Écrire des bandes dessinées : Un guide complet

1. Intro WComics L1: conférence, un pourquoi et où, dans lequel je me suis fondamentalement présenté dans le cours et de fournir un résumé de ce qui sera couvert. Je suis l'auteur Stefan de Trickett. J' ai écrit plus de 20 livres de grands éditeurs et des centaines d'histoires pour des bandes dessinées et des romans graphiques. Quelques-uns de ce que vous avez entendu parler, dont d' autres vous ne pouvez pas, mais j'aimerais vraiment que vous le fassiez. Depuis plusieurs années, j'enseigne des cours en ligne à l'Université du Massachusetts, y compris celui-ci, qui est, vous pourriez deviner. Le titre est spécifiquement conçu pour apprendre à écrire des bandes dessinées. Pourquoi aurais-je envie d'enseigner la bande dessinée ? En partie parce que, bien, compte tenu de mes antécédents , je peux, mais aussi parce qu'il y a deux idées fausses populaires sur les bandes dessinées et leur écriture que j'aimerais faire ma petite partie pour corriger. Pour expliquer. Les premières années il y a, j'étais sur un panel de congrès avec plusieurs grands écrivains de bande dessinée, où j'ai dit gentiment : Ne serait-ce pas génial si les bandes dessinées étaient acceptées par le grand public à côté de la télévision, films et des livres ? Un écrivain de bande dessinée particulièrement célèbre a immédiatement corrigé mai. Vous ne pouvez pas dire que les bandes dessinées ne sont pas des films de super-héros traditionnels qui gagnent des milliards. Tout le respect que je dois à ceux qui ont beaucoup plus de fans que je ne le sais. Sachez juste. La seule chose que le succès des films de super-héros grand public prouve est que les super-héros ou le super-héros grand public est un genre, un modèle de narration. BD, romans graphiques, art séquentiel Quel que soit le terme que vous voulez utiliser est un médium comme le film de télévision étaient des pros tandis que les super-héros historiquement développés dans le milieu de la bande dessinée. Vous n'avez pas besoin de bandes dessinées pour raconter des histoires de super-héros pas plus que vous avez besoin de superhéros pour créer des bandes dessinées comme une bande dessinée moyenne comptel n'importe quel type d'histoire de n'importe quel genre. Romance. Har récits douteux postmodernes. Flux d'odes conscientes à votre chat calicot, peu importe. Comme une combinaison de mots et d'images, les bandes dessinées peuvent faire n'importe quoi. Les mots et les images pirotent sur leur propre et sans doute plus. La deuxième idée fausse est plus spécifique au côté de l'écriture de la bande dessinée. Beaucoup de gens dans et hors de l'industrie pensent que les écrivains de bande dessinée sont juste des artistes frustrés qui aiment tellement la bande dessinée qu'ils se contentent du moindre rôle d'écrivain juste pour être près d'eux. Tout le monde ne pense pas de cette façon, mais le fait est, alors que personne ne suppose jamais que je peins les couvertures de mes romans. Si quelqu'un découvre que je suis un écrivain de bande dessinée, leur question la plus courante est Pouvez-vous faire un croquis pour moi ? Et la seconde ? Comment ça, tu ne dessines pas ? Je comprends la confusion. L' œuvre d'art est une grande partie de l'expérience de la bande dessinée. Les artistes de la bande dessinée ont tendance à gagner plus de récompenses et avoir une compétence plus rare ont en fait un temps plus facile à trouver du travail. Pourquoi cette compétence est-elle plus rare, en partie parce que la plupart des écoles ont abandonné l'enseignement de la communication visuelle juste après la peinture des doigts de la maternelle . Mais c'est aussi parce que les écrivains ne sont pas verbaux. La narration est profondément ancrée dans la façon dont nous pensons envoyer des textos, bavarder, quoi que nous pensons, respirer chaque histoire. Certains écrivains professionnels prennent une grande offense quand juste n'importe qui s'assied et pense qu'ils peuvent écrire une histoire. Dommage, c'est vrai. N' importe qui peut, euh, ne me trompez pas. Créer une histoire n'est pas la même chose, c'est faire payer quelqu'un. Ce n'est même pas la même chose c'est d'obtenir quelqu'un pour l'écouter gratuitement. L' écriture professionnelle implique une multitude de pratiques, compétences et de talents qui sont très capables de la pratique, de l' habileté et du talent nécessaires pour devenir un artiste en raison de notre prédisposition verbale de base , bien qu'une bande dessinée artiste de livre sans écrivain peut facilement prendre un coup de couteau à faire leurs propres histoires. Un écrivain sans artiste, bien qu'il soit coincé. Il y a aussi un argument commun selon lequel un grand art dans une bande dessinée peut sauver une écriture moche. Mais une grande écriture ne peut jamais sauver de l'art moche. D' abord, je ne sais pas si c'est vrai. Je pourrais facilement imaginer quelques lignes d'Emily Dickinson sauver complètement page après page de Crayon Scroll. L' autre problème avec cet argument est qu'il s'agit de sauver le pire plutôt que de créer le meilleur. Comme vous le savez, combiner un grand artiste était un grand écrivain. Bien sûr, tous les écrivains ne deviennent pas Dickinson. Pas tous l'art Divinci ou choisir votre propre favori, mais juste ses mots et images ont le potentiel de faire plus ensemble qu'à part. Quand les écrivains et les artistes jouent à leurs forces, le tout est toujours plus grand que la somme des parties. En fin de compte, l'écrivain et l'artiste sont des partenaires égaux et ce qui est vraiment la seule partie importante du processus la création du monde fictif que le lecteur entre de toute façon à la suite de ces préjugés, réels ou imaginé, pratique ou ego conduit alors qu'il ya des tonnes, bien sûr, est des livres et des vidéos sur le dessin de bandes dessinées. Très peu se concentrent exclusivement sur l'écriture. Contrairement à celle-ci, qui se compose de 11 conférences vidéo passionnantes offrant à la fois une théorie captivante de l'écriture comique et une pléthore de noix et de boulons, conseils pragmatiques et de règles, deconseils pragmatiques et de règles, ces leçons sont pourquoi et où. Ce que vous regardez maintenant dans lequel je parle de tout ce dont j'ai parlé jusqu'à maintenant, y compris cette bande dessinée Basics, dans laquelle je vais discuter des formats de bande dessinée, termes de bande dessinée comme des panneaux et des pages splash où les mots aller de, comment lire une bande dessinée sur la lecture de bandes dessinées et qui va passer sous le capot un peu pour parler ce qui fait fonctionner les bandes dessinées juste là. Incroyablement différent des pros de Fillmore et en même temps également valable comme une forme de divertissement, éducation et d'expression de soi. Le rôle des écrivains, qui couvre le flux de travail des bandes dessinées grand public et son influence à la fois sur la façon dont les écrivains sont payés et sur la façon dont ils créent des histoires. J' ai également discuté des deux auteurs de formulaires les plus courants, artistes et les éditeurs utilisés pour collaborer à la façon merveilleuse, et le scénario complet présente les tremplin dans les résumés, qui couvre les bases de l'histoire. Comment les auteurs lancent des histoires hors du contenu approprié dans ce court espace et comment le processus de récapitulation reflète deux méthodes d'écriture distinctes mais compatibles. Le mot et l'art, qui couvre la façon dont les mots et les images changent les uns les autres. Ce qui constitue exactement une bande dessinée à partir des sept catégories de relations d'image de mot décrites par Scott McCloud dans son livre faisant le panel de bandes dessinées Description Partie 1, qui couvre dramatique par rapport aux descriptions physiques. Visible et invisible et design d'histoire. Comment utiliser les termes de film dans les scripts de bande dessinée. Et comment impliquer la composition du panneau sans l'épeler. Description des panneaux Deuxième partie, dans laquelle nous abordons l'ordre de présenter au mieux tous les éléments d'une description du panneau. Motivant le mouvement entre les panneaux et les pages. Combien s'adapte à l'usure et comment choisir la bonne taille de panneau et le sujet. Theo Words the reader Sees, qui couvre comment écrire dans l'espace limité d'un panneau. Traiter la rupture de l'exposition Dialogue for Impact for Three Ways Le dialogue définit le caractère et, enfin, les limites du dialogue. Redondance, redondance, redondance. Si vous voyez une conférence cette année, il devrait être ceci, surtout si vous voulez écrire des bandes dessinées pour trois catégories de redondance que je décrit ici. Aidez à affiner votre écriture afin qu'elle soit à la fois efficace et s'intègre dans un panneau. Je discute également des circonstances dans lesquelles la redondance peut effectivement être utile. Et, enfin, écrire des bandes dessinées pour une vie, qui couvre les spécifications de formatage, ma propre expérience avec l'industrie à partir des trois chemins de base entre votre travail et le lecteur, les bandes dessinées, les éditeurs de livres et l'auto-édition. Et cela, comme on dit, fait un ensemble complet. Merci d'avoir écouté. Jusqu' à présent. Toute question N'hésitez pas à nous contacter via le tableau de bord. Pendant ce temps, j'ai hâte de faire semblant de te voir dans la prochaine conférence. 2. Les bases de WComics L2: conférence aux bases de la bande dessinée, dans laquelle je vais discuter des formats de bande dessinée, termes de bande dessinée comme des panneaux et des pages d'éclaboussures d'où vont les mots, comment lire une bande dessinée. Salut, je reste Stefan Patrica. Si vous êtes un lecteur régulier de bande dessinée, beaucoup de choses seront de vieilles nouvelles. Mais non seulement j'ai souvent eu des étudiants qui viennent à la bande dessinée pour la première fois à travers ce cours, ce qui est fantastique , par ailleurs, certains des termes ici très et se chevauchent de façons qui peuvent être déroutants. Comme vous le verrez en ce moment avec les formats d'édition et la première conférence, j'ai souligné que les histoires de super-héros un genre tandis que la bande dessinée est un médium et que un est souvent confondu avec l'autre, le même genre de chose se passe avec le support et le format. Il semble qu'il commence par le terme BD lui-même quand il s'agit du médium, certains préfèrent le terme art séquentiel. Mais chaque fois que je l'utilise, je me retrouve toujours à ajouter, vous savez, bandes dessinées, d'autres comme le roman graphique, mais cela peut se référer non seulement à un format imprimé, mais à la longueur du contenu. Ici. Je vais m'en tenir aux BD et aux BD parce que, franchement, c'est le plus facile. Dans tous les cas, le chevauchement en termes est quelque chose d'un gâchis, que je ne suis pas en mesure de réparer, mais au moins je peux essayer de décrire. Ainsi, le format le plus associé à la bande dessinée et aux magazines est appelé Saddle Stitch, qui se compose de couvertures lisses et de pages intérieures pliées dans des écuries au centre. Comme une note historique, célèbres funnies de 1930 trois sont généralement crédités. Non seulement est la première bande dessinée Saddle Stitch, mais comme la première bande dessinée qui nous amène à notre première collision de forme et de contenu. See Famous Funnies était une collection de bandes dessinées qui apparaissaient à l'origine dans les journaux . Les bandes dessinées étaient ainsi nommées parce qu'elles étaient généralement drôles, comiques et apparaissaient sur une seule rangée de 1 à 4 copains, une bande. Et si vous êtes sûr oreilles, bien que les bandes dessinées se spécialisaient dans les histoires plus longues, plusieurs pages, cette différence de longueur est devenue la distinction populaire entre eux et les bandes dessinées problème étant. Dans les années quarante, des choses comme se rend compte que l'esprit est apparu dans les journaux, prenant plus qu'une bande. Ils ont occupé plusieurs pages de la section couleur du dimanche, qui était connue sous le nom de Funnies Don't get Me started. Donc, pour résumer, une réimpression de bandes dessinées est considérée comme la première bande dessinée, même si vous ne voulez pas appeler une bande dessinée une bande dessinée, malgré le fait que les bandes dessinées peuvent contenir le même type de contenu long qu'un BD. ai quand même eu. Saddle Stitch livres sont généralement imprimés en couleur, bien que l'indépendance et Self éditeurs parfois jusqu'à l'art intérieur noir et blanc pour des raisons financières et ou esthétiques. Ensuite, dans le format de reliure carrée, les pages collées à l'air sur la colonne vertébrale, ce qui lui donne une forme carrée, ils pourraient être une couverture souple, également connue sous le nom de livre broché ou couverture rigide. Parfois, une bande dessinée carrée contenant du matériel original est appelée un roman graphique, par opposition à une collection de questions de point de selle, que l'on pourrait appeler un livre broché commercial, ou TP Be en même temps. D' autres définissent le roman graphique sur la base du contenu comme une histoire d'une seule longueur de roman qui aurait pu apparaître à l'origine sous forme de point de selle. Allan Morin Dave Gibbons Watchman, par exemple, était à l'origine un point de selle avant d'être rassemblé dans un seul volume sur une autre note historique, la première bande dessinée à couverture rigide, ou du moins proto bande dessinée est Il n'avait pas Word Balloons a été appelé The Adventures of Mr Obadiah Old Book qui a été publié en Europe en 18 37 sur les États-Unis en 18 42. Un autre exemple intéressant d'un premier roman graphique est celui de 1970, Black Mark de Gil Kane, qui a été imprimé dans un format plus standard petit format de livre broché. Ensuite, il y a Manga, qui a sa proprehistoire riche et compliquée, histoire riche et compliquée, se référant essentiellement à une bande dessinée japonaise. manga est également associé à un style artistique particulier qui remonte au XIXe siècle. La version la plus moderne est née à la fin des années quarante avec et pardonne ma prononciation macho, macho,de Hasegawa dit I Asan et Suzuko, éclat d' Oussama Tucker Rahima Au Japon, manga englobe des dizaines de genres, et cela représente environ 40 % du marché de l'édition. Plutôt que de compléter une histoire dans un seul livre, queues de manga ont tendance à couvrir plusieurs volumes. Monica se réfère également au format d'édition commun utilisé pour le matériel a k une garniture pop Tokyo , son carré lié environ cinq pouces par 7,5 pouces, généralement avec des couvertures de couleur et des intérieurs en noir et blanc. Enfin, nous avons des bandes dessinées numériques, qui achètent heureusement des bandes dessinées numériques indépendamment de leur longueur ou de leur contenu, bien que je suppose que vous pourriez les appeler art séquentiel numérique si vous le vouliez vraiment. Ils sont disponibles soit son contenu Web, soit des fichiers téléchargeables. La bande dessinée numérique pourrait être présentée une image à la fois, une page à la fois. Nous sommes sur ce que Scott McCloud a appelé une toile infinie qui traite l'écran comme plus de fenêtre qu'une page. Les bandes dessinées, dessinées, romans graphiques et les mangas peuvent bien sûr être numérisés. Alors que la terminologie du format a ses problèmes. Ha ha ! Lorsque vous arrivez aux parties réelles d'un thème de bande dessinée, terminologie se calme considérablement. Et à quelques exceptions près, tout le monde parle à peu près de la même chose. Par exemple, la boîte qui entoure habituellement chaque image, est presque toujours appelée un panneau, et le panneau est l'unité de base de la composition. Pour l'écrivain et l'artiste, le panneau peut être n'importe quelle forme, même invisible. Les limites ou bordures de panneau peuvent être brisées pour divers effets, comme dans cet exemple de 1904 par Winsor McCay. La façon dont les panneaux sont placés sur la page est cruciale pour que le lecteur puisse suivre . Il peut également être une partie clé de la composition esthétique des pages. Nous parlerons du nombre de panneaux sur la page plus tard, mais quand vous n'en avez qu'un, cela s'appelle un splash. L' appât là avait l'habitude de submerger le lecteur avec l'importance de l'image, comme dans ces exemples. Ensuite, il y a le splash double page ou double page pour le genre de chose même une page splash ne peut pas espérer contenir. Quand vos scripts. Il est important de se rappeler que puisque la page 1 apparaît généralement sur le côté droit d'une bande dessinée imprimée, tout double page doit commencer sur une page numérotée pair qui prend soin des images. Maintenant, regardons les mots dans la bande dessinée. Les mots apparaissent sous cinq formes de base. Des ballons de mots, ballons de pensée, rafales, des légendes et des effets sonores. Certaines personnes utilisent des bulles au lieu de ballon. Je suppose que cela dépend de ce qui vous a été enseigné, mais pour justifier mon parti pris, je ferai remarquer qu'au moment où vous arrivez à la forme pétillante d'une bulle de pensée, ça devient déroutant. Donc les ballons, toute façon, un ballon de mot est un ovale entourant le dialogue parlé, avec une queue pointant vers le haut-parleur. Tout ce qui se trouve dans une bulle de mot est supposé être défini autorisé par le caractère. C' est par opposition à, Ah, ballon de pensée. Ah, forme pétillante ou nuageuse entourant les mots tacites, avec une traînée de petites bulles nuageuses indiquant la source. Ils sont utilisés pour une voix interne, tout ce qu'un personnage ne veut pas, entendu ou même quelque chose de plus invasif, comme la voix d'un démon possesseur. Quand vous avez juste à crier, il y a l'éclatement, un grand ballon de mots déchiquetés indiquant le volume à côté des cris. Il peut également être utilisé pour un effet sonore fort. La légende la plus sédante. Un rectangle traditionnellement avec un fond jaune comme quelques utilisations, il peut entourer le récit de la troisième personne ou indiqué par des guillemets la voix d'un personnage ou des personnages qui sont déplacés du courant. Vu soit physiquement est dans cet exemple ou émotionnellement, comme dans cet exemple. Enfin, nous avons des effets sonores. Les effets sonores peuvent être des mots comme bang ou smash ou une collection de lettres indiquant des sons non verbaux comme ou, plus célèbre, snick ou le fouet. Ils peuvent être incorporés dans l'image elle-même, comme dans cet exemple par le légendaire Jack Kirby, présenté en rafale ou pour un effet plus subtil dans une légende. J' ai déjà couvert les cinq façons dont les mots apparaissent, mais au-delà, les panneaux sur chaque page sont rouges de gauche à droite, et maintenant, dans le panneau, ça fonctionne de la même façon que les mots sont lus, de gauche à droite et de haut en bas, au moins de leur place correctement. Si ce n'est pas le cas, les choses deviennent plus difficiles, et les pauvres lecteurs sont partis essayer de regrouper les choses du contact. Bien sûr, toutes les langues ne lisent pas de gauche à droite, de même que leurs bandes dessinées. Beaucoup de manga, même lorsqu'il est traduit en anglais, garde le flux de l'original, auquel cas les panneaux coulent de droite à gauche, puis vers le bas. Alors que les ballons à l'intérieur des panneaux suivent également le modèle droit gauche vers le bas, les fans considèrent travailler contre leur habitude de lecture pour faire partie du plaisir d'autres pas tant . Dans tous les cas, si vous espérez présenter quelqu'un à des bandes dessinées utilisant ce genre de manga, avertissez-leur de la façon de le lire à moins que vous ne les aimiez pas ou que vous ne vous souciez pas de diffuser le médium, médium, et c'est tout pour les bases. Comme je l'ai dit au début, beaucoup de cela est de seconde nature pour les lecteurs réguliers de bande dessinée. Quant à moi, bande dessinée est comment on m'a appris à lire. Donc je suis toujours un peu surpris quand je rencontre quelqu'un qui a du mal à leur donner un sens . Mais en fin de compte, il n'y a plus de raison de s'attendre à ce que quelqu'un soit alphabétisé. Ensuite, il faut s'attendre à ce qu'ils comprennent une langue étrangère. Et comme nous le verrons dans la prochaine conférence, le langage de la bande dessinée a plusieurs aspects qui le rendent particulièrement unique. Je verrai leur même heure de batte, même batte, canal, voie, voie. 3. WComic L3 sur la lecture de bandes de bandes: conférence trois sur la lecture de bandes dessinées et qui va passer sous le capot un peu pour parler de ce qui fait fonctionner la bande dessinée là, intrinsèquement différente des pros de Fillmore et en même temps également valable comme une forme de divertissement, l' éducation et l'expression de soi. Je suis toujours Stefan Petricka, et je vais commencer cette conférence par une autre anecdote parce que parfoislesgens les aiment. Je suis toujours Stefan Petricka, et je vais commencer cette conférence par une autre anecdote parce que les Il était donc là, faisant la promotion des romans graphiques de Nancy Drew à l'Expo annuelle du livre de New York, quand un participant s'est approché, regardé notre travail acharné sur la jeune détective iconique et a dit avec un haussement d'épaules dévorant. Les enfants n'ont pas à les lire. Après tout, c'était une bande dessinée, pas un livre. Pour moi. Ce commentaire hors main capturé soigneusement trois croyances de longue date et complètement incorrectes sur la bande dessinée. Premièrement, que le contenu est le mieux superficiel et au pire, émotionnellement, intellectuellement ou moralement dommageable. Deuxièmement, que la forme elle-même est en quelque sorte intrinsèquement inférieure à, disons, livres de livres. Et troisièmement, peut-être plus intéressant, que les bandes dessinées ne sont pas lues d'une manière ou d'une autre. Ce premier mot d'absurdité n'a pas seulement existé depuis des siècles, il a été appliqué à toutes sortes de choses, des romans de 18 années 90 à 19 années 50 des bandes dessinées d'horreur , qui, en passant, a donné lieu à une audition du Congrès sur la façon dont elles causent la délinquance juvénile. Il va même à la télévision idiote préférée de tout le monde et, plus récemment, aux terribles jeux vidéo d'aujourd'hui, qui, nous parlons, transforment les milliards de personnes qui les jouent en aveugles, tueurs désensibilisés. Je sais, oui, les téléphones portables. C' est drôle, cependant. Il remonte même aux premiers romans produits en masse. Vous savez, livres que je dois verser, juste consulté les parents, tomber dans des tombes prématurées, misérables victimes à leurs filles, déshonorer et c'était une lecture nouvelle. La cause de cela, je réponds. Oui, c'est de la lecture de roman et de la cause de la dépravation féminine, publié 17 97 et si ça semble familier maintenant, ça devrait. Le deuxième problème concerne directement le support lui-même, comme s'il y avait un élément central d'un mode de communication donné qui l'empêche de produire autre chose que le drivel. C' est pour ça que la télévision a été appelée le tube de seins. Malgré ces drames étonnants diffusés sur elle depuis les années 50, et beaucoup n'ont toujours aucune idée que les jeux vidéo pourraient être utilisés pour raconter des histoires avec une profondeur nouvelle . Chaque fois que je ne sais pas, peur irraisonnée s'applique à quelque chose de nouveau. Ce sont les partisans insiste toujours non. Cette fois, c'est différent quand ce n'est manifestement pas le cas. Dans d'autres pays, comme la France ou le Japon, les bandes dessinées sont acceptées comme une forme d'art valide, tout comme le cinéma et , oui, les livres aux États-Unis. États-Unis États-Unis ce parti pris particulier reste tout à fait juste. De plus en plus d'éducateurs américains se tournent vers