Cours magistral sur la peinture à l'huile de portraits d'animaux de compagnie

1. Bienvenue !: Bonjour et bienvenue dans mon studio. Je m'appelle Rachel Bradwell et je suis professeur d'art ici sur le partage des compétences. Dans ce cours, je vais vous montrer comment peindre votre favori pour ami dans le style impressionniste. Les peintures de portrait d'animaux de compagnie sont très populaires comme cadeaux ainsi que des commandes. J' utiliserai de la peinture à l'huile pour ces démonstrations, mais vous pouvez utiliser n'importe quel support. Vous devrez peut-être adapter les techniques à votre support, comme l'acrylique, le lavage, le numérique ou l'aquarelle. J' espère que vous participerez à ce cours et je suis ravi de voir vos portraits d'animaux de compagnie dans la section projet. Nous utiliserons les techniques alla prima dans ce cours. Si vous avez besoin d'une introduction aux techniques alla prima, consultez mon cours de partage de compétences appelé peinture à l'huile pour les débutants, alla prima techniques. Nous aborderons la couleur de manière subjective tout au long de ce cours. En termes les plus simples, je vais vous montrer comment penser à la couleur en termes de valeur et de température. Vous n'avez pas besoin d'utiliser les mêmes couleurs de peinture que j'utilise. Et je vous encourage à utiliser une palette de couleurs très limitée en utilisant les couleurs que vous avez sous la main. Quand je peins des portraits en PET, j'aime m'amuser avec la couleur. Typiquement, je vais choisir des jeux de couleurs à bloquer dans la couche de base de la couleur, puis je vais construire les couleurs les plus naturelles dans les couches suivantes afin que nous obtenions de petits aperçus subtils de couleur intéressante qui passent à travers la base couche. Ce cours commence par une leçon complète sur la peinture, un portrait d'animal de compagnie. Du début à la fin, je vais insister sur la façon de penser subjectivement à la couleur. Donc, vous n'avez pas l'impression de devoir copier la couleur de votre référence photo. Un autre facteur important est la lumière et l'ombre, également connue sous le nom de valeur. Un dicton commun dans le monde de l'art est valeur fait tout le travail et la couleur obtient tout le crédit. Et c'est si vrai. Donc, je vais vous montrer comment entrer dans l'état d'esprit de penser à la lumière et à l'ombre principalement et à la couleur secondairement. La leçon complète explique également comment créer une texture douce plus dure, comment créer des couleurs vives pour les yeux et comment poser des caractéristiques comme des moustaches qui peuvent être très difficiles. Après la leçon complète, j'aurai des leçons plus courtes qui mettent l'accent sur certains défis particuliers aux portraits d'animaux de compagnie, tels que la façon de peindre des marques et des variations de couleur, comment changer le fond, comment peindre les rides et les plis de la peau et plus encore. J' espère vraiment que vous me rejoindrez dans ce cours. Et je tiens à vous faire savoir d'emblée que si vous avez des questions ou si vous avez besoin précisions sur quoi que ce soit, vous pouvez poster vos questions dans la section discussion de ce cours. Je tiens également à vous encourager à publier vos projets en peinture dans la section projet de ce cours. Et je peux vous donner des commentaires et vous pouvez aussi me savoir si vous avez des difficultés avec quelque chose en particulier, et je suis heureux de vous aider. Je tiens également à vous faire savoir que j'ai plusieurs cours de partage de compétences qui vont des fondamentaux de la peinture jusqu'à des techniques plus intermédiaires et avancées. Donc, je vous encourage à me suivre ici sur le partage de compétences pour obtenir des notifications sur les nouveaux cours qui sortent et consulter mon catalogue de tous les cours que j'ai en place ici sur sql share. Bon, allons chercher Painting. 2. Matériaux et palette de couleurs limitée: Avant de commencer, parlons un peu matériaux que j'utiliserai pour cette démonstration. Mais je veux que vous sachiez que vous n'avez pas besoin d' utiliser exactement les mêmes matériaux que ceux avec lesquels je démontre. Je vais peindre sur des panneaux de toile. Et j'aurai ma palette ici à droite pour que vous puissiez voir mes mixes au fur et à mesure que je vais. Alors regardons certains des autres matériaux que nous avons ici. Je vais peindre avec un peu de solvant, surtout dans les premières étapes de la peinture. Résoudre c'est aussi ce que vous utilisez pour nettoyer vos pinceaux. Maintenant que je peins, je ne nettoie pas mes pinceaux très souvent. Il n'y a que quelques circonstances où je le fais. Sinon, j'ai essuyé mes pinceaux dans une serviette en papier. J' utiliserai le nettoyant pour brosse à essence d'agrumes comme solvant. Ceci est fabriqué par Chelsea classic Studios et c'est bien parce qu'il n'est pas aussi toxique que les autres solvants. Je vais utiliser juste un peu de médium. C' est un milieu de noix fabriqué par m gram, mais vous pouvez utiliser de l'huile de lin ou n'importe quel milieu que vous avez. Et je l'ai juste sur le côté. Et honnêtement, je n'utiliserai pas beaucoup de ça. Voici quelques-uns des pinceaux que j'ai à mes côtés. Et la brosse que j'utiliserai le plus, c'est celle-ci au milieu, cette brosse à poils plats. C' est un peu plus grossier. C' est une sorte de pinceau. J' utiliserai aussi un long film Burt, puis quelques uns de ces pinceaux à poils plus doux dans les dernières étapes de la peinture pour obtenir un toucher doux agréable. Et c'est aussi très important pour les techniques de l'Alabama. Je vais utiliser mon couteau à palette juste pour faire un peu de mélange. Peut-être que je vais utiliser un peu pour des techniques impasto. Et puis ici, j'ai blanc titane et puis comme jaune. Et pour mon rouge ici, j'ai du naphta, rouge. Ce sont tous acheter em Graham, Au fait, ce sont vraiment des peintures géniales. C' est bleu outremer. Ce seront les couleurs principales que j'ai utilisées pour la peinture. Je vais utiliser un peu de ce basculement vert principalement pour faire les yeux, mais peut-être pour mélanger des couleurs sombres aussi bien. Et puis mes chiffres bruts quand je vais principalement est pour mon imprimatur une couche et mon bloc initial dans. Et s'il vous plaît, n'avez pas l'impression que vous devez utiliser exactement les mêmes couleurs que j'utilise. Je vous encourage à utiliser une palette très limitée, mais vous devriez utiliser des couleurs que vous avez sous la main. Et c'est mieux si vous n'avez qu'un ensemble primaire de base de couleurs. À un moment donné, je vais utiliser un peu de ce médium impasto pour obtenir de beaux effets impasto. Donc, je vais juste mettre cela sur le côté bien pour l'instant parce que je vais utiliser cela juste pour un effet spécial. Une partie de ce que je vais démontrer avec est comment transférer votre image sur votre toile. Vous voudrez peut-être obtenir du papier de transfert, autrement connu sous le nom de papier carbone. Cela sera très utile pour vous, surtout si vous ne vous sentez pas à l'aise dessiner main libre. Et je vous encourage vraiment à profiter de faire des croquis avant de vous lancer dans la peinture, je vais vous montrer comment faire un croquis no dix pour aider à simplifier le processus de peinture d'un portrait. Et bien sûr, vous pourriez vouloir crayon à proximité. D' accord, donc je pense que c'est tout. Allons-y et commençons à peindre. 3. Choisir une composition de portrait à partir de photos: Avant de commencer à peindre, je veux juste vous donner rapidement une idée de la façon dont je pense de la composition des portraits. Et je pense que cela vaut aussi bien pour les portraits d'animaux de compagnie que pour les portraits d'humains. Cependant, je pense qu'avec les animaux de compagnie, nous pouvons nous en sortir avec beaucoup plus de licence créative. Et je vais essentiellement utiliser une application simple. C' est ce qu'on appelle Pixlr. Et c'est juste une application sur mon téléphone que j'utilise pour apporter des modifications très rapides et simples aux photos. Donc, la chose la plus importante que nous voulons examiner ici, c'est le ratio. Je sais que je vais faire certains de ces portraits dans un format huit sur dix et certains d'entre eux seront en format carré. Je veux donc m'assurer que le rapport de ma récolte correspondra au rapport de ma taille de toile. Donc, pour une toile de huit sur dix, nous aimerions probablement recadrer à un rapport de quatre à cinq. Et le rapport quatre par carré bien sûr, est un pour un. Et cela va juste rendre beaucoup plus facile pour moi de dessiner avec précision les proportions des portraits PET et d'obtenir le placement de toutes les fonctionnalités. Correct. Donc je suis ici avec ce petit calicot Kitty juste essayer de jouer un peu autour pour voir ce qui sera une bonne composition. J' essaie d'abord le format huit par dix. Mais finalement, ce que je vais faire est probablement aller avec le format carré juste pour encadrer le visage de ce chat d'une manière équilibrée et agréable. Et donc parfois avec des portraits en PET, lorsque nous prenons des photos de nos animaux de compagnie, nous les capturons en un instant et bien sûr, nos animaux de compagnie ne vont pas poser pour nous. Et donc nous devons juste être rapides et prendre cette photo dès que nous voyons quelque chose que nous aimons. Et donc nous devrons peut-être faire un peu de travail créatif après juste pour ajouter un peu d'intérêt pour ce petit chien, j'ai vraiment eu du mal à trouver un bon moyen de le mettre dans le cadre. Je ne voulais pas découper ses jambes parce qu'il y a en fait une partie vraiment importante de cette composition et de donner un sens à la position du chien. Donc je vais opter à la place pour peut-être juste découper les oreilles un peu parce que je ne veux pas tant de fond dans cette composition. Et aussi parce qu'il est si droit de haut en bas, je vais juste lui donner un peu d'inclinaison ici. Ce n'est rien de fou, mais j'ai l'impression que ça ajoute juste un peu de mouvement en le rendant un peu plus diagonale. Et je joue aussi un peu avec la correction automatique, juste une fonctionnalité très simple sur cette application qui va faire un peu de correction des couleurs et parfois il rend la couleur pire. Et donc je le teste toujours juste pour voir si ça améliore la photo, alors j'utiliserai cette solution rapide. Sinon, j'ai généralement tendance à le laisser tel qu'il est parce que comme vous le verrez quand je vais à travers ces peintures, je prends beaucoup de liberté créative avec la couleur. Et donc je ne suis pas trop préoccupé par la couleur réelle que je vois sur la photo. Donc je suis ici avec une autre photo d'un autre chien où nous avons tout son corps dans la photo et vous l'aimez vraiment. Oui, je veux l'encadrer de manière à ce que le chien remplisse vraiment la composition. Et je ne veux pas vraiment avoir beaucoup d'expérience. Et encore une fois, je vais juste lui donner une petite touche, juste un peu plus d'angle. Voici un exemple de l'endroit où la correction des couleurs lui a fait l'air vraiment délavé. Et donc je vais juste laisser la couleur telle qu'elle est. Peut-être jouer avec le contraste juste un petit peu. Mais il est important de ne pas apporter d'énormes modifications à votre photo. Et idéalement ne pas utiliser de filtres. Bien sûr, je dois peindre ce petit gars, ce petit carlin avec les beignets. Lui, je sais, va être un format carré, donc c'est juste une question de savoir comment je vais l'encadrer, combien de fond je vais inclure. Je ne pourrai pas inclure ses pieds à moins que j'aille avec plus de huit sur dix formats, une sorte de jouer avec ça. Mais en fin de compte, j'aime vraiment le format carré. Je pense qu'il va bien avec les caractéristiques de ce chien et ce Donuts. Donc on va juste aller avec le format carré pour ce gars, découper un peu. Encore une fois, une chose que j'aime vraiment dans les portraits d'animaux est que nous pouvons vraiment faire des gros plans et je pense que c'est vraiment flatteur et amusant. Alors qu'avec les gens, nous ne voulons pas tellement ces gros plans, et nous allons juste laisser la correction de couleur éteinte. Laissez-moi vous présenter nos animaux de compagnie de cette série, Florio. D' abord, nous avons Spiky et maintenant nous avons Michela, Xander quand acuité. Et puis la grande Cooper ici. Et enfin, nous avons Watson quoique merveille carlin. 4. Esquisser le notan pour la peinture: Typiquement Avant de commencer à peindre, surtout quand il va être quelque chose de complexe comme un portrait. Je veux vraiment prendre le temps de faire un croquis. Et tout le but du croquis est de commencer à mettre mon esprit au bon endroit. Je suis donc allé commencer à réfléchir à la façon dont cette composition va se réunir. Surtout comment les lumières et les sombres dans la composition vont travailler les uns avec les autres et se complimenter mutuellement. Et donc cela va vraiment être un croquis très simple et lâche. J' aime appeler ces croquis de gribouillis. Mais avec l'intention à l'esprit que je suis vraiment concentré sur cet équilibre entre la lumière et l'obscurité et vraiment identifier la composition en termes de lumières et de sombres. Et c'est donc ce qu'on appelle en fait un croquis sans bronzage. Et ce n'est certainement pas censé être une sorte de croquis détaillés. Je fais vraiment juste un dessin de base de la forme et le placement des fonctionnalités. Mais après avoir obtenu les principales caractéristiques en place, je vais simplement commencer à griffonner dans mes valeurs les plus sombres. Et je veux commencer à les cartographier parce que, bien sûr, c'est ainsi que nous allons créer un sens de la forme et du réalisme dans ce portrait. Et j'aime vraiment le vieux dicton où nous avons reconnu cette valeur, fait tout le travail tandis que la couleur obtient tout le mérite. Et une chose que j'aime dans la peinture et surtout en utilisant la technique alla prima, c'est que je peux vraiment me concentrer sur ma valeur et permettre à la couleur d'être un peu plus libre, un peu plus créatif, un un peu plus interprétatif. Donc, je n'ai pas à m'inquiéter autant de mélanger précisément les bonnes couleurs tant que j'ai les bonnes valeurs en place. Je vous encourage donc à aborder les portraits avec cet état d'esprit parce que les portraits peuvent être très complexes et accablants. Et donc si nous essayons constamment de penser à la fois à la valeur et aussi à mélanger les bonnes couleurs exactes. Ensuite, cela devient un processus très écrasant très rapidement. Et vous serez vraiment surpris de voir jusqu'où nous entrons dans le réalisme en se concentrant sur la valeur avant tout. Et puis je vais me concentrer davantage sur la température plutôt que sur la couleur spécifique. En fait, je vais vous montrer avec ce premier portrait, une façon vraiment amusante d'aborder la couleur, surtout quand vous peignez un sujet mais est tout blanc comme ce chat est. Mais en ce qui concerne le croquis, je suis vraiment à nouveau, juste essayer de cartographier toutes les zones sombres et claires de la composition. Je ne pense même pas vraiment au séchage ou au rendu d'un chat. Et vous pouvez voir que mes gribouillis ici sont littéralement juste ça, ce ne sont que des gribouillons. Je ne fais aucune sorte d'éclosion de fantaisie. Ce n'est pas une sorte de dessin fini. Ce n'est même pas vraiment un croquis que je pourrais jamais vraiment montrer ou quoi que ce soit comme ça. C' est vraiment juste pour mettre mon esprit au bon endroit. Et donc je le pense presque comme un exercice d'échauffement. Cela m'aide à vraiment analyser comment je place la lumière et l'ombre afin de créer un sens de la forme. Et cela m'aide aussi juste à avoir une idée de la façon dont le portrait va s'adapter à ma toile. Et c'est pour ça que j'ai fait des chemises, utilise ma règle quand j'ai mesuré ça. Lorsque je fais des croquis pour des peintures paysagères, je ne m'inquiète pas trop d'avoir le bon rapport d'aspect pour mon croquis qui correspond à la taille de ma toile. Mais pour un portrait, c'est vraiment important parce que je fais beaucoup de mon dessin et de mes placements en regardant l'espace négatif autour du portrait. Donc, dans ce cas, toute la zone de fond sombre, je pense à ça comme des formes. Et quand je vais commencer à peindre ce portrait, c'est à ça que je vais penser, ces formes négatives. Et donc si j'ai un peu mes ratios, alors je ne pourrai pas juger cet espace négatif avec précision. Je vais avoir un peu une perspective déformée. C' est donc très important pour les portraits. Vous esquissez avec le même rapport d'aspect que votre peinture sera parce que cela va vous aider à commencer à être vraiment capable d'étudier et analyser comment le portrait va s'intégrer dans la toile. Et pour ce premier portrait d'animal de compagnie, je vais vous montrer ma façon personnelle de placer un portrait sur une composition sur une toile. Mais ensuite, c'était d'autres portraits. Je vais vous montrer d'autres idées pour placer le portrait juste au cas où vous n'êtes pas aussi à l'aise ou confiant avec vos talents de dessin. Et je veux juste que tu sois capable d'aller au point de peindre. Donc, je ne veux pas que vous ayez à vous soucier des compétences de dessin si ce n'est pas tout à fait votre truc à ce stade. Il y a donc certainement d'autres façons d'y arriver. Mais le croquis est vraiment juste pour me réchauffer et commencer à analyser la composition. 5. Aperçu du processus: Dans ce cours, je vais entrer dans les détails sur chaque étape du processus de peinture d'un portrait en PET. Mais avant de commencer cette leçon détaillée, je tiens à vous donner un bref aperçu de tout ce processus. Donc ce que j'ai fait ici, c'est que j'ai juste accéléré tout le processus de peinture. Et je vais vous donner un aperçu général de la façon dont ce tableau se réunit. Et je pense que c'est un outil d'apprentissage très important, surtout si vous êtes nouveau dans la peinture à l'huile ou si vous vous sentez juste un peu intimidé par le sujet. Parce que quand on regarde un tableau en temps réel, ça commence à paraître un peu chaotique. Et puis, à mon avis, personnellement, quand je regarde d'autres peintures, il semble presque que la peinture passe rapidement d'un stade chaotique et étrange à un moment soudain sensé. Et il est difficile de déterminer exactement comment l'ensemble du processus se réunit. Donc, mon but dans cette petite section est juste de vous donner une belle idée rapide de la façon dont la peinture se réunit et de parler un peu du processus en termes très généraux. Donc je veux que vous remarquiez que la première chose que j'ai faite dans ce tableau était un tonique ma surface et j'ai posé dans un blocage très général où tout ce que j'ai fait était d'utiliser un peu de nombre brut pour indiquer où les zones les plus sombres de la peinture vont l'être. Et donc c'est très similaire à l'esquisse de la main des nœuds où je me concentre juste sur l'ombre et la lumière et la forme de base. Ensuite, ce que j'ai fait, c'est que j'ai pré-mélangé quelques couleurs. J' ai décidé pour ce portrait que j'allais utiliser un schéma de couleurs, un schéma de couleurs complémentaire. J' ai donc choisi d'utiliser la violence pour toutes mes zones d'ombre, et les oranges et les jaunes pour toutes les zones qui étaient en lumière. J' ai pris certaines de ces violettes et elles vont d'une violette bleue à une violette vraie en passant par une violette rouge. Et je les utilise pour rester dans l'ombre. Ensuite, j'ai commencé à ajouter un peu de blanc dans ces couleurs d'ombre juste parce que c'est un chat blanc. Et donc nous avons en fait quelques nuances de valeur plus légères dans cette composition. Ensuite, je suis allongé dans toutes les lumières. Et c'est là que je pense que le portrait commence vraiment à paraître un peu étrange. Et je pense que quand on est en train de peindre, ça peut se sentir un peu déroutant et intimidant. Et vous pourriez vous sentir incertain que cela va vraiment se réunir. Et je veux juste vous rassurer que quand je peins, je ne me sens jamais très confiant que ma peinture va se réunir. Mais à ce stade, j'ai eu assez d'expérience pour savoir que si je fais confiance à ce processus et que je travaille de mes valeurs sombres à mes valeurs de lumière et que j'affine les choses au fur et à mesure que je vais, cela va se réunir et la beauté de et une technique de l'Alabama où nous peignons mouillés dans mouillé. Est-ce que toutes ces couches sont si importantes et il peut ne pas sembler au début très clair pourquoi. Mais ces couches sont si importantes parce qu'elles vont interagir et interagir les unes avec les autres pour créer un jeu de couleurs vraiment intéressant, vibrant, mais subtil. Je, en plus d' exagérer certaines des couleurs que je vois dans les lumières et les ombres. J' ai aussi tendance à exagérer certains des rouges autour des traits tels que les yeux, le nez, les oreilles dans la bouche. Et vous verrez que lorsque cette graine de peinture se construit que j' utilise réellement ces manèges et leur permet de jeter un coup d'œil à travers les couleurs plus neutralisées pour donner une très belle sensation de dynamisme et de vie à ce portrait. Maintenant, je commence à superposer certaines des couleurs les plus naturelles. Donc j'utilise le même schéma de couleurs, mais je neutralise mes couleurs beaucoup plus pour qu'elles soient moins vibrantes, mais je les pose au-dessus des couleurs plus vibrantes que j'ai utilisées dans cette première étape de la peinture et permettant à ceux juste jeter un coup d'œil dans quelques domaines. Je trouve que cela crée une peinture qui a beaucoup de variation de couleur vraiment intéressante et de nuance à elle sans avoir l'air trop occupé ou submergé. Et je traite vraiment la couleur comme très secondaire par rapport à la valeur. La valeur va être les