Dessiner des personnages 102 Les bases du dessin

1. Dessiner des personnages 102 Introduction: Salut les gars, bienvenue pour dessiner des personnages, un ou deux, Drawing Fundamentals. Dans cette partie du cours, nous allons examiner certains principes fondamentaux du dessin que vous devez vraiment connaître et apprendre pour bien dessiner dès le départ, en examinant des éléments tels que les poids du terrain, la calligraphie, ainsi que la façon d'utiliser des images de référence et de nombreux autres sujets clés. Comme d'habitude, je veux que vous consultiez ce contenu deux fois, regardiez pour la première fois, puis que vous le regardiez à nouveau et que vous fassiez les devoirs. Je pense que vous allez vraiment y trouver une énorme valeur. Même si ce module est assez simple, certains des concepts abordés ne sont souvent pas clairs pour les débutants. Je pense donc que vous allez passer un bon moment à suivre cette partie du cours. Génial. Je te verrai au cours. 2. Réchauffement et pénalisation: Bienvenue dans le module 2. Et au début de ce module, nous allons faire de l'échauffement et de la calligraphie. Je vais vous montrer un exercice d'échauffement vraiment conçu pour vous aider à améliorer votre calligraphie. Comment vous tracez des lignes et comment vous pouvez trouver un bon moyen de vous détendre, dessinez avec votre bras. Et c'est un excellent exercice. Vous pouvez le faire numériquement, vous pouvez le faire traditionnellement, peu importe. Alors allons-y directement. La première étape consiste donc à simplement dessiner une page de cercles. Et remarquez à quelle vitesse je les dessine. Je garde mon poignet verrouillé et j'utilise mon bras et mon coude pour les dessiner. Donc, tout ce que tu as à faire c'est de dire, d'accord, laisse-moi dessiner des cercles sans bouger mon poignet. Et je veux aussi que tu fasses attention à ma liberté. Vous pouvez voir qu'ici ici et ici et dans toutes ces zones, les cercles ne se ferment pas nécessairement correctement. Maintenant, vous voulez vous efforcer d'avoir de bons cercles parfaits aussi parfaits que possible, mais pas au détriment de dessiner lentement, n'est-ce pas ? Ou quelque chose comme ça. Et nous ne voulons pas dessiner lentement. Nous ne voulons rien faire de tel, n'est-ce pas ? Alors soyez très lâche. Verrouillez votre poignet , bougez votre bras et faites une page de cercles, non ? Je vais essayer d'être aussi parfait que possible ici. Et ce que je fais souvent, c'est simplement mettre des cercles dans les cercles, cercles plus petits, sans utiliser mon poignet. Encore une fois, n' utilisez pas votre poignet. C'est donc ce que nous voulons faire comme premier exercice à n'importe quel niveau ou obtenir une nouvelle page. Et ce que nous voulons faire ensuite, c'est dessiner quelques points de suspension. Maintenant, qu'est-ce qu'une ellipse ? Une ellipse est un cercle qui, s'il est légèrement pivoté, est maintenant en perspective, n'est-ce pas ? Donc, en gros, c'est toujours le même cercle, c'est le même petit, supposons que c'est un plat. Par exemple. Nous avons juste pivoté en perspective, c'est une ellipse. Tu sais, tes ellipses sont bonnes. Si tu peux les couper au milieu, ici. Et c'est ce qu'on appelle l'axe mineur pour vos nœuds théoriques. Oups, qu'est-ce que je veux dire ? J'allais avoir pour moi une théorie et un petit axe. Si vous le coupez par le milieu, directement sur le petit axe, l'axe principal n'a pas d'importance pour nous. Cela reviendrait à le couper verticalement et vous pouvez le plier d' un côté sur l'autre et ils se marient assez bien ou parfaitement, n'est-ce pas ? Celui-ci est plutôt correct. Point à note également, juste une note de côté, l'axe secondaire pointera toujours vers un point de fuite en perspective. Si vous en savez beaucoup sur la perspective, n'est-ce pas ? Néanmoins, ce que nous voulons faire, c'est une page de points de suspension et obtenir tout le mouvement du dessin d'ellipses. Et vous pouvez faire varier le degré de l'ellipse, c'est-à-dire que l'espacement entre les deux, un degré de rotation absurde se produit sur le cercle. Vous pouvez donc faire de très fines petites ellipses où vous pouvez essayer de faire des ellipses plus grandes. Le tout est de s'assurer que les deux parties sont vraiment identiques. Hein ? Maintenant, ce que vous pouvez faire après avoir fait une page d' ellipses, c'est de les parcourir , de les vérifier et de cocher ou de croiser Si vous pensez que c'est une bonne ou une mauvaise ellipse, celle-ci n'est pas très bonne. Celui-ci est raisonnable. Des, raisonnables aussi. Mauvais. Celui-ci va bien. Celle-là est mauvaise. Et encore une fois, je veux renforcer la liberté, simple fait d'être lâche, physiquement lâche à part entière. Maintenant, ce que l'on appelle relâchement et dynamisme va vraiment expliquer en profondeur ce que signifie être lâche en termes de relâchement physique du bras. C'est donc à venir. Mais quand même, je veux que vous commenciez déjà à faire les exercices d'échauffement. Très bien, voyons si nous allons à l'EPS, ce n'est pas grave. C'est juste un exercice d'échauffement. Va augmenter. La prochaine chose que vous devriez faire pendant l'exercice d'échauffement et l'entraînement à la calligraphie est tracer des lignes droites aussi droites que possible à main levée très rapidement, pas lentement du tout, et d'essayer gardez-les aussi parallèles que possible. Cela est particulièrement utile lorsque vous essayez de tracer des lignes clairement droites dans votre travail. Si vous faites n'importe quel type de dessin industriel. En général, je le ferais de haut en bas, de bas en haut de Tom. Je fais juste de mon mieux, en aménageant les terres. Et très rapidement, vous pouvez voir à quelle vitesse je dessine cela, bloquant mon poignet et essayant de tracer une ligne droite le plus possible. Vous pouvez voir ici que je dévie en quelque sorte les lignes ne sont pas parfaitement parallèles. Elles se rétrécissent un peu. Effilant, rétrécissant. Ils convergent en quelque sorte, frappent pour convertir d'une manière ou d'une autre. Mais c'est un excellent exercice. Et je ferais probablement environ trois pages, deux ou trois pages où je suis juste en train d'entraîner mon bras en permanence, en me déplaçant rapidement. Et vous verrez que plus vous vous intéressez, plus vous vous concentrez sur l'enchérisseur que vous obtenez au fil du temps. Et je fais généralement l'un de ces flux d'exercices complets, des exercices d'échauffement en cinq minutes environ juste avant de commencer à dessiner. Et cela aide à vraiment détendre le bras, car pour obtenir belles lignes lisses, il faut vraiment le relâchement de la souplesse physique. Enfin, et ce n' est pas le moins important, il y a l'exercice point par point. L' exercice point par point consiste en fait à mettre environ 67 points sur la page. Et ce que tu veux essayer de faire, c'est être un fantôme seul. Si vous en avez deux, laissez-moi agrandir un peu le curseur ici afin que vous puissiez voir le type de tir que vous voulez essayer et avoir un tir droit est la ligne la plus droite possible, joignant ces deux points ensemble. Je passe donc à la ligne. En gros, je ne dessine pas, je passe juste ma main pour essayer de tirer. Essaie et vas-y. Je ne l'ai pas tout à fait atteint, mais la ligne est assez belle et droite. Ensuite, je vais essayer le suivant. Maintenant, si vous êtes sur du papier, n' hésitez pas à faire pivoter la page Photoshop, vous pouvez appuyer sur R et vous pouvez ensuite faire pivoter la page comme ça parce que je trouve que je dessine lignes droites assez précisément de bas en haut. Des images fantômes, j'essaie de le toucher. Ici, je vais également passer à celui-ci. OK. Frappe-le mais je vais dépasser un peu. Mais les poumons ont fini par être rayés. Et les dépassements au bout du monde, tu essaies juste de t'entraîner à tracer des lignes très droites, d'accord ? Et puis une fois assez raisonnable, non ? Donc, en résumé, le flux de travail pour l'entraînement à l'échauffement et à la calligraphie, et je vous recommande de le faire tous les jours avant de commencer à dessiner, consiste à faire une page de cercles de manière très lâche. Une page d'ellipses très lâches. N'oubliez pas de les mesurer au milieu pour vérifier leur précision. Une page de lignes, de lignes droites, ou deux ou trois pages si vous le souhaitez, si vous êtes assez rapide. Ensuite, une page de point à point où vous souhaitez relier les lignes avec une ligne aussi droite que possible, connectez les points ensemble avec une ligne droite autant que possible. C'est la fin de cette leçon. Passons à la leçon suivante. 3. Dessiner en 3D et dessiner à travers: Dans cette leçon, nous allons examiner le dessin en 3D et le dessin au moyen de formulaires. Et nous sommes des artistes réalistes. Nous dessinons donc des objets de telle sorte qu' on puisse croire qu'ils existent dans un monde en 3D. Et en tant que tel, nous devons nous éloigner du dessin de formes simples, n'est-ce pas ? Et plutôt vers le dessin de formes où le spectateur peut percevoir plusieurs faces d' un objet, n'est-ce pas ? Dans cet exemple, nous avons pris cette forme carrée, carrée, et y avons ajouté quelques côtés. Nous avons donc maintenant une vue de face et une vue de dessous de l'objet. Et c'est beaucoup plus crédible d' avoir une apparence tridimensionnelle dans un sens, non ? Même si c'est très simpliste, en 3D. Dessiner en 3D nous aide à convaincre le spectateur et à le convaincre de la crédibilité de ce que nous dessinons. Maintenant, cette méthode que j'ai faite ici est une sorte de raccourci pour obtenir très rapidement quelque chose qui ressemble à de la 3D. Vous pouvez prendre n'importe quelle forme simple et y ajouter une ligne supplémentaire. Et cela lui donne l' impression d'avoir plusieurs plans, plusieurs côtés. Donc, sur ce que l'on appelle, cela pourrait être un bouton. Nous avons tourné le bouton circulaire Enter en lui donnant une vue de face et une vue latérale. Vous pouvez également utiliser cette méthode pour d'autres objets, plusieurs objets, tels qu'un rocher, personne ne croirait de manière viable qu' il s'agit d'un rocher. Cependant, si nous prenons cette forme particulière et que nous lui donnons simplement une autre ligne, par exemple, par ici. Maintenant, nous indiquons des avions supplémentaires, non ? Que le spectateur puisse voir d'autres côtés de l'objet. Discutons , sauvegardons ça. Disons que c'est le recto et le coté. Et lorsque vous détaillez un peu plus ces types de formes, elles deviennent très convaincantes dans leur représentation de ce qu'elles sont censées être. Donc je vais un peu relever la ligne, y mettre un peu de forme et des points, quelques points, et peut-être lui donner un autre petit plan. Et cela devient un rock assez convaincant, quoique légèrement caricatural. Il s'agit donc d'une méthode simpliste où vous vous dites simplement que je ne veux pas de formes dans mes œuvres. Je veux des formulaires. Vous prenez des formes simples que vous êtes peut-être dessiner et vous leur ajoutez simplement des plans supplémentaires, pour les intégrer dans un monde 3D. OK, donc c'est la première façon de base comprendre comment passer d' une personne qui s' en tient à un travail plat en 2D. Comment pouvez-vous mal commencer à intégrer ce travail dans la 3D. Mais je voulais que vous le sachiez, mais ce n'est pas la méthode principale. Je veux que nous réfléchissions au dessin en 3D. La principale façon dont je veux que nous envisagions le dessin en 3D est ce que l'on appelle dessiner à travers, ou dessiner à travers des formes. Dans le monde réel, il n'existe pas vraiment de formes plates en 2D, par exemple , tout est 3D dans une certaine mesure. Même les autocollants sont complètement plats. Mais si vous les regardez au microscope, vous verrez qu' ils ont une largeur , une longueur, etc. Et il y en a trois dimensions. Néanmoins, dessiner à travers, dessiner à travers des formes, c'est vraiment imaginer les autres côtés de l'objet lorsque vous essayez de le dessiner. Ici, j'imagine