Cours de cinématographie | Filmez des vidéos d'expert sur n'importe quelle caméra

1. Qui êtes-vous et que vais-je apprendre ?: Qu' est-ce qui se passe ? Je m'appelle Dale McManus. Je suis un cinéaste professionnel, photographe et YouTuber primé. J' ai un baccalauréat en cinéma et sept ans expérience dans le domaine de la vidéographie et de la photographie. Si vous vous demandez quel genre de vidéo de qualité vous allez pouvoir prendre d' ici la fin de ce cours, je vais vous montrer. Voici quelques-unes de mes images personnelles que j'ai prises en voyage dans différentes parties du monde, et que j'ai prises à pied à seulement cinq minutes de ma maison. Une autre partie folle, j'ai pris tout ça sur mon iPhone et la vidéo que je vous montre en ce moment a eu plus de deux millions de vues sur Facebook. Pas de blague, sérieusement, apprendre cinématographie professionnelle est ce qui vous sépare du reste du monde. J' ai conçu ce cours autour des reflex numériques et des smartphones, mais vous pouvez utiliser n'importe quel appareil photo que vous avez. J' ai conçu ce cours pour être aussi clair et concis que possible. J' utilise des graphiques et des enregistrements d'écran et mes propres exemples personnels pour vous garder engagé tout le temps. J' ajoute même des notes téléchargeables à la fin du cours afin que tout ce que vous avez à faire est de vous donner un coup de pied et de profiter du matériel. D'accord. Donc, ce cours est conçu pour tous ceux qui sont comme point, point, point. Une fois qu'ils deviennent un vidéaste et un cinéaste qualifié. Souhaite tourner une vidéo incroyable sans dépenser des milliers de dollars sur des engins coûteux. Souhaite documenter étonnamment leurs voyages et amplifier leurs comptes sur les réseaux sociaux. Souhaite transformer la vidéo et la cinématographie en une carrière professionnelle et veut tourner des courts métrages, films et apprendre l'art de la narration. Voici quelques-unes des choses que vous allez apprendre dans ce cours. Comment filmer des vidéos professionnelles en utilisant la composition de prises de vue, comment optimiser les paramètres de votre appareil photo pour prendre une meilleure vidéo, comment répliquer un film cinématographique comme le mouvement pour votre vidéo, comment créer un éclairage professionnel pour tout comment le storytelling peut instantanément booster votre qualité de production, comment filmer les gens, les paysages, l'architecture et bien plus encore pour stimuler vos réseaux sociaux ou montrer vos amis ou n'importe quel but vous pourrait avoir pour votre vidéo. Cela étant dit, passez à la leçon suivante et nous sauterons directement. 2. Qu'est-ce que la cinématographie ?: Qu' est-ce que la cinématographie ? D' après Internet, c'est l'art de capturer cinéma, c'est super ennuyeux. Voici mon point de vue, cinématographie consiste à raconter une très belle histoire, fixer le rythme, stimuler l'émotion et à maintenir un mouvement d'avance, à engager votre public. Mais surtout, la cinématographie consiste à comprendre l'instinct et les stimuli. L' instinct étant un modèle fixe de comportement en réponse à un certain stimuli, AKA, une réaction impulsive. S' enfuir d'un grizzli affamé qui veut vous arracher le visage, c'est une réaction instinct, le grizzli affamé étant le stimuli. Les stimuli est ce qui a déclenché la réponse à fuir, donc vous êtes probablement penser, cool Dale, mais ce que le f fait cela a à voir avec la cinématographie. [ inaudible] parce que c'est ici. Tir une grande vidéo, c'est apprendre à contrôler ces stimuli, vous arrivez à choisir ce que grizzly affamé que vous jetez à votre public il est logique. Autrement dit, plus vous apprenez et appliquez les règles de la cinématographie, plus vous contrôlez votre public, vous contrôlez les réactions. Tout et tout, il s'agit de savoir ce qu'il faut chercher, et pourquoi le chercher afin de prendre une meilleure vidéo que vos spectateurs ne voudront pas enlever leurs yeux. Mais avant de plonger dans les règles de cinématographie, nous devons faire des travaux préparatoires sur les caméras. Passez à la leçon suivante, et on parlera de trucs techniques. 3. Section caméra : introduction: Dans cette section, nous allons parler de la caméra. Qu' il ait un téléphone cellulaire intégré ou qu'il pèse 30 livres et dispose de 700 pièces jointes différentes, ils fonctionnent à peu près de la même façon. Nous allons passer à la résolution vidéo, la fréquence d' images, le ratio d'aspect, la distance focale, et tous les trucs fantaisie pour les reflex numériques, qui est le réflexe d'un seul objectif, ainsi que pour l'iPhone. Je vais même plonger dans mon sac photo et vous montrer ce que je travaille tous les jours. Je vais seulement parler de ces trucs techniques ennuyeux pour sauver votre cheval plus tard dans l'édition. Parce que quand vous téléchargez vos vidéos douces sur YouTube et Instagram et toutes ces choses et que vous avez compris que vous aviez un problème technique que vous ne pouvez pas résoudre, ça va craquer , je vous le promets. À l'un ou l'autre, vous ferez une erreur et cela vous coûtera beaucoup de temps. La dernière chose que nous voulons, c'est que vous ayez à refaire toutes vos images parce que vous avez foiré quelque chose. Donc tu dois savoir ça, cool ? Bon, faisons ça. 4. Qu'est-ce que la résolution vidéo ?: À un moment ou à un autre, vous avez probablement rencontré ces chiffres avec la lettre p à la fin. Le plus souvent trouvé sur YouTube et d'autres plateformes de streaming vidéo, où vous pouvez contrôler les paramètres de qualité. Ces chiffres sont la résolution vidéo, et pour le dire simplement, la résolution signifie qualité. Connaître ces chiffres bien déterminé si vos séquences seront floues et pixélisées ou si elles seront en haute définition. Prenons 1080p, par exemple. Le p signifie balayage progressif, qui est la méthode par laquelle la vidéo est dessinée sur l'écran devant votre visage. balayage progressif signifie que chaque ligne de vidéo est dessinée de haut en bas dans l'ordre séquentiel image par image. Il trace une ligne de vidéo en haut, va à la deuxième ligne, la troisième ligne, tout au long. Il le fait si vite que vous ne pouvez même pas le voir. Alors que l'opposé de ceci est 1080i, qui signifie balayage entrelacé. C' est là que toutes les autres lignes sont dessinées image par image sur l'écran en face de vous. Il commence à la ligne supérieure, saute une ligne, fait la deuxième ligne, saute une autre, en fait un troisième, et ainsi de suite, puis une fois qu' il est fait une passe, il passe pour une deuxième passe et remplit tous les autres espaces. La seule raison pour laquelle j'en parle est que la plupart des caméras modernes utilisent la numérisation progressive. Donc, il suffit de tenir à la p. La partie la plus importante est le nombre. Le nombre représente la quantité de lignes que la vidéo est haute, ou aussi la quantité de pixels qu'elle est haute. Plus il y a de pixels empilés les uns sur les autres, plus la qualité de la vidéo est élevée , aussi la qualité de la résolution est élevée. Par conséquent, pourquoi 1080p semble beaucoup clair que 360p. Une vidéo 1080p mesure une hauteur de 1 080 pixels par 1920 pixels de large. C' est en fait ce que je tire en ce moment. D' où, 1920 par 1080. Une vidéo 720p mesure 720 pixels de haut sur 1280 pixels de large, d' où 1280 par 720 et ainsi de suite et ainsi de suite avec 480, 360, 144, je pense qu'elle devient encore plus faible à une qualité merdique qui ne devrait jamais être utilisée. À mon avis, 1080p est le plus bas que vous devriez aller. Mais il y a un autre chiffre qui est plus élevé que tout ça, et ça s'appelle 4K. 4K mesure fondamentalement 4 000 pixels de hauteur. Mais en réalité, c'est 3,840, mais personne ne va être un collant à ce sujet, et 4K semble beaucoup plus sexy, rouler sur le ton. Je tire 3 840, de toute façon, appelons-le 4K. Les iPhones peuvent même tourner en 4K de nos jours. Le mien le fait, le tien le fait probablement aussi. Alors que la seule façon de tourner en 4K sur un reflex numérique est de dépenser des billets plus doux et plus dolly, sur le dernier modèle de Canon ou Nikon ou similaire. n'y a pas de téléphone intégré, mais j'aime toujours les reflex numériques. Je suis en train de tirer sur un en ce moment. Il y a des résolutions plus élevées qui existent comme 6K et 8K, mais les caméras commerciales les plus couramment vendues tournent jusqu'à 4K, ce qui est beaucoup. Je tire toujours dans au moins 1080p, sinon 4K. Je ne vais jamais en dessous. Voici ces résolutions trop élevées par rapport aux résolutions de moindre qualité. 4K et 1080p sont beaucoup plus grands et mieux dans le bon sens. Maintenant, je veux souligner que la taille physique de l'écran sur lequel votre public regarde votre vidéo, peut ou non changer ce rapport. Voilà ce que je veux dire. Un écran de cinéma et un iPhone sont des appareils de visualisation très différents. C' est là que la résolution entre en jeu. Si vous envisagez de lire votre vidéo sur un écran de film, alors 4K est probablement une meilleure façon de procéder. Plus la qualité est élevée, plus l'écran est grand que vous pouvez mettre la vidéo sans perdre de qualité. Si vous essayez de mettre comme une vidéo 720, ou même un 1080 sur un écran de film géant, ils vont devoir s'asseoir pour ne pas remarquer une grosse baisse de qualité. D' un autre côté, si vous lisez votre vidéo sur un iPhone et que la plupart des gens la regardent sur les réseaux sociaux, vous pouvez vous en sortir avec 720p. Je tourne habituellement en 1080p de toute façon, mais vous ne remarquerez vraiment pas une différence entre la qualité parce que le téléphone est si petit. Plus l'écran est petit, plus la qualité est faible que vous pouvez vous en sortir. Mais comme je l'ai dit, le tournage de qualité supérieure est toujours mieux. Vous pouvez toujours déposer une vidéo 4K à 720p plus tard dans le montage si vous essayez d'économiser de l'espace dans les fichiers. Mais tu ne peux pas aller dans l'autre sens. Si vous filmez en mauvaise qualité, vous ne pouvez pas l'évoquer. Tu as ça ? Cool. La prise de vue en haute qualité comme le 4K est excellente parce que dans le montage, vous pouvez apporter une vidéo 4K sur une chronologie 1080p, et en fait l'échelle jusqu'à deux fois la taille sans perdre de qualité. C' est comme ça que je tire tout le temps. J' aime avoir un peu de place dans le montage. Mais gardez à l'esprit que les fichiers 4K sont des fichiers très volumineux. Ils vont prendre beaucoup de place sur votre carte mémoire ou votre téléphone. Maintenant que vous comprenez la résolution vidéo, nous devons parler du rapport d'aspect. Passez à la leçon suivante, et on en parlera. 