la bande dessinée pour des lecteurs réticents, mais ils sont toujours principalement utilisés pour attirer les étudiants dans les livres la vraie chose plutôt que comme une fin à eux-mêmes. Malgré de nombreuses percées dans la haute littérature par des auteurs tels que Art Spiegelman with Mouse ou Marjan Satrapi avec perspicacité, pour n'en nommer que deux, la combinaison de mots et d'images est encore souvent considérée, en quelque sorte moins. Pourquoi ? Sans doute beaucoup de facteurs façonnent cette attitude, mais l'argument lui-même semble basé sur cette troisième croyance que les bandes dessinées ne sont pas rouges là-bas, je ne sais pas, regardé d'une manière bizarre qui n'engage pas profondément l'esprit. Mais cette objection implique un argument corollaire encore plus ridicule que l'information communiquée visuellement est inférieure à la communication écrite. Cela est facilement démentir, tandis que les images et les mots ont leurs propres forces et limites. Toute personne émue par un grand tableau ou une photographie connaît l'incroyable puissance des images. L' autre idée fausse est, je pense, le gros point de blocage. Bien sûr, tout le monde se rend compte que vous devez lire ce qu'il y a dans les ballons et les légendes. Mais pour certains, avoir les photos là-bas rend une bande dessinée trop facile à suivre plus comme un apprêt de lecture que la vraie affaire. Presque comme si c'était la tricherie, comme dans Qu'est-ce que je dois dessiner une image pour vous ? Mais une bande dessinée n'est pas une base de lecture, à moins que vous sachiez qu'elle est conçue est la même qu'un livre ou une vidéo. La chose est, dans la bande dessinée, la séquence des images et leur relation avec les mots ont une grammaire qui leur est propre. Une grammaire capable de communiquer d'une manière est simple et aussi complexe que n'importe quelle autre langue. Il y a des recherches réelles pour soutenir cela, y compris une étude de 2012 qui a montré que les mêmes parties du cerveau utilisées dans la lecture sont également utilisées pour donner un sens aux images séquentielles. Mais une de ces parties du cerveau faire et ce qui le rend est bon ou même mieux que de lire un livre ou de regarder un tableau. Dans le cas de n'importe quel média, le cerveau utilise une forme quelconque d'instructions codées pour créer un monde fictif. Fictive signifie simplement ? Pas vraiment. Si vous lisez quelque chose qui s'est réellement passé, ces événements ne se produisent pas. Pendant que vous les lisez correctement, votre cerveau fournit une représentation de ces événements. En lisant les pros, le cerveau le fait en regardant un tas de lignes qu'il a été formé pour interpréter ses mots. J' écris chien. Tu imagines un chien, j'écris aboiement. Vous entendez ça. De même, avec un dessin, le cerveau interprète un tas de flatlines, a quelque chose occupant un espace tridimensionnel. Je te montre ça. Tu vois ton visage. Bien sûr, dehors du monde physique efficace, mots et les images peuvent également exprimer les choses non physiques comme les inter-états et les idées abstraites . Mais je dirais que c'est seulement possible est une variation sur la capacité du cerveau à représenter en interne le physique. C' est là que c'est le smoking. Nous devions vivre dans le monde avant de vivre dans nos têtes, mais c'est assez compliqué, et je ne veux pas aller trop loin dans les mauvaises herbes. Donc, la bande dessinée, lorsque vous rencontrez l'image dans un panneau de bande dessinée, la même chose qu'avec n'importe quelle image. Le cerveau crée un monde fictif et tridimensionnel. Maintenant, cependant, il crée aussi n'importe quel mouvement que l'image implique. Deux détails supplémentaires basés sur les trois mots. Une relation entre les images et les mots, et quatre événements qui se déroulent entre les panneaux. Il y a donc quelques étapes supplémentaires. Oui. A part cela, cela, y a-t-il quelque chose de différent dans le monde fictif que nous obtenons de la bande dessinée ? Alors ce que nous pourrions obtenir d'autres médias. Tu veux lire ? Pourquoi ne pas lire un livre ? Si vous voulez voir son histoire en images, pourquoi ne pas obtenir votre film ? Quelle est la différence ? En partie, il s'agit de contrôle, en partie de votre implication dans le processus. Dans un livre, vous ne fournissez pas seulement tous les sons et les images, vous pouvez choisir de lire le même passage encore et encore, ou de skim en avant, encore, ou de skim en avant, décidant de ce que l'attarder sur et quand aller de l'avant ou en arrière. Votre engagement avec le monde fictif disparaît dès que vous arrêtez d'y penser, et le film ou la vidéo des images et des sons de Thean sont fournis pour vous, donc vous ne pouvez pas imaginer. Et alors que vous pouvez certainement faire une pause vidéo ou sortir du théâtre. L' expérience elle-même se joue en temps réel hors du contrôle du spectateur. BD existe entre les deux visuels fournis, mais aussi plus d'implication et de contrôle du lecteur. Cela en fait partie, mais il y a aussi une différence plus subtile. Pour essayer de l'obtenir. Voyons comment trois médias différents, professionnels du cinéma et bandes dessinées expriment le même événement. Une explosion ici film a un avantage unique. Nous voyons et entendons l'explosion en temps réel avec un bon système sonore. Nous sentons que ça secoue nos os. Aucune description ne peut le faire et n'importe quelle illustration et présente mieux un seul moment figé dans le temps. Considérons maintenant les pensées d'un personnage pris dans cette explosion. Je ne sais pas si mes yeux étaient ouverts ou fermés, mais tout ce que j'ai vu était une lueur rouge orange vif, comme si je faisais courir les insectes. Debout sur la pointe d'une bougie d'anniversaire, un certain nombre presque paisible sensation regardait sur moi. J' ai supposé que ça signifiait que j'étais déjà mort, et l'onde de choc a frappé. Bien sûr, un acteur peut dire tout cela, sans doute mieux que je viens de le faire, mais leurs voix intrinsèquement externes, ce qui le rend, par définition, moins intime et moins comme la pensée lui-même. Et de la prose. La voix du lecteur ici est toujours générée par votre esprit et dans ce sens, vôtre. Et il est généré comme pensé par et dans votre cerveau. Dans une bande dessinée, les mots seraient séparés par des ballons et des légendes. Prose les présente est un courant ininterrompu à nouveau, plus proche du sentiment de conscience elle-même. cette raison, je dirais que les pros se rapprochent de reproduire les pensées d'un personnage et d'une explosion, puis d'un film ou d'un film de bande dessinée. L' aspect viscéral. Prosez les personnages en perspective. Mais quel médium transmet le mieux les pensées du personnage et l'explosion en même temps ? Au cas où vous n'avez pas deviné à cause de la façon unique qu'il combine les deux modes, bandes dessinées qui peuvent expliquer un peu la force moyenne, mais pas nécessairement pourquoi la forme peut être si convaincante avec toutes sortes de concepts. Avoir une réponse finale à cela, mais je pense qu'au moins une partie de la raison remonte à la façon dont le cerveau construit tout monde fictif, qui à son tour est basé sur le poids, perçoit et interprète la réalité. Plus précisément la différence inévitable dans la façon dont nous voyons et dans la façon dont nous entendons des choses aussi connues sous le nom de modalité élective du visuel et de la modalité éliable de l' auditif. Autrement dit, nous entendons toujours les choses à temps. Un son après l'autre, mais nous voyons toujours des choses dans l'espace une chose à côté d'une autre. Vrai, l'alphabet apparaît dans l'espace, et les lettres sont à côté de l'autre. Mais plutôt que des images, ils représentent des sons endoctrinés depuis la naissance, lorsque nous lisons les zones du cerveau associées à l'ouïe s'allument. Donc quand il s'agit d'une bande dessinée, le cerveau fait un double devoir. Et oui, j'ai dit devoir. C' est interpréter un tas de lignes de sons qui ont lieu dans le temps tout en interprétant un autre groupe de lignes comme des objets occupant l'espace. Cela peut sembler une longue marche pour une conclusion relativement simple, mais je pense que le croisement des fonctions cérébrales crée un fond agréable naturel élevé. Donc, pour revenir à cette anecdote originale sur les enfants qui n'ont plus à lire Nancy Drew, maintenant qu'ils sont des romans graphiques, je dirais que non seulement vous lisez quand vous regardez une bande dessinée, vous mettez et potentiellement revenir beaucoup plus. Ensuite, il est temps d'entrer dans les écrous et les boulons avec le rôle d'écrivains. Pour l'instant. Adieu, ma façon courageuse Hobbits, chemin . 4. Rôle des écrivains WComics L4: pour le rôle d'écrivains, qui couvre le flux de travail des bandes dessinées grand public et son influence à la fois sur la façon dont les écrivains sont payés et sur la façon dont ils créent des histoires. J' ai également discuté des deux formes les plus courantes écrivains, artistes et éditeurs utilisés pour collaborer la façon Marvel et le scénario complet. Je suis Stefan Petricka, dont vous vous souviendrez peut-être de mes conférences précédentes sage et où et sous la dignité des singes , quel que soit le médium, toute écriture implique de raconter les jours. Faire une vente signifie aussi savoir comment faire passer cette histoire en très peu de temps. C' est le résultat de trois facteurs fondamentaux. Le nombre d'écrivains signifiant beaucoup, la façon dont la grande majorité est employée, c'est-à-dire la freelance et la façon dont la plupart des éditeurs exigent un sens du contenu sur une base régulière. Ce n'était pas toujours exactement comme ça lors de l'erreur du studio hollywoodien. Vous pourriez en fait obtenir un salaire en tant que rédacteur junior avec des avantages sociaux et des vacances. Aujourd'hui, postes d'écriture salariés existent à peine à Hollywood, et ils n'ont jamais existé dans les bandes dessinées autres que les maisons d'édition et les œuvres historiques mineures. Les créateurs de bandes dessinées, écrivains et artistes ont toujours été indépendants, ce qui signifie qu'ils sont payés par le travail typiquement par page, avec d'éventuels paiements supplémentaires basés sur les ventes. personnel de production revanche, les rédacteurs et le sont généralement rémunérés. Eh bien, vous pouvez vous demander, pourquoi est-ce ? N' est-il pas plus logique d'avoir les créateurs, les gens au cœur de la production de votre produit comme ceux qui sont rémunérés ? Eh bien, en partie pour les éditeurs, c'est une façon de garder le contenu frais et flexible pour répondre aux goûts de l'audience en constante évolution. Les éditeurs ont toujours besoin d'un personnel de soutien, mais qui sait quand un travail de créateurs donné cessera de vendre, Grassley a mis. Pourquoi acheter la vache alors que vous pouvez juste payer pour le lait ? Ah, c'est plus compliqué que ça. Pour les deux parties, l'accord freelance rend également plus facile pour le créateur rare qui est un grand à faire plus fonction des ventes de leur travail. A l'époque du studio, ces écrivains salariés travaillaient ensemble sur des scénarios, mais ils ne partageaient pas les films. Bénéfice à l'époque, Une fois la maîtrise de votre métier, vous pourriez laisser ce salaire fiable derrière et négocier une meilleure affaire plus directement liée au prophète que votre travail produit. Aujourd'hui, c'est juste des tortues pigistes tout le long. freelancers acceptent l'accord, pensant qu'ils seront ceux qui vont le frapper gros, ils l'acceptent aussi parce que si vous voulez travailler dans le grand public, il n'y a pas le choix. Maintenant qu'Internet fournit un terrain de démonstration gratuit pour les créateurs dans leur travail, il n'y a guère de raison pour un éditeur d'investir dans des talents naissants plutôt que d'embaucher une quantité connue. Pour être clair, ce n'est pas comme si les pigistes n'avaient pas de parcours professionnel. Plus leur travail devient populaire, plus ils ont d'options quant à qui travailler, à quoi facturer, à quel genre de travail ils dio. C' est vrai pour les menuisiers, comme pour les écrivains de bandes dessinées. Mais la sécurité de l'emploi pour citer le lâche lion. Non, comment, pas question, Thea. La raison pour laquelle le système s'est développé de cette façon est que le besoin de contenu régulier pour exister . Les éditeurs de bandes dessinées grand public doivent non seulement fournir leurs produits dans les délais prévus, mais ils doivent le faire de manière à générer des ventes cohérentes. Les journaux quotidiens ont besoin de contenu quotidien. bandes dessinées mensuelles ont besoin de contenu mensuel dès le début. Cette stricte dépendance au calendrier nécessitait une approche de production plus fiable . Face à un écart occasionnel dans la ligne, plutôt que de demander à quelqu'un de percevoir un salaire juste au cas où vous en auriez besoin, il était plus logique de faire appel à un pigiste. Il est important de faire partie de cet état d'esprit. création de contenu est considérée comme un processus mécanique plus fragmentaire. Ça ressemble à un état d'esprit d'usine. C' est vrai, mais je ne dis absolument pas que c'est créatif inférieur. Bien sûr, un génie solitaire qui passe des années sur un seul projet peut produire des résultats incroyables. Mais en dépit de ceux qui prétendent qu'aucun grand art ne pourrait être créé par le comité, il ne manque pas de brillance dans les salles d'écriture qui produisent des choses comme le mal. En fait, la production sur une base régulière permettra d'affiner les compétences créatives de la même façon Exercice construit les muscles pendant environ 10 ans, est un pigiste pour l'édition d'eggman. J' ai présenté six ou sept histoires de bande dessinée par mois, avec Mickey Mouse and Friends. Ce travail a donné lieu à plus de 500 articles publiés dans 34 langues différentes. Parfois, dans le Dead of Night, je me réveille en criant, idées d'intrigue motivées par des personnages et 100 mots ou moins. Mais cette pratique et de venir rapidement et constamment avec des histoires intéressantes et divertissantes était inestimable. De même, le flux de travail de ligne d'assemblage a un impact sur la façon dont un freelance vos droits, et il le fait de plusieurs façons. J' entrerai dans plus de détails prochaine conférence. Mais à cœur seul, Novelist vend généralement leur travail après avoir terminé leurs places de départ arbitraires, une victoire, une inspiration soudaine ou un appel de la Muse. bande dessinée indépendants D' autre part, les écrivains de présentent ou lancent plusieurs idées avant de commencer le scénario. Quelle que soit l'idée qui l'intéresse, la plupart de l'éditeur devient celui qui doit être complété à temps plutôt qu'une inspiration de poids . Le freelancer doit les appeler utiliser et espérer que la réponse, une fois que l'idée de l'histoire a été vendue aux méthodes de base développées pour l'écrivain artiste en éditeur de travailler ensemble dans le flux de production. Généralement, ils s'appellent la Marvel Way et le script complet. Au moins, c'est comme ça que je les appelle. J' entends Marvel travailler à peu près avec des scripts complets ces jours-ci, Mais puisque, pour autant que je sache, ils ont dirigé cette méthode en six étapes, je l'appelle toujours la façon Marvel par souci de brièveté. Ce diagramme exclut l'éditeur harcelé et laborieux qui fournit des notes et des approbations à chaque étape du chemin. Maintenant, regardons de plus près chaque phase en mettant l'accent sur les deux étapes qui impliquent directement l'auteur, l' intrigue et le script et l'intrigue. L' écrivain décrit l'histoire vue en voyant Broken Down by BD page pour un mensuel typique de 22 pages. Ah tracé va courir environ 3 à 5 pages. Les tracés peuvent, mais ne comprennent généralement pas des extraits de dialogue. Mes romans graphiques Nancy Drew pour les découpes de papier ont été en fait écrits ses scripts complets, mais à titre d'exemple, voici à quoi l'intrigue aurait pu ressembler pour le 1er 1 Le démon de River Heights Page un. Nous ouvrons littéralement avec un cintre de falaise. Nancy passe par tes doigts d'une falaise au-dessus de la page de Rushing River à son petit ami. Ned essaie frénétiquement de l'atteindre, mais échoue et elle chute. Page trois. En fait, Nancy et Co. Regardent les quotidiens d'un film indépendant réalisé par deux étudiants en cinéma en querelle. Il s'agit d'une créature inventée appelée le démon des hauteurs de rivière et ainsi de suite. N' hésitez pas à faire une pause et à lire le reste. Notez que je ne décrit pas l'apparence des personnages, car ils ont déjà été établis dans ce cas par le spectacle Marassi. Si tu écris, dis Spiderman, tu n'as vraiment pas à décrire son costume. Tout le monde le sait déjà. Une fois approuvé, l'intrigue va à un artiste qui crayonne ou rugueuse chaque page, créant des panneaux, figures et de l'arrière-plan. Alors que certains utilisent encore du papier réel, beaucoup travaillent entièrement sur ordinateur. De là, un photocopieur imprimé du Ruff revient à l'écrivain qui les utilise pour composer le scénario. Ce script inclut tous les mots que le lecteur verra les légendes, dialogue dans tous les effets sonores que le plus dur n'a pas déjà inclus comme élément de conception . Plutôt que de mettre les mots sur l'art qu'ils sauvent. Dans un document distinct, l'auteur utilise ensuite un marqueur magique ou son équivalent numérique sur les toits, indiquant leur emplacement avec des formes appropriées qui sont numérotées pour correspondre au script. Pour vous montrer à quoi ça ressemble. Voici le script de notre exemple de Nancy Drew. Outre le rugueux numéroté dans les grandes maisons d'édition avec des délais multiples, l'auteur de l'intrigue pourrait être différent du scénariste dans ce cas, pour revenir à notre vieux fonds ami avec la terminologie, les écrivains de l'intrigue parfois crédité de l'histoire pour les distinguer du scénariste. Alors que dans de très rares occasions j'ai été en mesure de demander des changements plus loin dans le processus , beaucoup plus souvent avec le script, le travail de l'auteur est terminé et ils passent au prochain projet. Pendant ce temps, le script et les toits sont envoyés à une lettre combine réellement les mots avec l'art, en étant sûr de ne pas dissimuler une histoire cruciale ou des aspects esthétiques. Lettrage est beaucoup plus facile à l'ordinateur, mais certains encore lettre à la main. Comme mon pote Rick Parker, lettrage à la main a bien fait, comme Rick produit des résultats plus personnels et plus engageants. Les toits lettrés sont ensuite envoyés à l'artiste pour Finitions ou ANC, où les noirs texture et détaillant à l'artiste qui a fait les toits s'occupe généralement de la finition. Mais encore une fois, ce n'est pas toujours le cas. Et il y a eu beaucoup de célèbres partenariats de colère crayon er au fil des ans. Enfin, mais certainement pas des moindres les annonces coloristes. Comme vous pouvez le deviner, les couleurs. C' est la façon Marvel a publié ce que j'ai appelé la façon Marvel, l'autre option, qui a été autour presque aussi longtemps. Mais il est beaucoup plus commun ces jours-ci, est le script complet. Le script complet modifie le flux en éliminant la scène de l'intrigue, mettant les choses au moins au départ, beaucoup plus dans le contrôle de l'auteur. Chaque panneau est décrit à l'avance, et toutes les légendes, dialogues et effets sonores sont précisés, je ne consacre pas une mais deux conférences à la création de ces descriptions. Mais brièvement les angles, la taille du panneau et parfois même les mises en page pourraient être inclus, en fonction de la relation de travail de l'artiste écrivain particulier. Une fois qu'un script complet est terminé, approuvé les auteurs à peu près terminé, et le reste du flux se déroule de la même manière qu'un exemple. Voici le script complet réel de la première page de ce même roman graphique de Nancy Drew, et voici à quoi ressemblait la dernière page comme rendu par le talentueux spectacle Morass E. Pour avoir une idée de la façon dont ces méthodes diffèrent de façon créative. Notez que le visage de Ned Nickerson n'est pas visible. C' est bien visuellement, mais ce n'est pas comme ça que j'ai imaginé la scène. Si cela avait été fait de la manière Marvel, j'aurais vu l'art et j'aurais peut-être utilisé la narration de Nancy pour faire référence au fait que le lecteur regarde l'arrière de la tête de Ned. Ce qui nous amène à notre dernier sujet. Un format est-il meilleur que l'autre ? La réponse, qui ne vous surprendra probablement pas, c' est cela dépend. Chaque méthode a des avantages et des inconvénients clairs à cœur. Le scénario complet est beaucoup plus semblable à un scénario de film ou de télévision, l' exception notable que les images ne bougent pas, il donne à l'auteur un contrôle beaucoup plus grand sur le rythme et l'accès à l'histoire de la manière Marvel . Bien que voir l'art brut permet à l'écrivain d'adapter plus efficacement ses mots aux images, il est plus facile d'imaginer ce qu'un visage pourrait dire quand on peut le voir. Il est également plus facile de s'assurer que les mots s'adaptent, créant potentiellement un résultat plus organique. Mais de grandes bandes dessinées ont résulté des deux méthodes. D' une part, Stanley pourrait simplement demander à Jack Kirby de dessiner une incroyable bataille pour trois pages, et il le ferait. D' autre part, Alan Moore est bien connu pour ses longs scénarios, déambulants, déambulants, informels et brillants, comme en témoigne ici sa description du premier panneau de la première page de son légendaire Script de gardien en en conclusion. Bien que vous vous retrouverez probablement à travailler avec ces formulaires à un moment donné, gardez à l'esprit qu'à la fin, quoi que ce soit fonctionne, soyez en train de vous voir 5. WComics L5 Pitches: cours cinq emplacements. Springboards and Summaries, qui couvre les bases de l'histoire, façon dont les auteurs lancent des histoires, comment intégrer le contenu dans ce court espace et comment le processus de synthèse reflète deux méthodes d'écriture distinctes mais compatibles. Surprise. C' est encore moi, Stefan Petricka. C' est une grande planète, et les écrivains qui vivent sur ou sous sa surface travaillent de toutes sortes de façons. Certains commencent par un mot aléatoire, découvrant comment les choses se termineront une fois qu'elles y arriveront. D' autres ont décrit chaque scène avec des détails atroces, quel que soit le chemin. A moins que nous ne parlions de poésie abstraite ou d'une autre forme non narrative, le produit final est une histoire. Quelle est l'histoire ? C' est un cours très important en soi, mais c'est une vaste simplification. Il crée une tension fictive que de la résoudre, en utilisant les composantes de base du conflit de caractère, enclos, quelqu'un ou quelque chose a un désir. Quelque chose ou quelqu'un fait obstacle à l'accomplissement de ce désir. Et à la fin, on découvre s'ils l'ont. complications de la quatrième composante, qui sont essentiellement de nombreux conflits sur le chemin de la résolution du conflit majeur, concernent ce simple trois notes syntonisent une symphonie. En termes de processus créatif, beaucoup de routes peuvent vous y mener. La seule chose qui compte, c'est le résultat final. Pour ce qui est de vendre une histoire ou de convaincre de travailler avec vous, les choses changent rapidement. Un éditeur chargé avec des délais n'a pas le temps de lire un long script complet dès le départ, même à partir de Pro. De même, un artiste avec qui vous aimeriez travailler en partenariat est susceptible de vouloir au moins une idée générale de ce qu'il fait avant de s'engager dans un projet. Donc, à un moment donné, un écrivain doit sans pitié résumer