les autres faces de cette boîte. Et dessiner ces éléments m'aide à percevoir les différents côtés de la boîte. Nous pouvons donc voir ici les six côtés de la boîte, 12345 et les 16 faces avant, non ? Nous pouvons donc imaginer les six côtés de la boîte. Et il en va de même pour les sphères. Ce n'est qu'un cercle, mais en traçant une ligne de contour. Et cela se ferait dans votre phase de construction, n'est-ce pas ? Cela nous aide, comme les plus étranges, à ressentir la tridimensionnalité de l'objet que nous dessinons. Vous pouvez ajouter des lignes de contour à la surface des objets dessiner à travers les formulaires pour vous aider à déterminer la métrique de volume, le type de masse de l'objet ou les champs de l'objet en 3D, n'est-ce pas ? Ce n'est pas la masse exacte. De toute évidence. est une forme très populaire pour dessiner et vous aider, cylindre simple est une forme très populaire pour dessiner et vous aider, en particulier pour les personnages étranges . Donc, pour dessiner un cylindre efficacement, je dessine deux ellipses, quelque sorte les reliant. Et ce serait l'arrière-plan tracé d'une ligne droite. Et quand je ferai le dessin final, je ne garderai que les côtés que je voulais voir, non ? Ce serait donc cette section inférieure et cette section supérieure. Mais disons simplement que c' est le bas et que c'est juste que c'est le haut. Mais le fait de m'en sortir m'a aidé à établir un avantage convaincant ici. Parce que j'ai utilisé une ellipse pour me guider. J'ai donc une forme de cylindre 3D vraiment attrayante. D'accord ? Lorsque nous commencerons à y ajouter du dynamisme, ce que nous verrons dans la leçon suivante. On prend donc un cylindre et on y ajoute un peu de dynamisme. Nous pouvons commencer à obtenir des formulaires beaucoup plus complexes. Voici donc quelques lignes de contour qui nous aident à comprendre, et j'ai dessiné la forme. Nous pouvons donc voir ici les deux entrées du klaxon. On dirait une sorte de klaxon, non ? Et c'est donc probablement en train de baisser. Mais en fin de compte, ces lignes de contour nous aident à imaginer la forme. Donc, c'est effectivement ce que dessiner est votre dessin à travers des formulaires. Vous imaginez des objets en trois dimensions. Maintenant, laissez-moi vous dire ceci. Il y a très peu de choses qui peuvent vraiment pousser votre cerveau autant que de faire de gros efforts, surtout si vous êtes débutant, pour éloigner de cette idée bidimensionnelle de dessiner et de forcer vous-même de penser que la sculpture est vraiment de l'encens et de penser aux formes d' objets sont des formes de base que vous voulez dessiner des formes 3D de base. Et tu dois vraiment penser à ça. Et cela demande un peu de pratique. Bien que cela ne prenne pas trop de temps si vous faites les exercices pratiques, nous commençons à nous y habituer. Et ce qui est génial, c'est de pouvoir imaginer les multiples faces d'un objet, n'est-ce pas ? Lorsque vous commencez à penser en 3D à regarder le monde qui vous entoure et imaginer tous les plans et les différentes faces des objets, n'est-ce pas ? Obtenir une vision plus approfondie de l'observation du monde. Vous pouvez ensuite facilement faire pivoter des objets dans l'espace virtuel de la page. Prenons l'exemple d'un cylindre. Supposons que c'est nous qui regardons directement le sénateur de bas en haut, de face. Sur cette note, des vues de face et des vues de face directes. Les points de vue indirects sont des choses que nous ne voulons pas voir étranges permettez-moi de répéter que nous ne voulons pas de points de vue directs. Nous ne voulons pas abuser de boissons gazeuses, moins qu'elles ne soient spécifiquement conçues à des fins d'impression ou fiches techniques de personnages ou quelque chose comme ça. Mais d'une manière générale, pour une œuvre d'art attrayante, vous ne voulez pas une vue directe de face ou de côté, en particulier dans les œuvres d'illustration. Mais néanmoins, c'est notre cylindre. Cela ne ressemble pas vraiment à un cylindre en ce moment. Faisons pivoter légèrement le cylindre vers la droite. Le simple fait d'aplatir, c'est dessiner par ici. Et c'est en train de devenir que les lèvres ne peuvent plus être un cercle parce qu' elles tournent légèrement en perspective. dessinant, j'ai fait pivoter le cylindre légèrement vers la droite, légèrement vers la marge gauche. Il est donc pivoté de cette façon. Nous l'avons déplacé de cette façon. Faisons plutôt une rotation extrême. Et je vais m'en sortir à nouveau. Et me voici en train de faire tourner le cylindre vers la gauche ou la droite encore plus éteint. Et nous finirons probablement par obtenir une vue latérale qui ressemble à ceci. Hein ? C'est comme si ce serait une facette directe de toi. Et nous l'avons continuellement fait pivoter. Et nous pouvons ensuite aller plus loin et faire en gros le contraire du numéro deux ici et le faire pivoter encore plus haut. Et cela va nous faire repartir notre cylindre en quelque sorte l'envers maintenant. Va augmenter. Et ce n'est pas aussi arrondi qu'il ne devrait pas l'être, mais il a néanmoins pivoté encore plus dans cette direction. Ensuite, nous pouvons en quelque sorte le ramener à une légère, juste une très légère rotation. Cela semble un peu étrange, mais néanmoins, et pour ce faire, nous dessinons les formulaires à l' exception de la vue latérale. Je veux dire, je n'ai pas vraiment besoin de passer à travers celui-ci. La vue latérale directe, identique à la vue de face. Et nous avons une idée des dimensions de l'objet, n'est-ce pas ? Il suffit de mettre ce point sur le côté pour nous aider à percevoir les plans que nous voyons lorsque le cylindre tourne, n'est-ce pas ? tellement efficace que c'est ce que signifie dessiner. Le concept est assez simple, non ? Le concept est assez simple. Pour l'ancrer dans votre cerveau, il faudra de la pratique, surtout si vous ne l'avez jamais fait auparavant, n'est-ce pas ? Je vais faire un cube ici, un terme de plus ou une boîte, c'est juste un bac à sable. Et en gros, je ne fais que dessiner, j'imagine tous les côtés et je ne fais que les relier entre eux. Avant de terminer cette leçon, un autre élément clé à prendre en compte est que toutes les formes complexes, vous imaginez des bras, des jambes, des mains et des pieds. Et ces choses semblent extrêmement complexes. Et il faut tenir compte de l'anatomie, de la surface de la peau, des muscles et des systèmes squelettiques , etc. Mais fondamentalement, la plupart de ces choses sont simplement faites de boîtes. Ils sont constitués de cylindres et de différents types de formes triangulaires, mais de formes triangulaires très basiques. Ils ne rendent rien de très complexe. Et ce que nous faisons en tant qu'artistes, en tant qu'artistes réalistes, c'est que nous avons un flux de travail que nous suivons, un flux de travail structurel que nous suivons pour transformer les choses de la forme à la forme et aux détails. Et c'est ainsi que nous obtenons notre ébauche complète, que nous pouvons ensuite affiner jusqu' à ce que le travail soit terminé. Nous utilisons donc ce type de formes de base, qu'il s'agisse de tout type de forme cuboïde tout type de forme cylindrique. Par exemple, nous pouvons également plier le cylindre pour obtenir certains membres, à droite, tout en dessinant pour sentir cette forme, en plaçant des lignes de contour au-dessus pour sentir les formes si nécessaire. Nous ne le percevons pas assez bien, non ? Utiliser des sphères pour relier des articulations et d'autres objets et pour dessiner des têtes, par exemple, mon crâne de droïde sous forme de sphère, puis y attacher une section de mâchoire. Hein ? Nous pensons donc constamment formes, dessinons les formes et imaginons le volume et la masse des formes, n'est-ce pas ? Il s'agit donc de dessiner en 3D et de dessiner à travers des formulaires. S'il vous plaît, engagez-vous pleinement dans ces exercices particuliers. Parce qu'une fois que vous aurez obtenu cela, les bases de base du dessin en 3D seront installées en vous. C'est la fin de cette leçon. 4. Lâche et dynamisme: Dans cette leçon, nous allons examiner relâchement et le dynamisme du dessin de personnages. Et cette théorie fait réellement partie des formes. Vous devez donc y réfléchir en termes de catégorie de forme. Très bien, vous avez peut-être découvert que lorsque vous dessinez, quelque chose peut avoir l'air très rigide et manquer de dynamisme uniquement dans son domaine, n'est-ce pas ? Il y a donc deux types de catégories dont je voudrais vous parler et vous apprendre que l'une serait le relâchement et l' autre le dynamisme. Et ils le sont tous les deux, ils sont tous deux appliqués de différentes manières. Disons donc quand le relâchement commence. Très bien. Le relâchement est donc très physique. Il suffit d'écrire encore quelques notes et de relâcher. Et je vais mettre du dynamisme de l'autre côté. OK. Le relâchement est une question de physique. OK ? Et ce que je veux dire par là, c'est littéralement votre bras. Physicalité. Et le dynamisme, c'est le mouvement et la fluidité des formes. OK, donc c'est la théorie de base. Oui, restons-en au côté du relâchement. Ainsi, lorsque vous tracez des lignes physiques, comme lorsque vous tracez des lignes physiques, lorsque vous tracez des lignes lentement. Donc, par exemple, je vais tracer une ligne lentement ici. OK ? Alors que je trace une ligne rapidement, il y a une différence fondamentale entre les deux lignes. Maintenant, à part la rectitude, non ? C'est là la différence évidente. L'une des lignes est directionnelle et l' autre non. Donc, si vous regardez le bout de cette ligne ici , vous visez simplement d'abord, et ensuite, à cause de son chemin bancal. Parce que je l'ai dessiné lentement. Il ne semble pas vraiment que cela ne mène nulle part. Cela semble très statique, non ? Donc ce serait une mauvaise chose, non ? Nous voulons des lignes souples. Donc, en termes de relâchement, nous avons un rétrécissement à chaque extrémité. D'accord ? Une sorte de terrain plus OCT, apparence, qu'il soit plus ou moins rectiligne, peu importe. C'est juste très fluide. Et cela signifie que les lignes sont lâches et donc que les poumons se contractent rapidement. Ils ont le sens de l'orientation. Les poumons semblent bouger de cette façon et encore plus lorsque vous commencez à avoir des lignes courbes tracées de manière encore plus lorsque vous commencez lâche, n'est-ce pas ? Par rapport à des lignes courbes tracées lentement. Alors que vous avez maintenant acquis une impression de directionnalité dans la ligne la plus lente cause de la courbe, n'est-ce pas ? Vous perdez toujours la directivité à la fin des tronçons. Et puis aussi ces petites bosses, ces petits méandres en cours de route, perturbent en quelque sorte la compréhension du déroulement de la ligne par le spectateur , n'est-ce pas ? Par rapport, évidemment, à ce genre de magnifiques cônes que vous avez sur les lignes tracées. Et juste un flux vraiment fluide et communication ininterrompue. Donc, le relâchement consiste à dessiner librement, pas physiquement. Vous avez peut-être entendu des conseils de personnes qui disent : dessinez avec votre bras, ne dessinez pas avec votre poignet. Et c'est un bon conseil, non ? Essayez donc dessiner davantage avec votre bras pour obtenir les plus grandes formes, mais bien sûr, les petites formes nécessiteront l'utilisation de votre poignet. Mais l'idée est de ne pas vous plier aux lignes d'une manière qui vous donne l'impression de faire de l'hyper esquisse comme celle-ci, que l'on appelle des lignes à gratter en forme hyper esquisse comme celle-ci, de poulet. Tu ne veux pas dessiner comme ça. Vous ne voulez pas non plus dessiner très lentement comme ça. Parce que tu perds ton dynamisme, non ? Eh bien, désolée, vous perdez du relâchement dans les poumons. Tu veux vraiment être aussi rapide que possible. J'utilise la touche Shift là-bas, mais cela n'a pas vraiment d'importance. Et oui, pendant que vous avez ces chevauchements, la forme est globalement plus dynamique, n'est-ce pas ? Et plus attrayant et