Créer des concepts artistiques pour le cinéma et l'animation

1. Art d'arrière-plan: Salut, je m'appelle Siobhan. Je suis professeur d'art et professionnel de l'animation. C' est mon cours de Skillshare sur l'apprentissage de la création d' une peinture numérique qui peut être utilisée comme art de fond ou art conceptuel. Dans cette classe, vous apprendrez des principes importants pour la composition qui sont absolument fondamentaux pour créer de l'art pour les films, les jeux ou l'animation. Vous apprendrez à créer un sens visuel de la profondeur dans votre peinture. Comment créer un sens visuel de l'histoire. Je vais aussi t'apprendre les règles de composition clés, comme la règle des tiers. Mais surtout, vous allez apprendre pourquoi la règle des tiers fonctionne. Il a beaucoup plus à faire que simplement faire une image agréable. Savoir cela va non seulement rendre votre travail beaucoup plus fort et dynamique, mais aussi clarifier pour vous comment les artistes professionnels travaillent dans un contexte plus large de la production d'animation. Je vais aussi vous apprendre comment faire des recherches visuelles, comment collecter et analyser des images pour un projet, puis comment distiller votre propre vision en une série de vignettes sur lesquelles baser votre projet final. Ensuite, nous allons plonger profondément dans le processus de fabrication d'une peinture numérique. Je vais vous guider étape par étape, le processus exact pour créer de la peinture comme celle-ci. Tout dans ce fond est peint directement. n'y a pas de dénigrement, pas de masquage. Tout ce que vous voyez ici est fait avec le coup de pinceau. Je pense que c'est une façon incroyablement intuitive et puissante de travailler. Je vais vous montrer les techniques exactes et expliquer en détail chaque étape que je vais. À la fin du cours, vous aurez une pièce de portefeuille majeure entièrement réalisée. Vous aurez également une compréhension claire de la façon de générer n'importe quelle peinture numérique. Parce que nous aurons démystifié tout le processus du début à la fin. J' ai travaillé comme artiste de fond sur de nombreux jeux, séries TV et films. Je suis vraiment passionnée par le partage des compétences et des connaissances qui m'ont emmené dans ce voyage. J' espère vraiment que ce cours vous ouvrira la porte pour commencer votre propre voyage artistique. Merci d'avoir vérifié ça. J' espère que vous vous inscrivez, et si vous le faites, j'ai hâte de travailler avec vous. 2. Ce qu'il faut utiliser pour ce cours: Pour ce cours, je vais créer mon art de fond dans Photoshop. Photoshop est la norme de l'industrie. C' est le logiciel que la plupart des artistes utilisent. C' est ce que vous utiliserez probablement si vous finissez par travailler dans un studio d'animation. Mais si vous n'avez pas Photoshop et que vous ne voulez pas nécessairement acheter ou obtenir une licence pour le moment, c'est tout à fait bien. Il y a beaucoup d'options gratuites là-bas que vous pouvez aller avec. Vous pouvez utiliser quelque chose comme Krita ou quelque chose comme Procreate pour l'iPad. Vous pouvez certainement suivre avec moi dans ce cours en utilisant n'importe quel autre logiciel de peinture numérique. Mais si vous voulez suivre avec moi, vous pouvez même envisager de télécharger Photoshop pour un essai gratuit pendant quelques semaines, et juste le tester et voir comment vous l'aimez. Une fois que vous avez téléchargé Photoshop ou que vous êtes heureux de travailler dans votre propre logiciel spécifique, l'autre chose dont vous aurez besoin pour ce cours est une tablette de dessin. J' utilise une tablette Wacom, celle spécifique avec laquelle je travaille est un support Wacom Intuos Pro. Beaucoup de gens me demandent quelle tablette de dessin ils devraient utiliser ou laquelle obtenir, et encore une fois, il y a beaucoup d'options. Vous n'avez pas besoin d'aller avec un très cher Cintiq ou une grande tablette Wacom par tous les moyens, vous pouvez commencer avec une alternative de base, moins chère que Wacom. Je recommande d'obtenir Wacom, si vous êtes vraiment désireux de poursuivre l'art numérique. Si vous savez que c'est quelque chose dans lequel vous voulez investir, parce que vous l'utiliserez pendant des années et des années à venir. Mais si vous avez des questions sur le choix d'une tablette de dessin pour vous, envoyez-moi un message. N' hésitez pas à me demander, et j'essaierai de vous donner quelques conseils. Une fois que vous avez votre tablette et que vous êtes prêt à le configurer, vous devez simplement installer des pilotes, c'est standard. Je pense que la plupart des choses externes ont besoin d'un pilote pour travailler, le brancher à votre ordinateur portable, et puis vous êtes prêt à partir. S' habituer à travailler avec une tablette de dessin prend un peu de temps, si vous n'avez jamais travaillé avec une tablette avant. La principale chose à noter est que contrairement à une souris, le curseur sur votre écran lorsqu'il est contrôlé par le stylet, sera la cartographie de la zone correspondante sur la tablette. Avec une souris externe, vous pouvez le garder vraiment dans un endroit, ne pas le déplacer trop, et toujours réussir à déplacer le curseur, mais avec un stylo, si vous voulez déplacer le curseur sur votre écran, vous devrez déplacer le stylet sur votre tablette. C' est vraiment la plus grande différence à laquelle vous devez vous habituer. Une fois que vous vous habituez à utiliser le tiret, je n'utilise jamais une souris pour quoi que ce soit, j'utilise le stylet et la tablette pour toute ma navigation. J' ai généralement ma tablette juste en face de mon ordinateur portable comme ceci, et j'utilise le stylet avec ma main droite et j'utilise ma main gauche pour faire des raccourcis clavier comme par exemple, Commande ou Ctrl+Z pour annuler, je fais ça beaucoup . Je garde littéralement ma main survolée ces clés pendant que ma main droite dessine. Évidemment, si vous êtes gaucher, vous pouvez juste changer, échanger ça, avoir le stylo dans votre main gauche. Vous pouvez également échanger la tablette autour. Pour accéder à l'option de clic droit, suffit d'appuyer sur le bouton inférieur comme ça et il fait apparaître votre, Je ne sais pas ce que cela est appelé, mais le menu qui vient généralement avec un clic droit. Donc, cela couvre à peu près tout ce que vous devez avoir pour ce cours afin de suivre avec moi. Si vous avez des questions, envoyez-moi un message. Dans la prochaine vidéo, je vais passer en revue l'étape du pinceau que je vous ai laissée, parce que c'est très spécifique à ce cours. Je vais utiliser beaucoup de pinceaux très texture, et je vais juste expliquer comment importer cet ensemble de pinceaux et vous familiariser avec celui-ci. Quand tu seras prêt, je te verrai dans la prochaine vidéo. 3. Importer le jeu de pinceaux: Si vous regardez dans votre dossier de ressources, notre vidéo ci-jointe, vous verrez un fichier que j'ai laissé pour vous appelé landscape brushes.abr et sont à peu près tous les pinceaux que j'ai utilisés au cours de ce cours et de faire cet arrière-plan. Je les ai tous mis en un seul pour que vous puissiez facilement y accéder à partir de là. Pour les amener dans Photoshop, ce que vous allez faire est simplement de cliquer sur cette icône ou ce fichier et de le faire glisser vers le bas. D' habitude, je le fais glisser vers le bas vers Photoshop et relâche. Alors Photoshop est déjà ouvert, donc je vais en créer de nouveaux juste pour obtenir n'importe quel type de toile. Maintenant, si je clique sur B sur mon clavier ou aller jusqu'ici, ou ouvrir la fenêtre et les brosses, ce devrait être le tout dernier dossier d'un ensemble de dossiers. Peut-être que vous avez juste des pinceaux généraux dans la fenêtre de vos pinceaux. Le tout dernier dossier devrait être celui que vous venez de glisser. Si vous tourbillonnez vers le bas de la petite flèche, vous pouvez voir ici tous ces pinceaux à l'intérieur. Je vais marcher avec vous à travers la façon dont je les utilise tout au long du processus de peinture. Je ne pense pas que je vais utiliser tout ça. Peut-être, il y en a un ou deux qui sont utilisés encore et encore, mais il y a certainement quelques brosses qui sont très utiles, comme les branches mortes, la rondelle, choses comme le tableau de bord, la fumée. Je vais vous montrer comment vous pouvez les appliquer à votre peinture de fond. Si vous vouliez juste, je vous encouragerais peut-être à passer par ce dossier, toutes ces options de pinceaux et juste voir quel genre de pinceaux vous donne quels effets. C' est agréable de se familiariser avec eux. Mais absolument la meilleure façon d'apprendre à utiliser pinceaux de texture comme celui-ci avec des applications très spécifiques, en particulier quelque chose comme l'eau. La meilleure façon de les comprendre est de les utiliser dans la peinture. C'est ce qu'on va faire. Dans la prochaine vidéo, je vais juste vous donner un aperçu des conseils communs pour les paysages. Je veux vous apprendre comment vous pouvez tenir compte de la perspective atmosphérique afin de créer de la profondeur. Je te vois dans la prochaine vidéo. 