5. Qu'est-ce que le format d'image ?: Qu' est-ce que le ratio d'aspect ? rapport d'aspect est le premier cousin à la résolution vidéo, mais ils ne sont pas la même chose. Le rapport d'aspect est exactement ce qu'il dit qu'il est, c'est un rapport. Plus précisément, c'est le rapport largeur/hauteur dans votre vidéo, pas la largeur et la hauteur elles-mêmes, le rapport. Le rapport d'aspect le plus commun est 16 sur 9, 16 étant la largeur et 9 étant la hauteur. C' est un 16 à 9, comme en plus longtemps qu'il ne l'est. Si vous regardez cette vidéo sur un écran d'ordinateur ou un téléphone mobile, il s' agit du rapport d'aspect intégré à ces appareils. Si vous étiez en vie avant les années 1990 et capable de pensée cognitive, alors vous vous souvenez probablement de la plupart des écrans d'ordinateur et des écrans de télévision étant une forme carrée. Cette forme carrée est 4 par 3. J' aborde cela afin que vous puissiez voir la différence entre 4 par 3 et 16 par 9. Deux rapports complètement différents et deux formes vidéo complètement différentes. La plupart du temps sur un iPhone, vous n'avez même pas la possibilité de changer cela, ce qui est bon. Personne ne tire vraiment 4 par 3. n'y a aucune raison d'utiliser 4 par 3 à moins que vous ne fassiez un peu d'ambiance hipster '80 à votre vidéo, peu importe. Sinon, ne tirez pas dessus. Vos yeux voient la vie comme un rectangle, pas un carré étroit. n'y a pas de plus grande marque d'un vidéaste amateur que la casquette de danse 4 par 3 que vous ne savez même pas que vous portez. Avant de passer à autre chose, je tiens à souligner qu'un écran de cinéma et un écran d'iPhone sont 16 sur 9. Deux tailles d'écran très différentes qui nécessitent deux résolutions très différentes, mais le même rapport d'aspect. Assez facile, non ? Parlons des fréquences d'images. 6. Comprendre la fréquence d'images: Qu' est-ce qui se passe ? Il est temps de parler de fréquence d'images. Non, il ne s'agit pas d'une application iPhone pour évaluer les cadres photo dans votre région voisine. C' est la fréquence à laquelle les images vidéo sont enregistrées par seconde. C' est ce qu'on appelle trames par seconde ou FPS. Qu' est-ce qu'une image vidéo ? Eh bien, ce n'est qu'une image, donc les images d'une vidéo ne sont qu'un tas de photos jouées l'une après l'autre. Pensez à la fréquence d'images comme le nombre d'images prises en une seule seconde de votre vidéo. Plus la fréquence d'images est faible, moins vous avez d'images et plus la fréquence d'images est élevée, plus vous avez d'images. Facile, non ? Sérieusement les gars, c'est l'un des délices les plus souvent négligés à la vidéo génial jamais. Les taux d'images les plus courants dans n'importe quel appareil photo moderne sont aussi bas que 24 à 240 images par seconde. Si vous deviez enregistrer une vidéo à 30 images par seconde et enregistrer exactement la même chose à 240 puis les lire, vous ne remarqueriez probablement pas beaucoup de différence. Autrement dit, jusqu'à ce que vous le ralentissez. Voyez à quel point celui de droite est clair par rapport à celui de gauche ? Qu' en est-il des 240 images par seconde qui le rendent tellement mieux que les 30 images par seconde ralenties à moitié vitesse ? Cela est dû au fait qu'avec moins d'images par seconde, moins nous avons d'informations à travailler dans l'édition. Pensez-y de cette façon, l'œil humain fonctionne exactement comme une caméra, sauf que notre œil humain ne peut traiter qu' autour de 30-60 FPS avant même de ne pas remarquer une différence. Le seul moyen que nous pourrions, c'est si nos esprits pouvaient contrôler le temps et l'espace et ralentir la vie à 50 % de vitesse. Eh bien, 50 % de vitesse, ce serait plus long et plus lent. Malheureusement, la science n'a pas encore fait de pilule pour ça. Quoi qu'il en soit, pourquoi est-ce si important ? Parce que lorsque vous montez plus tard, votre œil va le traiter à environ 30 images par seconde, donc quand vous ralentirez une vidéo de 30 images par seconde à 15 images par seconde, ce qui correspond à la moitié de la vitesse, il va regarder agité et franchement amateur. Tout en ralentissant une vidéo plus élevée par seconde comme disons 60 ralentit cela à la moitié de la vitesse, et maintenant vous avez une belle netteté lisse 30 images par seconde. Encore plus lent, mais maintenant vous avez plus d'images dans cette vidéo qui la rendent beaucoup plus propre. Pour obtenir un ralenti vraiment lisse et net, vous avez besoin d'une image plus élevée par seconde comme 60-240. L' autre raison pour laquelle cela est si important est parce que fréquence d'images détermine le style de notre métrage. Voici deux photos de la même action. L' une est jouée en 24 images par seconde et l'autre en 60 images par seconde. Voyez-vous comment celui qui est en 24 images par seconde a mouvement de cinéma classique qui lui est flou ? Celui qui est de 60 images par seconde est beaucoup plus net car il a plus d'images à mélanger. Il obtient une belle image claire 60 fois en une seconde par rapport à 24. Cela signifie-t-il que vous devez enregistrer en 24 images par seconde ? Non, tu ne le fais certainement pas. Vous pouvez enregistrer dans une fréquence d'images élevée, puis l'éditer plus tard et le rendre à 24 images par seconde si vous le souhaitez vraiment. Il est toujours préférable d'enregistrer dans une fréquence d'images plus élevée si vous le pouvez, sorte que vous avez la possibilité de ralentir sans qu'il ait l'air agité. Ça a du sens, non ? Passez à la leçon suivante et nous allons vous parler de quelques lentilles. 7. Objectifs et profondeur du champ: La plupart des gens sur la planète savent ce qu'est une lentille, mais peu de gens savent à quel point une lentille affecte vraiment un tir. Chaque objectif a ce qu'on appelle la longueur focale, et la longueur focale est mesurée en millimètres. Vous avez des lentilles très larges, et vous avez des lentilles très téléobjectif, et vous avez des lentilles qui peuvent faire les deux, qui sont appelées lentilles zoom. Je tire sur un en ce moment. Typiquement, les objectifs larges sont beaucoup plus courts, tandis que les téléobjectifs sont beaucoup plus grands. Afin de comprendre quelle lentille vous devez tirer, vous devez penser à votre tir. Si c'est une pièce intérieure, alors un objectif large va prendre beaucoup plus qu'un téléobjectif. C' est parce qu'un téléobjectif ne vous permet pas de sauvegarder beaucoup pour obtenir tout dans la prise de vue. Chaque fois que je tourne un intérieur petit, j'utilise toujours un objectif large. Si vous photographiez des paysages, vous pouvez vous en sortir avec un large ou un téléobjectif si vous voulez. Cela dépend de la partie du paysage que vous voulez photographier. Si vous voulez capturer l'image entière, allez-y et utilisez un objectif large ou standard. S' il y a un sujet en arrière-plan que vous voulez mettre au zéro, alors vous aurez besoin d'un téléobjectif, cela vous fera économiser une tonne de marche. Si vous photographiez en basse lumière, alors un téléobjectif va couper beaucoup de votre lumière. Ça va rendre votre image beaucoup plus sombre. C' est parce que plus la lentille est grande, plus il y a de verre à l'intérieur, et chaque vitre qui est à l'intérieur va couper votre lumière petit à petit. Lorsque vous photographiez dans des zones lumineuses, ce n'est pas du tout un problème, mais dans des conditions de faible luminosité, vous voudrez peut-être rester avec un objectif plus petit et vous rapprocher de votre sujet. Si vous photographiez près d'un objet, alors un objectif large obtiendra non seulement votre sujet, mais il obtiendra également l'environnement environnant et fournira une image plus large de ce que vous regardez alors qu'un téléobjectif sera vraiment capable de fermer dans l'image et il va créer un beau fond flou, qui est appelé profondeur de champ. La profondeur de champ est essentiellement la plage de netteté de votre image. Vous pouvez avoir une grande profondeur de champ où tout est mis au point, ou vous pouvez avoir une petite profondeur de champ où seul votre sujet est mis au point, et l'arrière-plan est floue. Voici une profondeur de champ vraiment peu profonde sur un téléobjectif. Je peux le jeter ou le ramener en changeant ma bague de mise au point. Si vous filmez des gens, alors un objectif large et un téléobjectif vont avoir des distorsions de visage très différentes. Si vous tournez une vidéo rap, utilisez un objectif large, mais si vous voulez filmer une entrevue de mariage, par exemple, vous allez vouloir sauvegarder et utiliser le téléobjectif afin de vous rapprocher sur le émotion et de conserver une forme de visage régulière. La lentille large déforme vraiment votre visage. Pensez simplement à la prise de vue et choisissez une lentille en conséquence. Mon objectif préféré de tous les temps est le 18-135. Je tire dessus en ce moment ; c'est génial. Je le recommande fortement parce que vous pouvez aller de très large, 18 millimètres, donc je peux être dans une pièce et obtenir la plupart de la pièce, et je peux zoomer sur 135 et obtenir vraiment de gros plan sur objets et obtenir ce très beau fond flou profondeur de champ en cours. Le pire, c'est quand tu es sur le point de rater un tir parce que tu te brouilles avec tes lentilles. Si vous filmez sur un iPhone, alors vous avez beaucoup moins de contrôle, mais vous n'êtes pas à court de chance. Je tourne sur mon iPhone à peu près autant que mon reflex numérique, sinon plus. Il y a des lentilles spéciales que vous pouvez acheter pour votre iPhone qui vous donnera téléobjectif, macro, large, tout cela. Je vais fournir un lien vers Amazon afin que vous puissiez les consulter également. Livré dans ce joli étui aussi. La raison pour laquelle j'aime ça, c'est parce que vous ne voulez pas utiliser la fonction de zoom numérique sur votre iPhone. C' est absolument la pire chose. Ça transformera un super coup en un tas de merdes flous. N' utilisez pas le zoom des deux doigts. 