sa brillante épopée en quelques phrases concises, cohérentes et captivantes à travers l'industrie des médias. Trois termes ont été utilisés pour ces sommaires. Pitch Logline et tremplin. Eh bien, ces termes sont souvent utilisés de façon interchangeable. Comme nous l'avons vu avec d'autres si délicieux jargon. Il y a quelques différences. Un pitch est un terme de vente utilisé pour n'importe quel produit. C' est une phrase brève, accrocheuse ou deux qui communique l'idée de base. Beaucoup de lignes se réfère plus spécifiquement au cinéma et à la télévision, où les lecteurs de script entrent littéralement de courtes descriptions dans un journal pour suivre ce qui a été examiné tremplin ou juste un peu plus contenant une histoire complète mais nue. Contrairement à l'intrigue de la bande dessinée, nous avons parlé de la dernière fois. Les tremplin ne sont pas des instructions pour un artiste, et ils ne sont donc pas ventilés par page ou nécessairement orientés visuellement. Il y a deux variantes bien connues sur le terrain, l'emplacement de l'ascenseur suffisamment court pour traverser pendant un court trajet en ascenseur. Et peut-être le plus court de tous. Le haut concept pitch, qui se réfère généralement à un simple mashup de concepts existants comme Retour vers le futur, rencontre The Sopranos, une description appropriée du film Looper avec une logline. Certains de ces éléments de base de l'histoire deviennent plus reconnaissables pour voir à quelle vitesse ce genre d'été vous pouvez faire passer l'histoire. Regardons quelques longs métrages des films populaires et voyons si on peut obtenir le titre, n'est-ce pas ? Un garçon de ferme naïf mais ambitieux fait équipe avec une princesse fougueuse, un pilote mercenaire et un vieux orteil guerrier mènent une rébellion contre un empire sinistre, qui est, bien sûr, Star Wars. Une jeune femme poursuit sa passion pour le football contre la volonté de ses parents sikhs traditionnels . Ok, c'est le plier avec le transport de Beckham dans un paysage surréaliste. Une jeune fille tue la première personne qu'elle rencontre, puis fait équipe avec trois inconnus pour le refaire. Le Magicien d'Oz. Oui, c'est une vieille blague et des excuses si vous l'avez entendue. Mais il souligne qu'un bon résumé ne peut pas simplement réciter les événements de l'intrigue qui doit le faire d'une manière qui capture également la saveur des histoires comme celle-ci. Nichée dans un pays magique, Ah, fille solitaire du Kansas part dans un voyage dangereux pour trouver un sorcier qui peut la renvoyer chez elle pour revenir à l'histoire. Les bases ont remarqué que ces lignes de bois nous donneront les 2 premières composantes de l'histoire caractère et conflit ambitieux garçon de ferme se rebeller contre l'empire sinistre. Une jeune femme qui se révolte contre les parents traditionnels pour le bien de sa passion. Une fille échouée dans un dangereux voyage à la maison. Mais ils n'incluent pas la fermeture dans une longue ligne. Tu ne sais pas ce qui se passe. C' est en partie parce que la fermeture des histoires est implicite par le conflit. Une fois ce conflit établi, il n'y a en réalité que trois possibilités pour le résultat. Les désirs de conduite atteints, non atteints ou modifiés. C' est aussi parce que le concept de la logline provient de l'industrie du cinéma à gros budget , où, où, au moins au départ, l'idée de base est la partie la plus importante, et les détails peuvent être triés dehors plus tard. Beaucoup d'écrivains et une grande vie sont des docteurs de script hollywoodiens. Cela est moins vrai pour la télévision, et pas du tout vrai. Et les éditeurs de bandes dessinées traitant d'un flux de travail impliquant des dizaines d'histoires ont besoin d'une image complète non seulement pour prendre une décision sur ce qu'il faut acheter, mais aussi pour se sentir confiant qu'un nouveau venu sait comment créer une conclusion satisfaisante. Donc, si avoir un pitch à la tête d'une présentation plus longue peut être utile, vous ne voulez jamais vraiment présenter une histoire sans une fin. Ce qui nous amène au tremplin. Les tremplin sont très semblables aux lignes de bois, mais ils comprennent la fermeture. En tant que tel, de nombreuses lignes de bois peuvent facilement être transformées en tremplin. Comme avec cette logline, c'est une vie merveilleuse. Un homme de famille lutte pour échapper à cette petite ville pour une vie plus réussie dans la grande ville. Quand c'est constant, les efforts échouent. Il envisage le suicide, mais son ange gardien lui montre ce que serait le monde s'il n'était jamais né. L' ajout d'une seule phrase décrivant la fermeture transforme la logline en un simple synopsis. Reconnaissant son impact sur ceux qu'il aime, il embrasse sa vie avec gratitude Compte tenu des légères différences, j'espère que vous pourrez voir pourquoi ces termes sont parfois utilisés de façon interchangeable. Mais plus important encore, qu' est-ce qu'ils ont à voir avec l'écriture de bandes dessinées dans des bandes dessinées ? Si vous êtes approché par un éditeur pour des idées, vous envoyez généralement 45 tremplin chacun un seul paragraphe exécutant environ 3 à 5 phrases. Notez que j'ai dit, Si vous êtes approché, quand il s'agit des grosses armes comme Marvel en D C les jours, ils communiquent avec des écrivains établis plutôt que de traiter avec du matériel non sollicité. D' un autre côté, si vous souhaitez vendre un roman graphique spécifique à un éditeur de livres ou à un éditeur de bandes dessinées plus petit qui examine du matériel non sollicité, vous enverriez une requête, une description d'une page qui serait se sont concentrés sur un seul tremplin demandant s'ils veulent en voir plus. Beaucoup plus peuvent être trouvés sur la façon de construire ces requêtes dans mon cours d'écriture pour vivre . Dans tous les cas, faites toujours quelques recherches sur les procédures d'un éditeur donné avant de soumettre quoi que ce soit. Dans la dernière conférence, ma description du flux de travail supposait qu'une forme de pitch avait déjà été vendue. Il y a cependant cependant des situations où une étape supplémentaire peut entrer en jeu, particulier lorsqu'il s'agit d'écrire pour du matériel sous licence signifiant des personnages ou des mondes appartenant à quelqu'un d'autre que le éditeur. Batman, exemple, par exemple, est la propriété de Warner D. C. Comics, ce qui leur donne l'approbation finale sur toutes les choses Batman. La même chose vaut pour Captain America et Disney merveille dans ces deux cas, le freelancer travaille directement avec le propriétaire. Nancy Drew, en revanche, appartient à Simon et Schuster. L' éditeur de bandes dessinées Paper Cuts a concédé les droits d'eux pour faire leur roman graphique, Siri, avec des propriétaires qui protègent légitimement leur propriété intellectuelle. Leur approbation est également requise. Procédures, très. Mais pour l'écrivain, cela signifie le plus souvent produire un synopsis d'histoire spécifiquement pour l'approbation de la licence d'exercice de la manière Marvel, l'intrigue peut à peu près être utilisée comme un synopsis, mais dans le script complet, cette scène est essentiellement ajoutée sans l'avantage d'un écrivain de voir de l'art brut avant de l'écrire. Pour comprendre la différence. Revenons à notre base. C' est un merveilleux synopsis de vie. Un comique comique pour un artiste écrirait tous les événements de l'histoire et pourrait inclure quelques morceaux de dialogue comme celui-ci. Page 1. veille de Noël des chutes de Bedford. George Bailey est profondément troublé depuis des années, de la part de ses amis et de sa famille. Levez à la page du ciel à cela provoque aux anges d'assigner un ange de deuxième classe, Clarence, pour le sauver. Clarence. Vraiment lui. C' est son tour. Me voici, page 3. Ils sont passés en revue la vie de George, à partir de l'âge de 12 ans quand le frère cadet de Géorgie, comment il est tombé dans la glace sur un lien gelé. Je t'aurai, Harry. À cause de cette action, George a perdu une ouïe dans son oreille gauche. Mais qu'est-ce que c'est ? Tu dis ? Un synopsis pour un donneur de licence est très similaire. Il inclurait Lee quelques événements spécifiques, mais pas nécessairement la ventilation de la page. Ce genre de synopsis peut également être pratique pour quelqu'un qui essaie d'entrer par effraction. Si une conférence d'éditeur débute mais n'a pas fonctionné avec vous auparavant, elle peut demander un synopsis comme étape intermédiaire avant de s'engager dans un script complet. De même, si un éditeur de livre exprime son intérêt pour votre requête relative à un roman graphique, l'étape suivante pourrait être d'envoyer ce type de synopsis fait partie d'une proposition plus vaste, une proposition qui devrait, si possible, inclure des œuvres d'art en termes de longueur. Un synopsis pour une bande dessinée mensuelle de 22 pages serait d'une demi-page ou d'une page pour un roman graphique complet . Ça pourrait être de 4 à 5 pages. titre de comparaison, un synopsis roman typique fonctionne de 10 à 15 pages, il y a donc beaucoup de raisons de condenser votre travail sur de nombreux formats dans lesquels le faire. Ce qui nous amène à la grande question. Comment, pour beaucoup, commencer à résumer semble carrément contraire au processus créatif. Un ennemi mortel de ce qui rend beaucoup d'entre nous passionnés par l'écriture en premier lieu cette exploration imaginative conduite par l'intuition comme une autre vaste simplification excessive, le processus d'écriture intuitif pourrait ressembler à ceci. L' écrivain embrasse d'abord la muse, crachant des mots et une coupe fiévreuse. Ensuite, ils remontent et façonnent ces résultats rugueux en une histoire. Résumer est au mieux une réflexion après coup fastidieuse une fois que le vrai travail est fait après avoir investi tout ce sang, sueur et larmes condensant que le travail n'est pas seulement un mal de tête de l'ingénierie inverse, il peut avoir l'impression de tuer quelque chose Tu aimes comme un chiot. Et qui veut tuer un chiot ? Est-ce que vous ne tuez rien ? Voir les chiots bien, même en résumant et le travail existant, vous êtes en train de créer quelque chose d'autre. Pas une âme dure est une bête dont l'existence même est une moquerie de tout ce que vous tenez cher, mais quelque chose qui va traverser l'idée du chiot juste assez pour donner aux gens envie caresser. Juste un résumé za peut être pensé est distinct du travail lui-même. Résumer peut être considéré comme une compétence distincte, plus comme la résolution de puzzle abstrait. Vous vous rendez à la muse comme une compétence qui peut être apprise et affinée par la pratique. Au fil du temps, il pourrait devenir intéressant en soi, comme faire un puzzle de mots croisés. Comme un bonus supplémentaire, il améliorera votre écriture. Beaucoup de débutants font l'erreur d'essayer de presser autant de détails de leur histoire qu' ils le peuvent en été. Deux Key Pa est une grande partie du chiot, c'est qu'ils ne peuvent pas. L' astuce, cependant, est de commencer par oublier ces détails et de devenir plus consciemment analytique. Penser en termes de composants de quatre étages, caractère , conflit, complications et fermeture et essentiellement remplir les blancs. En d'autres termes, construire pas vers le bas. Le danger devient alors aller trop loin avec quelques phrases limitées. Il est facile de jeter le grand bain, perdant le noyau émotionnel en échange d'une récitation sèche des événements. Alors, où est l'équilibre ? Qu' est-ce qui compte ? Dans le cas du chiot, beaucoup de cela concerne vraiment les yeux. Oui, dans le cas de l'histoire, regardons un célèbre exemple paraphrasé d'E. M. Forster. La reine est morte et puis le roi est mort est une récitation sèche des faits. La reine est morte et puis le roi est mort d'un coeur brisé est une histoire. La différence n'est que quatre mots, mais non seulement ils fournissent un caractère au roi comme quelqu'un qui aime profondément, ils fournissent un conflit qui résonne avec ce personnage. Ce n'est pas seulement le corps MK Boat face combat le mal Mr Submarine. Qui va gagner ? Réponse. Corps MK face de bateau. Comment un roi aimant peut-il vivre sans sa réponse bien-aimée ? Il ne peut pas. Pour un autre exemple, voyons Hamlet, un prince danois dont l'oncle a assassiné son père, épousé sa mère et usurpé son trône. Le conflit de base ici, c'est ce que vous allez faire à ce sujet, c'est un grand conflit, sans doute convaincant en soi. Mais ce qui rend l'histoire de Hamlet plus vivante, c'est un seul mot souvent utilisé pour le décrire. Ce n'est pas n'importe quel prince danois. C' est le Dane mélancolique. Ce mot non seulement donne une image plus vive de la façon dont nous traitons tout conflit, mais il se rapporte encore directement à son conflit particulier, renforçant en le faisant écho. Ce n'est pas juste, Oh, je vais faire ça. C' est Oh, mec, qu'est-ce que je vais faire pendant trois heures comme le personnage se rapporte à leur situation ? façon dont l'histoire sort de cette relation fait toute la différence qu'il a eue. personnalité de base d'un personnage est la chose que la plupart de mes élèves oublient au cours de leur premier été. Et une fois que vous vous concentrez là-dessus, comme nous l'avons vu, c'est le genre de chose qui peut être corrigé en quelques mots seulement. C' est une différence entre Joe doit aller à la banque et faire un paiement à trois pour garder sa maison. Et Joe et Agora phobic doivent aller à la banque et faire un paiement à trois heures pour garder sa maison un résumé du travail existant. C' est le noyau que vous voulez capturer. Si l'histoire n'est pas à un certain niveau, ayez ce noyau, vous voudrez peut-être repenser l'histoire. Ce qui m'amène à un autre point résumant et la façon dont il s'intègre dans le flux de travail. Fournissez un ensemble d'outils qui ont créé différentes possibilités, une possibilité qui devient de plus en plus attrayante une fois que vous commencez à obtenir des affectations régulières et que vous devez produire des histoires à la demande. Autrement dit, vous pouvez apprendre à travailler dans l'autre sens plutôt que de chasser l'essence d'une pièce finie. Vous pouvez créer des nouvelles en commençant par les os, retourner une pyramide et commencer le processus d'écriture en remplissant les blancs pour le caractère et conflit. Décidez de la couche de fermeture dans certaines complications, puis, lorsque votre script le produit final essayer d'embrasser la muse pour donner vie aux choses de cette façon tout en respectant les éclairs d'inspiration qui peuvent apparaître porc entier, vous êtes créer le tremplin et le résumé au fur et à mesure que vous allez le long. Et si un éditeur suggère de changer, modifier l'histoire au stade du tremplin de lanceur est relativement facile par rapport à quelque chose qui a déjà été étoffé. Dans cette optique, le passage de la hauteur au script peut être considéré comme un processus de superposition. La hauteur fournit un conflit et un caractère assez abstraits. Le tremplin ajoute une fermeture dans une forme basique. Le synopsis crée les complications des événements de l'histoire, et le script fournit les détails. Grande image. Cette approche d'écriture fragmentaire pourrait être appelée réductionniste, comprenant quelque chose en le décomposant et en étudiant les pièces. La magie de l'histoire qui en résulte pourrait être appelée une propriété émergente, un tout plus grand, produite par la somme de ses parties. De même, l'approche basée sur la muse pourrait être appelée holistique, regardant l'ensemble du système, en développant votre talent comme intuitions plutôt que comme compétences. Par exemple, écrire sans savoir comment l'histoire se termine et se sentir dans n'importe quel processus que vous utilisez n'a pas besoin d'être rigide, comme ils le diront encore et encore. Tout ce qui fonctionne fonctionne lors de l'écriture d'un roman. J' utilise toujours outline, mais je me sens aussi libre de réviser ce contour chaque fois qu'une meilleure idée apparaît pour être claire au niveau professionnel, ce qui rend ce genre de révisions devient plus difficile, disons une fois qu'une licence ou approuve des synopsis ou des parcelles déjà été crayonné au-delà d'un certain point, vous devez travailler avec ce que vous avez. Malgré son utilité, certains écrivains, en particulier les débutants, trouvent l'approche réductionniste contraire à la vraie créativité. Travailler si consciemment les empêche de faire tout ce que la magie fait respirer le monde fictif tuer ou du moins abuser du chiot. Je sympathise, Mais dans mon expérience, la méthode réductionniste offre un défi différent mais tout aussi satisfaisant. Trouver la vie dans un moment prédéfini. Il s'agit plus d'essayer de diriger plutôt que d'éliminer, d' amuser. Tout le monde, bien sûr, a ses propres forces et faiblesses. Une personne. Félicitations, ITAR joue avec elle pendant quelques mois et produit une belle musique. Un autre pourrait prospérer en apprenant à lire de la musique, étudiant la structure des accords et la théorie de la musique. Encore une fois, tout ce qui fonctionne fonctionne. Je voudrais suggérer que plutôt que de penser à tout l'isme et le réductionnisme est contraire , il est plus utile de les voir sont différents outils. L' intuition peut fournir un éclair de brillance, mais elle est rarement fiable. Les outils réductionnistes sont toujours là, prêts et attendent ces nuits solitaires quand vous êtes assis autour d'attendre la comédie musicale. Au-delà de cela, si la pratique diligemment les compétences deviennent intuitives au fil du temps. pratique des échelles, par exemple, devient la mémoire corporelle et finit par se sentir instinctif. On peut soutenir que ce processus a une meilleure chance d'aider quelqu'un à prendre son art plus loin que de ne jouer que par les préférences de l'oreille et les proclivities de côté et de choisir comment travailler. Vous pouvez également considérer vos objectifs si vous écrivez pour le plaisir pur et ne voulez pas prendre cette expérience à travers le commerce ont à elle et plus de pouvoir pour vous. C' est un excellent moyen de passer votre temps, et je le recommande fortement. Mais si vous voulez écrire professionnellement sur une base régulière, la productivité devient essentielle. Pour paraphraser Bruce Springsteen, vous pouvez prendre 20 ans pour écrire votre premier numéro d'une bande dessinée mensuelle, mais vous n'avez qu'un mois pour évaluer la seconde. Parfois, garder le chiot en bonne santé implique de le retourner en pierre. Je veux conclure par une mise en garde. Dans cette conférence, j'ai présenté le terrain dans. Le tremplin est le principal moyen de faire une vente. Mais l'histoire de tout le monde est différente, et ce n'est pas comme ça que je suis entré par effraction. J' ai produit des tremplin. Oui, et les éditeurs de bande dessinée les aiment encore, mais ils m'ont placé dans un truc de Catch 22. Selon les commentaires, les tremplin que j'ai envoyés ne prouvaient pas que je pouvais écrire un dialogue ou un script complet. Et pour citer l'un des plus beaux rejets, personne n'a le temps de former un débutant. Donc, à la fin des années quatre-vingt, contre tout conseil contraire, j'ai pris une de mes propositions originales, qu'un éditeur a appelé The Kiss of Death, a écrit un script complet pour elle et l'a envoyé à un groupe d'éditeurs. C' est ce qui a finalement attiré l'attention, aboutissant à quatre numéros de la première édition, avec des couvertures de JK Potter et Art de feu Tom Sutton. Ça s'appelait Squalor. Une fois que la Syrie a prouvé que je pouvais écrire, il était plus facile pour moi de vendre des histoires basées sur des tremplin, pour être clair, que le script complet était basé sur un tremplin. Donc je n'ai jamais senti mes efforts de synthèse ont été gaspillés. La pratique a amélioré mon écriture, et la compétence est devenue cruciale sur le point de ligne étant. Bien que je pense que ces bases sont un bon point de départ, il y a autant de façons d'écrire des bandes dessinées, c'est qu'il y a des écrivains de bande dessinée. Essayez quelque chose, voyez comment ça marche. Et n'ayez pas peur d'ajuster le cap et d'essayer autre chose. Rien ne réussit comme le succès enfermant. Tu te souviens de ça ? Il n'y avait pas les avions à sa beauté qui ont tué la bête. Pas moyen 6. WComics L6 Word and Art: Conférence six Word et Art, qui couvre la façon dont les mots et les images changent les uns les autres. Qu' est-ce qui constitue exactement une bande dessinée issue des sept catégories de relations d'image de mot décrites par Scott McCloud dans son livre faisant des bandes dessinées ? Oui, je suis Stephan Petricka. Sauf si je me surveille. Pour une raison quelconque, vous n'êtes pas bien, peu près tout ce qui implique le mot écrit nécessite une sorte de visualisation de l'écriture . La bande dessinée exige non seulement une compréhension de la grammaire du panneau, mais aussi de la façon dont les mots et les images et chaque panneau peuvent influencer et changer les uns les autres. Il est assez facile de voir comment une image peut changer la signification des mots. Une fois les visages ajoutés, le ton des mots et leur signification sont modifiés. Mais qu'en est-il de l'inverse ? Dans son livre et sa télévision de 1972, la façon de voir John Berger fait un excellent point en utilisant ce tableau Wheatfield with Crows de Vincent Van Gogh ou, si vous êtes britannique, Ben Golf, prenez un Regarde. Laisse couler un peu, On champs des corbeaux. Maintenant, regarde à nouveau. Une fois que vous avez lu la légende, l'image, ou au moins comment vous la voyez. n'y a plus la même chose pour citer Burger les mots immuables e modifier l'image. Est-ce que c'est une bande dessinée ? Peut-être, mais c'est certainement plus compliqué que de simplement ajouter des mots à n'importe quelle image. Dans son premier livre, Comprendre la bande dessinée. Le Go to Guy. Quand il s'agit de vous renseigner sur le médium, Scott McCloud fait la distinction entre une bande dessinée et une illustration. Une illustration comme celle-ci. L' art illumine le texte mais ne fournit aucune nouvelle information. ces exemples Cependant, ne fournissent aucune information en raison de la façon dont les mots d'une image changent les uns les autres. Il y a un tout qui est communiqué par la somme des parties. Je dirais que tant qu'ils ne se parent pas les uns des autres, mots et même une seule image créent l'expérience comique unique dont j'ai discuté en cours de conférence. Trois. Scott et beaucoup d'autres seraient en désaccord, croyant qu'une bande dessinée appropriée nécessite une séquence d'images comme dans le terme art séquentiel et que, par conséquent, ces exemples sont un panneau. Les bandes dessinées comme Family Circus ne correspondent pas à la facture. Ce n'est pas une question simple, et une partie du raisonnement, que Scott souligne, est que vous n'avez pas besoin de mots pour créer une bande dessinée ici. Les images seules ont produit l'information complète, le mouvement de la figure. Si vous n'avez pas besoin de mots pour une bande dessinée, comment les mots peuvent-ils faire partie de la définition d'une bande dessinée ? La chose est, même cette séquence de panneau a une grammaire, et la façon dont nous interprétons cette grammaire est très similaire à la façon dont nous interprétons les mots. Comme je l'ai mentionné lors de la discussion sur la lecture ou non des bandes dessinées, les mêmes parties du cerveau impliquées dans la lecture sont utilisées pour donner un sens aux images séquentielles . Je suis écrivain, donc je suis partiale. Mais à mon avis, il y a quelque chose d'inhérent à l'expérience comique qui repose carrément sur cette combinaison de mots d'art . Que ce soit à travers une association réelle des deux ou d'ailleurs, l' art seul peut emprunter des