Dessiner pour les storyboards

1. Introduction: Salut là. Bienvenue dans la classe. Je suis si contente que vous vous inscriviez et je suis vraiment excité que nous allons faire ce voyage ensemble pour explorer le dessin pour l'animation et les storyboards. Dans cette vidéo d'introduction, je vais expliquer comment la classe est disposée pour que vous sachiez à quoi vous attendre. Je vais aussi vous donner quelques conseils sur la façon d'en tirer le meilleur parti. Dans les premières vidéos, je vais parler un peu du dessin sur papier. Beaucoup d'étudiants dans mes autres cours dessinent sur papier, pas dans un format numérique. Je voulais vraiment profiter de l'occasion ici pour partager quelques trucs et astuces qui pourraient vous aider dans votre processus de dessin, en particulier pour le storyboard. Je voulais aussi vous expliquer comment importer votre dessin dans Photoshop si vous vouliez prendre votre dessin à la main et ensuite travailler dessus dans un format numérique. Ensuite, le reste de la classe se compose de trois sections principales : caractères, arrière-plans et séquences de dessin. Quand il s'agit de dessiner des personnages, je vais vous montrer le raccourci et les conventions de dessin les plus utilisées dans l'industrie de l'animation. Je vais vous montrer comment poser vos personnages et aussi comment dessiner des émotions et des expressions fortes de caractère. Vous n'avez pas besoin d'être un concepteur de personnages, mais vous pourrez prendre n'importe quel personnage qui vous est donné et le redessiner dans une multitude de poses. Ensuite, dans la section sur les arrière-plans, je vais vous montrer comment visualiser rapidement et facilement une scène. Je vais également vous donner un aperçu de la perspective de l'artiste de storyboard. Quelle est la perspective, quand l'utiliser dans votre travail et aussi pourquoi. Dans la dernière section, nous allons examiner comment assembler toutes ces techniques de dessin lorsque nous dessinons des séquences pour storyboard. Cela signifie quels plans et angles vous pouvez utiliser, quels sont les modèles de storyboard et quand vous pouvez les utiliser. Puis, en fin de compte, des façons de comprendre le langage visuel du film afin que vous puissiez trouver votre propre style unique pour visualiser des histoires, pour faire des films et pour l'animation. Tout au long de la classe, il y a des devoirs à faire. Vous aurez à dessiner une feuille de personnage posée, ainsi que des arrière-plans de dessin, et à la fin il y aura un grand projet de classe. Je vais te donner ce qu'on appelle un pack amusant et un script. Si vous travailliez dans un studio d'animation sur une émission de télévision, c'est probablement ce que vous recevrez. Un pack amusant contient des dessins de personnages ainsi que des mises en page. Je vais également vous donner un script d'une page que vous aurez à dessiner votre propre storyboard à partir de zéro. Il y a beaucoup à couvrir. Je suis vraiment excité que tu sois là. Je pense que ce cours va être un excellent ajout à vos compétences visuelles et créatives existantes. Cela vous ouvrira des portes pour poursuivre votre travail et même votre cheminement de carrière. Merci de m'avoir rejoint pour ce voyage de dessin. Allons plonger dedans. 2. Dessiner sur du papier: Une très grande partie des étudiants de mes deux cours de storyboard font réellement leur travail sur papier. Je voulais vous encourager que si vous n'avez pas de logiciel ou d'équipement pour dessiner numériquement, vous pouvez toujours faire des storyboards avec du crayon et du papier. Pour les matériaux, vous pouvez utiliser tout ce que vous aimez vraiment. Les bases seraient du vieux papier dans votre carnet de croquis et quelques crayons. Mais vous pouvez même utiliser un stylo, un marqueur, ou un bâton de charbon, crayon de charbon, si cela fonctionne pour vous. J' ai une gomme pétrie. Mais si vous avez une gomme normale et régulière, alors c'est bien aussi. Je voulais partager un conseil avec vous pour dessiner à la main si vous dessinez des storyboards. Plus précisément, au lieu de travailler dans votre carnet de croquis, vous pouvez utiliser simplement une pile de papier cartouche ou de papier d'impression. C' est du papier de notre imprimante à domicile. C' est la taille standard, le poids standard. La chose à propos de cela, c'est que vous pouvez utiliser beaucoup et beaucoup de feuilles de papier et que vous ne travaillez pas dans du papier de carnet de croquis coûteux. Maintenant, évidemment, la chose à propos du dessin numérique est que vous avez beaucoup de possibilités pour changer votre dessin, ou la suppression, ou même le refaire. Vous n'avez pas vraiment cette option avec un crayon et du papier. Mon conseil est d'esquisser très légèrement vos lignes de construction rugueuses ou de dessiner séparément vos croquis bruts puis de les redessiner avec des détails plus précis. Je pense que la clé est de travailler à la légère autant que possible. Vous pouvez démarrer vos lignes de construction. Je ne sais même pas si vous pouvez voir ça, très légèrement. Comprenez où vous allez, ce que vous allez faire de votre dessin. Ensuite, vous pouvez revenir et mettre dans une ligne plus définie. Ce que nous faisions à l'époque à l'école d'animation, quand j'étudiais l'animation, c'est que si nous devions dessiner sur du papier, nous utilisions un crayon bleu ou rouge pour le croquis initial, puis nous irons dessus avec un crayon de plomb. La marque que nous utilisions à l'époque s'appelait Colo-Erase Crayons. Ils avaient une gomme sur la pointe et vous pourriez les obtenir en différentes couleurs. Je ne suis pas tout à fait sûr, je ne suis pas sûr à 100% pourquoi nous utilisons des crayons de couleur, mais je pourrais me tromper ici, je pense que c'est à voir avec ça dans l'ancien temps de l'animation dessinée à la main, ils avaient l'habitude de photocopier des dessins beaucoup. Je pense que si vous dessinez avec un crayon bleu, les lignes ne sont pas copiées lorsque vous les photocopiez. Je ne suis pas sûr à 100%. Ne me cite pas là-dessus, mais je pense que c'est de là que vient l'idée. Ce que vous faites est de dire que nous dessinons un panneau de storyboard et que nous avons des panneaux comme ça. Je n'ai pas de crayon Col-Erase, j'ai juste un crayon rouge, mais c'est le même principe. Je vais rapidement esquisser dans ma composition, voir ce que je veux dans ce cadre. Je fais la chose standard que je fais toujours. Regarde, voici un paysage avec un arbre. Ça ne va pas être très intéressant, mais je veux juste que tu aies l'idée. Alors disons qu'on a un gros plan du cow-boy du cours de storyboard précédent, qu' on a son gros plan là-bas. Peut-être qu'il regarde l'arme dans ses mains. On a un gros plan de son arme. Alors que voit-on dans la dernière ? Retournons peut-être au paysage. J' ai complètement inventé ça. Ça n'a rien à voir avec quoi que ce soit, mais je te le montre juste pour que tu puisses voir comment tu peux travailler avec un crayon de couleur et ensuite passer dessus. Je vais prendre, c'est juste un crayon à B. Mais disons que j'ai trouvé ce que je veux dans ces dessins. Je vais dire : « Maintenant, je peux juste choisir une ligne et travailler très proprement, très soigneusement. » On a des collines en arrière-plan. C' est une très belle façon de travailler. Vous avez un guide en dessous d'une couleur différente. Même si vous dessinez assez sombre avec votre travail de ligne, vous pourriez probablement revenir et effacer les lignes rouges. Plutôt beaucoup. Je ne ferais pas les quatre panneaux. C' est juste pour te donner une idée, peut-être qu'il y a une pierre à l'avant. C' est aussi une de ces formations rock de type occidental. Mon dernier conseil pour dessiner sur papier est un peu étrange, mais c'est bon de savoir car dans l'animation, ce que vous faites à peu près tout le temps est de redessiner les choses encore et encore. Nous savons tous que c'est le processus pour l'animation, pour le storyboard de toute façon. Vous devrez peut-être redessiner un arrière-plan. Certes, vous allez redessiner des personnages dans des panneaux tout le temps. Si nous étions dans un studio et que vous dessinez sur du papier, alors ce que vous feriez est d'utiliser une boîte lumineuse. Tu mettrais ton dessin sur la boîte à lumière, mettrais la boîte à lumière, et mettrais une autre feuille de papier sur le dessus. Ensuite, vous pouvez tracer votre dessin et le modifier pour le panneau suivant ou ajouter d'autres caractères, quel que soit le cas. Puisque nous ne sommes pas dans un studio, si vous voulez tracer votre travail de ligne, alors je vous suggère d'utiliser cette astuce très étrange. Tout d'abord, laissez-moi juste faire un dessin. Pour les besoins de cet exercice, je vais juste redessiner ce tableau du cow-boy. Je viens d'accélérer la vidéo pour pouvoir passer à travers et vous montrer le processus si je voulais redessiner ce personnage ou le tracer. Je vais faire le mieux possible un croquis. En passant, c'est aussi un très bon processus si vous voulez tracer votre dessin brut. J' ai mon dessin. Je vais l'emmener à une fenêtre, croyez-le ou non, et juste le coller sur la fenêtre ou utiliser ce que j'utilise là, c' est-à-dire appuyer sur tique et coller une feuille de papier propre dessus. Maintenant, si je fais un zoom avant, vous pouvez voir à quel point le dessin brille sur votre feuille de papier. Vraiment, c'est juste une question de suivre le travail de ligne et de tracer votre dessin. Ce n'est pas la méthode la plus facile au monde parce que vous êtes debout et que vous devez dessiner sur la fenêtre. Ça peut être un peu fatigant. Ce n'est pas idéal, évidemment, mais c'est vraiment un bon hack si vous êtes à la maison. Si vous avez besoin de nettoyer vos dessins ou d' ajouter plus de détails dans un dessin existant ou de copier un dessin, c'est juste une solution de contournement si vous n'avez pas de boîte lumineuse. J' essaie de garder mon travail de ligne super propre et net, et de ne pas dessiner rugueux. C' est la beauté de cette façon de dessiner. En fait, dessiner sur une vitre est très agréable surface pour travailler pour de belles lignes nettes en fait. Eh bien, pour moi de toute façon, mon deuxième dessin ne sera jamais exactement comme le premier. J' ai toujours tendance à manquer les lignes. Mais tu as l'idée de toute façon. C' est à peu près tout. Si je prends ce dessin et les compare côte à côte, vous serez en mesure de voir à quel point c'est efficace. Ça m'a pris quelques minutes. Ce sont mes conseils pour dessiner des storyboards sur papier. Maintenant, certains d'entre vous préfèrent peut-être faire vos dessins sur papier, puis les scanner dans l'ordinateur afin que vous puissiez travailler sur eux avec la couleur. Coloriez vos illustrations dans un programme comme Photoshop. 3. Démonstration de dessin sur papier: C' est vraiment juste une vidéo de processus rapide pour dessiner des personnages. Je voulais juste vous montrer comment vous pourriez l'aborder si vous dessinez sur du papier. Plus tard dans le cours, je vais entrer dans beaucoup plus de détails sur l'approche appropriée de la conception de personnages, comment construire vos personnages, comment travailler avec des formes de base. Si vous voulez travailler avec moi dans cette vidéo, peut-être aller vérifier ces fondamentaux, ces principes au début et revenir ensuite. Mais je voulais avoir quelque chose, une sorte de dessin sur papier que je pourrais utiliser pour vous montrer comment numériser votre travail et comment préparer votre œuvre à partir du papier dans un format numérique. Je vais faire un petit croquis d'un personnage de pirate. J' ai travaillé sur une gamme de personnages pirates pour mon script. J' esquisse très légèrement, très gestuellement, très, très lâche, et rugueux. Il a mis les mains sur les hanches. Laisse-moi voir. Je pourrais en faire un autre aussi, peut-être une forme de personnage contrastée. J' utilise un crayon de couleur sépia très léger donc je vais passer en revue ces dessins grossiers avec mon crayon de plomb. Mais c'est juste une façon très rude d'esquisser mes idées initiales. Laisse-moi en faire une de plus. Le capitaine. J' ai fait ce personnage encore et encore, donc vous pourriez être complètement ennuyé de me voir dessiner ce personnage de pirate, mais c'est juste que c'est facile pour moi de dessiner. Je pense que c'est pour ça que j'y reviens assez souvent. Maintenant que j'ai un dessin extrêmement rugueux sur ma page, je vais passer à mon crayon principal et recommencer à le dessiner. Évidemment, il n'y a pas beaucoup de détails sur lesquels je dois travailler, mais au moins dans mon esprit, j'ai mis un guide. J' ai posé quelques formes de base que je vais suivre. J' utilise juste mon crayon pour redessiner ça. En fait, je suis plus ou moins en train de l' invente, mais j'ai l'impression d'avoir une base sur laquelle travailler. Comme je l'ai dit, je vais vous parler d'un processus beaucoup plus détaillé plus tard. Si vous avez l'impression qu'il manque quelques étapes ici, supportez moi et nous y reviendrons plus tard dans la vidéo de design de personnage. Comme vous pouvez le voir, je suis juste un peu en train de l'arracher et de l'invente. Mais je voulais souligner que lorsque je travaille avec un crayon sur papier, j'essaie de varier un peu mon travail de ligne. Je vais dessiner un peu légèrement dans certains domaines, puis un peu plus défini et plus lourd dans d'autres domaines. C' est une bonne pratique parce que cela rend votre travail de ligne un peu varié, et cela vous aide à pratiquer un bon travail de ligne propre aussi. Il vous aide à gagner en confiance dans votre travail de ligne. Ce type a les mains sur les hanches. Je bloque juste quelques formes pour la main et je suit les épaules de l'autre côté et je dessine ce bras. Il va vers le coude et vient ensuite dans la taille comme ça. Simple, blocs de forme de base vraiment. L' idée de cette vidéo de processus est de vous montrer comment numériser vos dessins. Avec cela à l'esprit, je n'ai pas nécessairement besoin de faire un dessin entièrement fini et entièrement défini sur le papier. Parce que je vais scanner ça, il y a une opportunité pour moi de retravailler ça dans Photoshop et de le ranger à ce stade. Il va prendre des petits poissons, peut-être pas de chaussures. On voit ses orteils et ses pieds comme ça. Puis les petites jambes maigres. Je vais passer à autre chose et faire un dessin de plus. Je pense que je ne travaillerai que deux personnages. Voici le capitaine pirate. Ce seront ses sourcils. J' aime essayer d'obtenir les fonctionnalités vers le bas, les principales caractéristiques du visage afin que le reste de la tête puisse s'adapter autour de cela. Une fois que j'ai le visage travaillé, alors j'ai l'impression que je sais beaucoup plus et explorer le reste du dessin doit aller. Il a une grosse moustache. Il a son gros chapeau de pirate. Puis sa longue barbe très sauvage. Je vais indiquer ses épaules, tirer ses bras vers le bas comme celui-ci sur l'avant. Pour les proportions globales, je vais garder ses pieds assez petits. Il porte des bottes. L' idée est que la forme principale de ce personnage est ce gros ventre rond, et il a de petites jambes en dessous, de petits pieds minuscules. Puis son autre bras va là comme ça. Je vais finir la barbe. Je ne travaillerai pas trop sur ce dessin. Je veux juste l'obtenir aussi près que possible de finir. C' est à peu près tout. Je vais le laisser là pour ces deux dessins. Ensuite, dans la vidéo suivante, je vais vous montrer mon processus de numérisation afin de pouvoir les colorer ou au moins les affiner dans Photoshop. Joignez-vous à moi pour ça dans la prochaine vidéo. 