8. DSLR : comment modifier la résolution et la fréquence d'images: Si vous n'avez pas de reflex numérique et que vous voulez filmer sur un téléphone ou une autre forme d'appareil photo, n' hésitez pas à passer à la section suivante. Si vous avez un reflex numérique et que vous êtes nouveau pour eux, alors ce truc est important. Voici comment modifier la fréquence d'images et la résolution de votre appareil photo reflex numérique. Ils vont tous être un peu différents, mais ils ont tous à peu près les mêmes fonctions de menu, donc juste un peu de recherche et mon reflex numérique pourrait correspondre au vôtre. Il suffit d'allumer l'appareil photo, puis d'aller dans le menu, qui se trouve en haut à gauche de mon appareil photo. Ensuite, utilisez la molette de défilement pour naviguer jusqu'à la taille de l'enregistrement vidéo. Cliquez sur le bouton Définir pour accéder à cet élément de menu. Ensuite, vous pouvez utiliser à nouveau la molette de défilement pour modifier la fréquence d'images et la résolution. Ce n'est pas un des derniers modèles de Canon parce que je ne suis pas un baller comme ça, mais bientôt espère, peut-être, je ne sais pas, nous verrons. Donc, je ne peux aller jusqu'à 1920 par 1080 à 30 images par seconde. Je dois descendre à 720p pour passer à 60 images par seconde. Mais de toute façon, c'est comment les changer sur votre reflex numérique. 9. iPhone : comment modifier la résolution et la fréquence d'images: Très bien, je vais vous montrer comment ajuster la résolution et la fréquence d'images sur votre téléphone. Accédez simplement à vos paramètres, naviguez jusqu'à l'appareil photo et appuyez sur Enregistrer la vidéo, où vous pouvez maintenant choisir n'importe quel paramètre que vous souhaitez. Tout comme une haute résolution, plus la fréquence d'images que vous choisissez, plus l'espace que cela prendra sur votre téléphone. Donc, les fichiers 4K à 60 images par seconde vont prendre beaucoup plus. Ou aussi 1080 à 120 ou 240 vont prendre beaucoup plus que dire 720 à 30 ou 720 à 60. Pour la vidéo régulière, je colle généralement à 1080 à 60 images par seconde, sauf si je trouve une raison de passer à 4K. Si vous revenez en arrière d'un menu, vous pouvez choisir la fonction slo-mo et vous pouvez modifier vos paramètres slo-mo. Je mets généralement cela à 1080 à 240 images par seconde. C' est pour que quand je tourne, tout ce que j'ai à faire est de glisser une fois et je peux passer de 1080 à 60 à 1080 à 240. Ou si ma vidéo normale est réglée à 4K, alors je peux toujours passer de 4K à 1080 à 240. Le but d'avoir cette fonctionnalité Slo-mo sur votre téléphone est de sorte que vous pouvez passer à elle très rapidement. Réglez-le à une fréquence d'images plus élevée afin que vous puissiez obtenir un mouvement vraiment net, propre et lent. Bien que si vous enregistrez votre grand-mère soufflant ses bougies de 92 ans, 1080 à 240 est un peu exagéré. Vous pouvez vous en sortir avec des vidéos régulières à 1080, à 30 images par seconde. Mais si vous êtes ami très peu athlétique est sur les essais premier rétro-éclairé pour la première fois, vous voulez obtenir cela en 1080 à 240. Crois-moi, tu seras vraiment content que tu l'aies fait. Aussi, pendant que nous sommes dans ce menu, activez la fonction de grille, il suffit de la tourner en vert car cela aidera plus tard pour la règle des tiers et en vous assurant que vous avez un cadre très niveau avec l'horizon. 10. Qu'y a-t'il dans mon sac de photo ?: Quoi de neuf, les gars ? Je vais aller dans mon sac d'appareil photo moment et discuter de ce que j'apporte avec moi chaque jour chaque fois que je tire et pourquoi j'ai certaines choses qui pourraient me sauver le cul si je rencontre un problème. Commençons. [ inaudible] nous allons ici. D' abord, la plus évidente. J' ai mon reflex numérique. Normalement, je l'ai mis dans un étui de protection, mais pour le décompresser, c'est là. J' ai un Canon T3i, c'est un modèle plus ancien que je cherche à en obtenir un nouveau bientôt. Mais peu importe, très important pour quand vous filmez est d'avoir quelque chose à tirer avec. Ensuite, j'ai mon trépied. C' est petit, portable, léger. Je l'ai depuis très, très longtemps. C' était en fait un coup de main de mon père. C' est un ajustement léger [inaudible] dans mon sac. Il devient assez grand, je pense à peu près comme mon niveau de poitrine. Nous recommandons certainement d'avoir un trépied très léger et agréable pour voyager avec. Je voyage beaucoup quand je tire et cela est vraiment utile. Ensuite, j'ai mon ordinateur portable. J' apporte toujours cela avec moi quand je tourne, parce que quand vous avez besoin de transférer des images et votre lieu aléatoire intérieur, cela aide d'avoir un ordinateur portable complètement chargé parce que je manque d'espace sur mes cartes. Parfois, j'oublie d'en apporter une, une en plus et on ne sait jamais quand vous allez devoir transférer vos images ou quand vous attendez la pluie ou le soleil est trop dur ou quoi que ce soit, il y a trop de bruit de la circulation. Vous pouvez éditer vos vidéos pendant que vous attendez. Si vous pouvez adapter votre ordinateur portable, je le recommande. Ne vous faites pas voler votre sac et parce que j'apporte mon ordinateur portable, j'apporte aussi mon disque dur ou mon disque dur et mon câble. C' est très pratique. Parfois, vous manquez d'espace sur votre ordinateur et parfois vous devez donner des vidéos à vos amis avec lesquelles vous filmez, quoi que ce soit. Il est toujours utile d'avoir un disque dur ou peut-être un lecteur USB léger que vous pouvez échanger entre les ordinateurs. Très pratique. Une autre chose que je porte avec moi et je trouve celui-ci probablement la chose la plus utile dans ce sac est un chargeur de batterie portable. J' ai ça pour 10$ à Walmart. Super utile. Allumez cela [inaudible]. Plutôt génial. Vous pouvez charger votre téléphone avec lui, vous pouvez charger la batterie de votre appareil photo, GoPro, quoi qu'il soit. Ça aide vraiment quand vous marchez et que vous n'avez pas de points de vente en vue pendant un moment. Ensuite, j'ai un rideau de douche. C' est drôle. C' est en fait pour l'éclairage. J' en parlerai plus tard. Je ne le porte pas tout le temps avec moi, mais quand je sais que je tourne une vidéo de style court-métrage, j'en apporterai une. Presque oublié, j'apporte aussi mon chargeur à mon reflex numérique. N' oublie pas ça. On ne sait jamais. J'ai mon étui de microphone. J' utilise le microphone en ce moment, mais à l'intérieur d'ici, j'ai un câble qui se branche dans mon reflex numérique. J' utilise l'iPhone 1 en ce moment. J' ai aussi un pare-brise qui passe sur mon micro. Quand c'est super venteux, tu peux jeter ça. Ça s'appelle aussi un chat mort. Un nom drôle, mais vous pouvez le jeter sur le micro et il bloque tout le vent. Très utile. J' ai aussi une lumière qui va au-dessus de mon reflex numérique. Plutôt lumineux. Il se fixe en fait sur le dessus avec le support de chaussure chaude. suffit de le glisser droit dessus, de le faire tourner. Ensuite, je peux filmer avec un peu de lumière et j'ai mes lentilles pour mon iPhone. J' aime beaucoup leur tirer sur iPhone, c'est vraiment pratique et pratique. Ce sont des lentilles qui vont sur l'iPhone. Il s'agit d'un téléobjectif large, d'un objectif CPL et d'un objectif macro. Vous venez de vous clipser à l'avant. Ils étaient assez bon marché pile comme $20 sur Amazon et dernier mais pas le moindre, j'ai mon cas Osmo Mobile par DJI. A l'intérieur, il y a mon DJI Osmo Mobile. C' est génial pour la stabilisation. Ton téléphone s'allume. J' en parlerai plus tard, un excellent outil. A l'intérieur de l'étui, j'ai aussi le chargeur pour ça. J' ai un chargeur de voiture. C' est bien si vous ne voulez pas gaspiller cette batterie portable que je vous ai montrée, vous pouvez utiliser un chargeur de voiture si vous êtes près de votre voiture. C'est bon avoir. J' ai aussi une batterie supplémentaire pour l'Osmo. Toujours bon d'avoir des piles supplémentaires. Je n'ai pas de batterie supplémentaire pour mon reflex numérique, vous devriez certainement. La raison pour laquelle je ne le fais pas est parce que c'est si vieux et je ne pense pas qu'ils en font plus, mais une bonne idée d'avoir des piles supplémentaires et c'est tout. Tout ça va probablement jusqu'à environ 20 kilos peut-être. Je voyage beaucoup quand je tire comme je l'ai dit. Ce n'est vraiment pas si mal. Je vais laisser quelques choses derrière moi si je sais que je ne vais pas en avoir besoin, mais en général, bon d'avoir des sauvegardes pour les choses, bon d'avoir d'autres moyens de charger tout ce qui permettra d'économiser votre batterie. Cela dit, passons à la section suivante. 