus de turbulence, vous ne pouvez pas avoir autant de répétitions, mais si vous ajoutez plus de répétition, vous allez réduire la turbulence. Parce que cette chanson serait certainement sur le bas de l'échelle turbulente, mais cela ne veut pas dire que c'est ennuyeux. Parce que ironiquement, si vous répétez quelque chose assez longtemps, cela augmente en fait l'anticipation que quelque chose va changer. qui dans cette chanson vient en ce moment juste ici. Lorsque la syncopation se termine et qu'elle commence à droite sur le rythme et que la phrase monte. C' est en contraste direct avec la façon dont le motif principal a été syncopé et descendu. Avec tout cela à l'esprit, écoutons ça encore une fois. Vous avez peut-être remarqué que cette technique, répétant encore et encore un motif menant à un grand changement à la fin, est la même que celle que j'ai utilisée dans cette ligne de mélodie originale. Répéter ce motif plusieurs fois avant de le changer à la fin. La dernière façon de jouer avec la tension et la relaxation dans vos lignes mélodiques est de changer la hauteur. Quand un pas monte, il introduit une tension et quand il diminue, il diminue la tension. Ceci est le plus facilement illustré sur n'importe quel instrument à cordes y compris votre voix, qui traite des accords vocaux vibrants. Pour augmenter sa hauteur, vous devez augmenter la tension de la corde et cela produit vibrations plus rapides afin que vous puissiez littéralement entendre l'augmentation de la tension. Probablement l'exemple le plus cliché, c'est le son de cordes montantes dans les films d'horreur. Le fait est que chaque fois que le terrain monte, il va augmenter la tension, que cela se produise plus soudainement ou de façon plus progressive. Pour illustrer cela, revoyons quelques-unes des variations que nous avons aux lignes de mélodie dans le dernier chapitre sur la fumée. Là où nous avons vraiment commencé à étirer le motif au-delà sa forme originale, nous avons pris cet intervalle ici, et nous l'avons augmenté dans ces deux points. qui rend la répétition de ce motif plus intense à mesure que nous allons en plus de toute la phrase allant jusqu'à ce point ici. Écoutons cette section et je veux vraiment que vous fassiez attention à la façon dont le terrain affecte la tension. Nous avons examiné ce que vos muscles nous apprennent sur l'écriture mélodies plus fortes et sur la tension et la relaxation. Nous avons examiné chacun de ces moyens pour augmenter la tension dans votre musique, utilisant la dissonance harmonique ou rythmique, en utilisant la répétition et aussi en manipulant la hauteur. Mais il y a encore une chose que les muscles doivent nous apprendre sur l'écriture mélodies plus fortes et nous en parlerons dans la partie 2. 5. Muscles - Partie 2: Il y a un autre élément sur les muscles qui a quelque chose unique à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes. Pour découvrir cela, creusons un peu plus profondément dans les muscles squelettiques, les muscles qui bougent nos os. Nous découvrirons que vous avez essentiellement deux types de fibres musculaires, fibres à contraction rapide et des fibres à contraction lente. Les fibres à contraction rapide sont plus puissantes, là pour des mouvements rapides, mais elles se fatiguent facilement et elles sont plus pour des activités comme le sprint ou l'haltérophilie. En revanche, les fibres à contraction lente sont moins puissantes pour des mouvements plus réguliers, mais elles ne se fatiguent pas aussi rapidement, et elles sont plus utilisées dans des activités comme la marche. Qu' est-ce que cela a à voir avec l'écriture de mélodies ? Eh bien, tout comme ces fibres musculaires ne sont pas égales et qu'elles utilisent la tension à des fins différentes, d'une manière similaire, la façon dont vous pourriez utiliser la tension dans vos lignes mélodiques n'est pas nécessairement égale. Par exemple, vous pouvez utiliser la dissonance harmonique d'une manière qui est vraiment puissante, mais comme les muscles à contraction rapide, si vous le faites, il va se fatiguer très rapidement. Voici ce que je veux dire par là, si nous revenons à cette ligne mélodique et que nous regardons spécifiquement cette note dissonante, [inaudible] ressentez-vous cette tension juste là ? [ inaudible] Si tu continuais à continuer pour ça, tu vas te fatiguer très vite. D' un autre côté, si vous utilisiez une dissonance harmonique un peu plus douce et moins sévère, vous pourriez la poursuivre plus longtemps et son impact serait plus subtil. Pour illustrer que nous pouvons revenir à cette ligne de mélodie, et nous changeons la progression de l'accord pour la rendre plus dissonante. C' était notre principale note dissonante qui avait le plus de poids. Contre cette progression d'accord, la dissonance est beaucoup plus légère. [ inaudible] C'est certainement dissonant, mais c'est une dissonance qui pourrait durer un peu plus longtemps, qu'il a fait dans cette version. Écoutez à nouveau comment cette dissonance a créé un ton global de dissonance sans devenir trop fatigant. [ inaudible] Permettez-moi de les comparer une fois de plus pour souligner le point. Lorsque vous utilisez une technique pour ajouter plus de tension, si vous utilisez une version plus douce de celle-ci, vous pouvez l'utiliser plus souvent pour un effet plus subtil, et si vous utilisez plus de tension, alors vous pouvez l'utiliser avec parcimonie car cela pourrait se fatiguer assez rapidement. Ce concept s'applique non seulement à la dissonance harmonique, mais à l'une de ces façons que vous pouvez créer de la tension. Maintenant, je pense qu'il y a un autre aperçu que nous pouvons tirer fibres musculaires qui nous aidera quand nous écrivons des lignes de mélodie. C' est ce fait intéressant que ces fibres musculaires à contraction rapide et les fibres musculaires à contraction lente ne sont pas séparées. Ils existent dans le même muscle. Ce qui se rapporte à l'écriture de meilleures mélodies, c'est que ces deux types de tension différents, un qui va être un peu plus