4. Conseils communs pour l'art paysager: Dans les deux prochaines vidéos, je vais vous expliquer quelques principes de conception pour art conceptuel ou pour la création d'art pour le cinéma ou l'animation. Ces principes vous aideront à comprendre comment votre peinture fonctionne réellement pour créer des mondes crédibles que votre public peut non seulement apprécier, mais aussi ressentir comme s'il pouvait entrer et explorer ou faire partie. C' est vraiment le but ultime ou le but ultime de l'artiste conceptuel ; créer des mondes crédible et imaginatifs où le public se sent comme s'il pouvait vraiment intervenir. Lorsque nous parlons de composition pour film, il y a un certain nombre de choses que les gens soulignent souvent que vous devriez avoir dans vos peintures pour aider le public s'engager et à sentir qu'ils peuvent vraiment apprécier votre travail. Vous avez des lignes de conduite. Dans cet exemple, ces lignes, ils peuvent sembler qu'ils ne font qu'une partie de la peinture, mais ils fonctionnent en fait d'une manière très forte pour diriger l'œil du public vers cette zone de la toile, toutes les lignes qui font partie de votre aident réellement l'œil du spectateur à se rendre dans une zone spécifique de la peinture. Une autre technique de composition est la règle des tiers. Par exemple, dans ce contexte que nous avons créé dans un cours d'arrière-plan précédent, vous pouvez voir que si nous appliquons la règle des tiers, les points focaux sont divisés le long de cette grille. Une autre technique ou une autre technique de composition consiste à travailler avec des couleurs froides par rapport aux couleurs chaudes dans votre composition. Les couleurs opposées aideront vraiment à améliorer une forte qualité dynamique dans votre image, simplement parce que les couleurs chaudes par rapport aux couleurs froides créent un contraste. Vous pouvez travailler avec quelque chose appelé langage de forme. Le langage de forme est l'endroit où vous pouvez décomposer votre composition en formes géométriques de base, comme un cercle, un rectangle ou un triangle. Encore une fois, l'utilisation d'une combinaison de ces formes dans votre composition créera un contraste. Vous voulez toujours avoir un fort contraste dans votre design afin de rendre votre composition dynamique. Si nous parlons de lignes de tête, de symétrie, de langage de forme, couleurs chaudes ou froides, c'est beaucoup à penser et à appliquer. Ce que je vais faire de la façon dont je voudrais expliquer tout cela, c'est de le diviser en ce que je considère comme vraiment deux critères principaux. L' un a à voir avec la création d'un sens visuel de la profondeur dans votre scène et l'autre avec la création d'un sens visuel de l'histoire. Vous voulez que votre concept d'art ressemble à un monde réel et vous voulez qu'il y ait aussi un sens visuel de la narration afin que votre public sente qu'il peut s'engager et passer du temps avec votre art. Si vous prenez toutes les composantes de la composition que j'ai décrites et les unifiez selon ces deux critères, alors vous serez vraiment en mesure de commencer à comprendre l'art conceptuel et la conception de fond comme des aspects puissants de la narration. Parlons de la façon dont vous pouvez créer un sentiment de profondeur et une bonne composition dans votre plan. Je suis sûr que vous êtes très familier avec l'idée de perspective. J' ai parlé de perspective dans mes cours précédents, en particulier dans le cours de story-board. Perspective est une construction linéaire où vous dessinez votre grille, puis les choses qui sont plus éloignées apparaissent plus petites, et les choses qui sont plus proches de la visionneuse apparaissent relativement plus grandes. Dans les paysages cependant, nous avons tendance à ne pas utiliser autant la grille. Au lieu de cela, ce que vous pouvez faire est de penser et de mettre en œuvre la perspective atmosphérique. C' est la même idée que la perspective linéaire, mais au lieu de travailler en ligne, vous traitez les choses qui sont plus loin comme ayant simplement moins de contraste ou moins de saturation que les choses qui sont plus proches. C' est en fait comme ça que nous voyons les choses dans la réalité. L' atmosphère ou l'air qui nous entoure rend les choses plus éloignées semblent moins saturées ou moins contrastées. Si vous appliquez ceci à vos peintures, cela crée immédiatement une très forte illusion de profondeur. Créer ce sens de la profondeur est l'élément clé pour rendre votre scène réelle. Cela va également vers la création de contraste. Le contraste, comme je l'ai déjà dit, est tout important. Vous pouvez avoir un contraste dans vos couleurs, vos tons, vos valeurs et votre forme. Mais la profondeur crée vraiment quelque chose de contraste naturel, quelque chose de loin par rapport à quelque chose de proche. contraste de la profondeur créera en fait un voyage pour le spectateur, un sentiment de voyager à travers votre paysage du premier plan à l'arrière-plan. Bien sûr, en cours de route, ils seront dirigés par votre utilisation des lignes de tête, votre utilisation de la symétrie ou des tiers, votre zone d'intérêt, ou des tons frais et des tons chauds. Toutes ces choses vont conduire et diriger l'œil, mais essentiellement ce sera ce sens de la profondeur qui les mènera à travers. Dans la vidéo suivante, je vais parler spécifiquement de la façon de créer un sens visuel de la narration afin qu'une fois que le spectateur entre dans votre travail, il puisse suivre l'histoire que vous lui racontez. 5. Pourquoi la règle des tiers fonctionne: La composition pour le film est de toute façon autant un outil narratif que le scénario. En composant vos photos, vous pouvez dire au public autant, sinon plus ce qui se passe dans l'histoire que le dialogue d'un personnage. Maintenant, c'est un point crucial pour vous de savoir et comprendre quand il s'agit de langage visuel. Encore et encore, je pense que dans n'importe quel cours de tutoriel que vous allez trouver sur l'art de fond ou l'art conceptuel, on va vous parler de la règle des tiers, et les gens diront souvent, « Dessinez votre comme ceci, et assurez-vous que vous placez votre personnage sur ces points, car cela va créer une image agréable. » Le problème, c'est que personne n'explique vraiment pourquoi elle fait une image agréable ou une composition agréable, à part de dire : « Eh bien, c'est là que l'œil du spectateur atterrit. » Pour moi, il y a tellement plus à la règle des tiers que juste flash, et cela a moins à voir avec la création d'une composition agréable ou avec le fait que yeux du public ne vont d'une manière ou d' ces quatre points spécifiques quand ils sont en regardant le cadre. Je vais expliquer dans cette vidéo mes réflexions sur la règle des tiers et pourquoi elle crée une image aussi forte et dynamique. Pour moi, la raison pour laquelle la règle des tiers crée une composition forte est parce qu'elle satisfait notre lecture narrative d'une image. Maintenant, cela peut sembler un peu compliqué à essayer de comprendre, mais c'est la clé pour comprendre le film et comprendre l'histoire et le film. Les gens pensent souvent que lorsque nous regardons un film, nous sommes engagés dans une activité très passive par rapport à lecture d'un livre, où vous devez vraiment utiliser votre imagination pour visualiser les choses. Mais je pense en fait que regarder un film est tout aussi actif que la lecture d'un livre, parce que ce qui se passe, c'est que vous sans même le réaliser , vous décodez constamment des indices visuels très sophistiqués qui forment narratif, sens individuel. Je n'ai pas le temps ni la portée de ce cours pour approfondir cette question. Mais si vous êtes intéressé, si cela a suscité un peu votre intérêt pour comprendre ou en apprendre davantage sur langage visuel et comment nous décodons ou comment nous lisons le film, alors je vous suggère vraiment de consulter quelque chose en ligne appelé Effet Kuleshov. Cela vous expliquera comment fonctionne l'édition ou raconter une histoire et comment les images suivantes fonctionnent ensemble. Le film transmet une structure narrative ou une expérience très spécifique, et nous y participons activement lorsque nous regardons les images, ainsi que pendant que nous écoutons le dialogue. C' est-à-dire que les images elles-mêmes peuvent construire une histoire autant que le dialogue ou le script. Mais la peinture abstraite peut raconter une histoire, mais elle ne raconte pas un récit. Ce que je veux dire par là, c'est que le film classique hollywoodien utilise des motifs tels que le conflit et l'identification des personnages pour construire un récit qui a un début, un milieu et une fin. Je ne dis pas que c'est une bonne façon de raconter une histoire ou une mauvaise façon. Dans un contexte occidental, c'est ainsi que nous comprenons l'histoire. Il remonte en fait à l'époque grecque antique, a ses fondations dans le théâtre grec. Pour nous, qu'on le veuille ou non, nous aimons avoir une histoire qui a un début, un milieu et une fin. Il satisfait notre compréhension de ce qu'est un arc d'histoire, nous pouvons nous rapporter au voyage du héros du début, du milieu à la fin. C' est quelque chose avec lequel nous nous identifions et nous partageons pour voir comment tout se passe. Le motif le plus fort ou le plus fort motivateur de l'arc narratif, le seul ingrédient qui déclenche tout dans un film, commence chaque histoire, est le conflit. Le conflit est présent dans chaque histoire que nous racontons. À peu près chaque histoire est propulsée ou motivée par des conflits. Si vous essayez d'y penser, chaque film que vous pouvez penser dans ce paradigme hollywoodien classique, soit a le conflit au cœur, qu'il s'agisse d'un conflit intérieur du personnage, soit d'un conflit entre les personnages ou il pourrait même avoir un conflit subtextuel d'idées ou de thèmes. Mais la raison pour laquelle nous regardons des films et des histoires est simplement pour comprendre comment les autres résolvent les conflits, afin que nous puissions le résoudre quand nous devons y faire face nous-mêmes. Regardons maintenant la mise en place et la composition de votre plan avec la règle des tiers. Si vous mettez en place un plan complètement équilibré et harmonieux, il n'y a tout simplement aucun conflit en elle. Cela viendra à travers, croyez-le ou non, comme quelque chose de très stable, très ordinaire, très banal, et peut-être un peu ennuyeux. Une composition qui a deux moitiés égales dans le cadre se lit naturellement comme nouvelle, peut-être traditionnelle, mais très stable. Au moment où vous mettez votre composition en troisième, mettez votre personnage d'un côté sur un tiers, vous introduisez le conflit. Le personnage se bat maintenant pour son espace à l'écran, pourrait-on dire. Une division binaire de la trame est normale et stable. Diviser votre cadre en règle des tiers crée des images dynamiques, intéressantes, aventureuses et donc agréables car elles satisfont notre lecture narrative de l'image. Dans cette image ici, plaçant la cabine ou la zone d'intérêt dans le tiers extrême du cadre, vous donnez essentiellement beaucoup plus de puissance et qualité dynamique à l'environnement environnant. Il donne l'impression que cette petite cabane est isolée dans la forêt et est peut-être à la merci de la forêt et de l'environnement qui l'entoure. Les deux tiers de l'ami sont donnés à la forêt, donnez à la forêt le sentiment qu'elle domine cette cabane. Cela ne veut pas dire que les gens n'utilisent pas de configuration binaire dans leurs compositions, j'aime beaucoup l'utiliser. Beaucoup de cinéastes comme Wes Anderson ou même Stanley Kubrick, habitude de créer des images et des cadres qui étaient divisés en deux moitiés égales ou avaient une symétrie en eux. Sachez et comprenez simplement que lorsque vous appliquez la règle des tiers à votre image, ce n'est pas simplement parce que c'est là que l'œil du spectateur atterrit, il a vraiment une signification beaucoup plus profonde et une connotation beaucoup plus profonde qui concerne réellement à la façon dont vous racontez une histoire. 