Dessiner des personnages 101 Intro au dessin de personnages

1. Introduction: Bonjour et bienvenue au cours. m'appelle Scott Harris et j'ai pensé que je ferais cette vidéo d'introduction juste pour vous présenter moi-même, qui je suis, et vous parler du cours, vous expliquer comment vous devriez le faire. Je devrais suivre le cours. Et aussi que nous pouvons, même si je ne vous connais pas très bien, que vous apprenez à me connaître et que j'espère que ce sera une expérience bénéfique pour vous tout au long de ce cours. Tout d'abord, j'ai vraiment l'impression que ce cours contient mon chef-d'œuvre, probablement de tout le contenu de cours que j'ai jamais suivi. Il contient tellement d'éléments précieux qui ont trait à la conception des personnages et au dessin complet des personnages. Je dessine des personnages, des personnages bien dessinés, attrayants. Ensuite, au fur et à mesure que vous progresserez dans le cours, je pense que vous allez découvrir que ce n'est pas un cours que vous suivez, vous suivez tout le cours et que vous avez peut-être déjà eu de l'expérience avant de suivre un cours et que vous avez l'impression vous savez, il y avait une ou deux bonnes informations dans ce cours. J'espère que vous aurez l'impression que, Waouh, ce cours m'a vraiment, vraiment amené, peut-être de la part de quelqu'un où vous ne saviez pas du tout dessiner des personnages à aimer maintenant, maintenant j'ai vraiment l'impression de savoir ce que je fais. Ou si vous avez commencé à dessiner un peu ou si votre dessin, votre intermédiaire est un dessin, vous avez l'impression que cela a tellement amélioré mes compétences. Et cela aussi que ces concepts sont des concepts très intéressants car ils font partie de votre façon de dessiner. Tu as l'impression que ce cours en valait la peine pour moi. C'est ce que j'espère. Et j'espère vraiment que vous deviendrez vraiment grands artistes de personnages et que vous serez capables de dessiner dans une multitude de styles tous les types de personnages que vous voulez, avec attrait , émotion, histoire, avec émotion, et qu'avez-vous ? Donc oui, c'est en quelque sorte ce que je pense du cours et la façon dont je veux vous le présenter. Et aussi que la présentation du cours, alors que les théories et les concepts vont être assez sérieux. À mon tour, je vais présenter le cours de manière très décontractée, comme si je vous enseignais en classe. Je ne pense donc pas qu'il faille insister sur des études théoriques trépidantes ou quoi que ce soit de ce genre. Mais je ferai certainement de mon mieux pour être aussi clair et concis que possible afin que vous saisissiez rapidement les théories et que vous puissiez ensuite les mettre en pratique et faire des exercices en douceur. de les intégrer à votre système et de vous y habituer. Donc, j'imagine que vous suivez le cours, c'est que vous regardiez d'abord toutes les vidéos. Une seule fois. Tu regardes chaque vidéo, tu les as regardées, tu ne fais aucun exercice, tu regardes juste, tu apprends, tu essaies d'absorber, non ? Ensuite, lors de votre deuxième course, vous suivez le cours et vous faites tous les exercices. Il est extrêmement important que vous consacriez le temps et la détermination nécessaires à l'élaboration de tous les exercices, faisant les dessins requis dans chacune des sections. Et la raison en est que même si l'étrange est certainement extrêmement plus théorique que ce que l' on pense, j'aimerais, et c'est peut-être pour jouer d'un instrument de musique, vous savez peut-être tout ce qu'il faut savoir sur une guitare ou un instrument en particulier. Vous connaissez peut-être toutes les théories, toutes les théories musicales. Mais si vous ne prenez pas une guitare et que vous n'en jouez pas, la théorie est un peu inutile en même temps, en utilisant le même type d'analogie. Vous pouvez vous rendre compte que beaucoup de gens vont dire, eh bien, comment vous améliorer dans le domaine de l'art ? Et ils répondront et il y aura du genre, vous vous entraînez simplement, vous entraînez davantage. Eh bien, si vous vous imaginez en train une guitare et que vous pensez simplement, eh bien, que plus je continue à jouer de la musique, j' apprendrai à devenir un peu une guitare. De toute évidence, cela n' arrivera pas, non ? Ce n'est pas le cas. Tu vas avoir besoin de la théorie. Il n'y a donc pas de dualité si vous le souhaitez. Équilibre entre théorie et pratique en matière d'art. Et j'espère que ce cours vous permettra de vous engager de manière exhaustive dans les deux domaines. D'accord, je suppose que c'est à peu près tout pour l'introduction au cours. J'espère que cela vous plaira. J'espère que vous passerez un bon moment. J'espère que vous resterez en contact avec moi, que vous resterez en contact avec moi, que vous m' enverrez vos œuvres d'art dans vos exercices pendant que vous suivez le cours. Et je te souhaite tout le meilleur. Je suis très optimiste et j'espère que ce cours sera absolument génial pour vous. Alors oui, commençons suffisamment pour discuter. Allons-y. 2. Connaître (théorie) vs faire (pratique): Génial, bienvenue entre théorie et pratique. La vidéo entre théorie et pratique, alors tu te dis peut-être, eh bien, mec, tu viens d'en parler dans l'intro. Vous avez utilisé l'exemple de la guitare, de la musique pour guitare, de l'instrument, de la théorie Eh bien, je tiens à vraiment renforcer votre façon penser de la théorie de l'art et de la pratique étrange Il existe une très grande conception de l' art selon laquelle pour être meilleur en tant qu' honnête, vous devez mettre dans le temps et vous devez simplement dessiner, dessiner, dessiner, dessiner un rôle dans la pratique, vous entraîner, entraîner tous les jours, et d'une manière ou d'une autre comprendre les choses au fil du temps et vous allez vous améliorer. Bien sûr. Cela peut fonctionner sur dix ou 15 ans. Vous voulez passer dix ou 15 ans à apprendre à dessiner des personnages ? Je ne le pensais pas, non ? Donc, la raison pour laquelle je voulais ajouter cette vidéo au cours et vraiment approfondir le c'est que je veux que vous pensiez à sujet, c'est que je veux que vous pensiez à la théorie de l'art et que vous deviez être pratique, n'est-ce pas ? Tu as besoin des deux. Les deux sont très importants et les deux sont tout aussi importants. C'est donc la première chose principale qui fait que les deux sont tout aussi importants. Mais la façon dont je veux que vous y pensiez, c' est que vous voulez atteindre une destination. Imaginons que vous cherchiez un trésor. Des arguments comme votre part. Tu cherches un trésor. Que disposaient les pirates pour atteindre le Trisha ? Ils ont une carte au trésor, non ? Ils ont des instructions qui les montrent étape par étape, une sorte de chronologie ou flux logique de la façon dont ils vont se rendre à cette chasse au trésor, les montrent étape par étape, une sorte de chronologie ou de flux logique de la façon dont ils vont se rendre à cette chasse au trésor, cet objectif. Notre théorie est à peu près la même chose d'une certaine manière. Vous avez besoin de la théorie, pas seulement de la théorie elle-même. Vous savez, que ce ne sont que de petites bulles flottantes, vous savez, des anatomies au-dessus de leurs perspectives ici et là et que tout n' est que des niveaux d'inondation. Vous n'avez pas besoin de la théorie dans le bon ordre, avec tout à sa place, que vous pouvez suivre étape par étape et apprendre étape par étape de manière structurelle, des bases aux choses avancées. Ainsi, une fois que vous aurez construit ce type de fondation, construirez une sorte de pyramide, que nous allons aborder tout à l'heure. Que vous comprenez cela, que vous savez, que vous avez une direction claire et que vous pouvez facilement atteindre votre objectif en pensant à votre carte. Comment puis-je faire cela ? Quelle est la structure de ces différents éléments de l'art ? Je voulais donc faire cette vidéo juste pour renforcer ce point. Ne pensez pas que la théorie est minimale et pratique, c'est tout ce dont vous avez vraiment besoin à la fois. Vous devez vraiment parler couramment les deux. Et certainement, vous devez vous concentrer sur l'ingestion, absorption, l'apprentissage des théories et être très fort dans votre théorie. Donc, en ce qui concerne la pratique, même si vos capacités pratiques sont peut-être un peu faibles, vous savez que vous pouvez vous fier à la théorie. Regardez ce que vous devez corriger, cochez les cases de la théorie et sortez à la fin de la journée avec un bon dessin. Donc, encore une fois, la théorie de l'ergothérapie est très, très importante, aussi importante que notre théorie pratique. 