intense mais qui se fatigue rapidement, l'autre qui est plus subtile que vous pouvez utiliser pour l'effet de lumière, que ces deux choses peuvent se produire dans la même phrase mélodique. Ils n'ont pas besoin d'être une situation. Pour illustrer comment ceux-ci peuvent coexister dans la même phrase, regardons spécifiquement la hauteur pour un exemple. Nous en avons déjà parlé dans la première partie façon dont ces intervalles sont ici un plus grand saut, et cela a ajouté la tension, mais aussi comment le mouvement de toute la phrase augmentait, ce qui ajoutait de la tension. C' est vraiment facile à identifier lorsque nous envisageons d'augmenter et d'abaisser la hauteur comme moyen d'ajouter ou de soustraire la tension, car vous pouvez monter par un grand saut. [ inaudible]. Ou vous pouvez le faire progressivement. [ inaudible]. grands sauts sont comme les muscles de contraction rapide, ils vont avoir un impact plus dramatique, mais vous allez vous en fatiguer plus rapidement, alors que l' élévation et l'abaissement de la hauteur dans toute la phrase peut se produire par un saut, ou cela peut également se produire si vous passez d'une note à l'autre d'une manière très rationnelle. Aller étape par étape va être beaucoup plus subtil. C' est comme les muscles à contraction lents. Vous êtes juste en train de monter ou de descendre pour un fait. La clé est que ces deux choses peuvent se produire en même temps, ce qui signifie qu'elles peuvent parfois fonctionner indépendamment les unes des autres. Maintenant, dans ce premier exemple que nous avons regardé, les sauts et le mouvement général de la phrase vers le haut travaillent en tandem pour ajouter de la tension. Dans l'une des autres variations mélodiques que nous avons créées dans le dernier chapitre, la direction de la phrase saute très vite ici, assistée par ce très grand saut ici, et ensuite elle se rétrécit dans un sens très progressif sauf qu'il y a un grand saut ici au milieu. Cela ajoute un peu de torsion ou de secousse à une phrase qui, autrement, serait simplement en train de descendre de ce pic d'une manière très progressive vers un état plus détendu. Alors que nous jouons à nouveau, je veux que vous écoutiez l'interaction de ces deux types de tension, et comment ils fonctionnent, parfois ensemble et parfois uns contre les autres [inaudible ]. Maintenant, il y a d'innombrables exemples musicaux que nous pourrions utiliser pour illustrer cela, mais j'espère que vous avez l'idée qu'il y a une autre couche à ce concept de tension et de relaxation. Il ne s'agit pas seulement d'appliquer ces techniques dont nous avons déjà discuté. La mesure dans laquelle vous les appliquez est également importante. Nous avons passé beaucoup de temps à parler de ce que deux muscles ont à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes. Cela est dû en partie au fait que la tension et la relaxation sont une partie essentielle de la musique, parce que, comme dans la vie, comment les muscles sont derrière nos mouvements, tension et relaxation sont la façon dont nous obtenons le drame et le mouvement dans notre musique. Mais nous allons passer à notre dernier chapitre sur les vagues. 6. Vousdes - partie 1: Maintenant, qu'est-ce que les vagues ont à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes ? Eh bien, vous m'avez déjà entendu dire ça, mais je vais le répéter, que je pense qu'on résonne avec des choses qui sont semblables au monde naturel qui nous entoure. Bien qu'il y ait beaucoup de différents types de vagues, l'océan est ce que je pense d'abord, chaque fois que nous parlons de vagues. L' océan est beaucoup romantisé, et il y a certainement beaucoup de vagues à l'océan, en particulier sur le rivage, mais si on se demande pourquoi l'océan est si romantisé, je pense que nous devrions regarder plus loin que de simplement dire, « c'est beau ». Ce qui me distingue par le schéma des vagues océaniques sur le rivage, c'est le fait qu'elles se chevauchent constamment les unes avec les autres. L' une entre, tandis qu'une autre sort, ils tourbillonnent autour, une vague s'écrase dans une autre, et il y a une complexité là que je pourrais regarder personnellement pendant des heures. Vous pensez peut-être, c'est merveilleux, mais qu' est-ce que cela a à nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes ? Je pense que l'équivalent musical ici est le contrepoint. Contrepoint est tout sur le chevauchement des lignes mélodiques, et bien qu'il ne soit pas souvent utilisé dans la musique pop moderne, vous pouvez le trouver facilement dans le théâtre musical. Cet homme qui connaît sûrement mon crime viendra sûrement une deuxième fois, un jour de plus. Je n'ai pas laissé des mondes loin. Ce qui rend si facile de distinguer le contrepoint dans le théâtre musical, c'est que vous avez différents personnages qui chantent ces parties. Un jour de plus. Demain, tu seras loin des mondes. Ok, attends une minute. Ce qu'on vient d'entendre, cette partie ici. « Demain, tu seras loin des mondes. Est l'harmonie, et ce n'est pas la même chose que le contrepoint. L' harmonie est quand vous avez une ligne mélodique qui est chantée ou jouée par deux personnes et la forme et le rythme sont exactement les mêmes, sauf qu'il est joué plusieurs notes à part. Prenons notre ligne de mélodie originale comme exemple. Pour créer l'harmonie, il suffit de prendre toutes ces notes et de les déplacer vers le haut pour commencer sur une note différente. faudrait changer quelques notes pour le garder dans la même clé. Nous allons déplacer le A pointu vers un A, et nous allons déplacer le F pointu vers un F. Maintenant toutes les notes sont dans la clé de C. La mélodie originale est bleu foncé et l'harmonie est le bleu clair. Maintenant, écoutons comment ça sonne avec l'harmonie. Encore une fois, ce n'est pas le contrepoint, c'est l'harmonie. Retournons aux Misérables en gardant cela à l'esprit. Demain, tu seras loin des mondes. Vous comprenez l'idée. Passons à la partie où le contrepoint se trouve vraiment. Vous avez probablement