4. Numériser vos œuvres: Laissez-moi vous montrer ce que je ferais si je scannais ce dessin. Tout d'abord, je le posais face cachée sur mon scanner. C' est mon scanner particulier que j'utilise, il fait partie de mon imprimante. Ensuite, je passe aux préférences système car je suis sur un Mac et j'ouvre des imprimantes et des scanners. Je vais cliquer sur « Scan » puis ouvrir scanner. Une fois que le scanner est réchauffé, il vous donne cette vue d'ensemble ici à gauche. Juste pour être sûr, je clique toujours et fais glisser autour de l'image que je veux être numérisée, c'est à peu près la même chose que toute la page. Vous pouvez le laisser à Color, mais c'est là que je changerais de quelque chose de faible, comme 75 à 300 DPI. Ensuite, vous avez le choix de l'endroit où vous souhaitez envoyer votre numérisation. Vous pouvez en choisir un autre si vous voulez le mettre dans un dossier spécifique, mais pour moi les documents est très bien. La seule chose que je changerais est ceci, je ne veux pas qu'il s'appelle Scan, donc je vais juste taper le nom du fichier et cliquer sur « Scan ». C' est comme ça qu'il va être envoyé sur mon ordinateur. Si vous n'avez pas de scanner, vous pouvez simplement prendre une photo avec votre téléphone ou avec un appareil photo numérique et l'envoyer à votre ordinateur de cette façon. Maintenant que le dessin est numérisé, je vais l'apporter dans Photoshop, modifier légèrement pour qu'il soit prêt à travailler avec un logiciel de dessin numérique comme Photoshop. Vous pouvez simplement le faire glisser vers le bas dans votre application et il s'ouvre comme ça. Maintenant, il est venu dans cette orientation, donc je vais aller à Image, Rotation d'image et Rotation de 90 degrés dans le sens des aiguilles d'une montre. Ce que je vais faire est d'essayer d'augmenter le contraste, rendre un peu plus sombre. Peut-être supprimez ces lignes dont je n'ai pas besoin parce que finalement vous voulez faire l'une des deux choses. Vous souhaitez soit redessiner cette esquisse dans Photoshop et le rendre numérique, en l'utilisant comme guide, soit conserver votre travail de ligne et votre couleur en dessous. Avec le calque d'arrière-plan sélectionné, je vais juste faire quelques ajustements très légers. Vous pouvez jouer avec ces autant que vous voulez. Il y a une charge de différentes façons d'augmenter le contraste sur votre dessin. C' est juste le flux de travail que je fais habituellement. J' augmente la luminosité, disons à lumineux là-bas, peut-être pas si lumineux. Peut-être augmenter le contraste, Voir ce qui se passe. Il suffit de cliquer sur « OK », pour l'instant. Ce que je pourrais faire est maintenant essayer de jouer un peu avec les niveaux de l'image. Les niveaux affectent l'obscurité et la luminosité de votre dessin. Vous pouvez augmenter l'obscurité, et vous pouvez voir là mon dessin devient un peu plus sombre. Je peux également ajuster la valeur médiane en faisant glisser ce curseur, incrémentalement vers l'avant. Je n'irais pas dans les grands pas avec vos niveaux parce que vous pouvez perdre beaucoup d'intégrité dans votre dessin. Par exemple, si je pousse le blanc tout en haut, vous voyez que je perds beaucoup de ça. Expérimentez simplement par étapes progressives avec ça. Je vais cliquer sur « OK » pour l'instant. Ça a l'air un peu mieux. Une autre chose que vous pourriez faire est d'afficher l'éditeur de courbes. Allons dans Image, Réglages et choisissez Courbes ou appuyez sur Commande M sur votre clavier. Un moyen très pratique de le faire est juste de faire glisser le graphique en bas à gauche et de pousser le haut à droite. Peut-être jamais si légèrement. Vous avez l'idée. Il fait à peu près la même chose dans ce cas que les niveaux. Maintenant, ce que je vais faire est juste de frapper M sur mon clavier, cliquez et faites glisser sur cette Commande ou Contrôle C pour copier et Commande V à coller. Je peux maintenant me débarrasser de ce calque d'arrière-plan, et je vais remplir un calque en dessous, vous pouvez choisir le même ton que votre page si vous le souhaitez. Appuyez sur G sur votre clavier. Ce ne sera pas exactement la même chose parce que le papier a des nuances différentes dérivées, mais c'est assez proche. Puis faites glisser cela au milieu, ajustez-le légèrement. Maintenant, vous êtes prêt, comme je l'ai dit, peindre en dessous ou à le redessiner. Si vous voulez redessiner cette image, il suffit de créer un nouveau calque au-dessus de votre dessin, je vais ramener un peu l'opacité de ce calque pour que vous puissiez voir ce que vous faites et aller littéralement très près et avec un pour commencer à redessiner avec une ligne beaucoup plus propre et plus lisse. Mais parce que tu as ton dessin grossier en dessous, ça va être très facile. C' est une façon. Si vous ne vouliez pas le faire, si vous vouliez garder votre travail de crayon original et que vous vouliez peindre en dessous. Disons qu'on veut lui donner un ton de peau. Je vais peindre en dessous de ça. Passez un ordre pour que la peinture apparaisse réellement sous le travail de ligne. Je dois changer le mode de fusion de mon calque de dessin en Multiplier. Fondamentalement, la couche sur laquelle se trouve votre dessin numérisé doit aller à Multiplier. De cette façon, vous aurez votre dessin au trait. Maintenant, si vous voulez faire ça, vous devez probablement pratiquer cette image beaucoup plus. Vous pouvez aller à Image, Réglages et faire apparaître la saturation de la teinte. Je ramènerais la saturation et la légèreté un peu. Ensuite, je retournerais dans mes niveaux et très lentement juste commencer à faire glisser les niveaux vers les niveaux droit vers la gauche. Là, vous vous êtes débarrassé de la plupart de la page. Maintenant, vous pouvez continuer à travailler sur la couche en dessous et peindre. Ce ne sont que quelques options de base pour numériser votre illustration, obtenir et la préparer dans Photoshop. 5. Introduction au dessin de personnages: Pour les prochaines vidéos, nous allons examiner les conventions et les techniques pour dessiner des personnages à des fins d'animation ou de storyboard. Je vais juste vous montrer comment j'ai configuré mon document dans Photoshop. Je vais juste ouvrir Photoshop et aller à Créer un nouveau. Ensuite, vous pouvez choisir des préréglages précédents ou un ensemble de préréglages enregistrés ou des préréglages spécifiques à la photo ou à l'impression. D' habitude, je fais quelque chose comme je vais aller ici et je vais mettre en 1080 d'ici 1920, et c'est des pixels. C' est simplement parce que ce genre de résolution correspond à l'enregistrement d'écran que je fais. Mais si vous le souhaitez, une autre astuce pratique est d'aller plus loin pour imprimer, choisir lettre ou A4, et juste retourner l'orientation à l'horizontale. Appuyez sur « Créer ». Ensuite, vous avez une belle grande toile large sur laquelle travailler. La première chose que je fais toujours est de créer un nouveau calque au-dessus de ce calque d'arrière-plan. Comme vous pouvez le voir, ce calque d'arrière-plan est verrouillé. Maintenant, vous pouvez le déverrouiller en tapant simplement sur le cadenas. Mais il est déjà rempli de blanc. Ce que cela signifie, c'est que si je dessine dessus, je ne peux pas accéder à ces marques du tout le chemin que je peux si c'est sur la couche supérieure. Si je viens d'annuler cela et de dessiner sur le calque supérieur, vous pouvez voir que je peux simplement accéder à cette ligne seule, ce qui est en fait très pratique. Alors je vais annuler ça. Vous pouvez même supprimer complètement ce calque si vous le souhaitez. Mais c'est agréable d'avoir une couche d'arrière-plan pour travailler dessus. Maintenant, certaines personnes n'aiment pas travailler sur un fond blanc brutal. Ce que vous pouvez faire, c'est peut-être changer la couleur. Donc j'ai une couleur ici qui est peut-être un peu de couleur papier. Si je vais à l'outil seau et que je tape là-dedans, cela me donne un beau fond tonique sur lequel travailler. Une chose pratique à faire est de verrouiller à nouveau ce calque juste pour que vous ne dessiniez pas accidentellement dessus et que vous arriviez simplement au calque au-dessus pour commencer à dessiner. Dans la prochaine vidéo, nous allons entrer dans quelques conventions et quelques techniques pour dessiner des personnages. Il y a certainement un ensemble de conventions que vous pouvez suivre. Si vous essayez d' augmenter vos compétences de dessin et d'essayer de développer vos compétences de dessin, alors sachant écrire ces techniques simples, ces approches simples pour dessiner des figures et dessiner des personnages sera vraiment, vraiment vous aider à devenir bon à dessiner des personnages d'animation. Je te vois dans la prochaine vidéo. 6. Langage des formes: Dans cette vidéo, je vais vous expliquer certaines des conventions pour dessiner des personnages dans des films que vous pouvez appliquer à votre travail de storyboard, à votre travail de conception conceptuelle et à l'animation. Ce dont je vais parler, c'est de m'appliquer à styliser des personnages, pas des personnages réalistes, car pour la plupart dans l'animation, vous travaillez avec des conceptions stylisées, personnages stylisés et des environnements. Pour un certain nombre de raisons, une raison est que les personnages stylisés sont plus faciles à dessiner encore et encore, par conséquent, ils sont plus faciles à animer et plus faciles à poser. Pour commencer, je vais expliquer ce qu'est le langage de forme et comment il est utilisé dans l'animation et le storyboard. Le langage de forme est souvent considéré comme étant très important dans vos conceptions, car les formes communiquent des idées. C' est crucial pour la conception de personnages car dès le début, la forme ou le design d'un personnage dire au public quelque chose à propos de ce personnage, lui donnant un peu de perspicacité ou un peu de visuel des indices sur leur personnalité et même sur leur histoire. C' est vraiment crucial lorsque vous vous asseyez pour dessiner personnages ou pour trouver des personnages pour vous-même, penser à leurs formes et à ce que les formes disent de leur personnalité spécifique. Ici, j'ai trois formes de base, probablement les formes les plus basiques dans la conception. Vous avez le cercle, le carré et le triangle. Les formes sont en fait plus universellement comprises que les couleurs. Maintenant, les couleurs peuvent signifier des choses différentes dans différentes cultures, mais les formes communiquent à peu près la même idée au-delà des frontières culturelles. Par exemple, un cercle, si vous pensez à des formes dans la nature, nuages ronds moelleux, ou des fleurs rondes, ou même le soleil dans le ciel, toutes ces formes transmettent des idées qui sont sûres, réconfortantes, amicales, et que vous pouvez utiliser à votre avantage dans la conception de personnages. De même, un carré a un ensemble spécifique de connotations. Si vous pensez à un carré et que vous regardez autour de vous, vous pensez immédiatement à des objets solides, immeubles et robustes comme des bâtiments ou de grands blocs de granit. Un triangle peut impliquer de l'audace. Il certainement dans la nature peut impliquer un danger, comme un hérisson épineux, ou même penser à un cactus. La brutalité, l'épinosité, et dangereux est souvent associée à des formes triangulaires, mais il y a un autre aspect important au triangle que vous pouvez utiliser dans la conception de caractères, est-à-dire qu'il peut transmettre un déséquilibre, ou Je devrais dire déséquilibre. Si vous avez un triangle qui est en équilibre sur l'un des apexes , alors cela vous montre que