3. Soyons désordonnés: Bienvenue chez, Mettons-nous au désordre. Et qu'est-ce que Let's get Messy, n'est-ce pas ? Pourquoi est-ce que j'ajoute cette vidéo aléatoire dans la section d'introduction ? Et le désordre est vraiment un encouragement pour toi à être Macy, à être désordonnée, à être lâche, à être rude quand tu dessines, non ? J'ai suivi ce cours d'une manière ne veut pas que tu te sentes  : « Waouh, je ne pourrais jamais réaliser les dessins que je vois dans ces vidéos. Non, je n'ai pas suivi le cours d'une manière où vous avez ces exemples raffinés et parfaitement dessinés, exercices parfaitement dessinés, choses parfaitement dessinées que vous avez l'impression pouvoir réaliser ce niveau de perfection, n'est-ce pas ? Non, j'ai suivi le cours d'une manière souple, désordonnée, approximative, mais les éléments de la théorie sont corrects. Les éléments de la théorie du fort. Et je vais vous montrer comment passer d'un travail rude et désordonné, trop raffiné, soigné, beau, ordonné propre et professionnel, n'est-ce pas ? Mais je tiens à vous encourager début du cours, à renoncer à essayer de faire des dessins parfaits, n' début du cours, à renoncer à essayer de est-ce pas ? Commence à le lâcher. Soyez rude lorsque vous faites des exercices. Soyez rude lorsque vous essayez d'arranger les choses. Sois rude, lâche toi, laisse-toi sauvage, libre et rapide. OK, mettons-nous au désordre. Soyons vraiment compliqués. Réfléchis à ça. Un chantier coûte la totalité des frais, mais c'est construire des maisons, des bâtiments. C'est désordonné. Ce n'est pas complet, n'est-ce pas ? C'est juste que c'est plein, c' est désordonné. C'est le chaos. Du matériel de construction partout, des ouvriers partout, des objets sur des finitions peintes sur place. Tu dois penser comme ça. Même chose pour la cuisine. Un bon boulanger, un bon cuisinier. Ils ne fonctionnent pas dans ces cuisines immaculées comme vous le voyez dans les émissions de télévision. Ils sont en désordre et ils jettent des saveurs dans les aliments , ils deviennent salissants, ils s'y introduisent et ils se salissent les mains. Et quand tu construis quelque chose de grand, tu dois te salir les mains. Ensuite, vous pouvez utiliser l'étape de raffinement pour rendre ces choses nettes et claires, belles, belles et professionnelles. Parce que l' aspect et le sentiment professionnels proviennent d'une construction solide et que la construction est désordonnée. Alors laissez-moi vous encourager. Mettons-nous au désordre. Soyons rudes. Allons dans les salles d' audience de l'art. Et puis, une fois que nous avons trouvé le matériel et la pierre de base solide, nous pouvons nous concentrer sur le besoin, le resserrer, peindre ces bâtiments, préparer ces gâteaux pour une métaphore. Très bien, mettons-nous au désordre. Passons à autre chose. 4. Souvenez-vous toujours une chose: Avant de commencer, il y a quelque chose de très critique dont je dois vous parler. Et c'est ça. N'importe qui peut prendre un crayon ou un pinceau, accoler un stylet et faire des marques. Ils peuvent bouger leur bras et tracer des lignes qui peuvent faire des traits. Le fait est que la maîtrise et l'atteinte d'un véritable niveau de professionnalisme relèvent beaucoup plus de la théorie que de la pratique. Parce que, bien sûr, nous pouvons tous faire ces marques, n'est-ce pas ? Donc, ce que nous voulons faire, c'est comprendre la théorie à son niveau le plus élevé possible afin rendre chaque note que nous faisons efficace. Vous allez maintenant apprendre beaucoup de théorie dans le cours, mais le coût est également plein d' activités pratiques, de démos pratiques et de nombreux dessins à faire. Et vous pouvez faire ce dessin manière traditionnelle à l'aide de crayons et de papier, où vous pouvez utiliser Photoshop, vous pouvez utiliser un iPad Pro avec l'application de procréation ou n'importe quelle application de votre choix. Le cours a été créé dans Photoshop uniquement pour faciliter l'enregistrement, mais cela n'a aucune incidence sur le support que vous utilisez. L'essentiel est de comprendre comment se développe la théorie critique. Eh bien, c'est une idée fausse courante selon laquelle des artistes assis dans des cafés sortir la langue avec leur peau de taupe, des carnets de croquis dans un cappuccino, le dessin étonnant ce talent est qui jaillissent d'eux. Dessiner est une compétence. Ce n'est pas un talent, c'est une compétence acquise, tout comme la lecture et l'écriture. Et nous vivons à une époque où la majeure partie de la population n'a pas cette culture visuelle. Et je crois que dans quelques centaines d'années, tout le monde sera probablement capable de bien dessiner. Mais dans notre société actuelle, nous avons tendance à accorder ce saint honneur ou l'honneur sacré de dessiner deux personnes considérées comme talentueuses. Je veux dissiper ce mythe dès maintenant. C'est une compétence acquise. Sur cette note, prépayez-vous et humiliez-vous pour apprendre certaines des principales théories du dessin que vous devez connaître. Et ce qui est beau, c'est qu' une fois que vous les connaissez, vous les connaissez, une fois que vous connaissez la vérité, vous ne pouvez pas vraiment vous mentir en dessinant. Alors considérez comme un encouragement que pour bien dessiner, vous devez savoir exactement ce que vous faites. Et cela demande beaucoup de théorie. Et encore une fois, comme je l'ai dit, malgré de nombreuses théories, il existe évidemment une tonne de pratiques. Alors je veux que tu sortes tes crayons, je veux que tu dessines. Gardez donc cela à l'esprit au fur et à mesure que vous avancez. Et nous allons totalement vous amener là où vous voulez être en termes de compétences en dessin. 5. Structure de l'art de base: Salut les gars et bienvenue sur la vidéo Art Basics. Il s'agit de la toute première vidéo du cours, et nous allons d'abord parler de trois choses de base d'une manière très simple, et dans la vidéo suivante, nous allons vraiment élargir votre réflexion sur ces sujets. Donc, la première chose dont nous voulons parler est la forme et ce que nous voulons dire lorsque nous parlons de forme. C'est bon ? Shape Ready fait référence à 2D ou I, une sorte de formes graphiques, n'est-ce pas ? Icône ou graphique, non ? Iconographique. Vraiment quelque chose comme ça, en haut d'un cercle ou d'un carré. Tout ce qui est un peu en 2D, plat sur la page, quelque chose comme ça, c'est une forme. Toutes ces choses peuvent être des formes. Ce sont des formes, la forme des objets, la forme fondamentale de base de quelque chose, même de quelque chose qui est en 3D. Disons, par exemple, qu'il s'agit simplement d'un design 3D HD ici. Ce n'est qu'un simple bruit de tête. Même le design de celui-ci a une forme de base que le spectateur pourra voir. D'accord ? Donc, en fait, cette forme de base, si vous l'avez ombrée, elle était plate et non plus 3D. Il a ce genre de forme. Voilà ce que sont les formes 2D ou les formes iconographiques. Et même peut-être que la 2D est trop. Ce sont des inondations, presque comme en 1D parce que vous ne voyez vraiment qu'un seul côté d'une forme. Comme si une forme n'était qu'une chose unilatérale, n'est-ce pas ? La prochaine chose que nous voulons examiner, c'est la forme, non ? Et ce que nous entendons par formulaires. La forme est en réalité constituée de trois formes 3D, de plusieurs côtés. Nous pouvons donc voir plusieurs côtés de l'objet. Alors on commence à