l'idée. Maintenant, le théâtre musical peut ne pas nécessairement être votre truc et vous ne pouvez pas aimer comment cela sonne. La raison pour laquelle j'ai choisi ceci comme exemple est parce que encore une fois, il est si clairement articulé ce qu'est le contrepoint. Que vous avez des lignes mélodiques superposées et théâtre musical parce qu'il est chanté par des personnages différents, vous permet de voir cela très clairement. Maintenant, avant d'examiner quelques exemples modernes de contrepoint, je pense qu'il est utile de comprendre d'où il vient. Pour ce faire, nous allons devoir revenir à la période médiévale. Jusqu' à présent, la plupart de la musique s'est produite dans l'église ou vous dites simplement une ligne de mélodie appelée musique monophonique, mais autour de la période médiévale, ils ont commencé à ajouter d'autres lignes mélodiques. Passant de la musique monophonique à la musique polyphonique, mais même s'ils ont commencé à ajouter de nouvelles lignes mélodiques, ils ne pensaient pas du tout à l'harmonie ou aux accords. Chacune de ces lignes mélodiques avait un poids égal, ce qui est différent de la façon dont nous pensons normalement à la mélodie aujourd'hui. Où nous avons un motif d'accord et puis une ligne de mélodie qui est au-dessus de ça. Cela ne s'est produit qu'à la période baroque, laquelle Bach a écrit ces pièces. Cela peut vous sembler un peu plus familier, surtout si vous avez déjà entendu des hymnes de l'église, mais aussi parce que cela a une progression très distinctive des accords, ce que nous associons à la musique pop moderne. 7. Vousdes - partie 2: Maintenant, avant de regarder de plus près ce choral de Bach, revenons à notre illustration sur les vagues au bord de l'océan. Vous pouvez voir ici dans cette vidéo comment ces vagues viennent les unes autres de différentes directions et l'une vient alors qu'une autre sort. Voici comment cela se rapporte à l'écriture de mélodies plus fortes, Bach utilise le contrepoint dans un modèle qui est très similaire à ce que nous avons discuté dans ces vagues. Pour ajouter plus de complexité et rendre ses lignes mélodiques plus intéressantes, la ligne mélodique en elle-même est plutôt simple. Le contrepoint ou la façon dont ces autres voix vont interagir avec la ligne mélodique se produira de l'une des quatre façons suivantes. Il peut se déplacer en mouvement parallèle, mouvement similaire, mouvement contraire ou mouvement oblique. mouvement parallèle est l'endroit où le contrepoint se déplace dans la même direction et dans le même intervalle que l'autre note. Dans cet exemple, les deux notes se déplacent vers le haut par étape. Un mouvement similaire concerne la façon dont il sonne et se déplace dans la même direction, mais ce n'est pas le même intervalle. Si les voix se déplacent dans un mouvement contraire et qu'elles vont dans des directions différentes, et peu importe ce qu'est l'intervalle. Le mouvement oblique est l'endroit où vous avez une note qui reste la même et l'autre se déplace. La note fixe peut être répétée ou peut être maintenue. Voyons maintenant comment Bach utilise chacun de ces quatre types de contrepoint dans son corral. Laissez-moi vous donner une brève explication de ce que nous regardons ici avant de creuser. chorales de Bach ont quatre voix distinctes la soprano, l'alto, le ténor et la basse. La partie soprano, ou la voix la plus élevée, est presque toujours la ligne principale de la mélodie, et c'est ainsi que pour la plupart des musiques modernes. Regardons d'abord le contrepoint qui se passe entre la partie soprano et la base. Rappelez-vous maintenant que l'objectif d'un contrepoint dans ces lignes de soutien est de créer plus de complexité et d'intérêts. Alors regardons de plus près comment Bach fait ça. La première instance de contrepoint est un mouvement similaire, la partie soprano et la partie basse se déplacent vers le haut, mais juste des intervalles différents. Le mouvement suivant est également similaire, puis nous avons un mouvement oblique où la partie soprano reste sur la même note et la partie basse descend. Ensuite, nous avons une motion contraire, où la note de soprano descend et la basse monte, et puis nous avons encore un mouvement contraire, où la soprano monte et la basse descend. Dans cette section suivante, nous avons d'abord le mouvement oblique, où la note basse reste la même et la partie soprano se déplace vers le haut, puis le mouvement contraire, puis le mouvement oblique à nouveau, où la partie soprano reste la même et le partie de base se déplace vers le haut. Motion contraire encore, alors nous avons une note stationnaire et ensuite une motion similaire. Pour résumer, nous avons une motion similaire, une motion plus similaire, une motion oblique, une motion contraire, une motion plus contraire, une motion oblique, motion contraire, une motion oblique, une motion contraire. Les mêmes notes et motion similaire. Si cela semblait beaucoup à absorber, c'est en fait le point. La raison pour laquelle j'ai choisi Bach comme premier exemple c'est parce qu' il est un peu le roi du contrepoint. Le but du contrepoint est de garder les choses intéressantes et de les changer constamment. Vraiment la seule partie où le contrepoint ne se produit pas dans cette section est au début, le reste est plein de contrepoint. Maintenant, la raison pour laquelle je me suis concentré sur le contrepoint qui se passe entre la partie soprano et la partie de base est parce que c'est souvent la façon la plus simple d'introduire le contrepoint dans votre propre écriture. Pour illustrer cela, regardons quelques exemples contemporains. Seven Nation Army de The White Stripes, est un parfait exemple de contrepoint entre la ligne mélodique et la basse. La basse est en bleu et la ligne mélodique est en lecture. Donc, disons un peu le contrepoint qui se passe ici. En soi, la ligne de mélodie est en fait très simple. Si nous regardons cette section ici, n'est qu'une seule note. La ligne de basse est très simple aussi. C'est un crochet très