Dans le studio : Comment les producteurs de musique collaborent avec les artistes

1. Introduction: Comment allez-vous les gars ? Je m'appelle Focus. Je suis producteur avec Aftermath. Je travaille avec eux depuis environ 15 ans, avec le Dr Dre et j'ai une carrière depuis environ 25 ans. Enfant, je suis venu dans l'industrie de la musique. Mon père était le bassiste et l'auteur-compositeur Cole avec un groupe appelé Sheep. Donc, c'est tout ce que j'ai connu. Depuis que j'étais petit, je voulais être comme mon père. Mon père était un producteur de renommée mondiale et c'était quelque chose que je trouvais cool à l'époque, mais maintenant c'est la vie et c'est toujours cool. Cette classe va couvrir quelques points clés pour un producteur. Nous allons certainement entrer dans le fait que nous sommes des serviteurs des artistes. Nous sommes serviteurs pour le plus grand bien du projet lui-même, qu'il s' agisse d'un projet entier ou d'une seule composition. Donc, on va y aller. Nous allons certainement aborder les aspects créatifs et techniques du producteur, quel est votre travail et comment vous pouvez rendre les choses plus fluides. Nous allons aborder les relations, l'importance des relations, et nous allons aborder votre relation personnelle avec l'artiste et comment cela sera aussi la clé de la conversation. Donc, j'espère que cela va aider ce que vous faites dans votre carrière. Je crois que ce cours est destiné à la personne qui prend le passe-temps du passe-temps à la carrière. Ce n'est pas pour quelqu'un qui veut juste gagner de l'argent avec la musique. C' est pour la personne qui a l'amour de la musique, a l'amour de créer musique intemporelle et qui comprend ce qu'elle essaie de sortir de sa carrière. Ce n'est pas du tout un petit or. Il s'agit du long terme. C' est à propos de la distance. Donc, j'en ai parlé beaucoup de fois, et je pense que beaucoup de gens pensent que c'est un de ces trucs volent la nuit. Tu fais un battement de coeur quand tu es producteur et ce n'est pas ça. C' est pour cette personne qui veut rester à distance et faire la musique intemporelle. J' espère que celui qui regarde, je pense que vous devez être en accord avec le fait qu'il s'agit de l'amour et de la passion et le détail de faire de la musique. Aussi, dans le cadre de cette classe, impatient de chaque élève utiliser ce que nous apportons à cette classe et vous l'utilisez dans vos compositions et de le soumettre. J' adorerais entendre ce que tu en fais. J' aimerais entendre ce que vous avez pris de ce cours et comment vous l'avez appliqué. Parce que, je suis sûr que chaque élève va mettre sa propre touche dessus et c'est ce qui le rend créatif. 2. La présence d'un producteur: Pour la première leçon, je veux aborder quelque chose dont vous n'entendez probablement pas beaucoup de producteurs parler. Mais nous allons parler de votre présence dans la pièce et de pourquoi c'est si important. Je pense que les producteurs doivent avoir le contrôle de la pièce. Vous devez connaître le pouls de la pièce avec les artistes , qui que l'artiste apporte. L' ingénieur, vous devriez avoir un bon rapport avec l'ingénieur. Même si vous ne connaissez pas l'ingénieur, essayez d'en créer un dans ce cas parce que c'est qui sera votre copilote. C' est votre copilote pour le reste de ce projet. Donc, à la fin de la journée, nous allons parler et entrer dans les détails votre présence et comment vous pouvez prendre le contrôle de la pièce, pour ne pas avoir l'impression d'être une sorte de surcharge. Mais à la fin de la journée, vous avez le pouls va dans la bonne direction et la créativité et toutes les vibrations vont tous corréler et ont du sens. Une des choses que je pensais être très cool pour mon père, mon père était un monstre de contrôle à la maison, bien sûr, c'est le père. Mais à la fin de la journée pour voir ça dans un