aspects de mots au-delà des définitions précises, tandis qu'une bande dessinée peut être silencieuse. L' ajout de mots élargit les possibilités de manière exponentielle afin d'utiliser le médium à son meilleur avantage. Les écrivains et les artistes ont besoin d'une compréhension pratique de ces possibilités. Heureusement, Scott McCloud fournit la base parfaite pour comprendre les bandes dessinées et le suivi création de bandes dessinées en organisant ces possibilités en sept catégories de dandy pratiques. Je vais revoir ces catégories ici et ajouter mes propres pensées, mais je veux être clair qu'ils proviennent de Scott, et je recommande fortement que vous voyez avoir ses livres. D' après mon expérience, les catégories donnent des problèmes aux étudiants. Avant de plonger dans la liste, quelques mises en garde. abord, Alors qu'il y aura beaucoup d'exemples visuels, Je vais en parler avec, eh bien, mots. Comme le cerveau se déplace entre l'image et le mot, il peut être désorientant. Deuxièmement, bien que les catégories soient théoriquement solides dans la pratique, il y a un certain chevauchement qui peut faire en sorte qu'elles soient appliquées à un groupe donné. Confuse. Je discuterai un peu de ce chevauchement à la fin. Troisièmement, dans une image de mot comique, les relations peuvent changer d'une scène à l'autre, même d'un panneau à l'autre. Alors gardez à l'esprit dans chaque cas ici, nous ne parlons que d'un panneau, pas d'une séquence. Avec ça. Voici Scott McCloud. Sept relations avec l'image Word Faites une spécification où les mots et l'image fournissent les mêmes informations. Mots spécifiques, où les mots fournissent toutes les informations, tandis que l'image accents aspects des mots image spécifique, dans lequel l'image fournit toutes les informations dans les mots aspects accent de la image interdépendante, où les mots dans l'image combinés pour transmettre des informations que Ni ne se croisent seul où l'information transmise par les mots et l'image se chevauche parallèle , où l'information que le les mots dans l'image véhiculent ne semblent pas liés de manière significative. Et, enfin, montage dans lequel les mots de l'image se combinent visuellement, l'ordre ici est légèrement différent du livre, espérons-le pour un flux plus facile qui met l'accent sur l'écriture. J' ai également divisé les catégories en sections. Dans le premier, vous n'avez jamais besoin des deux mots dans l'image pour suivre le long. Dans la seconde, vous avez toujours besoin à la fois des mots et de l'image à suivre. En ce qui concerne le montage, eh bien, c'est plus un élément de design, et comme vous le verrez, je ne suis pas convaincu qu'il appartient du tout. Regardons chacun en commençant par faire spécifique où, comme je l'ai dit, les mots et l'image fournissent la même information. En d'autres termes, ils sont redondants. Par exemple, dans ce panneau tiré des romans graphiques de Nancy Drew, l'image nous dit tout seul que Nancy s'est retournée et a vu un ours. De même, cette légende nous dit tout seul la même chose. Mettez-les ensemble, et aujourd'hui, vous devez faire un panel spécifique. Puisque les images et les mots sont interprétés par différentes parties du cerveau, faire un spécifique peut créer un écho intéressant, souvent amusant. Dans cet exemple, nous obtenons les informations de trois façons dans l'image, dans la légende et dans le ballon de pensée. Faire un spécifique est probablement le plus facile à comprendre, et il a une qualité audacieuse qui le rend difficile à manquer. C' est aussi celui que l'écrivain de bande dessinée devrait éviter. Comme la peste, répétition de n'importe quelle forme tend à rappeler au lecteur qu'ils interprètent des lignes sur une page , les retirent du monde fictif. Cela dit, il y a certaines situations où un particulier pourrait fonctionner. On est si les mots de poétique ou ont une cadence qui se termine une saveur au-delà du simple fax, comme dans ma vague tentative ici. Même dans ce cas, cependant, cela ressemble plus à une histoire illustrée et pas à une vraie bande dessinée. Dans d'autres cas, redondance peut être utilisée pour ajouter de l'accent mélodramatique, comme dans ce panel, parce que Galactus a cru que ce n'était pas quelque chose collectifs faisaient très souvent. Suivant dans une relation spécifique mot, les mots fournissent toutes les informations. Alors que l'image accents aspects des mots comme duo spécifique. La scène est communiquée entièrement par des mots, comme dans cette légende. Aussi, comme faire un spécifique. L' image n'ajoute aucune nouvelle information. En fait, ça nous donne moins ici. Ça ne nous dit pas que cet ours avait attaqué les amis de Nancy, mais l'image n'est pas entièrement redondante. Au lieu de cela, il contribue à la concentration, en ne mettant pas notre attention sur les amis de Nancy. Mais au moment où elle voit l'ours à travers sa composition. Il met également en valeur les ours de taille exceptionnellement grande. L' ours ne domine pas seulement la page, grâce à un long coup. Nous voyons exactement combien il est beaucoup plus grand la Nancy avec des mots donnant aux lecteurs ce qu'ils ont besoin savoir pour suivre cette histoire. L' image est libre de se concentrer sur n'importe quel aspect de cela pour différents effets. Ici, l'image se concentre entièrement sur l'ours. Le sens de sa taille exacte est perdu, mais ce choix rapproche le lecteur de la bête, plus comme ils sont dans les chaussures de Nancy. Si l'image se concentre sur Nancy, le lecteur a un sens plus fort de son mouvement physique et de sa réaction terrifiée. Alors que le regard de l'ours est laissé de l'imagination, l'inclinaison de la tête de Nancy donne encore une indication de sa hauteur. Fait important, le panneau n'a pas besoin d'avoir beaucoup de mots pour être des mots spécifiques. Dans cet exemple du numéro 58 des Avengers, il n'y a que cinq mots, et il n'y avait que vous avez besoin pour obtenir ce qui se passe. C' est un androïde. Vous ne penseriez pas qu'il pourrait pleurer, mais , ouais, il ne peut pas ce qui rend ce mot spécifique et ne pas me faire un spécifique ? Un mot, même la qualité unique et inattendue des larmes n'est pas véhiculée par l'image. Encore une fois, l'image ajoute à l'expérience, mais seulement en termes d'accent, pas de nouvelles informations. Il aurait pu se concentrer sur la tête de l'androïde, sa main, son front sillonné ou la larme elle-même. Mais en incluant la figure complète, il donne une qualité formelle à la position androïde tandis que les lignes éclatées derrière lui nous disent que ce que nous voyons est important. D' un autre côté, il y a ça, qui a beaucoup de mots quelqu'un. Je vais te demander de mettre la vidéo en pause et de la lire pour toi-même. Ok, bienvenue de retour. À première vue, ce panneau peut sembler spécifique au duo, mais il y a beaucoup d'informations dans le texte qui ne figurent pas dans l'image. Comment la poitrine fonctionne tard le fait qu'il est en train de mourir et pas, par exemple, proposer le mariage ou de chanter. Mon pote, tu peux épargner un centime et t'engager à lire 60 secondes ? Oui, techniquement, cette belle lampe bleue n'est pas dans le texte, mais il n'y a aucune information pertinente manquante dans les mots plus sur ce qui est ou ne va pas imprimer un peu plus tard. Mais pour l'instant, considérez que l'image ici aurait pu se concentrer sur un certain nombre de choses. La luxuriance du manoir, la main saisissante, son cœur défaillant. Au lieu de cela, il met l'accent sur la lutte physique d'Iron Man , sa demi-chute informer, saisissant vers le lecteur cette légère inclinaison vers les fentes de son masque métallique, même en ce qui concerne la sensation de désespoir. Techniquement, vous ne pouvez pas avoir une relation d'image de mot sans mots dans une image, mais vous ne pouvez pas avoir un panneau avec seulement des mots. Vous pourriez argumenter que c'est spécifique au mot. Mets trop de mots. Onley panneaux ensemble, cependant, cependant, et bien qu'ils conservent un sens comique de la séquence dans une certaine mesure, finalement, vous n'écrivez plus une bande dessinée. Votre écriture pure prose. En arrondissant la première section, nous avons l'image au verso spécifique, où l'image fournit toutes les informations sur les mots accent aspects de l'image. Revenons à la chère vieille Nancy dans ce sacré baron, supposant qu'il n'y a rien à savoir sur l'ours si ce n'est qu'un ours et que Nancy s'est tournée pour le voir. L' image dit tout. Avec le poids de l'histoire portée par l'image, les mots sont libres de changer. Les lecteurs se concentrent, les rendant plus conscients, disons,de disons, la menace de la clause, petite taille de Nancy ou de la courte distance entre les deux. Après avoir choisi cette mise au point, l'écrivain peut aller pour une description plus ornée. Les mots n'ont pas à se concentrer sur un aspect de l'image. Tant qu'ils n'ajoutent pas d'informations ou ne nous en donnent pas tous. Le panneau reste spécifique à l'image. Le focus verbal n'a pas besoin d'être physique. Soit peut être émotionnel ou même philosophique, comme dans ce panneau, de Fantastique. Pour le numéro trois annuel de 1965 où les mots mettent en évidence leur propre inutilité, les mots n'ont même pas les mots ici. Un seul effet sonore concentre le lecteur non seulement sur le photographe mais aussi sur la nature éphémère du moment, soulignant combien de temps le panneau dure dans le temps, ils disent qu'une image peint 1000 mots, mais vraiment, cela dépend de l'image sur les mots, tandis que de nombreux panneaux sans images devient pros. Une séquence narrative de Pictures Without Words est toujours une bande dessinée et sans doute toujours image spécifique, comme dans cette séquence pour la dette de marche. Mais que se passe-t-il s'il n'y a pas de structure narrative dans cette séquence ? Est-ce toujours une bande dessinée spécifique à l'image ? Le désir de l'esprit de voir des modèles, même si nous n'existons pas nécessairement, est un partenaire essentiel dans toute expérience fictive. Mais cela fait aussi quelque chose comme ça un appel difficile. Je peux imaginer un récit où l'horloge informe un serpent extraterrestre d'un rendez-vous heureux pour ce dont vous aurez besoin est une soucoupe volante. Obtenez si, comme nous l'avons vu, mots différents peuvent donner à une image des significations différentes. Qu' est-ce que cela signifie vraiment inhérent ? Il y a une ligne quelque part, mais je ne sais pas exactement où elle tombe. Parlant de mots et d'images qui changent les uns les autres, deuxième niveau commence par ce qui est probablement le type de relation le plus commun et pourtant crucial interdépendant si les mots de l'image sont combinés pour transmettre des informations que ni l'un ni seul le backtrack un peu dans ce mot ami spécifique les mots transmettent des informations. La photo ne veut pas que l'ours attaque les panneaux de Nancy. Dans cette version spécifique à l'image, l'image transmet des informations. Les mots ne disent pas que Nancy fait face à un ours dans une pagaie interdépendante. Ni nous dire tout. Lis juste les mots, et tu n'as aucune idée à qui Nancy parle. Regardez la photo et vous n'avez aucune idée. Nancy pensait qu'elle parlait à quelqu'un d'autre avant de se retourner. Mettez-les ensemble et vous avez toute l'idée. Les résultats peuvent varier énormément. Écoutez les mots de l'image qui jouent sans doute sur les points forts dont j'ai parlé dans Lecture Threat . Le texte transmet une inter-États l'image du monde physique, mais il peut être l'inverse. Les mots peuvent décrire un emplacement physique, tandis que l'image exprime un état d'esprit comme un autre exemple. Voilà ce que je suppose involontairement drôle. Groupe de la Ligue de la Justice des années 60. Encore une fois, il y a beaucoup de mots, alors s'il vous plaît pause le moment vidéo et lisez-le pour vous-même. Crois-moi, c'est plus amusant comme ça. Sans l'image, nous ne connaissons pas l'identité significative des penseurs, donc j'appellerais ça interdépendant. La relation interdépendante peut s'appuyer plus lourdement sur les mots ou l'image. Cette bande dessinée Nancy est sans doute spécifique à l'image, mais elle n'a pas tout à fait de sens sans les mots. Après tout, les hommes auraient pu porter un piano invisible dans les trois catégories spécifiques où le récit est porté par l'image ou le texte. L' expérience tend à être plus proche de la lire, mais la relation interdépendante crée quelque chose de différent, quelque chose qui peut ressembler davantage à un film ou à une vidéo. Cela peut être dû au fait que le lecteur doit ajouter au contenu afin de lui donner un sens . Ok, dans ce cas, nous entendons le dialogue et le mettons ensemble avec le mouvement de la flexion de la piste. Pourtant, même lorsque les mots ne sont pas dans la scène, disons est 1/3 personne narrative objective. L' expérience a une qualité d'animation unique dans ce cas, pour obtenir ce qui se passe, le lecteur doit imaginer les moments entre Nancy penser qu'elle parle le mieux et se tourner pour voir qu'elle ne l'est pas. Puis encore une fois, cet exemple spécifique de l'image précédente fait beaucoup la même chose ici, bien que ne sont pas argumentés que parce que le mot pointe vers une partie de l'image, le lecteur pourrait autrement Kloss plus. Bien que techniquement spécifiques à l'image, les résultats étaient plus interdépendants. En d'autres termes, le texte transmet quelque chose que l'image peut ne pas transmettre Premier coup d'œil. Une séquence silencieuse peut-elle accomplir la même chose ? quelque sorte, mais pas tout à fait à mon esprit. Sans mots, Le mouvement de panneau à panneau ici se sent encore plus comme la lecture. Il y a beaucoup de place pour le désaccord, mais pour moi, ce n'est que dans ces panneaux qui nécessitent à la fois des mots et des images pour avoir du sens que l' expérience comique devient vraiment unique. Cette qualité se retrouve dans notre prochaine catégorie, qui est aussi la plus confuse qui se croise dans une relation qui se croise. L' information. Les mots de l'image transmettent des chevauchements, ce qui signifie qu'ils répètent certains aspects du récit mais en transmettent d'autres indépendants les uns des autres. Je déteste vraiment celle-là est mes circuits, même quand je pense que je l'ai. Cela a du sens, même si des exemples clairs sont difficiles à trouver. Nous allons commencer avec Nancy sur la photo, nous dit yada, yada, yada. Elle s'est tournée et a vu un ours à droite. Ils avaient une légende avec la même information, et nous avons une mise spécifique dans une légende qui nous dit tout ce que fait l'image, mais ajoute un nouveau détail et son mot spécifique. Maintenant, changez un mot, et le panneau se croise. Les mots ne nous disent pas exactement ce que Nancy fait face, mais ils nous disent que l'attaque tourne son amie. L' image nous dit que Nancy fait face à un ours, mais pas qu'elle a attaqué ses amis et qu'elle croise les mots et l'image apporte une information unique. Et certains qui ne l'est pas. Si seulement les mots ont cette information unique. Les panneaux mots spécifiques. Si seulement l'image a cette information unique. L' image des panneaux spécifique, obtenu qu'il croise pourrait être difficile à repérer. Alors regardons quelques exemples. Ok, ici à la fois l'image et les mots nous le disent. Spiderman est choqué, mais seule l'image dit qu'un Spiderman tient un homme inconscient alors que seuls les mots nous disent qu'il est un escroc. Espié. Il aurait pu s'arrêter ici. L' image dans les mots nous dit que quelqu'un tombe. Seule l'image nous dit qu'un homme tombe alors que Batman se balance à proximité. Alors que seuls les mots nous donnent des détails sur la chute et le fait que regarder la douleur des autres aide Batman à dormir. Je pense que ceux-ci sont assez simples. Le problème est que les exemples deviennent rapidement plus compliqués. Voici un Scott utilisé pour faire des bandes dessinées hors de main. Je veux l'appeler interdépendant, mais regardons de près les pièces. Écoutez les mots dire que si quelqu'un a de nouveaux vêtements, ils sont fiers d'eux. Leur bébé peut les voir. Ils veulent savoir ce que leur bébé pense de ces vêtements. Et compte tenu du stéréotype selon lequel notre orateur est probablement masculin, l'image nous dit qu'un homme est fier de quelque chose sur lui-même. Il en parle à quelqu'un et porte des vêtements que la plupart jugeraient perdus. Il est peut-être fier de ses vêtements, mais ce n'est pas inhérent à l'image. Il pourrait tout aussi bien être fier d'un travail. Autant que je peux le dire, la seule information partagée par l'image et les mots est la fierté des personnages, Donc, pour l'appeler en Second se sent comme une longue marche. Ça pourrait être moi, mais plus à ce sujet bientôt. Pour l'instant, regardons parallèle, ce qui est assez simple, mais plutôt bizarre. Nous avons vu comment les mots et l'image peuvent se compléter et s'améliorer mutuellement, et comment ensemble produire quelque chose de complètement nouveau dans les relations parallèles simplement , ils n'ont rien à voir les uns avec les autres. Ok, au moins dans le contexte d'un seul panel. D' accord. travers la séquence, les mots et les images se sont joints, révélant une relation plus spécifique. Cet exemple est un peu une joue, puisque les citations dans les légendes signifient généralement des orateurs dans le présent. Mais je pense que ça passe à travers l'idée. Regardons un autre ici. La relation parallèle est maintenue sur toute la page, ne devenant interdépendante que dans le panneau final. Il est également possible que les mots et les images ne se rejoignent jamais. Mais l'esprit humain aime créer de l'ordre, et celui-ci pourrait supposer que le chien mentionné dans les légendes poursuit les filles. Même si ce n'est pas nécessairement le cas ici. On peut deviner que Spider Man a résolu un mystère impliquant l'escroc et le fait que sel est dissous ou ici qu'il est fou ou vraiment comme Shakespeare. Mais au sein du panel, la relation reste parallèle. Carol a quelques utilisations narratives pratiques que l'air soigneusement décrit en faisant des bandes dessinées courir dialogue d'une scène à une autre, peut créer une texture d'histoire en couches, mettre en place une transition intéressante ou un espace sûr. La relation parallèle est également unique en ce sens qu'elle permet la possibilité de plus d'un mot relation image dans un seul panneau ici. La légende est parallèle, mais le mot bulle est interdépendant. Avoir plus d'une relation dans un panneau donné ne fonctionne que si un type est parallèle à une image spécifique combinaison de mots spécifiques serait. Faites un droit spécifique, par exemple . Enfin, il y a le montage où les mots et les images se combinent de façon picturale, qui signifie que les mots font partie de l'art, comme dans cet exemple, où ils sont suspendus dans l'air car il rompt avec nos attentes dans termes de la façon dont les mots de présenté la relation de montage est particulièrement facile de repérer la brillante réalisation qui était célèbre pour, entre autres choses, son utilisation du montage, comme dans cette note, le Wispy V en haut à gauche, Eisner avait une façon de travailler du texte dans ses pages de titre qui brouillait vraiment la différence entre l'art et le mot. Au fil des ans, de nombreuses bandes dessinées ont utilisé le montage à grand effet, comme dans ce souvent copié couvert par Jim Storage Co. Pour 1968 Hulk numéro annuel Un. En passant, comment sommes-nous supposés interpréter cela que le Hulk tient en fait son logo. Il y a aussi cette variation très intéressante de Frank Miller Sin City, où l'effet sonore devient les bordures du panneau. Comme je l'ai dit, je ne suis pas convaincu que Montage appartient. C' est clairement un concept utile et un concept qui définit une relation d'image de mot particulière. En même temps. Toutes les autres catégories définissent cette relation en termes d'informations narratives, ce qui signifie que, par définition, vous ne pouvez pas avoir un montage qui ne correspond pas également à l'une des autres catégories. N' est-ce pas aussi spécifique à l'image ? Celle-là ? Faites un spécifique, ce mot spécifique et celui-ci interdépendant, puisque sans le mot nous ne savons pas que l'arme a été tirée. montage peut-il donc être considéré à juste titre comme une catégorie ? Eh bien, cela dépend de ce que vous voulez que les catégories fassent. Scott McCloud a créé cette panne de sorte que le dernier mot sur ses objectifs frappe. Mais si nous les voulons basés sur la façon dont le lecteur suit un récit comique, ma réponse est non. Et cela complète notre examen des catégories. Si vous maintenant, comme promis, je veux jeter un oeil à la façon dont, alors que les définitions abstraites ont du sens dans la pratique, le conglomérat Distinctions , par exemple, faire un l'information contenue dans le texte de l'image est censée être la même, est-ce pas ? Eh bien, même dans notre exemple simple, l'image nous dit en fait plusieurs choses que le Texas n'est pas la taille de la distance de l'ours Nancy de lui, le type de robe qu'elle porte là dans une forêt. Ce genre de liste peut être augmenté à l'infini. Les mots ne nous disent pas, les ours émergeant de derrière un arbre, qu'il est légèrement pendu, que Nancy et l'ours à moitié derrière une sorte de buisson et ainsi de suite. Plus nous plongons dans les détails, plus la catégorie se déforme. Est-ce que cela rend réellement l'image spécifique ? pas utile, car aucune de ces données supplémentaires, comme je l'ai mentionné plus tôt, est pertinente ou essentielle pour suivre l'histoire. Donc, l'effet global reste. Faire un spécifique ce qui définit la pertinence, le contexte narratif. Si, par exemple, l'ours était en colère contre certains chasseurs qui portaient des gilets rouges et que la robe de Nancy était rouge, la couleur serait pertinente. Un plus grand chevauchement pratique se produit entre les bandes dessinées interdépendantes, qui se croisent nous donne Ceci est un exemple d'une relation interdépendante. Mais pas les mots et l'image véhiculent qu'un personnage est surpris par l'autre. Et cela ne rend-il pas cette intersection, pas interdépendante, où le chevauchement est clair ? Il est évident que le panneau se croise. Quand ce n'est pas clair, exige, dirons-nous une longue marche peut être plus utile à considérer comme dépendant, puisque l'expérience est plus combinaison qu'un chevauchement. En fin de compte, les écrivains de bande dessinée ne sont pas assis à dire, Oh, je vais créer un panel de catégories 2 et 3 de catégorie 7. En fin de compte, la valeur de ces catégories n'est pas tellement liée à une application spécifique, mais à la façon dont elles peuvent vous faire penser à la façon la plus fructueuse d'utiliser le média. Et avec ça, jusqu'à notre prochaine conférence passionnante, voici en vous regardant de façon gamin, Way. 7. WComics L7 Descriptions Pt 1: , sept descriptions de panel, première partie, première partie, qui couvre les descriptions dramatiques par opposition aux descriptions physiques, visibles et invisibles, ainsi que la conception de l'histoire . Comment utiliser les termes de film dans les scripts de bande dessinée et comment impliquer la composition de panneaux sans l' épeler . C' est mai quand il s'agit d'écrire un scénario comique complet. En plus de fournir tous les mots que le lecteur voit, l'auteur doit également décrire l'image dans chaque panneau, tandis que le produit final aura, espérons-le, un public de millions de personnes. Les descriptions des panneaux ont un public de l'éditeur et de l'artiste So Justus, vous écririez des dialogues et des légendes avec le lecteur à l'esprit. Les descriptions des panneaux sont écrites pour l'artiste. Cela signifie en partie déterminer ce qui convient