aussi plus professionnel. Et c'est l'un des moyens pour les gens d'avoir une apparence professionnelle dans leur travail en ayant des traits très souples. Maintenant, soit dit en passant, cela s'applique également à la peinture, bien que selon la façon dont vous peignez, pas nécessairement la partie effilée, mais simplement le fait d'être lâche physiquement perdu. Donc, lorsque nous parlons de relâchement, nous parlons de relâchement physique de votre bras. Et l'un des principaux atouts de tout cela est de dessiner vite, d'accord ? Je vais donc simplement l' écrire ici. Dessinez vite ou encouragez, non ? Si tu n'es pas aussi rapide, plus rapide et vraiment lâche toi. Cela peut être difficile à comprendre, mais c'est essentiellement une question de souplesse physique. Détache, dessine plus vite. OK ? C'est essentiellement la théorie du relâchement. Ce n'est pas difficile à faire, mais vous allez devoir vous entraîner. Il y aura donc des exercices pratiques pour le relâchement. Le dynamisme, en revanche, est un tout autre sujet. Ça n'a rien à voir avec l'aspect physique. C'est lié à la théorie et à compréhension de la différence entre quelque chose qui est statique et quelque chose qui bouge, n' est-ce pas ? Tu n'as qu'à enlever ça. Ça m'embête. OK. Alors quand on parle de dynamisme, n'est-ce pas ? Je vais vous donner un exemple. Dessinons un triangle. Faisons comme si c'était un triangle parfaitement symétrique, non ? Si je devais vous demander quelle est la direction de ce triangle, vous répondriez probablement qu'il semble pointer dans toutes ces directions différentes, n'est-ce pas ? Ce qui, vous savez, techniquement parlant, si c'est bien le cas, il ne bouge nulle part. Il s'agit en quelque sorte de rester ici. C'est en quelque sorte son centre de mouvement, si vous voulez. Ou c'est, vous savez, c'est juste qu' il ne se déplace pas vraiment dans son état statique. Cependant, nous avons pris le triangle et nous lui avons donné une direction définitive, non ? Et remarquez comment j'ai courbé ces côtés, non ? Mais en plus de cela, nous avons donné à ce triangle une direction définitive. C'est certainement dans cette direction que ça évolue. Cette forme est passée d'une forme statique, non ? Vers une forme fluide ou mouvante. Certaines personnes utiliseront le mot énergie. Ou il faut de l'énergie cinétique, cinétique. Hein ? Maintenant, vous vous demandez peut-être, eh bien, cela ne veut pas dire comment cela s'applique au personnage de Dory ? Soyez donc indulgent avec moi lorsque vous pensez à un personnage, personnage bien dessiné, disons, à trois quarts d'angle, afin qu'il ne soit pas face à la face avant de la caméra légèrement pivotée. Les formes qui composent ce personnage sont largement asymétriques. En fait, la plupart du temps, ils seront tous symétriques. Et asymétrique signifie essentiellement que, bien que nous comprenions, disons, que êtres humains sont symétriques de gauche à droite, par exemple, que lorsqu'ils sont mis en perspective et pivotés, n'y a aucune symétrie dans la forme. Il est donc extrêmement important de comprendre en particulier que nous voulons que toutes nos formes, nos formes de base, puissent lire de cette manière qu'elles ont nos formes, nos formes de base, puissent lire de cette manière qu'elles ont un flux directionnel. Je vais donc vous donner un bref exemple. Utilisons un cube. Supposons que nous décidions et que nous le fassions plus en détail dans la section anatomie. Vous allez donc me voir faire là-bas. Disons que nous décidions, d'accord, nous voulons avoir quelques éléments de base pour la forme d'un être humain, n'est-ce pas ? Donc on fait un circuit, on va faire du coffre un bloc comme ça, non ? Donc on va en faire un carré. Donc, si vous pouvez l'imaginer avec moi, nous pouvons dessiner la tête et c'est un peu bizarre proportionnellement, mais de toute façon, et ensuite nous pourrions dessiner des articulations pour les bras et des sphères pour les bras et tout ça. Mais de toute façon, sois indulgent avec moi. Nous allons le faire, c'est comme tout le soin. Mais de toute façon, nous aurons la place. Nous avons donc décidé, d'accord , d'utiliser ce cube, désolé, comme base pour le coffre. C'est très bien, parce que nous découpons les formulaires, nous pouvons voir qu'il y a trois côtés ce cube et c'est génial. Mais le problème, c'est que cet ancien, désormais à droite , laisse la directionnalité dans sa forme. Donc, quand on regarde ses formes, qui seraient ses différents fils, il n'y a aucune directionnalité. Maintenant, ne vous méprenez pas, ne vous méprenez pas ici. Je ne veux pas que vous construisiez les formulaires telle sorte que vous essayiez transformer chaque côté en une forme directionnelle qui serait étrange. sais, ce que tu veux que Raul fasse, c'est prendre cette forme et commencer à la plier dans son ensemble. OK. Donc, comme si vous incurviez les côtés et que vous ajoutiez de la reliure à ses côtés. Ok, ici, nous allons voir le bas plutôt que le haut. Mais il en va de même. Et vous obtenez une sorte de directionnalité, un mouvement directionnel à travers la forme parce que vous pliez les côtés et que vous y ajoutez du mouvement, n'est-ce pas ? C'est ce que signifie le dynamisme et ce que les formes dynamiques signifient que vous êtes dedans, vous insufflez de la vie aux formes. Maintenant, vous pourriez vous dire : même si l'approvisionnement se fait, cela ne s'applique-t-il qu' aux êtres vivants ? D'une manière générale, dans le monde naturel, je dirais différemment. Et quand je parle d'êtres vivants, je ne parle pas seulement de choses qui peuvent bouger. Cela s'applique aux arbres, aux plantes, tout ce qui est vivant possède déjà une sorte de flux directionnel. Des choses comme les montagnes et d'autres choses. Vous voulez qu'ils aient un flux directionnel parce qu'ils ont été formés d'une manière ou d' une autre par l'énergie, n'est-ce pas ? Je sais que c'est un peu , mais comme je l'ai dit, ésotérique et un peu excentrique. Néanmoins, l' idée est que pour un spectateur, lorsqu'il voit des formes statiques, cela ressemble à Dell et, sans rire, lorsqu'il voit des formes dynamiques, n'est-ce pas ? Il semble être vivant. Cela semble bouger comme s' il y avait de la vie là-bas, comme ce mouvement. OK ? Écrivons donc simplement ici des formes dynamiques et des formes statiques. L'idée est donc de vous assurer que, dans votre art, 99 % du temps, vous travaillez avec des formes dynamiques en permanence. Maintenant, évidemment, cela sera différent si vous faites une vue directe de face d'une voiture Par exemple, vous aurez toujours envie de formes dynamiques, mais elles seront évidemment reflétées de gauche à droite. Même chose pour la vue latérale. Subvention. Certes, la vue latérale n'a généralement aucun parallèle, je veux dire, aucun miroir. Mais j'espère que vous comprenez ce concept de dynamisme. Et nous en parlerons beaucoup au fur et à mesure que nous avancerons et vous verrez comment le dynamisme définit façon dont nous allons dessiner toutes nos formes, n'est-ce pas ? Nous allons nous assurer que tout fonctionne bien tout le temps , car il s' agit évidemment d'un cours de création de personnages. Nous allons donc vraiment nous concentrer et redoubler d'efforts sur son dynamisme, ses applaudissements, sa conception de personnages. Et si vous pensez à votre être humain typique, à part quand nous dormons, même lorsque nous dormons, mais en général, nous sommes toujours en mouvement. Nous sommes toujours en train d'équilibrer et de contrebalancer. Nous faisons constamment l'expérience de la force de gravité et luttons contre la force de gravité. Et cela permet alors à l'intérieur de nous, d'avoir cette idée. Qu'est-ce que je veux dire ? Cela signifie que nous avons de l'énergie et un flux directionnel qui se déplacent en nous tout le temps, mais qu'ils rebondissent en quelque sorte. Nous devons donc, en tant qu'artistes, dessiner des formes dynamiques à tout moment, n'est-ce pas ? Donc, une fois que vous avez réfléchi aux formes dynamiques et compris ce qui les rend dynamiques, elles ont un flux directionnel vers elles, n'est-ce pas ? Donc, par exemple, juste un carré, en répétant simplement ici, ceci, cela n'a aucun flux directionnel. Mais si nous avions été la place d'une manière étrange, tout à coup, le flux directionnel des gangs est plus intéressant à regarder. OK, c'est tout pour relâchement et le dynamisme. Passons à autre chose. 5. Montrer la profondeur de vos dessins: Dans cette leçon, nous allons parler des tangentes et de ce que sont réellement les tangentes. Ou lorsque les lignes se touchent et empêchent le spectateur de distinguer ce qui se trouve devant ce qui se trouve derrière. Ou cela leur donne une forme vraiment étrange. Je vais donc utiliser une forme très familière ici. Cela ressemble peut-être à un M ou logo d'une franchise alimentaire populaire. Supposons qu'il s' agisse de deux montagnes. cause de la façon dont les lignes se touchent au centre, il est très difficile de distinguer ce qui se trouve devant et ce qui se trouve derrière, n'est-ce pas ? Nous ne savons pas. Mais lorsque nous utilisons le chevauchement des lignes, prenez une ligne et faites-la chevaucher une autre. Soudain, pour le spectateur, il devient évident que cela doit être devant et que cela doit être derrière. tangentes sont donc tous les cas où des objets se touchent de manière à créer une forme unique, ou devrais-je dire que nous sommes des lignes qui se touchent manière à créer une forme unique et faites en sorte que le positionnement spatial des éléments ou des lignes, si vous le souhaitez, ou des arêtes ne soit pas clair pour le spectateur . Donc, dans ce cas, il s' agit de deux feuilles de papier. Et donnons-leur un texto. Et peut-être s'agit-il d'un livre ouvert vu directement du haut ou quelque chose comme ça. Mais supposons qu'il s'agisse de deux feuilles de papier l'une devant et l'autre définitivement derrière. Pour le spectateur, son cerveau va voir toute cette forme rectangulaire, pas même les plus petits rectangles qu'elle contient. Ils finiront par y arriver. Mais d'abord, la première compréhension de la forme est vraiment ce grand rectangle. Et notre problème ici, ce sont ces deux tangentes, n'est-ce pas ? Nous ne pouvons pas distinguer ce qui se trouve devant et ce qui se trouve derrière. Mais si nous commençons à superposer certaines lignes, nous pouvons obtenir un effet très convaincant pour ajouter de la profondeur, même dans des icônes 2D très plates de conceptions graphiques comme ces pages. Maintenant que j'ai superposé certaines lignes, il est très clair quelles pages se trouvent devant et quelles pages se trouvent derrière. Les choses auxquelles nous avons affaire, toutes ces tangentes, sont vraiment mauvaises. OK ? tangentes sont mauvaises et se chevauchent ou sont bonnes. Je pense que c' est un concept très simple. Mais je le vois souvent dans les travaux des étudiants. Nous sommes en fait quelque chose d' aussi simple que le fait de ne pas se chevaucher donne aux choses un aspect plat et les rend facilement mal comprises par le spectateur. Cela a changé notre titre ici en tangentes et en chevauchements. Très bien, pour que nous sachions assez clairement de quoi nous parlons. Ce qui est génial avec les chevauchements, laisse-moi t'en débarrasser. L'avantage des chevauchements est que les chevauchements peuvent impliquer de la profondeur et créer une sensation de profondeur. Donc, par exemple, si je dessinais une jambe avec le genou en bas. s'agit donc que d'un design de jambe ici. Au fur et à mesure que j'arrive à la belle section, je m'assure que les lignes des genoux chevauchent l'arrière de la jambe. Et cela me donne un sens de la forme. Hein ? Donc, à cause de ces lignes qui se chevauchent ici, je peux me produire de différentes manières sous des formes simples. Si j'ai une sphère et que je dessine un cube derrière elle, puis je dessine un cylindre derrière. Pendant que je pense sous une forme, car je sais aussi que ces chevauchements de ces lignes aident le spectateur à distinguer ce qui se trouve devant et ce qui se trouve derrière. Nous avons donc ici la ligne de la sphère qui se chevauche, le cube formé. Et les lignes du cube chevauchant clairement la forme du cylindre. Et voici en quelques mots. Quelles lignes se chevauchent agit-il de lignes, c'est simplement du chevauchement. Ils s'étendent légèrement au-delà des autres objets pour montrer que l'objet se trouve devant. Laisse-moi te le dire. C'est quelque chose sur lequel nous voulons être très intentionnels. Voulez-vous constamment vous demander si j' ai des tangentes ? Et si vous avez des tangentes, vous devez être comme un tireur d'élite et les éliminer. Ils doivent partir parce que les tangentes n'ont pas vraiment leur place dans notre art. C'est la leçon sur les tangentes et les chevauchements et sur l' importance des chevauchements. Passons à la leçon suivante. 