studio, voir mon père faire une séance avec Robert Palmer ou Rod Stewart ou Diana Ross et le voir dire vraiment quelque chose et tout le monde saute autour d'essayer de faire fonctionner pour le plus grand bien du projet, était incroyable pour moi. Je pense qu'il l'a fait avec beaucoup d'intentions parce qu'il voulait s'assurer qu'il s'agissait d'un excellent projet. Il voulait s'assurer que tout le monde donne de son mieux. Il donnait de son mieux et il voulait s'assurer que toute la pièce était au même pourcentage. Tout le monde donne de son mieux. Quand vous êtes dans n'importe quel cas où c'est votre musique, comprenez la, vous êtes propriétaire à 50 % de ce projet quel que soit le cas. Donc, si vous êtes propriétaire à 50 pour cent et que votre nom est toujours là, votre nom étant votre marque, vous voulez vous assurer que vous avez le plus grand genre de marque qu'il existe. Je veux m'assurer que moi et l'ingénieur parlant, j'utilise normalement l'humour. L' humour craque toujours n'importe quelle glace. Même avec ces gens qui ne veulent pas sourire. Vous pouvez vous retourner et utiliser toujours l'humour. Vous voulez comprendre votre ingénieur et vous assurer qu' il est à l'aise, puis une fois que l'artiste arrive, bien sûr l'artiste, c'est leur projet et c'est leur séance, mais à la fin de la journée, vous êtes le producteur et vous êtes là pour vous assurer que l'artiste est à l'aise, l'ingénieur est à l'aise, que le projet sera réalisé efficacement et tout le monde sera à l'aise dans cette situation. C' est à propos de l'artiste. C' est à propos de la chanson. Ce n'est vraiment pas à propos de toi. Dans ce cas, c'est là que la servitude intervient. C' est là que vous devez soulager tout votre ego parfois et c'est difficile. C' est dur pour les gens, parce que nous pensons vraiment à nous-mêmes et pourquoi je ne reçois pas l'attention et pourquoi pensent-ils qu'ils pourraient me parler comme ça. Tout cela doit être écarté. Si vous voulez faire la meilleure chanson que vous pouvez et que vous travaillez avec un grand artiste et que c'est une excellente occasion, restez ouvert à l'ambiance créative des choses. S' ils veulent y aller et être beaucoup dessus bien. Demandez-leur de faire leur travail, puis laissez-les partir et vous continuez à devenir producteur. Commencez à mélanger l'enregistrement, commencez à éditer l'enregistrement, travaillez avec l'ingénieur. Parfois, cela doit arriver, mais si l'artiste veut rester, il va falloir comprendre comment être serviteur. Vous devrez peut-être vous asseoir là-dedans et ragoûter dans cette merveilleuse chose qu'on appelle l'humilité. Mais cela vous donnera un résultat merveilleux. Je te promets que ça. 3. Créer des liens: Certaines choses que j'ai apprises au cours de ma carrière qui m'ont aidé à créer des relations avec les artistes et diverses personnes qui pourraient être flambant neuves dans des projets avec lesquels je n'ai jamais travaillé, c'est la conversation. Vous ne voulez pas vous asseoir et faire même conversation avec un artiste s'il ne vous connaît pas. Ouvrez le dialogue, et comprenez simplement de quoi ils parlent. Comprendre ce qu'ils peuvent vouloir faire apparaître dans leur projet. S' ils ne veulent pas communiquer avec vous, trouvez un moyen de créer une sorte de conversation, et je vous promets que les choses commenceront à se calmer. Au fur et à mesure qu'ils vous voient créer et peut-être votre passion pour la chanson, peut-être leur passion pour la chanson sera la seule chose que vous êtes genre  : « Ok, commençons par ici, avec notre relation. J' aime les chansons autant que tu aimes la chanson. Comment puis-je améliorer la chanson ? » Vous n'avez peut-être pas d'amitié, vous n'êtes peut-être pas le meilleur des amis, mais vous aurez quelque chose à partir de quoi commencer. Vous voulez un plateau à partir de quoi