Transcription
1. Introduction: Bonjour. Si je suis un
designer de canapés basé en Finlande et que je crois
profondément à la
magie discrète du dessin. Chaque fois que le monde me semble
trop bruyant ou accablant, je reviens à l'art. Il y a quelque chose d'incroyablement
apaisant à tracer une ligne après l'autre
lentement et patiemment. C'est ma respiration, le
centre de mon esprit et, d'une manière ou d'une autre,
cela me ramène à moi-même. Pour moi, c'est une sorte de thérapie. Ma propre façon de
ralentir le rythme dans le monde, comme
toujours en demander plus. Dans ce cours, je veux vous
inviter dans cet espace. Nous allons créer un simple floalart en
noir et blanc inspiré de la
belle et audacieuse fleur en pot Tu n'as pas besoin d'être artiste. Il vous suffit de vous
présenter avec vos mains, vos yeux et un
peu d'espace pour vous-même. Dessinons quelque chose
qui soit non seulement
beau , mais aussi paisible, quelque chose que vous voulez garder cadre et revenir chaque fois que
vous avez besoin d'un moment de calme. Es-tu prêt ? Commençons.
2. Projet de classe: Votre projet de classe consiste à
créer du noir et blanc. Dessinez la fleur de la boutique en combinant structure, texture
et votre touche créative. Vous partez des photos de
référence, du
croquis, de l'encre, puis vous les encadrez. Vous pouvez également télécharger un
croquis tel qu'il a été préparé si vous faites référence à une trace ou si vous avez
une base sur laquelle vous appuyer.
3. Fournitures: Avant de commencer à dessiner, examinons rapidement
les matériaux que nous utiliserons. Vous n'avez besoin de rien d'extraordinaire, juste de quelques outils simples que j' utilise
personnellement à
chaque fois que je dessine. Tout d'abord, il vous faut une
feuille de papier. J'utiliserai la taille A quatre, mais n'hésitez pas à choisir la taille qui vous
convient le mieux. Ensuite, prenez un crayon et
une gomme pour dessiner. J'aime que mes croquis soient légers afin de pouvoir les
peaufiner facilement par la suite. Ensuite, vous avez besoin d'un stylo à dessin. Je vais utiliser le micron 03, mais vous pouvez utiliser n'importe quelle
doublure fine que vous avez sous la main Enfin, si vous souhaitez
exposer vos œuvres d'art, vous pouvez préparer un cadre
ou un panneau d'affichage. J'utilise un simple
cadre à quatre feuilles qui me permet faire pivoter et de corriger plusieurs
pièces au fil du temps. C'est tout ce dont vous avez besoin, juste
les éléments de base et votre concentration tranquille.
4. Trouver de l'inspiration: cette étape du processus, je commence généralement par m'
asseoir avec une tasse de café et en
me laissant sourciller lentement Je commence par taper de
la farine protéinée dans Splash and Pines. Deux de mes endroits préférés pour
recueillir des références artistiques. Ils regorgent tous les deux de
belles images et j'apprécie vraiment le
moment tranquille qu'offre le défilement Et laisser l'inspiration me
venir naturellement. Lorsque j'ai choisi une fleur
pour ce projet, je savais que je voulais
quelque chose d'audacieux, d'unique
et de structuré, et le brote s'est
immédiatement démarqué Il a cette
présence puissante tout en conservant
une élégance si discrète. Il y a quelque chose de
géométrique là-dedans, mais aussi de très sauvage Trouvez cet équilibre
très beau. J'ai fini par choisir
deux images de référence, l'
une représentant le groupe habillé à
la symétrie douce et l'autre
représentant une floraison ouverte qui semble plus
spectaculaire et plus coûteuse Je les ai ensuite
réunis à l'aide de Canva, juste pour voir comment les formes et les
formes pouvaient se combiner
en une seule composition Vous me voyez jouer
avec le placement et l'échelle. Cette partie n'a
pas besoin d'être parfaite. Il s'agit simplement de se faire
une idée de ce qui fonctionne et de ce qui vous semble
visuellement intéressant. Vous pouvez faire de même
soit vous battre et combiner vos propres
images, soit n'hésitez pas à utiliser le croquis que j'ai inclus si vous
préférez vous concentrer sur l'
encrage et les détails Profitez de ce moment pour suivre votre regard et ce qui vous attire.
5. Technique: Dans cette leçon, je vais vous présenter les deux
principales techniques que j'utilise
personnellement dans presque toutes mes œuvres
d'art
au trait floral. La première est l'
attelage cassé, une technique dans laquelle courtes lignes brisées sont utilisées pour donner texture et de la profondeur en faisant
varier la longueur, direction et l'espacement.