11. Exposition : introduction: Exposition. Non, je ne parle pas d'un homme nu en trench ou de la raison pour laquelle vous vous faites piéger pour travailler gratuitement. Je parle de la quantité de lumière dans votre vidéo. L' exposition dans les termes les plus simples est la luminosité ou l'obscurité de votre image. Savoir comment obtenir une bonne exposition permettra aux professionnels de se démarquer des amateurs. Rien ne craint pire que d'entrer dans votre programme d'édition et d'importer vos séquences uniquement pour réaliser que votre photo est super soufflée comme ça, ou qu'il fait super sombre comme ça, et aucune quantité de filtres de luminosité et de contraste ne va vous aider. Donc, dans cette section, nous allons parler d'ouverture et de f-stop. Nous allons parler de l'ISO et de la prise de vue dans des conditions de faible luminosité. En plus de passer en survolant certains problèmes d'exposition typiques que vous pourriez avoir pendant votre prise de vue et d'autres parties de l'appareil photo qui affecteront votre exposition. Crois-moi, ce truc est si important que tu vas vouloir rester dans le coin. 12. Ouverture et vitesse d'obturation pour la cinématographie: Cette partie suivante va sembler un peu difficile, mais je vais essayer de l'expliquer aussi simplement que possible. Faisons-le. Chaque fois que vous prenez une vidéo avec votre reflex numérique, il y a un anneau à l'intérieur de l'objectif de l'appareil photo qui peut être ouvert ou fermé pour laisser plus ou moins de lumière dans votre vidéo. Cette bague s'appelle l'anneau d'ouverture. Plus le trou est grand, plus il y a de lumière dans votre vidéo, ce qui la rend plus lumineuse. Plus le trou est petit, moins la lumière entre, ce qui le rend plus sombre. Assez facile. dieux de la caméra voulaient jeter une clé de singe dans ce plan alors ils ont décidé qu'on devrait mesurer dans des arrêts F. En termes techniques, F-stop est le rapport entre la longueur focale et l'ouverture. Quoi ? C'est ennuyeux, confus et stupide. Pensez simplement à F-stop comme la quantité de lumière qui passe à travers votre objectif et dans votre vidéo. Mais pour rendre les choses plus irritantes, les dieux de la caméra ont dit  : « Mesurez-les à l'envers. » Fondamentalement, le plus grand ensemble est étiqueté comme un nombre plus petit tandis que le plus petit trou est étiqueté comme un plus grand nombre. Stupide, mais peu importe. Si vous filmez sur un reflex numérique que vous devez vous en souvenir et vous pourriez aussi bien le tatouer sur votre avant-bras pendant que vous y êtes. En ce qui concerne l'iPhone, vous n'avez pas besoin de connaître l'ouverture et le F-stop. Apple a rendu cela très simple et a juste appelé cette exposition. Ils ont juste fait un simple balayage vers le haut et vers le bas pour le changer. J' en parlerai plus tard. Si vous changez l'ouverture de votre reflex numérique, qui est ce numéro, vous devez également changer ce numéro. Ce nombre est la vitesse d'obturation. La vitesse d'obturation fonctionne beaucoup comme la fréquence d'images, sauf que ce n'est pas pour le traitement, c'est pour la lumière. Contrôle essentiellement la quantité de lumière entre dans chaque image de votre vidéo. Plus l'obturateur se déclenche rapidement, moins la lumière pénètre alors que plus il se déclenche lentement, plus il est ouvert, ce qui laisse plus de lumière entrer. Cela affecte également le flou de mouvement. Voyez-vous ce que je veux dire à propos de cette section confuse ? Ours avec moi. Fondamentalement, plus l'obturateur est ouvert, plus le flou de mouvement est élevé, par opposition à une vitesse d'obturation rapide, ce qui crée une image plus nette. En règle générale, si vous photographiez au milieu de la journée et qu'il y a beaucoup de lumière, vous pouvez fermer votre ouverture à environ 5, 6, ce qui est une taille assez standard et vous en sortez avec une vitesse d'obturation plus rapide. Si vous photographiez dans une faible luminosité, vous voudrez ouvrir votre ouverture pour laisser entrer plus de lumière et utiliser une vitesse d'obturation plus lente. Cela permettra également plus de lumière d'entrer dans votre vidéo. Je n'utiliserais pas trop de mouvements rapides sinon tu auras beaucoup de flou de mouvement. Passez à la leçon suivante et nous parlerons un peu plus de l'exposition. 13. Pourquoi tirer plus sombre est toujours mieux: J' ai été malade depuis un moment, donc je suis peut-être un peu nasale. Désolé. Si vous pouvez vous en remettre, alors nous allons vous dire pourquoi tirer plus sombre vaut mieux que tirer plus lumineux. Voilà ce que je veux dire. Dans certains scénarios, vous tomberez sur un plan où vous essayez d'exposer correctement votre sujet et votre arrière-plan, ou le ciel, ou où qu'il soit, est vraiment soufflé. Cela m'arrive beaucoup quand je tourne des montagnes et de l'architecture et des choses comme ça, où je suis à l'extérieur. Être soufflé signifie qu'il y a tellement de lumière que vous perdez réellement l'image derrière elle. Dans ce cas, il est toujours préférable de sous-exposer juste un peu plutôt que de surexposer. Parce que lorsque vous sous-exposez, vous pouvez toujours en retirer des détails plus tard dans la post avec des effets de luminosité ou d'exposition. Mais une fois qu'il devient trop lumineux, il n'y a pas de le ramener. Une fois que vous avez perdu le détail derrière l'image, vous ne pouvez pas la récupérer. Alors enregistrez cette astuce dans le fond de votre esprit où vous en aurez certainement besoin parce que cela arrivera un jour où vous êtes comme : « Je ne sais pas quoi faire. Dois-je exposer pour le ciel ? Mais maintenant mon sujet est trop sombre. Dois-je exposer pour mon sujet ? Mais maintenant mon ciel est soufflé. » Va juste un peu plus sombre. Vous pouvez toujours faire apparaître ces ombres plus tard pendant que vous modifiez. Pas trop sombre car alors vous perdrez votre image. Juste un peu, mais un peu plus lumineux est beaucoup plus catastrophique qu'un peu plus sombre. Souvenez-vous de ça. De plus, passer en revue vos séquences en milieu de journée sur votre appareil photo ou votre téléphone peut être extrêmement trompeur. Je l'ai fait beaucoup de fois où je le regarde en disant  : « Ouais, ça a l'air juste. » Puis je rentre à la maison plus tard seulement pour réaliser que j'avais complètement tort. C' était trop surexposé. Parfois hors de la concentration. Crois-moi, ça arrive aux meilleurs d'entre nous. Quand vous êtes dehors, essayez de vous couvrir avec une chemise, une serviette, ou un ami, je m'en fiche et en cas de doute, sous-exposez juste un peu. Sur la leçon suivante. 14. Comment la fréquence d'images et l'exposition à l'effet d'obturation: Cette leçon porte sur la façon dont la fréquence d'images et la vitesse d'obturation affectent l'exposition. Je sais, encore une chose à craindre. fréquence d'images et la vitesse d'obturation affectent toutes deux l'exposition de la même manière. Plus la fréquence d'images ou la vitesse d'obturation est élevée, l'image est sombre, plus la fréquence d'images ou la vitesse d'obturation est faible, plus l'image est brillante. Plus la lumière entre. Mais la vitesse d'obturation et la fréquence d'images ne sont pas la même chose. Pour vous junkies en maths, une vitesse d'obturation de 400 est en fait un - quatre centième de seconde. Pour une vidéo de 30 images par seconde, cet obturateur est ouvert pendant un quatre centième de seconde, 30 fois en une seconde. Tu penses probablement, Del, pourquoi tu me jettes toutes ces maths ? C' est trop, c'est censé être artsy, ralentir votre rouleau. Heureusement pour toi, tu n'as pas à te souvenir de ces maths. Tout ce que vous devez vous rappeler est que plus la fréquence d'images ou la vitesse d'obturation, ou les deux, votre image sera sombre et plus la fréquence d'images est faible et plus la vitesse d'obturation est faible , plus votre image peut être brillante. Voici un exemple, voici exactement la même image avec les mêmes conditions d'éclairage, sauf que l'une est à 30 images par seconde et l'autre à 240 images par seconde. Si vous souhaitez capturer quelque chose qui ralentira plus tard dans montage et que vous souhaitez le capturer à 240 images par seconde, envisagez de lancer plus de lumières dans votre scène ou de prendre des photos à l'extérieur par beau jour. Je vais vous montrer comment changer la fréquence d'images et la vitesse d'obturation sur un iPhone et un reflex numérique dans la section suivante. Maintenant pour la vitesse d'obturation. Voici exactement la même photo, sauf que l'une d'entre elles est prise à une vitesse d'obturation d'une seconde et l'autre est prise à un centième de seconde vitesse d'obturation. Voyez comment la vitesse d'obturation plus rapide est beaucoup plus sombre ? Pour compenser sur un reflex numérique, ouvrez simplement votre ouverture un peu plus et laissez entrer plus de lumière et vous pouvez garder cette vitesse d'obturation rapide. Si une vitesse d'obturation rapide est sur votre vidéo, vous n'aurez pas beaucoup de flou de mouvement. Si c'est lent, vous le ferez. Très bien, parlons de la façon de modifier ces paramètres sur votre téléphone et votre appareil photo reflex numérique. 15. Composition des prises : introduction: Nous sommes arrivés à ma partie préférée du cours. Shot composition pour la cinématographie, se sent bien. Mains vers le bas, la partie la plus importante de la prise vidéo est d'apprendre les règles de la composition des prises de vue. Sérieusement, c'est plus important que la naissance de ton fils premier-né. Si vous avez suivi mon dernier cours sur la photographie, vous saurez que je dis que la composition des prises de vue est le faire ou le briser entre le professionnalisme et l'heure amateur. Vous pouvez avoir tous les gadgets et équipements les plus fantaisistes au monde pour filmer vidéos impressionnantes et vous pouvez toujours tirer comme votre grande tante [inaudible] avec un téléphone à rabat Razor. Qu' est-ce que la composition du tir ? Eh bien, pour le savoir, nous devons savoir ce qu'est un plan, et un plan est juste un cadre qui est arrangé avec des objets et des formes qui sont utilisés pour constituer une composition. La composition de tir est juste d'organiser ce cadre avec ces objets et formes avec but. Vous devez filmer avec but si vous voulez être un bon cinéaste. Dans ces prochaines sections, nous allons parler de perspective et de point de vue, et de la règle de 180 degrés, de la salle de manœuvre, et de la marge de manœuvre, et toutes ces choses. Nous allons vous parler de la façon dont vous pouvez utiliser tout cela pour vous aider à raconter une histoire dans votre cinématographie. Croyez-moi, c'est du matériel que vous ne voulez pas manquer. Il est extrêmement précieux. Faites attention, profitez-en. Je vais rendre ça amusant. Je me sens bien, c'est une bonne section. Faisons-le. 16. Perspective et narration: Dans cette section, nous allons parler de perspective et de narration. La perspective est tout sur les angles et la position de la caméra. Si vous n'aimez pas votre tir, un simple changement de prospective peut vous apporter ce que vous cherchez. Beaucoup de gens ont tendance à changer la position de leur caméra tant de fois avant de trouver quelque chose qu'ils aiment. Ils planent comme un guépard en bas une gazelle en attendant leur tir. Je le sais parce que c'est à ça que j'ai l'air. Mais pour éviter ce jeu de devinettes, vous pouvez apprendre les types de perspective et juste penser au sentiment du tir que vous essayez d'obtenir. Je vais vous expliquer. D'abord, vous avez un angle bas. L' angle bas ramène votre spectateur à la perspective d'un enfant où votre