commencer. Un cas auquel je peux penser de façon décontractée est quand j'ai eu la chance de travailler avec Christina Milian sur son premier projet. Christina était très jeune. Donc, elle est venue là-bas avec sa mère, et Carmen est une personne merveilleuse, une femme merveilleuse. Elle et Christina sont arrivées avec une énergie si positive, une énergie très optimiste, et c'était à l'époque où Christina était plus orientée pop. Donc, c'était très cool d'entrer avec elle avec moi. À l'époque, je travaillais avec Montell Jordan. Montell était mon écrivain, et j'étais son producteur. Donc, nous avons fait venir ce projet par l'intermédiaire de Def Jam, et elle est arrivée et pour les premières heures de notre première session, nous parlons et rions et apprenons à nous connaître. Elle m'a parlé de relations récentes, elle m'a parlé de choses qu'elle voulait faire des sujets des chansons. Donc, pour qu'elle fasse ça, elle m'a vraiment aidé à trouver une direction, et on a commencé à créer à partir de là. y avait rien qui était déjà préfabriqué, tout était basé sur ce qu'elle voulait arriver avec ses projets. Donc, c'était très inspirant, c'était très motivant pour moi d'apprendre à la connaître d'abord, et cela a certainement aidé notre processus créatif. Dans certaines situations, vous ne serez pas en mesure de créer une relation, soi avec l'artiste, car vous pourriez même ne pas être dans le même espace. Je sais maintenant qu'avec l'avancement de la technologie, tout ce que nous faisons est d'envoyer de la musique ici et là, créer des relations de cette façon. ne sont pas des relations réelles, ce ne sont pas des relations tangibles, mais ce sont des relations de travail. Dans ces cas, vous ne connaîtrez pas leur humeur, vous ne saurez rien à leur sujet. Je pense qu'il est impératif de faire de la recherche, savoir où ils ont commencé, et où ils essaient d'aller avec leur carrière, avec leur son. Certains des anciens producteurs avec lesquels ils travaillent, pourquoi ont-ils travaillé avec ces producteurs ? Vous pouvez les trouver dans des interviews, vous pouvez les trouver sur YouTube, vous pouvez les trouver partout, parsemés sur Internet parce qu'une fois que vous faites vos recherches à ce sujet, vous faites preuve d'initiative. Vous faites maintenant une étape où le dernier producteur n'est peut-être pas parti, et vous pourrez peut-être affiner le son qui les aidera à poursuivre leur carrière. Donc, c'est très important aussi. Pourtant, c'est une façon tiède de créer une relation, mais il est très important pour vous de faire vos recherches à ce sujet. 4. Communication avec les artistes: Alors, d'accord. Nous avons eu l'ambiance établie au cours de cette session. On enregistre. Tout le monde est à sa place, mais comment faites-vous pour que vos artistes se produisent comme ils ne l'ont jamais fait auparavant ? Je pense que le mot « contrôle » donne aux gens un air de droit. Vous n'êtes pas censé vous retourner et contrôler littéralement les artistes ou les gens de la session. Votre travail est de vous assurer que les choses se déroulent en douceur. Comment on fait ça ? Communication, Simple et simple. Lorsque vous parlez à un artiste, même si vous voulez être critique, vous voulez vous assurer de le dire d'une manière qui ne sape pas, et qui ne déconstruit pas ce que vous essayez de construire. À la fin de la journée, vous voulez vous assurer que vous parlez aux gens comme vous aimeriez qu'on vous parle. Ils n'aiment peut-être pas quelque chose dans votre piste. S' ils se retournaient et disaient, « Ça craignait », serais-tu capable de jouer à ton meilleur ? Ou s'ils ont dit, « Eh bien, il y a un moyen que vous pouvez le changer, et c' est ce que j'ai entendu », OK, je comprends. Je l'ai eu. Tu peux faire la même chose avec un artiste, « D'accord. C' est très bien. C'est génial. C' était une bonne