aspects les plus importants d'une peinture de portrait. Et tant que vous avez vos relations de valeur correctes, alors vous pouvez vraiment jouer avec vos couleurs et avoir beaucoup de plaisir. Donc, vous allez voir maintenant que je commence à travailler plus à placer mes valeurs les plus légères dans la peinture à l'huile, il est vraiment important de peindre à partir de vos valeurs les plus sombres et de travailler à la hauteur de vos valeurs les plus légères. Et c'est parce que les pigments qui vont en blanc, vous utilisiez un blanc de titane ou un blanc de paillettes ou un blanc de zinc, n'importe qui, ils vont contaminer vos autres couleurs. Et donc vous voulez vous assurer que vous avez vos valeurs les plus sombres en place et que votre réserve, vos valeurs les plus légères seulement là où vous en avez vraiment besoin afin d' éviter d'avoir une peinture qui a l'air plat ou délavé. Et vous verrez aussi qu'au fur et à mesure que je progresse dans les valeurs les plus légères de ce tableau, la surface que je couvre devient progressivement de plus en plus petite. Et c'est vraiment important pour créer un très bon sens de la forme. Ainsi, les zones qui dépassent le plus et qui reçoivent le plus de lumière seront les plus légères en valeur. Et nous sommes allés progressivement construire nos valeurs dans ce processus de peinture parce qu' avoir une gradation subtile va donner un sentiment de douceur au for, si nous avons trop de contraste ou trop de différence entre les valeurs qui sont placés les uns à côté des autres, alors notre peinture ne va pas se sentir douce. Ça va se sentir un peu dur. Et donc, vous devriez construire vos valeurs très progressivement. Et surtout dans les zones sombres lorsque vous placez des valeurs l'une à côté de l'autre, vous ne devriez pas voir une grande différence entre ces valeurs. Et je me concentre vraiment sur le pour commencer. Une chose que j'aime faire personnellement est que j'aime laisser les yeux et certaines des autres fonctionnalités plus détaillées. Enfin, j'aime vraiment me concentrer sur la grande image avant de plonger dans ces petits détails. Mais je sais que certaines personnes aiment vraiment aller dans le sens inverse juste parce que cela rend la peinture un peu plus accueillante et accueillante d'avoir ces yeux et cet endroit. C' est juste un peu plus réaliste. Et c'est un peu effrayant de laisser ces yeux clignoter pendant que je travaille sur le reste du tableau. Mais laissez-moi vous dire pourquoi j'ai travaillé comme ça. Je trouve que si je commence ma peinture et une zone qui a beaucoup de détails dans la vie, je vais passer beaucoup de temps là-dessus et je finirai avec quelque chose que j'aime vraiment. Mais alors si une autre partie de la peinture ne fonctionne pas, ou je trouve que peut-être la proportion de la taille des yeux n'est pas correcte ou qu'ils sont juste quelque chose d'un peu décalé. Je trouve qu'il est plus difficile de faire ces corrections si j'ai déjà une partie de la peinture qui est très finie. Et donc je suis vraiment un partisan de sauvegarder les détails pour la dernière et de travailler sur l'image globale en premier. Donc, en ce qui concerne un portrait d'animal de compagnie, je vois le for comme étant ce que je veux travailler d'abord et je veux bien le faire. Et puis il y a beaucoup de marge de manœuvre, beaucoup de domaines à améliorer que je peux vraiment faire avec ces détails plus importants. Donc ici, vous pouvez voir que lorsque je travaille sur les yeux, je ne joue pas seulement avec la coloration des yeux, mais je suis aussi vraiment maintenant en train de regarder la forme des yeux. Et j'ai fait quelques corrections très subtiles pour rendre les yeux plus réalistes en termes de forme et de taille. Et maintenant, je peux vraiment me concentrer sur ce petit domaine. Et j'aime vraiment peindre les yeux parce qu'ils sont si intéressants et les variations de couleur sont si subtiles. Donc j'aime vraiment garder ça pour la fin. C' est presque comme un dessert pour moi. Et cela m'aide aussi vraiment à sentir que la peinture arrive à sa fin quand je l'arrive sur scène. Donc, la dernière chose que je vais faire est de placer dans les moustaches et certains des cheveux maladroits qui sortent de la forme du chat sorte de fusionner sur l'arrière-plan. Et dans ce portrait particulier, je n'ai pas utilisé de médium avec ma peinture jusqu'à présent. Et fondamentalement ce que je fais, c'est que j'ajoute très vaguement ces moustaches. Ils n'ont pas besoin d'être parfaits. Vous n'avez pas besoin de vous soucier de faire des lignes parfaites qui sont même du début à la fin. Soyez vraiment insouciant avec ceux parce qu'avec de la peinture à l'huile, vous pouvez réellement revenir en arrière et affiner certains d'entre eux, faire certains d'entre eux que vous n'aimez pas un peu moins perceptible. Et je pense que cela vous aidera à obtenir un résultat vraiment naturel. C' était donc vraiment la vue d'ensemble de ce processus. Et je vous encourage à y revenir chaque fois que vous vous sentez perplexe pendant ce cours. 6. Imprimatura et valeur Block-in: Bon, maintenant que j'ai mon croquis, Stein, je suis prêt à commencer à peindre et je vais commencer par tonifier ma surface. C' est aussi appelé imprimatur Laura. Et puis je vais faire un très lâche sous la peinture pour placer les formes principales du chat dans les caractéristiques de cette composition. Et beaucoup de fois quand je l'ai dit à mes surfaces, si vous avez vu certaines de mes autres vidéos, vous avez peut-être remarqué que j'utilise parfois la rose permanente, ce qui est un peu un beau rouge vif, presque fuchsia. Mais je vais utiliser le nombre brut pour ça. C' est un peu plus traditionnel d'utiliser une couleur plus neutre. Donc certains artistes aiment utiliser le parapluie Ra, c'est ce que j'ai tendance à utiliser si je fais le ton plus neutre. Mais vous pouvez aussi utiliser de l'ombre brûlé, sienne brute, de la sienne brûlée, n'importe quoi de ce genre, même comme un ocre jaune. Ce que vous ne voulez pas faire, c'est faire une imprimatur, une couche où vous y mélangez du blanc, surtout si vous faites une peinture alla prima. Nous voulons que notre surface soit tonifiée avec juste une couleur pure et pas de blanc là-dedans parce que y va contaminer tout le reste que vous placez dessus. Donc, même pour les premières couches de la peinture, je vais complètement laisser le blanc hors de l'image. Et cela pourrait sembler un peu anormal vu que nous peignons un chat blanc. Mais il est très important de ne pas utiliser de blanc dans l'un de vos mélanges jusqu'à ce que vous devez absolument terminer avec un sujet comme celui-ci. Nous allons utiliser y un peu plus tôt dans le processus que je pourrais avec d'autres sujets. Mais vous serez surpris de voir combien peu de blanc va entrer dans cette composition. Donc tout ce que je fais ici après avoir frotté une partie de ce bois brut sur ma surface avec mon couteau à palette. J' ai trempé ma brosse dans mon solvant, qui pour moi est juste un solvant d'agrumes. Et puis j'utilise ce solvant pour frotter le pigment dans les fibres de ma toile. Et ce n'est qu'un panneau de toile ici. Et puis pour enlever tout excès de solvant de la surface, j'ai utilisé ma serviette en papier juste pour l'essuyer. Et cela donne aussi une couverture plus uniforme. Et il s'éclaircit aussi bien parce qu'une couleur comme les nombres bruts en fait très sombre. Alors maintenant, je vais aller de l'avant et commencer à bloquer dans la sous-peinture du chat juste en plaçant les principales formes. Et encore une fois, je regarde vraiment l'espace négatif autour du chat. Donc tout ce beau fond sombre qui fournit un si beau contraste. Je regarde vraiment cette forme et essaie de comprendre comment ça va s'adapter à ma toile. Parce que nous avons tendance à faire plus d'erreurs si nous essayons juger les formes, les tailles et les angles en regardant le positif. Plutôt que les formes négatives. Donc si j'essayais de tout juger selon la façon dont je juge le chat. Je vais exagérer certaines caractéristiques et en exagérer d'autres. Et les choses vont devenir faussées. C' est la façon dont nos esprits fonctionnent. C' est donc une très bonne habitude de commencer à regarder les formes négatives lorsque vous essayez juger les proportions et la forme et que vous essayez d'être très objectif. Je sais donc qu'il est difficile d'illustrer cela à travers une vidéo. Mais en gros, c'est ce que je regarde. Je regarde tout cet espace négatif sombre autour du chat. Et c'est ce que je peins à ce stade parce que cela m' aide à obtenir les proportions plus précises. Parce que je suis capable de penser plus objectivement à ces espaces négatifs que sur les traits subjectifs du visage du chat. Nous avons tendance à faire des jugements qui ne sont pas toujours tout à fait exacts quand nous regardons des visages. Et encore une fois, je vais vous montrer d'autres techniques pour placer un portrait sur votre toile avec précision qui n' impliquent pas autant de jugements parce que je sais que tout le monde ne se sent pas complètement exact avec les aspects du dessin de cela. Et je pense qu'il est vraiment important que vous soyez capable de vous concentrer sur le processus de peinture plutôt que de vous soucier de vos compétences en dessin. Et avec les portraits, il est vraiment important d'avoir proportions très précises et le placement des caractéristiques. Parce que même si vous faites des techniques de peinture étonnantes et que vous avez vraiment de grandes valeurs et que votre entreprise est vraiment réaliste. Si les caractéristiques sont un peu désactivées, cela va jeter votre composition. Donc je pense que c'est une très bonne idée de faire entrer l'entraînement. Vous n'avez pas à pratiquer votre dessin à travers la peinture. Vous pouvez juste faire des petits croquis rapides, peu de savoir, dix croquis. Et cela va vraiment vous aider au fil du temps à développer ces compétences. Et donc je vous encourage vraiment à le faire. Et pour le moment, je veux que tu fasses ce qui te plaît le mieux. Donc, si vous êtes à l'aise de peindre comme ça, en quelque sorte d'être très lâche et de laisser les choses se rassembler. Alors je pense que c'est génial. Et pour être honnête avec vous, dans la peinture, ce que j'aime tellement, c'est que même si je fais quelques petites erreurs, autant que les proportions soient, les rapports sont des angles ou des traits. Il est si facile de faire des corrections au fur et à mesure que je vais. Et donc honnêtement, je ne m'inquiète pas trop d' avoir tout parfaitement précis à ce stade de la peinture. Je veux juste que tout soit bloqué. Mais je veux aussi que vous vous sentiez confiant et que vous puissiez vraiment plonger dans les techniques de peinture. Je vais vous montrer d'autres façons de placer un portrait sur votre toile. Donc vous pouvez voir ici que je suis vraiment en ligne avec mes notes croquis à la main. J' utilise vraiment seulement deux valeurs, la zone de la toile que j'ai tonifiée et ensuite frotté avec mon serviette en papier qui représente toutes les zones qui obtiennent le plus de lumière. Et puis je réduit vraiment les zones d'ombre à une seule valeur. Et c'est vraiment tout ce qu'il faut faire pour cette étape. Nous l'avons en quelque sorte bloqué très lâchement. Et en fait, je ne vais pas utiliser plus de chiffre brut, donc je vais juste nettoyer ça de ma palette. Et on va passer à autre chose. 7. Block-in: Et maintenant, nous sommes prêts à commencer à construire notre première couche de couleur. Et j'utilise une palette très limitée pour ce portrait. Et vous pourriez être surpris de voir que je peins un chat blanc en utilisant essentiellement les trois couleurs primaires. Mais je vais vous expliquer comment je pense à la couleur, surtout quand je peins quelque chose qui est blanc dans sa couleur locale. Donc, bien sûr, nous le regardons et c'est un droit de chat blanc. Mais je ne vais pas le peindre en blanc. Je vais essentiellement trouver un moyen d' ajouter beaucoup d'intérêts chroma et couleur dans ce portrait. Parce que l'une des choses les plus difficiles à propos de la peinture, Quelque chose qui est pourquoi il est qu'il peut très facilement avoir tendance à regarder un peu délavé, sorte de terne, peut-être juste des nuances de gris. Et il est donc très important pour moi d'ajouter beaucoup d' intérêts chroma dans un sujet comme celui-ci. Et je dois travailler un peu plus dur. Pour un sujet blanc, comme un chat blanc ou peut-être une théière blanche ou tout ce qui est juste blanc. J' aime penser au fait que quelque chose qui est blanc et sa valeur locale va refléter beaucoup d'autres couleurs de l'environnement. Et donc je regarde ce chat et juste essayer d'évaluer certaines des couleurs que je peux imaginer reflétant de sa fourrure des sites environnants dans. Et je pense au fait que c'est à l'intérieur et donc c'est probablement sous une sorte de lumière artificielle. Et les lumières artificielles ont tendance à être un peu plus chaudes. Et puis l'ombre, bien sûr, va être un peu plus cool. Donc, je vais aller avec un schéma de couleurs complémentaires split pour peindre les couches initiales de ce portrait. La première chose que tu m'as vue faire était d'ajouter un peu de rouge dans ma pile bleue de peintures. En gros, je n'aurai plus de bleu pur sur ma palette. Je l'ai ensuite divisé en une autre pile et j'y ai ajouté plus de rouge pour faire plus d'une vraie violette. Et puis la pile juste au-dessus est un peu plus d'une violette rouge. Et puis pour en faire un schéma de couleurs complémentaires, je vais avoir un orange et un jaune. Mais ces deux couleurs, l'orange et le jaune, ne seront pas simplement orange et jaune droit. Je suis en train d'attraper certains des violents et de l'ajouter à ces deux piles juste pour les neutraliser un peu pour qu'ils ne soient pas trop brillants. Je veux vraiment de belles couleurs neutres. Bien que comparés à ce que nous pourrions voir sur la photo, ceux-ci vont sembler très vibrance à ce stade. Et c'est juste pour commencer à construire les premières couches de ce portrait. Ça ne représentera pas les portraits finaux. Et fondamentalement ma pensée derrière cette tactique que que j'aime vraiment faire. Surtout comme je l'ai dit, pour le sujet qui est blanc et sa valeur locale est qu'il va ajouter d'une manière très subtile, beaucoup de vibrance de couleur à un sujet que sinon il peut être un peu difficile de discerner une partie de ce dynamisme. Donc c'est juste un petit truc que j'aime utiliser pour faire des portraits comme celui-ci, plus intéressant à regarder. Maintenant, vous pouvez voir que j'ai ma violette bleue en bas, ma violette au-dessus, puis ma violette rouge, puis une orange rouge qui a une partie de cette violette mélangée pour la couper un peu. Et puis au-dessus de ça, c'est mon jaune sourd. Et donc ce que je vais faire pour cette première couche, j'utilise ma couleur la plus cool, donc mon bleu violet que j'utilise dans les zones qui sont dans l'obscurité. Donc, pas vraiment de lumières. Et ça va paraître un peu trop sombre en ce moment. Mais encore une fois, ce n'est que la couche de base. Et avoir une couche de base très forte va être si importante, surtout parce que nous utilisons les techniques alla prima dans ce tableau. Et Alec prima veut dire que nous peignons quoi en mouillé. Et donc chaque couche de peinture que nous ajoutons à cette peinture va avoir un impact sur les couches suivantes. Et donc ce que j'aime faire, c'est que j'aime rendre ce calque un peu plus sombre pour que certains de ces sombres puissent apparaître à travers et ajouter de la profondeur aux portraits finaux. Et j'aime aussi rendre mes couleurs plus vibrantes si les sujets, comme, par exemple, avec ce chat, si c'est un peu plus un portrait monochrome à première vue, j'aime ajouter plus de dynamisme à cette couche de base. Ou si mes sujets finaux vont avoir beaucoup de couleurs vraiment éclatantes en elle que je vais réellement faire ce calque de base en utilisant des couleurs plus sourdes. Et donc fondamentalement, j'aime faire le contraire. Si je veux que mon portrait final soit vraiment vibrant et qu'il ait beaucoup de couleurs hautement chromatiques, alors je vais avoir une couche de base un peu plus silencieuse parce que cela crée un peu plus d'une vibration entre ces couleurs dans la façon dont ils interagissent les uns avec les autres comme je couche les peintures sur. De même, si mon sujet doit être un peu plus subtil et sourd à la fin. Ensuite, je veux une belle couche de couleur hautement chromatique. Parce que, encore une fois, cela va aider à créer une belle vibration entre ces couleurs au fur et à mesure qu'elles se réunissent dans les techniques alla prima. Et si vous n'êtes pas familier avec les techniques alla prima ou si vous l'avez essayé et cela vous semble vraiment frustrant. J' ai en fait un cours ici sur le partage de compétences qui va vraiment en profondeur sur les techniques ala prima. Et je pense que si vous êtes aux prises avec ces techniques, il est vraiment important de maîtriser les techniques et de comprendre comment une peinture ala prima est construite afin que vous vous sentiez moins frustrant lorsque vous faites un sujets complexes comme des portraits. Donc ici, vous pouvez voir que j'ai passé à ma vraie violette et j'utilise la vraie violette dans des zones qui sont encore dans l'ombre, encore sombres, mais peut-être pas les parties les plus sombres des portraits. Et je sais qu'en ce moment on ne voit même pas beaucoup de différence, surtout entre la violette bleue et la violette vraie. Mais les différences sont subtiles. Et je pense que cela aide à long terme. Et avec une couleur aussi sombre comme le violet ou le bleu, violet et le violet, nous ne verrons pas ces couleurs tant que nous n'ajouterons pas de blancs. 8. Block-in: Et maintenant je continue avec cette couche initiale. Et j'ai décidé de diviser cette première couche en deux segments vidéo, parce que maintenant je vais ajouter des blancs. Et généralement avec la plupart des sujets, je n'ajouterais pas de blanc à mes mélanges si tôt dans le processus. Cependant, avec ce sujet étant un chat blanc et ayant beaucoup de lumière réfléchie, même dans les zones d'ombre, nous allons avoir juste un peu de blanc dans l'ombre. Donc ce que je vais faire ici est juste commencer à ajouter un peu de blanc à ces mélanges que j'ai déjà. Maintenant, vous pouvez vraiment voir que ce violet bleu est très bleu. Donc, j'ajoute à réellement ajouter un peu plus violet juste pour tonifier les bleus. Et je vais juste me donner quelques valeurs ici. Je n'ai pas besoin d'avoir une échelle de valeur complète d'un violet bleu foncé jusqu'à un violet bleu clair parce que je vais principalement utiliser cette couleur dans les zones d'ombre et non dans les zones claires. Les zones claires sont là où mes couleurs chaudes vont être. Donc mon orange et mon jaune. Donc, je n'ai vraiment besoin que d'obtenir ces mélanges violets jusqu' à peut-être une valeur moyenne ou une valeur sombre moyenne, parce que tout cela va rester dans l'ombre. Et même à ce stade où j'ajoute du blanc à ceux-ci, la peinture globale va encore paraître assez sombre. Et encore une fois, avec alla prima, l' une des choses que nous devons faire est de peindre à partir de nos valeurs les plus sombres et de travailler à la hauteur de nos valeurs les plus légères. Parce qu'une fois que nous avons une valeur de lumière, surtout si elle a du blanc dedans. Et nous trouvons qu'il faut le rendre plus sombre, ça va être très difficile. Alors que si nous avons une valeur qui semble trop sombre, il est très facile de l'alléger. Maintenant, je veux que vous remarquiez aussi qu'avec ces violences en y ajoutant du blanc, j'y ajoute aussi un peu de jaune. C' est une façon que j'empêche mes couleurs de devenir pastel ou calcaire ou délavé. Surtout parce que dans les zones plus claires du portrait, je vais avoir plus de mes couleurs chaudes. Il est vraiment important que ces derniers deviennent plus légers en valeur, ils commencent aussi à devenir un peu plus chauds. Et donc j'y suis parvenu en ajoutant un peu de mon, soit mon orange, soit mon jaune. Je prends donc un peu d'orange. Et vraiment ces couleurs vont avoir un peu de lumière en eux, sont blanches en eux. Je suis désolé. Ils vont avoir un peu plus de blanc en eux juste parce que ceux-ci représentent les zones du portrait qui sont en lumière directe. Et ces zones au début vont sembler beaucoup trop chromatiques. Mais encore une fois, j'aime utiliser la couleur vraiment chromatique dans mes peintures alla prima quand je veux que le résultat final soit un peu plus subtil, nuancé et même monochromatique. Donc, j'aimerais juste avoir cela comme un moyen de créer des vibrations subtiles de couleur. Et encore une fois, j'ajoute un peu de jaune dans ce mélange que j'ajoute plus de blanc juste pour rester en ligne avec l'échauffement à mesure que nous nous rapprochons des zones lumineuses. Et puis même avec ce jaune, même si le jaune tout seul a une jolie lumière. Valeur locale. Je vais toujours avoir un peu de cela avec plus de blanc dedans juste donc j'ai une très belle gamme de valeurs dans ces mélanges. Bon, maintenant que j'ai mélangé quelques tas, au moins pour me lancer, je vais commencer à construire plus de valeur dans la peinture. Donc j'ai déjà tous mes noirs en place. Et maintenant, je peux vraiment me concentrer sur la construction progressive de mes valeurs depuis ces valeurs sombres jusqu'aux valeurs plus légères. Mais encore une fois, je ne vais pas jusqu'à la valeur la plus légère que je vois sur la photo. Je me donne juste une belle couche de base qui est un peu sombre en valeur que ce que je veux que ma peinture finale soit. Et surtout lorsque vous peignez un portrait PET où nous avons pour l'une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour aider à créer un effet doux agréable à la pour est d'avoir une gradation très subtile et progressive