le mieux à un partenariat particulier. Dans tous les cas, cependant, cela signifie utiliser des mots pour évoquer cette image dans votre tête d'une manière qui inspire l' habileté et la créativité d'un artiste . À cette fin, je voudrais commencer par une note importante. C' est si important que je vais le mettre dans une boîte pour la garder en sécurité pour toujours. Il y a une différence cruciale entre un scénario de bande dessinée dans un scénario de film. Les images ne se déplacent pas pour fonctionner comme une bande dessinée. Quelle que soit l'image que vous décrivez doit être statique immobile. Pourquoi est-ce si important ? Parce que les débutants créent généralement des descriptions de panneau comme celui-ci. Pete court vers une table avec une lettre allumée, il s'arrête et attrape la lettre. Qu' est-ce qui ne va pas ? Pete fait trois choses courir, arrêter et ramasser quelque chose et les photos ne bougent pas. Oui, courir implique un mouvement, mais un artiste peut le communiquer en une seule image à la fois à travers la posture du corps et des lignes de mouvement comme celle-ci. Il est également vrai qu'une figure floue couplée à des lignes de mouvement peut indiquer plusieurs actions dans une seule image comme ici, où Wonder Woman dévie plusieurs balles. Mais dans le langage de la bande dessinée, cela implique soit une super vitesse, soit une panique harcelée pour le drame de l'histoire. Ou si vous êtes simplement à court d'espace, il peut être très tentant d'entasser plusieurs actions en un seul panneau. Mais à moins qu'il n'y ait une raison narrative spécifique, ne le faites pas. C' est la marque d'un amateur Repenser la séquence. Si Pete n'est pas très rapide, au bord d'une dépression nerveuse, il devrait y avoir une action pour le panneau 1. Pete court vers une table avec une lettre dessus. Panneau deux arrêts de pêche à la table Panneau trois Peak saisit la lettre de la table. Il y a d'autres, beaucoup meilleures façons de convaincre le nombre de panneaux. Tant que le fil narratif est clair, le lecteur remplira volontiers les blancs. Ça fait partie de l'expérience comique. Par exemple, Pal peut montrer une femme qui ouvre la porte de son panneau de maison à la même femme qui ouvre le placard à l'intérieur de sa chambre, montrer marcher à travers la maison dans les escaliers jusqu'à sa chambre n'est pas nécessaire à moins que on nous dit le contraire. On dirait qu'elle n'a pas été enlevée par des extraterrestres. Alors retournez faire pipi son panneau au nécessaire, sauf si vous avez une raison de prolonger le timing ici. Pas vraiment. De même, certaines actions pourraient être implicites dans un seul panneau plutôt que d'être présentées dans deux volets un. Transpiration hors de souffle, P attrape avec impatience une lettre de la table Ici, par exemple, la course est implicite, ramenant son dos dans un sens où nous avons commencé avec un panneau. Mais c'est un panel avec une distinction importante. La photo ne bouge pas. Aller à l'avant. Vous avez probablement déjà entendu dire que la meilleure écriture montre plutôt que raconte, montre nous met dans le moment de l'histoire. Dire nous en sort. A moins d'essayer un effet tonal spécifique, un romancier ne serait pas pris mort. Ecrire quelque chose comme Pete est triste. Le spectacle ne le dit pas. La règle reste absolument vraie pour toutes les légendes et le dialogue que le lecteur verra . Mais quand il s'agit de descriptions de panneaux pour un artiste où la clarté est cruciale, a dit Peters, peut être la chose parfaite à dire. Au-delà de cela, la bonne description dépend, entre autres choses, de l'artiste. Un artiste peut préférer des indices mécaniques détaillés, un autre la liberté de représenter l'angoisse d'un personnage à sa manière particulière. Tout comme l'écrivain veut que l'artiste fasse attention à son histoire, il pousse l'auteur à être conscient des forces de l'artiste lorsqu'il s'agit de trouver le style qui convient à la fois à la vôtre et à la force de l'artiste. Il y a deux modes de base à considérer que je vais appeler le dramatique, et le physique se réfère aux aspects tangibles d'une image une table, grain de bois ou les perles d'humidité sur un personnage en sueur. Face dramatique fait référence à l'intangible et inter-États, comme la misère de quelqu'un qui vient de perdre un amant sont une ambiance, comme la tension qui semble persister dans l'air d'une scène de crime. Une description de panneau physique de la pizza et ceci pourrait être la peau autour. yeux de Pete se froissent comme des larmes. qu'on Cequ'onvoit nous dit quelque chose qu'on ne voit pas ce que Pete ressent. A l'intérieur du poète T. S. Eliot appelait ce genre de description physique la corrélation objective, le tangible évoquant l'immatériel. Ah, la description purement dramatique, d'autre part, évite les indices physiques. Laisser cet objectif Carla tive à l'artiste, comme dans Pete envisage la désolation de son existence. Soit des motifs valides et l'un ou l'autre peut être utilisé pour invoquer l'autre. un ou l'autre peut aussi amener les artistes à produire des variations infinies, ce qui peut ou non être souhaitable pour une histoire donnée juste sur les larmes de Pete. Et tu pourrais avoir n'importe lequel de ces trucs. Alors qu'une simple description dramatique pourrait inspirer n'importe quoi de l'image qu'elle a laissée à celle de droite mettant en vedette Homer des Simpsons. l'ensemble, les descriptions les plus efficaces tendent à être des combinaisons qui décrivent le drame, mais comprennent aussi suffisamment de détails physiques pour que les résultats soient mieux adaptés. Les histoires ont besoin que la neige artificielle étant Pete contemple la désolation de son existence. La peau autour de ses yeux se froisse et se déchire. Eh bien, quelle que soit la description du panneau, les résultats seront toujours visibles parce que vous savez que c'est de l'art en même temps que nous l'avons déjà vu. Le visible peut aussi avoir une relation avec l'invisible, et pas seulement en termes d'états émotionnels. Vous ne voyez pas les désirs d'un personnage ou le conflit qui en découle, juste leur manifestation visible. Quand il s'agit de raconter des histoires, cette relation visible et invisible peut prendre l'une des trois formes suivantes. Accord, contrepoint ou neutralité. Quand un accord le miroir visible et invisible les uns les autres. Comme dans la grotte, un ermite vit dans les bijoux coûteux portés par une personne riche, un adultère avec un écarlate un cousu sur ses vêtements. En contrepoint. Le visible existe sous une forme de tension avec l'invisible, comme dans Ah, histoire d' amour dans une prison Ah, arme à feu. Propriété d'un pacifiste, d'une âme douce qui ressemble à un tueur en série et à la neutralité, le visible n'a aucune incidence réelle sur l'invisible. Un meurtrier en costume spatial, un stylo appartenant à un activiste animal, un avocat corrompu aux cheveux noirs tandis qu'un artiste peut tenter de visualiser des concepts abstraits comme la vérité ou l'amour. une manière générale, les éléments visibles peuvent être divisés en trois catégories. Emplacements, objets et caractères en termes d'emplacements. Et Manoir abandonné, par exemple, pourrait avoir une atmosphère une petite ville d'ambiance particulière. Mais comment faites-vous passer ça à l'artiste ? Une façon simple est d'utiliser du matériel de référence si vous voulez que l'artiste dessine une forêt effrayante image de forêt Google Spooky et la colle dans votre script. Comme ce panneau. Dorothy se trouve dans une forêt qui ressemble à ça. Il est important toute image donnée peut bien être protégée par des droits d'auteur, alors assurez-vous qu'elle est dans le domaine public ou indiquez clairement dans votre script que c'est pour l' inspiration sur Lee. Alors que tous les écrivains et les artistes de la bande dessinée comptent dans une certaine mesure sur le matériel de référence , plus votre écriture devient spécifique , plus vous pourriez vouloir vous fier à vos mots. Dans ce cas, concentrez-vous sur les détails visuels spécifiques qui améliorent ou agissent comme un contrepoint à votre panneau d'histoire . Une perte a incrusté des pins autour de Dorothy si malade qu'elle pouvait à peine marcher entre eux si haut qu'ils bloquent sa vue du ciel ici, la forêt est décrite en termes de caractère, comment ils rendent les choses difficiles pour Dorothy, créant un sentiment d'obscurité et de claustrophobie. Les descriptions uniques ajoutent également un niveau de réalisme plutôt qu'une recherche générique. Maison décrivent une croissance végétale géorgienne décrépite détruisant un mur au lieu de tout ancien immeuble de bureaux une tour d'acier étincelante sur la plus haute colline de la ville, dont le sommet semble toucher le soleil. La même chose peut s'appliquer aux objets. La voiture familiale. Votre ordinateur portable peut sembler avoir une personnalité tout à fait propre. Si un objet est important pour l'histoire, faites ressortir cette importance à travers les détails. Avertissez le chien du livre de lire un pistolet à rayons qui ressemble à un jouet à vent, un crayon mal mâché. Contrairement aux emplacements ou aux objets, les caractères sont également définis par ce qu'ils font ou disent. Cela ne veut pas dire que leur apparence est sans importance, comme l'indique le haricot bleu heureux. Les ravisseurs n'ont même pas besoin d'être humains, comme l'indique le verre de réflexion. Leurs qualités non humaines peuvent devenir un contrepoint à leur vie intérieure. En plus de refléter ou de contredire leur personnalité, l'apparence d'un personnage aide non seulement le lecteur à développer une relation qui les rend reconnaissables d'une scène à l'autre. Quand il s'agit de la façon de faire cela avec des personnages humains ou anthropomorphes, il y a beaucoup de possibilités, mais regardons quelques bases. Les traits du visage, une cicatrice, un nez cassé, la forme du crâne ou des cheveux et la taille de la couleur des yeux. Sont-ils en grande moyenne ? Tu es court, Barry, la façon dont ils se portaient. Est-ce qu'ils sont rigides ou slouches ? Est-ce qu'ils boitent d'une vieille blessure ou qu'ils se battent arrogantement comme un paon ? Je veux dire, peut se référer à l'expression faciale. Mais ici, je veux dire, c'est de l'aura ou de l'ambiance personnelle. Sont-ils aux yeux larges et observants ? Perdu et pensée sont toujours un peu anxieux. type de robe et le style peuvent pointer vers la classe sociale ou la culture. Dashiki. Désolé. Jeans, veste et cravate. Robe bâclée peut signifier une attitude décontractée ou couplée à un look désespéré. Tendances autodestructrices. vêtements propres et pressés peuvent indiquer une bonne image de soi. Trop préoccupé par ce que d'autres puanteur ou pure vanité tourney ridé. Son sang barbouillé de près peut indiquer les activités récentes d'un personnage. Le dernier mouvement peut être difficile à travailler dans les bandes dessinées parce que, vous savez que les images ne bougent pas, mais cela pourrait signifier n'importe quoi de la manière maladroite des coups de personnage sur un interrupteur d'éclairage. Alors, comment ils boivent toujours avec deux mains. Vous ne voulez jamais utiliser tous ces aspects tout le temps pour chaque personnage. Mais le bon ou deux peut non seulement aider à donner vie à un personnage qu'il peut définir. Si on voit une main tenant un chapeau et un fouet, on n'a pas à voir votre visage. On sait que c'est Indiana Jones. De même, si nous présentons un personnage nommé Jasmine, qui a un œil vert et un œil bleu plus tard en voyant ses yeux seuls, son lecteur plus âgé doit l'identifier. Bien qu'une bonne description puisse simplement être une question d'inclure les bons éléments, la façon dont ils sont disposés dans le panneau dans l'angle qu'ils voient, ils voient, a également un impact important non seulement émotionnel, mais aussi sur la focalisation du lecteur sur points d'histoire, par exemple, montrant un gros plan de l'arme dans les méchants main cet arrangement de placement et l'accent est appelé composition tout bon. D' autres auront leur propre sens de la composition, mais l'écrivain peut aussi avoir son mot à dire. Combien d'entre nous disent que le rédacteur a sur la composition du panel dépend à nouveau du partenariat et du flux de travail. Il peut varier de la pratique, notamment dans l'intrigue de la manière Marvel, aux détails ornés possibles dans l'écriture complète. Dans ce scénario complet, bien que l'artiste ait une meilleure compréhension de la composition, ce n'est pas une mauvaise idée pour l'écrivain de fournir une base de référence en vue de faire passer l'histoire comme un bon point de départ. Le cinéma et la télévision ont un raccourci de longue date pour la composition de base, dont une grande partie peut être transportée dans des scénarios comiques. Cette liste, ainsi que les abréviations, a été décomposée en distance et en mouvement. La plupart des écrivains et des artistes connaissent au moins certains d'entre eux, mais passons en revue chacun en commençant par la distance. Un coup d'établissement a, est son sujet. Ah, vue complète d'un lieu de scènes, l'intérieur ou à l'extérieur. Point de vue montre le sujet de voir à travers les yeux d'un personnage particulier. Un angle bas regarde le sujet, le rendant généralement plus grand, tandis qu' un tir aérien regarde vers le bas sur le sujet, rend généralement plus petit. En gros plan, un k Un tir serré ou parfois serré sur le sujet prend tout ou partie de l'image. Le tir moyen est un peu plus loin du sujet, généralement la poitrine vers le haut et peut montrer deux personnages, comme dans un moyen deux tir dans le plan long ou loin. Les environs occupent la majeure partie de l'image, et le sujet est petit. Tant le gros plan dans le long plan peut être modifié en ajoutant le mot extrême. Ici, vous pouvez voir la différence entre un gros plan sur un gros plan. Techniquement, la deuxième image peut également être décrite comme un gros plan d'un œil, mais l'utilisation de l'extrême semble plus dramatique. Ça prend soin de la distance. Maintenant, regardons le mouvement. D' accord ? Oui, j'ai fait beaucoup de choses sur la façon dont les photos de bandes dessinées ne bougent pas. Vous pouvez donc vous demander à juste titre comment les compositions impliquant le mouvement de la caméra peuvent être utiles. Eh bien, bien qu'il reste vrai que l'image dans un seul panneau ne bouge pas grâce au lecteur comble les espaces entre les panneaux, la sensation d'une caméra mobile peut être approximée en utilisant plusieurs panneaux. Au fur et à mesure que nous passons par chaque vérifier les exemples du panneau de bande dessinée et voir comment ils font passer ce mouvement, commençant par une piste ou un coup de poupée. Ici, l'angle se déplace à travers l'emplacement, soit pour suivre le chemin d'un sujet en mouvement ici, un flair éclairé, soit pour révéler plus de la scène sans altérer la perspective. Un zoom se déplace plus près du sujet ou vers l'arrière pour afficher plus de l'environnement dans un panoramique. La vue pivote horizontalement à partir d'un seul point, comme sur un trépied, révélant ainsi davantage de la scène. Et il s'incline bien que la fosse de vue soit verticalement, ce qui donne à la scène l'impression de les imiter dans un script complet de bande dessinée, le mouvement de la caméra peut être indiqué sur une ligne séparée, avec le nombre de panneaux impliqués, comme dans ah, trois séquence de panneau inclinant le panneau d'image un, un homme sur le téléphone, sa main gauche à son panneau d'oreille à la même image, incliné légèrement vers le panneau de droite. Trois. Même image inclinée plus de sorte que l'homme n'est pas un angle de 45 degrés. Un autre raccourci de scénario de film qui pourrait être pratique et des scripts comiques désigne un emplacement de scènes à l'intérieur ou à l'extérieur. Cela serait suivi d'une description d'un ou deux mots, d'une barre oblique et de l'heure de la journée. Tous dans les casquettes a un panneau, une maison intérieure de banlieue après-midi. Fait important, contrairement aux autres, cela n'indique pas une composition. Juste un endroit. L' utilisation de l'intérieur ou de l'extérieur peut impliquer un coup d'établissement pour certains, mais techniquement, le premier plan de la scène suivante pourrait être n'importe quel point de vue aérien ou même un gros plan avec l'emplacement complet établi plus tard. Par exemple, Panel One Interior Suburban House après-midi, près de la main tenant un panneau de journal. Deux longs plans Pete se tient au centre de la pièce, lisant le papier à gauche de la fenêtre, et je garde le canapé. Allons au soleil et ainsi de suite. Une fois l'emplacement et l'heure de la journée ou établis, il n'est pas nécessaire de les nommer à nouveau jusqu'à ce qu'ils changent. Panneau 1. Intérieur sous-sol inachevé nuit. Une ombre apparaît à la fenêtre. Panneau à la fenêtre est cassé. verre tombe au sol en béton. Panneau. Trois maisons de banlieue extérieure. Un cambrioleur met sa main dans la fenêtre cassée. Ici, Panel to n'a pas besoin de répéter l'emplacement, tandis que Panel 3 nous indique que l'emplacement a changé. Cela dit, les artistes travaillent souvent hors séquence et ne gardent qu'une page à portée de main. À cette fin, il peut être utile de répéter l'emplacement dans le premier panneau de chaque page de script. En plus des angles que nous avons couverts, la composition du panneau a 1/3 de profondeur propre, ce qui comprend, par exemple, la vue vers le bas, un ensemble de voies ferrées qui se dirigent vers l'horizon, ou une vue à travers une fenêtre sur une épaule de personnage montrant une maison lointaine par souci de simplicité, il est facile de penser à cette mort existant sur jusqu'à trois niveaux. Le premier plan est le plus proche du lecteur ici, meilleur à George vers le panneau. fond est au premier plan. Mid ground est un peu plus loin du lecteur. Écoutez la figure complète de Nancy Drew tenant la lampe de poche occupe le milieu du sol en dernier. L' arrière-plan est le plus éloigné du lecteur ici. C' est l'équipement sur lequel la lampe de poche brille et les bois qui préviennent à nouveau. C' est jusqu'à trois niveaux de profondeur. Vous n'avez pas besoin de tous les utiliser. Un gros plan d'un caractère, par exemple, implique le premier plan et ne nécessite pas nécessairement de milieu ou d'arrière-plan du tout. De même, un personnage debout avant la construction ne nécessite pas nécessairement un terrain moyen. J' ai commencé par dire que la plupart des artistes et éditeurs connaissent certains de ces termes, plupart sauront ce qu'est un gros plan ou serré, mais ils peuvent ne pas connaître l'abréviation comme See You RMS Quand on travaille avec quelqu'un pour la première fois. Il est préférable de donner ce sens lors de l'utilisation initiale du terme comme dans le premier volet. Gros plan. On se voit, Martha. L' ablitéré er yeux affamés le lecteur. Maintenant que je vous ai jeté un tas de termes et de définitions, parlons de savoir si vous voulez vraiment utiliser l'un d'eux. Comme je l'ai dit, tout ce qui fonctionne fonctionne. Un scénario de bande dessinée réussi consiste en tout ce qui fonctionne pour vous, l'artiste et l'éditeur. Tant que la description du panneau évoque la bonne image, tout le reste est fin de décoration. Si vous avez la chance de trouver un bon partenaire au fil du temps, vous développerez votre propre raccourci. C' était une note finale pour cette conférence. Je tiens à souligner qu'il est également possible d'impliquer beaucoup de ces compositions sans les nommer. Par exemple, dans le panneau de Martha, l'oblitéré er er yeux affamés le lecteur. Techniquement, un artiste pouvait lire ceci et dessiner un très long plan de Martha debout à l' horizon. mais compte tenu du contexte, un gros plan semble le choix le plus raisonnable et le plus intuitif. De même, ce phrasé implique quelque chose comme une pagaie de gros plan extrême. Ah, verre froid de glace. Une seule goutte d'humidité le long du bord clair du verre reflète la lumière, et celle-ci implique le premier plan et l'arrière-plan. Panneau 1. L' ancien immeuble se profile devant Harry, ne laissant qu'une bande de ciel visible, en fonction de vos propres Proclivités. peut être plus facile de concentrer vos descriptions sur le sujet que d'essayer de maîtriser la composition. Obtenez les bases de l'histoire à travers, et un bon artiste réalisera les angles implicites. Mieux encore, un grand artiste peut avoir une raison intéressante de faire des choses d'une autre façon qui vous surprendra et vous ravira ensuite. Dans la deuxième partie, je vais discuter de ma commande est la meilleure présentation de tous ces éléments de panneau comment motiver le mouvement entre les panneaux et les pages, combien s'adapte à l'usure et comment choisir la bonne taille de panneau et le sujet. Jusque-là, demandez-vous ce qu'un singe fait une poupée qui parle de façon 8. WComics L8 Descriptions Pt 2: conférence, huit descriptions de panneaux Partie deux, dans lequel nous couvrons quel ordre de présenter au mieux tous les éléments d'une description de panneau motiver le mouvement entre les panneaux et les pages, combien s'adapte à l'usure et comment choisir le bon panneau taille et sujet. Bonjour, Je suis vous savez, La dernière fois, j'ai couvert beaucoup d'éléments qui pourraient être utilisés dans la description du panneau. Lorsque vous écrivez un scénario comique, comique, vous devez non seulement décider lequel de ces éléments vous transmettra le mieux, vous devez le faire d'une manière que des objectifs précis, brefs mais précis et brefs soient contradictoires. Plus vous incluez de détails, plus la description est longue. Quelqu' un comme Alan Moore peut continuer et continuer et sur environ un seul panneau pour une page ou deux. Mais généralement, trop de détails peuvent ischio-jambiers. Plutôt que d'inspirer trop peu un artiste à l'envers et l'écrivain pourrait abdiquer certains outils de narration importants. Ou pire, l'artiste ne pourra pas dire ce qui se passe. Commençons donc par jeter un oeil aux deux extrémités de l'échelle à peu de description et trop . Ensuite, je vais discuter de la façon de trouver le point doux entre les deux. Ah, une description très brève du panneau pourrait ressembler à ce panneau. Un. Journée de la voiture intérieure. Deux enfants sont assis à l'arrière. Papa conduit en colère sans autre contexte. Qu' est-ce qu'un artiste pourrait dessiner ? La voiture pourrait être n'importe quoi, d'un vieux clunker à une Rolls Royce. Il pourrait être sur une autoroute ou dans une allée. Les enfants peuvent être des petits garçons ou des filles, tout-petits ou des préadolescents. Papa peut être plus jeune ou plus âgé. Maintenant, voici ce même panneau de base avec une description beaucoup, beaucoup plus longue. C' est beaucoup. Alors attendez ici pendant que vous posez la vidéo pour la lire. Ok, bienvenue. Cette version produirait certainement des résultats plus précis. Mais non seulement c'est un log, combien de ce détail est réellement essentiel à l'histoire. Ça n'a pas besoin d'être un t-shirt Bob l'éponge. L' aide visible de la bande est-elle nécessaire ? Peu importe qu'il manque une assignation à la tête ou quels sont les noms des rues. La réponse est que cela dépend Si ce sont les personnages principaux et que ces détails jouent dans leur histoire, tout pourrait être important. Mais si on ne voit que papa dans ces gamins pour un panel parce qu'ils sont sur le point d'arrêter remorquage court, évitez de frapper notre personnage principal de Riel. La réponse est non. La description plus courte pourrait bien suffire, même s'il s'agit des caractères principaux. Vous ne voudriez pas inclure autant de détails dans chaque description du panneau dans lequel ils apparaissent. longues descriptions ne sont généralement utiles que dans trois cas au début d'une histoire ou vu lors de l' introduction de quelqu'un ou de quelque chose de nouveau, ou pour des actions complexes impliquant plusieurs personnages. Si l'histoire ne fait que commencer, il est important de passer du temps à établir les personnages de la scène. Donc naturellement, le premier panneau de la première page, où tout et tout le monde apparaît pour la première fois, tend à être plus long. D' un autre côté, une fois que nous connaissons tout le monde dans cette histoire, flux est clair. Les descriptions des panneaux peuvent être beaucoup plus courtes. Voici le script complet des 2 premiers panneaux de la séquence Nancy Drew. Nous avons vu précédemment que la première description de page Splash prend un paragraphe. Le premier panneau sur la deuxième page sur Lee une phrase avait que le premier panneau comprenait des descriptions de caractères. Cela aurait été beaucoup plus long, mais dans ce cas, faisant partie du show morass, il avait déjà conçu Look of Nancy and Net. De même, après cette longue description du premier panneau, le second pourrait se lire comme le deuxième volet. Alors que Mark claque sur les freins, tout le monde se cache en avant. Des actions compliquées et des positions de personnages ont également tendance à allonger la description, parfois au point de rendre fou un écrivain et un artiste. Un homme qui mange de la soupe a une corde attachée qui tire sur une autre cuillère mais envoie un craquelin à un oiseau. Et il y a une horloge et une fusée, des tuyaux et une livre. Oh, au fait, ai-je dit que l'homme est une moustache ? À ce moment-là ? Par souci de clarté, rationalisation est cruciale. Une façon de rationaliser consiste à éliminer toute redondance. Dans vos descriptions. Je parle de la façon de repérer et de corriger les différentes formes de redondance dans Lecture. 