accrocheur, mais c'est aussi vraiment répétitif. Il se répète encore et encore. La magie de cette pièce est la façon dont les deux parties interagissent, ce qui est le contrepoint. La première instance de contrepoint se produit ici et c'est un mouvement oblique, où la note de basse reste la même et la ligne de mélodie se déplace vers le bas. La section suivante est un mouvement entièrement oblique avec la ligne de mélodie restant sur la même note de sorte que tout le mouvement vient de la ligne de base. Dans cette section suivante, il répète le même modèle. Nous avons un mouvement oblique au début, la seule différence est que le noeud supérieur ou la ligne de mélodie monte un peu plus haut cette fois, puis cette section suivante est un mouvement oblique à nouveau, avec la ligne de basse en mouvement autour et la partie soprano reste le même. Dans cette section suivante, il secoue enfin les choses un peu plus où nous avons un mouvement oblique, puis un mouvement contraire, un mouvement similaire, puis un mouvement parallèle, puis terminé par un mouvement similaire. dernière section du verset est à nouveau un mouvement oblique, puis le cours est également un mouvement oblique. Donc, pour résumer, la force de cette pièce est vraiment dans le contrepoint et l'interaction entre la ligne mélodique et cette ligne de basse, et elle est dominée par le mouvement oblique, l' exception de cette section ici, et Je pense que cela offre une pause vraiment nécessaire en introduisant une motion similaire et parallèle qui contraste avec toute cette autre motion oblique. 8. Vousdes - partie 3: Maintenant, avant de sauter dans le prochain exemple de contrepoint, je suis curieux de savoir si vous remarquez quelques éléments des derniers chapitres s'appliquant à la pièce de Jack White. Tout d'abord, qu'il a un motif très fort ici dans cette partie de base. C' est l'écho de la mélodie et de la façon dont elle saute de haut en bas. Il emploie également la répétition pour créer des tensions, pas seulement dans la ligne de base comme cela se répète encore et encore. Le principal point de soulagement qui vient quand il change ici dans le chœur, mais aussi dans la ligne mélodique qu'il répète cette note si souvent que chaque fois qu'il quitte cette note, c'est là que vous avez la libération de tension, sauf quand il laisse son saut vers le haut. Nous avons appris dans notre chapitre sur les muscles que lorsque vous vous déplacez vers le haut, cela augmente la tension. Donc, avec tout cela à l'esprit, écoutons ça encore une fois. Maintenant, si nous revenons une minute à la chorale de Bach, ce dont nous parlions auparavant, c'est le contrepoint qui se passait entre la partie soprano et la partie base. Mais il y a aussi beaucoup de contrepoint qui se passe au milieu. Il y a aussi beaucoup de mouvement qui se passe dans la partie alto et ténor pour créer plus d'intérêt pour cette pièce. Parfois, quand la soprano ou la ligne de base sont plus stationnaires, il met le mouvement dans ces parties du milieu. C' est une autre façon que vous pouvez inclure le contrepoint dans vos pièces, qui est de définir une ligne mélodique qui se trouve quelque part au milieu du mélange entre la ligne soprano et la ligne de base, opposition au premier exemple, nous regardé dans la pièce de Jack White, où il était vraiment entre la ligne de mélodie principale de la base où ce contrepoint se produisait. Je pense qu'un grand exemple contemporain de cela est cette pièce de Wilco, les notes rouges sont la ligne vocale principale, et les notes jaunes sont la partie violon. Mais je veux que vous écoutiez, c'est le contrepoint qui se passe entre ces deux parties. Je ne vais pas disséquer toutes les instances de contrepoint de la chanson parce qu' il y en a beaucoup et nous l'avons déjà fait très soigneusement avec les deux dernières pièces. Je tiens à attirer votre attention sur certaines formes générales qui se produisent en ce qui concerne cette relation de contrepoint. La première chose que je veux que vous remarquiez est toute la motion contraire. Vous pouvez même le voir ici dans les notes quand une partie monte, l'autre partie descend et vice versa. Le mouvement contraire continue d'être largement utilisé dans toute cette section. Je pense que c'est la caractéristique déterminante, peu comme le mouvement oblique était à la pièce The White Stripes. Il y a un petit moment, mouvement parallèle ici à la fin, et parce que nous avons eu tant de mouvement contraire qui l'ont précédé, votre année reprend même si cela n'arrive que pour deux notes. Avec tout cela à l'esprit, écoutons ça encore une fois. Il y a un autre élément qui mérite d'être noté dans ce contrepoint. Ces trois notes sont ici un motif en quelque sorte qui arrive plusieurs fois, mais avec des variations dans le rythme. Si nous devions renverser cela, regardez à quel point c'est similaire à la ligne que joue le violon. Nous avons un pas suivi d'un saut de troisième, et même si le rythme est un peu différent, c'est toujours une variation de ce motif. Donc, pour résumer ce que les vagues doivent nous apprendre sur l'écriture de mélodies plus fortes, nous pouvons regarder le modèle de la façon dont les vagues se chevauchent et interagissent les unes avec les autres sur un rivage pour nous donner inspiration sur la façon dont nous pouvons créer différents mélodiques interagissent et se chevauchent les unes avec les autres pour créer plus d'intérêt pour votre musique. 