6. Éviter les parallèles: Très bien, dans cette leçon, nous allons examiner les parallèles. Et que sont les parallèles ? Pourquoi avons-nous besoin de connaître les parallèles ? Pourquoi devons-nous éviter les parallèles , etc., n'est-ce pas ? Donc, il y a vraiment des parallèles, et je pense que j'aime bien le double L ici. C'est un bon outil de mémoire. Je suis vraiment d'accord avec les lignes parallèles lorsque vous dessinez ou en termes de communication visuelle d'une pièce, même la communication symbolique avec les parallèles de paix peut également être des objets parallèles. Par exemple, la position debout d'un personnage et la position de ses bras. Même si c'est à un angle de trois quarts sa position est fondamentalement la même des deux côtés. Il s'agit donc d'un parallèle visuel. Parfois, cela s'appelle la mise en miroir. Et puis les parallèles sont également des nombres égaux d' objets dans une pièce. Ainsi, par exemple, vous avez une scène et il y a des arbres en arrière-plan. Si vous avez deux arbres, cela est considéré comme parallèle et cela semble trop équilibré. Et mal équilibré. C'est trop ingénieux, non ? Il y a donc une sorte de deux arbres en arrière-plan. Donc, ce que nous voulons constamment faire dans notre travail, c'est nous assurer de briser les parallèles, n'est-ce pas ? Alors, évidemment, quel est l' opposé d'un parallèle ? Alors que ce serait quelque chose qui converge, n'est-ce pas ? Et dans ce cas où nous avons ces deux lignes côte à côte tout à fait parallèles. La différence entre ce parallèle et les lignes convergentes est que les lignes convergentes ont un sens de direction, n'est-ce pas ? Ils ont le sens de l'orientation. Maintenant, c'est en termes de parallèle littéral où vous avez peut-être tracé une jambe. Imaginons, par exemple, que je dessine la jambe ici. Et j'ai tracé les lignes des deux côtés de la jambe, même s'il y a de la directivité dans ces lignes. Il s'agit d'un parallèle littéral entre les formes réelles, si vous le souhaitez, ou les lignes afin qu'elles se reflètent réellement et créent un parallèle. Cela correspond donc davantage à la catégorie des miroirs. Disons que l'un est un littéral, littéral parallèle est aussi une mise en miroir. Et puis trois, c'est, je dirais que c'est plus symbolique. Il symbolise en fait le parallèle symbolique. C'est de la mise en miroir. Une grande partie de cela ne nécessite pas un entretien littéral, car la mise en miroir littérale serait alors une vue de face. Et vous avez cette symétrie vraiment littérale que vous voyez dans la pièce. Néanmoins, en général, je suis sûr que vous commencerez à vous faire idée de ce qu'est un parallèle. Pas seulement dans l'art des personnages, dans toutes sortes d'œuvres d'art, vous savez, vous avez deux montagnes en arrière-plan d'une œuvre divisent la page de manière égale comme ceci. Quelque chose comme ça. C'est très, je détourne l'attention pour l'équilibre, difficile à concevoir pour le spectateur. Nous voulons donc éviter les parallèles. En tout temps. Nous détestons les parallèles. Les parallèles ne doivent pas figurer dans notre œuvre, qu'il s' agisse de parallèles littéraux ou de parallèles symboliques, par exemple. Un autre exemple de parallèles symboliques est que vous dessinez un personnage et que celui-ci porte une chemise. Et vous pourriez penser, eh bien, que c'est fou comment pouvez-vous dire ce qu'il s'apprête à dire ? Eh bien, vous verrez, disons qu'il porte une chemise ici avec des chemises à col et demande chemise de couleur et que vous mettez les boutons sur la chemise. Je dis qu'il ne faut absolument pas mettre huit boutons. 345678. OK. Peut-être un peu mouvementé. Ramenons ce nombre à six, non ? Je dirais qu'il ne faut absolument pas faire six boutons, sept ou cinq, non ? Parce que les nombres impairs sont plus intéressants et parce que les nombres impairs ne peuvent pas être divisés de manière égale, ils ne sont pas parallèles les uns aux autres dans un sens, pas vrai, de manière symbolique. Ainsi, la pièce semble plus naturelle. Il y a un dicton qui dit que je ne sais pas d'où vient le nom, alors je m'excuse. Il y a un dicton qui dit que Dieu ne trace pas de lignes droites. Donc, les choses qui sont naturelles sont tout simplement en grève. Ils ne sont pas équilibrés, ils ne sont pas mathématiquement égaux à eux dans le monde naturel. En fait, tout a été formé par tout a été formé par la nature, de manière naturelle, en termes de monde et ainsi de suite. Je veux dire, ce que je veux dire, c'est qu'il y avait l' énergie derrière la formation de ces choses. Et donc les choses, vous regardez les montagnes et les montagnes de manière très aléatoire dans un sens, bien qu'elles aient un sens de la direction à leur égard et probablement à cause de l' énergie qui les a formées, mais elles sont vraiment Une sorte de hasard. Rien ne vaut exactement quatre montagnes. Maintenant, bien sûr, il y a des cas où il y a exactement quatre onces ou exactement deux montagnes et ce sont généralement des destinations touristiques parce que c'est inhabituel, n'est-ce pas ? C'est, cela ne semble pas naturel, cela semble des inserts non naturels, il y a un attrait dans ce genre de choses. Mais lorsque nous essayons de créer une scène ou un personnage d'apparence naturelle, nous voulons éviter les parallèles littéraux. Nous n'en avons donc certainement pas un seul. Les bras sont nos membres, nos vêtements ou quoi que ce soit parallèle littéral, n'est-ce pas ? Et nous voulons absolument éviter la mise en miroir. Pourquoi les deux personnages ont-ils les bras baissés dans le même angle ? Vous avez la même poche des deux côtés d' une chemise, et cetera, etc. Je veux dire, tu peux vraiment le faire si tu veux. Mais vous devez vous demander si c'est une sensation d'équilibre, c'est une sensation d'ingénierie ou si cela semble naturel. Fin cool, non ? Nous voulons donc changer direction et au lieu de la refléter, nous avons un bras de cette façon et peut-être que l'autre bras tend la main pour quelque chose ou sur lui, sur la hanche ou quelque chose comme ça. De cette façon, nous obtenons un beau champ naturel. OK, donc en gros, c'est essentiellement ce qu'il y a de parallèles. Des parallèles littéraux parallèles, des parallèles en miroir, parallèles symboliques, et le contraire parallèles, c'est vraiment l'asymétrie. Nous voulons une asymétrie dans tout ce que nous faisons. Nous examinerons à nouveau les formes asymétriques plus tard, nous en aurons parlé un peu, nous y reviendrons plus tard, juste pour bien comprendre à quel point nous devons éviter les parallèles dans notre travail. . Très bien, c'est la fin de cette leçon. 7. Les épaisseurs des lignes: Bienvenue à la leçon sur les poids des terrains. Dans cette leçon, nous allons en apprendre davantage sur les raisons pour lesquelles nous devons apprendre. Attendez que nous sachions, Attendez, ce que sont les poids à la ligne et où vient le concept de l'attente de terres. La première chose que je veux vous apprendre est ce que l'on appelle la perspective atmosphérique. Le concept est assez simple. En gros, dans le monde réel, l'air s'accumule entre deux objets, n'est-ce pas ? Il n'y a donc qu'un tas d' air entre les deux objets. Et cela se produit à des degrés divers. Évidemment, lorsque les choses sont très proches de nous, il y a de l'air, mais l'accumulation n'est pas importante. Plus loin en arrière, les choses vont, les choses ont tendance à s'accumuler un peu plus. Lorsque l'air forme ses équipes pour alléger les valeurs, c' est-à-dire la luminosité et l'obscurité de l'objet lorsqu'il recule plus loin. Et vous voyez cela lorsque vous regardez au sommet, lorsque vous êtes assis au sommet d'une montagne, vous regardez une ville. Et tu vois que plus les choses remontent, tu peux en quelque sorte percevoir cette atmosphère. Tu peux voir cet air. Et cela, cette perception de cette accumulation d'air vous aide à évaluer la distance à laquelle se trouvent ces objets. Parce que plus on recule, plus ils repartent en arrière. Et inversement, plus les choses se rapprochent de nous, s'assombrissent, c'est vrai, plus elles deviennent contrastées. Et on pourrait aussi dire que plus ils sont détaillés parce qu'ils ne sont pas brouillés par l'air entre les objets, n'est-ce pas ? En résumé, c'est la perspective atmosphérique. Appelons celui-ci, proche, celui-ci loin. Et puis, juste pour aller plus loin, l' objet lointain serait un peu plus léger. Très bien, donc l'air s'accumule. Et c'est ce qu'est la perspective atmosphérique. Je vois, j'ai oublié le C ici. Ça va y mettre ça, non ? Perspective atmosphérique. Les objets les plus proches sont plus sombres, plus éloignés, les objets sont plus clairs. Et nous allons utiliser la perspective atmosphérique pour comment nous parviendrons à comprendre les files d'attente. en ligne n'est pas simplement quelque chose que nous voulons utiliser comme étape d'encrage. Nous voulons essayer de mettre en œuvre l'attente en ligne à tout moment. Parlons donc des poids de ligne. OK ? Des haltères ou des files d'attente, non ? Donc, jusqu'à présent, nous avons découvert quelques techniques pour obtenir un look 3D, du bon bout. L'une de ces techniques consiste à dessiner, n'est-ce pas ? Nous voulons dessiner à travers des objets lorsque j'en ai imaginé l' autre face. Et l'autre technique que nous avons apprise consiste à superposer des lignes, n'est-ce pas ? Ainsi, même dans les formes 3D ou 2D, lorsque nous commençons à superposer des lignes, nous pouvons obtenir une impression de profondeur. Et ce que fait la file d'attente à égards, c'est qu'elle améliore les chevauchements et introduit une perspective atmosphérique dans la pièce. poids des lignes sont donc des degrés de pondération des lignes. Des lignes plus épaisses apparaissent et des lignes plus fines arrivent. OK. Ainsi, des lignes plus épaisses apparaissent et des lignes plus fines s'éloignent. concept assez simple, je pense, non ? Ainsi, lorsque nous dessinons quelque chose au premier plan et que nous avons un objet en arrière-plan. Ce que nous pouvons faire en dehors des chevauchements, en plus de dessiner à travers les formes pour nous aider à imaginer les formes et les structures, c'est d'attendre les lignes où elles se chevauchent sur l'objet de premier plan les épaissir et les assombrir. Pour souligner que cet objet se trouve devant l' objet qui se trouve derrière lui. Ce que nous pouvons faire, c'est même assombrir légèrement l'origine de la ligne des points d'arrière-plan pour une petite ombre qui s' y produit à partir du chevauchement. OK ? Donc, la règle de base est que si un objet se trouve devant, il doit avoir des lignes légèrement plus épaisses l'objet qui se trouve derrière. Ainsi, par exemple, un bras croisant au-dessus de la poitrine, même dans une vue rugueuse comme celle-ci, voici le bras croisant au-dessus de la poitrine. Ce bras aurait ligne plus épaisse et une ligne plus épaisse l'attendrait. En général. Ensuite, les lignes qu'il couvre, par exemple, il y a quelques lignes courtes ici, seraient plus claires, etc. Maintenant, un autre conseil pour cela également est de conserver les détails intérieurs pour les petites formes, les détails les objets tels que