des valeurs. Une chose que je remarque que beaucoup de débutants ont du mal à peindre quelque chose comme fourrure est qu'ils ont tendance à exagérer les changements de valeur dans le for. Et donc ils auront de la lumière pour ça, mais ils verront les zones qui sont plus dans l'ombre et ils exagéreront l'obscurité de ces ombres. Il est vraiment important de garder nos valeurs très subtiles et de les laisser évoluer très graduellement. Donc, je pense que l'une des choses les plus difficiles à ce sujet est quand nous commençons à construire les ombres où nous avons beaucoup de peinture foncée et ensuite nous ajoutons des valeurs qui sont encore très sombres. Nous ne voyons peut-être même pas la différence entre ces couleurs tout de suite, mais elles vont être vraiment importantes pour nous donner un beau changement progressif entre les valeurs. Donc, tant que vous faites quelque chose pour alléger vos valeurs dans les couleurs de l'ombre, vous allez obtenir un bel effet doux, surtout avec la fourrure. Et dans une certaine mesure, cela s'applique également à la peau, en particulier dans certaines conditions d'éclairage où l'éclairage est un peu plus doux. Donc ici, j'ai beaucoup de différentes piles de peinture que j'ai mélangées. Et cela ne signifie pas nécessairement que je vais utiliser tout ça. C' est juste pour me faire démarrer. Donc je retourne au pinceau que j'ai utilisé pour bloquer ce nombre brut, je n'ai même pas nettoyé le pinceau du tout. Je l'ai essuyé sur une serviette en papier. Et une chose aussi que j'aime faire pour construire beaucoup de nuance et de couleur est que je ne nettoie pas vraiment ma brosse si souvent. Le plus que je vais faire est de l'essuyer sur une serviette en papier quand il reste trop de peinture dans les poils du pinceau. Mais ça ne me dérange pas d'avoir des interactions involontaires entre les pigments parce que tous ces pigments se rassemblent de toute façon. Et parce que je peins au-dessus de cette couche rurale d'impermanence qui est encore humide. Nous allons obtenir un nombre brut dans notre peinture de toute façon, surtout dans cette première couche. Donc ici, je mets une partie de cette violette bleue à laquelle j'ai ajouté juste un peu de blanc, pour commencer à construire mes valeurs. Et c'est là que la peinture va vraiment commencer à paraître peut-être un peu drôle. Et je pense que cela peut être une étape très inconfortable du processus de peinture pour beaucoup de gens. Et il y a d'autres peintres qui peignent plus directement conscients de leurs premières applications de peintures sont plus fidèles au résultat final. Mais encore une fois, ma façon d'ajouter une couleur nuancée qui est un peu intéressante, mais difficile à réaliser en étant trop littérale, est que j'aime vraiment exagérer le chroma de ces couleurs, surtout si à la fin je veux mon portrait à l'air très subtil et en sourdine. Et c'est presque, je suppose que je pense à cela comme la peinture dans le style de brouillard ASM, où les couleurs sont juste vraiment exagérées, mais les valeurs sont assez précises. Encore une fois, mes valeurs vont être juste un peu décalées vers le côté obscur. Mais fondamentalement, les relations de valeur vont avoir du sens. Et donc la couleur est secondaire à la valeur. Et c'est vrai pour peindre n'importe quel sujet. Et il y a un adage, bien sûr, que j'aime vraiment où nous disons que la valeur fait tout le travail, couleur, obtient tout le crédit. Et c'est tellement vrai. Tant que vos valeurs sont précises, vous pouvez vraiment être très créatif et lâche avec la façon dont vous pensez à la couleur. Et aussi en ce moment je suis vraiment, vous pouvez voir ne pas laisser beaucoup d'espace pour les zones claires, mais encore une fois, est beaucoup plus facile pour moi d'ajouter de la lumière sur dessus de l'obscurité et sorte de déplacer les sombres en arrière. J' ai donc tendance à exagérer les zones sombres. Et ces pigments légers que j'applique sur les sombres créeront aussi une belle interaction. Une autre chose que je vais exagérer, c'est les rouges que je vois dans ce portrait. Donc, évidemment, ce chat a une sorte d'un beau rose connaît l'époque, il n'y a pas beaucoup de rouge ou de rose montrant dans ce portrait particulier. Et donc quand j'ai bloqué dans les oreilles. J' ai laissé cette lecture un peu plus en sourdine, mais j'ajoute aussi un peu de rouge autour des yeux. Et ce ne sera pas quelque chose qui va être vraiment évident sont sauter sur vous dans les dernières étapes de ce portrait. Mais ce que j'aime faire est exagérer certains des rouges que je vois parce que nous avons beaucoup bien sûr des blancs et le pour. Nous pouvons donc imaginer très facilement des violettes et des jaunes et des oranges dans les nuances de l'entreprise. Mais cela va ajouter beaucoup d'intérêts, en particulier autour des principales caractéristiques du chat et les caractéristiques comme les yeux, le nez, la bouche. Ils vont être calmes, nos points focaux. Et donc j'aime vraiment jouer avec le contraste là-bas. Et surtout parce que ce chat a les yeux verts et le rouge est une couleur complémentaire au vert. Avoir ce petit peu de rouge vraiment subtil montrant à travers d'une manière qui est presque imperceptible, va vraiment aider les yeux à se sentir très vibrants et vivants. Et j'ai aussi ajouté un peu plus de rouge autour de la bouche. Donc, toute zone qui a ce genre de traits du visage. Et c'est vrai de faire des portraits d'humains pour, dans les premiers stades de la peinture, quelques uns exagèrent trop les rouges que vous voyez là-bas et construisent simplement de cela. Vous allez créer une composition très vibrante où ça n'aura pas l'air effrayant. Je pense que ce serait ma première réponse à la scène de la peinture, ayant tout ce rouge sur les traits qu'il semble un peu effrayant, mais ça va devenir très subtil et donner beaucoup de vie aux portraits. Et encore une fois, c'est aussi vrai pour faire des portraits d'humains. Donc juste un petit tour de couleur là que j'aime l'employer aussi bien. Donc ici vous pouvez voir que j'arrive enfin aux zones claires où j'utilise plus de mes oranges et jaunes pour construire la valeur. Il est encore beaucoup plus sombre en valeur que la peinture finale ne l'est. Mais encore une fois, cela va être vraiment important car je commence à construire mes couches alla prima pour permettre aux couches suivantes d'interagir de manière subtile avec ces couches vraiment colorées et exagérées. Et en ajoutant plus de mes valeurs les plus légères tout au long de ce tableau, vous allez voir que même si je n'utilise jamais de blancs purs, les valeurs les plus légères que je place vont vraiment ajouter une sensation de forme et de profondeur à ces Portraits. Et aussi pour ces premières étapes de la peinture. Ne vous inquiétez pas trop de vos coups de pinceau. Je mets vraiment de la peinture sur la toile. Je ne pense pas aux coups de pinceau, mais une chose à laquelle je dois penser est de garder cette peinture assez mince pour que je puisse facilement appliquer plus de couches alla prima sur le dessus. C' est donc la considération principale. 9. Couleurs naturelles - Pt. 1: Maintenant que j'ai ma couche de base en place, et vous pouvez voir que les relations de valeur commencent à fonctionner. Maintenant, une chose que je veux mentionner est que je ne vais vraiment pas toucher les yeux du tout tant que je n'ai pas le for en place. C' est plus un choix personnel que tout ce qui a à voir avec la technique. Pour beaucoup de gens, ils veulent vraiment que ces yeux soient en place pour commencer parce que cela aide la peinture à commencer à se sentir un peu plus assemblé. Mais ça ne me dérange pas personnellement d'avoir les yeux hors de place. Et aussi je pense que certaines personnes aiment faire les yeux d'abord parce qu' elles ont peur de gâcher les yeux. S' ils ont beaucoup de peinture sur leur toile comme ils ont peur qu'ils vont mettre leurs mains dans la peinture humide qui est partout sur la toile alors qu'ils essaient de se concentrer sur les yeux et de mettre de petits détails. Donc je pense que vous pourriez aller dans les deux sens, honnêtement, je pense que vous pourriez d'abord travailler sur les yeux et ensuite construire le reste du portrait autour des yeux. Si vous êtes inquiet d'avoir une grande surface qui est humide, puis d'entrer et de faire les petits détails des yeux. Mais pour moi, je voulais vraiment avoir tout ça en place. Et j'aime faire les yeux en dernier parce que je peux vraiment affiner la forme des yeux beaucoup mieux et beaucoup plus précisément si j'ai tout le reste en place. Et je vais certainement le faire pour ce portrait parce que pour l'instant, ce que j'ai pour les yeux sur ma peinture un peu trop petit et pas tout à fait la bonne forme. Ils sont très rudes. Et donc une fois que je reçois l'endroit étranger que je me sens plus à l'aise de changer vraiment la forme des yeux pour les rendre plus précis. Alors que si j'ai travaillé sur eux au début et que je les ai vraiment vraiment gentils et puis je me rends compte plus tard qu'ils sont un peu hors. Ce serait un peu plus difficile et plus frustrant d'y retourner et de fixer les yeux plus tard. Donc, en ce moment, je commence à construire certaines des couleurs les plus subtiles et nuancées que je vais calquer au-dessus de mon calque de base. Comme je l'ai déjà dit, j'aime vraiment utiliser la couche de base pour créer des vibrations de couleur qui vont interagir très subtilement tout au long du processus de peinture. Et c'est quelque chose qui, je pense, est vraiment unique aux techniques alla prima. Et c'est un grand avantage de peindre alla prima parce que nous allons toujours avoir les premières couches de peinture interagissant avec les couches suivantes. Et donc vous pouvez vraiment jouer avec cela et avoir un peu de plaisir avec elle, créer des illusions d'optique qui pourraient être difficiles à réaliser autrement. Donc ici, je suis juste d'ajouter plus de blanc à certains de ces mélanges. J' ai dû ajouter plus de bleu et plus de lecture à ma palette. J' ai également ajouté mon compagnon vert, même si je ne vais probablement pas tout à fait se déplacer pour mélanger les couleurs pour mes yeux juste pour l'instant. Je vais commencer à construire certaines de ces couleurs plus bas ou en sourdine qui vont se calquer au-dessus de la couche de base plus vibrante. Et ce que je veux faire, c'est que je veux rester en ligne avec la structure de valeur ici. Mais commencez à superposer ces couleurs plus bas sur les couleurs vibrantes. J' ai donc un autre violet bleu, mais j'ai ajouté un peu plus de jaune dans ce violet bleu. Et donc vous pouvez voir que, alors que j'ai ajouté du blanc à ces mélanges, je reçois plus d'un joli effet gris, mais la valeur est très similaire. Ainsi, lorsque je place cette couleur au-dessus de mon calque initial, les valeurs sont cohérentes, mais je crée une couleur plus subtile. Et en général, ce sera le thème principal de cette phase de la peinture. Je suis en ligne avec les valeurs que j'ai déjà placées. Donc, les choses vont sembler peut-être un peu plus sombres qu'elles ne le feront dans les dernières étapes de la peinture. Mais j'utilise des couleurs plus sourdes et en ajoutant celles sur les couleurs plus vibrantes afin de commencer à créer certaines de ces belles alla prima humide dans les interactions humides entre ces couches. Donc, je peux avoir juste un peu de cette vibrance juste jeter un coup d'œil à travers certaines de ces couleurs plus sourdes. Et cela apporte tellement de vie et d'intérêts dans un portrait comme celui-ci qui, autrement, aurait l'air un peu délavé ou un peu gris. Et maintenant, tous ces pâturages sourds que j'ai sur ma palette, qui sont vers le bas de la palette. J' ai créé ça juste en mélangeant une belle violette bleue. Et alors que j'ai ajouté plus de blanc à ces mélanges pour créer plus de valeurs, j'ai aussi commencé à ajouter plus de jaune et d'oranges pour réchauffer ces nuances. Ainsi, les gris plus foncés sont plus frais, ce qui signifie qu'ils ont plus de bleu et violet dans le mélange. Et puis les gris plus clairs sont plus chauds, ce qui signifie qu'ils ont plus de jaune ou d'orange mélangé avec eux. Et c'est une autre façon de vous assurer que vous ne créez pas une peinture qui a l'air délavée ou craie simplement en ajoutant un peu plus de chaleur à vos mélanges plus légers, en ajoutant un jaune ou peut-être un rouge. Ou lorsque vous mélangez des valeurs plus sombres, vous pouvez avoir plus de bleus et de violettes. Et avec cela, je vais probablement devoir continuer à ajouter plus de peintures parce qu'il peut être un peu difficile juger combien vous allez avoir besoin pour chaque zone. Mais vous pouvez commencer à voir ici dans les zones d'ombre du portrait, j'ai mis beaucoup de ces pâturages en sourdine sur les violettes. La couleur est différente, mais je laisse une partie du dynamisme à regarder à travers que je commence à construire ces couleurs plus réalistes. Mais je reste cohérent avec les valeurs. Donc, je ne suis pas vraiment en train de changer ou de changer la valeur dans l'ombre beaucoup. Et comme je commence à me déplacer dans les zones du portrait qui ont plus de lumière, c'est là que je veux commencer à utiliser. Le gris sourd qui a plus de blanc dedans. Et aussi un peu plus de mes tons plus chauds, peut jaunes et oranges. Et je suis juste en train de brosser cela à ce stade de la peinture, je ne suis vraiment pas super préoccupé par mes coups de pinceau, bien que je commence à penser à la direction de la fourrure. Et donc c'est vraiment la seule chose qui guide la façon dont j'ai tracé mes coups de pinceau est juste de penser à quelle direction est la pose. Et donc j'essaie de rester cohérent avec ça. Et encore une fois, parce que je sais que j'ai plus de couches à ajouter sur la fourrure, je veux juste m'assurer que je n'applique pas cette peinture à épaisse. Je l'ajoute encore sur une autre couche de peinture humide qui est très mince. Donc, je peux aller juste un peu plus épais avec cette couche, mais cela ne prend vraiment pas beaucoup parce que l'ajout de ces autres couleurs, encore , très similaire en valeur, mais un peu différent en termes de chroma ou de saturation. Je peux vraiment faire beaucoup avec très peu de peintures dans cette étape. Et comme je l'ai déjà dit, je l'exagère trop. Certains des rouges que je vois autour des caractéristiques dans le visage de ce chat. Et je ne peux vraiment pas laisser ça tel quel et en finir avec ça. Je dois également continuer à développer ces domaines. Et c'est ce que je vais faire maintenant, mélangeant plus d'un rouge, violet, en y ajoutant du blanc. Et pour l'instant, ce que je veux obtenir est un ton rouge qui est aussi juste un peu plus sourd. Donc je vais ajouter un peu de jaune. Je vais probablement devoir changer ça un peu avant d'arriver à la couleur qui va vraiment marcher pour ça. Et la façon dont je pense à la couleur quand je mélange pour un tableau. Encore une fois, je n'essaie vraiment pas de regarder ma référence photo et de faire correspondre toutes les couleurs que je vois. J' essaie vraiment de réfléchir à la façon dont je veux que la couleur vibre et comment je veux que toutes les couleurs du portrait se rapportent les unes aux autres. J' aime donc penser à la couleur en termes de relations plutôt que d'absolus. Tu sais, c'est la bonne couleur qui correspond à la photo et c'est la mauvaise couleur. Donc, tant que j'ai la valeur relative assez précise, je ne peux vraiment pas trop m'inquiéter de ma couleur. Et encore une fois, je suis un schéma de couleurs très général ici où en particulier dans le for, j'utilise ce schéma de couleurs complémentaires divisé entre le violent dans le jaune et les oranges. Et puis dans les zones qui ont un peu plus rouge, je peux vraiment exagérer ces tant que je reste assez cohérent avec les plages de valeurs. Et alors que j'ajoute plus de couleurs précises pour ces zones, juste un peu de ce rouge va apparaître à travers et cela va juste ajouter un très beau sentiment de vibrance et de gagne-pain aux portraits. Donc, vous pouvez voir que c'est juste un rouge très subtil, tamisé, sourd. Il y a un peu de rouge là-dedans. Le mélange s'incline un peu vers la lecture, mais j'ai beaucoup de blanc là-dedans. J' ai aussi ajouté un peu de jaune et quand j'ai commencé ce mélange, c'était plutôt un violet rouge. Donc il y a aussi juste un peu de bleu là-dedans aussi. Et c'est là que je vais commencer à regarder le portrait et voir certains endroits que je peux interpréter comme étant un peu rouge. Donc tout ce qui est proche d'autres zones rouges fonctionnera. Et puis je cherche des opportunités pour pousser cette couleur là-dedans. Encore une fois à la fin, ça va juste se montrer d'une manière très agréable et subtile. J' ai ajouté un peu de rose dans l'oreille et c'est juste beaucoup trop. Donc ce que je vais faire, c'est juste essuyer mon pinceau dans mon essuie-tout et puis il a juste choisi un peu de ces renforts parce que c'était juste un peu trop pour cette zone. On y va. D' accord. 10. Couleurs naturelles - Pt. 2: Et maintenant, je veux continuer à travailler pour développer la coloration autour des traits faciaux de ce portrait. Ce que je vais faire, c'est que je vais recycler certaines de ces piles. Alors j'ai pris ces mélanges rouges, les ai tous poussés dans une pile, et ensuite je peux travailler à partir de ça. C' est donc un bon point de départ. Je n'aime vraiment pas laisser la peinture se gâcher. Et donc si je passe à une autre étape de la peinture et que j'ai encore beaucoup de peinture sur ma palette, quelques mélanges précédents, des mélanges. Je vais essentiellement essayer de trouver un moyen de les réutiliser. Et encore une fois, c'est juste comme ça que je pense personnellement à la couleur en termes de juste sa température et sa valeur. Et je n'essaie pas vraiment de m'inquiéter trop d'avoir une couleur précise tant que la valeur est correcte et qu'elle se penche dans la bonne direction couleur sage, alors c'est une façon vraiment amusante et relaxante de peindre. Et je vous encourage vraiment à essayer parce que je pense que nous avons tendance à être un peu littéral quand il s'agit de mélanger les couleurs. Et donc je vous encourage vraiment à aborder la couleur avec un état d'esprit d'expérimentation. Et si vous avez l'impression que vous êtes aux prises avec la couleur, je vous encourage certainement à suivre un cours de théorie des couleurs ici sur le partage des compétences. Et j'ai en fait plusieurs cours sur la couleur qui se concentrent sur des choses comme la température, en utilisant une palette limitée et juste être un peu plus subjectif dans la façon dont vous pensez couleur afin que vous n'ayez pas à vous inquiéter à ce sujet donc beaucoup. Donc ici, je mélange de beaux roses presque pastel. Et encore une fois, en ajoutant du blanc dans ces mélanges et en augmentant la valeur, j'ajoute un peu de jaune à chaque fois, juste pour qu'il ne finisse j'ajoute un peu de jaune à chaque fois, pas par avoir l'air délavé. Et maintenant, je peux vraiment commencer à penser à construire la nuance et les zones plus légères du chat. Là encore, je pense que les ombres sont un peu cool de Violet. Et je pense que les zones claires sont un jaune chaud ou orange. Et donc nous avons non seulement un contraste en termes de valeur absolue de nos mélanges, mais nous avons aussi un beau contraste dans notre schéma de couleurs complémentaires split. Et jusqu'à présent, j'utilisais vraiment le même pinceau que j'utilisais même pour mon bloc initial et ce que j'utilisais pour tonifier ma toile, qui était un joli soies, un pinceau plat. Mais maintenant je vais passer à un pinceau qui a encore assez grossier Bruxelles, mais c'est un joli pinceau Filburn long. Cela va m'aider à commencer à construire plus de douceur et le pour, et il me permettra de couche, pourrait peindre beaucoup plus facilement. Je trouve ça si je peins. La technique alla prima où je superpose de la peinture humide sur ce qui peint. La brosse que j'utilise va vraiment être décidée par la phase de la peinture dans laquelle je suis. Alors que je passe à travers le processus de peinture, je veux que mes pinceaux deviennent progressivement plus doux au fur et à mesure que je vais. Donc, même si les poils de cette brosse sont toujours bien sûr, ils sont en fait le même genre de poils qu'avec cette brosse plate initiale à poils plats. Les poils eux-mêmes sont plus longs, puis la forme de la brosse est plus ronde. Et donc cela aide à créer un peu plus de douceur dans l'application des peintures. Puis j'ai pu obtenir avec ce pinceau à poils plats. Et donc ici vous pouvez voir que je peux commencer à ajouter très doucement certaines de ces valeurs plus légères, ces belles valeurs de lumière, chaudes sur le dessus de la déjà ce qui peint. Et en suivant ce que j'ai dit auparavant, je ne fais vraiment pas beaucoup de nettoyage de ma brosse pendant le processus de peinture. Maintenant, l'exception à cela, et vous verrez cela un peu plus tard dans cette démonstration, est si je dois retourner dans une zone qui est très sombre et de valeur, mais j'ai déjà utilisé la brosse pour appliquer des mélanges avec du blanc. C' est la seule fois pendant le processus de peinture que je nettoie soigneusement les poils de mon pinceau afin de continuer à peindre. Parce que, encore une fois, dans alla prima painting, blanc est quelque chose que nous voulons garder complètement hors de nos zones les plus sombres parce qu'il est très contaminant et qu'il est très difficile de s'en débarrasser une fois qu'il est là. Donc, si je peins et que je travaille sur une zone vraiment sombre, et donc j'ai beaucoup de peintures sombres dans mes poils, mais je dois passer dans une zone plus claire. Tout ce que j'ai vraiment besoin de faire, c'est d'essuyer cette brosse si elle a beaucoup de peintures en excès. Et puis je peux facilement passer mes valeurs plus légères qui ont un Mixin blanc