6. L'importance de la recherche visuelle: Dans cette vidéo, je vais vous expliquer comment vous pouvez travailler avec la recherche visuelle. La recherche visuelle est une étape essentielle de votre processus de peinture car vous devez avoir un point de départ. Commencer à partir d'une toile complètement vierge sans aucune invite ou aucune image visuelle à travailler sur est très difficile. Vous pouvez commencer par votre propre imagination, mais à moins que vous soyez très compétent et que vous ayez fait cela plein et plein de fois au fil des ans, c'est en fait un point vraiment difficile à commencer et vous rencontrerez des problèmes plus tard avec votre composition. L' approche que je vais vous expliquer est vraiment utile, surtout quand vous venez de commencer. Je trouve que la meilleure chose à faire est de s'asseoir, passer une demi-heure à une heure à regarder des images de référence. Tout cela signifie que vous tapez le sujet ou le thème sur lequel vous voulez faire votre peinture et que vous regardez les images qui apparaissent, que ce soit sur Google ou sur Pinterest, et que vous les utilisez comme images de référence. Vous êtes essentiellement en train de chercher dans une bibliothèque d' images et d'étudier des images sur un thème similaire. Ce que vous voulez faire à ce stade, c'est juste regarder. Ne faites pas de dessin ou de peinture du tout à ce stade. Vraiment juste passer du temps à regarder et à vous donner le temps de prendre tout ce que vous voyez. Vous verrez inévitablement des choses que les autres ne voient pas. Vous serez attiré par des images que les autres ne sont pas. Ce processus de recherche et de recherche visuelle votre sujet est très individuel et unique pour vous. Le fait est que vous allez extraire des idées, des notions et des concepts de ce que vous voyez et mettre cela dans votre travail d'une manière que personne d'autre ne le fera. Une fois que vous avez passé beaucoup de temps à regarder et que vous avez obtenu ce que j' appellerais un sentiment ou un sens de l'image que vous voulez créer, alors mettez toutes ces images de recherche loin. Essayez de ne pas les garder ouverts. Essayez de faire confiance à votre propre instinct et à votre mémoire visuelle. Ensuite, commencez à noter vos idées en esquissant, en dessinant ou en peignant. Mais encore une fois, ne commencez pas immédiatement à dessiner une grande mise en page et ne commencez pas à peindre ce que vous pensez être l'image finale ou la peinture finale. Vous êtes encore au stade de la phase de développement du flux de travail. C' est très expérimental. Vous ne pouvez pas sauter en avant jusqu'à un résultat final fini tout de suite, même si vous pensez que vous pouvez voir clairement résultat final dans l'œil de votre esprit à ce stade. Dans la vidéo suivante, je vais expliquer exactement ce que l'étape suivante est qu'une fois que vous aurez rassemblé et étudié la recherche visuelle. Mais il est vraiment important de noter ce point que je parle façon dont c'est encore beaucoup les premières étapes, la phase expérimentale, et donc les vignettes vont même pas nécessairement se rapporter à la peinture finale. Je veux juste dire faire confiance au processus de recherche visuelle et de croquis. Ensuite, vous constaterez que vous pouvez réellement laisser beaucoup plus de créativité dans votre travail que si vous vous êtes précipité vers l' avant et que vous avez commencé sur la peinture finale tout de suite. 7. Création de vignettes: Dans cette vidéo, je vais vous expliquer comment configurer votre document pour une peinture d'arrière-plan, et aussi vous faire commencer à créer des vignettes pour le développement visuel. Ainsi, lorsque vous ouvrez Photoshop pour la première fois et que vous appuyez sur le bouton Créer un nouveau, vous obtenez cette fenêtre, cette boîte de dialogue, qui est l'endroit où vous définissez essentiellement la taille et les dimensions de votre document. Donc ici, à droite, on va juste faire quelques changements ici. Mais juste pour que vous sachiez, quand vous ouvrez d'abord, ce sont les documents récents sur lesquels vous auriez travaillé. Vous pouvez également enregistrer les préréglages. J' utilise souvent un document de taille 1920 par 1080, donc c'est enregistré. Ensuite, il y a d'autres onglets qui ont des tailles par défaut pour la photo, l'impression, ou l'illustration, le web, etc. Je vais généralement tout droit vers la droite et mettre dans mes propres dimensions et taille. Ce que j'aime faire est 1920 par 1080 est un ratio rectangle standard. Ce que j'aime faire pour la conception de fond est juste de doubler cela, parce que 1920 par 1080, même avec une résolution de 300, peut être un peu trop petit, et il est toujours préférable de travailler grand pour que vous ayez pour créer des mouvements de caméra plus petits, un zoom ou des découpes. Alors faisons un double 1920. Donc ça va être 3840, 2160. Je vais laisser la résolution là à 300, même si techniquement, ça devrait être bon à 72 parce que ça ne va pas être imprimé. Mais j'aimerais juste me donner cette salle en termes de pixels. Je vais cliquer sur la couleur RGB cependant. C' est une chose importante à noter. La couleur RVB fait référence à l'écran de votre ordinateur et la couleur CMJN fait référence aux imprimantes, encre d'impression. Il suffit donc de le définir sur la couleur RVB. Cela fait vraiment une différence. Vous ne voulez pas avoir à rencontrer des problèmes à la toute fin de votre processus de travail, puis découvrir que votre document est dans le mauvais mode de couleur. D' accord. Alors cliquez sur « Créer », et voilà. On a notre document. Je vais appuyer sur « F » sur mon clavier. Cela me permet d'utiliser simplement l'outil de barre d'espace pour déplacer mon document si nécessaire. Donc, pour commencer, la première chose que je vais faire est de créer un ensemble de vignettes pour que j' ai un moyen de générer des idées visuelles. Comme je l'ai expliqué dans la vidéo précédente, vous auriez, à présent, recueilli une charge d'images de référence, vous aurez étudié l'humeur et la sensation des images que vous aimez. Maintenant, il s'agit de la façon dont vous interprétez cette recherche, cette recherche visuelle que vous avez faite, et essayez de trouver vos propres idées. La première chose que je vais faire est de créer un nouveau calque au-dessus de ce calque d'arrière-plan. Je vais ensuite appuyer sur « M » sur mon clavier, ce qui va activer l'outil de sélection, qui est ici à gauche. Donc, en cliquant sur « M » comme ça, je vais cliquer et faire glisser juste un rectangle général. Je n'essaie pas d'obtenir 1920 par 1080 ratio. Je veux juste une forme de triangle général. Je vais relâcher. Cette sélection est maintenant active. Si je tourne mon outil de brosse et que j'en augmente la taille, vous verrez que parce que j'ai fait la sélection, seul ce qui se passe à l'intérieur sera peint. Seul l'intérieur de cette sélection sera réellement affecté par la couleur, l'extérieur ne le sera pas. Donc, je vais juste supprimer cela en appuyant sur le retour arrière sur mon clavier. Ce que je veux faire maintenant est juste commencer très grossièrement et lâchement bloquer une idée pour une composition. À ce stade, je ne vais rien faire sur les détails, je bloque littéralement les valeurs de couleur et de tonalité. Je n'ai même pas besoin de m'inquiéter pour la couleur. Il s'agit plutôt d'utiliser des tons d'une seule couleur pour créer une petite composition de vignettes. Je vais maintenant passer à l'outil de brosse et commencer littéralement à ajuster cette zone avec la couleur. J' ai ouvert les pinceaux, le dossier des pinceaux de paysage, et je peux choisir n'importe lequel de ces pinceaux pour commencer, et c'est juste une question de remplir ma petite zone de vignettes avec de la couleur, mais essayer de garder à l'esprit et restez concentré sur le fait que je travaille un peu avec l'idée de composition que les choses lointaines sont plus légères et que les choses au premier plan sont plus sombres. Donc scène forestière pour moi aura des arbres au premier plan, et que je peux juste indiquer avec des lignes lâches que vraiment, à ce stade, je ne vais pas entrer dans les détails du tout. Je sais que j'aurai probablement de légers arbres forestiers en arrière-plan. Comme vous pouvez le voir, je deviens très abstrait avec cela et c'est toute l'idée, parce que dès que vous commencez à travailler dans les détails et à essayer de comprendre les choses, et être précis à ce stade, vous avez perdu tout espoir de laisser idées que vous n'avez jamais pensé venir à vous. Vous annulez ça immédiatement. Il est donc préférable de rester lâche et très, très libre forme à ce stade. C' est une petite composition. Commande ou Contrôle D à désélectionner. Retourne à M., je vais en faire un autre. Je ne veux pas en faire une ou deux. Je vais essayer de travailler quatre ou même cinq de ces idées, ces croquis miniatures. Vraiment, si vous n'arrivez nulle part, si vous avez l'impression que ce processus d'utilisation de la couleur et choses est un peu compliqué ou un peu frustrant, vous pouvez, par tous les moyens, faire ce processus de miniature avec un dessin au trait. Donc, si je devais juste esquisser mes idées avec la ligne, puis retourner et les remplir avec de la couleur, c'est tout à fait bien aussi. Voyons voir, peut-être que pour celui-ci, je vais faire quelque chose de plus pittoresque avec des montagnes en arrière-plan, des collines vallonnées. En fait, je pense même maintenant que je fais ça, peut-être que ce n'est pas une cabane dans les bois, mais une tente, et peut-être que c'est un lac et il y a des gens qui camper près du lac, mais qui gardent toujours ce thème forestier. Dessinez dans quelques arbres. D' accord. Ainsi, vous pouvez également faire un dessin de ligne simple et si vous voulez ajouter de la couleur à cela, sur votre pile de calques, si vous appuyez sur Commande ou Contrôle lorsque vous cliquez sur l'icône Nouveau calque, cela crée un calque sous le