9. PROJET DE CLASSE: Nous avons examiné de nombreuses façons de nous inspirer de la nature sur la façon de nous aider à écrire des lignes mélodiques plus fortes. Nous avons regardé les arbres et ce qu'ils devaient nous apprendre, un motif et comment vous pouvez prendre ce motif et le changer pour créer une phrase plus large, et nous avons regardé la fumée et ce que la turbulence a à nous apprendre sur l'élément de surprise et comment vous pouvez travailler cela dans votre musique, nous avons parlé des muscles et de l'importance de la tension et de la relaxation pour créer du mouvement dans vos pièces et comment vous pouvez jouer avec cela, et nous avons parlé des façons dont vous pouvez utiliser lignes mélodiques qui se chevauchent pour créer plus d'intérêt et de complexité. Alors que idéalement vous pourriez utiliser toutes ces idées pour créer des mélodies plus fortes aux fins de ce projet de classe, je veux que vous choisissiez une et ensuite appliquer certaines de ces techniques à votre mélodie. Soit celui que vous avez écrit avant, soit celui que vous allez écrire spécifiquement pour cette classe. Pour vous aider, j'ai créé une feuille de travail pour vous guider sur la façon d' appliquer chacune de ces idées différentes à votre ligne de mélodie. Encore une fois, je vous encourage à en choisir un pour commencer. Après avoir développé cela, allez-y et appliquez-en un autre sur la même ligne de mélodie. Lorsque vous avez terminé, vous pouvez le télécharger dans la section projet. Vous cliquez ici pour créer votre projet, puis assurez-vous d'ajouter un titre qui inclut la description de la technique que vous utilisez pour développer votre ligne de mélodie. Ensuite, faites un enregistrement, soit audio, soit vidéo. Commencez par inclure votre idée originale, puis chacune des variantes que vous avez développées. Vous pouvez faire tout cela d'affilée de sorte que tout soit dans la même vidéo ou dans le même fichier audio. Veuillez noter que vous ne pouvez pas télécharger de vidéo ou audio directement sur Skillshare, vous devrez l'héberger ailleurs, comme YouTube ou SoundCloud, puis coller le lien ici. N' oubliez pas qu'il s'agit d'une ébauche approximative, pas d'une pièce finie, et que le but des exercices est juste de vous faire réfléchir et essayer beaucoup de variations différentes. Alors ne soyez pas timide de poster ce sur quoi vous travaillez. Si vous avez l'impression que vous avez vraiment appris quelque chose de cette classe, s'il vous plaît poster un commentaire ou quelques commentaires et dites-moi ce qui en particulier vous a vraiment influencé. 10. Critique pour les apprenants : Yash (partie 1): Pour cette leçon vidéo, je vais vous emmener à travers une critique d'un article soumis par un étudiant afin que vous puissiez voir comment les concepts de cette classe s'appliquent à quelque chose qui est encore en développement. La pièce que nous allons regarder dans cette vidéo est celle soumise par Josh et j'ai pu le mettre au téléphone et avoir une conversation avec lui sujet de sa pièce et de la façon dont nous pourrions le développer. Dans cette vidéo, je vais couper entre quelques sédiments communs que je vais faire directement à toi, le spectateur, et aussi quelques extraits de ma conversation avec Josh. Voici à quoi ça va ressembler. Je vais vous jouer ma conversation initiale avec Josh. Alors on va écouter son morceau. Je vais vous fournir quelques réflexions et observations initiales basées sur les concepts de cette classe, et puis je vais vous jouer un tas d'extraits de quand je travaillais avec Josh sur la façon dont nous pouvons développer cela plus loin et enfin, Je vais vous jouer quelques extraits de notre conversation où j'ai partagé quelques réflexions finales avec Josh. Josh, raconte-nous ce qui t'a inspiré à créer ça et quelques idées derrière ce que tu as apporté ici. Bien sûr. J'aime jouer dans la touche G mineur et j'ai pensé à expérimenter l'idée du motif. Parce que je trouve les motifs sont vraiment accrocheurs, et ils sont comme une présence unique à une chanson, comme si vous entendez juste le motif et vous savez quelle chanson c'est. Mon idée était comme, hé, puis-je trouver un motif en utilisant ce que Jonathan a enseigné dans la classe et ensuite essayer d'expérimenter avec elle, essayer de le rendre encore plus intéressant. Peut-être essayer d'ajouter un peu de tension, des notes élevées, puis juste jouer avec. Donc j'ai juste trouvé quelque chose de assez basique. Auparavant, quand vous avez écrit de la musique, où vous connaissez ce concept d'utilisation d' un motif ou était-ce une nouvelle idée après avoir suivi ce cours ? Je pense que je le savais parce que la plupart du temps je l'observais, mais je n'avais pas vraiment de nom pour ça. Que je ne savais pas pour le mettre en mots ou qu'il avait une structure. Mais j'avais déjà entendu cette chanson a un riff ou il a cette intro qui se répète dans la chanson. Mais je ne savais pas qu'on l'appelait un motif, et ce cours m'a vraiment aidé à comprendre la théorie sous-jacente. Quand vous avez écrit de la musique précédemment, écririez-vous souvent des crochets ou des riffs comme vous les appelez ? En fait, je n'ai pas écrit de musique avant. C' est l'une des raisons pour lesquelles j'ai pris ce cours, c'est de vraiment comprendre, hey, comment puis-je faire pour écrire des mélodies ? Je me suis surtout concentré sur essayer de trouver des progressions d'accords intéressantes, mais jamais vraiment eu à y attacher une mélodie. Je t'ai eu. D'accord. Oui. Cool. Eh bien, si on plonge dans votre pièce ici, je vois un motif très clair dans ces premières notes. Pourquoi je ne jouerais pas ici et donnerais à tout le monde une chance de l'écouter. Ok, alors disons ça un peu. Au début, vous avez un motif très clair ici. Si vous vous souvenez, un motif a deux parties. Il a un élément rythmique et certains intervalles. Le rythme est très clair. C' est dun, dun, dun, dun, et les intervalles commencent par un saut, puis un saut en arrière, puis un pas en haut, et nous voyons ce même schéma répété deux autres fois. Les intervalles de notes sont différents. Mais en général, nous avons un saut, autre saut vers le bas, puis un pas vers le haut. La même chose ici. Un saut vers le haut, un saut vers le bas, puis un pas vers le haut. Ensuite, nous avons un deuxième motif qui arrive, qui est un tas de cinq notes descendantes fur et à mesure qu'elles se déplacent vers le bas, puis nous recommençons toute la phrase. Maintenant, vous avez peut-être remarqué, comme je l'ai fait quand j'écoutais cette mélodie, que c'est assez similaire à celui que j'ai