ce personnage est probablement instable, imprévisible. D' accord. Ce que je vais faire, c'est prendre ces trois formes et je vais commencer par vous montrer comment extrapoler, comment tirer des idées de ces formes vers des dessins de personnages. Commençons tout d'abord par les visages. Pour chacune de ces trois formes, je vais dessiner un visage basé sur cette forme particulière. Une forme ronde est très facile à dessiner des visages de caractère, il suffit de dessiner un cercle, et les yeux, et les nez ronds. Ensuite, pour un carré, vous devez penser maintenant en termes de plus de blockiness comme une tête de bloc, choses comme ça, une tête carrée sur, des épaules robustes. Vous commencez simplement à dessiner la forme, puis construisez le visage et les entités autour de cela. Ils sont très rudes, en passant, je ne fais pas de dessins de personnages. Je suis juste en train de me réchauffer et de me détendre et de te montrer comment jeter une forme de base et la construire à partir de là. Ce que je fais toujours, c'est juste indiquer la ligne des yeux et le nez et la bouche, sorte que je sache où se trouvent sur la forme que sont les caractéristiques, puis commencer à construire des caractéristiques à partir de là. Pour un visage triangulaire, voyons si je dépose un triangle comme celui-ci et jette un nez et quelques yeux là-dessus. C' est déjà un personnage très intéressant. Pratiquez simplement avec ceci, dessinez votre forme de base d'abord de deux façons différentes, puis commencez simplement à la construire en plaçant des entités sur cette forme et en voyant ce que vous pouvez trouver. Maintenant, vous pouvez aller plus loin et commencer utiliser ces formes de base pour construire un personnage entier. Si vous deviez commencer par un cercle, encore une fois, juste esquisser vraiment rugueux et lâchement grande forme ovale ronde. Maintenant, évidemment avec des formes circulaires rondes comme celle-ci, le personnage qui vient le plus immédiatement à l'esprit est le caractère rotund, une figure joyeuse comme le Père Noël ou quelque chose comme ça. Travaillez avec ça si vous le pouvez. Ajouter sur les jambes, vous n'avez vraiment pas à faire de détails à ce stade. Ce sont des idées rugueuses, des esquisses de concept approximatives. Si vous indiquez simplement où se trouvent les membres et essayez de pratiquer le dessin de cette façon, en dessinant vraiment lâche et rugueux, vous aurez beaucoup de temps après pour affiner vos idées et dessiner dans les détails. Pour ce dernier personnage circulaire, je vais essayer de faire un personnage féminin. Cela pourrait être à peu près toute la masse du corps vraiment et je pourrais juste juste coller quelques petits pieds à la fin ici et ce serait bien. Puis sur le dessus un visage circulairement ish. Peut-être qu'elle porte une écharpe sur la tête, qu'elle a un tablier et qu'elle porte quelque chose dans ses mains, comme ça. Je vais le faire pour le reste des formes avec un carré et pour le triangle. Je vais les sélectionner et les réduire. Je vais cacher ce calque et en ajouter un autre dessus, de sorte que je puisse continuer à dessiner grand et ensuite je vais les mettre à l'échelle. Mais je veux vous montrer à la fin de cela comment tous ces personnages ressemblent dans une gamme. Je vais passer à autre chose et esquisser quelques idées pour le carré et le triangle et vous pouvez suivre avec moi, ce serait génial et j'espère que vous avez des idées beaucoup, beaucoup meilleures que moi et vous êtes capable pour faire des personnages vraiment cool et intéressants à partir de ces formes de base. L' idée est que vous ne faites que noter des idées visuelles, donc il n'a pas besoin d'être parfait ou incroyable. Certainement, il n'a pas besoin d'être détaillé. La raison pour laquelle les gars en forme carrée, encore une fois, je vais juste les rétrécir, Commande ou Contrôle T pour l'outil de transformation libre. Réduisez-les, mettez-les hors du chemin. Ensuite, je vais créer un autre calque. Ensuite, je vais cacher ces deux couches et mettre un autre calque sur le dessus et juste faire trois autres dessins pour les personnages en forme de triangle. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai fait tous ces personnages. Ça ne m'a pas pris beaucoup de temps, peut-être 10 ou 15 minutes. Utiliser une forme de base pour commencer votre dessin ou vos idées conceptuelles pour les personnages est vraiment facile. J' espère que vous avez vu que c'est vraiment facile. C' est une chose importante à noter sur l'utilisation des formes, mais il y a une autre chose importante que je veux expliquer, et c'est que si vous utilisez des formes comme celle-ci dans vos conceptions, vous pouvez ajouter de la variation dans vos conceptions et c'est l'une des choses clés. Si je devais vous montrer maintenant, si j'attrape, disons, trois caractères aléatoires de tous ces personnages, je vais les mettre tous sur un seul calque et les mettre dans un peu d'alignement. Alors je veux tourner ce type pour qu'il regarde vers la droite. Ensuite, je vais à la silhouette parce que je veux que vous voyez comment si leur silhouette sort comme ça, ils s'inscrivent immédiatement comme des caractères distincts et séparés. n'y a pas de confusion, ils ont tous l'air totalement différents et c'est ce que vous voulez dans vos dessins de personnages. Vous voulez une variation afin que les caractères puissent être distingués les uns des autres. Ils n'ont pas tous l'air exactement pareil, ils ont des variations quand ils comparent l'un à l'autre. En fin de compte, vous voulez avoir une variation au sein d'une conception particulière. Pensez à utiliser un cercle et à ajouter une tête triangulaire ou une tête carrée. Pensez à utiliser un carré et à ajouter une tête circulaire ou pensez à utiliser un triangle avec un corps carré. Dans la prochaine vidéo, je vais vous parler de la façon dont vous pouvez maintenant commencer à poser vos personnages et pourquoi poser est si important pour le dessin, l'animation et le storyboard, ainsi que quelques conseils simples et simples sur la façon de obtenir vos poses pour être vraiment forte et dynamique. 7. Poses de personnages: Dans cette vidéo, je veux parler de la façon dont vous pouvez vous entraîner à dessiner des poses dynamiques. C' est la clé pour un bon dessin de storyboard ainsi que pour l'animation et l'illustration en général. Une pose est la façon dont un personnage se tient ou la façon dont il fait une action. La raison pour laquelle la pose est si importante dans les storyboards est qu'elle indique au réalisateur, l'animateur et à toute autre personne impliquée dans le processus comment le personnage se déplace dans une scène. Vous pourriez penser, eh bien, n'est-ce pas vraiment le travail du réalisateur et l'animateur de déterminer comment un personnage se déplace ? En fait, la réponse n'est pas toujours. En fait, c'est plus souvent le travail de l'artiste du storyboard. Si vous dessinez une pose convaincante dans vos storyboards, puis la remettre aux animateurs, les animateurs sauront exactement comment animer ce personnage, si cela a du sens. Votre dessin indiquera l'action, il indiquera l'émotion, et parfois il indiquera l'action d'une scène. Être capable de dessiner des poses dynamiques est vraiment, vraiment crucial. C' est l'un des aspects les plus importants d'un artiste de storyboard d'animation. Ce que je vais faire est de prendre cette idée d' utiliser une forme de base comme point de départ pour un design, et je veux vous montrer comment vous pouvez comprendre cela en termes de structure car obtenir la bonne structure est ce qui est va être la seule chose qui vous permettra de dessiner votre design dans n'importe quelle pose que vous voulez. Ici, j'ai cette forme ronde basique. Je veux vous montrer comment construire une vue de trois quarts. Imaginez que nous voyons ce personnage d'une vue frontale de trois quarts. pensant à cela dans un sens 3D plutôt que comme un simple cercle plat, je peux estimer que les épaules du personnage sont ici et ici. Imaginez juste un instant que c' est totalement visible pour qu'on soit là-bas de ce côté. Ensuite, les hanches sont ici sur ce point ; une ici et une là. Maintenant, je peux dessiner un bras étendu comme ça parce qu'il vient directement de l'épaule, il vient un peu vers moi, et je sais de l'autre côté exactement où le bras va être parce que j'ai identifié où se trouve cette épaule. Ensuite, je vais juste dessiner dans le croquis et très vite, la tête peut y aller. Maintenant, dans ce cas, la tête descend vers l'épaule, donc vous ne voyez pas vraiment le cou. Mais il est si important de tracer les épaules. De même, je sais exactement où vont les jambes puisqu'elles descendent directement des hanches. Vous voulez savoir où sont les hanches et où sont les épaules ; ici et ici. En regardant ça, j'ai l'impression que la tête pourrait être légèrement éteinte. Si je dessine une ligne droite au milieu de mon dessin, je pense que c'est l'axe central, vous pouvez voir qu'il semble que la tête est légèrement en arrière. C' est probablement bien dans ce cas parce que je pense que son ventre rond compense cela et les équilibre un peu, mais je vais faire un léger ajustement, déplacer sa tête vers l'avant. C' est ainsi que vous travaillez votre structure, comment vous comprenez où se trouvent les hanches et les épaules, puis obtenez cet équilibre dans la figure globale. Maintenant, rappelez-vous que c'est en réalité en perspective. Je vais te montrer ce que je veux dire. Si je dessine un cube autour de ce personnage, vous pouvez voir que nous voyons en fait une partie de la vue latérale ainsi que la vue de face en même temps. Vous pouvez voir si j'éteins cette couche ce que je veux dire. Ce n'est pas parfaitement dessiné, mais vous avez l'idée. Maintenant, je peux dessiner ce type dans des poses différentes parce que je connais la structure. Disons que je voulais l'attirer se pencher pour ramasser quelque chose sur le sol. Je vais commencer par la grande forme ronde et mettre les hanches là où elles seraient, et d'ici je peux dessiner les jambes. Cette jambe ne sera pas si visible, elle est de l'autre côté de lui. Je ferai la même chose avec les épaules, puis les bras. C'est si facile. Je ne pense pas que vous puissiez vous tromper une fois que vous aurez identifié ces choses : les hanches et les épaules. Faisons un autre croquis rapide. Disons que cette fois, il court à vitesse. Sa tête va être repoussée comme ça. Vous pouvez voir qu'il court en avant. Sa seule hanche va aller de l'avant comme ça, ce qui signifie que les épaules et le bras correspondants, il va revenir en arrière. Alors cette jambe lointaine remonte. Disons qu'il est en plein air, qu'il ne touche même pas le sol. Alors cet avant-bras peut aller de l'avant comme ça. Voilà, tu y vas. Là, il court vraiment, très vite. Vous pouvez appliquer cette idée de structure à toutes ces formes de base. Évidemment, la forme carrée est la plus facile à comprendre car c'est une structure facile à voir en 3D. Laissez-moi vous montrer comment vous pouvez le construire si vous voulez juste identifier les hanches et les épaules d'abord. Dessinez vos hanches et vos épaules comme ça comme cercles ronds avec la ligne, c'est les épaules. Ensuite, une chose à savoir est que les épaules et les hanches se contraposaient toujours. Je ne sais pas si j'ai inventé ce mot, contraposé, mais en gros, si les épaules sont à un angle, alors les hanches seront toujours à l'angle opposé. C' est comme si on pouvait penser à un accordéon. Une partie va être serrée et l'autre côté sera long. Une fois que vous avez obtenu ça, vous pouvez alors construire le corps autour de ça. Cette jambe sera pliée comme ça. Dessinons la même chose avec des formes de triangle. Disons qu'on dessine un personnage féminin. Maintenant, si je choisis une couleur bleue, c'est là que sont ses épaules ; ici et ici, et les hanches sont ici et ici. Maintenant, si vous avez du mal, vous pouvez toujours commencer avec la pose du bras avant si cela vous aide à mieux comprendre la structure. Maintenant, avec ça arrangé, vous pouvez la dessiner dans une pose beaucoup plus dynamique. Disons qu'on va faire un autre croquis rapide. Elle s'appuie sur quelque chose comme ça pour qu'une épaule soit plus haut, ça va jeter ses hanches vers l'extérieur comme ça. Une hanche va être plus haut que l'autre, et cela signifie que dire qu'une jambe vient en avant, l'autre jambe recule. Ensuite, une fois que vous avez préparé votre croquis approximatif, vous pouvez passer en revue et affiner le dessin ajouter plus de détails et le rendre plus enrichi. Rejoignez-moi dans la prochaine vidéo et je vais vous montrer comment devenir vraiment bon pour faire de grandes expressions faciales. 