pour eux. Mais ce n'est pas vrai d'aller dans l'autre sens. Donc encore une fois, si je travaille sur une zone lumineuse comme je le suis en ce moment, mais soudain je me rends compte qu'il y a quelque chose que j'ai négligé dans l'une des zones les plus sombres de la peinture. Je dois vraiment laver cette brosse ou utiliser une brosse complètement différente. Parce que même s'il y a juste la plus petite quantité de blanc sur votre Bruxelles va contaminer vos valeurs les plus sombres. Et ici, vous pouvez voir que je fais un peu de mélange à la volée. J' ai commencé à incorporer un peu de remixage dans mon processus de peinture. Mais je n'ai pas l'impression de devoir rester avec ces piles pré-mélangées ? Si j'ai besoin de les déplacer d'une façon ou d'une autre, je le ferai librement pendant que j'irai. Et je commence à penser beaucoup plus la direction que le for pose sur le Katz. Et je déplace ma brosse en coordination avec la façon dont je perçois le pour être Leng parce que cela ajoute un peu plus d' une texture réaliste et cela donne aussi un peu plus de sens de la forme. En plus d'avoir vos valeurs précises. Et je vais accélérer un peu cette partie du processus de peinture. Je veux que vous puissiez voir ce que je fais dans l'ensemble. Et je pense que quand vous regardez ça en temps réel, n'est pas très évident certains des changements que je fais, mais vraiment l'essence générale de ce que je fais ici est que je ramollit les choses. Souvent, quand j'ai mon pinceau contre la toile, contre la peinture, je n'applique pas beaucoup plus de peintures autant que je ramollit quelques zones, surtout autour des bords du visage du chat. Ainsi, le visage du chat rencontre l'espace négatif ou l'arrière-plan. J' essaie d'utiliser les poils de ma brosse juste pour ramollir ces zones sorte que je n'ai pas un bord si dur entre les chats et le fond. Et je pense que c'est vraiment important quand on peint quelque chose comme pour garder tout doux. Nous n'avons pas besoin d'avoir une ligne de contour séparant notre arrière-plan de la pour nos chats ici. Encore une fois, vous ne voyez pas beaucoup d'énormes changements ici. Il s'agit surtout d'adoucir les choses et s' assurer que celles-ci commencent à fonctionner. Encore une fois, je ne vais pas bien sur mélange. Je ne veux pas que tout soit parfaitement lisse et transition. Je veux maintenir un certain sens de la texture là où cela compte vraiment. Et les zones que je veux vraiment maintenir un bon sens de la texture vont principalement être dans les zones recevant plus de lumières. Maintenant, je l'ai ralenti parce que cette partie je pense est assez importante à comprendre. C' est à ce stade la valeur la plus légère que j'ai appliquée à ce portrait. Et cela va aider ce portrait à vraiment l'impression qu'il commence à se réunir et commence à sentir qu'il y a un beau sens de la forme créé par ce contraste de cette valeur la plus légère entre tous les d'autres valeurs que nous construisons en plus. Donc j'utilise toujours la même brosse qui a de longs poils. Et c'est la brosse en forme de Hilbert. En utilisant cela juste pour commencer à appliquer cette valeur la plus légère, qui ne sera pas encore proche des blancs droits. C' est plutôt un jaune sourd, je dirais. Bien qu'il soit un peu difficile de décrire cette couleur parce qu'elle est assez légère en valeur. Je peux voir des notes de rouge et de jaune là-dedans. Donc je suppose qu'en fin de compte, c'est juste une belle orange en sourdine. Et encore une fois, je ne suis pas inquiet du fait que la forme de l'œil n'est pas tout à fait là. Parce que pour moi c'est quelque chose que je peux facilement corriger quand j'arrive au point de ce portrait quand je regarde les yeux. Et encore une fois, je préférerais avoir tout mon sapin en place et pouvoir ensuite prendre ce temps supplémentaire. Les carottes sont vraiment concentrées sur l'œil. La forme et les couleurs de l'œil que de passer beaucoup de temps à travailler sur les yeux seulement pour réaliser plus tard que peut-être mon sapin est une sorte d'empiéter dans cette zone. Et donc les yeux ont besoin de changer de forme ou ils ont besoin d'être plus grands ou plus petits ou vraiment n'importe quoi. Je pense que ces caractéristiques sont un peu plus faciles à juger non seulement, mais aussi à corriger plus tard dans l'étape de la peinture. Et je dois être très prudent dans ce domaine parce que, bien sûr, j'ai quelques peintures blanches sur mon Bruxelles. Je dois donc faire attention à ne pas aller dans les zones d'ombre les plus sombres. Mais une chose que je dois faire est de créer une transition plus naturelle de valeur dans ce domaine où la lumière et la forme d'ombre se rencontrent. Parce que encore une fois, c'est un animal et est couvert pour le pour est très doux. Donc, je ne veux pas de grands changements entre les valeurs sauf où ça compte vraiment, qui est juste dans les yeux, le nez et la bouche. Et puis je superpose la moindre valeur ici à la zone de l'épaule du chat aussi pour faire ressortir la lumière. Et je pense qu'à ce stade, vous pouvez vraiment voir une transition très importante se dérouler où nous créons vraiment ce beau sens de la forme ici. Et ça n'a plus l'air si effrayant. Il peut encore être un peu dérangeant de regarder juste parce que les yeux ne sont pas finis. Mais je pense que vous pouvez vraiment commencer à voir ce chat commencer à jeter un oeil à travers ces couches de base sur lesquelles nous construisons. Et à ce stade, je pense que vous pouvez vraiment commencer à apprécier l'importance de ces couches de base et créer une très belle sensation de vibration des couleurs dans un portrait comme celui-ci où nous avons un sujet qui peut être à première vue semble un peu monochromatique et pas très intéressant en termes de couleur, mais en ajoutant ces couches de couleur vraiment vibrantes, puis en construisant la couleur nuancée plus subtile sur le dessus, nous obtenons ces très belles subtiles qui donnent juste un très beau sens de la couleur nuancée au portrait. Et je pense aussi que c'est juste une façon plus amusante de penser à la couleur. Donc ici, je continue juste à ajouter certaines de ces valeurs plus légères. Et encore une fois, mes coups de pinceau ont vraiment plus à voir avec la direction de l'entreprise que toute autre chose. Donc, je ne vais certainement pas à aucun moment être peindre des poils individuels sur ces chats. Mais nous allons toujours avoir une très belle illusion de réel pour juste en déplaçant notre pinceau dans la direction que nous pouvons voir que le but est de mentir. Et donc c'est là que vous voulez vraiment commencer à analyser votre référence photo un peu plus afin que vous puissiez rester fidèle à cette directionnalité de la fourrure parce que cela aide vraiment la texture globale sans jamais à tout moment aller dans trop de détails ou en utilisant un petit pinceau minuscule pour essayer de peindre des poils individuels. Et nous allons vraiment utiliser la même technique pour ajouter les moustaches à la fin. Donc je pense que c'est bien juste de commencer à penser à la direction. Et pas tellement tous les petits détails que vous pouvez choisir à partir de votre téléphone ou de votre référence. 11. Affinement de la forme et des formes - Pt. 1: Très bien, donc ce portrait arrive vraiment et j'espère que vous pouvez commencer à voir qu'il y a une méthode derrière la folie de ces couches initiales qui sont trop brillantes pour sombres, trop bizarres. Mais maintenant, vous pouvez commencer à voir tout travailler ensemble et interagir d'une manière très subtile. Maintenant, j'ai encore changé les brosses. C' est aussi un pinceau Philbrick. Et à ce stade, je dirais que la forme de la brosse est moins importante que la texture des poils. C' est donc une belle brosse synthétique avec des poils très doux et flexibles. Donc, qu'il s'agisse d'une forme Hilbert ou d'une forme plate, ça n'a vraiment pas d'importance. Ce que je fais principalement ici est juste une sorte d' entrer et d'être un peu analytique sur la texture, au moins au départ juste ici. Et encore une fois, je veux adoucir ce bord entre l'arrière-plan et le contour du chat, parce que je ne veux vraiment pas un contour pointu ici. Mais en même temps, il n'y aura vraiment pas la même gradation graduelle entre les valeurs que nous voyons ailleurs sur le chat dans le soft car il y a plus d'un contraste brutal là-bas. Je ne veux pas que ça se sente trop dur ou trop dur. Donc, au début, j'ai utilisé un pinceau sans peinture pour essayer de ramollir ce bord. Et puis j'ai ajouté une partie du mélange sombre de ce violet bleu Juste pour ajouter un peu plus de peinture épaisse à l'arrière-plan pour qu'il ne soit pas aussi transparent qu'avant. Et puis je peux aussi retourner dans la zone de l'ombre. Et une chose délicate à ce sujet , c' est le fait qu'il y a du blanc dans l'ombre maintenant. Donc, je ne vais pas être en mesure d'obtenir une valeur aussi sombre que j'ai pu obtenir en arrière-plan. C' était vraiment important pour moi de faire le fond d'abord parce que je ne voulais pas de blanc en arrière-plan. Donc maintenant je peux me sentir libre de me déplacer dans les zones d'ombre et ajouter un peu plus de peintures sombres. Et ils n'ont pas à s'inquiéter du fait qu'il ne sera pas capable d'être presque aussi sombre que l'arrière-plan, parce que c'est en fait sur les chats blancs. Et je vais passer un peu de temps à vraiment affiner la zone buccale. C' est un domaine où je veux vraiment un bon sens de la forme. Et donc, en expérimentant la valeur dans ce domaine, j'ai tendance à faire un peu d'aller-retour. Donc c'est un domaine sur lequel je vais être un peu plus ennuyeux alors que j'ai essayé d'expérimenter avec ce juste équilibre entre les sombres et les lumières. Et puis je veux aussi vraiment adoucir la fourrure autour du visage de sorte que j'ai un joli décalage doux et subtil entre la forme du visage qui est plus dans les lumières, puis la zone du cou qui est plus dans l'ombre. Et là encore, vous pouvez voir que je ne recharge pas très souvent mon pinceau avec plus de peintures autant que je me déplace autour de la peinture qui est déjà sur la toile. C' est un autre avantage de la peinture, alla prima. Est-ce que beaucoup de fois vous aurez déjà assez de peinture sur votre toile. Et pendant qu'il est mouillé, vous pouvez simplement utiliser votre pinceau pour la manipuler et la déplacer un peu. Encore une fois, je ne fais pas vraiment grand-chose dans la manière d'un mélange très raffiné. Ce n'est pas vraiment mon style personnel. J' aime vraiment avoir beaucoup de coups de pinceau visibles à la fin de la peinture, j'aime ajouter un peu d'impasto, ce qui signifie essentiellement que j'ajoute beaucoup de belle peinture épaisse pour donner un peu de texture. Et j'aime particulièrement le faire dans les zones qui reçoivent plus de lumières. Mais je sais que certaines personnes apprécient vraiment le processus de mélange des peintures ensemble et de créer des transitions vraiment agréables, douces et douces. La seule chose que je dirais à ce sujet est que parce que c'est tellement agréable et presque hypnotisant qu'il est vraiment facile d'en faire trop et d'enlever une partie de la texture que vous pourriez réellement avoir besoin pour créer un sens plus réaliste dans vos peintures. Alors soyez au courant. Vous pourriez être une personne qui aime vraiment mélanger, surtout avec des peintures à l'huile. Je sais que certains étudiants m'ont dit qu'ils ont surtout choisi de se concentrer sur les peintures à l'huile parce qu'ils aiment tellement mélanger. Et c'est si facile à mélanger avec de la peinture à l'huile car elle reste malléable pendant si longtemps. Donc, si vous êtes l'une de ces personnes et vous savez, si vous l'êtes ou non, je dirais juste d'être prudent de combien vous mélangez et de ne pas vous laisser un peu donner dans le plaisir de faire réellement le mélange à le fait qu'il sacrifie un sens de la texture dans votre peinture. Et n'ayez pas peur de laisser des coups de pinceau très gentils, audacieux et fous que quand on les regarde de près, ils ont l'air un peu bizarres. Mais comme je le dis dans la plupart de mes cours, il est vraiment important de prendre un pas en arrière ou à dix pieds en arrière de votre peinture et de la regarder de loin et de regarder comment elle se combine. Parce que quand nous avons le nez contre la peinture et que nous sommes en pleine crise. Il peut être facile de voir tout comme une imperfection ou une erreur ou quelque chose qui ne va pas comme vous l'aviez prévu. Il est donc très important de prendre du recul et de voir la grande image ou même de faire une pause complète de peinture si vous commencez à vous sentir frustré parce que le processus devrait être agréable pour vous tout au long du processus. Et quand je dis agréable, c'est à dire, essentiellement dire que vous êtes à un moment où vous avez mis dans la pratique et vous savez que le processus va se réunir et vous pouvez en quelque sorte de confiance dans ce processus et ne pas vous inquiéter sur chaque petit coup que vous faites pendant le processus. Parce que dans la peinture, il s'agit vraiment de construire quelque chose. Et j'aime souvent le comparer à la construction d'une maison. Lorsque nous commençons à construire une maison et que nous posons les fondations, cela ne ressemble pas à la maison finale, et pourtant il est extrêmement important pour la structure de la maison d'avoir une belle fondation solide. Je pense donc à ces couches de base initiales, au bloc et ensuite à cette initiale. Couche de couleur, que ce soit, vous savez, exagérer vers être à vibrer ou exagéré pour être trop sourd. C' est vraiment les os de votre peinture que vous construisez. Et donc faites confiance à ce processus et ne vous inquiétez pas du fait que cela ne semble pas tout à fait correct au début. Parce que lorsque vous commencez à construire les couches de votre peinture, vous allez voir qu'elle se réunit. C' est un peu comme un puzzle ou une recette, ou comme je l'ai déjà dit, une maison où les premières étapes ne sont pas nécessairement indication évidente du résultat final. Donc maintenant je commence à ajouter un peu plus de ces valeurs de lumière. Et avec la brosse plus douce, je peux créer un peu plus d'une texture douce, surtout dans les zones du corps. Je voudrais peut-être garder plus de texture dans le visage parce que tout d'abord, il y a plus de forme dans le visage. Nous avons le nez, nous avons les yeux, nous avons la bouche. Il y a juste beaucoup plus de forme que nous voulons créer un bon sens tridimensionnel. Et donc nous pouvons peut-être jouer le reste qui est un peu moins important, moins du point focal et le rendre un peu plus lisse juste pour qu'il ne devienne pas accidentellement un point focal en ayant trop de texture. Donc, nous pouvons même exagérer certaines des textures que nous voyons dans le visage et ensuite vraiment tonifier certaines des textures ailleurs pour que cela ne devienne pas trop distrayant. Et c'est juste vraiment important en termes de développement d' un point focal agréable et de ne pas avoir toute votre peinture points focaux BIA. Une chose qui m'a pris beaucoup de temps à vraiment comprendre, et certaines des critiques que j'ai eues à propos mes peintures quand j'ai commencé, c'est que les gens disaient qu'il n'y avait nulle part où leurs yeux se reposent. et je ne pouvais vraiment pas envelopper ma tête autour de ce que cela signifiait. Et je pense que parfois l'une des choses les plus difficiles à apprendre à peindre est que les artistes ont tendance à parler dans des termes comme ça, où c'est un peu poétique, un endroit où les yeux se reposent. Qu' est-ce que ça veut dire ? Eh bien, fondamentalement ce que cela signifie, c'est qu'en plus d'avoir un point focal vraiment sympa où peut-être nous avons des bords plus durs. Peut-être qu'il se sent un peu plus CRISPR, un peu plus dynamique. Nous devons avoir un équilibre entre cela et d'autres zones de la peinture qui sont beaucoup plus douces, plus mutées, un peu plus modérées et subtiles. Donc, c'est essentiellement ce que signifie ce terme avoir des zones dans la peinture où les yeux peuvent se reposer pour que les yeux du spectateur ne se contentent pas de fléchir tout autour du tableau parce qu'il y a tellement d'informations là-dedans, il y a tellement de texture, il y a tellement de couleurs vives. Je pense donc qu'une façon d'y parvenir est de pouvoir comprendre ce qu'est votre point focal. Et puis dans d'autres domaines de la peinture, faites un effort intentionnel pour rendre ces zones un peu plus douces, plus douces et moins occupées. Et donc une façon d'y parvenir est d'avoir une texture plus douce. Une autre façon serait d'avoir moins de contraste entre vos valeurs ou moins de chroma dans votre couleur. Fondamentalement, vous voulez juste rendre certaines zones de votre peinture un peu moins visuellement intéressantes afin que plus de l'attention des spectateurs puisse être dirigée vers vos points focaux. Une autre chose que je tiens à souligner ici est que lorsque je construis mes valeurs de l'obscurité à la lumière, je couvre de moins en moins la surface à mesure que je passe à mes valeurs plus légères. Cela m'aide à obtenir une très belle gradation entre les valeurs que je construis de l'obscurité à la lumière. Ainsi, vous pouvez voir que les zones que j'applique, les deux valeurs les plus légères, sont de plus en plus petites si ces valeurs de lumière viennent de couvrir toutes les autres valeurs en place au cours des couches précédentes, alors nous aurions une peinture qui ressemblait à des appartements. Et cela aide avec ces effets tridimensionnels. 12. Affinement de la forme et des formes - Pt. 2: Je vais maintenant changer de pinceaux une fois de plus, je vais toujours utiliser une brosse qui a des poils très doux, mais celui-ci est juste un peu plus petit, est une forme plate. Et encore une fois, la forme est moins importante que la texture des poils et la taille de la brosse. Et je commence ici juste à faire un peu plus ramollir quelques domaines. Donc, en fait, je n'ai pas de peinture du tout sur ce pinceau en ce moment. Je cherche juste des zones qui sont peut-être un peu trop dures en ce moment, qui doivent être adoucies juste un peu. Et maintenant, je prends juste un peu de peinture. Je vais passer du temps à travailler juste ici autour de la bouche de ce chat parce que c'est un domaine que je veux vraiment apporter beaucoup de forme. Et ça peut être un peu délicat. Et une chose que je connais avec laquelle je suis confronté dans ce tableau est juste la texture de cette zone où les moustaches sortent. Et si vous regardez de près la photo, qui d'ailleurs, les références photo pour ce cours seront toutes dans la section projet du cours afin que vous puissiez y accéder. Et vous ne serez pas limité à cette petite photo que j'ai dans le coin. Mais si vous regardez de près, vous pouvez voir qu'il y a un joli motif de marques où les moustaches sortent des chats. Et je me bats un peu avec la façon dont je veux être détaillée avec ça. En fin de compte, je vais décider de ne pas mettre beaucoup l'accent sur cela du tout. Et quand je placerai les moustaches, ce qui sera la dernière chose que je ferai dans ce tableau. Alors cette région se réunira tout seul. ce moment, je pense juste un peu trop à ces petites marques. Et maintenant, j'essaie aussi d'ajouter un peu de cette valeur lumineuse, encore une fois à cette zone du visage qui reçoit juste un peu plus de lumières, mais en essayant de la garder très douce. Je ne veux pas de grands changements de valeur dans ce domaine parce que cette partie du visage est assez arrondie. Je pense que cela aide vraiment quand on travaille sur n'importe quel portrait, qu'il s'agisse d'un portrait d'animal ou d'un portrait humain, essayer de se séparer mentalement du sujet. Et ce que je veux dire par là, c'est qu'il peut être très utile d'arrêter de penser à ce que vous peignez comme un visage littéral et de le considérer comme des modèles de valeur. Et c'est ce qui va vous aider à créer un beau sens de la forme dans un visage sans le faire paraître trop dur. Un grand défi que la plupart d'entre nous ont, c'est que nous avons tendance à interpréter la valeur à laquelle je suis confronté comme des lignes. Donc, nous voyons une valeur sombre sur une phase qui est peut-être une ombre coulée. Par exemple, cette forme, qui forme la crête du nez. Quand une tête fait face aux trois quarts de vue, vous obtenez un peu d'ombre. Et nous avons tendance à interpréter cela comme une ligne parce que beaucoup d'entre nous ont grandi en dessinant et en pensant beaucoup en termes de marquages linéaires. Mais dans la peinture, il est important de voir les choses comme la forme et la valeur. Donc une grande chose dont nous devons nous méfier, c'est que nous ne faisons pas trop avec nos valeurs où ces formes entrent en jeu. Ces valeurs ont tendance à être en fait beaucoup plus légères et beaucoup plus subtiles que ce que nous les interpréterions comme étant une ligne ou un contour. Un autre bon exemple de ce que je veux dire par là est la zone autour des yeux qui crée ce contour de l'œil. Nous avons tendance à interpréter l'œil comme ayant presque un contour à lui. Mais si vous regardez vraiment de près un œil, vous pouvez voir que les paupières surplombent le je suis, il y a juste une très belle forme. Et donc ce que nous interprétons comme une ligne est en fait une ombre de forme entre le couvercle de l'œil et le globe oculaire. Et aussi quand il s'agit des yeux, et vous verrez effectivement cela si vous regardez les yeux en ce moment, même si je ne l'ai pas fait beaucoup pour eux, depuis que j'ai fait la sous-peinture ou la couche rurale d'impermanence, j'ai déjà mis dans un beau motif d'ombre et de lumière dans les deux yeux. Donc, où sont la paupière supérieure pend au-dessus de l'œil, il jette une ombre sur le globe oculaire. Et donc presque toujours dans la plupart