Nous pouvons suggérer des ombres, reflets et une sensation de
mouvement chez les amis Le second est le pointillage, qui consiste à
utiliser de petits points pour créer des transitions douces
et des valeurs tonales Mais en jouant avec proximité ou la distance entre les poussières
,
nous pouvons ajouter de la dimension
et légèrement ombrager Parfait pour immortaliser la beauté
tranquille des fleurs. Ce sont les
deux seules techniques j'utilise habituellement dans mon travail. J'adore leur minimalisme,
oui, la quantité d'expressions qu'ils peuvent apporter à un
simple dessin au trait. Dans ce cours, nous
combinerons des hachures cassées et agrafes pour créer une fleur
riche, texturée et unique pour vous, le
tout avec un stylo et du papier.
Commençons.
6. Ébauche: Très bien, je commence
très librement, en utilisant
simplement une forme ovale
pour placer la première fleur. Ce sera celui
qui est un peu plus fermé, donc je reste compact. Je dessine très légèrement, il est
donc facile de modifier
les choses plus tard si nécessaire. Maintenant, je place
la deuxième fleur. Celui-ci sera en fleurs ouvertes. Celui-ci est plus large et plus plat. J'aime être les deux fleurs
à la fois. Cela m'aide à maintenir l'équilibre de
la composition. Maintenant, je dessine les tiges. D'habitude, j'utilise d'abord une seule ligne de
balayage, puis je me ramifie jusqu'aux feuilles. Ici, je ne m'inquiète pas de
la perfection me
contente de sentir le
mouvement et la fluidité. Les feuilles de Bote sont
épaisses et d'apparence douce. Je leur donne du blanc, de la
douceur et des courbes. Certains pointeront vers
l'extérieur, d'autres l'appelleront. J'adore ajouter une variété naturelle. Pour la première fleur, vous remarquerez que j'ajoute ces petites directives
sur l'ovale. Ils m'aident à maintenir la
même direction
du canon et à cracher uniformément Ici, j'ajoute quelques
pétales qui se chevauchent à la base de la fleur fermée, des formes de tonneau très
simples pour le moment Et maintenant je suis en train
de construire la fleur ovale. J'ai passé plus de temps à façonner le centre et à construire la structure
en barillet en couches. J'ai l'habitude de dessiner d'abord quelques barils d'énergie
principale juste
pour définir la structure. Elles sont hautes, pointues, et elles s'évasent un peu, presque comme une couronne. Ensuite, je remplis le
reste baril par baril. Pression
linéaire toujours très légère. Il y a un rythme dans cette partie et j'essaie de
le suivre avec ma main. Même si une ligne n'est pas parfaite, elle a tout de même de l'énergie, ce qui est plus important
pour moi que la précision. Oh maintenant, j'ajoute quelques détails à la
base de la grande fleur. Les petits pétales qui
se trouvent en dessous et
s'enroulent aident à ancrer
la fleur et à donner l'ensemble une sensation de
plénitude à ce stade Je ne fais que vérifier
le flux global, voir si les moutons se connectent bien et s'ils sont équilibrés En fait, j'aime bien laisser
certaines lignes d'esquisse. Ils me rappellent comment
la pièce a pris vie. C'est pour le croquis au crayon. Je suis content de la mise en page. Il est maintenant prêt pour l'encre.
7. Encrage: Maintenant que je suis
satisfait du croquis, je commence à le retoucher
avec le liner Migran 035 C'est l'une de mes parties
préférées. C'est presque comme
puiser votre propre énergie. Je commence généralement par le
haut en dessinant doucement chacune d' avec des
lignes lentes et miteuses
. Il n'y a pas d'urgence. Je laisse ma main suivre le croquis, mais je n'ai pas peur de l'
ajuster légèrement au fur et à mesure. Cette fleur, la plus
fermée, possède une structure stratifiée solide. Je suis donc un peu plus
intentionnel avec le poids de la
ligne, en câblant le embout de la brosse
pour le maintenir en vie. Une fois que j'ai terminé les barils extérieurs, je commence à me frayer un chemin jusqu' aux plus petites parties
qui se chevauchent, savoir les sépales, la
base et la tige Parfois, je fais une pause
et je lève la main entre deux coups, juste pour m'
assurer de ne pas me resserrer. En tant que dessinateur, je ne
recherche pas des lignes parfaites. Au lieu de cela, je pense que c'est
comme une conversation. I sly est une réponse à
ce qui existe déjà, et c'est ce qui rend le dessin doux,
personnel et présent. Après avoir encré une section, j'efface doucement le
crayon glacé situé en dessous. Cette partie
ressemble toujours à
nettoyer un espace calme pour que les dernières lumières puissent respirer. Je vais maintenant passer à la deuxième fleur et répéter
le même processus en pleine conscience.