prise, mais prenons ça et essayons avec une émotion différente, ou pouvez-vous essayer d'ouvrir la bouche un peu plus pour que je puisse avoir une note plus claire ? » Ou des choses comme ça. C' est ainsi que vous ajoutez à un projet. C' est comme ça que vous ajoutez à eux se sentir bien sur eux-mêmes et c'est comme ça que vous ajoutez définitivement à une excellente chanson. Il y a des moments où vous donnerez des commentaires, et vous aurez l'impression de tomber sur les oreilles sourdes. Ça m'est arrivé quelques fois, et c'est bon. Ce n'est pas une mauvaise chose parce que je suis toujours là pour être sûr de donner une grande scène et de plateau aux artistes. Si l'artiste veut s'affirmer et être la personne créative dominante, c'est bon. Je le permets, mais à la fin de la journée, une fois que j'aurai un moment de lecture, je peux faire demi-tour et appuyer sur play et les faire assis à côté de moi. Montre-leur : « Ok, tu l'entends là ? Tu comprends ce que je disais à propos de cette note ? 10-1, ce sera le moment où ils pourront l'entendre. Ils ne l'entendent peut-être pas derrière le micro parce que pour eux c'est mon boulot derrière le micro, vous faites votre travail derrière le tableau. Je comprends, c'est bon, mais quand on est assis derrière le tableau ensemble, on est sur un terrain de jeu égal. Maintenant, j'ai besoin que tu comprennes ce qui se passe. Dans tous les cas, quand j'ai souligné ce que j'essayais de changer depuis longtemps, il a fini par être changé, et cela a fonctionné à la fin. Alors, reste-toi ouvert. Tu devrais peut-être laisser passer le truc. Quoi que ce soit, quelle que soit la chose horrible que vous entendez, vous devrez peut-être la laisser passer. Mais ne le laissez pas mourir et ne le laissez pas sortir parce qu'il représente toujours votre nom. Si votre nom est sur cette chose, et que vous avez l'impression que vous auriez pu faire les choses mieux, vous ne serez pas en mesure de revenir et de le refaire, de le faire, et de vous assurer que c'est bien fait que vous pouvez le faire. Je pense qu'il est très important d'avoir une liste de contrôle mineure si vous voulez, une liste de contrôle mentale des choses que vous pouvez faire pour aider à définir l'ambiance pour vous assurer que vous donnez le ton à ce qui va se passer dans la session. Je sais pour moi que je suis très grand dans l'éclairage. Nous nous appelons des vampires pas littéralement, mais je n'aime pas la lumière vive, je ne peux pas travailler sous la lumière vive. J' aime mes lumières tamisées ou colorées. Pour moi surtout même apporter un artiste, si j'y arrive tôt, ce que je dois à chaque producteur, y arriver avant l'artiste. Mais quand j'y arriverai, il est très important pour moi de leur montrer que c'est important pour moi, alors je commence à travailler immédiatement. J' aborde la piste, je m'assure que c'est un mélange lâche sur le tableau si je l'utilise comme une vente. Si je suis juste dans la boîte, si j'utilise simplement Pro Tools, je m'assurerai qu'il y a des choses à montrer que j'ai travaillé avant qu'ils n'y arrivent. Espérons que vous commencez à créer, je l'appelle l'effet de tourbillon. Une fois que les choses commencent à bouger dans une direction. Une fois que les artistes et ceux que l'artiste apporte avec eux viennent, ils doivent faire demi-tour et aller à droite dans la même direction. En créant ce bon effet de tourbillon, vous obtenez une bonne énergie dans la session. Donc, il est essentiel de faire demi-tour et de donner le ton avant que les artistes n'y arrivent. Cool. Donc, l'ambiance est réglée, vous avez vos petites bougies sexy, tout le monde est heureux, nous arrivons aux trucs amusants. C' est là que je m'éclaire en entrant directement dans la session. J' ai tellement de choses dont j'ai besoin pour m'aider à être le producteur que je suis, paquets, des plugins divers, donc nous allons aller dans ce sens. Donc, ça va être amusant. C'est la partie amusante. 