des circonstances d'éclairage que nous rencontrons, il va y avoir un subtil jette une ombre sur la partie supérieure du globe oculaire. Et puis toute la zone de la paupière autour de l'œil crée beaucoup de contraste qui peut être facilement confondu comme une ligne. Mais nous devons vraiment commencer à penser à ces zones comme des formes de valeur plutôt que des lignes. Et cela nous aidera à créer un sens plus agréable et plus réaliste de la forme que la façon de peindre. C' est une autre grande raison pour laquelle tu ne me vois pas souvent utiliser n'importe quel crayon pour dessiner dans ma peinture. Même quand je commence parce que j'aime commencer à penser à la peinture. Et je pense que la peinture est quelque chose de très différent du dessin. Alors que le dessin nous utilisons beaucoup de lignes et nous interprétons les contours. Quand on peint, on devrait vraiment penser plus à la forme. Et le grand avantage d'utiliser des pinceaux et surtout d'utiliser des pinceaux plus gros, c'est que nous n'allons pas peindre des lignes. Nous peignons toujours une forme parce que les pinceaux sont plus à l'étranger qu'un crayon. Et je commence à penser à la peinture même quand je fais des croquis. Donc, même si j'esquisse avec un crayon ou un stylo, la raison pour laquelle j'esquisse en griffonnant des valeurs est parce que cela m'aide à entrer dans l'esprit de penser à des formes de valeur plutôt qu'à des lignes. Et donc je pense que c'est vraiment bon si vous voulez vraiment commencer à penser comme un peintre, commencer à penser à des formes au lieu de lignes, et commencer à remarquer ces changements de valeur subtils. Une grande partie de la pratique qui va dans la peinture, bien sûr, est de mettre dans votre kilométrage de brosse. Mais vous pouvez vraiment faire beaucoup de travail mental même quand vous ne peignez pas physiquement, juste en prenant le temps de remarquer comment la forme dans le monde réel est créée. C' est toujours un motif de lumière et d'ombre. Ainsi, plus vous commencez à remarquer que dans votre environnement quotidien, plus il sera facile d'interpréter cela lorsque vous peignez. Donc vous pouvez voir ici que je suis de retour à travailler à la forme de cette bouche. C' est un peu délicat ici parce que le coin de la bouche qui s' enroule sur le côté gauche est beaucoup plus sombre en valeur, puis la partie inférieure. Donc, ce que je dois faire est d'avoir un changement de valeur très subtil leur maintenant c'est juste un peu trop de contraste. Et donc j'ai vraiment besoin d'adoucir ça. Et oui, je me souviens quand je peignais ça, j'étais vraiment aux prises avec ça parce que, encore une fois, c'est vraiment facile de penser à ces formes en termes d'être Lanier. Donc, je pense que c'est quelque chose que vous devez constamment vous rappeler et être conscient de cela. Parce que nous avons tendance à mettre plus de contraste dans des domaines comme celui-là alors existent réellement. Donc en ce moment, je contrebalançais ça en ajoutant plus de valeur sombre au coin de la bouche. Mais ce que j'ai vraiment besoin de faire est juste d'adoucir la valeur en dessous. Et je comprendrai ça dans quelques minutes. Lorsque vous êtes en train de peindre, vous ne savez pas toujours exactement la bonne étape suivante. Et donc souvent, vous vous retrouverez un peu d'aller-retour, bien sûr, nous ne voulons pas trop faire ça, surtout quand nous peignons avec une technique alla prima parce que nous pouvons avoir tendance à bousiller nos couleurs. Mais un petit peu d'aller-retour est quelque chose qui va se produire. C' est pourquoi il est vraiment bon d'être conscient de la quantité de peinture que vous appliquez. Parce que si j'avais une application très épaisse de peintures à ce stade du processus de peinture, alors il serait très difficile d'ajuster ces zones d'avant en arrière. Donc maintenant, j'ajoute juste un peu plus de valeur ici afin d'aider à créer ce formulaire. Et c'est une partie de la peinture où je ne fais pas attention à la couleur du tout. Encore une fois, bien sûr, cela aide que les mélanges que j'ai sur ma palette en ce moment sont déjà assez muets. Et donc je ne mets rien de trop fou en termes de couleur dans le portrait à ce stade. Mais si j'ai besoin d'avoir une valeur plus foncée, je vais juste m'emparer de cette pile bleue violette que j'ai là en bas. Et si j'ai besoin de l'alléger, alors je vais juste ajouter du blanc ou du jaune. Donc pour l'instant, je ne pense pas beaucoup à la couleur. Tout est question de valeur dans ce domaine. Et maintenant, je commence enfin à comprendre qu' une partie de cela a juste besoin d'être adoucie un peu. J' ai besoin d'un peu moins de contraste que ce que j'ai moment pour que cette forme puisse se réunir. Et maintenant, je vais passer du temps à adoucir certaines des zones plus légères sur le visage. Et je vais aussi remarquer ici qu' il y avait juste un peu trop de contraste de valeur. Et donc je vais ajouter un peu plus d'une valeur de lumière en plus de cela. Et vous pouvez le voir même si j'utilise une valeur très légère de ma palette parce que je la place sur une peinture humide qui était un peu plus sombre en valeur. J' ai encore un peu de valeur, une différenciation différente entre ces zones, donc ce n'est pas complètement plat. Et encore une fois, c'est juste un autre énorme avantage d'une technique ala prima parce que je pourrais appliquer la même couleur pour ma palette à deux zones différentes. Mais en fonction de ce qui se trouve sous ces deux zones en termes de ce que les peintures, ils pourraient se révéler très différents les uns des autres. Parce que ces couches vont toujours se mêler et se toucher les unes les autres. Et maintenant, je ramollit quelques autres domaines. Encore une fois, je regarde la direction de la fourrure et je manipule la peinture humide qui est déjà sur la peinture pour refléter cette directionnalité de l'entreprise. Et aussi commencer à penser aussi à la structure osseuse, surtout dans le visage du chat parce que cela va vraiment avoir un impact là où mes valeurs les plus légères tombent. Donc pas de changements énormes ici, juste un peu adoucir les choses et faire quelques petits raffinements. 13. Affinement de la forme et des formes - Pt. 3: Et maintenant, je dois faire quelques changements et des raffinements finaux au sein du for. Et puis nous aurons fini avec le for et nous pourrons passer aux yeux, puis aux moustaches. Donc, une chose que j'ai réalisé en comparant ma peinture à cette étape à ma référence photo, j'ai réalisé que j'avais aplati à certaines zones derrière le visage du chat dans la région du cou. Il faut que je ramène certaines de ces ombres. Et cela, bien sûr, n'est pas idéal, mais vous savez, toutes les situations ne sont pas idéales. Et essayez comme nous pourrions parfois nous finissons par aller un peu par-dessus bord avec nos lumières et nous devons ramener certains de nos sombres. Heureusement, je n'ai pas beaucoup de peinture épaisse dans ce domaine et j'essaie de garder mes zones d'ombre un peu plus minces en termes d'application de peinture. Et puis j'ajoute plus d'accumulation dans les zones les plus légères de ma peinture. Donc, même s'il y a un peu de blanc ici dans la zone d'ombre, il est assez facile d'entrer avec un peu d'obscurité et d'ajouter un peu de définition dans ces ombres de formes, nous ne serons certainement pas en mesure d'obtenir une valeur vraiment sombre, mais heureusement, nous n'avons vraiment pas besoin de le faire. Nous avons juste besoin de ramener certaines de ces ombres de forme pour donner un peu plus de définition à cette partie des chats. Et parce que nous avons déjà du blanc dans ces zones d'ombre, je n'ai pas vraiment besoin de m'inquiéter de mélanger cela pour être des valeurs particulières parce que je peux juste mélanger une valeur sombre et quand je la place sur une partie de cette peinture humide qui a blanc dedans. Il va automatiquement déplacer la valeur un peu plus sombre, mais il ne va pas aller jusqu'à l'obscurité. Il va se combiner avec ces valeurs plus légères pour obtenir quelque chose au milieu. Et maintenant je travaille un peu plus sur ce museau. Et je serai en mesure d'obtenir ça gentil et adouci ici. Donc je trouve que j'ai besoin d'un peu de valeur plus sombre vers le bas du museau, plus près de l'ouverture de la bouche. Et puis je peux aussi ajouter un peu plus de définition à la partie centrale de la bouche et non à la partie inférieure du museau. Et ça va aider à adoucir cette zone juste en contraste avec ces zones plus sombres. Donc ici, je viens avec juste un peu plus d'une valeur d'ombre qui n'est pas trop sombre. C' est un beau changement de valeur entre les parties plus légères du museau et ensuite les parties de la bouche qui se plient et obtiennent un peu plus de cette forme d'ombre. Et maintenant je vais dans assez hardiment avec cette valeur sombre juste dans quelques zones sélectionnées. Donc, à l'intérieur de la narine là où nous avons un creux plus profond, j'ai ajouté juste un peu et puis juste une petite nuance au coin de la bouche qui est curling vers le haut. Et maintenant, j'ajoute juste un peu de valeur plus foncée dans l'arrière-plan. Et une partie de cela est d'ajouter un peu plus de profondeur à l'arrière-plan. Et puis une partie de celui-ci est également juste pour aider à déplacer la forme du chat. Et vous pouvez voir graduellement au cours de ce tableau, j'ai apporté quelques corrections à la première sous peinture que j'ai faite là où une partie de mon bloc n'était pas complètement exacte. Mais encore une fois, une chose que j'aime vraiment dans la peinture est que vous pouvez vraiment changer les choses en avant et en arrière et faire de petits ajustements. Donc, même si votre initiale sous la peinture n'est pas complètement parfaite, comme vous commencez à analyser que dans votre peinture vient le long. Vous pouvez faire ces changements assez facilement. Donc ici, j'expérimente juste un peu plus avec ces marques plus sombres où les moustaches font saillie du museau. Et juste essayer de voir ce que j'aime. Et si je décide que ces marques sont un peu trop, je peux juste les ramollir avec mon pinceau. Je n'ai même pas besoin d'ajouter d'autres peintures à cette zone. Mais vraiment, ce que je vais trouver, c'est que je n'ai pas trop à m'inquiéter ces petites marques parce que quand j'ajoute ces moustaches et la dernière partie de ce tableau, ça va vraiment donner vie à cette partie sans moi avoir à travailler trop dur à elle. Je pense que parfois, lorsque nous travaillons sur la peinture et nous laissons quelques détails parce que nous devons les réserver pour la fin, nous pouvons avoir tendance à trop réfléchir un peu à ces domaines. Donc ici, je vais dans une valeur encore plus légère de fondamentalement juste pris quelques blancs et l'a ajouté à ce mélange, qui était déjà ma valeur la plus légère. Et vous pouvez voir ici aussi que là où j'applique la moindre valeur est une surface beaucoup plus petite. Ensuite, où il a été initialement appliqué, où la couche la plus légère précédente était. Parce que j'ai besoin d'une accumulation progressive de ces valeurs. Donc, je ne veux pas couvrir complètement les valeurs plus légères que j'ai appliquées auparavant. Et donc je n'applique que les valeurs les plus légères aux zones qui obtiennent le plus de lumière absolue. Et alors que nous progressons dans la peinture, ces zones vont naturellement devenir de plus en plus petites. Et maintenant, je veux zoomer un peu parce que je veux que vous remarquiez une zone en haut de la tête du chat où j'ai récemment appliqué cette valeur très légère. Mais vous pouvez voir que j'ai laissé une partie de cette valeur plus légère précédente rester à la partie supérieure de la tête. Et je l'ai fait parce que je veux encore adoucir ce contour perçu qui sépare la tête du chat de ce fond sombre. Je ne veux pas que la valeur la plus légère que j' applique soit en contraste frappant avec cette valeur sombre. Et donc en ajoutant un peu de valeur plus légère, mais en autorisant une partie de la valeur précédente, même si ce n'est pas très sombre. Permettre que cela se montre donne une très belle impression d'une forme douce et arrondie qui recule en arrière-plan. Et c'est un bel équilibre entre avoir beaucoup trop de contraste. Là. Regardez trop dur et ayant trop d'une gradation de valeur là, ce qui le rendrait artificiellement arrondi. Et vous pouvez également voir ce même effet sur le côté du visage. Donc maintenant je travaille juste un peu sur les nœuds. Et c'est un autre domaine, surtout dans les portraits en PET, que nous avons souvent l'habitude de dessiner un petit triangle pour représenter le nez d'un chat. Mais ce que nous voulons vraiment remarquer, c'est que c' un changement beaucoup plus progressif entre ce nez rose et l'endroit où commence le premier. Donc nous ne voulons rien qui ressemble à une ligne là-bas, donc nous ne voulons pas trop de contraste. Et donc ce que j'essaie de faire ici, c'est de créer une valeur qui se penche un peu vers la lecture, mais elle est tout à fait neutre. Il a beaucoup de jaune et aussi bleu mélangé là-dedans. Et je veux que cette valeur soit à peu près la même entre la partie supérieure de ce nez rose et là où cette ferme rencontre le nez et c'est juste un peu plus sombre que la plupart de la fourrure blanche. Nous obtenons donc un changement beaucoup plus progressif et plus naturel dans ce domaine. Et c'est vraiment important quand il s'agit de nez. Je pense qu'en ce qui concerne les animaux, nous avons tendance à revenir aux versions symboliques que nous avons dans nos têtes. Et donc nous avons tendance à penser qu'un chat a ce savoir triangulaire et ensuite ce joli petit visage enroulé heureux. Et bien que cela soit à peu près vrai et que c'est une bonne représentation d'un chat, nous devons vraiment essayer de nous libérer de cette image mentale pour peindre de façon réaliste. Parce que pour peindre de façon réaliste, nous ne pouvons pas vraiment nous référer aux images symboliques qui sont enracinées dans nos esprits. Nous avons vraiment besoin d'utiliser la puissance de l' observation et de remarquer les changements de valeur et de remarquer les changements de couleur. Et juste travailler avec ça et ne pas penser trop subjectivement au sujet à portée de main. D' accord, donc je pense que le for est maintenant dans un bon endroit. La prochaine chose sur laquelle je vais travailler, c'est les yeux et nous allons les faire. Et c'est un processus très intéressant. Is, bien sûr, va être vraiment la caractéristique centrale de ce portrait comme c'est le cas habituellement, qu'il s'agisse d'un animal ou d'un humain. Et j'ai adoré peindre les yeux parce qu'il y tellement de changements de couleur intéressants là-dedans et ça va vraiment faire vivre ce portrait. Donc, je vais dégager un espace ici. J' ai donc beaucoup d'espace de mixage pour les yeux. Et allons-y et commençons à le faire. 14. Les yeux: Très bien, donc nous avons le pour dans un bon endroit et nous sommes prêts à commencer à travailler sur les yeux. Et ces yeux sont si beaux. Le vert est un bel contraste avec le reste de la peinture, qui sur la photo semble un peu monochromatique. Il a vraiment l'air assez noir et blanc avec juste quelques éclaboussures de rose là-dedans. Et les yeux vont vraiment donner vie à ça. Il peut être vraiment difficile de juger votre peinture avec précision lorsqu'il y a des segments très importants de la peinture qui sont laissés en suspens. Et encore une fois, je pense que c'est pourquoi beaucoup de gens choisiront de faire les yeux d'abord et avant tout. Et encore une fois, c'est un choix que vous avez la liberté de faire. Et j'aime juste faire les yeux un peu plus tard dans le processus parce que je veux pouvoir apporter des améliorations à ce domaine et ne pas avoir à y revenir plus tard. Il est donc plus facile pour moi de juger si la forme et la taille des yeux sont exactes si j'ai tout le reste en place. Et je peux juger ma peinture plus précisément et plus objectivement dans l'ensemble si je me tiens en arrière de lui en ce moment et un plisser mes yeux pour qu'il brouille un peu. Et puis les yeux inachevés deviennent juste un peu moins distrayants. D' accord, donc vous pouvez voir ici que je mélange des verts pour les yeux. Et je veux en parler parce que quand je commencerai à peindre les yeux, je vais vouloir zoomer afin que vous puissiez voir ce que mes brosses font un peu mieux. Donc, ici, je mélange quelques légumes verts. Et ce que j'ai fait, c'est que j'ai pris mon compagnon vert et que j'ai ajouté un peu de rouge là-dedans pour le neutraliser juste un peu. Mais honnêtement, beaucoup de ces verts que je mélange ici, ils sont juste au vert. Je pourrais utiliser certains d'entre eux, surtout dans la partie supérieure de l'œil où il fait un peu plus sombre en valeur. Et donc la couleur réelle que j'ai mélangée n'aura pas autant d'importance. Mais en fait, la plupart d'entre eux, je vais avoir beaucoup d'oranges dedans. Et donc c'est ce que je mélange ici et j'espère vraiment que vous avez eu la chance de regarder l'attachement que j'ai mis dans la section projet de ce cours afin que vous puissiez vraiment avoir une bonne idée de la variation de couleur dans ces yeux. Nous décririons généralement ces yeux comme étant verts. Mais si vous regardez de près, vous pouvez voir que ce n'est pas tout à fait exact. Pour obtenir ce beau look bijou dans les yeux, nous avons vraiment besoin de prêter attention aux nuances de couleur que nous pouvons observer dans les yeux parce que presque jamais sont un ensemble de, je vais être tous une couleur. Même les yeux bleus vont avoir des taches d'orange et d'or en eux. Et cela rend vraiment les yeux très intrigants et amusants à peindre. Donc vous pouvez voir que j'ai une orange qui se penche un peu plus rouge. Ensuite, j'ai une sorte de jaune sourd, donc il a un peu de rouge dedans et même un peu de bleu. Et puis j'ai plus d'une couleur neutre ici que je décrirais comme étant un chaud, neutre. Mais vraiment, c'est juste une orange sourdine, je dirais. Et je suis juste en train de déplacer ça. Ajouter un peu de changement de valeur à eux. Et encore une fois, à mesure que j'ajoute plus de blanc, j'ajoute généralement plus de jaune. Et puis ce que je vais faire, c'est ajouter un peu plus de rouge dans celui-ci. Et puis je vais en fait utiliser une partie de ce mélange pour combiner avec la valeur la plus légère du vert dans cette rangée supérieure que je mélange. Alors que je vais avoir un beau vert neutralisé et que le vert deviendra vraiment très important dans le processus. Certains de ces autres verts, surtout au milieu, entre le plus sombre et le plus léger. Ceux-ci vont juste avoir beaucoup trop de chroma en eux et je ne finirai pas vraiment par les utiliser beaucoup de chouette, mais ce vert que j'ai juste mélangé genre de au milieu entre ces deux rangées va être très important. Bon, donc maintenant je veux zoomer un peu dans ces yeux que vous puissiez voir certaines des nuances de ce que je fais avec mon pinceau ici. Donc maintenant, ce que je vais faire est de commencer à affiner la forme globale de l'ISO. Je retourne dans un mélange qui est un peu plus sombre en valeur et il se penche un peu plus vers le rouge pour que je puisse commencer à déplacer une partie de cette forme autour. Et une partie de cela aussi va juste emménager, manipulant la peinture qui est déjà sur ma peinture, juste pour adoucir ces bords parce que j'avais un bord assez dur entre le rouge que j'avais placé autour de l'œil et ensuite où le la fourrure blanche a commencé. J' ai donc ramolli ça un peu. Et maintenant, j'y vais avec un peu plus d' une valeur sombre qui penche un peu de violet rougeâtre. Et comme pour le reste de la peinture, quand j'entre dans les yeux réels, je vais commencer par les valeurs les plus sombres et ensuite travailler jusqu'aux valeurs plus légères. Donc, là où cette ombre de forme tombe sur l'œil réel, je vais commencer par cette valeur la plus sombre de vert que je mélange. C' est juste qu'ils chargent du vert et un peu de rouge. Donc maintenant vous pouvez voir que le rouge que j'ai placé autour l'IA va vraiment aider à donner un joli look naturel. J' ajoute juste un peu plus sombre valeur autant que je peux pour créer plus d'illusion le fait que cette partie supérieure de l'île est suspendue au-dessus de l'œil et jette un peu d'ombre. Je n'ai pas besoin de le rendre trop évident parce qu'il y a tellement de contraste entre la fourrure blanche et la partie supérieure du globe oculaire où il y a un peu d'ombre coulée dessus. Donc, je peux garder la zone pour assez doux. Je veux juste laisser une partie de ce rouge jeter un coup d'œil parce qu'il ajoute beaucoup de vie aux portraits. Donc maintenant, je vais dans ce vert très, très foncé et vous pouvez voir que j'ai déjà une valeur très sombre là-bas à partir du nombre brut que j'ai appliqué pendant les phases d'imprimatur et de peinture. Donc je vais juste revoir ça juste pour ajouter un peu de chroma, ça va être très subtil. Ça ne va pas être super évident. Et c'est pourquoi je dis que dans cette partie supérieure de l'œil où nous avons un peu d'ombre coulée, la valeur est beaucoup plus importante que la couleur réelle parceque vraiment pas la couleur est probablement un la valeur est beaucoup plus importante que la couleur réelle parce moyen de chromatique, mais parce que c'est une valeur tellement sombre, nous ne la lisons pas vraiment comme étant très chromatique. Et là, je vais commencer à peaufiner cet autre I. Et parce que la tête du chat est tournée et qu'on regarde le chat dans un portrait de trois quarts. Ce que je semble juste un peu plus petit en raison perspective et il va aussi être juste un peu plus sombre. Donc je vais aller de l'avant et ne pas être trop prudent à ce stade avec l'œil lui-même. Mais je suis vraiment plus concentré sur le raffinement de la forme. Et vous pouvez voir que ces petits coups de pinceau ont déjà