utiliser des mots comme sphère, non ? Nous pouvons donc imaginer qu'une balle est une sphère ou un cube. Ce sont donc des formes et ainsi de suite dans n'importe quoi. Nous pouvons essayer de transformer n'importe quoi en forme en lui donnant plusieurs faces. Maintenant, j'ai ajouté une ellipse à la fin de ce truc et peut-être que ça ressemble à une sorte de corne, non ? Il a donc un peu plus de forme. Nous pouvons donc voir qu'il y a plusieurs facettes et que les maisons et les objets qui généralement partie de la théorie des formes ressemblent à de la perspective, ce qui nous aide à comprendre une zone spatiale virtuelle, n' est-ce pas ? Cela nous donne donc de l'espace pour construire des objets tels que l'éclairage, n'est-ce pas ? Lorsque nous ajoutons de la lumière et de l' ombre aux objets, nous indiquons en quelque sorte une forme. Par exemple, si nous conservons les satellites et que nous plaçons ce côté et cette ombre, le spectateur peut alors procéder, via ces deux plans, ces deux plans éclairés différents, est-à-dire que c'est un côté et que c'est un autre côté. C'est donc la forme. Enfin et surtout, nous avons cette catégorie appelée détail. En détail. Pour la plupart. Des éléments tels que les textures, les textures et les types de matériaux, qui ont essentiellement influencé les textures. Les types de matériaux et des choses comme la couleur, non ? Ces éléments forment donc les textures, les types de matériaux, la couleur. Et par exemple, si c'était notre forme, et que nous pouvons voir que cette forme a cette forme, ce qui est vraiment quelque chose comme ça. Nous pourrions alors dire : « Faisons-en un bloc de pierre et j'y ajouterai quelques textures et j'en gâcherai peut-être un peu les bords pour gâcherai peut-être un peu les bords qu'il ait un aspect plus pierreux et plus rocheux. Et évidemment, si j'ajoutais une couleur au gris ou autre, ce serait la section des détails. Très bien, donc dans la prochaine vidéo, nous allons en discuter en profondeur. Mais en gros, c'est la structure de l'art. À bien des égards. Nous avons de la forme en bas. Ils les informent en détail. Prenez note de l' espace que chacune de ces catégories occupe sur ce type de pyramide théorique ici. Et cela vous aidera vraiment à comprendre quelles sont les parties les plus importantes de votre art. Très bien, approfondissons cela. Dans la vidéo suivante, je vous y verrai. 6. Qu'est-ce que la forme et le détail ?: Très bien, alors que nous commençons la section sur les fondamentaux de l' art, nous allons examiner la forme, la forme et les détails. Et c'est juste pour renforcer la façon dont vous comprenez la structure de l'art. Et pour vous donner quelques points de vue sur façon de voir l'art, peut-être de trois manières différentes, n'est-ce pas ? Donc, la première chose que je vais illustrer ici, c'est ceci, ce triangle. Et le triangle est composé de trois parties. C'est un peu par ordre d'importance. Hein ? En bas, nous avons de la forme, au milieu nous nous sommes formés. Et en haut, nous avons des détails. D'accord ? Et lorsque nous parlons de chacune de ces catégories, nous voulons vraiment penser à toute la théorie de l' art qui est liée à ces trois grandes catégories d'art. forme, par exemple, est une question de composition. Il s'agit de vos formes iconographiques 2D. Il s'agit du dynamisme de vos formes. Il s'agit du lecteur de vos formes, silhouettes et de tous ces différents éléments, n'est-ce pas ? Et bien sûr, la composition est extrêmement fondamentale, écrit sur la forme de vos lattes, etc. forme traite essentiellement de la perspective, de la lumière et du dessin en 3D en termes de création de formes solides qui ont du sens dans un espace ? Et cet espace est défini par la perspective, n'est-ce pas ? Et en termes d' éclairage, allumez les objets de manière à ce que vous puissiez voir leur forme. La forme est donc liée à tout ce qui nous donne une perception de la tridimensionnalité. Enfin, les détails font référence au type de vos textures. Vous êtes de petits détails littéraux sur les objets, ainsi que sur la couleur, la couleur des objets. Très bien, donc la façon dont vous voulez comprendre la théorie, la façon dont notre théorie est structurale, c'est dans cette forme de détail de forme , de modèle où forme est la considération la plus importante en théorie, puis le formulaire et ensuite les détails, non ? Mais prenons ça, déplaçons-le sur le côté et ajoutons un autre triangle. Il va y avoir, nous allons avoir trois triangles, trois manières différentes dont vous devriez envisager la structure de l'art, n'est-ce pas ? Mettons un autre triangle ici. En fait, réduisons-les un peu pour pouvoir y placer le troisième que je vois. Bien, maintenant, la deuxième façon dont vous voulez y penser est la théorie, appelons-la hiérarchie. OK, donc quand vous dessinez, vous voulez réfléchir, penser d'abord à la forme, puis former les détails en fonction de ce qui est structurellement important pour la pièce. Cependant, votre théorie de mise en œuvre. Théorie d'implémentation. C'est ainsi que vous allez réellement travailler, n'est-ce pas ? Comment allez-vous ? Hé, tu vas pratiquement travailler. Donc, nous pouvons aussi appeler cela pratique, non ? Et c'est essentiellement une forme et une forme qui se produisent simultanément. Pour rappel, appelons-le forme et forme. C'est parce que. Et enfin, ce seraient des détails, non ? Et si c'est une forme de contremaître c'est pour le spectateur et nous allons tout de suite créer le triangle des spectateurs. Mais en gros, nous devons dessiner des objets 3D de manière réaliste, n'est-ce pas ? Nous faisons donc du réalisme imaginatif ou de l' art figuratif, comme on l'appelle. Donc, tout ce que nous faisons doit être tridimensionnel, sens dans le temps, dans l'espace, dans un lieu éclairé, etc., n'est-ce pas ? Nous avons donc toujours besoin de formulaires. Mais nous pouvons voir dans la hiérarchie théorique que la forme est extrêmement importante. Nous devons donc dessiner les formes, puis laisser la forme influencer les formes 2D des formulaires. Donc les silhouettes de ces formes, non ? Néanmoins, nous aborderons cette question un peu plus en profondeur plus tard en ce qui concerne le moment où nous ferons du dessin pratique et d' autres choses de ce genre. Mais il est important de savoir que nous voulons aborder notre façon de dessiner, comme notre côté pratique du dessin car la forme et la forme se produisent à la fois. Nous y réfléchissons en même temps. Et ensuite, une fois que nous avons compris cela, nous nous occupons des détails. Et les détails en termes de dessin pourraient vraiment être le processus de remboursement. Et ce serait comme des lignes épurées , tous les détails et de belles lignes de cheveux. Et ce serait votre processus approximatif ou celui de votre plan. Ici, vous pouvez voir une petite image du flux de travail de la façon dont nous dessinerions. Nous faisons une ébauche et un plan qui incarneraient la forme et la forme. Ensuite, le dessin du remboursement en haut s' inspirerait des formulaires et des formes que nous avons créés, en y ajoutant les détails. Ensuite, nous aurions un beau dessin terminé. C'est juste une bonne façon de réfléchir, non ? Il s'agit d'une hiérarchie théorique. C'est notre théorie de mise en œuvre et notre hiérarchie d'implémentation. Si vous le souhaitez, nous commençons par la forme et la forme. Ensuite, nous nous occupons des détails. Et en fait, permettez-moi de vraiment clarifier cela. Les détails sont toujours beaucoup plus simples à réaliser une fois que vous avez une base solide. Je pense donc que beaucoup d'artistes débutants, surtout là-bas, se soucieront beaucoup des détails. Mais c'est un peu ainsi que nous voulons attendre la fin du travail lorsqu'il s'agit de faire le côté pratique du dessin, n'est-ce pas ? Beaucoup de travail sur les formes et les formes. Et puis, vous n'avez pas besoin de beaucoup de travail sur les détails pour terminer. Bien qu'ironiquement, il s'agit en fait de la règle 8020. Ils disent