8. Ajouter des détails - Fleur 1: Maintenant que j'ai fini décrire la forme
et les barils, je commence à ajouter
de la profondeur en utilisant l' une de mes
techniques préférées, le breakhedging J'aime commencer par le bas des
barils et gravir les échelons. Chaque ligne est courte et douce. Je garde mes seins détendus et j'atténue
la douleur de manière plus naturelle. Là où l'ombre tombe, j'ajoute simplement des lignes plus
rapprochées les unes des autres , en les
superposant légèrement Le truc, c'est d'attaquer lentement
l'obscurité avec le ron. Vous n'avez pas besoin de remplir chaque espace juste assez pour
donner une idée du poids,
et l'une des parties
les plus apaisantes
du processus est parties
les plus apaisantes
du de
tracer ligne par ligne C'est presque méditatif et chaque frère devient le
leader de son propre monde Maintenant que j'ai fini
de protéger les coléoptères et passer au centre de la boutique et à
la zone des staments Mais avant de l'encrer directement, je tiens à vous montrer
comment je l'ai abordé. Ici, j'utilise une
feuille de papier séparée pour démontrer. Je commence par dessiner
un chino renversé,
frappé, presque comme une lame de croûte
souple, mais plus court et plus délicat Je fais varier la direction. Donc, penchez-vous à gauche, un peu à droite, d'autres plus en position verticale pour créer
un effet texturé naturel Ensuite, je reviens à
la pièce elle-même et j'étale
légèrement la base en forme de triangle avec un crayon Cela m'aide à trouver la zone où figurera la
déclaration. Ensuite, je divise ce triangle
en petits coins,
presque comme les rayons du soleil
pointant vers le centre Une fois que j'ai cette structure, je commence à la ressentir en utilisant les traits inversés
que je viens de vous montrer Laissez-les se chevaucher
et se détacher naturellement. Certains traits sont plus longs, autres sont courts, et cette
variation les rend organiques. J'aime bien cette partie parce
que j'ai l'impression que tout
va bien. Lumière, ombre,
douceur et contraste. Quand j'ai fini, j'ai l'habitude de prendre du
recul et de respirer, car il y a quelque chose à voir ces petites marques
se transformer en mousse. C'est une marge tranquille, vraiment. Maintenant que j'ai terminé
le corps principal de la fleur, je passe
aux feuilles et à la tige. Pour les feuilles, j'utilise
la technique du pointillage, ce qui signifie que j'ajouterai petits nœuds pour créer de
la profondeur et créer des frissons bit metal prend du temps, mais c'est l'un des aspects les plus
méditatifs de mon Bruxelles Il y a quelque chose de commun
dans le fait d'ajouter point par point, en regardant
lentement le
formulaire prendre forme. J'imagine toujours que la lumière
vient du coin supérieur gauche et légèrement vers l'avant, comme si une douce lumière matinale
touchait le canon. C'est dans cet esprit que je décide
quelles parties des feuilles seront dans l'ombre et
capteront la lumière. les zones ombragées, je rapproche mes points les uns des autres
et j'augmente
progressivement la densité . Les zones
claires sont plus Dans les zones ombragées, je rapproche
mes points les uns des autres
et j'augmente
progressivement la densité. Les zones
claires sont plus crachées avec moins de points, ce qui
crée un contraste doux Cela crée un crédent souple et donne vie aux feuilles À partir du stum, je reviens à
la technique des haies cassées utilisant de courtes
lignes inégales pour modifier la texture Cela donne à la tige une sensation
plus encombrée, organique et un peu sauvage, comme le
serait une vraie tige dans la nature. Il n'est pas nécessaire de précipiter cette partie consacrée à
la patience et à l'intuition, en laissant vos yeux s'
embellir au rythme. Il ne s'agit pas seulement de dessiner, c'est aussi un espace calme pour
respirer et être présent.