présenté en classe en termes d'avoir un motif qui se répète trois fois et ensuite un second motif au fin, et je veux dire quelque chose à ce sujet. Si vous êtes un étudiant débutant comme Josh est, qui commence tout juste à écrire des mélodies, la meilleure chose que vous pouvez faire est de voler et de copier d'autres personnes. Si vous commencez, ce n'est pas le moment d'essayer de créer quelque chose de nouveau. Je ne pense même pas qu'il y ait quelque chose de nouveau, de toute façon. Il s'agit de répéter et de remixer ce qui est déjà là. Mais encore une fois, au début de vos études, il est incroyablement important de prendre ce qui fonctionne déjà là-bas et de jouer avec lui pour vous familiariser avec ce qui fait une ligne de mélodie forte. Maintenant, quand on analyse cette mélodie par elle-même, est-à-dire sans accords en dessous, il est certainement facile pour nous de regarder le motif et d'analyser quelques autres éléments, comme dans la dissonance rythmique qui se produit de la syncopation. Aussi, comment la phrase descend un peu ici, puis pics à ce stade, qui va créer une certaine quantité de tension qui est libéré à la fin de la phrase. Sans aucun accord, il est difficile pour nous de déterminer si la pièce est généralement consonne ou la quantité de dissonance. Josh ajoute des accords à la deuxième partie ici. de suite, je dirais que cette chanson serait plus dans la catégorie de la musique pop parce qu'elle est assez accessible à écouter, signifie qu'il n'y a pas beaucoup de sections qui défient vraiment l'auditeur avec un degré élevé de dissonance ou complexité rythmique, et la plupart des notes s'alignent sur les accords en dessous, l'exception de cet accord ici. J' étais curieux de savoir si c'était intentionnel, et j'ai demandé à Josh à ce sujet. Oui. En fait, c'est un bon point. J' ai essayé de le garder consonne, et puis j'ai réalisé que je devais y ajouter une dissonance. Alors j'ai pensé, hé, tu sais quoi, je vais faire baisser la coopération, mais je garderai le motif au même endroit et ça a ajouté la dissonance. C' était donc un effort conscient que j'ai fait. D' accord. Donc quelques réflexions à ce sujet. Encore une fois, je pense que c'est vraiment louable pour Josh, car il commence tout juste à essayer toutes ces techniques dans le contexte de l'écriture de sa propre mélodie, ne pas juger et juste voir ce qui se passe. Parce que plus vous expérimentez ces idées, plus vous apprendrez à les utiliser et vous finirez par vous affiner sur la façon de les utiliser. Mais si vous n'expérimentez pas, vous finirez par stagner et ne grandissez jamais. Alors n'ayez pas peur de les essayer, même si les résultats finissent par être quelque chose que vous n'êtes pas satisfait. Ok, revenons à sa mélodie avec les accords en dessous. Tout de suite, j'ai quelques suggestions. Je pense que le premier accord fonctionne bien. Le deuxième accord a certainement un peu de dissonance à lui que je pense est un peu hors de caractère avec une pièce orientée pop où il a tendance à être assez consonne et pas beaucoup de dissonance. Cependant, il peut être juste cet élément d'épices qui le rend vraiment unique. Alors peut-être que je le laisserais. La voix sur le troisième accord crée des défis à venir. Je ne veux pas vraiment entrer dans les détails à ce sujet, mais je suggère de changer ces notes à la place, donc ça ressemble à ceci maintenant. Principalement parce qu'il a déjà établi une tendance à avoir ces deux notes jouer un accord, et qu'elles descendent, je voudrais juste continuer cette progression. Au fur et à mesure que la ligne de mélodie monte, la ligne de base diminue. Cela doit également être déplacé vers le bas. Maintenant, cet accord, je pense que c'est un vrai problème. En utilisant cet accord, finit par créer l'impression que la phrase se termine. On pourrait finir là et s'arrêter, même si ça semble un peu gênant. Je pense que ce qui fonctionnerait mieux, c'est que nous retournions à un accord en fa majeur. ce moment, nous avons sol mineur, fa majeur, mi bémol majeur , remonte à F, puis G. Voici comment cela sonne après que j'ai changé les accords. L' autre chose que je pourrais suggérer est de changer cet accord en do mineur. Maintenant, écoutons ce que ça sonne. Ce sont quelques suggestions mineures, mais elles modifient la progression des accords pour être un peu plus conforme au genre de progressions d'accords que vous pourriez trouver dans la musique pop. Non pas que j'essaie de transformer la pièce de Josh en chanson pop, mais comme il l'a mentionné, c'est déjà la direction qu'il allait prendre. J' essaie donc de faire des suggestions qui correspondent au genre qu'il vise. 11. Critique pour les apprenants : Yash (partie 2): Pour la dernière section de cette vidéo, je vais inclure quelques extraits d'un d'entre eux que j'ai travaillé avec Yash sur les moyens qu'il pourrait développer davantage. Nous considérons ce matériel initial comme un verset, puis j'ai improvisé quelques idées qui pourraient fonctionner pour le choeur. Peut-être que je pourrais aller à autre chose. Laisse-moi te parler des choses qui me sont venues à l'esprit quand j'ai joué ce choeur. Si vous regardez votre première pièce ici, regardez ici, toutes les deux mesures vous changez un accord. Il y a deux mesures. Voici un autre changement d'accord, sauf pour cette petite section ici, peut-être que ça change un peu plus vite. Mais pour la plupart, il semble que votre atterrissage sur cet accord et que vous êtes assis dessus, et ce que je pensais, c'est que si nous allions au choeur, changeons cette mesure pour la changer. Ce que ça va faire, c'est créer plus de mouvement. Est-ce que cela donne plus de turbulence aussi ? Oui, mais on va l'avant. Il y a d'autres changements qui se produisent. Ça va augmenter le nombre de drames qui arrivent dans cette section. [ MUSIQUE] Je pourrais prendre l'élément rythmique de ce second motif et le développer en un chœur, incorporant peut-être certains des sauts qui sont là. Je vais jouer ce chœur et le faire écrire