5. Le processus du producteur: Cool. Nous savons que nous ne sommes pas là pour faire un contre un, mais il est important de comprendre qu'il y a un processus créatif si vous voulez et que ce sera mon processus créatif personnel est la façon dont je commence avec n'importe quoi. Quand je commence, normalement, j'aimerais commencer par des accords. Il y a des moments où je vais commencer avec de la batterie, mais j'aimerais commencer par des accords. Je suis un démon pour un bon accord, et ça pourrait être juste un peu. Dans ce cas, dans ce morceau, c'est littéralement un rythme, et pour une raison quelconque j'ai entendu tellement de choses se passer dans ce petit morceau, alors je l'ai traité. J' ai utilisé un roader, j'ai utilisé un épandeur et j'ai juste mis autant que possible dessus pour modifier le son où je peux l'utiliser là où je peux construire dessus. Puis, à partir de là, j'ai commencé à ajouter différents instruments. Il est important de construire une base à partir de laquelle travailler et je sais comme avec celui-ci, c'est une piste très simple et clairsemée. La chose la plus occupée est l'échantillon que vous entendez encore et encore. Mais c'est une de ces choses que vous pouvez encore avoir un artiste là-bas, et l'artiste aura assez de place pour respirer. Donc, je m'assure que je retire tout de mon système parce que quand on produit parfois on peut trop produire. Mais vous voulez vous assurer que vous avez assez pour qu' un artiste puisse construire sur et si vous avez besoin de reprendre, vous pouvez reprendre. Il s'agit des artistes, il s'agit de créer de l'espace pour les artistes et je sais que parfois, lorsque nous sommes dans notre propre espace de travail, nous oublions le fait qu'il y aura un artiste là-dessus. Très bien pour ce morceau c'est un morceau hybride que j'ai fait c'est une piste RnB qui a des nuances hip-hop, mais je l'ai fait parce que je voulais vraiment créer un champ sonore qui était basé uniquement sur l'artiste étant l'instrument principal. Mon instrument préféré dans n'importe quel studio est la voix, la voix peut faire tellement plus que n'importe quel instrument peut faire. Il peut même émuler des instruments si vous voulez. Donc, l'une des choses que je veux vraiment faire est juste de créer de l'espace. Je vais faire des choses [inaudibles] et l'envoyer à un artiste et laisser l'artiste faire son truc, puis je reconstruirai la piste autour d'eux. Si vous écoutez la dynamique de cette chanson, elle est encore assez clairsemée à l'endroit où un artiste peut exister, et je ne suis pas en train de dominer l'artiste. Je leur donne tout ce dont ils ont besoin pour qu' ils puissent chanter et être le mouvement de la piste. Je pense qu'il est très important de leur donner assez pour radier, de leur donner la structure de l'accord, de leur donner le pont, leur donner la structure dont vous pensez qu'il a besoin et d'ajouter ensuite. Je pense que tant de gens veulent se présenter en tant que producteurs qu'ils y mettent tellement de modifications, tellement de choses différentes qu'il est difficile pour quelqu'un de s'asseoir et de dire, d' accord, je peux écrire dessus. Cela ne signifie pas nécessairement que c'est une mauvaise piste, cela signifie juste qu'il faut l'affiner. 