10. Ce que tu ne veux vraiment pas manquer. L' autre grande cause de descriptions de panneau d'argent est un manque de structure. commande cohérente des éléments du panneau peut apporter à la fois clarté et brièveté à vos scripts. Le meilleur ordre spécifique peut varier en fonction du contact de l'histoire, mais en règle générale, commencez par l'emplacement, puis ajoutez l'angle, puis le sujet et terminez par des détails spécifiques. Si vous utilisez l'intérieur et l'extérieur, ils apparaissent à l'avant ici comme intérieur petit studio appartement slash jour. C' est suivi par l'angle, un tir moyen et le sujet principal, Gerald. De là, des détails supplémentaires sont ajoutés du plus au moins important. Le fait qu'il tourne vers l'arrière est plus important pour ce moment que ce qu'il porte, donc c' est le premier. Il y a deux choses importantes à garder à l'esprit lors de l'utilisation de cet ordre d'abord, comme je l'ai mentionné dans la dernière conférence. Une fois que vous avez établi un emplacement, vous n'avez pas à le mentionner à nouveau à moins qu'il ne change. La seconde est que ces détails ont plus d'impact et prennent moins de place lorsqu'ils sont tissés dans le sujet, plutôt que d'utiliser une phrase distincte pour les longs cheveux noirs de Jared. Cette description le mentionne dans le contexte de son mouvement. tissage des détails de cette façon rend non seulement l'histoire vivante, mais il clarifie leur importance et prend moins de mots. Une fois que vous avez terminé avec le premier panneau, c'est à nouveau sur le suivant. Vous ne devriez pas répéter ce que vous avez déjà décrit, mais vous devrez décider comment chaque nouveau panneau se connecte au dernier. Bien que les variations soient infinies, chaque nouveau panneau doit fournir suffisamment d'informations pour que le lecteur puisse faire le saut de la bataille précédente. La création de bandes dessinées de Scott McCloud explique comment le choix du moment influe sur le flux de panneau à panneau. Je vais laisser ça à son livre et à nouveau Suggested est un guide précieux et parle du côté écrivain des choses. Je tiens à souligner que le contenu permet non seulement au lecteur de comprendre le changement , mais aussi de , motiver le mouvement entre les panneaux pour voir ce que je veux dire. Revenons à notre exemple précédent à propos de Pete la lettre et la table afin que nous ne voyions pas étape sur la façon dont nous comprenons ce qui s'est passé dans le Panel 1. précipitation de Pete vers la lettre motive le passage au panel où il l'attrape. Assez simple. Ajoutons d'autres variables. Panneau trois Gros plan du point de vue de Pete. Une lettre écrite à la main. Pete, si je ne te vois pas, achète trois. Je vole le panneau de la banque. Quatre coups moyens Pete la tête en haut, les yeux larges et le choc alors qu'il regarde le panneau cinq. Gros plan du point de vue de Pete. Ah, horloge murale. C' est cinq des trois jours de la banque extérieure. Tir long. Une femme se tient à la porte impanel trois. Le temps mentionné dans la lettre motive Pete Toe regarder vers le haut dans le panneau quatre. Les lecteurs désirent voir ce que Pete regarde, motive le passage à l'horloge et le panneau cinq à la fin de l'heure, puis motive le changement d'emplacement à la banque dans le panneau six. Ici. L' élan narratif fournit la motivation qui nous conduit d'un panel à l'autre. Mais ce n'est pas la seule motivation possible dans ce qui suit, où Justine, qui a une peur irrationnelle des couteaux, entre dans un magasin de cuisine. Le panneau, Le mouvement du panneau, est motivé par notre peur grandissante. Ok, Panel 1. Nous voyons Justine dans le magasin, ce qui motive l'air à regarder en deux, ce qui nous amène à trois, où nous avons appris qu'elle se concentre sur les couteaux, veut. Sa réaction, motive le passage à quatre, révélant sa nervosité initiale. Cela nous amène à un couteau en cinq, ce qui suscite la réaction la plus redoutable dans le panel six, ce qui à son tour invoque une vue encore plus effrayante du couteau dans le panel sept et le dernier panneau de réaction de Justin huit. Fermer les yeux. Fait important, ces deux exemples traitent d'événements qui se déroulent dans le temps. En plus de fournir un support, le temps lui-même peut motiver le panneau au mouvement du panneau. Nous avons déjà vu comment les séquences de panneaux peuvent condenser le temps avec le lecteur remplissant les étapes manquantes. Mais la séquence peut également être utilisée pour prolonger le temps. L' allongement ou le raccourcissement du nombre d'images consacrées à un chat qui tombe crée une sensation différente . Regardons comment cela pourrait se produire dans un script écrit. Dans ce premier exemple, les choses ont été résolues très rapidement. Panneau 1. Après être tombée de la fenêtre, Nancy atterrit sur le toit en verre encadré d'acier d'un panneau de chauffage aux fissures de verre, faisant tomber Nancy à nouveau. Mais une bonne narration n'est pas toujours d'arriver à une conclusion aussi rapidement que possible peut aussi être de s'attarder sur certains moments pour donner cette conclusion plus de mois. Ok, Avoir le toit fissures lentement à travers un certain nombre de panneaux fournit plus de tension. Il y a une limite à combien de temps les lecteurs vont vouloir regarder ce verre craquelé avant voir Nancy tomber, mais le bon patient peut vraiment leur faire sentir Nancy Plummet. D' autres motivations possibles comprennent des pièces expérimentales, des rêves où les connexions pourraient être métaphoriques ou poétiques, ou même dans une donnée. La paix est-elle aléatoire ? Mais dans tous les cas, quelque chose fait passer le lecteur de 1£ à la prochaine réflexion sur ce qu' il est non seulement rendre votre histoire plus puissante,mais il vous permettra rendre votre histoire plus puissante, de décider plus facilement quels détails doivent être accentués dans votre descriptions. Jusqu' à présent, j'ai discuté de tous ces éléments en termes de contenu. Mais la quantité d'ajustement à porter dépend naturellement des aspects physiques de la bande dessinée, particulier de la relation entre les panneaux et les pages. L' ère numérique a créé quelques possibilités sauvages, avec des exemples comme le bon nombre mentionné précédemment par Scott McCloud, dans lequel un panneau est effectivement contenu dans un autre. Dans ce cas, la seule unité réelle est le panneau. En général, cependant, que les panneaux virtuels ou physiques apparaissent toujours sur une forme quelconque de page, et l'existence de cette page crée son propre ensemble d'opportunités et de restrictions en termes de communication et conception. Passer d'une page à , par exemple, pourrait être motivé de la même manière que se déplacer d'une bataille à l'autre en même temps, parce que vous laissez un ensemble d'images. Pour un autre, il a une sensation plus grande et plus grande. En partie, c'est comme si vous voyagiez sur une plus longue distance, ce qui en fait un choix utile pour améliorer et passer à un nouvel emplacement. D' autres options pour ce grand moment comprendraient quelque chose comme ça, où l'artiste Steve Ditko utilise panneau à panneau mouvement dans une combinaison avec le mouvement à une pleine page splash pour faire ressortir le sentiment de Spiderman et lutter dans un très puissant façon. Pour être clair. Il ne s'agit pas seulement de la taille de cette page de démarrage. Tourner physiquement ou balayer la page fait partie de ce qui rend le relief dans l'image finale plus palpable. Les panneaux eux-mêmes ont également acquis différents aspects lorsqu'ils sont considérés comme faisant partie d'une page d' une part. borderlines squiggly, par exemple, peuvent toujours être utilisées pour indiquer un rêve. Mais c'est seulement sur la page que quelque chose comme laisser les bordures saigner crée un champ plus vaste. De même, avoir des caractères ou des bulles de mots briser les bordures du panneau augmente l'intensité, comme si le panneau ne pouvait pas tenir l'action. Mais c'est aussi beaucoup plus efficace dans le contexte des panneaux environnants. Cela est moins vrai pour les formes de panneau, qui, comme ces lignes squiggly, conservent leur impact en termes d'utilité. Cependant, ils sont présentés comme un panneau circulaire qui se met à zéro sur un petit détail et ovale pour un portrait ou des cercles jumeaux pour représenter la vue à travers une paire de jumelles. De même, peu importe si elles sont présentées un panneau ou une page à la fois, certaines autres formes ont tendance à conserver leur utilité. Les panneaux carrés, par exemple, ont tendance à être utiles pour une seule action, conversation ou sujet. Les panneaux horizontaux ont tendance à fonctionner pour une vue ou une scène de groupe, tandis que les panneaux verticaux ont tendance à fonctionner pour des objets de grande taille. Mais il y a toujours des exceptions comme celles-ci, où le panneau horizontal utilise l'espace supplémentaire pour rendre ses sujets isolés. Et une série de panneaux verticaux se déplace d'un long plan de la plupart du temps vide orteil un gros d'un œil. En plus de changer parfois la perception du lecteur d'un panneau dans le flux de l'histoire, la page apporte également certaines limites qui sont importantes pour l'auteur de connaître. Par exemple, le nombre de panneaux pouvant tenir sur une page. Une page de bande dessinée moderne typique contient environ 3 à 7 panneaux 3 à 5 pour les livres de taille manga. Un article de 22 pages comprend également généralement quelques pages de démarrage ou une double page . En pratique, cependant, il y a beaucoup de variations. Le gardien classique a été produit sur un grain strict à neuf panneaux. Cela ne signifie pas que chaque page avait neuf panneaux, mais même les panneaux plus grands occupent une proportion définie de cette grille. Bien qu'il puisse sembler étrange d'entendre Watchman et Mickey Mouse mentionnés dans la même phrase, les scripts que j'ai écrits pour Edmunds Disney Comics au Danemark ont été produits de la même manière sur une grille stricte à huit panneaux. Chaque histoire a commencé par un grand panneau prenant la moitié de la page ou ce qu'on appelait des picks, 1 à 4 de la grille. De même, chaque histoire s'est terminée par un panneau horizontal prenant un pic septième taux pour les écrivains. Ces chiffres faisaient partie du script. Par exemple, choisissez 1 à 2, une longue dose de hamburger de canard. Dans tous les cas. Évidemment, plus le panel partage une page, plus il est petit aujourd'hui. Si vous avez 12 panneaux sur une page, par exemple, certaines préoccupations ne sont plus grandes que d'autres. Mais au moins certains vont être assez petits. De même, avoir un panneau particulièrement grand laisse moins d'espace aux autres. Mis à part l'utilisation relativement rare d'une grille stricte, c'est l'artiste qui décide de la taille et de la forme précises du panneau en même temps, l'écrivain peut demander un certain nombre de choses, en plus de quelque chose de spécifique à l'histoire comme, disons, ce panneau en forme de jumelles que nous avons vu plus tôt. En gros, ces options comprennent une page de démarrage, une double page, un grand panneau, un petit panneau, une séquence de panneaux de taille égale, le panneau horizontal ou un panneau vertical panneau. Gardez à l'esprit que le grand et le petit panneau sont dimensionnés par rapport aux autres panneaux de la page. Ainsi, par exemple, chaque panneau d'une page ne peut pas être volumineux. Vous pourriez penser que la taille du sujet est la clé pour déterminer la taille du panneau que les grandes choses ont besoin de grand panneau. Mais même si c'est parfois vrai, ce n'est pas nécessairement le cas. Un scape de ville ou même la planète Terre elle-même peut confortablement s'intégrer dans une petite pagaie tandis que la tête d'une épingle peut prendre une double page. facteurs les plus importants dans la détermination de la taille du panneau sont le niveau de détail dont vous avez besoin pour diffuser l'histoire et l'impact spectaculaire que vous voulez donner à une image en termes de détails. Si un panneau montrant un paysage urbain est petit et que l'artiste serait difficile de montrer des bâtiments individuels ou des spécificités architecturales qui peuvent être très bien, selon les besoins de cette histoire. De même, un petit panneau montrant un groupe de personnes rendrait difficile, voire impossible, l'artiste de faire ressortir toutes ses qualités individuelles ou ses états émotionnels. Une grande foule pourrait être réduite à une série de silhouettes, laissant même des personnages importants indistincts ainsi. Dans un sens, le choix de la taille et de la forme du panneau par l'auteur doit être relatif aux éléments de l'histoire que l'image doit communiquer de façon spectaculaire. Bien que la taille du panneau indique également au lecteur à quel point quelque chose est important, grands panneaux sentent des petits panneaux importants, pas tellement. Ah, punch, par exemple, peut être fait dans un petit panneau mais a plus d'impact Forgé grand de même dire un personnage rampe du désert pour quelques panneaux mourant de soif, puis trouve enfin un verre de de l'eau glacée. Physiquement, l'image du verre peut être rendue dans un petit panneau, mais un grand ami ou même une page splash a un impact plus dramatique dans le contexte de la scène . De même, une grande séquence d'actions peut ne comporter que deux ou trois grands panneaux par page. Eh bien, c'est un rencard. Conversation peut facilement aller à six ou même huit panneaux. Quand il s'agit de cet impact dramatique, le rythme de l'histoire est essentiel pour décider s'il faut utiliser un accent plus large et petit orteil. Un battu sur un autre. Mais ce n'est pas toujours le coup de poing pour le verre à glace qui fonctionne le mieux. Alors que l'utilisation d'une page de démarrage pour n'importe quoi peut ne pas fonctionner du tout, le choix le plus évident n'est pas toujours le plus efficace. Comment faites-vous exactement cette décision ? Une façon est d'essayer et d'erreur, comme nous l'avons vu dans la conférence six avec des mots. Des panneaux spécifiques se concentrant sur différents aspects de la scène produisent des résultats différents. De même, après parfois utiliser un exercice dans lequel ils répètent une seule ligne de dialogue, en soulignant un mot différent jusqu'à trouver ce qui convient le mieux au moment comme dans. Être ou ne pas être, être ou ne pas être, être ou ne pas être. Cette même idée peut être utile pour explorer l'effet d'un panneau plus grand ou d'une page de splash sur différents rythmes d'histoire a votre écriture. C' est quelque chose que tu peux faire dans ta tête. Mais pour voir comment cela fonctionne, revenons à notre séquence de six panneaux avec Pete dans la note et réfléchissons à la façon dont chaque image peut jouer est un grand panneau ou une page de démarrage. En commençant par Pete court à une table avec une lettre dessus. Une page splash ici serait utile est un plan d'établissement donnant à l'artiste un espace pour remplir les détails sur Pete dans la pièce. Et il serait particulièrement approprié que ce soit la première page d'un article de plusieurs pages, qui aurait également besoin d'espace pour le titre. Dans le générique de l'histoire, Pete saisit la lettre de la table. Cela mettrait l'accent sur la plus grande action physique de la séquence. Si Pete avait le contrôle des impulsions, il pourrait être utilisé pour faire ressortir ce commerce de caractère, mais au détriment de l'élan de l'histoire, car à ce stade, le lecteur veut ce que Pete veut voir. Qu' est-ce qu'il y a dans la lettre ? Fermer apaiser Point de vue. Une lettre écrite à la main. Pete, si je ne te vois pas voler une banque à trois heures du matin. Ah, une grande image de cette note apporterait les détails de l'histoire sur le sol. Si nous sommes attachés à Pete dans les lettres de surprise, ça pourrait avoir un grand impact. Tir moyen Pete tête en haut les yeux, et Shaq l'est. Il regarde hors du panneau. Un grand panneau ici augmenterait la réaction de Pete. L' effet dépendrait à nouveau de notre attachement à Pete, mais ne fonctionnerait probablement pas. Puis encore une fois, regards de terreur ont rempli de nombreuses pages de bandes dessinées. Ensuite, c'est le point de vue de Pete. Une horloge murale. C' est cinq sur trois. Ceci est un détail important de l'histoire et, dans un sens, le point culminant des scènes. Si les 4 premiers panneaux étaient les mots de la phrase, un grand panneau ou une page splash se terminerait par un point d'exclamation. Enfin, nous avons le jour extérieur de la banque, longue femme tirée se tient à la porte. C' est probablement le choix le plus évident, puisque nous changeons de scènes et montrons un moment important de l'histoire. Une image plus grande ici permettrait d'avoir des détails sur la banque et la femme aussi. A mettre en place la scène suivante en termes de l'espace sur la page, tailles de panneau et les écrivains Onley considération. Il y a aussi combien de mots dans un panneau sont sur toute la page, que j'aborderai la prochaine fois. Pendant ce temps, au cours de ces deux dernières conférences, j'ai abordé ce qui peut sembler un nombre redoutable de termes, conseils et d'outils. Encore une fois, ils sont tous dans un sens de la décoration. Penser à les utiliser peut augmenter et améliorer vos scripts. Mais l'histoire reste le noyau. Communiquez cela avec clarté. Construisez peu à peu vers l'extérieur, adaptez-vous à votre situation de travail et à votre langue finale au rythme qui fonctionne le mieux pour vous et vos partenaires créatifs. Pour l'instant, j'aimerais qu'on puisse discuter plus longtemps, mais j'ai un vieil ami pour le dîner . 9. WComics L9 Words Reader: conférence neuf. Les mots que Reader Sees, qui couvre la façon d'écrire dans l'espace limité d'un panel, traitent de l'exposition, rompent le Dialogue pour l'impact pour le dialogue Trois Voies définit le caractère et, enfin, les limites de dialogue. Oui, c'est moi où vous vous inquiétez, car nous avons vu les Synopsys et les descriptions de panel de Good tremplin exigent tous d'excellentes compétences verbales, mais en fin de compte, ils n'ont qu'un public de l'éditeur dans l'Artiste. Ce sont les légendes, ballons de mots et ballons de pensée qui sont lus par le monde dans son ensemble, ce qui fait que l'endroit où les écrivains peuvent vraiment frapper leurs choses est des mots utilisant tout de flux de narration consciente haïku district dans service de contenu de l'histoire. Dans la bande dessinée, tout est possible. Les écrivains sont limités à Lee par les merveilles de l'imagination humaine. L' espace disponible vers l'avant dans le produit final, cependant, est décidément fini. Pour avoir une idée de la façon dont finie le quartier moyen peut pour un standard pages de bande dessinée généralement considéré comme environ 200 mots, multipliez cela par un nombre moyen de pages de roman graphique de 100 40 et vous obtenez 28 000 mots par roman graphique. titre de comparaison, le roman typique court environ 80 à 100 000 mots. Cela ne veut pas dire que les mots de la bande dessinée sont moins importants. Un seul mot sur une image peut avoir un pouvoir formidable. La bonne légende pourrait être son unique et évocateur Est-ce que le travail de n'importe quel auteur le bon dialogue conglomérate la hors de l'eau ? Pourtant, alors que tous les écrivains doivent choisir leurs mots avec soin, c'est particulièrement vrai pour l'écrivain de bande dessinée, parce que vous n'en avez pas autant. La rareté non seulement engendre de la valeur tandis que quelques mots peuvent faire beaucoup dans un panneau, beaucoup de mots est presque toujours trop. Et ce panneau d'humour de Batman. Il se peut donc que les mots crampent physiquement l'image, prenant la moitié de l'espace, mais dominant le panneau. Ce genre de verbiage excessif est plus qu'un problème d'espace. Comme nous l'avons vu dans Lecture 6, une bande dessinée peut être composée entièrement de mots, mais en corde trop ensemble et vous dérive vers la prose pure. Perdre ce que c'est qui rend une bande dessinée unique que l'espace limité ou le verbiage peut sembler un inconvénient, et à certains égards, bien sûr, c'est du côté obscur. Il peut faire pression sur les écrivains vers un style terne et sec ou le raccourci paresseux du cliché. Pour nos meilleurs anges, bien que cela représente un défi intrigant. La création d'un langage concentré, langage qui peut frôler ou même devenir poésie. Personnellement, abaisser ma prose me force non seulement à éliminer la redondance, mais cela m'aide à voir de près. Ce qui fait travailler l'écriture ou ne pas avoir à faire face à cet espace restreint était un outil d'apprentissage incroyable pour mes efforts ultérieurs en tant que romancier. Mais par où commencez-vous ? Comment sais-tu ce qui est assez dans ce qui est trop ? En ce qui concerne trop peu, la réponse est simple. Comme les panneaux et les séquences entières peuvent être silencieux, il n'y a pas de nombre minimum de mots dans une bande dessinée, car il n'y a aucun lien entre le nombre de mots et le succès esthétique. Et les écrivains de bande dessinée ne sont pas payés par le mot. n'y a aucun motif fiscal ou artistique pour inclure plus de mots. Il y a une limite, cependant, et cela dépend de deux choses. Les panneaux, taille physique et son contenu en termes de taille physique, une page splash et évidemment contenir plus de ballons de mots et de légendes qu'un petit panneau sur une page de 9£. Cela ne veut pas dire que vous devriez vous débrouiller pour écrire Maurin Splash Page juste parce que vous le pouvez. Quelques mots supplémentaires sur un lieu établi pour créer une ambiance ou remplir l'histoire ne fera certainement pas de mal comme nous le verrons bientôt lors de la discussion sur l'exposition. Mais si vous avez une magnifique page de splash et pourrait être préférable de laisser l'image faire la