que 80 % du travail prend 20 % du temps pour le faire, vous pouvez voir 80 % de l' œuvre Oui, forme et forme. Cela ne vous prendra que 20 % du temps. Et inversement, les détails, même s'ils représentent en quelque sorte 20 % de la pensée et de la théorie, ils prendront 80 % du temps parce que vous finirez par passer beaucoup plus de temps affiner le dessin. Mais vous ne pouvez le faire que sur des bases très solides, est-ce pas ? C'est la forme et la forme. Hein ? Ensuite, le dernier triangle, qui est beau et fini, facile à comprendre, est la façon dont le spectateur voit. Disons donc simplement le point de vue du spectateur. Et il est important de le savoir juste pour que vous ayez une bonne compréhension complète du type de structure théorique de la théorie de l' art ou de la pratique et aussi de la façon dont le spectateur C60, le spectateur voit vraiment les choses, je dirais d'une manière combinée. Mais d'une manière générale, ils voient les choses comme des formes. Et cela serait blessé comme ça. Je dirais des formulaires et ensuite des détails. Et les spectateurs ne regardent généralement pas la forme, la composition et la composition. Je parle de votre téléspectateur moyen typique. Même lorsque vous regardez vous-même des œuvres d'art. Vous avez ce mode d'appréciation de l'art. Et ce mode est très différent de l'analyse d'audit. Parce que lorsque vous regardez une œuvre que vous aimez vraiment ou que vous avez des œuvres d'art, un petit dossier d'œuvres d'art ou importe quelle collection de quelque chose. Eh bien, c'est peut-être un gros dossier. Qui sait où vous avez collectionné des œuvres d'art ? Quand vous regardez ce que vous aimeriez, vous êtes amoureux de voir que deux d'entre vous sont vendus. Il parvient à vous convaincre de sa crédibilité. Vous remarquerez donc vraiment les formulaires d' abord, puis les détails ensuite. Et vous pouvez le voir ici, dans ce troisième triangle, étiquetons simplement ces 123 Exit. Ce n'est peut-être pas une bonne idée. Appelons-le simplement a, b et c, non ? Vous remarquerez pourquoi dans ce troisième triangle ? Excusez-moi, pourquoi les débutants ont tant de mal quand ils commencent à dessiner, n'est-ce pas ? Parce qu'ils suivent ce qu'ils ont vu et ce qu'ils ont seulement vu et croient être vrai à propos du monde, ce sont essentiellement les formes et les détails. Et ils sont généralement pondérés de la même manière. Ils vont donc en quelque sorte essayer de dessiner quelque chose qui ressemble à une tête , puis ils le rempliront avec des détails. C'est un problème courant pour les débutants. Mais néanmoins, la façon dont nous voyons les choses est différente de la façon dont nous les fabriquons. Et c'est différent de la théorie des choses. Donc, une autre façon de comprendre cela est que la recette d' un gâteau est très différente de la façon dont vous le faites réellement, n'est-ce pas ? Et tout à fait différent. C'est trop élevé. Tu goûtes le gâteau, non ? Il y a donc un avantage là-dedans et j'espère que cela vous sera utile. C'est donc essentiellement la structure de l'art. Et toutes les œuvres d'art s'y intègrent, pas seulement les dessins, les dessins, peintures, les paysages, les portraits, etc. personnages, designs de véhicules. Tout tombe vraiment dans ce type de structure lorsque nous examinons la façon dont l'ADH est fabriqué. Néanmoins, c'est à peu près la fin de cette leçon. Nous allons passer aux aspects techniques par rapport à l'impact émotionnel, qui est en quelque sorte un sujet de haut niveau à certains égards. Mais j'espère que cela vous a aidé à comprendre les structures et revoir constamment cette vidéo et en particulier à vous concentrer sur 0.2 pour savoir comment nous devions implémenter une forme et une forme au en même temps, puis les détails. Et sachez que nous aborderons les éléments de forme en détail au détail au fur et à mesure que nous avancerons dans le cours. Ainsi, vous saurez quelle forme cela signifie réellement, ce que les formes signifient réellement, ce que signifient réellement les détails au fur et à mesure que nous avançons dans le cours. Cool. À la prochaine leçon. 7. Voyez comme un artiste: Pour apprendre à voir en tant qu'artiste, nous voulons utiliser notre modèle théorique de forme, de forme et de détail lorsque nous observons le monde et essayer de voir les choses que nous voyons dans la réalité de cette manière, qui nous aidera à saisir les détails, saisir la structure, saisir les conceptions de ce que nous recherchons intégrer à notre esprit et nous faire vraiment comprendre les choses d'une manière plus complexe et moins simpliste manière d' observer le monde qui nous entoure. Et la première façon dont nous voulons vraiment voir les choses, c'est de les regarder d'une manière purement différente. Nous ignorons les détails, ignorons l'éclairage et la tridimensionnalité. Et en fait, nous examinons d' abord la silhouette générale des objets. Ensuite, je vais dessiner sa silhouette ici. D'une manière générale. Nous examinons les formes formées par la silhouette et l' asymétrie de cette silhouette. Ensuite, examinez les caractéristiques, puis examinez les formes 2D plates de base qui sont créées sur un objet particulier que nous observons. commence en quelque sorte à ne reconnaître que ces formes plates et à regarder les choses de cette façon plate. Cela ne veut pas dire que vous voulez apprendre des choses de cette manière simple. Nous voulons plutôt utiliser ce que nous comprenons de ces formes plates pour nous aider à bien comprendre les proportions. Ici, je trace simplement des lignes autour des grandes formes, des grandes formes intérieures, et je retire ces objets bidimensionnels très plats, en particulier sur le visage, et nous allons couvrir proportions faciales plus tard. Il suffit de saisir ces formes plates de base qui nous aident à les positionner, les SaaS dans l'espace , correctement sur le visage afin d'avoir des visages attrayants et des visages proportionnellement agréables. . Donc vraiment toutes ces formes, par exemple, cette forme asymétrique vraiment aléatoire ici, la forme ici, la forme ici, cette forme rouge en haut. C'est exactement de cette façon que nous voulons voir les objets. Une perspective ou un objectif Si vous souhaitez que nous regardions d'abord des objets dans le monde réel, nous voulons examiner uniquement les formes générales qui se forment. D'abord. À partir de là, nous voulons ensuite commencer à examiner les formulaires. Les formes sont en réalité les éléments 3D définis par la perspective et l'éclairage. Et commencez vraiment à essayer de comprendre quelles sont les formes de base qui sous-tendent ces éléments. Donc, par exemple, dans la main on pourrait dire, d'accord, eh bien, il y a une sorte de forme sphérique ici. Et ces formulaires se trouvent ici. Il y a une sorte de forme de mâchoire. Et il y a la forme des oreilles. Et imaginez à quoi ressemblerait l'arrière des objets sur les côtés des objets et obtenez une idée de l'avion. Donc, par exemple, dans sa tête, c'est le plan avant, c'est le plan latéral. agit en quelque sorte de remplir les formulaires ici, ici. Et j'imagine en quelque sorte quelle est la masse et le volume de la structure de base de la forme, ici, de son dos et de sa poitrine. Et en dessinant dans votre esprit et en imaginant, par exemple, le bras, peut-être que le bras n'est vraiment qu'un cylindre. D'accord ? Juste un cylindre. Et puis la main elle-même peut être une sorte de bloc. Et regarder les objets dans la réalité et imaginer quelles sont leurs formes de base. Nous avons donc peut-être encore un autre cylindre, et l'avant-bras est également un autre cylindre. Et je dessine ici pour compléter ces formes cylindriques des bras. Nous voulons donc avoir un formulaire lorsque nous examinons les choses dans le monde. Enfin, une fois que nous avons observé les formes et que nous avons compris les formes et les formes tridimensionnelles, tridimensionnalité des objets. Nous pouvons ensuite examiner les détails, la couleur de la chemise, la texture de la peau, la couleur des lèvres, les détails des dents. Par exemple, les détails de ses yeux, les détails de ses cheveux, les mèches de cheveux et tous les petits détails. Je regarde vraiment des choses comme la texture et des choses comme la couleur et je me fais une idée de ces choses. Et ce sont vraiment les dernières choses dont nous voulons vraiment nous préoccuper lorsque nous travaillons. C'est ainsi que nous voulons apprendre à voir les objets. Nous voulons examiner les formes, puis les formes, puis les détails, et observer et étudier constamment les choses de cette manière, en décomposant ces éléments complexes en ces éléments de base et nous aider à vraiment observer le monde comme des artistes, à vraiment capturer et à nous inspirer de ce que nous voyons dans la réalité. Passons à autre chose. 