calque actif. C' est donc un moyen très pratique de le faire au lieu de créer un calque au-dessus et de le faire glisser en dessous. Tu as l'idée. Même c'est un peu trop de détails et je ne suis pas si heureux que je peigne dans un petit feu au premier plan ici. Donc je ne ferai pas trop. Je pense que je vais passer à autre chose. Je veux faire une miniature de plus. Ces deux-là ne sont pas encore tout à fait là en termes de mon idée visuelle de ce que j'ai en tête. Alors je vais lui donner encore une fois. Peut-être que je vais passer à une couleur brune pour ça. Zoom arrière un peu, cela aide également. L' idée de faire cela est que je suis en train de tracer un domaine d'intérêt. J' ai dans mon esprit que la cabine va être ici dans la composition, donc utiliser ces arbres comme dispositif d'encadrement est très utile pour conduire le regard du spectateur vers cette zone d'intérêt, surtout quand tout est si boueux et étranges que sont ces miniatures. a du sens pour moi, certainement, si vous êtes la personne qui les peint, cela aura du sens pour vous, mais vous voulez qu'il lise aussi pour quelqu'un d'autre aussi. Vous devez donc partager ces vignettes avec quelqu'un d'autre et discuter de la direction dans laquelle vous voulez aller. Disons qu'il se passe quelque chose comme ça. Cela ne ressemble peut-être à rien pour le moment, mais j'ai juste eu l'idée que cette cabane est peut-être là de ce côté et qu'elle est entourée d'une forêt, et qu'il y a un petit ruisseau qui traverse le cadre comme celui-ci. Encore une fois, conduisant l'œil du spectateur vers cette zone. Donc, je vais en faire quelques autres, mais je pense que vous avez l'idée de la façon dont vous pouvez créer une miniature. Je veux que tu lui donnes un coup de pouce, expérimente avec les pinceaux qui t'ont été donnés dans le paquet de pinceaux. Expérimentez avec les pinceaux dans le pack de pinceaux et voyez si vous pouvez trouver trois ou quatre, voyez si vous pouvez trouver trois ou quatre,ou peut-être cinq, ou même 10 idées de vignettes juste pour la composition et le contraste total. Quand vous serez prêt, rejoignez-moi dans la prochaine vidéo et je vais prendre l' une de ces miniatures et commencer à l'affiner un peu plus, et essayer de passer à l'étape suivante. 8. Faire le croquis: La prochaine étape du processus est, une fois que vous avez quelques miniatures basées sur votre recherche visuelle et votre tableau d'humeur et tout cela, l'étape suivante est de prendre une ou deux de ces miniatures et de commencer à travailler dessus et affiner pour un dessin fini. Je les ai regardés. J' ai aussi fait quelques autres exemples juste pour vous montrer d'autres meilleurs. C' était ma première passe pour faire quelques miniatures. J' ai aussi travaillé quelques autres sur le même thème exactement. Vous pouvez voir que vous pouvez réellement travailler beaucoup sur ce sujet. C' est très rapide. Ce n'est pas censé être un processus détaillé et long. Vous pouvez lancer ces petites vignettes, rapidement et rapidement, et faire tomber vos idées. Mais dans l'ensemble, j'ai l'air de repenser exactement la même idée dans presque tous d'entre eux. Il y a une jolie ligne d'horizon standard qui traverse le milieu. Comme je l'ai déjà dit, ça ne me dérange pas vraiment. Je pense que j'essaie de créer une scène pour un tir dans un film ou une animation, une scène conceptuelle, donc je n'ai pas besoin de quelque chose de trop sauvage ou trop dynamique. C' est censé juste mettre la scène. L' autre chose est que, dans le sens de la composition, je gravite vers un chalet ou une zone d'intérêt sur un de mes tiers, et aussi utiliser les arbres autant que possible pour encadrer ma composition. Enfin, j'essaie de jouer avec la notion de lumière contre obscurité dans mes valeurs juste pour donner le sens de revenir en arrière. Ce que je vais faire ensuite, c'est que je pense que je vais juste prendre cette miniature ici, vais juste aller commande, X pour le couper, cacher les deux couches, commander, V pour le coller. Je peux me débarrasser de ces deux autres couches maintenant. Ce sera mon calque de vignettes, donc je vais double-cliquer sur ce nom de calque et taper simplement, Miniature, puis le mettre à l'échelle à l'aide de l'outil de transformation. Je vais faire à peu près le même processus à nouveau en termes de blocage. Je ne vais pas commencer à faire de cette miniature une image finale. Je ne vais pas commencer à travailler dans les détails sur cette miniature. Ce que je vais faire est d'utiliser cette miniature comme point de départ pour générer un croquis très rugueux, et à partir de là je peux commencer à ajouter des détails. Je vais baisser l'opacité juste pour la verrouiller un peu. Je verrouille ce calque pour m'assurer que je ne dessine pas sur ce calque, puis crée un nouveau calque au-dessus de celui-ci pour recommencer. En général, j'appuie simplement sur D sur mon clavier et cela transforme mes nuances de couleur en noir et blanc. Je suis en noir et je peux peut-être commencer à dessiner cette composition. La première chose que je fais est toujours juste généralement faire une sorte de cadre. Je veux un arbre dans cette zone de mon cadre. C' est au premier plan, donc j'ai une rive du sol qui monte à mon premier plan. Je ne sais pas encore jusqu'où ça va. Peut-être qu'il y a un autre élément d'arbres ou quelque chose comme ça, mais cet arbre est la prochaine chose qui est importante dans ma composition. Puis il y a cette cabine qui, dans ma miniature, est vraiment trop grande. Je veux qu'il soit un peu plus petit. Je suis juste en train de dessiner quelque chose de très rude, très lâche. Peut-être qu'il y a un porche à l'avant et que des marches descendent. Il y a probablement de la végétation autour. Comme je l'ai dit, je sais que je veux que ça soit un peu enneigé, alors je garde ça à l'esprit. premier plan ou le milieu va être enneigé, il y aura de la neige sur les arbres, puis en arrière-plan il y aura de la forêt. Sachez que, quand quelqu'un dit dessiner une forêt ou peindre une forêt, vous n'avez pas à être super détaillé. Vous n'avez pas à penser, « Oh mon Dieu, maintenant je dois dessiner toutes les feuilles, toutes les branches. » Vous serez étonné de voir combien d'informations vous pouvez donner au spectateur ou donner quelqu'un regardant votre image en indiquant simplement des éléments verticaux comme celui-ci. Je sais que cela semble très simpliste, mais pour moi, cela se lit comme forêt. C' est ce que vous devez garder à l'esprit pour aller de l'avant avec ce processus, est, évidemment, vous voulez avoir des détails et vous voulez que choses ressemblent à elles sont censées regarder, mais il y a certaines choses que vous pouvez faire pour juste faire le dessin être réaliste sans avoir à travailler et se perdre dans des détails incroyablement peu importants. chose la plus importante pour ce fond est une humeur. Ce n'est pas vraiment un détail ou un réalisme. Vous voulez être en mesure de créer une ambiance parce que l'humeur est ce qui motive l'histoire. Cette chose que je dessine va être des rochers, je veux que cette cabane soit assez loin au loin, pas si loin en arrière. Si vous n'êtes pas satisfait de l'un de vos travaux de ligne à ce stade, déplacez-le simplement. Il suffit de le saisir, sélectionnez-le avec l'outil lasso, appuyez sur V sur votre clavier lorsque vous passez la souris sur la sélection et qui le rend mobile, puis vous pouvez le déplacer. Ensuite, désélectionnez, commandez ou contrôlez, D. En fait, je pense que tout cela doit se déplacer un peu vers le côté droit, alors sélectionnons ceci. Ça ne ressemble à rien d'autre, mais pour moi, c'est un très bon début. J' ai l'impression d'avoir organisé ma composition et, dans mon esprit, je sais ce qui va aller où. Je pourrais maintenant, à ce stade, vous n'avez pas à le faire, mais ce que je pourrais faire est juste de l'affiner un peu plus loin. Donc, je vais aller plus loin pour obtenir une partie du travail de la ligne un peu plus propre, déplacer les choses juste un peu comme je les veux. Tout ce que je vais faire est de réduire l'opacité de cette première esquisse, créer un nouveau calque au-dessus. C' est la meilleure pratique de verrouiller ce calque en dessous pour ne pas dessiner dessus. Je vais y aller et juste affiner légèrement ce dessin pour qu'il ne soit pas trop désordonné. Je veux qu'il soit un peu plus lisible, un peu plus clair. Ça rendra la prochaine phase du dessin beaucoup mieux. Je vais juste voler à travers ça très vite. Il y a donc mon dessin plus raffiné. C' était mon rude, et je l'ai nettoyé un peu. Je pense que je vais laisser ça à ça. Dans la vidéo suivante, rejoignez-moi, je vais commencer à bloquer mes valeurs. Pas tant de couleur, mais des valeurs, des tons, et juste pour m'assurer que je suis capable de créer un sens très crédible de la profondeur basé sur ce dessin de ligne. Quand tu seras prêt, je te verrai dans la prochaine vidéo. 9. 09. Valeurs de blocage: La chose importante que je garde [inaudible] pour l'art de fond est de créer un sentiment de profondeur dans votre cadre et de créer une scène crédible dans laquelle vous pouvez entrer. moment, dans cette vidéo, je veux jeter les bases pour cela en bloquant simplement tons et les valeurs de base afin de jeter les bases de ce sens de la profondeur. Je ne vais rien faire d'autre que de mettre dans des tons le long d'une échelle de valeur spécifique allant de la lumière à l'obscurité. Peu importe vraiment la couleur que je choisis à ce stade, parce que je peux toujours travailler ma couleur plus tard, ma teinte. Mais pour de la valeur, je veux me concentrer sur le travail avec presque une couleur pour ne pas me confondre, et je peux rester dans cette plage de lumière à sombre. Je vais choisir un ton bleuâtre parce que je veux que la scène soit hivernale, qu'elle soit froide et évidemment ça marchera bien si je reste dans ce spectre de couleurs. Donc quelque chose dans un rayon bleu, quelque chose de désaturé. Ce que vous pouvez faire, c'est, si vous voulez basculer entre les différents pinceaux et que vous ne voulez pas avoir à continuellement cliquer avec le bouton droit de la souris et choisir un pinceau. Ce que j'aime faire est d'aller à la fenêtre et de mettre ce panneau ici brosses. Quand vous faites cela, il apparaît en fait ouvert et reste ouvert. Vous pouvez soit le minimiser si c'est trop grand, vous pouvez également descendre vers le curseur, ce qui rend les icônes un peu plus petites. Abaissons un peu les icônes. J' aime l'avoir à propos de cette taille. D' accord. Encore une fois, c'est mon pack de pinceaux de paysage, que je vous ai laissé. Si vous ne l'avez pas encore, allez le télécharger et l'installer dans Photoshop et ensuite nous sommes prêts à partir. Laissez-moi baisser l'opacité de mon dessin. Verrouillez ce calque et créez un nouveau calque au-dessus. Je vais aussi basculer entre le pinceau et l'icône de la pipette en allant simplement en mode pinceau. Il suffit de maintenir l'option enfoncée ou Alt sur mon clavier fait apparaître l'outil compte-gouttes. Une fois que vous faites une sélection de couleur, vous pouvez relâcher l'option et vous êtes de retour dans le pinceau. C' est un excellent moyen, comme je l'ai déjà mentionné, de sélectionner et de peindre en même temps. D' accord. Comme je l'ai dit, je voulais avoir de la neige, alors je veux apporter quelques éléments de neige au premier plan. Mais je garde ces grands arbres verticaux qui encadrent ma zone d'intérêt assez sombres, puis je m'évanouis sur mon milieu. Donc, dans la prochaine vidéo, je vais commencer à affiner mon blocage de couleur, c'est une autre étape dans la phase de blocage. Mais cette fois, je vais commencer à ralentir et à travailler un peu plus délibérément. Je te vois dans la prochaine vidéo. 