8. Dessiner les émotions: De loin, l'aspect le plus important de la pose du personnage sera l'expression faciale ou l'émotion. Dans cette vidéo, je veux vous montrer qu'il n'a pas à être difficile de dessiner l'émotion, ou votre story-board, ou animation. En fait, il y a un moyen vraiment facile d'obtenir les expressions faciales correctes, et c'est, tout d' abord, de le garder très simple. Je veux dire utiliser des conventions d'animation standard ou des mains courtes. Ce que je vais faire, c'est d'abord, je vais écrire quelques émotions que vous serez probablement appelé à dessiner en tant qu'artiste de conte. Évidemment, des choses comme heureuses, tristes , en colère, peut-être peur, et peut-être peur, quelque chose comme ça. Maintenant, la première chose à faire si vous essayez de dessiner l'émotion d'un personnage est de simplement faire une esquisse approximative de l'aspect le plus immédiat de cette émotion. Ensuite, vous pouvez construire votre personnage autour d'elle. J' ai noté ces mots. Ce que je vais faire est de tirer rapidement indicateurs les plus élémentaires de chacune de ces émotions. Lorsque vous faites cela, pensez aux emojis sur votre téléphone quand vous envoyez des textos. Tout ce que vous avez besoin de voir, c'est les yeux et la bouche. Par exemple, heureux. La chose de base absolue qui transmet heureux est un grand sourire et des yeux brillants. Pour la triste expression, le raccourci va être d'incliner le haut des yeux comme ça. Imaginez que les sourcils tirent vers le bas aux extrémités et pêchent vers le haut, et peut-être que les yeux regardent vers le bas comme ça. Si vous pensez à l'idée de triste, tout traîne vers le bas, la bouche incluse. Pour être en colère, pensez à ce que vous ressentez quand vous êtes en colère. Vos yeux sont vraiment concentrés au laser, pour que vous puissiez trier les élèves au milieu comme ça. Alors ce que vous allez faire est d'incliner les sourcils vers le bas vers le milieu. La bouche, si vous voulez vraiment pousser le design, est que vous pouvez montrer les dents parce que parfois nous avons tendance à serrer nos dents quand nous sommes vraiment en colère et peut-être seulement montrer un coin de la bouche. Encore une fois, c'est comme les emojis simplistes à ce stade. Vous le gardez à trois éléments : les yeux, le nez et la bouche. C' est tout ce qu'il vous faut pour dessiner maintenant. Pour effrayer, disons que le personnage a eu peur ? Eh bien, avec ça, vous êtes en train reculer ou de vous éloigner de ce qui vous a effrayé. Je vais même incliner les yeux un peu comme ça. Les sourcils comme ça. Ensuite, la bouche tombe vers le bas, mais s'ouvre un peu dans un souffle ou une expression de choc. Maintenant, je pourrais changer les élèves pour être vraiment minuscules points de repère parce que même les élèves se contractent ici en face. À la dernière. Je viens de réaliser que j'ai mis la peur pour le dernier, qui est en fait plus ou moins la même chose que peur. Laissez-moi plutôt faire une émotion différente, dire quelque chose comme rire à haute voix. C' est une bonne chose à faire parce que c'est plus extrême que heureux et c'est en fait un dessin différent. Alors faisons ça. Pour rire, vous pourriez peut-être fermer les yeux complètement. J' ai juste deux lignes comme ça montrant qu'elles sont fermées, elles soient fermées. Puis une grande bouche ouverte montrant peut-être juste une ligne de dents en haut, l'intérieur de la bouche comme ça, et ces deux plis montrant que les joues poussent vers le haut. Une bonne idée est de noter ces émotions ne travaillant qu'avec les yeux, le nez et la bouche. Maintenant, une fois que vous avez fait cela, vous pouvez appliquer ces expressions à votre personnage. Disons qu'on travaille avec un personnage très générique d'un garçon. Ce sera sa position neutre juste ici pour commencer. Je vais rapidement esquisser la forme de base de la tête, placer dans l'oreille, les yeux. Ses cheveux vont aller de haut en rond et encore. C' est une ligne de mâchoire et une joue. C' est une position très neutre, gamin générique, c'est assez facile. Maintenant, je vais dessiner le même visage, mais essayer de le rendre heureux. Je commencerai par la même forme globale, la structure sous-jacente du personnage, et puis rappelez-vous, les caractéristiques de cette émotion simplifiée de yeux heureux ou grands levés et un grand sourire avec les joues étant légèrement poussé vers le haut. Tu as l'idée. Travaillez simplement à travers toutes ces émotions en dessinant d'abord la structure de votre personnage à la légère, puis appliquez le raccourci ou les conventions de cette émotion sur l'expression faciale. Ensuite, vous pouvez revenir en arrière, resserrer votre dessin afin que le personnage reste sur le modèle et qu'il soit clair que c'est le même personnage. Rappelez-vous pour chaque émotion, il y a une pose ou une posture sur le dessin ainsi, comme la colère pourrait venir vers vous, peut-être que vous voulez dessiner les épaules enchaînées autour des oreilles. Fright se penche en arrière, alors peut-être que la pose entière du personnage est penchée arrière et peut-être que le visage lui-même est tiré vers le bas, il est un peu étiré. Pour rire, peut-être que le visage du personnage est un peu écrasé. Les joues peuvent pousser vers le haut vers les yeux. C' est fini à toi. Je veux que vous écriviez quelques émotions sur une feuille de papier ou dans Photoshop. Ensuite, passez un peu de temps à essayer de distiller cette émotion juste aux yeux et à la bouche ; comment pourriez-vous décrire cette émotion si vous deviez simplement utiliser les yeux, le nez et la bouche d'abord. Ensuite, une fois que vous avez fait cela, voyez si vous pouvez appliquer cette version simplifiée sur le visage d'un personnage et donner à la pose et à l'ensemble du personnage ce sentiment d'émotion. 9. Création d'une feuille de poses de personnages: Après l'émotion, la prochaine chose importante à pratiquer est de dessiner des poses. J' ai beaucoup parlé de poses de personnages. Dans cette vidéo, je veux vous montrer comment développer la dynamique physique d'un personnage à travers différentes poses. Ce que j'ai ici, c' est juste une série d'idées de personnages pour mon histoire de pirate appelée la Reine des Métaux. Cela va faire partie de votre projet général de classe vers la fin de ce cours où vous arriverez à storyboard le script. Cette ligne ici est quelque chose que vous trouverez souvent dans une production d'animation. Ces dessins sont encore très rugueux, ils ne sont pas encore nettoyés le travail final de la ligne. Mais ce que je veux que vous fassiez, c'est de choisir un de ces personnages maintenant et de créer une feuille de pose. Une feuille de pose est l'endroit où vous dessinez le même personnage dans un certain nombre de poses différentes. La raison pour laquelle vous faites cela est d'explorer non seulement l'amplitude des mouvements et des actions que le personnage peut faire, mais aussi d'explorer si votre design de personnage fonctionne réellement. Si la construction sous-jacente est quelque chose que vous pouvez travailler avec afin de mettre ce personnage dans différentes poses. Si vous mettez votre propre personnage original sur lequel vous aimeriez travailler, alors je vous encourage vraiment à le faire. Il suffit de prendre votre personnage et de le mettre dans poses différentes et dynamiques complètement nouvelles et voir combien vous pouvez faire. Mais si vous n'avez pas votre propre personnage, alors vous pouvez prendre un de ces dessins ici, n'a pas besoin d'être le même que je vais faire, mais choisissez un et essayez de travailler comme je vais vous le montrer maintenant. Pour moi, disons que je vais choisir le personnage de capitaine, alors ce que je vais faire est juste de copier ce dessin et de créer une nouvelle toile ici et je vais le coller dedans. Tout comme les expressions faciales de la vidéo précédente, ce dessin est maintenant sa pose neutre. Mettez-le sur le côté. Maintenant, je vais faire du freestyle des poses d'acteur dynamiques. Cela signifie dessiner très rugueux au début comme d'habitude. Disons que je vais le faire rallier les troupes ou appeler l'équipage pour aller au combat ou quelque chose comme ça. Je vais commencer à cette pose avec sa tête et je vais à nouveau simplifier la forme d'abord et obtenir la direction de la tête avec ses yeux et son nez, donc tout va être regarder de cette façon. C' est sa barbe. Dans mon esprit, je vois cette pose, je vois que sa tête fait face à cette façon, mais il va tourner et comme s'il se dirigeait vers la gauche. Je vais juste dessiner la forme du corps et la jambe comme ça, comme s'il marchait sur quelque chose, et ce bras va être levé. Je vais dessiner ça là-dedans et j'aurai un autre bras pour que les autres le rejoignent. Maintenant, le reste du dessin est vraiment juste une question de remplir les vêtements, travailler comment il se déplace autour du corps. Je pense que la motion globale de la pose est bonne. J' essaie de garder les éléments de base les mêmes, les mêmes volumes et la même construction. C'est ça. Ce que je vais faire maintenant, c'est que je vais le laisser tel quel. Je ne vais plus travailler là-dessus, juste le réduire. Je vais le déplacer hors du chemin et travailler sur quelques poses supplémentaires. Pour le prochain, j'ai pensé à vouloir le dessiner en pleine foulée, comme s'il marchait, ses mains sont levées. Comme je le dessine, la direction générale de la pose va se pencher comme ça, ses bras seront en l'air. Cette forme des gros ventres ronds est si importante pour descendre. Je pourrai trouver les détails du costume plus tard. Alors disons qu'il a une jambe en avant et une jambe en arrière. Maintenant, je peux zoomer et travailler sur les yeux et le nez et obtenir un peu d'expression. Il est vraiment important de ne pas zoomer trop lorsque vous dessinez comme ça parce que vous êtes plus susceptible de rester coincé dans les détails du dessin et ce que vous voulez faire est juste de rester rugueux et lâche. Pour ce faire, il est toujours préférable de dessiner vos poses pendant que vous êtes zoomé et vous pouvez voir toute la pose en une seule fois. Encore une fois, quand j'en aurai fini, je l'ai juste réduit, le déplace sur le côté, je l'ai juste réduit,jele déplace sur le côté, et je vais travailler jusqu'à deux ou trois poses de plus. Vous avez l'idée. Vous pouvez utiliser des émotions telles que, disons, la surprise, la colère, confusion ou le rire, des choses comme ça, vous pouvez les utiliser comme points de départ ou tremplin pour vos idées pour la pose si vous voulez. Ou vous pouvez simplement commencer à dessiner votre personnage et voir où le dessin lui-même vous mène. Je pense que c'est vraiment ce que j'ai fait avec ces dessins. J' ai réussi à laisser émerger la pose pendant que je dessinais le personnage. C' était en soi un très bon exercice dans le dessin de poses intéressantes dynamiques. Vous commencez vraiment rude, vous n'avez aucune attente quant à l'endroit où vous allez, mais comme le dessin commence à prendre forme, alors vous suivez cela vraiment et voyez si vous pouvez trouver une pose intéressante. À la fin d'environ une demi-heure ou une heure, je pense avoir fait une pause au milieu de ces dessins, mais en peu de temps, j'ai pu trouver une page de dessins pour un personnage. Si vous le vouliez, vous pourriez ensuite nettoyer ces dessins, même les colorer peut-être, et alors vous auriez une excellente feuille de pose prête pour votre portfolio. Mais la principale raison pour laquelle je voulais que vous fassiez cet exercice est que si jamais on vous donne une feuille de modèle pour travailler avec ou un design de personnage neutre, alors cet exercice est vraiment bon pour vous aider à dessiner vos storyboards, c'est quelque chose que vous pourriez faire soit pour vous réchauffer avant le storyboard, soit comme un moyen de créer une bibliothèque de poses avec laquelle vous pouvez travailler tout au long du processus d'embarquement. Vous pouvez revenir sur cette feuille et voir comment le personnage se déplace et agit, puis appliquer ces poses dans vos panneaux de storyboard. 10. Blocage dans les arrière-plans: Dans cette prochaine section de vidéos, je vais vous guider à travers le processus de création d'environnements et d'arrière-plans. Cela aidera non seulement vos compétences en storyboard, mais vous donnera également des compétences supplémentaires en production d'animation. Parce que comme la conception de personnages, art de fond et la mise en page sont en fait des ensembles de compétences distincts dans lesquels vous pouvez vous spécialiser si vous continuez à travailler dans l'industrie. Tout d'abord, je vais juste définir les termes un peu. Une mise en page est un dessin au trait verrouillé terminé. Par verrouillé, je veux dire qu'il a été approuvé par le directeur. Très souvent, un dessinateur prend un dessin très grossier que l'artiste de storyboard a fait et le met à l'échelle et en fait un dessin de ligne d'arrivée approprié pour l'art de la production. Ensuite, ce dessin au trait ira à l'artiste de fond ou au styliste de couleurs pour la coloration. Mais le plus souvent, l' de fond est aussi l'artiste de mise en page. L' artiste de fond prendra le panneau de storyboard, dessinera la mise en page et complétera la coloration finale ou la peinture. Si vous êtes intéressé à créer de l'art de fond et des peintures pour l'animation, alors ce que vous devez vous concentrer est de devenir vraiment bon pour dessiner en perspective, dessiner des détails dans des environnements, et des choses comme ça. Je vais faire un cours distinct consacré l'art de l'environnement et à la conception de fond et dans ce cours, je vais vous guider étape par étape dans le processus. Cependant, pour ce cours, nous sommes intéressés à apprendre comment dessiner des scènes afin d'obtenir votre storyboard à un niveau beaucoup plus professionnel. Ce que je vais vous montrer des prochaines vidéos va vous aider à atteindre exactement cela. La première chose dont je veux parler dans cette vidéo est comment utiliser le blocage et l'ombrage pour démarrer votre processus, pour démarrer votre esprit créatif, visualiser la scène et vous aider à élaborer vos compositions. Au lieu de sauter directement avec des grilles de perspective complexes et des règles et de tracer des choses, je commence toujours par rude. Parfois, il est vraiment difficile de simplement visualiser la scène si vous commencez à dessiner des lignes droites tout de suite. Chaque fois que je suis coincé, je ferme littéralement les