9. Ajouter des détails - Fleur 2: Je passe maintenant à
la deuxième fleur, la plus grande à l'avant. Je vais continuer à utiliser
le même Pain Micron 03 et à appliquer les mêmes techniques que nous avons utilisées lors de la première floraison Pour l'ombrage, j'utilise les techniques de couverture
cassée. Encore une fois, commencez par la base de chaque balle et
travaillez par-dessus bord Les zones les plus proches du centre de la
fleur seront plus foncées. J'augmente la ligne, je la
densifie. Plus il y a de lignes,
plus l'ombre est profonde et je laisse les
zones claires plus ouvertes et aérées. Pour le centre de la
fleur, l'énoncé,
j'utilise la même méthode que celle que j'ai montrée plus tôt sur
le papier séparé, commençant par des traits résolus en forme de V
inversé qui s'écoulent dans
différentes directions Divisez ensuite la forme du
triangle en petits coins avec un crayon
et remplissez chaque section avec ces traits pour créer un aspect dimensionnel
texturé et remplissez chaque section avec ces traits pour créer un aspect dimensionnel
texturé Même si nous
répétons les techniques, cette fleur est beaucoup plus grande, elle demande
donc un peu plus de
temps et d'attention. Mais c'est là que l'on peut
vraiment tomber dans le rythme. Chaque ligne devient
un soin discret et la fleur entière
commence à prendre vie. Il est maintenant temps de passer aux feuilles
qui entourent
la plus grande fleur. J'utilise ici la
technique du pointillage pour ajouter petits points de base pour donner de la texture et de Comme toujours, j'imagine que
la lumière
vient du coin supérieur gauche et
légèrement vers l'avant. Je suis parti en
éclaircissant le
côté gauche de chaque feuille et en ajoutant des points sur le côté droit, là où l'
ombre tomberait naturellement. Je crée l'ombrage
lentement au plus près des points pour assombrir la zone et
dans les zones claires, je laisse le papier respirer Ce processus prend du temps, mais il crée la douceur
que j'aime vraiment, presque comme si les feuilles
reposaient tranquillement sur les souches.
Je reviens à la haie cassée, juste de courts traits esquissés pour
conserver cette Maintenant que nous avons terminé les deux fleurs et toutes
les feuilles environnantes, prenez du recul et
examinez l'ensemble de la pièce. Vous pouvez voir comment
la combinaison de l'inclinaison de la haie cassée
crée une sensation de douceur et de profondeur. La direction constante de la lumière lie tout dans moindres détails pour créer une énergie
organique silencieuse de l'œuvre d'art. J'espère que ce processus a été aussi apaisant et satisfaisant
pour vous qu'il l'a été pour moi.
10. Ouvrage terminé: Maintenant que ton
dessin est terminé, c'est l'heure de passer à l'un de
mes moments préférés. Je l'aime chez moi. Vous voyez dans la vidéo, j'ouvre doucement la
boîte et j'en sors un simple cadre en papier que j'
ai utilisé pour collectionner
mes dessins au trait. Cela n'a rien d'extraordinaire, mais il y a
quelque chose de vraiment encombrant à faire glisser votre œuvre d'art en place C'est presque comme si vous
le disiez, votre place ici. Pendant que vous encadrez votre œuvre, prenez un moment tranquille pour faire une pause et voir vraiment
ce que vous avez rencontré. Ce n'est pas seulement de l'encre ou du papier, c'est le reflet
de votre temps, votre énergie et de votre concentration. Chaque ligne retient un souffle. Chaque point est porteur d'immobilité. Vous pouvez l'accrocher à un endroit
que vous voyez tous les jours, un petit coin de votre maison, votre studio ou même
juste à côté de votre bureau. Laissez-le être doux. Rappelons qu'au milieu de tout ce que vous avez pris
le temps de créer, vous avez choisi de créer. Et si jamais vous avez à nouveau besoin d'un
moment de calme, vous savez où retourner.
11. Réflexions finales: Merci beaucoup d'être ici et
d'avoir partagé ce moment de calme et de
créativité avec moi. J'espère que ce simple fait
de tracer des lignes et de rester calme vous donnera un sentiment de calme,
ne serait-ce que pour un petit moment Pour moi, l'art ne se
limite pas au dessin. C'est un doux rappel que la beauté n'a pas
à être autorisée. Parfois,
la plus belle chose que nous puissions faire est de faire
une pause et de créer. Si vous avez créé quelque chose pendant
ce cours , j'
adorerais le voir. Veuillez partager votre projet
de classe lors la session
de projet de classe, quelle que soit l'étape à laquelle il se trouve. Si ce cours
vous a apporté un peu de paix, n'hésitez pas à y revenir chaque fois
que vous avez besoin de ralentir et que vous n'
avez pas besoin d'être parfait. Vous avez juste besoin d'un stylo, d'un
bout de papier et de quelques minutes de silence.
Continuez à vous entraîner. À présent, on se voit dans le
prochain cours. Au revoir
Phuong Lempinen, iPad artist| Surface pattern designer