les chemises, les boutons plis et détails les gardent généralement au niveau des lignes proches et gardent les formes les plus grandes, les formes les plus grandes ayant des lignes plus épaisses et plus foncées. Néanmoins, les principes fondamentaux des poids de trait sont que les objets de premier plan ont des lignes plus foncées et plus épaisses et que les objets d'arrière-plan ont des terres plus récentes. Maintenant, je n'ai pas seulement cette théorie pour vous, je veux vous montrer un exemple. C'est une pièce d'arc que j'ai réalisée. Ici, vous pouvez voir une multitude de poids de terrain différents dans la pièce. Laisse-moi mettre un crayon rouge ici, et approfondissons. La ligne pèse un peu. Nous pouvons donc voir ici détails intérieurs comme ces petites marques de tatouage, les petits poils sur son menton et ses lignes musculaires du sternocléidomastoïde qui s'y trouvent. Et de nombreux détails intérieurs ont des lignes assez fines et aussi des lignes discrètes, n'est-ce pas ? Et puis, les objets plus gros comme sa tête, par exemple, qui chevauche son cou, vous pouvez voir qu'il y a une ligne plus épaisse qui attend. En général, lorsque ces éléments se chevauchent, superposent aux objets situés derrière eux. Lignes plus fines dans les éléments d'arrière-plan, lignes plus épaisses dans les éléments de premier plan. Un autre point également est que objets de premier plan étant généralement plus foncés, vous pouvez utiliser lignes plus foncées dans les objets de premier plan et appuyer légèrement sur votre crayon pour obtenir des lignes plus fines et plus claires dans les objets d'arrière-plan. Vous pouvez donc voir ici comment, même si cette ligne existe, elle se rétrécit et devient assez légère au fur et à mesure qu'elle atteint le bord. Je veux dire, ce n'est pas une règle générale selon laquelle les choses deviennent plus fortes au fur et à mesure, n'est-ce pas ? Mais je reconnais simplement qu' il n'y a pas plus de légèreté ici. En gros, cela implique simplement des détails pour le spectateur. Ce n'est pas le point central de la pièce. Tu le laisses être, le laisser être mince, un peu lâche, mais ça va. Voici que nous avons la main qui tient l' épée au premier plan , sur laquelle l' épaisseur de la ligne est soulignée lorsque nous nous déplaçons. Ce formulaire en particulier, n'est-ce pas ? Ainsi, son âge entier est épaissi et beaucoup plus sombre pour aider le spectateur à se rendre compte et à comprendre que c'est devant et que les autres objets sont derrière. Pour ajouter de la profondeur. La file d'attente ajoute également un très bon sens du caractère. La pièce. Cela donne à la pièce un aspect très professionnel, donne à la pièce un aspect assez élégant. Vous devez donc toujours essayer de concevoir des poids de ligne, empilant les théories les unes sur les autres. Deuxième forme avec chevauchement de lignes. Donc, dessinez, assurez-vous qu'il y a des chevauchements de lignes, puis assurez-vous que vos épaisseurs de trait indiquent que les objets de premier plan ont des lignes plus épaisses, que les objets d'arrière-plan ont des lignes plus fines. Et puis, souvenez-vous toujours de dessiner librement pour que vous obteniez ces jolis caractères se trouvent au bout de vos poumons et que les terres semblent naturelles et qu'elles ont une orientation vers elles. Très bien, c'est la fin de la leçon sur les poids des terrains. 8. Dessiner mince et léger: Bienvenue à la leçon sur le dessin du genou et légèrement. Maintenant, d'habitude, quand on dessine, on peut parfois être assez autoritaire, non ? Nous pouvons utiliser des lignes très épaisses. Nous pouvons appuyer très fort sur la page et obtenir des lignes très sombres et ce que nous faisons. Et cette leçon vise vraiment à vous encourager à dessiner des lignes plus fines et plus claires en général. En général, dessiner de manière plus fine et plus légère. Par exemple, je vais appuyer très légèrement ici. Je vais dessiner une tête en utilisant des lignes fines et aussi claires que possible. Et cela me donne la liberté d'apporter des corrections. Tout d'abord, en appuyant plus fort là où j'en ai besoin. Disons que j'ai mal aligné l'oreille, pas de problème. Je vais dessiner une autre oreille et appuyer plus fort. Et à cause du contraste accru et de l'obscurité, en un sens, mon cerveau ne reconnaît plus ces dernières lignes et c'est comme si elles n' existaient plus vraiment. Dessiner finement dans ce sens m'aide à apporter des corrections et à ne pas avoir à effacer autant lorsque je suis occupé à essayer de faire un croquis, n'est-ce pas ? Réalisez l'ébauche du croquis. Ensuite, dessiner le genou m' aide à mieux contrôler les poids de la ligne. Il est très difficile de tracer une ligne épaisse que vous avez tracée. Donc, si je tracais cette ligne pour le menton, pour leur mâchoire très épaisse, et que je décidais que je voulais en fait un peu plus mince parce que je voulais améliorer les poids de la ligne. C'est assez difficile de piloter la gomme. Assurez-vous d'utiliser le bon type de pinceau, puis j'essaie le bon type de pinceau, puis d'entrer ici et d'affiner la ligne, puis je ruine flux de ma ligne et le beau relâchement que j'ai eu au trait. Et c'est juste que ce n'est pas quelque chose avec lequel tu veux avoir du mal. lieu de le dessiner fermement au début, cela me permet de, effaçons simplement toute cette longueur, me permet de contrôler les poids des lignes. Bien mieux. Donc, reprenons cela en compte. Je vais utiliser une jolie ligne fine. Et maintenant, je veux contrôler l'attente et je veux dire, d'accord, très bien ici, près du cou où elle se chevauche, je veux que ce soit une ligne plus épaisse et plus foncée et qu'elle se réduise des deux côtés. Et puis peut-être ici où la mâchoire vient et se courbe au-dessus du cou. Je veux que ce soit plus épais et que vous puissiez avoir beaucoup plus de contrôle sur vos lignes lorsque vous penchez davantage pour dessiner finement, finement et légèrement. Pour que vous puissiez facilement modifier votre construction. Ainsi, vous pouvez facilement contrôler le poids du terrain et l'épaissir là où vous en avez besoin. Donc, en un mot, c'est vraiment ce que signifie dessiner finement et fort construire avec de fines lignes claires, puis améliorer l'épaisseur de vos lignes, avoir plus de contrôle sur vos lignes et les ajuster facilement. sans avoir à en effacer trop. Tu appuies juste un peu plus fort. OK, c'est la leçon à tirer pour dessiner finement et légèrement. Donc, je veux vraiment que vous vous en souveniez. C'est une leçon souvent ignorée, puis nous nous retrouvons avec ces dessins documentaires très mouvementés. Et ils ont juste l'air complètement fous. Et moi-même, je ne me rappelle pas toujours de dessiner finement et légèrement, mais laissez-moi vous encourager. Veuillez vous pencher vers le genou en dessinant légèrement. De toute évidence, je parle trop. C'est légèrement ici, dessinant légèrement et finement l' articulation du genou sur le genou. Je vous verrai dans la prochaine leçon. Dessine mince, éclaire moi, s'il te plaît. Merci. 9. M2L'importance du dessin rapide: D'accord, si vous êtes débutant, vous avez probablement du mal à dessiner rapidement. Et cela pourrait être lié au fait de ne pas être lâche. Cela peut être lié à la peur et à la difficulté de savoir comment dessiner en premier et à quoi dessiner en premier, de vouloir penser, etc. Néanmoins, dans cette leçon, nous voulons parler de l' importance de dessiner rapidement. Et en fait, je vais juste vous donner quelques points clés motiver et vous aider à réfléchir à la raison pour laquelle dessiner plus vite, plus vite est une très, très bonne chose. Donc, tout d'abord, quand je dis dessiner vite, je veux littéralement dire, vas-y, lâche toi, vas-y. Deviens fou avec tes rudes. Dessine très vite. Dessinez aussi vite que possible et essayez toujours de dessiner rapidement, pas au détriment de la précision, mais pour essayer d'aller le plus vite possible et d'être aussi précis que possible en même temps. Et quand je dis précision, je ne parle pas de précision comme dans les petits détails. Vous savez, vous êtes occupé à obtenir des détails un peu précis maintenant, je veux juste dire précision vous assurer que les formes lisent de manière précise. Mais essaie d'être Foster à ce sujet, non ? Et cette solidité nous sera très utile lorsque vous dessinez rapidement. L'un des avantages, c'est que vitesse est généralement synonyme de relâchement, n'est-ce pas ? Si vous avez du mal à être lâche, dessinez un peu plus vite et vous ne pouvez pas vous empêcher de rester lâche lorsque vous dessinez à rythme un peu plus rapide. Donc, c'est la première fois que la vitesse est synonyme de relâchement. Et le relâchement est très bon car il donne à la pièce un bel aspect naturel. Et comme le look professionnel de la pièce, il n'y a aucune crainte et des petites lignes lentes et folles. Ce ne sont que des lignes lâches et magnifiques. OK ? La seconde est que dessiner rapidement est un atout. Et plus vite tu obtiens un dessin, l'enchérisseur. Dessiner rapidement est donc un atout. Et si c'est un acide, c'est parce que plus vous dessinez vite, plus vous faites de dessins, plus vite vous dessinez, plus vous dessinez, plus vous dessinez. Et ce qui est génial, c'est que si vous faites plus de dessins, c'est exact. Vous progressez rapidement et vous améliorez vos compétences et le niveau de votre tante beaucoup plus rapidement. OK ? Donc, le dessin favorise beaucoup de choses, n'est-ce pas ? Et plus vous progressez, plus vite vous atteindrez votre objectif. Et c'est fou. quelle mesure cela est-il réellement lié au fait de dessiner rapidement ou plus rapidement ? Je tiens donc à vous encourager à dessiner plus vite, être plus libre ou plus lâche. Correct. Et votre étape de raffinement, et nous allons parler de brut et de raffinement tout à l'heure. Mais je vous encourage vraiment à dessiner plus vite, dessiner vite pour ces raisons, est-ce pas ? Nouveau dessin rapidement. Je te donne d'autres dessins. Et plus de dessins vous permettront progresser plus vite , et plus vite, vous atteindrez vos objectifs et le niveau que vous souhaitez atteindre Foster, d'accord ? Et à la fin de la journée, vous obtenez également de nombreux autres dessins. C'est donc vraiment gagnant-gagnant de dessiner rapidement. Je ne vous encourage pas encore une fois à dessiner plus vite, percer vite. Ne dessine pas lentement. Passons à autre chose. 