yeux, j' imagine la scène que je veux dessiner, puis j'utilise de très gros blocs de tons pour déterminer où vont les éléments de cette composition. J' ai fait une nouvelle toile dans Photoshop. Celui-ci fait 1920 pixels sur 1080 pixels, il est donc assez grand pour dessiner un grand dessin brut. La prochaine chose que je vais faire est d'appuyer sur « M » sur mon clavier pour l'outil de sélection de la zone de sélection et je vais cliquer et faire glisser un rectangle. Ensuite, je vais aller jusqu'à Modifier et choisir Stroke et dans cette boîte ici, je vais changer la largeur du trait à environ quatre pixels. La couleur est déjà noire, donc je vais laisser ça et appuyer sur « Ok ». Ensuite, je vais appuyer sur « Commande » ou « Contrôle D » pour désélectionner. Fondamentalement, j'ai maintenant ce rectangle, il a été créé sur mon calque d'arrière-plan, qui est verrouillé. Je le fais simplement pour me donner un cadre dans lequel travailler. Je ne commence pas seulement sur une toile complètement vierge. Il est très utile d'avoir toujours une limite de cadrage. Je vais créer un nouveau calque au-dessus du calque verrouillé, puis choisir une grande brosse douce. Ce sont tous des pinceaux par défaut dans Photoshop 2020, mais je choisis celui-ci que j'ai téléchargé l'ensemble des pinceaux à partir du site Web d'Adobe. Je vais laisser ces pinceaux pour vous afin que vous puissiez les avoir aussi dans la section de téléchargement. Maintenant, quand je faisais cette vidéo, j'ai essayé de penser à des exemples d'art de fond sur lesquels je pouvais travailler pour vous montrer ce processus et j'ai pensé à utiliser comme un conte de fées standard comme exemple. Quelque chose comme le Petit Chaperon Rouge, parce que nous connaissons tous cette histoire. Nous en sommes tous familiers. Disons que vous avez un scénario de Little Red Riding Hood et que vous avez besoin votre storyboard sur toute l'histoire et que vous devez dessiner une scène pour la maison de la grand-mère qui est dans les bois. Ce que je ferais, c'est que je prendrais ce pinceau et un bloc très grossier dans le ton. Je ne dessine aucun détail, bloque juste des taches de ton. Je sais que je veux quelque chose au premier plan. J' ai besoin d'un carbone, évidemment pour les bois. Un espace ouvert, un grand arbre au premier plan. Des arbres peut-être et des éléments forestiers en arrière-plan. Ensuite, je peux juste l'ombrager en bloquant les valeurs tonales. Je sais que tu penses, ça a l'air absolument terrible, mais supporte moi. La prochaine chose que je vais faire est ici dans la pile de calques, je vais faire glisser l'opacité de ce calque vers environ 1/2, ou 50 pour cent, puis ajouter un nouveau calque au-dessus. Maintenant, de retour sur ma toile, je peux changer les pinceaux à quelque chose qui est un peu plus linéaire et commencer à travailler certaines de mes idées. Sur les tons et l'ombrage, je vais juste esquisser ces éléments de composition auxquels je pensais. Donc très grossièrement dessiner dans une cabane par ici, peut-être qu'il y a un porche qui sort comme ça. Je ne vais pas entrer dans les détails, rien du tout, juste essayer de le garder libre. L' idée est que j'utilise ces valeurs tonales que j'ai mises en blocs pour me guider vers la création de quelque chose de plus défini, comme les arbres, par exemple, ou cette montée de la colline au premier plan. Peut-être que je peux mettre des roches aussi bien et juste peupler la forêt en arrière-plan avec des troncs d'arbres et un couvert feuillu. Finalement, quand j'arrive à un certain point, puis fusionner ces deux couches ensemble et je peux répéter le processus ici si je le veux. Amenez l'opacité pour que je puisse faire un autre calque sur le dessus, puis juste affiner le dessin un peu mieux maintenant que je comprends que la composition fonctionne et j'apprends à savoir quels détails et quels éléments je veulent choisir dans la composition. À ce stade, je ne veux pas faire un dessin final approprié. C' est encore exploratoire. Par exemple, la cabine, peut-être que je peux faire cela un peu plus grand, peut-être le faire avoir plus d'un porche défini, rendre plus structuré. Je ne suis pas sûr. Je veux dire, pour moi à ce stade, ça a l'air un peu trop grand dans la compétition, mais je verrai comment ça se passe et peut-être le changer plus tard. Maintenant cet arbre et cette élévation au premier plan, cela encadre la section médiane. Je vais ajouter un peu d'ombrage. Ici, je suis vraiment juste de passer entre la grande brosse douce pour les zones de tonalité et la plus petite brosse à charbon de bois pour la ligne et les détails. Utiliser le blocage et l'ombrage pour démarrer votre image d'arrière-plan est toujours un excellent moyen de se débloquer. Vous n'avez pas besoin d'être lié à aucune partie de ce dessin tout parce que tout est mobile à ce stade. C' est vraiment dur. Vous expérimentez simplement avec des éléments et avec la composition. Maintenant, je vais changer de maison parce que je n'aime pas vraiment ce qu'il est, aussi en fait il suffit de le supprimer complètement et de le re-dessiner. Je voulais que ce soit une cabane typique des bûcherons, peut-être avec quelques marches qui montent au porche avant. Je veux qu'il ait un très grand toit comme ça. Ça a l'air beaucoup mieux, beaucoup plus de dessins animés. C' est la fin de ma phase rugueuse sur ce dessin. Cela en soi pourrait faire partie d'un storyboard. Selon le style du spectacle ou du storyboard que vous dessinez, il n'a pas besoin d'être plus détaillé que cela. Mais si je le voulais, je pourrais aller plus loin et dessiner une version plus épurée. Mais passons juste une minute de vitesse et je voulais vous montrer ce que c'est de dessiner un intérieur parce que parfois les paysages forestiers sont assez faciles. Mais que se passe-t-il si vous vouliez ou si vous êtes appelé à dessiner un intérieur ? Par exemple, j'ai mon histoire de pirate avec mon personnage de pirate et il y a une photo intérieure de la chambre du capitaine. Je pourrais faire exactement la même chose. Je vais commencer par l'ombrage en bloc. Je sais que je veux un bureau ici, je veux ces trucs de structure de trou intérieur, et aussi une fenêtre arrière. Alors évidemment, je veux quelque chose au premier plan pour le cadrage. Je ne suis même pas sûr de ce que c'est sur scène. Je bloque dans quelques tons, quelque chose au premier plan à gauche et à droite. Encore une fois, je vais baisser l'opacité de ce vers le bas et je vais tirer dessus et essayer de comprendre ce que chacun de ces éléments de composition pourrait être. Le bureau est bon. C'est simple. C' est très bien. Il y a des choses sur le bureau. Je vais mettre une chaise à l'arrière et ces fenêtres très ornées que vous voyez à l'avant du vaisseau. Puis ces poutres structurales en forme de nervures pour la courbe du navire. Remarquez que je ne considère même pas encore la perspective. Je suis vraiment en train de déterminer comment les choses vont ressembler et comment elles vont s'intégrer ensemble. Je vais mettre un joli tonneau en bois, c'est toujours un excellent élément de composition, peu importe l'histoire, et le coffre maritime, et évidemment des cartes roulées, très piratées. À ce stade, c'est un dessin assez grossier et je pense que je vais le laisser là. Si vous êtes coincé quand il s'agit de dessiner des arrière-plans ou des scènes, essayez cette méthode de départ très lâche, très gribouillé, et travaillez vos éléments en gros traits. Il va vraiment vous aider à libérer votre visualisation et vous aider à dessiner vraiment rapide et dynamique. Dans la prochaine vidéo, je vais regarder l'aspect tout important de la perspective. 11. Les fondamentaux de la perspective: Dans cette vidéo, il est temps de parler de perspective. Maintenant, j'ai couvert la perspective dans les autres cours de storyboard, donc ça va vraiment être un simple recyclage. Mais je voulais souligner certaines choses importantes que vous devez garder à l'esprit quand il s'agit d'apprendre à dessiner en perspective, parce que certains de ces points ont été soulevés par des étudiants dans ces autres cours, et je pensais que cela être une très bonne occasion de les aborder. Mais tout d'abord, passons en revue exactement ce qu'est la perspective et quels aspects du dessin en perspective vous devez maîtriser en tant qu'artiste de storyboard. En tant que plasticien, vous aurez besoin de savoir dessiner deux types principaux de dessin en perspective. Le premier est une perspective à un point. C' est là que vous avez juste un point de fuite sur la ligne d'horizon. Vous pouvez penser à cette ligne d'horizon et au point de fuite comme la direction dans laquelle vous regardez. Dans ce cas, vous regardez juste devant, vous êtes au milieu du cadre, ou du viseur, et votre contour visuel ou votre caméra est à peu près légèrement plus haut que le milieu. De ce point de vue, les objets de votre cadre deviendront visuellement plus petits, plus ils sont éloignés de vous. Plus l'objet est proche de vous, plus il apparaîtra dans le cadre. Pour dessiner cette échelle de grand à petit, nous pouvons simplement utiliser une grille. Nous faisons une grille en utilisant des lignes rayonnantes sortant du point de fuite, au-dessous de la ligne d'horizon et au-dessus de celle-ci. Ces lignes vont être nos guides pour l'échelle des objets de notre scène. De la façon dont je les dessine, je tape juste le pinceau au centre, puis maintiens la touche Maj enfoncée de mon clavier, et appuyez sur le pinceau au bord azur. Ça me donnera une ligne droite. Ensuite, pour compléter la grille, tracez des lignes parallèles allant également de l'avant du cadre vers l'horizon. Vous commencez déjà à avoir un sens de la profondeur dans votre cadre. Maintenant, pour tracer cette ligne droite, vous pouvez simplement maintenir la touche Maj pendant que vous dessinez d'un côté à l'autre. Maintenant que vous avez votre grille, vous pouvez commencer à remplir votre dessin en suivant les lignes diagonales et parallèles. Disons qu'on dessine une rue de la ville. C' est la chose la plus facile à visualiser de cette façon. Suivez la grille. Dessinez des rectangles comme ça. Ce seront les bâtiments. Ce que vous voyez, c'est vous voyez un côté du bâtiment qui va vers le point de fuite. La face avant est parallèle à nous, au spectateur, au plan photo ou à la caméra. Peu importe la taille ou la taille de vos bâtiments. Tant qu'ils suivent la grille, ils seront représentés pour s'adapter correctement. Par exemple, disons qu'il y a des lampadaires qui bordent la route, tous sont exactement la même hauteur, et en perspective, ceux qui sont les plus éloignés sont plus petits que ceux qui sont proches de vous. C' est assez simple. Le deuxième type de perspective que vous serez le plus appelé à dessiner, tant qu'artiste de storyboard est une perspective à deux points. Supposons qu'on regarde exactement la même scène, cette scène de rue par ici. Mais maintenant, au lieu de rester au milieu de la rue et de regarder tout droit vers le bas, imaginons que nous sommes sur le côté pour voir les bâtiments sous un angle. Je vais tracer exactement la même ligne d'horizon. Mais cette fois, pour dessiner les bâtiments sous un angle, je vais faire deux points de fuite, un à gauche et l'autre à droite. Avant d'aller plus loin, je tiens à souligner que vous devriez presque toujours placer ces points de fuite en dehors du cadre photo lorsque vous dessinez en perspective à deux points. Tout simplement parce que si vous ne le faites pas, votre dessin deviendra vraiment écrasé et déformé. Dans presque tous les cas, c'est une bonne idée de placer ces deux points de fuite aussi loin que possible. Cela signifie souvent les placer au-delà du cadre du cadre dans lequel vous dessinez. J' en ai un ici et là, et à partir de chacun de ces points, je vais dessiner mes lignes rayonnantes. Maintenant, il n'est pas nécessaire de tracer des lignes parallèles, car chaque ensemble de ces lignes rayonnantes se croise et forment la grille comme ça. Ensuite, je vais aller de l'avant et commencer à dessiner les bâtiments. Imaginez que la rue court maintenant du point de fuite du côté droit à travers l'écran, venant vers nous, à un angle comme celui-ci. Je suis vraiment en train de suivre complètement la grille pour dessiner ces rectangles. Chaque côté du bâtiment va maintenant vers l'un des points de fuite. n'y a pas de côté parallèle, comme nous l'avons fait dans une perspective unique. Mais le même sens de l'échelle fonctionne toujours. Au fur et à mesure que les choses s'éloignent à droite, elles deviennent de plus en plus petites. De même, si le côté gauche était visible, alors nous verrions que les objets ou, dans ce cas, les rectangles, deviendront plus petits à mesure qu'ils se déplacent vers le point de fuite gauche. C' est une perspective à un point et à deux points. Les deux prochaines choses que vous devez savoir sont si votre point de vue est un angle élevé ou un angle bas. Ce concept peut être délicat au début parce que si vous pensez à un angle élevé, alors vous pouvez visualiser que vous êtes en train de regarder quelque chose. Mais en fait, vous devez visualiser que la caméra ou vous êtes vraiment haut et que votre point de vue regarde vers le bas. Alors tu regarderais quelque chose. La ligne d'horizon et le point de fuite sont en haut. Mettons légèrement le point de fuite à gauche. J' utilise une perspective à un point pour cet exemple. Disons que la scène que nous dessinons est une table dans une pièce. Je vais juste suivre la grille, dessiner la table comme ça. Je vais même utiliser la grille pour dessiner le sol et indiquer le plan de plancher et les murs. Une bonne façon