8. Compétence technique vs impact émotionnel: Dans cette leçon, nous allons examiner les aspects techniques par rapport à l'impact émotionnel. Maintenant, dès le départ, impact émotionnel, c'est une pièce qui suscite beaucoup d'émotions. Il a une ambiance, une histoire et un sentiment. Une pièce contenant ces éléments émotionnels l' emportera toujours sur une pièce plus techniquement correcte, mais dépourvue de ces éléments émotionnels. détails techniques se produisent souvent, par exemple, lorsque quelqu'un critique votre travail que vous l'avez vu comme étant critiqué, où quelqu'un dit : « Hé, ce bras n'est pas correctement dessiné ou que le coup est activé » asymétrique ou quelque chose comme ça. Cependant, si la pièce contient suffisamment d' éléments émotionnels, suffisamment de sensations. plupart du temps, cela provoque une cécité chez les spectateurs, pour ainsi dire. Peut-être même un aveuglement selon lequel ils sont prêts à ne pas tenir compte de l'exactitude technique simplement à cause de la joie qu'ils ressentent, l' émotion ou des émotions qui ils se sentent à cause de cette pièce en particulier, non ? Les sentiments qu'ils éprouvent à cause de cette pièce. Cela ne veut pas dire que nous devrions abandonner toutes les règles techniques et autres choses de ce genre , mais plutôt cela. Mais en comprenant l'importance des éléments émotionnels d'une œuvre, nous pouvons utiliser ces connaissances pour les exploiter de la même manière que les poètes exploitent les pertes poétiques, n'est-ce pas ? Où ils inventent des mots et des choses qui n'existent pas. Les mots ne sont pas techniquement corrects mais le poète les utilise telle sorte qu'ils ne font qu'ajouter au poème. Et nous ne regardons pas vraiment, et les gens ne s'en sont pas bien sortis, regardez cet imbécile qui invente ces mots au hasard. Cela n'existe pas tant que ce type a été éduqué. Non, on y va, ouah, c'est un mot plutôt cool, inventé et c'est génial. Nous voulons donc en quelque sorte tirer parti de l' impact émotionnel de nos pièces. Et bien sûr, inculquez le plus d'histoire, de sentiment et d'émotion possible et je travaille avant de nous libérer. À certains égards, il ne s'agit pas d'être si dur envers nous-mêmes en ce qui concerne les aspects techniques d'une pièce en particulier. Donc, la dernière chose que je veux dire également, c'est que vous constaterez , nous en discuterons plus tard, que cela est lié en grande partie à la crédibilité et réalisme et à la différence entre ces deux choses. et laquelle est la plus importante dans une œuvre d'art. Passons donc à la leçon suivante. 9. L'histoire est tout: Dans cette leçon, nous allons parler de l'histoire, c'est tout. Maintenant, je sais qu'à ce stade du cours, tu te dis : « Ouah mec, c'est là que tu vas dessiner ? Croyez-moi, la majeure partie du cours est liée au dessin, mais ce sont des choses très, très importantes à connaître, à avoir en tête pour apprendre, à digérer. Donc, prenez cela très au sérieux et conservateur, très, très important. D'accord, donc l'histoire, non ? Le premier point important est la vision. Si vous avez suivi le cours sur les fondamentaux de l'art, ou même si ce n'est pas le cas, cela n'a pas vraiment d'importance. La vision est votre idée préconçue ou vous conceptualisez le personnage que vous dessinez. Je pense à qui est le personnage. Où est le personnage, peut-être sur la scène carcérale, quels rôles jouent-ils ? Quelle est leur personnalité ? Quelle est l'histoire de la pièce que vous êtes en train de dessiner ? Quel est le sentiment ? Quelle est l'ambiance ? Quelle est l'expression de leur visage ? La pièce qui communique l'histoire est extrêmement, extrêmement, extrêmement importante pour créer une pièce émotive. Et comme nous l'avons appris en comparant les détails techniques à l'impact émotionnel, Mason, l'impact émotionnel, c'est Rachel, qui crée une pièce attrayante. En fin de compte, nous voulons vraiment créer des œuvres attrayantes. Nous voulons que notre travail ait de l'attrait. C'est la capacité de persuader quelqu'un de l' examiner, de l' inciter à le regarder et de lui donner un peu de joie. Ou communiquez-leur pleinement le message de la pièce d'une manière efficace et satisfaisante pour eux. Maintenant, l'une des choses les plus importantes que je puisse vous dire sur l'art, et je vais faire de mon mieux pour que cela soit aussi clair que possible, c'est de vous faire comprendre que l'œuvre elle-même est juste le médium, non ? Cela semble évident, non ? Mais laissez-moi vous donner quelques exemples de livres comme médium, films comme médium, de journaux comme médium et de magazines comme médium, directement comme médium. La musique en tant que médium, non ? Ce ne sont que des médiums. L'œuvre d'art que vous obtenez à bien des égards n'est que le médium, n'est-ce pas ? Le message, cependant, est cette chose que vous communiquez par le biais du média. Et le message est très, très important. Comme je le dis, les étudiants font constamment quelque chose de cool. Ne faites pas une œuvre d' art cool, non ? Ne pensez pas à l'œuvre d'art. Réfléchis à ce truc. Avez-vous une idée de ce que vous êtes en train de créer ? Dans notre cas, des personnages. Réfléchissez profondément au personnage, à qui il est, ce qu'il porte, à l' endroit où se trouvent les personnages, à leur personnalité, etc., n' est-ce pas ? Faire quelque chose de cool est bien plus important que de créer une œuvre d'art cool, non ? Le concept en lui-même devrait être bon. Il doit pouvoir être décrit à l'aide de 100 mots-clés. Tu sais, tu as un mauvais message. S'il n'y a que quelques mots clés qui peuvent être attribués à ce qui est communiqué par le biais du média. Si vous faites un, si vous concevez un grand personnage, il devrait être capable d'être communiqué efficacement et de m'attirer par n'importe quel moyen. Ses arguments disent, disons, disons, pour les besoins de l'argumentation, un modèle 3D, ou dans un livre, ou dans une bande dessinée, ou dans une peinture et une belle peinture, le concept du personnage lui-même devrait retenez la majeure partie de l'appel et votre mise en œuvre devrait être suffisante pour décrire correctement et rendre justice devrait être suffisante pour décrire correctement et rendre justice au concept que vous avez proposé. Encore une fois, l' œuvre d'art est un médium. Ce n'est pas le message, et le message est extrêmement, extrêmement important. Et dans notre cas, le message est l'histoire et l'histoire c'est tout, n'est-ce pas ? L'histoire est primordiale, surtout lorsqu'il s' agit d'illustrations de personnages. J'espère que c'était très clair. Passons à autre chose. 