sujet est beaucoup plus supérieur à cet angle. Dans un sens, l'angle bas est comme un enfant qui regarde ses parents, littéralement et au sens figuré. Les enfants regardent leurs parents et même avec nous quand on regarde un sujet quand on tourne. Quand on regarde le sujet, c'est plus important à cet angle. Nous l'apprécions plus. C' est comme être une fourmi dans une jungle. Tout ce que vous regardez cet angle a du pouvoir. Il suffit de descendre au sol aussi bas que possible. Ou si vous photographiez une architecture très haute, vous n'avez probablement même pas besoin de monter sur le sol. Tu peux juste tirer dessus. Mais parfois, vous devrez vous allonger sur le sol pour obtenir le tir parfait. Je le fais tout le temps. Tu vas probablement ressembler à un idiot quand tu le feras. Mais peu importe, je veux dire, la meilleure vidéo vient de faire des choses que les autres ne sont pas prêts à faire. Vous ne voyez pas beaucoup de touristes allongés sur le sol essayant d'obtenir cet angle parfait. Séparez-vous des touristes. Suivant est grand angle. L' angle élevé peut rendre votre sujet beaucoup plus petit, et il peut ajouter beaucoup de profondeur à votre vidéo. Vous pouvez utiliser cet angle pour rendre votre sujet plus faible et impuissant. C' est comme un antagoniste qui se lève sur un protagoniste, et qui est puissant. Ne me déteste pas. Cet angle vous donne l'air faible à moins d'essayer de faire ça. En vidéo de voyage, ce que je fais est d'utiliser un angle élevé pour ajouter beaucoup de profondeur à ma scène et rendre mon sujet, qui pourrait être moi-même, beaucoup plus petit, comme si je suis une fourmi dans une jungle, un peu comme un angle bas , mais d'un point de vue complètement différent. Il montre à quel point le monde peut vraiment être grand parce qu'il expose beaucoup de terrain. Cela dépend vraiment de l'histoire que vous voulez raconter. drones sont vraiment bons pour grand angle. Si vous avez un drone, je vous conseille de l'utiliser pour obtenir ce type d'angle. Mais si vous ne le faites pas, vous pouvez utiliser une échelle. Vous pouvez coller vos mains en l'air, tenir sur les épaules d'un ami pour tout ce que je m'en soucie. Je peux atteindre cet angle quand je fais une randonnée et que tu arrives au belvédère en haut. Je veux dire, cet angle se trouve dans beaucoup plus d'endroits que vous ne le pensez. Suivant est le point de vue à la première personne. C' est une excellente perspective pour amener le public dans vos chaussures. Cette perspective est comme si vous regardez à travers les yeux de la personne qui l'éprouve, et cela peut ajouter beaucoup de réalisme à votre vidéo. Une GoPro est le choix le plus évident pour ce type de perspective. Je l'utilise quand je fais des sports d'action comme le surf, le parachutisme et des choses comme ça. Vous n'avez pas besoin d'une GoPro pour faire cette perspective. Vous pouvez tenir la caméra à l'endroit où votre œil regarde, mais vous êtes limité à ce que vous pouvez effectuer tout en faisant cela. C' est pour ça que j'aime la GoPro. Je ne tourne pas vraiment des vidéos entières avec cette perspective, mais je les saupoudrer dans mes modifications régulières pour garder mes spectateurs sur leurs orteils et leur faire sentir qu'ils sont vraiment là. Enfin, nous avons des gros plans, des plans moyens et longs. La différence entre ces prises de vue est simplement de déplacer votre appareil photo plus près ou plus loin de votre sujet. Mais rappelez-vous que chaque coup de feu aide à raconter une histoire. Pensez d'abord à l'ensemble de votre scène avant déterminer la distance ou la proximité dont vous avez besoin pour être sujet. Disons que vous tournez une conversation entre deux personnes. Un gros plan est utilisé lorsque les choses deviennent vraiment sérieuses ou intenses et que la conversation s'intensifie vraiment. Nous utilisons des gros plans pour se déplacer sur leur visage. Mais plus important encore, leurs yeux. Leurs yeux sont la partie la plus importante. C' est ce qui donne le plus d'émotion. Plus le tir est proche des yeux, plus il se sentira profond. C' est assez profond. En outre, les gros plans sont parfaits pour les prises de vue de produits et les prises de vue macro. Si la conversation est assez calme et normale, vous pouvez utiliser un plan moyen pour garder le spectateur à distance et simplement déterminer qui parle. Tout dépend de l'endroit où vous voulez que le spectateur regarde et pourquoi. La raison pour laquelle nous nous approchons est ce qui est si important. Vous devez être proche quand les choses sont intenses et vous devez être loin quand elles ne le sont pas. Mais les longs plans sont une autre histoire. Les plans longs sont utilisés pour montrer un sujet par rapport à son environnement. Ce type de prise de vue permet à vos sujets de se démarquer du reste de son environnement. peu comme cette photo que j'ai eue de mon ami, Alex, pendant qu'on est au Pérou au milieu du désert. La quantité d'espace négatif dans la scène aide vraiment le sujet à sortir du reste de son environnement, et la distance donne tellement de profondeur à la scène. Vous pouvez vraiment voir à quel point l'environnement est vraiment vaste et combien le sujet est petit par rapport à cet environnement. Vous pourriez le faire avec un angle élevé aussi. Pour rendre les choses encore plus profondes, vous ajoutez une perspective entièrement nouvelle à un plan long en utilisant un angle élevé avec celui-ci. Vous pouvez mélanger et faire correspondre ces points de vue. Maintenant que nous avons couvert la perspective et comment elle vous aide à raconter l'histoire de votre scène, nous devons maintenant parler du point de vue et de la façon dont elle peut vous aider. Passez à la leçon suivante. 17. Types de points de vue: Il est temps de parler de point de vue. Le point de vue est l'une des choses les plus simples et les plus ingénieuses que vous pouvez trouver dans votre environnement pour aider à concentrer l'attention de vos spectateurs. Sérieusement, cela heurte automatiquement votre vidéaste points 10 plis. Le point de vue est un point ou une zone de mise au point créée par des lignes de début. Vos yeux aimaient être guidés. En tant que directeur de la photographie, nous utilisons des lignes dans la vie quotidienne pour aider à diriger ou à guider le spectateur là où nous voulons qu'il aille. Ces lignes de début commencent généralement à l'extérieur du cadre et se déplacent vers l'intérieur jusqu'à un point ou une zone unique. En plus de guider rapidement vos yeux à travers votre vidéo, ils sont également très utiles pour connecter le premier plan à l'arrière-plan, le premier plan étant la zone la plus proche de la caméra. Pensez à ces lignes comme un appât pour votre œil. Quand votre regard les attrape, ils vous conduisent d'une partie de l'image à l'autre, et ils le font avant même que votre cerveau ait le temps de réaliser ce qui se passe. Ça arrive juste comme ça. C' est ce qui détermine une bonne image d'une mauvaise. Ces lignes se trouvent dans les rues, dans les bâtiments, dans les arbres, dans les montagnes, dans l'eau, littéralement partout. Ils sont souvent juste la ligne de contraste entre les zones claires et sombres comme cette image, ou c'est la ligne de contrastes entre les couleurs comme une ligne d'arbre verte contre un ciel bleu, comme cette image. Il existe deux types différents de lignes de début. Il y a géométrique et organique. Les lignes géométriques se trouvent dans les villes et les zones urbaines où il y a beaucoup de lignes droites et évidentes à suivre comme les sommets des bâtiments, des balustrades et des rues, choses parfaitement alignées. Si vous vivez dans une ville, vous les voyez probablement tous les jours et vous n'avez jamais pensé à les utiliser dans votre vidéo jusqu'à maintenant. Ils sont un excellent outil de composition dans votre vidéo parce qu'ils rendent tout si symétrique et bien équilibré et au contraire, nous avons des lignes organiques qui sont parfois beaucoup plus difficiles à suivre. Ils ont tendance à se plier et à courber beaucoup plus que les lignes géométriques. Ils sont comme ça au lieu de comme ça. Ils pourraient être une chaîne de montagnes, ils pourraient être un virage de rivière, ils pourraient être une ligne d'arbres, vraiment n'importe quoi dans la nature qui vous pointe dans une seule direction. Le point de vue est un excellent outil pour raconter des histoires, car il peut vous aider à raconter l'histoire de votre sujet ou qu'ily a un chemin inconnu devant eux en utilisant deslignes de repère car il peut vous aider à raconter l'histoire de votre sujet ou qu'il y a un chemin inconnu devant eux en utilisant des qui mènent à l'arrière-plan. forme la plus courante de point de vue est une route. Il y a des routes partout. Si vous n'habitez pas près d'une route, je suis désolé, vous devez sortir du milieu du Kansas et venir là où les choses vont mieux. Désolé, Kansas, je ne l'ai jamais été. Si vous pouvez trouver une route, vous pouvez trouver un point de vue, et si vous pouvez trouver un point de vue, vous avez trouvé une vidéo douce. Si vous ne trouvez pas de point de vue, ce que je trouve très difficile à croire, si vous le pouvez, vous pouvez utiliser votre propre bras et une perspective à la première personne pour obtenir ce type de tir. Cela vous aidera également à ajouter de la profondeur et du réalisme à votre prise de vue, mais vous ne devriez vraiment l'utiliser que si cela correspond à l'histoire de votre scène. Vous ne voulez pas simplement lancer une photo comme celle-ci au hasard avec une vidéo d'entreprise ou une vidéo de mariage, ça ne correspondrait pas. 18. Règle des tiers: D' accord. Vous êtes toujours avec moi ? Parce que maintenant il est temps de parler de la règle des tiers. Règle des tiers a été créée par un peintre nommé John Thomas Smith en 1797 alors qu'il écrivait un livre sur Rural Scenery. Voilà votre leçon d'histoire. Donc, avec cette bêtise ennuyeuse hors du chemin, aller de l'avant. Son concept était de diviser votre image en neuf parties différentes et surtout en trois colonnes différentes. Son idée est que placer un sujet sur le tiers gauche ou droit, soit sur la ligne ou dans l'espace, créerait de la tension pour le spectateur et rendrait l'image