ici pour que les gens puissent voir à quoi ça ressemble. [ MUSIQUE] Je n'ai pas vraiment aimé quand je jouais ce dernier morceau à la fin. Cette fois que j'ai joué à travers elle est plus similaire et plus dérivée du deuxième motif par rapport au premier. Quand j'ai essayé cela la première fois, j'ai fait le parcours un peu plus semblable au premier motif. Écoutons ça ici. [ MUSIQUE] C'est un peu plus semblable au premier motif, et j'ai essayé de le jouer à nouveau ici. Cette fois, j'ai rendu la structure rythmique plus semblable au second motif. [ MUSIQUE] Cela dépend de la façon dont vous vouliez aller, mais ce sont deux options différentes pour vous. Dis-moi ce que tu penses. Lequel vous préférez ou peut-être ne les aimez pas du tout ? Je vous donne juste quelques exemples d'où vous pourriez construire sur l'idée. Je pense que j'aime encore le second. Je ne sais pas pourquoi, mais je l'aime un peu plus. Il a également une belle alternance entre ce que vous jouez avec la main gauche et la main droite afin que tous les côtés aiment plus de turbulence. Cela ajoute plus d'émotion à la chanson. J'aime ça plus. Ouais, je l'aime un peu mieux aussi. Ce que je dirais est une des raisons pour cela, c'est quand je l'ai fait la première fois que nous avons déjà joué à travers ce premier motif plusieurs fois. Vous l'avez entendu trois fois ici. On l'a encore entendu trois fois, et on arrive au choeur. Si nous rejouons la même idée rythmique, ça commence juste à se fatiguer un peu à ce stade. Ce que je pense fait que la deuxième version que j'ai ici fonctionne un peu mieux, c'est que votre deuxième motif ; et la structure rythmique de cela vraiment nous ne l'avons entendu que deux fois, et cela mène directement au choeur. prendre ce motif ici dans cette structure rythmique et de le poursuivre sur notes différentes nous permet d'avoir un peu plus de variation à cela, et nous nous appuyons sur le second motif. C' est comme les versets sur le premier motif avec un petit soupçon de la seconde ici, puis nous arrivons au choeur ; et ce pourrait être une bonne idée de retourner cela et faire le chœur principalement sur le deuxième motif, puis peut-être jeter un petit peu du premier élément rythmique du premier motif juste pour les attacher ensemble. Ensuite, quand nous reviendrons sur le verset, nous serons prêts à entendre ce motif parce que nous avons déjà épuisé un peu plus le second. Maintenant, ce pic ici a l' impression qu'il a beaucoup d'énergie parce qu'il est si élevé, et nous le répétons plusieurs fois. La même phrase. [ MUSIQUE] Ce serait une façon de le faire, c'est peut-être de rendre le cours un peu plus long et de monter ici, de le rendre encore plus haut. Laisse-moi jouer ça comme un chœur. [ MUSIQUE] Je vais essayer ça à nouveau, le chœur. Je suppose que ça dépend de la portée. sympa avec le piano, c'est que tu n'as pas de limite du point de vue du chant. Melody Line pourrait continuer de monter et de monter et de haut en haut. Mais nous avons tendance à répondre à la musique pop ou même si c'est avec le piano, quelque chose qui se sent un peu singulier. Ou peut-être que tu pourrais faire comme ça. Je l'aime quand il monte à cette note ici, donne même, prend un chœur qui remplit déjà dramatique et le pousse encore plus haut. Maintenant, ce n'est peut-être pas la direction que vous voulez suivre avec votre pièce. Vous voudrez peut-être qu'il soit un peu plus discret ? Mais j'essaie juste d'expérimenter avec. Allons encore plus loin, et vous pouvez toujours le retirer un peu si vous êtes comme, « Meh », peut-être que c'était un peu trop. C' est pourquoi je le pousse un peu plus haut dans sa portée et je vois comme, la ligne de mélodie pourrait même aller plus haut. Pour voir jusqu'où ça pourrait aller. Donc, quand vous écrivez, ce que j'espère que vous gagnez, c'est d' essayer de vous pousser encore plus loin parfois, en termes de portée. En répétant le motif plus de fois que vous ne le pensez, alors vous pourriez aimer, et vous pouvez l'entendre. Ensuite, s'il commence à se fatiguer sur vous, retirez-le ou changez-le d'une manière ou d'une autre. Mais n'ayez pas peur de prendre vos motifs et de devenir fou avec eux, poussant la portée beaucoup plus haut, en ajoutant un peu plus de turbulence au rythme, en enlevant la turbulence et en enlevant la portée et en voyant si cela fonctionne. La plupart des chansons pop ont le verset 1, le chœur, le verset 2. Donc vous revenez à la même ligne de mélodie dans le deuxième verset, mais vous utilisez des mots différents. Donc, cela fournira une certaine quantité de variation au deuxième verset. Si c'est juste pour être sur le piano, alors vous allez revenir au second verset, qui présente beaucoup plus de défi pour ne pas se fatiguer par le fait que vous utilisez sur cette répétition. Si vous ajoutez des tambours ou des cordes ou quelque chose d'autre, cela peut aider à créer une variation. pièces de piano solo sont très difficiles, parce que vous n'avez pas de mots que vous pouvez utiliser pour le changer. Vous n'avez pas d'autres instruments à apporter. Donc, les moyens de fournir une variation seraient potentiellement dans l'accompagnement, ou en changeant l'octave, comme je l'ai déjà dit. Même le fait de le changer pourrait le prendre très haut. Cela aide à fournir une partie de cette variation et à y apporter des changements. C' est parfois deux choses différentes. Surtout, ce que nous avons regardé est la structure de base de votre mélodie, pas l'arrangement, parce que vous n'avez pas d'arrangement, vous avez juste la structure de base. Donc, à certains égards, sont deux choses différentes lorsque vous envisagez de développer votre pièce. Avez-vous d'autres questions à ce sujet ? Je pense qu'une chose à laquelle je pensais, c'est que je commencerais par une progression d'accord ou comme faire sortir cette première idée que j'ai trouvé la plus difficile. Parce qu'une fois que vous avez comme une structure de base, alors vous pouvez jouer avec elle. Mais sortir cette première chose, j'ai trouvé ça un