10. Le flux de travail en deux étapes de rugueux et raffiné: Dans cette leçon, nous allons examiner ce que l' on appelle le flux de travail en deux étapes. Et ce n'est pas un flux de travail que vous allez exécuter immédiatement, surtout si vous êtes débutant. Mais il est important de savoir dès le début du cours est le processus en deux étapes et comment vous souhaitez finalement travailler lorsque vous créez vos dessins. Tout d'abord, qu'est-ce qu'un flux de travail ? Le flux de travail, c'est simplement l'ordre et les étapes à suivre pour bien faire le travail. Donc étape un, étape deux, étape trois, étape quatre, jusqu'à ce que vous arriviez peut-être à l'étape dix, et vous avez terminé. Maintenant, ce flux de travail en deux étapes comprend réellement deux parties. La première partie est appelée brute et la seconde partie est appelée raffinée. Et ceci et cela concerne le dessin provisoire et le dessin du remboursement. Et le dessin est vraiment la phase où nous voulons nous assurer que les fondations sont solides, n'est-ce pas ? Les bases sont solides. Que la majeure partie de la théorie est mise en œuvre. Et j'ai quelques exemples, nous allons donc examiner quelques exemples tout à l'heure. Et c'est notre phase de planification ou de conception, n'est-ce pas ? Phase de planification ou d'élaboration du plan. OK, juste une façon de penser à la phase approximative d'un dessin. Il est également très souple et très insouciant. Insouciant. Permettez-moi également de dire que la phase difficile est généralement très moche. OK. Et c'est important. C'est normal que ce soit moche parce qu'il faut cocher certaines cases. C'est son objectif. Ce n'est pas son but est de ne pas être jolie, ce n'est pas de ressembler à un bon sketch. C'est censé être moche. C'est censé ressembler à un chantier de construction, non ? Tout ce qui se passe du côté de la construction est très différent de ce qui arrive au bâtiment. Dans cet exemple, lorsque la construction est terminée les designers d'intérieur viennent et que les dieux qui dessinent la façade viennent et rendent belle à l'extérieur. Mais vraiment, vous ne pouvez pas faire toutes ces choses qui entreraient alors dans la phase de remboursement, n'est-ce pas ? Vous ne pouvez pas faire tout cela à moins d'avoir bases solides pour la plupart de vos théories, si vous n' avez pas la planification et les plans. C'est lâche, c'est insouciant. C'est moche, mais ça marche, non ? Tout doit fonctionner. Cela fonctionne. Donc, tout fonctionne. Il suffit de déplacer cette page un peu vers le haut. C'est l' étape difficile et ce que je veux que vous ressentiez dans votre cœur ou votre esprit ou les deux, lorsque vous travaillez et passez à l'étape difficile, c'est d'être vraiment insouciants. Ne vous inquiétez pas de l'apparence de l'œuvre. Maintenant, vous pourriez dire, eh bien, c'est un peu fou. Genre, n'est-ce pas un dessin ? Ce n'est pas censé être beau. La partie la plus belle vient de la phase de remboursement, n'est-ce pas ? Mais l'étape la plus difficile consiste vraiment à planifier, s' assurer que tout est dans sa juste perspective. Oui, je vais passer aux exemples tout à l'heure et cela aura plus de sens. Néanmoins, l'étape raffinée est vraiment une question de professionnalisme. La propreté, le professionnalisme, la propreté, je suppose, non ? Propreté, propreté et propreté. Bonne présentation. Et vraiment, sa beauté générale. La beauté générale. Appliquer des filtres, lisser un peu les lignes, faire des lignes épurées, créer des lignes épurées encrées et tout le reste. Aucune de ces choses ne peut être faite sans le brut, donc c'est toujours primordial. Mais en réalité, l'étape du raffinement est celle où vous donnez une belle apparence à l' œuvre, n'est-ce pas ? C'est là que vous donnez une belle apparence au travail. Mais ce qui est plus important que de donner une belle apparence à votre travail , c'est vraiment à ce stade que vous pouvez être le plus créatif, n'est-ce pas ? Ainsi, vous pouvez être libre et être le plus créatif possible. Soyez les plus créatifs. Et la raison en est que lorsque vous avez construit ce système de règles, si vous le souhaitez, ou une base solide, ou imaginez que vous construisiez une maison, vous avez construit une structure de la maison. Vous avez construit le mur, vous avez construit le plancher au fur et à mesure que vous poserez les portes et que tout est dedans. Vous pouvez vraiment être libre dans la décoration de cette maison. Choisir la couleur, choisir la peinture, choisir le meuble sur lequel vous allez accrocher les tableaux. Vous n'avez plus à vous soucier des aspects techniques structurels du Suffolk. Vous pouvez simplement vous soucier des choses créatives, des lignes cool, d'essayer des choses avec les couleurs, essayer des choses avec les couleurs, d'essayer de la façon dont vous pourriez la peindre, ou de faire la pelouse en attendant d'une autre façon ou en essayer de nouvelles des choses, non ? Et donc, lors des étapes de remboursement, nous sommes vraiment là où vous pouvez être libre et créatif. Et donc, tout comme j'ai parlé de la posture de la scène difficile où vous ne vous inquiétez pas de sa beauté, n'est-ce pas ? L'étape du raffinement est celle où vous pouvez vous inquiéter de sa beauté et vous êtes libre de faire des choses amusantes, créatives et décoratives sur la pièce où vous savez que vous construisez ce truc sur le solide, le brut Donc, au fur et à mesure que nous avançons dans le cours, vous apprendrez à distinguer ce qui le rend rugueux, bon et juste sur la base de la théorie. Et ensuite, comment affiner et affiner. Et vraiment, si nous avons deux triangles aussi rugueux et raffinés, ça ressemblera à quelque chose comme ça. Tout est fait grossièrement, toute la théorie est faite grossièrement. Tout est fait à peu près à la hâte. Et puis les raffineurs, comme s'ils finissaient tout simplement. Ironiquement, cela prend 20 % du temps et 80 % du temps, n'est-ce pas ? C'est donc la règle 8020. En termes de brut et de remboursement. J'espère que nous sommes assez clairs sur ce flux de travail en deux étapes : brut et raffiné. Jetons donc un coup d' œil à quelques exemples. Et je pense que cela va vous choquer. Voici donc un extrait que j'ai fait d' un sommet de mage LTE de sang. Et sur le côté gauche, vous pouvez clairement voir mon super beau rough juste pour le marquer. Et puis ma super belle version raffinée. D'accord ? Et vous pouvez voir, eh bien, cela peut probablement paraître fou, surtout si c'est au milieu. C'est fou comme comment je suis passé de ça à ça ? Comme si ça n'avait aucun sens dans ton esprit. Comment est-ce arrivé ? Et nous aborderons ce sujet tout au long du cours. Mais en termes de flux de travail en deux étapes, voici à peu près à quoi ressemble un flux de travail en deux étapes. Vous avez un dessin structurel approximatif où tout est à sa place. Ici, je marquais le sort parce que je l'ai peint. Cela a fini par être une peinture, pas vraiment une illustration en soi. Mais ici, tout est difficile, mais tout est au bon endroit. J'ai en quelque sorte réglé les détails techniques des choses , leur positionnement, leur structure et leurs formes. Et j'ai appliqué toutes les théories pour m'assurer que cela convient à un droit structurel. Et je sais qu' une fois que c'est fait, il est assez facile pour moi prendre le dessus et de faire quoi ? Beaucoup de grands dîners ont cessé de faire l'affaire. quelque sorte ajouter de belles lignes, des yeux détaillés des détails, du nez et tout ça. Mais en général, si vous commencez par une étape de remboursement, c'est juste sur des bases vraiment faibles et c'est tout simplement horrible, n'est-ce pas ? Ça finit par mal paraître. Et puis les plus étranges peuvent comprendre pourquoi le travail semble médiocre ne fonctionne pas encore. Tu fais la queue et tu fais toutes les choses sympas que tu vois tes artistes préférés faire. Voilà donc un exemple de remboursement référé. Voici un autre exemple. C'est juste un portrait et c'est fondamentalement la même chose, non ? C'est fondamentalement la même chose. On a un plan sur le côté gauche, un remboursement sur la droite. Et nous allons passer en revue ce que je vais dire plus en détail. Mais ce qu'il est essentiel de retenir ici, c'est lorsque nous pensons à la forme, forme, aux détails, la structure de la structure théorique des artistes. Et il passe en mode Exemple à ce sujet. C'est vrai. La structure de notre conception détaillée de la forme en forme d'arès implique en fait un flux de travail, n'est-ce pas ? Cela implique un flux de travail dans lequel nous allons commencer par la forme. Eh bien, que nous avons une forme, une forme et des détails. En quelque sorte structurellement placé. Ensuite, nous passons à tout affiner ensemble, n'est-ce pas ? Dans un véritable flux de travail de raffinement, nous pensons toujours à tous ces éléments, mais notre état d'esprit est différent. Donc, ce que je veux dire par là, si cela prêtait un peu à confusion, c'est que notre flux de travail global ou mondial est approximatif et remboursable. Bien sûr. Mais en tant que débutant, vous ne serez pas capable de le faire dès le départ, car il existe en fait une multitude de théories qui devaient réappliquées au stade initial. Et nous allons certainement passer par des flux de travail solides se composent en fait de quelques étapes. Et ces étapes se décomposent en termes forme, de forme et de détails. Ensuite, nous passons à l'étape du remboursement, qui a ses propres théories, mais elles n'ont rien de plus fou que ce que l'on trouve au stade approximatif. Et puis ici, nous parlons de choses comme le geste, que nous avons tout un module et un geste à parcourir. Et la forme implique l'anatomie et la structure des choses. Et le retour à la forme du geste est également lié à la composition des personnages. C'est une composition à la fois symbolique et rurale. Et puis les détails sont vraiment des détails. Détaillez les choses, commencez à les styliser, etc. Même si certains éléments stylistiques en sont également au stade de la forme. J'espère donc que ce n'est pas trop confus pour vous en ce moment. Mais sachez simplement qu'il s' agit de l'étape difficile et de l'étape raffinée ou du flux de travail global. Une fois que vous aurez eu un peu de pratique, vous serez en mesure de faire toutes les choses théoriques au stade approximatif, puis de les élaborer et de les embellir lors de la phase de remboursement, comme nous le voyons dans ce genre de démos. Alors que cela peut sembler assez difficile. Et bien que vous sachiez que, structurellement, tout est à sa place, il y a beaucoup de théories qui se produisent sur le côté brut de quelque chose. Beaucoup de théorie, en fait, à peu près toute la théorie. Et c'est en grande partie ce que propose le cours. Dieu, ce sont toutes ces théories qui vous aident à construire un terrain solide et solide. Parce que d'une manière générale, je veux, je ne veux pas dire qu' il existe une règle mondiale, mais qu'il est assez facile de terminer quelque chose de fondamentalement fort, n'est-ce pas ? On ne peut pas terminer quelque chose qui est fondamentalement faible parce qu'alors c'est toujours faible. D'accord ? sont donc les flux de travail approximatifs et de remboursement. Et nous y reviendrons au fur et à mesure du cours. Mais je voulais vous le présenter maintenant pour que vous commenciez à réfléchir à l'étape du dessin. Et aussi que pendant que vous faites, que vous dessinez, vous vous efforcez de travailler dans ces deux étapes. Et que vous nous sentez tous fous et que vous ne vous retenez pas dans la rue. Qu'une fois que vous êtes satisfait du brut, vous n'avez pas besoin d' être complètement détaillé. Ensuite, vous pouvez passer à l'étape des détails en inspirer et lui donner un aspect magnifique. Donc, travaillez toujours dans ces deux étapes. Passons à autre chose. 