vraiment aidé à rendre cette forme un peu plus naturelle. Mais nous allons ajouter des valeurs plus légères là-dedans afin que cela ne ressemble pas au noir comme ça. Et encore une fois, il est beaucoup plus facile d'ajouter des valeurs plus claires sur des valeurs plus sombres que d'aller dans l'autre sens. Et donc je vais toujours faire une sorte d'erreur du côté d'être un peu trop sombre avec mes valeurs, parce que je peux très facilement le déplacer dans l'autre sens valeur sage. Et tout comme j'ai construit la couleur dans le pour, je vais commencer la base de ces AI en utilisant les couleurs moins évidentes. Donc je ne vais pas entrer tout de suite avec les verts. Je vais en fait commencer à entrer dans les couleurs qui sont un peu plus orange ou comme un chaud chez Brown. Et mettez-les dedans, puis je peux mettre mes verts sur le dessus. Et cela aidera les verts à se démarquer. Mais aussi laisser certains de ces orange et or qui mouchetures montrent à travers le vert. Une chose que je n'ai pas encore fait dans le contour des yeux est d'ajouter les élèves. Et je devais vraiment penser à ce processus parce que typiquement, je dis toujours que nous devons placer nos valeurs les plus sombres dans et ensuite placer sont des valeurs plus claires autour de ces valeurs plus sombres. Nous pourrions donc nous adresser aux élèves de cette façon. Je pourrais placer les élèves et ensuite placer ces autres couleurs autour de cette zone. Cependant, ce que je pense aurait tendance à se produire parce que c'est une si petite zone, c'est que je finirais par courir les poils de ma brosse dans les pupilles et déplacer cette couleur sombre autour des yeux trop. Donc ce que je vais faire est d'obtenir au moins une couche de base de la couleur des yeux dedans. Et puis je peux entrer avec une coloration très sombre pour les élèves. Et pour être honnête, je vais juste utiliser ce vert foncé à nouveau pour faire les élèves, donc je n'ai pas besoin de mélanger un vrai noir ou quelque chose comme ça. J' ai vraiment besoin d'une valeur très sombre. Et ce vert qui y est rouge est très sombre. Et ça va suffire pour les élèves ici. Et donc ça va être une touche très légère que j'ajoute. Et puis parce que j'ai une grande partie de la couleur déjà en place, alors j'ai beaucoup moins à m'inquiéter en termes d'exécution de ma brosse dans cette valeur plus foncée et ensuite accidentellement le déplacer autour des yeux un peu trop. Donc maintenant, vous pouvez voir que j'ajoute certains de ces verts plus sourds. Et encore une fois, ces verts que j'utilise pour l'œil sont vraiment un peu plus proches d'être un jaune, vert. Et les verts que j'ai initialement mélangés dans cette rangée supérieure, ils étaient juste trop chromatiques pour eux. Je suis, ce chat a des yeux qui sont beaucoup vert clair, une sorte de vert jaunâtre. Et donc nous obtenons une très belle vibration de couleur entre ces verts jaunes et ces oranges que nous pouvons ajouter ici. Et je veux juste m'assurer que je garde la valeur un peu plus sombre vers la partie supérieure du globe oculaire où nous avons qui jette de l'ombre. C' est très important afin de donner à cela un bon sens naturel et de ne pas faire apparaître ces yeux plats ou caricaturés. Et j'espère vraiment que vous vous amuserez beaucoup avec la coloration des yeux parce que ce n'est pas quelque chose que vous allez vous tromper. Je veux dire tant que vous avez à nouveau les valeurs en place et que vous avez en quelque sorte un bon équilibre de couleur entre les variations de couleur que vous observez. Tu peux vraiment jouer avec. Par exemple, combien d'orange ou d'or vous ajoutez dans les yeux par rapport la quantité de cette vraie couleur comme dans un beau vert vif que vous ajoutez. Et vous pouvez vraiment faire beaucoup d'expériences et de voir quel genre d'équilibre vous aimez. Et c'est ce que je fais ici. Je l'ai déplacé un peu plus d'or. Et puis je vais ajouter un peu plus d'un aspect vert et juste une sorte de look et voir comment ces couleurs vibrent les unes des autres pour créer un effet vraiment intéressant. Donc ici, j'ai ajouté les verts les plus vibrants jusqu'à présent dedans. Peut-être que ça ressemble un peu à beaucoup. Mais quand je prends du recul et que je regarde vraiment cela dans son ensemble, j'ai l'impression qu'il y a une très belle vibration de couleur entre cette petite tache d' un vert plus vif et l'or et l'orange dans les autres parties de l'œil. Alors amusez-vous avec elle et ne vous liez pas trop à votre référence photo. Et rappelez-vous que vous pouvez créer un très fort sentiment de vibrance et d'intérêts de couleur, non pas en utilisant les couleurs les plus vibrantes et hautement chromatiques possibles, mais en créant un équilibre entre les contrastes de couleurs plus sourdes. Donc, vous pouvez voir ici que même si ces couleurs sont toutes très muettes, elles vibrent les unes des autres et s'améliorent mutuellement. Maintenant, je vais retourner dans ce vert foncé, attrapant juste un peu plus de cette violette bleue, et en le mélangeant avec ce vert et rouge. Et maintenant je vais placer dans l'élève, je vais utiliser une touche très légère ici parce que je place cette couleur plus foncée sur des couleurs plus claires et cela peut être problématique. Donc, j'ai besoin d'utiliser un toucher très léger et un besoin de ne pas être très ennuyeux avec cette zone. Et si vous placez vos élèves comme je suis après que vous ayez placé d'autres couleurs et que vous n'aimez pas. La forme de pupille que vous avez placée. Je vous encourage peut-être à ne pas trop vous inquiéter à ce sujet. Surtout, par exemple, dans cette photo où nous avons un peu de point culminant sur les yeux qui arrive à tomber juste au-dessus de la pupille. Donc, ça va vraiment à quelques patins de cette zone juste un peu. Donc, si ce n'est pas parfait, ça ne sera pas terriblement perceptible. Et maintenant, je vais juste continuer à jouer un peu avec les variations de couleur et les changements de couleur dans ces yeux jusqu'à ce que j'obtienne quelque chose que je trouve agréable. Mais vraiment ces yeux ne viendront pas complètement à la vie jusqu' à ce que nous commencions à ajouter les faits saillants ici. Juste ajouter ce petit coup d'un plus léger, vert jaunâtre a vraiment beaucoup aidé à créer le sens de la forme dans les yeux. Donc, les parties de cet œil arrondi, qui bien sûr et moi, est une forme sphérique. Les parties qui reculent dans la tête, bien sûr, doivent être un peu plus sombres. Et alors que nous nous dirigeons vers le centre du globe oculaire qui dépasse le plus, c'est là que nous voulons avoir certaines de nos valeurs plus légères. Bien sûr, nous n'avons pas besoin d'aller par-dessus bord parce que par la nature de ces couleurs, elles ont beaucoup de jaune, donc elles sont déjà un peu plus légères en valeur. Et je viens d'ajouter un peu plus de rouge à ma palette ici parce qu'une chose que j'ai réalisé est que dans le coin supérieur gauche de ce i sur la gauche, j'ai besoin d'un peu plus d'une valeur sombre là-haut. Donc, j'utilise cette lecture et le mélange avec un peu de vert pour créer plus d'un gris chaud. Donc, je ne décrirais pas nécessairement cette couleur comme étant verte. En fait, je me penche un peu plus près du côté rouge. Et donc j'ai ajouté juste une petite touche de cette valeur sombre. Et vous pouvez vraiment voir une différence juste avec ce petit changement à la forme globale que nous avons créé dans les yeux. Et maintenant, j'ajoute juste un peu plus de rouge. Et j'ai aussi ajouté un peu plus de blancs et là. Et puis je vais ajouter que c'est vraiment un joli gris chaud ou un brun sourd. Je dirais que j'ajoute à cette ombre de forme dans cet œil. Et vous pouvez voir que l'ajout de ceci aide vraiment à accentuer certains de ces verts sourds que nous avons déjà en place. Tellement de petits ajustements comme ça. Et encore une fois, ces couleurs sont toutes très muettes. Aucune de ces couleurs ne sont audacieuses, vibrantes, pures. Ils sont tous une combinaison de couleurs complémentaires comme le vert et le rouge. Ou ce sont des combinaisons de toutes les couleurs primaires. Donc jaune et bleu font vert, puis un peu de rouge pour neutraliser ce vert. Et cela aide à créer un très beau subtil sentiment de vibrance et ces yeux, car ces couleurs se déplaçaient autour. Et encore une fois, la valeur est vraiment l'aspect le plus important sur lequel nous devons prêter attention. Donc, maintenant que nous avons toute la couleur et la valeur en place sur le, je, peut commencer à ajouter les faits saillants. Maintenant, vous remarquerez que le point culminant qu'un initialement appliqué était extrêmement blancs. Et pour créer un beau look brillant et transparent pour ces yeux, nous ne pouvons pas simplement entrer avec un blanc vraiment sombre, surtout sur ce I où nous avons des reflets plus prononcés. J' avais donc posé ce point culminant très lumineux, puis j'ai pris une partie de ce blanc avec mon pinceau et j'ai déplacé une partie de celui-ci dans ces valeurs plus sombres pour qu'il soit un peu plus léger. J' ai fait la même chose sur cet œil droit et je vais laisser l'œil droit seul parce que nous avons encore une fois un point culminant plus prononcé dans cet œil gauche. Et donc, en plus de la valeur initiale que je les ai placés, le point culminant où j'ai choisi une partie de sauvegarde, j'ai ajouté une petite touche encore plus petite de ce n'est pas un blanc pur. Il y a certainement juste un peu de bleu mélangé dedans juste pour qu'il ait un peu de chroma. Mais j'ai placé juste la plus petite quantité de ce juste au-dessus de cette valeur lumineuse sous-jacente. Et cela aide vraiment à créer un très bon sens que je suis formé, que ce que j'attrape un peu plus de lumière que l'autre oeil. Et ça fait sentir très tridimensionnel. Et je pense que l'ajout de ces faits saillants est juste un excellent exemple de la façon dont une petite touche, un petit détail peut faire toute la différence. Bon, maintenant je ramollit juste un peu de la fourrure sur le nez. Certaines de ces valeurs qui n'ont pas besoin d'être. Donc contraste le m juste en utilisant mon pinceau, j'ai essuyé toutes les peintures et juste aller ramollir quelques zones. Donc maintenant, nous voyons vraiment que ce chat vient à la vie. Et il n'y a que quelques petits détails que nous voulons ajouter. Bien sûr, les moustaches que nous voulons ajouter. Et puis je vais probablement faire quelques petits ajustements qui vont être plus en ligne avec juste décaler les peintures autour comme ce que je fais ici. Mais pour la plupart, ce portrait est à peu près terminé. 15. Whiskers et touches finales: Bon, donc nous approchons de la fin de cette manifestation. Il n'y a que quelques détails cruciaux dont ce chat a besoin pour vraiment prendre vie. Vous pouvez voir que les yeux ont vraiment fait beaucoup. Et les moustaches vont faire autant. Maintenant, c'est la première fois tout au long de ce processus que j'ajoute un médium à n'importe laquelle de mes peintures. J' utilise juste un peu de mon huile de noix ici pour aider la peinture à bouger un peu mieux. Et surtout quand je fais les moustaches. Parce que pour faire des moustaches efficacement, nous avons vraiment besoin que Paint bouge librement et nous ne voulons pas que notre peinture soit trop épaisse, donc nous ne voulons pas vraiment qu'elle soit directement sortie du tube. Bien que si vous n'avez pas de support, ce que je recommande est d' ajouter juste un peu de blanc aux poils de votre brosse, mais ensuite essuyez doucement la brosse sur une serviette en papier pour enlever une partie de la peinture donc vous avez juste un peu de blanc restant dans vos poils. Presque pas assez pour être perceptible. Mais rappelez-vous, le blanc est très puissant quand il s'agit de peinture à l'huile. C' est très contaminant. Donc, même si vous avez juste un peu sur votre brosse, ça va faire une marque. ce moment. Je suis juste en train de ramollir quelques secteurs de l'entreprise parce qu'une fois que j'ai ajouté les moustaches, je ne vais plus vouloir apporter de changements à l'avant parce que beaucoup de moustaches vont chevaucher le sapin. Donc, j'essaie juste d'analyser des portions de la fourrure qui pourraient avoir besoin d'être adoucies un peu ou peut-être qu'il y a des zones qui ont besoin juste un peu plus de faits saillants que ce qui est déjà là, mais dans l'ensemble, il est en fait à la recherche plutôt bien. Nous avons tous une tendance à suranalyser notre propre travail et à être un peu ennuyeux. Et c'est bon. C' est un peu dans notre nature. Il suffit d'être conscient de notre nature inhérente à une sorte de surmenage et n'oubliez pas de prendre un peu de recul et de regarder votre peinture dans son ensemble à distance pour voir s'il y a des zones qui peuvent avoir un peu trop de contraste ou peut-être de près, vous pensiez qu'il y avait un problème, mais quand vous vous retirez, vous réaliserez peut-être qu'il n'y en a pas et que vous pouvez simplement le laisser tranquille. Donc, pour la plupart, nous avons le premier fait et je vais vous montrer un moyen très efficace de créer des moustaches d'apparence très naturelle. Je pense que les moustaches peuvent créer beaucoup d'anxiété pour les gens parce que nous les percevons, encore une fois comme une ligne et nous la percevons comme une ligne très mince et une ligne parfaitement formée. Et cela peut être quelque chose qui se sent très difficile lorsque vous travaillez avec des peintures. Et vous pouvez voir que j'utilise un très petit pinceau pour le faire. C' est en fait un pinceau beaucoup plus petit que je peins généralement avec. En fait, j'ai dû aller chercher. Et une chose que je veux vous dire à propos ce pinceau, c'est que ce n'est pas un pinceau parfaitement formé. C' est une sorte de pinceau cheapo que j'ai autour depuis longtemps. Les poils sont un peu écartés. Et c'est vrai, je crois. Un avantage pour cette brosse lorsque vous faites des moustaches. Et cela peut sembler un peu contre-intuitif parce que, encore une fois, nous aimons penser aux moustaches comme étant ces formes parfaites, très minces, très uniformes. Mais ce n'est pas le cas. Donc, ce que j'ai fait est que j'ai ajouté beaucoup de bien, je ne dirais pas beaucoup, mais j'ai ajouté une bonne quantité de mon milieu aux peintures blanches pour l'affiner et l'aider à être un peu plus facile à déplacer. Et je veux aussi qu'il soit assez mince pour qu'il puisse être transféré de cette petite brosse, dont les poils sont très doux. Et je veux qu'il se transfère très facilement de la brosse à la peinture sans que je doive appliquer beaucoup de pression. Et vous pouvez voir ça de la façon dont je tiens ce pinceau vers l'arrière de la poignée. Et avec une paume ouverte me permet d'appliquer la peinture sans trop de pression parce que je ne veux pas avoir de pression quand je fais ça parce que ça va rendre mes lignes plus épaisses. Donc vous pouvez voir que j'utilise une sorte de mouvement maladroit. Je bouge mon bras de mon épaule, pas de mon poignet. Si vous essayez de créer des lignes comme celle-ci, en scintillant votre poignet, vous allez finir avec des lignes très inégales. Et typiquement, ce que je vais faire pour la plupart de ces moustaches commence vers la base. Alors, où le moustache se fixe à la tête du chat, puis se déplace vers l'extérieur. Et quand je me déplace vers l'extérieur, je vais soulever la brosse pour qu'il y ait juste un peu moins de pression et ensuite nous allons obtenir une meilleure extrémité effilée. Mais je veux dire que même si vous appliquez peintures pour quelques moustaches et que vous ne les aimez pas ou peut-être qu'elles sont inégales. Ne vous inquiétez pas parce que je vais vous montrer comment ajuster ça et rendre vos moustaches vraiment naturelles. Parce que nous ne voulons pas que ces lignes soient parfaitement égales. Nous voulons un peu de variation dans eux parce que la lumière va frapper les moustaches à différents endroits, les rendant un peu plus évidentes dans certaines régions et ensuite masquer certaines zones. Ne vous inquiétez pas du tout, non. Maintenant, nous allons juste mettre doucement dans le placement général de certains de ces moustaches. C' est aussi où un ajout de certains de la plus loin, il va sur l'IRS. Je ne veux pas couvrir complètement le panneau aérien étant assez réservé dans ma demande. Et j'essaie aussi d'être assez réservé dans l'application des moustaches parce qu'ils ne veulent pas aller par-dessus bord. Donc vous pouvez voir ici que ce que je fais est que je vais fait retourner dans ces moustaches que j'ai appliqué et je les ramollit juste un peu pour qu'ils fusionnent un peu plus avec le, pour le chat. Et nous avons quelques zones où nous allons avoir perdu des bords. Et puis quelques zones encore où la lumière frappe les moustaches, en particulier les moustaches qui sont un peu plus haut, nous allons laisser ceux-ci un peu plus évidents tout en laissant les autres vers le bas se perdre dans la valeur que nous avons derrière eux. Et donc j'espère que vous pouvez voir que même si votre application initiale de ces moustaches n'était pas satisfaisante pour vous, ou peut-être que vous avez été un peu trop audacieux dans certains domaines ou vous avez eu beaucoup d'irrégularités que vous n'aviez pas l'intention. C' est bon parce qu'avec la peinture à l'huile, nous pouvons revenir et nous pouvons changer les peintures et nous pouvons aider à fusionner et à se sentir un peu plus naturel. Et maintenant que j'ai ces moustaches en place, et pas seulement les moustaches qui sortent du museau, mais aussi il y a des moustaches qui sortent du dessus des yeux et qui vont sur le côté. Et c'est vraiment important à nouveau, comme quand j'ai parlé d'avoir un bord doux entre la tête des chats dans ce fond sombre où je ne veux pas que ce soit trop brutal. Je ne veux pas que mes moustaches apparaissent trop brutalement dans ce contexte. Et donc avoir juste une quantité minimale de ces peintures plus légères sur votre pinceau et la faire glisser vers l'arrière-plan, laisser les peintures claires se fondre quelque peu avec la peinture humide en arrière-plan va aider à se sentir un peu un peu plus naturel et un peu plus doux. Et à ce stade, la peinture est vraiment faite. Je regarde autour de moi juste pour voir s'il y a des ajustements que je veux faire. Et je veux faire un peu de travail ici sur le nez. Alors je suis juste entré dans ma lecture et j'ai ajouté un peu de bleu. Mais c'est certainement une valeur sombre qui se penche un peu plus rouge. Et je vais juste travailler un peu plus sur la forme du nez juste pour aider à sentir un peu plus naturel. Et puis une fois que j'ai fait ça, je vais juste faire le tour avec ce petit pinceau et juste bouger une partie de la peinture est dans la fourrure et autour des moustaches, juste pour obtenir un peu plus d'un doux, naturel se sentir à quelques zones, mais du point de vue de la caméra, il peut ne pas être trop évident. Et je vais juste accélérer cette partie de la peinture parce que je pense qu'une plus grande vitesse, vous pouvez vraiment voir que même si j'ai l'air de faire beaucoup de travail, il n'y a pas de grands changements drastiques qui vont prendre place à ce stade de la peinture. Certaines des choses que je fais ici avec ce petit pinceau sont juste décalées autour d'une partie de la peinture qui est déjà là pour ajouter un peu de texture. Parce que je ne veux pas appliquer plus de salaire. Je risque d'ajouter beaucoup trop de contraste en entrant avec beaucoup plus de peinture. Mais il n'y a que quelques domaines où je veux souligner la directionnalité de la fourrure et la façon dont elle se forme autour de la tête des annonces. Très, très subtil. Et je vais vous montrer un gros plan du résultat final. Et donc vous verrez un peu cela surtout autour des yeux où j'ai juste utilisé le petit pinceau pour déplacer quelques valeurs et ajouter une impression de lignes linéaires là-dedans sans vraiment ajouter plus de douleurs. Et je suis juste en train de ramollir les choses et d'être un peu bizarre à nouveau, en ajoutant un peu plus de rouge autour des yeux. Il est très subtil qu'ajouter un peu de rouge autour des yeux à nouveau, va créer un très beau compliment aussi, ces verts en sourdine et aider ces verts à se sentir encore plus vibrants et animés. Donc, j'espère que vous avez vraiment apprécié ce tutoriel complet pour animaux de compagnie. Et dans les vidéos suivantes de ce cours, ce que je vais faire, c'est vous montrer quelques défis spécifiques que nous rencontrons en peignant des portraits en PET. Mais en général, ce processus global va être très cohérent tout au long de chaque peinture. Et vous pouvez les appliquer de manière cohérente afin d' obtenir des résultats fiables avec vos portraits d'animaux de compagnie. 16. Un regard de plus proche sur Spanky: Jetons un coup d'oeil à notre dernière peinture ici de fessée. Je l'ai emmenée dehors. Et juste une info. Si vous apportez votre peinture à l'extérieur après avoir travaillé en studio, vous verrez des couleurs que vous n'avez même pas remarquées dans votre studio. C' est juste l'un des effets étonnants de la lumière naturelle du soleil. Parce que si vous y pensez, le soleil est notre principale source de lumière. Et donc chaque couleur que nous percevons sera dans les ondes lumineuses de la lumière naturelle. Permettez-moi donc de vous rapprocher un peu plus pour que vous puissiez voir certaines des nuances, surtout dans les yeux. Mais je veux aussi que vous remarquiez certaines de ces couleurs vives vives que nous avons d'abord posées et comment elles regardent juste à travers le sapin pour que l'entreprise se sent très chromatique et pas grise. Et puis aussi remarqué aussi comme beaucoup de textures Bayes Ici dans les moustaches et les petits poils flyaway. Celles-ci ont été créées avec mon petit pinceau. Pas en appliquant de la peinture, mais en fait simplement en déplaçant la peinture qui était déjà sur la toile. Mettons-le au point ici. Donc j'espère que vous pouvez voir que toutes ces couches alla prima, elles s'ajoutent vraiment à beaucoup et ça vaut vraiment la peine d'être très patient et de vous engager à voir votre peinture tout au long du chemin. Et vous pouvez voir aussi, que ce n'est pas vraiment une peinture raffinée et réaliste en ce sens que j'ai beaucoup de coups de pinceau qui sont encore visibles. Et c'est une qualité de peinture que j'aime vraiment. C' est très impressionniste et c'est un peu mon style. Donc, avec de la peinture à l'huile, vous pouvez vraiment aller dans les deux sens. Vous pouvez être encore plus lâche que cela et avoir beaucoup de coups de pinceau vraiment audacieux et vives. Ou vous pouvez affiner vos coups de pinceau encore plus. Et c'est vraiment une question de trouver votre propre préférence personnelle et de décider comment vous aimez peindre, parce que le processus est tout aussi important que le résultat final. D' accord, et maintenant que nous avons Espagne Qi Dian, je pense que nous sommes prêts à passer à notre prochain portrait. 