de se souvenir de la façon de dessiner un grand angle, est que vous voyez toujours le haut des choses, lorsque vous dessinez cet angle. Par exemple, le haut d'une chaise ou le haut de la table. Pour un angle bas, pensez à vous-même ou à l'appareil photo comme étant bas presque sur le sol et il regarde vers le haut. Votre point de vue est à la hausse cette fois. Si vous deviez dessiner à nouveau la table à partir d'un angle bas et suivre la grille, comme vous pouvez le voir dans cet angle, nous allons en fait voir le dessous de la table, nous ne voyons pas le haut. C' est comme ça que je me souviens toujours comment dessiner des angles bas, c'est que je ne vois pas les surfaces supérieures des choses, je vois des choses de dessous. Ces quatre choses, perspective à un point, perspective à deux points, que ce soit un angle élevé ou si c'est un angle bas, ils représentent, je pense, les concepts les plus importants que vous devez comprendre, pour pratiquer et à appliquer à vos dessins. J' ai demandé aux élèves comment dessiner ou pourquoi ne dessinons-nous pas ces angles extrêmes en regardant complètement vers le bas sur quelque chose ou en regardant vers le haut, comme les photos que vous voyez dans Spider-Man ou les films d'action comme ça. La chose que je dirais, c'est que la plupart du temps étudiants qui cherchent à essayer de dessiner des plans extrêmes avec plusieurs points de fuite complexes n'ont pas encore maîtrisé ou même compris un simple dessin en perspective à un point. Je mentionne que pour ne pas être critique, mais juste pour souligner que vous avez vraiment besoin d'être capable de comprendre et de dessiner un simple dessin de perspective à un point avant de pouvoir aller pour quelque chose qui est extrême, complexe à trois points perspective. Si vous voulez vraiment dessiner des plans complexes comme ça, mais que vous ne savez pas comment dessiner une perspective à un point, vous n'arriverez jamais bien. Vous devez d'abord comprendre une perspective à un point et deux points. Ensuite, quand il s'agit de dessiner une perspective à trois points ou des clichés extrêmes, vous serez en mesure de les dessiner sans avoir à apprendre quoi que ce soit, car ces quatre choses sont d'abord les simples blocs de construction. Je voulais vraiment le mentionner, et j'espère que ça a du sens et j'espère que vous comprenez d'où je viens. En outre, l'autre chose que je veux parler de perspective est que vous devez penser à la perspective en termes de point d'histoire. Il n'est tout simplement pas nécessaire de tirer un plan extrême avec une perspective à trois points si l'histoire ne l'exige pas. Je sais dans quelque chose comme Spider-Man, évidemment, le gars qui se balade dans les gratte-ciel de New York, et oui, vous aurez certainement besoin de ces coups. Mais pensez à quand vous faites un storyboard, qui montrez-vous le point de vue ? Pensez toujours à votre point de vue lorsque vous choisissez vos photos, et pensez à votre point de vue lorsque vous choisissez votre point de vue. Maintenant que ces fondamentaux sont couverts, je veux maintenant revenir dans ce dessin vraiment rugueux que j'ai fait dans la dernière vidéo. Je veux vous montrer comment vous pouvez définir votre point de vue dans vos dessins bruts. C' est un processus très facile. Tout d'abord, quand je regarde ce dessin, je vais déterminer où sont la ligne d'horizon et les points de fuite. Maintenant pour moi dans ce dessin, je vais regarder le dessin grossier et je peux voir très grossièrement que je dessinais d'un point de vue où la ligne d'horizon était juste au-dessus du milieu du cadre. Je sais que parce que je peux voir un peu le haut du bureau, je peux voir le haut du baril et la poitrine, des choses comme ça. Alors je peux dessiner ma grille. Même si j'ai ces lignes sur le sol qui semblent suivre la perspective, je vais en fait les ignorer complètement et simplement faire une grille distincte du dessin. Je veux qu'il soit distinct du dessin à ce stade sous tous ses aspects, à l'exception du point de vue. Je n'adapte pas la grille au dessin brut. Je vais dessiner ma grille en elle-même, et ensuite je vais adapter le dessin à la grille. Une fois cette grille créée, je vais abaisser l'opacité du calque, puis je vais verrouiller le calque et en créer un tout nouveau au-dessus. Ensuite, je vais aussi abaisser l'opacité du dessin brut qui est dans ce groupe ici. Vous pouvez en fait réduire l'opacité d'un groupe ainsi que d'un seul calque. En plus de cela, je vais dessiner les éléments que j'ai élaborés dans ma composition. Cette fois, je vais suivre la grille exactement. La table que je peux travailler comme ça. Maintenant, ce dessin est encore rude. Ce n'est en aucun cas mon dernier travail. Mais c'est ma prochaine étape si je dessinais ça pour le panneau de storyboard. En suivant cette méthode de travail, la chose la plus importante pour obtenir le droit est le plan de plancher. Une fois que j'ai compris ça, et que j'ai mis les murs et le plafond, alors je sais que le dessin va bien se passer. Dans ce cas, j'ai des murs incurvés, mais je ne vais pas vraiment m'inquiéter à ce sujet tout de suite. Il est plus important d'obtenir la forme de cube de base de la pièce travaillée en premier. Une fois cela fait, tous les éléments peuvent également suivre la grille, comme la poitrine, les barils. C' est vraiment les bases de la façon d'obtenir la perspective travaillant dans un dessin grossier. Une fois que vous avez les lignes de construction compris, et comme je l'ai dit, la forme de cube de base de la pièce, tout le reste peut alors tomber en place si vous venez de redessiner les éléments avec la structure maintenant. Cet exemple a été conçu pour vous montrer comment appliquer une grille à votre dessin brut. Il n'est pas vraiment destiné à vous montrer comment dessiner une mise en page complexe. Parce que pour une chose, si je faisais ça, je devrais en fait utiliser des images de référence. Pour ce dessin, j'ai juste trié ceci et j'ai composé tous les éléments du dessin. Gardez cela à l'esprit. Utilisez cet exemple comme un moyen de comprendre le processus d'élaboration de votre image brute pour votre composition, puis d'appliquer une perspective au-dessus de celle-ci. 12. Profondeur, dimensions et tangentes: Le prochain sujet dont je veux parler est comment aborder le dessin avec un sens de la profondeur et de l'espace sans avoir à être lié pour dessiner des mises en page précises et avoir à utiliser une grille de perspective à chaque fois. Parce que très souvent, lorsque vous dessinez des panneaux de storyboard rapidement et furieusement, vous n'avez pas vraiment le temps de mettre à l'échelle une mise en page appropriée ou une conception d'arrière-plan à l'aide d'une grille. Mais en même temps, vous voulez être capable de dessiner de façon réaliste avec un sens crédible de l'échelle et de la profondeur. Dans cette vidéo, je vais en parler un peu à ce sujet et expliquer quelques conventions et des raccourcis avec lesquels vous pouvez travailler pour le faire. J' ai une toile standard ici dans Photoshop. C' est vers 1920 d'ici 1080. Encore une fois, je vais passer à l'outil de sélection de la zone de sélection ici, rectangle, et juste cliquer et faire glisser une zone comme celle-ci. Accédez à « Modifier » et choisissez « Course », puis appuyez sur Commande ou Ctrl D pour désélectionner. Ce sera mon cadre dans lequel je vais dessiner nos casiers et créer un nouveau calque au-dessus de ça. Dans le cours de storyboard précédent, j'ai donné une mission aux étudiants pour tester votre capacité à dessiner avec profondeur et échelle. Le défi consistait à dessiner une scène de ferme en utilisant des éléments simples comme une grange. Je vais juste esquisser rapidement dans une grange par ici. Disons qu'il y a une porte. C'est à propos de ça. Ensuite, un autre élément que vous pourriez utiliser était vallonné collines en arrière-plan. On va faire des collines comme ça. Alors, évidemment, si c'est une ferme, ça va avoir des champs. Je vais juste dessiner des clôtures ici. Disons que nous voyons des clôtures s'y approcher. Disons que c'est une porte et qu'on peut juste faire la route comme ça. En termes de chevauchement, j'ai utilisé les collines en arrière-plan, j'ai utilisé la grange et la clôture. Tout cela fonctionne très bien pour créer un sentiment de perspective en couches sans avoir à, comme je l'ai dit, aller tout à fond dessiner une grille. Vous pouvez voir que cette grange suit une perspective très simple en deux points sans avoir à trop travailler. Au moins, on peut voir l'avant et on peut voir le côté. Je ne sais pas s'il y a des fenêtres dans une grange. Je ne suis pas sûr. Mettons une fenêtre juste pour être du côté sûr. Maintenant, pour aller plus loin, je suggère également que vous pouvez donner un sens de l' échelle en utilisant deux ou trois objets similaires. Donc deux ou trois choses qui sont exactement les mêmes. Un exemple évident de cela est l'utilisation d'un arbre. Par ici, si je dessine rapidement dans un arbre, comme celui-ci, je vais frapper « E » sur mon clavier. Réduisez la taille de celui-ci en utilisant les crochets ouverts et sortez simplement cette ligne là. Je vais frapper « B », retourner à l'outil de brosse, finir l'arbre. Disons que cet arbre est là. On y a mis un arbre. Maintenant, si je devais mettre un élément au premier plan comme celui-ci, la façon dont cela fonctionne est que l'œil va instantanément lire ceci comme un arbre, même si nous en voyons juste un petit peu, parce qu'il y a un arbre déjà établi en pleine vue en arrière-plan, les yeux du public vont savoir que cet élément que nous voyons de près est la même chose, c'est un arbre. Cela permet immédiatement d' établir la profondeur et l'échelle pour le spectateur. C' est une technique de composition très facile d'utiliser deux ou trois éléments qui sont à peu près les mêmes, puis d'utiliser seulement une partie d'un parce que toute l'étendue des autres est déjà montrée. Une autre chose que vous pouvez faire est d'avoir des éléments comme celui-ci près du premier plan aide à encadrer votre composition. En quelque sorte, cet arbre est, si vous aimez encadrer cette zone ici, branches et les feuilles pointent vers le bas vers nous parce que l'œil du spectateur voyage le long de cet arbre et dans cette zone d'intérêt. Dans cette scène très simple, vous pourriez même faire la même chose avec disons la clôture, vous pourriez commencer à agrandir la clôture et peut-être mettre en place, je ne suis pas sûr, je n'ai pas vraiment réalisé de quoi cette clôture est faite. Disons que c'est fait de ces poteaux en bois et d'un fil qui traverse, comme ça. Un peu de fil barbelé. Mais là, vous avez l'idée. Encore une fois, il ne fait qu'attirer l'œil en tant que dispositif de cadrage, et il se rapporte aussi à ces éléments lointains ici, et dit au public que c'est près de nous et que c'est loin. Cela semble un peu simpliste, mais je pense que sur le plan de la composition, c'est un concept important à prendre en compte et à essayer de travailler dans vos propres dessins autant que vous le pouvez. Maintenant, certains étudiants m'ont demandé si l'utilisation du concept de perspective atmosphérique peut aussi aider à établir ou à décrire la profondeur et l'échelle de votre composition. La perspective atmosphérique est quand les choses qui sont plus loin apparaissent plus claires et que les choses qui sont plus proches de la caméra ou plus proches de vous apparaissent plus sombres. Pourrait également penser aux choses qui sont plus proches de vous ont contraste plus élevé et les choses qui sont plus loin ont un contraste plus faible, et c'est ce qui les rend plus léger dans le ton. Personnellement, je dirais que je ne l'utilise que pour la peinture. Pour le travail en ligne, il ne va pas vraiment lire exactement de la même manière. Il sera juste en fait un peu étrange si votre travail de ligne est loisir dans certaines zones de votre dessin, puis sombre pour les choses qui sont plus proches de la caméra. Je vais juste vous montrer ce que je veux dire par si je sélectionne cette section du dessin, donc ces éléments sont un peu dans le suivi en arrière-plan, donc avec cela sélectionné, je vais appuyer sur « Commande » ou « Control X » sur mon clavier pour couper de cette couche. Je vais appuyer sur « Command Shift V » pour le coller en place, et maintenant c'est sur un tout nouveau calque au-dessus du haut. Si je baisse l'opacité, disons, à environ 60 ou même 70 pour cent, vous pouvez voir ce que je veux dire. Ça a l'air un peu étrange. Je comprends que vous essayez de donner l'impression que les choses sont plus loin. Cependant, pour moi, cela ne fonctionne pas vraiment nécessairement. Ce que je pense serait une utilisation beaucoup plus efficace de donner l'impression de profondeur dans votre travail de ligne est de faire en fait les choses qui sont plus proches de vous avoir une ligne plus épaisse. Les éléments qui sont au premier plan comme celui-ci, vous pourriez faire de ces choses un peu plus d'une ligne plus épaisse, puis les éléments qui sont plus loin auront une ligne plus mince ou plus légère à mesure qu'ils s'éloignent dans la distance lointaine. Pour cet arbre, nous pourrions juste rendre cette ligne un peu plus épaisse, sans en faire trop complètement. Je veux dire, vous voulez toujours que l'image ait un peu de cohésion et de lisibilité tout au long, mais il est agréable de souligner ces éléments de premier plan en utilisant un peu d'une ligne plus épaisse par rapport au travail de ligne que est dans le reste de la composition. Cela est particulièrement vrai pour les choses qui se répètent. Par exemple, disons que vous aviez des