plupart, sinon la totalité, de la conversation avec Paige et la taille du panneau variant sauvagement un sens de exactement combien de mots correspondent. Où se construisent quelque chose d'écrivains comiques au fil du temps ? Mais vous devez commencer quelque part, puisque les débutants ont tendance à écrire trop plutôt que trop peu. Vous pouvez trouver ces maximums extrêmement rugueux utiles, comme mentionné précédemment, chiffre environ 200 mots par page pour cinq pages de panneau. Un seul panneau, comprenant toutes les bulles et les légendes, aurait un maximum d'environ 35 mots. Pour une page de neuf panneaux, ce serait plus de 25 mots par panneau. Dans tous les cas, ballons et les légendes individuels peuvent contenir en toute sécurité environ 20 à 25 mots. Mais encore une fois, gardez à l'esprit combien de variation est possible. Même sur la page de quatre ou de 5£, la taille du panneau peut varier, créant plus ou moins de place pour les mots. De même, s'il y a beaucoup de choses dans un panneau donné, quelques mots peuvent toujours finir par bloquer l'action. Les rédacteurs peuvent et doivent travailler à éviter les problèmes d'espace à l'avance en appelant une taille de panneau et un contenu dans votre script, puis correspondent non seulement à l'histoire, mais aussi à la nécessité spatiale des mots pour raconter cette histoire. Tous les écrivains du roman du film luttent avec l'exposition, la présentation de toute information de fond. publics ou les lecteurs doivent donner un sens à cette histoire, trouvant des façons intelligentes de couvrir ce qui est essentiellement un vidage de données sans entraver l' histoire actuelle . Momentum est un puzzle créatif en cours, comme comment et ainsi obtenu la capacité Tirer le feu de leurs oreilles ? Ou que diriez-vous que les deux visages aient son nom. Histoire intéressante. Chaque fois que l'auteur d'une bande dessinée mensuelle s'assied pour écrire un nouveau numéro, cependant, la première chose à laquelle ils doivent faire face est de trouver comment résumer le dernier numéro pour les nouveaux lecteurs avec des images flashback prenant beaucoup de place, les mots font généralement les livres de l'équipe de levage lourd et de super-héros comme les divers X Men Avengers 10 fois ou les titres de la Ligue de Justice ou tout titre avec un grand casting. Le droit ne sont pas seulement doit dire au lecteur ce qui a conduit à la situation actuelle, mais aussi les noms, pouvoirs, personnalités et les motifs de tous les joueurs. Je me souviens d'un numéro complet de X Men qui se composait uniquement de personnages qui parlaient d' histoires précédentes . Rien de nouveau ne s'est passé jusqu'à la dernière page. Un invité surprise est venu à la porte, et je n'ai aucune idée de qui ils étaient. Les éditeurs essaient souvent de résoudre le problème avec un texte distinct sur la première page. Mais beaucoup de lecteurs avides ignorent cela, regardant les mots ballons, légendes dans le contexte pour faire le travail. Pour faire de la place à ce verbiage supplémentaire, il pourrait être pratique d'appeler un panneau qui soit va et se rapproche pour se concentrer sur quelque chose petit dans une scène, ou encore pour un long plan. Comme dans ces exemples, un gros plan d'une main avec une allumette, un stylo ou un couteau ou une vue large de l'extérieur du bâtiment, une pièce ou une autre vue peut fournir un espace de respiration pour les mots. Ces exemples nous montrent également que tous les mots n'apparaissent pas porcs entiers dans une seule légende. De même, Pas chaque morceau de dialogue de quelqu'un doit apparaître dans un seul ballon, nous amenant à notre prochain sujet. séparation partielle des bulles et des légendes de mots a permis d'éviter les gros laids blobs de texte. Mais lorsqu'il est fait correctement, il peut fournir un autre outil dramatique pour l'auteur. Justice. déplacement d'un panneau à un autre a des effets différents Choisir le bon moment pour briser votre texte peut faire plusieurs choses. Ajoutez à l'ambiance d'une scène, écho aux rois de la parole ou mettez l'accent sur des rythmes dramatiques. Notez la différence dans cet exemple de notre vieille amie Nancy Drew. On sortirait d'ici en un rien de temps. Si je pouvais démarrer la voiture, on sortira d'ici en un rien de temps. Si je pouvais démarrer la voiture dans le deuxième exemple, vous pouvez pratiquement sentir Nancy tordre le contact d'allumage. Les freins à clés peuvent également être utilisés pour pointer sur un aspect particulier d'une image dans un panneau donné , ou même à travers des panneaux pour obtenir des résultats passionnants et uniques. Pardonnez-moi, mais mon exemple préféré est un blooper tiré d'une histoire de Captain America des 19 années 60 par Stan Lee et Jack Kirby. Dans les premières majuscules du panneau, le dialogue est divisé en deux ballons. Le deuxième ballon commence une phrase qui ne se termine pas avant le deuxième panneau. Ensemble, les mots et l'image attire le lecteur dans l'action si fortement que vous devrez peut-être lire cette phrase deux fois pour réaliser l'erreur engagée. Tu l'as raté. Je vais vous donner quelques secondes de plus avant de passer au sujet suivant. Hein ? Alors que l'apparence, l' expression faciale et les stands corporels peuvent grandement contribuer à définir un caractère, ce que dit le personnage et les mots qu'ils disaient, cela fait souvent la différence entre l'illusion captivante d'un monde vivant sur un de lignes. Sur une page. Dans les conférences sur les descriptions des panneaux, j'ai souligné que l'ajout de détails peut rendre les choses plus vivantes, mais qu'elles prennent aussi plus de place. Ici, nous sommes confrontés au même dilemme. Ajouter beaucoup de caractère a tendance à prendre plus de mots. Compte tenu des problèmes d'espace, écrire des os nus peut être plus tentant, soulevant le vieux danger de jeter le bébé avec la salle de bain. Cet échange, par exemple, fournit le caractère et l'exposition, mais il 50 mots, il est assez long de réduire que jusqu'à quatre mots pourrait nous donner des détails de l'intrigue nécessaires, mais les résultats en partie peu ou pas de personnalité sur le revers d'un personnage donné bien établi et l'artiste communique efficacement leur état émotionnel. Ce raccourci extrême peut fonctionner. En fait, avoir un caractère particulier n'utilise qu'un seul mot. phrases pourraient être un trait de personnalité. Mais si tout le dialogue est court, sec et terne, l'histoire le sera aussi. Quoi qu'il en soit, ne pas utiliser le dialogue d'un personnage pour exprimer sa personnalité d'une manière ou d'une autre est toujours une occasion manquée , comme c'est le cas avec tant de choses dans la vie, l'univers et tout. L' astuce est de trouver un équilibre, affiner sur quelques mots qui importent encore caractère. Voici ce même dialogue à 17 mots plus raisonnables. Ok, il y a beaucoup de façons d'exprimer la personnalité et le dialogue, mais la plupart se répartissent en trois catégories. Phrases, discours, bizarreries et choix de mots. Une phrase est une phrase pithy qui, au fil du temps, devient associée au personnage. Par exemple, le simple fait de lire ou d'entendre ces phrases identifiera les caractères pour la plupart. Même si les images à air pelle en tant que telle, une phrase peut effectivement annoncer la présence de quelqu'un avant même que le lecteur le voit fournir non seulement un sens du caractère, mais des opportunités potentielles de merchandising. Puisqu' une phrase ne dit qu'une chose. Ils racontent des histoires, l'utilisation est limitée, et même les meilleures phrases de capture proviennent généralement des écrivains utilisant les deux autres outils beaucoup plus flexibles, bizarreries de la parole et le choix des mots. Le travail de la parole est une question de formulation qui se distingue de la norme. Un exemple, comme je l'ai mentionné plus tôt, pourrait être un caractère qui n'utilise qu'un seul mot. phrases, une autre, un caractère obsessionnel qui n'utilise qu'une libération où un caractère timide hésite constamment entre les mots. Le dernier mot option Choix est peut-être le plus flexible, se concentrant sur les termes de caractère pourraient utiliser en fonction de leur personnalité plutôt que contenu particulier dans les traits larges. Et intellectuel pourrait utiliser de longs mots tandis que quelqu'un qui manque de confiance pourrait avoir du mal à arriver au point de mieux comprendre comment fonctionne le choix des mots. Voyons comment différentes personnalités peuvent transmettre les mêmes informations de base ici. La simple demande. Puis-je boire un verre d'eau ? Peut être utilisé pour exprimer une variété de traits de personnalité. Manipulatif. Tu vas garder cette eau pour toi ? Commandant l'eau maintenant, Industrias. Pourquoi un verre d'eau comme ça je pourrais gouverner le monde poli. Je suis désolé. C' est juste que j'ai soif, menaçant. J' ai tué pour de l'eau avant d'être introverti. Si seulement je pouvais m'amener à demander cette eau. Notez qu'aucun d'entre eux n'utilise beaucoup de mots, mais qu'ils rencontrent toujours quelque chose sur le personnage. Comme pour notre exercice précédent de splash page, pratiquer ce type de variation peut être un bon outil d'apprentissage. En tout cas, si vous êtes déjà coincé à essayer de comprendre comment un personnage particulier dirait quelque chose, essayant d'imaginer comment un autre personnage dirait qu'il peut aider un signe de l'espace sur la page, il y a certaines limites à ce que le dialogue peut accomplir dans une bande dessinée par opposition à d'autres formes de médias. Je pense que c'est en grande partie parce que la voix du lecteur ici sera toujours leur propre sens est générée en interne, pas en externe, par un interprète. Quand il s'agit d'un spectacle, il ne s'agit plus seulement des mots. On dit qu'un très grand acteur peut lire à partir d'un annuaire téléphonique et le rendre convaincant. Si Richard Burton ou Ian McKellen parle, les mots n'ont pas tant d'importance. Un Africain dit les 1000 différentes façons inattendues, leur ton dans le mouvement de volume, leur visage tordu et tournant avec une grande complexité dans une bande dessinée. Désolé, alors que vous pouvez faire quelque chose comme ça, non, vous ne pouvez pas vraiment le faire pour revenir aux forces et aux faiblesses des différents médias . Alors que les bandes dessinées fournissent des outils qui peuvent imiter le ton et la cadence de la parole, et que les artistes peuvent utiliser la posture, geste et l'expression, même la meilleure image d'un visage et d'une bande dessinée est statique. Même les meilleurs mots ne sont pas exécutés en externe. En conséquence, il est très difficile de garder quelque chose comme un soliloque ou même de longues périodes de conversation intéressant en eux-mêmes. Pour faire valoir ce point, je voudrais jeter un coup d'oeil à ce qui pourrait être l'un des meilleurs exemples possibles d'un long discours prononcé sous forme comique. Will Eisner, l' un des meilleurs écrivains artistes comics jamais vu, rendu Hamlets célèbre pour être ou ne pas être soliloquy comme une bande dessinée dans son excellent et hautement recommandé bande dessinée et l'art séquentiel, que vous devrait lire juste après ou pendant la réalisation de bandes dessinées. Certains ne seront pas d'accord avec moi sur ce que c'est Will Eisner. Il ne peut pas faire de mal. Mais à mon avis, les résultats sont au mieux mitigés. Pour voir ce que je veux dire, Jetez un oeil de près aux deux pages qui suivent, et pendant que vous lisez, pensez à la façon dont la séquence fonctionne. Bon, bienvenue. Eh bien, tu as une bonne idée des extrêmes émotionnels dans mon esprit. Vous n'avez pas les mêmes subtilités et l'acteur pourrait convaincre. Euh, il y a le froid pour ce sommeil de la mort. Les rêves qui peuvent venir quand nous avons mélangé cette bobine mortelle doivent nous faire une pause. Alors que le discours de Hamlet est, bien sûr, ouvert à l'interprétation et qu'une performance diffère d'une autre, il y a une bonne qualité à ces mots qui ne se retrouvent pas du tout dans la bande dessinée. C' est péniblement grave, mais je pense que la plus grande partie de mon problème ici est que magnifiquement rendu et joli tel qu'il est , nous regardons toujours juste un gars posant et parlant, et je pense que c'est inhérent à la formulaire. Lorsque vous entendez et voyez un soliloquy joué dans ces moments éphémères, les mots vous amènent à différents endroits dans une bande dessinée. Puisque votre esprit est déjà occupé à contribuer le mouvement entre les panneaux et les connecter aux mots. Les images ici, dans un sens, vous gardent coincé sur ce toit. Au début du cours, j'ai dit que n'importe quoi. Les mots et les images conduisent séparément, mots et les images conduisent ensemble et sans doute plus, tandis que mes positions sur cette paix et ce dialogue en général peuvent ressentir une contradiction, n' est pas le cas. Je crois toujours que je reste convaincu que quelque chose qui transmet toutes les subtilités du discours de Hamlet peut se faire dans la bande dessinée. En regardant ici, il est plus question de prendre quelque chose d'écrit pour une autre forme destinée à être exécutée et de le forcer textuellement à l'art séquentiel plutôt que de construire quelque chose qui tire parti de la forme rétrécit pour transmettre les mêmes idées. Ne vous méprenez pas. Je suis tout pour l'expérimentation et je donnerai une licence à un génie. Mais si seulement il réussit à rendre une soliloque sous forme comique, où cela nous laisse-t-il le reste d'entre nous ? Pour mon argent, il y a plus à gagner en se concentrant sur la force moyenne des écrivains. Cela signifie non seulement les mots, mais leur interaction avec des images qui, comme vous vous en souvenez peut-être, ne vont pas à cette fin. Quand il s'agit de dialogue, il y a une règle générale pas nécessairement la mienne, que je vais placer dans un ovale pour la garder en sécurité pour toujours. Jamais. Et il est, toujours essayer de combiner votre dialogue avec quelque chose d'autre que ou en plus des personnages . Je parle juste. Je ne veux pas seulement dire que des personnages parlent pendant les scènes de bataille, bien que cela fonctionne souvent. Je veux dire se concentrer sur différents aspects de tous les yeux évités vus, les doigts tremblants, ce genre de chose, mais de préférence quelque chose qui exprime leur personnalité alternativement, ne montrez pas les haut-parleurs du tout, s'ils parlent de quelqu'un d'autre, mettez leur dialogue et leurs sous-titres sur une image de cette personne pour plus d'un point de complot que les orateurs ne connaissent pas encore tout simplement éviter à tout prix. Panneau après panneau est des têtes parlantes statiques à moins que, bien sûr, cet aspect terne, dronage fait partie du point que vous essayez de faire valoir. Mais tout cela dit, je tiens à réaffirmer qu'il y a des circonstances où aucune des règles n'est vraie. Ça fait partie du plaisir. Alors que les outils et les règles sont importants dans un endroit idéal pour recommencer encore et encore , tout ce qui fonctionne en même temps. Si vous deviez enfreindre les règles, savoir ce qu'elles sont et pourquoi elles existent, il est beaucoup plus facile de les briser de manière fructueuse . Pendant ce temps, haut du monde MMA haut de la voie du monde, façon. 10. WComics L10 Redondance: conférence. 10. Redondance, redondance, redondance. Si vous voyez une conférence cette année, ce devrait être ceci. Et il couvre la façon de reconnaître et d'éliminer les trois types de redondance. Et dans quelles circonstances, la redondance peut réellement être utile. Salut, je suis Stefan Petricka, et à moins que vous n'ayez pas vu les autres conférences, cela devrait être une information redondante rendue encore plus redondante en mettant mon nom en dessous partie d'être monté sur la gâchette signifie que j'ai été écrire mes propres scripts réussis depuis quelques décennies maintenant. Au cours des dernières années, j'ai aussi lu le travail de centaines d'étudiants. Certains d'entre eux sont étonnants, d'autres, évidemment de la part de gens qui viennent juste de commencer. Sur cette base, je veux examiner de près ce qui me distingue. Est la plus grande pierre d'achoppement pour les débutants et les vieux chapeaux, non seulement dans l'écriture de bandes dessinées, mais dans l'écriture de quoi que ce soit. Comme vous l'avez peut-être deviné à partir du titre. C' est de la redondance. Je pense que c'est si important. Si vous retirez une chose de ce cours, ce devrait être cette conférence. Je suis sérieux à propos de ça totalement sérieux, absolument, totalement sérieux. Tu vois ce que j'ai fait là-bas ? Deux mots que je suis sérieux auraient suffi, d'ailleurs, pourquoi le dire du tout ? Tu ne supposes pas que je suis sérieux ? Qu' est-ce que la redondance ? Le dictionnaire MacMillan en ligne pratique le définit comme une situation dans laquelle quelque chose n'est pas nécessaire, surtout parce que la même chose ou une chose similaire existe déjà. Bref, c'est une répétition inutile. Mais qu'est-ce qui ne va pas ? Eh bien, comme le disent les chefs qui parlent dans Psycho Killer, dis quelque chose une fois. Pourquoi dire, pour obtenir une répétition inutile non seulement les ruines coulent. C' est un moyen rapide de détruire les écrits. Grande illusion, rappelant aux lecteurs qu'ils regardent de simples mots et ne vivent pas un monde dans une bande dessinée, qui n'a que tellement de place pour les mots pour commencer, il prend de l'immobilier sur la page qui pourrait être mis à un meilleur usage. Cela ne veut pas dire que la répétition n'a pas d'utilité troisième fois lorsque vous voulez rappeler à vos lecteurs des détails de l'intrigue ou créer un rythme stylistique. Plus sur ça plus tard. La chose cruciale est qu'en bonne écriture, redondance devrait être utilisée sur le choix conscient de Leah, jamais comme une abdication d'effort, problème étant. Pour la plupart d'entre nous, répétition vient naturellement comme nous avons raison, nous cherchons le bon mot ou la bonne phrase sur. Souvent, plus d'un vient à l'esprit dans l'élan créatif d'un premier projet. Nous avons tendance à tous les utiliser, même dans les révisions, en fonction du type d'information répétée et de la façon dont elle est répétée. redondance peut être difficile à repérer, comme dans la fameuse phrase inventée par Firesign Theater en 1970 sera garantie par votre département de redondance et la garde naturelle. redondance est souvent pensée à sa simple répétition de mots, mais elle pourrait être plus que celle opérant à différents niveaux. Même la blague Firesign Theater est redondante à plusieurs égards, se référant non seulement au concept du mot lui-même, mais aussi aux départements redondants que l'on trouve dans les bureaucraties du monde réel. J' ai trouvé utile de penser aux différents types de redondance en termes de trois catégories, qui peuvent toutes ruiner autrement une bonne écriture, en utilisant l'allitération pour les rendre plus faciles à retenir. Les catégories sont la redondance principale, redondance conceptuelle et la redondance contextuelle. D' autres ont peut-être trouvé des concepts similaires, mais je ne les ai jamais vus comme ça. La redondance de base se réfère à cette répétition de mots de base, comme dans la blague Firesign Theater, le monde étant un endroit triste et drôle. Riel vie. Des exemples de redondances judiciaires sur les redondances de base peuvent facilement être confondus avec une question similaire mais différente. Surutilisation. L' utilisation excessive du mot ou de la phrase peut avoir le même effet et doit également être évitée. Mais contrairement à la redondance, l'information elle-même n'est pas répétée. Prisons. Le chat était petit, petit, petit serait une redondance de noyau, puisque oui, nous l'avons déjà. Le chat est petit. Le chat était petit, le chien était petit et la maison était petite. Serait un exemple de surutilisation. Nous dire que le chat était petit fournit des informations différentes que de nous dire que le chien était petit, mais ce n'est pas très efficace, une façon plus rapide mais peut-être moins rythmique de dire la même chose serait le chien de chat et monde de la maison. Petit dans le petit espace d'une seule bande dessinée. surutilisation et la redondance du cœur sont assez faciles à repérer, condition que vous les recherchiez et que vous travailliez plus longtemps. La surutilisation, en particulier, peut être plus difficile à éliminer, en donnant un mot ou une phrase qui aurait pu être parfait. La première fois peut rapidement devenir fastidieux pour le lecteur. Même les phrases prisées peuvent porter minces et les suivre sur plusieurs pages n'est pas toujours facile. Dans ce cas, gardez une liste de suspects. Lorsque vous relancez les entrer dans votre fonction de recherche de traitement de texte qui ne les trouvera pas seulement , cela comptera le nombre de fois que vous avez utilisé ce mot ou cette expression en particulier. Les redondances et la surutilisation impliquent des mots ou des phrases identiques. L' information conceptuelle sur la redondance est répétée mais en utilisant des mots différents. Par conséquent, les redondances conceptuelles pourraient être de deux mots. Un grand nombre des deux mots variété ou quelques exemples communs comprennent cesser et s'abstenir groupes collaborés réunis et absolument essentiels. Fait intéressant, dans mes cours, les élèves affirment parfois que le rôle estival de ces phrases n'est pas redondant. Alors que je sympathise dans chaque cas, un regard de plus près révèle la répétition. Cesser, c'est cesser. Vous ne pouvez pas collaborer sans un groupe à rassembler, c'est de rassembler, et c'est essentiel ou ce n'est pas un sens. Si c'est essentiel, c'est déjà absolument essentiel, essentiel ? Pas essentiel. Ce sont les choix. Une des raisons pour lesquelles les redondances conceptuelles pourraient être plus difficiles à repérer est qu'elles sont si souvent utilisées façon informelle qu'elles se sentent naturelles. Même ces exemples ressemblent davantage à une façon de mettre l'accent sur quelque chose, plutôt que de le répéter pour cesser et s'abstenir semble beaucoup plus important que de simplement cesser ou de s'abstenir. Mais ce n'est pas le cas. C' est juste dire la même chose deux fois. En ce qui concerne les redondances conceptuelles, conceptuelles, les plus difficiles à repérer sont celles qui vont au-delà de deux mots. Les exemples les plus délicats peuvent inclure plusieurs phrases ou même des paragraphes tels que des larmes coulées librement des yeux de Martin. Il pleurait. Pourquoi est-ce redondant ? On le sait déjà. Martin pleure à cause des larmes, ou le chien a poussé ses jambes fort, se déplaçant aussi vite que possible. Il courait. Si le chien pousse ses jambes fort et se déplace aussi vite qu'il le peut, bien sûr, il court. C' est ça, courir. Ces exemples, je l'espère, sont évidents. Conçu pour avoir l'idée. Bien sûr, clairement dans la pratique, cela pourrait être beaucoup plus difficile. Plus les informations répétées sont étendues, plus il est difficile de prendre des notes, larmes coulaient librement des yeux de Martin. Il a trébuché sur la pièce en essayant de rassembler ses pensées, mais ne pouvait pas. Il pleurait en même temps, au moins avec des redondances conceptuelles de maïs, on a toujours affaire exclusivement à des mots. Ce n'est pas une véritable redondance contextuelle lorsque la répétition se produit parce que la situation ou le contexte rend déjà certaines informations claires. Compte tenu de la combinaison de mots et d'images. bandes dessinées étaient particulièrement vulnérables à la redondance contextuelle. Revenons à notre exemple d'un panel spécifique en duo de la conférence sur le mot et l'art. L' image montre un super-héros