10. Believability vs réalisme: Dans cette leçon, nous allons parler du dessin pour attirer. J'ai déjà mentionné le mot appel. J'ai dit que mon travail doit être attrayant. Mais là où cela vient vraiment, c'est entre l'opposition de deux idées différentes. La première idée est la crédibilité. Le second est le réalisme. Essayons-nous de dessiner par souci de réalisme ? Ou essayons-nous de dessiner pour des raisons de crédibilité et pour déterminer ce qui est le plus important ? J'espère que la réponse est évidente, mais quelque chose peut être très réel, très réaliste, dessiné très précisément, très techniquement correct. Mais s'il manque de crédibilité, quelque chose qui est plus mal loti dans ces catégories mais qui est plus crédible emportera toujours. Lorsque nous créons nos personnages, nous voulons nous souvenir que la crédibilité leurs vêtements, de leur pose, de ce qu'ils font, de leur identité est peut-être leur pose, de ce qu'ils font, un facteur beaucoup plus significatif. Alors Vim a l'air réaliste. Si j'ai voulu en parler, c'est parce que je trouve que beaucoup d'étudiants ont tendance à s'intéresser à cette idée du réalisme. Est-ce que ce truc est réaliste  ? C'est ce que je dessine réaliste. J'essaie de le rendre si réaliste ou j'ai du mal à le rendre réaliste. Et là n'est pas vraiment le problème. Le problème est que vous devez découvrir comment rendre crédible ce que vous dessinez. Cela revient à une licence poétique dans le sens où vous pourriez dessiner un peu l'anatomie, mais si c'est un peu bizarre mais crédible ou complètement précis, vous êtes incroyable. Les gens trouveront toujours le dessin le plus crédible et le plus attrayant, n'est-ce pas ? Alors réfléchissez vraiment à cela, réfléchissez-vous à vous-même. C'est juste une petite section que je voulais y ajouter, étant donné que vous considérez la différence entre crédibilité et réalisme. Pensez-y, digérez un peu plus. 11. Maturité en tant qu'artiste: Dans cette leçon, j' aimerais simplement aborder quelques points concernant la maturité en tant qu'artiste qui, je l'espère, vous encourageront et vous aideront vraiment dans votre cheminement vers la personnalité. La première est que je tiens à vous encourager à être très égoïstes en ce qui concerne votre automne. Je dis égoïste. Je ne veux pas dire ne pas aimer les autres. Ce que je veux dire, c'est vraiment faire le travail que vous voulez faire et concentrez-vous sur votre propre travail. Ne vous inquiétez pas pour le travail des autres. Ne vous inquiétez pas de vous comparer à l'art des autres. Tu ne pourras jamais être eux. Vous ne pourriez jamais faire ce qu'ils font simplement parce que vous voulez qu'ils se concentrent sur votre propre travail, sur votre propre style, sur vos propres objectifs d'audit. C'est très, très important. Lorsque vous regardez le travail de quelqu'un d'autre, peut-être, et les audits, vous pensez qu'il serait préférable de le regarder dans un esprit d'appréciation et de voir ce que vous pouvez apprendre. Mais s'il y a quelque chose contre lequel je veux te mettre en garde , ne te compare jamais à un autre honnête. Encore une fois, tu ne l'es pas. Cette personne est très probable qu'il vous soit impossible de travailler exactement de la même manière qu'elle le fait. Ce n'est tout simplement pas possible. Tu n'es pas eux. Vous voulez, vous concentrer sur votre propre travail et sur vous-même, dans un sens, en termes de façon dont vous créez de l'art, créez l'art que vous voulez faire. Et ce faisant, vous ne vous pliez pas à la tante que vous pensez que les gens veulent voir. Eh bien, cela pourrait impressionner les autres, ne faites pas ce qui vous impressionne. Je pense que c'est avant tout ce que je veux que vous obteniez lorsque je dis : soyez très égoïste dans votre propre travail, créez des œuvres d'art qui vous impressionnent et qui répondent aux normes que vous attendez de vous-même. Ensuite, j'aimerais parler de la peur. Maintenant, je ne suis pas étranger à la peur d'un art, même si je dois dire que ces derniers temps, je ne m' inquiète pas vraiment à ce sujet. Bien entendu, nous connaîtrons tous de la peur dans l'art et la création artistique, dans une certaine mesure. La première chose que je veux dire, c' est que si vous avez le TM, si vous avez le goût et si vous avez les fonds nécessaires pour le faire, achetez certainement un livre intitulé Unfair. Cela vous sera très, très utile pour vous et votre voyage artistique. Et c'est certainement une excellente lecture qui couvre bon nombre des craintes que suscitent généralement les risques d'audit, à juste titre. Alors considérez certainement que l'achat ou la qualité inférieure est une excellente ressource, une ressource très précieuse pour vous. La deuxième chose est que vous allez devoir apprendre en dessinant et en peignant que l'échec n'est pas quelque chose à craindre. L'échec est vraiment merveilleux. Pensez à un enfant qui se brûle sur la cuisinière pour la première fois, non ? À ce moment-là. Bien sûr. C'est nul. Je veux dire, il s'est brûlé et c'est horrible. Mais il a appris quelque chose de très précieux de cette expérience. Et il est peu probable que cela recommence cette erreur, non ? Donc, ce que je veux vous encourager à faire c'est de commencer à devenir des gars. Sois courageux, sois courageux. Ne regardez pas une page blanche et ne vous inquiétez pas. Ne t'inquiète pas pour le dessin. Je vais le remettre à plus tard parce que tu crains que ce ne soit pas bon. Qui s'intéresse au bien ? Qu'est-ce qui est bon ? Je veux dire, avons-nous des idéaux et des normes différents quant à ce que nous ressentons bien, peuvent varier d'une personne à l'autre. Tant que vous apprenez la théorie, pratiquez quotidiennement, sur la base de la théorie, vous acquerrez des compétences artistiques. Vous n'avez donc pas à vous soucier d'être bon ou de savoir s'ils créent une bonne pièce. Créez simplement l'œuvre que vous souhaitez créer. Et au fil du temps, vous arriverez à un endroit où vous vous rendrez compte que vous êtes arrivé là où vous vouliez être dans votre art. En fin de compte, c'est à cela que cela va se résumer. Vous allez avoir envie d'être quelque part et vous allez devoir faire un voyage pour y arriver. Alors lâche ta peur. C'est peut-être trop facile te dire ça pour oublier ta peur. Mais je tiens à vous encourager, vous devez être courageux. Tu dois être courageuse. Et plus important encore, vous devez être prêt à échouer. Tu dois être prêt à échouer beaucoup. Si vous ne voulez pas échouer et que vous n'aimez pas le goût de l'échec, peut-être que l'étrange n'est pas fait pour vous. Enfin, je voudrais parler de la peur liée à la capacité technique. C'est votre capacité à tracer de bonnes lignes, à comprendre les mousses, à implémenter correctement la théorie. La capacité technique est vraiment une chose apprise. C'est une chose très savante. Vous apprenez la théorie, vous mettez en œuvre des exercices que vous avez ancrés dans votre cerveau, et finalement, cela devient une partie de vous. Quand il fait partie de vous, vous commencez à faire des dessins. Les gens regardent votre travail et pensent que c'est magique de sortir de ce crayon. Mais en réalité, il s'agit simplement de la répétition de la théorie qui insère constamment dans votre cerveau que vous êtes capable de faire en sorte qu'il fasse partie de vous. Je veux donc que vous n'ayez pas peur de faire de l'art parce que vous vous inquiétez de vos capacités techniques. C'est vraiment une question technique. Encore une fois, rappelez-vous que l' ADH est un médium. Donc, lorsque vous apprenez à implémenter sur ce support, il s'agit simplement d'un processus qui consiste à : eh bien, cela fonctionne et cela ne fonctionne pas. Je voudrais aussi ajouter que lorsque nous parlons de dessin de personnages ou deux, quand quelque chose est un peu réaliste, n'est-ce pas ? Nous nous différencions considérablement personnes qui font de l'art abstrait, étrange et postmoderne et de ces autres types de formes d'art, nous sommes vraiment réalistes. Et la beauté du réalisme. Le réalisme est une règle. Vous apprenez les règles, vous les mettez en œuvre . Tu t' améliores en art. Donc, ne craignez vraiment pas de dessiner et de créer de l'art et peut-être même de terminer ce cours parce que vous vous inquiétez pour vos capacités techniques, vous verrez souvent des causes complètes que vous disposez des outils dont vous avez besoin, des outils théoriques dont vous avez besoin pour commencer à entraîner et à perfectionner vos compétences techniques. Juste une arme d' art magnifiquement conçue, disons, si vous