peu difficile et pour moi, ça m'a aidé à avoir une régression d'accords et ensuite à construire une mélodie autour d'elle, mais, est-ce comme une chose courante à faire ? Certainement. Je dirais pour moi-même, je fais probablement certaines de ces choses plus ou moins même temps parce que je le fais depuis longtemps parce que je fais ça depuis un moment. Donc j'entends souvent la progression de l'accord et la ligne de mélodie se déroulant simultanément. Cependant, il y a plusieurs fois que je m' assois et peut-être que je joue juste à travers quelques accords, je pourrais chanter quelque chose au-dessus de cela qui serait différent des notes que je joue au piano. Parfois, il y a une ligne de mélodie et ensuite j'essaie de changer les accords. n'y a pas de bonne ou de mauvaise façon d'y arriver. Je vous encourage à vous pousser à essayer dans les deux sens. Donc, créez des progressions d'accords que vous aimez, puis voyez si vous pouvez développer une ligne de mélodie en plus de cela. Puis, parfois, asseyez-vous et essayez d'écrire une ligne de mélodie, puis ajoutez des accords à cela et voyez si vous pouvez trouver quelque chose d'unique pour soutenir cela. Plus vous passez du temps à faire ces deux choses, vous pourriez constater que vous finissez par le faire simultanément parce que vous les avez fait isolément. Mais encore une fois, même je dirais que je traverse tout ce spectre. Vraiment, quand vous essayez de développer vos compétences en composition, vous ne voulez pas trop le faire. Je vous encourage certainement, encore une fois, à vous pousser à créer des variations sur ce que vous faites et à l'essayer de différentes manières, simplement pour renforcer vos compétences. Lorsque j'ai créé cette classe, et j'ai fourni certains de ces exemples pour montrer comment vous pouvez prendre une ligne de mélodie et la pousser plus loin que ce que vous pourriez aimer. La version qui a vraiment ajouté beaucoup de turbulence, ou qui a vraiment changé le motif, vous pouvez finalement décider  : « Je n'aime pas vraiment cette version. » Mais plus vous pouvez étaler devant vous beaucoup d'options différentes, cela vous aidera à choisir celle que vous finissez par aimer le mieux. Dans ma critique, j'essaie de prendre le motif que vous avez créé et le style dans lequel vous jouez, puis de le développer avec votre propre voix. Il est difficile de ne pas inclure mes propres idées dans ce processus, mais j'essaie de me mettre à votre place et de dire : « Si c'est le genre d' idée mélodique et la sensation et l'ambiance que vous avez pour votre musique, que pourriez-vous faire de prendre cela, de l'étendre et de le développer ? » Quand vous écrivez de la musique, il s'agit tellement de votre oreille et d'apprendre à affiner ce que vous aimez et ce que vous n'aimez pas. J' ai parlé de tout un tas de fois en classe qu' il n'y a vraiment plus de bonne ou de mauvaise façon de faire les choses ? Il y avait une période de temps dans l'histoire de la musique où ils avaient des règles beaucoup plus strictes sur la façon dont les choses devraient sonner. Principalement comme à l'époque de Bach, Beethoven ou Mozart. Les gens se sont vraiment fâchés quand certains compositeurs ont commencé à sortir de ces règles. Je ne sais pas si vous connaissez un compositeur nommé Stravinsky, mais il a écrit cette pièce que la première fois qu'elle a été jouée, c'était son Rite of Spring Ballet. Je pense que c'était en 1911 quand les gens l'ont entendu, ils ont pensé que c'était tellement scandaleux et un tel affront aux traditions musicales à l'époque qu'ils ont eu une émeute et une bagarre dans le Ballet, parce que les gens étaient tellement offensés par cette musique que il créait. Ça semble un peu bête maintenant parce qu'il y a beaucoup plus de musique là-bas. Les gens sont beaucoup plus acceptés de nos jours. Cependant, parfois cette plus grande acceptation peut amener les gens à dire : « Eh bien, peu importe, c'est juste à vous de décider. n'y a pas de bien ou de mal dans la façon de le faire. » J' essaie d'équilibrer cela en disant que c'est peut-être vrai, mais il y a une sorte de fondamentaux musicaux qui, si vous vous penchez sur eux, peuvent aider votre écriture à être plus forte. Même si cela revient toujours à votre oreille, déterminer combien de dissonance que vous voulez là-dedans, combien de turbulence que vous voulez inclure, combien de répétitions que vous voulez entendre pour cette ligne mélodique. Philip Glass était un compositeur qui utilise une quantité énorme de répétitions au point que beaucoup de gens peuvent difficilement supporter l'écoute de sa musique parce qu'il la répète encore et encore et encore et encore, ajouter des nausées pour certains les gens. Donc, je pense que la chose la plus importante à faire, est de faire attention pour vous-même et même certaines des idées que j'ai jetées ici. Remarquez ce qui vous attrape. Tu es genre, « Ouais, j'adore comment ça sonne », et puis essaie de creuser ça un peu plus profond pour pousser dans ce son et regarder ce qui fait ce son. C' est la répétition ? Est-ce que ça change les progressions des accords ? Tu as dit que tu avais remarqué quelque chose dans le chœur que je faisais aux accords, qui résonnait vraiment avec toi. Peut-être prendre ce que j'ai créé ici et regarder ça un peu plus près et voir si vous pouvez inclure plus de cela dans votre musique, ou tout ce que vous entendez quand vous entendez quelque chose et qu'il résonne avec vous. Essayez de le décomposer avec certaines des idées que j'ai présentées dans cette classe. J' aime ça parce que la ligne de mélodie ne monte pas et descend beaucoup, elle reste à peu près dans une très petite gamme. Super. Eh bien, voyez si vous pouvez écrire des morceaux que la ligne mélodique reste dans une gamme très étroite, peut-être entendre des morceaux et vous dites, « Dieu, j'aime juste comment ils vont partout, ils montent si haut et si bas », puis essayez pour écrire quelques morceaux qui seraient plus conformes à cela. Est-ce que ça a du sens ? Oui.