volant au-dessus de la ville. La légende dit. Notre héros vole au-dessus de la ville Pensée ballon de notre héros lit. En tant que héros, je crois que je survolerai la ville. Le contexte de la scène a déjà établi tout cela, rendant les mots superflus. Dans la pratique, cependant, il y a des cas et des bandes dessinées où les artisans sont effacés. C' est peut-être, et l'information qu'il est censé transmettre est essentielle pour comprendre l'histoire, par exemple, qu'un personnage tient une arme dans ce cas, si vous ne pouvez pas voir clairement l'arme ou si elle n'est pas apparente que c'est une arme à feu, utiliser les mots pour clarifier la situation est légitime. Comme autre exemple de redondance contextuelle courante, combien d'entre nous ont reçu des courriels ou des lettres ? Tu te souviens de ceux qui s'ouvrent avec des phrases comme je t'écris aujourd'hui ? Si vous écrivez à quelqu'un, bien sûr que vous avez raison. Et quand d'autre écririez-vous si ce n'est le jour où vous écrivez. Même si vous pouviez voyager dans le temps, vous seriez toujours sur votre journée. Lorsque vous écrivez quoi que ce soit, des hauteurs aux scripts complets, considérez la situation. Par exemple, si vous contactez votre éditeur à propos d'un roman graphique, le contexte lui dit déjà au moins trois choses. A que vous écrivez soit que vous écrivez sur un travail créatif et voir que le travail créatif est à vous. Pourtant, j'ai souvent vu des terrains d'étudiants ouverts avec des phrases comme j'écris pour vous raconter mon histoire de fiction, qui raconte l'histoire Combien de ça devriez-vous garder ? Aucun. Il n'est pas seulement évident dans le contexte, mais il faut un espace précieux qui pourrait être utilisé pour la description de votre contenu. En passant, cet exemple contient également deux redondances conceptuelles. Pouvez-vous les repérer ? Le temps est écoulé. Une histoire est, par définition, de la fiction. Cela, bien sûr, raconte une histoire. Puisque les redondances contextuelles ne consistent pas en mots, il est tentant de ne pas les considérer du tout. C' est surtout s'il s'agit de la bande dessinée, et vous voulez que ce point de l'intrigue absolument clair. Mais si vous avez besoin de couper juste une ligne de plus pour adapter vos hauteurs sur une seule page où vous voulez votre écriture. Titus est-il possible ? Ou même si vous voulez juste la clarté et organiser vos pensées les plus intimes ? Crois-moi. L' élimination de la redondance peut être incroyablement utile. Parlant d'utilité, alors que je crois fermement que cela a été fait et voir sous toutes ses formes est un obstacle sournois à bonne écriture Lorsqu'il est utilisé intentionnellement comme le feu, il peut être un outil puissant. Comme je l'ai dit plus tôt, Parfois, vous voudrez rappeler au lecteur ou quelque chose, comme je l'ai fait tout à l'heure, quand je me suis répété pour vous faire savoir que nous sommes maintenant de retour à un sujet mentionné précédemment et j'espère vous rassurant qu'il y a une structure à ces conférences. De même, et fonctionne plus longtemps. Il pourrait être important de revenir sur une intrigue importante ou un détail de personnage, surtout si ce détail a été introduit il y a 20 pages. Heureusement que j'ai pris les balles de cette arme à Cincinnati. Il peut aussi être utilisé pour un effet dramatique. Il est mort. Jim mort en même temps, est un conte de mise en garde. Cette ligne a été utilisée si souvent dans le Star Trek original, elle est devenue un cliché. Enfin, répétition pourrait être utilisée pour rehausser le flux esthétique, les rythmes du dialogue ou la poétique d'un passage descriptif. Jetez un oeil à cette strophe des Clols d'Edgar Allan Poe. Ok, remarquez. Répète des mots comme des cloches, picotements et du temps à grand effet. Ici, la répétition évoque le son lui-même. Le point est encore une fois d'utiliser la répétition consciemment. Et la seule façon de le faire est de fouiller votre écriture pour les trois formes. Avez-vous trouvé une redondance que vous souhaitez conserver ? Assurez-vous que vous avez une bonne raison. Sinon, comme on dit dans Apocalypse maintenant, éliminer avec des préjugés extrêmes. Voie. Pas moyen. 11. WComics L11 Comics for a Living: Conférence 11 Writing Comics for a Living, qui couvre les spécifications de formatage, ma propre expérience avec l'industrie à partir des trois chemins de base entre votre travail et le lecteur. Pourtant, c'est moi, gars qui en parle une dernière fois à ce sujet, ayant souligné les difficultés d'exposition et les problèmes de redondance. Je pense qu'il est juste de mentionner que si une grande partie de cette belle Elektra sera est délicieuse et incitante comme d'habitude, certains d'entre eux seront quelque chose d'un vidage de données. Je vais aussi répéter quelques choses déjà abordées. Mais ici, dans le contexte des choix auxquels font face les écrivains débutants de la bande dessinée, nous commençons par le sujet désespérément sec de parce qu' il n' y a pas de façon passionnante de parler en dense et en marge de toute façon. Les exemples de script que j'ai utilisés tout au long de ces conférences ont tous été formatés à peu près de la même façon que je confie mon travail à un éditeur, un artiste à une exception notable. La police ici. J' ai utilisé Courier nouveau pour le faire ressortir plus dans la vraie vie, bien que j'utilise 12 points fois nouveau Roman, en partie depuis que je trouve particulièrement lisible en partie à une habitude. Eh bien, vous ne voulez jamais utiliser un fonds bizarre qui vous blessera les oreilles, les sensibilités esthétiques et ou leurs yeux, les choix spécifiques. En savoir plus sur le goût personnel. En ce qui concerne les autres spécifications de formatage comme exemples, je vais utiliser des extraits de mon script complet des tranches de papier coupées parodie Harry Potty et le Deathly Boring avec de l'art par le délicieusement fou Rick Parker. Et voilà, on y va. Le nombre de pages de bande dessinée opposées à la page de document de script apparaît centré sur les descriptions du panneau supérieur ou vidé à gauche et numéroté par page, ce qui signifie que le premier panneau de chaque page sera le panneau. Un numéro de panneau est suivi d'un onglet pour définir la description, qui est un espace unique avec une ligne entre les paragraphes, légendes, les effets sonores et les noms de caractères. Air mis en retrait de 2,5 pouces de la gauche et apparaît dans toutes les majuscules. Si le texte suivant est autre chose qu'un ballon de mots qui est indiqué entre parenthèses comme dans Pensée ou SFX pour l'effet sonore, tous les mots que le lecteur voit sont en retrait de 1,5 pouces à la fois sur les mots accentués gauche et droite air indiqué en gras, de la même façon qu'ils apparaîtront dans la bande dessinée finie. Enfin, chaque nouvelle page de bande dessinée devrait commencer sur une nouvelle page de document. À l'occasion, le script d'une seule page de bande dessinée prendra plus d'une page dans votre document. Dans ce cas, répétez le numéro de la bande dessinée en haut, puis continuez dans toutes les majuscules et parenthèses. Et voici le script complet, en prenant les pages de documents côte à côte avec les résultats finaux. J' ai trouvé ce format similaire à un scénario de film, utile et facile à comprendre, mais il n'y a pas de règle rapide. Certains rédacteurs, par exemple, n'inventent pas du tout le dialogue, tandis que d'autres n'utilisent pas de sauts de page entre les pages de script. Alors que les scripts complets sont les plus courants, comme vous vous en souviendrez, dans la Marvel Way, l'auteur utilise l'art brut pour créer les mots que le lecteur voit et indique leur emplacement sur la page. Dans ce cas, vous voudrez formater votre script pour qu'il corresponde à la numérotation des légendes et de la boîte de dialogue sur l' ensemble de la page, comme on le voit ici. Et c'est mieux pour Four Matic. Comme je l'ai dit, ennuyeux mais important. Maintenant, je veux parler de la profession elle-même, en commençant par, pour le meilleur ou pour le pire, moi. J' ai rencontré la bande dessinée pour la première fois en 1967 quand mon grand-père m'a assis sur ses genoux avec ce même numéro du pote de Superman Jimmy Olsen. Il a été écrit peut-être ironiquement par le premier ajouté, Qui m'a donné l'heure de la journée Jim Shooter. Je n'ai pas seulement été accro par de nouveaux mots comme la forteresse et la solitude à un très jeune âge pendant des années , avec Jim Sala Krupp ami d'enfance, j'ai lu recueilli dans des bandes dessinées savoureux. Finalement, j'ai ajouté des livres de livres, et quelque part le long de la ligne a décidé que je voulais être écrivain. Après avoir obtenu mon B A dans la littérature, j'ai vendu quelques sanglots de pratique pour m'émerveiller. Le premier, un docteur de Dieu affreux. Étrange histoire pour la salle de sport Shooter. Mais je n'ai fait aucun progrès réel jusqu'à la fin des années quatre-vingt, quand j'ai créé plusieurs Siris pour la première édition. Comme beaucoup de comiques indépendants Cos. À la fin des années 80, le comic boom d'abord malheureusement, a cessé de fonctionner, bien que certains des travaux que j'avais écrits pour eux finissent par être publiés par Dark Horse et merveilles Epic line. Après cela, j'ai en quelque sorte fait une vie assez décente en écrivant des scripts comiques qui n'ont jamais été publiés. Nous parlons d'une dizaine de projets avec plusieurs problèmes. Parfois, l'éditeur mettait fin aux affaires. Parfois, un éditeur serait viré. Pendant plusieurs années, je me sentais comme le Barton Fink de l'industrie de la bande dessinée en termes de popularité. Ma grande pause est venue au milieu des années 90 en tant qu'auteur de la bande dessinée The X Files pour Tops. Jim Sell a Crop était rédacteur en chef Charlie Add Lard, surtout connu pour son travail sur la marche Dead, était l'Artist and the Gorgeous Covers ou par Meron Kim. Plusieurs collections ont été publiées au fil des ans, et je suis ravi de dire qu'elles sont toujours en cours de lecture Post X Files. J' ai écrit plus de 350 histoires pour Mickey Mouse et je suis allé pour la société danoise Sigma. Ceux-ci ont été traduits en 34 langues et vendus à travers le monde, Mais pendant des années, je ne les ai jamais vus en anglais. De nos jours, en plus d'enseigner en ligne, j'écris des romans et des nonfiction dans divers genres pour adultes et jeunes adultes. Je garde toujours ma main dans la bande dessinée avec des projets tels que Bail, The Vantage, un romans graphiques, Power Rangers, Hôtel Transylvanie et gérer les plaies. Dans l'ensemble, cependant, ils ne sont que quelques rares occasions où j'ai gagné ma vie est exclusivement un écrivain de bande dessinée qui peut être plus spécifique à mon chemin particulier, mais mon sens est que c'est plus la règle que le point d'exception étant ce mur, il est possible de le frapper. Rich est un écrivain de bande dessinée. C' est un peu comme gagner une loterie, une loterie qui nécessite une certaine quantité d'habileté, juste un billet, juste un billet, ce qui signifie que ce n'est pas quelque chose que la plupart des écrivains devraient attendre beaucoup d'argent ou n'importe . C' est quelque chose que tu fais parce que tu l'aimes. Il n'y a pas d'autre raison impérieuse qui a dit, il est également parfaitement raisonnable de vouloir obtenir votre travail là-bas et entre les mains des lecteurs. Ce qui nous amène à notre prochaine section. Pour l'auteur de la bande dessinée, il y a trois chemins de base pour la publication. Les éditeurs de bandes dessinées grand public, les grands et petits, les éditeurs de livres traditionnels et l'auto-édition. Mainstream comprend le Big Fish Marvel, propriété de Disney DC Comics, propriété de Warner Dark Horse et une foule de Small Independence. Bien que certaines de ces sociétés soient connues pour leurs livres de super-héros d'action et leurs liens hollywoodiens, les grands acteurs ont produit des bandes dessinées et des romans graphiques dans divers genres, styles et formats, dont le manga, et ils le font sur un calendrier régulier avec des personnages établis et nouveaux. Les plus grandes entreprises de bandes dessinées sont également devenues de plus en plus difficiles à percer. Le site Web de Marvel Comics, par exemple, lit actuellement. Si vous êtes un aspirant artiste de bande dessinée ou écrivain, nous vous suggérons de publier ou d'afficher publiquement du matériel continuer à créer, et si vous avez les bonnes choses, nous vous trouverons, comme je l'ai mentionné dans la conférence pour le rôle des écrivains. production dans le courant général est, bien que pas nécessairement mouvementée ou machine comme orientée vers ce flux constant de matériaux. Cela tend à rendre l'atmosphère plus proche d'un magazine ou d'un bureau de journaux. Ensuite, disons un éditeur de livres traditionnel, des histoires peuvent être créées en groupes et en collaboration avec les équipes. auteurs de bandes dessinées encouragés et le grand public sont embauchés en freelance et travaillent généralement sur des personnages existants qui appartiennent à l'éditeur ou le paiement sous licence est déterminé en fonction du tarif de la page. Avec le bâtiment de l'écrivain, l'éditeur remplit un bon lorsque l'œuvre est approuvée, le tchèque apparaît généralement quelques semaines à un mois plus tard, paiements supplémentaires ou possibles en fonction des ventes de l'œuvre. Ces compagnies aériennes ont fait allusion à ses paiements incitatifs plutôt qu'à des redevances dont je parlerai sous peu. Si l'auteur crée un nouveau personnage pour un univers existant, il peut recevoir des paiements supplémentaires. Un. Et si ce personnage est utilisé ailleurs ici, il devient un peu délicat parce que les grandes entreprises ont une variété d'empreintes sur les termes du contrat Convrier varient de l'empreinte imprimée. Ajouter un nouveau super méchant à l'énorme univers de Marvel fournit un ensemble de termes dans d'autres circonstances. Pour les empreintes spécifiques ou les petits éditeurs de bandes dessinées, les créateurs peuvent se voir proposer des offres plus souples lorsqu'ils conservent le droit d'auteur. Par exemple, pour My Work on Lands Barnes pour la ligne épique de Marvel, j'ai conservé le droit d'auteur de mon expérience. Même dans ces cas, les entreprises de bande dessinée s'attendent à conserver une part de tous les droits accessoires sur les personnages, c'est-à-dire des droits au-delà de l'édition, y compris des droits de cinéma et de télévision. important estimportantde noter que ce n'est généralement pas le cas des éditeurs traditionnels de livres. En termes de travail régulier, un créateur grand public particulièrement prospère pourrait se voir offrir un contrat exclusif promettant des travaux d'étude pour une période en échange du créateur acceptant de travailler sur Lee pour cette entreprise pour la durée de le contrat. D' autres éditeurs de bandes dessinées, tels que Tokyo pop in visit, spécialisent dans le manga, fois des traductions du japonais original et du nouveau matériel leurs atmosphères, en fait quelque part entre un bureau de magazine et un livre éditeur. En fait, grâce en grande partie au boom du manga, qui, vers le milieu des années 90, a introduit des bandes dessinées dans les librairies traditionnelles d'une manière financièrement impressionnante, éditeurs de livres traditionnels ont pris note et commencé à produire leur propres romans graphiques, soit eux-mêmes, soit par l'intermédiaire d'une filiale et dans le processus, sont devenus un choix viable mais très différent pour les créateurs de bandes dessinées qui vont dans leur histoire. Les éditeurs de livres traitent naturellement les bandes dessinées plus comme, oui, les livres en termes d'atmosphère, délais et de conditions contractuelles qu'ils proposent. Il y a quelques différences, bien que Justus, D. C. Ou Marvel produire en cours les éditeurs de livres de Siri peuvent faire comme quoi, mais leurs efforts ne apparaissent généralement pas fréquemment ou est régulièrement, disons, une bande dessinée mensuelle cousue en selle. Cela dit, certains éditeurs de livres fonctionnent avec une mentalité similaire et le font depuis des décennies. De la fin du 19e au milieu du 20e siècle, les coquillages étaient pleins de romans sous Pulp Fiction avec sérieux, comme Nancy Drew ou les Hardy Boys. Les personnages de base ont été conçus non pas par seul écrivain, mais par l'éditeur, qui a ensuite attribué des parcelles longues paragraphe, pigistes non crédités à présenter sous les noms de maison Carolyn Keene et Franklin Dixon, qui Désolé n'existent pas. Mais après avoir travaillé avec Carolyn Keene, je veux dire qu'elle est une merveilleuse, travailleuse, non personne. De même, un petit mystère de romance ou d'horreur éditeur dont le succès est basé plus sur un certain nombre de exactement le même. Seuls les titres différents peuvent avoir un champ similaire. va de même pour les romans de licence qui utilisent des personnages populaires du cinéma et de la télévision. Je ne sais pas si c'est toujours le cas, mais d'après mon expérience, les éditeurs de livres gèrent la relation entre écrivain et artiste différemment des éditeurs de bandes dessinées traitant l'artiste plus comme une représentation illustrée tâche séparée traditionnellement, et l'édition de livres pour enfants. Par exemple, une fois que l'écrivain a remis l'histoire, l'artiste est parti produire son travail seul avec peu ou pas de communication entre les deux. Lorsque j'ai travaillé sur Babel pour HarperCollins, par exemple, j'ai été découragé de contacter l'artiste Cody Chamberlin directement à propos du livre. Je pense que cela est considéré comme une forme de respect pour les talents dans le domaine de l'artiste et écrivain, et peut-être comme une peur que trop de cuisiniers gâchent les résultats. Bien sûr, si un éditeur est approché par une équipe d'artistes et d'écrivains, il n'interfère pas nécessairement avec un partenariat déjà en place. C' est une expérience très différente de la bande dessinée traditionnelle, où la communication est activement encouragée et tout le monde a ses pensées. Une autre distinction particulièrement importante des clauses contractuelles que les éditeurs de livres traditionnels offrent, qui sont de nouveau naturellement dues à leur histoire, plus comme les contrats de livres. Si le matériel est entièrement original, l'auteur conserve le droit d'auteur. Si vous avez un agent décent à mi-chemin, vous conserverez également le film et les droits accessoires plutôt qu'un bonus d'incitation à la page . Les éditeurs de livres offrent à l'avance contre les redevances de la différence vaut un regard de plus près similaire à un taux de page dans un sens et avance une somme d'argent définie que l'auteur reçoit à l'avance. Il y a une certaine variation, mais en général, plutôt que de recevoir la totalité de la monture sur approbation, l'auteur reçoit 1/3 de l'avance convenue lors de la signature du contrat. Ah, troisième sur l'acceptation d'une version finale du scénario et troisième sur la publication. Les redevances sont généralement calculées tous les six mois et sont basées sur le prix de couverture de détail . Pour avoir une idée de la façon dont cela fonctionne, utilisons quelques chiffres simples. Supposons que vous ayez reçu une avance de 5 000$ contre un taux de redevance de 5 % sur un livre qui se vend à 5$ . Cela fait de la part de l'auteur du prix de couverture 25 cents par livre. Quand et si le livre vend 20 000 exemplaires, le montant de votre redevance de 5 % correspond maintenant à l'avance de 5 000$ que vous avez reçue, et il est dit qu'il a gagné. En d'autres termes, les éditeurs ont remboursé l'avance, et pour chaque exemplaire du livre vendu à plus de 20 000 exemplaires, les auteurs devaient 25 cents. Même si le livre vend zéro copie, l'auteur peut garder l'avance, mais encore une fois ne tourne pas d'argent supplémentaire jusqu'à ce que ces 20 000 exemplaires aient été vendus. En réalité, ce taux de redevance sera très basé sur la réduction en vrac du club de lecture sur les ventes restantes. Mais c'est l'idée de base. La dernière option, plus facile à réaliser et de plus en plus populaire, est de trouver un artiste apte à produire l'œuvre par vous-même et auto-publié numériquement. Les avantages air un plus grand contrôle sur votre travail, et s'il y a des profits une part beaucoup plus grande d'entre eux. L' auto-édition en ligne présente un risque financier si faible. Franchement, je ne recommanderais pas de dépenser de l'argent pour imprimer des copies physiques jusqu'à ce que vous ayez réussi à obtenir un suivi. Gardez à l'esprit à moins que vous ayez des ressources substantielles, est l'argent dépensé pour votre premier projet ne sera pas nécessairement là pour votre deuxième. Lancer tout l'argent que vous avez dans un effort précoce pourrait bien gêner votre capacité à essayer à nouveau en bas de la ligne. Et c'est une course difficile parce que la concurrence en ligne est au-delà de rigidité. Avec tant de contenu disponible, il est difficile de gagner de l'attention. Et avec une grande partie du contenu gratuit, il est encore plus difficile de gagner de l'argent dans tous les domaines du travail créatif. La promotion a toujours été importante avec une bibliothèque aussi grande que l'Internet. C' est un marketing critique. Votre travail est, bien sûr, tout seul. Mais même les meilleurs marketeurs admettront que c'est plus magique que la science. La chance joue un rôle énorme. La meilleure façon d'améliorer les chances est d'aller sur le long terme, être prêt à commencer petit et de construire votre audience lentement au fil du temps. Rappelez-vous, de nombreux succès du jour au lendemain sont des décennies en cours de réalisation, donc ce sont les trois chemins. 1 peut sembler supérieur, mais le diable est toujours dans les détails. Alors que les grandes entreprises établies exercent plus de contrôle et conservent une plus grande part des bénéfices. Ils offrent également une supervision éditoriale professionnelle, des systèmes de distribution éprouvés et au moins un certain revenu à l'avance. De même, le fait qu'un éditeur de livre autorise le créateur à conserver les droits de film peut sembler une meilleure affaire, mais dans la pratique, ces droits ne valent que si quelqu'un est prêt à les payer. Et l'éditeur de livres n'essaie pas activement de vendre ses livres concentrés sur la vente de livres. Alors que l'éditeur de bandes dessinées grand public essaie activement de développer son contenu pour les films, la télévision et les jouets, ils ont sans doute plus de chances de générer des revenus qu'un éditeur de livres ou un seul créateur travaillant seul. Il suffit de mettre 10% d'un 1 000 000$. C' est bien mieux que 100% de rien. D' autre part, Kevin Eastman et Peter Lad ont produit des tortues Ninja Teenage Mutant tous seuls et sont devenus millionnaires plusieurs fois. En fait, dès le début de leur succès, on leur a offert une offre d'un éditeur grand public et on leur a refusé, car ils gagnaient déjà plus que ce que leur offrait l'éditeur. Évidemment, pour eux, c'était la bonne décision de revenir à une phrase que j'ai souvent utilisée dans ce cours. C' est un acte d'équilibrage. La bonne décision pour vous dépend de vos objectifs, vos capacités, votre ressource est votre situation et beaucoup de réflexion attentive. Et cela nous amène à la fin de cette conférence et du cours. Merci d'avoir écouté. J' espère que ça vous a plu. Mais plus que cela, j'espère que vous l'avez trouvé utile. Quoi qu'il en soit, faites-le moi savoir. De même. Si vous avez des questions, laissez-moi une ligne dans les commentaires, et je ferai de mon mieux pour répondre. Pendant ce temps, on se reverra, ne sait pas où, ne sait pas quand, mais je sais qu'on se reverra un jour ensoleillé.