le souhaitez. Vous constaterez que le cours vous fournira de nombreux outils que vous pouvez utiliser pour vraiment affiner vos compétences techniques en quelque chose de vraiment beau et l'envoyer vraiment. travaille pour toi. 12. Études d'art et création d'art: Dans cette leçon, nous allons parler nos études par rapport à la création, peut-être même pas la différence entre ces deux choses. Maintenant, il est vraiment important que nous ayons une idée très claire ce que sont les études d'art et de ce qu'est la création. Parce que cela va en fait correspondre à notre niveau de peur à l'égard de l'art et ne pas nous y tromper. Il y a beaucoup de peur dans la création artistique, n'est-ce pas ? Les études artistiques sont tout ce que nous faisons pour apprendre. Des exercices, des croquis et nos carnets de croquis, des dessins gestuels lorsque vous êtes dans un café. Des croquis et des ébauches de concept avant de créer les fiches de conception appropriées pour un personnage, etc. C'est pour cela que les études devraient être faites, que nous le faisons pour nous-mêmes. D'une manière générale, ils sont faits pour apprendre. Ils sont faits pour observer des choses, pour prendre des notes visuelles. Ce ne sont pas toutes des études. Surtout lorsque vous faites de l'exercice sur scène. Je veux t'encourager. N'ayez pas peur de dessiner et ne vous inquiétez pas de son apparence. Peu importe à quoi ça ressemble. Ce qui compte, c'est que vous preniez bonnes notes d'observation et visuelles sur ce que vous faites. C'est donc ce que toutes les études sur la création à l'autre bout du fil constituent, bien sûr, la création de l'œuvre principale, n'est-ce pas ? Mais il n'est pas créé pour l'apprentissage. Vous apprendrez des choses lorsque vous créerez des choses. Mais toute création est le processus de création d'une belle œuvre d'art, espérons-le, une œuvre d'art attrayante avec une histoire belle et forte. Donc, juste un petit mot, juste une courte vidéo pour vous assurer que vous avez les choses très clairement divisées. Ses études, c'est une chose. La création artistique, c'est autre chose. Et lorsque vous travaillez, assurez-vous de savoir ce que vous faites. Est-ce que je fais une étude dans le cadre de I'm making art. Faire de l'art. Tu veux être assis dans un mois. Et si vous faites des études, vous voulez être dans un d'esprit totalement intrépide. 13. Art imaginatif et observationnel: Jetons un coup d'œil à l' art observationnel et à l'ergothérapie imaginaire, à leurs différences et à la façon dont ils sont liés. L'art d'observation est donc essentiellement une œuvre d'art réalisée en observant quelque chose, le recréant sur la page, puis en y ajoutant votre propre touche, le dramatisant un peu. Mais l'œuvre d'art a principalement été créée en référençant quelque chose directement. Imaginez si, d'un autre côté, cela se fait principalement par votre tête, n'est-ce pas ? Vous imaginez des choses, des idées, des lieux, des personnages, etc., puis vous essayez de les implémenter sur la page. Maintenant, imaginez que si l'étrange nécessite beaucoup de théorie, vous devez vraiment avoir une bonne maîtrise la théorie afin de savoir comment mettre en œuvre et corriger les œuvres d'art repensées que vous créez. Audits d'observation, extrêmement utiles pour les artistes imaginaires. Et ce cours porte vraiment sur l'art imaginatif, l'art imaginatif des personnages. C'est parce que nous utilisons l' observation dans nos études lorsque nous étudions les vêtements, lorsque nous étudions la pose, lorsque nous étudions l'anatomie, nous étudions les coiffures, les audits d' observation, outil d'étude massif pour nous. Cependant, l'art de l'observation n'est pas l'art réel pour nous. Et c'est là un point très important. Dans ce cours. Nous sommes des artistes résolument imaginatifs, mais les artistes imaginatifs et observationnels utilisent des références, qu'il s'agisse d'informations visuelles dans votre esprit ou d'informations visuelles devant vous. Et bien sûr, il y a certainement des artistes qui utilisent les deux en mélangeant des éléments de réalité des éléments d'imagination. 14. Dessiner des personnages 101 Résumé: Salut les gars, et bienvenue sur la vidéo de synthèse du premier module. Et c'était un module très bavard, mais vous n'avez pas à vous inquiéter. Le reste du cours porte vraiment sur vieux dessin, sur des choses pratiques et non sur le type mental de choses théoriques auxquelles vous devez réfléchir. Mais résumons néanmoins le premier module. Veuillez prendre des notes si vous n'avez pas encore commencé à prendre notes et allons-y directement. La première chose que nous voulons examiner rapidement est le SFD ou les détails du formulaire façonné. Et résumez cela en trois triangles, la structure et la forme constituant la plus grande section, la forme, puis les détails. Et ce premier triangle est une sorte d'OT, en théorie, non ? Comment voulons-nous réfléchir à la théorie de la structure des images ou à la théorie. Et une bonne façon d'y penser est aussi notre façon de penser, n'est-ce pas ? Et par nous, je veux dire les artistes, notre façon de penser. Le deuxième triangle est la façon dont nous créons de l'art, non ? Voici donc la théorie de la mise en œuvre. Mise en œuvre de ma théorie de l' écriture. Et en réalité, c'est que nous voulons nous engager d'une manière ou d'une autre. Mettons d'abord la forme ici, pensée de forme et de forme en même temps, puis les détails plus tard. Et c'est essentiellement ainsi que nous dessinons. D'accord ? Enfin et surtout, c'est la façon dont le spectateur voit, comment il voit œuvres et comment nous regardons l'art lorsque nous sommes dans notre état d'esprit d'appréciation, notre esprit lorsque nous regardons des œuvres d'art que nous admirons. Et c'est une sorte de partage à parts égales entre les détails et la forme. V0 ne remarque pas vraiment la forme, non ? Et comme nous le savons, la forme est extrêmement importante. Je vais le souligner à nouveau et au fil du cours, vous comprendrez pourquoi, parce que la forme a tout à voir avec la composition. Et c'est en quelque sorte la raison cachée pour laquelle les œuvres d'art sont belles, agréables au toucher et communiquent certaines choses, n'est-ce pas ? Et cela se retrouve même dans la section du formulaire en termes de paysages et d'autres choses de ce genre. Et donc c'est vraiment comme ça que les gens voient, d'accord ? Comment les gens voient ou voient l'art. OK ? Probablement des choses dans la vie aussi, mais je ne veux pas entrer dans le vif du sujet. C'est donc vraiment notre théorie de la forme dans le détail et elle structure vraiment tout implique également un flux de travail que nous examinerons plus tard. Donc c'est, c'est ça. Déplaçons ça de côté. La prochaine étape est la compétence technique par rapport à l'impact émotionnel, n'est-ce pas ? Mettons donc une bulle ici, et appelons cela un impact émotionnel. Et nous allons mettre une autre bulle, légèrement plus petite ici. Compétence technique. En résumé, dans un monde idéal, vous voudrez avoir un partage 50/50. L'impact émotionnel sera toujours plus important que les compétences techniques. Et vous le voyez certainement dans de nombreux livres pour enfants et de nombreux dessins animés et autres choses populaires. Ils sont très plats, souvent absents, mais ils ont un impact émotionnel énorme l'attrait de la structure de l'œuvre, qui l'emporte souvent sur tout type de critère technique auquel ils ne répondent pas. Souvenons-nous donc toujours que l'impact émotionnel est très important. Nous voulons d'abord avoir un impact émotionnel lorsque nous réfléchissons à la conceptualisation de nos personnages. Ensuite, nous voulons acquérir des compétences techniques pour essayer de communiquer cela au spectateur de la manière la plus efficace possible. Mais si 5050 serait idéal, ça ou un 100100 égal mais 5050 partagez-le. Vous subissez l'impact émotionnel et vous acquérez les compétences techniques. Et puis vous devriez avoir une pièce vraiment géniale et