lames d'herbe au premier plan. Vous pourriez utiliser une ligne plus épaisse pour vos lames d'herbe comme celle-ci, puis des lignes plus fines et évidemment plus petites comme si vous vouliez indiquer l'herbe lorsqu'elle se déplace dans le plan de l'image. C' est comme ça que je traiterais ça. Je ferais les choses qui sont plus loin ont une ligne plus mince et les éléments qui sont plus proches un peu plus d'une ligne plus épaisse et prononcée. La dernière chose dont je veux parler, c'est des tangentes, et c'est quelque chose que je n'ai pas fait grand point dans le cours de storyboard précédent, grand point dans le cours de storyboard précédent, mais il est apparu plusieurs fois, donc j'ai pensé que cela être une bonne occasion d'aborder la question. Je veux vous expliquer ce que sont les tangentes, comment vous pouvez les éviter dans votre œuvre d'art, et je veux aussi vous dire si elles sont vraiment si importantes ou non. Une tangente est un élément de composition, ou je dois dire que c'est une erreur dans votre composition. C' est là que deux lignes se rencontrent et créent une nouvelle ligne droite. C' est là qu'ils touchent, mais ils ne se croisent pas. Permettez-moi d'expliquer cela un peu plus clairement. Ces lignes ici, vous avez une ligne qui va comme ça et une qui va comme ça. En fait, je devrais mettre ça sur une nouvelle couche. Cette ligne qui rejoint cette ligne, est une intersection, donc ce n'est pas une tangente, mais si nous devions saisir, dites la ligne qui crée la montagne, si je l'attrape, et si je devais la déplacer jusqu'à là alors disons que j'ai dessiné mon image d'abord avec la montagne un peu plus haut de ce côté, où la ligne de la montagne rencontre le sommet de la grange, c'est une tangente. On remonte à la couche supérieure. Il ne croise pas la grange, il la rencontre et crée une nouvelle ligne droite. Ce que cela fait, c'est qu'il a l'effet d'aplatir votre composition, et c'est pourquoi les tangentes sont considérées comme si mauvaises. Vous pouvez également voir un peu de tangente ici, où il y a un droit. Un des montants de la clôture rencontre cette ligne là-bas, qui va créer une tangente. Tout ce qui se croise est bien, donc ces lignes sont toutes très bien. Je ne vois pas vraiment d'autres tangentes ici, mais j'espère que vous avez l'idée. C' est ce que vous voulez éviter dans votre œuvre en tout temps. Je vais te dire quelque chose que tu n'entends pas souvent, mais je veux que tu comprennes. tangentes ne sont en fait que de très petites erreurs insignifiantes dans votre dessin. Je ne vais pas vous dire si vous avez fait un très bon dessin, que votre composition est mauvaise simplement parce qu'il y a une tangente. En fait, ils ne sont pas si gros en termes de dessin. Cependant, ce que vous devez savoir, c'est que quiconque sait s'occuper des tangentes va les repérer tout de suite et vous appellera inévitablement. C' est en fait la raison pour laquelle vous voulez les éviter le plus, c'est parce que vous pourriez travailler toute la journée sur un fond vraiment charmant, extrêmement bien composé, très détaillé, et d'avoir juste une minuscule petite tangente pourrait en fait signifie que votre travail est renvoyé pour révision de la part de votre directeur artistique, votre superviseur ou de votre directeur. La meilleure stratégie possible est de connaître les tangentes et de s'assurer qu'elles ne sont pas dans votre dessin afin que lorsque vous le remettez, vous puissiez être sûr et sûr que vous n'allez pas obtenir de révisions parce que c'est juste comme je le dis, la chose la plus simple et la plus simple à repérer dans les œuvres d'art de quelqu'un et à la renvoyer, alors évitez-les simplement pour cette raison. 13. Introduction au dessin de séquences: Jusqu' à présent, dans ce cours, je vous ai expliqué certaines des conventions de dessin courantes pour les personnages et les arrière-plans. En tant qu'artiste de plateau, vous devez pouvoir dessiner ces deux éléments rapidement, clairement et dynamiquement dans vos storyboards. Je veux aborder un point qui arrive souvent à ce sujet et qui est, faut-il être en mesure de dessiner mises en page complètes détaillées et des arrière-plans pour chaque panneau de storyboard ? De même, devez-vous être en mesure de dessiner des feuilles de modèles et des dessins de caractères entièrement finis ? La réponse est non. manière générale, vous n'avez qu'à dessiner des arrière-plans suggérés dans vos storyboards ou si vous travaillez sur une émission de télévision animée, il est probable que vous recevrez la mise en page déjà conçue et élaborée et vous recevrez également les caractères et leurs feuilles de modèle. Ensuite, votre travail sera d'utiliser ces deux mises en page et ces feuilles de modèle afin de dessiner le storyboard. Rappelez-vous que vous devrez dessiner la mise en page qui vous est donnée sous différents angles et vous allez devoir dessiner les personnages qui vous sont donnés dans différentes poses. De plus, vous devrez être capable de dessiner toutes ces choses très rapidement et très correctement. Tout cela signifie que même si vous n'avez pas besoin de dessiner des mises en page détaillées pour vos storyboards, vous devriez au moins être en mesure de le faire. Maintenant, passons à autre chose et voyons comment vous pouvez mettre toutes vos compétences en dessin à profit sur les storyboards. Comment appliquer vos compétences de dessin à un script ? Dans cette section de vidéos, je vais récapituler les angles de caméra et les prises de vue de base qui sont utilisés dans le film narratif et dans l'animation. Je vais aussi partager avec vous quelques conseils que les réalisateurs donnent souvent aux artistes du conte. De plus, nous examinerons le nombre de panneaux que vous devez viser à dessiner par scène. Finalement, nous examinerons quelques tableaux d'échantillons et examinerons le travail des étudiants. 14. Examen des prises de vue et des angles: Dans cette vidéo, je vais vous donner un bref aperçu des différents types de photos que vous pourriez utiliser pour raconter vos histoires visuelles. Ce sera une mise à jour sur ce que j'ai abordé beaucoup plus en profondeur dans le premier cours de storyboard. Mais je voulais profiter de l'occasion pour récapituler maintenant, car il se rapporte beaucoup au dessin parce que jusqu'à maintenant vous avez développé vos compétences de dessin pour les personnages et arrière-plans et vous devez maintenant les appliquer à raconter des histoires. Vous devez affiner les compétences de dessin pour raconter une histoire d'une manière convaincante et pour ce faire, vous devez comprendre les différents types de photos qui sont à votre disposition. Ces six clichés que j'ai ici sont à peu près les principaux plans de narration qui sont utilisés dans le cinéma ou l'animation. Je vais passer en revue chacun d'eux brièvement et juste expliquer quand et comment vous les utilisez. Le plan d'établissement est évidemment utilisé au tout début des films. C' est ce plan très large que vous voyez au début d'un film. Il peut également être utilisé au début d'une séquence. Si vous avez eu une charge d'action et que vous voulez respirer orienté le spectateur quant à l'endroit où ils sont, vous pouvez revenir à l'établissement de tir. C' est vraiment ce que ça fait. Il indique au spectateur où se déroule l'action. Le prochain, c'est le plan large. Le large est utilisé de la même manière que le plan d'établissement, en ce qu'il dit au public quelque chose sur le paysage ou quelque chose sur l'emplacement. Mais cela peut être utilisé plus souvent tout au long de la séquence que le coup d'établissement. Vous pouvez penser à cela comme il y a un schéma de narration visuelle qui est connu comme progressant vers l'intérieur, de sorte que vous pouvez penser que le plan large est la prochaine étape vers la scène après la prise de vue. En fait, tous ces éléments sont à peu près amenant le spectateur progressivement vers l'intérieur et vous verrez souvent le plan large utilisé directement après le plan d'établissement. Maintenant que nous avons établi où se trouve la scène, allons dans la scène un peu plus loin et commençons l'histoire en d'autres termes. J' ai mentionné dans le dernier cours de storyboard que ces deux clichés sont à peu près associés au paysage et à l'environnement de l'histoire, comme où se déroulent les actions et que les quatre clichés suivants sont utilisés pour caractères. Ce n'est pas une règle difficile et rapide, comme vous pouvez avoir de longs plans ou des gros et des gros plans extrêmes d'objets dans une scène, ou des parties du paysage, ou des parties de la pièce où l'action a lieu. Il n'a pas à se rapporter uniquement aux caractères. Mais c'est une bonne façon de penser à la narration parce que vous revenez toujours au fait que le personnage est le moteur de l'histoire. Dans chaque film ou chaque histoire visuelle à laquelle vous pouvez penser, c'est généralement le personnage qui anime l'histoire. C' est pourquoi ces clichés sont importants à comprendre en termes d'arcs de personnages et d'histoires de personnages, car ils peuvent être utilisés pour renforcer votre thème et surtout pour établir l'identification du public avec vos personnages principaux. Cela dit, le long plan qui est après le large est lié au caractère. Il montre toute la longueur du personnage. Vous verrez le personnage de la tête aux pieds. C' est souvent appelé un tir plein corps. Ceci est utilisé s'il y a beaucoup d'action dans la scène ou s'il y a un mouvement, si le personnage se promène. Vous voulez pouvoir afficher toute la longueur du caractère pour que l'action soit lisible. Ensuite, c'est le plan moyen. Le plan moyen est à peu près le plan de caractère standard absolu, je dirais. Il montre un personnage juste en dessous de la taille et jusqu'à la tête et il est utilisé car avec cette configuration, nous pouvons toujours lire l'émotion clairement sur l'espace du personnage, mais il est encore assez large pour que le personnage agir s'il en a besoin et surtout d'utiliser ses mains. Chaque fois qu'il y a une photo ou une scène où le personnage a fait quelque chose avec ses mains, alors vous allez pour le tir moyen. Le gros plan est généralement associé à seulement la tête et les épaules. Ce plan est le plus important pour établir l'émotion sur le visage du personnage et pour permettre au public lire cette émotion et de commencer à s'identifier au personnage. Je dirai que beaucoup de gens ont tendance à aller un peu trop près quand ils dessinent des gros plans et je vous encourage à être conscient du fait que quelque chose comme celui-ci est peut-être trop proche. Vous voulez donner la salle du personnage, voir le haut de la tête, voir ses épaules, et aussi donner de l'espace s'il doit marcher autour dans le tir. Puis enfin, le gros plan extrême, c'est là que vous pouvez aller très près. Vous pourriez même entrer aussi près que les yeux si vous vouliez vraiment ramener l'émotion à la maison ou augmenter l'émotion dans la scène. C' est un tir très claustrophobe, c'est pourquoi aller si près sur un gros plan régulier ne fonctionne pas parce qu'il a tendance à rendre le public un peu étouffant ou désorienté s'il arrive de si près. C' est vraiment utilisé pour souligner l'émotion de la scène. Encore une fois, juste pour me répéter, il peut être utilisé sur un objet ou une partie d'une scène ou quelque chose comme ça. Ce n'est pas seulement pour les personnages. Vous entendez souvent moi et d'autres personnes parler d'angles de caméra, de prises de caméra et il semble que c'est un terme un peu interchangeable. Une prise de vue décrit la taille de la vue que nous voyons. Pensez à s'il s'agit d'une vue large, d'une vue en gros plan, d'une vue en gros plan extrême et d'un angle de caméra décrivant le placement de la caméra par rapport à ce que nous voyons. Dans chacun de ces clichés, l'angle de la caméra est juste ouvert. C' est très générique. La ligne d'horizon est au milieu de mon plan dans presque tous les deux. C' est peut-être un peu un peu un plan. Il me semble que je l'ai dessiné comme si on regardait vers le bas. Mais en revenant à celui-ci, celui-ci, et celui-ci, ce sont tous des angles réguliers. Comme je l'ai expliqué dans la vidéo précédente sur le dessin en perspective, vous pouvez avoir un angle élevé et un angle bas. Juste pour récapituler, le grand angle est lorsque votre appareil photo est haut en regardant vers le bas sur la scène. Si nous avions un angle élevé d'un tir établi, ma portée de montage serait ici, mon horizon serait là-haut, et je verrais beaucoup plus de l'avion au sol. Je verrais toujours mon arbre et je peux avoir le cactus au premier plan, mais il y a beaucoup plus de vue sur le plan au sol comme ça. Puis un angle bas, si vous aviez votre appareil photo bas, alors nous verrions moins de sol. Le plan au sol serait beaucoup plus bas. Disons que si je dessine ce plan large, j'aurais mes montagnes au bas de l'horizon et de l'arbre. Nous regardons en bas vers l'arbre là-bas et puis un autre angle que vous pouvez utiliser est appelé l' angle néerlandais ou incliné et c'est quand la ligne d'horizon est inclinée, un peu comme ça. Si vous voulez vraiment désorienter le spectateur, vous pourriez faire quelque chose comme ça. En fait, cet angle incliné est une option vraiment agréable à utiliser lorsque vous voulez juste le mélanger et ne pas avoir tout l'air si ennuyeux et mortel droit. Vous pouvez juste incliner l'angle comme ça et immédiatement, cela donne beaucoup plus d'un sens intéressant. C' est beaucoup plus dynamique. Compositionnellement, cela fonctionne très bien. En fait, pour les gens qui veulent utiliser ces tirs très extrêmes ou les tirs