11. Qu'est-ce que le style ?: Dans cette leçon, nous allons répondre à une question séculaire. Qu'est-ce que le style ? Surtout si vous êtes débutant en arts et que vous avez peut-être du style, peut-être quelque chose qui vous préoccupe , votre style personnel. Avez-vous un style, comment allez-vous l'obtenir ? Et c'est, c'est une question très courante. C'est une question très courante. Qu'est-ce que le style ? Comment puis-je me familiariser avec le style ? Devrais-je travailler sur mon style, etc. Et la vérité est que la réponse à cette question est vraiment, ne vous inquiétez même pas pour ça. Nous allons y réfléchir lorsque nous parlerons de style. Qu'est-ce que le style ? Vous obtenez vraiment deux types de styles. Vous avez des genres stylistiques, non ? Genres stylistiques. Et puis vous obtenez votre style personnel. Votre style personnel, ou même le style personnel de quelqu'un d'autre. Mais néanmoins, ce sont leurs affaires personnelles. Et nous parlons de genres stylistiques. Nous parlons en fait règles proportionnelles et certaines règles de conception qui donnent à une œuvre d'art un aspect particulier. Ainsi, par exemple, Disney serait un exemple de genre stylistique. Le style Disney a un aspect très distinctif. Il y a une certaine proportion de la taille de la tête, donc les yeux et les mensurations qui donneraient à quelque chose un aspect Disney. Et nous savons que lorsque nous voyons quelque chose Disney, nous le reconnaissons comme étant Disney en raison de son style. D'accord ? manga est un autre exemple de genre stylistique. Maintenant, il existe évidemment de nombreux sous-ensembles du style manga. Ce n'est pas qu'un style, il n'y a pas un seul style de manga. Mais nous avons le sentiment d' une esthétique qui semble très authentique, Japonais ressemblent beaucoup à de la mangue. Et encore une fois, cela se résumera à des règles et à des choix de conception proportionnels. Maintenant, ils ne sont plus tous identiques et vous avez la possibilité de créer votre propre style à l'intérieur de ces styles. Mais nous reconnaissons que le manga est une sorte de genre stylistique. Faisons un autre exemple. Ce qui serait, disons, bande dessinée américaine, très précise. Style comique américain. Encore une fois, c'est pareil, non ? C'est, c'est un genre stylistique. Et il possède certaines règles proportionnelles et certains choix de conception qui lui donnent une apparence particulière. Et très souvent, nous pourrions regarder une bande dessinée Marvel ou une bande dessinée de DC et dire, eh bien, que c'est le style de la bande dessinée américaine. Nous regardons certains mangas et nous disons, eh bien, c'est du style manga japonais. Et regardez certains films Disney, des œuvres d'art Disney dans des livres et d'autres choses et dites, eh bien, regardez, c'est vraiment du style Disney. Ce sont donc des sortes de genres stylistiques. Et d'une manière générale, style peut réellement évoluer dans cette ligne de réalisme. Comme le super réalisme, le réalisme jusqu'à ce que l' on appelle une super déformation. Je vais juste le mettre dans un ASD, oui, mais il est super déformé. Ces styles ont tous tendance à s'adapter quelque part le long de la ligne. Et par exemple, quelque chose comme Dexter's Lab, qui est très plat, relève plutôt du côté super déformé d'un genre stylistique. Et puis, une sorte de réalisme photo est juste du côté réaliste ou lorsque vous faites des dessins et autres qui sont très réalistes. Ce sont des genres stylistiques. Vous voulez donc penser au style en termes de genres stylistiques. Maintenant, en termes de style personnel, c'est vraiment quelque chose qui se développe tout seul, n'est-ce pas ? Il se développe donc tout seul. Vous n'avez même pas à penser qu' il se développe tout seul. Et en réalité, cela viendra de choses que vous aimeriez dessiner, choses que vous aimeriez dessiner. Maintenant, en supposant que vous aimez dessiner dans le style Disney ou qu'une cellule de manga ou qu'un vendeur de bandes dessinées ait vu ce que vous aimez vraiment. Ou même si vous souhaitez créer votre propre style. Ce qui finit par arriver, c'est que vous commencez mettre une partie de vous-même dans ce style. Qu'il s'agit incontestablement d'un genre stylistique. Et pourtant, c'est indéniablement votre propre style. Ou si vous avez créé votre propre genre stylistique dans lequel vous avez défini certaines règles, ensembles et certaines choses que vous souhaitez suivre, alors tout vous appartient entièrement et vous avez votre propre genre stylistique et votre des cellules personnelles dedans. Mais en supposant que vous ayez vraiment aimé, que vous ne vouliez même pas vraiment travailler dans l'industrie de la bande dessinée ou dans l'industrie américaine de la bande dessinée, ou que vous vouliez vraiment devenir un artiste de manga, vous insérez intrinsèquement votre style personnel dedans. Même si vous empruntez, empruntez et prenez des choses à différents artistes, qu'il s'agisse de styles artistiques différents, de genres ou d'hybridation, finissez par mélanger des styles. Mais l'essentiel ici est que je veux que vous réalisiez que votre style personnel va vraiment se concrétiser. Quoi qu'il en soit, vous allez faire l'art que vous aimez faire, l'art qui vous plaît. Et votre style personnel va naturellement se développer et en découler. Et vous commencerez à prendre des habitudes de la façon dont vous avez peut-être tendance à dessiner les yeux, la façon dont vous avez obtenu de dessiner les cheveux, la façon dont vous avez tendance à dessiner les oreilles. Et cela peut ou non correspondre à ce genre stylistique ou à un ensemble, à un genre stylistique d'ensemble particulier en fonction de ce que vous voulez faire. La clé ici, à bien des égards, est donc ne pas vous inquiéter de votre style personnel. Et en termes de genres stylistiques, si vous voulez travailler dans ces genres, faites-le. Si vous ne voulez pas travailler dans ces genres et créer votre propre style et votre propre façon de faire les choses. Néanmoins, vous n'avez pas à vous inquiéter à ce sujet et à vous inquiéter de savoir si vous avez un style, vous aurez toujours un style en soi. Les choses que vous dessinez parce que vous les avez dessinées ont une part de vous dans la façon dont elles sont mises en œuvre. Donc, en fin de compte, c'est ça le style. Mais maintenant, lorsque nous pensons au style en termes de théorie, permettez-moi d'ajouter un point à tout cela. Et c'est vrai, ce style est une petite couche très fine, non ? Une très fine couche de gâteau massif. C'est une théorie fondamentale, n'est-ce pas ? Supposons que le style de la théorie des parties fondamentales ne soit en fait qu'une fine couche au-dessus des fondamentaux. Parce que lorsqu'on connaît la théorie fondamentale de l'art, on peut dessiner dans n'importe quel style. Vous pouvez vous adapter à n'importe quel style parce que vous comprenez ce qu'est réellement le style. Et il s'agit vraiment de quelques ajustements. En quelques mots. Il s'agit en fait de modifications des proportions et de certains choix de design en fonction des tendances en matière de design qui sont respectées. Cela a donc beaucoup à voir avec proportions et les tendances du design. Par exemple, comment la loi ne peut pas être faite, comment la file d'attente peut se faire vers le bas, comment des lignes plus épaisses, des lignes plus fines, etc. Et c'est vraiment ce qu'est le style. Mais sachez que c'est cette fine, fine couche. Ce n'est pas quelque chose de fou extrêmement important. Les fondamentaux sont très, très importants. C'est donc vraiment un résumé de ce qu'est un style. J'espère que cela vous a été utile et passons à autre chose. 12. M2How pour utiliser correctement la référence: Dans cette leçon, nous allons traiter et parler de la façon d'utiliser les références, n'est-ce pas ? C'est très controversé, certaines personnes pensent que c'est de la triche. Nous allons parler de ces sujets et également aborder en profondeur ce que signifie utiliser une référence. Et nous allons en parler de deux manières. Et parlez-en en termes de design. Et je vais en parler en termes d'études ou d'apprentissage. Parlons d'abord des études et de l'apprentissage, n'est-ce pas ? Lorsque nous parlons d'utiliser la référence en termes d'étude ou d'apprentissage, cela implique généralement de copier et d'observer. Copier et observer. Ce que nous faisons, c'est examiner la référence. Et voici cette image de référence de cette fille en classe. Et nous allons vraiment, peut-être, disons que nous voulons en savoir plus sur les valeurs et que nous voulons en savoir plus sur l'éclairage. Nous voulons en savoir plus sur la structure de la composition du cliché. Nous copierons ensuite la pièce entière telle qu'elle est. Et comme vous le savez, cela le transformera ensuite en art d'observation. Et ce que nous pouvons faire en copiant, c'est apprendre certains éléments de la structure, certains éléments de l'anatomie. Nous pouvons examiner l'anatomie, copier les formes anatomiques et nous engager à mémoriser ces choses que nous apprenons en copiant et observant quand nous pouvons utiliser références pour étudier et apprendre, n'est-ce pas ? Mais nous ne voulons pas utiliser de référence, n'est-ce pas ? Nous ne voulons certainement pas utiliser la référence comme œuvre d' art, n'est-ce pas ? L'œuvre d'art ou la base de l'œuvre d'art. Où quelqu'un peut dire que nous avons utilisé, que nous avons vraiment peint sur des photos dessinées sont tracées ou quelque chose comme ça. Ce sont des choses que nous ne voulons pas faire. Ce n'est pas non plus ainsi que nous utilisons le traçage des références. Ce n'est pas ainsi que nous utilisons la référence. Ce sont donc des choses que nous ne voulons pas faire. Ce n'est pas une bonne utilisation de la référence. Ainsi, lorsque nous utilisons la référence en termes d' étude et d'apprentissage, nous l'utilisons. Nous l'utilisons pour le copier, pour en savoir plus sur la référence ou l'objet dans l'image de référence. Et nous l' utilisons également pour apprendre à voir, mieux voir, à observer, à mieux prendre des notes pour apprendre. Dans ce cas, la copie est parfaite lorsque vous l'utilisez pour étudier et apprendre. Mais ce n'est pas bien trop présenté comme une œuvre d'art, base d'une œuvre d'art ou même comme un traçage de celle-ci, n'est-ce pas ? Ce qui est essentiellement la base d'une œuvre d'art ou son utilisation comme œuvre d'art. Mais de toute façon, lorsque nous utilisons des références pour étudier et apprendre, nous pouvons observer ces différentes choses, n'est-ce pas ? Et en particulier, vous utiliserez de nombreuses références en termes de dessin gestuel, d' anatomie et d'apprentissage des éléments anatomiques, musculature, du système squelettique, etc. Et nous allons littéralement copier la référence et créer des millions de versions différentes de références similaires et d'angles de caméra différents afin connaître la structure de cette chose anatomique. Mais la principale façon dont nous utilisons réellement la référence est pour la conception. Lorsque vous faites référence à un design, c'est une façon complètement différente de voir la référence. ne nous préoccupons plus de copier ce que nous voyons, mais plutôt de regarder les choses manière fondamentale et structurelle. Par exemple, si le haut de ma tête nous pourrions faire référence aux couleurs à partir de cette image. Ils sont très pastel et légers. Faisons ici une sorte de demi-couleur du livre correspond très bien à ce type de couleur verte menthe latine. Nous pourrions donc faire référence aux couleurs et dire, eh bien, vous savez, dans cette image de référence, j'aime beaucoup la couleur. Je veux faire référence à la couleur. Nous pourrions faire référence à son expression, par exemple. Nous n'allons donc pas copier cette expression exacte sur notre dessin dans cette pose exacte. Nous pouvons simplement faire référence son expression et dire : « D'accord, elle a un sourire joyeux et un sourire intéressé et qui a gagné les sourcils vers le bas et les autres vers le haut. Et nous pouvons reproduire ces éléments dans notre travail. Mais nous ne copions pas, nous référençons, non ? Nous empruntons, si vous le souhaitez, à la pièce. Vous pourriez certainement faire référence à la pose, non ? Faites référence à la pose. Et en faisant référence à la pose, peut-être que votre personnage est fatigué après une dure journée au collège, à l'université ou à l'école. Et vous empruntez simplement la structure de la main sous le menton et le bras, du torse à cet angle et peut-être de l'autre bras sur le bureau. Vous pouvez faire référence à la pose, la composition. se peut que vous n'aimiez pas toute la composition de cette dame en arrière-plan et d'une autre dame là, puis du personnage principal ici, et juste de toute la composition générale de tout. Vous pouvez donc référencer la composition. Et selon ce que vous dessinez, si vous dessinez si vous dessinez objets mécaniques sont des objets fabriqués par l'homme. Vous pouvez faire référence à un fonctionnement mécanique, vous pouvez faire référence à un choix de conception. Vous pourriez faire référence à tellement d'éléments, tant d' éléments théoriques auxquels vous pourriez sans doute faire référence lorsque vous peignez et tout ça. Vous pouvez référencer des valeurs, c'est-à-dire les valeurs claires et foncées de la pièce. Vous pouvez faire référence à l'objectif de la caméra si vous le souhaitez. Lentille de caméra Ici, ils utilisent un objectif à diaphragme très bas pour obtenir joli flou d'arrière-plan et un premier plan net. C'est donc ce dont nous parlons réellement, lorsque nous parlons de référence , la plupart du temps, lorsque nous faisons du travail créatif ou imaginatif. Ainsi, le référencement pour le design s'inscrit parfaitement dans le travail imaginatif et créatif. Et le fait de faire référence à l'étude et à l'apprentissage repose vraiment sur ce côté observationnel de l' OT. Où nous étions en train d'observer, d' apprendre, d'étudier, de mieux comprendre le monde et fonctionnement de la lumière , de l'anatomie, etc. Mais lorsque nous faisons référence au design, nous empruntons des éléments que nous apprécions et que nous aimons et nous pouvons les mélanger à d'autres éléments et créer nos propres designs. Et lorsque vous faites référence design en général, et j'espère que ce devrait être le cas. 9,99 fois sur dix. Si ce n'est pas dix fois sur dix, votre travail ne ressemble en rien à l'œuvre à partir de laquelle vous avez fait référence ou pièces que vous utilisez comme référence aux multiples photos, objets ou arbres ou antécédents ou quoi d'autre. Comme vous faites référence à des éléments de conception, vous ne faites pas référence à l'image elle-même. Et cela résume bien cette leçon sur la façon d'utiliser la référence. Et je pense que c'est à peu près tout. Passons à autre chose. 