10. Couleurs et tonalité: Dans cette phase, nous allons commencer à apporter de la couleur et essayer d' affiner la composition au-delà de simples tons sombres ou hauts. La première chose que je vais faire est de créer une couche de couleur d'arrière-plan afin que je ne travaille pas sur ce fond blanc uni. Cela n'a pas d'importance énorme, mais juste un ton très léger et subtil en arrière-plan, il va beaucoup aider. Avec cela fait, je vais maintenant retourner à ma couche de peinture ici et je veux briser ça. J' aurais pu le faire dans la première phase, fait sur différentes couches. Mais la vérité est que parfois, lorsque vous êtes juste en mode pinceau et en peinture, vous avez tendance à être distrait de créer de nouveaux calques à chaque fois. Donc, pour ce premier passage, il est bon de faire toute votre peinture sur une seule couche, et en effet, vous pouvez faire toute la chose sur une seule couche. Sachez juste que c'est certainement une option, si vous voulez traiter cela d'une manière presque similaire à un chiffre ou une peinture traditionnelle, vous pouvez certainement le faire. Je suis juste très habitué à créer des illustrations sur des calques et à pouvoir déplacer les choses si j'en ai besoin et saisir des éléments, les mettre à l' échelle très, très rapidement. C' est pour ça que j'aime séparer les choses. Donc, cet élément de premier plan, je vais utiliser la commande ou le contrôle x pour le couper, puis commande ou contrôle si vous êtes sur un PC plus shift et v, va le coller en place. Si vous appuyez simplement sur Contrôle v ou Commande v, il le met au milieu. Je vais annuler ça. Commande de commande plus shift et v coller cela à l'endroit exact où vous le coupez. C' est là, et parce que j'ai manqué certains de mes rochers en arrière-plan, je vais rapidement entrer et faire ça. Répare ça. Ensuite, je vais sélectionner tout ça. Je ne sélectionne pas ces arbres verticaux en arrière-plan, mais cette zone et cet arbre ici, et tout le chemin en bas. Je vais faire la même chose. Coupez ça, collez-le en place. Maintenant, j'ai à peu près un premier plan, un milieu et un arrière-plan, et je vais m'en tenir à ces trois zones de la composition, et j'ajouterai des calques au fur et à mesure que je construirai chacune d'entre elles. Mais juste avec ça, dans mon esprit, sachant que je peux peindre quelque chose derrière cet arbre et ne pas avoir à m'en soucier, c'est génial. À ce stade, je vais supprimer. Je peux supprimer ma vignette. Je vais garder mon croquis pour l'instant juste au cas où je devrais y revenir à n'importe quel stade et je pourrais juste le mettre sur le dessus. Il est très pratique de l'allumer et éteindre et de voir s'il y a des détails dans le croquis que vous avez manqués, comme des rochers au premier plan, ma rivière ou mon ruisseau. Mais je vais me concentrer sur la peinture sur ces couches à partir de maintenant. Je suis passé à un peu de couleur brune. Je vais commencer à travailler sur cet arbre cultivé ici. Si vous voulez changer la direction de votre pinceau, vous pouvez simplement cliquer avec le bouton droit de la souris et déplacer cette flèche. Certains des pinceaux sont très spécifiques dans leur forme, et il est utile de le retourner si vous en avez besoin . Pour cette phase, je dirais que vous n'avez pas besoin de vous précipiter du tout. Vous pouvez prendre votre temps. Nous essayons toujours de rester zoomés, toujours très lâches et nous n'essayons pas encore de faire des détails. Maintenant, j'utilise ce ton bleu clair tout au long et de garder la palette assez cohérente. Ne va pas mélanger trop de couleurs dans la scène. Tout sera dans le même spectre, plus ou moins. Sur les rochers ici, je veux donner l'impression de l'accumulation de neige parce que cela définira les formes beaucoup mieux que d'avoir juste une masse grise encombrante, et je peux également passer à un ton beaucoup plus sombre et cela donnera une définition à la bas de ces formes. Pour l'arrière-plan, j'utilise l'un des pinceaux d'échantillon qui a une texture très nette ou abstraite, et cela ne me dérange pas. Ces marques ici sont juste pour indiquer les arbustes arbustifs à l'arrière-plan, et le sous-bois forestier. Je ne m'inquiète donc pas trop de la définition des formes. Je veux juste donner cette impression. La dernière chose que je vais faire dans cette passe toute façon est de définir la section des arrière-plans. Je vais amener cet arbre vers un look plus résolu et aussi travailler sur la cabine. Comme je l'ai déjà dit, mon processus est très expérimental au fur et à mesure que je vais. Donc, je ne peux pas vous dire quelle brosse exacte vous devriez utiliser pour quelle partie de votre arrière-plan. C' est à vous de jouer avec ces pinceaux et avec leurs formes pour obtenir l'effet que vous voulez. Il s'agit d'utiliser de manière créative des formes de pinceau pour créer un effet spécifique, et pas vraiment d'utiliser l'un ou l' autre des pinceaux pour définir quelque chose du tout. Certainement pas à ce stade, pas à la phase initiale. Alors ne vous inquiétez pas trop de la brosse que vous devriez utiliser. Comme vous pouvez le voir d'après la façon dont je le fais, je suis littéralement en train d'expérimenter et d'essayer des pinceaux au fur et à mesure que je vais. J' ai été un peu trop détaillé dans ce carbone. Je vais m'empêcher de faire plus de détails là-bas. Je vais juste essayer d'apporter quelques notes finales pour mes arbres. Maintenant, je vais essayer de réparer un peu les arbres en arrière-plan, les obtenir un peu plus résolus. Ce que je vais faire, c'est que je vais créer un nouveau calque au-dessus de ce calque rugueux là-bas et juste créer une ligne droite. Je maintiens « Shift » enfoncé et juste faire une marque droite comme ça puis sortez pour simplement le tourner de son côté ou le tourner un peu, et je peux maintenant ajouter à cela si je veux, et puis je peux dupliquer cela en cliquant et maintenez « Option » ou « Alt » enfoncée sur votre clavier et cela le fait simplement glisser à travers. J' essaie vraiment d'affiner ces arbres en arrière-plan en faisant des troncs d'arbres plus fins et plus précis, et je ne veux pas qu'ils soient tous droits, car évidemment, dans une forêt, les arbres sont toujours à un léger angle. Aucun d'entre eux n'est vraiment complètement vertical. Mais l'utilisation de lignes minces comme celle-ci donne l'impression qu' elles sont un peu plus loin que l'arbre de premier plan. Maintenant, je vais juste fusionner ces deux couches ensemble. Ceux-là à ma nouvelle série d'arbres. Fusionner les couches, et nous y allons, et c'est l'air un peu plus propre et plus rangé et un peu plus réaliste. Je suis assez content de ça. Cela semble beaucoup plus résolu, et l'impression de la forêt est beaucoup plus forte maintenant que j'ai réparé ces arbres de fond. Je vais l'arrêter là pour l'instant. Je vais revenir dans la vidéo suivante, puis commencer à travailler l'arrière-plan de l'arrière-plan vers le premier plan et commencer à apporter plus de détails. Alors quand vous serez prêt, rejoignez-moi dans la prochaine vidéo. 11. Peindre les arbres de la forêt: J' ai bloqué dans des tons et des couleurs de base. Maintenant, je vais travailler un peu plus dans ce processus. J' ai ma cabine sur ce calque, je vais juste cliquer avec le bouton droit sur ce calque et fusionner cela vers le bas, donc tout est maintenant sur un seul calque. Ça a l'air assez proche de mon croquis, ce qui est bon. Il se trouve que je suis allé trop loin en termes de direction de l'esquisse. Ce que je vais faire maintenant dans cette vidéo, c'est travailler un peu sur le fond. Pour cela, d'une très petite manière, je vais commencer à utiliser certains des pinceaux de timbre hautement texturés avec des images et ils pourraient disperser la forêt. C' était ma quatrième rangée et je peux le supprimer. Créez un nouveau calque au-dessus de ce calque bleu et avec le pinceau sélectionné, allez choisir un ton qui est un peu grisâtre. Ce que vous pouvez faire avec cette brosse, elle change de taille en fonction de la pression que vous appuyez dessus. Je vais juste comme ça et puis peut-être faire une autre ligne en dessous avec une couleur plus claire. Dans la pile de calques sur l'icône Calque, maintenez la touche Commande ou CTRL enfoncée et cliquez sur « Nouveau calque » qui place ce calque en dessous. C' est un peu bleu qui regarde à mes yeux, attendez. Laisse-moi défaire tiret, juste rendre ça un peu plus grisé, semble mieux. Juste comme ça, instantanément nous avons une forêt. J' aime vraiment ces marques de pinceau accidentelles qui apparaissent lorsque vous travaillez de manière abstraite et sans trop se concentrer sur les détails, choses peuvent arriver qui ajoutent vraiment à façons beaucoup plus dynamiques que si vous aviez essayé d'aller et de dessiner des choses. Donc, pour moi, c'est lire un peu comme du brouillard ou de la brume, ou ça pourrait être de la fumée. Je vais le laisser exactement comme il est en ce moment, je pense que si je clique juste dessus, c'est sur