beaucoup plus intéressante. À mon humble avis, il avait tort. Mais ce vieux gars regardant des vaches et de l'herbe haute était totalement sur quelque chose. Parce que la règle des tiers finissait par équilibrer plusieurs sujets dans la même scène et permettait au spectateur de recevoir la composition son ensemble au lieu d'un seul point de mise au point centré. Beaucoup de peintures à la fin des années 1700 étaient des portraits de personnes assis habituellement dans le centre mort du cadre. Si vous êtes une histoire ou un passionné d'art, vous serez probablement comme, eh bien, pas tous. Peu importe. Ça n'a pas d'importance. Il y avait une tonne de portraits et la règle des tiers a complètement perturbé ce point. Il est passé de la peinture à la photographie et maintenant en vidéographie et c'est génial. Alors, peu importe. Je vais vous montrer un exemple maintenant. Dans cet exemple, votre œil ne repose pas immédiatement sur le sujet. Il voit le sujet, mais ensuite il explore le reste de l'image et il regarde tout dans son ensemble. Avec plusieurs sujets et de grands milieux, vous pouvez vraiment utiliser la règle des tiers pour équilibrer tout. Dans des clichés comme celui-ci, il est préférable de donner quelques secondes au spectateur pour rassembler le reste de l'image avant de passer à une autre prise de vue. Règle des tiers est aussi grande avec la narration. Si vous utilisez un sujet humain et qu'ils regardent loin de la caméra. La règle des tiers peut vous aider à montrer où ils vont et dans quel environnement ils se trouvent. Rappelez-vous comment je vous ai demandé d'allumer la grille plus tôt pour votre téléphone ou votre appareil photo. Eh bien, c'est pour déterminer la règle exacte des tiers. Il montre chacune des trois colonnes. Mais c'est de la vidéographie, pas des mathématiques. Personne ne s'en souciera si tu es un peu en dehors. Vous pouvez les mettre dans la colonne, sur la ligne, entre deux colonnes. Peu importe, rapprochez-vous. C' est tout pour la règle des tiers. Passez à la leçon suivante. 19. La règle des 180 degrés: Il est temps de parler de la règle de 180 degrés. Tout comme les gros plans et les médiums, la règle de 180 degrés est également utilisée dans les conversations entre deux personnes. Pense à ça comme si tu étais la troisième roue d'un rencard. Tu regardes deux personnes avoir une conversation et tu penses peut-être à t'inscrire à eHarmony. Si vous regardez la personne à droite parler, elle devrait regarder à gauche de la caméra, et si vous regardez la personne à gauche parler, elle devrait regarder à droite de la caméra. Cela donne l'impression qu'ils se parlent. La règle de 180 degrés est une règle de film classique pour une raison. La règle stipule que si vous regardez une conversation, vous devez rester d'un côté à moins 180 degrés lorsque vous changez la caméra entre deux personnes. Si vous allez au-delà du 180 degrés, parce que votre cerveau gras de chapeau pensait, « Man, ça pourrait être un angle cool  », vous avez maintenant enfreint la règle des 180 degrés, ce qui va jeter votre public et ils vont sortir immédiatement de votre scène. Tu finiras par passer d'un tir comme ça à un tir comme celui-ci, et ça ne va pas correspondre. On dirait que quelqu'un parle à une personne puis tout d'un coup ils changent et commencent à parler à quelqu'un d'autre de l'autre côté, au lieu de passer d'un tir comme celui-ci, à un tir comme celui-ci. C' est ce qui correspond. On dirait que ces deux personnes se parlent. J' encourage la violation des règles dans presque tous les aspects de la vie, mais ce n'est pas une règle que j'encourage à briser jamais. Fais-moi confiance, ne le casse pas. C' est la règle. Passez à la leçon suivante et je vous verrai là-bas. 20. Salle de plomb et salle de tête: Puisque nous sommes sur le sujet des gens, je veux parler de la salle de plomb et de la salle de tête, et je vais le faire aussi vite que possible. La salle de tête est exactement ce qu'elle dit qu' elle est, elle laisse assez de place pour la tête. Trop de place pour la tête, et votre sujet va sembler très petit et la composition va être jetée. Trop peu de place pour la tête, et il va presque juste regarder un torse et le sommet de ta tête va être coupé et personne n'aime sa tête coupée. Ça a l'air bâclé, déséquilibré, et juste la marque d'un amateur. Ne le faites pas parce que rappelez-vous, les yeux sont les plus importants, alors nous voulons nous concentrer sur la tête. Maintenant, la salle de plomb est utilisée dans les films quand vous avez un sujet humain et que les gens agissent. C' est essentiellement la quantité d'espace que vous laissez de chaque côté du cadre afin que le sujet ait de la place pour sortir. Ou vous pouvez également l'utiliser lorsque le sujet a besoin d'ajuster sa position pour parler à quelqu'un d'autre, peu comme cette photo. Il est important de suivre la règle des tiers lorsque vous faites cela parce que laisser la quantité d'espace appropriée peut garder un bon coup bien équilibré. Si vous laissez trop peu de salle de plomb, ça va jeter tout le coup et ça va avoir l'air vraiment non professionnel. La salle de plomb est également utilisée pour les prises de vue qui ont beaucoup de mouvement lorsque votre sujet se déplace dans une direction. Mais nous allons en parler ensuite, dans la prochaine section sur le mouvement. Parlons-en maintenant. 21. Mouvement cinématographique : introduction: Le mouvement et pourquoi la cinématographie en a besoin. C' est ma deuxième section préférée et je suis assez pompé à ce sujet. photo et la vidéo sont différentes pour une raison simple, le mouvement. Ça ne s'appelle pas des films pour rien. Plus vous bougez, plus vous ajoutez d'intérêt et de réalisme à votre tir. A côté du camp de tir, mouvement est de loin ma partie préférée de la cinématographie parce que j'aime tourner des vidéos de voyage et des vidéos musicales et des choses qui impliquent beaucoup de mouvement. Le mouvement ne consiste pas seulement à ajouter de l'éclat et du style, il est également utilisé pour raconter une histoire et amener votre spectateur d'une scène à l'autre aussi facilement que possible. Peu importe si vous tournez un court métrage scénarisé avec des personnages sur une intrigue, ou si vous tournez simplement un résumé de vos vacances. Tout nécessite du mouvement pour aider à raconter l'histoire. Dans cette section, nous allons parler de tous les différents types de mouvement, quand les utiliser, pourquoi les utiliser. Nous allons aussi parler de séquences stabilisées par rapport aux images portatives. C' est de bonnes choses. 22. Vidéo portable vs stabilisée: Beaucoup de gens peuvent vous dire que les images portatives sont amateurs, et qu'elles doivent être stabilisées. Ils ont tort à moitié, à moitié raison, les deux ? Je ne sais pas. Si la scène est censée être trépidante, comme une poursuite en voiture, ou si vous fuyez quelque chose comme le grizzli affamé dont j'ai parlé tout à l'heure, vous allez vouloir emmener le spectateur sur le trajet avec vous et une vidéo tremblante. Si ce n'est pas destiné à être une scène mouvementée pleine d'action, alors les séquences tremblantes semblent assez amateurs. Il y a beaucoup de façons de stabiliser les séquences. Si vous avez un reflex numérique et que vous voulez stabiliser cela, vous pouvez utiliser un Glidecam ou un Ronin, ou sinon, vous pouvez faire votre propre Glidecam en ayant juste un trépied régulier pour votre appareil photo reflex numérique et en fixant des poids au bas de celui-ci. Le poids en bas est ce qui aide à stabiliser les mouvements rugueux lorsque vous tenez la caméra et que vous marchez. Avoir du poids maintient tout cela agréable et uniforme. Il suffit de saisir le trépied juste en dessous de la caméra et de marcher rapidement avec un pied devant l'autre, passant du talon aux orteils, du talon aux orteils , du talon aux orteils. Si vous filmez sur un iPhone, mon moyen préféré de tous les temps pour obtenir images vraiment stables est le cardan DJI 3 axes appelé le mobile Osmo. Cette chose est sérieusement fricking génial, même pas rigoler. Ils ne me paient pas pour dire ça, j'aime vraiment le mobile Osmo. La différence entre les deux est la nuit et le jour. Le stabilisé par rapport au stabilisé est incroyable. C' est électronique, de sorte qu'il peut compenser toute erreur humaine que nous commettons en marchant, en courant ou en trébuchant, quelle qu'elle soit. Il est également livré avec le logiciel sur l'application appelée Active Track. Vous pouvez sélectionner l'objet que vous choisissez, et il gardera constamment l'appareil photo pointé vers ce sujet, peu importe où vous allez. C' est comme ça que je fais ces hyper lapses de zoom fou. Un hyper-lapse est juste un time-lapse qui bouge. Sérieusement, vous pouvez vraiment tourner la tête vers l'arrière et ne pas la regarder, et juste confiance que l'Osmo va rester pointé sur le sujet que vous choisissez. Encore une fois, si vous filmez sur un iPhone, c'est un must-have. C' est la première chose que je vais m'assurer est chargé, C'est la première chose que je vais mettre dans mon sac de caméra. Cela vaut bien la peine. Maintenant, passons en revue les différents types de mouvements que vous pouvez ajouter à vos coups de feu. 23. Les types de mouvement: Parlons des différents types de mouvement. Je vais juste sauter à l'intérieur. D' abord, nous avons une poupée. Une poupée est juste un terme de film pour une poussée ou une sortie. Cela se fait sans zoomer la caméra. C' est fait en déplaçant la caméra vers l'avant ou vers l'arrière physiquement. Un push in est idéal pour construire le suspense dans une scène. Vous pouvez le faire avec des gens ou de l'architecture ou quoi que ce soit. Chaque fois que vous le poussez progressivement, vous fermez dans la scène et ajoutez l'importance à tout ce qui est au centre du plan. Ça pourrait être une porte, ça pourrait être une personne, ça n'a vraiment pas d'importance. Peu importe ce que vous poussez, vous ajoutez beaucoup d'importance à un retrait peut être utilisé pour révéler une scène, ou plus important encore, la profondeur de cette scène. Au fur et à mesure que nous sortons, la scène grandit alors que le sujet devient plus petit. Cela raconte une histoire subtile sur le sujet