6. Plug-ins DAW: Il ne faut pas un génie pour comprendre, je suis un producteur de vieille école étant dans le jeu depuis 25 ans. Je viens de beaucoup d'équipement analogique, donc j'ai l'habitude d'avoir, où j'enregistrais, à l'époque, était des bobines de deux pouces, et ensuite je travaillais dans mon équipement. Donc, pour moi, Logic est mon équipement. C' est là que je travaille, et où j'enregistre, ou où je suis mixé, c'est Pro Tools. Je sais que Logic, vous pouvez mélanger dans Logic. Je sais que dans Pro Tools, vous pouvez mélanger et créer Pro Tools, mais pour moi, la séparation m'aide. J' ai besoin de savoir que quand je suis dans Logic, je crée, je fais la musique. Quand je suis dans Pro Tools, je mélange, et je me concentre sur ça. Donc, encore une fois, en approfondissant les détails de mon flux de travail, je pense que ce n'est pas seulement moi qui le fait. Il y a un tas de producteurs qui ont leur choix, être à rig, être à un plugins, des choses comme ça, vous avez votre choix, avoir votre espace créatif que vous comprenez ce que tout fait, et ce que vous allez revenez de lui. Moi, mon paquet Izotope, est un must. J' en avais besoin sur tout ce que je crée. Ozone 5, c'est mon préféré. Ils en ont sept maintenant et je commence à l'apprendre aussi. Mais Ozone 5 pour moi est si confortable. C' est un outil de mastering, et je l'utilise pour mettre après que j'ai fait ma file d'attente sur chaque piste, et des choses comme ça. Pour moi, cela donne une si large perspective de la piste, et ça lui donne aussi du punch. Parce que, vous pouvez faire la file d'attente dans l'ensemble, et vous pouvez même jouer avec l'imagerie stéréo. Donc, pour cette piste, je vais la jouer sans elle. Maintenant, en même temps que j'utilisais un son très ambiant, donc ils vont être larges par eux-mêmes, mais au moment où vous mettez ce plugin, vous pouvez entendre qu'il s'est éclairci, il s'est élargi aussi, et c'est très important comme si j'utilisais l'exciter harmonique, juste pour que je puisse avoir une sensation plus croustillante. Parfois, j'aime aussi agiter mes médiums. Donc, ça dépend de ce que vous essayez vraiment de peindre avec votre chanson, mais je vous conseille, sache qui d'entre vous, si vous pouviez aller voir définitivement les trucs iZotope, parce que ça apporte vraiment une belle dynamique à tout, et cela peut aider tout ce que vous essayez de faire de manière créative. Une autre entreprise que j'aime leur logiciel, est Soundtoys. Je pense que leurs trucs sont incroyables, je veux dire, à la manipulation sonore si vous voulez. Parfois, je veux vraiment faire quelque chose à moi, je commence à vraiment entrer dans le fonctionnement interne du son, et Soundtoys aide cela. Une des choses que je peux aborder en ce moment, est appelée Little AlterBoy, et avec quelque chose comme ça, vous pouvez prendre n'importe quel son que vous voulez, et vous allez vraiment dans des sons différents, des textures différentes. Cela pourrait être quelque chose de simple comme, vous pouvez en faire une toute autre piste, et sauvegarder cette haute fréquence. Sur ce, vous pouvez le faire littéralement dessus. Tu peux le conduire. Si vous voulez le faire paraître différent, vous pouvez le faire. Ce que je fais maintenant, c'est juste en changer le format. J' ai encore un moins 12 sur le terrain. Des choses comme ça, j'adore pouvoir faire en sorte que ça marche dans ma piste parce que, maintenant tu ne sais pas ce que c'est, tu ne sauras pas quel instrument c'est. Donc, c'est l'une des choses que j'aime utiliser. Un autre sur lequel je suis gros, et j'aime vraiment, c'est Sugar Bytes. Sugar Bytes a des choses modifiant le son ainsi que pour la partie d'édition de celui-ci. Looperator, tu dois l'avoir. Que Effectrix, Stutter Edit par iZotope. Mes trois préférés vont aux entreprises est Izotope, Sugar Bytes, puis Soundtoys. Donc, si vous pouvez implémenter leurs paquets dans votre processus de création, vous pouvez simplement voir les choses hors de l'échelle de Richter. Ça va, vraiment, vraiment, être énorme pour toi. Donc, cela dépend de la créativité que vous voulez obtenir. Toutes ces choses aident mon son, et m'aident à me donner une empreinte digitale en tant que producteur. Je pense que c'est ce qui est important. Être original, être créatif, et c'est ainsi que vos gens reviennent pour plus. Parce que c'est ce que vous allez pouvoir apporter à la table, c'est votre empreinte, votre empreinte digitale. 