17. Peindre les marquages et les variations de couleurs: Dans le tutoriel complet inclus dans ce cours, nous avons abordé tous les détails de la peinture, un portrait en PET. Et j'ai mis l'accent sur la peinture basée sur la valeur et être une sorte d'expressif et de s'amuser avec votre choix de couleur et juste rester fidèle à la valeur. Et cela vous donne un très long chemin. Bien sûr, ce tutoriel de pliage était un chat qui est arrivé n'a pas vraiment de marques, mais nous savons que beaucoup d'animaux domestiques et d'animaux ont beaucoup de marques. Et cela représente un défi lorsque nous peignons en fonction de la valeur. Donc, dans cette vidéo, je veux passer en revue quelques-unes des étapes les plus cruciales pour faire des marquages sur votre portrait d'animal de compagnie tout en restant fidèle à la valeur et en créant une belle couleur. Donc, comme j'ai peint ce chat calicot, qui, en passant, si vous voulez regarder le processus complet de la façon dont j'ai peint ce chat, il y a une vidéo d'aperçu qui suivra cette vidéo dans le cours. Maintenant, parce qu'un chat calicot, bien sûr, a trois colorations distinctes dans ses marques, j'ai choisi de commencer par un schéma de couleurs triadiques. Maintenant, rappelez-vous pour le tutoriel complet, j'ai commencé avec un schéma de couleurs complémentaires split où j'ai utilisé Violet, jaunes et oranges. Donc, dans un schéma de couleurs triadiques, nous utilisons trois couleurs qui sont uniformément espacées autour de la roue de couleur. J' ai donc choisi un bleu sombre et sourd pour toutes mes ombres et les marques sombres. Et rouge orangé pour les marques bien sûr, qui sont un peu plus orange. Et puis pour les marques blanches, j'ai choisi le jaune. C' est donc juste la sous-couche qui formera la base de toute la coloration pour cette peinture. Fondamentalement, quand je peins alla prima, j'ai vraiment aimé jouer avec la couleur des couches de base. Et alors que j'applique des couleurs plus naturelles sur ces couches de base, elles apparaissent de façon très subtile et apportent beaucoup de nuances de couleur vraiment intéressantes à la peinture. Donc, je suis resté fidèle à ce schéma de couleurs triadiques pour commencer. Et maintenant je commence à ajouter certaines des couleurs les plus naturelles. Donc, ce que je veux vraiment souligner lors de la peinture des marques c'est que nous avons vraiment encore à faire attention à la couleur dans ce peut être difficile. Je vais vous montrer un peu comment cela affecte certaines couleurs, par exemple, les marques blanches. Maintenant, les faits saillants de ce tableau vont tous être dans le visage. Et cela signifie que nos valeurs les plus légères seront en face. Mais vous pouvez voir que ce chat a une fourrure blanche sur son corps que nous pouvons voir sur la photo. Et ce que nous voulons vraiment faire, c'est que nous devons nous assurer que la valeur de cela pour sur le corps n'est pas aussi légère que les reflets sur le visage. Donc maintenant vous pouvez voir que je commence à ajouter un peu d'une valeur plus légère dans le corps des entreprises, toujours avec une sorte de belle couleur jaune chromatique que je construis mes valeurs dans ce tableau. Mais je commence déjà à penser au fait que le blanc dans ce pour, dans le corps devra être un peu plus sombre en valeur. Alors. La plupart des marques blanches sur le visage. Une autre chose importante à garder à l'esprit lorsque vous peignez n'importe quel type de marquage est qu'ils ne sont souvent pas exactement une forme particulière, signifie qu'ils se fondent ensemble et se transforment les uns dans les autres. Et donc nous sommes allés rester fidèles à ces bords mous. Et au fur et à mesure, nous allons occasionnellement permettre à notre pinceau de fusionner les couleurs là où elles se rencontrent et se croisent. En ce moment, cette peinture semble encore assez bloquée et les marques sont encore assez distinguées les unes des autres. Mais vous verrez dans une seconde ici que je commence à mélanger certaines de ces marques ensemble pour créer un bord plus doux entre, par exemple, les oranges et les blancs. Et cela crée un très joli effet doux, surtout quand on peint pour et ici encore, je vais dans cette fourrure blanche sur le corps du chat. Et cette valeur semble vraiment légère en ce moment. Mais ce que je vais faire après que je l'ai placé en quelque sorte de bloc car je retournerai avec un pinceau qui a très peu de peintures dessus juste pour ramollir cela et tirer certains de ces sombres comme vous pouvez le voir dans les zones claires. Et cela va aider à réduire cette valeur tout en nous donnant l'impression que oui, c'est blanc car il ne reçoit pas autant de lumières. Et je ne dirais pas garder cette zone très douce et ne pas avoir beaucoup de contraste dedans parce que bien sûr, mon point focal est dans le visage du chat. Et maintenant, vous pouvez voir que j'entre avec ma longue brosse Filburn et commence à adoucir certaines de ces marques. Cela peut être un peu difficile lorsque vous adoucissez les marques entre deux zones qui sont assez différentes en valeur les unes des autres. Donc, la fourrure noire sur le chat est une valeur beaucoup plus sombre évidemment que la plupart de cette fourrure orange. Et donc ce que je veux faire, c'est avoir très peu de peinture sur mon pinceau quand j'ai travaillé sur ces zones. Et il suffit de tirer ces couleurs ensemble sans créer une ligne dure ou tirer trop d'une zone de valeur dans l'autre zone de valeur et donc changer la forme des marquages. Et si vous regardez de près la référence photo, qui, soit dit en passant, toutes les références photo utilisées pour ce cours sont disponibles pour que vous puissiez regarder dans la section projet de ce cours. Mais vous devriez être en mesure de voir sur la photo que dans la fourrure orange sur le chat, vous pouvez voir juste quelques rayures très subtiles. C' est quelque chose qui est vraiment intéressant et unique sur les chats de Calico parce qu'ils ont ces trois différentes colorations et marques distinctes sur eux. Mais presque toujours si vous regardez dans ces marques orange sur un chat calicot, vous verrez un peu de rayures comme si elles avaient un peu de chat tabby quelque part. Donc ce que j'ai fait pour aborder ces rayures, c'est que je viens d'utiliser une orange plus foncée dans ces zones, un peu plus d'un orange rouge où les zones plus claires dans ce marketing orange, j'ai plus de jaune mélangé et ça crée un très beau, rayure subtile sans lui faire ressembler à des lignes ou avoir trop de contraste. Maintenant, je vais faire le tour de certaines des marques sombres qui sont plus dans la lumière. Et j'y vais avec ce genre de sourdine, je dirais de couleur violette. Et juste ajouter un peu de cette valeur de lumière dans les marques sombres qui reçoivent plus de lumières. Et maintenant, je vais ajouter quelques faits saillants au visage. Et c'est là que vous allez vraiment voir une grande différence entre les marques blanches sur le visage et les marques blanches qui sont sur le corps parce que j'ai vraiment repoussé ces marques blanches sur le corps, peut-être même plus que sur la photo. Parce que je pense que cette zone étant si proche du bord de la composition qui peut se sentir un peu distrayant même si nous avions les valeurs aussi légères qu'elles sont dans la référence photo. Alors n'hésitez pas à faire des choix artistiques de ce genre en fonction de la façon dont vous voulez attirer l'œil de votre spectateur. Je veux vraiment que l'œil du spectateur soit concentré sur le visage du chat. Et le corps sert presque de toile de fond. Donc, je travaille vraiment à désouligner ce domaine. Alors maintenant, je vais juste essayer de finir pour que je puisse me déplacer sur les yeux. Alors essayez juste de garder tout très doux. n'y a pas beaucoup de coloration dans les oreilles, donc j'ai laissé ces zones assez douces et silencieuses. Et maintenant, je vais entrer avec mon plus petit pinceau et commencer à chuchoter dans certains des poils volants. Il n'y a pas beaucoup de moustaches sur cette caméra peuvent voir quelques-uns sortir sur les droits, mais je ne vois vraiment pas sur la gauche. Ils pensent qu'ils pourraient juste être pressés contre tout ce que ce chat pose. Donc, pour la plupart, j'utilise ce petit pinceau juste pour manipuler la peinture qui est déjà sur la toile. De temps en temps, je vais charger des couleurs plus sombres dans les zones qui doivent être définies juste un peu plus. Mais une grande partie du travail que je vais faire avec cette petite brosse n'inclura pas ajout de peintures supplémentaires aux poils ou à la peinture du tout. Et il va juste être à propos de déplacer une partie de la peinture qui est déjà sur la toile, juste pour créer un très joli effet doux entre les différentes marques sur le visage du chat, surtout. Donc juste pour adoucir ces zones et ajouter un peu de nuance. Bon, maintenant on va entrer dans les yeux. Et c'est une partie importante de ce portrait parce que si vous regardez la photo, vous pouvez voir clairement que le i de gauche ne reçoit pas presque autant de lumière que le I de droite. Donc il y a plus d'ombre coulée sur tout le i sur la gauche. Et il est vraiment important que nous soyons fidèles aux valeurs que nous voyons et que nous ne soyons pas pris dans. Essayer de rendre les deux yeux identiques l'un à l'autre. Donc j'utilise le vert le plus sombre que j'ai mélangé pour couvrir l'iris de ce qui m'a laissé entièrement. Et puis à droite, je vais ajouter un peu plus de nuance. Je vais toujours utiliser ce genre de comme une couleur de base, mais je vais ajouter plus de nuances de vert qui sont légères en valeur sur le dessus de cela afin que cela ressemble clairement à recevoir plus de lumières et l'autre oeil va être dans l'ombre. Et je ne vais pas trop m'inquiéter à ce stade avoir les élèves exactement la bonne forme et la bonne taille. Je vais devoir venir et ajuster ça parce que je pense que c'est vraiment quelque chose dont je ne veux pas être trop précieux. Je ne veux pas être trop prudent à ce sujet maintenant alors que j'essaie juste de me concentrer sur la couleur et la valeur dans les yeux parce que ça va être vraiment important. Et les yeux de ce chat ne vont pas être calmes aussi nuancés que les yeux des chats blancs. Et c'est surtout parce qu'en réalité ils ne sont pas aussi nuancés. Les élèves sont beaucoup plus grands et il y a donc moins d'espace pour beaucoup de nuance de couleur dans les iris. Je vais donc garder ces yeux assez simples et directs. Et je pense aussi qu'il y a tellement d'intérêt dans le visage du chat lui-même avec ses belles marques et la position que c'est dans ce que je pense que cela ajoute assez d'intérêt sans que je doive vraiment faire beaucoup de travail dans les yeux. Je me rends compte qu'il a l'air un peu en colère en ce moment, ce qui honnêtement je pense que quand je peins des chats, ils ont toujours l'air en colère au début. Et ce sera vraiment juste une question de réajuster la forme des yeux pour obtenir la précision des yeux. Je peux certainement voir que le I sur la droite n'est pas du tout une forme précise. Et c'est quelque chose que j'ai l'habitude de ne pas laisser ça me déranger du tout jusqu'à ce que j'arrive au point de vouloir faire ces corrections en sachant que c'est quelque chose qui peut vraiment monter les gens et qu'ils veulent que ce soit C'est vrai, juste à côté de la batte. Mais comme je l'ai déjà dit, l' un de mes aspects préférés de la peinture et des huiles est que vraiment, quelques exceptions près, vous pouvez faire beaucoup d'ajustements et de corrections au fur et à mesure que vous allez. Et j'aime vraiment ça parce que j'ai l'impression que je peux être libéré pour travailler sur une chose et laisser autre chose tranquille. Ce n'est pas tout à fait juste. Et je peux me sentir assez confiant que je vais pouvoir revenir plus tard et faire les ajustements dont j'ai besoin pour aider la peinture à se rassembler. Et je pense que l'un de mes plus grands conseils que je veux donner aux étudiants est que dans la peinture à l'huile, je pense qu'il est vraiment important de s'engager à voir votre peinture tout au long. Parce qu'à tant de moments pendant le processus de peinture, il est très facile de se sentir découragé ou comme si vous tournez vos roues et vous ne finirez pas là où vous voulez être. Et j'ai déjà mentionné que j'ai encore mal avec ça quand je peins parce que la façon dont je peins est quelque chose qui ne consiste pas seulement à copier une photo, je veux vraiment explorer la couleur, la lumière et l'expression. Et donc la façon dont je peins ne se prête pas vraiment à être parfait tout au long du chemin. Je n'applique pas seulement les couleurs précises dès le départ. Et comme je l'ai expliqué précédemment, c'est vraiment juste parce que j'aime les nuances de couleur intéressantes que je reçois, surtout quand je fais alla prima techniques dans la peinture à l'huile en superposant des couleurs qui ne semblent pas tout à fait ils seraient mélangés sur une palette en place si je copiais les couleurs directement à partir d'une photo, je pense que cela rend un peu plus intéressant d' avoir une certaine interaction entre les couches de la peinture. Mais je sais que cela signifie qu'au début mes peintures semblent très étranges et presque effrayantes. Et je sais que selon le jour et mon humeur, cela peut être plus ou moins difficile à traiter. Donc je pense que ce que je vous encouragerais vraiment à faire si vous essayez ces techniques, c'est de vous engager à le voir tout au long. Parce que mes tableaux n'ont pas l'air juste jusqu'à la fin. Et à ce stade, par une bonne journée, je m'amuse beaucoup avec ça et j'apprécie le processus. Mais je sais qu'il y a des jours où je me demande ce que je fais ? Et je perds de vue l'ensemble de la situation. Et je pense aussi que si vous vous engagez à voir vos peintures tout au long du processus, peu importe ce que vous ressentez à leur sujet, vous serez vraiment étonné de voir jusqu'où vous êtes allés. Et je sais qu'avant de commencer à faire des vidéos, je le regardais, j'ai fini de peindre et je ne me souviens pas tout à fait comment j'y suis arrivé. Donc, je vous encourage aussi, si vous le pouvez, à installer une caméra, même si c'est juste l'appareil photo sur votre téléphone. Et regarde-toi les douleurs. Vous pouvez créer des vidéos time-lapse où vous voyez tout se réunir. J' aime vraiment regarder ceux d'autres personnes peindre. Cela m'aide à en apprendre beaucoup sur la grande image et sur le fonctionnement de leur esprit pendant qu'ils peignent. Et aussi entendre quelqu'un parler de son processus et de la raison pour laquelle il fait ce qu' m'a vraiment aidé à apprendre et c'est ce que j'espère transmettre à mes élèves juste pour vous donner un aperçu. Parce qu'avec la peinture, oui, il y a des principes généraux et des techniques auxquels nous devons rester fidèles. Qu' il y a aussi beaucoup de place pour l'interprétation et trouver différentes façons de trouver une méthode de peinture, un style de peinture qui vous parle vraiment et que vous appréciez le processus de travail. Et j'espère que tu essaieras ça parce que je pense que c'est vraiment amusant. Et c'est plus d'une manière détendue, surtout dans l'approche de la couleur si nous pouvons simplement nous concentrer sur la valeur. Alors maintenant la touche finale de ce tableau, bien sûr, j'ajoute les moustaches avec mon petit pinceau, juste en déplaçant une partie de la peinture autour de permettant certains des poils plus longs et les entreprises qui s'envolent un peu. Et ça va aussi aider à adoucir les choses. Et une chose qui est vraiment amusant à peindre des chats, c'est que leurs moustaches ont presque aidé à encadrer leur visage encore plus. Et j'aime vraiment ça. J' aime trouver ces lignes et comment elles ramènent aux caractéristiques les plus importantes des chats. Alors amusez-vous avec ça. Ne vous inquiétez pas trop à ce sujet. Déplacez simplement vos peintures et rappelez-vous que si vous mettez quelque chose sur une peinture à l'huile et que vous n'aimez vraiment pas ça. Vous pouvez retourner avec un pinceau qui n'a pas de peinture dessus et juste adoucir ces zones. Donc, vous pouvez les faire disparaître complètement et ensuite vous pouvez essayer à nouveau, ou vous pouvez au moins diminuer leur apparence assez là où ils ne devraient plus vous déranger. Et quand vous peignez un animal qui a beaucoup de marques, n'oubliez pas que la valeur est essentielle. Donc, les marques sombres qui sont dans la lumière vont être plus légères en valeur que les marques sombres qui sont dans l'ombre. De même, les marques lumineuses qui sont dans la lumière seront beaucoup plus légères en valeur, puis les marques blanches qui ne sont pas dans la Lumière, donc elles sont plus dans l'ombre. Et donc vous pourriez réellement trouver que vous avez besoin de mélanger presque un violet sourd pour les blancs qui ne reçoivent pas autant de lumière. Et c'est juste un très bon moyen d'amener votre portrait d'animal de compagnie à mentir de l'aider à se sentir un peu plus tridimensionnel et fidèle à la forme. Et rappelez-vous, si vous voulez regarder l'ensemble du processus de peinture de ce chat, il y a un aperçu du processus dans la vidéo suivante. 18. Présentation du processus Calico Cat: Donc, premières les premièreschoses d'abord. D' accord. Bonjour. Ok. Bonjour. Oui. D' accord. D' accord. D deux ce 0,666$. Dites-moi plus. Je ne sais pas. 19. Un regard de plus proche sur Milla: Jetons un coup d'oeil sur le MLA. Ici. Je m'ai amené à l'extérieur dans la lumière naturelle du soleil pour que nous puissions vraiment voir toutes les nuances. J' espère que je ne mettrai pas ma main dans la peinture humide. Mais j'espère que vous pouvez voir en particulier ici où il est brutal. J' ai beaucoup de bords perdus. Je n'ai pas de frontière claire entre le côté sombre du visage du chat et ensuite ce fond sombre. Et je pense que cela ajoute beaucoup de mystère, de profondeur et intérêts dans une peinture pour permettre à certains de ces bords de se perdre. Et beaucoup de fois Y je vais faire est que je vais perdre les bords sombres. Mais tu pourrais aller dans l'autre sens aussi. Cela dépend vraiment de l'endroit où sera le détail de votre peinture. Donc, si vous voulez avoir le détail de votre peinture et les zones plus claires, alors vous pouvez envisager de chercher des zones sombres où vous pouvez perdre des bords. Mais si vous mettez tous vos détails dans l'ombre et laissez vos lumières être un peu soufflées. Ensuite, je pense que vous pouvez obtenir des bords perdus vraiment intéressants dans les lumières aussi bien. Et donc ici, si je la rapproche juste un peu plus, vous pouvez voir comment nous gérons ces marques et les avons fait apparaître très naturels même si nous avons commencé avec ces couleurs primaires triadiques très vives pour ce tableau. Et il s'est vraiment bien assemblé avec seulement quelques-uns de ceux qui ont regardé de manière subtile pour apporter beaucoup de vie en profondeur dans ce portrait. Et vous pouvez voir que, comme je l'ai dit dans la vidéo, certaines des rayures dans la fourrure orange ici. Ceux-ci sont très subtils, donc je ne voulais pas aller par-dessus bord et les faire sortir trop. Mais vous pouvez voir quelques variations dans les oranges juste là. D' accord, donc j'ai un visiteur. Voilà Hazel. Désolé, Hazel, je ne t'ai pas payé cette fois, peut-être la prochaine fois. D'accord. 