s'évanouissant dans leur environnement ou peut-être être une petite pièce d'un puzzle encore plus grand. Une poussée ou une sortie dépendra l'histoire de la scène que vous essayez de tirer. Si vous n'êtes pas sûr, essayez les deux. C' est toujours une meilleure option pour avoir plus de vidéos. Un push in ou un pull out peut être utilisé pour obtenir un effet de vertige vraiment cool en le contrecarant avec un zoom opposé. Un effet de vertige est ce style où le premier plan ou peut-être votre sujet et l'arrière-plan sont dimensionnés différemment. Si vous poussez sur un sujet, vous pouvez retirer le zoom exactement en même temps sur votre reflex numérique pour obtenir cet effet, ou si vous êtes en retrait, vous pouvez appuyer sur le zoom en même temps. Cela peut vous prendre quelques essais pour obtenir, mais si vous pouvez le faire, c'est vraiment cool. Si vous filmez sur un iPhone, je le fais généralement en faisant une poussée normale et puis en éditant plus tard, j'imagine la balance pour descendre pendant que je pousse, ou si vous faites un retrait, j'imagine la balance pour monter exactement en même temps. Si vous faites cela correctement, il obtiendra exactement le même effet que de tirer dans votre zoom sur un reflex numérique. Fondamentalement, la science derrière un effet de vertige est que c' juste un changement continu de la longueur focale lorsque vous poussez ou sortez. Il va d'un large à un téléobjectif, ou un téléobjectif à un large. Cela a été popularisé dans le film Jaws de Steven Spielberg, mais ça existe depuis un moment. Ensuite, je veux parler du tir de révolution, la montée et de la descente. Mais d'abord, vous devez comprendre le point d'intérêt. Pensez à ce que votre appareil photo soit attaché avec une ficelle et une balle à la fin. Où que cette balle soit placée, peu importe où vous déplacez votre appareil photo, cette balle va rester exactement au même endroit. La caméra est fixée sur ce point. C' est le point d'intérêt. Où que soit cet endroit, c'est ce que vos sujets devraient aller. Si vous faites un tir de révolution et que vous vous déplacez de gauche à droite, votre sujet devrait être votre point d'intérêt. Vous évoluez autour de votre sujet. Le plan de rotation est idéal pour les photos de produits et montre tous les côtés de votre sujet. Il ajoute un élément 3D. Une montée peut être une très bonne transition d'un angle bas à un angle élevé. Il peut être utilisé lorsque vous voulez faire passer votre sujet d'être grand et confiant à être faible et effrayé, ou vous pouvez simplement l'utiliser pour révéler plus de profondeur dans une scène. Rappelez-vous, nous avons parlé d'angle élevé montrant beaucoup de profondeur parce qu'il montre beaucoup de terrain. Un menu déroulant est à peu près le contraire. C' est quand votre personnage passe d'être faible et effrayé à être confiant, grand et fort, comme quand il passe d'un coup de pied à la reprise du trône, ou disons vos personnages face à l'extérieur de la caméra. Un menu déroulant peut révéler ce qu'ils regardent. C' est un tir génial pour quand votre personnage arrive enfin à sa destination finale et qu'ils le regardent avec admiration. C' est là que leur voyage les a finalement conduits. N' oubliez pas qu'il s'agit d'un plan de transition, il devrait donc être motivé par l'histoire et son environnement. En outre, une hausse et une liste déroulante peuvent être faites sans utiliser le point d'intérêt. Fondamentalement, le point d'intérêt va tout droit vers le haut ou vers le bas avec la caméra. Ceux-ci ont des effets vraiment similaires à l'utilisation de point d'intérêt. Cela dépend de celui qui correspond le mieux à votre scène. Ensuite, nous avons une casserole. C' est là que votre point d'intérêt se déplace de gauche à droite, mais votre appareil photo reste à un seul endroit. Honnêtement, c'est le mouvement de caméra le plus facile et le plus utilisé là-bas, et je l'utilise rarement lorsque je tourne des vidéos professionnelles. C' est essentiellement juste le mouvement touristique afin que vous puissiez montrer [inaudible] où vous êtes. Au contraire, vous avez un mouvement latéral, c'est là que vous êtes juste en train de suivre la même direction que votre sujet se déplace. strafing est l'endroit où vous déplacez la caméra et le point d'intérêt en même temps, lorsque vous faites un mouvement comme celui-ci, vous pouvez choisir de laisser votre sujet au centre mort du cadre, ou vous pouvez laisser quelques salle de plomb. Tu te souviens comment on a parlé de la salle de plomb plus tôt ? Il est également utilisé en mouvement. Quand un sujet voyage, nous quittons la salle de plomb pour voir ce qui se passe. S' ils marchent tout droit contre le bord du cadre, ça va être un peu bizarre, ne laisser aucune salle de plomb du tout est vraiment maladroit et déséquilibré. Scoot tes tissus et devance eux. 24. Technique bonus : démarrer et nettoyer la scène: Vous voulez apprendre quelque chose de cool.Ce sujet est sur Démarrage et effacement de la scène. Je veux le rendre rapide. Donc, démarrer et effacer la scène est une technique que j'utilise tout le temps dans mes vidéos. C' est fondamentalement juste une passe fantaisie par une transition où vous cousez un coup à l'autre avec un objet. Ce type de transition prend un peu de temps dans l'édition, mais si vous tirez correctement, vous pouvez être vraiment créatif avec elle. Tout ce dont vous avez vraiment besoin, c'est un objet dans votre environnement qui est assez grand pour couvrir la caméra et qui a de la place pour se déplacer derrière elle. Il vous suffit de chercher des arbres, des bâtiments, poteaux lumineux et tout autre objet de grande taille dans votre environnement. En général, je commence par fixer et verrouiller ma concentration et mon exposition sur mon sujet. Je commence la scène en frappant le record, en montrant mon sujet. Je suis derrière l'objet et si vous voulez, pouvez vous déplacer derrière un autre objet. C' est l'un de ces moments où vous gardez le point d'intérêt sur votre sujet. Si vous le faites correctement, vous pouvez coudre deux coups ensemble pour faire une transition transparente. Ce type de prise de vue est superbe lorsque la caméra est stabilisée. Donc un cardan va être votre meilleur ami ici, mais vous n'en avez pas besoin. Je le recommande juste. Vous pouvez le faire avec presque n'importe quel mouvement de caméra. Peu importe si c'est une montée, un mouvement latéral déroulant. Mais quand vous commencez, je recommande d'utiliser une révolution d'abord, parlons de drones maintenant. 25. Éclairage pour la cinématographie : introduction: Parlons de l'éclairage. Pourquoi est-ce important ? Savoir comment éclairer correctement est une compétence si souvent négligée. Probablement parce que lorsque l'éclairage est bon, il passe inaperçu. La scène ressemble à une scène de qualité et vous venez de plonger dans le contenu. Mais quand l'éclairage est mauvais, il est certainement remarqué. Les gens remarqueront immédiatement la faible qualité de production et seront moins confiants à votre vidéo. Si j'avais vraiment un mauvais éclairage, comme celui-ci, tout en essayant de vous expliquer un concept professionnel, vous vous sentirez beaucoup moins enclins à me faire confiance, plutôt qu'à un bon éclairage. Un bon éclairage montre que l'entreprise ou la personne a mis du temps ou de l'argent dans leur livraison. L' éclairage peut également être utilisé pour régler toute l'ambiance d'une scène de contraste élevé, le style d'éclairage pour le suspense à la fantaisie, éclairage onirique, à l'éclairage heureux et lumineux. Changer votre configuration d'éclairage, ou même simplement changer l'angle de votre appareil photo pour obtenir un éclairage différent, peut affecter l'ensemble de votre prise de vue. C' est pourquoi l'éclairage correctement est une question d'éclairage délibérément. Enfin, un bon éclairage vous permet de gagner du temps et d'éditer plus tard. Tu te remercieras. votre éclairage est mauvais, plus vous passerez de temps à passer une lettre d'édition, augmenter l'exposition, à la sortir des ombres, changer la température de couleur et tout cela. Ça va juste perdre votre temps parce qu'il va encore sortir en dessous de la moyenne. Dans cette section, nous allons parler de la prise de vue avec lumière extérieure plutôt que de la prise de vue avec la lumière intérieure. Prise de vue en basse lumière et même la balance des blancs et la température de couleur. Faisons-le. 26. Prise de vue en extérieur avec lumière naturelle: Prise de vue à l'extérieur avec la lumière naturelle. photos à l'extérieur peut être un peu un défi. Vous avez toujours des sources de lumière limitées et neuf fois sur dix, le soleil est tout ce que vous avez. Bien sûr que vous pouvez traîner autour des lumières et des rallonges des balances et des stands de lumière et tout le truc avec vous, mais qui veut faire ça ? C' est pourquoi je compte sur les ressources de ma région, différents angles de caméra et un rideau de douche. Je vais aller à celle-là. La toute première chose à savoir sur le tournage à l'extérieur est le meilleur moment pour photographier. Le meilleur moment pour tirer est l'heure d'or. heure d'or est l'heure juste avant le lever et le coucher du soleil lorsque la lumière est plus basse et plus douce et tellement moins dure. L' éclairage est également plus chaud et beaucoup plus uniformément déplacé. Il y a une raison pour laquelle les couchers de soleil ont été observés depuis le début des temps. Ils sont beaux et ils peuvent rendre n'importe quel tir beaucoup plus attrayant. Vous pouvez également utiliser le soleil comme rétro-éclairage pour séparer votre sujet de son arrière-plan. Si vous photographiez pendant l'heure d'or, cela peut ajouter une belle lueur orange autour du bord de votre sujet. Vous pouvez également ajuster votre exposition pour obtenir un effet silhouette vraiment agréable. heure d'or est le seul moment pour rendre ce look vraiment cinématographique. Mais en changeant votre angle de prise de vue de l'autre côté, vous pouvez maintenant remplir votre sujet et votre arrière-plan de lumière. Tout dépend de ce que vous allez chercher dans votre vidéo. Mais un simple changement de l'angle de la caméra fait toute la différence. Donc, même si vous