7. Squelettes de pistes pour les artistes: Donc, maintenant je veux aller dans une composition sur laquelle je travaille avec Marsha Ambrosius. Ça va vous montrer ce que je veux dire à propos de ce que j'ai dit chez l'artiste, un squelette où ils peuvent écrire et démonter le disque, me le renvoyer et ensuite je le construirai. Donc, c'est ce que j'ai envoyé Marsha à l'origine. Très squelettique. C' est juste des claps et des accords que j'aime. Donc, c'est ce que je lui ai envoyé avant qu'elle y mette sa voix. Maintenant, ce squelette avait assez d'éléments pour qu'elle comprenne la dynamique entre le verset et le crochet. Mon squelette était assez à l'endroit où il y avait de la structure. Elle a écrit sa chanson, elle a mis sa voix dessus et c'est son crochet ici. D' accord. Maintenant, entrer dans la structure réelle de la chanson après qu'elle m'ait renvoyé ce qu'elle a fait sur la piste squelettique que je lui ai envoyée et c'était une piste à deux. Ayant toutes mes chansons ici maintenant à ma disposition, j'ai commencé à ajouter des choses mais toujours compris que je n'essayais pas d'encombrer la chanson, tout en comprenant que je suis là pour la soutenir et m'assurer qu'elle est l'instrument principal et elle est la star. Quelque chose d'aussi simple qu'elle chantait, j'ai commencé à ajouter mes instruments. Même quelque chose d'aussi peu que cette ligne de conduite, si elle se frottait de la mauvaise façon, alors je l'aurais retiré, mais maintenant nous avons des tambours. Ça va ajouter un lecteur à la chanson, mais je ne voulais pas qu'ils soient si vagues qu'ils l'avalent. Maintenant, rappelez-vous, vous pouvez toujours l'entendre. Elle est toujours la personne en vue et prédominante sur la piste. Ce n'est pas moi. Ce n'est pas la piste. C' est toujours pour elle. Maintenant, j'ajoute toujours toutes les pièces dedans. Maintenant, si vous remarquez, ce sont toutes les pistes que j'y ai mises. C' est tout ce que j'ai ajouté depuis que j'ai eu sa trace et que je n'ai pas pris sa place loin d'elle. Il est très important pour nous de comprendre à quel point il est important pour l'artiste de pouvoir couper sur une piste. Parfois, vous pouvez utiliser un lourd huit loin et l'artiste est toujours là et prédominant dans la piste. n'y a rien de mal à utiliser des instruments lourds, mais en utilisant beaucoup d'instrumentation, parfois on va à l'encontre de ce qu'ils font. Je me suis assuré que tout allait avec un seul flux et je me suis assuré qu'elle était toujours l'instrument principal de la piste. 8. Conclu: J' espère que vous avez de bonnes informations de ce cours. Nous sommes passés par établir la relation entre vous et les artistes, nous avons traversé le processus créatif, vous avez mis l'ambiance aussi. Il y a tellement de choses que nous mettons dans cette classe, petites pierres précieuses, si j'espère que ça a aidé tout le monde. Je veux dire merci à tous ceux qui se sont mis à l'écoute et ont vérifié toute cette classe. J' espère vraiment que vous en avez pris quelque chose, un bijou, quelque chose que vous pouvez utiliser pour construire et améliorer votre ensemble de compétences et votre flux créatif. Donc, encore une fois, merci beaucoup, et je vous implore, s'il vous plaît soumettre votre musique, soumettez juste quelque chose pour nous montrer que tout ce que vous avez pris de ce cours, cela a aidé. Faites-le comme je vous ai montré, montrez le squelette, la chose que vous avez peut-être envoyée à l'artiste ou à l'auteur-compositeur. Montrez à quoi cela ressemblait quand les artistes et le squelette ont été combinés, puis montrez ce que vous avez fait à la fin. Si vous êtes prêts, et que vous voulez vraiment qu'on reste en contact, on peut le faire à Skillshare.