cette couche intermédiaire derrière la cabine. C' est bon, c'est vraiment cool. Je vais laisser Dash. Je vais éteindre mon dessin juste pour jeter un coup d'oeil à la peinture un peu. Ce que je dois faire, c'est trouver ces arbres. Ces arbres sont sur cette couche ici et je vais les rendre un peu plus arboré. Depuis que j'ai commencé à introduire ces pinceaux très photoréalistes là-bas, je pourrais aussi utiliser quelques branches ou pinceaux morts et les travailler dans la composition aussi bien. Juste pas trop, mais commencer à travailler dessus un peu de buisson. Mais d'abord, je vais résoudre ma forêt et faire finaliser ma forêt. Donc, en créant un nouveau calque, je vais maintenant passer à l'outil lasso et découper une forme comme celle-ci, puis passer à mon outil brosse. Je peux goûter une couleur plus foncée pour l'instant et je vais juste utiliser l'un des pinceaux habituels que j'ai utilisés et peindre à l'intérieur. Ensuite, la même chose ici, en utilisant l'outil lasso pour créer une forme plus définie. Tout ce processus est vraiment d'apporter maintenant ce fond, sorte de forêt, pour lui donner un peu plus de détails et un peu plus de résolution basée sur les deux palais que j'ai déjà fait. Finalement, je vais réellement ajouter les branches sur ces montants et faire croire qu'il y a un peu d'auvent et peut-être lui donner plus de définition en termes de brindilles et de branches. Mais pour l'instant, je veux juste que ce soit beaucoup plus défini qu'eux. Vous pouvez vraiment mélanger vos formes en termes de formes organiques et linéaires, parfois j'utilise le lasso pour créer ces bords très droits, mais puis souvent je vais revenir à un pinceau et essayer de peindre ou dessiner un peu plus organiquement, en particulier pour les branches qui sortent des côtés. Peu importe ce que vous ressentez rend l'image plus agréable pour vous, il n'y a aucune règle. Tout en essayant de vous entraîner à la composition, voyez ce qui fonctionne. Entraînez votre œil de cette façon. Cela vient au fil du temps avec la pratique et avec ce genre d'approche, le style de peinture encore et encore. Comme vous pouvez le voir, c'est beaucoup d'expérimentation et beaucoup de voir ce qui fonctionne où. Je peux appuyer sur le bouton « Annuler » autant de fois que nécessaire et continuer. Mais cela commence certainement à se sentir beaucoup plus défini et beaucoup plus résolu déjà, même juste avec, je pense que faire ces lignes droites, lignes droites vers le haut et vers le bas avec l'outil lasso aide vraiment aussi bien. Lorsque vous travaillez avec l'outil lasso comme celui-ci, assurez-vous simplement que vous mettez vos marques sur des calques séparés afin que vous puissiez le saisir et le déplacer si nécessaire. Vous ne voulez pas peindre sur autre chose et ensuite essayer de l'effacer. Je vais juste dessiner à la main des brindilles, une sorte de trucs branchés en arrière-plan, une sorte d'arbres morts en hiver. Je peux aussi utiliser cette très petite brosse à dessin pour commencer à apporter un peu d'un soupçon de texture, pas trop pour commencer et voir où ça va. C' est en fait un long chemin, c'est une très bonne étape pour regarder en arrière et juste voir où dois-je ranger sur le côté droit là, c'est un peu un écart, donc je peux peindre ça sur cette couche. La forêt a l'air assez belle maintenant, c'est certainement beaucoup plus défini qu'avant. Dans la vidéo suivante, je vais commencer à travailler à apporter les détails au milieu du terrain, travailler un peu sur la cabine, je pense. Commencez également à apporter des textures pour certains des éléments de gommage, broussailleux ou des buissons et des arbres que je veux construire. Quand tu seras prêt, retrouve-moi dans la prochaine vidéo. 12. Ajouter des textures et des détails: Quelques-uns de ces brosses ont des trébuches très spécifiques comme celui-ci, 301. Je veux dire, ce que j'ai tendance à faire, et c'est une suggestion si tu veux travailler avec quelque chose comme ça, c'est que je vais faire une nouvelle couche en dessous. Dites que je veux le mettre en arrière-plan là-bas, faire un nouveau calque, sélectionner ma couleur, quelque chose de sombre, et le tamponner, mais à l'aide de l'outil de transformation, vous pouvez la faire pivoter, la mettre à l'échelle, déplacer dans lieu. Ensuite, je vais généralement passer à la gomme et juste en frapper une partie en arrière de sorte qu'il semble maintenant très discret à l'œil et très, très subtil. Je vais utiliser quelques uns de plus. Laissez-moi le rendre encore plus sombre et en mettre un au premier plan. Je ne vais pas faire trop de ces buissons parce que ça peut devenir très évident très rapidement. Parfois, je préfère juste travailler avec un pinceau et en fait simplement dessiner sur des branches si j'en ai besoin. Ce que je veux faire maintenant, c'est essayer d'apporter un peu de texture de neige dans la composition, ce qui est très important pour une ambiance forestière hivernale. Je vais commencer à peindre sur mes arbres. Avant de passer à autre chose, je vais essayer de consolider certaines de ces couches. Je commence toujours par les regrouper juste pour voir où je suis. Ce groupe contient des arbustes et des objets de gommage. C' est ma couche intermédiaire principale, donc je vais juste appeler ça milieu de terre. C' est une couche de texture. Texture et texture. Ce sont mes arbres, donc je vais appeler ces arbres du milieu du sol et ces deux couches ici sont mes arbres de fond. C' est mon premier plan. Appelle juste le premier plan de la couche. Par exemple, si je commence à travailler sur mon arbre de premier plan et à y créer une texture de neige, ce que j'aimerais faire est de revenir sur cette couche et en utilisant ma touche de commande ou de contrôle sur mon clavier, j'appuie sur la commande et cliquez sur l' icône miniature de ce calque et qui sélectionne tout ce qui se trouve sur ce calque. Je ne vais pas m'inquiéter pour ça. Tout ce qui me préoccupe, c'est l'arbre. Je serais capable de peindre sur l'arbre et de rester dans cette zone limite. Je vais faire une nouvelle couche au-dessus de ça, passer à quelque chose de très texturé qui va me donner cette sensation de neige. Un pinceau qui est peut-être quelque chose comme ça, qui est un peu brisé. Parce que je suis sur un calque au-dessus, si cela ne fonctionne pas, je peux simplement supprimer ce calque. Mais je vais à la légère, qui a l'air très enneigé, brosser là dessus. Maintenant, ça pourrait avoir l'air un peu trop . Je trouve qu'avec cela, le processus est que vous voulez créer une texture et créer un effet, puis le renverser, la redimensionner parce que le plus souvent qu'autrement, c'est un peu trop que vous voulez. Défaites et revenez avec ma gomme. Effacez-le un peu parce que nous ne voulons pas tout ça. Maintenant, je vais juste répéter ce processus pour les arbres de fond, juste donner un soupçon de neige sur les troncs d'arbres là-bas. Dans mon dossier d'arbres au milieu du sol, je peux commander select dans la vignette et obtenir la sélection juste pour que je puisse peindre et juste que je veux juste brosser légèrement une texture blanche enneigée du bas vers le haut. Je ne couvrirai pas toutes les branches ou je ne couvrirai pas tout le tronc de l'arbre. J' essaie légèrement de donner l'impression de neige. Peut-être que la neige vient du côté gauche et donc juste que j'ai besoin de brosser à gauche de chacune de ces branches. Ça a l'air en fait assez bien. Je vais le laisser là. C'est à peu près le plus que je veux faire dans cette passe. Dans la vidéo suivante cependant, je vais commencer à traiter la cabine et l'arbre sur le côté droit. Lorsque vous serez prêt, rejoignez-moi dans la prochaine vidéo et nous commencerons à ajouter ces détails dans. 13. Ajouter de la neige sur les arbres: Mais à ce stade, je pense que vous pouvez clairement voir l'ensemble de la peinture commence vraiment à se réunir. Je travaille encore beaucoup de cette manière abstraite et connue et j'utilise autant que possible les pinceaux de texture que j'ai à ma disposition. C' est vraiment ce qu'est le processus de la peinture conceptuelle. Le produit final semble toujours si poli et fini, mais le processus réel est beaucoup plus lâche et beaucoup plus intuitif que vous ne le pensez normalement. Je tiens à vous encourager, à ce stade, à garder cela à l'esprit. Essayez d'éviter de vous enliser dans les détails, en dessinant comme des branches et des feuilles. Essayez d'éviter d'aller zoomer sur une zone et un coin spécifiques et de travailler dessus. Essayez de garder un zoom arrière, gardez votre œil sur l'ensemble de la composition, en vous assurant que tout est lu de manière cohérente. Dans cette vidéo, je veux ajouter plus de neige aux arbres sur la droite. Je veux ajouter de la neige et de la texture à cette cabine et ensuite rendre cette zone avant un peu plus résolue. Si je peux passer à travers ça, alors j'ai presque fini. Après cela, une fois ces deux ou trois domaines résolus, il s'agit juste de mettre de beaux effets et d'ajouter de l'atmosphère et du ton, ce qui est l'une des parties les plus faciles. Permettez-moi de finir l'arbre d'abord et ensuite j'irai à la cabine parce que je veux parler un peu de la cabine. C' est un élément important. C' est en fait le point central de ce tableau. Je vais voir comment on va avec les arbres, si je peux finir ça, et ensuite je te parlerai de cette cabane. Il y a quelques choses que je veux signaler à ce sujet. abord, cet arbre, il est toujours sur cette couche principale de milieu de terrain. Si je devais sélectionner le contenu de cette couche, cela me donne une assez bonne définition. Je pourrais juste appuyer sur L sur mon clavier. Où sommes-nous ? Maintenez la touche Maj enfoncée, pour que j'obtienne cette petite icône plus. Ce que je vais faire est juste de faire une ligne droite autour du bord avec cette sélection. C' est un peu mieux. Je veux juste affiner ce bord, pour que je puisse peindre dessus. Ensuite, je vais faire une nouvelle couche au-dessus. Encore une fois, de la même manière que j'ai traité cet arbre, je vais faire quelques effets enneigés qui montent le long du côté, en le gardant cohérent avec tous les autres arbres. Je suis plutôt content des arbres, je vais les laisser à ça pour l'instant. Je pourrais y revenir un peu plus tard. Mais pour l'instant, je pense qu'ils vont bien. C' est assez bon pour que je passe à autre chose. Je veux juste commencer à travailler un peu sur cette cabine. Dans la vidéo précédente, j'ai beaucoup expliqué comment le personnage doit infuser votre peinture. Vraiment, vous pouvez avoir une scène de paysage vide comme celle-ci et encore parler de caractère, qui à son tour parle de l'histoire. Comme je l'ai déjà mentionné, l'artiste conceptuel est différent d'une illustration. Vous n'êtes pas seulement en train de mettre une scène, vous racontez une histoire dans votre tableau. La façon dont vous faites cela est d'indiquer un caractère, même si vous n'avez pas de caractère réel dans l'image. Une structure construite pointe toujours vers une sorte de caractère qu'il y a une personne là-bas. Dans la prochaine vidéo, je vais parler un peu plus de ce concept ou de cette idée et expliquer comment je vais aborder la finalisation de la cabine dans le coin. Quand vous serez prêt, rejoignez-moi dans la prochaine vidéo. 