essayez juste de prendre le selfie parfait, essayez juste de vous tenir près d'une fenêtre où il y a plus de lumière, Instagram pro conseil. Si vous tournez vers midi et que la lumière est extrêmement dure et directement au-dessus, c'est là que le rideau de douche est très pratique. Le rideau de douche aide à diffuser la lumière et à la rendre beaucoup plus douce. Diffuser, ce qui signifie qu'il brise les rayons lumineux et les déplace uniformément sur votre sujet, vous pouvez obtenir un rideau de douche bon marché n'importe où. J' ai eu le mien à Walmart. C' est le blanc, ne prenez pas le givré, ne prenez pas le clair, prenez le blanc. Tout ce que vous avez à faire est d'étaler le rideau de douche au-dessus de votre sujet pour diffuser la lumière. Voici à quoi il ressemble avant le rideau de douche avec la lumière dure par rapport au rideau de douche au-dessus de la tête de notre sujet. Voyez à quel point cette lumière est déplacée de façon plus uniforme. Idéalement, le meilleur moment pour photographier à l'extérieur est une journée nuageuse où le ciel agit comme un rideau de douche géant et diffuse toute la lumière. Si vous voyez une journée nuageuse, profitez-en. 27. Prise de vue en intérieur avec lumière contrôlée: C' est le tournage à l'intérieur avec lumière contrôlée. Quand j'étais à l'école de cinéma, mon professeur d'éclairage disait qu'on peignait avec de la lumière. Je croyais qu'il essayait d'arracher des poètes morts à la société et d'être poétique à ce sujet. Mais il avait un point. Tu dois vraiment peindre ta scène avec de la lumière. Comme je l'ai dit tout à l'heure, nous devons allumer délibérément. éclairage intérieur approprié est le meilleur moyen d'atteindre une qualité de production élevée. Vous pouvez le faire avec une configuration d'éclairage à trois points, qui est l'endroit où vous disposez d'une lumière clé qui est placée d' un côté de l'appareil photo qui vous fournit la majeure partie de votre lumière. Une lumière de remplissage plus petite sur le côté opposé qui remplit ces ombres et le rétro-éclairage qui donne un joli bord à votre sujet et les sépare de l'arrière-plan. Avec le bon positionnement, vous pouvez le faire avec de simples lampes domestiques ou même des fenêtres. Évidemment, vous devez attendre le bon moment de la journée pour utiliser une fenêtre comme lumière clé ou vous pouvez faire ma version, qui est l'éclairage VLOG. C' est là que vous mettez deux lampes de chaque côté de la caméra pour remplir uniformément le visage et une lumière sur le sol derrière vous qui pointe vers votre arrière-plan. C' est légitimement ce que j'utilise en ce moment, trois lampes domestiques, même pas de plaisanter. Je n'ai pas dépensé plus de 15$ en ampoules. Le lampadaire donne un bel effet de vignette ici. Une vignette est lorsque vous avez perdu les coins sombres autour du cadre de votre image. La seule chose à savoir sur cette configuration d'éclairage VLOG est d'avoir les bonnes ampoules de température de couleur, dont nous allons parler ensuite. 28. Température de couleur: Comprendre la balance des blancs et la température de couleur. Une partie très importante pour obtenir le bon éclairage est de comprendre ce qu'est la balance des blancs. La balance des blancs est ce que nous mettons sur notre appareil photo pour contrer les températures de couleur différentes de certaines ampoules, ou les conditions d'éclairage si vous êtes à l'extérieur. La température de couleur, en un mot, est à quel point votre scène a l'air chaud ou froid. Si vous allumez votre scène avec une ampoule de tungstène, qui est l'ampoule la plus classique commune, c'est une sorte d'une couleur orange-ish qui se trouve dans la plupart des ménages, cela va vous donner une teinte très orange à votre scène. La température de couleur de la lumière de tungstène varie environ 1.000-4,000 Kelvin sur l'échelle, Kelvin étant une unité de mesure pour la température absolue. Beaucoup d'ampoules fluorescentes plus récentes qui sont plus économes en énergie émettent une température de couleur d'environ 5 000 à 6 000 Kelvin. Il fait beaucoup plus froid. Cette couleur d'éclairage est idéale pour l'éclairage de studio. C' est en fait ce que j'utilise en ce moment avec les ampoules juste derrière mon appareil photo. Ça donne à mon visage un bel aspect blanc neutre. Celui derrière moi pour ma lumière de fond est juste une lumière de tungstène régulière. Vous pouvez trouver les deux types d'ampoules dans n'importe quel magasin Walmart local ou de rénovation pour 5 à 8 dollars, beaucoup mieux que de dépenser 80$ pour un kit d'éclairage professionnel. 6 000 à 10 000 Kelvin, c'est la portée de notre ciel bleu. La plupart des magasins ne vendent même pas une ampoule de cette couleur à moins que ce soit comme une ampoule de fête, ce qui est collant, alors ne l'utilisez pas. Une autre chose à savoir sur l'achat d'ampoules est la puissance et les lumens. Vérifiez la lampe dans laquelle vous mettez l'ampoule pour voir quelle est la puissance maximale et assurez-vous d'acheter une ampoule en dessous de ce réglage. La dernière chose qu'on veut faire, c'est allumer un feu et ce ne sera pas de ma faute parce que je ne t'ai pas dit ça. Vous pouvez également voir combien de lumens l'ampoule sort, ce qui est fondamentalement la brillance de l'ampoule. Il est généralement préférable d'acheter une ampoule avec des lumens plus élevés parce que vous pouvez toujours couper la lumière ou la diffuser avec, disons, le rideau de douche dont j'ai parlé plus tôt. Il suffit de mettre plus de couches de rideau de douche devant votre lumière pour l'atténuer autant que vous en avez besoin. Je ne pense pas vraiment avoir besoin d'un exemple pour le montrer. Si vous ne voulez pas aller dépenser 5 à 8$ pour différentes ampoules, vous pouvez travailler avec ce que vous avez à la maison. Il vous suffit de changer la température de couleur plus tard lors de l'édition. La plupart des programmes de montage ont une température ou un briquet de distribution que vous pouvez faire glisser d'avant en arrière pour ajuster la balance des blancs dans votre prise de vue. Vous n'avez pas presque autant de portée que d'acheter de meilleures ampoules, mais tout aide. Ils ont aussi des kits d'éclairage sur Amazon que vous pouvez acheter, mais je suis un bricoleur et j'ai aimé faire ma propre configuration d'éclairage. Les ampoules que j'utilise pour mes lumières de remplissage, qui sont celles de chaque côté de la caméra pour remplir mon visage, sont de 1550 lumens. Ils sont également de 14 watts et environ 5 000 température de couleur. Celui que j'utilise, la lumière de mon arrière-plan, est une ampoule de tungstène régulière. C' est environ 2700 Kelvin, 500 lumens, et environ 9 watts. J' utilise juste des lampes bon marché régulières que je peux trouver chez Walmart ou Target pour alimenter ces ampoules. Si vous souhaitez faire votre propre configuration d'éclairage pour le vlogging, vous pouvez utiliser mes recommandations, et juste commencer à jouer, et voir ce que vous aimez. Je vais remettre mes réglages d'ampoule sur l'écran en ce moment. 29. Visualiser la scène: Le dépistage de localisation consiste à trouver les endroits les plus appropriés et les plus beaux pour prendre des photos. Cela peut être amusant et cela peut être une énorme douleur dans le cou. Le dépistage de localisation est l'une de ces choses que vous ne voulez pas faire si vous êtes dans une limite de temps. Une des choses que je détestais est de passer des vacances en famille ou quelque chose où je dois aller quelque part bientôt et je me précipite dans tous mes endroits, je finis par sortir avec de la merde. La seule limite de temps réel que vous devriez avoir est d'essayer d' attraper l'heure d'or avant le coucher du soleil. Il y a des choses à vous poser avant de trouver l'endroit le plus approprié pour photographier. La première est, quoi ressemble l'éclairage dans votre vision de la scène ? C' est le coucher du soleil ? C' est doux et romantique ? Est-il contrasté et sombre ? Ou c'est de la lumière blanche ? C' est de la lumière chaude ? La réponse va avoir de l'importance pour le moment et l'endroit où vous tirez. La deuxième question à vous poser est quel type de composition de tir implique la scène ? Va-t-il mieux paraître avec le point de vue, est-ce un angle bas ou un angle élevé ? Gros plan ou long plan, va également dépendre de l'endroit où vous tirez. La dernière question à vous poser est est-ce que cela implique le mouvement ? Cela déterminera l'espace dont vous avez besoin pour obtenir le tir et ce qui est dans votre région qui pourrait vous empêcher d'obtenir ce mouvement ? A-t-il des objets pour démarrer et effacer la scène ? A-t-il de la place pour faire une poussée ou une sortie ? Ces questions comptent et elles vont rendre votre processus de détection de localisation beaucoup plus simple. Il suffit d'écrire vos exigences pour le mouvement et la composition du tir, et il suffit de sauter dans la voiture et d'aller explorer. Le but est de trouver un endroit qui coche tout sur votre liste. Vous devrez peut-être essayer deux ou trois endroits avant de trouver le bon. Soyez patient et ne mettez pas de réveil. 30. Fin & Merci: C' est ça, les gars. Nous sommes arrivés à la fin du cours. Félicitations. Tout est fait. Je vous encourage à sortir et à pratiquer. Faites beaucoup d'erreurs parce que c'est là que vous allez apprendre le mieux. Nous avons eu beaucoup d'informations dans la dernière, je ne sais pas combien d'heures ce cours va être à la fin. J' ai quelques notes à la fin de ce cours que vous devriez imprimer et garder avec vous quand vous avez besoin de regarder en arrière tout ça. Les gars, chaque évaluation aide ma crédibilité à grandir et ça compte tellement plus que vous ne le pensez. J' apprécierais beaucoup si vous le faisiez. Sinon, c'est cool. Si vous voulez me laisser des commentaires, vous pouvez le faire publiquement ou vous pouvez m'envoyer un message privé. Je serais plus qu'heureux d'apporter des changements là où c'est nécessaire. Encore une fois, félicitations. J' ai hâte de voir quel genre de trucs vous sortez. Si vous me trouvez sur les réseaux sociaux, n'hésitez pas à me balancer dans des trucs. J' espère que vous avez apprécié ça. Rendez-vous sur le prochain cours.