à angle très bas dont j'ai parlé précédemment, peut-être qu'ils pourraient plutôt envisager d'utiliser un angle néerlandais ou incliné pour transmettre que et de transmettre cette qualité dynamique à leurs tirs sans avoir à être trop pris dans des grilles de perspective compliquées. C' est quelque chose à garder à l'esprit. Je suggérerais certainement de le faire. Je ne sais pas pourquoi ça s'appelle un angle hollandais, mais c'est le terme du film, et rappelez-vous juste que c'est l'angle de la caméra ou que la caméra est inclinée. Puisque vous suivez ce cours et qu'il est probable que vous avez suivi mes autres cours de storyboard, alors je sais que vous avez déjà un sens visuel très aigu et une très bonne compréhension du langage visuel filmique. Vous savez probablement très instinctivement lire un film et vous pouvez visualiser l'histoire en termes de plans. J' ai certainement vu qu'au cours des derniers mois avec des devoirs d'étudiants, que même avec des gens avec des compétences de dessin très rudimentaires, ils ont encore ce sens visuel incroyable de narration et sont capables voir des photos et des caméras angles d'une manière très sophistiquée. Il est important de savoir pourquoi les plans que vous choisissez pour vos storyboards fonctionnent et comment ils s'intègrent ensemble. C' est ce qui va vous aider à créer de bonnes séquences car une fois que vous maîtrisez couramment ces motifs visuels de plans et d'angles et une fois que vous savez pourquoi ils fonctionnent, vous pouvez commencer à créer des motifs et développer votre propre en tant que cinéaste, animateur et scénariste. chose la plus importante à retenir est que chaque plan s'inscrit dans une séquence globale, et chaque séquence s'insère dans une plus grande section ou agit dans votre script, et chacun de ces plans s'inscrit dans l'histoire globale. Cela va vous donner une idée de la façon de choisir vos photos pour vos points d'histoire. Comme je l'ai déjà dit, si vous voulez un tir extrême, demandez-vous, quel est le point de l'histoire de la scène ? Est-ce que cela correspond réellement au point de l'histoire ? Peut-être qu'il y a une autre photo qui souligne plus intelligemment les idées dont vous voulez parler ou l'idée que vous expliquez. Dans la prochaine vidéo, je vais vous parler des meilleurs conseils qui sont le plus souvent donnés aux artistes de storyboard afin d'améliorer leur travail et cela revient vraiment à cette idée d'utiliser vos clichés pour raconter le point de l'histoire. 15. Conseils des réalisateurs pour les artistes du storyboard: Maintenant, je veux partager quelques conseils avec vous sur la façon dont vous pouvez aborder votre storyboard à partir d'un niveau plus professionnel. Ce sont des conseils qui sont très souvent donnés par les réalisateurs aux artistes du storyboard. Ce n'est pas quelques-uns, je pense que je n'ai eu quatre conseils pour vous, mais ils valent la peine d'être connus. Ils s'appliquent à tous les storyboards sur lesquels vous voulez travailler et je pense que beaucoup d'artistes de storyboard débutants ne sont pas pleinement conscients des simples hacks que vous pouvez vraiment utiliser pour améliorer votre storyboard. Connaître ces éléments vous aidera à dessiner vos storyboards et vous aidera également à anticiper toutes les exigences de votre réalisateur. Savoir à l'avance ce que le réalisateur va vouloir de vous est également très bon de savoir. Mon premier conseil est d'aller vraiment pour le tir sur l'épaule quand vous embarquez des séquences de dialogue. Je vois cela beaucoup de fois pour les débutants artistes storyboard où ils ont, disons par exemple, quelque chose comme ça ce que j'ai ici, deux personnes qui parlent et ils montreront le dialogue ou ils sortiront la boîte de dialogue ne montrant qu'un caractère à la fois. Évidemment, si on regarde cette séquence, on peut dire que ce type parle et qu'il écoute juste. Mais réfléchissez bien à la dynamique qui est en jeu entre deux personnages. Un qui va vraiment aider à établir la dynamique et l'interaction est de montrer un peu de la tête et les épaules de l'autre gars. C' est une bonne façon d'établir la relation entre ces deux personnes au public . De plus, il peut également être utilisé pour souligner toute tension entre eux. Si je devais réparer ça, je pourrais peut-être déplacer ce gars un peu et ajouter dans la tête et les épaules de cet autre personnage immédiatement il change la dynamique de cette scène simple qui la rend beaucoup plus forte. Je pense que cela ajoute vraiment à cette interaction ce qui se passe. Ce gars est en train de bavarder et ce gars écoute et même ici, il peut encore parler et avoir ce gars juste à écouter, une meilleure compréhension et une meilleure connexion entre les deux personnages qui aide ensuite le public à lire la scène beaucoup mieux. L' autre chose est que cette dynamique qui est établie avec un coup d'épaule peut vraiment souligner toute tension entre les personnages. Par exemple, si nous regardons cet ensemble de miniatures que j'ai fait dans le cours de storyboard précédent, cette séquence de dialogue ici entre le shérif et le barreau va le long de la démonstration. Ce tir ici est probablement plus techniquement appelé un deux coups, donc les deux personnages sont dans le tir également, mais ensuite nous passons dans un peu d'un coup d'épaule, nous réduisons à sa réaction et puis nous avons cela sur le coup d'épaule . J' aime ça parce que ça aide à établir que ce gars est dans une position un peu plus faible. Si je crée juste un nouveau calque, je vais prendre une autre couleur. Vous verrez qu'Appleby, le barman, à peu près dans chaque coup, occupe cette zone du cadre. Alors que le shérif occupe le haut à gauche du cadre, et dans ce cas encore plus d'entre nous. n'est qu'une indication visuelle subtile pour le public que la dynamique en jeu ici est un chemin devrait vers ce ciel. La photo sur l'épaule montre au public ce que le personnage regarde plus il montre de manière cruciale le personnage dans l'acte de regarder. Améliore simplement l'identification des personnages. Maintenant, le conseil suivant est celui qui est souvent donné par les réalisateurs à l'artiste de storyboard et qui est de réduire plus largement l'action. Ce que je veux dire par là, c'est que s'il y a de l'action dans une scène, par exemple ici, je pense que ces deux coups devraient être un peu plus larges. C' est très serré et presque claustrophobe quand on regarde ces deux coups. Vous avez trois personnages ici, il se passe quelque chose. Ils se retournent parce que ces gars sont entrés, mais ça ne lit pas très bien. Si nous regardons cet exemple ici, maintenant c'est beaucoup mieux. Nous partons de la succession ou d'une série de gros plans et dans ce coup Tucker, le shérif, va marcher devant Gretta et essayer de gérer la situation en coupant plus large. Vous avez juste beaucoup plus d'espace pour que les personnages agissent et se déplacent. C' est ce que l'on entend par raccourcir l'action, et c'est juste quelque chose à garder à l'esprit. Beaucoup de gens vont faire des gros plans automatiquement, c'est peut-être parce qu'ils veulent améliorer l'histoire ou améliorer l'émotion de la scène, mais généralement pour quelque chose comme ça, couper plus large permettra en fait à action à jouer dans un très clair loin. Mon troisième conseil est quelque chose que j'ai mentionné dans la dernière vidéo et c'est pour utiliser l'angle incliné ou l'angle néerlandais. Encore une fois, l'utilisation droite sur des angles de composition ordinaires où l'appareil photo est directement en face des personnages peut avoir tendance à être un peu ennuyeux. C' est un bon angle. C' est un peu un vrai plan. La chose à propos d'un angle incliné ou hollandais est qu'il crée des lignes diagonales, et ce sont les éléments de composition qui intéressent un spectateur ou impliquent le public. J' ai un ensemble de miniatures approximatives ici et je voulais juste vous montrer à quel point ce plan est efficace ici. Nous partons des photos très standard, des gros plans, des caméras tous au même niveau, et puis là il a légèrement incliné la caméra pour voir un peu du sol et ces lignes qui mènent vers la porte. Cela a simplement pour effet d'ajouter au drame et de créer ce sentiment de déséquilibre et de tension. Comme je l'ai dit, ces lignes diagonales sont vraiment bonnes dans n'importe quel dessin, dans n'importe quelle composition pour aider à conduire les yeux du spectateur à l' endroit où est la zone d'intérêt qui, dans ce cas, est la porte. Ils courent par la porte. N' oubliez pas d'opter pour un angle incliné ou néerlandais chaque fois que vous voulez améliorer votre composition ou ajouter un peu plus d'intérêt à vos panneaux. La dernière astuce qui est à peu près standard dans le travail de tout le monde est de ne pas oublier d'utiliser des éléments de votre composition pour encadrer vos personnages. Cela va toujours faire pour une image beaucoup plus forte et un tir beaucoup plus fort. Si vous mettez au premier plan certaines choses ou utilisez des objets dans le plan pour encadrer votre personnage, alors vous vous en sortirez très bien. Par exemple, dans cette photo ici, cette ligne diagonale de la balustrade et ce personnage encadrent parfaitement cette zone d'intérêt. Il conduit nos yeux vers le personnage du shérif puis entre dans la scène et continue jusqu'au prochain panneau. Ce que cela fait, ceci et comme je le dis, son regard directionnel est de premier plan, shérif l'a emmenée entrer. C' est très beau récit visuel. C' est juste un exemple simple, mais vous m'avez vu le faire encore et encore, même ici où j'ai utilisé éléments dans les coins pour encadrer tout ce qui se passe au centre. Encore une fois, dans cette section ou dans ce panneau, voici la rampe en haut de l'escalier, créant cette très belle ligne diagonale et encadrant le regard du spectateur vers ces deux personnages. C' est une configuration parfaite pour la séquence de dialogue qui suit. Ce sont mes meilleurs conseils pour dessiner des storyboards et construire vos séquences. Dans la prochaine vidéo, nous allons jeter un coup d'œil à certains travaux des étudiants et passer en revue certains des storyboards en termes de construction de séquences et de création de narrations dynamiques à travers vos choix de plans. Je te vois dans la prochaine vidéo. 16. Projet de cours: Bien joué pour arriver à la fin du cours. Je suis vraiment fière de toi d'avoir regardé ça tout le long. J' espère que vous l'avez apprécié et j'espère que vous avez appris quelque chose d'utile. Je veux vous présenter maintenant le projet final de la classe. Comme je l'ai déjà mentionné, ce sera un projet très amusant pour vous de prendre en charge et d'appliquer tout ce que nous avons couvert jusqu'à présent dans le cours pour storyboard un script à partir de zéro. Ce que j'ai fait, c'est que je vous ai laissé un dossier dans votre section de téléchargement. Vous serez en mesure de trouver tous ces actifs. Tout d'abord, vous trouverez votre script. J' ai laissé à la fois une version PDF et une version Word doc. Si vous ne pouvez pas accéder à l'un ou l'autre, faites-le moi savoir et je vous enverrai un format de tri différent. Ce que vous trouverez, c'est à peu près une page de script. Maintenant, je veux juste souligner que vous n'avez pas besoin de storyboard toute cette page. Une fois que vous commencez à composer dans les détails, vous verrez qu'il y a beaucoup de choses qui sont impliquées dans un simple pager. N' hésitez pas à prendre une partie de cela, si vous pensez que c'est suffisant, ou à prendre tout le script, ce sera génial. Essentiellement, vous avez votre script et vous avez des dessins de personnages. J' ai dessiné ce personnage, voici le capitaine Barnaby. J' ai aussi mis sur pied une liste de son équipage de pirates. Comme vous le verrez, j'ai fait des poses pour le capitaine Barnaby, mais je n'ai pas tiré de poses de ces gars. Espérons que vous avez essayé de vous entraîner à mettre certains de ces personnages dans des poses vous-même. Mais vous devriez être en mesure d'utiliser l'un de ces éléments pour votre storyboard. Vous avez également un exemple de mise en page. C' est la mise en page qui va avec la première scène du script. Si je reviens au script Metal Queen où il est écrit la nuit des quais extérieurs, c'est cette disposition. Le reste est à vous de décider. Je veux que vous trouviez un fond suggestif pour le pont du vaisseau. Vous pouvez vous référer à mon dessin approximatif pour la cabine du capitaine si vous voulez, quand vous arriverez à la fin. Mon conseil est de lire le script, noter vos idées, vos pensées et de mettre comment vous visualisez l'histoire, prendre de petites notes sur le script, puis de formuler ces idées. Vous voulez penser aux angles, coups de feu et à la façon dont ces coups de feu s'adapteront pour raconter l'histoire. Lorsque vous avez terminé votre vignette, vous pouvez revenir en arrière et la redessiner en tant que storyboard final terminé. Je vous ai également laissé quelques modèles de storyboard que vous pouvez utiliser pour terminer votre projet. Il y a quelques fichiers ici, JPEG et PDF. Ce modèle a trois panneaux. J' ai un autre modèle qui a six panneaux sur une page. C' est totalement à toi de décider. Si vous avez des questions, bien sûr, vous pouvez me le faire savoir, m' envoyer un message et je serai heureux de vous aider. Mais j'espère que vous pourrez vous amuser avec ce projet. J' espère vraiment que vous serez en mesure d' appliquer les choses que vous avez apprises dans ce cours à votre dessin, ce projet et à l'avenir. Restez en contact. J'ai hâte de vous voir dans le prochain cours.