14. Peindre la cabane: Je pensais à l'origine que j'allais avoir une cabane finalisée ou très finie ici dans cette section de la peinture. Mais je commence maintenant à penser que cette cabine au hasard délabrée est assez agréable comme elle est. Je pense qu'au fur et à mesure que la peinture progresse, l'ambiance qui en est venue a un ton très spécifique et cette cabane délabrée et déserte s'inscrit vraiment dans l'ambiance qui se crée. En fait, je ne vais pas faire une cabine entièrement finie. Je vais essayer de garder une partie de cette sensation rugueuse, audacieuse , décomposée comme je peins un peu plus dessus. Donc, en d'autres termes, le sentiment que le bois est brisé et s' écroule, les lacunes dans les murs et les choses comme ça. Je vais garder et je vais juste essayer d'ajouter un peu de détails et de mettre de la neige sur le toit. C' est sur cette couche verte moyenne et comme d'habitude, je vais faire une couche au-dessus de ça. Cette fois, je ne peux pas zoomer un peu. Si j'appuie sur « F » sur mon clavier, cela affichera cette vue plein écran. En fait maintenant, vous pouvez commencer à voir que si la peinture est définitivement en train de se réunir et que je suis très heureux de l'ambiance qui est en train d'être établie. regardant comme ça en plein écran cependant, je peux voir que autour de la zone de la cabine, je vais avoir besoin de faire des chemins un peu plus définis le long de ces zones arbustives et buissonneuses juste sous l'arbre. Je pourrais prendre quelques minutes et le faire maintenant. Donc ce que je vais faire, c'est utiliser un de ces pinceaux, arbres morts, ou branches mortes. Oublie la couleur. Si ce n'est pas trop sombre, alors il aura l'air assez subtil et il ajoutera certainement une luxuriante. Je vais également utiliser la gomme pour renverser l'une de ces marques si elles sont à la norme trop. Ensuite, je vais juste brosser un peu de texture autour de la cabine pour la mettre en arrière-plan un peu mieux. Je veux donner l'impression que les armoires sur une petite rive qui descend vers le ruisseau ou le ruisseau qui traverse le plan photo. Ces brosses de timbre sont géniales, mais vous devez les utiliser un peu prudemment que je continue de répéter, mais je pense que je vais laisser cela pour l'instant et commencer à travailler sur la propriété de la cabine. Le niveau de détail que je veux ajouter à cette cabine doit vraiment être lié à cette idée ou à cette idée que les morceaux de bois sont un peu cassés. J' essaie d'utiliser un ton sombre pour indiquer les bords cassés, puis un ton clair Juste pour ramasser les points forts où je pense que la lumière ambiante tombe sur ces morceaux de bois et c'est vraiment tout. Je ne vais pas entrer et faire du bois ou quoi que ce soit comme ça. Je vais maintenant entrer et essayer d'ajouter de la neige dans la cabine. Donc, une fois que la neige est dessus, il commence à paraître beaucoup mieux et plus réaliste. Donc ça prend du temps pour que ça se parce que je ne veux pas couvrir tout le toit de blanc. Je veux donner cette impression de dérive de neige et garder à l'esprit que le toit est brisé par endroits et donc je dois ramener une partie du toit. C' est juste une question de travailler avec la brosse, puis de passer dans la gomme au besoin. Puis, au premier plan, je vais apporter des formes plus organiques pour indiquer les roches et indiquer cette banque. Alors maintenant, avant d'aller plus loin. Je vais aller dans et consolider les couches. Je peux fusionner ces deux couches ensemble. Fusionner les calques. Donc juste fusionner des couches où je peux pour m'assurer que les choses ne deviennent pas complètement désordonnées. Je crée généralement un nouveau calque lorsque je commence à appliquer une texture, juste au cas où cette texture ne fonctionne pas. Mais une fois qu'il est créé et qu'il fonctionne et que je suis satisfait de son apparence, alors je n'ai pas vraiment besoin qu'il soit sur un calque séparé. Je ne vais pas vraiment y retourner et le changer. À ce moment-là, je peux le fusionner. Donc, il ressemble un peu à la nature dans ma pile de couches et je vais continuer. Donc ces couches supérieures, c'est ma couche de texture au-dessus de ma cabine. C' est juste ces branches de premier plan sur la gauche. Donc je vais les laisser tels quels. 15. Créer l'histoire dans la peinture: Voyons voir, nous sommes certainement vers le dernier tour autour de ce tableau. Ce dont je parlais dans la dernière vidéo, c'est l'idée que cette cabine va introduire l'histoire et le caractère dans notre scène. J' ai décidé que je voulais aller plus loin. Tout d'abord, j'ai pensé à avoir une cabine normale et régulière, puis au fur et à mesure que la peinture progressait et que l'ambiance s'établissait dans la peinture, j'ai décidé de la laisser comme cette cabane délabrée et délabrée. Mais maintenant je me dis, et s'il y avait un soupçon de quelqu'un à l'intérieur ? Je vais essayer de créer une lueur de feu qui vient de l'intérieur de la cabine. Il y a quelques raisons pour lesquelles je veux faire ça. Premièrement, parce qu'il va immédiatement nous présenter cette idée de quelqu'un dans la scène et susciter immédiatement l'intérêt du public voulant savoir, qui est cette personne ? Pourquoi sont-ils là ? Comment sont-ils entrés là-dedans ? Il ouvre l'histoire d'une manière majeure et l'autre raison est de permettre, en choisissant de créer une sorte de juste un effet de la lueur de feu venant de l'intérieur. Cela va introduire un très beau contraste de couleur. Je vais travailler avec des oranges et des rouges brillants et donner un peu d'éclat très subtil. Mais cela suffira à contraster tous les bleus et tous les virages froids que j'ai utilisés tout au long de la pièce, et cela revient très bien à l'autre concept de création de contraste dans vos images. Que ce soit à travers la composition ou à travers votre choix de couleurs, contraste est une chose vraiment agréable à avoir pour rendre votre composition plus dynamique. Ce que je vais faire, c'est identifier où se trouve ma cabine. C' est cool, ma cabine est sur cette couche. Ce que je vais d'abord faire, c'est m'assurer que j'ai lacunes dans ma cabine pour que la lumière s'échappe. Ça veut juste dire d'entrer et d'effacer une partie de la cabine. C' était mon premier dessin initial. Non, c'est ma texture sur le dessus. C' est ma cabane ici. Je pourrais aussi cacher toutes ces couches pour que je puisse voir exactement ce que je fais. Je vais juste effacer certaines de ces choses. Rallume tout, allume ça. Sous cette couche, je commande contrôle, cliquez pour créer un calque. Je vais juste utiliser une brosse ronde régulière dans le dossier général des brosses et choisir une couleur orange. Juste passer par le jaune d'abord, donc quelque chose comme ça. Je pourrais même réduire un peu l'opacité de mon pinceau. On dirait qu'il y a une lueur de feu là-dedans, mais pour vraiment vendre l'idée, je dois essayer de faire éclater ce feu. 16. Ajouter de la lueur pour le feu: Maintenant ce que je vais faire, dans la dernière vidéo, je viens de créer la lueur que vous voyez à l'intérieur de cette cabine. Encore une fois, en introduisant l'idée que quelqu'un est probablement comme un traîné, se cacher ou s'y réfugier . C' est cette couche juste là, lueur. Ce que je veux faire maintenant dans cette vidéo, c'est juste avoir déversement un peu sur les environs, et juste l'améliorer un peu plus. Tu ne veux pas en faire trop comme ça. Je ne veux pas commencer à peindre des reflets rouges sur les arbres ou quoi que ce soit. Tout ce que je vais faire, c'est, en mode pinceau, je pourrais aller à un pinceau rond doux. Brosse ronde douce régulière à l'un des pinceaux Photoshop par défaut, augmentez la taille de celui-ci beaucoup pour qu'il soit beau et grand et qu'il puisse être diffusé. Ensuite, il suffit de sélectionner avec le compte-gouttes, l' un de ces tons lumineux, soit le rouge ou le jaune. Je vais juste mettre quelques touches autour de l'extérieur comme ça. Maintenant, c'est sur sa propre couche séparée. Laisse-moi voir. Attendez. C' est sur sa propre couche séparée, et c'est bon parce que je peux vraiment jouer avec ça. Je peux le réduire. Je peux réduire l'opacité si je veux. En outre, regardons rapidement les modes de fusion et voyons si cela va faire quelque chose. ce moment, c'est normal. Si je descends à Overlay ou Soft Light, ça le renverse vraiment un peu, ou Hard Light lui donne un peu plus d'une lueur intense. Je pense que je vais aller avec la superposition pour l'instant. Amenez un peu l'opacité, peut-être environ 70 pour cent, c'est bien. Vous pouvez toujours ajouter plus, il est beaucoup plus facile d'en ajouter plutôt que de l'enlever. Je ne sais pas. On verra. L' autre chose que je veux faire est que je veux ajouter quelques effets de fumée. Laisse-moi voir si ça va faire une différence si c'est sur la neige. Pointez sur la souris ici. On dirait que la grange est en feu, et je ne veux pas donner cette impression. Je veux juste que ce soit que ça vient de l'intérieur, donc c'est peut-être un peu trop. Laisse-moi enlever tout ça. Effacez ça. Je pense que ce que je vais faire, c'est créer une couche de fumée. Laisse-moi aussi appeler cette lueur, pour que je sache ce que c'est. Je vais faire un nouveau calque au-dessus de cela et sur ce calque commencer par ceci, ou en fait, vous savez quoi ? J' ai peut-être des pinceaux fumigènes. Laisse-moi descendre et voir. Est-ce que j'ai quelque chose dans mon dossier ? J' ai des pinceaux de texture, ça fera pour la fumée. J' en ai un qui s'appelle « Smoke ». On peut aussi regarder Mist. Allons-y avec ça pour l'instant. Je vais choisir une sorte de couleur grise. Ça va très bien marcher, je pense. touche de bleu là-dedans. Maintenant, ça commence à être vraiment sympa. On dirait qu'il y a un feu allumé à l'intérieur et que quelqu'un est là-dedans. On ne dirait pas que la grange elle-même est en feu. Laisse-moi faire ça très vite. On y va. Remettez des sommets enneigés sur ces arbres ici. Je vais double-cliquer sur ce calque, appeler ce calque « Smoke ». Retourne au Smoke. Dépêchez-vous une minute. Je pense que ça a l'air beaucoup mieux. Dans la vidéo suivante, rejoignez-moi, je vais peindre dans le ruisseau ou le ruisseau que je veux voir courir par ici. Ensuite, je vais finaliser le tableau et l'appeler fait parce que maintenant je suis très content de l'endroit où je l'ai. L' ambiance s'est vraiment établie, c'est une scène très agréable, lâche et picturale. Il y a l'élément de caractère, l'élément de l'histoire, et il a juste besoin d'être terminé et finalisé. Nous sommes sur le dernier tronçon, quand vous serez prêt, rejoignez-moi dans la prochaine vidéo. 