20. Modifier l'arrière-plan: Quand je fais des commissions de portrait d'animaux de compagnie pour les gens, il n'est pas rare qu'ils me demandent de faire des changements. Et l'un des changements les plus courants que les gens demandent pour leur animal de compagnie est qu'ils ont une photo de leurs animaux de compagnie à l'intérieur, mais ce n'est pas vraiment comme ça qu'ils voient et se souviennent de leurs animaux de compagnie. Ils se souviennent vraiment des moments à l'extérieur où leur animal était le plus heureux. Et donc l'une des choses les plus courantes que je fais pour mes clients lorsque je fais des commissions de portrait d'animaux est de leur donner un beau fond extérieur même si la photo a été prise à l'intérieur. Et si vous y pensez trop, cela peut sembler un peu difficile parce que l'éclairage est si différent à l'intérieur qu'à l'extérieur. La plus grande différence dans la situation d'éclairage est qu'à l'intérieur, nous avons généralement une lumière artificielle, qui a tendance à être plus chaude en température. Et à l'extérieur. Nous avons, bien sûr, lumière naturelle du ciel et nous avons également plus de lumière ambiante et de lumière réfléchie dans toutes les ombres. Et donc nous devons gérer ces choses un peu différemment. Maintenant une chose que vous remarquerez tout de suite, comme je peins dans un beau fond de vert pour ce chien, c'est que j'ai peint des parties du chien en vert. Donc la raison pour laquelle je l'ai fait c'est parce que beaucoup de fois, et surtout avec un animal ou un objet de valeur plus légère, nous remarquerons qu'il y a de la lumière réfléchie sur les avions orientés vers le bas. Donc, les parties du chien généralement qui obtiennent plus d'ombre, ils vont obtenir un peu de lumière réfléchie de l'herbe et il va être un peu vert. Et j'aime vraiment jouer avec ça parce que je pense que cela ajoute juste un peu plus d'intérêt visuel à la peinture. Et je vous encourage à, si vous en avez la chance, si vous avez une espèce d'animal blanc autour de vous, ce soit, vous savez, un chat ou un chien, un canard ou un poulet. Faites attention à eux quand ils marchent dans l'herbe, vous allez voir un peu de vert sur leur face inférieure qui fait face à l'herbe. Et donc j'aime vraiment ajouter cela à mes portraits, même si tout comme avec tous mes autres jeux de couleurs que j'ai mis dans mes portraits d'animaux de compagnie, ça va être aussi subtil, mais très efficace. Et vous avez remarqué aussi qu'avec mes autres portraits d'animaux de compagnie, j'ai utilisé un schéma de couleurs complémentaires. J' ai utilisé un schéma de couleurs triadiques. Cette fois, j'utilise vraiment un schéma de couleurs analogue parce que ce que je vais faire est de poser dans toutes mes ombres avec ce vert. Et puis parce que nous recevons de la lumière du ciel, un puits de lumière, je vais en fait avoir beaucoup de bleu frais dans les points forts de ce chien. Et j'ai réalisé que, sur tous mes portraits d'animaux de compagnie, celui-ci pourrait paraître le plus absurde à ce stade, mais croyez-moi, ça va se réunir et ça va être très beau. Donc fondamentalement. Je vais traiter les faits saillants de ce chien comme s' ils avaient juste un peu de bleu en eux. Et comme j'ai travaillé à travers la peinture et vous verrez dans la vue d'ensemble, je mélange en fait un peu de bleu, même dans les couleurs plus naturelles que je vais poser au-dessus de ce bloc initial juste pour donner un bel effet cool aux reflets et les ombres vont être un peu plus chaud dans la température. C' est donc un peu le contraire de ce que nous faisons habituellement. Et surtout avec les portraits d'intérieur, allaient avoir plus de chaleur dans les faits saillants et les ombres vont être plus fraîches. Mais parfois, vous remarquerez à l'extérieur que c'est l'inverse de cela où nous avons la lumière fraîche dans les reflets et les ombres sont un peu plus chaudes en température. Dès que j'aurai ce chien bloqué avec mes greens et mes bleus. Et bien sûr, je fais juste attention à la valeur que je pose. Et une fois que je commencerai à les appliquer ou des couleurs naturelles en plus de cela, vous verrez comment tout fonctionne ensemble. Une autre remarque que je veux faire à propos de ce portrait en particulier, est que parce que ce n'est pas aussi recadré ou zoomé sur le visage que d'autres que nous avons fait jusqu'à présent l'ont été. Je n'ai pas vraiment besoin d'accorder beaucoup d'attention ou de détails à ces yeux sur ce chien parce que tout d'abord, ils sont très petits. On n'est pas très près d'eux. Ils ne sont pas vraiment le point focal. Le point focal est vraiment juste le visage entier du chien et sa posture et juste la vivacité de la couleur. Donc les yeux vont être beaucoup plus simples. Et je vous encourage vraiment si vous faites un portrait d'animal de compagnie dedans, ce n'est pas un gros plan du visage. Ne mettez pas trop d'efforts dans les yeux parce qu'ils sont trop petits et nous ne voulons pas ils apparaissent vraiment hors de propos en y ajoutant trop de détails. Alors laissez ceux-ci être simples et sombres et peut-être juste un peu de faits saillants en eux, très petite quantité de point culminant. Et cela va vous obtenir un long chemin en termes de réalisme. Donc je vais juste accélérer le reste de ce processus pour ce chien. Vous pouvez voir ici que je commence avec des oranges vraiment, vraiment vibrantes pour commencer à construire les couleurs plus naturelles. Et j'ai beaucoup d'une gradation de valeur dans cet orange jaunâtre clair parce que ceux-ci vont être quelques-unes des couleurs les plus naturelles que nous voyons chez le chien. Et je sais que ça s'est passé très vite. Mais j'ai ajouté juste un peu de colle dans ces deux valeurs les plus légères dans le coin supérieur droit. Donc c'est à peine perceptible. Mais juste pour réduire un peu cette température, j'ai ajouté juste une touche de bleu dans ces mélanges. Et donc le mélange haut commence par une orange très vibrante. Et alors qu'ils passent aux valeurs plus légères, j'ai commencé à ajouter peu à peu un peu de bleu pour commencer à les neutraliser et à les refroidir. Et je vais permettre à certains de ces verts et bleus qui étaient initialement dans ce premier bloc pour ce chien, je vais laisser ces pics jetés dans quelques zones, surtout là où le chien a l'ombre la plus jetée sur son dessous, cela va vraiment rester assez vert. Et puis quelques autres zones autour de la bouche et sur certains de l'entreprise qui s'envolent. Je laisse passer un peu plus de ce bleu. Et avec ce tableau en particulier, je voulais vraiment qu'il soit très brushy et qu'il ait beaucoup de très beaux coups de pinceau larges et de coups de pinceau audacieux. Donc j'utilise la brosse à poils à peu près tout le temps que j'ai travaillé sur la fourrure de ce chien, je ne suis allé dans aucun de mes pinceaux logiciels. Et quand je vous montrerai un gros plan, vous verrez qu'il est beaucoup plus brushy que certains autres portraits où j'ai utilisé le pinceau plus doux pour affiner les lots de Ferrara. J' ai utilisé une brosse douce, mais surtout dans les yeux et le nez et ces caractéristiques juste pour vraiment mettre ceux dedans. Et une autre note sur le changement de fond. Il est bien sûr très important de penser aux différences entre les situations d'éclairage. Mais une autre chose que je vous encourage vraiment à faire est de garder vos antécédents très, très simples. Donc, l'angle que cette photo a été prise a rendu très facile juste d'avoir fondamentalement un beau fond vert. Bien sûr, il y a quelques variations de couleur dans le vert, mais je n'avais pas besoin de quelque chose de trop complexe pour en faire un portrait réaliste, même si j'ai changé l'éclairage et l'arrière-plan de ce portrait. 21. Aperçu du processus de Retriever en or: C' est facile. D' accord. Le système est bonjour. Donc ici, c'est ainsi. D' accord. Droit. Droit. C' est vrai. Je suis fatigué. C' est vrai. Oui. 22. Un regard plus proche sur Cooper: Maintenant, jetons un oeil à Cooper. Et Hazel nous rend visite à nouveau, Hazel haut. Très bien, alors Cooper, on a fait sortir pour une belle journée peut-être au PAR K. Je ne peux pas dire ce mot sans rendre quelqu'un très excité. Voilà Cooper. Et vous pouvez voir qu'il a l'air très naturel comme s' il était à la lumière du soleil avec ces beaux reflets cool. Laissez-moi vous rapprocher un peu plus. Espérons que vous pouvez voir juste un soupçon de bleu regardant à travers juste pour représenter ces belles lucarnes. Et puis ici, allons nous assurer que nous avons ce point de vue. Nous avons beaucoup de verts sur tous les plans orientés vers le bas, surtout ici sur la poitrine. Et je pense que cela aide juste à avoir l'air très agréable et naturel. Et une autre chose que je n'ai pas mentionnée pendant que je peignais ceci, mais beaucoup de fois mes coups de pinceau seront quelque peu déterminés par le sentiment que je veux atteindre dans la peinture. Donc pour les chats où ils étaient juste assis et j'ai impression qu'ils étaient très tranquilles et luxueux, luxueux. J' ai un peu plus raffiné mes Strokes. Bien sûr, j'aime que mon coup se manifeste, mais chaque fois que je peins un animal qui est dehors ou qui est plus actif, j'aime vraiment utiliser des coups de pinceau encore plus audacieux. Et je n'ai pas mentionné dans ce tableau que je n'ai vraiment pas utilisé mes brosses douces pour revenir en arrière et adoucir les premiers. Donc, vous pouvez voir beaucoup de très beaux coups de pinceau parce que j'ai utilisé mon pinceau plus grossier pour faire tous ces coups. Donc ces coups sont juste un peu plus audacieux. Et j'ai l'impression que ça ajoute un sens de l'action même s'il est assis et qu'il ne court pas, il est dehors. Et donc je veux vraiment donner ce sens de l'activité. 23. Un moyen facile de transférer un portrait d'une photo imprimée sur votre toile: Alors j'ai promis de vous montrer une autre façon de mettre votre portrait sur votre toile. Si vous ne vous sentez pas assez confiant pour aller avec votre pinceau et poser ou bloquer les portraits. Ce que je vais vous montrer ici, c'est comment utiliser le papier de transfert pour transférer votre image d'un morceau de papier comme celui-ci sur votre toile. Maintenant, vous voulez vous assurer, bien sûr, que votre photo imprimée est à peu près la même taille et dimension que la toile ou la surface sur laquelle vous souhaitez la transférer. Et puis en gros, ce que j'ai sur cette toile est une couche sèche de peintures. Donc, au lieu de faire une couche d'imprimatur Tara sur ce tableau particulier, ce que j'ai fait c'est que j'ai eu une partie de ma lecture, mon naphta tout rouge et j'ai même mélangé dans un peu de blanc avec elle. Mais c'est bon parce que je l'ai laissé sécher complètement. Donc, la toile est complètement sèche. Et maintenant, je vais poser mon papier de transfert avec le côté sombre face à ma toile. Et je vais juste le sécuriser ici parce que je fais ça verticalement pour vous afin que vous puissiez voir un peu plus facilement. Et fondamentalement, tout ce que j'ai à faire une fois que j'ai tout mis en place, c'est juste prendre un crayon ou un stylo ou vraiment n'importe quoi. Vous pouvez même utiliser l'extrémité arrière de la poignée de votre pinceau , bien sûr, alors vous ne verrez aucune marque sur votre papier où vous avez déjà passé. Mais j'utilise juste la pression pour que la ligne passe du papier de transfert sur le panneau de toile. Cela pourrait être un peu plus compliqué si vous peignez sur une toile tendue parce que vous pourriez ne pas être en mesure d'appliquer autant de pression sans risquer de percer un trou dedans ou à travers votre papier. Donc c'est juste quelque chose dont il faut être conscient. Mais honnêtement, avec la plupart des papiers de transfert, il ne faut pas beaucoup de pression pour que vos lignes soient transférées. Une autre chose que je veux mentionner et je veux que vous soyez au courant, c'est que tout comme les marques de crayon, le papier de transfert qui est juste du carbone, comme n'importe quel autre crayon. Ces lignes vont être diminuées si vous leur appliquez beaucoup de solvant. Donc, vous verrez dans la vidéo suivante que je fais mon support un peu différemment pour cela. Et je ne veux pas aller par-dessus bord sur les détails. Il peut être très facile de se faire prendre en détail. En fait, nous allons peindre et bloquer nos valeurs d'abord et avant tout. Et nous allons vraiment traiter les zones sombres comme une seule et les zones claires comme une seule. Alors ne soyez pas trop pris en train de transférer sur chaque ligne en détail que vous voyez sur la photo. C' est juste pour placer les choses et obtenir vos proportions. 24. Rides et pliage de la peau: Dans cette vue d'ensemble, je vais peindre le PAG dans un beignets. Et ce dont je veux parler ici, c'est peindre les rides et les plis cutanés chez les animaux de compagnie. C' est quelque chose que nous voyons souvent dans, en particulier les chiens qui ont ces visages de nez de carlin. Mais parfois nous le voyons aussi chez les chats. Et c'est quelque chose qui porte sur le portrait de toute sorte et même la peinture tissu plié. C' est quelque chose qui peut être un peu délicat. Comme je l'ai mentionné précédemment, nous avons tendance à interpréter les zones sombres d'une image comme étant des lignes. Et c'est parce que nous avons grandi principalement en dessinant avec des crayons et en créant des lions. Nous sommes donc venus à penser que les choses varient linéairement. Et il peut être très facile de penser à chaque rides et plier comme étant une ligne sombre. Mais ça n'a pas l'air naturel et ça peut sembler distrayant et ça peut sembler désordonné. Et surtout si vous peignez une personne qui a quelques rides et qui fait partie de leur caractère. Vous voulez vraiment être capable de capturer cela d'une manière très soignée et élégante. C' est ce dont je veux vous parler en regardant cette vue d'ensemble de la peinture PAG. Fondamentalement, ce que nous devons faire est de penser aux rides et aux plis de la peau comme forme, forme tridimensionnelle comme n'importe quoi d'autre, tout comme le nez qui dépasse du visage ou l'oreille est là où ils attrapent un peu plus de lumière, ou lorsque la lumière est complètement occluse. Nous devons penser aux rides et aux plis cutanés comme étant des motifs de lumière et de noir. Et dans la peinture à l'huile, il est vraiment important de construire ceux de nos sombres à nos lumières. Donc vous pouvez voir déjà ici dans la peinture de la cheville, j'ai commencé très, très sombre. Et je n'ai pas encore de lumières ici. Donc je vais sauver les zones plus légères pour la dernière fois. Et ces zones plus légères vont principalement tomber sur beaucoup de rides et de plis cutanés sur le visage de ce carlin. Encore une fois, nous devons construire ces valeurs très peu à peu pour ne pas obtenir de dureté ou de contraste qui va être distrayant et ne pas paraître naturel. Donc je vais aller de l'avant et traiter la plupart de ce visage comme s'il faisait très, très sombre. Et si vous suivez ma méthode de transfert de votre image sur votre toile en utilisant du papier de transfert ou d'une manière ou d'une autre, en utilisant une photo pour créer directement le dessin sur votre peinture. Il est vraiment important que vous ne soyez pas trop attaché à ce dessin parce que nous voulons être capables de trouver des formes comme le sculpteur trouve les formes quand, euh, il a juste une grosse dalle de matière. Donc on va les trouver et on ne va pas trop s'inquiéter de notre dessin. Le dessin n'est qu'un point de départ pour vous. Donc, n'avez pas l'impression de devoir commencer à peindre chaque rides de l'obscurité à la lumière une par une. Nous voulons vraiment commencer la plupart du temps avec une masse foncée et ensuite construire nos plis de peau et nos rides à partir de cela. Donc maintenant vous pouvez voir que j'ai commencé à ajouter certaines des valeurs plus légères et certaines d'entre elles sont des couleurs naturelles ici. Et tu vas me voir aller et retours sur les rides. Mais au no 00:00 AM je vais dans la peinture de chaque ride individuelle. Je cherche juste des zones plus sombres. Je suis à la recherche de ces tons moyens qui passent dans les moments forts. Et je crée juste une sorte de texture de ces rides et plis du visage plutôt que de copier chacun textuellement que je vois dans la référence photo. Donc nous allons vraiment avoir une impression de rides plutôt qu' une réplique exacte copiée de chaque rides sur le visage de ce chien. Et je pense que, ça fait paraître la peinture un peu plus intéressante et nuancée et moins comme si on allait juste tracer toutes les petites rides là-dedans. Il crée plus d'une texture. Donc vous pouvez voir ici que je commence à expérimenter certains de mes faits saillants. Et bien sûr, ils seront plus dominants sur le côté du visage qui reçoit plus de lumière. Donc, à gauche, c'est là que se trouvait la source lumineuse de cette photo. Donc ces rides vont être plus légères dans leurs points forts. Puis les rides de l'autre côté du visage, elles vont rester un peu plus silencieuses, un peu plus silencieuses et moins visibles parce que nous n'avons pas besoin de la même quantité de lumière des deux côtés du visage quand plus de lumière est frapper le côté gauche du visage. Et ici, je suis juste un peu de travail sur le petit beignet mignon, juste en ajoutant des touches de couleur. Je me suis beaucoup amusé avec ça. Et j'ai vraiment juste laissé les peintures à l'huile se mêler à tout ce qui est en dessous pour cette peinture, parce que j'avais ce beau fond rose, qui était en fait juste mon naphta rouge avec un peu de blanc dedans que je laissé sécher complètement. Je laisse une partie de cela jeter un coup d'œil dans des domaines clés. Certains des plis que vous pouvez voir sont un peu plus rouges. C' est là qu'une partie de ce contexte vient à travers et aussi dans l'arrière-plan derrière le donateur. Je voulais laisser passer une partie de ce rouge parce que je pense qu'il ajoute juste une belle touche de couleur et c'était un peu amusant à jouer avec. Et quand j'ai ajouté les saupoudres aux beignets, je ne me suis pas inquiété d'obtenir la forme exacte que vous pouvez voir sur la photo. Je viens d'ajouter des petits coups de couleur tout au long et un gauche ceux vraiment juste à un coup. Et je les ai laissés être tels qu'ils sont. Et je pense que, ça donne vraiment un joli look impressionniste lâche. Et aussi bien sûr, nous voulons nous rappeler que notre point focal est dans le visage du chien. Et c'est là que nous allons passer le plus de temps à peindre et à regarder comme le spectateur aussi. Donc maintenant je vais entrer et juste affiner certains des sombres, surtout dans les oreilles et ensuite je vais aller dans les yeux et corriger certaines des formes dans les yeux. Et il pourrait aussi y avoir des zones sombres dans les plis et les rides que j'ai besoin d'ajuster aussi bien et juste ajouter un peu plus de profondeur à ceux. Mais encore une fois, je ne pense pas à ces plis comme des lignes. Je pense qu'elles sont des formes individuelles qui sont encastrées et c'est là qu'elles vont être plus sombres. Et alors qu'ils courbent vers la surface lumineuse, nous allons obtenir nos tons moyens et nos valeurs moyennes. Et puis juste en haut de certaines de ces rides et plis dans le visage, nous pouvons ajouter juste un peu de faits saillants qui les ont vraiment aidés à se démarquer et à se sentir très tridimensionnels. Et comme je l'ai fait avec le Golden Retriever, je vais laisser les yeux dessus. Très, très simple. Je ne vais pas entrer et essayer de peindre les Iris individuellement. Bien sûr, les marques sur le visage de ce chien autour des yeux sont très sombres. Les yeux eux-mêmes sont sombres et très bruns. Donc, tout ce que je vais faire pour aider à donner vie aux yeux un peu plus, c'est juste ajouter un peu de mise en évidence et essayer d'obtenir les marques sombres autour des yeux aussi précises que possible. Inséquent. Je fais juste quelques derniers ajustements à l'arrière-plan avant d'aller dans les yeux. Comme d'habitude, j'aime garder ça pour la fin. Donc ici, j'ajoute un peu d'éblouissement dans les yeux. Donc ce n'est pas le point culminant, c'est juste une sorte d'éblouissement que je peux observer par, j'en ai fait un peu trop. Et donc je vais les repousser un peu. Je lave ma brosse en ce moment complètement parce qu'il y avait un peu de y retourner dans les sombres et maintenant je suis juste en train de repousser cette lumière éblouissement parce que c' était juste un peu de crédit lui a fait ressembler à il avait des cataractes. 25. Aperçu du processus de pug: D' accord. Ok. Oui. D' accord. Donc c'est ça. Alors, c'est ça. Le système de transition ? Non. Ok. Je ne sais pas. Oui. 26. Un regard plus proche de Watson: Jetons un coup d'oeil à Watson, le carlin des merveilles. Et tu sais ce qui est drôle ? J' ai un chien qui s'appelle Watson et il est assis juste à côté de moi. Watson, tu peux venir là-bas ? Nous sommes venus ici. Voici mon Watson et voici Hazel. Salut les gars. J' ai besoin de faire un tableau des gars de vue assis ensemble étant si bons. Je sais que vous allez poser pour moi pendant des heures. Peut-être pas. Bref, retour à Watson, le carlin des merveilles. Donc vous pouvez voir que nous allons le ramener et juste un peu plus près. Parce que pour lui, nous nous sommes concentrés sur la peinture des rides et des plis cutanés. Et j'espère que vous pouvez voir très clairement qu'il n'y a pas de lignes qui définissent ces rides. En fait, je pense que vous auriez du mal à identifier les rides individuelles. Mais je voulais faire était de créer une belle texture. Et j'y suis parvenu simplement en bâtissant mes valeurs. J' ai donc placé dans ces valeurs plus sombres, puis j'ai progressivement commencé à ajouter les valeurs plus légères pour créer un sentiment d' accumulation et de profondeur où ces plis cutanés se produisent. Et puis deux, dans ce petit beignet mignon, vous pouvez voir que je viens de bien faire un petit coup de trait de couleur. Et je pense que, cela ajoute un sens vraiment ludique au sens général de cette peinture que je veux qu'elle soit très colorée et très q. Et nous allons trouver quelques zones où je laisse cette toile rouge vraiment montrer par ici. C' est un peu difficile à voir, mais vous pouvez voir que ça passe à travers. Dans certaines régions. C' est quelque chose de très subtil. Mais j'ai l'impression que ça fait une différence. Au moins, ça fait une différence pendant que je peins. Cela m'aide juste à entrer dans un nœud plus ludique quand c'est ce que je vais faire dans la peinture. Donc oui, voilà Watson, le carlin des merveilles, tout fini. 27. Réflexions finales: Merci beaucoup d'avoir suivi ce cours. J' apprécie vraiment ça. J' espère vraiment voir vos projets en peinture dans la section projet de ce cours. Et encore une fois, si vous avez des questions ou si vous avez besoin de précisions, hésitez pas à poster toutes les questions que vous avez dans la section discussion de ce cours. Et n'oubliez pas de consulter mon catalogue d'autres cours de peinture ici sur le partage de compétences, vous trouverez beaucoup d'informations et j'ajoute toujours de nouveaux cours, alors assurez-vous de me suivre. Et comme toujours, la peinture heureuse.