bien équilibrée à cet égard. Hein ? Passons à l'histoire. Est-ce que tout va bien ? Je vais juste écrire ça très gros ici. Tout est dans l'histoire. D'accord ? Donc, encore une fois, l'histoire étant tout, c'est vraiment l'histoire, le sentiment, l' émotion et l'envie, la chose même de l'art, n'est-ce pas ? Le concept de l' histoire d'Arthur sur ce concept et la façon dont il fait ressentir les gens lorsqu'ils communiquent avec les gens. L'ambiance, l'expression et toutes ces choses sont essentielles lorsqu'il s'agit d'œuvres d'art, ce qui est évidemment lié à l'impact émotionnel. Et c' est vraiment l'histoire qui compte. Si vous avez une belle histoire, mais que sa mise en œuvre est médiocre. C'est quand même une belle histoire. Oui, peut-être que l' implémentation n'est pas géniale, mais l'histoire est tout de même géniale. Vous avez une très mauvaise histoire. Mauvaise alimentation, mauvaise humeur, mauvaise émotion et bonne mise en œuvre. Cela semble être une pièce morte. D'un point de vue technique, cela semble être une bonne pièce, mais elle est morte et elle ne va pas être énaminée. N'importe qui les obligera à regarder plus longtemps. Et ce ne serait tout simplement pas un coup de tête ou une œuvre populaire. Crowded Lechs séduit parce qu'il n'a pas d'histoire attrayante. Très bien, parlons de crédibilité et de réalisme. Cela ne veut pas dire que nous ne faisons pas d'art réaliste ou que nous essayons de faire les œuvres d'art apparaissent dans le temps, dans l'espace, en trois dimensions. Sachez qu'en fait, cette section vise simplement à vous faire comprendre qu'avoir une œuvre d'art crédible emporte sur une œuvre d'art extrêmement réaliste. Réaliste n'est pas synonyme de bien, crédibilité est synonyme de bien. Et plus les travailleurs sont crédibles et plus l'histoire est crédible dans la partie de l'histoire, le sentiment et l'impact émotionnel. Tout cela contribue à la crédibilité d' une œuvre d'art qui est très réelle. Et vous avez probablement vu modèles 3D de quelque chose en super hopper, mais le modèle a tout simplement l'air mort. Ça a l'air statique. Oui, ça a l'air très réel, mais ça n'a pas l'air vivant. Et tout cela provient de l'histoire du sentiment, de l'émotion, la crédibilité qui ont été mis dans l'œuvre. C'est donc vraiment le sujet de cette section. Hein ? Passons aux études d'art et à la création artistique, non ? Donc, encore une fois, les études d'art ne sont en fait que des dessins que l'on fait entièrement, sans crainte, entièrement avec la FEF pour l'apprentissage. Nous ne faisons pas ces études pour apprendre. Ce sont les croquis que nous pourrions faire dans un café. Les dessins d'observation que nous réalisons dans le cadre du développement de bibliothèques visuelles, que vous découvrirez bientôt. Mais lorsque nous essayons d' élargir notre bibliothèque visuelle, lorsque nous essayons simplement de mieux comprendre le monde, de l' observer, de prendre des références au monde et de mieux comprendre les designs. Leurs études d'art, je crois que je les ai mal orthographiées. Et vraiment, je ne veux pas que vous vous embêtiez à cause d'études étranges. Il suffit de faire les études, peu importe à quoi ça ressemble. Tout ce qui compte, c'est que vous observiez et que vous appreniez. Et puis une étrange création. Et la raison pour laquelle je fais cette distinction très particulière entre les deux, c'est que si vous avez tous ces sentiments de peur des bons dessins et autres choses quand il s'agit d'études d'art, vous allez, cela va entraver votre apprentissage. Vous n'allez pas apprendre rapidement parce que vous craignez qu'il soit beau. Tu as peur d'être un bon artiste, de t' écraser. Si vous avez une compétence ou un talent, s'il doit faire ceci et ainsi de suite. Nous ne voulons pas que cela manque vitesse d'apprentissage et à nos progrès d'apprentissage, n'est-ce pas ? Maintenant. création étrange, oui, il y a de la peur, mais une création étrange, c'est vraiment faire de l'art, n'est-ce pas ? Faire du bien, du bon art. Nous voulons qu'il soit beau. Nous voulons qu'il soit assorti de droits d'appel et qu'il ait une finition professionnelle. C'est donc différent des études d'art et vous voulez apprendre à , oups, je pensais au mot foire. Vous voulez apprendre à ne pas avoir peur à ce stade. Et l'un des moyens d' éviter d'avoir peur dans la création artistique est d'avoir un flux de travail solide, n' est-ce pas ? Avoir une carte solide, savoir quoi faire lorsque nous créons de l'art. Donc, lorsque nous faisons des erreurs ou nous ne savons pas quoi faire ensuite, nous avons la carte et nous nous rendons compte, d' accord, je dois faire ceci, ceci, ceci ou cela peut être corrigé de cette façon, n'est-ce pas ? Et puis cela élimine la peur. Je veux dire, la plupart du temps, la peur vient du fait de ne pas savoir, non ? Et donc, avec des questions étranges, nous avons des flux de travail qui vous aident à savoir exactement ce que vous devez faire. D'accord ? Enfin et surtout, art imaginatif et observationnel. Je vais donc utiliser ce petit espace en haut. Art imaginaire ou réalisme imaginaire, non ? Disons que le réalisme imaginatif est une œuvre d'art que nous réalisons à partir de notre imagination. Et l'art d'observation, c'est à peu près la plupart du temps. Les œuvres d'art que vous voyez des gars faire dans les magasins rue, copier des photos, des gens copier des photos de leur famille, gens faire de la peinture avec une famille de petits enfants et des gens et des choses comme ça. Et les gens peignent simplement des paysages à partir de peintures de planètes du monde réel comme ils les appellent, c'est de l'observation. étrange observationnel est à bien des égards beaucoup plus facile que le réalisme imaginatif. Parce que dans le réalisme imaginatif, nous avons besoin de tonnes de théories. Des tonnes de théories pour que nous puissions réellement comprendre comment peindre ces choses sans aucune référence si nous avons besoin d'écrire. Et d'une manière générale, selon l'auto-audit que vous êtes, vous pouvez travailler ainsi. Et les artistes observationnels peuvent vraiment, une large mesure, simplement copier ce qui se trouve devant eux. Et aussi que je pense que les gens normaux, je dis que les gens normaux et les non-artistes ne se rendent pas compte que les audits d'observation sont en fait assez simples. Tout ce que vous avez vraiment à faire est d'observer et de recréer exactement ce que vous avez observé, recréer les mesures, de recréer les valeurs, recréer les couleurs, les tons ou quoi que ce soit d'autre. Toutes les lignes, les bords, sont les formes que vous voyez. Il suffit de les recréer dans les bonnes mesures les unes par rapport aux autres, dans les bonnes proportions les unes par rapport aux autres. Et en général, n'importe qui peut le faire avec un peu d' entraînement à copier des choses, n'est-ce pas ? Et nous procéderons à des audits d'observation développements de la moyenne visuelle dans le deuxième module pour nous aider à apprendre et à développer des bibliothèques visuelles. Néanmoins, vous pouvez également obtenir un hybride de réalisme imaginatif et mode d' observation où vous connaissez toute la théorie de l'art et toutes les règles. Ensuite, vous utilisez chose observée, comme une personne ou un paysage. Et vous utilisez la théorie imaginative pour ajouter du drame afin d'amplifier et de dynamiser le monde observé. Et tu vas vraiment dramatiser ce que tu vois. Néanmoins, ce cours s'inscrit résolument dans le domaine du réalisme imaginaire. Et évidemment, des choses comme l'art pour la prévisualisation de l'animation, l'art conceptuel pour les personnages, conception de personnages stylisés, l'art manga, bande dessinée et d'autres choses de ce genre Donc imaginatif, réel n'est-ce pas ? Et nous allons apprendre ces tonnes de théories, au moins en termes de conception des personnages. Très bien, c'est à peu près tout pour la vidéo de synthèse Passons au module 2. J'espère que tu es enthousiaste. Ce sera un module vraiment génial. Allons-y.