17. Peindre le ruisseau de la forêt: La dernière chose sur laquelle je veux travailler dans ce tableau est d'ajouter dans le ruisseau forestier, ou le petit ruisseau que j'imaginais dans ma vignette. C' est très simple. Je veux dire, il y a plusieurs façons de le faire, mais j'ai abordé toute cette peinture avec une approche très intuitive et directe, qui signifie fondamentalement que j'ai tout dessiné ou peint. Je n'ai pas utilisé de textures de photos, et je n'ai pas vraiment utilisé de calques de masquage. Je vais continuer là-dedans. Vous pouvez évidemment utiliser une texture de photo, faire glisser une photo d'une rivière ou d'un ruisseau si vous le souhaitez, mais il est si facile et simple d'en dessiner une. Dans cette vidéo, je vais vous montrer comment je vais faire ça, puis je travaillerai pour finaliser le tout et finir ensuite. Choisissons une couche sur laquelle on va la mettre. Évidemment, ça va être derrière cette couche de premier plan. Sur ce calque, je pourrais appuyer sur « Commande » ou « Contrôle » dans ma nouvelle icône de calque afin qu'en dessous, puis avec l'outil Lasso, je découpe un peu une forme. Ça va venir comme ça. Je peux voir où j'ai généralement indiqué où je voulais aller, mais je sais que je veux qu'il traîne dans ces arbustes et buissons à l'arrière. C' est ma forme définie et je vais appuyer sur « G » sur mon clavier. Je voulais aller avec quelque chose de couleur sombre. Évidemment, c'est un morceau de mauvaise humeur. Ce n'est pas une journée ensoleillée, donc je ne veux pas que mon flux soit un bleu très vif. Je veux le garder dans cette plage très sombre. Aussi, pour ajouter le sentiment d'être dans une forêt. Je vais juste cliquer là-dedans et c'est là. J' ai déjà de la peinture sur cette couche qui la recouvre, ce qui est bon. Ça va s'ajouter à ça. Ce que je veux faire, c'est donner l'impression que c'est fini. Alors laissez-moi juste appeler ce flux et je vais faire une nouvelle couche au-dessus de cela. basant sur ces zones ici avec ma brosse, je vais indiquer une accumulation de neige sur les berges et juste brosser légèrement comme ça. Je pourrais même choisir un ton légèrement plus sombre pour donner un soupçon d'ombre. C' est juste les rives du ruisseau, c'est le ruisseau lui-même. La prochaine chose que je vais faire est entre ces deux couches, laissez-moi juste dire les banques, B-A-N-K-S, donc je sais ce que c'est. Je vais essayer de créer un peu de réflexion. Si je viens à ce dossier ici, qui est mes arbres de milieu cultivés, juste là, je vais appuyer sur « Command/Control J » sur mon clavier qui duplique tout ce dossier. Ensuite, je vais cliquer avec le bouton droit de la souris et fusionner ceci en une couche aplatie. Je vais saisir cela, le faire glisser entre le flux et les banques, puis je vais venir à Modifier et aller à Transformer et retourner cette verticale. Ensuite, j'utiliserai l'option Command T pour la sélectionner, puis la faire glisser vers le bas. Donc ça reflète à peu près les arbres en haut. Mais je vais saisir chacun des coins ici, maintenant « Commande » ou « Contrôle » sur mon clavier juste pour donner un petit soupçon de perspective, cliquez sur cette icône « Vérifier » pour m'engager à cela. Maintenant, je vais aller sur le calque, je vais maintenir enfoncé cette fois « Option » ou « Alt » et cela fait apparaître ce petit masque ou icône d'écrêtage et ce que vous faites est que vous cliquez juste entre les deux calques et il clips cette image à celle ci-dessous. Ça a l'air bien, vous pouvez faire des ajustements après ça si vous voulez. Ce que je vais faire est en fait changer le mode de fusion pour se multiplier. Non, je crois qu'il suffit de le laisser. Qu' en est-il de la superposition ? Allons réduire un peu l'opacité. Ce n'est pas si brillant. Si quelque chose saute, vous pouvez juste le changer. Effacer cela parce que cela semble un peu trop lumineux. Ces marques ont l'air brillantes. Personne ne va aller voir si vous copiez exactement le même arbre vers le bas directement. C' est juste pour donner une impression. Avec cela en place, je vais en fait créer un autre calque mais je veux que cet autre calque soit également découpé dans le flux. Je vais donc le faire glisser entre les deux et ensuite il se clipse automatiquement également sur le calque inférieur. Maintenant, je vais essayer de faire quelques effets de glace ou de neige. Je vais le faire avec le pinceau. Voyons, je vais choisir un gros pinceau de texture, quelque chose comme ça parce que je sais que ce pinceau est très enneigé. Je peux le faire glisser au-dessus de ce calque une fois le masque de calque coupé. Je ne suis pas fou de ce pinceau en fait. Voyons voir. Oui. On y va. C'est sympa. Vous avez juste besoin de quelques stries comme ça pour donner l'impression qu' il y a de la glace à travers le ruisseau. C' est beau et réfléchissant. Je vais choisir juste un pinceau à dessin régulier et faire quelques petites taches ici et là. Nous n'avons vraiment pas besoin de beaucoup plus que ça. Mais nous pourrions expérimenter certains de ces effets [inaudibles]. Ou sont-ils ? Eh bien, c'est un bon. Les poils ronds rugueux sont également bons à utiliser. C' est un truc sympa. Je regardais le faisceau lumineux. C' est un pinceau très douteux à utiliser car à la minute où vous le posez, il semble si évident. Mais peut-être qu'une chose comme ça pourrait marcher. Je ne sais pas du tout. Peut-être pas. Mais je te laisserai ça pour expérimenter si tu veux. Je ne vais pas prendre la peine de refléter cet arbre dans le ruisseau parce que la prochaine et dernière phase que je veux faire est de créer une vignette autour des bords. Ça va assombrir les coins sombres, donc je n'en aurai pas besoin. Mais je veux juste faire un peu plus sur la glace. Je pense que ça a l'air bien. Croyez-le ou non, laissez-moi juste mettre ça dans un dossier, appelez tout ce groupe notre flux. C' est à peu près tout. C' est notre peinture, presque 100 % complète. Comme je l'ai mentionné, la toute dernière chose que je vais faire est d'ajouter un peu d'atmosphère, du brouillard et de la vignette autour du bord. Alors quand vous serez prêt, rejoignez-moi dans la dernière vidéo de notre processus et nous finaliserons complètement cette peinture. 18. Touches finales: La touche finale de ce tableau, l'ajout de l'atmosphère et de l'effet est si simple. Comme tout ce que j'ai dit précédemment, tu ne veux pas en faire trop. Tu veux vraiment le garder aussi subtil que tu le peux. Je vois juste quelques endroits ici et là que je veux arranger. Ce que je ferais est fondamentalement, je vais faire un nouveau calque au-dessus de tout et j'appellerai cette vignette de couche. La raison pour laquelle nous faisons une vignette est juste une fois de plus, pour renforcer le point focal. Une vignette trie les yeux des spectateurs vers le centre même de votre composition jusqu'à l'endroit où se trouve la zone d'intérêt ou l'action, la mise en scène de la scène. C' est communément utilisé. C' est très courant dans le cinéma. Tout ce que tu fais, c'est que tu attrapes une couleur sombre. Allons-y avec la couleur [inaudible]. Tu veux un pinceau homogène, pas quelque chose qui va se lire comme, par exemple, du brouillard forestier. Non, pas vraiment. Allons simplement avec l'un des pinceaux ronds doux, augmentez la taille et peignez simplement. Maintenant, je sais que ça a l'air incroyablement drastique, ne vous inquiétez pas. Je ne vais pas vraiment le laisser comme ça. Peint sur [inaudible]. Dans la pile de calques, modifiez ce mode de fusion pour multiplier, puis ramenez l'opacité à environ 50, voire 30 pour cent, quelque chose comme ça. Ça va ajouter beaucoup plus d'humeur à votre peinture. Je le cache, il a l'air très plat. Si j'ajoute, cela ajoute un peu plus de profondeur. Vous pouvez également modifier la couleur de cette vignette. Je ne suis pas content de ça. Ça a l'air un peu gris pour moi. Appuyez sur la commande Contrôle U pour faire apparaître les curseurs de saturation de la teinte. Voyons si on peut le faire paraître un peu plus bleu. Je pense que ça devrait le faire. C' est ça, les gars. Nous sommes en fait complètement et en fait finis. Je vais verrouiller cette couche parce que c'est censé être juste la couche supérieure. En dessous, vous pouvez expérimenter avec mettre une brume ou du brouillard. J' aime toujours mettre un peu de brouillard au sol ou de brouillard au sol. Retournons à notre brosse à brume. Voyez à quoi ça ressemble. Je vais choisir une couleur claire. C' est la fin du processus. Je vais dire que ce tableau est fini. Il s'agit d'une peinture conceptuelle réalisée finie pour un fond, pour une scène dans un film ou un film d'animation. Si vous remettez cela à un client, cela donnera au réalisateur ou au producteur les informations visuelles exactes dont ils ont besoin pour la scène qu'il y a histoire, il y a de la composition, et il y a aussi un soupçon de caractère ici. J' espère que vous apprécierez le processus. Tout ce qu'il me reste à faire, c'est dans la prochaine vidéo pour vous remercier d'avoir regardé et pour vous donner quelques indications sur l'endroit où aller à partir d'ici. Rejoignez-moi dans la prochaine vidéo où nous finirons.