13. Développement de bibliothèque visuelle: Bienvenue dans la démo de développement de la bibliothèque visuelle. Le développement de bibliothèques visuelles est un exercice que nous faisons pour développer notre bibliothèque visuelle. Cela nous a permis de ne pas avoir besoin de références lorsque nous dessinons, mais qu'ils ont pu extraire notre esprit les informations visuelles dont nous avons besoin. C'est quelque chose qui devrait être fait assez régulièrement, surtout si vous n'avez pas beaucoup dessiné ou si vous êtes très novice en dessin. Et essentiellement visuel, chaque dessin de développement implique deux études de dessin observationnel à partir de référence, suivies d'un dessin imaginatif sans aucune référence utilisant vos nouvelles connaissances sur l'objet. Tous les dessins sont réalisés selon un flux de travail en deux étapes : brut et raffiné. Ils sont ensuite disposés sur la page et numérotés 123. En général, le numéro trois fait toujours référence au dessin imaginaire, qui est le dessin de votre tête. Dans cette démo, j'ai pris des photos Top Hat, que je commence à dessiner grossièrement, puis à les rendre rugueuses avant de passer à un troisième dessin issu de mon imagination. développement d'une bibliothèque visuelle, ou vl di, est un excellent moyen à la fois de développer votre bibliothèque visuelle et de profiter d'une bonne séance de dessin d'échauffement et de la regarder jusqu'à la fin de la vidéo pour avoir l'essentiel du dessin VLT puis n'hésitez pas à participer à une mission VLDL donnée. C'est ainsi qu'a commencé l' étape de raffinement de ce premier dessin de Top Hat. Et je suis occupé à ajouter les poids du terrain et à montrer les chevauchements. Avant cela, alors que je faisais l'ébauche, je dessinais simplement en essayant de saisir les grandes formes, à la fois les formes tridimensionnelles et d'essayer de faire fonctionner les formes bidimensionnelles. Ici, je fais mon deuxième développement de bibliothèque visuelle, dessinant par-dessus le chapeau et en essayant d'être aussi précis que possible. Personnellement, je suis un peu désordonné quand je dessine. Parfois, je transgresse totalement la règle du mince et de la légèreté. Mais il est toujours préférable d'essayer de nous dessiner plutôt que moi et le plus légèrement possible, car cela facilite grandement l' ajustement des choses. Néanmoins, j'ai réussi à obtenir plus ou moins le formulaire. Et je commence ensuite à faire le raffinement par dessus. ce faire sur du papier, vous pouvez utiliser une boîte à lumière ou une gomme pétrie pour éclaircir vos lignes rugueuses. Une fois que vous êtes satisfait de votre ébauche numérique, vous pouvez simplement placer une couche sur le dessus réduire l'opacité de la couche inférieure. Et puis, littéralement, il suffit de mettre vos premières lignes et vous aurez des lignes épurées sur le dessus. Bien entendu, l'un des grands avantages du numérique est que lorsque vous gâchez un trait très long ou une très longue ligne lisse, vous pouvez simplement l'annuler. Ainsi, avec les supports traditionnels tels que le crayon et le papier, etc., ce que vous voulez déjà faire, c'est vous assurer que votre brut est plus proche du niveau de remboursement avant de faire les dernières lignes afin que vos dernières lignes soient vraiment sont presque en train de tracer votre dessin original, pour ainsi dire. Alors, encore une fois, je termine la deuxième image. Et vous remarquerez peut-être que je n'ai pas vraiment mis beaucoup d'ombres ou ombres dans ces dessins collaboratifs. Et il y a une raison à cela, en particulier parce que c'est un cours de dessin que je veux que nous nous concentrions sur le dessin, non sur la peinture et le rendu. Ensuite, c'est aussi parce que cela prend plus de temps lorsque vous réalisez des dessins de réaménagement visuels en laboratoire pour ensuite transformer votre cerveau en mode valeur et commencer à comprendre concepts de rendu. Je vais donc commencer à faire ma propre œuvre imaginative. Relativement imaginatif. Je suis sûr que vous avez déjà vu un design de chapeau haut de gamme similaire . Néanmoins, allez-y et utilisez ce que j'ai appris en dessinant le haut des deux chapeaux hauts de forme auparavant et lancez-vous dans la création de ma propre version. Et encore une fois, je vais passer à la phase de raffinement en utilisant deux couches et en faisant simplement quelques poids de trait, en m'assurant que les chevauchements, la lecture et la finition. Et puis je termine en les mettant en page, en les étiquetant . Et ce serait un exercice complet de développement d'une bibliothèque visuelle. 14. Empilage de la théorie: Bienvenue à la dernière leçon du module 2. Dans cette leçon, je voudrais parler de on appelle l'empilement théorique, ou du moins c'est comme ça que je l'appelle. Et comme son nom l'indique, il s'agit d'empiler et de mettre en œuvre de multiples théories, en particulier dans le bon ordre. Maintenant que le cours a été structuré, il est structuré de manière à ce que le type de théories fondamentales soit construit en premier. Et toutes les petites théories s'empilent à la base et vous les implémentez toutes dans votre dessin même temps ou peu importe , pièce par pièce. Et au fur et à mesure que vous apprenez des théories plus avancées, vous commencez à les empiler et à parcourir le triangle de la théorie de l'art, si vous voulez. Et ainsi de suite jusqu'à ce que vous construisiez vraiment une pièce finie, qui repose vraiment de nombreuses théories différentes, n'est-ce pas ? Donc, un exemple d'empilement théorique basé sur ce que nous avons appris dans le module deux est que si je devais dessiner quelque chose de très simple, comme une boîte, je prendrais ma première approche après m'être échauffé pour vraiment obtenir un peu de 3D en cours de dessin. Je vais dessiner des boîtes d'emballage, comme celles d' une entreprise de déménagement ou quelque chose comme ça. Voici donc ma boîte. Et je suis en train de dessiner et je pense au travail aussi bien qu' au flux de travail approximatif et au flux de remboursement. Donc je peux être désordonné, je ne m'inquiète de rien. Et puis en pensant à  : « Que sont les boîtes » ? Dois-je vérifier ? Oui. Oh, oui. Relâchement et dynamisme. Je pense que je vais devoir être assez souple dans mon stade raffiné pour avoir ces lignes très belles et épurées qui ont une directivité de masse par rapport à elles par rapport à des lignes statiques lentes qui n'ont aucune directionnalité. C'est donc une chose à laquelle je pense en faisant cela, pensant aux parallèles tangents. Eh bien, une boîte est, pour la plupart, assez parallèle. va donc falloir maintenir le parallèle dans ce cas. Mais si je voulais appeler thon pour la boîte, je pourrais décider, eh bien, ajouter un peu de directionnalité sur les côtés de la boîte et de donner à la boîte un aspect un peu plus dynamique. Nous pouvons le faire. veux aussi penser aux haltères pendant que je dessine cette boîte, peu probable que je dessine le genou, ce que je ne fais clairement pas ici. Je dessine légèrement, puis un peu plus foncé par-dessus. Ensuite, bien sûr, dessiner vite. J'ai commencé à dessiner rapidement et à réfléchir à ce flux de travail en deux étapes. Donc, ce que je fais, c'est qu'en dessinant cette boîte et que nous faisons les choses grossières, j'accumule des théories au fur et à mesure que je la parcourt. Il y a peut-être un volet ici, un autre volet ici. Mais je ne veux pas qu'ils le fassent, Marisol les dessine sous différents angles. Et je pense à ces parallèles, et cela s'est également produit avec ces pays. Cela lui donnera un aspect un peu plus caricatural. Vous n'êtes pas obligé d'opter pour le dessin animé Look. Vous pouvez avoir des parallèles dans les objets créés par l'homme. Et faites vraiment mon flux de travail en deux étapes. Ça pourrait être difficile. Et puis en plus de ça, je vais faire le remboursement. Je vais juste effacer beaucoup de choses et ensuite travailler sur toutes ces théories. Donc, ici, je vais essayer d'être vraiment gentille et détendue. Et vous en avez certainement vu une partie dans la vidéo de démonstration du développement du langage visuel. Et là, je suis en quelque sorte très détendue avec les mouvements de mes bras. Et je joue sur la théorie de l'indulgence. D'accord ? Et je n'aurai pas besoin de dessiner sur la boîte parce que la boîte n'est pas transparente. D'accord ? Et évidemment, si c' était sur une couche séparée, j'aurais une très belle boîte propre au lieu du rugueux en arrière-plan. Néanmoins, ce concept d' empilement théorique est en grande partie un, et faute de platine Désolé pour cela, c'est vraiment une question de cocher les cases. Pendant que vous dessinez, vous devez vous assurer de cocher les différentes cases. Par exemple, en vous posant la question suivante : que je dessine librement ? Est-ce que j'ai des formes dynamiques ? Et tout ça n'est qu'une histoire de scène, non ? Est-ce que j'ai des formes dynamiques ? Est-ce que je fais le flux de travail en deux étapes ? Dans ma façon de travailler ? Qu'en est-il, par exemple, des parallèles ? Est-ce que je vérifie les parallèles ? Et ainsi de suite et ainsi de suite. Et vous vous assurez qu'en faisant vos dessins, toutes les théories que vous avez apprises, qui sont vraiment des éléments théoriques fondamentaux du module 2, vous vous assurez de cocher les cases comme elles le disent, C'est vrai ? Je coche les cases. OK, je fais le flux de travail en deux étapes. Génial. OK, j'ai des formes dynamiques. Génial. Je suis vraiment lâche avec mon bras. Je dessine finement et légèrement, vous savez, tous les éléments que nous avons appris dans ce domaine. Ainsi, au fur et à mesure que nous avançons dans le cours, assurez-vous que chaque théorie que vous apprenez est intégrée au travail que vous effectuez. Ne travaillez pas et laissez de côté les théories. Il peut donc être très utile pour vous créer vos propres cases pour vérifier si vous pensez avoir besoin de quelque chose de très précis et très spécifique pour vous assurer que pendant que vous dessinez, vous vous assurez, OK, que ces théories dans ces théories et les théories qui s'y rattachent, il n'y en a pas. Laissez-moi enregistrer cela sous le nom R. Dans cette leçon, vous pouvez vraiment vous fier à une théorie de l' art réaliste. Les règles permettent vraiment votre créativité d'être libre et d'être bien mise en œuvre ? Donc, assurez-vous vraiment de mettre en œuvre la théorie. Empilez la théorie. Et au fur et à mesure que nous apprendrons davantage de théories et de types de théories de plus haut niveau, vous continuerez empiler continuellement la théorie et à la mettre en œuvre presque en même temps. Et au fur et à mesure que vous vous améliorez en art, vous commencez à faire les choses naturellement. Vous ne faites pas les choses plus par désir que par nécessité, parce que cela devient une partie de vous. C'est la fin de cette leçon. Et si vous êtes prêt à passer au module 3, je vous y verrai.